Гончар Владимир — Soyol.ru — Культура и искусство Бурятии

Гончар Владимир Яковлевич родился в  15.08. 1927 г. в селе Бандуровка Винницкой области УССР, умер в 1992 г.  В 1950 — окончил Иркутское художественное училище (учился у Б. И. Лебединского, С. И. Виноградова и Д. М. Баркалова).  

Работал в иркутском товариществе «Художник».

С 1956 — член Союза художников СССР.
С 1950 — участник республиканских, зональных, российских выставок.
Участник II декады бурятского искусства и литературы (1959, Москва).
Автор работ: «На целине» (1954), «Портрет балерины З. Тыжебровой» (1959), «Сквозь тайгу» (1957), «Портрет колхозника – бурята» (1960), «Вечер в степи» (1961), «Портрет сибиряка» (1964), «Вениамин Семенов – проходчик Байкальского тоннеля» (1978).

Произведения находятся в Художественном музее им. Ц. С. Сампилова.

Библиография:

1. Гончар В.Я. Этюды, картины с целины: альбом / Владимир Яковлевич Гончар. – М., 1955. – Ил. на отд. л.
   
2. Гончар Владимир Яковлевич: [живописец и график] // Художники народов СССР: в 6 т.: Биобиблиогр. словарь. – М., 1976. – Т. 3. – С. 100. – Библиогр.: 20 назв.
   
3. Искусство Бурятии: к 60-летию образования Бурят. АССР: живопись, скульптура, графика, Театрально-декорационное и декоративно-прикладное искусство: каталог выст. / авт. вступ. ст. И. Соктоева, сост. каталога М.В. Хабарова; Союз художников СССР, М-во культуры РСФСР, Союз художников РСФСР, М-во культуры Бурят. АССР, Союз художников Бурят. АССР. – М.: Сов. художник, 1983. – 42 с.: ил. См. о В. Я. Гончар, с. 25
   
4. Искусство Советской Бурятии: живопись, скульптура, графика, декоративно-прикладное и ювелирное искусство: каталог выст. / авт. ст. И. Соктоева; М-во культуры Бурят. АССР, Бурят. отд-ние союза художников РСФСР. – Чита, 1982. – 22 с.: 12 с. ил. См. о В. Я. Гончар, с. 8
   
5. Соктоева И.И. Гончар Владимир Яковлевич: кратк. биогр. сведения: [живописец] // Соктоева И.И. Художники Бурятии / Инесса Ильинична Соктоева, Маргарита Валерьяновна Хабарова.
   – Л., 1976. – С. 123. 
   
6. Соктоева И.И. Живопись советской Бурятии / Инесса Ильинична Соктоева; АН СССР. Сиб. отд-ние; БКНИИ. – Улан-Удэ : Бурят. кн. изд-во, 1965. – 186 с. : ил. См. о В. Я. Гончар, с. 111, 113-114
   
7. Художники Бурятии: [альбом] / сост. М.П. Сокольников. – Л.: Художник РСФСР, 1960. – 37 с.: ил. См. о В.Я. Гончар, с. 3, ил.: с. 13.
   

Интервью вологодского художника-керамиста Ивана Беляева

2018 Весна

Влада Кустова

Художник-керамист Иван Беляев учился гончарному делу у известного вологодского гончара, народного мастера России Владимира Холщагина. Впервые он сел за гончарный круг три года назад, но за это, казалось бы, короткое время прошел путь от традиционной гончарной утвари до художественно осмысленных изделий. Для Ивана важна работа за кругом, это позволяет ему работать с формой в движении. Он считает, что чем меньше мы касаемся руками предмета, тем больше символической ценности он приобретает, а на творчество его вдохновляют трудности.

Иван – постоянный участник специализированных выставок и симпозиумов, его работы находятся в частных коллекция в России и Японии, и в своей мастерской ibe ceramics он не перестает экспериментировать, вырабатывая свой собственный стиль.

«Если серьезно, то бесплатно, а если побаловаться, тогда за деньги»

– так мне ответил Владимир Холщагин, когда я спросил его, сколько стоит обучение. Я честно признался, что не знаю, серьезно или нет. Я ведь до этого даже никогда не прикасался к глине и сам не до конца понимал, зачем к нему пришел. Но когда я остался, то сразу понял, что мне здесь очень комфортно – там кругом такие люди хорошие работают, мужики бородатые (

улыбается). В общем, я сел за круг, Холщагин сел за свой, и он просто объяснял мне, что делать. И я сделал свой первый предмет, совсем небольшой. Я был рад, и Холщагин был рад. Так Владимир Васильевич пустил меня к себе в мастерскую. По-моему, он передал мне всё, что знал, ничего не скрывая. Я очень, очень ему благодарен. Именно благодаря Холщагину у меня хорошая ремесленная база: я работал с формой по-честному – изучал, анализировал, рисовал. Я занимался в его мастерской целыми днями, уволился с работы, денег тогда оставалось ровно на месяц… А через два месяца я уже продавал свои изделия на «Голосе ремесел», и всё продал. Тогда же я совершенно спонтанно провел свой первый мастер-класс: гончар Анатолий Лебедев (тоже ученик Холщагина) попросил его подменить. И тот мальчик, который тогда сел ко мне, потом занимался у меня целый год, теперь он дружит с моим сыном.

Поиски

Я 15 лет спрашивал у людей, как вы вообще нашли то, чем действительно хотите заниматься? Я кучу книг по этой теме перечитал и столько же лекций пересмотрел, но для себя на этот вопрос так и не ответил. И мучился от этого. У меня тогда сын должен был пойти в первый класс, и для меня было очень важно, чтобы он мог сказать в школе, кто его отец. Но у людей на поиски призвания уходят годы, а у меня было пару месяцев.

Помню, я стоял за кассой в кофейне, где тогда работал, и прямо физически ощутил, что мне уже совсем невмоготу на этих случайных работах, там, где ни мне никакой пользы нет, ни от меня. Я позвонил жене, спросил совета, она меня поддержала – и я пошел в Союз художников, где у Холщагина мастерская. Так я стал его учеником.

Станет ли сын моим учеником? Вряд ли, он особо керамикой не интересуется. Но ему передалось от меня

стремление к поиску себя, он постоянно что-то ищет, пробует, ошибается, снова ищет.

Кем быть?

Я с детства мечтал быть художником и хотел поступить на архитектурный факультет. Потому что не думал, что изобразительному искусству можно где-то учиться. Вернее, мне родители говорили, что если я хочу стать художником, то мне нужно поступить на архитектурный, чтобы у меня была хотя бы профессия какая-то. Но в старших классах я вдруг твердо решил стать музыкантом, потом трижды учился в музыкальных училищах Вологды и Архангельска, но музыкантом так и не стал. Теперь я понимаю, что мне просто не подходила эта форма самовыражения. А сейчас я ощущаю, что на своем месте. И даже перестал бояться, что это не так, что керамика меня разочарует. Глина – это мой материал, мне комфортно с ним, а гончарный круг для меня абсолютная, тотальная метафора жизни. И так каждый человек должен себя «воткнуть» там, где надо. Раньше я самонадеянно думал, что когда найду свое дело, всё остальное сложится само собой, а теперь понимаю, что это только самое начало пути. Но, опять-таки, ничего случайного, напрасного в жизни нет: я занимался чайной церемонией и так впервые заинтересовался керамикой, я «пытал» себя музыкой, и она в итоге дала мне очень многое для нынешней работы. Керамика вобрала весь мой опыт, все поиски.

От ремесленника к художнику

Форма работы и набор выразительных средств современного мастера значительно отличаются от того, чем творили ремесленники прошлых лет, однако их изделия могут очень органично вписываться в современные интерьеры, а полностью традиционные вещи, созданные сегодня, напротив, порой кажутся чужими.

Почему? В поисках ответа на этот вопрос я отошел от канонов северной традиции. Постепенно начал работать с деформацией, фактурой, цветом; определил для себя минимальный набор декоративных средств, которые позволяют мне передавать своё ощущение материала. В основном это ангобы, прозрачная глазурь, различные эффекты восстановительного обжига. Со временем этот поиск привёл меня к декоративно-прикладным, интерьерным объектам.

«Я знаю единственный в мире цветок, он растет только на моей планете…»

У меня есть один предмет, глядя на который, я понимаю, что, может, и жил-то по-настоящему, когда его делал. Я сейчас ничего не приукрашиваю. Я могу смотреть на него бесконечно. От всего остального можно избавиться. Периодически так и делаю.

Я люблю фотографировать свои работы с сухими цветами. Засохший цветок для меня – это символ скрытой ценности. Объясню: если я бегло взгляну на два цветка, поставленных рядом, сухой и живой, то, скорее всего, обращу внимание на живой цветок.

Но если я присмотрюсь внимательно, то увижу, что высохший цветок гораздо краше. В нем возникает множество нюансов, фактур высохших поверхностей. Даже тот цветок, который в цветении своем не был настолько красив, в сухом виде преображается.

Про «другое» красивое

Ко мне на занятие приходила слепая девушка, и я ей по привычке постоянно говорил: «посмотрите», «посмотрите». И потом понял, что вообще никакого смысла в это слово не вкладываю – там ведь, по сути, и смотреть-то не на что даже, всё почувствовать можно. А в конце работы девушка сказала: «Красиво!». Что для меня «красиво»? То, что я вижу, или то, о чем мне сказали, что это красиво или нет? Возможно, бо́льшую часть своей жизни в оценке того, что красиво, я полагался на мнение окружающих, а не на свое собственное. А ей никто не может навязать свое мнение. Это «другое» красиво, и для нее оно честное и объективное.

Про ориентиры

Мне близок концептуальный минимализм, и в этом моими ориентирами остаются скандинавские и азиатские керамисты. Скандинавия строже по форме, там, например, много прямых линий. Япония же более свободна в отношении формы, но при этом очень канонична. Такая керамика актуальна в современном интерьере – в лофтовом, ваби-саби, например. Мой любимый художник – мастер из Южной Кореи Lee Kang Hyo, я бы хотел у него поучиться, да и просто пообщаться. При этом я никогда не забываю о своих корнях и намерен вернуться к северной керамике, но на ином уровне. Но главное, чего бы мне хотелось, так это то, чтобы всё больше и больше меня было в моих предметах, чтобы это были всё более и более честные работы.

Почему я сменил название мастерской? В тот период, когда она называлась «Берегами да реками», я именно так и мыслил керамику. Это название имело явный этнический оттенок, и мне в то время нравилось работать с традиционной посудой. В мае прошлого года у меня была персональная выставка с таким же название. Она была очень значима для меня, мне было важно, чтобы приехал Владимир Васильевич, жена, сын, мама.

Мама всегда радуется за меня до слез. У нее дома столько керамики… она говорит, просыпаешься – и сразу в галерею попадаешь. И этой выставкой я закрыл определенный этап своих поисков и стал всё менять. В нынешнем названии ibe ceramics аббревиатура моего имени. А ещё ibe созвучно японскому «событию».

Каким «событием» отмечен нынешний этап работы? Я регулярно пишу и обсуждаю с друзьями проекты и концепции выставок, надежды на их реализацию. Непрерывный поиск. Последнее время было посвящено подготовке к совместной выставке с Александром Сергеевичем Пестеревым, моим учителем и вдохновителем, прекрасным художником-авангардистом. Для меня это большая честь и радость.

Вообще важно, чтобы твои работы присутствовали как можно в большем количестве мест, ведь керамика как живопись – никто не купит ее по фотографии, слишком сложна фактура. Либо нужно обладать таким статусом, чтобы люди сразу понимали, что ты крут. Но у меня такого статуса пока нет. И я осознаю, что некоторая степень популярности и известности для художника – важный компонент деятельности, таковы правила игры. Поэтому мне бы хотелось больше выставляться за границей, первый опыт сотрудничества с токийской галереей Pragmata показал, что время пришло…

Декабрьская образовательная программа «Основы гончарного искусства»: Преподаватели

Программа построена на принципе интенсивного погружения в профессиональную атмосферу гончарной мастерской. Освоение теории конструирования гончарных форм позволит понять и применить в творческой деятельности основные методы и приемы работы с гончарной глиной. Наглядность обучения поможет обучающимся за короткий срок освоить основные технологические этапы изготовления гончарных изделий. Освоение курса позволит создавать красивые и функциональные работы в лучших традициях гончарного искусства.

Задания, выполняемые в рамках программы

• изучение технологии изготовления художественных керамических изделий методом ручной лепки,
• изучение технологии изготовления художественных керамических изделий на гончарном круге,
• изучение технологии сушки, обжига и послеобжиговой обработки изделий,
• знакомство с основными методами декорирования керамических изделий.

Цель программы

• формирование познавательной мотивации к декоративно-прикладному творчеству,
• овладение способами художественной грамотности при интенсивном обучении гончарному искусству и изготовлению художественной керамики с используем приобретенных компетенций в практической художественной деятельности,
• раскрытие творческого потенциала личности ребенка посредством личного примера мастера, как метода обучения и воспитания.

Задачи программы

• познакомить с основами гончарного искусства,
• познакомить с понятиями объемов и форм в гончарном искусстве,
• познакомить с основами технологии изготовления и декорирования художественной керамики,
• способствовать развитию творческой потребности обучающихся к художественной деятельности на протяжении всего периода обучения,
• подготовить одаренных детей к дальнейшему продолжению образования в художественном направлении,
• дать представление о профессии художника-мастера.

Обучающие задачи

• изучить основы пропорций, объемов и форм в художественной керамике,
• освоить основы создания керамических изделий (предметов гончарного искусства).

Развивающие задачи

• способствовать развитию умений «копийной» практики,
• развивать художественные дарования и способности учащихся,
• способствовать развитию мотивации личности к познанию и творчеству,
• развивать эмоционально-эстетическое восприятие окружающей действительности,
• способствовать развитию образного и ассоциативного мышления,
• развивать зрительно-образную память.

Воспитательные задачи

• приобщать к искусству, как к духовному опыту поколений и национальным ценностям,
• воспитывать уважительное отношение к национальным традициям,
• способствовать формированию интереса и уважительного отношения к культуре своего народа,
• воспитывать в детях лучшие духовно-нравственные качества,
• развивать чувство коллективизма, умения дружелюбно общаться со сверстниками.

Содержательная характеристика дополнительной общеобразовательной программы

Программа направлена на развитие мотивации личности обучающегося к познанию и творчеству, формированию художественной компетентности.

Занятия по гончарному искусству проводят ведущие гончары-преподаватели Академии акварели и изящных искусств Сергея Андрияки, Члены Союза художников России и Заслуженные художники Российской Федерации.

Самостоятельная работа обучающихся предполагает групповые и индивидуальные консультации по темам программы, где выполняется отработка технических приемов создания красивых и функциональных работ.

Вероника Скворцова наградила в Сочи автора лучшего социального проекта из Подмосковья

Министр здравоохранения России Вероника Скворцова наградила в Сочи автора лучшего социального проекта из Подмосковья, им стал руководитель «Школы-студии керамики» Сергей Акентьев из сельского поселения Гжель Раменского района Московской области, сообщает пресс-служба регионального Министерства культуры.   

«На площадке Российского инвестиционного форума в Сочи состоялась церемония награждения победителей Всероссийского конкурса программ социального развития регионов имени Александра Починка», – говорится в сообщении.

Цель конкурса – выявление лучших региональных практик, направленных на развитие социального предпринимательства в России. Победитель определяется в восьми номинациях. Наиболее популярные – семейная политика, реабилитация людей с инвалидностью, поддержка социально ориентированных НКО и повышение качества жизни граждан старшего поколения, защита прав детей, уточняется в материале.

По данным пресс-службы, в 2017 году в конкурсе приняли участие 158 региональных социальных программ из 85 субъектов РФ. Среди награжденных – руководитель «Школы-студии керамики» Сергей Акентьев из сельского поселения Гжель Раменского района Московской области. 

«Аналогов этому проекту в России нет. Именно поэтому он и победил в престижном Всероссийском конкурсе. Уверена, что опыт Сергея Акентьева будет тиражирован по всему Подмосковью, так как его проект дает шанс людям с ограниченными возможностями здоровья получить специальность и интегрироваться в общество», – приводятся слова министра культуры Московской области Оксаны Косаревой в пресс-релизе.  

По словам министра, в Раменском районе работают ряд специализированных школ и интернатов для детей с особенностями развития. Главная проблема – их трудоустройство и самозанятость. Раменский район – территория традиционных художественных керамических и фарфоровых промыслов. Здесь востребованы такие специальности как гончар и художник-керамист. Именно поэтому житель сельского поселения Гжель Сергей Акентьев разработал и изготовил специально для занятий творчеством и работы людей с ограниченными возможностями рабочее место гончара ОВ-1. Оно позволяет заниматься творчеством по созданию художественной керамики и проводить профессиональное обучение гончарному мастерству.

Сергей Акентьев провел уже 40 мастер-классов для инвалидов. В том числе на общероссийских мероприятиях (Форум «Народно-художественная культура детям» и АБИЛИМПЕКС 2017). Сегодня в «Школе-студии керамики Сергея Акентьева» проходит обучение пять инвалидов по специальности гончар-керамист. 

Лучшие туристические проекты определили в Раменском районе>>

Тема мирного труда в картинах Владимира Гончара » Гордость Бурятии

Тема мирного труда в картинах Владимира Гончара

---

Просмотров: 691

---

Bладимир Гончар (1927-1992) – художник-живописец, заслуженный деятель искусств Бурятской АССР, член Союза художников СССР. Это мастер кисти, без творчества которого невозможно представить в полной мере изобразительное искусство Бурятии XX века.

Владимир Яковлевич Гончар родился 15 августа 1927 года в с. Бандуровка Винницкой области Украинской ССР. Тяга к живописи в 1946 году привела его Иркутское художественное училище, где под руководством известных педагогов Б. И. Лебединского, С. И. Виноградова и Д. М. Баркалова он постигал основы мастерства. После окончания училища в 1950 году он начал работать в Иркутском товариществе «Художник». 

В 1950 году в Москве проводилась первая послевоенная Всесоюзная художественная выставка. Будучи еще студентом иркутского училища, Bладимир Гончар посылал туда свои работы наравне с преподавателями. Из работ, представленных иркутскими художниками, проходят на выставку работы только двух студентов – Тетенькина и Гончара. Для начинающего художника это был просто оглушительный успех, резонанс от которого распространился далеко за пределы Иркутска.

И уже 1956 году Владимир Гончар стал членом Союза художников СССР. Много и увлеченно работая, художник представлял свое творчество на республиканских, зональных и всероссийских выставках. Являлся участником II декады Бурятского искусства и литературы 1959 года в Москве.

Творчество Владимира Гончара отмечено влиянием общественно-политических событий в стране. При этом творения художника современны и актуальны социалистической эпохе. Живопись того времени, все-таки, в первую очередь, отвечала внутренней потребности большинства зрителей и, разумеется, самих художников. 

Одним из главных направлений советского искусства была тема повседневной жизни трудового человека. Среди работ художника по этой тематике следует отметить такие произведения, как «На целине» (1954), «Вениамин Семенов – проходчик Байкальского туннеля» (1978) и, конечно, «Сквозь тайгу». В последнем полотне нашел свое отражение новый тип художественного сознания того времени – утверждение преобразующей деятельности, единства реализма и советской романтики, сочетание героического и романтического начал.  

В работе воспевается тема мирного послевоенного труда. Художник словно выхватывает и сохраняет для истории один из многочисленных моментов трудового дня. Суровая мужская работа – прокладка высоковольтной линии электропередач. О тяжелом труде говорит множество деталей: обилие инструментов, выкорчеванные пни, тяжелые бревна, а также уходящие вдаль громоздкие электроопоры. При этом ведущее место в картине занимает трудовой человек. Не оставляют равнодушными открытые улыбки на лицах мужчин, отдыхающих во время перерыва и ощущение неспешного разговора.

Художник не оставляет без внимания и таежный пейзаж, написанный преимущественно в холодных серых тонах. Лесистые горы на заднем плане подернуты дымкой и туманом. Зрителя не оставляет ощущение умиротворения, спокойствия и светлой радости бытия. 

Данное полотно Владимир Гончара, как и другие картины тех лет, заставляют современного человека по-новому взглянуть на ушедшее время, увидеть и оценить живописное мастерство художников тех лет, а также их глубокую душевную искренность.   

Владимир Яковлевич является автором значительных работ, а именно: «На целине» (1954), «Портрет балерины З. Тыжебровой» (1959), «Сквозь тайгу» (1957), «Портрет колхозника-бурята» (1960), «Вечер в степи» (1961), «Портрет сибиряка» (1964), «Вениамин Семенов – проходчик Байкальского тоннеля» (1978). Эти и его другие произведения находятся в Художественном музее им. Ц. С. Сампилова.

Умер художник в 1992 году в возрасте 65 лет.

Мария Гордеева

Художник-скетчер Руслан Гончар. Изучение мира с помощью рисунков.

Привет, читатель. Сегодня хочу познакомить тебя с одним очень интересным художником-скетчером Русланом Гончаром. Иллюстратор, он изучает мир с помощью скетчей.

Для меня знакомство с Русланом происходило постепенно, через его рисунки на Фейсбук. Изначально придя в ФБ я следил за творчеством зарубежных скетчеров, таких как Дон Лоу, Лиз Стил и др. Именно через Дона я и вышел на страницу Руслана. С тех пор я заинтересовался его работами. Каждая “вылазка” Руслана — это одна маленькая история. Глядя на работы таких художников, как Руслан, приходит вдохновение и порыв тоже выйти на улицу и рисовать скетчи, что я и делаю.

Руслан родом из Харькова. Закончил Харьковский Художественно промышленный институт факультет Оформление книги. Сейчас живёт и работает в Москве. Регулярно рисует под заказ для известных журналов Сноб и Мэнс Хелс. Любимые занятия — рисование и музыка, анимация, чтение, спорт, общение с друзьями.

Скетчевая эпоха Руслана началась в 2009 году, когда ему был подарен блокнот, в котором он начал рисовать в транспорте, чтобы скоротать время в поездке (Москва — город не маленький, и время на поездки приходится тратить в больших количествах). Потом он начал пробовать разные техники и материалы. Так всё и понеслось, закрутилось. Это привело его к созданию арт-буков. У Руслана их шесть. Было бы интересно полистать их. Частично мы можем посмотреть их в цифровом формате по ссылкам:

Блокнот РЕМБРАНДТ

Wet sketch book

Unconscious

Желтый блокнот

Синий блокнот

30 de octubre 2013

Арт-бук — это собрание скетчей, но не просто собрание, как сказал Руслан — это дневник жизни в рисунках и надписях и способ изучения мира.

Еще Руслан пишет книгу. Это книга обучения скетч-рисунку. В ней он поделится своим опытом, покажет рисунки и расскажет о различных техниках.

Там будет всё подробно описано. Каждая глава — это описание отдельной техники. Вначале каждой главы демонстрация из 9 кадров и описание материалов. Потом, крупно 5 готовых рисунков с описанием как это рисовалось и при каких обстоятельствах.

Руслан Гончар

Дата выхода книги пока неизвестна, но я надеюсь, что она не заставит себя долго ждать. Работа идет полным ходом. Сейчас можно увидеть, как она будет выглядеть.

Цена за будущую книгу неизвестна. Надеюсь она будет не слишком дорогой:) Деньги на её издание, скорее всего, будут собираться по подписке. Т. е. собрать деньги, напечатать книгу, разослать людям. Довольно разумно.

Кстати, в ФБ есть такая художница-скетчер Лиз Стил. Она проводит платные мастер-классы в Европе. У неё цена около 100 баксов. Я как-то сидел и думал, почему у нас никто не проводит такие вот скетч-вылазки. Оказывается и Руслан проводил мастер-классы по скетчу. Мне было бы интересно сходить на такой мастер-класс. Как сказал Руслан, новые мастер-классы планируются после выхода книги.

Пока мы разговаривали с Русланом, он рассказал мне интересную историю про один из своих скетчей:

Самая смешная история, рисовал спящих в метро дочку и маму, они проснулись, увидели себя в блокноте и начали смеяться. Мама слева. Рыба на сумке это уже моя фантазия. Вообще историй много. С каждым рисунком связана история.

Я тут недавно спросил у Руслана, что делать, если есть некий психологический барьер рисования на людях, вот что он ответил:

Рисовать на людях это как разгадывать кроссворды. У каждого человека своя фишка))) Чтобы преодолеть ступор, полезно включить само-иронию. Посмеяться немного над самим собой. И все будет Ок. Рисование не нарушение закона, а просто интересное занятие.

Кстати, для тех, кто выкладывает свои рисунки в сеть. Как заметил Руслан, сканер убивает рисунки и лучше снимать их на фотоаппарат в солнечный день.

Рисовать может любой человек, главное иметь желание и любовь к процессу.

Найти Руслана Гончара вы можете на Facebook или ЖЖ.

Скопинская керамика

Скопин – традиционный центр народного искусства на Рязанской земле. Гончарный художественный промысел зародился здесь в середине XVII века, благодаря глине, залегающей в больших количествах в окрестностях города. Изначально жителями производилась бытовая посуда, кирпич и т. д. Но во второй половине XIX века здесь стали создавать глазурованные фигурные сосуды, подсвечники, украшенные сложной лепкой в виде диковинных зверей, рыб и птиц. Творческий коллектив современного промысла бережно хранит и развивает традицию древнего скопинского ремесла.

Готовая продукция ЗАО «Скопинский сувенир» представляет собой майоликовые керамические изделия, а именно, посуду для хранения и приготовления пищевых продуктов, а так же декоративные кашпо с поддонами, вазы, сувениры, шамотные экстерьерные скульптуры.

Для производства используются экологически чистые сырьевые материалы, продукция сертифицирована.

Александр Воеводкин

Художник, гончар, участник и победитель выставок, конкурсов, фестивалей, мастер-классов Всероссийского и международного уровня. Закончил Рязанское художественное училище им. Г.К. Вагнера, гончарному делу обучался на фабрике Скопинской художественной керамики. Позднее, вместе со своей супругой – художником-гончаром Татьяной Половинкиной, создал собственную гончарную мастерскую «Заповедник горшка», подобную старинному гончарному подворью. Основа их творчества – традиционная глиняная посуда: крынки, миски, горшки, корчаги, кружки, квасники, а также известные скопинские фигурные сосуды и игрушки-свистульки.  

         

Татьяна Голованова

Народный художник РФ. Лауреат Государственной премии в области литературы и искусства 1991 года. Член ВТОО «Союз художников России» Родилась в 1959 году в городе Скопине Рязанской области. Закончила Абрамцевское художественно — промышленное училище им. В.М.Васнецова по специальности художник — керамист. Работает в традициях промысла. Внесла большой вклад в дело сохранения и развития промысла. Излюбленные мотивы — птица «Скопа» и «Драконы». Произведения находятся более чем в 20 музеях РФ и стран зарубежья. Участница и победитель выставок, конкурсов, фестивалей, мастер-классов Всероссийского и международного уровня.

   

Светлана Терещенко

Народный мастер РФ. Родилась в 1975 г. в Ростовской области. Работает в традициях Скопинского промысла. Своими учителями считает Т.К. Голованову и Т.Д. Киселеву. Участник областных, всероссийских и международных выставок. Произведения находятся в музейных собраниях РФ и зарубежья.

Информация об исполнителе

Паулюс Поттер происходил из семьи художников. Его отец, Питер Симонз Поттер (ок. 1600–1652), был практикующим художником, а его мать, Алтье Паулюсдр Барциус, была сестрой художника Виллема Барциуса (род. Ок. 1612 г.). Паулюс крестился в Энкхёйзене 20 ноября 1625 года. В 1631 году семья переехала в Амстердам, где, по словам Хубракена, Поттер учился живописи у своего отца. Другие писатели, однако, утверждали, что Поттер учился у амстердамского художника Класа Моэярта (ок.1590 / 1591–1655), стиль которого был похож на стиль Питера Поттера. Поскольку «П. Поттер» был зарегистрирован в 1642 году как ученик гарлемского художника Якоба де Вет (1610–1675), кажется вероятным, что Поттер также был знаком с художественными течениями в этом городе в начале 1640-х годов.

К 1646 году Поттер жил в Делфте, где 6 августа того же года присоединился к гильдии художников. В 1647 году семья, похоже, переехала в Гаагу, потому что в том году его отец зарегистрировался в гильдии этого города, а его сестра крестилась там.Сам Поттер впервые упоминается в гильдейских записях в 1649 году. 3 июля 1650 года он женился на Адриане Балкен Эйнде, дочери городского архитектора. С 1649 по 1652 год Поттер снимал дом на берегу реки Дунн-Биркаде, принадлежавший пейзажисту Яну ван Гойену (голландский язык, 1596 — 1656 гг.).

Возможно, благодаря своему тестю, который работал над королевскими строительными проектами, Поттер приехал получать заказы от Амалии ван Солмс, вдовы Фредерика Хендрика, принца Оранского. Поттер выполнил для нее по крайней мере одну картину, которая сейчас находится в Эрмитаже в Санкт-Петербурге, но, по-видимому, он не выполнил других обязательств: в 1651 году он был подан королевским судом в суд за непредоставление картин.

К 1 мая 1652 года Поттер вернулся в Амстердам, согласно Хубракену по настоянию доктора Николаеса Тулпа. В следующем году он написал впечатляющий конный портрет в натуральную величину Дирка Тулпа, сына Николая Тулпа (Six Collection, Амстердам). Вскоре после этого, в возрасте двадцати восьми лет, Поттер умер от туберкулеза. Он был похоронен в Nieuwezijdskapel 17 января 1654 года. Несмотря на свою короткую жизнь, Поттер создал ряд оригинальных и влиятельных работ. С самого начала своей карьеры он отводил животным чрезвычайно важное место в своих композициях и был одним из первых художников, которые изобразили их как самостоятельные предметы.Он также создал около двух десятков офортов с изображением животных.

Хотя у него не было задокументированных учеников, Поттер, возможно, оказал влияние на Карела Дюжардена (голландский, 1626–1678), пейзажи последнего, созданные во время смерти Поттера, очень похожи по стилю.

Артур К. Уилок-младший.

24 апреля 2014 г.

Майкл Кардью: Гончар как великий современный художник

Один из парадоксов этого «возрождения» заключается в том, что английская посуда, воплощенная в необычных керамических тарелках и кувшинах, которые Хамада создавала на протяжении большей части двадцатого века, стала тесно ассоциироваться с Японская керамика — одно из тех гибридных творений, которые повсюду встречаются в изобретении традиций. Подобный обмен произошел, когда Кардью в 1930-х годах вылепил двойной горшок, соединенный двумя полосками глины, по образцу похожего на горшок, который ему подарил Хамада, которого Кардью описал как «очень старшего старшего брата». «Двойные банки для варенья» Кардью, которые выглядят как парные барабаны для бонго, взяты из модели Hamada с петлевой ручкой и утопленными крышками в характерном английском направлении. Сложенные горшки Кардью с их строгими украшениями, отшлифованными железом, могли быть супружеской парой с переплетенными руками; он утверждал, что горшок имел романтический оттенок, вдохновленный стихотворением Шекспира «Феникс и черепаха».

Наряду с горшками для варенья Кардью разработал отличительные формы, такие как его потрясающие кувшины для сидра с их изящными петлевыми ручками и патрубками у основания, которые напоминают средневековые ярмарки и праздники, но имеют, как и все лучшие работы Кардью, чистые формы. модернистский вид. Для своих украшений посуды, иногда с надписью, которую он узнал от Хамады, он использовал различные источники: «Византийскую керамику для птиц, китайский рисунок для рыб и британское популярное искусство, а также наскальные рисунки для оленей. .Можно провести аналогию с современными экспериментами со стихами Йейтса или Фроста, где унаследованные формы «обновляются» с помощью более компактной, более разговорной речи и обновленной эстетической изысканности. Критики, такие как Ф. Р. Ливис и Герберт Рид, вскоре начали собирать работы Кардью вместе с такими художниками, как Генри Мур, давним энтузиастом, и Янаги отправил «большие партии» горшков Кардью в Японию.

Кардью не имел особого вкуса к японской керамике, и в 1926 году он покинул мир Лича, чтобы основать свою собственную мастерскую в заброшенной глиняной посуде недалеко от Винчкомба, а затем, в 1939 году, в поисках сырья и новых технологий в более отдаленном месте, крысином. Зараженный примитивный Венфордский мост среди каменных карьеров Корнуолла.Кардью был ключевой фигурой в подъеме того, что стало называться «студийной керамикой», с его культом ручной работы и малых масштабов, а также его взглядом (как выражается Харрод) на «перформативный акт метания». горшки на колесе как «полудуховный акт». Харрод цитирует Рильке о его решающем опыте в 1924 году, когда он наблюдал за египетским гончаром в деревне на Ниле: «Стоять у его колеса было для меня так неописуемо и таинственно плодотворно».

Издательство Йельского университета / Дойг Симмондс

Абуджа, Нигерия, 1955.

Различия между видами глины и горшками имели для Кардью почти религиозное значение. У него было моральное отвращение к обжигу бисквита или печенья («дважды приготовленного»), при котором горшки обжигаются при высокой температуре без глазури, а затем подвергаются второму, более низкому обжигу с наложением глазури — «убивая тело, прежде чем покрыть его глазурью. , », Как он выразился на своем типично виталистическом языке. Не менее отталкивающим, по его мнению, было использование коммерчески производимых материалов. Гончары, которые покупали готовую глину, готовую глазурь и готовые печи для обжига, в конечном итоге производили горшки, которые «будут лишь частично вашими» и которые «лишились половины своей личности из-за всех их ярлыков. Кардью все чаще приходил к убеждению, что гончары должны делать все, с чем они работают, иначе их горшки не будут полностью живыми. Им следует копать сырье для своих собственных глин и глазурей, и делать свои собственные кирпичи для своих печей, и рубить свои собственные дрова, и так далее. Он назвал это начинание с нуля «первопроходцем в гончарном деле» и написал классическую книгу на эту тему.

Порабощенный художник, чья керамика стала актом сопротивления

Пятнистая коричневая банка для хранения издали выглядит скромно, даже по-домашнему — то, что вы можете найти на заднем крыльце на юге.Подойдите ближе, и вы увидите дикие полосы щелочной глазури вверх и вниз по поверхности, а также некоторые заметные следы художника, известного как Дэйв Поттер или Дэвид Дрейк, который изготовил мощную керамическую посуду в районе Эджфилд в Южной Каролине, будучи порабощенным разными владельцами. .

На дне горшка три отметины, похожие на отпечатки пальцев, где кто-то — возможно, Дрейк — окунул горшок в глазурь. На плече написано одно слово, которое Дрейк начертил с помощью заостренной палки или подобного инструмента: «катинация», вариант цепочки, состояние скованного ярмом или цепью.Не менее примечательным, по мнению экспертов, является то, что банка датирована «12 апреля 1836 года», через два года после того, как в Южной Каролине был принят особенно карательный закон против грамотности, призванный помешать рабам писать, что сделало это единственное слово экстраординарным актом сопротивления или неповиновения. пользователя Drake.

Это не совсем 15 дюймов в высоту, но этот сосуд указывает на художественные достижения порабощенных афроамериканцев и на постоянное стирание их работ из культурных учреждений Америки в течение почти 300 лет.

Итак, когда банка поступила в продажу в ноябре на аукционе Brunk Auctions в Эшвилле, штат Нью-Йорк.С., художественные музеи по всей стране обратили внимание. Смета составляла от 40 000 до 60 000 долларов. Но конкурирующие музеи подняли цену до 369 000 долларов с надбавкой от покупателя, установив мировой рекорд аукциона для работы Дэвида Дрейка и завершив год крупных институциональных закупок его уникальной керамики.

В 2020 году покупателями были Музеи изящных искусств Сан-Франциско, Художественный музей Сент-Луиса, Художественный институт Чикаго и Музей искусств Метрополитен, а также более исторически ориентированный Международный афроамериканский музей, строящийся в настоящее время в Чарльстоне. , С.C. В то время, когда руководители музеев одновременно сильно мотивированы и вынуждены переосмыслить расовые предубеждения, заложенные в их коллекциях, приобретение и демонстрация выдающихся работ Дрейка предлагает драматический способ сделать это, а также предлагает окно в историю рабство.

Тимоти Бургард, куратор американского искусства в Музеях изящных искусств, который выиграл конкурс на «катинирующую» банку, назвал эти приобретения «поворотным моментом» в рассказах американских художественных музеев о рабстве.Он планирует установить кувшин на видном месте в галерее времен Гражданской войны в Музее де Янга к 1 июля, «символически сосредоточив проблему системы рабства, которая исторически сводилась к минимуму и маргинализировалась музеями».

По словам аукциониста Эндрю Бранка: «Нет никаких сомнений в том, что институты управляют этим рынком в настоящий момент». Он охарактеризовал спрос на кувшины с надписями Дрейка — от одного слова до коротких, но выразительных стихов — как особенно высокий.

Эти надписи помогают рассказать историю Дэвида Дрейка, когда многие биографические данные отсутствуют.Судя по записям переписи, Дрейк, вероятно, родился в 1801 году и умер в 1870-х годах. Записи с аукционов показывают, что у него было несколько поработителей в районе Эджфилда, и что он хотя бы один раз использовался в качестве залога для получения ссуды. В журнале голосования указано, что он принял имя Дрейк после освобождения, взяв фамилию своего первого владельца. Но в его биографии до сих пор есть серьезные пробелы. Непонятно, кто обучал его гончарному кругу. (Он также делал горшки вручную, используя технику катушки.) И нет единого мнения о том, как он научился читать и писать.

Что известно, так это то, что он сделал на продажу много керамических горшков, некоторые из которых достигли 40 галлонов, которые продемонстрировали его физическую силу и виртуозность с глиной и подписали свое имя «Дэйв» более чем на 100 экземплярах. Он писал стихи или высказывания. по крайней мере на 40 выживших.

Вместе эти сосуды со стихотворениями, как их называют, служат своего рода дневником, предлагая другой голос, чем рассказы рабов, преобладающие в черной литературе того периода. Некоторые из них, например, банка, недавно приобретенная Метрополитеном, или банка, принадлежащая Художественному музею Филадельфии с 1997 года, описывают функцию горшков или хвастаются количеством говядины или свинины, которое они могут вместить.Другие делятся религиозными посланиями или остротами. Одно стихотворение 1857 года гласит: «Я сделал эту банку за наличные, хотя она и называется — наживой мусор». Другой, датированный 1854 годом, гласит: «Я сказал, что эта ручка треснет». Ученые установили, что инициалы относятся к одному из его владельцев, Льюису Майлзу, который руководил мануфактурой Stony Bluff Manufactory, производя глиняную посуду с использованием рабского труда. И, по мнению производителя, ручка осталась нетронутой и сегодня.

Другие стихи можно прочитать о политических потрясениях того времени.«Я сотворил этот сосуд, весь крест / Если не покаетесь, погибнете» датировано 3 мая 1862 года, примерно через год после начала Гражданской войны.

Самая душераздирающая надпись начинается: «Интересно, где все мои родственники». Кувшин в Художественном музее округа Гринвилл в Южной Каролине датирован 16 августа 1857 года, через несколько лет после того, как порабощенная женщина из его дома по имени Лидия и два ее сына были отправлены в Луизиану, согласно книге Леонарда Тодда 2008 года « Каролина Клэй: Жизнь и легенда Раба Поттера Дэйва.Неизвестно, была ли Лидия его женой.

Книгу Тодда хвалили за ее оригинальное исследование, но также критиковали за частые предположения, которые выставляют поработителей Дрейка, некоторые из которых были предками Тодда, в благоприятном свете. Например, Тодд рассказал историю, передаваемую из поколения в поколение, но обсуждаемую экспертами, о том, что Дрейк потерял ногу после того, как однажды ночью заснул на железнодорожных путях, потому что слишком много пил.

Джейсон Янг, доцент истории Мичиганского университета, специализирующийся на афроамериканской религии и культуре, считает этот отчет ненадежным.«Что мы действительно знаем о рабстве и инвалидности, так это то, что было большое количество порабощенных африканцев, которые оказались инвалидами либо из-за опасного режима работы, в котором они жили, либо потому, что это была популярная форма наказания — отрубить ногу или ногу в ответ на некоторые нарушение », — сказал Янг в интервью.

Он объединился с Адриенн Спиноцци, помощником куратора-исследователя в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, и Итаном Лассером, главой отдела искусства Америки в Музее изящных искусств Бостона, чтобы организовать передвижную выставку, посвященную наследию. афроамериканских гончаров из Эджфилда, которые представят около дюжины сосудов от Дрейка и откроются в Метрополитене в сентябре 2022 года.В то время как более мелкие музеи на Юге, в том числе Чарльстонский музей и Художественный музей округа Гринвилл, уже давно владеют керамикой Дрейка, предстоящая выставка станет первой в своем роде в Нью-Йорке и Бостоне.

Лассер впервые познакомился с творчеством Дрейка, когда в 2010 году организовал в Художественном музее Милуоки показ чикагского художника Тистера Гейтса «Мрачные размышления», вдохновленный гончарными изделиями Дрейка. Разочарованный иногда веселыми рассказами Тодда, Гейтс стремился «усилить» работу Дрейка, как выразился художник, с помощью его собственных горшков и музыки, включая гимн Гейтса, написанный для госпел-хора.(На одной из работ Гейтса была явно не солнечная поговорка: «Сука, я сделал этот горшок».)

Лассер сказал, что одна из целей нового шоу — избежать спекуляций о жизни гончара. «Одна из вещей, против которой мы пытаемся упорно сопротивляться, — это читать его работы с точки зрения доброжелательности его поработителей, предполагая, что его владелец научил его писать или дал ему разрешение», — сказал он. «Есть риск, что его рассказ станет тонизирующим средством против жестокости рабства».

Еще одна цель выставки — понять, как использование рабского труда поддерживало оживленный, крупномасштабный бизнес керамических мануфактур XIX века в районе Эджфилд, который славится своими богатыми красными и белыми глинами и глянцевыми щелочными материалами. глазури.В 2011 году археологи раскопали здесь частично погребенную печь в месте, известном как Поттерсвилль. Они ожидали, что печь будет длиной около 25 футов. Оказалось, 105 футов.

«Открытие печи такого масштаба заставило нас переосмыслить наше понимание керамики Эджфилда», — сказал Спиноцци, куратор музея Метрополитен. «Это была не какая-то небольшая операция на чьем-то заднем дворе, а масштабное мероприятие, в котором участвовало много людей». Ученые рассматривают это как относительно редкий пример «промышленного рабства» в Соединенных Штатах, которое имело место в таких отраслях, как горнодобывающая промышленность или производство бытовых товаров для потребления, по сравнению с более знакомой сельскохозяйственной моделью, связанной с хлопковыми и табачными плантациями.

Спиноцци и ее коллеги в настоящее время исследуют современников Дрейка, в том числе порабощенного гончара по имени Гарри, который также подписал свое имя на кувшинах. (Аукционный дом Crocker Farm в апреле продал банку 1840 года, подписанную «Гарри», за 120 000 долларов частному коллекционеру.)

Большинство кураторов отказались от прозвища «Дэйв Поттер» в пользу Дэвида Дрейка. Признавая, что фамилия «Дрейк» также может быть проблематичной, потому что она происходит от его первого поработителя, Бургард, куратор Музеев изящных искусств в Сан-Франциско, сказал, что это «был выбор, который он сделал при регистрации для голосования, и он включен в перепись. записи.Для любого называть его по имени, когда стирание личности в рабстве настолько ужасно, кажется неуважением ».

Это биографическое стирание — одна из самых больших проблем, с которыми сталкиваются музеи, которые стремятся выставить работы порабощенных художников. Другой — давнее презрение в мире искусства к повседневным функциональным предметам.

Доктор Тоня Мэтьюз, исполнительный директор Международного афроамериканского музея, сказала, что ее музей планирует показать работы Дрейка вместе с такими предметами, как корзины из сладкой травы, чтобы помочь «развенчать этот давно укоренившийся миф о порабощенных людях, не обладающих навыками.

Бургард, куратор из Сан-Франциско, сказал, что кувшины Дрейка также служат убедительным аргументом в пользу того, что музеи изобразительного искусства признают важность функциональных и утилитарных предметов.

«Если вы не обращаете внимания на эти предметы, вы никогда не сможете адекватно воспринять историю женщин-художников, цветных художников или порабощенных художников, потому что вы должны смотреть на то, что им« разрешено »делать», он сказал. «Вы должны смотреть на горшки, вы должны смотреть на одеяла, вы должны смотреть на красивые изделия из металла на балконах в Новом Орлеане.

«Сколько построек, предметов мебели и керамических сосудов построили люди, попавшие в рабство? Наверное, миллионы, но их имена никто не записал ».

---

Где можно увидеть важную керамическую посуду Дэвида Дрейка

Бостон Музей изящных искусств, Бостон, Галерея 237.

Чарльстон Чарльстонский музей, в Первом зале музея.

Чикаго Институт искусств Чикаго, который будет установлен этой зимой.

Гринвилл, Южная Каролина Музей искусств округа Гринвилл, который откроется этой зимой.

Нью-Йорк Метрополитен-музей, Американское крыло, Галерея 762.

Филадельфия Филадельфийский художественный музей, Галерея 216.

Сан-Франциско Музей де Янга, Галерея 23, банка «Катиниция», вид из 1 июля.

Сент-Луис Музей искусств Сент-Луиса, галерея 336

Знаменитый визажист Майк Поттер о «Хедвиг», «Узнай себя» и «Три вещи, которые нужны всем женщинам»

Актер Даррен Крисс Старс в роли Хедвиг в Сан-Франциско и Лос-Анджелесе.(Фотография предоставлена ​​Джоан Маркус)

Почти двадцать лет назад, когда Майк Поттер познакомился с Джоном Кэмероном Митчеллом, когда работал продавцом в видеомагазине в Нью-Йорке, и решил сотрудничать в создании ставших культовыми париков и макияжа Хедвиг, он и не подозревал, что их отношения завершатся культовым культом вне Бродвея. хит, фильм, номинированный на «Золотой глобус», и мюзикл, удостоенный премии «Тони».

Нельзя сказать, что икоты не было. Во время одного из самых первых выступлений Хедвиг в Squeezebox (давняя вечеринка в легендарном клубе Don Hill’s) «парик развалился на сцене, а макияж растаял», — говорит Поттер.«Это была полная катастрофа, и я не думал, что мы снова будем работать вместе. Вместо этого Джон сказал: «Это было весело. Давай сделаем это снова ».

Недавно в отеле Clift в Сан-Франциско я имел удовольствие встретиться с Поттером, который был в городе, готовясь к постановке в Сан-Франциско «Хедвиг и сердитый дюйм» с Дарреном Криссом в главной роли. (Он завершится на следующей неделе, а в ноябре переедет в Лос-Анджелес.) Ниже он делится своими мыслями о важности открытия себя, о том, как появилась знаменитая яркая внешность Хедвиг, и о трех косметических предметах, которые нужны каждой женщине.

Майк Поттер, визажист Хедвиг и дизайнер париков (стиль и фото Николь Бриджфорд)

Что вас больше всего удивило в успехе Хедвиг?

Это все еще где-то. Это актуально. И это до сих пор влияет на людей. Это нравится даже молодому поколению. Это началось в 90-х, так что сейчас определенное время. Удивительно знать, что 20 лет спустя вы обнаружите, что за пределами театра ждут дети, которые даже не родились, когда начинала Хедвиг.Они действительно получают сообщение о том, что они цельны и обретают себя.

Считаете ли вы, что это сообщение о раскрытии себя еще более актуально?

Верю. Я думаю, что сейчас это более актуально, потому что сейчас гораздо больше людей с изменчивым гендерным подходом. Тогда были трансы, геи и натуралы. У нас сейчас есть «ЛГБТК», но тогда не было «Т».

Я знал много людей, которые переоделись в другую одежду и изменили пол.Но Хедвиг бросает вызов всем этим вещам и ярлыкам, потому что она не является ни одной из этих вещей. Она не лесбиянка. Она не гей. Может она би. Она транссексуал, только по умолчанию — она ​​внесла изменения, чтобы избежать плохой ситуации.

Она вроде как все, и я думаю, поэтому так много людей сегодня могут относиться к ней. В ней нет ничего конкретного. Насколько люди понимают, это ее собственный жанр.

Невероятно, как Хедвиг держалась за эти годы. Двадцать лет назад я просто подумал, что это забавная и актуальная история для людей, с которыми я тогда дружил.

Образ Майка Поттера на Хедвиг красочный, полностью оригинальный и культовый. (Фотография предоставлена ​​Джоан Маркус)

Давайте поговорим о внешности Хедвиг. Он большой, полностью оригинальный и культовый. Как появились ее знаменитые волосы?

На протяжении многих лет Джон (Кэмерон Митчелл) нуждался в определенных элементах. Но в целом он хотел, чтобы в ней выглядела ожесточенная битва, которую, я думаю, придают «крылья» в ее волосах. Если вы посмотрите на предыдущие поколения, было так много версий этой прически.В какой-то момент это была больше Фарра, а иногда больше походила на напудренный парик Джорджа Вашингтона. Было много вещей, и они постепенно превратились в культовые волосы, которые есть сейчас.

Хотя мы немного меняем его для каждого парня, который играет Хедвиг, он определенно находится в определенных границах: кефаль с трубчатыми крыльями. Мы шутим, что эти крылья — ее легкие Aqua Net.

А как насчет ее макияжа?

Бровь классически трагична — как в Рокки Хорроре.Они тонкие и немного приподнимаются в углу, что создает линию трагедии.

Но Хедвиг — это красавица, нарисованная в классическом стиле, не поддающаяся описанию. Люди пытаются классифицировать ее как глэм или рок-н-ролл. Но я вижу Долли Партон так же, как Дэвида Боуи, когда смотрю на нее. Она — ее собственное зрелище, и оно действительно созданное ею.

Ее вдохновила Америка. Вот почему у нее большие светлые волосы, красные губы, синие тени для век и она носит джинсовую ткань. Она американка, по-своему, в стиле рок-н-ролл.У нее такой же макияж, как у Мэрилин, за исключением бровей.

Вот почему Хедвиг такая веселая. Эта «краска» так хорошо переносится на других людей. Посмотрите на бывших Хедвиг, таких как Нил Патрик Харрис и Тай Диггс. Все они имели элементы, характерные для Хедвиг, но каждая была своей собственной Хедвиг.

Актер Даррен Крисс Старс в роли Хедвиг в Сан-Франциско и Лос-Анджелесе. (Фото: Екатерина … [+] Асанов)

Давайте поговорим о нынешней Хедвиг, Даррене Криссе.Что он привносит в шоу?

Даррен привносит в Хедвиг юную рок-н-ролльную энергию. У него есть бесплатная и открытая вещь, которую сейчас имеют младшие дети — в наши дни они гораздо более восприимчивы.

Много лет назад вы и не подумали, что в этой роли играет настоящий сердцеед-актер. Это действительно шокирует. Он отлично поет, отлично выглядит и любит петарды.

Что вы считаете самым необходимым, когда дело касается макияжа?

Каждая женщина должна найти красную губу, которая ей подходит, будь то на оранжевой (теплой) или на синей (прохладной) основе.От красной губы можно так многого добиться. Как вы знаете, Хедвиг уже далеко не ускользнула от своих красных блестящих губ. Матовая жидкая помада MAC Retro Matte Liquid Lipcolours просто восхитительна. Они проходят гладко и не сушат губы. Мне нравятся оттенки Feels So Good и Fashion Legacy.

Брови тоже важны. Густые брови выглядят более молодо и действительно обрамляют глаз и лицо. Подумайте о Брук Шилдс. Brow Sculpt от MAC отлично подходит для растушевки, а Brow Gelcomb от Tom Ford замораживает брови и является доказательством идиотизма.

И мне нравятся бронзаторы и хайлайтеры, которые помогают придать контуру и «неторопливость» (горячая тенденция стратегического использования хайлайтеров для придания сияющего блеска) лицу.

Кроме Хедвиг, что еще у вас в рукаве?

У меня новый агент, Рэй Браун. Я хочу сделать еще пару хороших художественных фильмов.

По-настоящему хороший друг открыл в Бруклине бар Ceremony. Время от времени я буду там работать, хотя официально я никогда раньше не работал барменом. Но, честно говоря, я больше не гуляю.

Еще у меня есть линейка матовых лаков для ногтей Knock Out Cosmetics. Мы расширились до нескольких цветов с блестками, и скоро у нас появятся другие вещи.

Джоан Поттер | Мастер-художник нашего времени

Джоан Поттер продолжает традиции натюрморта

Бонни Гангельхофф

Джоан Поттер, Fujis, масло, 14 x 18.

Эта история была опубликована в номере за май 2014 года журнала Southwest Art. Получите печатный выпуск Southwest Art за май 2014 года или загрузите его в цифровом виде — затем подпишитесь на Southwest Art и никогда не пропустите ни одной истории!

Однажды недавно художница из Санта-Фе Джоан Поттер размышляла о своей первой поездке в Нью-Мексико.В 1984 году, говорит Поттер, она несколько раз объезжала весь мир и несколько лет жила в Азии, но никогда не видела юго-запад Америки. Открыв персональную выставку в галерее Total Arts в Таосе, штат Нью-Мексико, она решила, что пора нанести визит в Страну волшебства. Когда она выходила из своего дома в Нью-Йорке, друг-художник Дэвид А. Леффель дал ей последний совет. «Зацени Санта-Фе», — сказал он.

Поттер слушал Леффель, с которым она делила студию на Манхэттене.Она вспоминает, как ее «потрясло» то, что она увидела во время первого набега на юго-западный город. «Я думал, что архитектура Санта-Фе настолько уникальна, после того, как я жил на Манхэттене, и небо было средиземноморским синим. Это было прекрасно, — говорит Поттер. «Вот и все. Я был конченым погибшим.

В течение двух недель она вернулась в Нью-Йорк, упаковала свои вещи, арендовала U-Haul и направилась на запад, в свою новую жизнь и домой. Поттер, родившаяся и выросшая в районе Бостона, думала, что она подвергнет эту идею шестимесячному испытанию, чтобы убедиться, что ее быстрое решение не было безрассудным.Но после того, как она арендовала дом в Санта-Фе на два года, она поняла, что останется там надолго. В 1986 году она обнаружила на продажу комфортабельное бунгало из сырца, гостевой дом, который когда-то принадлежал известному юго-западному художнику Джеральду Кэссиди [1879-1934]. Поскольку Поттер был решителен, она взяла на себя обязательство купить недвижимость, как только увидела ее. Типичное жилище Нью-Мексико, расположенное в историческом районе Каньон-роуд, имело все архитектурные элементы, характерные для местных резиденций, такие как деревянные балки на потолке, камины кива, резные ниши в стенах и плитка на полу.«Это должно было быть, — говорит Поттер. «Это была любовь с первого взгляда.»

Джоан Поттер, Холлихоки, масло, 25 x 30.

Поттер быстро добавил в резиденцию студию. Сегодня главный почетный член группы художников-масляных художников Америки следует по стопам Кэссиди, чикагца, который приехал в Санта-Фе в 1915 году и остался там. Известный своими портретами коренных американцев и изображениями юго-западных пейзажей, Кэссиди прибыл, когда несколько известных художников Восточного побережья спускались в Санта-Фе, в том числе Марсден Хартли, Джон Слоан и Рэндалл Дэви.Их прибытие ознаменовало собой начало эволюции Санта-Фе от сонного маленького городка до крупного центра искусства. За Кэссиди, Хартли, Слоаном и Дэйви последуют волны художников, которые продолжат стекаться в город в последующие годы, в том числе Поттер, прибывший примерно семь десятилетий спустя.

Поттер первым признал, что, в отличие от Кэссиди, на нее не влияет юго-западный ландшафт и его коренные народы. Находясь в Нью-Йорке, Поттер известна созданием традиционных натюрмортов, а иногда и классических фигуративных работ в стиле, который больше напоминает Рембрандта, чем Ремингтона.Галерист Недра Маттеуччи, представляющая Поттера с 2002 года, согласна с художественным влиянием Поттера. «Я очень восхищаюсь тщательной дисциплиной и техникой натюрмортов Джоан Поттер, которые остаются верными традициям голландских мастеров, но при этом пронизаны ее собственным блеском», — говорит Маттеуччи. «Тема, которую выбирает Поттер, очень разнообразна и всегда увлекательна. Он подходит практически везде и имеет широкую привлекательность, вневременную, но при этом свежую.Для нас большая честь иметь то качество, которое она привносит в галерею ».

Днем — ее любимое время рисовать — студия Potter’s Canyon Road залита светом из большого окна, выходящего на север. Поттер окружила себя предметами искусства, которые в конечном итоге попадут в ее картины. Медные ведра, прекрасный фарфоровый фарфор, старинные чайники и плетеные корзины — вот некоторые из ее любимых вещей, и она не возражает, если у звезд ее интимных настольных драм есть трещины или сломанные ручки.

Поттера всегда привлекала натюрморт, возможно, из соображений практичности, — говорит она. В начале своей художественной карьеры в Нью-Йорке женщины не выходили на улицы и не ставили мольберты. «В то время Нью-Йорк был джунглями. Это было небезопасно, и это не было сделано », — говорит она. «Многие женщины тогда стали художниками в студии. Поскольку у нас не было много денег на модели, мы рисовали натюрморты ».

Джоан Поттер, металл и стекло, масло, 16 x 19.

Хотя сегодня у нее еженедельно проводятся сеансы рисования с моделью в своей студии, натюрморт остается основным направлением ее работы.Поттер продолжает находить этот жанр сложным, поскольку она представляет и пишет все более сложные композиции. По ее словам, натюрморт, как и все жанры, направлен на решение проблем.

Поттер начинает рисовать, играя с сосудами, вазами, цветами, фруктами и овощами, пока не достигает композиции, которая ее интересует. По ее словам, зачастую на создание композиции уходит больше времени, чем на ее раскрашивание. После достижения приятной аранжировки начинается «веселая часть», перенос ее композиции на холст.Однако иногда то, что начинает разворачиваться на холсте, кажется скучным по сравнению с реальной обстановкой. «Это когда я вытаскиваю лист бумаги или кладу руку на что-то, что я нарисовал, например, на фрукт», — говорит Поттер. «Я продолжаю прикрывать кусочки и кусочки, пока не выясню, что не так. Может быть, ему нужно больше света или больше темноты. Я постоянно играю с картиной ».

Если она не может понять, в чем проблема, она откладывает картину в мусорное ведро в своей мастерской — на время вне поля зрения и из виду.Позже она сможет свежим взглядом вернуться к проблемному ребенку в мусорном ведре. И поскольку она не работает с фотографиями для своих натюрмортов, Поттер также решает проблему, просто исключая определенные объекты из своей работы в целом, например, хрупкие цветы, такие как маки, которые опускаются, вянут и выступают в разные стороны, пока она пытаюсь их раскрасить.

Джоан Поттер, Яблоки и дыня, масло, 20 x 24.

Неудивительно, что решительный Поттер любит работать спонтанно.Вдохновение для ФАРТУРА ХУДОЖНИКА, например, пришло недавно, когда она устала рисовать фрукты — профессиональный риск для художника-натюрморта. Она внезапно заметила, как фартук ее художника, накинутый на задник, создал интригующую форму. Затем она добавила в композицию семь луковиц, потому что белый цвет луковиц добавил контраста, светлого и темного, а также добавил драматизма картине. Натюрморты для Поттера — это не только решение проблем, но и взаимосвязь различных элементов.«Когда вы работаете с натюрмортами, вы должны учитывать все части — текстуры, цвета, формы — потому что вы не хотите, чтобы работа становилась однообразной», — говорит она. «Это то, что делает натюрморт натюрмортами — сочетание цветов, форм, света и темноты. Все они должны быть синхронизированы и дополнять друг друга. Это как если бы ты дирижировал симфонией. Вы создаете искусство, и вы должны учитывать все части оркестра ».

Оглядываясь назад на свою карьеру, Поттер говорит, что не сделала бы ничего иначе, кроме одного: она хотела бы, чтобы ее карьера в изобразительном искусстве началась раньше в жизни.После того, как она получила степень бакалавра изящных искусств в Массачусетском колледже искусств в Бостоне, она поехала в Нью-Йорк, чтобы работать иллюстратором моды. В конце концов, она продолжила изучать живопись и рисунок в Лиге студентов-художников Нью-Йорка у Дэвида Леффеля и Роберта Филиппа, что сделало ее ближе к ее художественным мечтам. Сегодня она говорит: «У меня есть все, чего я когда-либо хотела достичь. Не могу сказать, что у всех так. Я любил Нью-Йорк, когда был там, но сейчас я здесь, и все, что я хочу, здесь.А я оставлю только на носилках с поднятыми вверх ногами ».

представительство
Галерея Недра Маттеуччи , Санта-Фе, Нью-Мексико; Галерея Всего Искусств , Таос, Нью-Мексико; Галерея Сильвана , Чарльстон, Южная Каролина; Галерея InSight , Фредериксбург, Техас; Mountaingsong Galleries , Кармель, Калифорния.

Показано в выпуске журнала Southwest Art за май 2014 г. — щелкните ниже, чтобы приобрести:
Southwest Art Май 2014 печатный выпуск или загрузка в цифровом виде Или подпишитесь на Southwest Art и никогда не пропустите!

Джоан Поттер, Фудзис, масло, 14 х 18.

Джоан Поттер, Холлихоки, масло, 25 х 30.

Джоан Поттер, Сирень, масло, 22 х 26.

Джоан Поттер, металл и стекло, масло, 16 х 19.

Джоан Поттер, Фартук художника, масло, 12 х 9.

Джоан Поттер, Редис, масло, 9 x 14.

Джоан Поттер, Яблоки и дыня, масло, 20 x 24.

Джоан Поттер, Азалии, масло, 16 х 20.

Джоан Поттер, цветы абрикоса, масло, 8 x 16.

Джоан Поттер, Розы III, масло, 17 х 20.

БОЛЬШЕ РЕСУРСОВ ДЛЯ ХУДОЖЕСТВЕННЫХ КОЛЛЕКТОРОВ И ЛЮБИТЕЛЕЙ
• Подпишитесь на журнал Southwest Art
• Узнайте, как рисовать, загрузив файлы, книги, видео и многое другое из North Light Shop
• Подпишитесь на свой Southwest Art Электронный бюллетень и скачать БЕСПЛАТНУЮ электронную книгу

Марка В.Гончар ’48 — Школа Тафта

В Тафте, где Марк Поттер провел 45 из своих 66 лет, он был известен только как «Поттер», что очень ласково. Я думаю, это был наш способ осознать, что сущностью этого человека был школьник внутри, мальчик, творческий, любопытный, энтузиазм и физический в самой своей сути.

Марк родился в несколько викторианской семье и очень рано был одиноким. Он обнаружил, что катается на санях и коньках на прудах, преуспев в красоте природы и в своем собственном существе.К тому времени, когда он поступил в Тафт осенью 1945 года, сущность мальчика проявилась. Погрузившись во все, что предлагала школа, Поттер установил шаблоны, которые помогут ему пройти через Тафт и Йель. Он был руководителем класса, прекрасным учеником, одаренным певцом в Ориокосе, как и в Уиффе, одаренным спортсменом, преданным хоккеистом — всеми любимым за его энтузиазм в отношении всего, что он делал, и всех, с кем он работал, играл и созданный. После Йельского университета ЦРУ ухаживало за Бобби Болдуин, работало с Греем Маттерном, а затем прислушивалось к призыву Пола Крукшенка вернуться в Тафт, преподавать искусство и стать постоянным художником Вудбери.

Мы знаем многих Поттеров: Поттер семьянин, восхищающийся каждой своей семьей и тихо гордящийся их замечательными достижениями. Поттер-путешественник, любящий землю, особенно Адирондак и Брандрет, Уикипими, умирающие фермы Коннектикута и их фермеры. Поттер, когда-либо изо всех сил старающийся сохранить дикую природу и природу в том виде, в каком она должна быть, друг медведя.

Поттер, физическое существо, которое больше всего чувствует себя на льду со своими товарищами по Йельской команде, со Старческой шестеркой, в одиночку укладывая воображаемых противников на пруд Тафта, притворяясь, что это Монреальский форум, или играет со своими сыновьями в игре выпускников — подвиг никогда не быть равным.

Поттер, соперник на кортах, постоянно совершенствуется, с самого начала настраивает своего оппонента на комплименты, всегда уверен, что это будет его лучший год за всю его историю.

Художник Поттер, записывающий прекрасные сцены, чтобы вдохновлять нас и будущие поколения, улавливая сущность великих и малых людей для своих семей и будущих поколений. Персонаж Поттер, вечно игравший в залах Тафта, делая зарисовки на собраниях преподавателей, прося директора школы помочь ему запустить автомобили, незаконно припаркованные на территории кампуса, более двух десятилетий пользовался правами скваттера в учебном зале, потратившись на 69 центов. стоит бензина до дома.

Поттер, увещевающий детей не бросать камни на выступающий лед пруда, не курить в его художественной комнате, не захламлять кампус.

Поттер, которого неизменно любили и уважали за то, кем он был.

Поттер-учитель, находя добро в тех, кого забыли другие, находит творческие импульсы в учениках, чья жизнь прежде была бесплодной, учит всех нас многому о силе поддержки и заботы.

Друг Поттер, всегда рядом, радуясь нашим победам, подбадривая нас, находя в нас радость и силу и никогда не ожидая ничего взамен.В самые тяжелые моменты он всегда заботился в первую очередь о других.

В конце концов, Поттер прожил уникальную жизнь. Он жил настоящим моментом и для других. В только что снятом фильме о школе был показан Поттер, и я думаю, что в нем он непреднамеренно заявил о своей жизненной философии. Он сказал: «Я очень внимателен. Я не крадусь за мелкими мелочами. Мне нравится идея быть смелой, когда нужно сорвать картинку ».

И таким был Поттер с картинами и жизнью. Кен Раш ’67 однажды написал в Taft Bulletin: «Я думаю, когда все сказано и сделано, я преподаю потому, что я познакомился с великим учителем, когда я был жалким неудачником из ученика.Этот учитель дал мне то, что я могу теперь, после 20 лет начинаний и остановок, вернуть. Так почему я учу? Потому что учитель Марк Поттер сделал в моей жизни так много возможностей ».

—Лэнс Р. Одден, , почетный директор школы

Художник по керамике Роберто Луго вращает чайники

Роберто Луго знает, что это не то, что вы видите каждый день в Северной Филадельфии: «Кто-то буквально просто спросил: ‘Что, черт возьми, собираетесь делать?’ И я сказал: «Бросьте глиняную посуду», а он ответил: «Да, да.'»

Уличная керамика: Роберто Луго работает на открытом воздухе в районе Кенсингтон в Филадельфии. Новости CBS

Луго родился и вырос в Кенсингтоне, районе с национальной репутацией в области наркотиков, бедности и преступности, а не гончарного дела. «Они видят этот гончарный круг, и они останавливаются, и я могу научить их, и кладу им руки на руки. И что действительно удивительно, так это видеть выражение их глаз.Эмоции, которые я получаю от них, такие: «Я не могу поверить, что кто-то думает, что я достаточно особенный, чтобы остановиться и научить меня бросать горшок». Я просто чувствую, что это очень полезно — заставлять людей чувствовать, что их ценят так, как они должны «.

Периодическая установка Луго на тротуаре резко контрастирует с формальными выставками его работ в ведущих художественных музеях страны, в том числе в Метрополитен-музее в Нью-Йорке, где его работы будут представлены этой осенью.

Каждое из его произведений представляет собой современное воплощение классических чайников и керамики с лицами личных героев Луго, таких как Бейонсе, Нина Симон и Стейси Абрамс.Некоторые работы продаются за десятки тысяч долларов.

Чайники Роберта Луго. Новости CBS

Корреспондент Серена Альтшул спросила: «Я слышала, вы называете себя« гончаром из гетто ». Что это обозначает?»

«Я никогда не слышал, чтобы слово« гетто »использовалось в том значении, которое, я думаю, большинство людей используют, пока я не уехал», — сказал он. «Для меня гетто — это то место, где начинается моя жизнь, и здесь я черпаю свой творческий потенциал и находчивость.Так что я действительно хочу представлять это, куда бы я ни пошел ».

Луго вырос в сплоченной, трудолюбивой пуэрториканской семье. Когда ему было за 20, его познакомили с керамикой в ​​общественном колледже. в итоге получил степень магистра в Государственной школе визуальных искусств Пенсильвании.

Он вспоминал: «Я был в классе и видел, как все эти люди делают чайники и чашки. И я этого не понимал, потому что рос не на чае. Итак, в моем воображении, если я могу быть откровенен, я подумал, Сколько чая выпивают белые люди , понимаете? Потому что вокруг меня были белые люди.И затем через некоторое время я сказал себе: Ну, разве не было бы интересно, если бы я, например, смог соединиться с ними, создавая вещи, которые они понимают, но затем вставлял вещи, которые они не понимали? «

Как эта работа с Авраамом Линкольном, каким Луго впервые увидел его — на продуктовых талонах.« Я помню, как на это я смог купить булочку в Филадельфии », — сказал он.« Я думаю, что многое из моей работы претерпело изменения. через меня, пытаясь объяснить, как кто-то вроде меня видит вещи по-другому, чтобы мы могли разговаривать.«

Роберто Луго

Это разговор, в который Луго вовлекается как можно чаще, последний раз в галерее Артура Росса Пенсильванского университета. Там он преобразовал временное выставочное пространство, разместив официальные портреты галереи с одной стороны и его собственные граффити и керамику с другой.

Пространство демонстрирует то, что Луго называет двумя сторонами Филадельфии — тема, которую он лично слишком хорошо знает.

Инсталляция керамики Роберто Луго в галерее Артура Росса Пенсильванского университета. Новости CBS

Альтшул спросил: «Вы когда-нибудь думали, когда вам было чуть за 20 и вы впервые прикоснулись к колесу, что оно окажется здесь?»

«Нет», — эмоционально ответил Луго. «Знаешь, честно говоря, я чувствую, что, скорее всего, попаду в тюрьму, или меня убьют, или что-нибудь еще.Итак, что интересно, даже при том, что я достиг определенного уровня успеха, это никогда не было похоже на меня. Когда я вижу свое имя в музее, я как бы чувствую, что это другой человек, и я должен дистанцироваться от него ».

« Это слезы из-за того, что ты чувствуешь, что все еще не один с парень, который сейчас сокрушает это в мире искусства? »

« Мой успех — это действительно успех моей матери, вы знаете, и то, как она должна была убедиться, что я остался в старшей школе. Тяжелая работа моего отца, например, он каждый день ездил на велосипеде из Филадельфии в Нью-Джерси, просто чтобы начать свою работу.Я бы сказал, что моя семья — это то место, где я чувствую, что мой успех действительно принадлежит нам ».

В 40 лет Роберто Луго не просто художник, а муж и отец двоих детей. Он сформировал свой успех рассказ и говорит, что он надеется вдохновить других на создание своей собственной: «Я гончар, и подразумевается не то, что многие другие люди должны пойти и стать гончарами; подразумевается, что такой человек, как я, может быть кем угодно и преуспевать в этом ».