Художественные средства живописи — Искусство

Цвет. Каждый живой и неживой предмет имеет свой цвет. Также как и цвет, огромную роль играет освещенность. Воздействия цветовой окраски, расположение в пространстве, состояние воздуха влияет на цвет. Красота, которой мы восхищаемся и которую мы любим – красочное богатство действительности, или иначе цвета.

 Художник передает с помощью цвета, цветовых ощущений, цветовых сочетаний, гармонии холодных и теплых цветов все разнообразие настроения, чувства. А к ним относиться – радость, ожидание, тревога, грусть, нежность.

Мазок в живописи – след кисти с краской, оставленный художником на холсте, бумаги, картоне. Техника зависит от индивидуальной манеры художника, она очень разнообразна.

Линия и пятно – четкое очертание краской конкретного предмета на полотне. Пятно – тональное, силуэтное изображение объекта. Например, чтобы лучше понять это выражение, разберем пятно – снежную ель  на фоне дальнего неба. Или холм в темном ночном небе. Линию легче представить, посмотрев на любую картину. Четкие линии очертания тени того или другого предмета, усиливающие чувства грусти или радости.

Цветовой и световой контраст в живописи, примером может служить резко выделяющие светлые и темные отношения пятен, участков картины.

Колорит — система цветовых тонов, их сочетаний и взаимоотношений в произведении искусства. 

Фактура — поверхность красочного слоя произведения живописи: глянцевитая или матовая, слитная или прерывистая, гладкая или неровная.

Композиция  – расположение всех предметов, элементов и частей произведения в определенной системе и последовательности для лучшего раскрытия художественного образа. 

Здесь же мы рассмотрим форму и конструкцию (строение) предмета, увидим художественно-выразительные средства – тон, штрих, линия.

Форма предметов определяется очертаниями, контуром, силуэтом.  В упрощенном виде  – квадрат, треугольник, круг, прямоугольник. Каждый предмет в упрощенном виде похож на геометрическую фигуру. Например, мяч – круглую форму, телевизор – прямоугольник, карнавальная шапочка клоуна  – треугольник.

Конструкция (строение) предметов – основа форы, каркас строения предметов. Конструкция каждого предмета является то или иное геометрическое тело. Геометрические тела – цилиндр, шар, конус, параллелепипед, куб, пирамида. Очень часто рассматривая предмет, мы видим, что он имеет несколько геометрических тел. В рисовании имеет место метода прорисовки, или его чаще называют «сквозняк», когда рисуешь его строение, конструкцию, которые не видны нашему глазу.

Силуэт в изобразительном искусстве (графическая техника) – это вид графического изображения предмета. Это однотонное, плоскостное  изображение предмета. Обычно силуэты рисуют тушью на светлом фоне, ил на черном фоне белилами, либо вырезают из темной или светлой бумаге фигуру, и приклеивают на лист другого тона.

Композиция в изобразительной графике – расположение всех предметов, элементов и частей произведения в определенной системе и последовательности для лучшего раскрытия художественного образа. Композицию представляют в круге, в квадрате, овале, в прямоугольнике.

Выразительные средства живописи, последовательность выполнения тематической композиции, художник, предварительно делает эскизы, этюды, рисунки, наброски, создает тем самым картину. 

Средства художественной выразительности (ИЗО, МХК)

Средства художественной выразительности

Презентацию подготовила Пушкина Е.Г., учитель ИЗО БОУ «Новокемская СОШ»

К общим средствм художественной выразительности отнсятся: композиция, форма, цвет, контраст, тон, ритм…

Они могут существенно усилить воздействие художественного произведения, повлиять на отношение человека, вызвать определенные образы, ассоциации.

А.И. Куинджи.

Закат в степи на берегу моря

Всё в природе имеет определённый цвет , который под влиянием освещения и удалённости от зрителя может меняться.

Живопись передаёт всё цветовое богатство мира с помощью красок.

С помощью цвета, цветовых сочетаний, гармонии холодных и тёплых цветов художник выражает разнообразные чувства и настроения — радость, грусть, нежность, тревогу, ожидание.

Композиция  —  это  построение художественного  произведения,  обусловленное его содержанием,  характером,  назначением.  Композиционное равновесие  зависит  от расположения основных  частей  произведения.  Композиция,  построенная  по  законам  искусства, придает произведению целостность  и  гармоничность.

В изобразительном искусстве

различают композиции:

• вертикальную
• горизонтальную
• диагональную

Каждая по-разному

воздействует на зрителя

Вертикальная – придает художественному произведению порыв, движение вверх;

горизонтальная – статичность, спокойствие, движение мимо зрителя;

диагональные — передают динамику действия, движение на зрителя или от него и охватывает большие пространства.

Одни и те же предметы, расположенные по вертикали или по горизонтали, по-разному воспринимаются зрителем, так как вызывают различные ассоциации.

Горизонтальная композиция

Вертикальная композиция

Диагональная композиция

В  изобразительном  искусстве  форма  —  это очертание, наружный  вид,  контур предмета. Самые простые формы приближаются  к  квадрату,  треугольнику,  кругу,  «амебе». Каждая форма имеет  свой  характер. Квадрат —  законченная,  устойчивая  форма  -выражает  утверждающие  образы, ей  не свойственно  движение, полет.  Треугольник —  активная, развивающаяся

на  плоскости  и  в  пространстве форма —возможность движения,  выражает  борьбу  противоположностей,  может  быть  агрессивной.  Круг  —  наиболее яркое выражение  идеи природы  (Земли,  Солнца,  мироздания),  поэтому  ассоциируется  с  понятиями  «добро»,  «счастье», «жизнь».   Текучая  форма  амебы  придает  образам  неустойчивый  характер,  ассоциируется  с  романтичностью, меланхолией,  пессимизмом.

На картине изображена бродячая труппа акробатов. С мастерской точностью художник нашел меру равновесия в композиции этой картины. Он противопоставил гибкую балансирующую фигурку юной гимнастки неподвижному, словно неотделимому от сиденья – куба, атлету на переднем плане.

В сопоставлении двух фигур — раскрывается ведущая тема творчества Пикассо «розового» периода: лирическая тема дружбы, внутреннего единства людей, которых сближает тяжелый труд артиста.

Пабло Пикассо.

Девочка на шаре.

1905. Холст, масло.

Линия  тоже  имеет  свою  форму,  которая  выражает образ.  Она  может  быть  стремительной  или  тягучей, плавной  или  угловатой,  целенаправленной  или  хаотичной  и  тем  самым  формирует  различные  образы.

На картине Ивана Шишкина «На севере диком…» линия и пятно как художественно-выразительные средства представлены с удивительной силой.

Огромное пятно заснеженной и застывшей, как в волшебном сне, могучей сосны чётко выделяется на фоне иссиня-голубоватого тёмного ночного неба. Пятном на снегу смотрится и падающая тень от сосны, стоящей на крутом холме.

Линия искрящегося, освещенного луной снега на ветках сосны и чёткие линии очертания тени от сосны поразительно усиливают чувства печали, грусти, которыми пронизана вся картина.

Для  усиления  художественного  образа  формы могут  быть  стилизованными  или  расформированными.   В  них  подчеркиваются  или  изменяются характерные  черты  предмета, а  ненужные  детали отбрасываются. Особенно часто эти приемы используются  в  плакатной  и  книжной  графике  и  в мультипликации,  а  также  в  современной  скульптуре.

Цветовой контраст

Тоновой контраст

Примером использования цветового и тонового контраста в живописи является картина Архипа Куинджи «Берёзовая роща».

На пейзаже ярко прослеживается цветовой контраст между густой, тёмно-зелёной массои дальнего леса и яркой желтизной зелени освещенного солнцем луга и листьев впереди стоящих берёз.

Одновременно этот контраст является и тоновым — тёмная масса дальнего леса и светлая освещенная поляна. Также контрастны стволы берёз на свету и в тени, дальний лес и небо.

А. Куинджи «Берёзовая роща».

В  изобразительном  искусстве  фактура   — это  характер  обработки  поверхности изделия 

декоративно-прикладного  искусства, скульптуры или живописной плоскости, способ передачи 

особенностей   реальных  предметов (бархат, шелк, бронза и др.) изобразительными средствами.

 

Это и  совокупность  технических приемов художника: ведение кисти, мазок, наложение красочных слоев,  удары

резца,  полировка.

Ритм  сложился  под  влиянием  деятельности  человека:  шага,  танца,  заклинания,  плача-причета,  укачивания ребенка,  бытовой  речи,  этапов  работы,  Ритм  подсказывает  и  природа: сердцебиение  и  пульс  живого  организма,  пение  птиц,  движение  морских  волн  и  т. п.  Такие  ритмы  понятны всем  людям.  С  помощью  ритма  можно  выразить  состояния  покоя  и  безмятежности,  величия  и  стабильности, суетливости  и  испуга.

Рассмотрим изображения античного храма, готического собора, православной церкви. Какие ассоциации  вызывают  у  вас  пропорции  этих  архитектурных  сооружений?

Спасибо за внимание!

Средства художественной выразительности — презентация онлайн

1.

Средства художественной выразительности композиция
форма
ритм
пропорции
фактура
цвет
тон
интонация

2. Ритм

Ритм отражает связь природы,
человека и его деятельности с
мирозданием. Слово ритм означает
«мерность».
Ритм сложился под влиянием
деятельности человека: шага, танца,
заклинания, плача-причета, укачивания
ребенка, бытовой речи, этапов работы.
Ритм подсказывает и природа:
сердцебиение и пульс живого организма,
пение птиц, движение морских волн и т.
п. Такие ритмы понятны всем людям. С
помощью ритма можно выразить
состояния покоя и безмятежности,
величия и стабильности, суетливости и
испуга.

3. Фактура от лат. factura — обработка, строение.

В изобразительном искусстве фактура — это
характер обработки поверхности изделия
декоративно-прикладного искусства, скульптуры или
живописной плоскости, способ передачи
особенностей реальных предметов (бархат, шелк,
бронза и др. ) изобразительными средствами. Это и
совокупность технических приемов художника:
ведение кисти, наложение красочных слоев, удары
резца, полировка.
В музыке под фактурой понимают характер,
совокупность средств музыкального изложения,
склад, тип взаимоотношений различных голосов
музыкальной ткани: гармоническая (аккордовая), в
которой голоса движутся «стройными рядами»;
полифоническая, в которой каждый голос
самостоятелен.
Реймский собор. Франция
Руины древнегреческого храма

5. Нантский собор во Франции

устремленность
к небу, эмоциональный порыв души человека
передают вытянутые пропорции средневековых соборов
Новодевичий монастырь в Москве
Какие ассоциации вызывают у вас пропорции этих
архитектурных сооружений?
Фра Филиппо Липпи. Портрет
женщины и мужчины, 1460-е
Музей Метрополитен, Нью-Йорк

8. Домашнее задание

Художественно-творческие задания
Создайте в технике аппликации (или на
компьютере) несколько уравновешенных или
неуравновешенных композиций, используя
разные по характеру элементы.

9. Источники

Сергеева Г. П., Искусство. 8—9
классы: учеб. для
общеобразоват. учреждений /
Г. П. Сергеева, И. Э. Кашекова,
Е. Д. Критская. — М.:
Просвещение, 2011
Сокольникова Н.М. Основы
композиции/
http://www.tinlib.ru/kulturologija/os
novy_kompozicii_uchebnik_dlja_u

Средства художественной выразительности в русской портретной живописи XVII-XIX веков Текст научной статьи по специальности «Искусствоведение»

80

СИСТЕМА ЦЕННОСТЕЙ СОВРЕМЕННОГО ОБЩЕСТВА

В целом, противоречие между той или иной моралью восходит к основным ценностным предпочтениям конкретного общества. Так, в качестве ценностных ориентиров современного общества можно назвать ценностный релятивизм, индивидуальность и склонность к гедонизму. Принятие человеком определенных моральных норм и законов не всегда соответствует его внутренней духовности.

Духовность как воплощение жизни, мысли, сострадания, добра и любви в настоящее время утратила свое доминирующее значение. Может быть, в этом и есть главный источник масштабной жестокости и разрастающегося мирового зла.

Резюмируя сказанное, отметим, что основу любого морального конфликта составляют различные, иногда совершенно противоположные идеальные представления о культуре, искусстве, жизни и т.д. Поддаваясь общепринятым нормам и правилам, забывая о своей истинной духовности, выдавая ложь за истину, и наоборот, люди становятся заложниками чудовищного столкновения, порождающего страшную жестокость сначала в социуме, а потом и в искусстве.

Список литературы:

1. Ницше Ф. По ту сторону добра и зла. — Мн.: ХАРВЕСТ, 2003. — 106 с.

2. Зиновьев А. Феномен западнизма [Электронный ресурс]. — Режим доступа: http://www.plam.ru/polit/zapad_fenomen_zapadnizma/index.php (дата обращения: 19.11.2015).

СРЕДСТВА ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ВЫРАЗИТЕЛЬНОСТИ В РУССКОЙ ПОРТРЕТНОЙ ЖИВОПИСИ XVII-XIX ВЕКОВ

© Князева О.В.*

Волгоградский государственный социально-педагогический университет,

г. Волгоград

В статье рассматриваются средства художественной выразительности искусства отечественной портретной живописи в историческом аспекте.

Ключевые слова изобразительное искусство, живопись, средства художественной выразительности, портрет.

Портрет сегодня переживает трудности, характерные для искусства станковой живописи в целом: это поиск нового художественного языка как повода для оправдания самого факта существования этого вида искусства, и

Доцент кафедры Рисунка и живописи, кандидат педагогических наук.

Искусствоведение

81

источника обретения новых смыслов. Задача поиска новых смыслов в изобразительном искусстве не может быть оторвана от самой сути портрета: изображения конкретного человека, с одной стороны, и выявления сущностных характеристик портретируемого изобразительными средствами, с другой.

Мы не ставим своей задачей на этих страницах представить полный терминологический анализ отличий средств художественной выразительности от средств художественной изобразительности, однако, отметим, что первые, безусловно, включает вторые. Средства художественной выразительности мы понимаем как совокупность правил и изобразительных приемов, позволяющих наиболее полно раскрыть художественный образ. К ним мы относим: формат, пространство, ритм, контраст, светотень, декоративность, колорит, передачу состояния покоя и движения (статику и динамику), симметрию и асимметрию и т. д.

Раскрытие средств художественной выразительности отечественной портретной живописи возможно как в историческом контексте, так и в контексте сложившихся композиционных схем портрета (портрет-голова, по-грудный портрет, поясной портрет, портрет в рост). Учитывая, что композиция портрета также является частью художественного замысла, способного более объемно выразить сущность изображаемого человека, мы рассмотрим развитие средств художественной выразительности в историческом ракурсе.

Портрет как жанр изобразительного искусства, имеет в России свою, особую, трудную, но одновременно блестящую историю. Возникнув под влиянием западноевропейского искусства, имея в своем основании иконописные традиции, он эволюционировал вместе с русской художественной школой, отражая ускользающие приметы времени, особенности национального характера, идеалы сменяющихся эпох и достиг мирового уровня мастерства.

В XVII веке, зарождающееся искусство портрета в России было тесно связано с культовыми образами, и передавало, в общем, идеальный (неземной) облик портретируемого. Парсуны, такое название получили первые портреты, были симбиозом светского и религиозного изображения, и конечно, средства художественной выразительности, в этом виде портрета принадлежат разным эстетическим системам. От иконописи: плоское пространство, орнаментированное церковно-славянской вязью, локальные пятна в изображении одежды и лиц, несколько застылые позы и отрешенные от земных страстей лица. От западноевропейского искусства: попытка использования светотеневой моделировки формы, включение в образ специфических светских атрибутов.

При Петре I учителями русских художников были иностранные мастера, которые привнесли с собой совершенно другое ощущение портрета. Образам реальных людей на портретах этого периода наряду с некоторой архаичностью присущи черты некого внутреннего романтизма, мягкости,

82

СИСТЕМА ЦЕННОСТЕЙ СОВРЕМЕННОГО ОБЩЕСТВА

изящества. Безусловно, это было связано с возросшим уровнем художественного исполнения, освоением отечественными художниками законов линейной и воздушной перспективы, новых композиционных приемов и колористических схем.

Русские мастера Андрей Матвеев, Иван Вишняков, Алексей Антропов, Иван Аргунов запечатлели образы полные радости бытия, цвет их полотен содержит нотки декоративности, он достаточно ярок и мажорен. Что же касается парадных портретов, то, несмотря на успехи в передаче естественной красоты лиц, особенностей фактур драгоценных тканей и камней, все же чувствуется некая скованность, обусловленная недостатком образования. Так, в частности, на работах И. Вишнякова мы видим некоторую условность поз и отсутствие умения виртуозно писать руки. Несколько особняком стоит фигура художника Ивана Никитина, который сумел предвосхитить дальнейшее развитие портретного жанра и значительно опередил свое время, создав первый в истории отечественной живописи психологический портрет. В образе «Напольного гетмана Украины» чувствуется внутренняя мощь и сосредоточенность, контрастирующая с взлохмаченными волосами и расстегнутыми полами верхней одежды.

Середина XVIII столетия отмечена открытием в Санкт-Петербурге Академии трех знатнейших искусств: живописи ваяния и зодчества, и конечно, развитие академизма не могло не повлиять на развитие портретного жанра. Не будучи первым в табели о рангах «портретной» жанр, тем не менее, оставил потомкам удивительные по своей самобытности, утонченности и виртуозности исполнения образы. По-новому переосмысливается пространство, возникает камерный портрет, перламутровое звучание красок приходит на смену декоративному. Образы Федора Рокотова, Дмитрия Левицкого, Владимира Боровиковского отличают чувство внутреннего достоинства, деликатность и вдумчивая элегантность.

Начало XIX века — эпоха романтизма. Художественное мастерство русских художников достигает апогея, и в это время, параллельно работают замечательные мастера: Орест Кипренский, Василий Тропинин, Карл Брюллов, Алексей Венецианов и др. Идеология романтизма проникнута вниманием к личности, к ее внутренним метаниям, переживаниям и эмоциям. По внешним изобразительным характеристикам перечисленные художники легко дифференцируются: отточенные классицистически мощные формы на полотнах Великого Карла, миловидно задушевные «халатные» образы-типы простых людей В. Тропинина, несколько отстраненные, сдержанные эмале-видно-безупречные модели О. Кипренского и подлинно-русские нравственно-прекрасные, крестьянские феи А. Венецианова. Перешагнув определенный временной рубеж, они двигались в направлении реализма. Художники наполняли свои портреты не только внешними формальными атрибутами движения, но и глубоким внутренним чувством: то созерцательной нежно-

Искусствоведение

83

стью, то драматизмом. Так, например, в последнем отношении, замечателен автопортрет К. Брюллова, выполненный после продолжительной болезни, на котором художник предстает не в образе златокудрого Аполлона, а в образе уставшего, пристально вглядывающегося в глаза зрителю человека. Колорит портрета выстроен на гармонии контрастных цветов, что усиливает ощущение напряженной работы мысли.

По меткому выражению Д.В. Сарабьянова: «50-е годы в истории русской живописи — время концов и начал»[3, с. 20]. Так, непосредственно портретный жанр в это десятилетие не создал значительных произведений, тем не менее, это время аккумулировало идеи и создавало основу для дальнейшего прорыва.

Во второй половине XIX в искусстве портрета выделяется целая плеяда выдающихся художников, для творчества которых портрет не был основополагающим жанром, тем не менее, масштаб их творческой личности позволил сказать новое слово и в портрете: Василий Перов, Иван Крамской, Николай Ге, Николай Ярошенко, Илья Репин.

Перов В. привнес из жанровой живописи в портрет элементы точной и беспристрастной фиксации черт лица портретируемого и особенностей его фигуры. Так, в его портретах, на первый план выходит, не он сам как художник, не художественный образ, а непосредственно портретируемый, и именно он определяет выбор тех или иных средств выразительности. Таковы портреты В.В. Бессонова, А.Г Рубинштейна, А.Н. Островского, Ф.М. Достоевского и др. Отличительной чертой «перовского» стиля является «мгновенность состояния», переданная взглядом, движением реальным и потенциальным. Так, в портрете Ф.М. Достоевского мы видим особое психологическое состояние писателя: крепко сжатые руки и направленный в себя взгляд как бы отделяют писателя от условного пространства, подчеркнутого сдержанно-монотонным коричневым колоритом.

Николай Ге в портретном жанре создавал так называемые «обстановочные» портреты, включая в них элементы натюрморта и пейзажа. Но, его кисти принадлежат и совершенно особые портреты — портреты-биографии. К таковым, безусловно, принадлежит портрет Герцена. Удивительно, что в рамках нашего повествования, данный портрет не отмечен какими-то новаторскими идеями в композиции, цветовом и пластическом решениях, тем не менее, несколько обмякшее тело и статичный разворот головы повествует о жизненном пути человека и о его духовных поисках. Художник выявляет форму лица, подобно скульптору, моделирующему рельеф, приближая одни планы картины и органично сплавляя с фоном другие. Для работ этого художника характерно особое трагедийное мироощущение.

Среди художников передвижников, Николай Ярошенко, играл роль духовного лидера, но в его творческой биографии помимо создания программных произведений Товарищества передвижных выставок, нашлось место

84

СИСТЕМА ЦЕННОСТЕЙ СОВРЕМЕННОГО ОБЩЕСТВА

для работы над так называемыми картинами — портретами. Так, например, «Курсистка» — молодая женщина, спешащая в промозглую погоду на занятия. Портрет в рост, написанный с конкретного человека, тем не менее, представляет собой еще и портрет-тип. Композиция портрета, соотношение фона и фигуры, аскетический сине-коричневый колорит, с одной стороны, подчеркивают сложную судьбу героини, с другой, они являются обрамлением для целеустремленного, озаренного внутренним светом лица девушки.

Илья Ефимович Репин, по — мнению современников, в своем творчестве был менее всего портретистом. На его полотнах люди, скорее демонстрируют свой характер, разыгрывая его перед зрителями, словно на театральной сцене. Тем не менее, и в его наследии можно найти портреты, не соответствующие этим высказываниям. Скромный по своим размерам, портрет композитора Модеста Мусорского, показывает Репина как мастера психологического портрета. Могучая фигура Мусоргского как бы не вписывается в формат, конфликтует с пространством. Оторочка халата создает диагональ-противопоставление развороту головы. Смягченная разбелом, контрастная красно-зеленая цветовая гармония передает ощущение еле сдерживаемого внутреннего смятения.

Интересен по композиции и другой знаменитый портрет живописца: «Осенний букет. Портрет Веры Репиной». Портрет-полуфигура словно выходит нам навстречу, оставляя в душе ощущение свежести и очарование молодостью. Девушка написана в колорите, близком к краскам природы, что передает чувство нераздельной слитности и единства с ее мощными силами.

Иван Крамской, портретист по своему дарованию, в конце своего творческого пути стремился выразить внешние проявление красивого, и яркой иллюстрацией этого может служить его известная картина «Незнакомка». Она интересна с точки зрения композиции: горизонтальный формат «держит» темный силуэт героини. Художник показывает фигуру несколько снизу, будто обособляя ее от зрителя. Несколько надменный взгляд молодой женщины и роскошный наряд усиливают это отчуждение.

Безусловно, титаном портретного жанра рубежа веков выступает Валентин Серов. Современники называли его «европейцем», подчеркивая незаурядное мастерство художника. Серов, портретист, известный по своим многочисленным сеансам письма, создал замечательную галерею портретов, поражающих своей свежестью, легкостью и естественностью.

Манера письма художника в конце XIX не исключала некоторой широты, размашистости и эскизности, что, разумеется, придаёт ей особый шарм. Но помимо технического мастерства, его портреты отличает особое композиционное разнообразие. Для каждой модели он подбирает, свою, особенную позу, свой, характерный взгляд, поворот и т.д.

Ранние полотна художника: «Девочка с персиками», «Девушка, освещенная солнцем» стали классикой русского искусства. Так, в «Девочке с

Искусствоведение

85

персиками» Серов передает очарование хрупкой юности: все вокруг дышит свежестью, чистотой, внутренней свободой. Этому способствует пропорциональное соотношение фигуры и окружающего пространства, в котором, художник находит дополнительные выходы наружу: приоткрытая дверь, окно. Композиция классически заритмована по кругу, и на каких бы деталях не останавливался наш взгляд, мы снова и снова возвращаемся к лицу девочки.

XX век подарил миру столь огромную плеяду художников, что только лишь простое перечисление их имен займет значительное время, а анализ их достижений в портрете может являться темой отдельного исследования.

Список литературы:

1. Алпатов М.В. и др. Искусство. Книга для чтения. Живопись, скульптура, графика, архитектура / Сост. акад. М.В. Алпатов, д-р. пед. наук Н.Н. Ростовцев, канд. искусствоведения М.Г. Неклюдова. — Изд. 3-е, испр. и доп. -М.: «Просвещение», 1969. — 544 с., 196 л.: ил.

2. Русская портретная живопись. Альбом (на английском языке). — Л., «Аврора», 1991. — 140 с.: ил.

3. Сарабьянов Д.В. История русского искусства второй половины XIX века: Курс лекций. — М.: Изд-во МГУ 1989. — 384 с.

ПРИЕМЫ ИНТЕРПРЕТАЦИИ ЕВРОПЕЙСКОГО ИСКУССТВА В ЖИВОПИСИ КИТАЯ | Артёмова

1. Артемьева, Л. С. Основные интерпретационные стратегии современного искусствознания : метод. рекомендации к программе курса / Л. С. Артемьева. – М.: РГГУ, 1997. – 121 с.

2. Бабушкина, О. В. Феноменолого-экзистенциальный подход к интерпретации абстрактной живописи: автореф. дис. … канд. филос. наук : 09.00.04 / О. В. Бабушкина ; Перм. гос. техн. ун-т. – Пермь, 2004. – 24 с.

3. Бажанов, Е. А. Китай : суть времени / Е. А. Бажанов // Новое время. – 2000. – № 16. – С. 20–22.

4. Ван Фэй. Современное искусство Китая в контексте мирового художественного процесса: автореф. дис. … канд.

5. искусствоведения: 12.02.06/ Фэй Ван; Моск. гос. ун-т культуры и искусств [Электронный ресурс]. – М., 2008. – Режим доступа: // http://www.dissercat.com/content/sovremennoe-iskusstvo-kitaya-v-kontekste-mirovogo-khudozhestvennogo-protsessa. – Дата доступа: 21.09.2012.

6. Дэцся Ли. Искусство и идеология. Духовная идеология китайской живописи / Ли Дэцзя // Изв. Рос. гос. пед. ун-та им. А. И. Герцена. – 2012. – № 133. – С. 175–185.

7. Люй Пэн. Вопросы истории искусства: направления исследования истории искусства в ХХ в. (1950–1999 гг.) / Пэн Люй. – Сычуань, 2006. – 420 с. (на кит. яз.)

8. Неглинская, М. А. Творчество Зао Вуки: на перекрестке двух традиций / М. А. Неглинская // Грани творчества: сб. науч. ст. – 2005. – Вып. 2. – С. 64–72.

9. Ван Пин. Влияние русской художественной школы на развитие китайской традиции живописи маслом / Пин Ван // Уч. зап. Забайкал. гос. ун-та. Сер. Философия, социология, культурология, социальная работа. – 2013. – № 4(51). – С. 207–214.

10. Евлампиев, И. И. Два измерения интерпретации / И. И. Евлампиев // Альманах лаборатории метафизических исследований при философском факультете СПбГУ. – 1997. – Вып. 1: Понимание. – С. 138–152.

11. Малявин, В. В. Сумерки Дао: культура Китая на пороге Нового времени / В. В. Малявин. – М.: Дизайн. Информация, Картография и др., 2000. – 436 с.

12. Сычёв, В. Л. Современная традиционная живопись Китая. Основные тенденции развития / В. Л. Сычёв // Искусство. – 1988. – № 9. – С. 18–26.

13. Неглинская, М. А. Об актуальных тенденциях современного китайского искусства и перспективах его изучения / М. А. Неглинская [Электронный ресурс]. – 2009. – Режим доступа: http://www.synologia.ru/a/Об%20актуальных% 20тенденциях%20современного%20китайского%20искусства. – Дата доступа: 12.06.2013.

14. Неглинская, М. А. Абстрактный экспрессионизм и китайская национальная живопись го-хуа конца ХХ века / М. А. Неглинская [Электронный ресурс]. – 2009. – Режим доступа: http://www.synologia.ru/a/Абстрактный_экспрессионизм_ и_китайская_национальная_живопись_го-хуа_конца_ХХ_в. – Дата доступа: 07.05.2013.

15. Сычев, В. Л. Изобразительное искусство. Судьбы культуры КНР (1949–1974) / В. Л. Сычёв. – М.: Наука, 1978. – 628 с.

16. Яковлева, Н. Ф. Китайская живопись «гохуа»: важнейшие факторы развития и ключевые свойства / Н. Ф. Яковлева // Вестн. Забайкал. гос. ун-та. – 2012. – № 9. – С. 9–12.

ЦВЕТ И ХУДОЖЕСТВЕННЫЕ ПРИЕМЫ, ФОРМИРУЮЩИЕ ЧУВСТВЕННОЕ ВОСПРИЯТИЕ

Всегда требуют, чтобы искусство было понятно, но никогда не требуют приспособить свою голову к пониманию.

К. Малевич

Аспекты практического анализа определенных жанров живописи (монументальная, религиозная, мифологическая, абстрактная) в мировой художественной культуре, в основе которых первостепенное выразительное и содержательное значение имеет цвет, оказывают существенное воздействие на уровень профессионализма в области архитектурной колористики. Содержание картины непременно включает и эмоциональный компонент, который может быть иносказательным, символическим, аллегорическим и т. д. Тем не менее вне зависимости от сложности содержания смысловая связь выражается в цветовом строе композиции картин.

Учет реальной практики человеческого общения дал повод уже И. Канту говорить о существовании «общего чувства», а Г. Гегелю — о специфике проявления «всеобщего в искусстве» в форме «тождественного в душевных настроениях и эмоциях». Однако четче всех эту идею выразил Л. Н. Толстой в эссе «Что такое искусство?»: «Искусство есть деятельность человеческая, состоящая в том, что один человек сознательно известными внешними знаками передает другим испытываемые им чувства, а другие люди заражаются этими чувствами и переживают их» [41].

Понимание художественного произведения включает в себя как эмоциональный (сопереживание, т. е. восприятие эмоционального заряда произведения), так и рациональный (осознание сюжета и идеи произведения) аспекты, причем в их взаимосвязи и взаимодействии. Анализ художественного процесса, который проводится при совпадении эстетических идеалов зрителя и художника, является, по-видимому, главной причиной возможности сопереживания. Расхождение же идеалов делает сопереживание невозможным.

В. Бранский пишет по этому поводу следующее: «Отсюда следует исключительное практическое значение теории художественного восприятия: тот, кто не усвоил этой теории, лишает себя возможности понять огромное множество шедевров мирового искусства и этим чудовищно обедняет свою эмоциональную жизнь» [41].

Здесь цвет рассматривается как смысл композиции живописных произведений, вошедших в мировую художественную культуру. Эстетическая ценность и образность картин, в основе которых цвет является главенствующим носителем идеи, оказывают существенное воздействие на развитие и становление понимания важности профессионального овладения архитектурной колористикой.

Обратимся к творчеству русского живописца, крупнейшего представителя символизма В. Борисова-Мусатова (1870—1905). В его записках есть такие слова: «Мои помыслы — краски, мои краски — напевы». Ритмический строй его картин определяется изысканностью и утонченностью форм, таинственностью и призрачностью, загадочностью живописного языка и его символическим значением, музыкальными ассоциациями, метафоричностью и смысловым подтекстом. Вместе с тем его живописные картины являют пример устойчивого равновесия и колористической цельности (рис. 17). Если ограниченное в пространстве и стабильное во времени произведение живописи оказывает такое воздействие на человека, то каковы же масштабы воздействия цвета, который окружает человека в повседневной жизни? Всякий отдельно взятый цвет или сочетание цветов может восприниматься человеком различно в зависимости от культурно-исторического контекста, пространственного расположения цветового пятна, его формы и фактуры, настроенности и культурного уровня зрителей и многих других факторов.

Если свет рассматривается как то, благодаря чему выражаются определенные художественные идеи в искусстве, задействуются не только физиологические и интеллектуальные возможности человека, но и его эмоциональные свойства, его чувственное восприятие, а значит, и эстетическое чувство.

Впервые мысль о воздействии на зрителя абстрактным сочетанием цветов — «цветовой подборкой» — была высказана в 1903 г. французским ху- дожником-фовистом, графиком, театральным декоратором, скульптором и керамистом А. Дереном (1880—1954). Около 1908 г. стиль Дерена стал меняться под влиянием творчества П. Сезанна и раннего кубизма: композиции его картин приобретают рационалистическую четкость, формы — геометрическую упрощенность и весомость. Сдержанный и хмурый колорит картин этого периода строится на зеленоватых, бурых и свинцово-серых оттенках (рис. 18). В 1910-е гг. в творчестве художника появляются сумрачность и застылость образов, темы тоскливого однообразия провинциальных будней (рис. 19).

Однако если внимательно присмотреться к творчеству многих русских художников конца XIX — начала XX вв., например Ф. Малявина (1869—1940), опиравшегося на народные традиции, то в серии его картин «Русские бабы» мы обнаружим цветовой симбиоз реальных и абстрактных форм (рис. 20).

Особенно наглядно проявляется подобная тенденция в творчестве М. Врубеля (1856—1910), крупнейшего представителя символизма и модерна в русском изобразительном искусстве. Это можно проследить на примере многих его картин: «Демон сидящий» (1890), «Демон летящий» (1899), «Демон поверженный» (1902), «Сирень» (1900) и др. Колорит монументальных работ Врубеля отмечен декоративностью, звучностью цвета, повышенной эмоциональностью и расплывчатой предметностью. В картине «Сирень» (рис. 21) нет четкого рисунка веток сирени, а эффект «отступания» и «выступания» пятен достигнут благодаря фактуре красочного слоя и явлению абстрактной «фигуры и фона». Искусствоведы отмечают, что именно Врубель внес элементы абстракционизма в русское искусство — балансирование на грани предметности и беспредметности.

Несомненно, картины этого художника оказали определенное влияние на мировоззрение современных ему мастеров, в том числе и на В. Кандинского.

В реалистической живописи всякое изображение есть иллюзия, зрительный обман, в основе которого лежит способность нашего зрительного аппарата и наших чувств принимать желаемое за действительное. Происходит это благодаря умению художника создавать иллюзию пространственной, цветовой и воздушной перспективы. Всего этого нет, но реально существует определенный подбор красок, который в условной мере передает цветовое богатство окружающей действительности. Краски и линии выражают чувства художника не только посредством изображения, но и сами по себе. Даже не принимая во внимание сюжет картины, мы определяем по цвету ее эмоциональный строй. Форма и цвет воспринимаются неравнозначно. Поэтому у мастеров разных направлений имеются свои — отличительные — особенности художественного выражения.

Ярким примером, подтверждающим эту мысль, служит творчество Э. Делакруа (1798—1863) — французского живописца и графика, основателя направления романтизма во французской живописи. Современники и потомки называли Делакруа «великим романтиком»: он низверг с пьедестала классические линейные композиции и утвердил главенствующую роль цвета в живописи XIX в. Кисть художника запечатлела эпизоды смертельной схватки республики и монархии, наполненные героическими и трагическими событиями, перевернувшими многие тысячи человеческих судеб, изменившими весь ход мировой истории.

Годы учебы в мастерской классициста Герена, общение с молодым Жерико, регулярные посещения Лувра помогли художнику сформировать собственные творческие взгляды. Под влиянием полотен великих колористов прошлого он стал обращать все большее внимание на цветовое решение своих картин, выбирая для них эффектные исторические сюжеты.

Его «Резня на Хиосе», представленная на выставке парижского Салона в 1824 г., вызвала волну критики приверженцев классического стиля живописи и привлекла значительный интерес публики к автору полотна. Несмотря на чрезмерный натурализм и некоторое отсутствие целостности композиции, картина производила сильное впечатление. В последующих работах Делакруа продолжал экспериментировать с цветом, с помощью которого все мощнее наполнял свои произведения эмоциональным импульсом. Знаменитая картина «Свобода, ведущая народ» (рис. 22) вызвала столь бурные восторги, что правительство приобрело ее и тут же распорядилось удалить полотно от взоров зрителей. Творческое наследие художника весьма обширно. Помимо рисунков и сюжетных картин, в него вошли замечательные портреты, а также настенные росписи в Бурбонском и Люксембургском дворцах, в церкви Сен-Сюльпис.

Сформировавшаяся авторская манера Делакруа проникнута экспрессией. Его полотна, вблизи казавшиеся порой выполненными небрежно, поражают мощью колорита, внутренней динамикой, высоким героическим пафосом и широтой исполнения. Художник считал главным фактором в живописи настроение, создающее совершенно особые эмоции. Новаторское и исключительно эффектное цветовое решение, особенно в сочетаниях зеленого и красного тонов, подчеркивалось контрастными переходами света и тени. Исследовательские работы Делакруа по цветопередаче и гармонии, по дополнительным цветам и контрастам имели очень большой резонанс. Тем не менее главной его заслугой без тени сомнения можно назвать само его живописное творчество, которое оказало огромное влияние на формирование художественных взглядов целого поколения французских мастеров живописи.

Картина Делакруа «Алжирские женщины» (рис. 23) вдохновляла Э. Мане (рис. 24) и П. Синьяка (рис. 25). П. Сезанн (рис. 26) откровенно признался: «Все мы вышли из этого Делакруа».

В биографической книге о жизни Делакруа описан случай. Однажды одна светская дама сказала ему: «Как жаль, что Вы не были вчера в австрийском посольстве! Вы бы могли видеть, как князь Меттерних беседует с герцогом Веллингтоном. Какой сюжет для художника!» На это Делакруа без тени смущения ответил: «Мадам, для истинного художника это было всего лишь синее пятно рядом с красным пятном» [41].

Замещение реальных объектов цветными пятнами — тенденция к периодическому отходу живописи от предметности (тяга к абстракции) и к периодическому возвращению к ней — была отмечена немецким историком и теоретиком искусства В. Воррингером (1881—1965) в его известном трактате «Абстракция и вчувствование» (1908), который признан одним из самых авторитетных исследований, посвященных искусству XX в.

Воррингер рассматривает соотношение двух важнейших для понимания искусства психологических понятий — абстракции и чувственной сферы восприятия. Он ставил под сомнение, что процесс «вчувствования», т. е. одухотворения человеком природы, во все времена и повсеместно был единственной основой художественного творчества — напротив, Воррингер был убежден, что параллельно с ним развивался и иной тип художественного мышления. Уже на достаточно ранних стадиях развития человеческого общества произошел поворот от доверительного отношения к природе в направлении поиска альтернатив ее органическому хаосу. Это побуждало первобытного человека создавать в качестве психологического убежища мир форм, не изоморфных природным, но подчиняющихся законам геометрии. Он не знал иной красоты, кроме линейно-геометрической. Психологический механизм, посредством которого создавалось столь неорганичное (в традиционном европейском понимании) и далекое от природы искусство, искусство строжайшего исключения жизни, свойственное народам на их примитивной культурной ступени, Воррингер предложил назвать абстракцией.

Стремление к абстракции, уходу от реальности внешнего мира, согласно Воррингеру, характерно и для более высоких культур. Он указывал, в частности, на египетские пирамиды и византийскую мозаику, где усматривал преобладание абстракции над вчувствованием. Воррингер связывает тенденцию абстрагирования в искусстве с общим состоянием рационального освоения мира. При этом у первобытных народов эта тенденция явилась следствием слабости их рационального ориентирования в хаосе жизни, которому они противопоставили своеобразный инстинкт визуально абстрагированной «вещи в себе». Он притупился с развитием рационального понимания мира и возродился вновь на более высоких ступенях цивилизации из стремления достичь предельных уровней познания, не доступных рациональному сознанию. Однако то, что прежде было инстинктом, считает Воррингер, здесь стало последним продуктом познания — познания не интеллектуального, но некоего интуитивного, глубинного, на уровне которого человек достигает освобождения от внешнего мира, погружается в состояние покоя и духовного отдыха. Идеи Воррингера стали одним из важнейших теоретических оснований появившегося вскоре абстрактного искусства, особенно в его геометрическом направлении [42]. Тем самым он оказал большое влияние на сам художественный процесс в целом, а также повлиял на художественнотеоретическую деятельность В. Кандинского в частности.

Кандинский утверждал, что «беспредметная живопись не есть вычеркивание всего прежнего искусства, но лишь необычайно и первостепенно важное разделение старого ствола на две главные ветви, без которых образование кроны зеленого дерева было бы немыслимо» [43].

Абстрактность картины предполагает как беспредметность, так и независимость выразительности художественного образа от положения картины в пространстве. Появление абстракционизма было подготовлено всем ходом исторического развития изобразительного искусства.

Тенденция к беспредметности (а тем самым, и бессюжетности) наблюдалась еще в древности — византийское иконоборчество, исламская арабеска и буддийская мандала. В исламе, например, изображение человека не допускалось в силу религиозных запретов.

Затем в ходе развития европейской живописи внутри нее наметилась тяга к постепенному абстрагированию от сюжета и предметности вообще. Эта тенденция абстрагирования от сюжета ранее всего проявилась в рамках кубизма и футуризма. Абстрактный кубизм и футуризм дали в дальнейшем «пищу» абстрактному конструктивизму, представителями которого были такие художники, как Ф. Леже (рис. 27), Л. Фейнингер (рис. 28) и др.

Кроме того, тенденция к беспредметности стала намечаться и в экспрессионизме. Экспрессионизм в широком смысле слова представляет собой сумму приемов контрастно-конфликтных отношений, подчеркнутой выразительности и повышенного эмоционального внимания к определенным сторонам жизненных явлений. Банальность, уродливость и противоречия современной жизни порождали у экспрессионистов чувство раздражения, отвращения и тревоги, которое они передавали при помощи угловатых, искореженных линий, быстрых и грубых мазков, кричащего колорита. Предпочтение отдавалось цветам предельно контрастным, для того чтобы усилить воздействие на зрителя, не оставить его равнодушным. Сочетание формы и цвета, различных линий и ритмики рассматривались экспрессионистами как некие динамические силы.

В 1905 г. немецкий экспрессионизм оформился в группу «Мост», которая бунтовала против поверхностного правдоподобия импрессионистов, стремясь вернуть немецкому искусству утраченное духовное измерение и разнообразие смыслов. Своими предшественниками немецкие экспрессионисты считали постимпрессионистов, которые в конце XIX в., открывая новые экспрессивные возможности цвета и линии, перешли от воспроизведения действительности к выражению собственных субъективных состояний. Драматические полотна В. ван Гога (рис. 29), Э. Мунка (рис. 30) и Дж. Энсора (рис. 31) при всей индивидуальности манер этих художников пронизаны зашкаливающими эмоциями восторга, негодования, ужаса.

Представители группы «Мост» придерживались социальной тематики и не отступали от принципов фигуративного искусства. Образ незащищенного, слабого человека выражался посредством цвета (прием расплывчатого, призрачного силуэта), а предметы внешнего мира — жестким графическим рисунком, обычно черным. Такой прием противопоставления жестких графических форм мягким цветовым формам позволял концентрировать внимание зрителя на образе незащищенной, ранимой личности человека.

В произведениях экспрессионистов всегда ощущается единство формы и содержания. Так, хаос мира выражался в виде деформации предметов и явлений. Они стремились сделать видимыми чувства и пытались передать свое ощущение ритма жизни движением, колоритом и соотношением форм. Эти ощущения, впечатления и чувства они доносили до зрителя с предельной выразительностью и экспрессивностью. Например, представитель группы «Новый союз художников Мюнхена» Ф. Марк (1880—1916) писал преимущественно животных, в изображении которых искал скрытую сущность явлений. Он стремился достичь заметного и выразительного отличия изображения за счет изменения цвета, не присущего изображаемому объекту (желтые лошади), а также его деформации, что привело художника к абстрактному цвету в живописи (рис. 32). Духовный руководитель группы В. Кандинский в 1910 г. создал первую абстрактную картину, которая представляла собой произвольное сочетание форм и цветовых пятен.

Беспредметного направления придерживался некоторое время и К. Малевич (1878—1935). Для него форма существовала в единстве с цветом. Большое внимание он уделял поискам взаимосвязей между восприятием формы и цвета. Основываясь на экспериментах с цветовыми ассоциациями, вызываемыми различными геометрическими телами, он пришел к выводу, что всякое изменение формы приводит к изменению ее «оцвечивания» в процессе зрительного восприятия (рис. 33). Речь идет не о буквальном изменении цвета, а лишь о предрасположенности совместного восприятия определенной формы и определенного цвета.

Для понимания причины возникновения абстракционизма необходимо учесть и появление в ХХ в. еще одного художественного направления — дадаизма, которое сыграло определяющую роль в формировании зрелого абстракционизма. Дадаизм (от франц. dada — детская лошадка, любимый конек) возник в Цюрихе в 1916 г. Наиболее видными его представителями оказались в дальнейшем Х. Миро (рис. 34) и П. Клее (рис. 35). Специфика этого направления состояла в том, что оно балансировало на грани предметности и беспредметности так, как это характерно для детских рисунков в определенном возрасте. Миро вошел в первую пятерку наиболее выдающихся живописцев ХХ в. (наряду с Пикассо, Дали, Шагалом и Кандинским). Художники искали и находили в колорите своих произведений различные аспекты восприятия окружающего мира, где цвет — средство для выражения их собственного отношения к нему. Свободу художественного творчества они понимали как свободу поиска новых, преимущественно формальных, средств выражения.

Синтез объективного и субъективного, реального и фантастического, в соответствии с философией абстракционизма, достигается только за счет беспредметности, когда свойства предмета отделяются от их носителя. От предмета остаются только абстрактные свойства (форма, цвет, тон, линия и т. п.), которые могут взаимодействовать с подобными свойствами других предметов. В результате комбинаторики различных форм, линий, плоскостей, цветовых пятен создается композиция, не имеющая предметного аналога. Однако подобная беспредметность не означает полной неизобрази- тельности. Графические и цветовые элементы заимствуются в определенной мере от реальных объектов и отражают их конкретные свойства. Раскачивая взаимосвязи между предметными границами реальных объектов и высвобождая свойства предметов, можно в итоге прийти к условному характеру не только сюжета, но и самих предметов. Здесь имеются в виду эмоциональные переживания, которые могут передаваться не предметными, а абстрактными символами. Для реализации принципа внутренней необходимости в творческой практике следует придерживаться определенных установок. К ним относится, в первую очередь, изучение беспредметных явлений в природе: переливы перламутра, игра прожилок в минералах и драгоценных камнях, изменение цветности небосвода, разводы пятен, водная рябь; прихотливое очертание листьев и корней деревьев, наростов; абстрактный защитный рисунок окраски бабочек, рыб, животных и т. д. (рис. 36—39).

Архитекторы и дизайнеры должны научиться видеть гармоничный цветовой строй вне предметно-изобразительного содержания. Именно поэтому здесь в качестве иллюстраций мы приводим шедевры абстрактной живописи. Произведения, объективно запечатлевающие реальность, имеют смысл независимо от зрительского взгляда, точно так же, как предметы видимого мира существуют независимо от человеческого восприятия и познания. Абстракционизм, в отличие от реализма, который не оставляет места для фантазий и домыслов, так необходимых архитектору и дизайнеру, подразумевает зрительскую интерпретацию.

У абстракционистского идеала существуют свои нормативы, определяющие меру его свободы. Бессюжетность выступает как основа для передачи красоты сочетания цветов и как эстетических посланий. Для абстракционизма характерны две тенденции: с одной стороны, это исчерпание, истощение искусства, а с другой — обретение его цельности, его абсолютной, окончательной формы в парадоксальных смешениях и неустойчивом, уклоняющемся то в одну, то в другую сторону состоянии. Абстракционизм — это направление, последователи которого изображают реальный мир как сочетание отвлеченных форм или цветовых пятен, вне зависимости от сложности содержания; смысловая связь выражается в конструкции композиции, где цвет как полноправный аспект смысла меняет характер композиционных средств, тип композиции и композиционные взаимосвязи.

Думается, эти нормативы в полной мере согласуются с абстракционистским идеалом в картинах американского художника Дж. Поллока (1912—1956), идеолога и лидера абстрактного экспрессионизма, оказавшего значительное влияние на искусство второй половины XX в. (рис. 40).

Нельзя также не упомянуть еще одного выдающегося художника- абстракциониста М. Ротко (1903—1970). Сам художник подчеркивал, что его интересует изображение только глубоких человеческих эмоций, трагедий, экстаза, судьбы. Тот факт, что люди, потрясенные, плакали перед его картинами, говорит о том, что ему удалось передать эти эмоции: люди, плачущие перед картинами Ротко, находятся в таком же благоговейном состоянии, как и художник во время работы над ними. Его живопись занимает особое положение в американской живописи 1950-х гг.

Произведения Ротко (рис. 41) не ассоциируется ни с живописью действия Поллока и В. де Кунинга, ни с пуристской живописью Б. Ньюмана и Э. Рейнхардта (рис. 42, 43), хотя и близки к последним обращением к цветовым полям. Ротко в своем творчестве избегает крайностей, агрессивности, абсолютно чистого цвета. Художник, работая с холстами огромных размеров, не делая стремительных жестов, кладет на полотно мягкие мазки, создавая триумф цвета, не ограниченного жесткими контурами. Эмоциональная сила исходит от неровных краев мазков краски, определяющих переход одного цвета в другой с плавностью, свойственной состоянию души. Большие размеры цветового пространства играют существенную роль, создавая у зрителя ощущение эмоционального сопереживания, усиливая воздействие, не подвластное рассудку.

Урок на тему «Новые средства художественной выразительности в живописи конца XIX – начала ХХ в. В мире художественных образов Пабло Пикассо»

Цели урока:

Познакомить с новым нетрадиционным направлением в зарубежном изобразительном искусстве – кубизмом, показать, как идеи кубизма раскрылись в творчестве Пабло Пикассо, активизировать познавательную деятельность учащихся, научить учащихся давать оценку современным произведениям искусства, выделять и обобщать характерные черты нового художественного направления, выражать свое отношение к работам представителей течения.

Эпиграф:

“Цель, которую я себе ставил, создавая кубизм, писать и ничего больше. И писать, ища новую экспрессию, лишенную бесполезного реализма, но с объективной реальностью”. (Пабло Пикассо).

Урок-панорама.

Художественно-педагогическая сверхзадача – погружение.

Зрительный ряд: П. Пикассо “Авиньонские девицы”, “Герника”.

Музыкальный ряд: Александр Скрябин “Поэма экстаза”.

Оборудование (ТСО): музыкальный центр, экран, проектор.

Описание хода урока

1. Организационный момент урока.

Создание атмосферы взаимодействия и сотрудничества, настрой учащихся на продуктивную деятельность, работа с журналом.

2. Актуализация знаний. Обозначение образовательного объекта урока, создание необходимой образовательной среды.

Учитель:

20 век стал свидетелем революций в искусстве.

Отжившие традиции теряли свои позиции под натиском авангарда. Эти победители – первопроходцы, отверженные в свое время, смогли не только заглянуть в будущее, но и стать общепризнанными глашатаями нашего века.

Во второй половине 19 века серьезный шаг в сторону от художественной традиции сделали импрессионисты.

На экране работы художников-импрессионистов: Клод Моне “Впечатление. Восход солнца”, Огюст Роден “Портрет артистки Самарии”, Клод Моне “ Бульвар Капуцинок в Париже”, Эдгар Дега “Танцовщицы в голубом”.

Учитель:

Импрессионизм можно охарактеризовать тремя словами: “жизнь, движение, радость”. Подтвердите или опровергните это высказывание.

Учащиеся:

1. Для художников импрессионистов важен не сюжет, а его чувственное восприятие, впечатление, которое они смогут произвести на зрителя (стог сена, куст сирени, движение толпы).
2. Подвижность и изменчивость мира “мимолетное видение”.
3. Краски наносили быстрыми мазками (им некогда было их смешивать).
4. Впервые художники вышли на пленэр. Живопись на пленэре.
5. Исключением был Эдгар Дега, который продолжал писать в мастерской.

Учитель:

Пленер открыл художникам новую реальную действительность, суть которой состояла в следующем:

1. В природе ни один цвет не существует сам по себе. Единственный источник цвета — солнце, цвет предметов меняется в зависимости от времени дня и световоздушной среды.
2. Тени имеют свой цвет в зависимости от силы и качества световых лучей, но никогда не бывают черными, как не существует в природе черного цвета в чистом виде.
3. Рефлексы на поверхности предмета изменяются от угла падения и света и его интенсивности.

В отличие от импрессионистов, которые работали сообща, художникам постимпрессионистам достались одиночество, страшные тиски нужды, надругательства критиков и разрыв с буржуазным обществом.

На экране: Винсент Ван Гог “Звездная ночь”, “Терраса кафе ночью”, Поль Гоген “Идол”, Поль Сезанн “Гора Сент-Виктуар”.

Учитель:

“А если сегодня мне, грубому гунну,

кривляться перед вами не захочется – и вот

я захохочу и радостно плюну,

плюну в лицо вам

я – бесценных слов транжир и мот”, —

гордо заявил Маяковский со сцены прямо в лицо зрителям.

Постимпрессинисты превзошли своих предшественников, они противопоставили себя обществу. Почему жизнь и судьба этих художников была трагичной?

Учащиеся:

Импрессионисты и постимпрессионисты отвергали официально признанное искусство. Гоген бросил успешную карьеру и удалился от цивилизации, Ван Гог декларировал нежелание считаться с социальными нормами, Тулуз-Лотрек вопреки аристократическому происхождению прожигал жизнь в компании парижских притонов.

Для постимпрессионистов выразительность стала важнее изобразительности, это с наибольшей силой проявилось в творчестве Ван Гога. Он заполнял холсты родившимися в душе образами, больше беспокоясь о передаче эмоционального состояния, чем о сходстве с мотивом.

В полотнах Гогена мы видим иную реальность, мифы, легенды становятся частью повседневной жизни: хмурый идол естественным образом вырастает в природном пейзаже.

Сезанн сумел увидеть и донести до зрителя миллионолетние процессы как плод космического творения.

Учитель:

Трагедия художников в том, что их творчество, обращенное к современникам, не было ими востребовано. Но какой парадокс судьбы!!! Слава, признание пришли к ним после смерти! Могли ли они мечтать, что их творческое наследие, став итогом искусству 19 столетия, проложит дорогу в будущее другим творцам.

Открытия, сделанные постимпрессионистами, оказали воздействие на развитие некоторых течений в западноевропейском искусстве 20 века – фовизма, кубизма, экспрессионизма.

На экране высказывания художников:

“Вообразить мир таким, как нам хочется”. А. Дерер.

“Я хочу, чтобы усталый, измотанный, изнуренный зритель, глядя на мою живопись, вкусил отдых и покой”. А. Матисс.

“Цель, которую я себе ставил, создавая кубизм, писать и ничего больше. И писать, ища новую экспрессию, лишенную бесполезного реализма, но с объективной реальностью”. П. Пикассо.

“Искусство рассчитано на диалог художника со зрителем”.

Первым модернистическим направлением в зарубежном изобразительном искусстве начала 20 века были фовизм и кубизм.

Создание проблемной ситуации на уроке.

Учитель:

Представьте, мы с вами находимся на Осенней парижской выставке.

Идет 1905 год.

Посетители и критики шокированы представшим зрелищем. Один из посетителей выставки, критик Луи Воксель, назвал картины “дикими” — fauve, отсюда и произошло название направления “фовизм”.

Просмотр слайдов работ А. Матисса.

Как вы думаете, что же стремился выразить в своих работах А. Матисс?

Учащиеся:

Художник выражает свои чувства, ощущения, а не отражает реальный мир. Окружающий мир служил только поводом для выражения мыслей, чувств, средствами света Основным художественным средством его картин является цвет и линия.

(Можно предложить учащимся на время обсуждения работ А. Матисса, стать членами жюри Парижской выставки. Выбрать сторонников и противников его творчества.) Во время обсуждения учащиеся приходят к выводу, что художник имеет право изображать мир таким, как ему хочется, воспринимать мир сердцем и душой. Полотна А. Матисса должны украшать залы музеев.

Учитель:

Если фовисты мечтали создавать искусство, радующее глаз, успокаивающее чувства, то кубисты хотели “растревожить человеческие души”.

В 1907 году французская публика увидела картину Пабло Пикассо “Авиньонские девицы”. Идолообразные деформированные фигуры, застылые формы, очевидное влияние африканской скульптуры, почти полное отрицание пропорций и вообще целостности человеческой фигуры – все это произвело впечатление не только на зрителей, но и на художников. Это был полный отказ от светотени и перспективы и построение изображения в виде комбинации разложенных на плоскости объемов. Вместе с Жоржем Браком, Пикассо становится родоначальником кубизма – художественного направления, отвергшего традиции натурализма и изобразительно – познавательную функцию искусства.

Призыв “трактовать (изображать) натуру посредством цилиндра, шара, конуса”, был воспринят кубистами как активное руководство к действию.

Глядя на картины Пабло Пикассо, никогда не подумаешь, что это творения одного и того же мастера. Одни отрицали его как художника, считали его картины бессмысленными, другие – восхищались им!

На экране “Герника” Пабло Пикассо.

Начало 1940-х годов. Оккупированный нацистами Париж. Ночь, полутемная студия, окна зашторены. Раздается резкий стук в дверь. В мастерской художника появляется группа гитлеровцев. Обыск. Яркий свет фонаря выхватил из сумрака холст. Но…что изображено на нем…

Немецкий офицер в сером мундире застыл. Он был поражен и взбешен. “Это вы сделали?” — спросил он у художника.

“Нет. Это вы сделали!”…ответил художник. И в этих словах прозвучали гнев, презрение, проклятие людей земли к нацисским изуверам.

“Герника” недаром взбудоражила гитлеровца.

Всмотримся в картину и рассмотрим анализ художественного произведения по таблице.

(Учитель и учащиеся анализируют произведение “Герника” П. Пикассо).

В конце урока учащиеся приходят к выводу, что Пабло Пикассо художник 20 века!!!

Задачей учителя является создание ситуации успеха, оценка деятельности учащихся на уроке.

Домашнее задание: целесообразно разделить класс на группы и вручить каждой соответствующее задание.

1. Кто он Пабло Пикассо. Страницы биографии.
2. “Голубой” период в творчестве Пикассо.
3. “Розовый” период в творчестве Пикассо.
4. Кубизм.
5. Наследие П. Пикассо.

Анализ художественного произведения “Герника” Пабло Пикассо (Приложение)

7 известных техник рисования, которые вы захотите попробовать

---

«Было сказано: чтобы знать, куда вы идете, вам нужно понять, где вы были», — говорит Марк Менендес. «Мы можем многому научиться у художников прошлого, техникам, которые мы можем включить в наше собственное искусство. Когда я учился под ученичеством своего наставника, меня научили приемам некоторых из величайших художников, которые когда-либо жили ». Откройте для себя секретные техники рисования самых влиятельных художников мира.Совершите путешествие во времени вместе с художником Марком Менендесом и получите все инструкции из его мастерской «Техники рисования мастеров »!

Дымовые эффекты Леонардо да Винчи

Сфумато — любимая секретная техника Марка Леонардо да Винчи. «Сфумато по-итальянски означает« дымный », и это качество вы можете увидеть во многих его картинах, особенно в Моне Лизе», — объясняет он. После грунтования панели, переноса рисунка, создания подмалевка и нанесения глазури — все в стиле, похожем на стиль да Винчи, — Марк демонстрирует технику сфумато, смешивая телесный оттенок, чтобы создать световой акцент.Он наносит этот свет на контуры картины, добавляя медиум (смесь льняного масла, скипидара и небольшого количества лака), чтобы создать мягкий молочный край, который деликатно сливается с фоном.

Линия Микеланджело

Затем Марк демонстрирует, как Микеланджело Буонарроти мог передать скульптурную сущность, создав динамический контур / форму в своих картинах. «В первую очередь он был скульптором, но он создал одну из величайших картин, когда-либо созданных. Это не на холсте; это не на какой-либо панели; [это] на потолке, и это называется Сикстинской капеллой.” Посмотрите, как Марк создает смелую форму, объясняя, как Микеланджело использовал технику фрески — рисование по мокрой штукатурке — для рисования по одной части за раз, работая быстро, чтобы штукатурка не высохла до того, как он закончил.

Змеиные контуры Рубенса

В этом увлекательном уроке Марк демонстрирует ключевую технику Питера Пауля Рубенса, которого считают «принцем художников», который включает змеевидные контуры или S-образные линии. «Это похоже на изменение того, как что-то на самом деле выглядит — его контуров — для создания движения и жизненной силы», — делится Марк.«Рубенс также был известен тем, что использовал много ярких цветов, и это тоже усиливает тот эффект». Марк использует эти змеиные изогнутые мазки, чтобы создать формы и детали, создавая реалистичный портрет, который, кажется, оживает прямо у вас на глазах!

Кьяроскуро Рембрандта

В этой главе Марк создает очаровательный портрет, используя технику Рембрандта Ван Рейна, называемую светотенью. «Это итальянский. Это означает «тьма и свет», и он действительно это подчеркивал », — объясняет Марк.«Итак, он был художником света задолго до того, как кто-либо получил этот титул». Начиная с темного фона, Марк работает от темного к светлому, используя рваные мазки, чтобы добиться впечатляющих результатов! Следуя этой быстрой и увлекательной демонстрации, вы можете создать свою собственную версию «Menendbrant» Марка!

Реализм Вермеера

Используя методичный подход, Йоханнес (Йохан) Вермеер рисовал очень ровно, лишь слегка смешивая цвета, сохраняя при этом мягкие края. «Его краски часто не были такими смешанными, как это сделали бы другие художники.Он просто как бы блокировал переход от темноты к свету, и настоящий тон сидел рядом », — заявляет Марк. Он отмечает, что Вермеер запечатлел фотографический реализм в своих картинах с помощью камеры-обскуры: коробка с линзой спереди и зеркало, расположенное под углом 45 градусов внутри; матовое стекло в верхней части коробки проецирует желаемое изображение. Развивайте свои навыки рисования для получения реалистичных результатов, овладев ровными тонами Vermeer и методами мягкого моделирования, продемонстрированными в этом простом уроке с Марком!

Выразительная кисть Хальса

Хотите создавать более выразительные картины? Посмотрите этот урок рисования с Марком, чтобы изучить энергичные техники мазков Франса Халса.Марк показывает, как Хальс работал бы alla prima, используя «быстрые и яростные» мазки в свободном и свободном стиле для создания резких угловатых линий, контрастирующих с серпантинными контурами Рубена. «Одно можно сказать о картинах Франса Хальса: они никогда не выглядят перегруженными», — восклицает Марк. «Они всегда свежие и [выглядят] так, как будто их нарисовали только вчера».

Линия и цвет Ван Гога

Популярность уникального и узнаваемого стиля Винсента Ван Гога продолжает расти.С цветами, вдохновленными Вермеером, картины Ван Гога наполнены энергией, яркостью и очаровательными линиями — они целенаправленно используются повсюду, чтобы направить вас обратно к фокусу. «Возможно, он продал только одну картину в своей жизни», — говорит Марк. «Но сегодня его картины продаются по самым высоким ценам на аукционах». Следуйте за Марком, когда он показывает, как подражать технике Ван Гога, дважды загружая плоскую кисть густой краской (используя разные цвета с каждой стороны), чтобы установить два цвета рядом с каждым быстрым мазком.«От дымных линий да Винчи до выразительных энергичных мазков Ван Гога — есть множество способов наполнить ваши картины линиями и цветом, светом и тенью — как это делал Рембрандт в своих картинах», — заключает Марк. «И в этих сегментах много информации; поэтому мы надеемся, что вы посмотрели их, а затем применили их на практике. Вы увидите, что можете создать свой собственный стиль, применяя эти вневременные техники ». Ознакомьтесь с предварительным просмотром Техники рисования мастеров ниже, а затем перейдите к полной демонстрации рисования с Марком!

О художнике

Работы известного художника Марка Менендеса хранятся в многочисленных постоянных коллекциях, как частных, так и корпоративных.Он иллюстрировал книги для широкого круга изданий, включая книгу Энн Райс «Мумия », а также несколько детских книг. Он проводит множество художественных классов и семинаров в год, которые охватывают широкий спектр сред и стилей, помогая студентам развивать свои навыки, не привязываясь к одному жанру или среде.

9 альтернативных техник рисования, которые должны знать художники

Сколько различных техник рисования вы знаете? Помимо традиционных, существует множество революционных техник рисования , которые избегают использования кисти, подталкивают к авангардным идеям и экспериментам в изобразительном искусстве.Стремясь оторваться от традиционного понимания роли искусства, которое заключается в воспроизведении реальности до максимально возможного подобия, художники 20-го века с энтузиазмом принимали новые эксперименты, которые включали использование всего тела художника, включение найденных предметов и материалов. и использование промышленных инструментов вместо кисти.

Мексиканский художник-монументалист Давид Альфаро Сикейрос был одним из первых авторов, которые публично избегали кисти, назвав инструмент орудием из волос и дерева в век стали. Желая глубже исследовать границы техники рисования, художник основал радикальную Экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году. В этом месте некоторые из самых знаменитых имен в истории искусства, такие как Джексон Поллок, встретились, чтобы залить аэрографом. , соскребать, разбрызгивать пигменты и использовать промышленные материалы в своей практике.

Некоторые из живописных техник, которые захватили воображение мира, перечисленного ниже, являются продуктом богатой истории художественной живописи, а некоторые — истинные свидетельства глобализированного, оцифрованного и изолированного мира, которым мы в настоящее время разделяем и переживаем.

Прокрутите вниз, чтобы узнать больше о различных техниках художественной росписи!

Все изображения используются только в иллюстративных целях. Featured image: Различные техники и инструменты рисования. Изображения через pinterest.com

Брызги и капли

В то время как Джексон Поллок считается самым известным художником, создавшим свои абстрактные работы путем капания краски на плоский холст, многие до него также экспериментировали с этими необычными техниками рисования.Японские дзен-буддийские художники исследовали разбрызгивание чернил еще в 15 веке, в то время как различные авторы из движений дада и сюрреализма также использовали этот выразительный и очень экспериментальный процесс. Отвергая традиционные методы живописи, брызги и капли сосредотачиваются на связи между автором и его / ее телом , и многие считали полотна Поллока следами жизни художника и определенного момента творчества. Тесно связанные с идеями философии экзистенциализма, его картины передают сущность жизни не только из-за ее взрывного качества, но также благодаря случайным событиям и включению многочисленных найденных предметов, таких как металлические стержни, кухонные инструменты, полотенца, палки. , и окурки художника.

Показанное изображение: Ханс Намут — Джексон Поллок в своей студии. Изображение взято с flickr.com

Заливка

Подобно другим техникам рисования, использующим краску или любую другую жидкую среду, техника рисования заливкой основана на экспериментах с материалами и цветами . Эта техника включает в себя заливку краски прямо на холст и нанесение разных цветов друг на друга, чтобы создать неожиданные завитки. Хотя истоки этого метода восходят к экспериментам Дэвида Альфаро, он стал популярным во время абстрактного экспрессионизма.Известные авторы, такие как вышеупомянутый художник Джексон Поллок, Моррис Луи и Хелен Франкенталер , использовали его для создания плавных, чаще всего абстрактных картин и композиций, которые отмечали чистый цвет или чистое качество поверхности холста. случай во время движения пост-живописной абстракции.

Обязательно ознакомьтесь с работами Хелен Франкенталер на нашей торговой площадке!

Показанное изображение: Луи Моррис — Альфа Пи. Изображение через pinterest.ком

Вытягивание и слом

Методы рисования вытягиванием и скребком часто включают протягивание краски по двухмерным поверхностям или удаление краски мастихином или ракелем. Часто этот метод ассоциируется с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунингом . Художник создал многие из своих знаменитых абстрактных портретов, накладывая толстые слои живописи и используя метод вытягивания и скрепления.Немецкий художник Герхард Рихтер часто ассоциируется с этой практикой. Тайна его техники ломки вдохновила режиссера Коринну Белц на создание одного из многих интересных документальных фильмов о художниках. Снимая художника за работой в своей студии и размышляя о жесте вытягивания как о физически истощающем действии, режиссер демонстрирует различные части различных техник рисования, таких как перетаскивание, размазывание и соскабливание слоев влажной краски, во время которых автор оставляет следы своей движения по поверхности холста.

Показанное изображение: Герхард Рихтер работает над «Абстрактной живописью, Кадр из фильма. Изображение взято с gerhardrichterpaintings.com

.

Печать на теле

В методе телесного принта или слепка художники используют человеческую фигуру как штамп, создавая слепок или слепок тела. Процесс литья тела — это многовековая техника, которая использовалась для изготовления посмертных масок. На арену изобразительного искусства она вошла как спорная техника рисования в 1960-х годах.Известный благодаря таким именам, как Брюс Науман и Алина Шапочников , французский автор Ив Кляйн продолжил раскрывать художественный процесс и роль тела в процессе творчества. В 60-е годы Кляйн представил публике свои картины «Антропометрия ». В его выступлениях участвовали обнаженные девушки-модели, которых художник называл человеческими кистями. Раскрашивая его модели в черный цвет или в его знаменитый синий художественный пигмент International Klein Blue, модели создавали отпечатки своих тел на гигантских листах бумаги.Эти действия и перформансы, которые многие теперь считают возмутительно сексистскими, демонстрируют полный отказ от традиционной живописи кистью, но также и новую озабоченность телом и, как таковое, самобытностью произведения искусства.

Показанное изображение: Ив Кляйн — Перформанс антропометрии голубой эпохи. Изображение с pinterest.com

Техника Импасто

Мы уже упоминали метод вытягивания и скрепления как одну из техник рисования, которые манипулируют краской.В отличие от множества художественных методов, которые лишают художника следов руки, метод импасто-живописи создает не только трехмерность и высокую текстуру поверхности картины, но также добавляет к работе высокий элемент драматизма и экспрессионизма. . Большинство маляров, работающих с этим методом, наносят краску либо прямо из тюбика, либо мастихином. Различные слои создают ощущение глубины и позволяют поиграть со светом, недоступным в других техниках рисования.Таким образом, конечный результат часто существует на арене между живописью и скульптурой, где картина в некоторых случаях рассматривается как объект, а не окрашенная поверхность.

Featured image: Деталь картины, созданной в технике масляной живописи импасто. Изображение с pinterest.com

Аэрография

Обычно известная как инструмент для ретуши фотографий, техника аэрографии привлекает различных авторов, которые предпочитают избегать живописных мазков и поверхностей.Используя сжатый воздух для распыления краски на поверхность, аэрограф создает плавные переходы, напоминающие фотографии. В своем интервью 1970-х годов Artforum Чак Клоуз сказал, что, чтобы избежать мазков, он обращался к различным устройствам, таким как бритвенные лезвия, электродрели и аэрографы. Этот промышленный инструмент — один из многих, используемых художниками для экспериментов и развития своего творчества. Многие из гиперреалистичных изображений, набирающих популярность в современном мире искусства, создаются с помощью этого устройства.

Показанное изображение: Чак Клоуз — Художник, работающий в своей студии в технике аэрографии. Изображение с сайта chuckclose.com

Цифровая живопись

Благодаря доступности компьютерной графики и развитию технологий, живопись смогла перейти с холста на экран. В настоящее время современные творческие люди могут получить доступ к различным цифровым инструментам, таким как настраиваемые кисти и виртуальные палитры, которые позволяют создавать точные живописные эффекты.«Типичный» живописный жест фиксируется с помощью команд клавиатуры, в то время как достижения в области струйной печати дают возможность печатать такие произведения искусства и обитать в физическом пространстве галереи. Многие из «традиционных» авторов воспользовались достижениями и возможностями, которые предлагает цифровой мир. В недавней серии «Прибытие весны » известного британского художника Дэвида Хокни «» представлены рисунки на iPad, выполненные на пленэре.

Featured image: Дэвид Хокни — Картина из серии «Прибытие спринта».Изображение с сайта pinterest.com. Все изображения используются только в иллюстративных целях.

51 Типы живописи: стили и приемы

Изучение искусства или просто любитель искусства? Если вы хотите узнать о типах живописи, их стилях и техниках. вы попали в нужное место!

«Искусство — это выражение свободной души».

Живопись — это искусство разбрызгивания оттенков с помощью кистей с определенной целью — создать мастерство.Роспись должна быть возможна практически на любой поверхности, и она может быть цифровой (на ПК) или ручной с использованием красок и кистей.

Это краткое изложение 51 вида живописи, их стиля и техники, от наиболее востребованных до наименее востребованных. Изучение различных стилей, наблюдение за тем, что сделали разные художники, и попытки использования различных методик — это тоже части пути к созданию вашего собственного стиля и техники.

Виды живописи по технике

Техника — это метод действия или способ использования навыка (например, рисование).Существуют различные виды живописи, такие материалы, как песок, бумага, грязь и многое другое. Живопись — это изобретательность, поэтому мастера не ограничиваются ограниченными средствами и материалами, это постоянно развивающаяся процедура. Сюжеты этих картин были такими же простыми, как женщины и девушки на картинах, повседневные события и т. Д.

Он научит вас рисовать различные предметы, собраны все необходимые инструменты, настроить собственное рабочее пространство, и вы готовы начать свое художественное путешествие в красках.Но прежде чем вы это сделаете, стоит знать некоторые основные техники и стили рисования, которые помогут вам на этом пути.

1. Набросок карандашом

Portrait De Charles Marcotte, 1838 Автор J-A-D Ingres

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Франция

• База: Совместимость с любой поверхностью для рисования

• Уникальность: Использование графита и пней

• Известные художники: Жан-Огюст-Доминик Энгр, Адонна Кхаре, Поль Кадден, Диего Фацио

Карандашный рисунок начался с инструмента, состоящего из графита, упакованного в деревянный ящик.Особенность этой художественной техники заключается в тональной дифференциации и хорошем контрасте. Этот вид искусства — старая техника рисования. Теперь доступны даже наброски цветными карандашами, выполненные цветными карандашами. Это один из самых первых набросков для рисования портрета.

Знаете ли вы? Хотя графит добывался в 16 веке, использование художниками кусочков природного графита, вставленных в карандаш («подставка для карандашей»), не было известно до 17 века.

2. Масляная живопись

Девушка с жемчужной сережкой, Иоганнес Вермеер

• Происхождение: 7 век

• Место происхождения: Бамиан, Афганистан

• База: Холст

• Уникальность: Использование пигментов, смешанных с различными маслами

• Известные художники: Иоганнес Вермеер, Да Винчи, Рафаэль, Ян Ван Эйк

Масляная краска, используемая в масляной живописи, имеет высыхающее масло, которое используется в качестве фолио для тени.Используемые олифы представляют собой пекановое масло, маковое масло, в основном льняное масло и другие. Вот как мы делаем масляные краски. Даже с учетом гладкой части он кажется очень запутанным и запутанным, однако этот состав имеет искрящийся эффект и имеет гладкую поверхность. По большей части это было начато в Индии и Китае, однако получило признание спустя сотни лет. В наши дни это, по общему мнению, исключительно известные виды живописи, и мастера, как правило, выбирают такие краски.

Знаете ли вы? Слой лака для картин обычно наносится на законченную картину маслом, чтобы защитить этот вид искусства от атмосферных воздействий, незначительных ссадин и опасного скопления грязи.

3. Акварельная живопись

Венеция с крыльца Мадонны делла Салюте, Дж. М. В. Тернер

• Происхождение: 4000 г. до н. Э.

• Место происхождения: Китай, Азия

• База: Pape

• Уникальность: Использование пигментов, смешанных с растворителями на водной основе

• Известные художники: Винсент Ван Гог, Дж.М. В. Тернер, Томас Гиртин,

В этой стратегии рисования краски соединяются с основанием с помощью воды. Оттенки красок растворимы в воде. Обычно это рисуется на бумаге, но для этого материала используется еще одна основа, такая как дерево, холст, воловья кожа и так далее. Штрихи растушевки соединяются кистью разного размера. Акварельная живопись имеет давнюю традицию, которая давно известна. Этот вид искусства еще называют росписью кистью.

Знаете ли вы? Когда доисторические люди в эпоху палеолита красили стены своих пещер смесью охры, древесного угля и других природных пигментов. Акварели также писались на папирусе и использовались в египетских художественных формах

4. Чертеж углем

Роберт Лонго, «Без названия» (стол Фрейда у окна), 2004 г., продан за 266 500 долларов США на Christie’s New York.

• Происхождение: 26000 B.С.

• Место происхождения: Неизвестно (современная Япония)

• База: Совместимость с любой поверхностью для рисования

• Уникальность: Использование угольных стержней из древесины липы, фиксаторов

• Известные художники: Роберт Лонго, Уильям Кентридж, Дэн Пайл, Джоэл Дэниел Филлипс

Уголь можно использовать аналогично тому, как вы используете карандаш, чтобы рисовать и растушевывать что-либо, но он наиболее подходит для все более выразительных видов затенения, таких как цветок.Уголь можно использовать для рисования иллюстраций художественного творчества на холсте. Когда вам что-то мешает в ваших формах и качествах, промойте исправным фиксатором и начните рисовать углем. Переворачивание угольной палочки на бок и заполнение значительных участков объекта — это необычный метод подготовки вашего ума к восприятию форм, а не форм.

Знаете ли вы? В эпоху Возрождения древесный уголь широко использовался, но немногие произведения искусства сохранились из-за отслаивания частиц угля от холста.В конце 15 века был реализован процесс погружения рисунков в ванну для десен, чтобы уголь не отслаивался.

5. Живопись, смешанная техника

Романтическая картина в смешанной технике с фото

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Spane

• База: Холст

• Уникальность: Сочетает в себе множество традиционно уникальных средств визуального искусства

• Известные художники: Пикассо, Анри Матисс, Джозеф Корнелл

Рисование в смешанной технике — более типичная практика, чем считают многие специалисты.На самом деле, большинство мастеров смешивают медиа, даже не задумываясь об этом. Этот вид живописи объединяет разнообразные картины и привлекающие материалы и техники, чтобы создать одно исключительное произведение искусства. Найдите неограниченные потенциальные результаты, которые сопровождают произведение искусства из смешанных медиа.

Знаете ли вы? Натюрморт Пикассо со стулом (май 1912 г.) часто считается первым современным коллажем. Этот вид искусства на самом деле представляет собой собрание масляной краски, клееной ткани, наклеенной бумаги, а также веревки, превращающей его в барельеф. трехмерная работа.

6. Цветной рисунок карандашом

«Амбиции» Марко Маццони

• Происхождение: XIX век

• Место происхождения: Германия

• Основа: Листы для рисования на бумаге

• Уникальность: Сочетает в себе множество традиционно уникальных средств визуального искусства

• Известные художники: Марко Маццони, Мартин Авелинг, Тим Джеффс

Этот стиль развивается шаг за шагом, и закрашенный карандашный рисунок встречает неслыханное измерение благодарности в мире искусства.Они проработали тонкий пигментированный центр, заключенный в деревянный бочкообразный корпус. Компоненты закрашенных карандашей имеют восковую или масляную основу и включают различные цвета и узлы.

Знаете ли вы? Первые цветные карандаши были изобретены и произведены в 1924 году компаниями Faber-Castell и Caran d’Ache.

7. Живопись коллаж

Бутылка Vieux Marc, Glass, Guitar and Newspaper », Пикассо (1913)

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Франция

• Основание: Любая поверхность

• Уникальность: вырезанные и наклеенные фотографии, нарисованные формы или даже трехмерные объекты

• Известные художники: Пикассо, Джордж Брак, Фрэнсис Пикабиа, Курт Швиттерс

Это один из накопленных изобретательских видов живописи с улучшенной визуализацией.Работа с коллажами должна быть возможна с кусочками затененных или тщательно собранных бумаг, полосами, нанесением красок, журналами и т. Д. Темы различались, и по большей части это некачественный метод рисования.

Знаете ли вы? Термин «коллаж», изобретенный художниками-кубистами Браком и Пикассо, происходит от французского слова coller , или «склеивать».

8. Живопись Каламкари

Живопись Каламкари

• Происхождение: 3000 Б.С.

• Место происхождения: Индия

• Основа: Хлопчатобумажная ткань

• Уникальность: Использование ручки с натуральными красителями

• Известные художники: Джонналагадда Гураппа Четти, Ганга Деви, Бхарти Даял

Каламкари подразумевает Калам — перо и Кари — работу, то есть изящное искусство, выполненное простым пером. Растительные цвета из них извлечены для растушевки связанных на ткани структур.Такой стиль рисования с использованием естественных цветов на материале был распространен во многих регионах Индии, однако этот стиль Каламкари процветал в Калахасти в Индии. Вся процедура структурирования включает 17 этапов.

Знаете ли вы? Процесс создания Каламкари состоит из 23 шагов. От естественного процесса отбеливания ткани, ее смягчения, сушки на солнце, приготовления натуральных красок, ручной росписи до процессов сушки на воздухе и стирки

9.Каракули Арт

Искусство каракулей

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Германия

• Основание: Любая поверхность для рисования

• Уникальность: Использование неравномерных движений по поверхности

• Известные художники: Сай Твомбли, Винс Лоу, Грег Альберт.

Жесты для людей могут быть одним из самых вдохновляющих и вознаграждающих подходов к рисованию.Просто вспомните, что при рисовании фигуры движение исходит из центра — это «душа» вашего объекта, оно находится в мышцах и костях, а не на коже или одежде. Помните, что ваши первые жестовые иллюстрации, вероятно, не будут казаться чем-то подобным при любом напряжении воображения, при любой неприязни к чему-либо, что вам может понадобиться, чтобы они напоминали, и опыт, вероятно, не будет таким удовлетворяющим. Это из-за того, что левая половина вашего головного мозга может не справляться со всей мыслью о движении.

Знаете ли вы? Каракули раньше считались рисованием детей и негативной привычкой при обучении рисованию.

10. Покраска перьев

Рисунок перья

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Голландская Республика

• Основание: Любая поверхность для рисования

• Уникальность: Использование Dip Pen для направления потока чернил

Рисунок пером, как следует из названия, рисует с использованием перьев (например, «перо» чернильной ручки).Различные перья используются для разных видов живописи. Например, если требуется круглая структура, используйте наконечник с круглым наконечником. В любом месте, где вам нужно нарисовать маленькие четкие линии, вы можете использовать короткий заостренный наконечник.

Длинный наконечник наконечника обычно используется для рисования линий. Вы также можете взять краску на перо и прижать ее к поверхности, чтобы создать структуру. Вы можете потратить несколько дней на то, чтобы завершить строительство, или значительно больше, если у вас будет отличный план. Главное — делать это тихо.Вы по достоинству оцените эту специальность, и конечный продукт будет оправдан, несмотря на все хлопоты.

Знаете ли вы? Самая ранняя известная металлическая ручка с раздвоенным пером — это сохранившаяся ручка из медного сплава, найденная в Римской Британии (с 43 по 410 год нашей эры).

11. Краска для промывки

Тушь для рисования

• Происхождение: V век

• Место происхождения: Китай

• Основа: бумага сюань (китайская) или васи (японская бумага)

• Уникальность: Стирка чернил по бумаге

• Известные художники: Сай Твомбли, Винс Лоу, Грег Альберт.

Это картина, написанная кистью, которая состоит из чернил разной плотности для придания различных оттенков произведениям искусства. Отправной точкой этого полотна является Китай, и он очень распространен в Восточной Азии. Обязательным элементом этого стиля рисования с размывкой является то, что в нем используется кисть, на которой волоски уменьшаются до тонкой точки. Штрихи нарисованы осторожно, через какое-то время их нельзя будет изменить. Этот вид искусства требует больших усилий и времени, чтобы получить эту великолепную привилегию.

Знаете ли вы? Тушь, также известная как рисование кистью, была одним из «четырех искусств», которым должны были овладеть китайские ученые-чиновники. Картина с тушью появилась во времена династии Тан (618–907).

12. Акриловая краска

Акриловая краска

• Происхождение: XIX век

• Место происхождения: Германия

• База: Холст

• Уникальность: Преобладают яркие цвета, четкие мазки и линии

• Известные художники: Марк Ротко, Кеннет Ноланд, Дэвид Хокни

В этой живописи очень примечательны используемые краски.Акриловые краски состоят из красок в эмульсии акрилового полимера. Цвета красок — водорастворимые. Следовательно, при таких видах покраски используется вода. Как бы то ни было, удивительная уверенность в том, что когда художественное произведение закончено, оно оказывается безопасным для воды. Этот водостойкий стиль обожают большинство художников и быстрее сохнут. Эта торговая марка времени высыхания делает эту краску не совсем такой же, как акварель и масляная растушевка. Такая живопись обычно яркая.

Знаете ли вы? Еще в 1936 году мексиканский художник-монументалист Дэвид Альфаро Сикейрос основал и провел мастерскую в Нью-Йорке, чтобы экспериментировать с новейшими синтетическими материалами и методами их нанесения.

13.Пастель

Пастель

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Франция

• Основание: Любая поверхность для рисования

• Уникальность: Использование пастели

• Известные художники: Жан-Батист Перронно, Морис Кантен де Ла Тур, Жан-Этьен Лиотар

Пастельные оттенки обычно доступны в стиках.Это основной метод растушевки, и дети, как правило, начинают растушевывать пастельные тона. Пастельные карандаши можно быстро использовать для растушевки и рисования. Несмотря на простой метод затенения, его может быть сложно встряхнуть и смешать с различными оттенками. Пастель должна быть возможна как на бумаге, так и на холсте. Роспись пастелью долгое время остается неизменной и неизменной.

Знаете ли вы? На восточном побережье США Общество художников пастели было основано в 1883 году Уильямом Мерриттом Чейзом, Робертом Блюмом и другими.

14. Живопись по стеклу

Живопись на стекле

• Происхождение: Средние века

• Место происхождения: Древний Рим

• Основание: Стекло

• Уникальность: Использование стекла в качестве окрашиваемой поверхности

• Известные художники: Aboot Suger из аббатства Сен-Дени

Эскизы на стекле выполнены на стеклянной основе с оттенками растушевки.Разные краски со стеклом не связываются. Краски, используемые в росписи по стеклу, особенно подходят для стекла, поэтому эти оттеночные цвета можно без особого натяжения со стеклом. Темный лайнер используется для нанесения краев нарисованных картинок.

Липкие оттенки связаны в пределах штампованного предела. Роспись по стеклу — это творческое мышление и специальная работа. такие типы краски должны быть возможны на любом внутреннем убранстве или некоторых других выставочных пробках, или любой стеклянной вазе, или даже в абажуре.Они манят и сияют.

Знаете ли вы? Витраж в готическом стиле представляет собой мозаику из маленьких кусочков цветного стекла. Этот вид искусства следует сложному образцу, который иллюстрирует библейские образы и личности.

15. Фресковая живопись

Сотворение Адама, деталь потолочной фрески Микеланджело, 1508–1212; в Сикстинской капелле, Ватикан.

• Происхождение: 110 Б.С.

• Место происхождения: Древний Рим и минойская цивилизация

• Основа: Мокрая или сухая штукатурка

• Уникальность: Использование сухих порошковых пигментов в чистой воде

• Известные художники: Микеланджело, Джотто, Фра Анджелико

Это слово «фреска» происходит от итальянского слова, которое произошло от латинского слова. Этот стиль росписи выполнен на крыше, на стенах.Процедура фрески заключается в смешивании красок с водой и нанесении на тонкий слой влажного раствора. Для надлежащего добавления к разделителю рисунка требуется связующий носитель. Это было необычно для эпохи Возрождения; впоследствии это делается с давних пор. Это распространенный вид росписи старинных памятников.

Знаете ли вы? Правильно подготовленный intonaco (гладкий слой штукатурки) будет удерживать влагу в течение многих часов.

15. Энкаустика

Энкаустика

• Происхождение: 6 век.

• Место происхождения: Египет

• Основание: Холст / Дерево

• Уникальность: Использование пчелиного воска

• Известные художники: Карл Зербе, Тони Шерман, Янис Интема, Брайс Марден, Бетси Эби

Среди множества типов живописи, стилей, Энкаустика отличается росписью горячим воском, в которой пчелиный воск по большей части согревается оттенками.Затем эта жидкая смесь наносится на внешнюю поверхность дерева или различных материалов. Этот сложный вид живописи очень сложно рисовать и требует самых крайних усилий.

Знаете ли вы? Совершенно не связанный с этим тип «энкаустической живописи», вообще не использующий воск, встречается в британской керамике после того, как Джозайя Веджвуд изобрел и запатентовал эту технику в 1769 году.

16. Живопись гуашью

Гуашь

• Происхождение: 9 век.

• Место происхождения: Персия

• Основа: Бумага

• Уникальность: Предназначен для использования при непрозрачных методах окраски

• Известные художники: Джеймс Герни, Марко Риччи, Милтон Эйвери, Лесли Хунг

Гуашь — малоизвестная техника живописи. Используются оттенки на водной основе, у которых размер молекул больше, чем у водяных оттенков.Оттенки чудесно сочетаются друг с другом, что придает мастерству дополнительное великолепие. Такая живопись необычна и часто выглядит разумно.

Знаете ли вы? В восемнадцатом веке гуашь часто использовалась в смешанной технике для добавления мелких деталей в пастельные рисунки.

17. Брызги краски

No. 5, 1948 Джексон Поллок

• Происхождение: 20 век.

• Место происхождения: Европа

• Основа: Бумага

• Уникальность: Предназначен для использования при непрозрачных методах окраски

• Известные художники: Джеймс Герни, Марко Риччи, Милтон Эйвери, Лесли Хунг

Техника заливки или разбрызгивания жидкой бытовой краски на горизонтальную поверхность («техника капания»), позволяющая ему рассматривать и рисовать свои холсты со всех сторон.Этот вид искусства также назывался «экшн-живопись», поскольку художники использовали силу всего своего тела для рисования, часто в стиле неистовых танцев.

Эта крайняя форма абстракции разделила критиков: одни хвалили непосредственность и плавность творения, другие высмеивали случайные эффекты. Сообщалось, что в 2016 году картина Поллока под названием Number 17A была выручена за частную покупку на 200 миллионов долларов США.

Знаете ли вы? Этот стиль был широко распространен с 1940-х до начала 1960-х годов и тесно связан с абстрактным экспрессионизмом (некоторые критики использовали термины «экшн-живопись» и «абстрактный экспрессионизм» как синонимы).

18.Картина песком

Песок

• Происхождение: 12000 г. до н. Э.

• Место происхождения: Америка

• Основа: Бумага

• Уникальность: Использование молотого песчаника, натуральной охры, минеральной земли

• Известные художники: Альфред Навахо, Фред Стивенс младший Навахо

В песочной росписи работы недолговечные.Записи быстро улавливают непостоянные работы, выполненные во всех отношениях, с помощью движения руки по неподвижной поверхности. Этот тип живописи является исключительно поздним среди других, в которых ожидается, что контролирующий темп будет иметь значение. Рисование песком требует огромного упорства, и на это можно подойти.

Знаете ли вы? В течение многих лет индейцы не позволяли делать постоянные точные копии рисунков на песке. Когда дизайны копировали в коврики, была намеренно сделана ошибка, чтобы оригинальный дизайн оставался мощным.

19. Окраска распылением

Распыление

• Происхождение: XIX век

• Место происхождения: Америка

• Основание: Любая поверхность

• Уникальность: Использование пистолетов-распылителей

• Известные художники: Жюль Олицки, Дэн Кристенсен, Питер Регинато, Энтони Каро, Жан-Мишель Баския

Техника окраски распылением обычно выполняется на открытых конструкциях с согласия / без согласия.Рисование распылением не предназначено для понимания широкой публикой, это стиль сочинения или рисования / записи, который не имеет прямого значения. Основным мастером по окраске распылением был в 1967 году дублер средней школы, который раньше рисовал на стенах, чтобы выделяться, чтобы их заметили. Напыление превратилось в бесспорную известную процедуру живописи в 1980 году, были многочисленные специалисты зависели от открытых делителей проявлять свои способности.

Знаете ли вы? Появление недорогих портативных аэрозольных красок стало благом для этого вида искусства, распространившегося по всему миру.Роспись распылением также использовалась в изобразительном искусстве.

20. Доска покраска

Доска покраска

• Происхождение: 600 до н. Э.

• Место происхождения: Греция

• Основание: Дерево

• Уникальность: Дерево покрыто животным клеем и льняной тканью

• Известные художники: Альбрехт Дюрер

Эта система была выполнена на несгибаемой основе, обычно из дерева или металла — что безошибочно от художественного творения, выполненного на холсте.Доска использовалась для станковой живописи до того, как холст стал широко использоваться в конце шестнадцатого века. Бук, кедр, каштан, мех, лиственница, липа, белый тополь, красное дерево, олива, тусклый орех пекан и тик — это древесина, которая использовалась при росписи досок.

Чтобы удалить смолу и смолу, древесные плиты обычно обрабатывали пузырями или пропаривали, а затем деревянные доски покрывали клеевым материалом и левкасом, чтобы заполнить поры, на которых был выполнен эскиз. Для изготовления дощатых произведений искусства дополнительно использовались серебро, олово, свинец и цинк.

Знаете ли вы? После высыхания клеящего вещества наносился слой за слоем гипса, каждый слой шлифовали перед нанесением следующего, иногда целых 15 слоев, прежде чем появлялась гладкая твердая поверхность, похожая на слоновую кость.

21. Живопись свитком

Свиток для рисования

• Происхождение: 206 г. до н. Э.

• Место происхождения: Древний Китай

• База: Шелковые баннеры

• Уникальность: Использование бамбуковых палочек

Появились два основных вида пергаментных рисунков.Свиток китайских сцен — величайшая приверженность живописи их образу жизни. Другой — японский свиток, на котором изображены сюжеты живописи. Предвестники расчетных пергаментов относятся к четвертому веку нашей эры и показывают буддийские добрые упражнения. Пергамент находится на столе и открывается справа налево. Макимоно, которое иначе называют ручным прокруткой сцены, состоит из структуры учетной записи, а не каких-либо фотографий.

Знаете ли вы? В верхней части свитка находится тонкая деревянная планка, называемая тянган , к которой прикреплен шнур для подвешивания свитка.Две декоративные полоски, называемые jingyan , иногда прикрепляются к верхней части свитка.

22. Вытяжка и слом

Снятие и сдача на слом

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Нидерланды

• Основа: Холсты большого формата

• Уникальность: Использование ракеля

• Известные художники: Виллем де Кунинг, Герхард Рихтер

Процедура вытягивания и отбраковки краски обычно включает вытягивание краски по двумерным поверхностям или отклонение эквивалента либо с помощью палитры, либо ракеля.Как можно чаще эта техника связана с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунингом. Мастер передал значительную часть своих хвалебных динамических картин, накладывая толстые слои живописи и используя технику вытягивания и отбрасывания.

Немецкий художник Герхард Рихтер то и дело связан с этим обучением. Загадка его процедуры отказа побудила кинопродюсера Коринну Белц поставить один из многих увлекательных документальных фильмов о мастерах.Поймав мастера за работой в своей студии и размышляя о движении вытягивания как о физически истощающей деятельности, руководитель обнаружил различные части этой системы композиции, например, перетаскивание, распространение и царапание слоев влажной краски, во время которой писатель оставляет следы. его разработок на поверхности холста.

Знаете ли вы? В документальном фильме Коринны Белц « Герхард Рихтер, Живопись » (2011) режиссер провел три года в студии Рихтера, запечатлевая художника, растирающего краской свои крупномасштабные холсты.

23. Покраска кузова

Бодиарт

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Нидерланды

• База: Кожа человека

• Уникальность: Закрашивание человеческого тела или лица

• Известные художники: Max Factor Sr.

Картины на теле — это техника искусства, при которой произведения искусства наносятся непосредственно на тело.Этот вид искусства — одна из самых древних живописных техник. В отличие от татуажа, бодиарт носит временный характер и выполняется обычными красками. Бодиарт, который ограничивается лицом, называется раскрашиванием лица. Бодиарт также называют (формой) «временной татуировкой». Масштабную или полную раскраску тела чаще называют раскраской тела, в то время как более мелкие или более подробные работы иногда называют временными татуировками.

Знаете ли вы? В 2006 году чемпион и судья Всемирного фестиваля бодиартов Крейг Трейси открыл в Новом Орлеане первую галерею, посвященную исключительно художественной росписи по телу.

24. Техника Импасто

Техника Импасто

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Италия

• База: Холст

• Уникальность: Использование густой краски

• Известные художники: Рембрандт ван Рейн, Диего Веласкес, Винсент Ван Гог, Джексон Поллок и Виллем де Кунинг.

Мы только что упомянули стратегию вытягивания и отбрасывания как одну из стратегий изображения, которые управляют краской. В отличие от нескольких техник рисования, которые удаляют доказательство руки мастера, стратегия рисования импасто обеспечивает не только трехмерность и высокую поверхность поверхности композиции, но также включает в себя высокий компонент зрелищности и экспрессионизма в работе. .

Большинство художников, работающих с этой стратегией, наносят штриховку законно из цилиндра или с помощью палитры.Различные слои создают ощущение глубины и учитывают особую игру со светом, недоступную в других стратегиях рисования. Соответственно, конечный продукт часто существует в области живописи и рисунка, где произведение искусства время от времени рассматривается как предмет, а не как окрашенная поверхность.

Знаете ли вы? В сухом виде импасто обеспечивает текстуру; краска выходит из холста.

25.Казеиновая живопись

Казеиновая роспись

• Происхождение: 30 г. до н. Э.

• Место происхождения: Древний Египет

• База: Холст

• Уникальность: Краски получены из казеина молока (молочного белка)

• Известные художники: Оскар Хоу, Паблита Веларде

В этом стиле мы смешиваем оттенки с казеином для создания изображений.Казеиновая краска состоит из фосфопротеинового молока, полученного при нагревании коррозионным или молочнокислым веществом. Благодаря использованию творога местного производства, произведенного с использованием кислого обезжиренного молока, он был обычным цементом и укрытием на протяжении более восьми веков. В девятнадцатом и двадцатом веках чистый казеин смешивался с нюхательными солями и использовался в станковых и настенных произведениях искусства.

В последнее время исключительно широкое распространение получили растворимые казеиновые краски. Небольшая свобода действий при рисовании казеином заключается в том, что он может производить впечатление, как картина маслом.В этом методе допускается использование волоконных кистей и умеренного импасто, как при рисовании маслом. Казеиновая краска быстро сохнет и придает матовость. После высыхания краска в определенной степени становится водонепроницаемой.

Виды живописи по художественным стилям

Существуют различные типы живописи, стили, они позволяют мастеру выражать свои мысли на холсте, сочетая новаторские, теоретические и технические приемы.Стиль — это отличительная черта, которая характеризует конкретного человека (или его картины). Знание тона, цвета, текстуры, мазков и композиции поможет вам с уверенностью создавать свои собственные шедевры. Вот несколько основных стилей рисования, которые помогут вам рисовать как профессионал в кратчайшие сроки.

1. Живопись Варли

Warli Картина

• Происхождение: 10 век

• Место происхождения: Махараштра, Индия

• Основание: Стены

• Уникальность: Использование набора основных геометрических фигур

• Известные художники: Дживья Сома Маше и его сын Балу Маше

Живопись Варли относится к видам живописи, являющимся врожденным искусством.Этот вид искусства создается адиваси из Северной Сахьядри в Индии. Это произведение искусства выполнено на суровой глиняной основе с использованием только штриховки, обычно белого цвета с небольшими пятнами красного и желтого цветов. Белый оттенок получается от измельчения риса до белого порошка.

Знаете ли вы? Coca-Cola India запустила кампанию с изображением Варли, чтобы подчеркнуть древнюю культуру и передать чувство единения. Кампания называлась «Возвращайся домой на Дипавали» и была специально нацелена на современную молодежь

2.Пахад Живопись

Пахад Живопись

• Происхождение: 14 век

• Место происхождения: Раджастан, Индия

• Основа: грубая хлопчатобумажная ткань ручного плетения

• Уникальность: Использование растительных красок

• Известные художники: Шри Лал Джоши, Нанд Кишор Джоши, Прадип Мукерджи, Пракаш Джоши, Ганшьям Джоши, Шанти Лал Джоши

Картина Пахада, или иначе называемая Пхадом, является одним из тех типов стиля живописи, который оживляет людей и по большей части репетируется в Раджастане.Этот вид искусства выполняется на длинном куске материала или холсте, известном как Phad. На этом полотне изображены народные боги Раджастана, например, Пабуджи и Девнарайан. Они используются как переносные святилища общественных божеств.

Знаете ли вы? Уникальность искусства Пхад добавляет то, что исторически эти картины создавали только члены семьи Джоши, принадлежащие к касте Чипа.

3.Мадхубани Живопись

Живопись Мадхубани

• Происхождение: V век до н. Э.

• Место происхождения: Бихар, Индия

• База: Первоначально оштукатуренные стены из глины, но теперь все основания

• Уникальность: Использование пасты из рисового порошка

• Известные художники: Джагдамба Деви, Сита Деви

Живопись Мадхубани или иначе называемое искусством Митхила репетируют в районе Митхила в Индии и Непале.Этот вид росписи завершается пальцами, кистью или даже ветками деревьев. Они используют общие цвета для затенения, и время от времени для рисования используются даже спички. Существует также особая субстанция для таких событий, как свадьба, рождение ребенка или празднование. Первоначально женщины создавали только картины Мадхубани. Айдехи в Мадхубани, Бенипатти в районе Мадхубани и Грам Викас Паришад в Ранти — одни из основных центров живописи Мадхубани, которые сохранили эту древнюю форму искусства.

Знаете ли вы? Картина Мадхубани получила официальное признание в 1969 году, когда Сита Деви получила Государственную награду правительства Бихара. Джагдамба Деви была первым художником из Митхилы, получившим Национальную премию в области живописи Митхилы.

4. Картины Гонд

Гонд Картины

• Происхождение: VI век

• Место происхождения: Мадхья-Прадеш, Индия

• Основание: Полы и стены

• Уникальность: Детальное рисование линий

• Известные художники: Джангарх Сингх Шьям

Гонд рисует один из видов живописи, который имеет место с Гондом, местной сетью на индийской территории Мадхья-Прадеш.Это вид искусства и общества, который шлифуется крупнейшим кланом Индии. Их обычные миссии великолепно очерчены по их специальности, которая продолжается уже давно. Прадхан Гонды известны своим творческим опытом. Они использовали живопись как средство записи своей истории.

Знаете ли вы? Краски обычно получают естественным путем из таких предметов, как древесный уголь, цветная почва, сок растений, листья и даже коровий навоз.

5.Картины Патачитры

Патачитра Живопись

• Происхождение: I век

• Место происхождения: Одиша, Индия

• База: Холст

• Уникальность: Преимущественно мифологическая в изображении

• Известные художники: Кханду и Радха Читракар, Монимала

Этот тип живописи является одним из ведущих видов живописи из восточноиндийской провинции Одиша.Их произведения искусства основаны на фольклоре и созданы организацией богов Джаганнатха и вайшнавов. Используемые оттенки стандартные. Эти зарисовки изображают сказки об индуистских богах и являются распространенным видом живописи.

Знаете ли вы? Меловая пыль используется для получения белого цвета, pauri для желтого цвета, культивированного индиго для синего, bhushakali для черного и mete sindur для красного цвета.

6. Живопись Picchwai

Picchwai Живопись

• Происхождение: 15 век

• Место происхождения: Раджастан, Индия

• Основа: Ткань

• Уникальность: Рассказывайте сказки о Кришне неграмотным.

• Известные художники: Гаси Рам Шарма, Гопилал Шарма, Нароттам Нараян Шарма, Канхайялал Шарма, Б. Г. Шарма

Это один из видов искусства, который зародился в городах Аурангабад и Натхдвара на территории Раджастана. Это огромные эскизы, обычно сделанные на хлопковом материале с использованием характерных оттенков. Они пользуются большим спросом, особенно со стороны. Художники этого произведения искусства, как правило, талантливы и требуют больших усилий, чтобы сделать их правильно.Эти композиции в настоящее время являются важной частью натхдвары.

Знаете ли вы? Господь Кришна часто изображается как Шринатхджи в Пичвайсе, божество, проявленное в виде семилетнего ребенка.

7. Картины Великих Моголов

Стиль картин Моголов

• Происхождение: 15 век

• Место происхождения: Турецко-афганский султанат Дели

• Основа: Листовая бумага

• Уникальность: Живопись в миниатюрном стиле

• Известные художники: Абд аль-Самад, Мир Сайид Али

Композиции Моголов представляют собой чрезвычайно специфический тип художественного стиля южноазиатской живописи, выросший из персидского в уменьшенном масштабе.Этот вид искусства имеет значительную долю влияния индуизма, джайнизма и буддизма и в основном создается при дворе владений Великих Моголов в шестнадцатой и восемнадцатой сотнях лет. Работа началась как смесь персидских и индийских мыслей. Полотна быстро приобрели известность, а существа и растения на них были практически очерчены.

Знаете ли вы? Когда второй император Великих Моголов, Хумаюн находился в изгнании в Тебризе при дворе Сефевидов персидского шаха Тахмаспа I. Тимур, сейчас в Британском музее.

8. Картины пещер

Картины пещер

• Происхождение: 40000 лет назад

• Место происхождения: Франко-Кантабрийский регион

• База: Стены пещеры

• Уникальность: Доисторическое происхождение

• Известных художников: Неизвестно

Произведения искусства пещеры иначе называют «париетальным искусством».Обычно их можно наблюдать на разделителях пещер, крышах древних времен и восходит к 40 000 лет до Евразии. Полотна пещер не часто бывают чистыми, и кажется очевидным то, что они пытались передать некоторые данные. Из-за их реликвии многие их произведения искусства невозможно расшифровать должным образом. Картины в пещерах — один из основных видов живописных стилей.

Знаете ли вы? Самый старый вид наскальных рисунков — ручные трафареты и простые геометрические формы; самые старые бесспорные образцы фигуративных наскальных рисунков несколько моложе, им около 35000 лет

9.Текстурная живопись

Текстурная живопись

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Франция

• База: Холст

• Уникальность: Чувство абстрактного прикосновения

• Известные художники: MD Weems

Мы в целом любим видеть мазки кисти в художественном творчестве, этот вид искусства дает последний сенсационный эффект.Поверхностные художественные творения по большей части используются с масляными красками, поскольку при работе с акриловыми красками их удары теряются при испарении акриловых красок. Однако масляные краски, как правило, будут дорогостоящими, поэтому в качестве замены можно использовать акриловую пасту, которая прекрасно работает на поверхностях. Помимо стандартных кистей, плоских ножей, тупых предметов используются для создания художественных произведений на поверхности.

Знаете ли вы? Понятие «живописность» также имеет отношение к фактуре.Текстура стимулирует два разных чувства: зрение и осязание. В искусстве есть четыре типа текстуры: актуальная, смоделированная, абстрактная и придуманная текстура.

10. Модернизм

Модернизм

• Происхождение: XIX век

• Место происхождения: Франция

• База: Холст

• Уникальность: Попытка сделать искусство более доступным для людей

• Известные художники: Клод Моне, Винсент Ван Гог

Термины модернизм и современное искусство обычно используются для описания череды художественных движений, которые критики и историки определили со времен реализма Густава Курбе и достигли высшей точки в абстрактном искусстве и его развитии в 1960-х годах.Несмотря на то, что многие пытались охарактеризовать инновации, подлинные инновации надежно выяснили, как исчезнуть из этих определений.

Кому-то нужно было провести черту, и в конечном итоге ответственность взяли на себя знатоки мастерства. Проще говоря, инновация — это раскол, далекий от привычного вида художественной росписи. Можно сказать, что это высокий уровень мастерства, полученный благодаря многочисленным элементам управления. Как бы то ни было, инновации — это крайняя перспектива мастеров того времени, без каких-либо ограничений, установленных привычной стратегией.

Знаете ли вы? К 1960-м годам модернизм стал доминирующей идеей искусства, и весьма узкая теория модернистской живописи была сформулирована очень влиятельным американским критиком Клементом Гринбергом. Затем произошла реакция, которую быстро определили как постмодернизм.

11. Импрессионизм

Импрессионизм

• Происхождение: XIX век

• Место происхождения: Париж, Франция

• База: Холст

• Уникальность: Тонкие, маленькие, но заметные мазки кистью

• Известные художники: Пьер-Огюст Ренуар, Альфред Сислей и Фредерик Базиль

Это один из лучших стилей росписи.Импрессионизм — это искусство, начавшееся в Париже в конце девятнадцатого века. Импрессионизм попался на глаза многочисленным комментаторам, но в основном по неправильным причинам. Легкие мазки, обычные и привычные предметы, странные точки и т. Д. — вот несколько изюминок этого стиля художественной живописи.

Пейзажи и даже бульвары стали декорациями для художников-импрессионистов. Если вы присмотритесь к изображениям импрессионистов, вы обнаружите, что темнота — это оттенок, который время от времени используется.Для тусклых тонов были смешаны и использованы соответствующие оттенки.

Знаете ли вы? В 1860-х годах жюри Салона обычно отклоняло около половины работ, представленных Моне и его друзьями, в пользу работ художников, верных утвержденному стилю. ^{В 1863 году жюри Салона отклонило произведение Мане «Завтрак на траве (Le déjeuner sur l’herbe) » в первую очередь потому, что оно изображало обнаженную женщину с двумя одетыми мужчинами на пикнике}

12.Экспрессионизм

Экспрессионизм

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Германия

• База: Холст

• Уникальность: Представить мир исключительно с субъективной точки зрения

• Известные художники: Эрнст Барлах, Макс Бекманн, Фриц Блейл, Генрих Кампендонк, Отто Дикс

Концептуальные типы живописи принимают множество структур.Экспрессионизм — одна из таких структур. Этот стиль живописи твердо определяет чувства и переживания человеческого сердца. Этот восторженный поток человеческого сердца показан с точки зрения испытуемого. Экспрессионистские произведения искусства либо говорят о восторженном состоянии мастера, либо, как ожидается, вызовут некий страстный резонанс внутри наблюдателя.

Знаете ли вы? В 1905 году группа из четырех немецких художников во главе с Эрнстом Людвигом Кирхнером основала Die Brücke (Мост) в городе Дрезден.Возможно, это была организация-основатель немецкого экспрессионистского движения, хотя они не использовали само слово.

13. Кубизм

Кубизм

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Европа

• База: Холст

• Уникальность: разных изображения предметов (обычно предметов или фигур) вместе на одном изображении

• Известные художники: Пабло Пикассо; Поль Сезанн

«Все в природе происходит от круга, конуса и камеры.Позже это превратилось в предпосылку кубизма. В этом концептуальном произведении искусства геометрические тела играют важную роль. Последний элемент будет сочетанием реального типа изделия и некоторой геометрической формы. Сегодня кубизм — это еще один стиль теоретической художественной живописи. В любом слючае.

Кубизм был неотъемлемой частью мира мастерства еще до того, как динамическая живопись стала обычным явлением. Такие личности, как Пикассо, Брак, Гри и другие, преследовали кубизм и сделали его популярным. Вселенная лучшей живописи никогда не была бы эквивалентом без обязательств со стороны этих мастеров-кубистов.

Знаете ли вы? В 1908 году в своем обзоре выставки Жоржа Брака в галерее Канвейлера критик Луи Воксель назвал Брака смелым человеком, который презирает форму, «сводя все, места, фигуры и дома к геометрическим схемам, к кубам»

14. Сюрреализм

Сюрреализм

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Европа

• База: Холст

• Уникальность: Нервные, нелогичные сцены

• Известные художники: Макс Эрнст, Сальвадор Дали

Несмотря на то, что это не один из самых совершенных видов живописи, в сюрреализме вы обнаружите намёки на концептуальную интуицию.Это действительно разработка, выросшая в середине двадцатого века. Этот вид искусства включал композицию и множество видов изобразительных произведений искусства. Понятно, что композиции стали важной частью этого развития.

Эти сюрреалистические зарисовки могут шокировать вас. Эта оставшаяся часть также является одним из его основных моментов. Сопоставление, объединяющее две теоретические идеи, — еще один компонент сюрреалистических художественных творений.

Знаете ли вы? Слово «сюрреализм» было придумано в марте 1917 года Гийомом Аполлинером за три года до того, как сюрреализм возник как художественное движение в Париже.

15. Китайская живопись

Китайская живопись

• Происхождение: 475 г. до н.э.

• Место происхождения: Древний Китай

• База: Висячие свитки, Ручные свитки

• Уникальность: Использует те же техники, что и каллиграфия

• Известные художники: Цзин Хао, Ли Ченг, Фань Куань, Донг Юань, Джуран

Самые известные виды живописи имеют творческую конвенцию на планете. Китайская живопись включает в себя процедуры, используемые в каллиграфии.Для рисования на бумаге, шелке и т. Д. Специалисты используют цветные чернила. Они никогда не используют масло для живописи. Гонг-би и шуй-мо, что означает «осторожность» и рисование тушью и стиркой, — две обычно используемые стратегии.

Основная стратегия заключается в использовании мельчайших и точных мазков кисти, в то время как другая — это обычная акварель. Мастера не просто рисуют наличие предмета. Они надеются уловить дух этого объекта, внутреннюю жизненную силу, душу. Это то, что делает китайские художественные творения выдающимися.Они стараются сохранить в основе использование экстремальных и динамичных оттенков.

Знаете ли вы? Во времена династии Тан фигурная живопись процветала при королевском дворе. Такие художники, как Чжоу Фан, изображали великолепие придворной жизни на картинах императоров, дворцовых дам и императорских лошадей. Фигурная живопись достигла вершин элегантного реализма в искусстве двора Южного Тан (937–975).

16. Японская живопись

Японская живопись

• Происхождение: 35000 г. до н.э.

• Место происхождения: Доисторическая Япония

• База: Висячие свитки, Ручные свитки

• Уникальность: Живопись животных и растений, особенно птиц и цветов

• Известные художники: Shūbun, Sesshū, Mokkei

Японская живопись, один из видов живописи, который может захватить вас с разных точек зрения.Если вы присмотритесь к нему, учитывая все обстоятельства, его привлекательность, прямолинейность и понятность могут невероятно заставить вас нуждаться в нем. Если вы попытаетесь познакомиться с японской живописью, вы попадете во вселенную недоумения. Если вы не знакомы с японскими терминами, вы обнаружите, что это искусство не так уж и просто.

Японская живопись основана на китайском, восточном и западном искусстве. Техника японской живописи имеет свое собственное мышление и стиль.«Суйбокуга» — одна из таких школ мастерства, где художники используют для рисования только темные туши. Произведения искусства, выполненные японскими мастерами с использованием только темных чернил, ошеломят любого мастера мирового уровня. Эта школа живописи возникла в результате непосредственного влияния китайского стиля и буддизма.

Знаете ли вы? Сюбун, монах из храма Сёкоку-дзи в Киото, создал на картине « Чтение в бамбуковой роще» (1446) реалистичный пейзаж с глубоким уходом в космос.

17. Живопись раджпутов

Раджпут Живопись

• Происхождение: 16 век

• Место происхождения: Королевство Раджпутана, Древняя Индия

• База: Внутренние стены фортов и дворцов

• Уникальность: Цвета, использованные в картине, были получены из минералов, растительных источников, раковин, драгоценных камней, золота, серебра и т. Д.

• Известные художники: Нихал Чанд, Найнсук, Джай Сингх Нирадж

Следующая картина в реальном времени началась во времена империи Раджпутов и называется «Картины раджпутов». Специалисты выступали за создание миниатюр, но сюжеты художественных произведений были разными. Вы откроете для себя композиции, показывающие события из необычных индийских саг, сцены и человеческую жизнь. Картины раджпутов известны своим богатым использованием оттенков.Интригующая реальность в отношении оттенков, использованных для этих эскизов, заключается в том, что часть использованных оттенков была создана с использованием ценных камней, серебра и даже золота. Требовалось много времени, чтобы настроить нужные оттенки для этих произведений искусства.

Знаете ли вы? В конце 16 века художественные школы Раджпутов начали развивать особые стили, сочетая как местные, так и иностранные влияния, такие как персидское, могольское, китайское и европейское.

18. Майсур Живопись

Майсур Живопись

• Происхождение: 2 век до н. Э.

• Место происхождения: Майсур, Карнатака, Индия

• Основа: Бумага, дерево, ткань или настенная основа

• Уникальность: Элегантность, приглушенные цвета и внимание к деталям

• Известные художники: Шри К.С. Шрихари, М. Раманарасайя, г-жа Чандрика

Майсурские изображения — это виды живописи, которые прославляются за размерность конкретизации, данной предметам, и за использование тонких оттенков. Как и некоторые другие южно-индийские картины в старинном стиле, боги и сцены из индуистского фольклора нашли свое место в произведениях искусства Майсура. Создание идеальной картины Майсура проходит в несколько этапов. Этот вид искусства начинается с неприятного наброска картины.

Основа, на которой сделан этот набросок, — это всего лишь бумага, наклеенная на деревянную доску.Во-первых, изображается положение королевской семьи или чего-то подобного. Действительно, даже золотая фольга использовалась для получения превосходного урожая. В этот момент акварель используется для завершения произведения искусства, но только в нежных тонах. Картины Майсура всегда выделяются среди разнообразных стилей живописи.

Знаете ли вы? Работа Gesso была визитной карточкой всех традиционных картин Карнатаки. Гессо относится к пастообразной смеси белого свинцового порошка, гамбозы и клея, которая используется в качестве материала для тиснения и покрывается золотой фольгой.

19. Танжор Живопись

Танджор Живопись

• Происхождение: 15 век

• Место происхождения: Танджавур, Тамилнад, Индия

• Основание: деревянных досок, поэтому именуется palagai padam

• Уникальность: Золотое покрытие картин

• Известные художники: C.Кондиа Раджу

Картина Танджора, пожалуй, самая значительная и старинная живопись южной Индии. Использование богатых оттенков, внимание к деталям и, в частности, класс — вот несколько претензий к славе произведений искусства Танджора. Мастера использовали ценные камни и струны, чтобы художественные творения выглядели лучше.

Знаете ли вы? Картины Тирупати, в частности, были созданы в знаменитом храмовом городе с использованием различных материалов и техник, таких как роспись терракотовых рельефов, латунные репуссы, картины на бумаге и холсте и т. Д.

20. Тенебризм Живопись

Тенебризм Живопись

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Италия

• База: Холст

• Уникальность: Сильный контраст света и тьмы

• Известные художники: Караваджо, Трофим Биго, Геррит ван Хонтхорст и Рембрандт

Тенебризм, когда-либо в живописи, использование возмутительной сложности света и тусклости в небуквальных структурах, чтобы поднять их эмоциональное воздействие.(Термин происходит от латинского Tenebrae, «мутность».) В тенебристских композициях фигуры часто изображаются на фоне серьезной нечеткости, однако сами фигуры освещаются ярким светом, смотрящим сквозь отбрасывающий свет их трехмерные структуры с помощью брутальной, но великолепно контролируемой светотени.

Знаете ли вы? Этот термин не часто используется в отношении Адама Эльшаймера, хотя он был важным новатором в рисовании ночных сцен с несколькими освещенными участками.Его темные области всегда полны деталей и интересны.

21. Дисплей Живопись

Витрина

• Происхождение: 17 век

• Место происхождения: Италия

• База: Огромные полотна

• Уникальность: Рисование на огромных поверхностях

• Известных художников: Неизвестно

В этом типе стиля рисования изображение соединяется на ровной или изогнутой поверхности, которая обычно является непрерывной или сценой, и этот тип искусства охватывается или разворачивается перед наблюдателем.Дисплей стал хорошо известен в восемнадцатом и девятнадцатом столетиях, где он был, по сути, предвестником стереоптикума и движущихся картинок.

Дисплеи были установлены на перегородках огромной камеры, старая адаптация дисплея составляет около 60 футов в поперечнике, а новая форма дисплея — около 130 футов в диаметре. Человек должен оставаться в фокусе сцены и поворачиваться, чтобы увидеть каждую из целей горизонта.

22.Смотровая площадка Картина

Viewpoint Живопись

• Происхождение: 450 г. до н.э.

• Место происхождения: Древний Египет

• База: Любая база

• Уникальность: Одноточечная перспектива

• Известные художники: Мелоццо, Пьетро Перуджино

Это процедура создания трехмерного изделия графически и пространственно по отношению к соединениям на двумерной плоскости или эта плоскость является более мелкой, чем первая.Это подход к разговору с пространством и объемом, который смешивается в определенное время и из фиксированной позиции. Начиная с эпохи Возрождения, китайские и большинство западных картин созданы по этой системе. Этот тип живописи передает ощущение, что предметы и их окружение были упакованы внутри неглубокого пространства позади изображения.

Знаете ли вы? китайских художника использовали наклонную проекцию с первого или второго века до 18 века. Неизвестно, как они пришли к использованию этой техники; Некоторые авторитеты предполагают, что китайцы переняли эту технику из Индии, а та — из Древнего Рима.

23. Объединить картины

Объединить стиль рисования

• Происхождение: 20th Century

• Место происхождения: Европа

• База: Холст

• Уникальность: Объединяет различные предметы в окрашенную поверхность холста

• Известные художники: Раушенберг

Использование обнаруженных предметов в стратегиях произведения искусства похвалило творение американского мастера Роберта Раушенберга.Этот термин, наиболее известный благодаря его комбинациям, начал изображать смесь живописи и рисунка, в творчестве художника использовались компоненты абстрактного экспрессионизма и собирательства.

Его работы, которые большую часть времени рассматриваются как текущий целенаправленный анекдот и вопрос, требующий объяснения, объединяют живопись и форму и демонстрируют возможность того, что живопись может быть сделана из чего угодно. Современное поколение современного искусства просто отражает эту мысль и еще больше развивает идею о том, что не нужно держать кисть, чтобы создать изображение.

Знаете ли вы? Раушенберг и его друг / сосед по квартире Джаспер Джонс вместе проектировали витрины для высококлассных розничных торговцев, таких как Tiffany’s и Bonwit Teller на Манхэттене, прежде чем они стали более известными как художники.

24. ракурс

ракурс

• Происхождение: 15 век

• Место происхождения: Франция

• База: Холст

• Уникальность: окраска влияет на пропорции конечностей и тела

• Известные художники: Андреа Мантенья, Микеланджело, Джозеф Мэллорд Уильям Тернер

Способ создания определенного предмета или фигурки в изображении внутри и снаружи.Специалисты предполагают, что повреждение проявляется по разным краям, если предмет находится в разлуке. Художник создает галлюцинацию реальности, которая, кажется, повреждает внешнюю сторону изображения или изменяет его, уменьшая размер закрывающей части изделия, чтобы нанести менее сильный удар по глазу наблюдателя и может относиться к предмету более дружелюбно. остальная часть изображения.

Знаете ли вы? В частности, посмотрите панель «Отделение света от тьмы».В нем вы увидите, что Бог кажется воскресшим. Эта иллюзия полагается на ракурс.

25. Сфумато

Сфумато

• Происхождение: 15 век

• Место происхождения: Италия

• База: Холст

• Уникальность: Техника смягчения перехода между цветами

• Известные художники: Лионардо да Винчи, Бернардино Луини

В этой процедуре произведение искусства имеет тонкую штриховку, которая представляет тонкие и незаметные изменения между тонами и оттенками.Система заключалась в смешивании оттенков без использования линий или полос, как это изображал Леонардо да Винчи. Приверженцы Леонардо да Винчи делали ненавязчивые градусы без линий и краев и делали территории все более тусклыми.

Знаете ли вы? Помимо Леонардо и его последователей Леонардески, которые часто активно использовали его, другие известные практики сфумато включали Корреджо, Рафаэля и Джорджоне. «Мадонна на лугу » Рафаэля «» является известным примером, особенно вокруг лица Марии.Леонардески включают Бернардино Луини и Фуниси.

26. Сграффито

Сграффито

• Происхождение: 15 век

• Место происхождения: Италия

• Основание: Любая поверхность

• Уникальность: нанесение слоев окрашенной в контрастные цвета штукатурки на увлажненную поверхность

• Известные художники: Рафаэль, Полидоро да Караваджо

Этот метод применяется в росписи, керамике и стекле.Этот тип техники включает покрытие слоя другим слоем и после этого вакуумирование неглубокого слоя таким образом, чтобы образец или форма имели более низкую штриховку. В перекрашенном стекле они вытесняли верхний слой цветного стекла и появлялось прозрачное стекло под ним. В керамограните это было через белое или окрашенное полотно, которое представляет собой смесь грязи и воды и демонстрирует оттенок тела.

Знаете ли вы? Еще одно применение сграффито проявляется в его упрощенной технике рисования.Один слой краски оставляют сохнуть на холсте или листе бумаги. Поверх первого слоя наносится еще один слой другого цвета. Затем художник использует мастихин или масляную палочку, чтобы выцарапать рисунок, оставляя изображение цвета первого слоя краски.

Заключение

Некоторая часть прелести живописи 21 века — это размах доступных видов живописи. В конце девятнадцатого и двадцатого века мастера совершили гигантские скачки в технике живописи, а также в стилях.На многочисленные достижения повлияли достижения в области техники, например, инновации в области металлического цилиндра для краски и фотографии, а также изменения в социальных шоу, реструктуризация законодательства, рассуждения и другие обстоятельства.

И для любителей искусства, таких как вы, У нас есть 50 самых известных картин всех времен в истории (ранжированные).

Как бы то ни было, Типы живописи связаны с тем, чтобы впустить вашу внутреннюю изобретательность на кусок холста, который можно основательно высвободить.Различные люди по всему миру представили различные виды живописи в своих стилях и техниках. Хотя каждый вид живописи уникален, вы почти наверняка больше отнесетесь к определенному виду живописи.

Какие бывают 3 вида искусства?

Искусство, будучи обширной сущностью, имеет 3 основных направления: живопись, скульптура и архитектура.

Как называется сегодняшнее искусство?

Тип искусства, который мы видим вокруг друг друга в настоящее время, называется «Современное искусство».

Какой вид искусства самый лучший?

Каждый художественный стиль уникален и особенный сам по себе, но все же акварель, акрил, рисунок углем и масляные картины считаются лучшими.

Сколько существует видов живописи?

Может быть бесконечное количество художественных стилей или техник, но мы попытались рассказать о наиболее общих 51 из них.

Мы в BookMyPainting, создаем красивые портреты, расписанные вручную, на основе ваших воспоминаний! Присылайте нам свои любимые фотографии. Мы очень скоро доставим к вашему порогу шедевр, в который вы влюбитесь. Итак, приступим!

Техники изобразительной живописи Визуальный индекс

Техника рисования: перо, акварель

Визуальный указатель приемов рисования Ручка и акварель на бумаге для зарисовок.Размер прибл. А5. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Визуальный указатель техник рисования

Если вы когда-нибудь задумывались, «как художник это сделал?» и ищете ответы, значит, вы попали в нужное место. Эти фотографии различных техник рисования помогут вам узнать, что использовалось для создания различных эффектов и стилей рисования, и как научиться делать это самостоятельно.

Эти перья были нарисованы акварелью поверх водостойких или стойких черных чернил.

Самое важное, что нужно помнить при работе с пером и акварелью, — это то, что чернила в ручке должны быть водонепроницаемыми, иначе они будут размазываться, когда вы наносите акварель. Я знаю, это кажется очевидным, но если у вас есть разные ручки, слишком легко выбрать одну, которая не является водонепроницаемой или долговечной. Этикетка на ручке скажет вам, иногда с небольшим символом, а не словом.

В зависимости от ручки и бумаги вам, возможно, придется подождать минуту или две, пока чернила полностью высохнут, прежде чем добавлять акварель.Вы скоро узнаете, потому что чернила немедленно растекутся, если они не полностью высохнут (или не водонепроницаемы). К сожалению, как только это случилось, вы не можете отменить его, поэтому вам придется либо начинать заново, либо спрятать его под непрозрачной краской, либо нарисовать карандашом и водой. Гуашь смешивается с акварелью или, если у вас есть тюбик «белой акварели», он тоже будет непрозрачным.

Можете ли вы сначала нарисовать акварель, а затем перо сверху? Определенно, но подождите, пока краска высохнет, чтобы чернила не растекались (растекались во влажных волокнах бумаги).Лично мне легче сначала поработать пером, так как легче отслеживать, где я нахожусь на изображении.

Техника рисования: водорастворимое перо влажной кистью

Наглядный указатель приемов рисования. Проведение влажной кистью по водорастворимому перу «растворяет» перо и создает тон. Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Эта фигура была нарисована водорастворимой черной ручкой и кистью с чистой водой.

Если вы используете перо и акварель, вы должны быть уверены, что используете ручку с водостойкими чернилами, так как вы не хотите, чтобы чернила размазывались и растекались.Но для монохромной картины использование водорастворимого пера и последующее превращение его в жидкие чернила, проведенное по нему влажной кистью, может создать прекрасный эффект.

В результате получается смесь линии и тона (два элемента искусства). Степень растворения линии зависит от того, сколько воды вы нанесете (насколько мокрая кисть), насколько агрессивно вы проведете по линии и насколько впитывающая бумага. Производимый тон может варьироваться от очень светлого до довольно темного. Вы можете полностью потерять линию или немного смыть с нее тон, не меняя характера линии.

Немного практики, и вы скоро почувствуете это. Черные, конечно, не единственный вариант. Водорастворимые ручки бывают самых разных цветов.

Техника рисования: водорастворимая чернильная ручка (цветовые вариации)

Визуальный указатель приемов живописи.

Цветовые вариации в этом произведении искусства были созданы одной якобы «черной» ручкой!

Работа влажной кистью по рисунку, выполненному пером с водорастворимыми чернилами, превращает линию в смывку чернил.В зависимости от того, сколько воды вы используете, большая или меньшая часть лески растворяется.

Весьма зависит от того, какая цветная стирка у вас получится; это не всегда то, чего можно было ожидать, особенно с более дешевыми ручками. (Потенциальная проблема с использованием дешевой ручки заключается в том, насколько светостойкими могут быть чернила, но они отлично подходят для экспериментов, просто держите результаты подальше от прямых солнечных лучей.) В примере на фотографии я использовал черную маркерную ручку, которую я купил в супермаркете по прихоти черную ручку для письма Berol.Как видите, он «растворился» в двух цветах, результат, который я считаю привлекательно эффективным и выразительным.

Насколько водорастворимой может быть ручка, зависит от бренда, но отправной точкой является поиск ручки, в которой нет надписей «водонепроницаемый», «водостойкий», «водостойкий при высыхании» или «постоянный». «. Время высыхания чернил на бумаге также может иметь значение; некоторые водонепроницаемые ручки будут немного размазываться, если сразу нанести воду.

Техника рисования: рисование акварелью

Визуальный указатель приемов рисования Вверху: акварельный слой, ожидающий высыхания.Внизу: Обведено синим карандашом Derwent Graphitint. Фото © 2012 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Работа цветным карандашом над акварельной картиной — полезный прием для добавления деталей.

Концепция рисования карандашом, к которому вы затем добавляете акварельную краску, знакома, но почему-то мысль о работе с «средой для рисования» поверх высохшей акварели некоторыми рассматривается как «обман». Как будто однажды начав работать с краской, назад уже не вернуться.Это так неправда! Разделение между рисунком и живописью искусственное; Важно то, что вы создаете.

Острый карандаш — идеальный инструмент для добавления мелких деталей и создания четких краев. Многим людям легче контролировать направление и ширину линии карандашом, чем кистью. Если держать руку на палке для мала, контроль еще больше увеличивается.

Держите кончик карандаша очень острым и не поленитесь его заточить. Вращение его в пальцах во время использования помогает удерживать точку.Если вы действительно ненавидите заточку, начните с полдюжины одинаковых карандашей и поменяйте их местами.

В приведенном здесь примере я работал поверх акварельной картины (после того, как она полностью высохла!), Используя темно-синий графитовый карандаш. В частности, индиго из диапазона Graphitint от Derwent (Buy Direct), который имеет темную землистость, отличную от обычного цветного карандаша. Кроме того, он водорастворим, поэтому было очень важно, чтобы акварель была полностью сухой! Как видите, это позволило мне сделать края более четкими и добавить тени.Обратите внимание, например, на то, как он изменил рот, создал тень на мочке уха и нижней части воротника, а также обозначил край рубашки.

Очевидно, что для этой техники вам не обязательно использовать водорастворимый карандаш. Это было то, что у меня было под рукой, но я выбрал его с мыслью, что могу превратить его в краску, если захочу.

Техника рисования: соль, акварель

Визуальный указатель приемов живописи Живопись солью и акварелью; клематисы выполнены акварельными карандашами.Фото © 2010 Julz

Картина написана солью на влажной акварельной краске.

Когда вы рассыпаете соль на влажную акварельную краску, соль впитывает воду в краске, растягивая краску по бумаге в виде абстрактных узоров. Используйте крупную соль, а не мелкую, так как чем больше кусок соли, тем больше она впитается. Когда краска высохнет, аккуратно сотрите соль.

Поэкспериментируйте с разной степенью влажности вашей акварельной краски и количеством соли, которую вы используете, пока не почувствуете ее.Слишком высохнет, и соль не впитает много краски. Слишком влажно или слишком много соли, и вся краска впитается.

• Как использовать соль для создания снежинок акварелью

Техника рисования: глазурь

Визуальный указатель приемов живописи. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Эти «сложные цвета» были созданы с помощью нескольких глазурей.

Если вы смотрите на картину, в которой есть «сложные цвета», где цвета имеют глубину и внутреннее свечение, а не кажутся твердыми и плоскими, то они почти наверняка созданы с помощью остекления.Это когда несколько слоев цвета наносятся друг на друга, а не являются одним слоем краски.

Ключ к успешному глазурованию — не красить новый слой глазури до тех пор, пока текущий слой полностью не высохнет. С акриловыми красками или акварелью вам не придется долго ждать, пока это произойдет, но с масляными красками вам нужно набраться терпения. Если вы нанесете глазурь на еще влажную краску, краска смешается, и у вас будет то, что называется физической смесью, а не оптической смесью.

• Как красить глазурь

Техника рисования: Капли

Визуальный указатель приемов живописи. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Этот эффект создавался за счет того, что жидкая краска стекала вниз и после высыхания покрывалась прозрачной глазурью.

Включение капель в картину, независимо от того, случаются ли они намеренно или случайно, может дать результат, который интригует и привлекает зрителя. Если вы рисуете жидкой краской (тонкой, текучей) на вертикальном холсте, например, при работе за мольбертом, а не на столе, то вы можете использовать гравитацию, чтобы добавить «счастливую случайность» или случайный элемент к изображению. картина.Загрузив много жидкой краски на кисть, а затем позволив большему количеству краски соскользнуть с кисти в одном месте (прижав кисть к холсту, но не перемещая ее), вы получите небольшую лужицу краски на холсте. При достаточном количестве краски сила тяжести потянет ее вниз.

Вы можете облегчить процесс, выдавив краску пальцами и дуя на лужу краски, чтобы начать капание. (Дуйте в том направлении, в котором вы хотите стечь.) С сильными каплями (те, с которыми течет много краски) вы можете вращать холст, чтобы управлять тем, где он течет.

На фото изображена деталь с моей картины «Дождь / Огонь», созданной акриловыми красками. Когда начальный слой красного не совсем высох, я нанес жидкую оранжевую краску и дал ей стечь. Если вы посмотрите на верхнюю часть, вы можете увидеть, где я разместил свою кисть, каждый раз перезагружая краску, в ряд поперек. По мере того, как краска капала, она смешивалась с еще влажной красной краской. Это, а также слой темно-красной глазури, добавленный после того, как все высохло, поэтому капли больше оранжевого цвета вверху, чем внизу.

Если вы работаете с масляной краской, разбавьте краску маслом или спиртом в зависимости от того, где вы находитесь в жирной части картины. Если вы используете акрил, подумайте об использовании какого-нибудь средства для глазури, так как вы не хотите слишком разбавлять краску. Как вариант, используйте жидкий акрил.

С акварелью неважно, сколько воды вы добавляете в краску. Вы можете помочь определить направление капель краски, сначала проведя по картине кончиком влажной чистой кисти.

Гравитационная живопись

Визуальный указатель художественных приемов.Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Вы можете пойти дальше рисования каплями, используя среды, которые стимулируют растекание и растекание краски. Затем вы используете гравитацию, чтобы тянуть краску, наклоняя и поворачивая холст, чтобы изменить направление.

На фотографии изображены два морских пейзажа, которые я писал, где я повернул большой холст на 90 градусов, чтобы краска растягивалась под действием силы тяжести. Нанесенный в результате след отличается от того, который создается кистью: более рыхлый, более случайный, более органичный.Мокрая краска, которая капает, должна стать краем моря, рябью на мелководье у берега. Когда он высохнет, я могу повторить процесс другим тоном. После этого я брызну на берег белой пеной.

Для акриловой краски различные производители выпускают присадки, улучшающие текучесть, которые снижают вязкость краски, поэтому она очень легко растекается. Это не научное описание, но я думаю, что текучая среда делает краску более скользкой, так как то, как она скользит и скользит по холсту, сильно отличается от краски, разбавленной только водой.Для масляной краски добавление растворителя или алкидной текучей среды будет способствовать растеканию краски.

Я либо смешиваю текучую среду и рисую на своей палитре, а затем наношу ее кистью на свою картину. Или я капаю немного текучей среды прямо на холст в еще влажную жидкую краску. Каждый производит различный тип знака; экспериментирование научит вас тому, что вы можете получить. Помните, если вам не нравится результат, вы можете либо стереть его, либо перекрасить. Это не катастрофа, это просто шаг в процессе создания.

• См. Также: «Методы создания меток: распыление воды на акриловую краску».

Техника рисования: слои краски, не смешанные

Визуальный указатель техник рисования. В этой картине для моря использовалось четыре разных голубых цвета. «Камю Мор 5» Марион Бодди-Эванс. Размер 30х40см. Акрил на холсте. © 2011 Мэрион Бодди-Эванс

Море на этой картине создано путем наложения разных голубых оттенков друг на друга с минимальным смешиванием.

Море часто мерцает, меняя цвета и тона, когда мы смотрим на него.Чтобы попытаться запечатлеть это, я использовал различные оттенки синего и белого в разбитых слоях, чтобы просвечивать кусочки каждого, вместо того, чтобы рисовать море однородным, хорошо смешанным цветом.

Самый темный синий — это берлинская лазурь, часть которой была масляной акриловой краской и акриловыми чернилами. Более светлый синий — это лазурно-синий (краска), а самый светлый кобальтовый бирюзовый (краска). Также есть акриловые чернила морского синего цвета. Плюс титановая белила и, в небе и на земле, немного коричневой коричневой краски.

Я использовал немного краски прямо в тюбике, немного разбавил водой, глазурью и акриловыми средами, улучшающими текучесть.Добавление белого, чтобы сделать прозрачный синий более непрозрачным, добавляет вариации цвета.

Синие краски наносятся друг на друга, иногда длинными мазками, иногда короткими. Направление маркировки важно и должно повторять предмет. Здесь я работал горизонтально, следуя за горизонтом и немного приближаясь к береговой линии, так как волны будут изгибаться естественным образом.

Я избегал полностью смешивать цвета (соблазн при рисовании мокрым по мокрому). Позвольте каждому цвету проявиться и позвольте кусочкам заглядывать сквозь слои.Лучше смешайте слишком мало, чем слишком много. Если у вас получится какой-то резкий край, который кажется навязчивым, вы можете смягчить его, поместив немного другого синего цвета поверх него, а затем смешав края этого.

Нарисуйте слой на слое, добавьте и скройте. Не ждите, что с первого раза все будет правильно, не удаляйте то, что «неправильно», а работайте над этим. Все это добавляет глубины финальной картине. Я обычно работаю над такой картиной в течение нескольких дней, что дает время для полного высыхания краски и созерцания того, что я сделал.Не забывайте регулярно отступать, так как на расстоянии и вблизи картина выглядит совершенно иначе.

Техника рисования: смешивание цветов

Визуальный указатель приемов живописи. Техники живописи изобразительного искусства. Смешивание цветов. Фото © Марион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Мягкий переход цветов на этой картине был достигнут путем смешивания еще влажной краски.

Если вы сравните темно-оранжевый цвет на солнце с тем, что на вершине холма на этой картине, вы увидите, что холм имеет очень четкую твердую кромку, в то время как солнце имеет мягкий край, переходящий в оранжевый. и желтый.Это делается путем смешивания цветов, когда они еще влажные.

Если вы рисуете маслом или пастелью, у вас будет много времени на растушевку. Если вы работаете с акрилом или акварелью, вам нужно действовать быстро. Чтобы смешать, вы наносите цвета рядом друг с другом, затем берете чистую кисть и аккуратно проходите по месту пересечения двух цветов. Вы не хотите ни добавлять лишнюю краску, ни резко останавливать цвет.

Для более подробного объяснения см. Эту пошаговую демонстрацию смешивания цветов.

См. Также: Рисование серии под названием «Тепло»

Техника рисования: радужная масляная пастель как фон для рисования

Наглядный указатель техник рисования Золотой фон для этого линопринта был создан с помощью переливающейся масляной пастели, смешанной гладко. Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Фон для этого линопринта был создан золотой переливающейся масляной пастелью.

Одной из проблем с золотой краской может быть получение ровной гладкой поверхности.Итак, для этого линопринта я использовал переливающуюся масляную пастель, которую затем растушевал пальцем. Еще одним преимуществом было то, что мне не пришлось ждать, пока он высохнет, прежде чем печатать на нем линогравюру.

Примечание. Для печати поверх масляной пастели я использовал чернила для рельефной печати на масляной основе, а не чернила на водной основе. Пастель сместится и немного сотрется, если вы дотронетесь до нее, поэтому работы нужно защищать стеклом. Используя эту технику для одноразовой карты, я бы использовал один из тех сложенных форматов, где фактически есть монтирование поверх изображения.Подберите правильное освещение, и переливчатые пастельные фотографии получатся красивыми, поэтому создание отпечатков с художественных работ — определенно лучший вариант.

• Масляная пастель Sennelier

Разбрызгивание художественной техники

Визуальный указатель художественных приемов. Распыление может быть выполнено одним цветом или несколькими, чтобы создать слои цвета, как показано в этих примерах. Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

На этой фотографии показаны две детали морского пейзажа, где береговая линия была нанесена методом разбрызгивания по сграффито.

В следующий раз, когда вы будете менять зубную щетку, не выбрасывайте старую, а положите ее в коробку для произведений искусства. Это идеальный инструмент для разбрызгивания. Вы окунаете кисть в жидкую краску, наводите ее на картину, затем проводите пальцем (или мастихином, ручкой кисти или кусочком карты) по щетине. Не забудьте сделать это по отношению к себе, чтобы краска расплескалась подальше от вас.

При использовании этой техники получается распыление небольших капель краски. Если вам нравится абсолютный контроль или вы не любите беспорядок, вероятно, вам не понравится этот метод.Хотя вы можете контролировать или направлять, куда пойдет краска, в некоторой степени с практикой, она любит распыляться и попадать в места, которых вы не ожидали.

Размер капель зависит от того, насколько жидкая краска, сколько у вас на зубной щетке и от того, как вы ее наносите. Для разбрызгивания не нужно использовать зубную щетку, подойдет любая щеточка с жестким ворсом. Сначала попробуйте это сделать на странице в альбоме для рисования или на клочке бумаги. Или, если вы нанесете это на полностью высохшую картину, вы можете стереть краску и попробовать еще раз.(Хотя, если вы используете акрил, поторопитесь, краска быстро высохнет.)

Чтобы остановить распыление краски в определенной области, замаскируйте ее. Самый простой способ — это удержать или закрепить скотчем кусок бумаги или ткани, чтобы закрыть область, на которую вы не хотите, чтобы на нее брызнули брызги.

Водорастворимый графит Art Techniques

Наглядный указатель художественных приемов Водорастворимый графит (карандаш) на бумаге А2. Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Это исследование рисунка было создано с водорастворимым графитом.Сначала были нарисованы линии, а затем водяной кистью превратил часть графита в краску. Я также снял немного цвета прямо с карандаша с помощью водной кисти и нарисовал карандашом еще влажные участки на бумаге. Техника такая же, как и с акварельными карандашами, за исключением того, что вы работаете только в серых тонах.

Когда вы можете использовать водорастворимый графитовый карандаш насухо на сухой бумаге, он даст те же результаты, что и обычный карандаш. Обработайте его кистью и водой, тогда графит превратится в серую прозрачную краску, как акварель.Работая с ним на влажной бумаге, вы получаете мягкую широкую линию, расширяющуюся по краям.

Водорастворимые графитовые карандаши бывают разной степени твердости, а также карандаши с деревом вокруг них или карандаши из бездревесного графита. Преимущество бездревесной версии состоит в том, что вам никогда не нужно останавливаться, чтобы точить ее. Вы просто отрываете кусок обертки, чтобы обнажить больше графитовой палочки. Вы можете заострить графитовую палочку в острие с помощью точилки, как обычный карандаш, но еще проще — быстро придать ей острие, перемещая ее взад и вперед по бумаге.

См. Также:
• Как рисовать акварельными карандашами

Художественные техники: гуашь, цветной карандаш

Наглядный указатель художественных приемов В этой картине, написанной в смешанной технике, используются гуашь и цветной карандаш. Фото © 2011 Мэрион Бодди-Эванс. Лицензия предоставлена ​​About.com, Inc.

Будучи непрозрачным, слой гуашевой краски скроет любые следы карандаша под краской гораздо больше, чем акварель. Но вы можете работать поверх него карандашом (графитовым или цветным), а также рисовать еще влажной краской, как я сделал на этом рисунке.

Как вы можете видеть на изображении картины, следы, нанесенные коричневым карандашом гуашевой краской, различаются. Кое-где краска сдвинулась в сторону, но на бумаге не осталось следов карандаша. В других местах он сдвинул краску и оставил коричневую линию. (Оба эти метода можно назвать техникой сграффито.) Там, где краска была сухой, цветной карандаш оставил линию поверх краски. Таким образом, с помощью одного карандаша можно наносить краской самые разные отметки.

Я действительно понимаю, что фиолетовый — это не цвет, связанный с хорошим здоровьем, и это может показаться странным выбором для рисования фигур.Но я израсходовал остатки краски ближе к концу сеанса рисования жизни и не хотел брать новую краску. Пурпурный цвет лучше, чем зеленый лайм, который можно увидеть на плечах. Это определенно нездоровая бледность! Я попытался сосредоточиться на тоне, а не на оттенке, затем использовал карандаш, чтобы добавить немного четкости форме фигуры.

14 техник рисования акрилом, использованных мастерами

Живопись оказалась одним из самых востребованных видов искусства.Хотя некоторые из самых старых методов насчитывают тысячи лет, роспись акриловыми красками является относительно недавним нововведением, появившимся в прошлом веке. Когда он впервые появился в начале 1900-х годов, художники всех жанров быстро приняли эту новую, быстросохнущую среду, которая показала универсальность и потенциал, превосходящие другие краски. Использование различных техник акриловой живописи привело к созданию некоторых из самых известных и желанных произведений искусства на рынке.

В 1901 году немецкий химик доктор Отто Рем впервые представил миру акриловую смолу.Хотя смолы в первую очередь предназначались для промышленного использования, вскоре художники начали экспериментировать с синтетической средой. Мексиканские художники-монументалисты, такие как Дэвид Альфаро Сикейрос, помогли этому новому методу нанесения набрать популярность, и вскоре в 1955 году появились первые коммерчески доступные акриловые краски на водной основе. Во второй половине 20-го века появилась новая волна художников, стремящихся исследовать различные виды искусства. На сцене появились такие движения, как абстрактный экспрессионизм и поп-арт. Акриловые краски, естественно, привлекали таких людей, как американский поп-художник Энди Уорхол, американский художник Роберт Мазервелл, британский оперный художник Бриджит Райли и другие известные таланты.

Художники всех дисциплин привлекают универсальность акриловых красок. Он не только долговечен, но и имеет непосредственную отделку, которую не могут предложить другие типы. Сегодня коллекционеры могут найти акриловые картины художников со всего мира. Если вы хотите больше узнать о живописи как о технике или улучшить свои навыки, мы собрали 14 наиболее важных техник рисования акрилом и полезные советы.

Техника рисования акрилом

Акриловая живопись отличается яркими красками, четкими мазками и качественными линиями.Одним из наиболее желательных качеств среды является ее способность использовать на различных поверхностях и смешивать с другими средами. Ниже приведены наиболее известные техники, используемые для создания структурно богатой картины, содержащей как элементы с мягкой, так и жесткой текстурой.

Кисть для сухой уборки

Моник Орсини, «Нуар д’Ивуар II» (2008). Продан за 5200 евро через Tajan (май 2016 г.).

Сухая кисть относительно проста в исполнении. Используя кисть, которую не окунали в воду, вы можете создать царапины, текстуры, неравномерное движение линий на холсте.Убедитесь, что ваша кисть как можно более сухая и заполнена краской для оптимального эффекта.

Хотя американский художник-реалист Эндрю Уайет в основном писал акварелью, его работы представляют собой прекрасный пример техники сухой кисти, которую он использовал для создания структуры и слоев. Уайет однажды сказал: «Я работаю сухой кистью, когда мои эмоции достаточно глубоко проникают в предмет. Итак, я рисую кистью меньшего размера, окунаю ее в цвет, растягиваю кисть и щетину, выжимаю много влаги и цвета пальцами, чтобы осталось очень мало краски.Затем, когда я поглаживаю бумагу сухой кистью, она будет делать различные четкие мазки одновременно, и я начинаю развивать формы любого объекта, пока они не приобретут реальное тело…. Сухая кисть наносится слой за слоем ».

Стирка

Роберто Бурле Маркс (1990). Продан за 9000 швейцарских франков на аукционах Koller (июнь 2018 г.).

Одно из самых впечатляющих качеств акриловой краски — ее способность изменять свою консистенцию; его можно наносить толстыми слоями или легко наносить для создания тонкого полупрозрачного оттенка.Используя технику стирки, вы можете добиться мягкости, напоминающей акварель. Разбавьте краску достаточным количеством воды, чтобы получить полупрозрачную размывку. Обязательно учтите, что акриловые краски быстро сохнут и долго схватываются.

Стипплинг

Вальтер Ропеле, «Фрюлинг-ам-Фирвальдштеттерзее» (2009 г.). Продано за 25 700 швейцарских франков на аукционе Koller (июнь 2017 г.).

Стипплинг — это набор крошечных точек, часто используемых в пейзажной живописи. Хотя акрил — относительно новый материал, эта техника возникла в 1500-х годах как метод гравировки.Сегодня художники создают различные степени затенения, основываясь на близости и смелости набора точек, а также используют разные цвета для создания реального измерения.

Стипплинг тесно связан с пуантилизмом, подходом, связанным с мягкой мерцающей поверхностью маленьких точек. Этот метод был популяризирован французским художником-постимпрессионистом Жоржем Сёра, чьи работы основаны на разделении цвета с помощью отдельных штрихов пигмента, которые, как считается, имеют большую яркость цвета в глазах наблюдателя.Это концептуализировано в его самой известной картине « Воскресный полдень на острове Ла Гранд Жат ». Хотя первые мастера этой техники, такие как Сёра, использовали масло или гуашь, эту технику можно легко применить и к акрилу.

Брызги

Конор МакКриди, «Сине-белый всплеск» (2016). Продано за 19000 швейцарских франков на аукционе Koller (декабрь 2017 г.).

Брызги — это живой, непредсказуемый метод, в котором для достижения эстетического вида используется приложенная энергия.Его популяризировал Джексон Поллок, который сегодня широко считается ведущей силой движения абстрактного экспрессионизма. Придумав «художника по брызгам», Поллок работал в основном с глянцевой эмалью, а не с акрилом, нанося пигмент на холсты с помощью палочки и создавая свои знаменитые «капельные рисунки», что в конечном итоге произвело революцию в способах определения искусства.

Чтобы имитировать текстуру Поллока с помощью акрила, используйте влажную кисть, окуните щетину в краску и направьте инструмент в направлении холста.При необходимости вы можете использовать трафарет, чтобы контролировать, куда попадает краска.

Вытирания

Стефан Щесны, «Подводная лодка I» (1990). Продано за 1875 швейцарских франков на аукционе Koller Auctions (июль 2017 г.).

Как следует из названия, нанесение мазков — это техника, используемая для «нанесения» цветовых акцентов на поверхность холста. Используя кисть с жесткой щетиной или бумажное полотенце, просто быстро и легко нанесите краску. Для большей глубины добавьте несколько слоев. Нанесение мазка добавляет движения вашей картине и часто используется для иллюстрации кустов или зелени.

Прекрасный пример мазка реализован в работах французского художника-импрессиониста Клода Моне. Хотя он в основном работал с масляной краской, импрессионисты, такие как Моне, исследовали эффекты света и цвета, часто достигаемые с помощью этой техники.

Губка

Теодорос Стамос «Бесконечное поле, Иерусалимская серия» (1989). Продано за 34 375 долларов на сайте Doyle New York (май 2015 г.).

Подобно нанесению мазка, для нанесения губкой требуется целлюлозная губка для нанесения краски пружинящим движением, создавая нерегулярный текстурированный узор.Обтирание — отличная техника рисования для начинающих, так как она приятна визуально, отлично подходит для листвы и ее трудно испортить.

Подобно нанесению мазка, эта техника впервые появилась во времена импрессионистского движения, когда художники, вопреки реализму, стремились запечатлеть мгновенные, мимолетные эффекты, достигаемые неровной поверхностью губки.

Мастихин

Жан Миотт, «Композиция» (1986). Продано за 5938 долларов через Freeman’s (март 2016 г.).

Хотя эта техника немного более продвинутая, это простой способ добавить текстуру поверхности картины и может быть полезен при создании широких, плоских слоев.Чтобы добиться такого эффекта, нанесите толстый слой краски на холст с помощью ножа, как глазурь на торте. Мастихин можно наносить на множество различных типов красок, предлагая текстуру и толщину для создания поверхности холста.

Детализация

Роберт Пол Уоддингтон, «Доктор. Мороженое старой моды Роберта »(1984). Продано за 325 долларов на сайте Feeman’s (август 2016 г.).

Часто используется, когда художник приближается к завершению работы, детализация должна выполняться с большим контролем и точностью.Используя небольшую тонкую кисть, нарисуйте детали и чистые линии там, где это необходимо. Это делается регулярно, чтобы создать такие детали, как цветы в пейзаже или другие мелкие детали, требующие особого внимания.

Остекление

Катарина Гросс, «2006/1020-е» (2006). Продано за 48000 швейцарских франков на аукционе Koller (июнь 2018 г.).

Глазурь — это тонкая полупрозрачная пленка, смешанная с акриловой краской для создания насыщенного, сияющего оттенка и текстуры поверхности. Нанося прозрачный слой глазури поверх другого слоя непрозрачной краски, вы можете создать уникальный эффект витража.

Глазурь, используемая с момента появления масляных красок, не является новой техникой для художников. Голландский художник Йоханнес Вермеер использовал остекление во многих своих картинах, в первую очередь Девушка с красной шляпой , где поразительный красный оттенок художника был достигнут с помощью методов остекления.

Советы по рисованию акрилом для начинающих

Выберите подходящие кисти

Хотя это может показаться очевидным, выбор правильных инструментов может сильно повлиять на качество вашей картины.Для рисования акрилом вам понадобится множество кистей, от маленьких до больших, чтобы использовать их в различных техниках. Для нанесения толстых слоев краски используйте кисть с жесткой щетиной, а для акварельных эффектов, таких как стирка, используйте кисть с мягкой щетиной. Кисть Фундук — надежный универсальный вариант, который предлагает прямую или круглую форму в зависимости от ваших потребностей.

Мастер своего микширования

Для опытных художников смешивание может показаться довольно простым, но есть способы проявить творческий подход с помощью техник смешивания, которые могут значительно улучшить вашу работу.Во-первых, убедитесь, что вы знаете и понимаете цветовое колесо , чтобы вы могли смешивать его точно и уверенно. Как видно на диаграмме ниже, существуют различные группы цветов. Аналогичные цвета — это группы из трех цветов, которые расположены рядом друг с другом на цветовом круге. Обычно они хорошо сочетаются и имеют общий цвет. Монохроматические цветовые схемы являются производными от одного базового оттенка. В цветовых схемах Triadic используются цвета, равномерно распределенные по цветовому кругу. Дополнительные цвета находятся напротив друг друга на цветовом круге и обычно сильно контрастируют, создавая яркий вид.

Для достижения наилучших результатов смешивайте цвета с помощью мастихина, пластикового ножа или дополнительной кисти, если она у вас есть. Кроме того, может быть полезно создать семейство смешанных оттенков, чтобы разнообразить вашу картину.

Учимся накладывать слои

Наслоение может относиться ко многим различным техникам помимо рисования, но для акриловой живописи наслоение является широко используемой практикой, которая может значительно улучшить восприятие трехмерности.В отличие от акварели, акрил высыхает, образуя нерастворимую пленку, поэтому вы можете наносить слой, не вытягивая под ним какой-либо цвет. Начните с нижнего, фонового слоя и продолжайте оттуда.

Есть мистер рядом с

Учитывая, что акриловые краски быстро сохнут, вы можете поддерживать их влажность с помощью мистера. Просто немного полив их мастером, вы создадите краску в стиле акварели, которую сможете использовать при имитации техники стирки.

Защитите лаком

По завершении окраски используйте лак, чтобы создать защитную пленку, которая защищает от пыли и других вредных факторов, таких как ультрафиолетовые лучи.Вы можете использовать неакриловый материал, если хотите удалить слой в будущем.

Освежите свои навыки рисования акриловыми красками

Независимо от того, новичок вы или опытный художник по акрилу, практика ваших навыков поможет в совершенствовании этой техники. Ниже мы выделили некоторые из наиболее известных техник рисования акрилом и советы.

Включение этих методов в вашу работу поможет создавать более развитые, текстурированные готовые изделия. Знаменитые художники, такие как Энди Уорхол и Рой Лихтенштейн, часто использовали акрил для создания своих самых знаковых картин, используя разные подходы, чтобы улучшить свой стиль и выделить их среди других великих художников.

Источники | Ремесленный | ARTmine | Сеть художников | ThoughtCo. | Творческий блок | Художественная история | Девушка с жемчужной серьгой

Самые типичные методы абстрактного искусства

Blog Home

28 июня 2016 г.

До появления модернистского абстрактного искусства большинство художественных техник разрабатывались с одной целью: помочь художникам более точно имитировать реальность в своем творчестве. работай. Как только стремление к мимикрии стало терять свое значение, художники больше не были ограничены существующими техниками.Они могли изменить их или совсем отказаться от них в поисках новых путей достижения целей беспредметного искусства. Поскольку абстрактное искусство основано на принципах свободы и изобретательности, постоянно изобретаются новые техники, поэтому ни один список техник абстрактного искусства никогда не может быть исчерпывающим. Но вот краткое изложение восьми распространенных техник модернистского искусства, которые часто используют абстрактные художники.

Живопись действием как одна из наиболее радикальных художественных техник

Заголовок «Живопись действием» фактически включает в себя ряд различных тенденций, включая рисование брызгами, рисование каплями и нанесение жестов.Эту технику создали абстрактные экспрессионисты. Цель экшн-живописи — привнести в процесс рисования спонтанность и физичность. Некоторые критики обвиняют художников-экшн-художников в том, что они делают работу хаотичной и неконтролируемой, но такие художники, как Джексон Поллок, главный основоположник экшн-живописи, утверждали, что их работа не была хаотичной, а была управляемой и интуитивно понятной. Благодаря культовым работам художников-экшн-художников, таких как Поллок, Виллем де Кунинг и Франц Клайн, экшн-живопись сегодня является одной из самых распространенных и легко узнаваемых техник абстрактного искусства.

Джексон Поллок за работой над рисунком в стиле боевик

Коллаж

Большинство коллажей делаются из бумаги, но любое двухмерное произведение искусства, созданное путем добавления на его поверхности комбинации материалов, отличных от жидкой среды, можно назвать коллаж. Первыми модернистами, которые включили коллаж в свои работы, были кубисты, а именно Пабло Пикассо и Жорж Брак. Хотя многие считают свои кубистские коллажи абстрактными, они утверждают, что на самом деле они пытались более точно изобразить реальность, как ее воспринимает разум, путем добавления элементов объективного мира к своим изображениям.Многие другие направления абстрактного искусства с тех пор также широко использовали коллаж, такие как дадаизм и абстрактный экспрессионизм.

Джексон Поллок за работой

Деколлаж

По сути, противоположность коллажа, деколлаж — это художественная техника, которая включает в себя вырезание или отрыв элементов исходного изображения. В абстрактном деколлаже художник может сначала добавить слои бумаги на поверхность, а затем использовать инструменты или свои руки, чтобы удалить части различных слоев, чтобы создать абстрактную композицию.Часто общественные поверхности, на которых люди выставляют счета, начинают напоминать деколлажи, так как слои плакатов с годами распадаются и срываются.

Пикассо в своей студии изобретает модернистский коллаж

Окрашивание

В 1950-х годах Хелен Франкенталер изобрела то, что она назвала техникой «замачивания». Речь идет о заливке разбавленной среды для рисования прямо на незагрунтованный холст. Если предварительно не грунтовать холст, среда распространилась от того места, где она была первоначально нанесена, создавая органические полосы цвета, на которых не было никаких следов кисти или других остатков руки художника.Окрашивание вскоре было принято многими другими художниками-абстракционистами, особенно Моррисом Луи и Кеннетом Ноландом, и помогло вдохновить то, что стало известно как живопись цветового поля.

Хелен Франкенталер в своей студии осваивает технику окрашивания замачиванием

Изготовление

Когда у вас есть что-то изготовленное, это означает, что вы его изготовили, как правило, с помощью промышленного процесса. Минималисты были самыми известными художниками-абстракционистами, которые намеренно приняли повсеместное использование фабрикации в качестве художественной техники.Одной из ключевых целей минимализма было устранение любых ссылок на эго художника. Художники-минималисты разрабатывали свои эстетические объекты, а затем заставляли их изготовлять их из промышленных материалов другими сторонами. Изготовление абстрактного искусства поднимает вопрос о важности художника, действительно выполняющего работу.

Процесс изготовления

Сборка

Сборка считается художественной техникой, противоположной скульптуре.Скульптура — это процесс создания формы путем вырезания материала, такого как дерево или камень, или путем отливки его из материала, такого как пластик или металл, или путем формования из такого материала, как глина. В сборке художник создает трехмерную форму, комбинируя разрозненные элементы вместе. Художником-абстракционистом, известным тем, что использовал технику сборки, был Роберт Раушенберг, который использовал ее для создания своих знаменитых «комбайнов».

Энди Уорхол в своей студии «Фабрика» в 1965 году работал над своим культовым шелкотрафаретом «Цветы».

Печать

Отпечаток — это любое двухмерное изображение, перенесенное на поверхность с заранее подготовленной матрицы.Есть несколько способов сделать оттиск, включая литографию, гравюру на дереве, травление, трафарет и цифровую печать. Печать как художественная техника позволяет художнику заранее создать изображение, а затем сделать несколько его копий. За исключением цифровых отпечатков, большинство копий отпечатков на самом деле не идентичны, потому что большинство процедур печати создают несоответствия из-за незначительных дефектов и изменений поверхности оригинальной формы, с которой сделаны отпечатки. Эти несоответствия жизненно важны для индивидуальной уникальности подписанных и пронумерованных отпечатков.Несоответствия были главной эстетической проблемой Энди Уорхола, который в своей работе широко полагался на гравюру и другие механические процессы.

Внутренний вид трех элементов рельефа в часовне Франка Стеллы во Франции

Рельеф

Техника рельефа включает в себя создание изображения с двухмерной поверхности таким образом, чтобы скульптурное изображение выступало за пределы поверхность работы. Иногда к рельефу добавляют другие материалы и элементы, чтобы создать так называемый композитный рельеф, который похож на комбинацию рельефа и коллажа.Художник Фрэнк Стелла давно включил композитный рельеф в свою междисциплинарную практику. Шесть его крупномасштабных композитных рельефных работ находятся на территории Фонда Венет во Франции в постоянной наружной инсталляции под названием Часовня Франка Стеллы.

Показанное изображение: Роберт Раушенберг (справа) работает с Билли Клювером, инженером-электриком из Bell Telephone Laboratories, над сборкой Раушенберга «Оракул» в 1965 году
Все изображения используются только для сомнительных целей
Филип Барсио

Техники и методы фотореалистической живописи — Искусство — это развлечение

После выбора подходящей фотографии процесс фотореалистической живописи включает перенос фотографии на холст с помощью механических средств.Художники могут использовать проектор, сетку или копировальную бумагу. Хотя некоторые критики фотореализма могут посчитать это «бездумным копированием» или «обманом», давайте вспомним два момента:

1. Термин «фотореализм» впервые был придуман арт-дилером из Нью-Йорка Луи К. Мейзелем в 1968 году. фотореализм включал не только необходимость камеры для захвата изображения или сцены, но также указывал, что изображение с фотографии должно быть перенесено на рабочую поверхность с помощью механических или полумеханических средств (т.е. с помощью проектора, сетки или копировальной бумаги). Следовательно, механический перенос эталонного изображения имеет важное значение для определения фотореализма.
2. «Механические средства» веками использовались художниками для переноса изображений на холст, бумагу или деревянную панель. camera obscura широко использовалась художниками эпохи Возрождения, чтобы позволить им передать такие тщательные детали. Многие известные и прославленные художники, такие как голландский мастер эпохи барокко Вермеер и мастер раннего фламандского Возрождения Ян ван Эйк использовали этот инструмент в качестве вспомогательного средства для создания своих исключительно точных произведений искусства.Следовательно, использование механических средств для создания произведений искусства — это далеко не новая концепция! (Существует даже захватывающая теория, согласно которой наши предки эпохи палеолита использовали камеры-обскуры для создания искусства !)

После того, как фотография была перенесена на рабочую поверхность, художник затем тщательно воссоздает пигментом детали фотографии. Это делается путем тщательного наблюдения, а также глубоких знаний характеристик краски. Художник должен хорошо разбираться в комбинациях и количестве цветов и сред, которые нужно смешивать, какие кисти лучше всего достигнут желаемого эффекта и насколько кисть должна быть насыщена водой.Все эти элементы должны находиться в идеальном равновесии на протяжении всего процесса создания картины — процесс, требующий времени и практики.

Фотореалистичные картины, как и большинство картин, состоят из многих слоев. Это аддитивный процесс, который начинается с подмалевка и продолжается через проявление форм, пока они не начнут напоминать изображение на фотографии.