Символика цветочной живописи на Китайских вазах Компания Art-Salon

Известно, что на Европейских мануфактурах по производству фарфоровых изделий, главное вдохновение скульпторы и художники черпали из форм и росписи восточного фарфорового искусства. Китайские вазы, которые поступали в коллекционные собрания великих царственных особ Европы, стали прототипами для первых фарфоровых изделий Майсенской мануфактуры и до сих пор являются источником вдохновения для современных мастеров Meissen.

Особенности восприятия мира в восточной культуре и основные черты китайской живописи

Основа культуры Китая — целостное представление о мире, в котором тесно переплетены между собой философские учения, мифы и легенды, реальные исторические события и персонажи с волшебными и мифическими существами и явлениями, а человек рассматривается непременно в неразрывной связи и единстве с природой.

Как правило, в живописи китайских ваз использовались элементы растительного мира, животного и сценок из человеческой жизни.

Принципы китайской живописи заключаются в любовании природой как совершенным творением.

Как правило, китайская живопись отличалась не наличием цвета в росписи, а необыкновенной манерой использования большого количества отрывистых линий, точек, мазков, поскольку китайская живопись неразрывно связана с каллиграфией. Для китайских художников важно не точное копирование реальных объектов, а их символическое значение.

Китайская живописная работа считается законченной, если на ней есть печать автора и какие-то поэтические или философские строчки, написанные каллиграфией. Поэтому говорят, что европейцы рисуют, а китайцы пишут картины, европейцы рассматривают картины, китайцы же их читают.

В эпоху Мин — золотой век китайской живописи — огромную популярность приобретают изображения животных и растений, обладающих символическим смыслом. Таким образом, часто изображая что-либо, китайские художники закладывали в рисунок определённый подтекст. Некоторые образы встречаются особенно часто.

Так, например, изображение гор и воды являет собой взаимодействие активной мужской силы «Ян» и пассивной женской — «Инь». Или например, изображения различных растений и животных становятся носителями символов и образов.

Цветы в китайской живописи

Орхидея, бамбук, хризантема, и слива мэй-хуа – основные растения, которые изображались на вазах. Эти четыре цветка считаются благородными растениями в Китайской культуре. Именно эти растения согласно китайской традиции обладают качествами благородного человека.

Орхидея

Орхидея – это нежный цветок ранней весны, поэтому она становится олицетворением весны, чистоты помыслов и благородства. И кроме того, это символ женского начала и красоты. Орхидея это символ покоя, нежности, утончённости и скромности. В Древнем Китае орхидея высоко ценилась учёными мужами, и до сих пор этот цветок считается знаком благородного учёного. Подарить вещь с изображением орхидеи – значит пожелать рождения сыновей с высокими умственными способностями.

Бамбук

Бамбук считается символом непреклонного характера, поскольку это многолетнее, вечнозелёное растение, растущее с удивительной скоростью, к тому же очень прочное и устойчивое к внешним воздействиям.

Бамбук ассоциируется с долголетием, стойкостью к невзгодам. Примечательно то, что бамбук является символом сыновьей почтительности и преданности.

     

Хризантема

Хризантема. Этот стойкий к морозам цветок, который украшает собой сады до поздней осени и продолжает цвести зимой, как бы бросая вызов зиме, символизирует бодрость духа и долголетие. Глубокой осенью, когда лепестки почти всех цветов уже осыпались, хризантема начинает пышно расцветать, не страшась никаких холодов. Хризантема — прекрасна, целомудренна и скромна, она является воплощением торжества, спокойствия осени, и воплощает в себе женское начало «инь». Месяцем хризантемы является октябрь. Образ цветка связан с урожаем, богатством и изобилием.

Археологами было найдено первое изображение хризантем на китайском фарфоре, который был изготовлен 2500 лет назад. В Китае известно около 3000 сортов хризантем.

В Китае получил распространение обычай дарить друг другу на праздники жёлтые хризантемы — олицетворение безоблачного счастья.

     

Цветы дикой сливы 

Цветущая дикая слива (сакура) ассоциируется с чистотой помыслов, невозмутимость, спокойствие, гармонию и стойкостью к невзгодам судьбы. Слива живёт долго, иногда по 100 лет. Дикая слива, как и все лиственные деревья в живописи Китая, олицетворяет вечный круговорот природы: появляются молодые листья, растут, опадают и вновь появляются.

Сливе было посвящено целое отдельное направление в живописи.

Цвести дикая слива мэй-хуа начинает, когда еще холодно, очень красивым и нередким является цветение дикой сливы в снегу. Поэтому, неудивительно, что мэй-хуа символизирует зиму и стойкость.

Ветви сливы напоминали китайцам дракона, а молодые побеги сравнивали с железными прутьями клетки. Получалось, что это был укрощенный дракон.

Другие цветы в живописи

Четырьмя благородными цветками китайская живопись конечно же не ограничивается.

     

Цветы лотоса

Лотос

Лотос является самым древним и самым загадочным цветком. Летом, в пору цветения, лотос можно встретить почти в каждом парке столицы Китая. Лотос считается священным растением в этой стране. Он олицетворяет прошлое, настоящее и будущее, поскольку каждое растение имеет бутоны, цветы и семена одновременно. Лотос считается символом лета и месяца август.

Изображение лотоса используется в фэн-шуй для создания уютной и спокойной  обстановки в доме и для пробуждения духовного сознания.

Строение лотоса отражает взаимодействие мужского и женского начала, поэтому он связывается с плодородием, следующим поколением и зарождением новой жизни.

Китайцы верят, что лотос растёт в раю, на небе, и он почитался как священное растение ещё до распространения буддизма, с которым он очень тесно связан – ведь это цветок, тянущийся к свету сквозь темноту воды и ила.

Этот цветок олицетворяет совершенство, является символом духовного раскрытия, чистоты, плодородия и целомудрия. Лотос символизирует гармонию и любовь между мужем и женой (слова «соединение» и «лотос» в китайском языке звучат абсолютно одинаково). Кстати эти удивительные нежные растения занесены в Красную книгу.

Рисуя цветок лотоса, китайские художники рассказывают о человеке, который сохранил чистоту помыслов и мудрость, живя в потоке бытовых проблем.

     

Цветы пиона

Пион

В 1903 году пион был провозглашен национальным цветком Китая. В древности пионы выращивали исключительно в императорских садах и в домах богатых чиновников, а чтобы насладиться красотой их цветения, знать надевала самые торжественные наряды, чтобы пройти в парк с пионами, где проводилась целая церемония. Поливать пионы доверялось только самым красивым и целомудренным особам с бледным лицом, ухаживать за цветами могла только самая красивая девушка при императорском дворе.

Пионы всегда считались знаками аристократизма, высокого положения, знатности, достоинства, богатства, процветания и славы.

Кроме этого, пион является символом весны, поскольку он зацветает в начале апреля, когда не цветёт ещё ни одно другое растение. Очень часто в росписи рядом с пионами появляется изображение бабочки, поскольку аромат бабочек всегда привлекает насекомых и прежде всего бабочек. Пион в таком случае становится символом женского начала, а бабочка – мужского. Пионы символизируют пылкую страсть и неугасающую любовь.

Азалия

            

Астра                                                                    Вьюнок

Азалия олицетворяет женскую грацию. В некоторых случаях она может являться символом больших способностей человека. Порой цветок азалии ассоциируется с тоской.

Астра выступает образцом элегантности, очарования, скромности, и смирения.

Календулу в Китае зовут «цветком десяти тысяч лет», она является символом долголетия.

Образ вьюнка связан с любовью и браком, зависимостью. Но при этом он может служить символом рассвета, обозначать нечто преходящее.

     

                                   Ирис                                                                                                  Камелия

     

                                                            Глициния

Ирис олицетворяет грацию, изящество, нежность и красоту в одиночестве.

Камелия символизирует здоровье, силу тела и силу духа. Этот цветок также называют «героем сражений».

С образом мака в Китае связывают уход от дел, отдых, но вместе с тем и успех. Мак как источник опиума наделяется совершенно иными значениями, олицетворяет распад и зло.

Цветы глицинии, воплощая в себе чистую энергию инь, ассоциируются с женской красотой.

     

Магнолия                                                                                                              Лилия

     

          Цветы персикового дерева                                                               Китайская роза

Магнолия так же считается символом женственности и красоты. Кроме того, она олицетворяет семейное счастье. В древности только императорам и членам императорской семьи разрешалось выращивать магнолии.

Лилия наделяется особыми качествами. Считается, что цветы лилии помогают забыть неприятности и развеять печаль. Кроме того, существует поверье, что лилия приносит сыновей. Поэтому его часто дарят замужним женщинам. Ещё одно символическое значение лилии — единение и дружба.

Нарцисс в Китае символизирует женскую преданность, чистоту, влюблённую пару и счастливый брак. Изображение чаши с нарциссами означает пожелание неувядающей жизни, любви, счастья и мира. Также этот цветок является символом Нового года. Цветение нарцисса под Новый год считается в Китае добрым знаком, обеспечивающим счастье в наступающем году. Поэтому в Китае распространён обычай перед Новым годом выращивать нарциссы. Китайцы заранее приносят в дом проросшие луковицы нарциссов, сажают в красивые плоские вазочки с водой, стараясь подгадать, чтобы цветы расцвели именно к празднику.

В Китае очень ценятся цветы персикового дерева, являющиеся символом брака. Считается, что они обладают силой приворота мужчин. Даосские любовные заклинания предполагали использование цветов и лепестков персика. Размещение в доме картины с изображёнными на ней цветами персика способствует вступлению в брак. Также персиковые деревья символизируют наступление весны, именно в это время на их ветвях распускаются цветы.

Роза, королева цветов в западном мире, в Китае приобретает иное значение. Образ розы связан с молодостью, но не является символом любви. Китайская роза — это благоухание, сладость в запустении, процветание. Отдельным значением наделяется чайная роза жёлтого цвета. Она символизирует победу. И именно такая роза является эмблемой Пекина, столицы Китая.

 

Образцы китайской росписи до сегодняшнего дня служат огромным источником вдохновения для украшения ваз европейских производителей фарфоровых изделий. На Майсенской мануфактуре художник Гёрольд в начале 18-ого века пробовал перенести на изделия из фарфора множество сюжетов китайской росписи. Стиль такого декорирования назывался «шинуазри». Цветочная живопись сохранила своё символическое значение и по сей день. 

Как реализованы принципы философии У-Син в живописи У-син? « Школа живописи У-Cин

В статье про систему У-син мы уже затронули вопрос о сочетании 5-и элементов системы у-син и 5-и движений одноимённой живописи. В данной статье я постарался как можно обстоятельнее ответить на вопрос о том какпринципы системы у-син воплощены в нашей живописи, чтобы уже не осталось недомолвок.

Классифицируя мазки, движения, композицию по у-син мы прежде всего должны следовать внутренним ощущениям и избегать жёсткости оценок «от головы». Нужно всегда помнить, что у-син это пятимерная целостность и любой её объект всегда будет иметь 5 параметров. Можно простроить прекрасную аналогию с объектами более знакомого нам трёхмерного пространства. У всех объектов нашего трёхмерного мира есть базовые три параметра (по трём осям x, y и z): ширина, толщина и высота. Нет в природе объекта лишённые высоты, просто одни выше, а другие ниже. Так же и с пятимерием у-син. Нет того движения, которое можно чётко отнести к элементу «Дерево», или «Огонь», в любом движении изначально присутствуют все пять компонентов, просто одни более выражены, а другие — менее.

Как реализована концепция у-син в этом виде живописи — вопрос конечно популярный. В этой статье мы попробуем ответить на него как можно более обстоятельнее.

На самом первом этапе стоит отделить три важные понятия друг от друга:

1)Форма изображаемого объекта

2)Форма мазка.

3)Тип движения

Ключом к методики живописи у-син является именно движение. Ведь если посмотреть по словарю значение иероглифа «син», первым мы увидим именно «движение». Для художника школы у-син первостепенной важностью является уловить при помощи того или иного типа движения кистью уникальную особенность энергии и состояния данного объекта, данного явления. Например: птица — животное быстрое по этому в большинстве случаев лучше рисовать её мимолётными движениями. Далее перед художником уже стоит задача сопрячь форму мазка и форму объекта. Как раз на этом этапе художника ждёт масса открытий, связанных с тем что в природе существует определённая связь между формой объекта, энергией объекта, и энергией самого художника.

При исследовании движений первое, на что стоит обратить внимание, это на то, что движения бывают иньские и янские. Инь в движениях живописи у-син соответствует мягкости, тонкости, нежности, постепенности, неторопливости действия. Ян проявляется через быстроту, стремительность, резкость, прямоту и нажим. Как мы знаем из статьи про у-син, 5 элементов у-син рождены взаимодействием инь и ян. В движениях живописи у-син этот принцип реализован наиболее явно. Я довольно показательно демонстрирую 5 мазков живописи у-син в этом известном видео ролике.

Дерево — это начало Ян. «Дерево» в движении проявляет себя через качества прямоты стремительности. Внешне движение похоже на стремительный и мощный удар. Движение «дерево» всей своей сущностью передаёт ощущение роста, прорастания, пробивания. Чтобы рост был удачным, он должен быть ритмичным. Так что непременным атрибутом этого движения является чёткий и бодрый ритм. Работая движением «дерево», художник будто забивает гвозди молотком.

Форма мазка, созданная движением «дерево» может быть разной, в большинстве случаев это линия, которая имеет точку в начале и точку на конце, очень похожа на базовые линии китайской каллиграфии — горизонталь, вертикаль и различные коленца.
Наиболее характерный сюжет, рисуемый таким мазком является бамбук. Но так же таким мазком очень хорошо рисовать любые деревья и любых млекопитающих. Впрочем, иногда движением «дерево» можно передать энергию горы или камня.

(все схемы мазков взяты с сайта www.chinart.ru)

Огонь – это апогей ян. Движение огня может быть подобно взрыву, если оно мощное или дуновению ветерка и взмаху крыла бабочки если нежное. Огонь это быстрота, мимолётность и неуловимость. Огонь в движении это умение неожиданно быстро перейти из одного состояния в другое.

Мазок огня чаще всего похож на лодочку или капельку. При помощи такого мазка лучше всего удаются рыбки, птички и листья растений и лепески цветов, – всё то, что имеет качество мимолётности в своей природе.

Земля — это структурирующее начало. Движение земли — спокойное и мерное. Земля в движении это искусство варьировать степень нажима, степень давления.

Мазок земли это простая точка, пятно, разовый отпечаток ксити. При помощи этого элемента лучше всего рисовать камни, черепах и различных членистоногих. Так же как нажим — базовая составляющая для любого движения, точка — это базис для любого мазка. Земля это центральная стихия у-син, в которой инь и ян составляющие одинаково выражены.

Металл в движении противоположен по свойствам дереву. Если дерево являет собой прямоту, резкость, нажим, напор, рывок вперёд, то металл это гибкость, утончение, постепенность. У металла, как и у дерева так же есть свой ритм, но он значительно более плавный, заключается в постепенном взаимном перетекании нажима в утончения. Работа мазком металла подобна движениям змеи.

Мазок, образованный этим движением имеет вытянутую форму, начинается точкой и заканчивается остриём, подобно игле, кнуту в момент нанесения удара или лезвию длинной сабли. При помощи такого мазка рисуют траву, листья дикой орхидеи, различных змей. Так же мазок металла очень подходит для отображения гладких поверхностей озёр и речных камней.

Вода в движении так же «бестелесно», как и движение Огня. Если движение Металла — это иньский антипод дереву, то движение Воды — противоположность движению Огня. Огонь — мимолётен и неуловим. Вода – бесконечно закручена, это самое долгое движение. Движение воды — это вращение воронки, засасывающее внимание глубоко внутрь.

Мазок воды напоминает струйку дыма, оставленную благовонием. При его помощи можно рисовать закрученные стволы бонсаев, розы и пионы, водоросли, тела и конечности моллюсков и их ракушки, лес на дальнем плане пейзажа, в котором все детали сливаются воедино.

Каждое из 5-и движений живописи у-син соответствует так же и определённой области тела. Если мы работаем только лишь рукой, то должны понимать, какой именно частью руки мы работаем. Самые сильные движения рождаются в корне руки — в плече, именно там живёт мощное движение «Дерево». «Тягучее» движение Металла рождается из постепенного поднятия локтя. В запястье рождается мимолётность Огня. Тончайшее вращение Воды, требующее максимальной утончённости и чувствительности, оно рождается в пальцах. Движение земли делается всей рукой.

Есть и другая, более основательная модель движений при которых базовые движения дерева и земли рождаются в результате движения низом живота и вращения грудной клеткой, Если руки при этом «втянуты» в плечи, локти тяготеют вниз, грудная клетка «впадает» в округлённую поясницу, то происходит прямая передача движения на писчую кисть через руки. Эта позиция очень похожа на базовую для любых видов цигун и ушу «столбовую» позицию. Рисование из такой позиции лучше всего осуществлять из позиции «лотоса».

Существует так же вариант рисования стоя, при котором ноги так же участвуют в процессе создания движений, которые на листе отпечатываются в качестве мазков. Такой вариант живописи у-син похож на танец или боевое искусство, подобное тай цзи цюань, ба гуа чжан или синъи цюань.

Совершенствуясь в искусстве живописи у-син, художник проходит путь, подобный пути каллиграфа в традиции китайской каллиграфии. На первом этапе – отработка элементов. Каллиграф отрабатывает базовые черты, художник оттачивает базовые мазки. Затеем каллиграф начинает из отдельных черт формировать целостные иероглифы, написанные в уставном стиле кай шу. Художник на этом этапе составляет из отдельных мазков целостные объекты. Следующим шагом каллиграфа является переход к скорописному написанию иероглифов, где уже он в одно движение рисует иероглиф. И с живописью у-син так же. На определённом этапе человеку надо перейти к «быстрому рисованию», рисованию объектов и рисунков в одно движение и уже в этом целостном движении открыть для себя систему у-син заново.

Для очень многих людей живопись у-син может стать отличной техникой работы над собой, техникой отработки определённых жизненных качеств. Ведь если движения человека скованы, а тело закрепощено психофизическими зажимами невозможно выразить мимолётность полёта бабочки, тонкую красоту перегнувшейся через себя травинки или прямолинейную искренность бамбука. Для того чтобы сделать такой мазок надо меняться самому. В этом смысле можно говорить о живописи у-син как об одном из видов телесно ориентированной психотерапии.

Теперь поговорим про целостность картины. И каллиграф и художник у-син со временем переходит от отработки базовых мазков к целостной композиции. Очень часто спрашивают: должны ли в одной картине присутствовать все 5 мазков? Ответ на этот вопрос немного глубже чем кажется. Дело в том, что целостность 5-и движений у-син находится на уровне движений а не форм или мазков. Гармония у-син выражается не в конкретной картине, а в законченном поведении человека: в том как он двигается, как говорит, какой образ жизни ведёт. Гармоничная картина безусловно так же завязана на целостность у-син, но там движения совсем другие. Здесь уже речь идёт не о движении руки худодника, а о том, как перемещается по картине взгляд зрителя. В композиции так же как и в движении мы можем раскрыть тему у-син через базовые понятия инь и ян.

Ян это место, с которого зритель начинает своё путешествие по картине. Инь это место в картине, принимающее на себя движение взгляда, место где зритель заканчивает своё путешествие. В самом простом случае ян знаменует собой место, где концентрация объектов максимальна, а инь — незаполненную пустоту. Здесь можно привести в пример многие китайские картины, сотканные из пустоты в которой тонет взгляд зрителя, но конечно же управлять взглядом человека можно не только с помощью «рассеивающей перспективы».

Дерево знаменует собой способ управления взглядов при помощи создания вереницы взаимодействующих объектов на рисунке. Взгляд в таком рисунке перемещается от объекта к объекту, подобно тому как кисточка перемещается от точки к точке при рисовании бамбука. Такое движение всегда создаёт определённый сюжет. Так что можно смело сказать, что дерево в картине это сюжетность. Сюжет призван волновать, возбуждать внимание зрителя. Если есть необходимость наполнить картину динамикой, создать картину-приключение, то композиция «дерево» лучше всего для этого подойдёт. У некоторых людей такие картины рождают ощущение возбуждение или даже агрессии.

Ян в таком типе композиции — объект с которого зритель начинает движение взгляда. Инь — последний в цепи взаимосвязанных объектов. Вот, например, Ян в картине известного китайского художника эпохи Сун Цуй Бая (см ссылку чуть ниже) «Сороки и Заяц» это заяц, а инь = последняя из сорок в правом верхнем углу.

Элемент «дерево» максимально выражен в монохромных картинах, либо картинах, написанных с применением одного дополнительного тона. Обилие цветов может отвлекать от основной сюжетной линии картины.

Картины, в которых преобладает элемент дерево

Картины Сунского художника Цуй Бая можно увидеть на Википедии:
Первая картина, вторая картина.

Несколько моих картин в пример:

Огонь в картине соответствует её цветовому наполнению, которое чаще всего отвечает за силу эмоционального отклика, который человек получит. Цвета бывают тёплые и холодные. Ян цвет – максимально тёплый, рождает ощущение теплоты, радости. Инь цвет – холодный, вызывает инь эмоции: грусть, меланхолию, страх. Самая большая разница рождается на контрастах оттенков красного (цвет огня) и синего (цвет воды). Чаще всего этим художественным приёмом пользовались в японских гравюрах уки-е.

Картина 1 Картина 2 Картина 3

Или можно посмотреть примеры моих картин:

Земля, отождествляется со структурой. Земля, этр фактически и есть структура картины. Самой главной характеристикой структуры является соотношение размеров, входящих в неё частей. Вот например взять проанализировать структуру нашего дня. Если это будний день, то самое большое место в ней занимает работа, остальные дела, находятся в её тени. Структуру картины можно оценить по соотношению размеров изображённых на ней объектов или более верно по соотношению размеров цветовых пятен. Ян — это самое большое цветовое пятно, инь- самое маленькое. К элементу земля можно отнести так же все явления линейной перспективы, уводящей нас вдаль, к горизонту. Может быть и наоборот, если это китайские пейзажи шань-шуй, где часто применяется обратная линейная перспектива.

Вот можно посмотреть несколько примеров данного типа организации композиции в китайских работах мастеров:

Металл в композиции связан с понятием контраста по тону. Металл это то что делит. Более сильный, более “чистый” тон делит более слабый на части. Если мы рисуем чёрным по белой бумаге, то максимально чёрный цвет будет — самый янский, а тона серого будут приводить нас к наиболее “иньскому белому” пространству. Мы как будто бы по сходим по тональным ступеням, проходя путь от максимально тёмного к максимально светлому. Металл отвечает за глубину и многоплановость картины. Чистые цвета и максимальные контрасты мы встречаем лишь на переднем плане, там где металл сильный, янский. Чем дальше план, тем меньше контраст, тем слабее металл, тем больше в нём инь. Как и в случае с “деревом”, композиции “металл” легче всего создать в монохромном рисунке.

Действие металла обратно действию дерева. Если дерево возбуждает, то металл успокаивает. Картины, написанные при помощи металла обычно вызывают ощущение спокойствия. У некоторых такие картины вызывают ощущение грусти.

Можно привести в пример работу китайского художника Wang zi jiu

Или же мои картины:

Также этот принцип воплощён в картинах Оли Кинёвой:

Вода. Элемент Вода в картине как раз и знаменует собой эффект “воздушной перспективы и рассеивающей перспективы”. Особенно часто этот эффект применяется в пейзажной живописи. Передний план изобилует деталями и подробностями, на заднем же плане всё сливается в еле отделимые друг от друга кляксы и пятна. Картины, написанные с применением такого приёма, как правило вызывают ощущение погружения во что-то гипнотически глубокое, в противовес огню, который рождает вспышки эмоций. У некоторых людей картины, написанные при помощи этого приёма рождают ощущение страха.

Вот картины, полученные при помощи композиционного приёма “вода”. Хорошим примером могут быть картины современного китайско-японского художника Ван Нуна:

В завершении напомним, что в традициях китайской живописи так же украшать рисунок каллиграфической надписью и печатью мастера. При этом, как надпись, так и печать играют самостоятельную роль элементов композиции, и так же могут являться одной из остановок в прогулках взгляда зрителя по картине. Поэтому важно не просто написать что-то в свободном углу, а сделать это так, чтобы каллиграфическая надпись поддерживала, а не разрушала целостное впечатление от картины.

Ещё раз напомню, что любой объект, рассматриваемый системой у-син — пятимерен и в связи с этим мы не можем придумать картину, написанную лишь только при помощи одного композиционного приёма, в любой есть все 5. Просто один может быть выражен больше другого.

Так что вопрос о том, как соотносится система у-син и её живописное выражение не может быть односложным и содержит в себе как минимум 2 уровня: у-син в мазке и у-син в композиции. Но есть ещё и третий уровень – образность. Всё-таки в живописи от образности далеко не уйдёшь. И опять мы приходим в гости к дедушке Юнгу, который довольно чётко описал архитепические образы и их значения. Ну а какая здесь связь с у-син понять легко, ведь конкретные образы вызывают у людей конкретные эмоции. А эмоции, как известно из статьи Cистема 5-и энергий У-СИН легко соотносятся с этими базовыми элементами китайской философии. Есть эмоции Ян, которые возбуждают, приводят в тонус, есть эмоции Инь, которые тонус понижают.

Вот, что получится, если разобрать всё на детали. Это всё важно знать художнику, создающему картину, но для неискушённого зрителя, как правило, всё решается по критерию нравится/не нравится за несколько моментов созерцания картины. И здесь уже в действие вступают другие важные факторы, о которых я писал в статье про 4 типа художественной критики

Как известно, система у-син это не только 5 элементов, но и взаимосвязь между ними. А взаимосвязи, как известно, бывают и порождающие и подавляющие. Как это может выражаться при создании картины? На самом желе это тема для отдельной статьи. Если коротко ответить на вопрос, то так: если автор хочет создать Янскую по воздействию картину, то стоит применять быстрые движения дерева и огня, соответствующую организацию композиции и образы. Если нужно впечатление Иньское, исходим из того же постулата. Так же можно поступать и с созданием картин определённых качеств, привязанных к у-син. Законы подавления вступают в силу тогда, когда существует неувязка между типом композиции и типом мазка. «Стихия композиции» всегда будет подавлять «стихию мазка». Вот, например, возьмём случай монохромных классических картин с изображением бамбука. Хотя мазок, которым рисуют бамбук – довольно бодрый и янский, Иньская композиция и нейтральность самого образа, подавляют Ян мазка по принципу подавления Металл – Дерево. В результате, мы получаем довольно спокойное впечатление от бамбука.

Совсем иначе обстоит с цветной гун-би живописью цветов и птиц. Динамичность образов птиц и цветов и богатая колористика подавляет довольно иньское впечатление, которое получаешь от прорисованных до малейшей детали птиц и растений по принципу подавления Огонь-Металл и Дерево-Земля.

Вот так многосложно выглядит ответ на довольно простой вопрос о том, как в живописи у-син реализована концепция философской системы у-син.

Метки:

живопись    живопись У-син    Китай    китайская живопись    У-син

Живопись У-син

Цитата из интернета: «Живопись У-син — это техника саморазвития, построенная на основе  сочетания приемов китайской  живописи  гохуа, системы  5-ти  элементов  У-син и  других  понятий  даосской  натурфилософии. Изображение предметов, существ  и пейзажей в технике живописи  У-син связано  больше  с познанием  их внутренней сущности, чем внешней формы».

 

Техника живописи возникла в конце 90-х годов XX века. Основные принципы были сформулированы Максимом Парнахом. 

 

Парнах за несколько вечеров систематизировал мазки китайской живописи в соответствии с метафизикой  У-син и создал фундамент техники, с помощью которой можно научиться рисовать за короткий срок.

 

Парнах пытался найти связь с традиционной китайской живописью, но принципы У-син нигде не использовались, хотя 5 движений являются базисными для многих практик, рожденных в Китае.

 

Принцип  У-син внедрен в практику чайной церемонии, в медитацию (где 5 органов У-син (печень, сердце, поджелудочная железа, легкие и почки) исцеляют с помощью 5-ти цветов  У-син (бирюзовый, красный, золотистый, белый, синий) и 5-ти соответствующих звуков).

 

Живопись У-син позволяет художнику проработать свои психологические качества через движение. На первом этапе обучения художник создает мазки только с помощью движений рукой. Второй этап связан с включением в процесс рисования корпуса. На третьем этапе создание картины превращается в полноценный танец.

 

 

На последнем этапе для человека, практикующего живопись У-син, важно чувствовать тонкие аспекты движения. Процесс увеличения чувствительности связан с преодолением скованности и ограниченности в движениях.

 

Известным фактом является то, что психологические проблемы человека неразрывно связаны с физическими зажимами. Поэтому можно сказать, что картина, выполненная в стиле  У-син,  является своеобразной  психотерапией.

 

В живописи У-син 5 элементов знаменуют 5 качеств энергии — дерево, огонь,  металл, вода, земля.

 

Каждому из этих элементов соответствует определенное движение, и только этими пятью видами мазков художник У-син пишет свои картины.

 

Цель художника, развивающегося в живописи У-син – самосовершенствование. Как правило, неважен конечный результат, важнее сам процесс.

 

Подробнее о 5-ти элементах.

Дерево элемент ян. Дерево проявляет собой  стремительность,  быстроту,  силу, стремление вверх, выносливость, упорство. Четкий, уверенный  ритм показателен для этого типа движения.

Форма мазка – это  линия, начинающаяся и заканчивающаяся точками. Традиционно этот тип мазков используется для рисования бамбука.

 

Элемент Огонь является кульминацией ян. Огонь быстрый, неуловимый, где-то даже игривый. Мазок напоминает  лодку  и выполняется мгновенными, легкими  движениями. Элемент Огня  хорошо подходит для рисования птиц, листьев и лепестков цветов — всё такое  мимолетное  и воздушное.

 

Металл — возрастающий Инь. Он имеет свойство плавиться, переходя из предыдущей твердой формы,  в жидкую. Затем  способен снова перейти в твердую форму.

Мазок  Металл— это линия, напоминающая ленточку, которая имеет сужение в начале и в конце. Примером является рисование  тонких травинок.

 

 

 

Вода — энергия Инь достигает апогея. Она является антиподом огня. Огонь — это жар и мимолетность, а вода — это холод и постепенность, неторопливость. Проявлением эмоций воды  является нежность. Создается благодаря прокручиванию кисти. Примером является рисование цветов, к примеру,  пионов. Также этим движением рисуют дым и закрученные стволы деревьев.

 

 

 

Земля это центр, середина. Основным качеством энергии является структурность. Земля — это точки. Мазки наносятся  держа кисть вертикально к поверхности.

 

Используя качества  5-ти элементов  можно   корректировать настроение людей. В частности, людям с повышенной эмоциональной возбудимостью  рекомендуется рисовать мазками Металла, чтобы  успокаивать лишнюю энергию.

Людям  неуверенным в себе  желательно рисовать мазками  Дерева, чтобы пробудить у себя уверенность, напористость, способность  добиваться поставленных целей.

 

Каждый элемент определенно оказывает свое воздействие. Именно поэтому  технику живописи  У-син первоначально применяли для лечения детей-инвалидов.

 

Довольно  часто бывает, что человеку  удаются мазки, которые не получались, или, наоборот,  возникли сложности с рисованием того, что было легко совсем недавно.

 

Это лишний раз доказывает правильность  теории о связи 5-ти элементов с человеком и   зависимость его эмоциональной составляющей от  влияния на него окружающей обстановки.

 

В настоящее время наиболее известна  школа живописи У-син в Москве. Продолжает начатое Максимом Парнахом  преподаватель Щербаков Андрей. 

Школа китайской живописи

ПРИГЛАШАЕМ ВАС НА КУРС «КИТАЙСКОЙ ЖИВОПИСИ ГОХУА»,

в йога-центр на Юго-Западной!

Время проведения занятия: в воскресенье 12:30-15:00.

Приглашаем вас на мастер-классы по китайской живописи стиля се-и с Еленой Касьяненко!

Теперь в зале на Юго-Западной по воскресеньям 2 раза в месяц (12:30 – 15:00) будут проходить занятия по этой изысканной живописной технике, включающей в себя глубокую философию, символизм, древние традиции, очень красивые сюжеты и аутентичные художественные материалы!

Мы будем рисовать минеральными красками и тушью на рисовой бумаге китайскими кистями, открывая в себе художника и наслаждаясь медитативным процессом.

На занятиях мы будем изучать различные сюжеты жанров «цветы и птицы» и «горы-воды».

Китайская живопись по своей сути отлична от западной, т.к. в ней используются другие принципы – основной акцент, особенно в стиле се-и («свободная кисть»), идет не на точной передаче формы изображаемого объекта,  а на выражении его сути и живости. Мы рисуем свободными движениями, пятнами, линиями, из которых потом получаются узнаваемые, легкие, ясные образы цветов, плодов, птиц, рыбок, а также загадочные пейзажи.

Китайская живопись (国画 или гохуа, где «го» — это государство, а «хуа» — живопись) — это вид изобразительного искусства, насчитывающий, по оценкам китайских специалистов, более 5 тысячелетий. Китайская живопись существенно отличается от западной живописи своими техническими приемами, материалами, философией, традициями, что делает ее изучение и практику особенно интересными.

Китайская философия базируется на взаимодействии двух полярных энергий — «инь» (женской) и «ян» (мужской). Янская энергия — светлая, солнечная, жаркая, активная, проявленная, двигающаяся вверх. Иньская энергия — темная, лунная, холодная, пассивная, обтекаемая, мягкая, двигающаяся вниз. Вместе обе энергии состоят в балансе и постоянно перетекают друг в друга, где в каждой из них содержится частица своей противоположности.

Для китайской живописи эти понятия очень важны, так как живопись тоже проявляет эти две базовые энергии. В картине должны присутствовать пустота и наполненность, влага и сухость, насыщенные цвета и полутона, пятна и тонкая прорисовка, что соответствует противоположностям «инь» и «ян». Таким образом, практикуя китайскую живопись, мы еще работаем и над собственным балансом энергий, познаем себя и самосовершенствуемся.

Китайская живопись очень символична. Почти каждый цветок, плод, насекомое, птичка, рыбка, животное и т.д. несут свой смысл, который зашифровывается в картине. Например, древовидный пион — это символ богатства и высокого положения в обществе, глициния — цветок женской красоты, нарцисс символизирует чистоту и неподкупность, рыбки — к деньгам, а любые парные символы говорят о любви и счастливом супружестве.

Хочется еще отметить такую особенность китайской живописи, как связь с каллиграфией, еще одним древним видом искусства в Китае. Красивое письмо являлось необходимым навыком для образованных людей, поэтому многие государственные служащие, чиновники, владея каллиграфией, могли нарисовать и традиционные сюжеты китайской живописи, такие как бамбук, орхидею, хризантему, цветущую сливу, нарциссы и другие, в основе которых лежит каллиграфическая линия. Поэтому часто говорят, что китайскую живопись не рисуют, а пишут, и не смотрят, а читают. Элементы каллиграфии — неотъемлемая часть китайской живописи.

Вообще, китайскую живопись можно понять, технику можно освоить в ходе практики, здесь не нужно иметь художественных способностей и особых талантов в западном понимании этого слова. Поэтому китайская живопись открывает двери всем, кто хочет заняться художественной практикой, прикоснуться к своему творческому началу, ощутить внутренний баланс и состояние медитации. И пусть это будет цветок или птичка, а не эпохальное многосложное полотно — в китайской живописи даже в одном маленьком цветке или букашке воплощена Вселенная!

Мастер-классы подходят для новичков, кто никогда не рисовал! На уроке мы пошагово разбираем каждый сюжет, тренируем отдельные элементы и в конце пишем красивую композицию на рисовой бумаге. Мы также знакомимся с основами китайской каллиграфии, еще одним древним видом искусства, и пишем благопожелательные иероглифы тушью.

Творчество – процесс созидательный, наполняющий, очень ресурсный! Приходите к нам на занятия, чтобы открыть для себя волшебный мир китайской живописи!

Занятия проходят в йога-центре на Юго-Западной:

по воскресеньям 12:30-15:00.

м. Юго-Западная, ул.26-ти Бакинских Комиссаров д.12 корп.2. 

Необходима предварительная запись у администраторов

йога-центра на Юго-Западной по тел.   (499) 739-56-03. 

от древних времен до эпохи Цин

Мы весь урок говорили о китайском искусстве. Давайте еще раз вспомним главное.

🏺 Доисторическое искусство (5–2 тыс. лет до н. э.). Расписная керамика с геометрическими орнаментами красками красных, черных и белых цветов, в которых угадываются иероглифы. В Луншани найдена черная, гладкая и блестящая посуда без росписи.

🐲 Эпоха Шань (16–11 века до н. э.). Керамика с проработанными деталями, появляются новые символы — птица и дракон, цикада и бык. Часто резко выступают декоративные элементы, символизирующие стороны света.

🎨 Эпоха Чжоу (1045–221 до н. э.). Появляется поэзия, новые образы в литературе. Живопись становится самостоятельным видом искусства, впервые расписывают шелковые ткани.

✍️ Эпоха Цин (221–206 до н. э.). Унифицирована письменность, развивается торговля. Один из главных памятников — Терракотовая армия в мавзолее Шихуанди.

🐎 Эпоха Хань (206 до н. э. – 220 н. э.). Четкая планировка городов и зданий, появляются каноны изображений животных и людей. Много произведений создается для следования культу предков: погребальная архитектура, скульптура, живопись.

⚔️ Эпоха Северных и Южных династий (220–618). В Китай проник буддизм. Храмы строят приглашенные мастера, делясь опытом. Искусство ищет новые изобразительные и образные средства, чтобы выразить сложные буддийские концепции. Начинается слияние живописи и каллиграфии.

🏔 Эпоха Тан (618–907). Совершенствуется изготовление шелка и бумаги, развиваются науки. Живопись достигает расцвета, сюжеты становятся богаче, развивается портретный жанр. Пейзаж в двух вариантах: природа как сфера деятельности человека и природа как главный герой.

🐦 Эпоха Сун (960–1279). С постоянными угрозами извне природа для художников олицетворяет прочность, незыблемость бытия. Пейзаж расцветает, возникают жанры «Цветы и птицы» и «Растения и насекомые».

⌛️ Эпоха Юань (1280–1368). Монгольское владычество: в искусстве упадок и уныние, в пейзажах культ старины, ориентация на образцы прошлого. Часть художников становилась отшельниками, часть оставались при дворе и писали жанровые сценки и изображения животных.

🌸 Эпоха Мин (1368–1644). Ориентация на традиции и каноны. В Пекине строят Запретный город, другие архитектурные ансамбли. В живописи стирается индивидуальность художников. Начинают делать эмали.

🌏 Эпоха Цин (1636–1912). Продолжается тренд на традиционализм. Активная торговля с Европой, фарфор, лакированные изделия, резьба по дереву и лаку.

Традиционная китайская гохуа и японская живопись каллиграфия

Мы приглашаем на занятия традиционной китайской и японской живописью и каллиграфии всех, кого не оставляют равнодушными загадочное искусство Востока, всех, у кого есть желание научиться создавать картины – можно с нуля, без предварительной подготовки и, конечно, тех, кто мечтал найти мастера, настоящего учителя, который опытным глазом увидит и подскажет, какие моменты вашего творчества необходимо совершенствовать, а какие надо реально ценить и развивать.

Все очень просто, доступно и увлекательно – было бы желание!

 

Московский клуб «Две империи» (бывший Пурпурный Город) приглашает всех желающих на уроки японской живописи СУМИ-Э и китайской живописи ГОХУА. Также в нашем клубе проводятся занятия музыкой, обучение языкам и древнему искусству японской и китайской каллиграфии.

Постигая китайскую живопись, Вы погрузитесь в основы глубокой философии востока и увидите необычайную эстетику в окружающих привычных вещах, а в том, что казалось чем-то необычным и неординарным рассмотрите вполне понятную и естественную закономерность.

Если Вы решили приобщиться к древнему художественному искусству Китая, то милости просим Вас в нашу студию. Обучение не требует первоначальных художественных навыков.

 

 

Китайская живопись Гохуа, два стиля

 

Китайская живопись своими корнями уходит в глубокую древность. По разным источникам она насчитывает 5-6 тыс. лет. Китайская живопись разительно отличается от европейской, как по использованным материалам, так и по технике и художественным средствам.

Китайские мастера пишут свои картины на так называемой рисовой бумаге и на шелке, используя при этом тушь и краски растительного и минерального происхождения. Картины имеют форму свитков, горизонтальных и вертикальных.

В китайской живописи Вы не найдете образов, выраженных объемом, формой, светотенью. Здесь не применяется перспектива. Здесь нет четких математических расчетов и правильных пропорций. Китайская живопись линейна и символична. Если картины европейских художников рассматривают, то картины китайских мастеров в большей мере читают. Китайские картины всегда содержат в себе какую-либо философскую идею.

Китайская живопись Гохуа это буквально национальная живопись. Художники рисуют на рисовой бумаге тушью. Стоит отметить, что в Китае живопись и каллиграфии очень тесно связанны, и по этому каждый художник еще и каллиграф. Гохуа включает в себя стили: гунби и се-и.

Стиль Се-и это в свободной форме передача идеи и полет фантазии. Это живопись поэтов и философов. Включает в себя разные жанры: животные, люди, цветы, пейзаж, птицы. Здесь присутствуют широкие, размашистые штрихи и кажущаяся небрежность. Се-и называют стилем грубой кисти.

Силь Гунби использует реалистичную технику. Его так и называют — тщательная кисть. В этом стиле деталям придается особое значение, тщательно прорисовывается каждый элемент со всеми подробностями. Императорские художники должны были владеть данным стилем виртуозно.

Китайская живопись, несмотря на самобытность, широко известна за пределами страны своего появления, и как неотъемлемая часть китайской культуры, оказывает влияние на развитие человеческой цивилизации. Учитывая исторические особенности развития Китая, живопись, сформировавшаяся в условиях многовековой изолированности, выработала свои, уникальные технические приемы и художественные средства выражения.

Традиционная китайская живопись не использует игру светотени и математическую выверенность перспективы, не стремится к гармоничной пропорциональности и фотографически точному отображению реальности. Отказавшись от присущей полотнам европейских художников объемности изображения, китайские мастера, следуя путем условности и символичности, довели до совершенства линейную выразительность. Многоплановость смысловой нагрузки каждой детали картины позволяет посвященному понимать заложенный в произведении посыл автора, практически «считывая» его при просмотре.

Одновременно с условностью и символичностью, китайская живопись имеет ярко выраженный декоративный характер, из-за чего картины буквально излучают положительный настрой. Картина, в представлении китайцев, должна приносить в дом радость и успех, поэтому негативным эмоциям в живописи просто нет места.

Примечательно, что в китайской живописи не сформировался, в привычном для европейца понимании, натюрморт. Такое, подчеркнуто статичное изображение неодушевленных предметов, для китайского художника лишено смысла, ибо противоречит стремлению сделать изображение жизнеутверждающим. И любой неживой предмет должен быть «вписан» в действительность присутствием предмета живого. Поэтому суровость камня на китайских картинах всегда смягчена присутствием растения, а фрукт непременно соседствует с веткой, на которой он вырос.

Для обучения китайской живописи используется оригинальный метод «Четверо благородных», созданный жившим во времена правившей с XIV по XVII века династии императоров Мин, художником Чэнь Цзижу. Так, при изображении четырех растений — хризантемы, орхидеи, дикой сливы и бамбука, ученик постигает базовые приемы китайской живописи, служащие основой для развития мастерства любой, самой высокой степени.

Живопись и каллиграфия — две родные сестры

Живопись в Китае неразрывно связана с каллиграфией. Здесь используются одни и те же материалы и инструменты. Живопись и каллиграфию, из-за их родства, называют сестрами.

Китайская каллиграфия по сути является элементом живописи и развивалась она одновременно с мастерством изображения, на протяжении столетий.  Художественно выполненный иероглиф, как фрагмент картины, способствует раскрытию ее смысла. С точки зрения китайцев, совершенное произведение органично объединяет элементы живописи, поэзии, каллиграфии и мастерства изготовления резных печатей. Художник обязан быть каллиграфом, а овладение каллиграфией невозможно без освоения приемов живописи. Имеющие общие принципы живопись и каллиграфию называют родными сестрами, и для любого человека их освоение станет важной ступенью в самопознании и культурном развитии.

В кождом из нас спит художник!

Для пробуждения таланта художника китайская живопись подходит современному европейскому человеку как никакая другая, и окунуться в неповторимую атмосферу Востока, не покидая Москвы, приглашает досуговый и образовательный центр восточной культуры «Две империи». Методики обучения, созданные опытными наставниками центра, дают возможность обучаться и совершенствоваться людям любого возраста и уровня подготовленности. Даже если вы абсолютно не умеете, но очень хотите рисовать, стремитесь развить имеющиеся навыки, или просто интересуетесь восточными практиками, удовлетворить ваши культурные запросы смогут проводимые центром «Две империи» мастер-классы на темы:

• традиционная китайская живопись;
• китайская и японская каллиграфия;
• японская живопись суми-э;
• японская каллиграфия;
• основы китайского языка;
• китайская и японская музыка;
• китайская чайная церемония.

 

Участие в мастер-классах и прохождение курсов не требуют музыкального или художественного образования, все наше обучение рассчитано на тех кто только начинает делать первые шаги в на пути познания живописи и графики, так и для тех кто желает совершенствоваться в своем мастерстве.

На занятиях преподаватели центра помогут вам владеть теорией и практикой китайской и японской живописи и каллиграфии, будем учиться техники акварели и живописи маслом. В доброжелательной атмосфере будем знакомиться с восточными философскими воззрениями, угостят настоящим китайским чаем.

Приходите, будем учиться, общаться, пить ароматный чай, слушать музыку и беседовать о прекрасном.

Китайская живопись у син техника рисования. Материалы для китайской живописи

Китайская живопись — это древнее искусство, для занятия которым вам понадобятся особые художественные материалы. О них мы и расскажем в данной статье.

Сначала мы поговорим о «четырех драгоценностях кабинета ученого» — так уважительно называли кисть, тушь, тушечницу и рисовую бумагу в древности.

Кисти

Для китайской живописи используются аутентичные китайские кисти. Их особенность — острый кончик, который мы используем для выполнения мазков, каллиграфических линий, а также способность удерживать большое количество влаги (туши или воды) и постепенно ее отдавать.

Кисти бывают разных размеров — от тоненьких в несколько волосков контурных кистей для техники гунби (в пер. «работа кистью» или «тщательная кисть») до огромных с длинными ручками, которыми можно писать иероглифы или рисовать стоя, ощущая особую амплитуду работы с кистью, задействуя в процессе практики все тело.

По степени жесткости кисти бывают мягкие, жесткие и комбинированные.

Мягкие (в большинстве случаев используется ворс козы, «янхао») позволяют делать красивые пятна — лепестки цветов, листья, горы на дальнем плане, используются также для тонирования изображения в пейзажах.

Жесткие кисти (обычно с темным ворсом, «ланхао», это может быть волк, барсук, кролик, конский волос и т. д.) идеально подходят для рисования веток, стебельков, контурных линий. Однако, кистями большого размера с тем же успехом можно рисовать листья, лепестки и использовать для тонирования. Тут уже речь идет о личных предпочтениях художника и тех спецэффектах, которых можно достичь, используя тот или иной тип ворса.

Очень хороши в использовании комбинированные кисти: мягкий ворс снаружи и упругий внутри. Такие кисти очень маневренные.

Хорошая кисть — залог успешной практики. Ворс должен быть ровно пострижен, не должен лезть, должен быть упругим, однородным по составу. Кисти после использования нужно тщательно промыть в прохладной воде и подвесить за специальную петельку для просушки.

Тушь и тушечница

Тушь в китайской живописи — это больше чем «черный цвет», это, можно сказать, ее кровь, основа основ. Китайская тушь состоит из сажи и клея животного происхождения. Сажу могут получать от сжигания смолы различных пород деревьев, растительных масел, животных жиров или натуральных минералов. Полученную смесь в ходе специальной технологической обработки формируют в бруски. Полученные бруски туши могут быть красиво декорированы.

Для того, чтобы приготовить тушь для живописи или каллиграфии, брусок туши растирают на специальном тушечном камне в небольшом количестве воды до получения необходимой консистенции. Это своего рода медитация и настройка перед практикой.

На уроках мы используем уже готовую жидкую тушь. Для учебных целей она вполне подходит.

Рисовая бумага

Бумага для китайской живописи изготавливается из древесных и растительных волокон, чаще это волокна коры тутового дерева, конопли, бамбука, рисовой соломы, других натуральных материалов, обработанных специальным образом. Высококачественная рисовая бумага изготавливается большими листами вручную. Существует множество сортов рисовой бумаги разной степени впитываемости, цвета, фактуры. Самая лучшая рисовая бумага называется «сюань» и производится в провинции Аньхой.

У рисовой бумаги можно выделить 3 основных вида. Существуют разные версии перевода. Я укажу некоторые из них:

Непроклеенная, сырая, «молодая» (шен сюань), хорошо впитывающая, отлично подходит для живописи в свободном стиле се-и (пер. с кит. «пишем смысл, идею»), степень впитываемости может быть самой разнообразной, а также появляющиеся спецэффекты у расплывающихся пятен;

Проклеенная, обработанная, «зрелая» (шу сюань), плохо впитывающая воду, подходит для стиля гунби («тщательная кисть») и многочисленных слоев тонирования;

Бумага для пейзажей (ни зрелая, ни молодая), сочетает в себе оба свойства вышеперечисленных видов, позволяет прорисовать тонкие контуры деревьев и фактуру гор и делать тонирование.

Для знакомства с китайской живописью и тренировочных работ подойдет рисовая бумага в рулонах, которую можно купить в художественных магазинах.

Минеральные краски

Для ученических целей мы используем готовые краски фирмы «Maries». Краски состоят из растительных и минеральных пигментов, смешанных с клеем. Можно купить набор из 12 или 18 цветов (по 12 мл). Потом можно будет докупать отдельно закончившиеся цвета.

Войлочный коврик

Необходим, чтобы рисовая бумага не прилипала к столу, не пачкалась и не рвалась. Лучше покупать коврик размером 50 на 70 см.

Вместо специального коврика можно использовать кусок войлока, байковое одеяло или что-то подобное:)

Керамические палитры

Для смешивания красок или разведения оттенков туши можно использовать специальные палитры, хотя я предпочитаю использовать обычные керамические блюдца белого цвета — они позволяют смешивать необходимые цвета и в необходимых количествах без ограничений.

Печати и киноварь

Необходимым атрибутом любой работы, выполненной в технике китайской живописи или каллиграфии является печать. Печать представляет собой красивый камень самых разнообразных форм и размеров, на котором вырезают важные для заказчика иероглифы: имя, псевдоним, философскую фразу, реже — изображение цветка, животного и т. д. Печати бывают янские (красные иероглифы на белом фоне) и иньские (белые иероглифы на красном фоне). Играют большую роль в композиции художественного произведения. Печати были не только у художников, но и у коллекционеров. Заполучив древний свиток прославленного мастера, коллекционер ставил на нем свой оттиск. Поэтому на картинах древних мастеров мы видим столько разнообразных печатей!

Для оттиска используется специальная паста — киноварь, она красного цвета. Кстати, сейчас в Китае можно встретить пасту для печатей различных оттенков.

Аксессуары

Для удобства можно еще приобрести подставки под кисти, чтобы не пачкать коврик, но я ими не пользуюсь, т.к. в порыве творчества обычно кладу кисти просто рядом на блюдце или черновик.

Для фиксации рисовой бумаги используются пресс-папье различных форм и размеров. Это могут быть деревянные бруски, большие металлические монеты в дизайне древних денег, небольшие статуэтки — можете придумать себе сами подходящий вариант.

Особая тема — это подставки под кисти и керамические ёмкости для воды. И то, и другое представлено в большом количестве в художественных магазинах Китая. Выбрать очень сложно, потому что все это очень красиво. Подставки под кисти украшены резьбой по дереву, а керамические миски для воды расписаны различными сюжетами китайской живописи, которые мы так любим! Устоять невозможно!

О том, как правильно использовать все эти материалы и создавать картины в технике китайской живописи, мы учим и !

Все необходимые материалы для занятий в нашей студии мы предоставляем. Вы также можете купить материалы для китайской живописи в специализированных интернет-магазинах, чтобы практиковать дома.

В заключение хочется сказать, что не стоит воздвигать барьеров по покупке материалов перед своим желанием начать рисовать! Ведь можно дома тренироваться и на обычной серой, самой дешевой писчей бумаге любыми красками и даже кисточкой из белки с острым кончиком. Творчество присутствует в каждом человеке от рождения, поэтому если вы чувствуете, что ваш творческий путь лежит через живопись — пробуйте, и все получится!

Искренне ваша,

Елена Касьяненко

Добрый день. Меня зовут Андрей Щербаков. Я являюсь руководителем московской Школы живописи У-син. Сегодня я хотел бы познакомить вас с нашим творчеством, показать картины, которые рисуем мы и учим рисовать наших учеников, а также рассказать о взаимосвязи нашей живописи, системы пяти элементов У-син и китайской традиционной живописи.

Живопись у-син – это техника саморазвития, выстроенная на основе совмещения приёмов китайской живописи го-хуа, системы 5-и элементов у-син и других понятий даосской натурфилософии. Изображение предметов, существ и пейзажей в технике живописи у-син связано больше с познанием их внутренней сути, чем внешней формы. Художник, развивающийся в технике живописи у-син, сосредотачивается на познании принципов следования дао через кисть. В живописи у-син есть несколько базовых принципов.

Первый принцип позволяет художнику проработать свои психологические качества через движение. На первом этапе обучения художник создаёт мазки лишь при помощи движений рукой. Второй этап связан с включением в процесс рисования корпуса, на третьем этапе создание картины превращается в полноценный танец. На последнем этапе для человека, практикующего живопись у-син, важно чувствовать крайне тонкие аспекты движения. Процесс увеличения чувствительности связан с преодолением скованности и ограниченности в движениях. Известным фактом является то, что психологические проблемы человека неразрывно связаны с физическими зажимами. Поэтому можно сказать, что живопись у-син является своеобразной разновидностью телесно ориентированной психотерапии.

Второй принцип – заключается в системе У-Син. 5 элементов у-син, знаменуют собой 5 качеств энергии – дерево, огонь, земля, металл, вода. В живописи каждому из этих элементов соответствует определенное движение, и только этими пятью видами мазков художник У-син пишет свои картины. В этом аспекте живопись у-син больше похожа на ушу, чем на академические техники живописи. Особенно много сходства с синъицюань, где 5 базовых форм соответствуют 5-и элементам у-син.

Третий принцип состоит в совмещении в одном рисунке сразу нескольких искусств. Учась живописи у-син, ученик очень быстро выходит за рамки живописи, когда стремится украсить рисунок каллиграфической надписью. Вследствие увлечения каллиграфией, как правило, просыпается интерес к изучению китайского. Необходимость подобрать красивую надпись влечёт за собой интерес к поэзии. И каллиграфия и живопись основаны на координации движений и дыхания, так что очень скоро ученик начинает осваивать элементы цигун. Интерес к отработке движений и необходимость рисовать всем телом порождает интерес к у-шу, танцам и йоге. Создание рисунка в китайской традиции, как правило, завершается печатью. А ведь печать тоже интересно изготовить самому, и так ученик уже начинает увлекаться резьбой и лепкой. А ведь нарисованную картину нужно ещё и красиво оформить и правильно разместить. И т.д. Таким образом, начиная заниматься живописью у-син, человек оказывается втянутым в процесс постоянного самосовершенствования.

Четвёртый принцип: в непривязанности к художественному результату. Цель художника, развивающегося в живописи у-син – самосовершенствование. Картина, которая получается в результате, выступает лишь как критерий развития художника, не являясь при этом целью самого творческого процесса.

Что такое 5 элементов у-син и как эта система воплощена в живописи.

Лучше всего посмотреть видео, в котором я подробно об этом рассказываю:

В качестве образцов живописи у-син, предлагаю посмотреть видео с моими последними картинами:

Тема живописи У-син весьма обширна, количество картин велико, поэтому, если у вас есть желание познакомиться с творчеством поближе, рекомендую

М ы очень долго шли к открытию классов по живописи У-Син. И вот все договоренности достигнуты и с нами теперь мастер Андрей Щербаков ! Это один из самых известных преподавателей китайской живописи и каллиграфии в нашей стране .

По числу элементов в живописи У-Син имеются пять перводвижений , которые, по сути, являются языком этой живописной традиции. Чтобы нарисовать что-либо, необходимо почувствовать стихию этого объекта, увидеть его истинную природу. Как это увидеть, начать лучше понимать себя и окружающий мир, как развить свою чувствительность и интуицию? Ответ на эти вопросы дает живопись У-Син.

Андрей Щербаков показывает основные мазки живописи У-Син

Язык живописи У-Син открывает безграничные горизонты для творчества и самопознания.

Максим Парнах рассказывает о сути живописи У-Син в интервью Андрею Щербакову

Уже на первом занятии У-Син вы напишете прекрасную работу — даже если до этого никогда не рисовали. Однако не стоит нацеливаться на результат, гораздо большее значение имеет сам процесс и ваша медитация с кистью в руках и красками на столике. Одним из самых ценных результатов занятия живописью У-Син является расширение вашего сознания за пределы бытового ума. Не менее ценным будет приобретенный вами ресурс художественного видения, расширяющего восприятие окружающей действительности, дающего свободу мышления.

Освоение живописи У-Син позволит вам спустя какое-то время нарисовать хорошую картину как в китайском, так и в европейском стиле. Сколько времени на это уйдет зависит только от вас.

Работа Андрея Щербакова

Приглашаю Вас присоединиться к нашим урокам по живописи у-син этим летом. Основа живописи у-син это искусство чувствовать природу, искусство взаимодействия с внешним миром. Именно этому по сути мы и учимся в нашей живописи пяти первоэлементов.

Сегодня представляю вашему вниманию очень большое и информационно насыщенное интервью. Совершенно неожиданно для меня оно получилось не просто большим, а гигантским. Но делить на две части все же не решились – формат одного поста наиболее удобен. Если для вас понятия «китайская живопись» и «у-син» незнакомы, советую почитать предыдущую статью – , в которой найдете массу полезной информации, картины и видео. Ну, а если уже читали, то рекомендую не пропускать это интервью. Так что заваривайте себе чашку хорошего зеленого чая или кофе, или любого другого напитка, устраивайтесь поудобнее и читайте.

Идущий: Андрей, скажи пожалуйста, что ты нашёл интересного в живописи у-син, почему ты ей занимаешься? Что тебе даёт эта живопись и почему именно она, почему не другая техника?

АЩ: Это интересный вопрос. Для меня живопись у-син, – это, прежде всего, проводник на пути духовного развития. Для меня это практика саморазвития, в первую очередь, и только потом – тип самовыражения или художественная техника. Живопись у-син содержит в себе яркую демонстрацию принципов даосской и буддистской философии.

Тут важно понимать, в чём разница между реальной практикой развития и простым самовыражением. Самовыражение – это просто выплёскивание всего, что есть внутри или снаружи, на лист. Практика – это постоянная работа над собой, над собственной ограниченностью, над собственными движениями и собственным видением. Если самовыражение направлено вовне, то практика – всегда внутрь.

Идущий: А как же быть с преподаванием, оно ведь имеет внешнюю направленность?

АЩ: Ну, это зависит от точки восприятия, ведь формально и живопись тоже направлена вовне. Практикой саморазвития может быть всё, что угодно: и преподавание, и бизнес, и личные отношения, и многое другое. Главное – это правильно зафиксировать точку восприятия.

Идущий: А можно подробнее про то, как в этом искусстве воплощены принципы даосизма и буддизма?

АЩ: Начнём с Даосов. Основной принцип заключается в так называемом «недеянии» (无为 у-вэй) и следовании естественному пути. Увэй очень наглядно демонстрируется рисованием «от пятна», когда вначале наносишь пятно, затем, с минимумом доработок превращаешь его в объект. В живописи у син – нет эскизов. Рисунок формируется быстрыми мазками и пятнами. Таким образом, никогда точно не знаешь, что получится в итоге. Когда рисуешь таким способом, понимаешь, что нет возможности испортить рисунок, ведь любая нежданная клякса может органично вписаться в целостность рисунка, если следуешь естественности, не навязываешь рисунку слишком много своего. Таким образом, получается, что это не автор формирует рисунок, а рисунок помогает автору сделать следующий шаг в саморазвитии.

Такой тип рисования очень сильно способствует повышению гибкости ума и тела. Если человек занимается живописью у-син серьёзно, то перед ним обязательно начинают открываться новые жизненные горизонты потому что он начинает видеть больше. Надо понимать, что корнем неудовлетворённости жизнью обычно является именно слишком большая зажатость, и жёсткость в суждениях, мыслях и действиях. Стоит начать работать над гибкостью ума и тела и жизнь начнёт меняться. Вот живопись у-син – это одна из таких практик.

Идущий: а с буддизмом что?

АЩ: Здесь всё дело в НЕпривязанности. Тот, кто воспринимает живопись у-син, как практику, должен стремиться, всеми способами, освободиться от привязанностей. Прежде всего, привязанностей к результатам своего труда. Я даже, в своё время, делал такую интересную практику. Сначала долго работаешь над картиной, а затем сжигаешь её. При этом самое важное изначально знать, что ты потом её сожжёшь. Короче, важно понимать, что не результат художественный важен, а те внутренние открытия, которые сделал художник, рисуя картину.

Не стоит также привязываться и к собственному стилю, наоборот, следует находиться в постоянном поиске чего-то нового. Здесь, кстати гигантское различие с психологией обычного художника, для которого важнее собственного стиля ничего нет.
На самом деле привязка мазков к 5-и элементам у-син, как и любые художественные каноны, это всё то, что художник, практикующий усин, со временем должен отбросить, в поисках той самой истины, которую не произнесёшь словами.

Идущий: В анонсах, посвящённых живописи у-син говорится о том, что эта техника имеет арт-терапевтическое влияение. О чём конкретно идёт речь?

АЩ: Да, действительно арт-терапевтическое влияние есть. Это влияние отмечают и профессиональные психологи, например, Юлия Зима (https://komninus.livejournal.com/49143.html). Многие психологи взяли эту технику на вооружение. Я знаю, что Киевская арт-терапевтическая ассоциация применяет живопись у-син в работе с клиентами.

Первый уровень этого арттерапевтического влияния в том, что, расслабляя определённые телесные зажимы, человек может избавиться от зажимов психических. Этот факт известен из теории и практики телесно ориентированной психофизики.

Второй уровень – в том, что раскрепощая свои движения, человек знакомится с новым для него способом взаимодействия с реальностью. Вот здесь влияние нашей живописи очень легко понять и проследить. Например, человек по жизни слишком прям и умеет лишь оплеухи направо и налево раздавать, а с гибкостью незнаком в принципе или уже забыл, что это такое. Такое часто случается с женщинами, забывшими про свою женственность. Вот у этого человека получаться будут только прямые, жёсткие мазки «Дерева», а гибкий – «Металл», будет новым типом действия. И если человек его освоит, то это может стать большим шагом вперёд.

Третий уровень – это работа с образами. Здесь мы подбираемся к «Юнгианству». Чтобы понять, как идёт работа с образами, приведу один рабочий пример. Известно, что Дерево, является архитепическим и важным, для каждого человека, образом. Самое интересное, что дерево подсознательное у каждого – своё, и подсознательный рисунок дерева может многое сказать о человеке. А если начать работать с этим символом, показать человеку, что существуют и другие типы деревьев, добиться пластичности его «внутреннего дерева», можно добиться очень хороших результатов.

Интересно, насколько большие успехи может принести эта техника на поле реальной терапии. Мой учитель, Максим Парнах, специализируется на работе с детьми-инвалидами. При помощи техники Живописи У-Син он нередко «вытаскивал» детей из ДЦП.

Идущий: С философией более-менее ясно, а теперь давай поговорим о технике. Насколько я помню из видео, движением стихии огня ты рисуешь листья бамбука. Нет ли тут противоречия? Зеленые живые листья и вдруг стихия Огонь?

АЩ: Приёмом Огонь можно рисовать не только листья, но и рыбок, птичек, лепестки цветов и многое другое. Почему же так? Вопрос вроде бы был простой, но ответ чуть глубже, чем кажется. У-Син, в переводе с китайского, это всё же не пять стихий, а пять движений, иероглиф «син» переводится, прежде всего, как движение. Поэтому если мы говорим про у-син, то это будет мир энергий, ведь энергия – это мера движения. Пять «элементов» у-син – это пять качеств движения. Понимание этого факта влечёт за собой очень интересные метаморфозы в понимании мира. Об этом я довольно подробно пишу в этой статье про у-син: https://komninus.livejournal.com/39986.html

Огонь – это мимолётное и взрывное движение. Если слабое, то оно подобно полёту бабочки, если сильное, то похоже на взрыв бомбы. И рисуют им всё, что наделено мимолётной природой. В растениях самыми подвижными являются листья, они опадают осенью и вырастают весной, на ветру они колышутся, постоянно меняя направление, вот ствол дерева не наделён такой динамикой, он значительно более статичен и основателен.
Таким же движением «огонь» рисуют и многие цветы, чтобы подчеркнуть мимолётность и яркость их жизни. Таковы же по своей природе и рыбки с птичками, это самые неуловимые в мире существа. Передача такой мимолётности происходит при помощи быстрого движения запястьем, ведь эта часть руки способна на самые быстрые движения.

Идущий: Какой материал ты используешь для рисования? Бумага это понятно, а еще? Тушь, Чернила, гуашь, акварельные краски? Если разные материалы – мог бы ты сказать, в чем разница при работе с каждым из них? Не связываешь ли ты краски с усин? Нужно ли для рисования использовать специальные кисти и краски? Какие именно?

АЩ: Вот при ответе на такие вопросы я всегда вспоминаю, что у-син это метафизика, то есть она выше формы. Поэтому живопись у-син можно рисовать при помощи чего угодно и на чём угодно. Чем дальше я этим занимаюсь, тем больше удостоверяюсь в верности своего мнения. Другое дело, что быстрыми мазками у вас будет получаться рисовать
китайскими кистями для каллиграфии. Это будет более «по-китайски» и значительно легче будет учиться. А так, вообще: полная свобода.

Известно, что у-син связан с красками – дерево, например, это бирюзовый, огонь – алый и т.д. Некоторые современные практики, например, Джун Юань цигун используют цветотерапию по у-син. Лично я являюсь сторонником осознанности, а не тупого следования чужому мнению. На личном опыте я пока что не выявил объективных связей одного с другим. Лично мне кажется, что здесь-то, как раз, всё работает наоборот. Человек сам себе сначала внушает, что бирюзовый цвет и печень как-то связаны, а потом уже применяет этот свой тип самогипноза.

Связь между у-син и колористикой картины весьма возможна, но тогда надо более комплексно подходить к вопросу. Например, картины Гогена наполнены контрастами холодного и тёплого, что пробуждает в сердце смотрящего настоящее кипение эмоций, поэтому контраст холодных и тёплых тонов – это энергия «Огонь». А вот монохромная японская живопись суми-е часто вызывает ощущение спокойствия или даже грусти и поэтому подобный контраст тёмного и светлого можно отнести к энергии «Металл» ну и т.д.

Идущий: В какой гамме тебе больше всего нравится работать монохром или цвет?

АЩ: Честно говоря, я за разнообразие. Как уже было сказано выше, в живописи у-син у художника нет задачи создать свой стиль. Стиль, как и другая форма, как бы приходит извне, параллельно задачам, которые в данный момент стоят. Среди моих работ можно найти и цветные и монохромные. В последнее время я больше склонен к монохромной живописи, но и это, думаю – временно.

Идущий: Какой стиль китайской живописи больше всего привлекает? Вот меня, например, горы-воды и совершенно не интересуют птицы. Интересно, из этого можно сделать какой-либо вывод? Ведь стилей тоже 5.

АЩ: Ой, ну не знаю, стоит ли тут какие выводы делать. Как известно, лишь психолог-дилетант стремится сразу всем диагнозов наставить. Стилей-то конечно 5, это так, но там другая классификация. Опять же не в форме дело, а в движении взгляда по картине. Как взгляд перемещается, как он переходит от объекта к объекту, вот это действительно важно.
Я тоже люблю пейзажи, наполненные туманами и горами. Мои любимые китайские художники – Ма Юань и Ся Гуй, жившие во времена династии Сун.

Идущий: Правда, ли, что любой человек может научиться рисовать?

АЩ: Да, это правда. Живопись у-син – это техника, в которой, всего за 2 месяца можно достичь очень хорошего уровня, даже если ты стартовал с абсолютного нуля. Дело в том, что современные академические техники, как китайские, так и европейские, часто перенасыщены деталями, которые на первом этапе абсолютно не нужны человеку. А зная строение современной психики, можно смело сказать, что они скорее закомплексовывают, чем освобождают человека. Живопись у-син даёт самую суть, без всяких изворотов и поэтому научиться рисовать с нуля в этой технике очень легко.

Часто люди думают, что для того чтобы научиться рисовать, нужен какой-то особый талант. Это совершеннейшая неправда. За последние несколько лет я выпустил более тысячи учеников. Статистика показывает, что единственное, что нужно для того чтобы преуспеть в этой области – это иметь чёткое намерение научиться и много работать над собой. Две основные преграды – это лень и интеллектуальная импотенция. Лень и интеллектуальная импотенция дополняют друг друга и как раз и создают тот порочный круг из которого 90% не могут выбраться: не буду, не хочу, не могу… Особенно опасна интеллектуальная импотенция для мужчины, ведь за ней наступает реальная импотенция.

Идущий: Почему вникнув в суть живописи У син, ты рисуешь в китайском стиле, а не в своем личном, например? Разве у русского человека может быть и китайское мировосприятие?

АЩ: Интересный вопрос. На самом деле, на первом этапе китайский стиль мне был интересен постольку-поскольку. Вы можете посмотреть мои ранние картины, там часто Китай вообще не причём.

Вот примеры:

Добрый день. Меня зовут Андрей Щербаков. Я являюсь руководителем московской Школы живописи У-син. Сегодня я хотел бы познакомить вас с нашим творчеством, показать картины, которые рисуем мы и учим рисовать наших учеников, а также рассказать о взаимосвязи нашей живописи, системы пяти элементов У-син и китайской традиционной живописи.

Живопись у-син – это техника саморазвития, выстроенная на основе совмещения приёмов китайской живописи го-хуа, системы 5-и элементов у-син и других понятий даосской натурфилософии. Изображение предметов, существ и пейзажей в технике живописи у-син связано больше с познанием их внутренней сути, чем внешней формы. Художник, развивающийся в технике живописи у-син, сосредотачивается на познании принципов следования дао через кисть. В живописи у-син есть несколько базовых принципов.

Первый принцип позволяет художнику проработать свои психологические качества через движение. На первом этапе обучения художник создаёт мазки лишь при помощи движений рукой. Второй этап связан с включением в процесс рисования корпуса, на третьем этапе создание картины превращается в полноценный танец. На последнем этапе для человека, практикующего живопись у-син, важно чувствовать крайне тонкие аспекты движения. Процесс увеличения чувствительности связан с преодолением скованности и ограниченности в движениях. Известным фактом является то, что психологические проблемы человека неразрывно связаны с физическими зажимами. Поэтому можно сказать, что живопись у-син является своеобразной разновидностью телесно ориентированной психотерапии.

Второй принцип – заключается в системе У-Син. 5 элементов у-син, знаменуют собой 5 качеств энергии – дерево, огонь, земля, металл, вода. В живописи каждому из этих элементов соответствует определенное движение, и только этими пятью видами мазков художник У-син пишет свои картины. В этом аспекте живопись у-син больше похожа на ушу, чем на академические техники живописи. Особенно много сходства с синъицюань, где 5 базовых форм соответствуют 5-и элементам у-син.

Третий принцип состоит в совмещении в одном рисунке сразу нескольких искусств. Учась живописи у-син, ученик очень быстро выходит за рамки живописи, когда стремится украсить рисунок каллиграфической надписью. Вследствие увлечения каллиграфией, как правило, просыпается интерес к изучению китайского. Необходимость подобрать красивую надпись влечёт за собой интерес к поэзии. И каллиграфия и живопись основаны на координации движений и дыхания, так что очень скоро ученик начинает осваивать элементы цигун. Интерес к отработке движений и необходимость рисовать всем телом порождает интерес к у-шу, танцам и йоге. Создание рисунка в китайской традиции, как правило, завершается печатью. А ведь печать тоже интересно изготовить самому, и так ученик уже начинает увлекаться резьбой и лепкой. А ведь нарисованную картину нужно ещё и красиво оформить и правильно разместить. И т.д. Таким образом, начиная заниматься живописью у-син, человек оказывается втянутым в процесс постоянного самосовершенствования.

Четвёртый принцип: в непривязанности к художественному результату. Цель художника, развивающегося в живописи у-син – самосовершенствование. Картина, которая получается в результате, выступает лишь как критерий развития художника, не являясь при этом целью самого творческого процесса.

Что такое 5 элементов у-син и как эта система воплощена в живописи.

Лучше всего посмотреть видео, в котором я подробно об этом рассказываю:

В качестве образцов живописи у-син, предлагаю посмотреть видео с моими последними картинами:

Тема живописи У-син весьма обширна, количество картин велико, поэтому, если у вас есть желание познакомиться с творчеством поближе, рекомендую

Элементы и принципы дизайна: китайский стиль

«Везде есть красота, но не все ее видят». — Конфуций

Я провел много времени, изучая историю западного искусства, но никогда не заходил так далеко в мир искусства Азии. Я посетил музеи азиатского искусства Freer/Sackler, чтобы изучить основные элементы и принципы дизайна с точки зрения китайского искусства. Китайское искусство находится под сильным влиянием многих религий, и наряду с этим символы и ассоциации придают дополнительную глубину и значение китайской живописи, архитектуре и многому другому.Я узнал, что знание конфуцианства, буддизма и даосизма необходимо для понимания китайского общества и, следовательно, его искусства. В этом посте я расскажу об основных элементах и ​​принципах дизайна с помощью китайского искусства, представленного в Музеях азиатского искусства Freer/Sackler.

Точка

«Соломенная хижина мечты о бессмертном», Тан Инь

Как элемент дизайна точка дает глазу область, на которой он фокусируется. Точка также определяет, как глаз соединяет определенные области для создания изображения.В «Соломенной хижине мечты о бессмертном» множество мелких моментов объединяется, чтобы создать этот очень подробный рисунок тушью. Рисунок сделан почти исключительно из точек, образующих этот сложный образ деревьев, хижины, человека и деревьев.

Строка

Стихотворение Ду Фу в рабочем стандартном сценарии

Линия — это «движущаяся точка», которая естественным образом встречается в мире. Он может иметь визуальное и словесное значение. В этом произведении, написанном стихотворением Ду Фу, каллиграфия создает словесное значение, описывающее визуальный образ.Объединение линий, как это сделано здесь, создает выразительность.

Форма

Ваза с балясинами (одна из трех в гарнитуре из пяти частей), династия Цин

Форма, наряду с формой и массой, по существу, определяет объект в пространстве. Видимая здесь ваза трехмерна, что добавляет ширину и высоту. Форма этой вазы «абстрактна», потому что она не является естественной или органической формой. Форма вазы также не является геометрической, что повышает уровень абстракции вазы.

Движение

«Окно», Шейх Лифа, 1972

Движение как элемент дизайна показывает физическую сторону искусства. Запечатлеть движение в статичном изображении — непростая задача для художника. Художница Шайх Лифа прекрасно изображает движущиеся фигуры. Вытянутые руки и наклон тел создают впечатление, будто фигуры летят.

Цвет

Ваза Longquan Ware

Цвет очень важен в дизайне, потому что он способен изменить настроение или значение искусства.В зависимости от культуры цвет может иметь символическое значение, придающее искусству большее значение. Например, в китайской культуре синий может символизировать расслабление и исцеление. Цвет этой вазы предполагает, что она могла использоваться в расслабляющей обстановке.

Узор

«Император Цяньлун в образе Манджушри, Бодхисаттвы Мудрости», Джузеппе Кастильоне

Паттерн — это повторение формы. Его можно использовать для создания структуры, организующей произведение искусства.Здесь император Цяньлун изображен как религиозная фигура, а узор этой картины делает ее похожей на подлинную религиозную икону. Бодхисаттвы, окружающие Императора, создают узор, который приводит взгляд зрителя к центральному изображению Императора, заставляя его казаться выше и величественнее.

Текстура

Ритуальный сосуд

Благодаря осязанию текстура используется в искусстве для описания формы объекта. В дизайне может быть буквальная текстура, или художник может создать иллюзию текстуры в своих работах.В этом сосуде фактурный узор используется для улучшения его дизайна. Текстура этого сосуда кажется холодной, твердой и, возможно, немного грубой.

Баланс

«Две хохлатые птицы на ветке; Осенние листья»

Визуальный баланс как принцип дизайна делает изображение понятным; он создает фокус, который помогает зрителю распознать главный объект. Существует множество различных типов баланса, включая симметричный баланс, асимметричный баланс и формальный баланс.На этом изображении положение птиц создает баланс. Наблюдение за спиной одной птицы и передней стороной другой создает фокусную точку прямо между головами птиц. Это делает птиц очевидным центром произведения.

Доля

Ритуальный винный кувшин с крышкой в ​​форме тигра, совы и водоплавающей птицы

Пропорция – это размер относительных частей, составляющих цельный предмет или форму. Пропорция в основном обсуждается в мире искусства при анализе человеческого тела, поскольку она используется в качестве эталона для архитектуры, повседневных инструментов и предметов, а также живописи.Пропорции этого кувшина интересны тем, что он сочетает в себе формы тигра, совы и водоплавающей птицы, но каждое из этих животных отличается. При этом учитывается пропорция руки человека, потому что художник этого кувшина практически думал о том, как он будет использоваться.

Ритм

Бодхисаттва в непальско-китайском стиле

Ритм в статичном изображении иногда бывает трудно понять, но в произведении искусства может быть движение, за которым следует глаз.Этот Бодхисаттва непальско-китайского стиля иллюстрирует идею ритмического движения в искусстве. Хотя статуя статична, ее поза напоминает реальную человеческую фигуру с реальным движением. Линейный рисунок золотых украшений на статуе дополняет ритм этой статуи.

Акцент

«Каллиграфия печатным шрифтом», Ци Байши

Хотя этому произведению не хватает цвета, у него определенно есть очевидный центр. Художник хочет, чтобы зритель обратил внимание на двух персонажей, занимающих большую часть произведения.Использование простого фона действительно заставляет жирные черные символы прыгать со страницы. Это техника создания акцента и нарушения ритма в художественном произведении, подчеркивающая то, что художник хочет продемонстрировать.

Как они все вместе: Unity

Диск (би)

Глядя на этот нефритовый диск без изучения, я бы подумал, что он был создан с религиозным значением. Многие традиционные китайские религии, включая буддизм, верят в то, что жизнь циклична.Цикл жизни продолжается и продолжается; смерть и возрождение являются частью этого цикла. Этот диск может представлять это конкретное убеждение. Может показаться, что с этим произведением искусства происходит немногое, но, рассматриваемое как визуальное представление цикла жизни, оно сложное, хотя и простое.

Однако после исследования выяснилось, что этот нефритовый круг, скорее всего, был создан в период неолита, ок. 3330–2250 гг. до н. э., за много-много лет до основания буддизма. По данным Художественных музеев Фрира/Саклера, эти диски, или bi , были найдены в местах захоронения непосредственно рядом с телами умерших.Предполагается, что диски использовались в ритуалах, поэтому кажется, что они действительно имеют какое-то религиозное значение.

Диск имеет круглое отверстие посередине, которое соответствует форме его круглого внешнего края. Цвета диска органические и земляные, смешивающие оттенки зеленого, коричневого и бежевого. Текстура кажется холодной, твердой и гладкой, в то время как физическая форма диска кажется тяжелой и плотной. Тот факт, что диск имеет такую ​​простую форму, подчеркивает все его существо и заставляет глубоко задуматься о том, что он мог бы представлять. У диска есть определенный ритм из-за повторения круга, создающего успокаивающий и тихий ритм, который усиливается спокойными, естественными цветами диска.

Этот диск представляет собой единство во всей его полноте, потому что форма, цвет, текстура, акцент, ритм и многие другие элементы и принципы дизайна используются для создания гармоничного произведения. Несмотря на эстетическое удовольствие, единство диска и использование элементов и принципов дизайна на самом деле объединяются, чтобы поддерживать функциональное использование дисков, каким бы оно ни было.

Учитывая, что этот диск древний и сделан из чистого нефрита, он все еще имеет большую ценность в современном мире. Хотя его точное использование неизвестно исследователям, диск помогает объяснить древних китайцев и то, как их верования превратились в то, чем они являются сегодня. Возможно, он не выглядит броским или экстравагантным, но для создания почти идеального круга из нефрита в период неолита, безусловно, требовалось большое мастерство и точность, поэтому можно утверждать, что этот диск имел большое значение в период своего расцвета. Возможно, его никогда не повесят на стену, но из-за его исторической ценности он представляет собой важную часть загадки тайны неолитического китайского общества. Как сказал Конфуций: «Все имеет красоту, но не все ее видят».

Нравится:

Нравится Загрузка…

Родственные

Элементы и принципы дизайна в китайском искусстве

Для этого задания нас попросили сфотографировать искусство выбранной культуры и определить различные элементы и принципы дизайна в разных произведениях.Я выбрала китайскую культуру и обнаружила, что во многих произведениях китайской коллекции эти элементы и принципы представлены очень уникальным и интересным образом.

Немного о китайской культуре:

Как и многие другие культуры, китайская культура основана на религиозных идеалах. Основными религиями Китая являются конфуцианство, даосизм и буддизм. Китайцы также верят в уважение старших и предков, потому что мы являемся их частью, а они частью нас. Все эти различные компоненты, религиозные идеалы, а также культурные ценности китайской культуры часто можно увидеть в китайском искусстве.Большая часть китайского искусства связана с почитанием важных фигур, таких как императоры или предки. В искусстве также присутствует чувство умиротворения и духовности, а также сильное присутствие земли, ландшафта и природы, которые очень важны. Китайцы используют определенные предметы, такие как драконы и цветы, как символ власти, плодородия и т. д. Их можно увидеть во многих произведениях китайского искусства.

  Вот фрагмент, который я выбрал для представления различных элементов и принципов дизайна:

Точка

Ритуальный контейнер для еды времен ранней западной династии Чжоу

Этот контейнер имеет много трехмерных точек, которые выравнивают нижнюю половину скульптуры.Благодаря теории гештальта наши глаза подсознательно соединяют эти точки. Из-за близости, непрерывности и выравнивания этих точек мы придаем им форму, которой на самом деле не существует. Это отличное представление того, как мозг видит точки и подсознательно связывает их.

Строка

 Склон холма и бамбук

Этот предмет почти полностью состоит из линий. Все различные типы линий собираются вместе и составляют различные компоненты этого произведения, такие как деревья, холмы и так далее.Различное использование горизонтальных и вертикальных линий подчеркивает связь с землей и небом. В этом произведении также присутствует каллиграфия, являющаяся примером выразительных качеств линии.

 

  Форма

Заснеженные ветки сливы

Этот предмет прекрасно демонстрирует органическую форму. Органическая форма относится к форме встречающихся в природе объектов и их тенденции к единообразию, как неправильная форма ветвей на этом изображении и снег, покрывающий их, оба из которых являются естественными объектами.В этом произведении нет ощущения жесткости линий из-за органичной и натуралистичной формы выбранных объектов.

Механизм

Поднятие чаш для подаяний: обращение Харити, Матери Демонов

Цю Ин

Это всего лишь небольшая часть произведения, но вы можете видеть, что композиция прекрасно имитирует буквальное движение этих персонажей. Движение также может относиться к композиционному движению, благодаря которому взгляд читает произведение.Эта часть в целом также имеет большое композиционное движение. Он читается как рассказ, позволяя читателю легко и плавно следить за произведением.

Цвет/Психология цвета

8 ^-й -й век до н.э. Хранитель могилы

 Этот предмет имеет несколько разных оттенков (красный, зеленый и оранжевый), а также разные значения этих цветов. Цвета этого произведения хорошо подобраны, чтобы придать ему особые эмоции, а также отразить его предназначение в качестве хранителя гробницы: красный представляет энергию, а также гнев, оранжевый представляет огонь, а зеленый представляет природу, жизнь и покой. Все эти компоненты связаны со смертью и работой стражей гробниц по защите умерших.

Узор

контейнер для ритуального вина

Этот контейнер имеет распространенный тип узора — спираль. Этот шаблон отлично справляется с организацией поверхности изделия, позволяя зрителю легче интерпретировать его, для чего эффективно используются шаблоны. Кроме того, неотъемлемым элементом шаблона является его постоянная репутация, и эта часть ничем не отличается.Шаблон продолжается по всему контейнеру.

Текстура

хранитель могилы

Хотя мне не удалось потрогать объект, ясно, что в этом фрагменте присутствует текстура. Вы можете видеть пятна на этой лошади, и наш мозг интерпретирует это как своего рода текстуру, и, хотя мы не можем потрогать ее, мы предполагаем, что она грубая на ощупь. В этом произведении удачно использована текстура, поскольку она аналогична текстуре настоящей лошади, что делает ее еще более реалистичной.

Весы

Падмапани

Эта часть является прекрасным воплощением баланса как симметрично, так и асимметрично. Хотя эта часть не полностью симметрична, большая ее часть представляет собой симметричный баланс. Однако есть части, которые асимметричны, но уравновешены с эквивалентным весом, например, с расположением рук основной фигуры, где одна расположена вверху, а другая внизу, что все еще создает ощущение баланса.

Доля

Рыбная корзина Гуаньинь

Пропорция — это относительный масштаб объектов в произведении.В этой части у вас есть центральная женщина, которая представлена ​​как эта большая фигура, и у вас также есть другие люди у основания ее ног, которые непропорционально малы. Пропорция может быть использована для искажения важности фигуры, как это сделано в этом произведении. Женщины, очевидно, имеют какое-то значение, поэтому она непропорционально велика.

Ритм

Двадцать листьев фикуса религиозного

Это произведение является прекрасным воплощением ритма, потому что оно заставляет глаз зрителя двигаться. Наш взгляд автоматически притягивается к нижней части произведения из-за маленьких лаконичных штрихов, которые использует художник. Затем мы следуем за произведением вверх по мере того, как штрихи становятся мягче и плавнее. Таким образом, эта работа олицетворяет концепцию визуального ритма и то, как выбор штрихов может заставить глаз зрителя двигаться определенным образом.

Акцент

Без названия (деревня в горах)

К.К. Ван

Здесь происходит внезапное прерывание фокуса из-за резкого изменения цвета.Зеленый и синий цвета на картине дополняют друг друга и используются для изображения листвы и природы, но затем в этих цветах есть контраст с использованием красного, который придает акцент в этой области. Хотя мне непонятно, почему художник пытается выделить этот раздел, взгляд зрителя автоматически притягивается к этой области.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Родственные

Элементы и принципы дизайна: Искусство Древнего Китая

Для этого задания я рассмотрел различные элементы и принципы дизайна. Чтобы лучше понять каждый элемент и принцип, я применил различные термины к произведениям искусства в Художественной галерее Фрира Саклера в Вашингтоне, округ Колумбия. В частности, я решил взглянуть на коллекцию древнекитайского искусства галереи. Большинство произведений искусства, которые я просмотрел, относились к династии Восточная Чжоу. Как и ожидалось, большая часть этой работы была бронзовой. Династия Восточная Чжоу, вторая из двух династий Чжоу, вместе с династией Шан считалась бронзовым веком в Китае.

Элементы дизайна :

Точка

Цветущий чернослив в горшке, Sun Kehong (1532-1610)

Этот рисунок тушью является прекрасным изображением одного из элементов дизайна — точки. В частности, этот рисунок демонстрирует идею непрерывности точек. Непрерывность описывает тенденцию произведения искусства «соединять точки», чтобы изображение имело форму. Если внимательно посмотреть на этот рисунок, можно увидеть точки в этой работе, которые соединяются вместе, чтобы создать более крупное изображение.

Строка

Хризантемы и сосна, Вэнь Чжэнмин (1470-1559)

На этом свитке изображены хризантемы и сосна. Слева от картины мы видим стихотворение, написанное китайским поэтом Тао Цянем (365-427). Считается, что картинки и стихотворение взяты из поэмы «Мне пора домой». В этой работе Цянь писал: «Три тропы [через мой сад] все заросли, но сосны и хризантемы остались / Ведя своих детей, я вхожу в дом, где кувшин полон вина.Эта работа представляет собой элемент дизайна, известный как линия, потому что это превосходное изображение каллиграфии, одной из форм идеи линии.

Форма

Служитель траура, 7 век

Эта известняковая скульптура изображает скорбящего служителя, одетого в удивительно детализированную одежду. Эта скульптура представляет собой идею формы, потому что она ясно показывает объект, имеющий определенную форму в пространстве. Эту скульптуру можно охарактеризовать как трехмерную и геометрическую. Интересно отметить, что форма часто зависит от того, как мы рассматриваем произведение искусства. Например, эта скульптура приобретает другую форму, если смотреть сбоку, как показано ниже.

Движение

Иностранная танцовщица, 7-8 век

Для идеи движения я выбрал это бронзовое изображение танцовщицы. Я думаю, что это произведение представляет довольно интересное восприятие движения. Хотя объект явно неподвижен, движение подразумевается за счет использования позиции, которая побуждает аудиторию видеть танцора с точки зрения жизни, а не неподвижности.Мне показалось интересным, что эта танцовщица была расположена рядом с другой бронзовой фигурой, которая также является прекрасным примером движения. Увидеть ниже.

Прыгающий лев, 7-8 век

Цвет

Хранитель гробницы, 8 век

Скульптура представляет собой глиняную посуду, покрытую трехцветной свинцовой глазурью. Используемый цвет способствует акценту этой скульптуры. Яркие цвета используются для обозначения важности, известности и устрашения, которые следует ассоциировать с этим стражем.Это пример того, как цвет может быть использован для улучшения работы.

Узор

Колокол, 6 век

Этот колокол 6-го века состоит из гравюры с множеством уникальных узоров. Гравюры на этом колоколе перекликаются друг с другом, чтобы создать визуально привлекательную деталь, которая опирается на свое украшение, чтобы создать надлежащую визуальную и слуховую привлекательность.

Текстура

Ритуальный сосуд для вина, Фанху (8 век)

Сосуд для вина, созданный в 8 веке.На корпусе вазы вырезан узор, создающий визуальную и осязаемую текстуру. Текстура усиливает культурное значение этого произведения; судя по описанию этого сосуда, он должен был изображать величие своего владельца. Текстура часто используется для украшения изделия и придания ему декоративного значения. Крупный план резьбы можно увидеть на фотографии ниже.

Принципы проектирования :

Баланс

Химера, 3-4 век

Эта скульптура — уникальный пример принципа баланса, потому что он противоречит нашим обычным инстинктам.Вместо того, чтобы балансировать из одной центральной точки, эта химера была сконструирована таким образом, что ее вес распределяется между различными частями скульптуры. Это создает сбалансированный объект, который можно описать как асимметричный; вес не делится между двумя равными сторонами. Асимметричный баланс также относится к идее, что разум должен прыгать к объекту и задаваться вопросом о цели его структуры.

Доля

Набор из шести колоколов, 6 век

Этот набор колокольчиков создает узор и пропорции, которые влияют как на визуальную привлекательность скульптуры, так и на слуховую ценность колокольчиков.Пропорция касается размера всех объектов в дизайне и того, как они соотносятся друг с другом. Эти колокола, хотя и одинаковой ширины, имеют разную длину. Это различие создает изменения как в их визуальном значении, так и в их слуховой мощности. Пропорция является ключевой в этом произведении, потому что она влияет не только на визуальную привлекательность, но и на практическую ценность колокольчиков.

Ритм

Браслет, конец 18-19 века

Это золотой браслет, демонстрирующий принцип ритма посредством использования узора и формы.Браслет создает линейный ритм, который притягивает взгляд к форме круга. Узор и движение, составляющие этот браслет, позволяют наблюдателю увидеть ритмический тон, лежащий в основе богато украшенной конструкции. См. другой вид ниже.

Акцент

Даосская стела, (572)

Эта скульптура является ярким примером принципа акцента. Зрителю очень ясно, что внимание должно быть обращено на рельеф, изображенный в середине скульптуры.Хотя нет контраста цвета, чтобы привлечь внимание к точке акцента, явно есть контраст в форме и узоре, который определяет фокус произведения.

Критика :

Единство

Буддийская стела, начало 6 века

Эта скульптура была создана в начале 6 ^-го -го века в Китае, в период Северной Вэй. Скульптура сделана из песчаника и содержит следы краски.Кусок составляет около 7 футов в высоту и 3 фута в ширину. Его глубина составляет примерно два фута. Одной из первых деталей, которую замечает зритель, является рельеф, выполненный посередине и внизу изделия. Этот рельеф сразу привлекает внимание к изображенному внизу Будде. На этом рельефе изображен Будда, окруженный бодхисаттвами или просветленными существами. Этих просветленных деятелей можно узнать по шарфам и украшениям. Этот рельеф демонстрирует принцип акцента благодаря своей мощной и заметной демонстрации.Помимо центральной ниши, по всему изделию вырезано несколько Будд меньшего размера; этот образ упоминается как мотив Тысячи Будд. Этот мотив представляет собой «собрание будд всех возрастов и вселенных». Этот мотив создает узор во всей скульптуре, который иллюстрирует движение и форму. Третьей узнаваемой фигурой в этом произведении является сидящая фигура Майтрейи. Он Будда Будущего.

Поскольку это произведение возвышается над зрителем, оно вызывает определенное уважение и восхищение.Художник как бы намекает на встречу Будд, обеспечивающую симметрию мира. Стелы, представляющие собой памятные камни с резьбой или надписями, часто использовались «в честь предка, в знак благодарности за особую услугу или в ознаменование важного события». Эта стела представляет собой как поклонение предкам, так и надежду на будущее. По мнению исследователей, надпись на этой стеле представляет собой пожелание мира. Эта стела представляет собой естественно подавляющее, но просто построенное произведение, которое вызывает чувство стабильности у тех, кто смотрит на нее.Эта стабильность исходит из способности художника сбалансировать как силу, так и мысль в своем послании за счет использования религиозных деятелей, которые работают вместе, чтобы создать полную атмосферу.

Судя по религиозным изображениям, стела, похоже, была построена для религиозных целей. Он объединяет всех значимых Будд в попытке проявить гармонию и силу. Художник использует будд, чтобы вызвать уважение и восхищение своей работой; смысл, стоящий за буддами, явно является причиной их использования.Хотя в этом мире преобладают религиозные оттенки, внимание к деталям предполагает, что художник был заинтересован в создании визуально привлекательного произведения, которое должно было служить своего рода подарком или подношением.

Это произведение представляет собой прекрасный синтез творчества Древнего Китая, поскольку в нем воплощены все те качества, которыми дорожили художники того времени. Использование рисунка, текстуры, формы и движения подчеркнуто в этой стеле благодаря вниманию художников к деталям и стремлению к совершенству.Стела имеет идеальный размер, чтобы передать свою силу и престиж, но при этом она не ошеломляет зрителя до уровня страха или замешательства. Скорее, художник использует религиозные иконы, чтобы заявить о важности сплоченного поведения в поисках мира.

Все работы в этом посте можно найти в галерее Freer Sackler в Вашингтоне, округ Колумбия

Поделись этим: Но, пожалуйста, не кради это, это было бы нехорошо.

Нравится:

Нравится Загрузка…

Родственные

Традиционное китайское искусство: характеристики, эстетика

Скифское происхождение китайской металлической скульптуры Эта теория гласит, что веками ранее, в далекой северной или западной Азии возникла своеобразная и мгновенно узнаваемый тип скульптуры из металлов, известный до недавнего времени как «скифское звериное искусство».И что со временем, через неоднократные миграции варваров евразийских степей, сначала на юг и восток, а затем на запад стиль распространился в Персию и в верхние долины Китая, где она закрепилась и стала главный корень добуддийской скульптуры, а на западе — разрозненные ареалы «варварской культуры» из Финляндии и земли викинги, в вестготскую Испанию и Ломбардию. По сути это было искусство кочевых племен севера, вытекающих из этого азиатского резервуара на котором с незапамятных времен держались изменчивые и смешивающиеся племена, арийские и монголы, известные в более поздней истории как скифы, сарматы, и гуннов. Доказательства, увиденные в пережитках искусства сама решительно выступает за общее происхождение луристанского животного. фигуры Персии, ранняя анималистическая скульптура Китая и скифская оригиналы найдены в Нижней России. Редкие североевропейские экземпляры настолько схоже как по мотивам, так и по скульптурному чувству или методу, что предполагаемый отношения, по крайней мере, можно защитить; и даже есть повод задуматься ли этрусская формализация (так скоро погас после того, как классические римляне приложили к нему руки) может не возникли вне связи с русскими скульптура Скифии.В последнее время среди археологов наблюдается тенденция было отказаться от названия «скифское искусство», чтобы говорить о « Евразийское анималистическое искусство» или «искусство степей». власти, пытаясь примирить художественную терминологию с теми или иными расовой классификации, говорят об этом развитии как об индогерманском искусстве, или как ирано-европейский стиль. По крайней мере один орган расширяет идею и помечает ее как «американоазиатскую». Единственная уверенность в том, что один из великие проявления скульптурного искусства существуют в широко разбросанных но узнаваемо связанное изображение животных из металла, найденное в гробницах скифских вождей юга России и Сибири, в могилах воинов в Луристане в западной Персии и в могилах на границах западной Китай.Многие примеры, обнаруженные в этих трех главных тайниках, совпадают. странными предметами, обнаруженными на европейских тропах искусства бронзового века. Скифский стиль, если еще можно так назвать оно вымерло на своей земле, если только ему не было чем заняться. сделать с энергией русско-византийского искусства. В Персии он когда-то цвел, в запретном районе, был потерян из виду, хотя это затронуло другие Изобразительное искусство. В одном только Китае оно было поглощено или, вернее, восторжествовало, и обрели непрерывную жизнь на протяжении многих столетий; его дух распространился от миниатюрных бронзовых медведей и кабанов и оленей до монументальных каменных химеры. Три признака стиля: (1) строгая декоративная формализация; (2) необычайная пластическая живучесть; и (3) сильное упрощение основных мотивов наряду с богатой контригрой второстепенные формы. Можно сказать, что сила, единство в богатстве составляют кардинальная добродетель всякого искусства, в котором формальное совершенство и чувственное украшение умело сочетаются; но эффект концентрированной энергии, энергичного движение в обильно декоративной композиции здесь превосходно освоил многие броши, талисманы и бляшки.Будь то в золотая пряжка из самой Скифии, или в луристанском кольце сбруи, или в декоративный олень из бронзы из пустыни Ордос, есть жизненно важный движение, доминирующий, убедительный единый животный ритм, смягченный декоративный контур и узорчатый аксессуар. Создается впечатление даже больших размеров мелкими кусочками. Практически всегда имеет место искажение объекта как увидит камера: здесь нет ни капли реализма месопотамской скульптуры или Греции или Рима.это декоративный искусство, а не натурализм, который задумал художник: энергичный, прямолинейный орнаментализм и всегда необычайная смелость и мужественность. Там также почти всегда уклонение от симметрии, неизбежное уклонение от в любом искусстве столь динамичном и столь индивидуальном. Большинство миниатюрных образцов стиля (значительно большая часть всего ареала) имеют низкий рельеф. Четное когда технически «в раунде», цифра значительно сплющенный.Животные, поодиночке или в группах, свободные фигуры, геометризированные до их очертания образуют собственные рамки с почти математической регулярностью, орнаментальные бляшки, пробитые насквозь для придания дополнительной остроты силуэт, энергично вырезанные рукояти кинжалов — типичны. Там есть еще один нереалистичный штрих, усиление формальной элегантности. по рисунку поверхности — иногда прочерченными линиями; чаще, как положено скульптура, повторением незначительных форм вздутия, как в рогах оленя или горного козла, или в гриве лошади или льва.Этот конкретный своего рода скульптурный контрапункт больше нигде не манипулируют с таким говорящий эффект. Как раз когда «звериный стиль» вошел в Китай до сих пор неясно. Это могло произойти как постепенное вливание, волна за волной надвигались захватчики с неопределенного «Запада». Есть вероятность, что доханьские бронзовые сосуды получили свое распространение. маски и когти животных, а иногда и полные фигуры животных от контакта с Западом, если не через вторжение с той стороны.Конечно на это указывает широкий спектр декоративных мотивов на более ранних образцах. Когда появилась независимая скульптура, сюжет был таков, что можно только предположить иностранное происхождение; животные так часто те важно для охотничьего народа, а не для земледельческого народа, как Китайский язык. Актуальные образцы, наиболее близкие к скифскому и прототипы Луристана найдены на западных границах Старого Китая. — в основном в пустыне Ордос, откуда они и получили свое название как бронзы Ордоса.С той же стороны пришли хозяева и лидеры кто снова и снова покорял статичную, но прочную китайскую нацию. До археологов и антропологов собрать воедино больше головоломки культурного взаимопроникновения и племенного сдвиги, бесполезно делать что-то большее, чем принять факт общего евразийского наследие, и отметить, что в Китае жизненная сила анималистического искусства, медленно видоизменявшаяся в своих миниатюрных формах, перешедших в более крупную скульптуру: результат являющиеся теми выдающимися декоративными монументальными львами, которые служили отправной точкой для этого отступления.Но мир, вероятно, слышать больше, чем меньше, о материнском искусстве азиатских степей. Буддийский Религиозный Арт. Буддизм следовал торговым путям в Китай императоров Средней Хань в предшествующие века и после рождения Христа. Греческое влияние уже ощущалось в Индии, и это привело к первому изображению Будды как человека; но Восток не мог отказаться от своего формализма в пользу эллинистического реализма, а скульптурное обработка стала условно-декоративной.В Индии определенные взгляды и аксессуары стали стереотипными; и в другом направлении (неся по добуддийскому брахманскому выражению) было обильное, буйное скульптурное искусство умноженных форм и повторяющихся областей высоких и низких рельеф. (См. также Индия: Живопись и Скульптура.) Все это было перенесено в Китай — телесно, может быть, в некоторых примерах меньших вещей, когда в середина I века н.э. император, увидевший во сне святого на Западе, отправляли эмиссаров в Среднюю Азию и получали известия и жетоны Будды и его религии. Конечно, не намного позже Китай стал усеян святынями и монастырями буддийской веры. Потому что новая религия праздновала человеческое тело как храм духа, человек впервые стал главный мотив китайского искусства. Спокойствие и сострадание вошли в выразительность; отношение и выражение лица, с одной стороны, и в скульптурную обработку с другой. Появился новый вид пластика ритм, которому помогает мелодичная и изящная линейная контригра. Из типичных фигур Будды и Бодхисаттвы — фигура на полпути между человеческим и божественным — взятая телесно из Индии должна была развиться длинная линия религиозных изображений. Этот завершился роскошно богатыми, но спокойными и невовлеченными Бодхисаттвами эпохи Тан. Лучшие из них, кажется, дышат духом мира и гармонии и покоя, чтобы наполнить храм или святыню духовным светом. Скульптурный метод как нельзя лучше соответствует надземному замыслу: он подкрепляет религиозный символизм своим достоинством и удачным установленная и деликатно повторенная игра объема и плоскости. Цифры представляют собой впечатляющее напоминание о вековой истине, что дух эпохи и народа могут наиболее живо выразиться в художественных формах. В другом направлении, в сторону обильного декоративное украшение святынь и храмов, китайское Буддийская скульптура в равной степени следовала традициям Индии, с аналогичным Родная модификация. Иконография была, как мы видели, фиксированной, а не только в определенных положениях фигуры — все в сидячем или стоячем положении расслабления и покоя — но в символических аксессуарах, таких как нимб или ореол, и драпировки.В умножении резных фигур в пещере святыни и святилища, китайские художники установили эти более крупные чучела в соответствующих нишах, и, как это было сделано в Индии, окружили их бесчисленные изображения меньшего размера, вырезанные рельефом прямо на скале по бокам стены, иногда умножая фигуры до тех пор, пока вся пещера не станет эффект того, что он обильно населен богами и сверхъестественными служителями. Атмосфера пещерных святынь бесподобна богатый, но в то же время строгий и загадочный.Учитывая оптовый характер задача скульпторов, художественный уровень необычайно высок. Отдельный участки барельефов, не менее единичных Бодхисаттв или сейчас удалены головы, погасить исследование. Если качество очень похоже на раннее брахманическое и буддийские пещерные ансамбли Индии, следует помнить, что такое же высокое достижение, отмеченное в двух фазах. В общем китайцы немного сдержаннее. Он исключает извилистость и более светлый чувственная декоративность индуистской традиции и тем самым приобретает новый различие.Нередко дальневосточные художники вносили остатки их энергичного животного искусства, как в гротах Юньган в провинции Шэньси, в композициях, мало чем отличающихся от величайших скульптурных достижений Европы на примере тимпанов соборов в романском стиле и готическая скульптура во Франции. О китайском буддийском искусстве см. Также: Искусство. периода шести династий (220-589), а также Суй Искусство Династии (589-618). В пещерах Юн Канг можно увидеть в ансамбле — завершено после полутора веков усилий, примерно с 450 г. н.э. — эффект последовательных незначительных изменений в стиль и обращение, когда новые волны влияния пришли с Запада, или возрожденное дыхание местной традиции поколебало скульптурную мысль. В целом во всех пещерах колоссальные Будды наименее привлекательны. — формализация там становится деревянной, а концентрированное чувство рассредоточен.Дух задумчивого Сострадательного не возвеличивается легко даже мастерами-скульпторами, как это было, например, с ритмическим жизненная сила, гордая смелость животных Ордоса, когда они претерпевали метаморфозы. в огромных каменных львов и химер. Часто китайские скульпторы вырезали камень стелы, похожие на срезы, вырезанные из стен пещеры. Будда сидит безмятежный в центральной нише, а окружающая поверхность уплощенного вала прорезан барельефами бодхисаттв и сопровождающих, с случайными птицы, абстрактные узоры и так далее.Иногда, опять же, элементы явно привнесенные с буддизмом, смешаны с пережитками вечно энергичного искусство животных. Глиняные статуэтки Наконец, есть еще один тип Китайская скульптура, которая широко и прочно захватила западное воображение. (Кстати, китайцы считают скульптуру одним из своих меньших искусств, по сравнению с живописью и каллиграфией.) Глиняные статуэтки Эпоха Тан включает в себя сразу гуманных комедий культурной жизни периода и разнообразной и бесконечно привлекательной выставки скульптурная учтивость, элегантность и чистая виртуозность.Это не так, как буддийская скульптура, результат художественного импульса, перенесенного в религиозное и духовное благоговение или мечтательность. Это выражение, скорее, легкого настроения, любви к изящному, даже игривому. Сами предметы красноречиво говорят о преданности к рекреационным сторонам жизни: всадники, игроки в поло, животные домашние животные, танцующие девушки, музыканты; хотя есть и более серьезные штуки — вьючные животные, воины и чиновники.Но увлекательно, как документальная картина жизни, таким образом зафиксированная для удовольствия и развлечения более поздних поколений, наиболее заметным фактом является непревзойденный пластик живость, скульптурное воодушевление и яркость, здесь выставлены. Сопоставимые греческим фигуркам Танагры по размеру, методу и диапазону интимных и жанровой тематике китайские статуэтки превосходят в чистоте скульптурное искусство. Танцующая фигура, или игрок в поло, или верблюд, или лошадь увековечивают дух или чувство субъекта, даже раздвигая границы искусства миниатюры в новые области выразительности. Объект, как он просматривается в натуре проникающе реализуется, но реальное зрительное впечатление отодвигается, модифицируется, трансформируется до организованного эквивалента, творчески оформлены в наиболее выразительных и концентрированных значениях, возможных для материалы и методы глиняной скульптуры, занимает свое место. Редко имеют скульпторы объединили в длинной серии работ такую ​​существенную истину, модель или персонаж с таким красноречивым ритмичным движением; редко такое аспект свободы и спонтанности со звуком и восхитительной скульптурой оркестровка. Статуэтки обычно цветные. обычно они глазированы, хотя глазурь могла быть опущена на некоторых участках глины, где непосредственно нанесенный пигмент дает лучший эффект. В виде глазурованные изделия, статуэтки иногда выпадают из истории скульптуры и вместо этого отнесены к книгам по гончарному делу — как если бы они не были среди тех самых шедевров свободной скульптуры! В любой случае их свежая живость, блестящая энергия и формальная красота незабываемый, источник чистейшего эстетического наслаждения. К счастью, осколки находят свой путь во многие из лучших художественные музеи на Западе, и даже виртуозные примеры достаточно распространены разрешить скромным частным коллекционерам произведений искусства владеть ими. Вероятно, тысячи фигурок еще будут выкопаны из древних могилы. Между прочим, сюжеты доказывают, как и многие барельефы в Египетские гробницы, в которых нуждается народ, привыкший совершать погребальные жертвы. не значит, что вас будут считать чрезмерно грустным или одержимым мрачными мыслями загробной жизни.Статуэтки Тан радостны по теме, в каждой скульптуре. слог. В Китае вырос исключительный сорт мелкой рельефной скульптуры, в которой на камне была намечена сложная сюжетная композиция, а пространство вокруг фигур и предметов вырезаем на небольшую глубину. Плоские плиты обработанный таким образом мог быть использован последовательно вокруг гробницы; и метод часто сочетался с горельефными фигурами на буддийских стелах . Такая скульптура налагает исключительную нагрузку на силуэт, и добродетели линейны, а не трехмерны. Действительно, много примеров ближе к гравированному, чем к скульптурному камню. В некоторых примерах второго века CE, с рисунками, выполненными методом набросков, а затем выточенным фоном. снаружи обычная китайская энергичность, не лишенная мужественности, напоминающей степной традиции. Есть и занимательная серия рассказов и события, рассказанные идиомами — миф и историческая легенда, варвар обычай и праздник родины — все это живописно описано, к чему может следует добавить проповеди сыновней почтительности, патриотической жертвенности и супружеской верности.Совокупность таких произведений образует своего рода каменную иллюстрированную книгу китайского языка. мифология, фольклор, история и этикет. Хотя эти ранние моралисты каменные скульптуры самые запоминающиеся вещи в моде, искусство мелкого рельефа в значительной степени практиковалось через много веков. Некоторые из стел Тан имеют отличительные панели. полнотой и элегантностью, в традициях. Сложение рельефа и статуи, миниатюра и колоссальная фигура, каменная, бронзовая и глиняная, все представлено исключительно хорошая работа, даже если судить по мировым стандартам — к чему можно добавить высокие достижения в резьбе по дереву, несравненная нефритовая скульптура, слоновая кость резьба и своеобразная портретная скульптура в наплавленном лаке — В Китае есть весь спектр скульптурного искусства. Окраска Китайская эстетика были обобщены художником Се Хо еще в 6 веке. Для начала, говорил он, картина должна обладать «ритмической жизненной силой». и собственное жизненное движение», описание, которое подходит как для Востока, искусство и современный экспрессионизм! Се Хо подчеркивает важность движения и ритмической жизненной силы, но самое главное, он также подчеркивает идею «жизни в картине». В связи с этим заметьте, что большинство размышлений об искусстве вращается вокруг одного или другое из двух совершенно различных понятий: либо изображение, либо представление об окружающей нас жизни; или создание чего-то нового, имеет собственную анимацию или жизненное движение. Китайцы считают изображение или подражание естественных вещей как второстепенных. Их основная цель — внедрить произведение искусства. с элементами жизненного движения, а не копировать или интерпретировать — ведь что еще значит творение? Превосходство в живописи достигается от жизненной силы самой картины, а не от жизни или предмета изображено.Так китайский художник наполняет свое искусство независимой жизнью, с движением линии и цвета. И все это лишь расширение своего образа жизни, то есть если он обладает большой чувствительностью и безмятежность в его собственной душе, его живопись будет источать те же самые качества. В Се есть еще пять принципов. Краткое изложение эстетики Хо. В широком смысле они касаются структуры, гармония с природой, цветом, композицией в соответствии с иерархическим порядком, и верность мудрости других мастеров, все это было в совершенстве соответствует китайской страсти к упорядочению и классификации элементов искусства.К сожалению, это сдерживало инновации — по крайней мере, в течение долгого времени. срок — так что к концу династии Мин (1368-1644) живопись была преобладают повторение и академическая формальность, различающиеся только степень его интеллектуализма. Ясно, как только вся живопись была уменьшена к шаблонным методам, а точные правила регулируют рисование гор и изображение деревьев или водопадов, или даже человека фигуры, он перестает излучать какую-либо форму жизненной силы или жизненного движения.К счастью, история живописи в Китае включает в себя так много периодов превосходства красоту и богатство, чтобы можно было простить безжизненные интерлюдии. Еще одно традиционное китайское искусство — изобретено, говорят, во времена династии Сун около 1000 человек — это «жежи», более известный на Западе как Оригами, имя передан его более поздней родственной версии из Японии. Линейность по каллиграфии и живописи Начиная с третьего века н.э. искусство каллиграфии (изобразительное искусство письма) считается самым престижным всех изобразительных искусств Китая.Каллиграфия требует не только глубокого умение и точные суждения, но это рассматривается как окно в характер и культура писателя. Каллиграфия приобрела свою духовную ауру во времена период искусства династии Шан (1600-1050 гг. до н.э.), когда кости оракула и панцири черепах впервые использовались для гадания. целях и расцвела в эпоху Чжоу Искусство династии (1050-221 гг. до н.э.). С тех пор китайцы верят что каллиграфия требует исключительных личных качеств и необычного эстетического чувствительность. (См. Также: Ручка и рисунки тушью.) Аналогично — до степени — китайская тушь и мыть живопись. В конце концов, художник использует в основном те же инструменты, что и у каллиграфа — кисть, тушь, шелк или бумага — искусствоведы в Китае судят о его работах по схожим критериям: сила и выразительность мазка, и гармоничный ритм композиция в целом. В этом смысле живопись в Китае была по существу линейное искусство, и китайские художники прежде всего занимались не изображение природы или представление действительности — посредством, например, использование светотени , затенение или линейная перспектива — но с выражением, через ритмичное движение кисти штрих, внутренней сущности вещей.Это ритмичное движение линия, отвечающая естественному движению руки художника, которая наделяет китайскую живопись замечательной гармонией и единством стиля. Введение перспективы произошло позже, в эпоху Цин. Искусство династии (1644-1911). Подробнее об Азии Арт. Чтобы узнать больше об искусстве и культуре Индийский субконтинент, см. Азиатский искусство, или обратитесь к следующим статьям: • Индийский Скульптура (3300 г. до н.э. — 1850 г.) • Классическая индийская живопись (до 1150 г. н.э.) • Постклассический индийский Живопись (14-16 вв.) • Живопись Великих Моголов (16-19 вв.) • Живопись раджпутов (16-19 вв.).

(а, б) Интерпретация элементов китайской живописи.

Контекст 1

… Приложение для iOS было установлено на iPad и выдано каждой группе участников для изучения. Приложение включало в себя интерфейс с различными типами элементов китайской живописи, а также изображения PNG без фона (прозрачные). Они предназначались для использования в создании произведения искусства. Мы ссылались на относительные навыки рисования китайской живописи [34], чтобы реконструировать все элементарные изображения в векторные изображения, а не в растровые изображения оригинальных картин, чтобы гарантировать высокое качество разрешения и целостности элементов (рис. 4). .В элементах библиотеки было 40 изображений, а в основном интерфейсе использовались три разные функции (рис. 5а). Основной интерфейс можно было использовать в качестве холста для участников. В этом интерфейсе мы отображали одну иконку в правом углу; таким образом, при использовании отображались еще три разных значка, состоящие из: добавления другого элемента, удаления элемента и сохранения текущего холста в виде изображения (рис. 5b). При добавлении элементов можно выбрать любое изображение элемента, а затем отобразить его на холсте; методы для этого были один выбор или множественный выбор.В варианте множественного выбора на холсте отображаются разные элементы, но имеют свой индивидуальный слой, в зависимости от того, какой элемент был добавлен первым. Эта многоуровневая концепция удобна для участников, чтобы они могли сотрудничать друг с другом и легко изменять элементы. При удалении элементов участники смогут удалить любой элемент на холсте по отдельности, просто выбрав его. Для любого элемента, который пользователь хотел выбрать, они могли использовать функцию мультитач для настройки положения, размера и пропорций, а также могли использовать свои пальцы, чтобы позволить каждому элементу смешиваться с другим элементом. интерпретируя, образуя часть цифрового произведения искусства.Между тем, все элементы имели прозрачный фон, чтобы предоставить участникам дополнительные возможности при попытке создать сложную и многослойную иллюстрацию. После того, как участники закончили произведение искусства, им нужно было использовать значок сохранения, чтобы сохранить текущий холст, который затем был сохранен в формате JPEG на устройстве. После сохранения участники по-прежнему могли добавлять новые элементы на холст. Формат фотографий был в формате JPEG, что позволяло участникам распечатать его или быстро опубликовать…

Контекст 2

… Приложение для iOS было установлено на iPad и выдано каждой группе участников для изучения. Приложение включало в себя интерфейс с различными типами элементов китайской живописи, а также изображения PNG без фона (прозрачные). Они предназначались для использования в создании произведения искусства. Мы ссылались на относительные навыки рисования китайской живописи [34], чтобы реконструировать все элементарные изображения в векторные изображения, а не в растровые изображения оригинальных картин, чтобы гарантировать высокое качество разрешения и целостности элементов (рис. 4). .В элементах библиотеки было 40 изображений, а в основном интерфейсе использовались три разные функции (рис. 5а). Основной интерфейс можно было использовать в качестве холста для участников. В этом интерфейсе мы отображали одну иконку в правом углу; таким образом, при использовании отображались еще три разных значка, состоящие из: добавления другого элемента, удаления элемента и сохранения текущего холста в виде изображения (рис. 5b). При добавлении элементов можно выбрать любое изображение элемента, а затем отобразить его на холсте; методы для этого были один выбор или множественный выбор.В варианте множественного выбора на холсте отображаются разные элементы, но имеют свой индивидуальный слой, в зависимости от того, какой элемент был добавлен первым. Эта многоуровневая концепция удобна для участников, чтобы они могли сотрудничать друг с другом и легко изменять элементы. При удалении элементов участники смогут удалить любой элемент на холсте по отдельности, просто выбрав его. Для любого элемента, который пользователь хотел выбрать, они могли использовать функцию мультитач для настройки положения, размера и пропорций, а также могли использовать свои пальцы, чтобы позволить каждому элементу смешиваться с другим элементом. интерпретируя, образуя часть цифрового произведения искусства.Между тем, все элементы имели прозрачный фон, чтобы предоставить участникам дополнительные возможности при попытке создать сложную и многослойную иллюстрацию. После того, как участники закончили произведение искусства, им нужно было использовать значок сохранения, чтобы сохранить текущий холст, который затем был сохранен в формате JPEG на устройстве. После сохранения участники по-прежнему могли добавлять новые элементы на холст. Формат фотографий был в формате JPEG, что позволяло участникам распечатать его или быстро опубликовать…

«ЧЕТЫРЕ ВРЕМЕНИ ГОДА» КИТАЙСКОЙ ПЕЙЗАЖНОЙ ЖИВОПИСИ

Лучший способ увидеть традиционную китайскую пейзажную живопись — это «прочитать ее», как говорят китайцы, потому что картина — это не только изображение красоты природы, но и глубокий смысл. Часто художник добавляет стихотворение, которое расширяет мотив картины. Китайская пейзажная живопись воплощает в себе мастерство художника и его мастерство китайской каллиграфии. Эти двое неразлучны, когда речь идет о китайской пейзажной живописи.Китайская пейзажная живопись, считающаяся высшей формой живописи в Китае, зародилась и процветала в период пяти династий и эпохи Сун. Император Хуйцзун из династии Сун был очень опытным каллиграфом и художником-пейзажистом.

Самым выдающимся элементом китайской пейзажной живописи является то, что каждый мазок кисти является определяющим движением. Он должен быть точным, потому что его нельзя ни исправить, ни улучшить. Рисунок рисуется непосредственно без предварительного наброска, и часто модель не требуется.Сюжет исходит из памяти художника, глубоко укоренившейся в его сознании долгими годами изучения и наблюдения за природой и людьми. Эта традиция сильно отличается от западной, где художники-акварелисты иногда делают наброски на бумаге, вносят исправления в свои акварельные рисунки, а иногда закрашивают часть своей работы.

Символическое выражение

В китайской пейзажной живописи объект является не только изображением, но и символическим проявлением. Полное растение никогда не визуализируется, только несколько ветвей с листьями и цветами, которые уже представляют собой все растение. В построении китайской пейзажной живописи традиционно присутствуют два элемента: Хозяин, изображаемый в виде более сильного или крупного дерева, цветка или любого предмета, и Гость, изображаемый в виде меньшего предмета.

На основе китайской каллиграфии

Гармония и красота китайской пейзажной живописи пришли из китайской каллиграфии, где первыми двумя сюжетами были орхидея и бамбук, которые были излюбленными сюжетами древних мастеров китайской пейзажной живописи.Эти два предмета могут показаться простыми тому, кто не знаком с китайским искусством, но на самом деле они очень требовательны и сложны.

Почтенный мастер Се Хо создал Шесть канонов китайской пейзажной живописи в 5 веке нашей эры, и они используются до сих пор.

1. Сердце художника представлено произведением движения жизни, называемым «циркуляцией ци», которая представляет собой жизненную силу неба, духа и дыхания.

2. Костяная структура картины создается мазками кисти. Картина сильнее, когда художник использует сильную работу кистью. Характер картины создается сочетанием легких и сильных мазков, использованием сухой и влажной техники, использованием тонких и толстых линий.

3. Форма рисуется в соответствии с объектом, что означает, что объект рисуется так, как его видит художник. Это достигается путем понимания формы объекта, которая может быть не реалистичным изображением, а тем, как художник ее видел, навыком, который художник развивает, тщательно изучая объект.

4. Для китайского художника-кисти черный — это цвет, поэтому Се Хо писал, что в соответствии с природой объекта следует наносить цвет, и в этом случае диапазон оттенков, который может создать высококвалифицированный мастер-художник, дает цвета или впечатления от них. Тем не менее, цвета можно использовать, но они должны быть максимально приближены к истинному цвету объекта или предмета.

5. Элементы должны быть на своих местах, когда композиция организована, а пространство рассматривается как объект и является неотъемлемой частью композиции картины.

6. Ученику разрешается копировать работу мастера, но только в том случае, если он уже усвоил соответствующие техники, то есть методы и сущность кисти мастера.

Времена года

Изначально было только два предмета, орхидея и бамбук. Позже появились еще два любимых сюжета: цветки сливы и хризантемы. Каждый из них имеет свое значение.

Орхидея является символом весны, что означает надежду из-за ее скромности и единства.Лето представлено бамбуком, который символизирует настойчивость, гибкость и выносливость. Красивые крупные цветы хризантемы олицетворяют собой осень и жизненные победы благодаря силе духа, терпению и настойчивости. Слива олицетворяет зиму, так как символизирует тайное обещание омоложения, обновления, а также постоянную выносливость и непрерывность жизни.

Рендеринг этих четырех объектов, также называемых «Четыре джентльмена», может быть огромным. Он требует тонкого выражения духа, точности в использовании традиционных приемов нанесения мазков и очень строгой дисциплины от художника.Цель всегда состоит в том, чтобы выразить внутреннюю сущность и личность субъекта, следуя его форме.

Китайский художник-кисть визуализирует написанную идею, используя движение кисти в качестве эстетического элемента. Работа костей на картине придает ей мускулистость и силу. Работа из кости, используемая для рисования веток, стеблей и ветвей, должна быть достаточно прочной, чтобы дополнять нежность цветов. Китайская пейзажная живопись может показаться простой, но когда вы поймете историю и работу, вложенную в нее, вы увидите, что она очень сложна и задумчива.

Атрибуция фотографии:

Featured и 1 ^st image by Xia Chang (夏昶) [общественное достояние], jpg»>через Wikimedia Commons

2 ^nd изображение императора Хуйцзуна [общественное достояние], с Wikimedia Commons

Каковы три основных компонента китайской пейзажной живописи? – М.В.Организинг

Какие три основных компонента китайской пейзажной живописи?

Значение и элементы китайской пейзажной живописи.В картинах шань-шуй есть три основных элемента, составляющих картину: горы, реки и, иногда, водопады.

Каковы две основные техники традиционной китайской живописи?

В китайской живописи есть две основные техники:

• Гунби (工笔 /гонг-пчела/), буквально «рабочая ручка», представляет собой тщательный стиль, богатый цветом и детализированными мазками.
• Xieyi (写意 /sshyeah-ee/ ‘письмо’), что означает «от руки», представляет собой более свободный стиль рисования и обычно используется в пейзажах.

Какой посыл в китайской пейзажной живописи?

Ко времени поздней династии Тан пейзажная живопись превратилась в самостоятельный жанр, воплощавший универсальное стремление образованных людей покинуть свой повседневный мир и пообщаться с природой. Такие изображения могут также передавать определенные социальные, философские или политические убеждения.

Чем отличается китайский пейзаж?

Китайские художники обычно рисуют не реальные места, а воображаемые, идеализированные пейзажи.Китайская живопись в целом рассматривается как продолжение каллиграфии и использует те же мазки. Цвета сдержанные и тонкие, а картины обычно создаются тушью на бумаге с небольшим количеством акварели.

Что изображено на китайском пейзаже 1 балл?

Китайский термин «пейзаж» состоит из двух иероглифов, означающих «горы и вода». Это связано с философией даосизма, которая подчеркивает гармонию с миром природы.

Какую часть создают китайские художники?

Ответ: Китайский художник не хочет, чтобы зритель выбирал одну точку зрения.Его пейзаж не «настоящий», и вы можете войти в него из любой точки, а затем путешествовать по нему. Художник создает путь, по которому взгляд зрителя перемещается вверх и вниз, а затем обратно в неторопливом движении.

Какое значение белого неокрашенного пространства в китайском пейзаже?

Срединная Пустота необходима — без нее ничего не получится; отсюда важность белого неокрашенного пространства в китайском пейзаже. Здесь также человек находит фундаментальную роль. В этом пространстве между Небом и Землей он становится проводником связи между обоими полюсами Вселенной.

Что такое срединная пустота в ландшафте души?

Срединная пустота здесь означает пустоту или тонкую грань различия между реальностью и иллюзией. Художник растворился в собственной картине, которая была картиной иллюзии, визионерской галлюцинацией, созданной на трехмерном каркасе.

Что такое средняя пустота, почему она важна?

Срединная пустота — это третий элемент, который часто упускают из виду. Это важно, потому что здесь происходит взаимодействие между «Ян» и «Инь».Ничто не может произойти без срединной пустоты. Это так же важно, как задержка дыхания в «пранаяме».

Что такое концепция Шаньшуй?

шаньшуй — это понятие в китайской культуре, означающее «горная вода». здесь гора означает ян, идущий вертикально к небу. он высокий, теплый, сухой на солнце и мужской. вода представляет собой инь-плавающий на поверхности земли. он спокойный, прохладный и якобы женственный.

Какая замечательная история рассказывается об У даоцзы, какой свет она проливает на китайский пейзаж?

Ответ: Художник У Даоцзы хотел показать королю внутреннюю сторону картины.Он был известным китайским художником, жившим в восьмом веке. Он был мастером-художником, и танский император Сюаньцзун поручил ему украсить стену дворца.

Что такое шаньшуй Как оно выражает понятие слова пейзаж?

Shanshui буквально означает «горная вода», что означает «пейзаж». Гора Ян, устойчивая, теплая, сухая, простирается вертикально к небу. А вода — это Инь, текучая, влажная, прохладная и горизонтально покоящаяся на земле.

Как достигается суть внутренней жизни в китайской живописи?

Это искусство хочет, чтобы вы вошли в сознание художника, чтобы исследовать новые измерения в духовном и концептуальном пространстве. Шаньшуй, что означает «гора-вода», относится к стилю китайской живописи, который включает в себя природные пейзажи, пейзаж, который является внутренним, духовным и концептуальным пространством.

Что означает Инь?

Инь, что по-китайски означает «женщина» или «луна», олицетворяет тьму, женственность, пассивность и землю.Ян («солнце» или «мужчина») представляет свет, мужественность, активность и небеса. Считалось, что баланс инь и ян влияет на здоровье и порядок внутри человека, общества и всей вселенной.

Чего не хватает в Шаньшуй?

Чего не хватает в Шаньшуй? Ответ: Третий элемент, Срединная Пустота, где происходит их взаимодействие, отсутствует в Шаньшуй. Срединная Пустота незаменима. Следовательно, без него ничего не может произойти.

Что такое элементы шаньшуй?

шаньшуй буквально означает горная вода.Используемые вместе, гора и вода представляют собой слово «ландшафт». Вместо того, чтобы представлять два элемента образа, они представляют два взаимодополняющих полюса. Гора — это ЯН, которая достигает неба вертикально, устойчива, теплая и сухая на солнце.

Чем отличается китайское искусство от европейского?

Ответ: С китайской точки зрения искусство — это изображение разума или духа, тогда как с европейской точки зрения оно представляет собой фигуру или тело. В то время как китайские картины раскрывают внутренний мир, европейские картины делают упор на истинное представление физического облика субъекта.

Какова тема рассказа пейзаж души?

Основная тема главы посвящена искусству. Он вращается вокруг искусства живописи, рассказанного с помощью различных историй. Мы узнаем о китайских художниках и их работах, а также их истории. Точно так же во второй части исследуется понятие «ар-брют», означающее искусство тех, кто не имеет права.

Что означает пейзаж души?

Ответ. Шаньшуй, что означает «горная вода».Это относится к китайской живописи, которая включает в себя природные пейзажи. Пейзаж духовный и внутренний. Он представляет собой два взаимодополняющих полюса (инь и ян), отражающих даосский взгляд на вселенную.

Каково краткое содержание пейзажа души?

В кратком изложении главы Пейзаж души автор показывает познание мистического внутреннего мира. Он открыл портал в другой мир. Ву вошел в пещеру, и изображение растворилось в воздухе прежде, чем кто-либо успел среагировать.Ву тоже исчез.

Что такое пейзаж души?

Обсудить «Пейзаж – это внутреннее, духовное и концептуальное пространство». Ответ: Утверждение «Пейзаж — это внутреннее, духовное и концептуальное пространство» означает, что китайский художник хочет, чтобы зритель проник в его разум, а не одалживал глаза, чтобы рассмотреть его произведение искусства.

Как бы вы классифицировали искусство на основе вашего прочтения главы «Пейзаж души»?

Ответ: Согласно главе «Пейзаж души» Натали Труверуа классифицирует многие виды искусства: китайское искусство, европейское искусство и ар-брют.Суть китайского искусства — внутренняя жизнь духа; но ядром западного искусства является иллюзионистское подобие жизни.

Что является важным третьим элементом?

Срединная пустота — третий необходимый элемент для создания мироздания, без которого ничего не возможно. Пояснение: Горная вода также известна под названием Шаньшуй.

Какое значение имеет человек между инь и ян?

Какое значение имеет человек между Ян и Инь? Ответ Ян и Инь — два взаимодополняющих полюса Вселенной.Человек является проводником сообщения между Небом и Землей.

Какое значение имеет человек в ландшафте 11 класса?

Человек играет здесь важную роль. Он становится проводником связи между обоими полюсами мироздания. Ответ: Нек Чанд был необученным художником, известным своими скульптурными шедеврами из камня и переработанного материала — садом камней в Чандигархе.

Каково значение человека в ландшафте?

Человек играет ключевую роль в соединении неба и земли; он является каналом связи между обоими мирами.Как человеческое тело несовершенно без глаза, так и все творение неполно без человека. Следовательно, он — «глаз пейзажа». Согласно китайской философии Шаньшуй, что означает «горная вода».

Какой частью пейзажа, написанного У дао-цзы, восхищался Император и как долго 11 класс?

Ответ: Император восхищался прекрасным пейзажем, написанным У Даози; его завораживала красота лесов, высоких гор, водопадов, облаков, плывущих по безбрежному небу, людей на холмистых тропинках, летящих птиц.Император долго любовался картиной.

Какой третий элемент упускается из виду в китайской живописи?

Средняя пустота

Что Император сказал о картине?

Когда картина была закончена, он назвал императором ее утонченную красоту. Император был ошеломлен своим творением. Когда император любовался картиной, мастер живописи хлопал в ладоши; дверь пещеры на картине открылась; У Даози вошел в дверь, и дверь закрылась.

Почему писатель говорит о картине Квинтена?

Писатель говорит о картине Квинтен, чтобы подчеркнуть цель искусства в Европе.