Рисунок греческой головы | Artisthall

С рисования греческой головы начинается серия работ по изображению гипсовых слепков самых знаменитых скульптурных памятников античности, возрождения и классицизма.

Почему именно греческие скульптуры взяты за отправную точку в рисовании человеческой головы, а не произведения эпохи Возрождения или работы XIX века? Ответом служит особая роль, которую исполняет культура Древней Греции в истории мирового искусства. Греки заложили прочную основу для развития всего европейского монументального и прикладного зодчества. Подчинившись Риму в военном и политическом смысле, греки с помощью культуры вернули себе духовное первенство, ведь все Древнеримское искусство вышло из греческого, переродившись в более технологичный и декоративный стиль. После темных веков разрушения античных империй и становления европейских держав, греческое наследие вернулось в качестве образцов, артефактов, которые начали собирать, коллекционировать, на которых стали учиться и вдохновляться многочисленные поколения художников.

Наследие древних греков, без сомнения, повлияло и вдохновило искусство Ренессанса и в полной мере возродилось в эпоху Классицизма, Ампира и Неоклассицизма, став единственной непрерывной нитью, проходящий через всю эволюцию искусства, связывающую античность и современное искусство.

Древние греки в процессе развития скульптурного мастерства, изучения анатомии и поиска пропорций добились идеальных образов человека. В каждой скульптуре заключены усредненные пропорции, составляющие основу каждого лица или тела, то есть имеют отношение ко всем нам. Именно благодаря этому греческие скульптуры представляют самые ясные и четкие схемы для изображения человеческого тела.

Рисование греческих голов стало ключевым этапом для каждого художника в процессе обучения. Это связующее звено между внутренней структурой головы (рисунок черепа, Экорше) и живой натурой.

Греческие головы не являются в полном смысле портретами, это доведенные до совершенства, образно выражаясь, герои, собранные из идеальных деталей, расположенных в строгих математических пропорциях относительно друг друга.

Античные скульпторы воплотили в своих работах потребность общества показать людям материализованные идеалы физической и интеллектуальной гармонии. Для современников они были примерами и олицетворениями баланса, порядка во всех сферах жизни.

На наших уроках рисунка мы подробно разбираем схемы построения античных голов, рассказываем ученикам о пропорциях, интересные факты из истории скульптуры, делимся полезными советами и тонкостями рисования каждой отдельной модели.

Вначале мы предлагаем нашим ученикам изобразить мужские, а затем женские гипсовые головы. Такая очередность выбрана по той причине, что женские головы рисовать сложнее. Подробнее об этом в статье — рисование греческих женских голов.

Среди мужских голов, выбранных для рисования, есть несколько особо знаковых, это: Диадумен, Антиной, Дорифор, Апоксиомен, Аполлон, Дискобол. В нашем гипсовом фонде есть все эти модели. Это лучшие из дошедших до нас скульптурных произведений древнегреческого искусства, в них воплощено все культурное совершенство эпохи, в них заложен эстетический характер эллинского героя. Не лишним будет представить, что на этих моделях учились все поколения художников, начиная с древних римлян и заканчивая нами.

На греческих головах можно отработать схемы стандартного построения лица и расположения основных элементов головы, научиться моделировать и изображать сложные объемы, передавать характер и образ модели.

Подводя итог, можно сказать, что греки создали фундаментальный стиль в мировом искусстве.

Изучая наследие Древней Греции, мы, в прямом смысле, приобщаемся к самым первоклассным творениям мирового искусства, созданным мастерами прошлого. Пускай эта мысль вдохновляет и помогает Вам в учебе.

---

Смотрите также:

Искусство Древней Греции-вазопись

Роспись на сосудах, на которые Древние греки наносили специальные краски, а после обжигали предметы быта, называют «вазопись». Керамика имела огромное значение для греков. Они выдумали огромное количество, разных по типу, виду и предназначению, ваз, кувшинов, амфор и других сосудов.

Древнегреческая вазопись изучается учеными по историческим периодам. Начинаются они с Минойского (3 век до н.э.). На протяжении столетий культура живописи и росписи сосудов менялась вплоть до эллинизма (предхристианский период). Во времена процветания Греции, когда царил мир, искусство и культура развивались интенсивно. Среди художников, которые стали наиболее известны:

1. Тиманф.

2. Зевксис.

3. Паррасий.

4. Аполлодор Афинский.

5. Эксекий.

6. Пасиад.

7. Харес.

   Известно, что Аполлодор создал неповторимую технику росписи, которую позже назвали «светотенью». Художника стали называть Тенеписцем. Греки не сохранили секрет создания росписи в светотени, но методика была вновь создана. Правда, намного позже, в эпоху Возрождения.

   Художественные произведения Древние греки выводили на второй план. Главенствовала роспись по керамике. Вазопись – это целое искусство, которое дало огромный толчок и живописи греков. Наиболее привычные для греков формы ваз называли:

• амфора;

• кратер;

• килик;

• гидирия.

Были и другие разновидности сосудов. Всего их насчитывается более 50 видов. В амфорах хранили вина, масло. Из килика вино пили. Кратер напоминал чашу. Название «гидрия» говорит само за себя. В ней хранили воду.

Техника росписи: от простого – к сложному

Вазопись начиналась с совсем простых узоров. Среди них – несложные геометрические фигуры (треугольники, квадраты, круги, прямоугольники), волнистые линии, жирные точки. Позже орнаменты усложнились. Со временем появились сюжеты из жизни. Историки отмечают, что по рисунку на одной вазе можно было судить о жизни целой семьи. Детально прорисовывались лица людей, одежда, предметы интерьера и быта, животные, растения. Рисовали и сцены из истории. Некоторые узоры были довольно причудливыми. Изображали пиршества, сцены войны, мифологические сюжеты.

Яркими представителем Минойской эпохи считаются глиняные кувшины с непринужденными орнаментами. Цветочки и завитки наносили на черный фон белой краской. Нравилось грекам изображать на кувшинах морские мотивы. Среди них дельфины, осьминоги, коралловые рифы, водоросли.

Менялась и техника нанесения рисунка. Использовали разные типы красок. Большинство из них после обжига меняли цвет, темнея. Чаще они превращались в оттенки коричневого или красного. Добавляя черного, мастера добивались непревзойденного сочетания цветов. Со временем художники изобрели черный лак и покрывали им пространства между фигурами и узорами на вазах, а сами картинки были темно-бардового оттенка.

Позже вазописцам понравилась роспись по белой основе. Такие орнаменты считались высшим пилотажем. Линии же белой краской на темном фоне использовали для изображения женщин, чтобы подчеркнуть их белую кожу. Мастера начали применять большее разнообразие цветов. Появились: желтый, оранжевый, зеленый, синий и их оттенки. Их наносили как на белый, так и на черный фоны.

Считалось, что только один рисунок или персонаж на вазе – это недоделанная работа. Амфоры и кувшины расписывали полностью, по самое горлышко. На нем, чаще всего, красовался незатейливый орнамент. Главный же рисунок находился на самой вазе. Многие мастера не ленились ставить автографы на своих произведениях.

В рисунках и сюжетах, которые наносили на сосуды Древние греки – оттенок быта, культуры, традиций, обычаев, истории этого народа. По заявлению археологов, среди находок на раскопках Древнегреческих поселений и городов, больше всего керамических изделий. Где бы ни селились представители греческого народа, исследователи отмечают наличие среди предметов быта расписных горшочков и ваз.

Кроме греческой митрополии, ареалом распространения вазописи стали:

• Малая Азия.
• Острова в Эгейском море.
• Крит.
• Кипр.
• Южная Италия.

По мере развития торговых путей, греческая керамика попала в Египет, на Ближний Восток, в Северную Африку.

Археологи подметили один интересный факт: любой предмет посуды из глины, не говоря уже о декоративных кувшинах и вазах, греки расписывали. Обязательным было делать подарки и подношения в виде расписанной посуды монахам, старцам, служителям храмов. Керамические предметы быта вкладывали в могилы при захоронениях.

Широкий след в культуре Древней Греции оставила Микенская керамика. Этот период датирован 1600 гг. до н.э. Образцы росписи значительно отличаются от ранних. На вазах корабли и люди, все в темных тонах.

Позже не все из геометрических рисунков были просты. В 900 гг. до н. э. в Греции процветает геометрика. С ее развитием меняются и узоры на кувшинах. Изначально круги и эллипсы выводили при помощи циркуля. Фигурки логически чередовались, образуя цепочки и превращая простой орнамент в замысловатый рисунок. Такие чередования отделяли друг от друга горизонтальными линиями.

Не только греки влияли на остальной мир, «давая моду» на орнаменты и роспись вазонов. Со временем в традиционные мотивы были привнесены древнеегипетские сюжеты. Появились сфинксы и львы. Но по технике больших отличий от раннего периода не произошло.

Разновидности сосудов в Древней Греции

Древние греки выдумали массу традиционных и причудливых форм кувшинов для воды и других жидкостей. Среди них:

• Амфора. Этот сосуд овальной формы, имеет 2 ручки. Традиционный объем – чуть больше 25 литров.
• Алабастр. Сосуд с плоским горлом, к которому крепилось «ушко», чтобы удобнее было вешать на стену. Хранили в этом небольшом кувшинчике парфюмерные компоненты.
• Динос. В нем смешивали спиртное. Чаще – вино. По виду этот сосуд напоминает кувшин на подставке.
• Гидрия. Удлиненный сосуд, в котором хранили воду или напитки для пиршеств. Чаще у таких кувшинов расписывали только ручки.
• Канфар. Очень похож на кубок с ручками и высокой ножкой.
• Киаф больше похож на чашу с одной ручкой, длинной и изогнутой. Применялся для зачерпывания жидкостей. Им меряли не только воду, но и сыпучие вещества. Объем киафа – примерно 45 мл.
• Килик. Плоская чаша на ножке, имеющая пару ручек.
• Кратер играл роль емкости для разбавления крепких вин. Горло его довольно широкое.
• Скифос. Почти полулитровая чаша с 2 ручками. Предназначался для напитков.
• Стамнос. Овальный, сплющенный сосуд для вина с тонким горлышком.

В основном любые сосуды использовали для хранения жидкостей или украшения пиршеств. Некоторые кувшины специально расписывали к важным датам и празднованиям. Эти сосуды служили исключительно для гостей, часто им их дарили.

Процесс росписи в Древней Греции

Расписывали глиняные сосуды перед обжигом. После того, как глине была предана форма и заготовка высыхала на солнышке, мастера приступали к нанесению грунтовки – основы для рисунка. Базой служил раствор шликера или минеральный жидкости. Затем наносили орнамент. Сосуд ставили на колени и начинали работу. Краску брали кистями различной формы и величины.

Применялись и циркули, деревянные палочки, металлический инструмент. Позже, когда рисунки намного усложнились, мастера сначала делали наброски, а затем рисовали «чистовой» вариант. В завершение ставили автограф, давали краске подсохнуть и отправляли изделие на обжиг. В редких случаях перед обжигом на дне или сбоку внизу прочерчивалась цена амфоры или скифоса.

Большие декоративные вазы, на которых было где «разгуляться» мастеру, представляли собой целые произведения искусства. Мотивы росписи посвящали богам Древней Греции, людям — героям мифов. Вреди таких изображений меньше всего было сцен быта Древних греков. Широкое распространение получили картины пиршеств, свадебных обрядов, олимпийские соревнования или сцены из повседневной жизни спортсменов, их тренировок.

Позже изобрели краски, которые не требовали проведения обжига. Называли такие вазы «канозскими». В быту ими почти не пользовались. Предназначались они для закладывания в захоронения. Украшались сосуды и лепниной. Делали это, преимущественно, мастера Сицилии. Некоторые техники, которые не получили повсеместное распространение, а были характерны лишь для определенных местечек. Наиболее популярными стали амфоры Афин, Лаконии, Беотии.

Греческий орнамент: фото, происхождение и значение

Греческий орнамент или меандр знаком каждому из нас с самого детства. Этот узор вышивают на одежде, гравируют на посуде, рисуют на предметах быта, печатают на обложках книг и учебников.

Происхождение рисунка и его значение

Сложено немало легенд и увлекательных историй о том, как возник меандр и что же он означает. Первые следы этого узора были обнаружены на глиняных черенках эпохи неолита. Ученые полагают, что в непрерывной ленте из прямых углов древние греки находили магический смысл жизни и сюжет о цикличности вселенной. Прямой угол в данном случае — символ мудрости и добродетели. Каждый, кто украшал подол своей одежды таким рисунком, хотел заявить о том, что ведет праведную жизнь.

Если же вспомнить историю меандра, то окажется, что свое интересное название он получил от реки Меандр (Большой Мендерес) в Малой Азии, потока с очень извилистым и непредсказуемым руслом. Составленный из непрерывной ломанной под прямыми углами линии, меандр может считаться достаточно жестким рисунком. В качестве орнамента меандр первоначально был популярен в древнегреческой, древнеримской, романской и византийской культурах, им украшали архитектурные объекты и предметы быта.

Согласно другой теории, меандр обозначает саму вечность — именно поэтому этот рисунок украсил следы зданий в легендарных Помпеях. Город, воскрес из пепла, как воскресает человек при смене поколений.

Совершенно иной взгляд высказали американские искусствоведы, заявившие о том, что меандр — ничто иное как изображение капкана для животных, которые расставляли греческие охотники. По своей конструкции он напоминал лабиринт, из которого невозможно выбраться, а значит мужчины обеспечивали себя беспроигрышной охотой.

Если внимательно изучить культуру Коринфа, то можно отметить, что этот греческий орнамент плотно связан с другими узорами: волнами, кругами и вполне возможно имеет сходное с ними происхождение. Возможно, при помощи такого орнамента древние греки хотели задобрить Олимпийских богов.

Более прозаичное и логическое объяснение появлению орнамента высказывают археологи, предполагая, что меандр символизирует реку с одноименным названием. Ее извилистые берега и резкие пороги напоминают прямоугольные элементы рисунка, а его цикличность — ни что иное как течение реки.

Меандр в современности

Культура Древней Греции издавна вдохновляет лучших дизайнеров и модельеров на создание утонченных и изысканных моделей одежды или предметов быта. Сегодня в моде ювелирные украшения с черным меандром на золоте  — такие кольца и серьги демонстрируют многие голливудские звезды. Греческим рисунком украшают стены при создании дизайнерского интерьера кухни или гостиной — спокойный, монотонный и в то же время очень интересный орнамент добавляет в атмосферу комнаты изящности и спокойствия.

Меандр можно встретить и на одежде — им украшают подолы платьев и воротнички, а в последнее время стали модны хлопчатобумажные сорочки-вышиванки с различными орнаментами, в числе которых есть и греческий.

Смелые дизайнеры интерьера предлагают даже ковры и шторы с крупным меандром, а модельеры удивляют количеством вариаций — двойной, тройной, перевернутый орнамент. Несмотря на столь глубинное значение, меандр чаще всего воспринимается как классический декоративный элемент. Возможно, он заслужил такую популярность благодаря простоте исполнения — его сможет нарисовать даже ребенок, а умелые мастерицы могут показать вам даже вязаный меандр. Греки всегда умели видеть красоту в простоте, самое время и нам научиться.

А также почитайте:

Методы обучения рисованию в Древней Греции — Студопедия

Занятие 4. Методы обучения рисованию в Древней Греции, Древнем Риме.

Древнегреческая цивилизация была первой в Европе; ее часто называют «колыбелью» европейской культуры. Эту метафору некоторые исследователи считают не вполне удачной. Человек вырастает, выходит из колыбели – и забывает о ней: она ему больше не нужна. Считают, что более уместен другой образ: античная Греция – фундамент европейской цивилизации.

Древние греки, называвшие себя эллинами, создали свою уникальную культуру, которую можно рассматривать как базу мировой культуры.

Все в мире с тех пор неузнаваемо изменилось. Но сила и слава античного искусства оказалась вечной. Античность осталась и вечной школой художников. Когда начинающий художник приходит в классы, ему дают рисовать торс Геракла, голову Аполлона. Период ученичества остается далеко позади, а зрелый мастер снова и снова обращается к образам античности, разгадывая тайну их гармонии и неувядаемой жизни.

Хотя и трудно дать всесторонний, научный анализ методики обучения рисованию в Древней Греции по разрозненным сведениям древних писателей, отметим некоторые характерные особенности преподавания.

· Художники-педагоги утверждали, что в мире царит строгая закономерность, и сущность прекрасного заключается в стройном порядке, в симметрии, в гармонии частей и целого, в правильных математических отношениях.

· Совершенно бесспорно, что при рисовании соблюдалась ясность и четкость в передаче очертаний предмета. Линия в рисунке играла первостепенную роль. При изображении предмета художник должен был четкими, без лишних штрихов и росчерков, одними линиями наметить его форму.

· Этого можно было достигнуть только в результате многолетней работы над натурой. Греческие художники не только владели высокой техникой рисунка, они прекрасно знали форму и строение человеческого тела. Об этом убедительно свидетельствуют произведения вазовой живописи, скульптуры и копии с произведений греческих художников, выполненные римскими живописцами. Ставя во главу изобразительного искусства образ человека, греческие художники наблюдали и изучали человеческое тело во всех его деталях. Используя традицию построения изображения человеческой фигуры по канонам, греческие художники выдвинули новую проблему в искусстве и удачно решили ее в своих творениях. Греческие художники-педагоги установили правильный метод обучения рисованию, в основе которого лежало рисование с натуры. Памфил первый понял, что рисование развивает пространственное мышление и образное представление, которые необходимы людям всех профессий, а также, что в задачу обучения рисованию входит не только копирование предметов реальной действительности, но и познание закономерностей природы.

· Передавая форму предметов, как это видно из сведений древних писателей, греческие художники не ограничивались только линейными изображениями, но наглядно и убедительно передавали средствами светотени (тона) объем и фактуру предметов. Для иллюстрации приведем выдержки из сочинения Филострата Старшего, где он дает описание картины «Пиндар»: «Думаю, ты удивляешься, почему эти пчелы здесь нарисованы с такой точностью? Ты видишь ясно их хоботок, лапки, крылья, цвет их тельца; и это все нарисовано не мимоходом, не кое-как, ибо разнообразием красок картина передает все так, как бывает в природе». Описывая другую картину, Филострат отмечает: «Удивительно хорошо удалось художнику нарисовать до мелочей точно паука, передать всю раскраску его точками, как в природе, все его шелковистое тельце, такое злое и дикое. Только хороший мастер, искусный в передаче реальности, так может писать. Сверх того, он изобразил и тонкие нити его паутины. Смотри! Вот эту толстую нить паук приделал к углу квадратом, как канат у станка, а к этому шнуру прилажена тонкая ткань; она состоит из нитей, идущих во много рядов, закругленных, как на гончарном станке». Итак, можно сделать вывод, что греческие художники стремились к реальности изображения, часто доходя до иллюзорности.

Понятно, что для приобретения навыков подобного мастерства нужна была хорошая школа рисунка. К IV веку до н. э. в Греции существовало уже несколько прославленных школ рисунка: Сикионская, Эфесская, Фиванская. Эти школы имели различные методические установки.

Фиванская школа, основателем которой был Аристид, или Никомах, большое значение придавала светотеневым эффектам, передаче жизненных ощущений и иллюзии.

Эфесская школа, создателем которой считается Эфранор из Коринфа (по другим источникам — Зевксис), основывалась на «чувственном восприятии природы и на внешней красоте». Эта школа стремилась к иллюзии, но была «небезукоризненна в рисунке».

Сикионская школа, основанная Эвпомпом, базировалась на научных данных естествознания и строго придерживалась законов природы. В этой школе требовалась «величайшая точность и строгость рисунка».

Сикионская школа оказала большое влияние на методику преподавания рисования и на дальнейшее развитие изобразительного искусства. Эта школа придерживалась научного метода обучения, она стремилась приблизить ученика к природе, научить его чтить закономерности строения природы, воспитывала у ученика любовь к изучению красоты природы. В результате обучения Сикионская школа рисунка давала очень высокую профессиональную подготовку молодым художникам. Из этой школы вышли такие прославленные художники, как Памфил, Мелантий, Павзий и великий Апеллес.

Один из великих скульпторов классической эпохи Древней Греции (V-IV вв до н.э.) – Поликлет родился не раньше 480 г. до н.э. в Аргосе и являлся главой северопелопоннесской, Сикионской школы рисунка. Самые ранние его работы – это статуи атлетов, победителей Олимпиад. Поликлета в первую очередь интересовала проблема формы. Он написал сочинение (трактат) о пропорциональной закономерности частей человеческого тела. В качестве идеальных – длина ступни 1/6 высоты, высота голов – 1/8 длины тела, лицо и кисть руки равны одной десятой, для лица установлен принцип делении на 3 равные доли. Образами, созданными по «Канону», являются «Дорифор» (копьеносец) и «Диадумен» (юноша с победной повязкой). Проблема, интересовавшая Поликлета, — движение в состоянии покоя.

Баланс энергий Поликлет создает с помощью хаизма.

Хаизм (греч. chaismos – крестообразное расположение) – изображение стоящей человеческой фигуры, в которой тяжесть тела перенесена на одну ногу, поднявшемуся бедру соответствует опущенное плечо, опущенному бедру поднятое плечо (попробуйте встать в эту позу).

Статуя «Дорифора» служила образцом для художников.

Плиний в своей «Естественной истории» пишет, что из этой статуи художники извлекали, как будто из книги, твердые правила и законы. Таким образом, Поликлет в этом произведении оставил последующим поколениям художников как бы учебник своего искусства.

Говоря о Сикионской школе, необходимо прежде всего сказать о ее основателе — Эвпомпе (400 — 375 годы до н. э.). Он был прекрасным педагогом и хорошим живописцем. Особое место в истории изобразительного искусства Эвпомп занимает как выдающийся представитель художественной педагогики.

Эвпомп впервые обратил серьезное внимание на научную основу изобразительного искусства, положив рисунок в основу своей школы. Стараясь ввести в искусство научные принципы и стремясь к величайшей точности рисунка, Эвпомп подошел по-новому и к методу обучения. Он призывал своих учеников изучать закономерности природы на основе данных науки, главным образом, математики. Плиний пишет: «Значение Эвпомпа в живописи было так велико, что из-за него внесено было новое деление живописи: до него она делилась на живопись Эллады и Азии, а из-за этого уроженца Сикиона живопись Эллады в свою очередь была разделена, и получилось три школы: Ионийская, Сикионская, Аттическая».

Наиболее выдающейся личностью Сикионской школы и ее фактической главой был Памфил — ученик и последователь Эвпомпа. Памфил был очень образованным человеком и блистательным художником. Плиний пишет о нём: «Сам Памфил родом был македонянин, но он первый вступил в область живописи, обладая всесторонним образованием, особенно же знанием арифметики и геометрии; без их знания, по его словам, нельзя было достичь совершенства в области искусства».

Прекрасно понимая, что во время рисования с натуры человек не только наблюдает предмет, но и познает его строение, Памфил придавал большое значение рисованию как общеобразовательному предмету и с этой целью содействовал введению рисования во всех греческих школах. Плиний пишет: «Благодаря ему сперва в Сикионе, а потом во всей Греции было установлено так, что свободные дети учились рисованию, то есть живописи на буковом дереве, причем это искусство было включено в число предметов первоначального образования». Заслуга Памфила состоит в том, что он первый понял, что в задачу обучения рисованию входит не только изображение предметов реальной действительности, но и познание закономерностей их строения. Это заставило передовых граждан Греции осознать важность обучения искусству в деле воспитания.

При обучении рисованию художников-профессионалов Памфил особенно большое внимание уделял научному обоснованию каждого положения изобразительного искусства и, в частности, математической закономерности. Сам Памфил был большим знатоком математики и много работал в области геометрии, так как считал, что эта наука помогает развитию пространственного мышления и облегчает процесс построения изображения на плоскости. На дверях Сикионской школы рисунка, говорит Плиний, было написано: «Сюда не допускаются люди, не знающие геометрии».

Желание обосновать главные положения изобразительного искусства данными науки стало затем традицией не только Сикионской школы, но и других. Эта мудрая традиция Сикионской школы передавалась последующим поколениям художников и достигла своего наивысшего расцвета у художников эпохи Возрождения, которые были большими знатоками математики и умели использовать эту науку в практике изобразительного искусства.

Как видим, у Памфила была своя система обучения рисунку, основанная на строгих научных положениях. Чтобы овладеть этой системой, а также установленными научно-теоретическими и практическими положениями искусства, требовалось большое количество времени, поэтому курс обучения у Памфила продолжался 12 лет. За обучение он брал довольно большую плату — один талант (26,196 кг золота). «Никого он не учил дешевле одного таланта, и эту плату ему уплатили и Апеллес и Мелантий», — пишет Плиний.

Как отмечают историки, Памфил был крупным теоретиком искусства, однако мы не знаем, были ли его труды посвящены только изобразительному искусству или в них рассматривались вопросы теории преподавания — методики.

Продолжателем дела Памфила были его ученики — Мелантий и Апеллес. Они развивали его методические положения и принципы искусства, методические приемы обучения рисунку.

Самой крупной фигурой не только Сикионской школы, но и всего античного искусства был Апеллес (356—308 годы до н. э.). Этот художник достиг наивысшей славы среди всех художников древности, впоследствии его имя стало нарицательным среди художников и теоретиков искусства.

Первоначальное художественное образование Апеллес получил в Эфесской школе. Первым его учителем был Эфон Эфесский. Затем Апеллес перешел в школу Памфила, где очень скоро превзошел своего учителя. Позднее он и сам стал заниматься педагогической деятельностью.

Об Апеллесе как художнике-педагоге известно следующее. Обучение он начинал с освоения технологии и техники рисунка и живописи. Его воспитанники учились растирать краски, знакомились с техникой работы и основательно изучали рисунок. Рисунок был главным учебным предметом, им занимались ежедневно. У Апеллеса было правило: «Ни одного дня без линии». Он считал, что «в живописи, как и в музыке, постоянное занятие необходимо». С учениками Апеллес был прост, но очень требователен.

Высокие требования Апеллес предъявлял и к самому себе. Плиний пишет, что «он выставлял свои замечательные картины на балконе напоказ прохожим и, прячась за картиной, слушал, какие недостатки отмечались».

В основу своего искусства Апеллес положил точный рисунок, который обеспечивал реальность изображения. Многочисленные описания картин Апеллеса говорят об их исключительной выразительности и реальности. Однако его произведения не являлись результатом лишь точного изображения натуры. Апеллес не срисовывал всех мельчайших деталей, не воспроизводил на картине предмет с натуралистической точностью, а передавал лишь самые характерные признаки натуры. Плиний указывает: «Присвоил он себе славу и в другом отношении: восхищаясь картиной Протогена, стоившей ему громадного труда и выполненной со слишком боязливой рачительностью, Апеллес заметил, что Протоген во всем ему равен, но в одном он превосходит Протогена, а именно в умении вовремя прекратить работу над картиной; тем самым дал достопамятный урок, что часто чрезмерная тщательность бывает во вред».

Всем основным положениям изобразительного искусства Апеллес стремился дать научное обоснование. Как утверждают историки, им было написано несколько книг о правилах своего искусства. Одно из сочинений об искусстве Апеллес посвятил своему ученику Персею. К сожалению, о содержании этого труда нам ничего не известно.

Апеллес был художником широкого диапазона — он писал исторические картины, натюрморты и портреты. Особенно часто он изображал Александра Македонского и его славных полководцев. Эти портреты были настолько великолепны, что Александр Македонский однажды сказал: «Есть в мире два великих Александра: один непобедимый, сын Филиппа, другой неповторимый, сын Апеллеса».

В портретах Апеллес достигал поразительного сходства. Плутарх рассказывает, что один из полководцев Александра Македонского Касандр затрясся всем телом, увидев изображение царя. Грамматик Апион пишет, что некий прорицатель по портретам Апеллеса точно угадывал, сколько лет изображенным остается до смерти и сколько ими уже прожито.

Как художник, Апеллес обладал феноменальной зрительной памятью. Плиний рассказывает, что однажды Апеллесу пришлось быть в Александрии и завистники художника подговорили царского шута пригласить Апеллеса на пир к Птоломею. Когда Апеллес явился, Птоломей страшно разгневался и стал спрашивать, кто его пригласил. Чтобы точно указать виновного, Апеллес выхватил из печки уголь и на стене набросал портрет, по которому Птоломей узнал лицо своего шута.

Насколько достоверно это событие и происходило ли оно именно так, как поведал Плиний, — для нас не так важно. Важнее другое: этот факт говорит о том, что в методах овладения изобразительным искусством рисунок по памяти играл у Апеллеса важную роль. И, видимо, входил в систему обучения молодых художников.

Необходимо отметить чрезвычайную любознательность Апеллеса. Он желал знать все об искусстве рисования и живописи. Узнав о каком-либо известном художнике, он стремился увидеть его произведения. Так, услышав о славе Протогена, он совершил путешествие на остров Родос.

О методах обучения художников в эту эпоху мы узнаем лишь из теоретических трудов более позднего времени – из сочинений Плиния, Павзания, Ветрувия и других, а также на основе изучения сохранившихся произведений скульптуры, вазовых росписей, копий произведений античных художников (например, помпейских росписей).

Приступая к анализу методов обучения изобразительному искусству в Древней Греции, насколько это возможно сделать по имеющимся сведениям, необходимо вспомнить прежде всего имя прекрасного рисовальщика Полигнота. В Афинах, где ему были дарованы права гражданства, он стал при Кимоне во главе кружка художников. Здесь он и развернул свою педагогическую деятельность. Он призывал учеников стремиться к реальности изображения, передавать в рисунке природу такой, какой видит ее художник в жизни. Владея лишь средствами линейного рисунка (Полигнот еще не умел передавать явления светотени), он, тем не менее, стремился передавать даже фактуру предметов. Плиний пишет, что «Полигнот …который нарисовал женщин в просвечивающей одежде, прикрыл головы их пестрыми чепцами и первый внес в живопись очень много нового, коль скоро начал открывать рот, показывать зубы и вместо прежнего неподвижного выражения лица давать разнообразие».

Аристотель отмечал и указывал, что Полигнот идеально передавал форму человеческого тела. Рисовал Полигнот человеческие фигуры в натуральную величину. Его живопись представляла собой полихромные (раскрашенные) рисунки, фон в этих рисунках — светлый. Полигнот по-настоящему развил культуру линейного рисунка, начал уважать линию и передавать ею движение и жизнь человеческих фигур. «Сколько разнообразия и сколько красоты в картине фазосского художника!» — восклицает историк Павзаний. Влияние Полигнота на художников было огромным, он имел множество учеников и последователей.

Настоящая же революция в области рисования и методов обучения приписывается Аполлодору Афинскому (около V века до н. э.), которого Плиний относит к «светочам искусства». Аполлодор считается первым скиографом, то есть тенеписцем, и вместе с тем первым станковым живописцем, включившим в технику живописи смешивание красок и их градаций сообразно свету и тени. Заслуга Аполлодора заключается в том, что он впервые ввел светотень и стал модулировать тоном объем формы в рисунке. До Аполлодора греческие художники изображали форму предметов одними линиями и не представляли себе, как можно иначе передать форму предмета на плоскости. Современному художнику тональная моделировка формы кажется обычным делом, но в то время светотень в рисунке, создававшая иллюзию реального объема, почиталась за чудо.

Эти принципиально новые положения отразились не только на практике изобразительного искусства, но и на методике его преподавания. Появилась необходимость в совершенно иных методах обучения. Передача формы, объема на плоскости требовали новой методики обучения.

Являясь замечательным художником, Аполлодор в то же время был и прекрасным педагогом. Его учеником был прославленный живописец древности Зевксис, которого сам Аполлодор в одной из сочиненных им эпиграмм назвал «похитителем своего искусства».

Эфесская школа:

Зевксис (420—380 годы до н. э.) был родом из Гераклеи, учился у Аполлодора в Афинах, а затем открыл свою школу в Эфесе. Зевксис имел много учеников и последователей. Желая помочь ученикам понять прекрасное в жизни и в искусстве, он, как и многие художники Древней Греции, старался найти и установить идеал и канон красоты. Создавал канон красоты Зевксис не на основе фантазии и представления, а опираясь на изучение натуры. О том, как Зевксис рисовал красивейшую женщину Греции Елену, нам повествует Плиний. Он рассказывает, что Елену для кротонцев Зевксис написал не с одной натурщицы, а с нескольких. Кротонцы прислали Зевксису красивейших девушек своего города, чтобы он из них выбрал лучшую для позирования. Среди них художник отобрал пять натурщиц и, списывая то с одной, то с другой наиболее прекрасные формы, создал столь идеальный образ женщины, что «взглянуть на него было неземным наслаждением».

Много усовершенствований внес Зевксис в методику построения изображения формы предметов средствами светотени. Леон Баттиста Альберти пишет: «Говорят, что Зевксис, древнейший и известнейший живописец, почитается как бы главой всех остальных в познании свойств светов и теней и что подобная слава была уделом немногих».

Благодаря глубокому знанию законов природы, техники и технологии изобразительного искусства, Зевксис приобрел огромную славу. За свои картины он получал огромные деньги и накопил колоссальное состояние. На склоне лет он даже перестал работать за деньги и дарил свои произведения царям и городам, заявляя, что его картины превосходят всякую цену. Вел он очень роскошную жизнь и показывался в публичных местах в золоте и пурпуре.

Как художник и педагог Зевксис был очень требовательным как к ученикам, так и к самому себе. «Передают, что …впоследствии Зевксис нарисовал мальчика, несущего виноград, к винограду подлетели птицы, и Зевксис, рассердившись на свою картину, обнаружил то же самое благородство, заявляя: «Виноград я нарисовал лучше, чем мальчика, потому что, если бы я и мальчика нарисовал вполне удачно, птицы должны были бы его бояться».

Как мы видим, греческие художники стремились к реальности изображения, они старались показать реальный мир как можно точнее, доходя до иллюзорности. Все это нашло свое отражение и в методике обучения. Натура являлась источником знаний, а, следовательно, в основу преподавания было положено рисование с натуры.

Вместе с Зевксисом продолжал развивать принципы реалистического искусства другой замечательный художник того времени Паррасий. Плиний пишет о нем: «Паррасий родился в Эфесе и сам многое внес в область своего искусства. Он первый придал живописи симметрию, первый стал передавать игру лица, изящество волос, красоту лица, по признанию художников достигши первенства в контурах. В этом заключается высшая тонкость живописи».

Уметь хорошо передать «игру лица», «достигши первенства в контурах» — это прежде всего в совершенстве владеть рисунком, для чего была нужна основательная школа. И высказывание Плиния о Паррасий еще раз говорит о том, что методика обучения рисунку в то время в Греции была поставлена на должную высоту.

Развитие и совершенствование мастерства, а вместе с тем и методов преподавания требовали общения и соревнования между художниками-педагогами. О таком общении и товарищеском соперничестве между Зевксисом и Паррасием Плиний пишет: «Про Паррасия передают, будто он вступил в состязание с Зевксисом. Зевксис принес картину, на которой виноград был нарисован так удачно, что подлетали птицы. Паррасий же принес полотнище, нарисованное так правдоподобно, что Зевксис, гордясь этим приговором птиц, стал требовать, чтобы полотнище было убрано и чтобы была показана сама картина, а затем понял свою ошибку и под влиянием благородного стыда уступил пальму первенства Паррасию, так как сам он обманул птиц, а Паррасий — его самого, художника».

Стремясь к правдоподобию изображения, жизненной выразительности своих композиций, художники, естественно, интересовались и успехами своих собратьев по искусству, отдавали дань уважения их мастерству и знаниям. Как передают историки, Паррасий пользовался большим авторитетом среди своих коллег и как художник, и как ученый-теоретик. Он разработал канон пропорций человеческого тела, которым пользовались многие его ученики и последователи, написал специальный трактат о рисунке, в котором особое место уделил линии. При обучении рисунку Паррасий требовал прежде всего обратить внимание ученика на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости. Раскрывая специфику линейного рисунка, как ее трактовал Паррасий, Плинии пишет: «…Ведь рисовать тела и их поверхности трудно, но многие в этом достигли славы, зато рисовать одни только очертания и ограничивать пределы оканчивающегося рисунка — редко кому да удается. Ведь контур должен состоять только из своей линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что скрыто».

Это уже яркая характеристика теоретических основ методики обучения рисунку, которым должны были следовать учителя и начинающие художники. Видимо, Паррасий придерживался определенной методической последовательности построения изображения, которая в его законченных произведениях становилась незаметной, однако была необходима начинающим художникам. Об этом в свое время писали Антигон и Ксендкрат, анализировавшие его произведения, об этом не случайно упоминает Плиний: «В его картинах и бумагах видны многие следы грифеля, которые, как говорят, очень полезны художникам».

Разрабатывая сегодня методические положения обучения рисованию, мы не можем пренебречь этим опытом, он должен привлечь наше внимание так же, как привлек в свое время художников эпохи Возрождения. В своем трактате о живописи Альберти пишет: «Сначала мы скажем об очертании. Очертанием в живописи будет то, что кругом очерчивает поля. В этом Паррасий, тот живописец, что у Ксенофонта беседует с Сократом, был, говорят, весьма опытен и много изучал эти линии. Так вот я утверждаю, что в этих очертаниях нужно всячески добиваться того, чтобы они состояли из тончайших линий, почти ускользающих от взора, в чем обычно упражнялся живописец Апеллес и состязался с Протогеном. А так как очертание — не что иное, как рисунок края, то, если оно сделано слишком заметной линией, покажется, что это не граница поверхности, а трещина, и я хотел бы, чтобы при очертании не стремились ни к чему другому, как только к тому, чтобы проследить край, а для этого, утверждаю я, требуется много упражнений».

К IV веку до н. э. греческое искусство достигает высокой степени совершенства. Художники уже научились передавать на плоскости не только объем (трехмерность) предметов, но и явления перспективы. Более того, они начинают разрабатывать теорию перспективы применительно к задачам изобразительного искусства. Так, живописец Агафарк, сын Эвдема из Самоса, написал сочинение по перспективе для театральных художников-декораторов. К этому его побудил Эсхил, которому Агафарк помогал оформлять сцену для спектакля.

Известно также, что в IV веке до н. э. большим успехом у современников пользовался художник Перейка. Он писал картины, изображающие цирюльни, сапожные мастерские, лавки съестных припасов, то есть изображал интерьеры. Вполне естественно, что построение интерьера требовало применения законов перспективы.

Умение греческих художников пользоваться правилами перспективного построения позволяло им справляться со сложной задачей изображения в ракурсе. Плиний рассказывает, что Павзий написал быка мордой к зрителю, а не сбоку, и, тем не менее, размеры быка вполне обнаружены.

Однако не следует думать, что греки имели теорию перспективы, сходную с нашей, основателем которой был Филиппо Брунеллески, поставивший во главу перспективного построения три основных правила центрального изображения: главную точку схода, линию горизонта и расстояние от модели до глаза художника. Возможно, у греков существовала особая теория перспективы — стереоперспектива, позволяющая создавать иллюзию подлинного пространства и объема. Если верить рассказам Плиния и других историков о выразительности произведений греческих художников, то передача формы предметов была «натуральной», то есть предмет на изображении выглядел таким, каким его видит человек двумя глазами. Кроме того, известно, что для передачи пространства и объема не обязательно соблюдать одну точку схода и линию горизонта.

В заключение отметим, что греческие художники при построении реалистического изображения на плоскости пользовались определенными законами перспективы, и с их помощью добивались желаемого результата. Их произведения для того времени были достаточно реальны.

В процессе рисования с натуры греческие художники изучали и анатомию. Об этом наглядно свидетельствуют копии с античных скульптур, на это указывают и исследователи этого вопроса. Кроме того, известно, что Герофил из Халкедона и Епазистрат из Кеоса занимались изучением анатомии, рассекая трупы.

По сохранившимся копиям произведений Древней Греции мы убеждаемся, что греческие скульпторы воспроизводили форму тела с исключительной анатомической точностью. В произведениях этих художников оно передано так верно, что даже самый строгий современный критик не сможет найти в них малейшей неточности. Все мускулы не только правильно моделированы на своих местах, но и, более того, формы одного и того же мускула различно подчеркнуты на правой и левой стороне тела, в зависимости от характера движения и напряжения мускула.

Итак, в Древней Греции было серьезно поставлено дело преподавания изобразительного искусства. Греческие мастера призывали учеников изучать искусство на основе данных науки. В своих методических положениях они указывали, что художник в своей творческой работе должен отдавать преимущество знанию, рассудку, а не порывам вдохновения. В этом отношении показательны рассуждения Платона. В своих «Законах» он пишет: «Существуют две музы, которые хотят и могут обе нравиться, однако, совершенно различны. Муза мудрости имеет то преимущество, что делает своих учеников лучшими; обыкновенная же муза портит их. Художник должен следовать за первой и закрывать уши от соблазнов другой».

Несколько слов о технике рисунка в Древней Греции. Рисовали преимущественно на деревянных (буковых) дощечках, реже на папирусе. Буковые доски приготовлялись двумя способами: для рисования стилусом (заостренной костяной или металлической палочкой) доски покрывались слоем воска, иногда воск подкрашивался каким-нибудь цветом; для рисования кистью буковую дощечку грунтовали специальным левкасом белого цвета (излюбленный метод работы мастеров Афинской школы). Такие доски применялись главным образом для ученических работ, для набросков и предварительных эскизов. Когда рисунок был надлежащим образом уточнен, художник его перерисовывал на папирус или прямо на стену для фрески или на керамическую вазу.

Эпоха античной Греции была самой блестящей эпохой в истории развития изобразительного искусства древнего мира. Значение греческого изобразительного искусства чрезвычайно велико. Здесь был заложен метод научного понимания искусства. Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей изучать природу, наблюдать ее красоту, указывали, в чем она заключается. По их мнению, красота заключается в правильной пропорциональной соразмерности частей, совершенным образцом которой является человеческая фигура. Они говорили, что пропорциональная закономерность человеческого тела в своем единстве создает гармонию красоты. Главный принцип софистов гласил: «Человек — мерило всех вещей». Эта философия легла в основу искусства Древней Греции. Великие зодчие, устанавливая пропорции колонны и капители, исходили из пропорциональной закономерности частей человеческого тела. Этот метод расчета пропорций архитектурных деталей, в основе которого лежит эстетическое начало, в дальнейшем в эпоху Возрождения стали применять и художники флорентийской школы.

Архитектура древней греции рисунки | Vasque-Russia.ru

Дизайн интерьера и архитектура

Дизайн интерьера, ремонт и отделка своими руками.

Архитектура древней Греции

В истории развития всей европейской культуры важнейшее место занимает искусство и культура древней Греции. На ее основе и сформировались классические каноны античности.

В целом, ее культурные традиции были полны противоречий, потому что создавались они в обществе рабовладельческой демократии. Однако произведения античных мастеров стали эталоном для творцов многих последующих поколений.

Первые археологические раскопки в начале XVIII века были проведены в городах Помпеи и Геркуланум, погребенных под вулканической лавой Везувия. В результате исследований были обнаружены многие уникальные образцы различных произведений мастеров той эпохи.

Это скульптуры и рельефные изображение, посуда и предметы домашней утвари, оружие и древние инструменты. Среди всех найденных ценных экземпляров особое внимание привлекают сохранившиеся фрагменты зданий. Они представляют огромный интерес для ученых в процессе изучения архитектурного облика городов древней Греции.

Периоды развития древнегреческой архитектуры

Всю историю развития архитектуры в древней Греции можно разделить на несколько периодов:

• Гомеровская эпоха ( с XII до середины VIII веков до нашей эры) — период зарождения и развития эллинской архитектуры, время постепенного разложения родового строя и появления новых классовых отношений. В основе эллинского зодчества изначально лежали традиции эгейской культуры, но впоследствии зарождались и новые, самобытные черты.

В бронзовом веке храмы еще не строились. И только в начале VIII века появляется храм, особенности конструкции которого напоминают мегарон, возникший ранее в архитектуре Крита и Микен . Основным строительным материалом для храма стал необожженный кирпич, а двускатная крыша была сделана из дерева.

Большую часть сведений об облике сооружений того периода ученые почерпнули из произведений Гомера. В те времена строились дома из древесины, которые для большей прочности скрепляли металлической обшивкой.

Еще одним распространенным видом строительного материала был кирпич — сырец. К концу периода строители начали использовать черепицу из обожженной глины . Для этого времени характерно строительство не только обычных жилых домов, но и первых храмов.

Данный период примечателен формированием особенной планировочной системы, важное место в которой занимает колоннада, окружающая здание со всех сторон. Одним из самых ранних сооружений того периода считается храм богини Геры на острове Самосе.

Развалины храма богини Геры на острове Самосе

• Архаический период ( с VIII по начало V веков до нашей эры) — характеризуется окончательным формированием рабовладельческого государства, и возникновением города — полиса.

В начале архаического периода была также распространена техника строительства из дерева и сырцового кирпича. Отличие заключалось лишь в применении терракотовых облицовок для отделки храмов. В дальнейшем наиболее важные и масштабные сооружения начинают строить из мягкого и легкого в обработке известняка. В конце периода самым распространенным материалом становится мрамор .

В течение VII века до нашей эры древнегреческое строительное искусство развивается сразу в нескольких направлениях, которые имели существенные различия.

В архаический период появляются первые образцы монументальных сооружений, а также формируются различные типы храмов и других зданий общественного назначения.

Происходит зарождение и развитие ордеров, которые впоследствии становятся базовыми и наиболее узнаваемыми элементами древнегреческой архитектуры.

• Классический период ( с 480 по 400 годы до нашей эры) — время правления Перикла, которое характеризуется высоким уровнем развития архитектуры и всех сфер искусства.

Широко применяется отточенная до идеального состояния ордерная система. Облик зданий приобретает утонченность, а почерк архитекторов — узнаваемость.

Афины становятся главным городом, имеющим правильную планировку улиц. В других городах также проводится постройка новых жилых кварталов по единому плану.

В этот период формируется архитектурный облик типового греческого дома, который состоит из окруженного портиками внутреннего дворика, прообразом которого стал мегарон.

Для классического периода характерно появление открытых каменных театров и залов для музыки — одейонов. Новые формы приобретают общественные здания для собрания большого количества людей.

• Эпоха разложения полисов ( IV век до нашей эры) — в этот период храмы теряют свое передовое значение, однако с большей интенсивностью развивается светская архитектура и совершенствуется планировка жилых домов.

Экстерьер зданий приобретает большую утонченность и изящество благодаря использованию ионического и коринфского ордеров.

• Эпоха эллинизма ( 330 — е годы — I век до нашей эры) — период возникновения греко — восточных монархий и проникновения древнегреческой культуры в Малую Азию и Египет.

Дли эпохи эллинизма характерно смешение различных стилей и ордеров с чисто декоративной целью. Но при этом теряется былая лаконичность, монументальность и узнаваемость ордерной системы.

Однако этот факт совершенно не мешает созданию масштабных городских ансамблей, в архитектуре которых повсеместно применяется перистиль — ряды колонн, окружающих дворы и площади.

Ордерная система

Ордер в архитектуре — это система проявления конструкции сооружения в определенной форме. С развитием и становлением стилистики различных ордеров устанавливается соразмерность целого сооружения и отдельных его частей, композиция и соответствующие пропорции. Постепенно совершенствуются формы построек, и греческая классика достигает вершины своего развития.

В архитектуре древней Греции использовались три основные ордера:

• Дорический
• Ионический
• Коринфский

Основное различие архитектурных ордеров заключалось прежде всего в формах колонн и антаблемента, а также в различных декоративных деталях и соотношении пропорций.о

При этом планировка пространства зданий была одинаковой для всех ордерных систем. И дорический, и ионический ордера использовались в процессе строительства не только культовых, но и светских сооружений, а также мест общественного посещения.

Каждая постройка представляет собой единое целое, созданное из отдельных архитектурных элементов, среди которых можно назвать следующие:

• Крепида — это подножие любой постройки, своего рода фундамент сооружения.
• Стены
• Колонны различных ордеров
• Антаблемент
• Кровля
• Треугольный фронтон

В древнегреческой архитектуре использовалась система колонн и антаблементов или , как ее еще называют — стоечно — балочная система. Лучшими образцами построек стали храмы, которые изначально возводились из древесины , а позднее — из природного камня.

Дорический ордер

Дорический ордер — наиболее массивный из всех, но при этом отличается простотой декоративных деталей и строгостью отделочных элементов. Дорический ордер сформировался в VI веке до нашей эры. Ярким примером можно считать храм Геры в Олимпии.

Храм Геры в Олимпии

Размеры отдельных частей сооружения и их пропорциональное соотношение связаны с длиной радиуса колонны в ее основании. Этот радиус называется модулем, и на его основе проводятся расчеты всех последующих пропорций.

В дальнейшем, с развитием техники строительства, колонны становились более тонкими, изящными и высокими. Соответственно, между ними увеличивалось расстояние, а высота антаблемента уменьшалась.

Храм дорического ордера обычно строили на трехступенчатом высоком основании. Ступени крепиды не были предназначены для восхождения людей. Это был один из характерных элементов древнегреческой архитектуры. Высота ступеней основания определялась из расчета общих пропорций сооружения.

Дорический храм Сегеста в Греции

На трехступенчатом основании устанавливались колонны, не имеющие базы. Они состояли из трехчастной капители ( гипотрахелий, эхин, абака) и каннелюрованного ствола, имевшего небольшое утолщение — энтахис. По своей высоте ствол колонны был равен приблизительно 11 модулям, то есть был в 11 раз длиннее радиуса колонны в основании.

Антаблемент дорического ордера тоже являлся трехчастным. На колоннах размещался архитрав с фризом, который состоял из триглифов и метоп. Он также поддерживал слегка выступающий карниз. Крыша была двускатной с небольшим уклоном. Фронтон треугольной формы, как правило, был украшен скульптурами.

Дорический ордер храма Гефеста ( V век до нашей эры).

Для композиционной завершенности дорического храма огромное значение имел цвет сооружения, который дополнительно подчеркивал его конструкционные особенности.

Наиболее известным из сохранившихся образцов дорических построек является храм Посейдона в Пестуме на юге Италии и храм Гефеста в Афинах.

Храм Посейдона в Пестуме

По своим архитектурным достоинствам самым значительным сооружением считается Парфенон на Афинском Акрополе.

Храм Парфенон в Афинах

Ионический ордер

Постройки ионического ордера характеризуются большей легкостью и изяществом. Особенно это заметно по сравнению с массивными элементами дорического ордера.

Ионические храмы раннего периода имели большие размеры и более роскошное убранство , чем тяжеловесные и строгие дорические храмы.

Но главной отличительной особенностью можно считать внешний облик колонн: они гораздо стройнее и тоньше. К тому же, имеют базу, ствол и капитель. Наиболее роскошной формой характеризуется капитель с волютами.

При этом колонны не связаны ритмическими элементами, как в дорическом ордере. Вместо фриза ионический антаблемент был отделан поясом, декорированным барельефом. Все детали ионического ордера имели сложную профилировку.

Наибольшего расцвета ионический ордер достигает в Малой Азии, где образцы сооружений имеют значительные размеры. Ярким примером может служить храм Артемиды в Эфесе, который достигал в длину 126 метров, и имел колонны высотой 18 метров.

Храм Артемиды в Эфесе

В самой Греции сооружения ионического ордера представлены небольшими изящными постройками. Из сохранившихся образцов можно назвать храм Ники- Аптерос и Эрехтейон в ансамбле Акрополя в Афинах.

Храм Ники — Аптерос

Эрехтейон — последний храм в ансамбле афинского Акрополя

Коринфский ордер

Коринфский ордер получил свое развитие на основе ионического и окончательно сформировался только в римской архитектуре. Главное отличие коринфского ордера от ионического заключалось в наличие капители с четырьмя сторонами, украшенными скульптурным изображением листьев аканта.

Среди наиболее значительных образцов коринфского ордера в Греции можно назвать капитель памятника Лисикрата в Афинах. Еще одним примером использования коринфского ордера является незаконченный афинский Олимпейон.

Олимпейон — храм Зевса в Афинах

Памятник Лисикрата ( Афины)

Строительная техника

В архитектуре древней Греции основным строительным материалом был природный камень различных сортов. Так, в ранний период применялся мягкий известняк, который легко поддавался обработке. При строительстве Афинского Акрополя в VI веке до нашей эры был использован известняк. Но в ансамбле Нового Акрополя, построенного Периклом, уже встречаются сооружения из пентелийского мрамора.

При этом нужно подчеркнуть, что из камня возводились прежде всего храмы и общественные здания. А вот жилые дома обычно строились из кирпича — сырца или обожженного кирпича.

В процессе кладки стен общественных зданий тоже иногда использовался кирпич , но позже наружную сторону облицовывали каменными плитами.

Для сооружения кровли и перекрытий обычно использовали древесину. В ранний период из дерева были сделаны и колонны храмов. Это можно было наблюдать на примере храма Геры в Олимпии, где деревянные колонны впоследствии были заменены каменными.

Каменная кладка производилась сухим способом без применения раствора. При этом для усиления конструкции использовались шипы или деревянные шпонки. Сооружение должно было выдерживать подземные толчки в случае землетрясений, поэтому каменные блоки скреплялись друг с другом с помощью множества металлических скоб.

Процесс установки сложных архитектурных элементов был весьма трудоемким. Некоторые детали делали сразу цельными — например, капители и плиты со скульптурными элементами. Остальные части обрабатывались только после их установки. При этом завершающая обработка производилась в направлении сверху вниз по мере уменьшения высоты строительных подмостков.

Однако с точки зрения профессиональных архитекторов, древнегреческая архитектура, поражающая благородством и совершенством своих форм, по своей конструкции была очень простой. Эта система состояла из несущих элементов здания ( стены и колонны), которые выдерживали нагрузку и несомых частей — балок, плит и перемычек.

Архитектура Древней Греции картинки и фото

Очаг зарождения древнегреческой культуры находится на Балканском полуострове на побережье Средиземного моря, там, где расположена современная страна Греция. В древности она называлась Эллада. Это не означает, что большинство памятников древнегреческой культуры находят именно здесь. Греки были торговым и морским народом и основывали новые города почти везде на побережье Черного и Средиземного морей. их сравнивали с лягушками, обсевшими берега пруда. Северо — восточным форпостом древнегреческой цивилизации был город Танаис в устье Дона у современного Таганрога, западным городом — Масилия, ныне французский Марсель. Очень много греческих колоний было основано в Южной Италии, даже дало повод именно этот регион, а не Балканский полуостров, назвать Великой Грецией. Значительное количество памятников древнегреческой культуры находится также в Малой Азии, на территории современной Турции. История развития древнегреческого общества и культуры традиционно делится на три периода: архаический период, охватывающий VIII — VI в. до н. э., классический (V — начало IV в.) и эллинистический (конец IV — II вв.). Последний период связывают с завоевательной деятельностью Александра Македонского, следствием которой стал синтез древнегреческих и восточных культурных элементов. Во II в. на мировую арену выходят римляне. Они поглотили и творчески развили греческую культуру. Эти две родственные культуры — греческую и римскую — часто называют античными, в отличие от других древних культур, например древнеегипетской (подразумевается древний Египет, до момента его покорения Александром Македонским).

Значение достижений древнегреческих художников для развития мировой культуры вообще, и архитектуры в частности, трудно переоценить. Конечно, кто-то может считать египетские или индийские сооружения более впечатляющими, это его право. Но вклад древних греков в архитектурное искусство все равно будет более весомым, потому что они создали ту основу, которую использовали и творчески развивали архитекторы многих стран на протяжении тысячелетий.

Эстетические идеи жителей Древней Эллады принципиально отличались от идей египтян. Это связано с особенностями мировосприятия обоих народов. Египтянин был ориентирован на потусторонние ценности, всю жизнь он готовился к смерти. Для греков характерно относительно безразличное отношение к вопросу, что будет с ними после смерти. Они в основном занимались своей земной судьбой. Поэтому именно среди греков появились первые известные историкам философы материалисты. Конечно, не все греки были материалистами, наоборот, религия играла очень важную роль в их жизни, и главным архитектурным сооружением в древнегреческом городе был храм, тем более что греки классического периода устроили у себя демократию и почти не знали дворцов. Но отношение к религии здесь было несколько иным, чем на Древнем Востоке. Египетская архитектура призвана дать представление о безмерном могуществе богов и фараонов (которых, кстати, тоже считали богами). Она поражает своим величием. Перед греческим архитектором стояла совсем другая задача. Греческий храм — это, конечно, дом бога, но прежде всего — это общественная строение, и прославляет оно величие и красоту свободного гражданина. Бог в этом случае выступает как заместитель общины, а не таинственная сверхчеловеческая сила. Поэтому и эстетика здесь другая. Художники Древней Эллады провозгласили принцип: «Человек есть мера всех вещей», и по этому принципу жили. С точки зрения древнего грека, ничто не может быть прекраснее стройного человеческого тела, мужского или женского. Поэтому одним из самых популярных видов искусства была скульптура, которой охотно украшали храмы. Но и более абстрактные по форме архитектурные детали должны были находиться в гармонии с человеческой фигурой.

Древнейшие храмы строили на каменной платформе, но стены складывали из необожженного кирпича и украшали деревянными колоннами. Позже стены начали облицовывать раскрашенными плитками из терракоты (обожженной глины). Впоследствии как строительный материал стали использовать известняк и наконец мрамор. Храмы ставили на высоких уступчатых платформах, так называемых стилобатах. Высота лестницы, ведущей к дверям храма, была слишком велика для человека. Это делало шествие жрецов во время религиозных процессий более торжественным. Храмы, которые ставились небесным богам, были обращены входом на восток, а те, которые были посвящены обожаемым предкам, — на запад, в сторону страны мертвых. В VII в. до н. э. сложился особый тип строения, так называемый периптер, который лег в основу дальнейшего развития греческой храмовой архитектуры. Периптер представлял собой прямоугольную в плане постройку, со всех сторон окруженную колоннадой. Наследование этого образца не делало греческую архитектуру однообразной. Творческая индивидуальность проявлялась в выборе пропорций и деталей. Вопреки распространенному представлению, греческие храмы не были совсем белыми, какими мы их видим сейчас. Верхние части раскрашивались в красный и синий цвета. Широко использовалась позолота. Раскрашивалась также скульптура, которой любили украшать храм. Интерьеру уделялось меньшее внимание, чем внешнему виду, так греческий храм не был местом, где собирались верующие. Он считался домом бога, внутри ставили его изображения. Сюда, как правило, входили только служители культа. Граждане, пришедшие почтить бога, собирались на площади перед восточным фасадом храма. Здесь же обычно возводили алтарь для жертвоприношений.

Древнегреческая архитектура

Храм Артемиды в Эфесе (в настоящее время г. Сельчук в Измире в Турции). Считался одним из семи чудес света. Был сооружён в середине 4 в. до н. э., сожжён Геростратом в 356 году до н. э., несколько раз подвергался восстановлению и перестройкам.

Периоды в древнегреческой архитектуре

Архаичный период

В древнегреческой архитектуре различают архаичный период (7 в. до н.э. – 590 гг. до н.э.) В этот период народы, населяющие территорию Древней Греции, создавали сооружения, принципы конструкции которых легли в основу более поздних построек. Образцы древнегреческой архитектуры архаичного периода, в основном, сохранились на Апеннинском полуострове, в Сицилии, в Пестуме, Селинунте, Агригенте, Сиракузах. Композиция архитектурных ансамблей архаики создавалась постройками, расположенными в ряд.

Памятниками архаичной древнегреческой архитектуры были храмы Геры (“Базилика”) в Пестуме, Афины (“Деметры”). Храм Геры (“Базилика”) создан из туфа, его особенность заключается в нечетном количестве массивных колонн на торце. Сами колонны утолщаются книзу, создавая ощущение «одутловатости». Массивность строения сочетается с декоративной каменной резьбой.

Храм Геры в Пестуме. Середина 6 в. до н.э.

Колонны храма Геры в Пестуме.

Ранне-классический период

Следующий этап в развитии древнегреческой архитектуры – ранне – классический (590гг. до н.э. – 470 до н.э.). В этот период древнегреческая архитектура обогатилась египетскими и азиатскими элементами, которые вписывались в философию и религиозные воззрения общества. Сооружения стали менее вытянутыми, пропорции – более соразмерными и менее тяжеловесными. В тот период при установке колоннады начали придерживаться соотношения количества колонн торцового и бокового фасадов 6:13 или 8:17.

Образцом древнегреческой архитектуры переходного периода между поздней архаикой и ранней классикой является храм Афины Афайи на острове Эгине (около 490 г. до н.э.) Он имел небольшие габариты, соотношение колонн – 6:12. Храм создан из известняка, его стены покрывали росписи, фронтоны украшали мраморные скульптуры (сейчас они хранятся в Мюнхенской глиптотеке – Münchener Glyptothek).

К переходному периоду в древнегреческой архитектуре относится и храм в Селинунте в Сицилии. Он все еще был вытянут в длину, имел соотношение колонн 6:15. Сами колонны производили впечатление массивных и грузных. Типичным сооружением древнегреческой архитектуры ранней классики являются храм Посейдона в Пестуме и храм Зевса в Олимпии (конец 5 в. до н.э.). Он установлен на трехступенчатом основании. Имеет невысокий стилобат (верхняя часть стереобата – ступенчатого цоколя, на котором возводилась колоннада), низкие широкие ступени, соотношение массивных колонн с утолщением в нижней трети 6:14. Храм был построен с учетом особенностей зрительного восприятия. Издали он выглядит приземистым. По мере приближения к сооружению растет ощущение его мощи и величия. Такой прием расчета на восприятие объекта по мере удаления или приближения характерен для зодчества периода ранней классики в древнегреческой архитектуре.

Храм Посейдона в Пестуме.

Храм Зевса в Олимпии (468 и 456 гг. до н.э.) – произведение архитектора Либона, был самым крупным храмом Пелопоннеса (южная часть Балканского полуострова). Храм был построен из ракушечника. Соотношение колонн 6:13. На фронтонах были изображены состязание на колесницах Пелопса и Эномая, битва греков с кентаврами, на элементах фриза – подвиги Геракла.

Развалины храма Зевса в Олимпии.

Классический период

Классический период древнегреческой архитектуры (470 до н. э. — 338 до н. э.). В этот период продолжилось совершенствование стиля. Вместо песчаника использовался мрамор. Строения становились более легкими и изящными. Примером сооружений классического этапа являются храм Тесея в Афинах, храм в Иллисе (не сохранился) и храм Аптерос на входе в некрополь Афин.

Эллинский период

Период эллинизма (338 до н. э. — 180 до н. э.) в древнегреческой архитектуре развивался под влиянием мотивов Востока. Образец – храм Крылатой Афины в Тегее, храм Зевса в городе Немея. Множество строений с богатым декором было возведено в Малой Азии, например, монумент царю Мавсолу, храм Афины в городе Приена, храм Феба Дидимского в городе Милеет.

Руины храма Крылатой Афины в Теге.

Виды храмов в древнегреческой архитектуре

Самым ранним видом храма был дистиль («храм в антах»). В плане храма — прямоугольное или квадратное помещение – цела, передний фасад с входом, напоминающий лоджию с боковыми стенами (антами). Между антами на переднем торце стояли две колонны (отсюда название: «дистиль», что значит – «двуколонный»).

Схема храма в антах.

Храм в антах – Сокровищница афинян. Афины. конец 6 – начало 5 в. до н.э.

Храм простильный с одним портиком и колонами на одном торце (колонны заменяют анты).

Простильный храм с пристройкой.

Храм амфипростильный с двумя портиками с колоннами на двух торцах.

Храм Ники Аптерос с двумя портиками в Акрополе. Афины. 449 – 420 до н.э. Архитектор Калликрат.

Храм периптерический – в его основе амфипростильное или простильное сооружение, которое стоит на высоком фундаменте и имеет колоннаду по всему периметру. Примером может служить Парфенон.

Парфенон. 447 – 438 до н.э. Зодчие Иктин и Калликрат.

Храм диптерический имеет двойной ряд колоннады по периметру. Пример диптерического сооружения древнегреческой архитектуры – Храм Артемиды в Эфесе в 550 г. до н.э.

Храм Артемиды в Эфесе.

Храм псевдопериптерический – вместо колонн периметр здания украшали полуколонны, которые выступали на половину диаметра колонн из стен. Храм псевдодиптерический, у которого за наружным рядом колонн вдоль периметра стояли полуколонны, выступающие из стен. Древнегреческие колонны В древнегреческой архитектуре важную роль играла колонна, она служила определяющим модулем – в соответствии с ее размерами создавались все пропорции сооружения и его декор. Существует несколько типов колонн. Дорические колонны имели соотношение диаметра и высоты колонны приблизительно 6:1. Колонна наверху тоньше, чем внизу. Ниже середины колонна имела утолщение. Часто дорические древнегреческие колонны покрывались вертикальными желобками – каннелюрами, обычно их было 16-20. Колонны ставили прямо на пол сооружения или устанавливали на прямоугольный постамент.

Рисунок капители дорической колонны с каннелюрами.

Древнегреческие колонны ионические изящнее дорических, их ставили на стилобат – широкое четырехугольное подножие, внизу у колонн база из валов, разделенных желобками. Ионическая колонна покрыта большим количеством глубоких каннелюр (24 и больше). Капитель колонны выполнена в виде двух противоположно расположенных волют.

Древнегреческая колонна коринфская отличалась особенной пышностью. Капитель коринфской колонны представляет собой корзину, окружённую двумя рядами акантовых листьев; наклонно стоящие четыре волюты. Архитекторы Римской империи и зодчие Ренессанса коринфскую колонну сделали образцом для подражания.

Капитель коринфского ордера.

Разнообразие сооружений древнегреческой архитектуры объединено общим конструктивным подходом к строительству, системой пропорций и элементами, дающими возможность определить этот стиль с первого взгляда.

Архитектура древней греции рисунки

История архитектуры и культуры древней Греции разделяется на три периода.

1. Древний период – архаика. Отразив нашествие персов, освободив свои земли, персы получили возможность свободно творить. 600-480 гг. до нашей эры.

2. Период расцвета – классика. Александр Македонский покорил огромные территории с разными культурами, эклектика этих культур была причиной упадка греческого классического искусства. Период расцвета наступил после его смерти. 480-323 годы до нашей эры.

3. Поздний период – эллинизм. Этот период закончился в тридцатом году до нашей эры при завоевании Древнего Египта римлянами, который находился под греческим влиянием.

Искусство Древней Греции, несомненно, оказало огромное влияние на последующие поколения. Для позднейших эпох развития культуры источником и образцом стали величественная красота, спокойствие, гармония.

Греция – страна с великим архитектурным прошлым, в которой уделялось много внимания возведению храмов. Греки в строительстве древнейших храмов еще в эпоху архаики заменили дерево белым мрамором и желтоватым известняком. Такой материал не только выглядел благородно, но и отличался своей многовековой прочностью.

Образ храма напоминал древнее жилище греков, которое по своей форме имело сходство с прямоугольным строением. Далее строительство продолжило всем известную логическую схему – от простого к сложному. Совсем скоро планировка каждого храма стала индивидуальной. Но некоторые особенности все же остались неизменными. Например, осталось неизменным ступенчатое основание храмов. Храм представлял собой помещения без окон, которые окружали в несколько рядов колонны, а внутри здания стояла статуя божества. Колонны поддерживали двускатную крышу и балки перекрытия. Народу не позволялось входить в храм, здесь имели право присутствовать только жрецы, поэтому все остальные любовались его красотой снаружи. Эта особенность и послужила приданию храму внешней гармонии и красоты.

Греческие храмы различны по своим композициям, стилистические элементы в каждом используются особым образом.

1. Дистиль – «храм в антах». Самый ранний тип храма. Состоит из святилища, передний фасад – лоджия, ограниченная по краям боковыми стенами (антами). Две колонны устанавливались по переднему фронтону между антами.

2. Простиль. Имеет сходство с антовым, только на фасаде устанавливаются не две, а четыре колонны.

3. Амфипростиль или двойной простиль. На обоих фасадах здания располагаются портики с 4-я колоннами.

4. Периптер. Встречается наиболее часто. Колонны окружают храм по всему периметру. На обоих фасадах располагаются шесть колонн, боковые определяются по формуле «2р + 1». Р – число колонн на переднем фасаде.

5. Диптер. Тип храма, на боковых фасадах которого размещались два ряда колонн.

6. Псевдодиптер. То же что и Диптер, только без внутреннего ряда колонн.

6. Круглый периптер или Толос. Святилище такого храма имеет цилиндрическую форму. Храм окружается колоннами по всему периметру.

В греческой архитектуре различались типы колонн и фризов, получившие названия ордеров.

Самый ранний-дорический-связан с культурой дорийцев, живших в материковой Греции. В дорическом ордере мощные и короткие, сужающиеся кверху, колонны с каннелюрами заканчиваются капителью с квадратной абакой и не имеют базы.

Ионический ордер развился в островной и малоазийской Греции. Ионические колонны, более тонкие и вытянутые, опираются на базу и завершаются капителью, высеченной из прямоугольного блока. Капитель образована двумя завитками (волютами). В большинстве дошедших до нас храмов применены дорический и ионический ордера.

Коринфский ордер появился в Афинах в 5 веке до н. э. Колонну венчает пышная капитель, представляющая собой вьющиеся побеги аканта. Этот ордер получил широкое применение в эпоху эллинизма.

В строительстве исключительное внимание уделялось природным условиям, наибольшее художественное вписывание здания в окружающий пейзаж. Благородные формы архитектуры Древней Греции поражают и в наше время. Хотя с конструктивной точки зрения все было очень простым. Использовалось только два элемента: несомая часть (балки, перемычки, плиты) и несущая (стены и колонны).

Возводилось множество разных сооружений, носящих общественный характер: палестры, стадионы, театры, жилые дома. Театры строились на склонах холмов, зрительские подмостки делались поперек склона, сценическая площадка находилась внизу. Жилые дома строились таким образом, чтобы в центре получался маленький прямоугольный дворик.

Акрополь.

Акрополь – священный город, в котором каждая руина говорит о красоте, неподвластной даже времени. На холм ведет мраморная широкая лестница. Возле нее, справа, возведен изящный небольшой храм богине победы Нике. Его очертания напоминают драгоценную шкатулку. Чтобы попасть на главную площадь, следует миновать ворота с колоннами-Пропилеи.

Здесь возвышается статуя богини мудрости Афродиты, покровительницы города. Дальше не трудно заметить сложный и своеобразный по плану храм Эрехтейон. С его знаменитым портиком, где вместо колонн использованы женские статуи – кариатиды. Нельзя оставить без внимания главный храм Акрополя Парфенон, который был посвящен Афине. Он был построен в дорическом стиле и по праву считается самым совершенным сооружением, возведенным 2 тысячи лет назад. Калликрат и Иктин – создатели храма. Статуя Афины, над которой трудился скульптор Фидий, мраморные фризы, которые опоясывали храм своей 160 метровой лентой, удивительный рельеф из двухсот лошадей и трехсот человеческих фигур являлись главными образами в праздничном шествии афинян.
Парфенон превратился в руины более 300 лет назад, в период осады венецианцами Афин в 17 веке. Турки обосновали в храме пороховой склад. Уцелевшие рельефы храма были вывезены в 19 веке в Лондон англичанином Эльджином. Теперь они хранятся в Британском музее и напоминают лишь часть рассказа славной истории архитектурного прошлого Акрополя.

Архитектура Греции – особенности строительства в античности и современности

Древнегреческая цивилизация оставила огромный след в мировой истории. Эллинская культура и традиции до сих пор высоко ценятся в философии, литературе, искусстве и архитектуре. Например, архитектура Греции известна античными сооружениями, руины которых дошли до наших дней. Они поражают и творческим замыслом, и используемыми материалами, и выверенными пропорциями. Об этих особенностях, которыми примечателен древнегреческий стиль строительства, и поговорим в сегодняшней статье. Расскажем про стили и направления, назовем выдающиеся постройки, а также узнаем, чем может похвастаться современная Греция.

Архитектура Античной Греции

Исконные эллинские традиции складывались под влиянием определенного мировоззрения, дошедшего до нас в мифах Древней Греции. Например, греки верили в Олимпийских богов и считали, что избранные достойны лучшего. Этот взгляд в строительстве греческих городов и выражала античная архитектура.

Древние полисы, обычно возводившиеся у холмов, строились в два этапа: нижний город (подножие холма) и Акрополь (верх холма). Внизу располагались дома простого народа и общественные здания, а верх отводили под строительство царских палат и божественных храмов. Сооружение Акрополя считалось крайне важным делом, поэтому мастера стремились проявить максимум способностей. И воплощали умения и гениальные планы творцов непосредственно интерьер и архитектура древнегреческих дворцов и храмов.

В плане эстетики сооружений архитектура античной Греции разделена на периоды развития:

• Архаика – VIII – VI вв. до н.э.;
• Классика –V век до н.э.;
• Эллинизм – IV – I вв. до н.э.

Каждый этап характеризуется индивидуальными особенностями, поэтому предлагаем познакомиться с ними поближе.

Архаический период

На этом этапе происходит зарождение истинно греческой архитектуры. И в первую очередь греки попытались очистить ее от связи с другими культурами, т.к. ранее в Элладе практиковали архитектурные традиции Азии и Египта. Только в VIII веке до н.э. греки стали использовать собственные идеи строительства и пытаться воплощать их в жизнь. Так образовались первые архитектурные ордеры: дорический и ионический.

Поначалу дорические постройки получались тяжеловесными, неизящными и приземистыми. Красоту им мастера пытаются придать рельефными фризами и треугольными фронтонами с группами статуй. Также старается возводить Греция колонны: вертикальные желоба устремлены ввысь, но столпы довольно массивные, а капитель сложена из двух каменных плит (круглой и квадратной). Так что пока идея «парящих» над землей храмов не воплощена в полной мере.

К известным сооружениям дорического стиля относят следующие постройки:

Осмотреть красоту первых греческих храмов можно и сегодня: в этом помогут тщательно воссозданные художественные реконструкции.

Но постепенно мастера Греции все больше «набивают руку», и здания внешне становятся легче и изящнее. Привнесли эти веяния умельцы с восточных берегов Греции, а назвали новую архитектурную школу – ионическим ордером. Появился он уже под конец архаичного периода, но активно использовался и в последующие века. Одним из первых творений ионического ордера в эпоху архаики стало строительство храма Артемиды в Эфесе.

Классический период

Золотой век греческой архитектуры. Творцы наконец сумели найти ту тонкую грань между красотой форм и строгостью пропорций: здания стали красивыми, утонченными и обладающими продуманной перспективой.

Дорический и ионический ордера продолжают развиваться. При этом несмотря на массивность дорических зданий, это архитектурное направление даже популярнее, а над его улучшением трудятся многие умы. Поначалу мастера экспериментируют с материалами: вместо каменных блоков используют мрамор, что позволяет добиться утонченных линий и изящных форм. Затем размышляют архитекторы и о перспективе, что тоже приводит к успеху. Гармоничными пропорциями уже отличались дорический храм Тесея в Афинах, и святилище со статуей богини Ники, украшающее вход в Афинский Акрополь.

Вообще, как архитектурный ансамбль Акрополь в Афинах, безусловно, главное сооружение дорического ордера. Но здесь четко прослеживаются и элементы ионического стиля. Они видны и в Парфеноне, и в Пропилеях, а уж Эрехтейон и вовсе чистый образчик ионического ордера. Но вскоре в Греции появился и третий стиль архитектуры – Коринфский, который отличался тягой к роскошному декору. И его влияние тоже легко найти в реконструкциях античных построек. Ярчайший пример – ионический храм Зевса в Олимпии, колонны которого венчают пышные декоративные элементы коринфского ордера.

Так в угоду совершенства форм и красоты переплетались традиции разных школ. И надо сказать, что от этого облик городов только выигрывал: неспроста классическая архитектура Греции V в. до н.э. до сих пор считается эталоном сочетания эстетики и функциональности сооружений.

Эллинистический период

Расцвет греческой архитектуры длился не более века. Позже так долго искавшаяся золотая середина между красотой и простотой, к сожалению, была утрачена.

При эллинизме греческие мастера больше стали увлекаться коринфским стилем, а города заполонили пышущие декором и роскошью здания. В угоду изящной красоте колонны делают излишне стройными, а канавки более четкими и углубленными. Капители же венчали массивные рельефы с растительными узорами. Первыми постройками новой эпохи стал храм Крылатой Афины в Тегее и Башня Ветров.

Но знаменовался этот этап развития греческой архитектуры и положительными событиями. Так, была придумана такая архитектурная деталь, как псевдодиптер. Он представляла собой двойную колоннаду, внешний ряд которой виден полностью, а внутреннюю линию колон наполовину скрывали стены. Позднее этот красивый и необычный элемент широко распространился уже в римской архитектуре, отчасти перенявшей греческие традиции.

Также в эллинистический период мастера экспериментируют с возведением круглых построек. На тот момент они поражали своей необычностью и плавностью форм. Часть подобных античных зданий дошла и до наших дней. Например, ознакомиться с архитектурным наследием эллинизма можно в Олимпии.

Кроме того, в эллинистическую эпоху центр внимания с религиозных сооружений перешел на общественные здания. По большей части возводились дворцы, библиотеки, театры и стадионы. Также обносились изящными колоннадами городские площади. Здания на улице Треножников, площадь Керамика, ремесленные кварталы и водопроводы в г. Афины – архитектура Греции эллинистического периода. Сохранился и знаменитый спортивный памятник этой эпохи – Олимпийский стадион в Родосе.

Архитектура Греции в современности

Развитие греческой культуры прекращается после захвата страны римлянами. Они переняли у греков многое, в том числе и из школы архитектуры, но эти постройки, пусть и с заимствованными элементами уже относятся к римской архитектуре.

А после римлян Греция и вовсе переживала тяжелые времена. Страна распалась на части, и регионы захватывали османы, крестоносцы, венецианцы и прочие иноземные воины. Новые правители приносили на греческие земли свою культуру, и от тех эпох некоторые города до сих пор хранят памятники архитектуры. Наибольшее влияние на Грецию оказали османы и венецианцы. Их же архитектурным тенденциям, в сочетании с классикой Древней Греции, страна продолжала следовать уже после получения независимости в 1830-ых годах. Свой стиль греки назвали «неоклассицизм».

Крупный строительный бум настиг Грецию с наступлением XX века. Начался он после Первой мировой и был тесно связан с движением модернизма. Но за Первой следует разрушительная Вторая мировая, и строительство приостанавливается. Новый виток происходит в 50-60 годах: возводятся небоскребы, расширяются городские кварталы, в большом количестве строятся отели и гостиницы для туристов. Эта «стройка» продолжается два десятилетия, после чего наступает некое затишье.

А современный европейский облик Афинам и Греции придала Олимпиада 2004 года. Ее проведению предшествовали масштабные строительные работы: реставрировались устаревшие здания, прокладывались новые коммуникации и возводились целые районы. Они мало чем отличаются от европейских зданий, так что в современной греческой архитектуре уникальности ее античных корней уже не встретишь.

Парфенон — рисунки: soul_of_house — LiveJournal

Задание одновременно и простое и сложное.

Простое – потому что рисование. Вместо обычного макета. Всё таки занятия у меня архитектурные и я стремлюсь практическую часть делать макетированием. Но иногда невозможно придумать макет или технически он получается довольно сложным, или… в общем – иногда я разбавляю задания рисованием.

Седьмая тема курса – курватуры Парфенона и оптические иллюзии. На реальном занятии мы рисовали оптические всякие штуки и делали макет невозможного треугольника. Но это не про Грецию. Поэтому я решила всё таки не улетать в XX век, а остаться в Греции и просто порисовать Парфенон (или не Парфенон – если хочется что-то другое).

Но! Вы попробуйте его нарисовать! Выстроить все эти колонны. А если в перспективе? А чтобы они были одинаковые? В общем – когда студенты-архитекторы строят перспективу колоннаты (с линеечкой и по правилам начерталки) они проклинают всё на свете. А уж на глаз…
Так что сегодня героические художники!

Иван (10 лет).

Смотрите – и крайние колонны ближе, и наклоняются внутрь (то есть появляется третья точка схода и ощущение большого здания) и все детали на месте – а главное трехчастный антаблемент (который вечно норовит пропасть – и у художников и у архитекторов).

Еще очень приятно , что появился цвет. Очень, кстати, близкий к настоящей раскраске Греческих храмов – сине-красный. Ну и небо – волшебное закатное небо.

Гоша (7,5 лет)

Мне кажется это по ощущению больше архаика – чем Парфенон – колонны близко стоят, капители мощные, стилобат мощный. Экспрессивно так получилось. Прям иллюстрация к какому-нибудь трагическому греческому мифу, с бурей и нравственной дилеммой.
Капители есть, канеллюры есть, стилобат – есть, антаблемент – есть и мощный (ну люблю я мощные антаблементы, люблю).

Ася (11 лет)

Это эскиз – быстрый набросок. Четкая перспектива, тоже все основные детали на месте. Из-за быстроты пропала одна колонна на фасаде – всё таки семиколонные портики это совсем редкость. Но для эскиза это нормально. Вообще – в качестве упражнения – попробуйте нарисовать небольшой прямоугольничек (предположим храм на горе на заднем плане) и разбейте его без линейки на колонны и промежутки – желательно на 6-8 колонн. У меня с первого раза редко получается, приходится уточнять и переделывать. Ну или линейку брать.

Анастасия (16 лет)

(это цифровое исполнение, имитация акварели – я сама не поняла сразу – мне объяснили)
Вот тут хорошо виден обман зрения. Один из тех, что мы разбираем в презентации по курватурам. Хотела написать, что фасад (который основной – торцевой) не уходит в перспективу. Колонны по толщине уходят, а линии параллельны. Стала проверять – есть перспектива, причем вполне приличная – линии сходятся (антаблемент и верх стилобата, низ немного уехал).

Но ощущение что линии параллельны (над колоннами и под колоннами) – но они не параллельны. А если их сделать параллельными – вообще будет ощущение, что они расходятся. Наш мозг накладывает ожидания на перспективные искажение, отстраивает по деталям и получается что то, что мы видим – неправда. Об этом вся презентация про курватуры Парфенона 🙂

У меня был учитель – Чивиков Евгений Константинович – мы с ним ездили на практику в Прагу после третьего курса (1999 год) – он тогда мне сказал – преувеличивай. Перспективу – чуть-чуть больше делай, угол наклона – острее, яркую деталь – чуть крупнее. Преувеличивай и тогда будет казаться нормальным. Очень полезный совет оказался в моей жизни.

К слову – его сайт – (на народе, я лет 10 назад делала, надо бы перенести куда-нибудь… а то там реклама 🙁 ) http://chivikov-ek.narod.ru/

Буквально несколько дней и он-лайн курс по архитектуре Древней Греции можно будет купить целиком.

Словарь древнегреческой культуры • Arzamas

Дельфийский оракул. Роспись краснофигурного килика. Аттика, 440–430 годы до н. э. Килик — плоская чаша на ножке с двумя ручками.

Wikimedia Commons

В русском, как и во многих других языках, слово «оракул» имеет два значения: святилище, в которое обращались за прорицанием, и само прорицание. Главным богом-прорицателем в Греции считался Аполлон, затем — Зевс (Аполлон, впрочем, воспринимался как своего рода «наместник Зевса на земле», возвещающий в своих святилищах его волю). Основной целью вопрошающих было не узнать будущее, а получить разъяснения по поводу настоящего или прошлого. Причем вопросы оракулу всегда формулировались так, чтобы снизить вероятность ошибки и недопонимания. К примеру, греческий историк Ксенофонт спрашивал у Дельфий­ского оракула не о том, присоединиться ли ему к походу царевича Кира, а о том, каким богам принести жертву, чтобы поход прошел благополучно.

Самым древним греческим оракулом была Додона, святилище Зевса в Эпире. Согласно античной традиции, местные жрецы интерпретировали шелест листьев священного дуба Зевса — как именно, не сообщается. Существовали оракулы, основанные на принципе так называемой инкубации, когда вопрошающий проводил какое-то время в святилище в состоянии сна, или полуобморока, или транса; во сне его посещало видение, которое затем ему помогали истолковывать жрецы. Но в большинстве случаев прорицания осуществлялись посредством так называемой вдохновенной дивинации, когда жрец или жрица выступал как медиум, устами которого говорило божество.

Именно так прорицал самый знаменитый из всех греческих оракулов — пифó (или пифия) в святилище Аполлона в Дельфах. Ни об одном оракуле не известно так много — и в то же время ни об одном не ведется столько споров, как об этом храме на склоне горы Парнас у Кастальского источника.

Согласно дельфийскому мифу, название «пифо» происходит от имени убитого в этом месте Аполлоном дракона Пифона: тело дракона бог бросил гнить (pytho) на том самом месте, где был воздвигнут храм. Что каса­ется названия Дельфы, миф гласит, что Аполлон, превратившись в дельфина (delphis), явился неким плывшим на корабле критянам и сделал их жрецами в своем святилище.

Основной жреческий персонал Дельф состоял из жрецов, происходивших от тех самых критян, их пяти помощников и самой прорицательницы пифии. Это была женщина местного происхождения, из простой семьи, которая после принятия жреческого сана оставалась в храме пожизненно, соблюдая обет безбрачия. В начале пифия прорицала только раз в году, но с ростом популярности святилища стала делать это каждый месяц, всегда седьмого числа, поскольку этот день считался священным днем Аполлона. Омывшись в Кастальском источнике, пифия заходила во внутреннюю закрытую часть храма (адитон), садилась на треножник (большую полукруглую закрытую чашу на высокой трехногой подставке) и, видимо, впадала в транс. В этот момент в нее «вселялся» бог Аполлон и прорицал ее устами. О природе этого транса до сих пор ведутся споры: одни исследователи считают, что транс был вызван какой-то реальной наркотической либо ядовитой субстанцией (к примеру, небольшим количеством синильной кислоты, содержащейся в лавровых листьях, которые она якобы жевала), другие, напротив, полагают, что экстатическое состояние пифии было в чистом виде автогенным. До недавнего времени ученые скептически относились к сообщениям античных авторов о том, что пифия дышала некими парами, поднимавшимися из трещины в скале, расположенной под адитоном, но недавние археологические раскопки подтвердили, что адитон находился над расщелиной, из которой поднимались пары газа этилена, обладающего сильным наркотическим действием.

Чаще всего к Дельфийскому оракулу обращались не частные лица, а города — главным образом по вопросам, связанным с установлением культа и с основанием колоний. Видимо, расцвет Дельфийского святилища в VIII веке связан именно с греческой колонизацией — ни одна колония не основывалась без обращения в Дельфы, и Аполлон считался богом-покровителем колонистов.

Обнаружение древних подготовительных рисунков на греческой керамике

Деталь чашки, которая в настоящее время демонстрируется в новой инсталляции на вилле Гетти. На чашке изображена женщина, играющая в выпивку коттабо . Чердак Красная фигура Киликс , около 490 г. до н.э., приписывается Онисиму. Терракота, 3 3/8 × 14 1/2 дюйма. Музей Дж. Пола Гетти, 82. AE.14. Слева — нарисованное изображение при нормальном освещении. Справа — изображение из набора данных визуализации с преобразованием отражательной способности этого объекта, на котором видны малейшие следы рисунка под нарисованными линиями.По профилю фигуры видны светлые линии эскиза, наиболее четкая из которых проходит «сквозь» согнутую руку, лежащую на подушке.

Потрясающая новая инсталляция на вилле Getty, созданная гончарами и художниками Афин тысячи лет назад, демонстрирует, насколько искусно были созданы эти блестящие красные и черные поверхности. Но в то время как большинство посетителей приходят, чтобы поразиться завершенному совершенству, которое афинские мастера хотели, чтобы их увидели зрители, я обычно ищу то, что эти древние мастера не хотели, чтобы мы могли видеть — их недостатки, и особенно их первое. Черновики.

Сложные и тонко написанные изображения на древнегреческой керамике могут показаться выполненными без особых усилий, но даже опытные мастера Керамейкос (квартал афинских гончаров) не просто крыли его. Позади, ну на самом деле, , под , эти уверенные мазки кисти — это едва заметные линии, следы подготовительных рисунков, сделанных мастерами, когда они набрасывали изображения, которые планировали нарисовать, на все еще влажной и податливой глине своих необожженных горшков. Эти подготовительные рисунки, сделанные с помощью различных острых инструментов, варьируются от скудных линий до овалов, очерчивающих головы и руки, и заканчивая обширными эскизами.И я начинаю искать их повсюду.

Мое исследование сосредоточено на производственных методах афинских мастеров, создающих краснофигурную керамику, керамику с изображением красных фигур на черном фоне, изготовленную в период с последней четверти шестого века до четвертого века до нашей эры. После трех лет изучения искусства, науки и логистики изготовления краснофигурной керамики я начал исследовать вопросы о том, сколько людей было задействовано в производстве этих предметов, и можем ли мы на самом деле распознать отдельных рук разных членов. рабочей группы по тысячам древней керамики, хранящейся в музейных коллекциях.Хотя большая часть существующих ученых по греческой вазописи идентифицирует художников по их нарисованным линиям, для меня потенциально наиболее узнаваемыми из этих отдельных древних следов являются подготовительные рисунки, сделанные на глине более двух тысяч лет назад, которые все еще сохраняются под существующими картинами. . Но чтобы увидеть эти скрытые линии буквально нужно исследовать эти поверхности под новым (60 мм) объективом. И с помощью компьютерного алгоритма.

В качестве приглашенного научного сотрудника Института охраны природы Гетти в 2017 году я тесно сотрудничал с Дэвидом Сондерсом, младшим куратором отдела древностей музея Гетти, над изучением более сорока краснокерамических изделий из керамики с использованием вычислительной фотографической техники, называемой отображением с преобразованием отражательной способности (RTI).С помощью штатива, фотоаппарата, вспышки, компьютера и некоторого трепета я сделал наборы данных от 48 до 100 цифровых изображений с высоким разрешением одной и той же поверхности при разных условиях освещения; Затем эти изображения были объединены с использованием математических алгоритмов, чтобы создать ощущение движения света по поверхности объекта, выявив детали, которые трудно увидеть при обычном освещении.

Краткое видео набора данных RTI, снятого для фрагмента стамноидного сосуда, приписываемого Brygos Painter.

Рассмотрим, например, набор данных RTI для фрагмента сосуда, приписываемого ремесленнику, идентифицированному учеными как Художник Бригоса, который работал примерно с 490 по 470 год до нашей эры. RTI позволяет нам ясно видеть, как этот человек набросал по крайней мере три различных положения рук для фигуры юноши, держащего шнур, что не так легко увидеть.

Дэвид предложил изучить дополнительные объекты, приписываемые Brygos Painter в коллекции Getty, и, спустя девятнадцать наборов данных, изображения показывают, что этот человек имел тенденцию рисовать изрядное количество до того, как было нарисовано окончательное изображение.Неторопливость набросков еще больше усиливается за счет глубоких и относительно широких углублений, оставленных инструментом для рисования, которые были сделаны скругленным, а не заостренным орудием, используемым при значительном давлении пальцев. Я считаю, что такого рода детали — степень рисования, выбор инструмента и давление инструмента — являются своеобразными, и что уделение им внимания в огромном корпусе сохранившейся греческой керамики может позволить нам отслеживать человека, как он, она или они работали в древних Афинах.

Могут ли эти типы знаков быть отдельными стилями, которые мы можем рассматривать как «подписи» конкретных производителей? И тот же человек, который нарисовал наброски, и тот, кто нарисовал окончательные изображения? В то время как наличие линий рисования было известно на протяжении многих десятилетий (1), ученые в области греческой вазовой живописи имели тенденцию предполагать, что рисовальщик и художник были одним и тем же человеком. Примерно сорок три из этих «индивидуумов» известны под именами, нарисованными или начертанными на поверхности горшков, иногда такими фразами, как «Никосфен создал меня».Но подавляющее большинство древнегреческой керамики, 99% согласно ученому Джеффри Хервиту, не имеют имен, идентифицирующих их создателей (2). Около 900 художников получили «прозвища», в первую очередь от ученого сэра Джона Бизли, который за свою карьеру определил отличительные «руки» анонимных художников и классифицировал 30 000 сосудов и черепков (3).

Дэвид написал в блоге сообщение о том, как возникли эти имена, некоторые из которых были причудливыми или основанными на «стилистических причудах». И хотя у нас есть имена или прозвища для этих ремесленников, у нас мало литературных или археологических свидетельств того, кем они были на самом деле, как выглядели их мастерские и как они работали.Самым долговечным следом их существования остается их керамика, что делает еще более важным «раскопать» информацию, которая сохранилась на них.

Но как мы можем начать «читать между строк» ​​в тысячах горшков в музейных коллекциях по всему миру? Древнегреческие гончары и художники дали нам один важный повод для подражания; у нас есть несколько примеров керамики, приписываемой одним и тем же художникам, которые изображают одни и те же сцены, которые, как мы можем представить, были созданы в одно и то же время, в одной мастерской, возможно, одной и той же рабочей группой.

Два пеликай , приписываемые художнику Виллы Джулия, около 450 г. до н. Э. Слева 77.AE.12.1 и справа 77.AE.12.2 оба музея Дж. Пола Гетти, Дар Гордона Маклендона

.

К счастью, в коллекции Гетти есть почти идентичная пара пеликай (сосудов для хранения), приписываемых художнику Виллы Джулия, работавшему примерно с 470 по 440 год до нашей эры. Оба этих горшка датированы 450 г. до н.э., и позволяют сравнивать подготовительные наброски на двух объектах, линия за линией.В этой сцене Аполлон, играющий на лире, находится в окружении своей матери Лето слева и его сестры Артемиды справа. В соответствии со сценой возлияния богам Аполлон и Лето держат в вытянутых руках фиалов (керамических или металлических чаш), в то время как Артемида наливает из своего энохое (4).

Эти луковичные pelikai , должно быть, были довольно сложной формы для рисования, даже для опытных мастеров, привыкших их украшать. Наборы данных RTI подтверждают необходимость древнего рисовальщика спланировать, как сцена будет пропорционально растягиваться и вписываться в отведенное для нее место на горшке.И изображения RTI для двух pelikai показывают удивительно похожий подход к подготовительному рисунку. Фигуры рисуются в профиль — обнаженные, как и еще не одетые — тонким заостренным инструментом, прикладываемым с легким давлением. Разложив эти «заполнители» профилей, мастер затем начал «одевать» фигуры, добавляя линии для драпировки, которые в конечном итоге окрашивались (и часто изменялись), чтобы украсить фигуры на законченном изображении.

Деталь руки Аполлона из 77.AE.12.1 показывает тот же вид при нормальном освещении (слева) и при просмотре в программном обеспечении RTI (справа). Тонкие линии эскиза его одежды можно увидеть, пересекая руку на изображении справа. Другие линии видны сквозь его руку, показывая поток жидкости из его лиры, когда он играет на ней.

Например, рисунок протянутой руки Аполлона показывает его предплечье, буквально прорезанное линиями для его хитона (одежда). На последнем изображении протянутая рука покрывает его одежду, но мы, зрители, и, что более важно, древний художник, знаем, что одежда висит у него за рукой.

При более внимательном рассмотрении рисунков фигур Аполлона на обоих объектах обнаруживается своеобразный подход к очерчиванию верхней части лица прямой линией, зарисовке кончика клюва вместо носа и затем к округлению подбородка. И не только Аполлон получает такое лечение. Профили Лето и Артемиды в pelikai также расположены таким же образом.

Детали лица Аполлона из 77.AE.12.1 (слева) и 77.AE.12.2 (справа). Верхние изображения просматриваются при нормальном освещении, а изображения ниже просматриваются в программном обеспечении RTI.

Такая причуда рисования не ограничивается только этими двумя объектами. Мое недавнее исследование этого кальпис-гидрия (кувшин для воды), также приписываемого художнику Виллы Джулия и в Гарвардских художественных музеях, изображает другую сцену, чем пеликай в Гетти, хотя, опять же, у нас есть центральная мужская фигура. в окружении двух женских фигур. В этом случае обнаженный юноша, кажется, напугал двух женщин, которые выражали тревогу по поводу его присутствия с поднятыми руками.

Детали лица Лето из 77 музея Гетти.AE.12.1 (слева) и женское лицо из Гарварда кальпис (справа). Верхние изображения просматриваются при нормальном освещении, а изображения ниже просматриваются в программном обеспечении RTI.

Датированный примерно серединой V века до нашей эры, этот объект мог быть сделан художником Виллы Джулия до или после предметов Гетти. Но набор данных RTI показывает поразительное сходство в стиле рисования, особенно в том, как расположены профили лиц. Лето, от одного из Getty , пеликай слева; женская фигура из Гарварда кальпис-гидрия , справа.Узнаете этот клювый нос?

Так что же означают эти маленькие и скрытые детали? Хотя это исследование все еще находится на начальной стадии, собранные к настоящему времени данные поднимают интригующие вопросы о производстве древнеафинской керамики. На карту поставлена ​​возможность определить «фирменный стиль» художников, выходящий за рамки того, что они рисовали, что лежит в основе многих исследований древнегреческих горшков. Более пристальное внимание к этим наброскам и их причудам также может дать нам представление о том, сколько людей, помимо названных гончаров и художников, работали в древней мастерской, особенно если стили рисования и живописи достаточно сильно расходятся, чтобы предположить, что эти работы выполняли два разных человека. задачи.

Недавно опубликованные свидетельства свидетельствуют о существовании своего рода древней заметки, фрагмента эпической поэзии, написанной на еще влажной глине красной фигурки пелик , возможно, как вызов от гончара художнику [5 ]. Эти скрытые детали — слова и наброски, которые никогда не предназначались для просмотра никому, кроме товарищей по мастерской — теперь можно восстановить, чтобы получить представление о том, как эти древние мастера работали, когда на них никто не смотрел. Проведя дополнительные исследования, мы можем начать узнавать этих художественных личностей и проследить за художниками, которые рисовали в рамках линий, и за теми, кто этого не делал.

_______

Эта работа стала возможной благодаря стипендии Института консервации Гетти в 2017 году. Я благодарен за поддержку и энтузиазм Дэвиду Сондерсу, младшему хранителю отдела древностей музея Гетти; Карен Трентельман, старший научный сотрудник Института охраны природы Гетти; и специалисты по визуализации Карла Шроер и Марлин Лам из компании Cultural Heritage Imaging. Я хотел бы поблагодарить Сюзанну Эббингаус из Гарвардских художественных музеев, Джорджа А.Ханьфман хранитель античного искусства; Эми Брауэр, куратор по искусству Дайан Хит Бивер; Анжела Чанг, помощник директора Центра охраны природы Штрауса; и Тони Сигел, старший хранитель предметов и скульптуры, за возможность изучать предметы в их коллекции.

______

Все изображения сделаны Санчитой Балачандран. Использование изображений любезно предоставлено Гетти (в случае объектов Гетти) и Гарвардским музеем искусств (в случае объектов Гарварда).

Банкноты

1. См. М. Босс, «Предварительные наброски на чердачных краснофигурных вазах Земли в пятом веке до нашей эры», в книге Афинские гончары и художники: материалы конференции , изд. J.H. Окли, W.D.E. Колсон и О. Паладжиа (Oxford: Oxbow, 1997), 345–51; Б. Коэн, «Наброски как особая техника в рисовании вазами с черными и красными фигурами», в Цвета глины: особые приемы в афинских вазах , изд. Б. Коэн (Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2006), 150–60; и П.Э. Корбетт, «Предварительный набросок в греческой вазописи», The Journal of Hellenic Studies 85 (1965): 16–28.

2. Дж. М. Хурвит, Художники и подписи в Древней Греции (Нью-Йорк: издательство Кембриджского университета, 2015).

3. Н. Т. Аррингтон, «Знатоки, вазы, греческое искусство и археология», в Берлинский художник и его мир: афинская вазовая живопись в начале пятого века до нашей эры ., изд. Дж. М. Пэджетт (Принстон: Художественный музей Принстонского университета, 2017): 21–39.

4. М. Гайфман, «Безвременье, текучесть и лишение Аполлона», Res 63/64 (2013): 39–52; М. Гайфман, The Art of Libation in Classical Athens (New Haven: Yale University Press, 2018).

5. М. Иоццо, «Скрытые надписи на афинских вазах», Американский журнал археологии 122, вып. 3 (2018): 397–410.

Дополнительная литература

Arrington, N.T. «Знатоки, вазы и греческое искусство и археология». В Берлин

Художник и его мир: афинская вазовая живопись в начале пятого века до н.э.C ., Под редакцией Дж. М. Пэджетта, 21–39. Принстон: Художественный музей Принстонского университета, 2017.

Босс, М. 1997. «Предварительные наброски на чердачных краснофигурных вазах Земли в пятом веке до нашей эры». В Афинские гончары и художники: материалы конференции , под редакцией Дж. Х. Окли, W.D.E. Колсон и О. Палагиа. Оксфорд: Oxbow, 1997: 345-51.

Коэн, Б. «Наброски как особая техника в черно-красных вазах». В Цвета глины: особые приемы в афинских вазах , под редакцией Б.Коэн, 150–60. Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2006.

Corbett, P.E. «Предварительный набросок греческой вазописи». Журнал эллинистических исследований 85 (1965): 16–28.

Гайфман М. «Безвременье, текучесть и лишение Аполлона». Res 63/64 (2013): 39–52.

Гайфман М. Искусство веселья в классических Афинах. Нью-Хейвен: Издательство Йельского университета, 2018.

Институт сохранения Гетти, Афинский гончарный проект. По состоянию на 12 июля 2018 г.

Hurwit, J.M. Художники и подписи в Древней Греции . Нью-Йорк: Cambridge University Press, 2015.

.

Иоццо, М. «Скрытые надписи на афинских вазах». Американский журнал археологии 122, вып. 3 (2018): 397–410.

Лапатин, К. изд. Статьи по специальной технике в афинских вазах . Лос-Анджелес: Музей Дж. Пола Гетти, 2008.

.

Текст сообщения © Санчита Балачандран. Все права защищены.

Древнегреческая живопись и скульптура — 76 произведений

Очень мало известно о греческих живописцах древности, однако хорошо известно, какого мастерства они могли достичь по описаниям некоторых римских писателей.Римские копии греческих картин также предоставляют ценную информацию, поскольку они высоко ценят греческие методы и стили, копируя и воспроизводя их.

Самыми распространенными и уважаемыми видами искусства, по мнению таких авторов, как Плиний или Павсаний, были панно, индивидуальные переносные картины на деревянных досках. В технике энкаустика (воск) и темпера. На таких картинах обычно изображались фигурные сцены, в том числе портреты и натюрморты. К сожалению, из-за недолговечности используемых материалов и серьезных потрясений в конце античности не сохранилось ни одного из известных произведений греческой панно, ни даже одной из копий, которые, несомненно, существовали и которые дают нам большую часть наши знания греческой скульптуры.Немного более значительны пережитки настенных композиций. Наиболее важными сохранившимися греческими образцами до римского периода являются довольно низкокачественные панели Pitsa (около 530 г. до н.э.) и Tomb of the Diver из Пестума (около 470 г. до н.э.). Традиция настенной росписи в Греции восходит, по крайней мере, к минойскому и микенскому бронзовому веку, с щедрым фресковым оформлением таких мест, как Кнос, Тиринф и Микены. Неясно, есть ли какая-либо преемственность между этими предками и более поздними греческими настенными росписями.

Большинство греческих скульптур были окрашены в яркие и яркие цвета; этот аспект греческой каменной кладки описывается как полихромия . Краска часто ограничивалась частями, изображающими одежду, волосы и т. Д., Оставляя кожу естественного цвета камня или бронзы, но она также могла покрывать скульптуры в целом; женская кожа из мрамора имела тенденцию быть бесцветной, в то время как мужская кожа могла быть светло-коричневой. Живопись греческой скульптуры не должна рассматриваться просто как улучшение их скульптурной формы, но имеет характеристики отличного стиля искусства.На основании остатков микропигмента на греческих рельефах и скульптурах удалось получить представление о том, как они должны были выглядеть в древние времена.

Более …

Как нарисовать древнегреческого воина (гоплита)

Если у вас есть интерес к Древней Греции, вы наверняка встречали фигуру древнегреческого солдата, гоплита . Эти люди были, вероятно, известны как одни из лучших пехотных войск в древние времена.Фаланга гоплитов, без сомнения, была спинным мозгом великих древнегреческих армий, таких как спартанцы и войска Александра Великого. Итак, если вы когда-либо испытывали трепет перед Древнегреческими солдатами , то в этом уроке рисования вас ждет увлекательная поездка.

Мы покажем вам, как нарисовать идеальное изображение Древнегреческого воина от начала до конца, и мы сделаем это за 8 простых шагов . На рисунке запечатлены его одежда и оружие.Как это потрясающе?!. Вы также должны отметить, что чем больше вы знакомы с каждым шагом, тем больше вероятность того, что ваш окончательный вариант будет безупречным и тем более вероятно, что он понравится аудитории. Тем не менее, мы начнем с рисования манекена. Манекен послужит основой для нашего окончательного наброска. Готовый?. Давай рок-н-ролл !.

ШАГ 1. ИЗОБРАЖЕНИЕ РЕЗЕРВНОЙ КЛЕТКИ

Используя изображение выше в качестве руководства, грудная клетка Hoplite должна быть нарисована в перспективе 3/4.Это просто означает, что правая сторона, обращенная к зрителям, будет больше по размеру, чем левая.

Далее, грудная клетка должна начинаться с рисования двух изогнутых горизонтальных линий. Нижняя линия должна иметь более глубокую дугу, чем верхняя линия. Затем вы должны нарисовать две изогнутые вертикальные линии, которые соединяют ранее нарисованные горизонтальные линии на их крайних точках. Сделав это, разделите ребро вертикальной линией в перспективе 3/4. Когда это будет сделано, как показано на рисунке, нарисуйте еще одну изогнутую вертикальную линию с левой стороны грудной клетки.Это послужит для выделения области подмышек. Нарисовав ее, перейдите к выделению, где будет голова, нарисовав небольшой кружок в верхней части грудной клетки . Исходя из этого, нарисуйте еще один круг в верхней левой части грудной клетки . Вот откуда должна появиться правая рука.

ШАГ 2. Рисование бедер и живота

Для живота вы должны провести две довольно короткие вертикальные линии, идущие вниз от грудной клетки .Затем изогнутая наружу горизонтальная линия должна соединить эти вертикальные линии. Для бедер вы должны нарисовать их, чтобы они приняли форму мужских трусов, как показано на изображении. Вот откуда бы вышли ноги нашего персонажа.

ШАГ 3: РИСОВАНИЕ НОГ

Наш персонаж греческий гоплит будет нарисован стоящим с немного разведенными ногами и ступнями на уровне плеч. Каждую ногу следует начинать как большую трубу, а затем постепенно уменьшать их, когда вы дойдете до колен .Чтобы выделить колени , нарисуйте две горизонтальные линии на каждом колене, а затем нарисуйте круг между ними, как показано на рисунке выше. Когда вы это сделаете, продолжение ноги должно немного расшириться и сузиться, когда вы дойдете до лодыжек. Затем нарисуйте футов , как показано.

Разница между одной ногой и другой в том, что правая нога согнута, а другая нога кажется вытянутой из-за веса тела, лежащего на ней.

ШАГ 4: РИСОВАНИЕ ОРУЖИЯ

Руки нашего персонажа должны быть немного вытянуты из тела и нарисованы в перспективе 3/4.Это означает, что левая рука больше по размеру, чем правая рука, потому что левая сторона обращена к зрителям.

Разложив это, предплечья должны начинаться в виде больших трубок и уменьшаться в размерах по мере того, как они доходят до локтей. Затем они должны расширяться в точке прорисовки предплечий и уменьшаться по мере того, как вы дойдете до запястья. Нарисовав это, нарисуйте руки, как показано на картинке. Рисуя левую руку , нарисуйте пальцы левой руки, слегка сжатые, так как она будет держать спартанский щит , в то время как ладонь руки будет лежать на вершине щита.Большой палец будет скрыт за маса щита.

Пальцы правой руки тоже должны быть сжаты, потому что в этой руке наш воин будет держать копье . Наконец, нарисуйте бицепс рук и трицепс , нарисовав горизонтальные линии, показанные на изображении.

ШАГ 5: РИСУНОК ГОЛОВКИ

Для головы сначала нарисуйте небольшую шею, которая идет от круга в верхней части грудной клетки. Затем нарисуйте голову в виде овала среднего размера.Исходя из этого, нарисуйте вертикальную и горизонтальную линии, которые пересекаются внутри овала. Эти линии пригодятся для рисования черт лица позже.

Если вы хотите развить свои навыки анатомического рисования и научиться рисовать персонажей в цифровом формате, вам стоит посмотреть мой видеокурс по рисованию. Вы можете найти дополнительную информацию, щелкнув изображение ниже:

ШАГ 6. РИСУНОК ОРУЖИЯ

Спартанский щит — одна из наиболее важных характеристик костюмов нашего персонажа, и в соответствии с тем, что изображено на картинке выше, щит должен быть нарисован в виде круга с буквой «v» в центре.

Копье в правой руке будет изображено в виде длинной трубки с треугольным концом.

ШАГ 7. РИСОВАНИЕ ОДЕЖДЫ

Итак, доспех Древнегреческого воина состоит из металлического нательного доспеха, покрывающего область груди и живота.

Мы бы добавили браслет и защиту голени в рисунок наших персонажей, нарисовав все линии, как показано на изображении.

Что касается головы , мы нарисуем традиционный шлем с гребнем , известный также как коринфский шлем , полностью закрывающий голову, за исключением глаз , и с узким отверстием под носом, где рот и подбородок едва видны. .

Под доспехом Hoplite одет в короткую тунику, доходящую до локтей на руках и выше колен на ногах.

Еще одним важным элементом ткани будет накидка , лежащая на плечах нашего персонажа.

ШАГ 8: ЧЕРТЕЖИ КОНЕЧНОЙ ЛИНИИ ИСКУССТВО

На этом этапе вам нужно будет затемнить уже нарисованный манекен. Это сделано для того, чтобы эскиз манекена не мешал вашему окончательному эскизу.Используя левые следы эскиза исходного манекена, вы затем продолжите рисовать окончательные линии. Он должен состоять из хорошо проработанных деталей, хорошо прорисованного шлема , доспехов , оружия и оружия. После этого вы должны добавить к своему рисунку некоторые эффекты затенения. Затенение позволяет легко сделать рисунки такими настоящими и безупречными. Так что продолжайте и сделайте штрихи вашего рисунка темнее. Затем вы можете заштриховать такие места, как пояс нашего персонажа, подмышки и область шеи.Если вам интересно узнать больше о том, как растушевывать карандашом, вы можете проверить мое бесплатное руководство, нажав здесь.

Также еще одна важная деталь — провести линий складок на одежде. Морщины на одежде возникают из-за участков напряжения, таких как подмышка , рукава туники и низ туники, покрывающий бедра, где ткань туники растягивается, растягивается или складывается. Также стоит обратить внимание на складки накидки , на которые стоит обратить внимание.

ЗАКЛЮЧЕНИЕ

Именно здесь мы называем наш учебник по рисованию древнегреческого воина оберткой. Вы можете продолжить и выразить некоторое удовлетворение тем, что вам удалось собрать на своем блокноте для рисования. Однако пока не стоит вешать инструменты для рисования. Советуем повторить процедуру еще пару раз. Это позволит вам лучше понять рисование персонажей, и довольно скоро вы сможете отточить свои навыки и рисовать, не прибегая к помощи учебного пособия по рисованию.

Для получения дополнительных руководств щелкните раздел «Руководства по рисованию» в строке меню вверху.

Написано и оформлено Тони Джастаманте Якобс, концепт-художником и иллюстратором.

Искусство и архитектура [ushistory.org]

Древние цивилизации 1. Откуда мы знаем? а. Археологи и их артефакты б. Антропологи и их люди c. Историки и их время d. Географы и их пространство 2. Доисторические времена а. «Я люблю Люси» б.Еда, одежда и кров c. Страница прямо из истории d. Первые технологии: огонь и инструменты 3. Древний Египет а. Жизнь вдоль Нила б. Египетская социальная структура c. Династии d. Мумии e. Пирамиды f. Женщины Древнего Египта 4. Ранний Ближний Восток а. Жизнь в Шумере б. Вавилония ок. Кодекс Хаммурапи: око за око d. Ассирийцы: конница и завоевания e. Персидская империя ф. Финикийцы: отплытие g. Евреям и страна молока и меда з. Рождение христианства i.Мухаммед и вера ислама 5. Древняя Греция а. Возвышение городов-государств: Афины и Спарта б. Рождение демократии c. Боги, богини и герои d. Греческая литература e. Искусство и архитектура f. Мыслители г. Александр Великий h. Олимпийские игры 6. Древний Рим а. Римская республика б. Юлий Цезарь ок. Отель Pax Romana d. Жизнь народа e. Гладиаторы, колесницы и римские игры f. Падение Римской империи 7. Африка а. Королевство Гана б. Мали: Культурный центр c.Бенин и его королевский двор d. Великое Зимбабве e. Жизнь в пустыне 8. Южная Азия: Индия и за ее пределами а. Ранняя цивилизация в долине Инда б. Кастовая система c. Расцвет индуизма d. Рождение и распространение буддизма e. Период Гуптов в Индии 9. Китай а. Среднее царство б. Династия Шан — первая зарегистрированная история Китая ок. Династия Хань — Культурные высоты d. Династия Тан — Золотой век e. Даосизм и конфуцианство — древние философии 10. Япония: островная нация а.Японская религия и духовность б. Ранняя история и культура c. Феодальная Япония: эпоха воина d. Боевые искусства e. Жизнь в период Эдо 11. Империи Центральной и Южной Америки а. Кровь королей: мир майя б. Расшифровка символов майя c. Империя инков: Дети Солнца d. Мир ацтеков e. Столкновение культур: Столкновение двух миров
Одним из популярных видов греческого искусства была керамика. Вазы, сосуды и кратеры служили как практическим, так и эстетическим целям.Этот кратер изображает Гелиоса, бога солнца, и датируется V веком до н. Э.

Искусство отражает общество, которое их создает. Нигде это верно не так, как в случае с древними греками. Через свои храмы, скульптуры и керамику греки воплотили фундаментальный принцип своей культуры: arete. Для греков arete означало совершенство и раскрытие всего потенциала.

Древнегреческое искусство подчеркивало важность и достижения человека. Хотя большая часть греческого искусства была предназначена для прославления богов, эти самые боги были созданы по образу людей.

Многие произведения искусства финансировались государством и предназначались для публичного показа. Поэтому искусство и архитектура были огромным источником гордости горожан, и их можно было найти в разных частях города. Как правило, город-государство выделяет высокогорный участок земли под акрополь, важную часть города-государства, отведенную под храмы или дворцы. Греки проводили религиозные церемонии и фестивали, а также важные политические встречи на акрополе.

Фотография любезно предоставлена ​​www.sacredsites.com и Мартин Грей

Парфенон был построен в честь богини Афины, олицетворявшей человеческое стремление к знаниям и идеал мудрости.

Греческое мастерство: Акрополь

В древних Афинах Перикл приказал построить несколько крупных храмов на Акрополе. Среди них был храм Парфенон, который многие считают лучшим образцом греческой архитектуры.

Построенный как дань уважения Афине, богине мудрости, в честь которой был назван город-государство Афины, Парфенон представляет собой чудо дизайна с массивными колоннами, контрастирующими с тонкими деталями.

В древнегреческой архитектуре можно найти три разных типа колонн. Использовался ли дорический, ионический или коринфский стиль, в зависимости от региона и цели возводимого сооружения.

Множество едва заметных улучшений в дизайне Парфенона вносят свой вклад в его общую красоту и сбалансированность. Например, каждый столбец посередине немного шире, чем у основания и вверху. Колонны также расположены ближе друг к другу по углам храма и дальше друг от друга к середине.Кроме того, ступени храма несколько изогнуты — ниже по бокам и выше в середине каждой ступени.

К сожалению, время плохо повлияло на Парфенон. В 17 веке завоевавшие греков турки использовали Парфенон для хранения боеприпасов. Случайный взрыв оставил Парфенон без крыши и почти разрушенным. Позднее туристы увозили части Парфенона в качестве сувениров.

Красота в человеческом обличье

Древнегреческие скульптуры обычно делались из камня или дерева, и очень немногие из них сохранились до наших дней.Большинство греческих скульптур имели отдельно стоящую человеческую форму (даже если статуя была богом), а многие скульптуры были обнаженными. Греки видели красоту в обнаженном человеческом теле.

Ранние греческие статуи, называемые курос , были жесткими и стояли прямо. Со временем греческие скульптуры приняли более естественную, расслабленную позу: бедра были повернуты в одну сторону, колени и руки слегка согнуты, а голова повернута набок.

Другие скульптуры изображали человеческие действия, особенно легкую атлетику. Хорошим примером является метатель диска Myron Discus Thrower Другой известный пример — скульптура Артемиды-охотницы.

На картине, названной «Диана Версальская», изображена богиня охоты, тянущаяся за стрелой, а рядом с ней прыгает олень.

Среди самых известных греческих статуй — Венера Милосская, созданная во втором веке до нашей эры. Скульптор неизвестен, хотя многие искусствоведы считают, что это произведение создал Пракситель. Эта скульптура воплощает греческий идеал красоты.

Древние греки тоже рисовали, но от их работ осталось очень мало. Самыми стойкими были картины, украшающие керамическую посуду.Два основных стиля включают красную фигурку (на черном фоне) и черную фигурку (на красном фоне) керамику. Изображения на керамике часто изображали героические и трагические истории богов и людей.

греческой керамики | Типы, стили и факты

Греческая керамика , керамика древних греков, важная как из-за внутренней красоты ее форм и декора, так и из-за того света, который она проливает на развитие греческого изобразительного искусства. Поскольку обожженная глиняная посуда очень долговечна — а греческих работ из дерева, текстиля или стен сохранилось очень мало или совсем не сохранилось — расписное украшение этой керамики стало основным источником информации о процессе, с помощью которого греческие художники постепенно решали многие проблемы изображение трехмерных объектов и фигур на плоской или криволинейной поверхности.Большое количество сохранившихся образцов также является результатом более широкого использования керамических сосудов в период, когда другие материалы были дорогими или неизвестными. Греки использовали керамические сосуды в основном для хранения, транспортировки и питья таких жидкостей, как вино и вода. Горшки меньшего размера использовались в качестве контейнеров для духов и мазей.

Британская викторина

Археология: викторина по копанию и соскабливанию

Какая научная дисциплина связана с датированием и интерпретацией прошлых событий в соответствии с анализом годичных колец деревьев? Как называется центральный оборонительный район древнегреческих городов? Проверьте свои знания.Пройдите викторину.

Греческая керамика возникла из микенских традиций, заимствуя как формы горшков, так и украшения. Самый ранний стилистический период — геометрический, длится примерно с 1000 по 700 год до нашей эры. Этот период далее разбивается на прото-геометрический переход от микенских форм. В этот период поверхность горшка была полностью покрыта сеткой мелких узоров, в которых преобладали круги и дуги. Позднее этот абстрактный декоративный словарь пополнился такими приемами, как меандр (ключевой узор), шашка, треугольник, елочка и свастика.Последующий истинный геометрический стиль характеризуется этими формами и постепенным появлением фигур животных и, наконец, людей. Они тоже были геометризованы, получили угловатые силуэты и располагались симметрично, обычно полосами вокруг горшка. Фигуры неизменно изображались сбоку, то есть в профиль. Изготовленные в то время горшки были самыми ранними в греческом искусстве, на которых изображались сюжеты из популярных мифов, особенно о Геракле.

Значительное расширение торговой деятельности Греции в конце 8 — начале 7 веков до н.э. привело к усилению восточного влияния на греческих гончаров.Эта фаза впервые проявляется в работах, выполненных в Коринфе около 700 г. до н. Э. В это время азиатские мотивы нашли свое место на всех производствах греческих горшков. Криволинейные узоры вытесняют старые, прямолинейные. Появляются новые предметы, особенно такие монстры, как сфинкс, сирена, грифон, горгона и химера, а также такие животные, как лев. Коринфские художники создали силуэтную технику, в которой фигуры, нарисованные в характерной черной глазури, были прорезаны тонкими линиями, чтобы показать детали.

Протокоринфский арибаллос

Протокоринфский арибаллос с пастью в форме львиной головы, c.650 г. до н. Э .; в Британском музее в Лондоне.

Предоставлено попечителями Британского музея

Афинские художники переняли этот чернофигурный гончарный стиль примерно в 630 году до нашей эры, но в качестве живописных тем акцентировали внимание на человеческих фигурах, а не на мотивах животных. Превосходное качество их глины, пигмента и декора позволило афинским художникам быстро обогнать коринфских. С 600 г. до н. Э. Афины все больше и больше становились доминирующим центром греческой керамики, в конечном итоге экспортируя свою посуду по всему Средиземноморскому миру.Именно в этот период впервые стала распространена практика подписания горшков гончарами и художниками. Афинская керамика VI века до н.э. часто представляет собой повествовательные сцены, состоящие из черных фигур, нарисованных на светлой вставке фоновой панели, в то время как окружающая поверхность вазы имеет глубокий блестящий черный цвет. Метод, с помощью которого был получен этот отличительный цвет, включающий сложный трехэтапный процесс обжига, был успешно проанализирован и воспроизведен в 20 веке.

Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас

Краснофигурная керамика, изобретенная в Афинах около 530 г. до н. Э., Является полной противоположностью чернофигурному стилю, поскольку красноватые фигуры кажутся светлыми на черном фоне поверхности горшка. Детали фигур, такие как глаза и внутренние линии, были нарисованы черным цветом, кисть позволяла более тонко характеризовать, чем инструмент для вырезания. Краснофигурная техника позволила сделать человеческие фигуры более натуралистичными и эстетически привлекательными. Красные оттенки имитировали цвет и тон загорелой кожи и резко выделяли фигуры на темном фоне.Около 500 г. до н.э. греческие художники отказались от условности использовать только виды в профиль и начали использовать позы с фронтальной ориентацией в три четверти, а также ракурс и тщательно изображенное наложение одной фигуры на другую. Эти достижения возвестили зенит дизайна греческой керамики, а также дают некоторое представление о современных достижениях в крупномасштабной живописи. Рисунки на греческой посуде этого периода часто бывают самого высокого качества, а предмет их изучения — неисчерпаемый источник информации о греческой жизни и мысли.Греческие художники стремились наделить свои фигуры настроением и характером, а также способностью к действию. Монотонности удалось избежать за счет использования различных поз, жестов и выражений для передачи эмоций и прояснения повествовательного действия. Репертуар сюжетов был значительно расширен за счет использования сцен из повседневной жизни, а также стандартных героических и мифологических сюжетов.

Практика украшения греческой керамики пошла на убыль после середины V века до нашей эры. Из-за неотъемлемых ограничений изогнутой поверхности горшка художники-гончары больше не могли конкурировать с быстрыми шагами к натурализму, достигнутыми художниками в более крупных произведениях, таких как настенные росписи.После 430 г. до н. Э. Керамика все больше наполнялась толстым цветочным орнаментом и тяжелыми фигурами, сгруппированными вместе без повествования. К IV веку фигурное украшение керамики стало умирающим искусством и исчезло из Афин к 320 году до нашей эры.

Греческая керамика изготавливалась различных форм и размеров в зависимости от назначения того или иного сосуда. Для конкретных обработок основных физических типов греческой керамики, см. alabastron; амфора; гидрия; кантарос; кратер; киликс; лекитос; oinochoe; и псиктер.

Древнегреческое искусство — факты о Древней Греции для детей

Греческое искусство

Древнегреческая культура была полна различных видов искусства. Древние греки украшали почти каждую часть своей жизни, от своих зданий и городских улиц до внутренних помещений своих домов, многие предметы греческой жизни были созданы с учетом красоты. Греческие художники создавали шедевры живописи, работы по металлу, мозаики, скульптуры, архитектуры, литературы и керамики.

Живопись: До недавнего времени археологи знали о греческой живописи только из древнегреческих историй. Эти рассказы, написанные такими авторами, как Плиний и Павсаний, описывают большие монументальные картины. Но, к сожалению, этих картин осталось не так много.

Древний грек, живший в 400 г. до н.э., мог прогуливаться по улице и смотреть на красивые картины на внешних стенах зданий. Но спустя тысячи лет войны, землетрясения, погода и время стерли эти картины так, что их больше не осталось.Некоторые греческие города, такие как Сикион, были известны своими школами, в которых обучали художников и создавали многих успешных греческих художников, которые затем путешествовали по западному миру, распространяя свое греческое искусство.

Археологи недавно начали раскопки в Македонии, которая является частью Греции, и нашли хорошо сохранившиеся фрагменты греческой живописи. Было найдено много расписных гробниц, что помогло археологам еще лучше изучить греческую живопись. На некоторых из этих картин изображены сцены воинов, женщин, охоты на животных и сцены из мифологических историй.Некоторые из этих картин очень похожи на итальянские картины, что привело некоторых археологов к мысли, что греческие художники оказали влияние на итальянских художников, которые копировали их стили живописи.

Металлообработка: Греки были очень искусны в работе с металлом, и они работали с самыми разными типами. Бронза — это особый тип металла, который в основном состоит из меди с добавлением другого металла, такого как олово или цинк. Бронза — твердый и прочный металл, который был очень популярным для статуй и других украшений.

Греки также использовали железо, которое является более твердым металлом, а также драгоценные металлы, такие как золото и серебро. Несмотря на то, что есть много примеров прекрасных изделий из металла из Древней Греции, их было еще больше. Поскольку металл можно расплавить и превратить во что-то еще, многие металлические скульптуры и другие металлические предметы были расплавлены, чтобы их можно было использовать для других целей.

Помимо бронзовых, золотых и серебряных скульптур, греки много чего делали из металлов.Многие из этих вещей были красиво декорированы. Они делали чаши и вазы, котлы, ножи и кинжалы, щиты, доспехи, декоративные венки, чашки для питья и фонари. Они также делали прекрасные украшения, такие как ожерелья, браслеты, серьги, булавки и кольца. Большинство украшений на украшениях — это цветы и листья, мифические существа, львы и змеи.

Мозаика: Еще одно из давних художественных наследий древних греков — искусство мозаики. Мозаика — это изображение, состоящее из небольших кусочков стекла, керамики или небольших плиток.Тысячи маленьких кусочков разноцветных плиток сложены вместе, так что все вместе они составляют картину.

Греки украсили свои дома мозаикой как на стенах, так и на полу. В Македонии археологи нашли дома с ярко окрашенными стенами и мозаичными полами.

В Древней Греции было много других мастеров. Они умели создавать красивые скульптуры для религиозного поклонения и украшения. Они также создали хорошо спроектированные здания или архитектуру, которые были украшены скульптурами, картинами и мозаикой.

Еще одним видом искусства, который они использовали в повседневной жизни, была гончарная посуда, которой они придавали сотни различных форм и раскрашивали геометрическими узорами и сценами из мифологии. И наконец, что не менее важно, греки также писали много разных видов литературы, от поэзии до истории; они превратили свое письмо в форму искусства.

древних греческих рисунков стены для продажи

Древняя Греция, C1901, 1902 г.

Коллектор отпечатков

Карта Древней Греции

Коллектор отпечатков

Вид на Южную Армению

Коллектор отпечатков

Греческая ваза с изображением убийства Персея

Коллектор отпечатков

Древнегреческие поэты у воды

Изображения наследия

Древнегреческие музы музыки и танца

Коллектор отпечатков

Карта Эпира и Западной Греции

Коллектор отпечатков

Карта Северной и Центральной Греции

Коллектор отпечатков

Архимед C287-212 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Платон C428-c348 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Платон C428-c348 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Теофраст, древнегреческий философ

Коллектор отпечатков

Керамика, древнегреческая, кипрская

Коллектор отпечатков

Аполлон, древнегреческий бог музыки

Коллектор отпечатков

Гиппократ Кос, древнегреческий

Коллектор отпечатков

Аристотель 384-322 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Аристотель 384-322 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Аристотель 384-322 г. до н.э., Древнегреческий

г.

Коллектор отпечатков

Архимед C287-212 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Anaximines Fl C500 Bc, Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Пифагор, древнегреческий математик

Коллектор отпечатков

Евклид, древнегреческий математик

Коллектор отпечатков

Архимед C287-212 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Евклид, древнегреческий математик

Коллектор отпечатков

Архимед C287-212 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Анаксимандр C611-546 до н.э., Древнегреческий

Коллектор отпечатков

Афины, Греция, 1887 г.Художник W

Коллектор отпечатков

The Himation Одежда, которую носили в Греции

Коллектор отпечатков

Мужская прическа — Классическая Греция 600

Коллектор отпечатков

Смерть Павсания

Коллектор отпечатков

Иллюстрированная хронология, 1935 год

Коллектор отпечатков

Менандр

Коллектор отпечатков

Сайт Додоны

Коллектор отпечатков

Аргос

Коллектор отпечатков

Общий вид Спарты

Коллектор отпечатков

Тесей в Афинах

Коллектор отпечатков

Геркулес и Цербер, C1634.Художник

Коллектор отпечатков

Иммануил Кант, немецкий философ, 1812 г.

Коллектор отпечатков

Сиракузы

Коллектор отпечатков

Равнина Марафона

Коллектор отпечатков

Ущелье в Дельфах. Сцена

Коллектор отпечатков

Аристотель

Коллектор отпечатков

Поле битвы при Платеях

Коллектор отпечатков

Фреска сцены охоты частично

Коллектор отпечатков

Реконструкция Клепсидры Уотер

Коллектор отпечатков

Греческий спортсмен, бросающий диск

Коллектор отпечатков

Долина Темпе

Коллектор отпечатков

спорт греческих девушек

Коллектор отпечатков

Перевал Фермопил

Коллектор отпечатков

Карта Малой Азии

Коллектор отпечатков

Руины Фив

Коллектор отпечатков

Саламин

Коллектор отпечатков

Зено Элейтес

Коллектор отпечатков

Демокрит

Коллектор отпечатков

Раскопки Генриха Шлимана

Коллектор отпечатков

Узоры на текстиле и фрагменты фресок

Коллектор отпечатков

Асклепиад

Коллектор отпечатков

Aristarchos Of Samos Fl260 Bc

Коллектор отпечатков

Крашеный пол во дворце в Микенах

Коллектор отпечатков

Иллюстрированная хронология, 1935 год

Коллектор отпечатков

Доктор Генрих Шлиман, Немецкий исследователь

Коллектор отпечатков

Карта Пелопоннеса

Коллектор отпечатков

Карта Македонии и окрестностей

Коллектор отпечатков

Аристид Справедливый C530-c468 Bc

Коллектор отпечатков

Солон

Коллектор отпечатков

Афинская модница до н.