Преступники за мольбертом: криминальное прошлое великих художников. Правда или вымысел?: shakko.ru — LiveJournal

Если верить теории, согласно которой преступление – это тоже своего рода способ самовыражения, то художники, особенно талантливые и успешные, совершенно не нуждаются в том, чтобы преступать закон. Но бывает, что обстоятельства и особенности творческой натуры увлекают творца на совершенно не свойственный ему путь не созидания, но насилия и нарушения закона. Впрочем, еще Пушкин размышлял на тему «гения и злодейства», предполагая для творца в качестве единственного понятного преступного мотива зависть к более талантливому или удачливому коллеге по цеху. В жизни все бывает гораздо более прозаично. Впрочем, очень часто истории о преступных наклонностях того или иного мастера – это всего лишь обывательские домыслы, никак не подкрепленные фактами.

Продолжаю читать замечательную nikonova_alina, которая уже написала все, что я только планирую.

Оригинал записи

Вот несколько таких историй:

Известный мастер итальянского Возрождения фра Филиппо Липпи (ок.1406 – 1469), был не только художником, но и священником. Помимо исполнения великолепных алтарных образов и фресок, он, вероятно, вел и некоторые финансовые дела монастыря Сан-Кирико близ Флоренции, куда его назначили на службу. Детали этой истории неизвестны, но в 1455 году выяснилось, что фра Филиппо был замешан в каких-то темных финансовых махинациях, и его осудили за подлог.

Фра Филиппо Липпи. Поклонение волхвов. Ок. 1445

Лишь благодаря своим высоким покровителям он отделался легким испугом, его просто сместили с должности и перевели в другой монастырь. Он стал капелланом в женском монастыре святой Маргариты в Прато. Поскольку фра Филиппо был известным ловеласом, то перевод в женский монастырь вряд ли оказался для него наказанием, возможно, он воспринял это как неожиданную награду, тем более что в конечном итоге из этого монастыря он похитил юную монахиню, ставшую впоследствии его женой.

Фра Филиппо Липпи. Автопортрет

Художник Андреа дель Кастаньо (1423 – 1457) согласно легенде убил своего друга Доменико Венециано. Когда исследования доказали, что Кастаньо умер за четыре года до смерти Доменико, и эта легенда не подтвердилась, возникла новая версия, утверждающая, что Кастаньо еще подростком убил своего отца и поджег отчий дом, чтобы скрыть это преступление. Впрочем, известно, что его отец был извергом, морил своих четверых детей голодом и бил их смертным боем. В наше время он сам непременно оказался бы за решеткой.

Андреа дель Кастаньо. Успение Богоматери. 1449-1450

Знаменитого венецианца Тициана Вечеллио (около 1476/77 или 1489/90 – 1576) современники обвиняли в убийстве другого венецианского художника, Антонио Порденоне (1484 – 1539). В свое время он был очень известен и в Венеции, и в других городах, где исполнял различные заказы. Современники полагали, что Тициан возненавидел Порденоне, когда тот приобрел большую популярность в Венеции и стал получать там все лучшие заказы. В конце концов, Антонио очень устал из-за постоянного соперничества с Тицианом и уехал в Феррару, где намеревался отдохнуть и восстановить свои силы. Однако там он неожиданно умер, как это назвали бы сейчас, при невыясненных обстоятельствах.

Порденоне. Свв. Просдоций и Петр. 16 век

Порденоне обедал в траттории и обильно запивал трапезу вином. Вдруг он вскрикнул, захлебнулся, очевидно, потерял сознание, и упал, ударившись лицом о стол. Его отнесли в верхние комнаты, поскольку подобные заведения в те времена сочетали в себе функции ресторана и гостиницы. Порденоне пролежал два дня в коме и умер, не приходя в сознание. Свидетели утверждали, что незадолго до происшествия из дверей траттории выбежал некто, закутанный в черный плащ, а фигурой и походкой этот человек как две капли воды был похож на Тициана. Сразу же родилась версия, что это Тициан специально тайно приехал в Феррару и подсыпал отраву в вино своего соперника, чтобы устранить его раз и навсегда.

Тициан. Любовь небесная и Любовь земная. 1514

У художника, впрочем, оказалось стопроцентное алиби: он как раз в этот день работал над срочным заказом и никак не мог отлучиться из мастерской. Конечно, этому многие не поверили, считая, что его отмазали, потому что ему покровительствовал сам дож. Однако, исповедуясь в своих грехах на смертном ложе, Тициан так и не признался в убийстве Порденоне. Хотя, кто знает, в момент смерти ему было чуть ли не сто лет. Человек в таком возрасте может и забыть что-то не очень существенное.

Однозначно в убийстве, и, очень возможно, даже не в одном был замешан великий Караваджо (1573 – 1610). В отличие от многих своих коллег по цеху он владел шпагой и кинжалом ничуть не хуже, чем кистью, и, к тому же отличался несдержанным нравом и бешеным темпераментом. Известно, что Караваджо, происходивший из достаточно состоятельной семьи, начал получать художественное образование у себя на родине, в Милане, в мастерской местного художника Симоне Петерцано. А в возрасте около двадцати лет, примерно в 1592 или 1593 году, Караваджо неожиданно переехал в Рим. Официальные биографы художника придерживаются мысли, что Милан стал тесен для его творческих амбиций, но один из писателей 17 века, Джованни Беллори предполагал, что художник был вынужден бежать из родного города, поскольку то ли ранил, то ли убил в драке человека.

Оттавио Леоне. Портрет Караваджо. 1621

В Риме Караваджо постепенно нашел себе покровителей, многочисленные заказы помогли ему обрести финансовую стабильность, но при этом его имя постоянно оказывалось в полицейских списках нарушителей закона. В основном это были мелкие правонарушения, хулиганские выходки и неподчинение представителям власти: он мог швырнуть в лицо официанту поднос, носить оружие, меч и кинжал, без соответствующего разрешения, или перебить стекла в доме своего квартирного хозяина, когда возник конфликт из-за квартирной платы, которую художник некоторое время не вносил.

По-настоящему серьезная проблема возникла у Караваджо, когда он в случайной драке, возникшей в споре из-за игры в мяч, действительно убил человека. Здесь его покровители уже были бессильны ему помочь, и в 1606 году он снова бежал, на сей раз из Рима. Караваджо провел оставшиеся четыре года своей жизни, скрываясь от правосудия. Сначала он прятался под Римом, затем перебрался в Неаполь, далее бежал на Мальту. Там он работал по заказам рыцарей-госпитальеров, но опять не смог избежать конфликтов. Несколько раз он оказывался в тюрьме. Потом он снова вернулся в Неаполь, где стал жертвой нападения, вероятно подстроенного его недругами из Мальтийского ордена. Ему сильно изуродовали лицо. Позднее, он еще раз попал в тюрьму в городе Порто-Эрколе, куда перебрался из Неаполя, на сей раз по ошибке. Когда его выпустили, он заболел малярией и умер. Это случилось 18 июля 1610 года, художнику было 37 лет. SHAKKO: подробней читайте у меня здесь: «Карваджо — очень плохой мальчик».

Курбе. Барышни на берегу Сены. 1856

Пришлось сидеть в тюрьме и знаменитому французскому мастеру Гюставу Курбе (1819 – 1877). Он получил шесть месяцев заключения и штраф в 500 франков за участие в уничтожении Вандомской колонны. Курбе поддерживал радикальные идеи Парижской Коммуны, а в тюрьму попал после того, как в мае 1871 года Коммуна была утоплена в крови. Уже после того, как он отбыл наказание, маршал Мак-Магон, который пришел к власти во Франции в 1873 году приказал возобновить расследование.

Курбе. Автопортрет. 1842

Курбе, опасаясь нового ареста, бежал за границу, и остаток жизни провел в Швейцарии. В результате нового судебного разбирательства на него наложили штраф в 323000 фунтов, а все картины, остававшиеся во Франции конфисковали и продали с молотка. Впрочем, это было по большей части политическое дело, и Курбе, разумеется, не преступник, а жертва политических репрессий. Хотя Вандомскую колонну, разрушенную коммунарами как символ тиранической власти, все же жалко, как и любой исторический памятник, который попадается под горячую руку революционерам.

Анри Руссо в 1907

Несколько раз пришлось побывать в тюрьме и знаменитому представителю наивного искусства, французскому художнику Анри Руссо (1844 – 1910), которого иногда еще называют Таможенник Руссо, поскольку некоторое время он действительно служил на таможне. Это были небольшие сроки заключения за несерьезные с точки зрения закона проступки. Первый раз его арестовали еще в ранней молодости, когда он служил клерком в юридической конторе, и хозяин уличил его в мелком воровстве из кассы. Чтобы получить снисхождение суда, Руссо даже записался добровольцем в армию, но перед тем, как отправиться в казармы, ему все равно пришлось месяц отсидеть в тюрьме. В 1904 году его арестовывали за неуплату долгов торговцу художественными принадлежностями, а в 1907 – привлекали к суду по обвинению в непредумышленном мошенничестве. Правда, в этот последний раз он отделался условным наказанием.

Анри Руссо. Карнавальный вечер. 1886

Целый месяц провел в тюрьме знаменитый представитель австрийского экспрессионизма Эгон Шиле (1890 – 1918). Обвинение по современным меркам было довольно серьезным: развращение малолетних и распространение порнографии. Под порнографией понимались его собственные картины и рисунки, 125 его работ были конфискованы, а одна картина даже публично сожжена. Дело происходило в небольшом провинциальном городке, где само присутствие Шиле с любовницей воспринималось как вызов обществу. А предпочтения художника, когда он приглашал в свою мастерскую девочек-подростков, которые, о, ужас, позировали обнаженными (Шиле очень любил писать еще несформировавшееся женское тело), воспринимались местными жителями как ужасный криминал. К счастью, обвинение в совращении малолетних доказано не было, художника выпустили из тюрьмы, и он счел за благо полностью изменить образ жизни. Шиле уехал в Вену, расстался с любовницей, женился на девушке из приличной семьи и несколько изменил тематику своих картин. (…)

Эгон Шиле

Великие истории любви. Василий Тропинин, любовь и творчество крепостного художника — Жизнь — театр

Биография Василия Тропинина, подчиняясь законам романтической эпохи, складывается в стройную историю — историю таланта, который благодаря упорству и трудолюбию пробивается сквозь самые неблагоприятные обстоятельства.Свидетельства знавших его людей рисуют художника человеком добрым, отзывчивым и чувствительным. Это впечатление от его личности полностью соотносится с впечатлением, рожденным от его искусства. Портреты Тропинина легко узнать по благодушному выражению лица, свойственному его персонажам. Он наделял своих героев собственным спокойствием и доброжелательностью.Василий Тропинин, автопортрет

Василий Тропинин родился 30 марта в 1780 (1776) году в селе Карповка Новгородской губернии крепостным графа А.С. Миниха. Впоследствии он перешел во владение графа И.И. Моркова в составе приданого за дочерью Миниха, Натальей. Отец его, управляющий у графа, за верную службу получил вольную, однако без детей. Тропинин еще мальчиком посещал в Новгороде городскую школу, а затем, когда способности к рисованию стали очевидны, он был отдан учеником кондитера в дом графа Завадовского в Петербурге.

Переезд в Петербург имел для Тропинина огромное значение. После многочисленных просьб Морков согласился определить учиться живописи своего талантливого крепостного.

Императорская Академия художеств не возбраняла посещать академические классы крепостным в качестве «посторонних», вольноприходящих учеников. Тропинин прошел рисовальные классы и поступил в мастерскую портретной живописи, которую возглавлял С.С. Щукин. Показательно, что в 1810-х годах в портретном классе Щукина ученикам и пенсионерам задавались следующие темы: «Возвращение ратника к своему семейству», «Русская крестьянская свадьба», «Русская крестьянская пляска» и «Ворожба на картах». Таким образом, Щукин ориентировал своих учеников на правдивую передачу сцен народной жизни. В мастерской Щукина были заложены также стилистические и технические основы живописи Тропинина. Будучи крепостным, Тропинин жил в доме учителя, тер ему краски, натягивал и грунтовал холсты. Отсюда — определенное сходство палитр художников. Излюбленное Тропининым сопоставление красновато-охристых тонов с глубокими оливково-зелеными и легкими голубовато-серыми вызывает в памяти одно из лучших произведений русской живописи рубежа XVIII и XIX веков — «Автопортрет» Щукина.С.С. Щукин Автопортрет

По свидетельству Николая Рамазанова, впервые изложившего биографию художника, Тропинин «мягкостью своего характера и постоянной любовью к искусству скоро приобрел себе дружественное расположение и уважение бывших в то время на виду лучших учеников Академии: Кипренского, Варнека, Скотникова». Ему благоволили профессора Академии. На академической выставке 1804 г. его картина «Мальчик, тоскующий об умершей своей птичке», написанная по картине Грёза, была замечена самой императрицей. О Тропинине заговорили как о «русском Грёзе». Этого живописца Тропинин копировал и цитировал всю жизнь. Француз Ж.-Б. Грёз был тогда в России очень популярен. Русскому зрителю импонировала сентиментальная чувственность его произведений.

Будучи слушателем Академии, Тропинин получил возможность приобщиться к мировой художественной культуре. Академия художеств обладала значительным собранием картин западноевропейских мастеров. Ученики академии копировали также с картин, находившихся в Императорском Эрмитаже. По копиям Тропинина можно судить о его преобладающем интересе к голландским и фламандским мастерам — Рембрандту, Йордансу, Тенирсу. Если с Грезом Тропинина сближало сентименталистско-просветительское мировоззрение, присущее им обоим., то в работах голландцев и фламандцев он находил поддержку своей реалистической ориентации, исканиям в области жанра.

Учился он блестяще и вскоре получил серебряную и золотую медали. Будучи учеником Академии, Тропинин оказался в центре художественной жизни Петербурга. Кроме Щукина, он общался с Егоровым, Шебуевым, Андреем Ивановым, Угрюмовым и Дуайеном.

Щукин сообщил графу Моркову об успехе его крепостного, и тот… отозвал Тропинина из Академии. Ему предписывалось ехать на Украину, в Подолье — в новое имение Морковых. Графу нужен был крепостной художник, усадебный живописец, а не один из лучших портретистов эпохи, каким тот в конце концов стал. Знания, с которыми Тропинин вышел из Академии, отличались от обычной академической программы. По его ранним рисункам можно сделать вывод, что он не изучал анатомии, мало посещал классы рисования с натуры, плохо владел перспективой и искусством композиции. Недостаточность академического образования Тропинин преодолевал долгие годы. Раннее творчество Тропинина весьма неровно.

В имении Морковых Василию дали понять, что он всего лишь крепостной, и назначили на должность кондитера и лакея. Кроме того, в его обязанности входило выполнять копии с картин западноевропейских и русских художников, украсившие впоследствии дом Моркова, расписывать местную церковь и писать для нее иконы, а также работать над галереей семейных портретов своих хозяев.

Последующие без малого двадцать лет, с небольшими перерывами, Тропинин прожил на Украине, в имении Моркова Кукавка. Незлобивый и добрый по натуре, Василий Тропинин со смирением переносил превратности судьбы, не ожесточился, не впал в депрессию от сознания несоответствия собственного дарования и того положения, которое он занимал, напротив, воспринял пребывание на Украине как продолжение обучения, своего рода стажировку. «Я мало учился в Академии, но научился в Малороссии: я там без отдыха писал с натуры, и эти мои работы, кажется, лучшие из всех до сих пор мною написанных», — вспоминал он позднее.Тропинина Анна Ивановна (урождённая Катина, жена художника). 1810 год.

О том, как развивался роман домашнего художника графа Моркова, а по совместительству маляра и архитектора Василия Андреевича Тропинина с вольной поселянкой Анной Ивановной Катиной, не известно почти ничего. Можно лишь сказать, что венчались они в 1807 году в принадлежавшей графу деревне Кукавке Подольской губернии. Таинство проходило в только что освященной церкви, построенной по проекту Тропинина и расписанной им же.

Для Анны Катиной брак с крепостным означал, что и она сама, и ее дети от этого брака попадут в неволю. В те времена случалось, что хозяева за заслуги давали вольную своим крепостным, но это редко распространялось на целую семью. Пример тому — судьба отца художника, который в конце жизни получил личную свободу, но его жены и детей барская милость не коснулась, и Тропинин-старший так и остался привязанным к хозяину. Однако, раз она на это пошла, значитотношения между ними были и весьма серьезные.

Брак Василия и Анны Тропининых был счастливым. Художник души не чаял в жене и родившемся впоследствии сыне Арсении. Кстати, портрет последнего, выполненный отцом, считается одним из лучших изображений детей в истории русской живописи.Портрет Арсения Васильевича Тропинина, сына художника. Около 1818 года.

Отечественная война 1812 года изменила мирное течение кукавской жизни. «6-го августа тишина Шальвиевки (усадьба Моркова в четырех верстах от Кукавки) была нарушена заливавшимся под дугой колокольчиком», — пишет Рамазанов. Прибывший из Петербурга фельдъегерь объявил приказ Александра I, который по выбору московского дворянства назначал Моркова начальником московского ополчения. Граф тотчас же выехал из Кукавки, а имущество свое поручил Тропинину отвезти в Москву обозом. Крепостной художник отправился вслед за графом и долго странствовал по охваченной войной России Тропинин был в числе первых жителей, вошедших в Москву после пожара. Летом 1813 года вернулось домой ополчение Стараниями Тропинина московский дом Морковых был готов к приему хозяев Однако во время пожара в нем сгорели все находившиеся там работы художника.

На месте особняка графов Морковых на Тверской улице также было пепелище. Жизнь в послепожарной Москве постепенно оживала. В 1813 победителями вернулись ополченцы, в 1814 – русские войска из заграничных походов. Тропинин вновь занялся живописью. В отстроенном доме графа у него появилась мастерская, где он исполнил портреты своих хозяев, их близких и знакомых дворян.

Помещика, Ираклия Ивановича Моркова, нельзя было назвать человеком крутым или жестоконравным.
В конце концов, если не всегда благодаря его личным заботам, то благодаря его непротивлению или расположению, Тропинин посещал Петербургскую Академию художеств, имел заказчиков из числа высокопоставленных людей, мог работать в прекрасной мастерской. Ираклий Иванович постарался – отвел под мастерскую одну из самых больших, светлых комнат московского особняка. Но положение слуги в доме Моркова было мучительным для Тропинина.
С добродушной улыбкой он рассказывал о случае, изменившем его положение и отношение к нему помещика. Приезжий француз-художник, побывав в мастерской Тропинина, необычайно расхвалил Моркову его работы. Приглашенный к обеду, он, увидев входящего в гостиную нарядно одетого художника, радостно вскочил ему навстречу, упрашивая сесть рядом. И Морков, и Тропинин были чрезвычайно смущены, потому что одетый в нарядную ливрею Тропинин вошел в гостиную, чтобы прислуживать за столом… С тех пор, Морков лакейские обязанности с Тропинина снял.

В 1815 написал два больших полотна семейства графа Ираклия Моркова. На одном изображены отец с сыновьями-воинами и старшими дочерьми-невестами, счастливые встречей после окончания Отечественной войны.После их приезда Тропинин написал семейный портрет старших Морковых. Слева — сыновья, Ираклий и Николай. Справа от отца — дочь Наталья. Мать — за клависином, рядом — мадемаузель Боцигетти

На другом – подросшие за время лихолетья младшие дочери и сын. В этом году он написал портрет Н.М.Карамзина, который был гравирован и открывал собрание сочинений писателя. Портрет историка Николая Михайловича Карамзина. 1818 год.

Дворяне, следуя старинной моде, вновь возрождали в своих домах портретные галереи вместо сгоревших в московском пожаре полотен. Поэтому Тропинина охотно «одолживали» в те дома, где требовался живописец. Он писал портреты соседей графа, многочисленных военных, вернувшихся с полей брани, своих близких (сына, сестры Анны), москвичей.Портрет сына художника за мольбертом. 1820-е годы.Портрет Анны Андреевны Тропининой, сестры художника. 1827 год.

Снискав в Москве уважение и популярность, художник тем не менее оставался крепостным, что вызывало удивление и недовольство в кругах просвещенного дворянства. Особенно хлопотали за Тропинина А.А. Тучков — генерал, герой 1812 года и коллекционер, П.П. Свиньин, Н.А. Майков. Однако граф Морков не спешил давать вольную своему крепостному живописцу, талант и человеческие качества которого он очень ценил. И.И.Морков был обычным помещиком того времени, не хуже многих. Он всё же отпустил Тропинина, не потребовал за него денег, как это было с Т.Г. Шевченко или с Г.Сорокой.
А Иван Петрович Аргунов, крепостной графа П.Б.Шереметева, одного из богатейших людей своего времени, так и умер в неволе. Его сын Николай Иванович Аргунов, тоже талантливый художник, до 45лет был крепостным Шереметевых.

Это произошло только в 1823 году, когда ему было 46 лет, он, наконец стал вольным. На пасху в 1823 году граф вручает Тропинину вольную. Жена и сын Тропинина Арсений оставались в крепостной зависимости еще пять лет.Портрет жены художника

В 1824 году за «Портрет медальера К.А. Леберехта» Тропинин был признан академиком портретной живописи. Художник подает в Академию художеств свои картины: «Кружевницу», «Нищего старика», портрет Е.О. Скотникова и портрет А.Е. Леберехта и в 1824 году получает звание Академика. Совет Академии художеств предлагал ему остаться в Петербурге и принять должность профессора. Но холодный чиновничий Петербург и перспектива официальной службы не привлекали художника. В том, что Тропинин выбрал Москву, сыграло свою роль несколько немаловажных факторов. И чисто личный — в Москве жила семья его бывшего владельца графа И. Моркова, крепостными которого оставались жена и сын художника, и явно ощущаемое Тропининым чувство свободы, которое дарила ему московская жизнь, а также новое для художественной жизни России стремление художника обеспечить себе независимое профессиональное положение. Искусство в России всегда было делом государственным. Императорская Академия художеств распределяла государственные заказы, «пенсионерство» и субсидии и определяла судьбу художников. Тропинин же, живя в Москве исключительно частными заказами, сумел завоевать славу одного из лучших портретистов, создать себе независимое положение, которым обладали очень немногие русские художники. Василий Андреевич занял в московской культурной жизни ту нишу, которая до него пустовала, и стал самым знаменитым московским портретистом, отразившим в образах современников и гармонию, и противоречивость московской жизни.

В Москве Тропинин поселился в доме Писаревой на Ленивке, близ Большого Каменного моста. Здесь, в своей мастерской, он и написал знаменитый портрет А.С. Пушкина. Портрет Александра Сергеевича Пушкина. 1827 год.

В начале 1827 года Пушкин заказал Тропинину портрет для подарка своему другу Соболевскому. В этом портрете художник с наибольшей отчетливостью выразил свой идеал свободного человека. Он написал Пушкина в халате, с расстегнутым воротом рубашки и небрежно повязанным галстуком-шарфом. Тропининский Пушкин вовсе не приземлен — он так царственно величав, что кажется невозможным потревожить его раздумья. Особую внушительность, почти монументальность сообщают образу поэта гордая осанка и устойчивая поза, благодаря чему его домашний халат уподобляется торжественной античной тоге.

У этого портрета была странная судьба. С него было сделано несколько копий, а сам оригинал пропал и появился лишь много лет спустя. Его купил в московской меняльной лавке директор московского архива Министерства иностранных дел М.А. Оболенский, которого Тропинин писал, когда тот был еще ребенком. Художника просили подтвердить подлинность портрета и подновить его, поскольку он был сильно испорчен. Но Тропинин отказался, сказав, «что не смеет трогать черты, положенные с натуры и притом молодой рукой», и только почистил его.

В 1840-1850-е годы Тропинин чаще, чем ранее, изображает и повторяет изображения старых женщин — «Старуха, стригущая ногти» (1850), «За починкой белья» (1852), «Старуха с курицей» (1856). Как правило, моделью для этих картин служила жена художника Анна Ивановна. С этими образами связаны размышления Тропинина о старости, быстротекущей жизни. Они вызывают щемящее чувство жалости, но в то же время создают ощущение покоя, смирения перед вечным, и, неизменным порядком бытия. Тропинин очень тяжело переживал смерть своей жены в 1855 году; из квартиры на Ленивке, где они прожили больше тридцати лет, переехал в Замоскворечье.

Он написал более 3 тыс. портретов. Критика редко писала о нем, ведь он почти не участвовал в академических выставках. Несмотря на это, он был очень известен и пользовался славой лучшего портретиста.
Даже Карл Брюллов, отказываясь писать портреты москвичей, говорил: «У вас есть собственный превосходный художник».

Смерть Анны Ивановны в 1855 году стала для Тропинина тяжелым ударом — он практически забросил живопись. Однажды рядом с его студией на Ленивке обосновался гробовщик. Художник, для которого рана от потери была еще слишком свежа, не перенес такого соседства, купил домик в Замоскворечье и съехал с насиженного места, где написал и знаменитый портрет Пушкина, и автопортрет с видом на Кремль. Умер Василий Тропинин 3 мая 1857 года, пережив супругу всего на два с небольшим года. Похоронен на Ваганьковском кладбище.Автопортрет на фоне окна с видом на Кремль. Из коллекции Музея В.А. Тропинина и московских художников его времени. Автор В. Тропинин

https://www.mos.ru/news/item/36479073/

http://www.centre.smr.ru/win/artists/tropinin/biogr_tropinin…

http://files.school-collection.edu.ru/dlrstore/e04c31f7-3ab3…

http://nearyou.ru/tropinin/13famaly.html

Лейденская коллекция. Часть вторая — КниЖЖка с картинками — ЖЖ

? LiveJournal

• Find more
  • Communities
  • RSS Reader
• Shop
• iOS & Android
• Help

Login

• Login
• CREATE BLOG Join
• English (en)
  • English (en)
  • Русский (ru)
  • Українська (uk)
  • Français (fr)
  • Português (pt)
  • español (es)
  • Deutsch (de)
  • Italiano (it)
  • Беларуская (be)

Девушка с мольбертом. Как художник понимает элитарность искусства? | КУЛЬТУРА

В эти дни в Ижевске проходит традиционный ледовый фестиваль Ангелов и Архангелов.  За шесть лет его существования появлялось немало скульптур, не всегда совпадавших с иконописными образами: был и спящий ангел, и ангел с тремя крыльями, символизирующий Троицу. Вспомнили служители искусства даже про святого мученика Христофора Пёсьеглавца, который имел голову собаки и, возможно, поэтому редко упоминался в православной иконографии.

Известная своей оригинальностью ижевская художница Евгения Мальцева решила пойти дальше и высекла из куска льда Люцифера, архангела, от упоминания о котором у любого верующего христианина по спине пробегает неприятный холодок.

«Архангел №1»

— Принято считать, что современное искусство и РПЦ — несовместимые вещи. Существование фестиваля и ваше участие в нем говорит об обратном?

— Около года назад я беседовала с религиоведом Романом Багдасаровым. Он говорил, что новая эпоха у нас в искусстве появится, когда Русская православная церковь начнет заказывать произведения современным художникам. Первые шаги в этом направлении уже сделаны. Правда, нигде больше, кроме Ижевска, это не наблюдается.

— Почему ваш выбор пал на падшего ангела?

Скульптура лишённого крыльев Люцифера. Фото: Аиф-Удмуртия/ Андрей Гузий

— Появилось желание как-то реабилитировать его в глазах общественности. До попадания в душу Люцифера греха (в Священном писании не объясняется, каким образом это случилось, природа греха человечеству не известна до сих пор) он был самым любимым и прекрасным сыном Бога, поэтому скульптура и получила название «Архангел №1». Мой Люцифер символизирует милость Бога, который может простить любой грех и вернуть в изначальное, чистое состояние. Кроме того, Люцифера до греха (когда он являл собой «полноту мудрости и венец красоты») не изображал никто, но в Библии есть достаточно точное его описание. Мне было интересно, что из этого получится. 

— Несколько лет назад вы в рамках выставки «Духовная брань» написали икону антихриста.

— Всё по той же причине — было интересно. Тогда по ночам меня мучили кошмары. Расскажу одну историю. Я сделала эскиз Троицы на фанере, прислонила её к иконной доске и отправилась спать. Рядом стояла икона, на которой был изображен антихрист. Он пришёл ко мне во сне, красивый и страшный одновременно, навис надо мной и говорит: «Думаешь от меня убежать? Не выйдет, я всегда тебя найду!» Помню чувство жуткого, леденящего страха, ни пошевелиться, ни закричать — и вдруг хлопок, от которого я проснулась. Только утром я обнаружила, что упал эскиз Троицы, этот хлопок разбудил меня, выдернул из сна. С тех пор перед сном я отворачиваю работы к стене. Слишком мощная энергетика, с которой лучше не заигрывать.

Живопись вечна

— Как-то в интервью вы признались, что в мастерской чувствуете себя комфортнее всего. Ничего не изменилось?

— Нет. Но на моей памяти было немало мастерских, где творить и даже просто находиться было проблематично. Например, в одной мастерской, которая располагалась в подвале жилого дома, было сыро, воняло кошками и химикатами от блох, причём на блох эти химикаты никак не действовали. Помню ощущения: пишешь картину, а блохи тебя злобно грызут. Другая мастерская напоминала авгиевы конюшни, причем до прихода туда Геракла. В том помещении никто не жил лет 30, всё было завалено, ванная в том числе — я мылась в шлёпках. Выручил Орлов, один из моих учителей и просто близкий человек. Приехал меня навестить — и навёл порядок. Отодрал ванную шкуркой, выбросил весь хлам и расставил всё по фэн-шую. Это стало для меня уроком на будущее. Сначала нужно навести порядок — а потом можно куражиться.

Евгения Мальцева родилась в Ижевске в 1983 году. С отличием окончила Институт искусств и дизайна УдГУ. В 2005–2009 гг. училась в аспирантуре Российской Академии Художеств в Казани. В 2009–2010 обучалась в школе современного искусства «Свободные Мастерские». Член Союза Художников РФ, член Творческого Союза Художников РФ. Номинант премии З.Церетели, Петрова-Воткина, а также стипендии Министерства Культуры РФ. Работы находятся в частных и музейных коллекциях России и за рубежом.

— В своё время для многих стало откровением ваше желание экспериментировать. Вы убрали холст в сторону и стали работать с деревом?

— На тот момент мне казалось, что всё, что я могла написать на холсте, я уже написала. Стало скучно, хотелось чего-то нового — и я решила поэкспериментировать. У меня скульптурное мышление. Я в большей степени скульптурный рисовальщик, чем живописец. Когда я училась в художественном лицее, разрывалась между живописью и резьбой по дереву, в конце концов сделав выбор в пользу живописи. Но интерес к дереву никуда не исчез и тут появилась хорошая возможность реализовать его на практике. Стала делать изображения на доске с помощью огня и дрели. Материал сам подсказывает, что нужно делать дальше. Раньше, когда я писала, практически знала конечный результат. А здесь как в сказке: кидаешь клубок, идёшь за ним и не знаешь, куда придёшь. Спустя какое-то время я вернулась к живописи: мне снова стало интересно красить.

— Как вы можете охарактеризовать свою живопись?

— Она гипериндивидуальна. Её ценность в том, что кроме меня так писать не может никто, ни человек, ни принтер. Но так и должно быть, это не математика, где всё можно просчитать и разложить по полочкам. Когда Сергея Орлова спросили, когда умрёт живопись, он ответил просто: «Когда люди перестанут заниматься сексом». Готова подписаться под его словами.

— Ваши картины уникальны, но и стоят недёшево.

— Искусство всегда было элитарно. В современном мире арт-бизнеса начальная цена произведения молодого художника 1 500 евро. Многие коллекционеры вкладывают свои деньги в произведения современного искусства, это намного выгоднее, чем покупать квартиры, особняки. Особенно выгодно покупать работы молодых, перспективных художников. Также у коллекционеров есть свои консультанты, профессионально разбирающиеся в искусстве и арт-рынке. Вообще для многих богатых людей сейчас важнее похвастаться покупкой уникального произведения современного художника, чем очередным банальным «Мерседесом». 

«Чищу» себя каждый день»

— Группа «Ундервуд» посвятила вам песню «Девушка с мольбертом». Сначала героиня собиралась в Париж, потом отправлялась в Нью-Йорк.

— Этим городам я многим обязана. Париж, кроме потрясающих галерей и музеев, которые интересовали меня в первую очередь, запомнился «Мостом желаний». Я два раза приходила и загадывала. Сбылось всё. На этом мосту я загадала желание сделать крутую выставку в крутой галерее. Через год мы сделали выставку в галерее Гельмана «Духовная брань» с коллекционером Виктором Бондаренко и религиоведом Романом Багдасаровым . Об этой выставке можно говорить очень долго, про неё Алек Эпштейн даже написал книгу.

Художник за работой. Фото: Из личного архива/ Евгения Мальцева 

А Америка меня очень раскрепостила. В Нью-Йорке было ощущение свободы, легкости. Точно такая же свобода и в плане искусства. В Москве четко соблюдается концептуальная линия, которую проводят кураторы, и если ты не в обойме,  то — извини. А в Нью-Йорке, как говорит один мой знакомый художник, на каждый товар свой дурак. Этот город дал мне что-то вроде творческого импульса. Такая силища! Зарядилась так, что потом сутками красила, не могла остановиться. За полгода написала целую выставку. В музее «Метрополитен» как раз проходила выставка «Страсти Жана-Батиста Карпо» — это французский скульптор, живший в XIX веке. В центре экспозиции была скульптурная группа «Уголино и его дети», этот сюжет так же присутствует в «Божественной комедии» Данте. Описывалась трагическая история свергнутого правителя Пизы Уголино и его сыновей, которых обманом заманили в башню и обрекли на голодную смерть. Мурашки по коже! Я глаз не могла оторвать от скульптуры и без конца фотографировала её. Впечатление было настолько сильным, что я решила написать работу со скульптуры. Впоследствии картина «Сыновья» объездила в рамках выставки «Российское искусство» пол-Европы.

— У Данте герой в финале видит Троицу и достигает внутренней гармонии. Как её достигаете вы?

— У меня каждый день проходит инвентаризация души. «Чищу» себя, отслеживаю свои недостатки, страхи, обиды, стараюсь заглаживать ошибки, занимаюсь духовными практиками, это помогает мне жить и творить. Если я этого не делаю, мне становится плохо, ни о каком душевном покое речи не идёт.

Раньше мне казалось, что духовность — это что-то безумно сложное и непонятное. На самом деле, это просто. Кому-то для получения Божьей благодати нужно сходить в церковь. Я человек не религиозный, но верующий. Картины пишу через молитву и медитацию. Своими словами, так, как умею. И тогда всё встаёт на свои места. Прошу, чтобы процессом руководил Бог, а не я со своими закидонами. 

Смотрите также:

Утрата любимых и смерть за мольбертом. Неизвестные факты об Иване Шишкине | Персона | КУЛЬТУРА

Ранняя слава

Получить признание после смерти – нередкое дело в мире творцов. Однако чаша сия миновала Ивана Ивановича. К кисти он тянулся с детства, так что родители называли его «мазилкой». Шишкин в юном возрасте бросил учебу в гимназии и посвятил себя рисованию. Свой выбор он объяснял так: «Чтобы не стать чиновником».

К моменту окончания Петербургской академии художеств Шишкина уже хорошо знали и ценили за рубежом.

Позже, с 1862 по 1865 год, художник жил за границей. В основном, в Германии. В Дюссельдорфе он много писал в Тевтобургском лесу. И уже в то время его работы пользовались бешеной популярностью у местных жителей.

Иван сам писал в воспоминаниях: «Где и куда ни пойдёшь, везде показывают — пошёл вот этот русский, даже в магазинах спрашивают, не вы ли тот русский Шишкин, который так великолепно рисует?»

Кутила и задира

Молодость у Ивана Ивановича проходила довольно бурно. Ночные посиделки с друзьями за бутылочкой-другой не всегда заканчивались мирно.

Современники вспоминают о поединке, случившемся в одном из кабаков Мюнхена. Художник, отдыхавший с приятелями, услышал как за соседним столиком два молодых немца отпускают уничижительные шутки по поводу России. Надо отметить, что, обучаясь за границей, Шишкин очень тосковал по родине. «Отчего я не в России, которую так люблю?», — писал он.

Поэтому шпильки в адрес нашей страны не прошли безнаказанно. Иван потребовал извинений, а, не дождавшись, ринулся в атаку.

Свидетели потом путались в показаниях: кто-то утверждал, что русский художник отправил в нокаут семерых, другие божились, что поверженных было не меньше дюжины. Еще бы, ведь Шишкин орудовал попавшимся под руку тяжёлым тележным шкворнем. Шкворень этот, изрядно погнувшийся, был предъявлен в суде в качестве доказательства вины русского.

Однако до наказания дело не дошло, пострадавшие признали свою неправоту, и живописец-патриот был оправдан. Рассказывают, что приятели вынесли Ивана Ивановича из здания суда на руках, чтобы отправиться отмечать победу в ближайшую пивную.

А были ли медведи?

Мало кто знает, что самую популярную, благодаря изображению на обертке советских шоколадных конфет, картину «Утро в сосновом лесу» Шишкин написал вовсе не сам, а в соавторстве со своим другом, известным анималистом Константином Савицким. Именно его кисти принадлежат фигуры медвежат. Подпись на полотне также была двойная.

Медведей нарисовал вовсе не Шишкин. Фото: репродукция

Картину купил знаменитый собиратель живописи Павел Третьяков. Однако у Третьякова с Савицким были непростые отношения, и коллекционер заявил: «Я покупал только картину Шишкина – Савицкого не покупал!» Вторую подпись он распорядился смыть. С тех пор картину так и выставляют – в единоличном авторстве Ивана Ивановича.

Кстати, многие неверно называют картину «Три медведя», поскольку на ней изображено четыре медвежонка. Просто в СССР продавались конфеты «Мишка косолапый» с репродукцией этой работы, а в народе конфеты прозвали «Три медведя».

Трагическая любовь

Личная жизнь живописца складывалась поистине трагично, несмотря на то, что он был женат два раза, и оба – по любви.

Первой его супругой стала Евгения Васильева, сестра талантливого пейзажиста Фёдора Васильева, которого Шишкин опекал и учил азам мастерства. К сожалению, Евгения Александровна умерла в апреле 1874 года. А немного спустя скончался и их маленький сын.

Надломленный горем, художник на некоторое время бросил творчество и уехал в деревню, где пристрастился к алкоголю.

Однако смог вернуться к жизни, и уже в 1875 году на 4-й Передвижной выставке представил ряд картин, в том числе, «Родник в сосновом лесу».

Через какое-то время Шишкин женился во второй раз. На Ольге Антоновне Лагоде, своей ученице, художнице-пейзажистке. Но и на этот раз счастье было недолгим — жена умерла в возрасте тридцати одного года, оставив вдовцу двух дочерей.

Смерть за мольбертом

Умер Иван Иванович, как и положено творцу, за работой. Это случилось 8 марта 1898 года. Художнику было 66 лет, и он был полон творческих планов. Шишкин сидел за мольбертом и работал над своей новой картиной «Лесное царство».

По свидетельствам помогающего ему ученика, делая какой-то штрих, художник вдруг как будто зевнул, а затем голова его беспомощно опустилась на грудь…

Последняя работа художника хранится в «Русском музее». Фото: репродукция

Ученик бросился на помощь к своему учителю, но тот уже был мертв. Прибывший доктор констатировал смерть от разрыва сердца.

Последней завершенной работой художника стала величественная композиция «Корабельная роща», которая хранится в «Русском музее».

Смотрите также:

Куратор Лейденской коллекции о Рембрандте, его учениках и коллегах

ГМИИ им. А.С.Пушкина показывает огромную коллекцию лейденского круга художников из собрания Томаса С.Каплана: среди них есть великий Рембрандт, его учителя и ученики. «Афиша Daily» с помощью куратора выставки разбирается, как они были связаны друг с другом — и кто из них кого вдохновлял.

Лара Ягер-Красселт

Куратор Лейденской коллекции

Никто из голландских художников в то время не работал сам по себе, особенно в Лейдене. У каждого из этих великих мастеров был свой путь в живописи, однако они внимательно следили за творчеством друг друга и оказывали друг на друга огромное влияние. Каждая работа, представленная на выставке, уникальна. Но рассматривая их все вместе, можно острее почувствовать, что же было сутью мастерства каждого из них — и что из себя представляла панорама голландского искусства XVII века.

Рембрандт Харменс ван Рейн

«Пациент, упавший в обморок (Аллегория обоняния)». Около 1624–1625

В Лейденской коллекции есть три ранние работы Рембрандта. Кажется, что они не имеют ничего общего с тем художником, которого мы знаем, но если вы присмотритесь к ним повнимательнее, то увидите, что уже здесь он размышляет о свете, а его персонажи выглядят очень живыми. В серии «Аллегории» он рассказывает о чувствах: слухе, осязании, обонянии. Эти работы переполнены эмоциями и экспрессиями, и в них уже можно увидеть отзвуки того, чем он станет.

Ян Ливенс

«Игроки в карты». Около 1625

На заре карьеры Рембрандта большие надежды подавал его друг Ливенс, с которым он вместе приехал в Лейден и делил мастерскую. Если ранний Рембрандт создавал небольшие работы, то Ливенс работал совсем в другом масштабе, однако в этих картинах было много общего: и плотная композиция, и эффектно выставленный свет. Ливенс казался более ясным и сильным художником, и, когда человек от голландского губернатора отправился в Лейден, чтобы оценить художественные таланты, то было неочевидно, что именно Рембрандт станет самым великим художником своего времени.

Интересно, что про Ливенса до недавнего времени как будто не вспоминали — хотя он был чудесным художником. Он тоже учился у Ластмана, но выбрал другой путь: когда Рембрандт поехал в Амстердам, Ливенс отправился в Англию, чтобы работать с британским двором, он стал писать портреты в духе фламандцев — и больше никогда он не создавал таких больших работ с драматическими тенями.

Питер Ластман

«Давид и Урия». 1619

На шесть месяцев Рембрандт едет в Амстердам, чтобы учиться историческим сценам у Питера Ластмана, самого важного исторического живописца, который работал в начале XVII века. Рембрандт отправился учиться к нему, потому что хотел учиться рассказывать истории.

Глядя на работы Ластмана, совершенно невозможно понять, почему Рембрандт заинтересовался им, что он мог у него найти. Казалось бы, это совершенно другой стиль. Но Ластман умел прекрасно рассказывать истории. Среди этих фигур мы видим короля Давида, который должен отдать письмо солдатам, который отправит Урию (муж женщины, которой царь Давид хотел обладать. — Прим. ред.) на войну, где тот впоследствии погибнет. Жесты героев на картине помогают понять, что же будет дальше: кажется, будто даже собака смотрит в будущее и чего-то ждет.

Детали здесь удивительно проработаны, так что, даже не зная историю за этой картиной, можно восхищаться многими моментами — как изящно написана ткань, как здорово проработаны даже носки короля! Так Рембрандт научился рассказывать истории и понял, как сильно ему в этом помогает портрет, а научил его этому именно Ластман.

Хендрик Тербрюгген

«Аллегория христианской веры». Около 1626

А Хендрик Тербрюгген очень сильно повлиял на свет Рембрандта: этот художник бывал в Италии и видел работы Караваджо. Рембрандт никогда не ездил в Италию, но ему удалось понять, как работает свет, благодаря другим мастерам.

Хендрик Тербрюгген принадлежал к группе художников, известных как утрехтские караваджисты: они стали работать со светом и тенью в духе Караваджо, но в Нидерландах. Не они одни: Ливенс и Рембрандт тоже начинают размышлять о том, как свет меняет плоскость картины.

Рембрандт Харменс ван Рейн

«Автопортрет с затененными глазами». 1634

Рембрандт обожал рисовать свои портреты. Это давало ему возможность не только примерять на себя разные образы, но также играть и со светом. Есть в Рембрандте та удивительная магия, которой трудно подобрать слова, — то, как он мог передать чувство внутренней жизни человека, показать его личность. Ни одному другому художнику это не удалось в той же мере, что и ему, его персонажи кажутся невероятно живыми.

Фердинанд Бол

«Автопортрет у парапета». 1648

На учеников Рембрандта очень повлиял его интерес к автопортрету: Бол тоже одет в парадный костюм с медальоном, рисует себя в той же позе. Диалог с мастером очевиден, и пусть той же магии, что у Рембрандта, здесь не увидеть, стоит отметить, что Бол, в свою очередь, был замечательным художником и очень успешным.

Приписывается Герриту Дау

«Автопортрет (?) за мольбертом». Около 1628–1629

Дау — это первый ученик Рембрандта в Лейдене. Удивительно, что еще до того как он отправился в Амстердам, у него уже были ученики. Хотя, кажется, будто он в своих работах выбрал совсем другой путь. Эта работа, которая приписывается ему, очень важна. На ней изображен художник, который сидит за мольбертом и рисует разные объекты, которые есть в студии.

В этой работе есть много отсылок к Рембрандту — все объекты здесь вполне могли бы появиться на картинах исторического художника, однако Дау совсем не такой. Он художник повседневности и повседневной жизни. В этой работе он размышляет о своем будущем — хочет ли он стать художником такого же рода, как Рембрандт? Интересно, что стена напоминает стену из автопортрета Рембрандта, который был выполнен совсем недавно, а на стене висят наброски, напоминающие картины его и других лейденских художников.

Геррит Дау

«Девушка с попугаем и клеткой у окна». Около 1660–1665

В дальнейшем манера Дау будет очень далека от стиля Рембрандта: он создает невероятно изящную живопись небольшого размера, практически кабинетного формата, и его картины люди в то время хранили как драгоценности. Обратите внимание, как реалистично проработаны малейшие детали — страницы книги, текстура ткани, песочные часы. А в отдельной серии своих работ он превращает картины в воображаемые окна, из которых выглядывают персонажи, — невероятно игровой формат, которым он как бы говорит: посмотрите, какой я великий художник, я могу играть с плоскостью холста так, чтобы мои персонажи попадали в реальный мир. Он был одним из самых высоко оцениваемых европейских художников своего времени.

Габриель Метсю

«Старуха за едой в интерьере». Около 1654–1657

В молодости Габриель Метсю работал в Лейдене. Его сильно занимает повседневность, которой он не будет уделять столько внимания в дальнейшем, и станет дальше работать в духе, немного напоминающем Вермеера. Можно сказать, что Метсю и Вермеер были в диалоге друг с другом. А сейчас Метсю много рисует портретов простых мужчин и женщин в домашней обстановке и в его работах есть очень много психологизма, понимания того, как устроена жизнь человека. Наверное, на этом портрете мы можем увидеть вдову: скромную женщину, которой почти нечего есть, — и что-то в ней есть такое, что не дает нам остаться равнодушными. Чтобы понять эту картину, не нужно знать сложную историю: огня в камине нет и, наверное, в доме холодно, но женщина кажется спокойной и сосредоточенной на еде. Рядом сидит кот, тускло падает свет. Это одна из прекрасных работ Метсю, где отражен его интерес к простым моментам жизни.

Ян Вермеер Делфтский

«Девушка за верджинелом» (1670–1672)

Этот тип жанровой живописи тогда становится очень популярным в Лейдене: в нашей коллекции есть еще две работы, которые немного напоминают Вермеера, где мужчина курит трубку, а женщина читает письмо. Вермееру удается преодолеть эту традицию: он знал про жанровую живопись Лейдена, знал, как Метсю работал в Амстердаме. Вермеер работал в Делфте и тоже интересовался элегантными женщинами в интерьерах, которые могли играть музыку или читать письма, — совсем как у Метсю. Часто сюжет у этих картин один и тот же, но Вермеер поднимает их над уровнем повседневности, убирает из них приметы будней и тем самым приближает сюжет к исторической картине.

Лейденская коллекция в Пушкинском — Наводы — LiveJournal

Начало
Продолжение I
Продолжим знакомство с панорамой голландского искусства XVII века на галерее Пушкинского. Рассматривая эти картины, можно заметить, что было характерно для каждого художника и чем они отличались друг от друга.
Геррит Дау — первый ученик Рембрандта в Лейдене. На картине, приписываемой Дау, изображен художник в студии, который сидит за мольбертом и рисует разные предметы. Интересно, что на на стене висят наброски, напоминающие картины Рембрандта и других лейденских художников.

Приписывается Герриту Дау (1613-1675). Автопортрет (?) за мольбертом, около 1628-1629. Дерево, масло

В дальнейшем Дау будет создавать изящную живопись небольшого размера, практически кабинетного формата, его картины в то время хранили как драгоценности.

В 1628-1631 годах он учился у Рембрандта и многое перенял у него в области техники, хотя впоследствии влияние Рембрандта на Доу значительно ослабло.

Геррит Дау (1613-1675). Учёный, затачивающий перо, около 1632-1635. Дерево, масло

Геррит Дау был одним из самых коммерчески успешных художников своего времени. При жизни его работы оценивались значительно дороже картин самого Рембрандта или Вермеера.

Геррит Дау (1613-1675). Учёный, делающий записи, около 1635. Дерево, масло

Геррит Дау (1613-1675). Портрет Дирка ван Берестейна. Около 1652. Серебряно-медный сплав, масло

Работы художника хранятся в крупнейших музеях мира, несколько картин есть в Эрмитаже. За период с 2006 года по 2014 год на аукционах Сотбис было продано 14 работ Геррита Дау.

Геррит Дау (1613-1675). Кошка, присевшая на подоконник в мастерской художника, 1657. Дерево, масло

Одним из самых популярных сюжетов стала «Девушка с попугаем и клеткой у окна». На данный момент известно как минимум 11 вариаций, две из которых — кисти Дау и его любимого ученика Франса ван Мириса, можно увидеть в Лейденской коллекции.

Геррит Дау (1613-1675). Девушка с попугаем и клеткой у окна, около 1660-1665. Дерево, масло

Живопись Франса ван Мириса отличается тонким исполнением и тщательным выписыванием мельчайших деталей на полотне. Поздние полотна художника невелики по формату и написаны в духе классицизма. Значительные собрания работ художника хранятся в картинной галерее Гааги и в мюнхенской Старой пинакотеке.

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Дама с попугаем, 1663. Дерево, масло

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Пожилая пара в интерьере, около 1650-1655. Дерево, масло

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Урок, около 1656-1657. Дерево, масло

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Автопортрет в берете с плюмажем, 1668. Дерево, масло

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Поясной автопортрет художника в украшенном пером тюрбане и отороченным мехом одеянии, 1667-1668. Дерево (дуб), масло

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Портрет дамы, 1673. Дерево, масло

Франс ван Мирис Старший (1635-1681). Отдыхающий путник, около 1657. Медь, масло

Габриэл Метсю (1629-1667). Торговка дичью, около 1653-1654. Холст, масло

Годфридус Схалкен — самый поздний из живописцев, представленных в Лейденской коллекции. Картины этого художника, мастера работы со светом, возвращают нас к «Аллегории христианской веры» Тербрюггена. Учителем Схалкена был ученик Рембрандта Геррит Дау, так что Схалкен представляет уже третье поколение мастеров тонкой живописи, и олицетворяет собой преемственность Лейденской школы.

Годфридус Схалкен (1643-1706). Портрет Бартхаута ван Слингеландта (Гаага, 1654-1711), 1682. Холст, масло. Лейденская коллекция, Нью-Йорк

Годфридус Схалкен (1643-1706). Юноша и девушка, разглдывающие статую Венеры при свете лампы, около 1688-1692. Холст, масло. Лейденская коллекция, Нью-Йорк

Годфридус Схалкен (1643-1706). Купание Дианы и нимф, около 1680-1685. Холст, масло. Лейденская коллекция, Нью-Йорк

Годфридус Схалкен. Притча о потерянной драхме, около 1675. Холст, масло

Годфридус Схалкен (1643-1706). Кающаяся Мария Магдалина, 1700. Холст, масло. Лейденская коллекция, Нью-Йорк

Продолжение будет!

Художник за мольбертом

Художник за мольбертом

Дата:

1914

Автор:

Джон Сингер Сарджент
Американец, 1856-1925 гг.

Об этом произведении

Сейчас не отображается

Печать и рисунки

Художник

Джон Сингер Сарджент

Название

Художник за мольбертом

Происхождение

Соединенные Штаты

Дата

1914 г.

Средний

Бумага цвета слоновой кости, акварель по следам графита

Размеры

400 × 534 мм

Кредитная линия

Дар Чарльза Диринга Маккормика, Брукса Маккормика и поместья Роджера Маккормика

Справочный номер

1962 г.971

Расширенная информация об этой работе

Информация об объекте находится в стадии разработки и может обновляться по мере появления новых результатов исследований.Чтобы помочь улучшить эту запись, напишите нам. Информация о загрузке изображений и лицензировании доступна здесь.

.

Автопортрет художника, сидящего за мольбертом

Сидя перед панно, стоящим на мольберте, молодой художник поворачивается к зрителю, небрежно опираясь рукой на спинку стула. ¹ С слегка приоткрытым ртом и пытливым взглядом широко раскрытых глаз художник изображен в непосредственной и непринужденной атмосфере. За исключением небольшого столика на левом фоне, студия пуста и не украшена, ее простота очевидна даже в потертой крапчатой ​​древесине кресла художника.Сильный свет, проникающий слева, создает резкие блики на блузке горчичного цвета и фиолетовом берете мужчины и освещает тонкие завязки его голубовато-голубого малярного халата, свешивающегося через спинку стула. Хотя художник держит палитру и кисть в левой руке, зритель не прерывает его работу, так как он не держит кисть в правой руке, а палитра пуста, за исключением небольших размазанных остатков белого и красного пигментов.

Атрибуция этого красивого портрета — загадка. ² Картина когда-то ассоциировалась с Франсом ван Миерисом Старшим (1635–1681), вероятно, из-за арочного формата панели и плавной и тщательной прорисовки черт лица и одежды натурщика. Однако большинство лейденских художников, в том числе Ван Миерис и Геррит Доу (1613–1675), добавляли в свои автопортреты аллегорические атрибуты, которых здесь не было, что способствовало повышению интеллектуального престижа и социального статуса художника. Например, «Автопортрет » Доу середины 1630-х годов (рис. 1) изображает художника, положившего руку на гипсовую повязку, и помещает его в элегантный интерьер, задрапированный шторами. ³ Простое платье этого художника и неприукрашенный вид его мастерской полностью отличаются от той живописной традиции. Более близким по характеру к поясной композиции и неформальной позе является автопортрет Джудит Лейстер (1609–60) «Автопортрет » начала 1630-х годов (рис. 2). Тем не менее четкость изображения и светлые тона палитры характерны для произведений позднего века. Форма берета художника и короткая стрижка типичны для стилей начала 1650-х годов.

Автопортреты не ограничивались художниками из Харлема и Лейдена, о чем свидетельствует пример Рембрандта ван Рейна (1606–69) во время его долгой карьеры в Амстердаме. Как и в случае с примером Рембрандта, авторство автопортретов художника часто основывается на внешности натурщика, и такой подход в данном случае может дать результаты. Учитывая вероятный возраст молодого художника около 20–25 лет, можно предположить, что он должен был родиться около 1630 года. Корнелис Бишоп (1630–74) мог бы быть главным кандидатом. ⁴ Бишоп был художником из Дордрехта, который, по словам Арнольда Хубракена, учился у Фердинанда Бола (1616–1680). ⁵ Всю свою карьеру он провел в Дордрехте, где писал портреты, жанровые сюжеты и исторические сцены, но его репутация опиралась в первую очередь на его иллюзионистские картины, часто при свечах. ⁶ Его увлечение иллюзионизмом trompe l’oeil очевидно на автопортрете 1668 года в Дордрехте, на котором он поднимает занавес с картины, что является прямой визуальной ассоциацией с древним художником Парразиусом (рис. 3).Парразий прославился тем, что обманул своего современника Зевксиса, нарисовав настолько реальный занавес, что Зевксис попытался поднять его, чтобы увидеть картину, которую, как он считал, закрывала занавеска. ⁷

Автопортрет Бишопа в Детройте, выполненный в середине 1660-х годов, немного раньше, чем автопортрет в Дордрехте, демонстрирует черты лица, удивительно похожие на те, что на Автопортрет художника, сидящего за мольбертом (рис. 4). ⁸ На картинах Детройтской и Лейденской коллекций натурщик смотрит на зрителя открытым выражением, приподняв брови и слегка приоткрыв рот.Его вьющиеся темно-каштановые волосы мягко спускаются на округлое лицо. Нос натурщика также имеет одинаковую форму на каждом портрете. ⁹ Помимо такого сходства во внешнем виде натурщиков, картина из Лейденской коллекции выполнена в манере, напоминающей стиль картин Бишопа 1660-х годов. Например, плавное обращение с краской и гармоничный баланс между охрой и серым на автопортрете предвосхищают качества, которые можно увидеть в картине Бишопа «Девушка, чистящая яблоко» , 1667, в Рейксмузеуме (рис. 5).К сожалению, о картинах Бишопа 1650-х годов известно недостаточно; следовательно, эти связи, хотя и интригующие и вызывающие воспоминания, недостаточны для того, чтобы твердо приписать картину Лейденской коллекции этому художнику из Дордрехта.

— Лара Йегер-Красселт, 2017

.