АКВАРЕЛИ СОВЕТСКИХ ХУДОЖНИКОВ: kovlam — LiveJournal

Николай Андреевич Тырса — один из лидеров Ленинградской школы 1920-х — 1930-х годов, блестящий акварелист, выдающийся художник книги. Начинал исключительно как рисовальщик, и уже в 1915 о нем писали как о мастере со своей концепцией пластики.
Н.А. Тырса (1887 — 1942)

   
Сергей Васильевич Герасимов, представитель русского импрессионизма, создавший также целый ряд эталонных соцреалистических картин.  «Первое время и довольно долго потом, — вспоминал далее художник, — я работал главным образом акварелью. Масляная живопись мне далась не сразу, а в результате больших усилий»

С.В. Герасимов (1885 — 1964)
  Лапшин — принадлежит к немногочисленной группе художников (Н. А. Тырса, Лапшин, Успенский, Ведерников), которую традиционно называют ленинградской пейзажной школой. В раннем творчестве был близок к кубизму и футуризму. В середине 1920-х под влиянием искусства Марке выработал собственный узнаваемый стиль. В станковых работах стремился не столько к точному воспроизведению натуры, сколько к передаче впечатления от виденного, настроения, состояния природы. Пейзажи Лапшина всегда построены на тончайших цветовых нюансах, эффектах просвечивания одного слоя краски через другой. Благодаря этому художник даже в работах маслом добивался ощущения легкости и наполненности воздухом. Излюбленной же его техникой была акварель. Чрезвычайно велик вклад Лапшина также в книжное и декоративно-прикладное искусство своего времени.

Н.Ф. Лапшин (1888 — 1942)
Павел Варфоломеевич Кузнецов принадлежит к числу наиболее значительных представителей символизма в русской живописи. Расцвет творчества приходится на 1900-е — 1910-е. В 1920-е Кузнецов отошел от эстетики символизма, но сохранил характерные черты индивидуальной манеры: декоративность колорита в сочетании с неопримитивистской трактовкой сюжета.

П.В. Кузнецов (1878 — 1968)
Остроумова-Лебедева — выдающийся мастер русской графики. В своем творчестве обращалась к различным техникам: проявила себя как превосходный акварелист и литограф. Наибольшую известность художнице принесли работы, выполненные в технике цветной гравюры на дереве, возрождение которой она считала делом своей жизни. Ранние произведения близки стилистике модерна.

А.П. Остроумова-Лебедева (1871 — 1955)
  .П. Остроумова-Лебедева (1871 — 1955)
  Известный прежде всего как книжный график, ксилограф Владимир Андреевич Фаворский (1886-1964) был создателем произведений во многих видах изобразительного искусства — в монументальной живописи (в техниках фрески, сграффито, мозаики), театрально-декорационной живописи, скульптуре, декоративном искусстве. Присущая художнику универсальность, качественно отличная от искрометной артистической разносторонности мастеров рубежа XIX и ХХ веков, включала фундаментальное осмысление теории искусства, развитую педагогическую систему, собственно школу Фаворского, что без преувеличения позволяет назвать его талант близким по духу художникам-мыслителям эпохи Возрождения.

В.А. Фаворский (1886 — 1964)
ШИН-ШИРИН (из иллюстраций к калмыцкому эпосу «Джангар») акварель, карандаш

 
  
 

11 советских художников, которых обязан знать каждый

Несмотря на свою закрытость, СССР дал жизнь нескольким школам художников. В первые годы новой страны культура была ключевой частью агитационного аппарата государства. Culture Trip – стартап из Лондона – предлагает познакомиться с 11 советскими художниками, которых должен знать каждый ценитель искусства.

Александр Дейнека

Рожденный в Курске, Александр в начале своей карьеры работал фотографом в отделе уголовного розыска. После армии он был отправлен на учебу в Харьковское художественное училище. Эти годы сформировали его творческий стиль. Впоследствии он стал ключевой фигурой модернистского образного стиля в России. Однако наиболее ранние работы были выполнены в монохроме, поскольку художественные принадлежности трудно было найти. Ключевой работой является «Крестьянка на велосипеде» (1935), которая получила высокую оценку за социально-реалистический стиль.

Александр Герасимов

Александр Герасимов был выдающимся художником, архитектором и театральным дизайнером в России. Учился у Абрама Архипова и Константина Коровина. После его возвращения с фронта Александр основал в 1918 году Коммуну художников. Художники жили в Тамбовской губернии с 1918 по 1925 год. После этого он вернулся в Москву, где стал членом Ассоциации художников Революционной России. Именно в это время его стиль резко изменился. Он больше не рисовал пейзажи в стиле импрессионистов; вместо этого он принял стиль соцреализма. При этом он стал любимым художником Иосифа Сталина.

Александр Самохвалов

Самохвалов был одним из ведущих членов Ленинградского филиала Союза художников России. Его поездка в Самарканд в 1921 году стала поворотным моментом в его карьере и, как полагают, значительно повлияла на его стиль в последующие годы. Пять лет спустя он участвовал в реставрации храма Святого Георгия в Старой Ладоге. Именно здесь он вступил в контакт с традиционными формами русской живописи, что также повлияло на его собственный стиль. Наиболее известными работами считаются “Киров принимает парад физкультурников” и “Появление В.

И. Ленина на II Всероссийском съезде Советов”.

Лазарь Лисицкий

Лисицкий был не только художником во времена советской власти, но и дизайнером, фотографом, архитектором и полемистом. Он является заметной фигурой русского авангарда и создал для Сталина инновационные пропагандистские работы. Под влиянием Казимира Малевича, который был его наставником, его собственные работы продолжали влиять на Баухаус и конструктивистское движение.

Густав Клуцис

Родившийся в Латвии, Густав Клуцис был одним из видных фотографов во время прихода Сталина к власти. Он славится выпуском некоторых из самых известных сталинских пропагандистских работ в рамках фотомонтажа, в которых он часто сотрудничал со своей женой Валентиной Кулагиной. Клуцис часто ассоциируется с конструктивизмом и русским авангардом. Однако, несмотря на создание искусства для советского режима, Клуцис был арестован в Москве, когда готов был отправиться на Нью-Йоркскую всемирную ярмарку в 1938 году.

Его больше никогда не видели, и считается, что он был расстрелян.

Казимир Малевич

Родившийся в Киеве Казимир Малевич провел большую часть своего становления в уголках Украины. Малевич, изолированный от культуры, поглотил традиции сельской жизни, которые, как говорят, остались с ним на протяжении всей его жизни. После смерти своего отца в 1904 году он переехал в Москву, где учился в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры. Он был современником Владимира Татлина, часто выступая с ним на выставках. Переломным моментом в его стиле стало открытие в 1913 году крупной выставки работ Аристарха Лентулова в Москве. Говорят, что он открыл ум Малевича к кубистским формам и принципам, которые он начал включать в свои произведения. Основной вклад Малевича в историю искусства пришёл в 1915 году, когда он написал свой манифест «От кубизма к супрематизму». Супрематизм должен был стать его фирменным стилем и оказать влияние на будущих художников. Принципы супрематизма ценятся до сих пор – и даже послужили основой туристической айдентики России.

Константин Юон

Константин Юон был художником и дизайнером из Москвы, известным своими пейзажными работами. Учился в Московском училище живописи, скульптуры и архитектуры, а затем в мастерской Серова. После своего образования Юон провел много лет, путешествуя по Европе и восторгаясь художественными стилями и творениями, которые он видел. Особенно он был впечатлён импрессионизмом за исследование света и цвета. Считается, что он включил эти подходы и стили в свои собственные пейзажные работы. Однако его более поздние работы показывают более социально-реаличный стиль – здесь уже он включал в свои картины больше крестьян.

Леонид Стиль

Леонид Стиль, начавший рисовать в возрасте 4 лет, стал одним из ведущих художников стиля советского социалистического реализма. Его появление на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году сделало его имя всемирно известным. Его картины узнаваемы благодаря многообразию композиций, созданных с немного импрессионистским стилем. Он участвовал в 80 выставках в течение своей жизни. Леонид умер в прошлом году в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Марк Шагал

Родившийся в Витебске Марк известен своими крупномасштабными работами – оформление окон для синагоги Медицинского центра Университета Хадасса в Иерусалиме, потолок Парижской Оперы, окно для здания Организации Объединенных Наций в Нью-Йорке и фрески для Метрополитен-опера.

Сергей Герасимов

Картины московского художника Сергея Герасимова славились слиянием русских и других европейских модернистских стилей. Ранние работы Герасимова были в основном акварели – их хвалят прежде всего за техническую виртуозность. В 1920-х и 1930-х годах начал выпускать плакаты и другие произведения для советского правительства. Несмотря на создание произведений в коммунистическом стиле, он был известен как либеральный мыслитель.

Владимир Татлин

Пожалуй, один из наиболее известных советских архитекторов. В связи с модернистским и конструктивистским искусством его знаменитый проект «Памятник Третьему Интернационалу» (1919) поставил его на карту истории искусств.

Хотя он никогда не был построен, этот проект стал символом русского модернизма и ультрасовременного дизайна. Под влиянием кубизма Пикассо и русского футуризма Татлин создал свой собственный творческий язык, воплотив его в работах из стекла, металла и дерева.

Читайте также:

Back in the USSR: лучшие дизайны с постсоветского пространства

В Лондоне открывается выставка фотографов из постсоветских стран

6 необычных техник рисования акварелью

Шестая всесоюзная выставка акварели — Художник Александр Шелтунов

Москва
1981 год

 

Каталог шестой всесоюзной выставки акварели, проходившей в Москве в 1981 году. Издательство «Советский художник»

 

Акварель из всех графических техник, пожалуй, одна из наиболее трудных, но и притягательных по своим возможностям. Сверкание цвета и света, глубина и трепетность воздушного пространства, почти материальная плотность или мягкая пластичность объема, сочная декоративность локального цвета — все доступно ей и все в арсенале ее выразительных средств.

Шестая по счету Всесоюзная выставка акварели позволяет ощутить все эти качества.

Регулярные, раз в три года организуемые всесоюзные выставки свидетельствуют о том, что советское акварельное искусство — вполне определившийся вид современной графики, со своим кругом художников, со своими профессиональными проблемами, характером раскрытия тем.

Из камерной сугубо лирической, иногда лишь «параллельной» в творчестве мастера акварель стала самостоятельным явлением, «возмужала», обнаружила в себе силы решать задачи большого общественного и философского звучания. В этом смысле многие художники как бы заново открыли для себя эту технику, а некоторые впервые пришли к ней, неожиданно обнаружив для себя глубокие выразительные возможности акварели.

Традиции акварельной живописи в СССР можно проследить вплоть до прекрасных акварелистов XIX века. Они живы и поныне, а наряду с ними сегодня прочно существуют и традиции собственно советской акварели. На первой ретроспективной Всесоюзной выставке акварели экспонировались вещи таких прославленных мастеров, как С.

 Герасимов, А. Дейнека, Ю. Пименов, А. Фонвизин. За последующие годы у акварелистов появились новые корифеи, есть, к сожалению, и невозвратимые потери. Сейчас, когда мы констатируем рост и развитие советского акварельного искусства, уместно вспомнить имена тех, кто положил начало «акварельному движению» и чей огромный творческий опыт лег в основу лучших современных достижений. Это В. Богаткин, Н. Волков, Н. Грицюк, Н. Жуков, А. Кастеев, Л. Купцис, С. Лунев, Н. Петрашкевич, А. Петухов.

Можно сказать вполне ответственно, что, храня национальные традиции, современная акварельная живопись нашла для себя новые пути и новые сферы существования. Можно говорить и о новом качестве, в котором акварель выступает в сознании художника и зрителя. Этим качеством, послужившим движущей силой, импульсом дальнейшего развития, оказалось представление о содержательных возможностях так называемой «композиционной акварели». Выйдя из традиционных рамок репортажной камерности, акварель неожиданно приобрела тенденцию к монументальности и философичности, при сохранении своей живописной природы.

Появились новые типы условных решений, новые технические приемы.

Красота и гармоническое разнообразие настоящей выставки доказывают способность акварели говорить о разном по-разному: о серьезном и веселом, глубоко личном и общественном. Соответственно все богаче становятся и выразительные средства — каждая выставка являет нам целый ряд находок и изобретений, которые, пока они внове, порой чересчур увлекают собой художника, обретая впоследствии содержательную наполненность.

Акварель — техника чрезвычайно сложная, и овладение даже ее азбукой, не говоря уже о виртуозных приемах, дело далеко не простое. Тем более приятно отметить высокий профессиональный уровень выставки в целом, дающий представление о советской акварельной школе и ее направлениях.

География акварели широка. Здесь постоянно работают мастера из самых различных мест нашей страны, и в их произведениях достаточно сильны воздействия национального народного искусства, обогащающие характер образного восприятия и цветовую гамму художников. И поскольку акварель сейчас отнюдь не «столичное» явление, создается ощущение многонационального творческого общения, представление о едином коллективе, его профессиональном движении. Это в большой мере прямой результат работы, проводимой вот уже около двадцати лет Союзом художников СССР. К каждой выставке Союз заключает большое количество договоров, и выполненные произведения (а их около половины на нашей выставке) формируют тематическое ядро экспозиции. Большое значение также имеет организация творческих групп акварелистов. Художники побывали в Туве и на Дальнем Востоке, в Коми АССР и на Кольском полуострове, в Средней Азии и в Прикарпатье… все не перечислить. Тридцатая группа едет в этом году.

Длительный рабочий контакт членов группы, итоговые выставки, первыми зрителями и судьями которых были сами герои их произведений, — все это создавало серьезную профессиональную среду общения и явилось хорошей школой для всех участников поездок, будь то начинающий акварелист или опытный мастер.

Если рассматривать выставки акварели в их последовательном сравнении, то можно, пожалуй, сказать, что позади остался этап тематического насыщения. Богатство виденного безусловно в свое время расширило диапазон охвата явлений жизни, однако многолетняя вдумчивая работа, повторные посещения тех или иных мест способствовали углубленным размышлениям, рождению обобщающих идей и образов, возникновению потребности создания композиционных вещей широкого, даже философского звучания. Такое углубленное восприятие действительности отчетливо выступает на выставке, оно проявляет себя прежде всего в преобладании и качественном значении композиционных акварелей и особенно серий и циклов. В лучших из них сочетаются богатое эмоциональное и пластическое звучание живописи с возможностями временного развития образа и показа процесса раскрытия явления в его различных аспектах и гранях, которыми обладает графическая серия. Сюжетно-смысловое и пространственно-пластическое единство, объединяющее листы серии, выявляется и подчеркивается общим эмоциональным ключом, который таится в индивидуальном мире ощущений художника, характере его личности, эстетической позиции, в манере, наконец. Таким образом, каждый лист есть сложное переплетение индивидуального и общего, в плане как смысловом, так и формальном.

Мы уже говорили о национальном своеобразии произведений, представленных на выставке. Однако направления акварельной живописи можно определить не по национальному, а скорее по содержательному принципу. Это прежде всего линия символического обобщения, тематические серии, портрет, пейзаж, натюрморт, собственно жанр и декоративные композиции. Подобное разнообразие соседствует в ярком и образном калейдоскопе, многообразно представляет нашу страну, воспевает жизнь и само живет особой жизнью в неповторимом качестве достоверности образа. В сущности, каждая работа, как и вообще в искусстве, — это необычное пространство, которое отражает одновременно и сознание художника, и изображение, и все то, что связывает данный лист с другими листами серии, и, наконец, отношение художника к зрителю. Художественный образ, заключенный в вещи, обладает как бы магнетическими свойствами, втягивает зрителя в свой мир, приобщает его к чувствам и ощущениям автора.

По сравнению с живописью маслом, магнетизм акварели чаще действует, скорее, в эмоциональном, нежели в логико-сюжетном плане. Включение зрителя в переживание свойственно даже отвлеченно-философским или декоративным произведениям. Это определяется и близостью извечных для акварели тем к нашей повседневной жизни, и ее сравнительно небольшими размерами, создающими специфику масштабности акварельного мира. Но основной секрет действенного обаяния акварели, возможно, заключен в самом способе ее исполнения. Как бы долго ни вынашивал художник замысел будущего произведения, как бы много ни делал он предварительных набросков, эскизов и рисунков, законченный лист сохраняет живую непосредственность и легкость касания кисти к бумаге, трепетность сиюминутного душевного состояния художника, характер движения его руки. Каждый мазок акварели должен быть предельно точным, поскольку она не терпит переделок. Эта точность во сто крат усиливает коммуникационные возможности акварели, поскольку передает зрителю идею достоверности совершающегося на листе. Непосредственно фиксируемое чувство мастера, также передаваясь зрителю, создает ощущение экспромта, легкости общения, синхронности восприятия явления художником и зрителем. Оно влияет на процесс созерцания произведения и определяет душевное состояние зрителя.

Поскольку в акварели преобладает чувство активное, рожденное ярко выраженным отношением к изображаемому, ей особенно близки поэтико-романтические и философски-эпические темы, захватывающие своим настроением, либо, наоборот, жанровые композиции мягкого лирического звучания, основной темой которых является не столько сам сюжет, сколько чувства, возбуждаемые им и характерностью его пластического выражения.

Эстетический потенциал акварели очень высок. Мироощущение художника, богатство его личности раскрывается через пластическое своеобразие его произведений, постижение красоты мира, восхищение цветом, влюбленность в прелесть акварели, столь нежной, сильной и богатой. Особая роль принадлежит прославленной светозарности акварели. В ней свет не изображается контрастами цвета и тона, но, отраженный бумагой, воочию присутствует и живет в особом сиянии цвета. И если художник лишен этого, так сказать, комплексного восприятия прекрасного, вряд ли из него выйдет хороший акварелист. Мы уже говорили о существовании глубоких традиций акварельной живописи в советской культуре — это традиции одного из наиболее массовых и вместе с тем наиболее индивидуальных видов искусства. Акварель как материал всегда была связана с содержанием — ей были присущи мобильность в отражении жизненных явлений, острое чувство современности и высокий артистизм. Стремление к композиционному обобщению, серийность и даже монументализация акварели не уничтожают эту традиционную линию, а, наоборот, углубляют ее, повышают значимость произведений и, соответственно, повышают требовательность к их художественному качеству. В лучших работах выставки можно ощутить жизненную позицию и художественное кредо мастера, желание достичь высокой степени завершенности произведения, выражающей миропонимание и философию бытия нашего поколения.

Галина Леонтьевна Демосфенова

 

Выставленная картина

Вечер. 1980. Бумага, акварель. 54 × 69

Искусство акварельной живописи в формировании профессионализма педагогов изобразительного искусства

Работа акварелью – важный аспект в формировании художественных, творческих, мыслительных способностей будущих специалистов, педагогов изобразительного искусства. Для обеспечения более эффективных условий формирования художественно-образного мышления и творческих способностей специалиста изучение теории акварельной живописи и рост профессионального уровня в овладении техникой акварели должны быть взаимосвязаны. Изучение акварели и обучение ее приемам является важным аспектом в преподавании живописи. Необходимо отметить, что педагогу в школе необходимо уметь работать в первую очередь акварелью. В результате изучения специфических возможностей работы акварелью в процессе аудиторных учебных занятий, на пленэрной практике, в процессе самостоятельной работы созревают замыслы композиций, появляется творческий импульс, вдохновение для создания живописных произведений.
Знание акварели, ее возможностей, традиционных и творческих методов и технических приемов владения акварельной живописью мастеров изобразительного искусства помогает студентам в формировании художественного вкуса, в возможности предвидеть результат работы в живописи, помогает сформировать собственный художественный стиль письма, найти творческий почерк в искусстве.
Художественный вкус должен развиваться и формироваться на образцах высокого искусства. Нередко студенты не понимают, что хорошо, что плохо в искусстве, не видят, не могут отличить подлинное искусство от ложной красивости. И именно анализ и изучение акварелей мастеров изобразительного искусства помогают нам в вопросе формирования художественного вкуса будущих педагогов изобразительного искусства.
Искусство акварельной живописи имеет бесконечное многообразие видов и форм, стилистических направлений. Современный педагог должен развиваться как художник: именно в процессе художественного развитии, умения рисовать, владеть цветом, создавать композицию происходит развитие образного мышления будущего специалиста. Способность работать в разных техниках – обязательное условие для дальнейшего совершенствования педагогического и художественного мастерства.
В акварели существуют два основных метода работы. Первый – многослойная акварельная живопись с моделирующим прокладочным тоном, поверх которого художник постепенно накладывает прозрачные лессировки, достигая определенной силы цвета. Второй метод – a la prima, при котором на бумагу сразу наносится цвет необходимой интенсивности. Причем бумага может быть как мокрой, так и сухой – важен сам принцип работы в один прием. Этот метод особенно важен в работе с натуры и на пленэре, когда состояния природы быстро меняются. Он также применим в работе над натюрмортом, портретом, пейзажем, интерьером, в этюдах людей и животных, и для создания творческих работ. Он вырабатывает быстроту и сноровку, а также необыкновенно дисциплинирует в искусстве, приучает создавать и добиваться результатов.
Первый способ был распространен в начале XIX века, второй появился и завоевал признание в конце XIX – начале XX века. На практике оба эти приема могут сочетаться и варьироваться, образовывая традиционные и новаторские подходы в обучении акварельной живописи.
Акварель – это состояние души, и, как это видно из истории изобразительного искусства, каждый мастер, владеющий акварелью, внес что-то новое, индивидуальное в эту удивительную технику, оставил в произведениях частичку своего сердца. Разнообразие приемов и методов работы акварелью сложно ограничить общепринятыми и традиционными техниками: по сырому листу, по сухому листу, лессировки. Изучение технических возможностей акварельной живописи на примере осмысления и анализа акварельной живописи любимых художников полезно в постижении профессионального мастерства будущих педагогов изобразительного искусства.
За каждым большим художником, работающим в данной технике, закрепился его собственный изобразительный метод работы акварелью. Существует метод И. И. Левитана, К. П. Брюллова, А. А. Иванова, Э. Делакруа, П. Сеньяка, М. А. Врубеля, А. В. Фонвизина и других выдающихся художников. Наглядно раскрыть возможности акварели помогают примеры живописи мастеров изобразительного искусства.
Превосходно владел акварелью мастер пейзажной живописи И. И. Левитан. Проанализировав акварели И. И. Левитана «Осень», «Туман», можно сказать, что они сдержанны в колорите и очень точно передают художественно-образное впечатление от природы. В них И. И. Левитан работал по сырому листу, по мере высыхания бумаги уточнял детали, соединяя живопись по сырому и сухому листу бумаги. Он великолепно писал заливками, цвет брал сразу в нужную силу тона. Работая акварелью по методу И. И. Левитана, можно научиться тонко, чувствовать образную сторону природы; этот метод работы важен для передачи состояний природы, мы рекомендуем использовать его на пленэре. В работе над пейзажем – состоянием от художника требуется большее мастерство акварельной живописи, а приобрести его можно только непосредственно в творческом общении с природой, в работе с натуры. В работе над пейзажем акварелью цвет и рисунок взаимосвязаны, помогают и дополняют друг друга. Важно уметь писать заливками, цветовым пятном, также рисовать кистью тонкие детали, ветви деревьев, растения. Смело чувствовать материал и выбирать для воплощения своей идеи тот или иной изобразительный метод.
Интересна в плане изучения творческого опыта живопись А. А. Иванова. Художник, обладая исключительной наблюдательностью, находил новые приемы акварельного письма, они отличались большой свободой наложения акварели, смешением цветовых пятен. Это хорошо видно в пейзажах и в этюдах к библейскому циклу работ. «Библейские эскизы» А. А. – Иванова уникальное явление в русском искусстве. Они стали итогом сложных художественно-философских исканий художника в последнее десятилетие его жизни. Замысел был грандиозен: А. А. Иванов решил исполнить настенные росписи общественного здания, воссоздав в художественных образах изложенную в Библии историю человечества. Задумано было около 500 сюжетов, из которых художник успел выполнить более 200 эскизов. Поэтическим воображением художник проникает в суть событий, самый «дух» происходящего. Примером служит акварель «Фараон просит Моисея и Аарона вывести еврейский народ из Египта» 1840–1850 г.г. А. А. Иванов открыл для себя в акварели неисчерпаемые возможности. Органическое соединение живописного и графического начал позволило создать в эскизах необходимую меру условности для воплощения всего многообразия библейских сюжетов – исторических сцен, таинств и чудесных явлений. Шедевром цикла можно назвать акварель «Архангел Гавриил поражает Захарию немотой» 1840–1850 г.г. Художник дает полную свободу природным качествам акварели, учитывая ее прозрачность и возможность растекаться по увлажненному листу. Изучая акварель великого мастера по произведениям в музеях, книжным репродукциям, можно проанализировать метод его работы, кладку красок, пятна, света и теней, создающих основу пространственного построения листа. Первые прокладки цветом художник легко наносил серыми и голубоватыми красками, по принципу теплого и холодного тона, потом переходил от темных мест к светлым, в которых оставлял белую бумагу.
Так же, как и А. А. Иванов, К. П. Брюллов в основе своего творческого владения акварелью использовал разные методы. Один из них основывался на подмалевке, выполненным холодным цветом, который накладывался на хороший рисунок, с точной моделировкой формы. Далее художник как бы расцвечивал акварель при помощи охры. К. П. Брюллов в совершенстве владел и методом лессировок, постепенно наслаивая красочные слои по просохшей поверхности предыдущих. Работа лессировками начинается от светлых тонов и постепенно ведется в сторону более насыщенных темных цветовых тонов. В исполнении К. П. Брюллова лессировки выглядят живыми и не пересушенными.
Э. Делакруа в работе над этюдами акварелью отказывался от традиционных приемов письма. Он придумывал свои собственные приемы, наделяя акварель новаторским звучанием. Он считал, что «художник должен лепить краской, как лепит скульптор глиной» [2: с. 59].
Акварелью, считал художник, надо работать наверняка: исправления в ней невозможны. Э. Делакруа писал свободным цветовым пятном, большое внимание уделял композиции и колориту. Хорошо известен в художественном мире дневник Э. Делакруа, в котором художник иллюстрирует свои записи и впечатления от путешествий. Зарисовки природы, быта людей переходят в текст, а текст соприкасается с акварельными этюдами. Акварель дополняют штрихи пером, придавая ей неповторимое очарование ожившего текста.
Импрессионисты П. Синьяк и П. Сезанн считали, что акварель должна выполняться в один сеанс, вторичные поправки приносят в нее непрозрачность, сухость. Акварельный метод работы этих художников основывался на живописи яркими спектральными цветами, причем между акварельными мазками должна была оставаться белая бумага. Рисунок должен оставаться видимым для выразительности формы в пространстве.
Ярчайший представитель английской акварели У. Тернер в своем творчестве сочетает противоположные приемы письма. В совершенстве владея акварелью, он много экспериментировал с ней, снимал краску хлебным мякишем, использовал элементы монотипии, мел, воск, выскабливание. Акварели У. Тернера написаны широко, свободно, но вместе с тем отличаются подробной проработкой деталей. «Сохранилось свидетельство человека, присутствовавшего при написании акварели «Сцена на море». Сначала У. Тернер обильно смочил бумагу жидкой краской, а затем принял неистово тереть, скрести, царапать, превратив рисунок в настоящий хаос. Однако постепенно начало появляться изображение корабля со всеми мельчайшими подробностями, и через несколько часов акварель была полностью закончена» [6; с. 31].
Метод многослойной живописи акварелью – это живопись с общим, моделирующим предварительно прокладываемым тоном, подмалевком. Многослойной живописью акварелью пользовались такие мастера, как П. П. Чистяков, М.А. Врубель, И. Е. Репин, В. И. Суриков и многие другие художники.
М.А. Врубель начинал работу в строгой последовательности. Сначала он выполнял рисунок, причем прорисовывал все объемы и плоскости предметов. Затем прокладывал подмалевок слабо разведенным цветом, оставляя незакрашенными блики. Далее работа велась постепенно с чередованием темных и светлых мест, к незакрашенным плоскостям М. А. Врубель обращался позднее по мере высыхания бумаги. Постепенно получалось некоторое подобие очень красивой живописной мозаики. Используя акварельный метод М. А. Врубеля, можно научиться анализировать форму и пространство, разбирая предметы на многообразие цветов и форм. В учебной практике метод работы акварелью М. А. Врубеля очень полезен для детального разбора и осмысления натуры.
Важный вклад в развитие возможностей акварели внесли художники группы «Мир искусства». В произведениях художников «Мира искусства» акварель и графика соединяются. Живопись становится драгоценностью. Происходит активное смешение техник, акварель с гуашью, углем, пером и тушью, что дает огромный диапазон для самовыражения и развития художественно-творческих способностей, образного мышления. Цветовое богатство акварели, ее свойства взаимодействия с водой и поверхностью бумаги отвечают самым взыскательным художественным вкусам современных художников, которые, опираясь на традиционный опыт работы акварелью, пытаются раскрыть новые возможности акварельной живописи. Один из самых ярких акварелистов современности – А. В. Фонвизин.
Акварельный метод А. В. Фонвизина основывается на особой, свойственной только одному А. В. Фонвизину манере работать. Сын художника Сергей Фонвизин вспоминает: «Отец брал в руку сразу штук двадцать самых разных кистей и стремительно писал, выхватывая из горсти одну за другой. Архитектор Руднев, автор высотки МГУ, позируя ему для портрета, сравнивал его с оркестром: «Артур Фонвизин играет на своих кистях, как на инструментах» [5; с. 11].
А. В. Фонвизин начинал работу по сухому листу, нанося рисунок тоненькой кисточкой, что видно по незавершенным работам мастера. Определенное «фонвизинское» мерцание живописи достигалось путем наложения мазков, разной толщины в полную силу цвета, как того требовала натура. Художник смело справлялся с акварельными потеками, некоторые места прописывал вторично по уже просохшей бумаге. К бумаге относился с уважением, некоторые места в его работах оставались не закрашенными.
В современном акварельном искусстве стоит особую дань отдать акварельной живописи и исследованиям в области акварели замечательному художнику педагогу А. М. Михайлову. В своих работах он пользовался методом a la prima, по предварительно увлажненному листу бумаги. Работа велась быстро, без предварительного карандашного рисунка, глубокими и яркими цветовыми заливками. Главное в его акварелях – это передача первого наиболее яркого впечатления от натуры.
Одним из ярких современников является художник акварелист А. В. Кокорин. Его метод работы акварелью основывался на непосредственном общении с натурой. Он был против доработки по памяти этюда, начатого с натуры. Большое внимание уделял композиции, отдельно прорисовывая приглянувшийся сюжет в наброске. Работал щетинной кистью на тонких сортах бумаги. В работе совмещал два метода по сухому и по сырому листу, нередко дополнительно поверх акварели вводил трепетную линию туши. Необыкновенно хороши пленэрные акварели А. В. Кокорина, привезенные из поездок по Европе, а также этюды старинных русских городов.
А. Н. Самохвалов – один из замечательных мастеров советского изобразительного искусства, чье творчество сформировалось к началу 1930 гг. и уже тогда увенчалось рядом первоклассных произведений, отражающих пафос эпохи социализма. Советская и зарубежная критика говорила о художнике как о смелом новаторе. Глубокое чувство современности органично увязывалось в его творческом мировосприятии с вдумчивым освоением традиций прошлого. Монументальность часто сопутствует внешне статичному образу. Проявляется она в самых различных видах, благодаря атрибуту труда, непосредственно в интересующих нас акварелях «Метростроевка со сверлом», «Работница с напильником». Жизнеутверждающий подъем, бодрящая гармоническая слаженность, звучные композиционные и цветовые ритмы образов А. Н. Самохвалова делают их очень музыкальными. Причем в особом, специфическом плане. «Музыкальность – свойство редкое в изобразительном искусстве. Она была доступна лишь немногим из современных Самохвалову художникам: К. С. Петрову-Водкину, П. В. Кузнецову, Н. М. Чернышеву. Но если у Петрова-Водкина «музыка» симфоническая, у Кузнецова – инструментально-камерная, у Чернышева – песенная, то, вслушиваясь в звучание самохваловских образов, хочется сравнить их с молодой советской песней» [3; с. 30].
В акварели очень важна техническая сторона обучения, чтобы преподаватель мог взять кисть в руки и показать, как пишется работа. Личный пример так же важен в передаче опыта. Поэтому будущие педагоги изобразительного искусства должны стремиться освоить технику акварельной живописи. Плодотворным является рисунок без предварительной карандашной подготовки, сразу кистью, полезно выполнение быстрых набросков пером, фломастером. Импровизация рождает свободную непринужденную стилистику. Непринужденное и нетрадиционное использование разных материалов, знание их особенностей и поведения является профессиональной чертой, расширяющей творческий и технический диапазон студентов. «Техника, – говорил О. Роден, – только средство, но художник, пренебрегающий этим средством, никогда не разрешит своей задачи… он будет похож на наездника, позабывшего дать овса своей лошади» [1; с. 263]
Акварельное искусство имеет бесконечное многообразие методов работы, стилистических направлений. Она заключает в себе свойства законченного станкового произведения. Но вместе с тем акварель может быть и быстрым натурным этюдом. Акварель может находиться у самых истоков замысла творческого произведения. Она может быть результатом первых впечатлений и плодом кропотливого труда.
Изучение студентами технических особенностей работы акварелью, знакомство с приемами и методами работы акварелью мастеров изобразительного искусства, поможет в становлении собственного пути, в изучении традиций и применении новаторских экспериментов в своем творчестве, в поиске образности и индивидуальной художественной выразительности.
Литература
1. Беда Г. В. Основы изобразительной грамоты / Г. В. Беда. М.: Просвещение, 1969. 239 с.
2. Дневник Делакруа / Пер. Т. М. Пахомовой. М.: Искусство, 1950. 314 c.
3. Зингер Л. Александр Самохвалов / Л. Зингер. М.: Советский художник, 1982. 182 c.
4. Лемари Жан. Акварель / Жан Лемари Швейцария, IRL.: Лозанна, 1995. 140 с.
5. Лернер Л. В. Артур Фонвизин. Я пишу небо / Л .В. Лернер. М.: Элита — Дизайн, 2002. – 231 с.
6. Михайлов А. М. Искусство акварели / А. М. Михайлов. М.: Изобразительное искусство, 1995. 200 с.
7. Тернер У. Каталог выставки / Из собрания галереи Тейб Бриттен, Лондон. М.: Красная площадь, 2008. 210 с.: ил.
8. Тихомирова О. К. Психологические исследования творческой деятельности. / О. К. Тихомирова. М.: Наука, 1975. 253 с.: ил.
9. Шорохов Е. В. Композиция: Учебн. для студентов худож.-граф. фак. пед. ин-тов. 2-е изд., перераб. и доп. / Е. В. Шорохов. М.: Просвещение, 1986. – 207с.: ил.
10. Яшухин А. П. Живопись / А. П. Яшухин. М.: Просвещение, 1985. 288 с.: ил.
 

Современные художники акварель. Картины современных художников. Современные русские художники.

Художник-акварелист, Почётный член Международной Академии Современных искусств, 

член Профессионального Союза художников России.

Лауреат международного конкурса AEA-2017 (золотая медаль).

 

Родилась в 1962 году в Херсоне. В 1990 году с отличием окончила Центр подготовки художников-оформителей «Росмаркетинг» по специальности «Художник-оформитель в рекламе». Длительное время работала искусствоведом в Художественном Фонде СССР. Закончила Школу акварели Сергея Андрияки. (Преподаватель Каргина Алиса Игоревна).

Ирина Ломанова пишет в технике многослойной акварели. Живёт и работает в Подмосковье.

Участвовала в весенней выставке работ школы Сергея Андрияки, проходившей в Манеже, в Москве с 10 апреля по 9 мая 2011 года.

Участница IV Международной выставки-конкурса современного искусства в номинации «Классическая живопись. Натюрморты в классическом стиле.», проходившей с 4 по 11 июля 2012 года в рамках Санкт-Петербургской Недели искусств (Санкт-Петербург, Невский проспект, 60 ).

Участвовала в выставке Арт-Ростов 2014, проходившей с 22 по 28 апреля 2014 года в Ростове-на-Дону.

 

В сентябре 2012 года проходила персональная выставка художницы на арт-площадке «Станция» в Костроме.

С 21 февраля по 9 марта 2014 года во Владимире в Центре пропаганды изобразительного искусства прошла вторая персональная выставка Ирины Ломановой, посвящённая Международному женскому дню 8  марта.   

С 28 марта по 20 апреля 2014 года в Муниципальной художественной галерее города Костромы состоялась выставка произведений Ирины Ломановой, где было представлено 37 её работ — пейзажи и натюрморты. Это уже 3-я персональная выставка художницы.

 

Двадцатью работами И.В. Ломановой оформлен Центр Матери и Ребёнка в Костроме (ул. Свердлова, 12).

В конце апреля 2013 года Ирина Ломанова приняла активное участие в акции «Художники Москвы детям Костромы», подарив четыре своих акварели из серии «Жизнь игрушки» Первомайскому детскому дому-интернату, причём три из этих четырёх работ были написаны художницей специально для детского дома. 

В ноябре 2013 года Рыбинское издательство «Медиарост» http://www.mediarost.ru/  выпустило книгу «Традиции Ярославского Края. Дом и быт. Семейные обычаи» тиражом в 7000 экземпляров, где была репродуцирована работа Ирины «Натюрморт с бубликом». Книга богато иллюстрирована репродукциями таких знаменитых русских и советских художников как В. Тропинин, В.Стожаров, А.Пластов, Б.Кустодиев, Ф.Сычков, К.Маковский, А.Венецианов, Н.Богданов-Бельский, А.Корзухин и других.

 

В феврале 2014 немецкое издательство  Richard Verlag Fuert  выпустило книгу «Sprechende Aquarelle» (говорящие акварели), где собраны работы лучших современных художников, работающих в технике акварели. Книга издана на немецком языке тиражом 2500 экземпляров. Прошла презентация этой книги на международной Арт-Мессе в Карлсруэ в марте 2014 года, отдельные экземпляры были подарены Министерствам культуры Германских земель, Австрии и Швейцарии, а также ряду известных художественных галерей этих стран. В этой книге репродуцированы 4 работы Ирины Ломановой:  «Ветла на Оке» (2012), акварель, бумага, 31х44 см; «Зимнее утро» (2012), акварель, бумага, 44х56,5 см; «Весёлая компания» (2013), акварель, бумага, 40х48 см и «Натюрморт с бубликом» (2010,) акварель, бумага, 42х50 см. 

 

Работы Ирины Ломановой находятся в Фонде Областного Центра пропаганды изобразительного искусства Департамента по культуре Владимирской области, город Владимир, в Костромском Государственном историко-архитектурном и художественном музее-заповеднике, город Кострома, а также в частных коллекциях в России и в Чехии.

 

1 декабря 2017 года Ирина Ломанова получила золотую медаль международного конкурса Art Elitarch Awards 2017 за работу «Снежная зима». 

 Лауреат весеннего конкурса 2018 года «Искусство, совершенство, признание», награждена серебряной медалью за работу «Братцы-кролики». 

какие выставки можно увидеть онлайн / Новости города / Сайт Москвы

23 ноября, в Международный день акварели, портал «Музейная Москва онлайн» приглашает посетить виртуальные выставки живописных работ, выполненных в этой технике.

«На портале “Музейная Москва онлайн” сейчас доступно около трех тысяч экспонатов, которые знакомят посетителей с работами ярких и талантливых российских художников-акварелистов. В период пандемии ресурс позволяет изучать фонды музеев, находить что-то новое не выходя из дома», — рассказал Сергей Шакрыл, куратор ИТ-проектов в сфере культуры и бизнеса Департамента информационных технологий Москвы.

В каталоге можно увидеть экспонаты собрания Московского музея современного искусства — более 150 произведений, созданных и любителями, и профессиональными художниками (живописцем и скульптором Александром Родченко, художником-нонконформистом Марленом Шпиндлером и другими). Также там представлена серия акварельных зарисовок «За кулисами Большого театра» советской балерины Натальи Бессмертновой.

Школа акварели Сергея Андрияки предлагает к просмотру около 600 акварельных работ. Все желающие увидят в том числе выставку иллюстратора и графика Анатолия Иткина, одного из самых известных представителей школы Бориса Дехтерева. Акварелью Иткин писал пейзажи, натюрморты, а также создал иллюстрации к роману Марка Твена «Принц и нищий».

Музей В.А. Тропинина и московских художников его времени представляет около 30 картин, в числе которых портреты и пейзажи в исполнении отечественных художников XIX века, а Московская государственная картинная галерея Василия Нестеренко — 65 живописных работ, из них 11 написаны по церковным мотивам.

Помимо этого, в каталоге портала «Музейная Москва онлайн» есть образцы живописи, которые хранятся в Музее Москвы, Галерее Ильи Глазунова и Галерее Александра Шилова.

Проект «Музейная Москва онлайн» появился в 2018 году. Там хранятся фотографии и цифровые копии экспонатов из коллекций 42 музеев и галерей, снимки редких предметов из музейных коллекций и их описание. Также сюда регулярно добавляют информацию о новых выставках. Гости могут не только смотреть фотографии экспонатов, но и добавлять понравившиеся в собственные тематические альбомы. Всего на портале — 536 выставок музеев и снимки свыше 67 тысяч экспонатов. Только в этом году онлайн-каталог пополнился 428 выставками и более 30 тысячами экспонатов.

Столичные парки, библиотеки, культурные центры и другие учреждения регулярно предлагают москвичам различные онлайн-программы мероприятий. Например, Музей археологии Москвы запускает цикл онлайн-лекций «Занимательная археология», на которых будут рассказывать о раскопках и находках. Все лекции будут проходить на платформе Zoom.

Юные художники «Сириуса» сделали для себя открытие: акварель может быть сочной

На чистом белом листе бумаги постепенно появляются сочные яркие фрукты. За работой – преподаватель Школы акварели, член-корреспондент Академии художеств РФ Ольга Волокитина. Юные художники, окружившие её, с интересом наблюдают за работой мастера, слушают пояснения и сразу же пытаются применить полученные знания на практике. Пока ребята рисуют, педагог направляет их, даёт советы.

Шаг за шагом, принимая во внимание замечания мастера, юные художники познают новую для себя технику живописи. Многие ребята признаются: для них стало открытием, что акварель может быть яркой, насыщенной, а если надо – глухой, тёмной. В представлении большинства из них – работы, написанные акварелью, очень нежные, пастельные, полупрозрачные. Сергей Андрияка доказал, что это может быть не так.

Первооткрывателем техники он не является. Пространственные и объёмные акварельные картины писали ещё Михаил Врубель и Валентин Серов. Заслуга Сергея Андрияки состоит в том, что он возродил эту технику, обобщил имеющийся опыт, в том числе советской акварели, и представил новую трактовку в своих работах. Последователей и единомышленников у него нашлось немало.

«Сегодня в Школе акварели занимаются математики, хирурги, архитекторы. Ведь во многом искусство – это наука, но основанная на эмоциях. Мы чётко в акварели изначально сравниваем все цвета между собой. Мысленно надо оценить ту натуру, которая перед тобой, и высчитать, как ты поведёшь работу. Для многих такой подход – симбиоз эмоционального фона и логического расчета, в новинку», — рассказала Волокитина.

С удивлением ребята узнали, что художники XVIII-XIX веков начинали работу над портретами с головы и лишь затем дописывали остальное. Для воспитанников «Сириуса» также стало открытием, что большинство пейзажных работ создавались в студии по памяти (этому им только предстоит научиться в ходе запланированных пленэров). Откровением стало также то, что можно писать сначала предмет, потому что он главный в натюрморте, и только потом фон. Это кардинальное отличие школы Андрияки от других, где работу над картиной начинают с фона.

Всего под руководством педагогов в седьмой смене Образовательного центра «Сириус» занимаются 32 ребёнка. И это ребята, которые действительно хотят рисовать, постоянно работать. Ольга Волокитина призналась, что по просьбе воспитанников вечерами проводит для них дополнительные занятия.

Смотреть фотографии мастер-класса.

11 советских художников, которых вы должны знать

Союз Советских Социалистических Республик, известный как СССР или Советский Союз, был государством, существовавшим с 1922 по 1991 год. В его состав входили такие страны, как современная Россия, Украина и Латвия. В первые годы существования СССР культура была ключевой частью повестки дня правительства. Художники экспериментировали с техниками и стилями, создавая произведения искусства, которые были синонимом государства. Вот 11 советских художников, которых вы должны знать.

Казимир Малевич, Супрематизм, 1916, Художественный музей, Краснодар | © WikiCommons

Александр Дейнека родился в Курске и начал свою творческую карьеру в качестве фотографа уголовного розыска. Он пошел в армию и был направлен учиться в Харьковское художественное училище и во ВХУТЕМАС. Эти годы формирования сформировали его творческий стиль, и впоследствии он стал известным советским живописцем, графиком и скульптором. Он стал ключевой фигурой модернистского образного стиля в России, с его ранними монохромными работами, поскольку художественные принадлежности было трудно найти. Ключевые работы включают Фермер на велосипеде (1935), , получившую высокую оценку за свой стиль соцреализма. В его работах часто изображены сцены труда или спорта, в то время как его более поздние произведения включают более монументальные картины, такие как «Оборона Петрограда» (1928).Он также работал с мозаикой, некоторые из которых до сих пор являются визитной карточкой станции метро «Маяковская» в Москве. Дейнека также был одним из основателей арт-групп «ОСТ» и «Октябрь».

Изучая живопись и архитектуру, Александр Герасимов был выдающимся художником, архитектором и театральным дизайнером в России. Учился у Абрама Архипова и Константина Коровина. Вернувшись с фронта во время Первой мировой войны, в 1918 году Александр основал Коммуну художников Козлова. С 1918 по 1925 годы художники жили здесь, в Тамбовской губернии.После этого он вернулся в Москву, где стал членом Союза художников революционной России. Именно в это время его стиль резко изменился. Пейзажи в стиле импрессионизма он больше не писал; вместо этого он принял стиль соцреализма. Тем самым он стал любимым художником Иосифа Сталина. Это обеспечило ему статус художника, и он стал председателем Союза художников, а затем президентом Академии художеств СССР. За свою карьеру он четыре раза становился лауреатом Сталинской премии.

Самохвалов Александр Николаевич, Кафе в Гурзуфе, 1956 | © Иванов С. В. / WikiCommons

Живописец, акварелист и иллюстратор Александр Николаевич Самохвалов был одним из ведущих членов Ленинградского отделения Союза художников Российской Федерации. Александра Николаевича Самохвалова, живущего и работающего в городе, нередко считают одним из главных деятелей ленинградской школы живописи. Известный своим жанровым и портретным творчеством, художник оттачивал свои таланты у Кузьмы Петрова-Водкина, который оказал влияние на его художественные замыслы и сочетание формы и цвета.Его поездка в Самарканд в 1921 году стала поворотным моментом в его карьере и, как полагают, значительно повлияла на его стиль в последующие годы. Спустя пять лет он участвовал в реставрации Георгиевского собора в Старой Ладоге. Именно здесь он соприкоснулся с традиционными формами русской живописи, которые также повлияли на его собственный стиль. У него был широкий творческий потенциал, от книжной графики до монументальных картин и новаторских скульптур. Известны работы Сергея Кирова «Парад спортсменов» (1935) и «Явление Владимира Ленина на Всероссийском съезде Советов» (1939).

Эль Лисицкий, Красным клином бей белых, 1919 | © WikiCommons

Лазарь Маркович Лиззицкий, более известный как Эль Лизицкий, был не только художником во время советского режима, но и дизайнером, фотографом, архитектором и полемистом. Он является заметной фигурой русского авангарда и создал новаторские пропагандистские работы для Сталина. Под влиянием Казимира Малевича, который был его наставником, его собственные работы продолжали оказывать влияние на Баухауз и конструктивистское движение.Многое в графическом дизайне 20-го века можно связать с инновациями Лизицки в области динамических композиций и использования цвета. Он начал свою творческую карьеру в качестве иллюстратора детских рассказов на идиш, благодаря своему еврейскому происхождению. Он стал учителем в 15 лет, и этому призванию он придерживался большую часть своей жизни. Его художественные творения включали выставочные экспозиции и пропагандистские плакаты, в первую очередь «Победите белых красным клином» (1919). Ключевым элементом работ Лизицкого было то, что они были созданы для продвижения социальных и революционных изменений.Он стал послом культуры России в Веймарской Германии в 1920-х годах. Он оставил после себя уникальную типографику и дизайнерские работы, которые по сей день остаются влиятельными и провокационными.

Густавс Ключис, Строительство, 1921 г., 49,3 x 62,7 мм, Латвийский национальный художественный музей | © Google Cultural Institute / WikiCommons

Густав Клуцис родился в Латвии и был одним из выдающихся фотографов периода прихода к власти Сталина. Он известен созданием некоторых из самых известных сталинских пропагандистских работ с использованием фотомонтажа, над которым он часто сотрудничал со своей женой Валентиной Кулагиной.Клуцис часто ассоциируется с конструктивизмом и русским авангардом. Он начал свое художественное образование в Риге, Латвия, прежде чем был призван в русскую армию в 1915 году. В 1917 году он отправился в Москву, где изучал искусство у Казимира Малевича и Антуана Певзнера. Окончив государственное художественное училище ВХУТЕМАС, он вернулся сюда профессором теории цвета. Однако, несмотря на то, что Клуцис создавал произведения искусства для советского режима, он был арестован в Москве, когда готовился к отъезду на Всемирную выставку в Нью-Йорке в 1938 году. Больше его никогда не видели, и считается, что он был казнен.

Казимир Малевич родился в Киеве. Большую часть своего становления провел в отдаленной Украине и часто переезжал. Изолированный от культуры Малевич впитал в себя традиции сельской жизни, которые, как говорят, оставались с ним на протяжении всей его жизни. После смерти отца в 1904 году он переехал в Москву, где учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества. Он был современником Владимира Татлина, часто выставлялся с ним на выставках.Поворотным моментом в его стиле стало открытие в 1913 году в Москве большой выставки произведений Аристарха Лентулова. Говорят, что это открыло разум Малевича кубистским формам и принципам, которые он начал включать в свои работы. Главный вклад Малевича в историю искусства пришелся на 1915 год, когда он написал манифест « От кубизма к супрематизму». Супрематизм стал его фирменным стилем и оказал огромное влияние на грядущие поколения художников. Среди известных супрематических работ художника — Черный квадрат (1915) и Белое на белом (1918). Хотя его работы изначально хвалились правительством России, после прихода к власти Сталина его искусство было признано «буржуазным», и ему было запрещено создавать произведения искусства и участвовать в выставках.

Константин Юон — московский художник и дизайнер, известный своими пейзажными работами. Учился в Московском училище живописи, ваяния и зодчества, а затем в мастерской Серова. После образования Юон провел несколько лет, путешествуя по Европе, восхищаясь художественными стилями и творениями, которые он видел.Его особенно любили импрессионисты за их исследование света и цвета. Считается, что эти подходы и стили он включил в свои пейзажные работы. Тем не менее, его более поздние работы демонстрируют более стиль соцреализма, поскольку он включил в свои картины больше крестьян и сельских фигур. У него был впечатляющий художественный результат: от декораций и костюмов для парижской постановки Дягилева «Борис Годунов» в 1912 году до участия в выставке «Мир искусства». Он также был членом Союза художников России и Союза художников революционной России.

Придя к живописи в возрасте четырех лет, Леонид Стил стал одним из ведущих художников в стиле советского социалистического реализма. Его участие во Всемирной художественной выставке на Всемирной выставке в Нью-Йорке в 1939 году сделало его имя нарицательным. Во время службы в Сибири он начал писать на пленэре вместе с Евгением Кудрявцевым, который тогда был директором Государственной Третьяковской галереи. В 1953 году он увидит свои собственные работы, выставленные в этой галерее. Он также получил большее признание, когда его дипломная картина На защите мира (1953) была выставлена ​​в Казанском соборе Ленинграда.Его тиражировали по всему СССР и за рубежом. Его картины, член Союза художников СССР, узнаваемы по многофигуративным композициям, выполненным в слегка импрессионистическом стиле. За свою жизнь он участвовал в 80 выставках. Леонид умер в прошлом году в Лос-Анджелесе, штат Калифорния.

Марк Шагал, Окна панорамы Америки, 1977, Институт искусств Чикаго | © Craft Scotland / Flickr

Марк Шагал родился в Витебске и известен своими крупномасштабными заказами, такими как окна для синагоги Медицинского центра Университета Хадасса в Иерусалиме, потолок Парижской оперы, окно для здания Организации Объединенных Наций в Нью-Йорке , и фрески для Метрополитен-опера. Шагал учился в Императорском обществе охраны искусств в Санкт-Петербурге. Он переехал в Париж в 1910 году и был воплощен стилями кубизма и фовизма, которые были популярны там в то время. Его работы были выставлены в Салоне Независимых и Осеннем салоне в 1912 году. Он вернулся в Россию в 1914 году, но из-за начала войны ему пришлось оставаться там на некоторое время. Поселившись в своем родном городе Витебске, Шагал основал Витебское народное художественное училище и в 1918 году был назначен наркомом искусств.После войны Шагал путешествовал по Европе и за ее пределами. Во время Второй мировой войны Шагал бежал в США. Ретроспектива его работ прошла в Музее современного искусства в Нью-Йорке в 1946 году.

Сергей Васильевич Герасимов, Мать партизана, 1943 | © WikiCommons

Картины московского художника Сергея Васильевича Герасимова славились сплавом русского и других европейских стилей модерна. Ученик Константина Коровина, ранние работы Герасимова были в основном акварельными, которые хвалили за виртуозное техническое мастерство. Он учился в государственной художественной школе ВХУТЕМАС в 1920-1930-х годах и начал создавать плакаты и другие работы для советского правительства. Несмотря на создание произведений в коммунистическом стиле, он был известен как либеральный мыслитель. Он также был участником групп «Маковец» и когда-то был директором Союза художников России; однако он был понижен в должности в пользу Александра Герасимова, его артистического и однофамильского заклятого врага. После смерти Сталина он был восстановлен в должности директора. Его самые известные и мастерские работы связаны с его пребыванием в городе Самарканд, многие из которых сегодня выставлены в Третьяковской галерее в Москве.

Владимир Татлин, Памятник Третьему Интернационалу, 1919 | © WikiCommons

Возможно, один из самых известных советских архитекторов начала 20 века, Владимир Татлин был плодовитой фигурой русского авангарда. Связанный с модернистским и конструктивистским искусством, его знаменитый проект «Памятник Третьему Интернационалу» (1919) поместил его на карту истории искусства. Хотя он так и не был построен, он стал символом русского модернизма и передового дизайна. Под влиянием кубистских коллажей Пикассо и русского футуризма Татлин создал свой собственный творческий язык, воплотив его в творческих произведениях из стекла, металла и дерева.Живопись не касалась его. Искусство должно было иметь более практическую цель и представлять идеальные ценности. Ранняя жизнь Татлина была наполнена путешествиями, так как он ушел из дома, чтобы работать курсантом морского торгового флота. Первоначально он учился на русского иконописца, но после получения образования в Московском училище живописи, ваяния и зодчества и Пензенском художественном училище Татлин начал создавать свои неутилитарные скульптуры, которые стали синонимами его имени.

10 советских художников, о которых нужно знать

Искусство в Советском Союзе было больше, чем просто скульптуры сильных, здоровых солдат и крестьян.Мы исследуем десять величайших художников Советского Союза, их работы охватывают соцреализм, русский авангард и сюрреализм. Искусство отражает разнообразный характер страны, состоящей из стольких наций, и хотя некоторые следовали политическим нормам, некоторые вышли сами.

Советская марка, посвященная Александру Герасимову | © Андрей Сдобников / WikimediaCommons

Истинный поборник социалистического реализма, Александр Михайлович Герасимов был ведущим художником Советского Союза с момента его создания в 1922 году до своей смерти в 1963 году.В рамках соцреализма его особенным фаворитом был героический реализм, который он использовал в портретах всех важных советских лидеров. Его не всегда уважали в остальном мире искусства из-за его политики: он был большим сторонником Сталина, даже в самые тяжелые годы сталинской эпохи. В 1941 году он получил Сталинскую премию, высшую награду страны. Тем не менее, ему удалось создать большой объем работ, выходящий за рамки его серии официальных портретов политиков.

Патык, который впоследствии стал лауреатом премии Народного артиста Украины и Премии Тараса Шевченко за заслуги перед украинским народом после падения Советского Союза, создал прекрасные работы, полные нежных красок и жизни, которые не совсем соответствовали друг другу. с партийной позицией.Патык был пейзажистом, который путешествовал по Украине и Советскому Союзу, запечатлевая красоту земли и простоту жилищ людей. Его картины напоминают импрессионизм 19 ^– годов, исследуя модернизм и авангардизм, и не одобрялись властями. Теперь его картины представляют собой потрясающее напоминание о том, как когда-то выглядела жизнь — и как в некоторых местах она выглядит до сих пор.

«Женщина и птица» | © Jüri Arrak / Eesti Ekspress

Выдающийся эстонский художник, который часто шел против искусства в целом, Юри Аррак по-прежнему активен даже после аварии в 2014 году.Его работы, которые не могут быть включены в одно художественное направление, охватывают десятилетия советской и постсоветской истории, часто выражают элементы сюрреализма, что было одним из его способов справиться с деспотической природой советского режима. Его первые выставки состоялись в 1964 году, после чего он быстро продвинулся в мире эстонских художников. В его картинах странные, красочные персонажи оживают и совершают человеческие поступки, некоторые гротескные, некоторые красивые.

Родом из обширной, но малонаселенной страны Казахстана, Кастеев получил множество наград за службу Советскому Союзу даже на высшем уровне.Он был чрезвычайно плодовитым, нарисовал более тысячи акварелей и работ маслом, и Государственный музей изобразительных искусств в Казахстане теперь носит его имя. Его работы, которые в значительной степени придерживаются царства реализма, обычно изображают сцены из жизни казахов, часто включая людей верхом на лошади на огромных равнинах или пустынях, составляющих большую часть страны. Несмотря на то, что Казахстан теперь использовал свои нефтяные деньги, чтобы построить несколько блестящих городов, все еще вполне возможно выйти в сельские районы и увидеть проблески жизни, запечатленной Кастеевым.

Нукусский музей | © ChanOJ / WikimediaCommons

Выдающийся советский художник-авангардист, его служение движению в целом и бывшей советской республике, а ныне суверенному государству Узбекистан намного превосходит его творчество. Правительство не относилось к авангарду с любовью, поэтому художников в основном не допускали. Савицкий, который в 1950 году начал собирать предметы народного искусства и артефактов в бедном узбекском регионе Каракалпакстан, начал собирать работы современных художников Средней Азии, а затем и других художников советского авангарда в своем музее в Нукусе, столице Каракалпакстана. .Коллекция, которая как никто другой демонстрирует подпольное движение советского авангарда, также принесла искусство и культуру в часто неблагополучный регион, а Нукусский музей Савицкого признан одним из лучших во всем регионе.

Тебе, человечество! по Салахову | © Х. Мирзоев, Azermarka / WikimediaCommons

Салахов — самый заслуженный советский художник из Азербайджана, маленькой тюркской страны в Кавказском регионе. Он начал рисовать в 1950-х годах, используя суровый стиль, который был направлен против позолоченного взгляда на реальность, предлагаемого социалистическим реализмом, показывая жизнь такой, какой она была на самом деле.Несмотря на то, что он отказался идеализировать жизнь в Советском Союзе, на протяжении всей своей карьеры он все равно получал множество наград, в том числе звания Народного артиста СССР и Героя Социалистического Труда, а также был первым секретарем Союза художников СССР с 1973 года до распада страны в 1991 году. Его искусство сейчас можно найти в столице Азербайджана Баку и по всему бывшему Советскому Союзу.

Белютин, испытавший сильное влияние русского авангарда и художников-абстракционистов с Запада, основал собственную художественную академию под названием «Новая реальность».Его Новая Реальность, далекая от отражения жизни в традиционном стиле, была склонна к абстрактным формам и ярким цветам, которые представляли реальность совершенно иначе. В 1962 году в Москве прошла выставка Белютина и его учеников, но Никита Хрущев, генеральный секретарь Коммунистической партии в то время, осудил ее. Это ознаменовало окончание недолгого периода политической либерализации в Советском Союзе. В настоящее время работы Белютина выставлены в музеях по всему миру.

Великолепная работа Ахвледиани еще более примечательна, если учесть то впечатление, которое она могла произвести в очень патриархальном грузинском обществе. Она родилась в городке в бедном восточном регионе страны, всю жизнь рисовала грузинские города и создавала театральные декорации. Также очень популярны были ее работы, изображающие сцены из известных произведений грузинской литературы, таких как Илья Чавчавадзе и Важа-Пшавела. Работы Ахвледиани берут и без того потрясающий грузинский пейзаж и насыщают его цветом, позволяя представить, что он действительно так выглядел.Грузия — это, скорее, страна, застрявшая во времени, поэтому изображения городов покажутся жутко знакомыми любому, кто хоть раз бывал там, даже в 21 ^— годах.

Самый выдающийся советский художник Кыргызстана, Чуйков старался всегда оставаться в рамках строгих, неписаных правил, которые страна установила для своих творческих личностей. Его картина, изображающая советскую киргизскую девушку, идущую по равнине с тетрадью и красной банданой, «Дочь советской Киргизии» стала национальным символом и даже символом прогресса страны в целом.Его картины также демонстрируют фантастические природные пейзажи Кыргызстана и сочетают народную культуру с советским прогрессом. В настоящее время этот прогресс зашел даже дальше, чем он мог представить — группа художников нарисовала на стене школы фреску с изображением молодой киргизской девушки с iPad и белыми наушниками Apple.

Туркменистан, который до сих пор остается одной из самых закрытых и сельских стран в мире, хорошо представлен таким художником, как Дурды Байрамов.Байрамов родился в 1938 году и вырос в детском доме, потеряв обоих родителей в очень молодом возрасте. Он все еще учился изобразительному искусству в Туркменском государственном художественном училище, а затем в Московском государственном художественном университете. Его портреты, выполненные в свободном реалистическом стиле, принесли ему наибольшее признание, но он также занимается натюрмортами и пейзажами. Он был удостоен множества наград как в советский период, так и во время независимости Туркменистана.

Не просто пропаганда: новый взгляд на советских художников

ST.САНКТ-ПЕТЕРБУРГ, Россия — Фигуры смело смотрят с холста, источая молодость и здоровье. Спортсмены побеждают своих соперников, фабричные рабочие гордо стремятся к совершенству, а солдаты идут на войну, уверенные в победе.

На выставке «Дейнека / Самохвалов» в Центральном выставочном зале «Манеж» бок о бок выставлены работы двух выдающихся художников советской эпохи — Александра Дейнеки и Александра Самохвалова. Выставка, которая продлится до 19 января, демонстрирует их частично совпадающие взгляды на преуспевающую, гармоничную U.С.С.Р., предлагая свежий взгляд на диктат и проповеди того периода, а также на мастерство и навыки художников, которые часто игнорировались как инструменты пропаганды.

«Нам нужно проанализировать и по-новому взглянуть на то время, — сказал куратор выставки Семен Михайловский.

«Мы боролись с прошлым, критиковали то, как оно изображало наше общество, указывали на то, что это было ужасное время лагерей, смертей и страданий», — добавил г-н Михайловский. «Другие говорят, что оглядываться на это — ностальгия, что мы хотели бы быть большими и сильными, как в советском мифе.Но глазами этих художников мы показываем нашу историю. На это важно смотреть ».

Дейнека и Самохвалов родились в провинциальных русских городах в 1890-х годах и переехали изучать искусство в основные города страны: Дейнека в Москве, Самохвалов в Санкт-Петербурге. Хотя они встречались в разные моменты — особенно на Всемирной выставке в Париже в 1937 году, где оба были представлены в советском павильоне, — они никогда не были близки.

Параллели в их предмете отражают доминирующее влияние государства, при этом оба человека исследуют темы социальных преобразований, самопожертвования войны, силы тела в строительстве и спорте, а также героизма нового поколение.

Г-н Михайловский сказал, что он не считает ни одного художника чистым образцом социалистического реализма, идеализированного стиля, навязанного художникам Сталиным после смерти Ленина в 1924 году, который требовал позитивного изображения советской жизни. «Их работа не всегда оптимистична, хотя многие из них можно назвать пропагандистским искусством», — сказал он. «Это более противоречиво и сложно. Многие из этих картин содержат аллегории и комментарии, которые касаются не только того, что изображено на поверхности ».

В недавнем разговоре по Skype г-н.Михайловский обсудил несколько своих любимых произведений из «Дейнеки / Самохвалова».

---

«Оборона Петрограда»

В одном из самых известных произведений Дейнеки «Оборона Петрограда» показан эпизод 1919 года, во время гражданской войны, разразившейся после двух революций 1917 года между Красной Армией, борется за большевистский социализм и противостоящую Белую армию.

«Картина состоит из двух частей, — сказал г-н Михайловский. «На нижнем уровне они идут на войну; на верхний уровень они возвращаются.Удивительны ритмы движений, которые Дейнека вводит в картину. Уходящие мужчины шагают, целеустремленно; те, кто возвращается, останавливаются. Это трагическая история, и для меня это не позитивная картина, а трагедия ».

Он указал на графическое качество и геометрическую композицию картины с ее вертикальными телами, угловатыми винтовками и горизонтальными промышленными структурами: «Эти мужчины и женщины захвачены механизмом войны, и мы чувствуем драму, борьбу, борьба.

---

В картине «Текстильщики», написанной в 1927 году, Дейнека сочетает модернистскую эстетику и советскую идеологию с тремя фабричными рабочими в виде сильфидных революционеров в белых одеждах среди абстрактных машин.

«Мы видим их почти как манекенщиц, что странно», — сказал г-н Михайловский. «Не уверена, что текстильщики были такими гламурными! Дейнека хотел показать связь между этими девушками и красивой одеждой, которую производят фабрики ».

«Конечно, это очень нереально», — добавил он.«Оборудование совсем не реалистично, все дело в формах и ритмах композиции, с очень красивой монохромной цветовой схемой, связанной с ар-деко. В то же время на нас никто не смотрит; они смотрят в сторону. Это загадочно, загадочно ».

---

«Встреча женщин»

На этой картине Дейнеки 1937 года изображена группа элегантных молодых женщин, присутствующих на конференции в большом зале. «В этой картине чувствуется стремление к красоте, — сказал г-н Михайловский.«Это люди из будущего, но архитектура также предполагает прошлое. Это новая элита в красивой одежде, обитающая в красивом месте ».

«Вы видите, каким фантастическим рисовальщиком он был, если взглянуть на детали одежды и прически», — добавил он, отметив, что одна из фигур в центральной группе одета более консервативно, в длинной юбке и головном платке. — «возможно, крестьянин, ставший хозяином».

Г-н Михайловский сказал, что Дейнека может предполагать, что женщины встречаются, чтобы обсудить будущее, и, соответственно, что женщины могут быть главными движущими силами общества. «Там могут быть текстильщики, которых мы видели на другой картине», — сказал он. В то же время, добавил он, вы должны помнить, что это было написано в 1937 году, в разгар Великой чистки диссидентов, «когда массово убивали людей. Что с этим делать? »

---

«Танк»

И Дейнека, и Самохвалов нашли работу, иллюстрирующую детские книги, — нишу, которая давала определенную свободу от советских ограничений, сказал г-н Михайловский.

«Танк» Дейнеки — одна из таких иллюстраций из сборника рисунков 1930 года «Парад Красной Армии.На нем изображен солдат, идущий от огромного танка, который, похоже, готов его проглотить. Или нет?

«Это отсутствие реализма допустимо, потому что это было для детей», — сказал г-н Михайловский. «Танк явно негабаритный, почти как животное после солдата. Но вы также можете прочитать это по-другому. Возможно, человек ведет машину, несмотря на ее размер, а огромное существо следует за ним ».

---

«Сергей Киров дает оценку атлетическому параду»

Киров был видным политиком и близким другом Сталина, убитого в 1934 году. Хотя Сталин почти наверняка стоял за его смертью, это убийство было использовано как предлог для чистки тех, кто считался враждебным Коммунистической партии.

Когда Самохвалов писал это в 1935 году, Киров по-прежнему был официально героем, и на огромном полотне показано, как он получает цветы во время парада перед Зимним дворцом в Санкт-Петербурге, предложенного тремя фигурами, которые танцуют, как три музы Аполлона под ним. .

На фасаде дворца мы видим огромный портрет Ленина; Мистер.Михайловский сказал, что Самохвалов изначально рисовал Сталина, но изменил его после смерти диктатора в 1953 году. Г-н Михайловский указал на почти итальянское использование мягких терракотовых цветов и преобладание белого цвета — символ чистоты — в параде молодежи.

«Но лица странные, как у роботов», — сказал он. «Они не настоящие, это не плоть и кровь. Они почти как новый вид, новое поколение гибридов. Их рты открыты, они хотят что-то сказать, но не могут — они стали роботами без собственной воли. »

---

« Портрет Екатерины Самохваловой »

На этом портрете первой жены Самохвалова видно, что она внимательно слушает — рука у уха, рот приоткрыт, лицо слегка тревожное.

«Мы видим здесь Самохвалова в другой форме», — сказал г-н Михайловский. «Более интимный, но и более вечный образ. Платье и красный платок связывают ее с 1930-ми годами, но глаза напоминают мне русских икон, смотрящих прямо на нас ».

Самохвалов был более лиричным художником, чем Дейнека, г.Михайловский добавил: «Очень по-русски, и в этом портрете мы видим этот лиризм и сентиментальность. Она хочет услышать будущее; она пытается услышать что-то из космоса ».

---

«Советский партийный студент»

Это небольшое полотно, написанное Самохваловым в 1931 году, было показано на Венецианской биеннале в 1934 году. Сейчас для нас удивительно, — сказал г-н Михайловский, — что советский режим позволял многие из его художники, в том числе Дейнека и Самохвалов, путешествуют и представляют Советский Союз на различных международных фестивалях искусства. (Дейнека даже ездил в Соединенные Штаты в середине 1930-х годов.)

«Они представляли систему за границей, — сказал г-н Михайловский. «И государство заработало деньги на продаже их работ, что, вероятно, является одной из причин, по которым они это разрешили».

На этой картине огромная фигура ученика заполняет холст. «Самохвалов срезает край фигуры, так что вы не знаете, куда идет его рука или плечо», — сказал г-н Михайловский. «Фигура в некотором роде слишком велика, что интригует, а его лицо типично русское, с высокими скулами и раскосыми глазами, предполагающими монгольский или азиатский взгляд.Вы не знаете, о чем думает этот человек, и все же он каким-то образом сосредоточен на вас, даже своими маленькими глазками.

Цифра, по словам г-на Михайловского, вероятно, была предназначена для обозначения общности и силы характера: «Речь идет о мужчинах и женщинах, работающих на будущее».

«Не думаю, что это пропаганда», — добавил он. «Это картина того времени».

Дейнека / Самохвалов
До 19 января в Центральном выставочном зале «Манеж» в Санкт-Петербурге, Россия; манеж.spb.ru.

Советское искусство, культура СССР

Образ Сталина в советском искусстве. Федор Шурпин. Утро нашей страны. 1946-1948 гг. Государственная Третьяковская галерея

Изображать лидера — не значит видеть лидера. Его жизнь окутана мифологией. Образ Сталина в советском искусстве — это произведение искусства, а не документальное подтверждение. «Нет искусства ради искусства, не может быть никаких« свободных », независимых от общества, как бы стоящих над этим обществом художников… Они просто никому не нужны.Да, эти люди существовать не могут ». Это цитата из выступления Сталина на встрече с творческой интеллигенцией в 1946 году. Тема, достойная советского студента начала 1950-х годов — «Образ Сталина в советском искусстве». Сразу вспоминается культовая картина Федора Шурпина «Утро нашей Родины», где на фоне бескрайнего голубого неба и полей стоит народный отец с десятками случайных тракторов. Он — покоритель космоса. Более того, его создатель, уставший от шинели на правой руке по доброму делу, подобный Создателю в «шестой день»: «Это было неплохо.»

Сталин — знамя наших побед

То, что сталинская иконография сакральна, демонстрирует другой пример. В 1937 году в Третьяковской галерее открылась выставка, посвященная 20-летию революции. Понятно, кто был главным героем. Оригинальные работы участвовавших в нем советских художников были переведены на печать фотографий, отправленных в провинциальные музеи, а одновременно с Москвой открылись выставки по всей России. Но каждая типографская копия, заверенная в Москве, придавала ей статус оригинала.

Трудно отличить «руку» Василия Ефанова от «кисти» Александра Герасимова. Узнаваем, пожалуй, Дмитрия Налбандяна, Валерия Барыкина — пастообразных, ярких, сочных. Но были еще Павел Судаков, Василий Сварог, Александр Бубнов. Знаменитые Исаак Бродский и Федор Решетников. Но были и забытые мастера, рисовавшие вождя. Такие же забытые, как и имена русских иконописцев, кроме Рублева и Дионисия.

Великий русский мистик-гвардеец Павел Филонов в 1936 году написал портрет Сталина, видимо, — реалистичный, но полный внутренней энергии.О персонаже можно сказать: «Он — от него исходит святое сияние». Филонов, используя свой метод «аналитического искусства», реалистично нарисовал внутренний образ сталинского титана, сталинского героя. Но Филонов остался изгоем соцреализма.

Георгий Рублев, вполне ортодоксальный коммунист-монументалист, написал «Сталина в кресле» в духе своего любимого Матисса. Художника обвинили в формализме.

Образ Сталина в советском искусстве

Федор Решетников (1906–1988).Генералиссимус Сталин. 1948

Исаак Бродский. Портрет Сталина. 1928

Александр Лактионов (1910-1972). Выступление товарища Сталина 7 ноября 1941 года. 1942 г.

Федор Модоров (1890-1967). Доклад Сталина на XVIII съезде

Семен Аладжалов (1902-1987). Сталин с сыном Василием

Виктор Орешников. (1904 — 1987). Портрет Иосифа Сталина. 1948

Павел Филонов. Портрет Сталина. 1936

Георгий Рублев. Портрет Сталина.1936

Александр Герасимов (1881-1963). Сталин и Ворошилов в Кремле. 1938

Александр Бубнов (1908-1964). Портрет Иосифа Сталина. 1949

Александр Левитан (1913-1949). Портрет Иосифа Сталина

Александр Герасимов (1881-1963). Портрет Иосифа Сталина

Константин Китайка (1914-1962). Сталин на авиасалоне. 1949

Павел Малков (1900-1953). Тост за русский народ 24 мая 1945 года. 1949

Василий Ефанов (1900 — 1978).Сталин и Молотов с детьми. 1947

Константин Китайка (1914-1962). Сталин на авиасалоне. 1949

1948 г. портрет Сталина. Борис Карпов (1896-1968)

Председатель Государственного Комитета Обороны, Народный Комиссар Обороны СССР товарищ И.В. Сталин, 1942 г. (плакат) Бориса Карпова (1896-1968)

Портрет Иосифа Сталина. Борис Карпов (1896-1968)

Николай Филиппов (р. 1940). Портрет Сталина.

русских картин и известных русских художников

Политика, религия и искусство всегда были тесно связаны с Россией, а ранее с Советским Союзом.Правящие силы временами диктовали стиль искусства, которому следует обучать и поощрять, но, несмотря на это, в этом огромном регионе процветает творчество.

В конце 17 века царь Петр Великий попросил всех русских художников следовать стилям, близким к западному искусству, как часть желания объединить две культуры. Из движений, появившихся в последующие столетия, вы увидите, что эта попытка была успешной, но все же было много тех, кто предпочитал и дальше сохранять уникальность своей нации в своих собственных работах и ​​избегать простого копирования иностранных художников.Раньше по просьбе царя большая часть местных произведений была посвящена религиозной тематике, поэтому в то время эти темы преобладали в российском обществе. «Передвижники» положили начало отходу от академического и неоклассического искусства, которое ранее поощрялось правящей властью. В эту группу входили Иван Шишкин и Илья Репин, которые использовали свои методы, связанные с реализмом, для изображения местных сцен вокруг самой России. В этот момент было ясно, что самовыражение возвращается и что будущее для творчества этого региона выглядит намного ярче.

Когда мы вступили в ХХ век, в истории России был невероятно бурный период, который характеризовался массовой политической нестабильностью, включая насильственную русскую революцию 1917 года, когда российское имперское правление было свергнуто большевиками во главе с Владимиром Лениным, который затем приступил к формированию Советский Союз и правление через Коммунистическую партию. Эти события, казалось, вынудили русское искусство двигаться в новом направлении, дав нам свободную коллекцию новых идей, которая в совокупности известна как русский авангард. Они в целом соответствовали модернистским идеалам во всем мире в то время, но, как вы увидите, внесли ряд революционных нововведений, несмотря на ограниченные обстоятельства того времени. Вот тут-то и вступает в игру Василий Кандинский, а также такие, как Марк Шагал, сам из региона современной Беларуси.

Тогда было собрание художников, которые сформировали русское направление футуристического движения, которое само уже охватило большую часть Западной Европы.Александр Родченко и Наталья Гончарова были ключевыми фигурами, причастными к этому, с некоторым сходством с элементами кубизма. Из этого произошел конструктивизм, который был успешным ответвлением, поскольку новые идеи продолжали возникать в суматохе этой великой нации. Супрематизм был еще одним связанным движением, в котором играл Казимир Малевич в главной роли и предполагал преобразование абстракции в настолько простую форму, которую можно было вообразить. Как известно, он создавал белые квадраты на белом фоне, отдельные квадраты и круги в качестве основного элемента композиции в движении к чистейшей форме современного искусства.

Галереи и музеи русского искусства

Пропагандистское искусство

Известные русские художники

Международные художники

Те, кто проявляет разнообразный интерес к искусству, несомненно, будут смотреть не только на представленных здесь великих советских художников, и им будет интересно увидеть эти другие коллекции французских художников, итальянских художников и британских художников. Многие из движений, упомянутых на этой странице, также были обнаружены в других частях континента, некоторые из которых даже зародились именно там. Вам также могут понравиться самые известные немецкие художники, некоторые из которых изначально имели корни в самих России. Эти ресурсы охватывают огромное количество значительных художников, хотя некоторые из них все еще остаются из других территорий, и многие стили теперь считаются полностью глобальными. Чтобы учесть отсутствие женщин, представленных в прошлые века, мы также составили этот список женщин-художников здесь.Также есть планы добавить со временем другие страны по всей Европе, а также в конечном итоге охватить другие континенты.

Социалистический реализм | Советский соцреализм | Картины | Скульптура

Социалистический реализм — это официально санкционированный стиль искусства, который доминировал в советской живописи на протяжении 50 лет с начала 1930-х годов. Стиль и содержание были заложены государством с целью продвижения целей социализма и коммунизма. Результатом стал огромный объем работ тысяч художников, большинство из которых до чертиков скучно, и с тех пор на Западе их высмеивают, как «Девушка встречает трактор». Однако среди всего этого искусства были художники, которые, работая свободно в рамках структур социалистического реализма, сумели создать интересные и оригинальные произведения.

Среди выдающихся художников 1930-х годов — Кузьма Петров-Водкин, Исаак Бродский, Александр Самохвалов, Александр Дейнека и Юрий Пименов.В середине века появились Аркадий Пластов и Владимир Стожаров, а в 1960-е годы — Суровый стиль Виктора Иванова, Гели Коржева, Виктора Попкова, Таира Салахова, Петра Оссовского, Павла Никонова и Николая Андронова. Качество этих художников сейчас признается, и их работы становятся популярными.

Авангард, практикуемый такими художниками, как Наталья Гончарова, Александр Родченко и Казимир Малевич, доминировал в ранний революционный период.Первоначально революционная политика и радикальное нетрадиционное искусство рассматривались как взаимодополняющие. Однако коммунистическое руководство никогда не чувствовало себя комфортно с этим видом искусства, и им нужен был стиль, который можно было бы использовать в качестве пропаганды советского государства и который мог бы понять простой человек. К 1930 году авангард подвергся нападкам как «засушливый», «бездушный», «формалистский» и за поощрение культа машины.

Социалистический реализм стал краеугольным камнем сталинской культурной системы после того, как Сталин издал указ « О реконструкции литературно-художественной организации » в 1932 году.Создан Союз художников Москвы и Ленинграда, первым президентом которого стал Кузьма Петров-Водкин. Общая формула нового стиля была изложена в краткой форме в программном выступлении делегата ЦК Андрея Жданова на Первом съезде писателей 1934 года: « Сочетание самой строгой, трезвой и практической работы с высочайшим героизмом и грандиозностью. перспективы ». Искусство должно было быть простым, понятным для простых граждан и оказывать на них максимальное воздействие. После Конгресса 1934 года государство установило четыре основных правила, которые стали образцом для «социалистического реализма».

Работа должна была быть:

— Пролетарий : актуально для рабочих и понятно им.

— Типовой : сцены повседневной жизни людей.

— Реалистичный : в репрезентативном смысле.

— Партизан : поддерживает цели государства и партии.

Союз советских писателей далее заявил в 1934 году, что « Социалистический реализм является основным методом советской литературы и литературной критики.Он требует от художника правдивого, исторически конкретного изображения действительности в ее революционном развитии. Более того, правдивость и историческая конкретность художественного изображения действительности должны быть связаны с задачей идейного преобразования и воспитания рабочих в духе социализма ».

Цель заключалась в том, чтобы поднять рядового рабочего, будь то фабричный или сельскохозяйственный, путем представления его жизни, работы и отдыха как достойных восхищения. Другими словами, его цель состояла в том, чтобы научить людей целям и значению коммунизма.Конечной целью было создание того, что Ленин называл « совершенно новым типом человека », то есть нового советского человека. Сталин охарактеризовал деятелей социалистического реализма как « инженеров души, ».

Политический аспект социалистического реализма был в некотором отношении продолжением досоветской государственной политики. Цензура и попытки контролировать содержание искусства начались не с Советского Союза, но были давней чертой русской жизни. Кроме того, на Западе существовала устойчивая традиция вмешательства властей в выбор художниками тематики.Христианская церковь, например, контролировала художественное производство на Западе с 13 по 17 века. В России царское правительство также оценило потенциально разрушительный эффект искусства и потребовало, чтобы все книги прошли проверку цензором. Писатели и художники в России XIX века научились избегать цензуры, тонко высказывая свои мысли. Однако от советских цензоров было нелегко уйти. Наказание за невыполнение требований было серьезным делом, и существовала продуманная система наказания в виде исключения и изгнания.В частности, в период «террора» 1930-х годов наказания начинались с исключения из комсомола и партии и перерастали в отправку в один из многочисленных гулагов или, наконец, расстрел.

Социалистический реализм уходит корнями в неоклассицизм и традиции реализма в русской литературе XIX века, описывающие жизнь простых людей. Примером этого была эстетическая философия Максима Горького, предшествующая работа Передвижников (передвижников или передвижников — русское реалистическое движение конца 19-го — начала 20-го веков), и Жак Луи Давид и Илья Репин оказали заметное влияние.

Социалистический реализм был продуктом советской системы. В то время как в рыночных обществах профессиональные художники зарабатывали на жизнь продажей или по заказу богатых людей или церкви, в советском обществе не только подавлялся рынок, но и мало кто мог покровительствовать искусству, и был только один возможный покупатель — само государство. Таким образом артисты стали государственными служащими. Таким образом, состояние устанавливает параметры того, для чего они используются. От художника ожидали, что он / она будет формально квалифицирован и достигнет стандарта компетентности.Однако, хотя эта базовая компетенция и поощряла, она не давала стимула к превосходству, что приводило к отуплению, как и в других сферах советского общества.

Советское искусство того времени стремилось изобразить рабочего, каким он был на самом деле, несущего свои инструменты. В каком-то смысле это движение отражает курс американского и западного искусства, где обычный человек стал предметом романа, пьесы, поэзии и искусства. Мужчины и женщины пролетариата были в центре коммунистических идеалов; следовательно, их жизнь была достойным предметом для изучения.Это был важный отход от аристократического искусства, созданного при русских царях прошлых веков, но имел много общего с модой конца 19 века на изображение общественной жизни простых людей. На практике это повлекло за собой реалистичное изображение объектов, понятное обычным людям; театр не может использовать коробку для изображения стула.

Однако художник не мог изобразить жизнь такой, какой он ее видел; все, что плохо отражалось на коммунизме, нужно было опустить, и действительно, людей, которые не были просто добрыми или злыми, нельзя было использовать в качестве субъектов.Все персонажи были вылеплены по героической форме, отражающей скорее идеал, чем реалистичность. Максим Горький, ведущий сторонник нового движения и автор нескольких прекрасных романов, таких как My Apprenticeship , сказал, что реализм достигается не за счет извлечения основной идеи из реальности, а за счет добавления к ней потенциала и желаемого, в то же время включая глубоко революционные потенциал; «Критический реализм» был уместен для старых коррумпированных обществ, но теперь критика общества должна уступить место оптимизму.

Искусство было наполнено здоровьем и счастьем; картины изобиловали занятыми промышленными и сельскохозяйственными сценами, а скульптуры изображали рабочих, часовых и школьников. Литература и искусство были наполнены «положительными героями», которые зачастую были крайне утомительны. Но талантливые всегда найдут способ подняться на вершину, а выдающиеся художники того времени создали интересные работы как в рамках, так и за пределами канона соцреализма. Художники были хорошо подготовлены в художественных школах, тогда как эта традиция ослабла на Западе, где оригинальность считалась важнее тщательной учебы.Советский художник должен был научиться рисовать и раскрашивать натурные модели, и он был очень точным и линейным. Они также создали частные группы работ в свое время, которые они держали в секрете и которые только сейчас появляются. Художники имели такой же высокий статус, как космонавты, математики и партийные деятели, имели студии, дачи и квартиры. Им также разрешили ограниченный доступ к путешествиям, и есть несколько прекрасных русских картин Венеции, Парижа и других мест того периода, записывающих эти поездки.

Классика советской живописи

• Аркадий Рылов (1870–1939)

Blue Expanse. 1918 г., холст, масло, 109 × 152 см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Пётр Кончаловский (1876–1956)

Зеленый бокал. 1933, холст, масло, 36 × 47см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Борис Кустодиев (1878–1927)

Большевик. 1920, холст, масло, 101 × 141см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Кузьма Петров-Водкин (1878–1939)

1918 год в Петрограде. 1920, холст, масло, 73 × 92см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Александр Герасимов (1881–1963)

После дождя.Мокрая веранда. 1935 г., холст, масло, 78 × 85см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Сталин и Ворошилов в Кремле. 1938 г., холст, масло, 150 × 195см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Сергей Герасимов (1885–1964)

Колхозный праздник. 1937 г., холст, масло, 234 × 372см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Пластов Аркадий (1893–1972)

Сенокос. 1945 г., холст, масло, 193 × 232см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Ужин тракториста. 1961, холст, масло, 120 × 194см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Семен Чуйков (1902–1980)

Дочь Советской Киргизии. 1948 г., холст, масло, 120 × 95см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Юрий Пименов (1903–1977)

Новая Москва. 1937 г., холст, масло, 140 × 170см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Свадьба на улице завтрашнего дня. 1962 г., холст, масло, 86 × 80см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Георгий Нисский (1903–1987)

В Подмосковье. Февраль. 1957, холст, масло, 120 × 194см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Юрий Непринцев (род.1909)

Отдых после битвы. 1955 г., холст, масло, 192 × 300см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Сергей и Алексей Ткачевы (р. 1922 и 1925)

Детский. 1960 г., холст, масло, 121 × 200см. Государственный Русский музей, Санкт-Петербург, Россия.

• Владимир Гаврилов (1923–1970)

Ветреный день. 1958 г., холст, масло, 98 × 173см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

Молодые матери. 1970, холст, масло, 215 × 125см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Владимир Стожаров (1926–1973)

Деревня Андрейково. 1958 г., холст, масло, 80х200см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

• Виктор Попков (1932–1974)

Строители Братска. 1960–61, холст, масло, 183 × 300см. Государственная Третьяковская галерея, Москва, Россия.

113,384 всего просмотров, сегодня 2 просмотров

Коллекционирование произведений искусства советской эпохи — журнал D

Лия Фуллинвайдер

Из России с любовью
Коллекционер из Далласа Лия Фуллинвайдер находит красоту в произведениях искусства советских времен.

«Перерыв на обед.Иван Александрович Козлов. Масло на холсте. 26 ″ x 39 1/2 ″. 1958. 7500 долларов.

Видя счастливых рабочих во время обеденного перерыва или серых деревенских пейзажей, некоторые могут отмахнуться от искусства советской эпохи как неважного. Сделать это — значит упустить историю за холстом. Искусство, написанное в России во время советского режима, показывает больше, чем санкционированную правительством пропаганду, которая сделала СССР синонимом репрессий.

Как говорит коллекционер из Далласа Лия Фуллинвайдер: «Если учесть жесткие ограничения, наложенные на русских художников в советский период, примечательно, что они смогли разработать стиль живописи, который позволил бы им соответствовать навязанным им политическим требованиям. , и в то же время создавать произведения, которые являются одновременно художественными и аутентичными.”

Фуллинвайдер заинтересовалась искусством советской эпохи, когда она вместе с мужем путешествовала по бывшему СССР в начале 1990-х годов. Она определила любовь к красоте и глубину души в картинах — черту, которую признали другие, в том числе Рэймонд Джонсон, владелец галереи Overland в Скоттсдейле, штат Аризона, который, как считается, помог познакомить международную публику с советским искусством.

«Рабочий». Николай Александрович Грошев.Масло на борту. 18 ″ x 13 ″. 1967. 2200 долларов.

Искусство создавалось с начала 1930-х годов, когда Иосиф Сталин издал удушающие указы, призванные принуждать творческих людей — писателей, архитекторов, художников и т. Д. — поддерживать государственные интересы. От художников требовалось создавать произведения в стиле социалистического реализма, то есть, говоря словами устава, «правдивое и исторически конкретное изображение действительности в ее революционном развитии». И под «правдой» они имели в виду лестное отношение к коммунизму.

Хотя тем, кто занимался пропагандой, хорошо платили, те, кто отказывался от задания (например, Леонид Ламм), были наказаны. Ламм был арестован и приговорен к трем годам тюремного заключения, включая год исправительно-трудового лагеря. Ламм создал акварели и зарисовки из жизни тюрьмы и трудового лагеря, которые позже легли в основу его первой персональной выставки в США в 1985 году.

Хотя паблик-арт был инструментом пропаганды, многие художники экспериментировали с импрессионистскими стилями в свободное время.Часто рисовали тонкими слоями, так как краски было мало. Их бойкая манера письма изображает простых людей, пейзажи и сцены повседневной жизни. Несмотря на ограничения, художникам удалось передать красоту и бросить вызов суровым реалиям советской жизни.

Когда друзья Фуллинвайдер видели картины в ее доме, многие просили ее и ее мужа купить для них произведения искусства. В ответ Fullinwider основал небольшую компанию по импорту Art From Russia. В том, что она называет своей «маленькой кладовой» на Сидар-Спрингс-роуд, она продает искусство советского периода, а также работы нынешних художников.

Искусство из России. Только по предварительной записи. 3515 Cedar Springs Rd. 214-929-1937.

.