Хогарт Уильям. Творчество, картины и биография

Основоположником реализма в английской живописи был Уильям Хогарт (William Hogarth) (1697–1764). Создатель общественной и политической сатиры, он стремился глубоко осмыслить действительность своего времени с типичными для нее явлениями: хищным стяжательством, социальными контрастами, столкновениями буржуазных законов с феодальными предрассудками и привилегиями. Это сближает Хогарта с замечательными деятелями театра и писателями-реалистами, и прежде всего с Фильдингом, который обличал пережитки феодального прошлого и уродства буржуазного уклада жизни. Свое искусство он обращает к широкому зрителю, что было новым явлением в художественной жизни Англии.

Хогарт родился в Лондоне в семье учителя; профессиональному мастерству учился у гравера; самостоятельно работать начал в области гравюры и иллюстрации. В это время складывается его метод, основанный на наблюдениях жизни. Его первые живописные произведения в известной мере связаны с графическими.

Это серии картин, объединенных сюжетной линией, в живописной форме повествующих о судьбах персонажей различных социальных слоев, иногда навеянных литературой. Таковы «Карьера мота» (1732–1735, Лондон, Музей Соуна), «Модный брак» (1743–1745, Лондон, Национальная галерея) , раскрывающие типичные неблаговидные и подчас трагические явления действительности того времени. Каждая серия завершается ярко выраженной морализирующей концовкой. Распространенные в гравюрах художника, эти серии имели большой общественный резонанс.

Цикл полотен «Карьера мота» (восемь картин) рассказывает о внезапно разбогатевшем юноше, который получил наследство и растратил его в кутежах, а затем попал в дом умалишенных. «Модный брак», наиболее значительная по глубине замысла серия Хогарта, состоит из шести полотен; это правдивая и поучительная история брака по расчету, своего рода живописный «роман нравов». Отдельные персонажи олицетворяют здесь, по существу, целые социальные группы и их взаимоотношения.

Открывает серию картина заключения брака, фактически уподобленного торговой сделке разорившегося графского сынка и дочери богатого торговца. Со скучающим видом отвернулись друг от друга молодые, в то время как их родственники оформляют брачный контракт. Картина «Вскоре после свадьбы» продолжает повествование; в ней каждая деталь свидетельствует о бессмысленности существования супружеской четы, о безразличии молодых супругов друг к другу, о кутежах и развале дома, из которого управляющий выносит пачку неоплаченных счетов.

Серию завершает трагическая развязка – гибель ее героев. С удивительным мастерством передает Хогарт последовательность хода событий, раскрывает характеры действующих лиц, их взаимоотношения, нравы, привычки. По его картинам можно писать целые рассказы. Каждая из картин – законченное самостоятельное произведение, все вместе они объединены одной идеей и дополняют друг друга. Художник заостряет внимание на узловых моментах повествования, усиливая достоверность изображаемого воссозданием конкретного места действия.

Он прибегает к неожиданно резким сопоставлениям и тяготеет к анализу. Остро и насмешливо наблюденные детали позволяют угадывать события, предшествующие и последующие.

Утро в доме новобрачных, 1744
Национальная галерея, Лондон

Такова, например, картина Уильяма Хогарта «Утро в доме новобрачных» (из серии «Модный брак»). Время около полудня, на полу валяется перевернутый стул, карты разбросаны по ковру, а сборщик долгов в раздражении закатывает глаза. Бессонные ночи, отданные пьянству и игре в карты, чрезмерные траты денег на роскошный дом и причуды ленивой супруги служат предметом сатиры в этой картине. Хогарт подвергает критике не только нравы, но и вкусы, он высмеивает нелепые безделушки на камине, витиевато украшенные часы и мраморный бюст, более похожий на поросенка, чем на римского патриция. Поступив в обучение к Фавору, будущий художник усвоил уроки его ремесла и сбежал с его дочерью. Устав от условных штампов в искусстве, Хогарт создает средствами живописи едкие, порой беспощадные комментарии к социальным проблемам дня, выполняя серии картин, каждая из которых заключает в себе историю.

Картины маслом переводились в гравюру, и их широкое распространение принесло художнику известность. Гармония мягких розоватых, серебристых, оливковых тонов способствует передаче внешнего благосостояния внутренне опустошенного мира, обреченность которого находит выражение в суматошном ритме линий, пронизывающем композиции. Хотя картины Хогарта по времени и отчасти по манере живописи близки работам художников рококо во Франции, стиль и остроумие Хогарта являются чисто английскими.

Внимание Хогарта привлекали и другие стороны жизни: с необычайным пафосом он изобличает «дно» Лондона, ужасы пьянства, приводящего бедноту в состояние полного отупления, к утрате всего человеческого (гравюры «Улица Пива», «Переулок Джина», 1751). В ряде работ он высмеивает ограниченность духовенства, показную сторону религии (гравюра «Спящий приход», 1736). Серия картин «Выборы в парламент» (около 1754 года, Лондон, Музей Соун) смело обнажает одну из самых темных сторон в общественной жизни Англии: борьбу партий в «гнилых» местечках и сбор голосов, приобретенных у больных и идиотов; по существу, художник обличает всю продажность буржуазной выборной системы.

Высмеивая пороки современного ему английского общества, Хогарт чаще всего не искажает действительности, что отличает его работы от карикатуры, но иногда прибегает к приемам гротескного преувеличения.

Бытовая живопись Хогарта с ее злободневной тематикой, безжалостной обличительной силой намного опережает свое время, прокладывая пути критическому реализму в искусстве 19 века, а также развитию бытовой и политической карикатуры, и в этом отношении Хогарт был новатором.

Гуманизм и демократизм Хогарта остро проявляются в реалистических портретах, которые он писал на протяжении всей жизни. Непримиримый противник шаблона светских портретов, он обращается обычно к портретированию родственников, близких ему людей. Исполненные с проникновенностью и теплотой «Автопортрет» (1745), «Портрет миссис Солтер» (1744), портреты слуг (все – в Лондоне, в галерее Тейт) утверждают образы положительных героев, поднимают значение личности вне зависимости от ее социальных рангов.

Самый живой и значительный среди них образ – «Продавщица креветок» (1760-е годы, Лондон, Национальная галерея), как бы выхваченный из потока уличной толпы. В этом свободно и смело написанном этюде проявилось глубокое уважение художника к людям труда, и вместе с тем этюд, фиксирующий неповторимо своеобразные черты, дает глубокий обобщающий образ. Обаяние молоденькой, бойкой продавщицы, ее искрящаяся улыбка, стремительность движения подчеркнуты свободной динамикой трепетного мазка. Здесь же с наибольшей яркостью сказались новаторские искания Хогарта-колориста: эффекты разложения цвета, широкая фактура живописи. Все это сближает картину «Девушка с креветками» с замечательными произведениями мировой живописи в этом жанре.

Хогарт – один из первых английских теоретиков искусства. В трактате «Анализ красоты» (1753) он выступал поборником реализма, ищущим красоту в многообразных формах действительности, в самой жизни, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи.

Его теоретическая и художественная деятельность тесно переплеталась с общественной, с организацией художественных выставок, с преобразованием преподавания в художественной школе на демократических началах. Хогарт стремился использовать искусство как большую общественную силу. Его сатирические циклы получили широкий отклик в европейском искусстве 19 века. Но в Англии у него не было достойных преемников; не получил дальнейшего развития в английской живописи 18 столетия и бытовой жанр.

Высшие достижения английского искусства второй половины 18 века относятся к жанру портрета, имевшему прочные установившиеся традиции, идущие от Гольбейна и национальной портретной миниатюры. В борьбе с отживающими, устаревшими схемами рождались принципы реалистического портрета. И именно в портретной живописи со всей очевидностью проявилась двойственность мировоззрения ее создателей, косвенным образом отразивших компромисс между идеалами практичной развивающейся буржуазии и стареющей консервативной аристократии.

Английские портреты в своем большинстве отмечены стремлением художников к созданию полнокровных живых характеров и в то же время использованием старых традиционных схем парадного портрета.

История зарубежного искусства ►

Уильям Хогарт, картины и биография » Музеи мира и картины известных художников

   Этот выдающийся английский художник прославился как мастер сатиры, создатель особых видов искусства, старавшийся воспитывать нравственность в обществе при помощи искусства. Он внес огромный вклад в живопись и графику Англии XVIII века, да и всего мира тоже.

   Будущий художник родился в 1697 году в Лондоне, в бедной семье, где отец-учитель подрабатывал переводами с латыни, а мать изготавливала различные снадобья по народным рецептам. Он оказался первым ребенком в семье, которому удалось выжить – детская смертность в те времена была очень большой.

   Творческие наклонности мальчика проявились в раннем детстве, он отличался редким умением для ребенка отмечать и запоминать даже самые мелкие детали. Но в школе он учился буквально из-под палки, не хотел заниматься ничем, кроме любимого рисования.

   Когда его родные обнищали, а отец попал в долговую тюрьму, Уильям стал учеником гравера, серебряных дел мастера. Здесь он получил профессию, научился работать с металлом и изготавливать гравюры, а также узнал обо всех особенностях модного стиля рококо.

   После смерти отца будущему художнику пришлось стать кормильцем для всей своей семьи – кроме него, у матери были еще две дочери. Работу свою он не любил, но был вынужден заниматься ею ради пропитания.

   Чтобы реализовать свои мечты, Уильям начал самостоятельно учиться и брать уроки в частных художественных академиях. В 1720 году он сумел открыть свою мастерскую и стал печатать собственные гравюры, в основном сатирического содержания «на злобу дня».

   Через четыре года Хогарт стал учиться в школе, которую основал придворный художник Д. Торнхилл. В период до 1730 года Уильям учится иллюстрировать книги, и в 1726 году работает с известной поэмой «Гудибрас» Сэмюэля Батлера. Еще через два года он написал свою первую живописную картину – она была создана по пьесе «Опера нищего» Д. Гея.

   Художник женился на дочери своего бывшего учителя Торнхилла – тайно, без его согласия. Отец смирился с выбором дочери только после того, как Хогарт стал известным и сумел значительно поправить свое благосостояние.

   В следующие годы мастер выпускал серии картин и гравюр, которые расходились широкими тиражами и пользовались огромным спросом и популярностью у всех слоев населения. К числу наиболее известных относится шесть картин и гравюр с них «Карьера проститутки», «Карьера мота», «Модный брак», «Прилежание и леность», «Четыре стадии жестокости», «Выборы в парламент».

   Созданный в 1745 году автопортрет художника отличается оригинальностью задумки – на картине изображен автопортрет Хогарта на фоне книги палитры, а рядом сидит собака.

   В 1753 году он выпустил книгу об искусстве «Анализ красоты». Еще через четыре года король сделал Хогарта главным придворным живописцев, заменив на этом посту своего тестя.

   За свою жизнь художник создал множество гравюр и живописных полотен, сатирически и иногда очень ядовито обличающих пороки тогдашнего общества. Он всегда стоял на позициях Просвещения и пытался таким образом донести до людей правду о их собственном поведении.

   Скончался мастер в 1764 году в родном Лондоне.

Уильям Хогарт — 144 произведения

Уи́льям Хо́гарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

Уильям Хогарт родился в одном из лондонских районов Бартоломью-Клоуз (англ. Bartholomew Close) в семье бедного учителя латыни Ричарда Хогарта и Анны Гиббонс и был первым выжившим ребёнком супругов. Бедность вынудила отца Хогарта заняться корректурой латинских текстов для издателей.

Уильям с раннего детства проявил незаурядные способности к рисованию, был весьма наблюдателен и имел великолепную память на детали. В начальной школе учился неохотно, в основном проводя время за рисованием. В детстве Уильям был вынужден продавать приготовленные матерью народные средства лечения, поскольку идея отца основать кафе, где посетители могли бы общаться исключительно на латыни, потерпела крах. Отец на пять лет попал в лондонскую долговую «Флитскую тюрьму». Поэтому приступить к учёбе Хогарт смог значительно позже сверстников.

В 1713 году Хогарт, не закончив начальную школу, стал учеником у гравёра по серебру Эллиса Гэмбла, где получил навыки гравировки, работы с металлом и познакомился со стилем рококо. В 1718 году умер отец Уильяма и он, будучи старшим ребенком в семье, был вынужден содержать свою мать и двух сестер, берясь за мелкие заказы. Он изготовлял коммерческие визитки, небольшие гербы и другие мелкие изделия. Такая работа не приносила Хогарту удовольствия, он считал её глупой и скучной, поскольку испытывал тягу к высокому искусству. Прежде всего его интересовала графика. Поэтому вскоре он начал брать уроки живописи в одной из лондонских частных художественных академий, которую основали Льюис Черони и Джон Вандербанк. Хогарт также много занимался самообразованием.

В 1720 году он открывает собственную небольшую граверную мастерскую. Его первыми самостоятельными работами были графические сатиры о крахе акций Компании Южных морей (The South Sea Scheme, ок. 1721), сатиры на маскарады и оперные спектакли (Masquerades and Operas, 1724) и на театральную жизнь Лондона (A Just View of the British Stage, 1724).

Хогарт забросил академию, а с 1724 года стал посещать школу живописи и рисунка, основанную в доме придворного художника Джеймса Торнхилла, известного своими росписями в лондонском Соборе Святого Павла. В 1720—1730 годы Хогарт овладевает искусством книжной иллюстрации. В 1726 году он иллюстрирует известную антипуританскую приключенческую поэму «Хадибрас» Сэмюэла Батлера. Первое живописное произведение Хогарта появилось в 1728 году, это было полотно на сюжет популярной тогда пьесы Джона Гея «Опера нищего».

В 1724 году Хогарт познакомился с 15-летней дочерью Торнхилла — Джейн. Через пять лет, не надеясь получить согласие отца Джейн на брак, Хогарт и его возлюбленная тайно обвенчались в старой Паддингтонской церкви (23 марта 1729 год). Примириться со своим тестем Хогарту удалось лишь после того, когда он достиг материального благосостояния и признания, как художник.

По воспоминаниям самого Хогарта: «Потом я женился и занялся рисовать небольшие салонные картинки от 12 до 15 дюймов высотой. Поскольку они были новинкой, то имели успех в течение нескольких лет и хорошо продавались».

В конце 1720-х годов Хогарт написал ряд групповых портретов английских семей, так называемые «разговорные портреты» (англ. conversation pieces). К ним относятся «Музыкальная вечеринка» (A Musical Party, 1730, Музей Фицуильяма, Кембридж), «Собрание в доме Ванстед» (The Assembly at Wanstead House, 1729-31, Музей искусств Филадельфии), «Семья Волластон» (The Wollaston Family, 1730, частная коллекция) и «Семья Фаунтейн» (The Fountaine Family, 1730-32, Художественный музей Филадельфии).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

Художники по направлению: Рококо — WikiArt.org

направление

Рококо́ (фр. rococo, от фр. rocaille — дробленый камень, декоративная раковина, ракушка, рокайль, реже рококо) — стиль в искусстве (в основном, в дизайне интерьеров), возникший во Франции в первой половине XVIII века (во время регентства Филиппа Орлеанского) как развитие стиля барокко. Характерными чертами рококо являются изысканность, большая декоративная нагруженность интерьеров и композиций, грациозный орнаментальный ритм, большое внимание к мифологии, личному комфорту. Наивысшее развитие в архитектуре стиль получил в Баварии.

Термин «рококо» (или «рокайль») вошел в употребление в середине XIX в. Изначально «рокайль» — это способ убранства интерьеров гротов, фонтанных чаш и т. п. различными окаменелостями, имитирующими естественные (природные) образования, и «рокайльщик» — это мастер, создающий такие убранства. То, что мы сейчас называем «рококо», в своё время называлось «живописным вкусом», но в 1750-х гг. активизировалась критика всего «выкрученного» и «вымученного», и в литературе стало встречаться именование «испорченный вкус». Особенно преуспели в критике Энциклопедисты, по мнению которых в «испорченном вкусе» отсутствовало разумное начало.

Основные элементы стиля: рокайль — завиток и картель — забытый ныне термин, применявшийся для наименования рокайльных картушей. Один из наиболее ранних случаев употребления этих терминов — увраж Мондона-сына «Третья книга рокайльных и картельных форм» 1736 г. (иллюстрации см. ниже). Также находим их в письме (7 апреля 1770 г. ) мастера Роэтье (изготавливавшего для Екатерины II в конце 1760-х гг. серебряный сервиз, позднее известный как «Орловский сервиз», сохранившиеся предметы хранятся в Государственном Эрмитаже). Это письмо также отразило смену вкусов, происшедшую на рубеже 1760-70- гг.: «…поскольку Е. И. В. желает, чтобы отказались от всех видов фигур и картелей, мы приложим все усилия, чтобы заменить их античными украшениями и следуя лучшему вкусу, согласно пожеланиям…» (цит. по документу из РГИА).

Несмотря на популярность новых «античных форм», вошедших в моду в конце 1750-х гг. (это направление получило наименование «греческого вкуса»; предметы этого стиля часто неверно принимают за позднее рококо), так называемый Рококо сохранял свои позиции вплоть до самого конца столетия. Во Франции период рококо назывался временем Купидона и Венеры.

В 1960-70-е годы была распространена концепция рококо как результата измельчания барокко: «Вступая в фазу рококо, эмблематика все больше утрачивает самостоятельное значение, и становится частью общего декоративного убранства, наряду с нимфами, наядами, рогами изобилия, дельфинами и тритонами […] „Амуры божества любви“ превращаются в — putti — рококо».

Архитектурный (точнее — декоративный) стиль рококо появился во Франции во времена регентства Филиппа Орлеанского (1715—1723) и достиг апогея при Людовике XV, перешёл в другие страны Европы и господствовал в ней до 1780-х годов.

Отбросив холодную парадность, тяжёлую и скучную напыщенность искусства времён Людовика XIV и итальянского барокко, архитектура рококо стремится быть лёгкой, приветливой, игривой; она не заботится ни об органичном сочетании и распределении частей сооружения, ни о целесообразности их форм, а распоряжается ими с полным произволом, доходящим до каприза, избегает строгой симметричности, без конца варьирует расчленения и орнаментальные детали и не скупится расточать последние. В созданиях этой архитектуры прямые линии и плоские поверхности почти исчезают или, по крайней мере, замаскировываются фигурной отделкой; не проводится в чистом виде ни один из установленных ордеров; колонны то удлиняются, то укорачиваются и скручиваются винтообразно; их капители искажаются кокетливыми изменениями и прибавками, карнизы помещаются над карнизами; высокие пилястры и огромные кариатиды подпирают ничтожные выступы с сильно выдающимся вперёд карнизом; крыши опоясываются по краю балюстрадами с флаконовидными балясинами и с помещёнными на некотором расстоянии друг от друга постаментами, на которых расставлены вазы или статуи; фронтоны, представляя ломающиеся выпуклые и впалые линии, увенчиваются также вазами, пирамидами, скульптурными фигурами, трофеями и другими подобными предметами. Всюду, в обрамлении окон, дверей, стенных пространств внутри здания, в плафонах, пускается в ход затейливая лепная орнаментация, состоящая из завитков, отдалённо напоминающих собой листья растений, выпуклых щитов, неправильно окруженных такими же завитками, из масок, цветочных гирлянд и фестонов, раковин, неотделанных камней (рокайль) и т. п. Несмотря на такое отсутствие рациональности в пользовании архитектоническими элементами, на такую капризность, изысканность и обременённость форм, стиль рококо оставил много памятников, которые доныне прельщают своей оригинальностью, роскошью и весёлой красотой, живо переносящими нас в эпоху румян и белил, мушек и пудреных париков (отсюда немецкие названия стиля: Perückenstil, Zopfstil).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

Википедия: https://ru. wikipedia.org/wiki/Рококо

Уильям Хогарт: жизнь и творчество художника

Содержание

Биография Уильяма Хогарта 

Творчество английского художника Уильяма Хогарта 

Интересные факты

Картины Уильяма Хогарта 

Библиография

Биография Уильяма Хогарта

Уильям Хогарт родился 10 ноября 1697 года в самом центре Лондона. Отец его Ричард Хогарт — педагог и сочинитель, был человеком с причудами. Он выпустил ряд учебников, но их никто не покупал. Тогда Ричард стал изыскивать новые способы заработать на жизнь. Самым примечательным оказалось открытие литературной кофейни, которая также не имела успеха. И в 1708 году «предпринимателя» посадили в знаменитую долговую тюрьму Флит.

Спустя четыре года Ричард вышел на свободу. Он занялся репетиторством, однако ему уже не было суждено вырваться из нищеты. Энн Хогарт, мать будущего художника, пыталась торговать лекарственными снадобьями. Шестеро ее детей умерли, не дожив до десяти лет. Уильям отличался крепким здоровьем, поэтому оказался в числе троих выживших. Разумеется, голодное детство не могло не повлиять на формирование личности Хогарта, личности упрямой, целеустремленной.

Когда пришла пора, Уильяма отправили в школу, где он проявил способности к живописи и комедиантству. Благодаря природному дару подражать и пародировать, он завоевал популярность среди однокашников. Что же касается учебы, то самым примечательным в работах Хогарта были украшавшие их виньетки, а не задания, скверно выполненные. Но именно эти виньетки определили дальнейшую судьбу Хогарта.

Он рано покинул школу и стал подмастерьем у гравера по серебру. Юноша целыми днями вырисовывал чьи-то гербы или цветочные орнаменты на посуде, что ему казалось делом нетворческим.

Окончилась его учеба тем, что в апреле 1720 года он открыл собственную граверную мастерскую в доме матери.

Этот решительный шаг позволил Хогарту попробовать свои силы в книжной иллюстрации. С самого начала творческого пути Хогарта проявилась его склонность к сатире, карикатуре, жанровой сценке. Две первые самостоятельные гравюры художника, датированные 1721 годом, — на злободневные темы: скандал на фондовой бирже предприятия Южных морей и скандал, связанный с лотереями.
В то время Хогарт не предполагал заниматься исключительно гравировкой, он мечтал стать признанным живописцем. В 1724 году молодой человек начал искать себе учителя — и нашел его. Сэр Джеймс Торнхилл (ок.1675-1734) согласился взять его в ученики. Торнхилл сделал хорошую карьеру. Он выиграл конкурс на получение престижного заказа — роспись собора святого Павла, за создание этих фресок первым из английских художников был посвящен в рыцари и удостоен дворянского титула, а король Георг I официально назначил его историческим живописцем. Наконец, Торнхилл был избран членом Парламента. Так что в лице учителя Хо-гарт увидел тот идеал, к которому сам страстно стремился.

Вскоре к ученическому обожанию добавилась и романтическая нотка — Уильям влюбился в младшую дочь Торнхилла, Джейн (1709-1789). В марте 1729 года молодые тайно обвенчались в деревенской церкви.

Хогарт пожелал, чтобы венчание прошло скромно, ведь он еще не успел завоевать признание как художник, поэтому боялся, что Торнхилл заподозрит корысть в его женитьбе, решив, будто он с помощью брака хочет прибрать к рукам чужое состояние и сделать карьеру. Но, несмотря на опасения Хогарта, его семейная жизнь складывалась счастливо.
Став учеником Торнхилла, Хогарт рискнул попробовать свои силы в живописи, которую всегда считал более высоким жанром, чем гравюру. Он увлекся портретом, и в первую очередь жанровой портретной живописью, представляющей нечто среднее между неофициальным портретом и жанровой сценкой.

Добившись некоторого признания, художник очень скоро оставил портрет, чтобы полностью посвятить себя сложным композициям и волнующим его сюжетам. Хогарт взялся писать театральные сценки, а в 1730 году завершил свою знаменитую серию «Карьера проститутки».

Эта серия появилась почти случайно после того, как художник сделал набросок с изображением распутной женщины и ее прислуги. Друзья оценили рисунок и убедили Хогарта продолжить тему, которую он вскоре развил на шести картинах, моментально привлекших внимание публики. Начался настоящий бум — лондонский высший свет бросился скупать сделанные с картин гравюры. Так Хогарт проснулся знаменитым.

«Карьера проститутки» принесла ему большие деньги и, если верить современникам, одобрение и прощение Торнхилла. В 1731 году чета Хогартов переехала в дом Торнхилла. Когда же спустя три года знаменитый художник скончался, зять был упомянут в завещании как один из наследников.

Смерть учителя огорчила ученика, но она открыла ему новые возможности. Дело в том, что Торнхилл не оставил после себя преемника, способного возглавить английскую школу исторической живописи, и Хогарт решил занять это место. Услышав о том, что для написания фресок в госпитале святого Варфоломея правительство собирается выписать художника из Италии, Хогарт предложил выполнить работу бесплатно — и, разумеется, получил заказ. Готовые фрески были с благодарностью приняты комиссией, однако новых заказов ему не предложили.

Потерпев неудачу на поприще исторической живописи, художник вновь обратился к жанровым сценкам. Успех «Карьеры проститутки» вдохновил его на создание новых серий, самыми знаменитыми из которых стали «Карьера мота» и «Модный брак». Как и прежде, картины были широко доступны в виде гравюр и очень хорошо распродавались. Это заставило Хогарта задуматься об авторских правах художников и поднять вопрос о том, как прекратить выпуск поддельных гравюр. Закон, защищающий авторские права художников, был принят Парламентом в 1735 году. Он получил название «Акт Хогарта», а авторы картин получили возможность в течение 14 лет пользоваться исключительными правами на свою продукцию.

Преследуемый воспоминаниями о нищем детстве, Хогарт использовал любую возможность заработать. Одной из его затей стали лотереи и аукционы. Например, его гравюру «Поход в Финчли» можно было купить за семь шиллингов и шесть пенсов, однако, доплатив еще три шиллинга, можно было участвовать в лотерее, победитель которой получал подлинник.
В 1751 году Хогарт задумал распродать полотна из серии «Модный брак» через закрытый аукцион. Любой желающий мог написать предложенную им за полотно сумму, после чего записка запечатывалась и хранилась в запертом шкафу до дня объявления результатов. Победителем объявлялся тот, кто сумел предложить самую большую сумму. Ход этого аукциона освещался в прессе, художник предсказывал, что каждая из картин серии должна уйти приблизительно за 600 фунтов стерлингов. Каково же было его разочарование, когда победителем оказался человек, предложивший 120 фунтов за всю серию, то есть по 20 фунтов стерлингов за полотно! Это событие лишний раз показало, что публика высоко ценила Хогарта как автора гравюр, но совершенно не принимала его живопись.

Не желая сдаваться и вновь стремясь пробудить интерес к себе, художник в 1753 году опубликовал трактат «Анализ красоты». Он выступал здесь против академических теорий красоты, доказывая: красота есть все то, что «радует и забавляет глаз».

Не оставлял Хогарт и своих попыток утвердиться как исторический живописец. Последней оказалась большая работа, изображающая трагическую героиню Сигизмунду. Узнав об измене любимого, девушка покончила с собой, приняв яд. Хогарт приложил все усилия, стремясь довести полотно до совершенства, но, увы, все его порывы окончились провалом: клиент, заказавший картину, отказался заплатить за нее оговоренные 400 гиней, в результате чего она так и осталась в мастерской художника.

Умер Хогарт неожиданно, от аневризмы, 25 октября 1764 года и был похоронен в Чизвике. По просьбе вдовы актер Дэвид Гаррик сочинил эпитафию, и эти строки были выбиты на могиле художника:

Прощай, великий художник человечества, Достигший высот мастерства, Создатель бессмертных картин.

Творчество английского художника Уильяма Хогарта

Творчество Хогарта многогранно, он известен и как живописец, и как график. В основном он известен, конечно же, как автор сатирических жанровых сценок, но также писал портреты, как традиционные, так и нехарактерные для того времени (Портрет слуг, Продавщица креветок), где, как и в своем необычно решенном автопортрете (в который включил и свою любимую собаку Трампа) показал свою свободную технику, владение цветом и воображение. По большей части, его портреты нельзя назвать парадными: даже когда ему позируют известные люди, например, знаменитый актер Гаррик (Портрет Гаррика с женой), в картине совсем нет пафоса, это забавная сценка из жизни счастливой семейной пары.

Портрет слуг

Хогарт и Трамп

Портрет актера Гаррика с супругой

Хогарт тяготел к театру — в его сериях видна ясная связь с литературой и театром.

Серии картин у него — своего роды театральные постановки, где присутствуют четкое деление на сценические планы, ясность композиции, амплуа героев. Хогарт любит повествовать о судьбе героя. Чаще всего это история порока и деградации. Например, первая его серия, которая принесла ему успех, написанная в 1731 и повторенная им самим в гравюрах годом позже — Карьера продажной женщины. Это нравоучительная история молодой провинциалки, попавшей в Лондоне в руки сводни, ее падения, разгульной жизни и жалкой смерти. Последующие серии Хогарт тоже повторял в гравюрах, часто сам и в основном жил на средства от их продажи. 

Карьера проститутки

Карьера проститутки

Хогарт создавал и другие серии и отдельные сатирические рисунки: Карьера мота, Спящие прихожане. Очень интересна мини-серия, состоящая из двух гравюр — Улица пива и Водочный переулок.

 

Если сравнить их, то становится очевидно, в пользу какого напитка сделал выбор Хогарт. На Улице пива здоровые, сильные люди строят новые дома, и единственное здание, находящееся в упадке, это лавка ростовщика (ее знак — три золотых шара), т.к., видимо, жители улицы неплохо обеспечены и без него. В Водочном же переулке все совсем наоборот: ростовщик процветает, к нему выстроилась очередь, а кругом творятся всякие непотребства и ужасы — пьяная мать роняет ребенка и не замечает, что ее саму грызет собака; дома разрушаются, люди дерутся и убивают друг друга и т.п.

Последняя, весьма злободневная серия, сделанная Хогартом в 1754, называется Парламентские выборы. Здесь мы видим все возможные и невозможные злоупотребления во время выборов: подкуп избирателей, дурацкие правила голосования и т.п. Триумфальное шествие победителей — настоящая вакханалия.

Стремление Хогарта изменить жизнь через искусство не было новым и волне вписывалось в традиции философии Просвещения.

Та же идея захватила художников в Англии и гораздо позже, уже в середине XIX века: Братство прерафаэлитов стремилось к тому же, а Уильям Моррис даже пытался предпринимать практические шаги в этом направлении.

Интересные факты

В 1743—1745 Уильям Хогарт написал известную серию — Модный брак (1743, грав. 1745) — 6 картин. Мы видим историю несчастливого светского брака, который начинается с заключения контракта. Вскоре после свадьбы, мы видим молодоженов, которые совершенно не занимаются делами своего дома. Разгульная жизнь продолжается дальше — мы становимся свидетелями утра графини, наполненного не честным трудом или молитвой, а развлечениями с модными людьми. Естественно, все кончается плохо: в итоге муж убит на дуэли, a графиня принимает яд, узнав о казни своего любовника. 

Считается, что это лучшая работа художника.

Модный брак. Будуар графини

Модный брак. Брачный контракт

 Библиография

•  Ronald Paulson: Hogarth v. 1, New Brunswick 1991, p. 26-37.
• Герман М. Ю. Уильям Хогарт и его время. — Л.: Искусство, Лен. отд., 1977. — 226 с. — (Из истории мирового искусства). — 25 000 экз.

При написании этой статьи были использованы материалы таких сайтов: art-spb.ru, eur-lang.narod.ru

Если вы нашли неточности или желаете дополнить эту статью, присылайте нам информацию на электронный адрес [email protected], мы и наши читатели будем вам очень благодарны.

Уильям Хогарт: картины художника

Творчество. Свобода. Живопись.

Allpainters.ru создан людьми, искренне увлеченными миром творчества. Присоединяйтесь к нам!

Уильям Хогарт: жизнь и творчество художника

3.4 (68.57%) 7 голос(ов)

Уильям Хогарт: биография, творчество, лучшие картины художника

Уильям Хогарт (William Hogarth; родился 10 ноября 1697 года — умер 26 октября 1764 года) — это знаменитый английский художник XVIII века, один из основателей британской национальной школы живописи. Уильям Хогарт также признан выдающимся мастером социальной сатиры и карикатуры. Его картины пользовались огромной популярностью при жизни художника и не утратили актуальности в наше время.

Уильям Хогарт по праву считается основоположником реализма в английской живописи. Для реализации своих грандиозных творческих замыслов художник часто создавал не отдельные произведения, а целые циклы картин и гравюр, объединенных общим сюжетом.

Биография Уильяма Хогарта

Уильям Хогарт родился 10 ноября 1697 года в Лондоне, в бедной семье учителя латинского языка. Его отец, будучи авантюристом по натуре, постоянно встревал в сомнительные истории с целью разбогатеть, но неизменно терпел неудачи. А реализация идеи основания кафе, где посетители могли бы общаться между собой только на латыни, и вовсе завершилась заключением главы семейства в долговую тюрьму.

Уильям с раннего детства увлекся рисованием, но не имел возможности учиться живописи из-за недостатка средств. Напротив, в 15 лет он был вынужден устроиться на работу в граверную мастерскую, а в 20 (после смерти отца) на плечи Хогарта легли заботы по содержанию матери и двух сестер. Полученные навыки гравировки позволили Уильяму выполнять мелкие заказы по изготовлению визиток.

Но молодого человека не устраивала перспектива жалкого безденежного существования. Поэтому он вскоре начал брать частные уроки живописи и усердно занимался самообразованием.

В 1720-м Хогарт открыл собственную граверную мастерскую, а уже через год приобрел известность в Лондоне после создания серии графических сатир на тему краха компании Южных Морей и театральной жизни британской столицы.

1724 год стал переломным в жизни Уильяма Хогарта. Он не только поступил на обучение к известному художнику Джеймсу Торнхиллу (James Thornhill), но и познакомился с юной 15-летней дочерью своего учителя. Вскоре молодые люди полюбили друг друга, но надеяться на благословение отца девушки не приходилось. В 1729 году влюбленные тайно обвенчались и прожили в браке до самой смерти художника, хотя им так и не посчастливилось иметь детей.

1720-1730-е годы — период становления Хогарта как художника. В это время он активно изучает живопись и искусство книжной иллюстрации, пишет множество групповых портретов лондонских аристократов. Но настоящую славу Хогарту принесла серия из шести картин «Карьера проститутки», а также многочисленные гравюры, созданные на ее основе.

Идея создания живописных и гравюрных циклов настолько понравилась публике, что Хогарт впоследствии неоднократно возвращался к ней в своем творчестве. К середине 50-х годов XVIII столетия Уильям Хогарт окончательно становится самым популярным британским живописцем и гравером. Его сатирические гравюры продавались тысячами, а король назначил мастера придворным художником.

Хогарт постоянно получает заказы на написание портретов лондонских вельмож, его материальное положение стремительно улучшается. Признанный мэтр пробует себя и в историческом жанре, но без особого успеха у публики.

Уильям Хогарт умер в родном Лондоне 26 октября 1764 года, оставив потомкам сотни прекрасных произведений, а также написанные собственноручно воспоминания и трактат по теории искусства «Анализ красоты».

Самые известные картины Уильяма Хогарта

Большинство из самых известных картин Уильяма Хогарта написаны в характерной сатирической манере. Среди произведений мастера особо выделяются:

• «Автопортрет» (1745) — оригинальная интерпретация автором классического жанра автопортрета. Художник изображен, нарисованным внутри другой картины, собака же, наоборот, выступает здесь в качестве «подлинного» героя произведения.
• Цикл «Карьера проститутки» (1731) — описывает печальную судьбу женщины легкого поведения той эпохи. Эта серия не только принесла известность художнику, но и послужила основой для одноименного телефильма, вышедшего на экраны в 2006 году.
• Цикл «Модный брак» (1743-45) — серия, высмеивающая нравы английского общества XVIII века. Герои картин изображены жертвами окружающих обстоятельств и вызывают жалость у зрителя.
• Цикл «Выборы в парламент» (1755) — едкая сатира на тему несовершенства избирательных прав людей в Англии. Художник изобличает коррупцию и запугивание граждан во время выборов в парламент.

На портале Very Important Lot коллекционеры всегда могут приобрести произведения искусства в режиме онлайн, участвуя в тематических арт-аукционах. Посетители сайта также имеют прекрасную возможность купить картины, рисунки и гравюры у современных мастеров.

Уильям Хогарт — выдающийся английский художник: энциклопедия интернет-аукциона антиквариата ARTLOT24

Уильям Хогарт

выдающийся английский художник

Уильям Хогарт (1697-1764) – художник с мировым именем, известность которого еще при его жизни преодолела границы Англии. У. Хогарт стал основателем английской национальной школы живописи, законодателем нового сатирического стиля, чье творчество заняло одну из ярких страниц европейского искусства.

Уильям Хогарт родился в Лондоне. Его отец был учителем латыни, занимался переводами и коррекцией латинских текстов. В доме всегда было много книг, картинки из которых юный Хогарт бесконечно копировал. Уже тогда он проявил свой интерес к рисованию.

В 1713 году Хогарт стал учеником гравёра по серебру Эллиса Гэмбла. Уильям был способным учеником и уже в 1720 году смог открыть собственную граверную мастерскую, что совпало с его увлечением книжной иллюстрацией. В 1724 году он поступил в школу художника Джеймса Торнхилла, где занимался живописью и рисунком. Для его ранних работ был характерен оригинальный язык сатиры и повествовательность изложения события. Каждое из его произведений стало уникальным документом истории искусства. Графические сатиры на маскарады и лондонские оперы отличались мастерством исполнения и живостью сюжета. Одна из знаменитых серий была посвящена краху компании Южных морей. Серия из шести работ, выполненная им в 1730-1731 годы, «Карьера проститутки» пользовалась большим интересом у современников. А такие серии гравюр, как «Четыре стадии жесткости», «Карьера мота» или «Модный брак» говорят сами за себя. Уильям Хогарт был замечательным портретистом, создав немало ярких образов своих современников.

Его произведения – как открытая книга, подробно и без прикрас рассказывающая о повседневной жизни английского общества. Радостные и трагические события из жизни его современников, размышления художника о превратностях судьбы и добродетели – все это вдохновляло Уильяма Хогарта на создание выразительных по своей оригинальности произведений. Непревзойденный язык сатиры Уильяма Хогарта не щадил никого.

Уильям Хогарт — 144 произведения

Уильям Хогарт FRSA (/ ˈhoʊɡɑːrθ /; 10 ноября 1697 — 26 октября 1764) был английским художником, гравером, живописцем-сатириком, социальным критиком и редакционным карикатуристом. Его работы варьировались от реалистичных портретов до серии картин в стиле комиксов, которые назывались «современные моральные сюжеты». Возможно, наиболее известными из них были его моральные серии «Прогресс блудницы», «Прогресс повесы» и «Брак в моде». Знания о его творчестве настолько широко распространены, что сатирические политические иллюстрации в этом стиле часто называют «хогартскими».

Хогарт родился в Лондоне в бедной семье среднего класса. В юности он поступил в ученичество по специальности гравер. Его отец переживал периоды смешанного состояния, и одно время был заключен в тюрьму вместо непогашенных долгов; событие, которое, как полагают, сильно повлияло на картины и гравюры Уильяма.

Под влиянием французской и итальянской живописи и гравюры работы Хогарта в основном представляют собой сатирические карикатуры, иногда непристойно сексуальные, в основном первого ранга реалистической портретной живописи.Они стали широко популярными и массово производились с помощью гравюр еще при его жизни, и он был безусловно самым значительным английским художником своего поколения.

Уильям Хогарт родился в Бартоломью-Клоуз в Лондоне в семье Ричарда Хогарта, бедного учителя латинской школы и автора учебников, и Анны Гиббонс. В юности он поступил в ученики к граверу Эллису Гэмблу в Лестер-Филдс, где научился гравировать торговые карты и подобные изделия.

Молодой Хогарт также проявлял живой интерес к уличной жизни мегаполиса и лондонским ярмаркам и забавлялся рисованием персонажей, которых он видел.Примерно в то же время его отец, открывший неудачную латинскую кофейню в Сент-Джонс-Гейт, был заключен за долги в тюрьму Флит на пять лет. Хогарт никогда не говорил о заключении своего отца в тюрьму.

Хогарт стал членом клуба «Роза и корона» вместе с Питером Тиллемансом, Джорджем Верту, Майклом Далем и другими художниками и знатоками.

К апрелю 1720 года Хогарт был сам по себе гравером, сначала гравируя гербы, купюры и оформляя таблички для продавцов книг.

В 1727 году он был нанят Джошуа Моррис, мастером по изготовлению гобеленов, чтобы подготовить дизайн для Элемента Земли. Моррис услышал, что он «гравер, а не художник», и поэтому отказался от работы, когда работа была завершена. Соответственно, Хогарт подал на него иск о выплате денег в Вестминстерском суде, где дело было решено в его пользу 28 мая 1728 года. В 1757 году он был назначен сержантом Пейнтером при короле.

Ранние сатирические произведения включали эмблематический эстамп на схеме Южного моря (ок.1721, опубликовано 1724), о катастрофическом крахе фондового рынка 1720 года, известном как пузырь Южного моря, в котором многие англичане потеряли много денег. В нижнем левом углу он показывает протестантов, католиков и евреев, играющих в азартные игры, а в центре — огромная машина, похожая на карусель, на которую люди садятся. Наверху изображен козел, а внизу написано «Who’l Ride». Люди разбросаны по картине с чувством беспорядка, в то время как продвижение хорошо одетых людей к аттракциону посередине показывает глупость толпы в покупке акций компании Южного моря, которая потратила больше времени на выпуск акций, чем на что-либо другое. еще.

Это часть статьи в Википедии, используемой в соответствии с непортированной лицензией Creative Commons Attribution-Sharealike 3.0 (CC-BY-SA). Полный текст статьи здесь →

Подробнее …

Художники по направлению: рококо

Художественное движение

Рококо наполнил мир искусства и дизайна интерьеров аристократическим идеализмом, который отдавал предпочтение сложному орнаменту и замысловатым деталям.Картины, ставшие визитной карточкой той эпохи, были созданы в честь грандиозных идеалов рококо и страсти к аристократическому образу жизни и развлечениям. Движение, развившееся во Франции в начале 1700-х годов, превратилось в новый беспрецедентный союз декоративного и изящного искусства, который стал визуальным лексиконом, проникшим в континентальную Европу 18-го века.

В живописи рококо в первую очередь испытал влияние венецианской школы на использование цвета, эротических сюжетов. Известные художники Джорджоне и Тициан, среди прочих, повлияли на акцент периода рококо на кружащемся цвете. Пасторальный концерт (около 1509 г.), впервые приписываемый Джорджоне, хотя теперь он считается одним из ранних произведений Тициана большинством ученых, был классифицирован Лувром как Fête champêtre , или вечеринка на открытом воздухе, когда он впервые стал частью собрание музея. Произведения эпохи Возрождения, изображающие двух обнаженных женщин и двух мужчин-аристократов, играющих музыку в идеализированном пасторальном пейзаже, сильно повлияли на развитие рококо Fête galante или картин ухаживания.Термин относится к историческим картинам приятных прошлых времен и стал популяризироваться в работах Жана-Антуана Ватто. Его «приемная» для Королевской академии пейнтюра и скульптуры, Посадка на Киферу (1717), по сути, положила начало движению рококо. Академия ввела термин Fête galante для обозначения работы, тем самым установив категорию, которая должна была стать доминирующим элементом живописи рококо. Изображение аристократов, одетых как для бала или в костюмах, которые винят, обедают и занимаются любовными развлечениями в садах и парках Аркадии, стало чрезвычайно популярной темой.Он не только понравился частным посетителям, но и его мифологизированные пейзажи и декорации соответствовали стандартам Академии, которая причисляла историческую живопись, включая мифологические сюжеты, к высшей категории.

В начале своей творческой карьеры Ватто присоединился к студии Клода Одрана, известного декоратора, где он познакомился и стал коллегой по творчеству Клода Жилло, известного своим оформлением комедии commedia dell’arte , или комикса. театральные постановки. В результате работы Ватто часто выражали театральный подход, показывая фигуры в костюмах среди декораций, освещенных искусственным светом.Клод Одрен был официальным хранителем Люксембургского дворца, и, работая с ним, Ватто скопировал серию из двадцати четырех картин Питера Пауля Рубенса «Житие Марии Медичи » (), которые выставлялись на выставке. дворец. Серия Рубена, сочетающая аллегорические фигуры и мифологические сюжеты с изображениями королевы и аристократического двора, продолжала служить источником информации для творчества Ватто. Рубенс был пионером в технике использования трех мелков, что означает использование красного, черного и белого цветов для создания колористических эффектов.Ватто овладел этой техникой до такой степени, что его имя стало ассоциироваться с ней, и она была широко принята более поздними художниками рококо, включая Франсуа Буше.

Под влиянием Рубенса и Ватто Буше стал самым известным художником зрелого периода рококо, начиная с 1730 года и до 1760-х годов. Известный своей картиной, сочетающей аристократическую элегантность с эротической обработкой обнаженной натуры, как показано в его Туалет Венеры (1751), он был одинаково влиятельным в декоративном искусстве, театральных постановках и дизайне гобеленов.Он был назначен первым художником короля в 1765 году, но наиболее известен своими долгими отношениями с мадам де Помпадур, официальной первой любовницей короля Людовика XV и известным покровителем искусств.

Мадам де Помпадур, урожденная Жанна-Антуанетта Пуассон, была названа «крестной матерью рококо» из-за ее центральной роли в продвижении этого стиля и превращении Парижа в художественную столицу Европы. Она повлияла на дальнейшее применение стиля рококо благодаря покровительству таких художников, как Жан-Марк Наттье, скульптор Жан Батист Пигаль, дизайнер обоев Жан-Батист Ревейон и гравер по драгоценным камням Жак Гуай.Она оставалась его доверенным лицом и доверенным советником короля до самой своей смерти в возрасте 42 лет от туберкулеза. Ее роль и статус стали де-факто определением королевского патронажа. Среди других известных художников французского рококо были Жан-Батист ван Лоо и Франсуа Лемойн. Лемойн был известен своими историческими аллегорическими картинами, как видно из его Апофеоза Геракла (1733-1736), написанного на потолке Салона Геркулеса в Версале. Отмеченной особенностью французской живописи рококо была манера, в которой ряд известных семей художников, таких как ван Лоос, поддерживали последовательный стиль и тематику в своих мастерских.

Живопись стала лидером в итальянском рококо , примером чему служат работы венецианского художника Джамбаттисты Тьеполо. Сочетая акцент венецианской школы на цвете с квадратурами или потолочными росписями, шедеврами Тьеполо были фрески и большие алтари. Прославленный на всю Европу, он получил множество королевских заказов, таких как его Апофеоз испанской монархии (1762-1766) в Королевском дворце в Мадриде.

Итальянское рококо также было известно своими великими пейзажистами, известными как «живописцы», в частности, Джованни Антонио Канал, известным просто как Каналетто.Он был пионером в использовании двухточечной линейной перспективы при создании популярных сцен с каналами и зрелищем Венеции. Его работы, такие как его Venice: Santa Maria della Salute (c. 1740), пользовались большим спросом у английских аристократов. В 1700-х годах для молодых английских аристократов стало обычным совершать «Гранд-тур», посещая известные места Европы, чтобы изучить классические корни западной культуры. Поездки положили начало своего рода аристократическому туризму, и Венеция стала известной остановкой, известной своей гедонистической карнавальной атмосферой и живописными видами.Эти молодые аристократы также часто были коллекционерами произведений искусства и покровителями, и большинство работ Каналетто было продано английской публике, а в 1746 году он переехал в Англию, чтобы быть ближе к своему рынку произведений искусства, и прожил там почти десять лет.

Пастельные портреты Розальбы Каррьеры, как миниатюрные, так и полноразмерные, а также ее аллегорические работы пользовались спросом во всей Европе, так как ее приглашали в королевские дворы Франции, Австрии и Польши. Она была пионером в использовании пастели, которая раньше использовалась только для подготовительных рисунков, в качестве средства для рисования, и, связав мел в палочки, разработала более широкий диапазон мазков и подготовленных цветов.Ее портрет Людовика XV как Дофина (1720-1721) установил новый стиль портретной живописи рококо, подчеркивая визуальную привлекательность и декоративный эффект.

Английский рококо , который называли «французским стилем», был более сдержанным, так как излишества стиля были встречены мрачным протестантизмом. Это прослеживается в творчестве британских художников, таких как Уильям Хогарт, Томас Гейнсборо и швейцарка Анжелика Кауфман. В своей книге The Analysis of Beauty (1753) Хогарт выступал за использование змеевидной линии, считая ее более органичной и эстетически идеальной.Гейнсборо сначала учился у Грейвло, бывшего ученика Буше, чья перистая манера письма и цветовая палитра повлияли на портретную живопись Гейнсборо в сторону плавности света и цвета. Анжелика Кауфман родилась в Швейцарии, но большую часть жизни провела в Риме и Лондоне. С 1766 по 1781 год она жила в Лондоне, где влиятельный сэр Джошуа Рейнольдс особенно восхищался ее портретами. Одна из двух женщин, избранных в Королевскую академию художеств в Лондоне, она сыграла значительную роль как в продвижении стиля рококо, так и, впоследствии, неоклассицизма.

В 1750 году мадам де Помпадур отправила своего племянника Абеля-Франсуа Пуассона де Вандиера изучать развитие итальянского искусства и археологии. Вернувшись с энтузиазмом к классическому искусству, Вандиер был назначен директором Королевских зданий, где начал выступать за неоклассический подход. Он также стал известным искусствоведом, осудившим Буше petit style , или «маленький стиль». Известные мыслители того времени, включая философа Вольтера и искусствоведа Дидро, также критиковали рококо как поверхностное и декадентское.Эти тенденции, наряду с растущим революционным пылом во Франции, привели к тому, что к 1780 году рококо вышло из немилости.

Новое движение неоклассицизма, возглавляемое художником Жаком-Луи Давидом, подчеркивало героизм и моральную добродетель. Студенты-художники Дэвида даже спели насмешливую песнь «Ванлоо, Помпадур, рококо», выделив стиль, одного из его ведущих исполнителей и самого известного покровителя. В результате к 1836 году оно использовалось для обозначения «старомодных», а к 1841 году использовалось для обозначения работ, которые считались «безвкусными и витиеватыми».«Негативные коннотации продолжались и в ХХ веке, как видно из описания в словаре 1902 года« Следовательно, рококо используется … для обозначения чего-либо слабо претенциозного и безвкусного в искусстве или литературе ».

Дизайн и живопись в стиле рококо будут идти разными путями. , поскольку дизайн рококо, несмотря на новые тенденции в столице, продолжал пользоваться популярностью во всех французских провинциях. В 1820-х годах при восстановленной монархии короля Луи Филиппа возрождение, названное «вторым рококо», стало популярным и распространилось в Британии и Бавария.В Великобритании возрождение стало известно как викторианский рококо и продолжалось примерно до 1870 года, одновременно оказывая влияние на американское возрождение рококо в Соединенных Штатах, возглавляемое Джоном Генри Белтером. Этот стиль, широко используемый для высококлассных отелей, в 20 веке был назван «Le gout Ritz». Однако в живописи рококо потерял популярность, за исключением жанровых картин Шардена, высоко оцененных Дидро, которые продолжали оказывать влияние и позже оказали заметное влияние на Поля Сезанна, Эдуарда Мане и Винсента Ван Гога.

Эдмунд и Жюль де Гонкур заново открыли для себя крупнейшего художника в стиле рококо Жана Оноре Фрагонара в книге L’Art du XVIIIe siècle (Искусство восемнадцатого века) (1865). Впоследствии он оказал влияние на импрессионистов, особенно на Пьера-Огюста Ренуара и Берту Моризо, и впоследствии оказал влияние на современных художников, таких как Йинка Шонибаре, Кент Монкман и Лиза Юскаваге. Также заново открытая братьями де Гонкур, сюжеты commedia dell’arte Ватто оказали влияние на Пабло Пикассо, Сезанна и Анри Матисса, а также на многих поэтов, таких как Поль Верлен и Гийом Аполлинер, композитор Арнольд Шёнберг и хореограф Джордж Баланчин.

Термин рококо и связанные с ним художники начали подвергаться критической переоценке только в конце 20 века, когда движения поп-арта и работы таких художников, как Дэмиен Херст, Кехинде Вили и Джефф Кунс, создали новый контекст. для искусства, выражающего те же витиеватые, стилистические и причудливые обработки. Рококо оказал влияние на современность, что видно в логотипе Ай Вэйвэй (2017), где, как писал искусствовед Роджер Кэтлин: «То, что выглядит как причудливый дизайн обоев в стиле рококо в черно-белом и золотом цветах, на самом деле является комбинацией наручников и цепочек. , камеры наблюдения, птицы Twitter и стилизованные альпаки — животное, которое в Китае стало мемом против цензуры.«Это движение живет и в популярной культуре, как показано в популярной песне Arcade Fire« Рококо »(2010).

См. Также Рококо (стиль)

Источники: www.theartstory.org

Википедия: https://en.wikipedia.org/wiki/Rococo

10 произведений Уильяма Хогарта, которые вы должны знать

Хогарт, Прогресс блудницы, тарелка 6, 313 x 385 мм, Британский музей, 1732 | © Yomangani / WikiCommons

Прославленный как «дедушка сатиры», английский художник, гравер и сатирик Уильям Хогарт создал серию язвительных комментариев через свои работы, критикуя такие аспекты английского общества 18-го века, как коррумпированная политика, религия и даже зло пить джин.Мы исследуем десять основных работ Хогарта, от его Брак в стиле до автопортрета Художник и мопс .

Пара гравюр, созданных Хогартом в 1751 году, Beer Street и Gin Lane были опубликованы в поддержку Закона о джине, парламентской меры, направленной на ограничение потребления спиртных напитков за счет повышения тогдашних очень дешевых затрат на продажу. и покупаю джин. В явной попытке побудить зрителей выбрать эль более опьяняющим напиткам, Beer Street изображает счастливых, здоровых лондонцев, расслабляющихся с небольшим количеством пива после тяжелого рабочего дня, а Gin Lane , напротив, показывает своих жителей, поглощенных злом. излишества — на переднем плане мать с тухлым джином позволяет своему ребенку упасть насмерть, в то время как истощенный и пьяный продавец баллад иронично торгует брошюрами, озаглавленными « Крушение миссис Уэллс ».Gin. ’

Hogarth, Gin Lane, 374 x 318 мм, Британский музей, 1751 | © Yomangani / WikiCommons

Первый из «современных нравственных сюжетов» Хогарта, «Прогресс блудницы» , представляет собой серию из шести картин и гравюр, созданных в начале 1730-х годов, во время которых были проведены репрессии, в основном возглавляемые рьяным судьей по имени Джоном Гонсоном. — по проституции выкатили. Сериал рассказывает поучительную историю Молла Хакабаута (возможно, названного в честь как героини Дэниела Дефо Молл Фландерс, так и тогда известной реальной проститутки Кейт Хакабаут), молодой женщины со свежим лицом, которая приезжает в Лондон и постепенно теряет благодать, превращаясь в содержателя. женщина, а затем проститутка, прежде чем попасть в тюрьму за свои преступления и в конечном итоге умереть от сифилиса.

Хогарт, Прогресс блудницы, тарелка 6, 313 x 385 мм, Британский музей, 1732 | © Yomangani / WikiCommons

Хогарт морализировал и критиковал не только низшие слои общества — в Marriage A-la-Mode художник обращает взор на высшие классы в серии картин, изображающих крушение браков, устроенных для финансовой и социальной выгоды, а не по любви. На первой картине удачно названный граф Сквандер и богатый купец устраивают свадьбу своих детей, которые на заднем плане кажутся равнодушными.Более поздние картины показывают, что их брак быстро распадается, когда муж навещает проституток, а у жены роман, кульминацией которого является его убийство и ее самоубийство.

Хогарт, Брак в моде: 1, Урегулирование брака, 69,9 x 90,8 см, Национальная галерея, ок. 1743 | © Crisco 1492 / WikiCommons

Показательная картина на картине, автопортрет Хогарта 1745 года Художник и его мопс был начат в 1730-х годах и изображает художника в неформальной одежде, хотя рентгеновские лучи с тех пор показали, что он изначально писал сам в строгой одежде.На переднем плане работы палитра несет «линию красоты и изящества» — термин, придуманный Хогартом для обозначения эстетически приятной змеевидной линии, очерченной в его книге « Анализ красоты » 1753 года, в то время как книги Шекспира, Джонатана Свифта и Джон Мильтон указывают на вдохновение художника. Считается, что собака, мопс Хогарта, Трамп, была включена как изображение драчливого персонажа художника.

Хогарт, Художник и его мопс, 900 x 699 мм, Галерея Тейт Британия, 1745 | © MarmadukePercy / WikiCommons

Картина Хогарта Четыре времени дня — это серия из четырех картин под названием Утро , Полдень , Ночь и Вечер , которые с юмором рассматривают городскую жизнь начала 18 века. Лондон.Вторая картина из серии, , полдень , изображает культурное столкновение между верхним и нижним эшелонами столичного общества — с правой стороны картины элегантные французские гугеноты выходят из церкви, оформленной по высокой моде, и через улицу. , группа английского фолка прыгает возле кондитерской. В то время как Хогарт изображает своих французских подданных более сдержанно, все же предполагается, что его симпатии больше связаны с его соотечественниками в их изображении счастливыми, здоровыми и розовощекими, хотя и немного неухоженными и непристойными.

Хогарт, Четыре времени дня: полдень, 473 x 382 мм, Британский музей, 1738 | © Cobaltcigs / WikiCommons

Сегодня часть коллекции Музея сэра Джона Соуна в Лондоне, An Election (также известная как Humours of an Election ) представляет собой серию из четырех картин маслом, созданных Хогартом в середине 1750-х годов на фоне на фоне политической коррупции в Великобритании до начала Великой реформы. Вторая сцена, The Polling , показывает выборы в самом разгаре, причем как тори, так и виги прибегают к неэтичной тактике, чтобы увеличить свои шансы на победу, как продемонстрировано тори, тащившим инвалида и умирающего на избирательный участок в попытка получить больше голосов.На заднем плане сломанная золотая карета представляет Британию и коррумпированное состояние политики страны.

Хогарт, Выборы: опрос, 102,2 x 131,1 см, Музей сэра Джона Соуна, 1754-55 | © Peteforsyth / WikiCommons

На гравюре Хогарта 1751 года, Четыре стадии жестокости , художник изображает различные этапы жизни своего вымышленного главного героя Тома Неро и его падение в порочную жестокость. Сначала Нерон изображен как молодой парень, причиняющий вред собаке, серия завершается убийством любовника Нерона его собственной рукой — как видно на третьем этапе, Жестокость в совершенстве — и его последующей казнью.Изображая моральное падение Нерона, Хогарт предполагает, что его все более ужасные преступления были чем-то вроде естественного развития, и общий моральный урок, лежащий в основе сериала, заключается в том, что жестокое поведение, оставленное без контроля со стороны общества, приведет к постепенному увеличению жестокости.

Хогарт, Четыре стадии жестокости: жестокость в совершенстве, 385 x 318 мм, Британский музей, 1751 | © Yomangani / WikiCommons

Групповой портрет четырех маленьких детей Дэниела Грэхема, аптекаря Королевского двора, Дети Грэма поначалу кажется сценой, полной веселья и невинности, но некоторые элементы картины намекают на многое более мрачный тон и реальность.Во время рисования самый младший из детей Грэхема (Томас, крайний слева) умер, и Хогарт включает в работу много упоминаний о его смертности, от хищного кота, преследующего птицу в клетке на переднем плане до фигуры Амур, стоящий рядом с песочными часами и несущий косу, оба являются символами смерти.

Хогарт, Дети Грэхема, 160,5 x 181 см, Национальная галерея, 1742 | © Philafrenzy / WikiCommons

Заметный отход от большинства произведений Хогарта, в The Shrimp Girl, художник экспериментирует с жанром, популярным в Европе 18-го века, а именно с портретами разносчиков и уличных торговцев, таких как молодая женщина, торгующая моллюски на улицах Лондона — в стиле, который сравнивают с работами французского художника Жана-Оноре Фрагонара и английского художника Томаса Гейнсборо, ориентированного на рококо.Технически незавершенная работа, The Shrimp Girl оставалась в частной коллекции Хогарта до его смерти. Говорят, что вдова Хогарта Джейн сказала гостям, приходившим к ней домой: «Они говорят, что он не умеет рисовать плоть. Для вас есть плоть и кровь », когда вы показываете им работу.

Хогарт, Девушка-креветка, 63,5 x 52,5 см, Национальная галерея, ок. 1740-45 | © File Upload Bot (Eloquence) / WikiCommons

Вдохновленный инцидентом во Франции, во время которого Хогарт был арестован, когда по подозрению в шпионаже рисовал старые городские ворота Кале, O the Roast Beef of Old England (‘The Gate of Calais ‘) содержит несколько не столь тонких намеков, как мнение художника о французах.Заимствовав свое название из патриотической песни того времени, в которой ростбиф был провозглашен символом могущественного статуса Британии, титульный кусок говядины занимает центральное место на картине, а вокруг него французские солдаты вынуждены есть водянистый суп. Истощенный шотландец, который был изгнан после восстания якобитов, сидит рядом с ничтожной едой из сырого лука и хлеба, в то время как сам Хогарт изображен в левой части сцены, невинно зарисовывая.

Хогарт, о ростбиф Старой Англии («Ворота Кале»), 788 x 945 мм, Галерея Тейт Британия, 1748 | © DcoetzeeBot / WikiCommons

Уильям Хогарт | Брак А-ля-Режим: 1, Урегулирование брака | NG113

На протяжении веков англичане были очарованы сексуальными подвигами и убогой жадностью аристократии, и они являются предметами серии из шести частей «Брак в стиле а-ля-мода», которая иллюстрирует катастрофические последствия брака по деньгам, а не по любви. .Основная история — это брак, устроенный двумя своекорыстными отцами — расточительным дворянином, которому нужны деньги, и богатым торговцем из лондонского Сити, который хочет купить аристократию. Это был первый морализаторский сериал Хогарта, высмеивающий высшие классы.

Шесть картин были написаны примерно в 1743 году для гравировки, а затем выставлены на продажу после того, как гравюры были закончены. Гравюры представляют собой неокрашенные перевернутые версии картин. Опубликованные в 1745 году гравюры предлагались подписчикам за гинею за набор.Они сразу же стали популярными и обеспечили творчеству Хогарта широкую аудиторию. Картины были выставлены на продажу к полудню 6 июня 1751 года, но привлекли только двух участников торгов, один из которых купил их все за 126 фунтов стерлингов.

На протяжении веков англичане были очарованы сексуальными подвигами и убогой жадностью аристократии, и это стало предметом одного из величайших достижений британской живописи — серии из шести частей Хогарта Marriage A-la-Mode, которая иллюстрирует катастрофические последствия брака по деньгам, а не по любви.

Основная история — это брак, устроенный двумя своекорыстными отцами — расточительным дворянином, которому нужны деньги, и богатым торговцем из лондонского Сити, который хочет купить аристократию. Название, хотя и немного другое, взято из пьесы Джона Драйдена «Женитьба в стиле а-ля-мода», впервые поставленной в 1672 году. Хогарт был преданным любителем пьес и прославился как художник сценой из оперы Джона Гэя «Нищий». Но для этого сериала он придумал персонажей, сюжет и название каждой сцены.Картины были нарисованы для гравировки, а после того, как гравюры были закончены, были выставлены на продажу «Участнику наибольшей цены».

В своих «Автобиографических заметках», составленных в 1763 году, Хогарт вспоминает, что после «нескольких лет» рисования портретов и бесед, он понял, что эта «манера рисования не была достаточно оплачиваемой, чтобы делать все, что требовалось моей семье». Он решил попробовать новый подход к рисованию и гравировке «современных моральных сюжетов», которые он описал как настолько новаторский, что «поле не сломается в любой стране и любом возрасте».Его новое внимание к морали было характерно для его собственного подхода к жизни, высмеивания порока и глупости. Первым из его «современных моральных сюжетов» был «Прогресс блудницы» в шести сценах, завершенных в 1731 году и выгравированных самим Хогартом в виде набора из шести гравюр, опубликованных в 1732 году. Затем последовали «Прогресс грабли» в восьми сценах; картины были закончены к середине 1734 года, а гравюры опубликованы в июне 1735 года. Обе серии были распроданы и оказались чрезвычайно успешными среди людей из всех слоев общества.

Писатель Генри Филдинг описал Хогарта как «художника комической истории», но персонажи которого свободны от «искажений и преувеличений карикатуры».Историческая живопись была самым престижным из жанров, изображая героические сцены из прошлого и мифологии, призванные вдохновлять и просвещать зрителя. Персонажи в «современных моральных предметах» Хогарта далеки от героических, но в равной степени предназначены для просвещения.

Marriage A-la-Mode — первая морализирующая серия Хогарта, высмеивающая высшие классы и разоблачающая поверхностность и глупость людей, у которых денег больше, чем вкуса, которые не могут отличить хорошее от плохого. Гравюры сразу же стали популярными и привлекли к работам Хогарта широкую аудиторию.Как и в «Прогрессе блудницы», они предлагались подписчикам за гиней набор. В качестве квитанции об оплате первой половины гинеи подписчикам был выдан оттиск с портретом Хогарта «Персонажи и карикатуры», основанный на карикатурных листах итальянского художника шестнадцатого века Агостино Карраччи. Хогарт стремился продемонстрировать, что можно показать бесконечное множество персонажей, не прибегая к карикатуре.

Хогарт, вероятно, работал над картинами «Свадьба в стиле а-ля-мода» в течение 1743 года и, возможно, в начале 1744 года.Он сам выгравировал свои предыдущие серии «Прогресс блудницы» и «Прогресс повесы», но решил нанять трех французских граверов, которые работали в Лондоне над «Брак а-ля-мода», каждый из которых работал над двумя пластинами из этой серии. Гравюры, опубликованные в 1745 году, представляют собой неокрашенные перевернутые версии картин.

Картины были выставлены на продажу к двенадцати полудню 6 июня 1751 года. Возможно, предметы стали слишком знакомы в форме гравюр, поскольку один из двух претендентов, Джон Лейн, вышел вперед и купил набор картин за 126 фунтов стерлингов. .

Сознательный и надежный дизайн первых трех сцен не соответствует последним трем. Пятая сцена была в значительной степени проработана на холсте по мере продвижения Хогарта. О предварительных исследованиях ничего не известно и, возможно, они не проводились. Хогарт утверждал, что он конструировал мысленным взором, а в то время не рисовал напрямую.

Сцена 1: Урегулирование брака: Граф Сквандер устраивает брак своего сына с дочерью богатого олдермена лондонского Сити. Олдермен, который просто одет, держит брачный контракт, а его дочь позади него слушает молодого адвоката Сильвертонге.Сын графа, виконт, любуется своим лицом в зеркало. Две собаки, скованные вместе в нижнем левом углу, возможно, символизируют брак.

Сцена 2: The Tête à Tête: Дом молодой пары отражает их собственную антипатию и дисгармонию. Усталая виконтесса, которая, похоже, накануне вечером устроила карточную вечеринку, завтракает в дорогом доме пары, который сейчас находится в беспорядке. Виконт возвращается измученный после ночи, проведенной вдали от дома, вероятно, в борделе: собака нюхает дамскую кепку в кармане.

Сцена 3: Осмотр: Третья сцена происходит в комнате французского врача (М. де ла Пилюль). Виконт сидит со своей маленькой любовницей рядом с ним, он, по-видимому, заразил ее венерическим заболеванием сифилисом, о чем свидетельствует черное пятно на его шее.

Сцена 4: Туалет: После смерти старого графа жена теперь графиня, с короной над ее кроватью и над туалетным столиком, где она сидит. Она разговаривает со своим поклонником Серебряным Языком, причесываясь.Она тоже стала матерью, и с ее стула свисает детский коралл. Адвокат Сильвертонг приглашает ее на маскарад, подобный изображенному на экране, на который он указывает.

Сцена 5: Баньо: Действие этого эпизода происходит в баньо. Это слово традиционно использовалось для описания кофейни, в которой предлагались турецкие бани, но к 1740 году оно означало место, где комнаты предоставлялись на ночь без каких-либо вопросов. Графиня и адвокат удалились туда после маскарада.Молодой граф последовал за ними и умирает от раны, нанесенной Серебристым языком, который убегает через окно, в то время как графиня просит прощения.

Сцена 6: Смерть дамы: Финальная сцена происходит в доме отца графини. Она приняла яд, узнав, что ее возлюбленный был повешен за убийство графа, о чем сообщалось в плакате у ее ног. Ее ребенок, уродливый и искалеченный врожденным сифилисом, обнимает ее, а отец снимает с ее пальца кольцо.Аптекарь ругает слугу, которого обвиняет в получении яда.

Биография Уильяма Хогарта

Сказано [УИЛЬЯМ ХОГАРТ]. . . быть потомком семьи из Кирби Тора из Уэстморленда. Его дед был простым йоменом, который владел небольшим многоквартирным домом в долине Бэмптон, деревне примерно в пятнадцати милях к северу от Кендала, в этом графстве; и было трое сыновей. Старший помогал своему отцу в сельском хозяйстве и унаследовал его маленькую собственность.Второй поселился в Траутбеке, деревне в восьми милях к северо-западу от Кендала, и отличался талантом провинциальной поэзии. . . . РИЧАРД ХОГАРТ, третий сын, который получил образование в Сент-Би и держал школу в том же округе, похоже, был человеком образованным. Он рано приехал в Лондон, где возобновил свое первоначальное занятие школьным учителем в Корабельном дворе в Олд-Бейли и иногда работал корректором прессы. . . . г.Ричард Хогарт женился в Лондоне; и наш художник, и его сестры Мэри и Энн, как полагают, были единственными продуктами этого брака. Hogart — фамилия, вероятно, искаженная от Hogherd , поскольку последнее больше похоже на местное произношение, чем на первое. Это имя вызвало отвращение у миссис Хогарт; и до рождения сына она уговорила мужа превратить его в Hogarth . Об этом обстоятельстве мне рассказал мистер Уокер, уроженец Уэстморленда.Покойный доктор Морелл также был проинформирован, что его настоящее имя — Hoggard или Hoggard , которое сам изменил, заменив d на. . . -й . УИЛЬЯМ ХОГАРТ родился 10 ноября и крестился 28 ноября 1697 года в приходе Святого Варфоломея Великого в Лондоне; В «Британской биографии» говорится, что в этом приходе он впоследствии был благотворителем. . . Школа отца Хогарта в 1712 году находилась в приходе Святого Мартина, Ладгейт.Следовательно, в реестре этого прихода можно было найти дату его смерти, как было естественно предположить; но поиск в реестре был тщетным. . . . Похоже, Хогарт не получил иного образования, кроме механического, и начало его жизни было неблагоприятным. Молодой Хогарт был связан учеником с Эллисом Гэмблом, известным мастером по ювелирному делу; которым он был ограничен той отраслью торговли, которая состоит в гравировке оружия и шифров на пластине.Работая таким образом, он постепенно приобрел некоторые познания в рисовании; и до истечения срока его ученичества он проявил талант к карикатуре. «Но, прежде чем его время истекло, он почувствовал импульс гения, который направил его к живописи». Во время своего ученичества он однажды в воскресенье отправился с двумя или тремя товарищами на экскурсию в Хайгейт. В жаркую погоду они вошли в трактир; где они недавно были, прежде чем возникла ссора между людьми, находившимися в одной комнате.. . . Судя по словам, вскоре они перешли в драку, и квартовые горшки, остававшиеся единственными ракетами, разлетелись по комнате в великолепном замешательстве. Эта сцена была слишком смешной, чтобы Хогарт мог сопротивляться. Он вытащил карандаш и на месте нарисовал одну из самых нелепых фигур, которые когда-либо видели. … [Эта работа] представляет собой точное подобие этого человека с портретом его антагониста и карикатурными фигурами главных лиц, собравшихся вокруг него. . . . По окончании ученичества, говорит Гораций Уолпол, «он поступил в академию в Санкт-Петербурге.Мартина, и учился рисованию из жизни, в которой никогда не достигал больших успехов. Его гению было дано копировать характер, страсти, душу. В колористике он оказался не более великим мастером: его сила заключалась в выражении лица, а не в оттенках и ярком свете «… Гравировка оружия и товарных знаков, кажется, была его первым занятием, с помощью которого он мог заработать себе на жизнь приличный заработок. Однако вскоре он занялся украшением книг и предоставил наборы тарелок для нескольких изданий того времени.Выпуск Hudibras предоставил ему первую тему, подходящую для его гения, но он так сильно почувствовал оковы идей других людей, что оказался менее успешным в этой задаче, чем можно было ожидать. Тем временем он научился пользоваться кистью, а также пером и гравером; Обладая исключительной способностью находить сходство, он получил значительную работу в качестве портретиста. Вскоре после женитьбы в 1729 году он сообщает нам, что начал рисовать небольшие части беседы, от двенадцати до пятнадцати дюймов в высоту; новизна которого позволила им добиться успеха в течение нескольких лет.Одно из первых произведений подобного рода, , в котором он проявил себя как Художник, предположительно был представлением Wanstead Assembly. Здесь представлены портреты первого графа Тилни , его дамы, их детей, арендаторов и т. Д. Фигуры в нем нарисованы с натуры и без бурлеска. Говорят, что лица очень похожи на людей, нарисованных таким образом, и окрашены гораздо лучше, чем некоторые из его наиболее законченных представлений.Однако изящество не было атрибутом его карандаша; и он был более склонен раздражать, чем смягчать резкие прикосновения природы. Любопытный анекдот записан о нашем художнике в начале его портретной практики: дворянин, который был необычно некрасивым и деформированным, подошел к нему, чтобы сесть за его картину. Он был выполнен с умением, достойным уважения к способностям художника; но сходство строго соблюдалось, даже без должного внимания к комплиментам или лести.Пэр, испытывая отвращение к этому двойнику своего дорогого я, никогда не думал платить за отражатель, который только оскорбил бы его своими уродствами. По прошествии некоторого времени, когда было подано множество неудачных заявок на оплату, художник прибег к уловке, которая, как он знал, должна тревожить гордость дворянина. Он отправил ему следующую открытку: «Поклонное почтение мистера Хогарта лорду. Обнаружив, что он не хочет иметь картину, которая была нарисована для него, снова информируется о мистере Хогарте.Потребность Хогарта в деньгах. Поэтому, если его светлость не пришлет за ним в течение трех дней, он будет продан с добавлением хвоста и некоторых других придатков мистеру Хэру, знаменитому зверолюду; Мистер Хогарт дал этому джентльмену условное обещание предоставить картину для выставки при отказе его светлости ». Это намек произвело желаемый эффект. Картина была отправлена ​​домой и предана огню. Таланты Хогарта, однако, в отношении оригинального комического дизайна постепенно раскрывались, и различные публичные мероприятия демонстрировали его смехотворные способности. В 1729 году он тайно женился на единственной дочери сэра Джеймса Торнхилла, художника, который нелегко примирился со своим союзом с малоизвестным художником, каким тогда был Хогарт. Вскоре после этого он начал свою первую большую серию моральных картин «Прогресс блудницы»: некоторые из них были, по предложению леди Торнхилл, намеренно помещены миссис Хогарт в образе отца, чтобы примирить его с ее браком. Узнав, кем они были казнены, сэр Джеймс воскликнул: «Хорошо; мужчина, который может представить подобные изображения, может также содержать жену без доли!» Однако вскоре после этого он уступил и стал щедрым по отношению к молодой паре, с которой жил в большой гармонии до своей смерти, которая произошла в 1734 году. В 1733 году гений Хогарта стал широко известен. Третья сцена из его Блудницы Progress представила его вниманию великих. На заседании Совета казначейства, которое проводилось через день или два после появления этого отпечатка, один из лордов показал его копию, содержащую, среди прочего, поразительное изображение сэра Джона Гонсона [прославленного магистрата того дня, хорошо известного своей строгостью по отношению к городским женщинам]. Это доставляло всеобщее удовлетворение; из казначейства каждый лорд отправлял в типографию его копию, и Хогарт полностью прославился. Более двенадцати сотен подписчиков ввели свои имена для пластин, которые были скопированы и имитированы на подставках для вееров и в множестве других форм; и снятая с них пантомима была представлена ​​в театре. Этот спектакль, вместе с несколькими последующими подобного рода, поместил Хогарта в редкий класс оригинальных гениев и изобретателей. Сам он утверждал, что создал совершенно новый вид «рисования и гравировки современных моральных предметов»; и его можно считать скорее писателем комедии с карандашом, чем художником.Если улавливать нравы и безумие эпохи, жить по мере того, как они поднимаются, — если общая сатира на пороки, — и насмехаться, знакомясь с прикосновениями Природы и усиливаясь остроумием, — и все это оживляется правильными и справедливыми выражениями страстей, — будь комедией, Хогарт сочинял комедий не меньше, чем Мольер. Вскоре после женитьбы Хогарт поселился на даче в Южном Ламбете; близкие отношения с мистером Тайерсом [в то время энергичным владельцем Воксхолл-Гарденс] способствовали благоустройству Весенних садов в Воксхолле, намекнув на то, что украсили их картинами, некоторые из которых были предложены его собственным поистине комическим карандашом. .Среди них были «Четыре части дня», скопированные Хейманом с эскизов нашего художника. Через два года после публикации его «Прогресс проституток », появилась модель «Прогресс граблей », которая «не имел, — замечает мистер Уолпол, — такого успеха из-за отсутствия новизны; да и печать Ареста по достоинству не равна другим». . . . «Занавес, — добавляет мистер Уолпол, — теперь был раздвинут, и его гений предстал во всей красе.« The Rake’s Progress За последовало несколько серийных работ, а именно. Брак в моде , Промышленность и праздность , Четыре стадии жестокости и Избирательная печать . К этому можно добавить большое количество отдельных комиксов, каждая из которых представляет собой богатый источник развлечения: — например, Марш к Финчли , Midnight Modern Conversation , Sleeping Congregation , Gate of Кале , Gin Lane и Beer Street , Бродячие актрисы, одевающиеся в сарае , Lecture , Laughing Audience , Enraged Musician и т. Д.и т. д. Все работы этого самобытного гения — это, по сути, лекции нравственности. Это сатиры на особые пороки и глупости, выраженные с такой силой характера и таким скоплением мелких и подходящих обстоятельств, что в них вся правда природы усилена привлекательностью остроумия и фантазии. Ничто не лишено смысла, но все либо ведет к великой цели, либо является дополнением к живой драме человеческих нравов. Его отдельные работы, однако, следует рассматривать скорее как этюды, возможно, не для профессионального художника, а для исследователя жизни и нравов, а также для приверженцев истинного юмора и насмешек.Никакая подобная мебель не может соперничать с гравюрами Хогарта как источник неиссякаемого веселья, но в то же время преподносит уроки морали. Однако, не довольствуясь справедливой репутацией, которую он приобрел в своем собственном отделе, Хогарт попытался проявить себя в высшей ветви искусства — серьезной исторической живописи. «Из презрения к невежественным Виртуозам того времени, — говорит мистер Уолпол, — и из негодования по поводу дерзких уловок торговцев картинами, которые, как он видел, постоянно рекомендовали и продавали мерзкие копии коллекционерам пузырей; никогда не изучал и даже не видел несколько хороших картин великих итальянских мастеров; он убедил себя, что похвалы, отданные этим славным произведениям, были не чем иным, как следствием предубеждений.Он говорил на этом языке до тех пор, пока не поверил этому; и, слыша, как часто утверждается, что верно, что Время придает мягкость цветам и улучшает их, он не только отрицал это предположение, но и утверждал, что Картины только становятся черными и хуже с возрастом, не различая степени, в которой это утверждение может быть правдой или ложью. Он пошел дальше: он решил составить конкуренцию древним — и, к сожалению, выбрал в качестве объекта конкурса одну из лучших картин в Англии. Это была знаменитая Sigismunda сэра Люка Шауба, теперь находящаяся во владении герцога Ньюкасла, которую, как говорят, написал Корреджо, вероятно, Фурино, но неважно кем.Невозможно увидеть Картину или прочитать неподражаемую Повесть Драйдена и не почувствовать, что одна и та же душа вдохновляет обоих. После множества эссе Хогарт, наконец, создал СВОЮ Сигизмунду, но не больше похожую на Сигизмунду, чем я на Геракла. Не говоря уже о убогости окраски, это было изображение сентиментальной проститутки, только что вышедшей из-под контроля, и с красными от ярости глазами срывает украшения, которые дал ей хранитель ». Несмотря на то, что Хогарт открыто осуждал литературу, он чувствовал склонность доносить до публики свои идеи по теме, связанной с его искусством.Его Анализ красоты появился в одном томе кварто в 1753 году. Его главный принцип состоит в том, что красота в основе своей состоит в том единстве единообразия, которое обнаруживается в кривой или волнообразной линии; и что круглые набухшие фигуры больше всего радуют глаз. Этот принцип он иллюстрирует множеством оригинальных замечаний и примеров, а также некоторыми пластинами, характерными для его гения. В 1757 году его зять, мистер Торнхилл, оставил свой пост королевского сержанта-живописца в пользу Хогарта, который получил свое назначение 6 июня, и вступил в свои обязанности 16 июня. Июль, оба в одном году.Это место было повторно предоставлено ему по доверенности Георга Третьего, датированной 30 октября 1761 года, с жалованием в десять фунтов в год, выплачиваемым ежеквартально. Эта связь с судом, вероятно, побудила Хогарта отклониться от строгой линии партийного нейтралитета, которую он до сих пор соблюдал, и выступить против Джона Уилкса и его друзей в печати, опубликованной в сентябре 1762 года под названием The Times . Эта публикация вызвала резкую критику пера Уилкса в The North Briton No.17. Хогарт ответил карикатурой на писателя: возражение было сделано Чарльзом Черчиллем в гневном Послании к Хогарту (не самое яркое из его произведений): и в котором самые суровые мазки были нанесены на дефект, которого художник плохо знал. не причинил, и поправить не мог — его возраст; который, однако, не был ни примечательным, ни дряхлым; не говоря уже о том, чтобы это подорвало его таланты, ведь всего шесть месяцев назад он написал одно из своих самых выдающихся произведений. В отместку за это Послание , Послание , Хогарт изобразил Черчилля в виде канонического медведя дубиной и горшком с портером. В этот период войны (столь злобной и позорной для всех сторон) здоровье Хогарта заметно ухудшилось. Примерно в конце 1762 года он пожаловался на внутреннюю боль, которая, продолжаясь, привела к общему разложению, которое оказалось неизлечимым. 25 октября 1764 года (который ранее был доставлен в очень слабом и тяжелом состоянии из Чизвика в Лестер-Филдс) он внезапно скончался от аневризмы в груди. Его останки были захоронены в Чизике, под простым, но аккуратным мавзолеем, со следующей изящной надписью его друга Гаррика: «Прощай, великий художник человечества, Который достиг благороднейшей точки искусства; Чья изображенная мораль очаровывает ум, И через глаз поправляет сердце. Если гений уволит тебя, читатель, останься; Если Природа прикоснется к тебе, урони слезу: Если ни один не двинется с тобой, отвернись, Здесь лежит пыль чести Хогарта ».

Джей Хоггард | Дискография | Дискоги

Альбомы

В 1040

Джей Хоггард

Сольный вибрафон (Альбом) 2 версии

Индия Навигация

В 1040

США

1979

Продать эту версию

2 версии

ВР 5004

Джей Хоггард

Такие дни (Альбом) 5 версии

Ариста стеклопластик

стеклопластик 5004

Япония

1979

Продать эту версию

5 версии

С-14007

Джей Хоггард

Тропический лес (Альбом) 4 версии

Contemporary Records

С-14007

Япония

1981

Продать эту версию

4 версии

KUX-155-P

Энтони Дэвис (2) и Джей Хоггард

Энтони Дэвис (2) и Джей Хоггард — Под двойной луной (Альбом) 3 версии

записей MPS, записей MPS

KUX-155-P

Япония

1981

Продать эту версию

3 версии

ИН-1049

Джей Хоггард

Мистические ветры, тропические бризы (LP)

Индия Навигация

ИН-1049

США

1982

Продать эту версию

GRCD8204

Джей Хоггард

Любовь выживает (Альбом) 4 версии

Gramavision, Gramavision

GRCD8204

Япония

1983

Продать эту версию

4 версии

ИН-1068

Джей Хоггард

Риверсайд танец (LP, альбом)

Индия Навигация

ИН-1068

США

1985

Продать эту версию

600616

Джей Хоггард

Обзор (Альбом) 4 версии

Muse Records

600616

Франция

1989

Продать эту версию

4 версии

К-14058

Квартет Кенни Баррелла * с участием Джея Хоггарда

Квартет Кенни Баррелла * При участии Джея Хоггарда — Руководящий дух (LP, альбом)

Contemporary Records

К-14058

США

1990

Продать эту версию

MR 5410

Джей Хоггард

Маленький тигр (Альбом) 2 версии

Muse Records

MR 5410

США

1991

Продать эту версию

2 версии

MCD 5450

Джей Хоггард

Фонтан (CD, альбом)

Muse Records

MCD 5450

США

1992

Продать эту версию

MCD 5476

Джей Хоггард

В духе (CD, альбом)

Muse Records

MCD 5476

США

1993

Продать эту версию

MCD 5527

Джей Хоггард

Любовь — это ответ (CD, альбом)

Muse Records

MCD 5527

США

1994

Продать эту версию

MCD 5556

Джей Хоггард

Ночь в Гринвич-Виллидж (CD, альбом)

Muse Records

MCD 5556

США

1996

Продать эту версию

JHVM0001

Джей Хоггард

Правильное место (CD, альбом)

Записи JHVM

JHVM0001

США

2003

Продать эту версию

JHVM0002

Джей Хоггард / Джеймс Вайдман

Джей Хоггард / Джеймс Вайдман — Песни духовной любви (CD, альбом)

Записи JHVM

JHVM0002

США

2004

Продать эту версию

JHVM0004

Джей Хоггард

Свинг Эм Гейтс (CD, альбом)

Записи JHVM

JHVM0004

США

2007

Продать эту версию

нет

Джей Хоггард

Душевная сила (12x файлов, MP3, 320)

Записи JHVM

нет

2008

JHVM0003

Джей Хоггард

Соло с двух сторон (CD, альбом)

Записи JHVM

JHVM0003

США

2009

Продать эту версию

JHVM 0007

Джей Хоггард

Гарлемские иероглифы (2xCD, Альбом)

Записи JHVM

JHVM 0007

США

2016

Продать эту версию

0801

Трио Джо Парилло и Джей Хоггард

Трио Джо Парилло с Джеем Хоггардом — Сегменты (CD)

Neoga Records

0801

США

Неизвестно

Продать эту версию

Синглы и EP

4514007

Джей Хоггард

Преподобный Весы / Jammin ‘In The Sunshine (7 дюймов, промо)

Contemporary Records

4514007

1981

Продать эту версию

ГР 4502

Джей Хоггард

Не уходи (Одинокий) 2 версии

Gramavision

ГР 4502

США

1983

Продать эту версию

2 версии

Артур Уильямс | Кредиты | AllMusic

)

2016	Коллекция одиночных игр 1951-62	Тони Беннетт	Композитор
2009	Только лучшее от Рахсаана Роланда Кирка, Vol.2	Рахсаан Роланд Кирк	Вокал (фон)
2004	Must Be Jelly: выступление в WROX в Кларксдейле, штат Миссисипи,	Джелли Ролл All-Stars	Introduction, член атрибутированного исполнителя, вокал, разговорная речь, арфа, губная гармоника, композитор
2004	Танцы в темноте	Тирни Саттон	Композитор
2003	Атака южной арфы (	Фрэнк Фрост	Губная гармоника, Композитор
2002	Two Darn Hot: A Night at the Concord Pavilion / Концерт в Fujitsu-Concord	Мел Торме	Композитор
2002	Hot-Taw-Mighty		Главный исполнитель
2002	Harpin ‘on It: Полная запись драгоценного камня	Фрэнк Фрост	Композитор
2001	Сборник легенд [2 CD]	Дина Вашингтон	Композитор
2001	Полуночный синий	Артур Уильямс	Основной исполнитель, вокал, Harp, Electric Harp, Composer
2001	Восточная ул.Луи	Бу-Бу Дэвис	Арфа
2000	Это одинокое чувство под названием блюз		Арфа, композитор, основной исполнитель
2000	Люцернский фестиваль блюза 2000		Главный исполнитель
2000	Ain’t Goin Down	Артур Уильямс	Основной исполнитель, вокал, арфа, композитор
1999	Гарпин на нем	Артур Уильямс	Основной исполнитель, вокал, арфа, композитор
1999	И я люблю его! / Эстер Филлипс поет	Эстер Филлипс	Композитор
1998	Голоса в любви / Love Lost	Четыре первокурсника	Композитор
1997	Нежелательный ребенок	Клара МакДэниел	Губная гармоника
1997	Холодная кровь	Большой Плохой Смитти	Губная гармоника
1996	Полная коллекция Capitol Singles	Фрэнк Синатра	Композитор
1996	Ночь из жизни	Иден Этвуд	Композитор
1995	Полное собрание записей Джо Ньюмана RCA-Victor (1955-1956): «The Basie Days»	Джо Ньюман	Композитор
1991	Полная Дина Вашингтон на Меркурии, Vol.4 (1954–1956)	Дина Вашингтон	Композитор
1991	Среднее расположение	Большой Плохой Смитти	Губная гармоника
1991	Джелли Ролл Блюз	Фрэнк Фрост	Композитор
1990	Ночь, которую мы назвали днем ​​	Кэрол Кидд	Композитор
1988	Люблю тебя безумно	Кэрол Слоан	Композитор
1985	Поездка с папой сегодня вечером	Фрэнк Фрост	Композитор
1979	Через принятие таинственного мира	Уильям Паркер	Главный исполнитель
1970	С.О.	Оттенки коричневого	Член атрибутированного исполнителя, бас (вокал)
1959	Никто не заботится	Фрэнк Синатра	Композитор
1956	Дина!	Дина Вашингтон	Композитор
	Беспокоит все время		Исполнитель, основной артист
	Артур Уильямс и Джесси Хогард,	Джесси Хоггард / Артур Уильямс	Главный исполнитель

.