День: 16.07.2019

«черные картины» франциско гойи. «Мрачные картины Натюрморт из масок

Революция, глухота, незаконная любовь, отшельничество: в каких обстоятельствах Гойя создал необычный цикл картин на стенах собственного дома

Передвижная фотостудия Жана Лорана. 1872 год Фотограф Лоран сделал первые снимки фресок Дома глухого. Archivo Ruiz Vernacci

В мае 1814 года Фердинанд VII, несколько лет находившийся в изгнании, триум-фально вернулся в Испанию. Он отменил Конституцию 1812 года, распу-стил кортесы и восстановил власть испанских Бурбонов. Многие либерально настроенные депутаты и интеллектуалы были арестованы, многие повешены или расстреляны.

Гойя был дружен со многими «просвещенными» либералами. Хотя выдвигав-шиеся изначально подозрения в сотрудничестве Гойи с французами и прави-тельством короля Хосе I были сняты, его ненавидел Фердинанд VII, и положе-ние художника оставалось уязвимым. Гойе пришлось спрятать в Академии Сан-Фернандо многие свои картины, а самому удалиться подальше от двора.

В феврале 1819 года 72-летний художник купил за 60 тысяч реалов сельский дом и 22 акра земли в пригороде Мадрида, за мостом, ведущим в Сеговию, со стороны луга Сан-Исидро (сегодня это почти центр города), и жил отшель-ником, никого не принимая. По странному совпадению в соседнем доме жил человек, который, так же как и Гойя, был лишен слуха Гойя потерял слух после тяжелой болезни, которую перенес в 1792-1793 годах. Предположительно, это было отравление свинцом (сатурнизм), но некоторые исследователи склоняются к версии тяжелого инсульта. , поэтому местные жители называли его жилище «quinta del sordo» — «дом глухого». После смерти Гойи так стали называть и его дом, который, к сожалению, не сохранился. Сего-дня на его месте находится станция метро, которая носит имя худож-ни-ка — «Гойя».

Художник поселился там со своей «экономкой», а фактически подругой и спут-ницей жизни последних лет, Леокадией Соррильей Вейс. Они познакомились летом 1805 года на свадьбе сына Гойи и, по-видимому, сразу стали любовни-ка-ми. Их связь не прекратилась даже после того, как в 1807 году Леокадия вы-шла замуж за некоего коммерсанта немецкого происхождения, урожденного мадридца. В 1812 году муж обвинил Леокадию в неверности, они развелись, а в 1814 году у нее родилась дочь Росарио. Девочка получила фамилию Вейс, хотя многие полагают, что она была дочерью Гойи: во всяком случае, Гойя до конца своих дней относился к ней как к дочери, много занимался с ней живописью и рисунком (Росарио стала художницей, после смерти Гойи она даже была приближена ко двору и давала уроки рисунка королеве Изабелле II).

Гойя жил в Доме глухого отшельником, никого не принимал, так как боялся обвинений со стороны инквизиции не только в либеральных воззрениях, но и в аморальном поведении. Как выяснилось 50 лет спустя, там он расписы-вал стены своего дома: сначала написал несколько обширных пейзажей, а за-тем, предположительно, весной или летом 1823 года поверх старых фресок отштукатурил стены и написал на них маслом 14 или 15 картин, которые позд-нее стали называть «черной живописью» (pinturas negras) за их мрачный коло-рит и сюжеты, напоминающие ночные кошмары. Эти произведения не имели аналогов в тогдашней живописи. Некоторые из них были написаны на религи-оз-ные, другие на мифологические сюжеты, как, например, «Сатурн, пожираю-щий своего сына». Однако в массе своей это трагические порождения фантазии художника.

Франсиско Гойя. Шабаш ведьм. 1819–1823 © Museo del Prado

Франсиско Гойя. Фестиваль в Сан-Исидро. 1819–1823 © Museo del Prado

Франсиско Гойя. Асмодей, или Фантастическое видение. 1819–1823 © Museo del Prado

Франсиско Гойя. Два старика едят суп. 1819–1823 © Museo del Prado

Франсиско Гойя. Поединок на дубинах. 1819–1823 © Museo del Prado

Франсиско Гойя. Паломничество к источнику Сан-Исидро. 1819–1823 © Museo del Prado

Франсиско Гойя. Атропа. 1819–1823 © Museo del Prado

В январе 1820 года генерал Риего поднял в Кадисе вооруженное восстание, став-шее началом революции. В 1822 году Фердинанд VII признал Кадисскую конституцию. Испания вновь стала конституционной монархией, но ненадол-го: уже 23 мая 1823 года король вернулся в Мадрид вместе с французской ар-мией. Революция была подавлена, в Испании началась реакция; в ноябре генерал Риего был казнен.

Гойя сочувствовал военным, объединившимся вокруг Риего, и даже сделал ми-ниатюрный портрет его жены. Сын Гойи Хавьер в 1823 году был членом рево-люционной милиции. 19 марта 1823 года умер кардинал Луис Бурбон, младший брат короля Карла III, покровительствовавший Гойе; семья другого его покро-ви-теля и свата, коммерсанта Мартина Мигеля де Гойкоэчеа (сын Гойи Хавьер был женат на дочери Гойкоэчеа Гумерсинде), была скомпрометирована. Гойя был напуган. Леокадия уговаривала его эмигрировать, но бегство грозило кон-фискацией имущества.

Франсиско де Гойя — гениальный испанский живописец Нового времени, мастер жанров портрета и критического реализма, в завершающий этап своего творческого пути создавший целую коллекцию мистических, пугающих картин под названием «Черные Картины».

После окончания обучения в школе близ Сарагосы, 17-летний Франсиско отправляется в Мадрид для того, чтобы поступить в Академию изящных искусств. Следует отметить, что, будучи ребёнком, Франсиско не делал особых успехов в освоении школьной программы и учёба давалась ему с трудом, однако сельский учитель рисования сразу же заметил необычайные способности юного Франсиско. Воодушевлённый признанием, молодой художник мечтал о столичной Академии, однако, поступить ему туда не удалось дважды.

Зато Гойа стал одним из учеников известного мастера Франсиско Байеу. Тёзка Гойи писал картины в популярном в те года жанре «неоклассицизм», для которого характерен интерес к классическим античным произведениям живописи и архитектуры. Кстати говоря, сестра Байеу, Хосефа, стала впоследствии супругой Франсиско Гойи. В 1779 году мастер написал знаменитый портрет своей жены Хосефы.

Портреты раннего периода творчества мастера фотографически точны, поражает его внимание к деталям. Цвета в картинах Гойи этого периода очень мягкие и естественные — обратите внимание, насколько реалистичным выглядит нежный румянец на лице Хосефы.

В 1774 году Гойа создаёт целую серию работ с зарисовками эпизодов жизни простых людей. Основными героями этих картин стали «махи» — красивые и легкомысленные из народа, и «махо» — молодые люди-кавалеры. Стоит отметить, что заказ на эту серию работ Франсиско получил от самого короля Карла III. Это объяснимо не только всё возрастающей известностью молодого художника, но и карьерным ростом его учителя, Франсиско Байеу. Кстати, махи часто появлялись на картинах Гойи, например, полотно «Махи на балконе» было написано в 1805-1812 годах.

Когда уже сам Гойя стал придворным живописцем короля Карла IV, к его имени прибавилось аристократичная приставка «де». В 1800 году Франсиско создал групповой портрет королевского семейства, который называется «Семья короля Карла IV».

Несмотря на высочайшую технику собственно рисования, портрет королевской семьи выглядел весьма нелестно — один из современников Гойи, художественный критик, назвал людей, изображенных на полотне «семейством булочника, выигравшего в лотерею». Обратите внимание на композицию — в центре картины расположена супруга монарха, Мария-Луиса, а сам Карл находиться сбоку. Это вовсе не случайность, ведь Карл был инфантильным слабовольным человеком и находился под каблуком у хитрой и расчётливой жены, которая вскоре стала фактически главой страны.

«Капричос»

Любители реализма могут долго смаковать великолепные портреты , созданные Франсиско, однако этот художник был весьма многогранным, и его творческому гению стало тесно в рамках этого жанра. Ещё до написания группового портрета королевской семьи, в 1797 — 1799 годах, Гойя создаёт серию офортов под названием «Капричос» («Капризы»), которая посвящена высмеиванию и выставлению на показ людских пороков и несправедливостей феодально-клерикального общества.

На центральном офорте серии, который называется «Сон разума порождает чудовищ» мы можем видеть заснувшего человека, за спиной которого просыпаются и активизируются различные звери, чудища, причём некоторые из них обозначены только зловещими тенями.

Название этой работы стало крылатой фразой — действительно, если человек не внемлет голосу разума, его мысли и фантазии превратятся в отвратительных чудовищ, порождённых порочными и низменными инстинктами. Этот офорт можно истолковать и символично — провалившийся в сон человек обозначает разум, который перестал что-либо контролировать и уснул, дав свободу этим жутким зверям.

На офортах в гротескно-сюрреалистическом виде представлены грехи и пороки, свойственные людям. Например, здесь мы можем видеть женщину, которая не может смотреть на повешенного человека, но может доставать у него изо рта монетку, которую вкладывали в рот покойникам по старинному обычаю.

Следует отметить, что расположение фигур на каждом офорте неслучайно: многие из уродливых существ являются карикатурами на публичных людей и знатных особ мадридского королевского двора, а в участниках шабашей и пиршествах нечистой силы проглядываются черты короля, королевы и главных начальников инквизиции.

На этом офорте мы видим чудовищ, которые подстригают ногти на когтистых лапах. Сам прокомментировал свою работу так: «Иметь длинные ногти — настолько предосудительно, что это запрещается даже нечистой силе». Вероятно, мастер имел в виду необходимость «подстригания ногтей» (видимо, символ лицемерия), которая возникала у даже самых кровожадных палачей из инквизиции, потерявшим человеческий облик из-за большого количества совершённых злодеяний.

Бессмертные работы, являющиеся классикой сатиры могли бы никогда не быть опубликованы, ведь ни один орган цензуры не мог пропустить такую острую насмешку над сильными мира. «Капричос» спасло личное вмешательство короля Карла IV (поговаривали, что недалёкий монарх обрадовался, узнав себя на некоторых офортах).

Как говорят художественные критики, главным героем каждой работы мастера в серии «Капричос» является совесть, бесстрастно оценивающая царящие в обществе взгляды и настроение, и именно с её стороны все людские беззакония кажутся столь безобразными.

«Дом Глухого»

Когда мастеру было 46, он внезапно заболел. Болезнь протекала тяжело, основными симптомами были паралич, глухота и временные ухудшения зрения. Кстати говоря, даже сейчас учёные не могут придти к окончательному выводу относительно того, каким именно недугом страдал художник. Франсиско оправился от болезни, но в 1820 году, когда ему было уже за 70, наступит рецидив. Пожилой и страдающий от заболевания художник удалился от королевского двора (а на тот момент он являлся придворным художником Фердинанда VII) и поселился в небольшом загородном домике в окрестностях Мадрида. Именно этот домик и станет впоследствии известным на весь мир «Домом Глухого». Франсиско де Гойя снова начал работать и создавать шедевры, которые впоследствии будут называться «Черные Картины».

Речь идёт о мрачных, сюрреалистических фресках, которыми Франсиско покрыл стены дома. Они похожи на ночные кошмары и тревожные мимолётные видения, созданные больным воображением.

Цветовая гамма большинства работ очень тёмная и мрачная, преобладающие цвета — чёрный, серый и различные оттенки коричневого. Изредка встречаются вкрапления красного и белого, однако они лишь усиливают мрачную обстановку и создают тяжелую, угнетающую атмосферу. Как, например, в самой известной работе серии — «Сатурн, пожирающий своего сына».

Сатурн — верховный бог древнеримского пантеона — здесь изображен безумным, непропорциональным чудовищем, похожим на хищную птицу. В работе можно увидеть воплощение иррационализма и бессмысленной ненависти, которые были так противны художнику.

Привыкли получать от произведений искусства эстетическое наслаждение и удовольствие? Но мир живописи может вас не только удивить, но и напугать. На протяжении веков великие художники создавали выдающиеся полотна, от которых у зрителей волосы вставали дыбом.

Вы не испытываете неприятное волнение при виде «Крика» ? Или есть другая нарисованная «страшилка», которая впечаталась в вашу память? Artifex подобрал для вас 10 картин, которые точно не стоит разглядывать перед сном.

10. Караваджо, «Юдифь и Олоферн», 1599

Открывает топ реалистичное полотно итальянского мастера по мотивам ветхозаветной «Книги Юдифи». Легенда о девушке, которая ради своего народа пошла в стан врага, завоевала доверие полководца Олоферна и ночью отрубила ему голову, долгое время волновала художников по всей Европе. Обычно ее изображали с отрубленной головой в руке посреди лагеря врагов, но Караваджо решил отразить сам момент убийства. Благодаря такому решению, художник передал не только атмосферу кровопролития, но и эмоции убийцы и жертвы.

9. Бугро, «Данте и Вергилий в аду», 1850

Французский художник XIX века Адольф Вильям Бугро очень любил поэму Данте «Божественная комедия». Художник изобразил сцену из XXX песни той части поэмы, которая называется «Ад». На восьмом кругу преисподней главные герои наблюдают, как две проклятые души измываются над обманщиком. Бугро долго работал над цветовой палитрой картины и изучал эстетические границы человека. Картина, по замыслу художника, должна была передать страх и ужас от происходящего в подземном мире. На Салоне 1850 года эта работа вызвала отвращение у публики.

Знаменитый триптих до сих пор таит в себе множество загадок для исследователей. Ни одно из толкований работы, существующее сегодня, не признано исчерпывающим. Триптих показал всю полноту фантазии и мастерства художника. Он посвящен греху сладострастия, и все три части отображают главную идею Босха в мельчайших деталях. На внешних створках триптиха изображена безмятежная картина мироздания, но, открыв их, погружаешься в атмосферу безумного хаоса.

7. Мунк, «Смерть Марата», 1907

Не спутайте эту картину с одноименной величественной работой , ставшей своеобразным символом Французской революции. Эдвард Мунк писал свое полотно спустя 114 лет после Давида, и основное внимание уделил не фигуре революционного публициста, а моменту его убийства. В своей неподражаемой манере автор «Крика» изображает обнаженную Шарлотту Корде спустя мгновение после того, как она жестоко зарезала Марата. Нагнетающие мазки и обилие крови дополняют пугающий эффект от картины.

6. Блейк «Великий красный дракон и морское чудовище», 1806-1809

Заслуженно считается одним из самых таинственных английских художников и гравёров. Этого живописца с детства мучили призраки и видения, позже он изобразил их в своих произведениях. Серию картин Блейк посвятил Красному дракону из «Откровения Иоанна Богослова». На этой картине дракон олицетворяет Сатану, возвышающегося над еще одним демоном — морским чудищем. Эпичность и детальная проработка монстров не только пугают, но и вызывают восхищение.

5. Бэкон, «Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса», 1953

Работа является переосмыслением «Портрета Папы Иннокентия X» . Классик английского экспрессионизма написал около 40 подобных полотен, вошедших в серию «Кричащие папы». Художник изменил цвет одежды папы с красного на фиолетовый и написал все полотно в темных тонах. Благодаря технике мастера, работа не вызывает ассоциаций с исходным портретом Веласкеса, но зато производит пугающее и гнетущее впечатление.

4. Дали, «Лицо войны», 1940

Эта картина знаменитого испанского художника способна вызвать приступ паники у зрителя. Сальвадор Дали играет не только с символами, но и с передачей настроения. Конструкция из головы, окутанной змеями, все уменьшающиеся черепа в глазницах того, что когда-то было человеком, символизирует бесконечный цикл смертей. В правом нижнем углу художник «оставил» отпечаток свой руки. А типичная для творчества Дали пустыня и желтые тона придают этой картине оттенок параноидального сумасшествия.

3. Гойя, «Сатурн, пожирающий своего сына», 1819-1823

Некоторые гравюры могут напугать даже взрослого человека. Среди них интерпретация сюжета из древнегреческой мифологии, где титан Кронос пожирает своих детей в страхе быть свергнутым одним из них, кажется самой жуткой. Гойя изобразил безумие на лице и без того безобразного монстра, что еще больше сгущает атмосферу ужаса происходящего. Эта работа «украшала» стену в его «Доме Глухого», но вряд ли кому-нибудь еще захотелось бы пройти мимо такой картины в своем доме ночью.

2. Карри, Gallowgate Lard, 1995

Художник Кен Карри родился в Англии в 1960 году. На его мрачных полотнах отражаются процессы, происходящие в современном мире. Картины Карри воздействуют на психику зрителя, создают у него чувство безысходности и страха, но в то же время подталкивают к размышлениям. Жуткий автопортрет художника представляет собой плод его раздумий над метафизическими вопросами, связанными с разложением современного общества и сознания человека.

1. Рапп, «Проигрыш разума перед материей», 1973

Даже мельком взглянув на картину австрийского художника Отто Раппа, хочется сразу же отвести взгляд. Разлагающаяся человеческая голова на птичьей клетке, нетронутый язык внутри нее – такой «натюрморт» напрягает не только психику зрителей, но и вызывает чисто физиологический дискомфорт. Можно гадать, какой смысл художник вложил в работу, но совершенно очевидно ― это по-настоящему пугающая картина! И если кому-то подобный сюжет приснится ночью, то «благодарить» за кошмар нужно мастерскую технику Раппа.

«Черные картины» Гойя

В 1819 году Гойя покупает поместье — «двадцать два акра посевной земли с домом. Ему понравились уединенность места и название усадьбы — Quinta del Sordo (Дом Глухого).

За несколько десятилетий до описываемых событий Гойя в результате болезни оглох. Его глухота была полной.
Гойя не слышал ни звука; он также не пользовался как многие собратья по несчастью ни азбукой жестов, ни письменными принадлежностями для ведения разговора. Похоже, увечье замкнуло художника на замок, отмыкать который могла только живопись.
Единственными людьми, разделявшими одиночество 72-летнего художника, стали грубоватая экономка Леокадия и ее дочь (которая, по некоторым сведениям, была дочерью самого Гойи).

Вскоре после переезда в Quinta del Sordo Гойя тяжело заболел. Полгода жизнь его висела на волоске, но выдюжил ли крепкий ли организм старика или усилия доктора Арьета, спасшего его, в начале 1820 года он пошел на поправку.

Автопортрет с доктором Арьета (1820)

Едва оправившись, Гойя заторопился. Пошатываясь от слабости, он ходил по дому, присматривался к стенам, пробуя ладонью выщербины и выпуклости поверхностей. В его голове родился странный замысел…

Между 1820 и 1823 годами Гойя украсил 2 наибольших комнаты собственного здания серией картин, они возымели название «черных» за свой мрачный колорит и сюжеты, навевающие воспоминания ночные кошмары, это трагические порождения фантазии художника
Испанцы называют их Pintura negra, мы добросовестно переводим Черные картины, меж тем речь идет о фресках. Они покрывали все стены и простенки Quinta del Sordo.
Для этих сцен характерна суровая и отважная манера послания; все в них напоминает о смерти и тщете человеческой жизни.

Настоящий художник мыслит формой и пространством, и, действительно, если мысленно проследить за расположением фресок, не трудно увидеть, что каждая из них создавалась для конкретного места.
«Черные картины» украшали стены «Дома Глухого» до 1870-х годов, в последствии чего их приобрел барон Эмиль Эрлангер, немецкий банкир и коллекционер живописи. Картины перенесли со стен на холст и выставили в 1878 году в Париже.
В 1881 году они были подарены мадридскому музею Прадо.
«Черных картин» при жизни художника, за вычетом членов семьи, не видела ни одна живая душа.

в «Черных картинах» нет ни мыслей, ни чувств – живопись впитала в себя философию, убеждения, страсти и придавила их чудовищной силы прессом одного единственного мыслечувства – отрицания человека.
Не какого-то конкретно, испанского или современников, а как такового, его природу и тончайший слой цивилизационной пыльцы поверх нее. Он перенес дантовское предупреждение – оставь надежду, всяк сюда входящий – с врат ада в мир живых.

В то время когда самые блистательные кисти воспевали революцию и Бетховен дописывал в Вене последнюю часть Девятой симфонии, гимн человечеству – великую «Оду», на другом конце Европы, в пригороде захолустного Мадрида глухой старик методично, фреска за фреской восстанавливал перпендикуляр ко всем знамениям и идеям своего времени, а заодно и ко всем чаяниям и разочарованиям человеческого существования.
Pintura negra воплощает в себе абсолютный нигилизм. И самое удивительное, глубочайшая, радикальнейшая философская идея высказана исключительно живописными средствами: тончайшей гаммой черного, с небольшими белыми вкраплениями, магически превращающими черноту во тьму.
Лежал ли в основе цикла фресок общий замысел? Несомненно, и это обозначено общей цветовой тональностью всех картин, на которых изображены человеки и человекоподобные.
Глядя на творчество Гойи, можно найти ответ: — падение нравов в современном потребительском обществе вызывает не многократно усиливающийся информационный поток и индустриализация, а слабость души человеческой, воспитываемая вещами. Чем совершеннее и функциональнее становятся вещи, тем слабее человек духовно, да и физически.

На первом этаже по обе стороны от входа расположены изображения красивой величественной женщины (скорее всего, это донья Леокадия).
Женщина, похоже, олицетворяет здоровую, молодую чувственность

донья Леокадия

А напротив — двое мужчин: один, злой и взволнованный, что-то шепчет на ухо второму, незыблемо спокойному.

Два монаха

На противоположной стене Гойя пишет Юдифь, замахивающуюся мечом, чтобы отрубить голову Олоферну. Героический эпизод библейской истории приобретает в трактовке Гойи зловещий оттенок.
Это пример того, насколько глубоко укоренилась в сознании Гойи мысль о жестокости женщины.

На той же стене, рядом с Юдифью — Сатурн, сжимающий в огромных руках своего сына и подносящий его к своей окровавленной пасти, — символ непостижимой иррациональности вселенной и изуродованного отцовского начала, равно как Юдифь может быть символом извращенного материнского начала.

Это одно из самых страшных и отвратительных полотен во всем мировом искусстве — «Сатурн, пожирающий своего сына». Трудно, почти невозможно смотреть в безумные глаза Сатурна, раздирающего на куски тело младенца. Неоправданная жестокость изображения заставляет усомниться в душевном здоровье человека, создавшего такую дикую картину.

«Сатурн, пожирающий своих детей».

Почему древнеримский бог, откуда взялись дети?
Присмотревшись, вы увидите, что жертва обладает хорошо развитыми, отнюдь не детскими женскими формами; сделанная несколько десятилетий назад рентгенограмма обнаружила у «отца» возбужденный мужской орган («отредактированный» при реставрации в 1870-х годах) – но картина по-прежнему именуется «Сатурном, пожирающим своих детей».

На длинных боковых стенах мы видим две огромные росписи — «Паломничество к святому Исидору» и «Шабаш ведьм».

В Паломничестве в Сан Исидро Гойя изобразил бредущую из ниоткуда в никуда толпу. Ничто в самой картине не говорит о том, что перед нами паломники, никаких топографических и прочих примет церкви Сан Исидро и кладбища вокруг нее нет на полотне и в помине…

. «Паломничество» отдаленно напоминает прелестный эскиз для гобелена «Праздник в Сан-Исидоро», но это как бы «темная сторона» весеннего гулянья. Группа безумцев и пьяниц, сбившихся в кучу, на фоне мрачного пейзажа производит гнетущее впечатление.
Мрак сгустился над сценой, отчаяние прорывается в веселье и искажает лица певцов, которым в картине принадлежит центральное место, смятение охватило толпу, состоящую из закутанных в плащи фигур, которые больше напоминают мятущиеся в беспорядке тени. Все же в этой толпе нет ничего зловещего, люди напуганы окутавшим их мраком, но едва ли повинны в нем.

Паломничестве в Сан Исидро

Еще страшнее толпа, изображенная в «Шабаше ведьм» — люди с чудовищно искаженными лицами, которые и лицами-то назвать сложно, вурдалаки и ведьмы, устремляющиеся к огромному черному козлу — Дьяволу, похожему на гигантскую тень.
Эта толпа утратила человеческий облик, лица людей напоминают морды животных и свидетельствуют о победе иррационального начала. Гойя еще раз напомнил в этой сцене о своей ненависти к иррационализму, представленному здесь в виде черной магии, и о своей многолетней увлеченности этой темой.

«Шабаш ведьм»

Какой контраст с одноименной ранней картиной, выполненной для графини Осуна, где дьявол казался безобидным «сереньким козликом», а вся сцена носила скорее игровой характер.

Шабаш ведьм-1798 год

Вместе с «Святым Исидором» эта картина — беспощадный суд над человеком толпы. Если отдельная личность позволит себе раствориться в толпе, она неизбежно утратит человеческие качества.

Галерея жутких образов и фантастических видений продолжается и на втором этаже дома.

«Две смеющиеся женщины» составляют пару «Старикам за похлебкой» — невинные, на первый взгляд, сюжеты, которые тем не менее почему-то вызывают отвращение.

Женский смех напоминает мерзкое гримасничанье,

«Две смеющиеся женщины»

а старики с разинутыми беззубыми ртами не вызывают ни капли сочувствия

«Старикам за похлебкой»

«Бычьи пастухи» жестоко избивают друг друга, один уже весь крови, оба по колено увязли в трясине, из которой уже никогда не смогут выбраться и будут вечно обречены на бессмысленную драку. Все это происходит на фоне безмятежного деревенского пейзажа

«Бычьи пастухи»

Здесь же представлено еще одно «Паломничество к святому Исидору», хотя вряд ли можно назвать «паломничеством» этот людской водоворот — пилигримов уносит в темный лес поток света.

«Паломничество к святому Исидору»

Одна из самых любопытных картин цикла — «Фантастическое видение» (она же «Утес, обстреливаемый из орудий» и она же «Асмодей»).
Две огромные фигуры, летящие к городу на скале, парят над толпой, не обращая внимания на стрелков, которые целятся в них из прикрытия. Картина так же фантасмагорична, как и прочие росписи Дома, однако и скала, и город, и всадники у подножия гор вполне конкретны, что позволило делать догадки, будто Гойя в такой форме попытался изобразить свое видение одного из эпизодов войны с французами.

«Утес, обстреливаемый из орудий» и она же «Асмодей»

Немного выбиваются из общего ряда картина: «Чтение» — выражающая веру художника в торжество разума среди безумств суровой реальности,

«Чтение»

Во всю длинную стену слева от входа художник нарисовал Судьбу и Драку

Goya. Atropos (The Fates)

Фреска «Собака» — сперва кажущаяся абстракцией. Но, присмотревшись, мы увидим дворняжку, из последних сил сражающуюся с земными валами, которые в любой момент могут на нее обрушиться.

«Собака»

Единственной из всех фресок дана тонкая многоцветная лессировка – изображению собачки, которая то ли грустно воет на луну, то ли пытается выплыть из этого мира в лучший. Другого такого автопортрета в мировой живописи тоже нет.

«Черные картины» стали выражением кошмаров старого художника, преследовавших его на протяжении всей жизни и особенно обострившихся в последние годы. В то же время это квинтэссенция его мыслей и переживаний, любви и ненависти, неприятия толпы, страстного нежелания стареть, презрения к суевериям и, несмотря ни на что, веры в силу разума.

На склоне лет Гойя нашел в себе силы погрузиться в пучины подсознания, вытащить на свет свои самые глубокие, самые темные мысли, и его мужество было вознаграждено. С этих пор мрачные видения навсегда перестали мучить художника, оставшись на стенах Дома Глухого.

Рентген показал, что под этими фресками были другие. Поселившись в Доме Гойя исписал стены привычными ему образами его прошлой жизни, там были народные гуляния, сцены из городской жизни… Потом болезнь, бред, видения… он уничтожил прошлое, заменил его на мучительные кошмары.

Когда речь заходит о живописи, воображение, как правило, рисует пасторали и величественные портреты. Но на самом деле изобразительное искусство многогранно. Бывало, что и из-под кисти великих художников выходили весьма неоднозначные картины, которые вряд ли кто-то захочет повесить у себя дома. В нашем обзоре 10 самых страшных картин известных художников.

1. Великий красный дракон и чудовище из моря. Уильям Блейк

Уильям Блейк сегодня известен своими гравюрами и романтической поэзией, но при жизни его практически не ценили. Гравюры и иллюстрации Блейка являются классикой романтического стиля, но сегодня рассмотрим серию акварельных картин Блейка, которые изображают большого красного дракона из книги Откровения. На данной картине изображен большой красный дракон, являющегося воплощением дьявола, который стоит на семиглавом звере в море.

2. Исследование портрета Иннокентия X работы Веласкеса. Френсис Бэкон

Фрэнсис Бэкон был одним из самых влиятельных художников 20-го века. Его картины, поражающие своей смелостью и мрачностью, продаются за миллионы долларов. При жизни Бэкон часто писал собственные интерпретации портрета Папы Иннокентия X. На оригинальной работе Веласкеса Папа Иннокентий X задумчиво взирает с холста, а Бэкон изобразил его кричащим.

3. Данте и Вергилий в аду. Адольф Вильям Бугро

Ад Данте, с его изображением страшных пыток, вдохновлял художников с момента публикации этого произведения. Бугро известен больше всего своими реалистическими изображениями классических сцен, но на этой картине изобразил круг ада, где самозванцы непрерывно борются, воруя личности друг друга посредством укуса.

4. Смерть Марата. Эдвард Мунк

Эдвард Мунк является самым известным художником Норвегии. Его знаменитая картина «Крик», которая олицетворяет тоску, намертво въелась в сознание любого человека, которому небезразлично искусство. Марат был одним из ведущих политических лидеров Французской революции. Поскольку Марат страдал от болезни кожи, то он проводил большую часть дня в ванной, где и работал над своими произведениями. Именно там Марат и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображал не один художник, но картина Мунка особенно реалистична и жестока.

5. Отрубленные головы. Теодор Жерико

Наиболее известной работой Жерико является «Плот Медузы» — огромная картина в романтическом стиле. Перед тем как создавать крупные произведения, Жерико писал «разминочные» картины, подобные «Отрубленным головам», для которых он использовал настоящие конечности и отрубленные головы. Подобный материал художник брал в моргах.

6. Искушение святого Антония. Маттиас Грюневальд

Грюневальд часто рисовал религиозные образы в стиле средневековья, хотя он жил в эпоху Возрождения. Святой Антоний прошел несколько испытаний своей веры, во время того, как жил в пустыне. Согласно одной из легенд, Святой Антоний был убит демонами, живущими в пещере, но позже возродился и уничтожил их. Данная картина изображает святого Антония, который подвергся атаке демонов.

7. Натюрморт из масок. Эмиль Нольде

Эмиль Нольде был одним из первых художников-экспрессионистов, хотя его славу вскоре затмили ряд других экспрессионистов, таких как Мунк. Сутью данного течения является искажение реальности, чтобы показать субъективную точку зрения. Эта картина была сделана художником после исследовании масок в Берлинском музее.

8. Сатурн, пожирающий своего сына. Франсиско Гойя

В римских мифах, которые в значительной степени основаны на греческой мифологии, отец богов пожирал своих собственных детей, чтобы они никогда не свергли его с трона. Именно это акт убийства детей и изобразил Гойя. Картина не была предназначена для общественности, а была написана на стене дома художника вместе с несколькими другими мрачными картинами, известными под общим названием «Черная живопись».

9. Юдифь и Олоферн. Караваджо

В Ветхом Завете есть история о смелой вдове Юдифь. Иудея подверглась атаке армии во главе с полководцем Олоферном. Юдифь вышла за городские стены и направилась в лагерь осаждающей город армии. Там она с помощью своей красоты соблазнила Олоферна. Когда полководец спал ночью пьяный, Юдифь отрезала ему голову. Эта сцена довольно популярна среди художников, но версия Караваджо особенно жуткая.

10. Сад земных наслаждений. Иероним Босх

Обычно Иероним Босх ассоциируется с фантастическими и религиозными картинами. «Сад земных наслаждений» представляет из себя триптих. На трех панелях картины соответственно изображены Сад Эдема и создание человечества, Сад земных наслаждений и Наказание за грехи, которые происходят в земном саду. Работы Босха являются одними из самых ужасных, но самых красивых работ в истории западного искусства.

Странные картины мира. Натюрморт из масок

«Ночной кошмар» — серия из четырех картин швейцарского и английского художника Генри Фюзели, которые иллюстрируют готическое направление в искусстве Нового времени.

Фигура спящей или лежащей без сознания женщины, изображенной на картине, удлинена и изогнута. Фюзели намеренно написал её именно так, чтобы показать всю тяжесть инкуба, сидящего на её груди, — воплощения кошмаров и бессознательных страхов. В прорези между штор видна голова слепой лошади, чей образ в данной картине предвосхищает демонический аспект, придаваемый этому животному в позднем французском романтизме.

Часто, когда мы думаем о картинах в музеях, то представляем себе милые пейзажи и величественные портреты. Однако искусство может иметь и другую сторону медали. Иногда художник создает работу настолько тревожную, что она граничит со страшной. Может, вы и не захотите повесить такие у себя в спальне, но они определенно заслуживают внимания. Вот 10 самых страшных картин, написанных великими художниками.

Великий красный дракон и морское чудовище, Уильям Блейк.

Сегодня Уильям Блейк хорошо известен своими гравюрами и романтической поэзией, но при жизни он был совсем не знаменит. Его гравюры и иллюстрации выполнены в классическом стиле. В своем творчестве он отталкивался от воображения, а не от реальных исследований природы. Блейк написал серию акварельных картин, изображающих великого красного дракона из Книги Откровений. На картине изображен красный дракон, воплощение дьявола, стоящий над семиглавым морским чудовищем.

Исследование портрета Иннокентия Х Веласкеса, Фрэнсис Бэкон.

Ф. Бэкон был одним из самых влиятельных художников 20 века. Его картины дерзкие и холодные в переносном смысле. Они продаются за миллионы фунтов, и даже куски холста (Бэкон уничтожал работы, которые ему не нравились) стоят немало. На протяжении всей жизни он возвращался к портрету Иннокентия X, делая свои интерпретации этой картины. Работа Веласкеса изображает Папу в задумчивости, а у Бэкона он нарисован кричащим.

Данте и Вергилий в аду, Адольф Вильям Бугро

Ад Данте, с его изображениями пыток, с самого дня публикации вдохновлял многих художников. Бугро — самый знаменитый из всех. Однако он переходит от классического спокойствия к кругам ада, где персонажи непрерывно борются, крадя через укус личности друг друга. Под торжество демона Данте и Вергилий наблюдают за осужденными на вечные муки.

Смерть Марата, Эдвард Мунк

Эдвард Мунк — самый известный норвежский художник. Его знаменитая картина «Крик» прочно въелась в сознание людей. Жан-Поль Марат был одним из лидеров Французской революции. Страдая от болезни кожи, он проводил большую часть времени в ванной, где он работал над своими записями. Там же он и был убит Шарлоттой Корде. Смерть Марата изображали несколько раз, но работа Мунка отличается своей жестокостью.

Отрубленные головы, Теодор Жерико

Его самая известная работа — это «Плот Медузы», огромная картина, написанная в романтическом стиле. Жерико пытался разбить рамки классицизма, перейдя к романтизму. Эти картины были начальным этапом его творчества. Для своих работ он использовал настоящие конечности и головы, которые находил в моргах и лабораториях.

Искушение Святого Антония, Матиас Грюневальд

Этот художник изображал религиозные сюжеты Средних веков, хотя сам жил во времена Возрождения. Говорили, что святой Антоний столкнулся с испытаниями своей веры во время молитвы в пустыне. Согласно легенде его убили демоны в пещере, затем он воскрес и уничтожил их. Эта картина изображает Святого Антония, подвергнувшегося атаке демонов.

Натюрморт из масок, Эмиль Нольде

Эмиль Нольде был одним из ранних художников-экспрессионистов, хотя его славу затмили другие, такие как, например, Мунк. Сутью экспрессионизма является изображение реальности с субъективной точки зрения. Нольде написал эту картину после изучения масок в Берлинском музее. На протяжении всей жизни он увлекался другими культурами, и эта работа не является исключением.

Сатурн, пожирающий своего сына, Франсиско Гойя

Согласно римской мифологии, основанной на греческой, отец всех богов пожирал своих собственных детей, чтобы никто из них не смог занять его место. Гойя изобразил на холсте убийство ребенка. Эта картина никогда не задумывалась для широкой публики, она была нарисована на стене его дома вместе с такими же мрачными «Черными картинами».

Юдифь и Олоферн, Караваджо

Эта картина написана по мотивам ветхозаветной «Книги Юдифи», рассказывающей историю о молодой вдове, Юдифи. Согласно легенде, Олоферн был полководцем армии Навуходоносора, вторгшейся в Иудею. Вавилоняне осадили город Ветилую, в котором жила целомудренная и богобоязненная молодая вдова Юдифь. Надежды для горожан не было никакой. Надев красивые одежды и взяв с собой служанку, она отправилась в стан врага и сделала так, что Олоферн проникся к ней доверием. Когда в один из вечеров он заснул пьяным, она отрезала ему голову и вернулась в родной город. Выражение мрачной решимости на лице служанки резко уравновешивается нечитаемым взглядом Юдифь и криком ужаса самого Олоферна.

Сад земных наслаждений, Иероним Босх

Иероним Босх, известен своими тревожными и фантастическими картинами религиозной тематики. Сад земных наслаждений — это триптих, изображающий Райский сад, Сад земных наслаждений и Наказания за смертные грехи которые происходят в этом земном саду. Внимательное изучение картины показывает истинный талант Босха, к остроумным деталям. В целом, работы Босха является одними из самых ужасных.

Среди мирных пасторалей, благородных портретов и прочих произведений искусства, которые вызывают только положительные эмоции, есть полотна странные и шокирующие. Мы собрали 15 картин, которые заставляют зрителей ужаснуться. Причём все они принадлежат кисти всемирно известных художников.

«Герника»

Одна из самых известных работ Пабло Пикассо «Герника» — повествование о трагизме войны и страданиях невинных людей. Эта работа получила всемирное признание и стала напоминанием об ужасах войны.

«Проигрыш разума перед материей»

«Проигрыш разума перед материей» — картина, написанная в 1973 году австрийским художником Отто Раппом. Он изобразил разлагающуюся человеческую голову, надетую на птичью клетку, в которой лежит кусок плоти.

«Данте и Вергилий в аду»

Картина Адольф Вильям Бугро «Данте и Вергилий в аду» была вдохновлена короткой сценой о битве между двумя проклятыми душами из «Ада» Данте.

«Подвешенный живой негр»

Это ужасное творение Уильяма Блейка изображает раба-негра, который был повешен на виселицу с помощью крючка, продетого через его ребра. Работа основана на рассказе голландского солдата Стэдмена – очевидце подобной жестокой расправы.

«Ад»

Картина «Ад» немецкого художника Ганса Мемлинга, написанная в1485 году, является одной из самых страшных художественных творений своего времени. Она должна была подтолкнуть людей к добродетели. Мемлинг усилил ужасающий эффект сцены, добавив подпись: «В аду искупления нет «.

Дух воды

Художник Альфред Кубин считается крупнейшим представителем символизма и экспрессионизма и известен своими темными символическими фантазиями. «Дух воды» — одна из таких работ, изображающих бессилие человека перед морской стихией.

«Necronom IV»

Это страшное творение известного художника Ганса Рудольфа Гигера было вдохновлено известным фильмом «Чужой». Гигер страдал от ночных кошмаров и его все картины были вдохновлены этими видениями.

«Свежевание Марсия»

Созданная художником времен итальянского Возрождения Тицианом картина «Свежевание Марсия» в настоящее время находится в Национальном музее в Кромержиже в Чехии. Художественное произведение изображает сцену из греческой мифологии, где с сатира Марсия сдирают кожу за то, что он осмелился бросить вызов богу Аполлону.

«Крик»

Крик является известнейшим полотном норвежского экспрессиониста Эдварда Мунка. На картине на фоне неба цвета крови изображён отчаянно кричащий человек. Известно, что «Крик» был вдохновлен безмятежной вечерней прогулкой, во время которой Мунк стал свидетелем кроваво-красного заходящего солнца.

«Gallowgate Lard»

Эта картина ни что иное, как автопортрет шотландского автора Кена Карри, который специализируется на мрачных, социально-реалистических картинах. Любимая тема Карри — мрачная городская жизнь шотландского рабочего класса.

«Сатурн, пожирающий своего сына»

Одна из самых известных и зловещих работ испанского художника Франсиско Гойя была нарисована на его стене дома в 1820 — 1823. «Сатурн, пожирающий своего сына» основан на греческом мифе о титане Хроносе (в Риме — Сатурн), который опасался, что будет свергнут одним из своих детей и съедал их сразу после рождения.

«Юдифь, убивающая Олоферна»

Казнь Олоферна изображали такие великие художники, как Донателло, Сандро Боттичелли, Джорджоне, Джентилески, Лукас Кранах старший и многие другие. На картине Караваджо, написанной в 1599 году, изображён самый драматичный момент этой истории — обезглавливание.

«Кошмар»

Картина «Кошмар» швейцарского живописца Генриха Фюзели была впервые показана на ежегодной выставке Королевской Академии в Лондоне в 1782 году, где она шокировала и посетителей, и критиков.

«Избиение младенцев»

Это выдающееся произведение искусства Петера Пауля Рубенса, состоящее из двух картин, было создано в 1612, как полагают, под влиянием работ известного итальянского художника Караваджо.

Если картины показались чересчур мрачными, чтобы повесить их дома, можно воспользоваться одним из .

Со многими произведениями живописи связаны мистические истории и загадки. Более того, некоторые специалисты считают, что к созданию ряда полотен причастны темные и тайные силы. Основания для такого утверждения есть. Уж слишком часто с этими роковыми шедеврами происходили удивительные факты и необъяснимые события — пожары, смерти, безумие авторов…Одной из самых известных «проклятых» полотен является «Плачущий мальчик» — репродукция картины испанского художника Джованни Браголина. История создания ее такова: художник хотел написать портрет плачущего ребенка и в качестве натурщика взял своего маленького сына. Но, поскольку малыш не мог плакать на заказ, то отец специально доводил его до слез, зажигая перед его лицом спички.

Если смотреть на неё 5 минут подряд девушка изменится (глаза покраснеют, волосы почернеют, проявятся клыки). На самом деле понятно, что картинка нарисована уж явно не от руки, как многие любят утверждать. Хотя как эта картинка появилась никто ясных ответов не даёт. Следующая картина скромно висит без рамы в одном из магазинов Винницы. «Женщина дождя» – самая дорогая из всех работ: стоит 500 долларов. Как утверждают продавцы, картину уже трижды покупали, а потом возвращали. Клиенты объясняют, что она им снится. А кто-то даже говорит, будто знает эту даму, но откуда – не помнит. И все, кто хоть раз заглянул в ее белые глаза, навсегда запоминают ощущение дождливого дня, тишины, тревоги и страха.

Искусство славится красотой, но и уродства в нем достаточно, даже в работах самых известных художников. Не говоря уж о крови, кишках и экзистенциальном ужасе. Итак, представляем вам 13 жутких картин!

1. «Фигура с мясом», Фрэнсис Бэкон (1954). Картина — аллюзия на портрет папы Иннокентия X авторства Диего Веласкеса.

2. «Несколько маленьких щипков», Фрида Кало (1935). Эта картина основана на газетной новости о том, как мужчина убил свою подругу, 20 раз ударив ее ножом. Когда его допрашивали, он сказал: «Я лишь немного ущипнул ее!»

3. «Лицо войны», Сальвадор Дали (1940). Это самое страшное сюрреалистичное произведение Дали, написанное сразу после окончания испанской гражданской войны.

4. «Сатурн, пожирающий своего сына», Франсиско Гойя (1819-1823). Основана на греческом мифе о Кроне, поедающем своих детей, чтобы они не свергли его (один из них выжил и поступил именно так — ну, знаете Зевса). Это одно из полотен, которые Гойя написал прямо на стенах своего дома.

5. «Ребенок с игрушечной гранатой», Диана Арбус (1962). Многие из работ Арбус пугают, но эта особенно страшна. Диана ходила вокруг ребенка, Колина Вуда, и засняла его в момент, когда ему это надоело. «Делайте уже фото!» — закричал он.

6. «Юдифь и Олоферн», Караваджо (1598-1599). Эту сцену рисовали многие художники, но нам кажется, что картина Караваджо — самая страшная.

7. Густав Климт (1901). Обратите внимание на Тифона, самого страшного монстра в греческой мифологии, и человекоподобные существа: они воплощают собой болезнь, безумие, смерть (слева), распущенность, сладострастие и чрезмерность (справа).

8. «Тысяча лет», Дэмьен Херст (1990). Что бы вы ни думали про Херста, он, во-первых, известен, а во-вторых, ужасающ, потому он в списке. Это картина о жизненных циклах: мухи откладывают яйца в отрезанной коровьей голове, яйца превращаются в личинки и снова умирают от мухобойки.

9. «Любовники», Рене Магритт (1928). Вы с бойфрендом переоделись на Хеллоуин и решили, что, если вы никого не видите, вас тоже никто не видит.

10. «Без названия #140», Синди Шерман (1985). Почти все ее работы страшны, но это, наверное, самая ужасная.

11. «Яйцо», Альфред Кубин (1901-1902). Символист Кубин был одержим женским телом как телом одновременно жертвы и агрессора и зачастую рисовал смерть и беременность вместе.

12. «Самоубийство», Энди Уорхол (1964). В начале 60-х Уорхол стал интересоваться всякими ужасами. Это работа из серии «Смерть и катастрофа».

13. «Три этюда к фигурам у подножия распятия», Фрэнсис Бэкон (1944). Извините, снова Бэкон. От этой картины становится не по себе. Бэкон был одержим религиозными мотивами и иконографией и планировал изобразить сцену распятия целиком. Этот триптих — его первая зрелая работа.

Понравилось? Хотите быть в курсе обновлений? Подписывайтесь на нашу страницу в

Искусство может быть любым. Кто-то видит красоту природы и передаёт её с помощью кисти или резца, кто-то делает потрясающие фотографии человеческого тела, а кто-то находит красоту в ужасном — в таком стиле творили Караваджо и Эдвард Мунк. Современные художники от отцов-основателей не отстают.

1. Дадо

Югославец Дадо родился в 1933-м году и умер в 2010-м. На первый взгляд его работы могут показаться совершенно обыкновенными или даже приятными — это из-за выбора цветовой гаммы: многие хоррор-художники выбирают чёрный или красный, а Дадо любил пастельные оттенки.

Но присмотритесь к таким картинам, как «Большая ферма» 1963-го или «Футблолист» 1964-го года, и вы увидите на них гротескных существ. Их лица полны боли или страдания, на телах видны опухоли или лишние органы, или же тела просто неправильной формы. На самом деле картины вроде «Большой фермы» пугают куда больше, чем явный ужас — именно из-за того, что с первого взгляда ничего ужасного в них не замечаешь.

2. Кит Томпсон

Кит Томпсон — скорее коммерческий художник, чем человек искусства. Он придумал монстров для фильма Гильермо Дель Торо «Тихоокеанский рубеж» и сериала Скотта Вестерфилда «Левиафан». Его работы выполнены в технике, которую скорее ожидаешь увидеть на картах «Magic: The Gathering», чем в музее.

Посмотрите на его картину «Тварь из Припяти»: монстр слеплен из нескольких животных и страшно уродлив, зато даёт прекрасное представление о технике Томпсона. У монстра даже есть история — он якобы является продуктом Чернобыльской катастрофы. Конечно, монстр несколько надуманный, будто вышел прямиком из 1950-х годов, но от этого он не становится менее жутким.

«SCP Foundation» взяла это существо в качестве своего талисмана, назвав его «SCP-682». Но в арсенале Томпсона ещё немало подобных монстров, и пострашнее есть.

3. Джунджи Ито

К вопросу о коммерческих художниках: некоторые из них рисуют комиксы. В деле хоррор-комиксов Джунджи Ито — чемпион. Его монстры не просто гротескны: художник тщательно прорисовывает каждую морщинку, каждую складку на теле тварей. Именно это пугает людей, а вовсе не иррациональность монстров.

Например, в его комиксе «Загадка Амигары Фолт» он раздевает людей и отправляет их в человекообразное отверстие в твёрдой скале — чем ближе мы видим это отверстие, тем страшнее, но даже «издали» оно кажется пугающим.

В его серии комиксов «Узумаки» («Спираль») есть одержимый спиралями парень. Сначала его одержимость кажется смешной, а потом уже страшной. Причём страшно становится ещё до того, как одержимость героя становится магией, с помощью которой он превращает человека в нечто нечеловеческое, но при этом живое.

Работы Ито выделяются среди всей японской манги — его «нормальные» персонажи выглядят необыкновенно реалистичными и даже милыми, и чудовища на их фоне кажутся ещё более жуткими.

4. Здислав Бексиньский

Если художник заявляет: «Я не могу представить себе, что значит разумность в живописи», скорее всего, он рисует не котят.

Польский живописец Здислав Бексиньский родился в 1929-м году. На протяжении десятилетий он создавал кошмарные образы в жанре фантастического реализма вплоть до своей ужасной кончины в 2005-м году (его 17 раз пырнули ножом). Наиболее плодотворный период в его творчестве приходился на 1960 — 1980 годы: тогда он создавал высоко детализированные изображения, называемые им самим «фотографиями его мечты».

По словам Бексиньского, значение той или иной картины его не волновало, но некоторые из его работ явно что-то символизируют. Например, в 1985-м году он создал картину «Trollforgatok». Художник вырос в опустошённой Второй Мировой войной стране, поэтому черные фигуры на картине могут олицетворять польских граждан, а голова — некий безжалостный орган власти.

Сам художник утверждал, что ничего подобного не имел в виду. На самом деле Бексиньский говорил об этой картине, что её стоит воспринимать, как шутку — вот что значит по-настоящему чёрный юмор.

5. Уэйн Барлоу

Тысячи художников пытались изобразить Ад, но Уэйн Барлоу в этом явно преуспел. Даже если вы не слышали его имени, то работы наверняка видели. Он принимал участие в работе над такими фильмами, как «Аватар» Джеймса Кэмерона (режиссёр лично его похвалил), «Тихоокеанский рубеж», «Гарри Поттер и узник Азкабана» и «Гарри Поттер и Кубок Огня». Но одной из самых выдающихся его работ можно назвать вышедшую в 1998-м году книгу под названием «Инферно».

Ад у него — не просто застенки с демоническими лордами и армиями. Барлоу говорил: «Ад — это полное безразличие к человеческим страданиям». Его демоны часто проявляют интерес к человеческим телам и душам и ведут себя скорее как экспериментаторы — игнорируют чужую боль. Люди для его демонов — вовсе не объекты ненависти, а просто средство для праздного развлечения, не более того.

6. Тецуя Исида

На акриловых картинах Исиды люди часто превращаются в такие объекты, как упаковка, конвейерные ленты, писсуары или даже подушки для геморроя. У него есть и визуально приятные картины, на которых люди сливаются с природой или убегают в волшебную страну своего воображения. Но такие работы куда тусклее картин, на которых работники ресторанов превращаются в манекенов, закачивающих в клиентов еду так, как будто они обслуживают автомобили на АЗС.

Независимо от мнения по поводу точности и проницательности художника или яркости его метафор нельзя отрицать, что стиль у его работ жуткий. Любой юмор у Исиды идёт рука об руку с отвращением и страхом. Его карьера подошла к концу в 2005-м году — 31-летнего Исиду сбил поезд, и почти наверняка это было самоубийство. Оставленные им работы оцениваются в сотни тысяч долларов.

7. Дариуш Завадский

Завадский родился в 1958-м году. Как и Бексиньский, он работает в стиле жуткого фантастического реализма. Его учителя в художественной школе сказали Завадскому, что у него не слишком хорошее зрение и плохой глазомер, так что художником ему не стать. Ну, с выводами они явно поторопились.

В работах Завадского присутствуют элементы стимпанка: он часто рисует похожих на роботов существ, под искусственной кожей которых видны работающие механизмы. Для примера взгляните на картину маслом 2007-го года «Гнездо». Позы птиц — такие же, какие бывают у живых, а вот каркас явно металлический, едва прикрытый клочками кожи. Картина может вызвать отвращение, но при этом притягивает взгляд — хочется рассмотреть все детали.

8. Джошуа Хоффин

Джошуа Хоффин родился в 1973-м году в Эмпории, штат Канзас. Он делает ужасающие фотографии, на которых знакомые с детства сказки обретают страшные черты — историю, конечно, можно узнать, но при этом её смысл сильно искажается.

Многие его работы выглядят слишком постановочными и неестественными, чтобы по-настоящему пугать. Но есть и серии фотографий вроде «Шедевров Пикмана» — это дань одному из персонажей Лавкрафта художнику Пикману.

На фотографиях 2008-го года, которые вы можете здесь увидеть, — его дочь Хлоя. Лицо девочки почти не выражает эмоций, и она почти не смотрит в сторону зрителей. Пугает контраст: семейное фото на прикроватной тумбочке, девочка в розовой пижамке — и огромные тараканы.

9. Патриция Пиччинини

Скульптуры Пиччинини порой сильно отличаются друг от друга: одни скульптуры представляют собой мотоциклы неправильной формы, другие — странные шары с горячим воздухом. Но в основном она создаёт скульптуры, стоять с которыми в одной комнате очень и очень неуютно. Они даже на фотографиях выглядят жутковато.

В работе 2004-го года «Неделимый» некий гуманоид прижимается к спине нормального человеческого ребёнка. Больше всего тревожит элемент доверия и привязанности — как будто невинность ребёнка жестоко использовали ему во вред.

Конечно, работы Пиччинини критикуют. Про «Неделимого» даже говорили, что это не скульптура, а некое настоящее животное. Но нет — это просто плод её воображения, и художница продолжает создавать свои работы из стекловолокна, силикона, и волос.

10. Марк Пауэлл

Работы австралийца Марка Пауэлла шокируют по-настоящему сильно. Его шоу 2012-го года представляет собой ряд композиций, в которых фантастические существа эволюционируют, пожирают и выделяют друг друга из собственных тел, размножаются и распадаются. Текстуры существ и окружающая обстановка чрезвычайно убедительны, а язык тела фигур точно подобран, чтобы ситуации выглядели как можно более обычными — а значит, и убедительными.

Разумеется, интернет не мог не отдать художнику должное. Вышеупомянутая «SCP Foundation» взяла отвратительного монстра с изображения выше и сделала его частью истории под названием «Плоть, которая ненавидит». Также с его работами связаны многие ужасные истории.

Маски натюрморт изображение_Фото номер 501557235_JPG Формат изображения_ru.

lovepik.com

Применимые группы	Для личного использования	Команда запуска	Микропредприятие	Среднее предприятие
Срок авторизации	ПОСТОЯННАЯ	ПОСТОЯННАЯ	ПОСТОЯННАЯ	ПОСТОЯННАЯ
Авторизация портрета		ПОСТОЯННАЯ	ПОСТОЯННАЯ	ПОСТОЯННАЯ
Авторизованное соглашение	Персональная авторизация	Авторизация предприятия	Авторизация предприятия	Авторизация предприятия
Онлайн счет
Маркетинг в области СМИ (Facebook, Twitter,Instagram, etc.)	личный Коммерческое использование (Предел 20000 показов)
Цифровой медиа маркетинг (SMS, Email,Online Advertising, E-books, etc. )	личный Коммерческое использование (Предел 20000 показов)
Дизайн веб-страниц, мобильных и программных страниц Разработка веб-приложений и приложений, разработка программного обеспечения и игровых приложений, H5, электронная коммерция и продукт	личный Коммерческое использование (Предел 20000 показов)
Физическая продукция печатная продукция Упаковка продуктов, книги и журналы, газеты, открытки, плакаты, брошюры, купоны и т. Д.	личный Коммерческое использование (Печатный лимит 200 копий)	предел 5000 Копии Печать	предел 20000 Копии Печать	неограниченный Копии Печать
Маркетинг продуктов и бизнес-план Предложение по проектированию сети, дизайну VI, маркетинговому планированию, PPT (не перепродажа) и т. Д.	личный Коммерческое использование
Маркетинг и показ наружной рекламы Наружные рекламные щиты, реклама на автобусах, витрины, офисные здания, гостиницы, магазины, другие общественные места и т. Д.	личный Коммерческое использование (Печатный лимит 200 копий)
Средства массовой информации (CD, DVD, Movie, TV, Video, etc.)	личный Коммерческое использование (Предел 20000 показов)
Перепродажа физического продукта текстиль, чехлы для мобильных телефонов, поздравительные открытки, открытки, календари, чашки, футболки
Онлайн перепродажа Мобильные обои, шаблоны дизайна, элементы дизайна, шаблоны PPT и использование наших проектов в качестве основного элемента для перепродажи.
Портрет Коммерческое использование	(Только для обучения и общения)
Портретно-чувствительное использование (табачная, медицинская, фармацевтическая, косметическая и другие отрасли промышленности)	(Только для обучения и общения)	(Contact customer service to customize)	(Contact customer service to customize)	(Contact customer service to customize)

Плоть и дух натюрморта – Weekend – Коммерсантъ

Галерея Мамонтовых показывает живопись из собрания владельцев галереи, семьи современных московских коллекционеров. Год назад здесь прошла выставка, посвященная пейзажу Серебряного века. Теперь — натюрморты того периода, которым посвящена коллекция семьи — первой половины ХХ века. Натюрморты собрались по большей части цветочные — это и влияние вкуса владелицы коллекции, Марины Мамонтовой, и отражение стремления многих художников ХХ века хоть в части своего творчества отказаться от любой бытовой или литературной нагрузки, искать не суть эпохи, а сущность живописи.

Экспозиция построена вокруг нескольких выдающихся полотен, среди которых царят «Бухарский натюрморт» Павла Кузнецова и «Натюрморт. Георгины» Ильи Машкова. Оба написаны в начале 1910-х годов и демонстрируют достижения двух художественных группировок, определявших в тот момент художественную жизнь России — объединений «Голубая роза» и «Бубновый валет». Радикально противоположные друг другу, эти два объединения дали, пожалуй, самые интересные решения в жанре натюрмортов.

Илья Машков. «Натюрморт. Георгины», 1912-1913 годы

Для бубнововалетовцев натюрморт — любимое поле для живописных экспериментов. Цвет и форма — вот что интересовало Илью Машкова, Петра Кончаловского и их товарищей. Предметный мир их полотен — ясный, чувственный, полный энергии. Поэтому и «Георгины» Машкова такие яркие, «жирные», осязаемые; глиняный горшок — тяжелый и блестящий, а сами цветы — сочные, с тугими лепестками. Полотно монументально — даже не своими внушительными размерами, а благодаря общей композиции.

Для голуборозовцев любой предмет таит в себе нечто загадочное и незримое. В каждом цветке они видят знак, посылаемый им из иного мира, каждая роза таит иносказание или мистическое послание. Цветы и листья папоротника в «Бухарском натюрморте» Павла Кузнецова вплетены в ритмичный узор, общий для всего полотна; они бестелесны и полупрозрачны. Как и знаменитые «Фонтаны» Кузнецова, его натюрморт построен подобно музыкальному произведению и обращен в иной, высший и гармоничный мир. «Бухарский натюрморт» никогда прежде не экспонировался и, как считают кураторы выставки, является настоящим открытием.

Развитие этих двух методов можно проследить и дальше, на более поздних произведениях. В «Натюрморте с редиской и петухом» Петра Кончаловского 1930 года автор, подобно великим голландцам прошлого, наслаждается живописностью и материальностью яркой тушки мертвой птицы. А Павел Кузнецов и в 1937 году продолжает любоваться «серебристо-голубыми, утренними капустами», так что банальный овощ кажется отмеченным знаком потустороннего мира.

Роберт Фальк. «Розовый букет», вторая треть ХХ века

«Розовый букет» Роберта Фалька психологичен так же, как портреты и пейзажи художника. «Южный пейзаж» Александра Куприна отражает его кропотливую работу над цветовыми контрастами, призванными запечатлеть природу так, чтобы, по словам художника, «она дышала и сверкала». «Цветы в темной вазе» Александра Лабаса — редкий образец его живописи без самолетов и дирижаблей. На выставке будут также натюрморты Натальи Гончаровой, Ивана Пуни, Николая Тархова.

Неожиданно и мощно выглядит в таком контексте «Ванна» Аристарха Лентулова (начало 1930-х годов). Наследники художника рассказывают, что когда в доме в Козихинском переулке наконец наладился водопровод, художник отнесся к этому с удивлением и восторгом. На первом плане картины Лентулов изобразил ушедший в прошлое кувшин, а в центре композиции — наполненная прозрачной (наверно, еще и горячей) водой большая эмалированная ванна. Полотно кажется очень современным — в нем есть нечто общее с портретами газовых плит, которые писал в 1960-х нонконформист Михаил Рогинский, и с грязными раковинами и рваными диванами Люсьена Фрейда 1980-х годов.

Всего на выставке в галерее Мамонтовых будет представлено 25 полотен.

Галерея Мамонтовых, до 30 июня

ПОЗАДИ МОСКВА. Пейзаж, натюрморт, портрет в творчестве московских художников

• Нестерова Наталья. Печатный переулок. 1985
• Роберт Фальк. Портрет Азарх-Грановской. 1926
• Константин Истомин. Вид из окна. Кон. 1920-х — нач. 1930-х
• Самуил Адливанкин. Девочка в красной кофте. 1937
• Борис Касаткин. Дурновский переулок. 1969
• Дмитрий Краснопевцев. Московский двор. 1950-е
• Евгений Окс. Большой Ржевский переулок. 1934
• Николай Ромадин. Вечеринка. 1939
• Александр Шевченко. Портрет жены художника. 1920-е

На выставке представлено более пятидесяти произведений московских художников, как ХХ века, так и современных. Проект обращается к разным индивидуальностям и эпохам, но демонстрирует связь поколений – работы художников объединяет близость художественных средств, принятых в общей для них среде московской живописной школы. Сюжетом произведений художников-москвичей выступает их город. Выставка демонстрирует образ уходящей Москвы – ее быт, персонажей, пространство.

Мы часто говорим о Москве. Мы в ней живем. Мы видим Москву каждый день. Мы сожалеем о ней. Города меняют свой облик в течение человеческой жизни, и каждая перемена печальна, потому что так настоящее превращается в прошлое. Нам достался в наследство город ХХ века – Москва блестящая, ироничная, умудренная, разоренная, возрожденная, голодная, державная, коммунальная. Она же – Чеховская, Мхатовская, Щукинско-Морозовская, Цветаевская, Ильфо-Петровская, Булгаковская, Мосфильмовская – список упоительно бесконечен.

Наша выставка – еще один перечень москвичей: Илья Машков и Петр Кончаловский, Аристарх Лентулов и Роберт Фальк, Константин Истомин, Александр Древин, Самуил Адливанкин и Ростислав Барто, Александр Лабас и Николай Ромадин, а так же: Анатолий Зверев и Дмитрий Краснопевцев, Михаил Рогинский, Наталья Нестерова, Владимир Вейсберг, Борис Касаткин и многие другие. Каждый из них причастен к московской живописной школе – рафинированно-цветовой, европейской, тонкой и очень точной.

Портрет неизвестной московской красавицы 20-х Петр Кончаловский строит как жаркую гармонию красных и оранжевых оттенков. Роберт Фальк пишет московскую актрису Азарх-Грановскую как герцогиню эпохи Ренессанса, иронически примеряя на себя маску парадного живописца. Евгений Окс объединяет в композицию бледные зимние яблоки, просторный подоконник и стеклянную утварь в натюрморте 1951 года. Ранний Дмитрий Краснопевцев придает задворкам московского магазина романтическую внешность парижского закоулка мушкетерских времен. Точность цвета создает иллюзию правды жизни – наблюдая за игрой красного и зеленого в пейзаже Бориса Касаткина, мы переносимся в 80-е, в жаркое лето на Пироговке.

Мажорный аккорд выставки «Позади Москва» – знаменитый театрализованный пейзаж Натальи Нестеровой «Печатников переулок» (1985), на котором изображен Дом с кариатидами, недавно спасенный энтузиастами от разрушения.

Генеральный медиапартнер:

    

Медиапартнеры:

        

                  

Даниловский рынок и Sample запускают совместный проект “Новый натюрморт: искусство в эпоху доставки”

Даниловский рынок и онлайн-галерея Sample запускают проект для поддержки молодых художников. 18 января проект откроется онлайн, а весной продолжится ужинами с художниками-участниками проекта и выставкой на Даниловском рынке.

10 художников Sample получали доставку свежих овощей и фруктов от Даниловского рынка – им было предложено переосмыслить жанр натюрморта в собственной художественной технике. Работы, созданные в самых разных техниках: скульптуре, коллаже, фотографии, живописи, представлены на сайте проекта.

Натюрморт, как и любое жанровое искусство, меняется под влиянием времени, контекста и внешних обстоятельств – проект переосмысливает один из традиционных жанров искусства в новых реалиях, когда большая часть контактов с внешним миром происходит через доставку.

Закрытие музеев и галерей затронуло многих деятелей искусства, но в самом уязвимом положении оказались именно художники. В таких условиях им особенно важно работать, поэтому этот проект – способ поддержать творческое сообщество. Все средства от продажи работ будут направлены авторам.

Работы первой части проекта – натюрморты Наташи Гончаровой, Анастасии Колесниченко, Никиты Лукьянова и Маши Сомик – уже на сайте. Наташа Гончарова создала серию графических работ-отпечатков, Анастасия Колесниченко – GIF-натюрморты, Никита Лукьянов – фотоавтопортреты, Маша Сомик – абстрактную книгу и видео по взаимодействию с овощами.

“Из-за коронавируса я ощутила острое желание творить по-новому. Меня вдохновил Энди Уорхол. В этой работе я впервые для себя использовала технику «отпечатки». Про нее я узнала, когда изучала его творчество 50-х годов. Он рисовал эскизы на водоотталкивающей бумаге, обводил контуры тушью и затем отпечатывал изображения на листах впитывающей бумаги.

Поэтому, начав делать натюрморты, я захотела передать, что это “живые” и сочные овощи и фрукты с мякотью и соком. До этого проекта я никогда не любила рисовать овощи и фрукты. Но мне привезли такие красивые овощи: было видно все корешки и листочки. Одним словом, натюрморт –– сила!

Я очень рада, что получилось такое сотрудничество. За время изоляции я открыла для себя мир доставки и интернет-магазинов. За этим будущее. Хватит бездушных ТЦ! “.: Наташа Гончарова

“На создание работ меня вдохновило ощущение энергии и силы, которые дает еда. В моем арсенале были полезные продукты, поэтому мне хотелось передать легкость, которую они дарят человеку.”: Анастасия Колесниченко

“Когда Даниловский прислал большую коробку фруктов и овощей, я решил сделать из них натюрморт и маску, где главным героем станет кукуруза. Сначала я подвесил ее за леску вместе с другими сезонными овощами, потом через несколько недель из засохших кукурузных листьев я сделал маску. Фотографии были выставлены на бранче “Даниловского” в “Доме Культур”. В эпоху доставки предметы для натюрморта и съёмки проще и быстрее достать, не тратя время на поход в магазин. Хотя иногда некоторые вещи нужно всё-таки оценить и выбрать вживую”.: Никита Лукьянов

Во второй части проекта, которая появится в феврале, участвуют Александр Бирук, Алексей Дубинский, Маша Обухова, Шари Санто, Лена Цибизова и Варя Чельцова.

Весной ужин на Даниловском рынке запустит серию мероприятий с каждым из художников. Авторам будет предложена на выбор одна из национальных кухонь, представленных на Даниловском рынке. Каждый из них примет участие в создании меню ужина, его сервировке и оформлении. Организаторы проекта также планируют провести оффлайн выставку всех работ.

Даты проведения ужина и выставки будут анонсированы после снятия ограничительных мер.

Мастер-класс по живописи «Натюрморт» в Хабаровске 15 ноября 2020 в АртЛаб

Событие добавлено в избранное

Выбрать категорию

Добавить в избранное

Мастер-класс по живописи «Натюрморт» в школе «Арт Лаб» 15 ноября.

С собой ничего не нужно. Все материалы предоставят.

Материалы:

-холст на выбор;
-акрил;
-прочие необходимые материалы

Продолжительность 3-3.5 часа

Для вашей безопасности в студии имеются одноразовые перчатки, маски и санитайзер. Количество мест ограничено — 8 чел. Рекомендуемый возраст 12+

Начало: 15:30.
Стоимость зависит от размера холста, продолжительности мк и материалов. Уточняйте по телефону.
Телефон для справок и записи: WhatsApp: +7 (962)-502-7835
Адрес: ул. Тургенева, 49

Наверх Полная версия сайта

масок — Работы — Художественный музей Нельсона-Аткинса

Приобретено у художника Карлом Эрнстом Остхаусом (1874-1921) для музея Фолькванг, Хаген и Эссен, Германия, 1911 г. — 25 августа 1937 г. [1];

Конфисковано немцами из музея Фолькванг, Эссен. Национал-социалистическое (нацистское) правительство и вывезено в Schloß Niederschönhausen, Берлин, 25 августа 1937 г. — 15 апреля 1941 г. [2];

Отправлено нацистами правительство Карла Бухгольца (1901-1992), Берлина и Мадрида, после 15 апреля 1941 г. — сентябрь 1948 [3];

Отправлено Бухгольца в галерею Бухгольца, Нью-Йорк, арт.9935, сентябрь 1948–1954 [4];

Куплено у Курта Валентин галерея друзей искусства, Канзас-Сити, Миссури, 1954;

Их подарок Музей искусств Нельсона-Аткинса, Канзас-Сити, Миссури, 1954 [5].

ПРИМЕЧАНИЯ:

[1] В 1922 г. Коллекция Museum Folkwang Hagen была приобретена Folkwang Museumsverein. и город Эссен. Он был совмещен с коллекцией Эссена. Городской художественный музей, открытый 29 октября 1922 года как музей Фолькванг. Эссен.

[2] 30 июня 1937 г. Йозеф Геббельс, глава Reichsministerium für Volksaufklärung und Пропаганда (нацистское министерство общественного просвещения и пропаганды), уполномоченный конфискация «дегенеративных» произведений искусства из государственных музеев Германии. «Вырожденный» Нацисты определяли произведения искусства как произведения, «оскорбляющие немецкие чувства». В Министерство ориентировалось в основном на авангардные модернистские работы. К 1938 году тысячи произведения искусства были вывезены из немецких музеев и либо проданы, либо проданы или уничтожен.Те произведения, которые считались имеющими «международную ценность», были переданы в замок Нидершёнхаузен в ожидании продажи. Маски Нольде прибыли в Schloß Niederschönhausen в августе 1938 г. («Bestand в Нидершёнхаузене », нет. 550, Bundesarchiv, Berlin, BARch R 55/21015, Bl. 26-50). Конфискация «дегенеративного» искусства из немецких музеев была легализована задним числом нацистским правительством 31 мая 1938 года. Подробнее информацию о нацистской конфискации «дегенеративного» искусства, см. особенно Стефани Бэррон, изд., «Дегенеративное искусство»: Судьба авангарда в нацистской Германии , exh. Кот. (Лос-Анджелес: Лос Музей искусств округа Анхелес и Нью-Йорк: Гарри Н. Абрамс, Inc., 1991).

[3] Бухгольц хранил картину в нескольких местах между 1941 и 1948 годами. Он оставался в Берлине до Ноябрь 1943 года, когда Бухгольц отправил его своему давнему другу Карлу-Хайнцу Брандту. в Грамцове, Германия. В марте 1945 года картина была передана в Rosgartenmuseum в Констанце, Германия, где он оставался до декабря 1945 года. когда Бухгольц перевез его в поместье своей семьи в Юберлингене, Германия, где его жена Мария-Луиза жила с детьми.В апреле В 1948 году Бухгольц принес картину в свою мадридскую галерею Galería Buchholz. Он пять месяцев спустя отправила его галерее Бухгольца Курту Валентину в Нью-Йорк.

[4] Галерея Бухгольца была переименована в Curt Valentin Gallery в 1951 году.

[5] Происхождение этой картины внесено в Опись. конфискованного Entartete Kunst, Исследовательский центр «Degenerate Art», Freie Universität Берлин, идентификационный номер EK 3639, http://emuseum.campus.fu-berlin.de/eMuseumPlus?service=ExternalInterface&lang=en. Также Марио-Андреас фон Люттихау, «Bilder-Schicksale» в « Das schönste Museum» der Welt »- Museum Folkwang bis 1933: Essays zur Geschichte des Museum Folkwang , exh. Кот. (Геттинген, Германия: издание Folkwang / Steidl, 2010), 218.

Театр масок Эмиля Нольде, разыгрывающий политику

«Натюрморт с маской III» Эмиля Нольде, 1911 г.

Быть перевёрнутым и зажатым — как эта розово-оранжевая голова (вторая слева) — это судьба юности, которая обрекает нас на кочевые приключения от детства до взрослой жизни (с одной планеты на другую), где мы , которые еще не стали взрослыми, чувствуем себя беженцами, пока не сливаемся с нашей новой маской.В картине Нольде эта вынужденная мутация нашего существа представлена ​​в левой половине холста, где мы зажаты между двумя масками — красной в профиль с интенсивной и самодовольной улыбкой, спелой от смеха, и желтой, где смех неожиданно превратился в плач — неотделим от плача.

Мы психологически растем от юности / юности до взрослого восприятия жизни между этими двумя видами смеха. Когда мы смеемся / плачем — это о нашем прошлом смехе во взрослом возрасте? Или, может быть, об этой предыдущей жизни тогда, когда наши стремления мы воспринимали как действие, по сравнению с нашей взрослой жизнью, которая состоит из завоеваний или завоеваний? Или мы смеемся / плачем из-за идеализма и надежд нашего прошлого? Наш сияющий нарциссизм? Наш наивный суждение? Наш юношеский морализм? Очевидно, слишком много причин для взрослой жизни, чтобы смеяться или / и плакать о нашем детстве и юности.

У нас нет особого выбора с нашими двумя эмоциональными / инстинктивными позами — смех над взрослой жизнью, а затем смех / плач о нашей юношеской наивности, когда жизнь для нас — это проекция серого / зеленого старика / духа или призрака, который не только знает реальность, но и создает ее своим жестоким умом и своей потусторонней бородой, изрыгая ртом команды, приказы и угрозы.

Поскольку две маски наших двух видов смеха обозначают нашу судьбу в левой части картины, то старик-ужас с метафизической бородой расположен в верхней правой части картины поверх маски нашего окончательного состояния ( с гигантскими ушами, открытыми, как человеческие руки, жаждущие объятий). Старый деспот с зелено-коричневым лицом отделен от желтой маски нашей взрослой жизни и от нашей посмертной маски ярко-желтой веревкой. Посмертная маска относится не к смерти как к чему-то отличному от смерти, а к самой смерти человека, чьи глаза настолько жадны к миру живых, что выглядят как глаза черепа — более жадные к визуальным впечатлениям. чем человек, тем меньше он может видеть. И его рот открыт так широко, как будто он хочет проглотить весь мир, как будто он стонет о сострадании, о воздухе, о еде.То же самое и с ушами маски — чем они больше, тем глубже, тем абсолютнее глухота. Его / наши уши подобны раскрытым рукам, готовым схватить мир, который нам уже не принадлежит.

Но слепа не только смерть. Молодежь физически видит (мы замечаем зрачок «голубоватого глаза» темно-красной маски), но психологически не способна — молодые люди пассивно, но энергично отворачиваются от жизни, катясь вперед. Но глазами всех остальных обитателей жизни не видят ни взрослые люди, ни старики — страшные или умирающие человеческие существа. Их глазами мы можем видеть фон мира, в том числе бога или бородатого мудреца. А самое яркое — сияющее солнечно-желтым цветом на лице умирающего — это последний салют из жизни.

О, эта густая улыбка молодого человека, который отвернулся от персонажей экзистенциальной драмы и своей судьбы — юноша, наполовину прячущийся от взрослых, смеясь над ними, — они ответственны за жизнь.

Загрязненная гниющая зелень — это фон жизни, а наш слепой путь вперед и вниз (подчеркнутый композицией картины Нольде) обрамляет жизненную силу, излучаемую масками Нольде! Как ярко светятся краски нашей жизни! Насколько велик талант живописцев, скрупулезно и элегантно изображающих наш путь от начала до конца! Три маски на картине представляют три этапа нашей жизни.Одна олицетворяет кого-то, как демиурга человеческой судьбы, а другая изображает сам переход от детства и юности к взрослой жизни (столкновение двух жизненных сил) — самое демоническое событие человеческой судьбы, гораздо более мучительное, чем окончательный переход от смерти к смерти.

маски эмиля нольде

Эмиль Нольде, резчик по дереву и рисовальщик, рано изучал декоративно-прикладное искусство, а в возрасте 31 года занялся живописью и гравюрой.

3.80 $ доставка. Нольде изучал маски разных культур и «Маски натюрморта III». Описание: Эмиль Нольде (немец, 1867-1956) В манере: Мужчина и женщина. Маски, 1911. [N] Эмиль Нольде — Маски III (1920) Холст, масло, 73 x 87 см. N 894. Пророк (1912) Ксилография.

Музей Нельсона-Аткинса в Канзас-Сити признан на национальном и международном уровне как один из лучших художественных музеев Америки. Masks, 1911.

Тангенциально связанный с немецкой группой экспрессионистов Die Brücke, он отказался от дальнейшего участия.

Для постоянных читателей «Живописи недели» вы знаете, что здесь, в I.B.Tauris, есть кое-что для немецкого экспрессионизма.

Художественный музей Нельсона-Аткинса. Как художник-экспрессионист Эмиль Нольде, датский немецкий художник и гравер, пытался передать субъективное и эмоциональное содержание в своих картинах с помощью интенсивного сюжета, плотной манеры письма и яркого цвета. Масло на холсте, 28 3/4 x 30 1/2 дюйма. Он был одним из первых экспрессионистов, членом Die Brucke и одним из первых художников-акварелистов начала 20 века, исследовавших цвет.

Картина не требует пояснений.

Известно, что это одна из устрашающих картин. Художник Эмиль Нольде — один из известных экспрессионистов. Экспрессионизм стремится исказить реальность, чтобы выявить субъективную точку зрения. На протяжении всей своей жизни Нольде проявлял восхищение другими культурами и этой картиной. с его интерпретацией различных масок, находится в том же духе. Его долг как своим предкам, так и современникам очевиден: душераздирающий реализм Грюневальда соседствует с искренними ранними изображениями крестьян великим героем Нольде Ван Гогом; преследуемые, похожие на Энсора маски сталкиваются с… Просмотрите доступные принты и мультипликаторы, работы на бумаге и картины для продажи и узнайте о художнике.

Его первое знакомство с искусством произошло через четырехлетнее ученичество в качестве резчика по дереву и дизайнера мебели, начиная с 1884 года. • Эмиль Нольде: «Цвет — это жизнь» в Национальной галерее Ирландии в Дублине с 14 февраля по 10 июня. Он был одним из первых экспрессионистов, членом Die Brücke и одним из первых художников-акварелистов начала 20 века, которые исследовали цвет. Анализ произведений искусства, изображения с большим разрешением, комментарии пользователей, интересные факты и многое другое.Маски Эмиль Нольде 1911.

Эмиль Нольде, немец (1867-1956).

Художественный музей Нельсона-Аткинса. В детстве он чувствовал, что у него мало общего со своими тремя братьями, которые хорошо относились к фермерской жизни. Найдите подробную биографию, выставки, оригинальные произведения искусства для продажи, последние новости и цены на аукционах. Всего 5 масок, две карнавальные маски, напоминающие маски, которые носили на венецианском карнавале, в центре холста. Маска Натюрморт III, 1911 — Эмиль Нольде — WikiArt.org. Эмиль Нольде вар седан 1920-летний медлем и Национал-социалистическая тыска арбетапартия (НСДАП) и антисемитск.

Эмиль Нольде был немецким экспрессионистом, известным своими картинами и репродукциями цветов, пейзажами и фольклором. Посмотреть 5036 работ Эмиля Нольде в Artnet.

Эмиль Нольде (1867-1956), Натюрморт с маской III, 1911, холст, масло, 74 x 78 см, Художественный музей Нельсона-Аткинса. 19 апреля 2014 г. — Натюрморт с маской III, 1911 г. — Эмиль Нольде — WikiPaintings.org Художественный музей Нельсона-Аткинса … Эмиль Нольде писал, что его интересуют «гротескное выражение силы» и «стихийная сила».«Музей современного искусства, Нью-Йорк. Эмиль Нольде — Натюрморт с масками, 1911 год.

Эмиль Нольде, входящий в число ведущих современных художников, немецко-датский художник и гравер, был одним из самых ярких представителей экспрессионизма. он был членом группы художников-экспрессионистов Die Brucke, он… Анализ современного искусства «Maskenstilleben» (Натюрморт в масках) Эмиля Нольде. Он известен своей манерой письма и выразительным выбором цветов.

Колеса и шины Дейтон, Огайо, Макмап Марадмин 2019, Оленина и Стилтон, Рецепт соуса для колбасы Боба Эванса, Типы игр в домино, Приложение «Дикая природа и рыболовство Луизианы», Касса Андхадхуна, Группа — Северное сияние Южного Креста, VFC Mcx Canada, Ракета 2018, Жюльет Бинош Муж, Популяция древесной лягушки, Комбинезон Zara Man, Гнездо американской пустельги, Граница проекта Vr, Стивен Бишоп, чистая стоимость, Получайте деньги за тестирование продуктов, Серверный предмет Animal Crossing, Набор для Pummel Party Humble, Оставил в Лондоне, Возраст Мурали Шарма, Pulimurugan Full Movie Online Тамилрокеры, Документальный фильм Юлиуса Шульман, Мой ребенок любит любовь Lyrics, Детский рок-фестиваль, Самодельные ловушки для мышей, которые убивают, Лотта Лав Кофе, Значение битвы при Плесси,

Эмбер Эндрюс, Натюрморт с масками, 2020

Натюрморт с масками, 2020

Бумага, масло, мел

40 x 30 см

Посмотреть на стене Предыдущий

|

Далее

16

из 16

Как маски появились в искусстве

Как маски появились в искусстве

(Изображение предоставлено Zabou / Getty Images)

От социальных сетей до уличного искусства, маски появляются повсюду. Дебора Николлс-Ли находит по всему миру изображения, отражающие то, что происходит сейчас.

A

Аватар с закрытым ртом встречает посетителей на странице в Instagram кипрского визуального дизайнера Хаяти Эврена. Художник по мэшапу взял виртуальные ножницы и приклеил к своему собственному изображению и наложил ярко-синюю хирургическую маску на монохромную фотографию.

«Корона Лиза» Хаяти Эврена стала мемом, разлетевшимся по сумкам и кружкам (Фото: Хаяти Эврен)

Игривый художник, который почти десять лет занимается шедеврами, сейчас наиболее известен своей дерзкой «Корона Лиза». , который потягивает пиво Corona через маску с пирсингом.Наряду с трезвеннической версией Антонио Браско из Орегона, мем распространился из социальных сетей на футболки, сумки и кружки. The Persistence of Corona, переработка Эвреном культовой работы Сальвадора Дали, снова ставит маски в центр внимания, на этот раз в окружении других средств борьбы с коронавирусом: дезинфицирующего средства для рук, резиновых перчаток и лимонного одеколона — традиционного дезинфицирующего средства в Турции.

Примерно так:
— Лучшие способы изменить мир
— Картины, которые находят свет во тьме
— Забытые шедевры Индии

С момента вспышки Covid-19 маска — эмблема пандемии — стала питал творчество художников по всему миру, принимая самые разные формы от юмористического мема до серьезного заявления.Обязательная в некоторых странах и изначально не одобряемая в других, маска является предметом споров: символом цензуры и разделения, но также и заботы и защиты.

Пародия на «Девушка с жемчужной сережкой» Иоганнеса Вермеера, «Девушка Бэнкси с проколотой барабанной перепонки» недавно была дополнена маской (Источник: PA)

В то время как социальные сети были площадкой для цифровых художников, таких как Evren, street тоже стал галереей масок. Недавно нежно приоткрытые губы девушки Бэнкси с проколотой барабанной перепонки на ночь были скрыты за защитной тканевой маской для лица.Гигантская фреска, рифф на тему «Девушка Вермеера с жемчужной серьгой», но с сигнализацией о пирсинге, впервые появилась в Бристольском доке Альбиона в 2014 году. Был ли этот жест актом любящего сохранения или циничным издевательством над нашими страхами, Бэнкси смог отрицал свою причастность.

Hijack пожертвовал 100% прибыли от своей печати Pandemonium в пользу Global Foodbanking Network (Источник: Hijack)

В районе Пико-Робертсон в Лос-Анджелесе художник-граффити Hijack недавно нарисовал из баллончика две фигуры в масках в бойлерах с моющим средством. , тряпка для перьев и пылесос в качестве оружия против вируса — без сомнения, насмешка о нашем бессилии.«В такие времена творчество может помочь нам справиться … с кризисом, подобным тому, в котором мы оказались», — говорит он BBC Culture. «Сама пьеса — это скорее наблюдение за нашим текущим психическим состоянием. Похоже, мы ведем войну против невидимого врага, посылая некоторых из нас в панику. Я хотел передать это в типичной манере Hijack ».

Эта паника, как предполагает немецкий фотограф Мариус Сперлих, иногда может быть слепой. Сперлих, чьи работы обычно исследуют человеческое тело крупным планом, покрывает глаза, уши и рот его модели белыми хирургическими масками на недавней фотографии под названием «Изоляция». Комментируя пост в Instagram, он пишет: «Наши чувства ограничены, мы изолированы и напуганы, неспособны к рациональным мыслям».

Портрет Забу нью-йоркского художника-граффити Б.К. Фокса, «Рожденного рисовать», был создан в 2019 году, но в этом году получил особый резонанс (Источник: Забу)

В то время как количество новых работ, построенных вокруг мема с лицевой маской, растет, уже существующие произведения с масками также завоевали новую аудиторию. 3-метровый портрет Забу уличного художника Б.К. Фокса в респираторной маске привнес цвета в лондонский Брик-Лейн в начале 2019 года, но фреска французского художника приобрела новое значение во время пандемии и теперь рассматривается как знаковое изображение кризиса.Маска для лица, как сказал Забу BBC Culture, теперь стала частью нашей повседневной жизни. «Он представляет собой инструмент действий и защиты — а иногда и выживания — от вируса, поэтому маски могут быть мощным изображением в этом контексте».

Дань NHS Рэйчел Лист, которая рисует свои фрески от руки, а не с использованием трафаретов, была распространена по всему миру (Фото: Рэйчел Лист) -известные художники оказались в центре внимания, а героями сделали скромных. Двадцатидевятилетняя Рэйчел Лист из Понтефракта в Западном Йоркшире пометила свою гигантскую фреску с маской тегом #itwasntbanksy, чтобы положить конец спекуляциям, которые начались, когда ее предыдущая серия из настенных картин с изображением маленькой мультипликационной медсестры Национальной службы здравоохранения в лицевой маске появилась в Твиттере. .

Лист, которая зарабатывает на жизнь росписью фресок в детских спальнях, видела, что ее работа иссякла с момента изгнания из тюрьмы, но заказ на плакат с благодарностью Национальной службы здравоохранения для местного паба привел к ряду запросов о ее веселых подношениях службе здравоохранения .Лист раздает отпечатки 500 сотрудникам NHS и собирает средства для NHS и хосписа принца Уэльского через аукционы ее работ. «Что меня поражает в маске, так это то, что вы не видите улыбок людей. Это возвращает фокус к глазам, что делает его действительно выразительным », — сказала она BBC Culture.

Том Крофт нарисовал портрет медсестры A&E Харриет Дуркин бесплатно после публикации в социальных сетях (Источник: Том Крофт)

Оксфордский художник-портретист Том Крофт также использовал свои навыки художника, чтобы признать жертву, принесенную работниками по уходу. во время кризиса.Когда пандемия заставила его изо всех сил пытаться найти цель в своей работе, он решил предложить бесплатный портрет первому работнику NHS, который с ним связался. Харриет Дуркин, медсестра отделения неотложной помощи из Королевского лазарета Манчестера, вскоре была увековечена маслом в полных СИЗ с массивной центральной рамкой маски для лица 3M. Используя хэштег #portraitsforheroes, Крофт пригласил других художников присоединиться к инициативе и объединиться с работниками на передовой.

Крофт относился к маске двойственно. «Маска защищает, надеюсь, но она также создает барьер между пациентом и медицинским работником и влияет на человеческую связь, к которой мы привыкли, что является огромной частью медицинской помощи», — сказал он BBC Culture.«Только глядя в глаза, гораздо труднее разобрать выражение лица под ними. Я понимаю, что это может вызвать дополнительное беспокойство у пациентов ». Крофт планирует снять второй портрет Харриет без СИЗ, расслабленной и улыбающейся дома. «Я чувствовал, что важно описать ей обе стороны, чтобы дать более полную картину того, кто за маской обеспечивает уход», — говорит он.

Британская художница Ровена Дринг вышила лица на масках холста, в том числе на изображении Амстердаммера (Фото: Ровена Дринг)

«Одна из шуток среди моих друзей заключается в том, что я только что изменил свой набор навыков», — говорит художник из Амстердама. Ровена Дринг, которая также увидела в пандемии призыв к действию.Двусторонний подход Дринг, основанный на традиционных ремесленных навыках для воссоздания контекста вышивки и рисования, принял новый поворот, когда она объединила функцию и искусство, чтобы решить проблему нехватки масок для лица.

«Я производитель: человек, который реагирует на ситуации, создавая вещи», — говорит она BBC Culture. «Я очень тщательно исследовал материалы, которые использовал с помощью врача, но в то же время я хотел рассмешить людей». Результатом стала постоянно расширяющаяся коллекция масок из хлопкового полотна, пропитанного пчелиным воском, с вышитыми кудрявыми усами, косматой бородой и улыбками. Когда новые дизайны выпали из ее импровизированной домашней мастерской, они были отправлены друзьям и родственникам или проданы онлайн-покупателям. «Мне нравятся смайлики», — говорит она. «Очень забавно пойти с ними в супермаркет».

Маска для лица также повлияла на дизайн одежды. В апреле нигерийский модельер и знаменитый стилист Тианна Тойин Лавани создала ослепительную одежду в маске, чтобы повысить осведомленность о вирусе. Теперь у Лавани есть команда портных, работающая из ее дома в Лагосе, где маски теперь являются обязательными, которые изготавливают инкрустированные драгоценностями маски из африканских тканей для продажи или пожертвования.

Макс Зидентопф извинился за оскорбление своей серии, утверждая, что его цель состояла в том, чтобы вдохновить других «взглянуть на вещи с другой точки зрения». фотографии в щеку, сделанные намибийско-немецким художником Максом Зидентопфом в его скандальной серии «Как выжить при смертельном глобальном вирусе». «Я начал видеть в Интернете всевозможные самодельные маски для защиты от вируса, сделанные из обычных предметов домашнего обихода», — говорит он BBC Culture. «В разгар этого кризиса я хотел сосредоточиться на творчестве этих масок и на том, как преодолевать препятствия или проблемы, вы все еще можете найти умные и творческие решения».

Критикуемые за бесчувственность и вводящие в заблуждение изображения, одних ужаснули, а других вдохновили. Но наблюдая с кулисами, Зидентопф был поражен появлением фотографий людей, копирующих маски из сериала. «Мне понравилось, как искусство имитировало жизнь, а затем жизнь имитировала искусство и замкнулась», — говорит он.

Тацуя Танака использовал маски в записи своего миниатюрного календаря от 31 марта (Источник: Тацуя Танака)

В Японии маска для лица стала предметом домашнего обихода и нашла свое отражение в замысловатых работах японского художника-миниатюриста Тацуи Танаки. который сочетает повседневные предметы в реальном размере с человеческими фигурами высотой 2 см.С 2011 года Танака выпускает ежедневные изображения в рамках продолжающейся серии миниатюрных календарей. 31 марта была опубликована фотография крохотных серфингистов на приливной волне масок с надписью «Мы преодолеваем многие трудности». Мотив маски для лица снова появился 1 мая, когда Тацуя опубликовал изображение доктора в маске, проводящего видеоконсультацию на шоколадном компьютере.

В то время как многие страны находятся под запретом, повседневные предметы домашнего обихода находят отклик у артистов и публики как никогда.«Изменение того, что вы обычно видите в повседневной жизни, — в Японии это называется« митате »- делает повседневную жизнь увлекательной», — сказал Тацуя BBC Culture. «Еще до кризиса в Японии я пользовалась масками ежедневно. Это не редкость, но я привлек много внимания из-за кризиса, вызванного коронавирусом, поэтому я сделал это мотивом », — говорит он.

Микроискусство Хасана Кале включает в себя рисование медицинских работников на маске и обезболивающее (Фото: Хасан Кале)

Работа турецкого художника-микрохудожника Хасана Кале также требует переоценки знакомых предметов.Затаив дыхание, чтобы успокоить руку, он рисует портреты и пейзажи на крохотных предметах, таких как головки спичек и косточки яблока, превращая их в то, что он называет «художественными капсулами».

Недавние холсты Кале включали таблетку парацетамола и клапан хирургической маски для лица, на обоих изображениях изображены медицинские работники в масках в знак благодарности за их служение обществу. При внимательном рассмотрении планшета выясняется, что маски не мешали их владельцам передать микроскопическое послание от имени художника.«Мы видели вред, который мы причинили миру, — говорит Кале. «Коронавирус — это возможность стать лучше».

Если вы хотите прокомментировать эту историю или что-то еще, что вы видели на BBC Culture, перейдите на нашу страницу Facebook или напишите нам на Twitter .

И если вам понравилась эта история, подпишитесь на еженедельную рассылку новостей bbc.com , которая называется The Essential List.Специально подобранная подборка историй из BBC Future, Culture, Worklife и Travel, которые доставляются вам на почту каждую пятницу.

Натюрморт Серия масок: GUO Cheng

静物 面具 系列
全 彩 ​​砂岩 (3D 打印)
2017

面具 系列 是 利用 谷 DeepDream （人工 神经 网络 算法） 为 主体 所 «观察» 到 的 图像 为 素材 ， 通过 的 测量 法 (фотограмметрия) 所 的。 观察 行为 当 （生物 非 生物 ， 人 与 非人）） 皆 被 人工 神经 网络 视为 像素 （数据） 并 加以 分析。 即 此 行为 中 ， 人 的 主体 性 被 消解 、 物化 ， 一种 静物 （натюрморт） （

Натюрморт Серия масок
Полноцветный песчаник (3D-печать)
2017

Серия «Натюрморт Маски» представляет собой группу полноцветных 3D-печатных масок.Модель маски реконструируется с помощью инструмента фотограмметрии из серии фотографий головы художника. Однако использованные фотографии были воссозданы и улучшены с помощью искусственной нейронной сети Google DeepDream *. В этом проекте используется анализ низкоуровневых слоев DeepDream, который чувствителен к базовым функциям, таким как особенности на основе цвета и геометрии. Вместо того, чтобы интерпретировать исходные фотографии в обычные психоделические и похожие на животных изображения (что является результатом анализа слоев среднего и высокого уровня), результат в трех измерениях представляет собой текстуру, подобную картине, в сочетании с сюрреалистической формой.

Анализ низкоуровневых слоев Deepdream показывает, как ИИ воспринимает мир с первого взгляда, а не с переоценкой вердикта. Каждый видимый объект равен искусственной нейронной сети компьютерного зрения. Пиксели стола так же важны, как и пиксели живого существа. Механизм распознавания можно рассматривать как поиск связи между данными (увиденными) и данными (обученными) — от одной абиотической вещи к другой абиотической вещи. Тогда для искусственной нейронной сети каждый взгляд — это НАТУРАЛЬНАЯ ЖИЗНЬ.В то время как взгляд выявляет слабый нервный огонь, наблюдение сильное. Он просматривает пиксель за пикселем, собирает всю информацию и воссоздает ее улучшенным способом: от цвета, отраженного от окружающей среды, до складки в тени. Он создает гештальт, преобразовывая все эти острые впечатления в трехмерный объект.

Натюрморт Маска No1

Одно из оригинальных изображений (до воспроизведения Google Deepdream)

Одно из изображений, воспроизведенных Google DeepDream

Натюрморт Маска No. 2

Натюрморт Маска No3

Маски натюрморт изображение_фото номер 501557196_jpg формат изображения_ru.lovepik.com

Применимые группы	для личного пользования	Команда запуска	Micro Enterprise	Среднее предприятие
Срок авторизации	Навсегда	Навсегда	Навсегда	Навсегда
Портретное разрешение		Навсегда	Навсегда	Навсегда
Авторизованное соглашение	Персональная авторизация	Авторизация предприятия	Авторизация предприятия	Авторизация предприятия
Онлайн-счет-фактура
Маркетинг в социальных сетях (Facebook, Twitter, Instagram и др.)	Личное Коммерческое использование (ограничение 20 000 показов)
Маркетинг в цифровых СМИ (SMS, электронная почта, интернет-реклама, электронные книги и т. Д.)	Личное Коммерческое использование (ограничение 20 000 показов)
Интернет, мобильные устройства, программное обеспечение Дизайн страницы Веб-дизайн и дизайн приложений, программное обеспечение и игровая оболочка, H5, электронная коммерция и продукты и т. Д.	Личное Коммерческое использование (ограничение 20 000 показов)
Печатные экземпляры физического продукта Упаковка продукции, книги и журналы, газеты, открытки, плакаты, брошюры, купоны и т. Д.	Личное Коммерческое использование (ограничение печати 200 копий)	Лимит 5000 Копий Печать	Лимит 20000 Копий Печать	Неограниченное количество Копий Печать
Отчет по маркетингу продукта и бизнес-плану Предложение дизайна сети, дизайна VI, маркетингового планирования, PPT (неперепродажа) и т. Д.	Личное Коммерческое использование
Маркетинг и показ наружной рекламы Наружные рекламные щиты, реклама автобусов; витрины магазинов, офисные здания, гостиницы, магазины, другие общественные места и т. Д.	Личное Коммерческое использование (ограничение печати 200 копий)
СМИ (CD, DVD, фильм, ТВ, видео и т. Д.)	Личное Коммерческое использование (ограничение 20 000 показов)
Перепродажа физического продукта текстиль, чехлы для мобильных телефонов, поздравительные открытки, открытки, календари, чашки, футболки
Интернет-перепродажа Мобильные обои, шаблоны дизайна, элементы дизайна, шаблоны PPT и наши дизайны в основном элементе для перепродажи. Leave a comment 16.07.2019 by : alexxlab Разное Художника предметы: С какими материалами работает художник С какими материалами работает художник На рынке представлен широкий ассортимент художественных принадлежностей. Ниже приведено краткое описание отдельных аксессуаров, своеобразный «ящик с инструментами» для художника. Существуют различные типы мольбертов. Для рисования на открытом воздухе используются мольберты на трех ножках. Они легкие, достаточно устойчивые, их высота регулируется, и у них есть механизм стабилизации верхней части рисунка. К тому же они складные, что облегчает транспортировку. Студийные мольберты в основном используются для работы в студии. Они более массивны, чем уличные мольберты и более устойчивы. У студийных мольбертов есть возможность регулировать как высоту, так и угол наклона. Также есть мольберты со встроенным выдвижным ящиком, который можно использовать для хранения красок, кистей и т.д. Небольшие настольные мольберты предназначены для небольших форматов изображений. Что касается бумаги, существует огромный выбор цветов и типов, в зависимости от используемой техники. Бумага характеризуется различной степенью зернистости и впитываемости. Для акварельной живописи и других водных технологий разработаны специальные виды бумаги, например, из серии Fabriano, доступные в виде отдельных листов или в виде целых блоков. Для масляной и акриловой живописи чаще всего используют грунтованный льняной холст, а также грунтованные древесноволокнистые плиты, картон, фанеру и т.д. Реже используется бумага, поскольку это может привести к растрескиванию краски. Для рисования углем, сангвином и карандашами можно использовать альбом для рисования, а также мы можем выбрать из широкого ассортимента видов картона. Для картин, выполненных в технике сухой пастели, рекомендуется велюровая бумага.   Кисти и шпатель. Существует очень большой выбор кистей, как натуральных, так и искусственных. Их размеры и формы также разнообразны: наиболее популярны круглые, плоские и в форме кошачьих язычков. Крепкие и гибкие кисти из свиной щетины походят для работы с маслом. Но с более тонкими рисунками в этой же технике мы также можем использовать кисти из меха белки или куницы. Щетина из куницы и белки, а также и более дешевые кисти из коровьего волоса очень хорошо работают с деликатными красками, темперой, акварелью, а также с акриловыми красками. Кисти с искусственной щетиной тоже имеют хорошее качество. Стоит также упомянуть шпатели. Они могут иметь классическую форму шпателя или быть достаточно узкими. Нанесение краски шпателем позволяет получить интересные текстуры, кроме того, с помощью шпателя мы можем смешивать краски. Карандаш, уголь, сангвина. Карандаши делятся на твердые (отмеченные знаком H), которые дают легкую и четкую линию, обычно используемую в технических чертежах; карандаши с маркировкой B — мягкие с жирной темной линией — используются в основном в художественной графике и полутвердые с маркировками F и HB. На карандашах H и B рядом с буквой есть также число, указывающее уровень твердости (в H) или мягкости (в B): чем выше значение, тем мягче или тверже карандаш. Графитная вставка для карандаша заключена в дерево, но на рынке также имеются чистые графитовые палочки. Кроме того, для рисования используется уголь. Он выпускается как в виде палочек, так и карандашей — сангвиников и меловых карандашей разных цветов. На рынке представлен очень большой выбор красок и большой выбор производителей. Масляные, акриловые и акварельные краски, а также темперы доступны в очень широком диапазоне цветов. Масляные краски продаются в тубах разных размеров, отдельно, а также в целых наборах, акриловые краски выпускаются в тубах и банках — стеклянных или пластиковых. Акварельные краски можно купить в сухом виде — в палитре и в виде крема, также в палитре и в тюбиках доступны акварельные карандаши. Заготовки продаются в тубах разных размеров, как по отдельности, так и в наборах. Также на рынке доступны сухие и масляные (жирные) пастели. Масляные пастели выпускаются в виде палочек, их можно купить как по отдельности, так и в виде целых наборов, и они имеют широкий спектр цветов. Масляная пастель может быть разбавлена скипидаром для получения живописного эффекта. Сухие пастели выпускаются в виде простых палочек или палочек с квадратным сечением. Мы также можем купить пастели в карандашах. Есть много компаний, производящих пастели, они предлагают как целые наборы, так и отдельные образцы. Разбавители — в масляной живописи наиболее популярными разбавителями являются льняное масло — оно жирное и долго сохнет, а также скипидар, который обезжиривается и быстро сохнет. Закончив работу масляными или акриловыми красками, стоит защитить рисунок лаком. Здесь у нас есть выбор, в зависимости от того, какой эффект отделки мы хотим: матовый лак или глянцевый. Также закрепляющий лак используются для консолидации и закрепления работ, выполненных в технике сухой пастели. Стоит также упомянуть о разнообразии палитр. Они имеют разные формы и обычно изготавливаются из дерева или пластика. [Всего: 1   Средний:  5/5] Необходимые материалы и инструменты для художника Окружающий мир изменяется ежесекундно, поэтому работы современных художников не похожи на картины их предшественников. Создать произведение искусства может мастер, только имея талант и необходимые инструменты. Сегодня художники, не выходя из дома, заказывают в интернете на специализированных сайтах необходимые материалы и инструменты, это так же просто как купить аксессуары здесь phone.1k.by. Ведь, согласитесь, с подробным описанием продукции и фото, её просто выбрать. Отображая на холсте чувства и эмоции, живописец создает индивидуальную работу, при помощи которой хочет донести до человечества определенный смысл. Настоящий мастер постоянно работает – гуляя по городу, смотря киноленты, читая книги, общаясь с прохожими, слушая песни, таким образом, он вдохновляется. Приступая к работе, сначала живописец набрасывает эскиз на холст, а затем вносит необходимые краски. Срок написания картины зависит от материалов, с которыми работает художник. Все имеет свойство меняться, хоть материалы и инструменты художника дорабатываются, но основные остаются неизменными: Карандаши; Кисти; Холсты; Краски; Ластик. Теперь о каждом из них расскажем более подробно. Обычный простой карандаш самый незаменимый и уместный инструмент. Сейчас им делают не только наброски работы, но и создают картину полностью. Отличие карандашей в твердости, чтобы линии были тонкие, необходимо использовать твердый карандаш, соответственно для толстых линий – с мягким стержнем. К такому инструменту, как ластик, стоит серьёзно относиться. Потому что от этой, казалась бы маленькой детали, зависит качество всего рисунка. При помощи ластика можно аккуратно удалить ненужные линии, как будто их и не было на холсте. Выбирая кисть, нужно понимать, какими красками вы будете работать и какую технику применять. В магазинах огромный выбор кистей, они разняться по формам, видам, типам пучков и материалам изготовления. Для каждой техники и краски есть определенные кисти, но желательно выбирать кисти, изготовленные из натуральной ворсы. Они дольше прослужат и выполнят все необходимые функции. Приобретая холст, необходимо учитывать материал и плетение, так как от этого зависит реакция на влажность и температуру. Вы должны понимать, какими красками будете работать, из какого материала вам нужно полотно, пожелания по креплению картины. Теперь азы вы знаете, а это предполагает, что вы сможете вдохновиться и отобразить при помощи материала, инструментов и уникального таланта невероятный посыл, которым будут любоваться многие поколения. Наталия Пешкова © Gallerix.ru ]]> Необычные и странные инструменты и материалы современных художников Знакомство с традиционным изобразительным искусством обычно начинается с бумаги и карандаша. Со временем художник заменяет грифель акварелью, пастелью, масляными красками. А некоторым творческим людям для самовыражения недостаточно обычных кистей и они берутся за… Да за что только они не берутся! И творят чудеса. В ход идет все — кофе, пиво, вино, молоко и даже кровь. Рисуют руками, ногами, пальцами, грудью и интимными частями тела. Делают это в кафе, на улице и даже под водой. Чем рисуют художники: Вино вместо красок Элизабетта Рогаи рисует белым, розовым и красным вином. Не имеет значения крепость и букет напитка, главное — результат. А он ошеломительный, ведь вино по мере старения меняет свой цвет на полотне и приобретает совершенно новые неповторимые оттенки. Чем рисуют художники: Сладость в радость Отман Тома покупает мороженое, дожидается, пока оно подтает и приступает к делу — создает воздушно-невесомые изображения, похожие на акварель. По окончанию работы художник фотографирует готовый рисунок вместе с орудиями труда — с кистями и остатками мороженого. Чем рисуют художники: Золотом по черному Лайна Виктор выбрала необычный и очень дорогой материал для своих рисунков — из листов золота она создает роскошные картины в современном стиле с примесью средневековой атмосферы. Да, хобби дорогое, но роскошная красота не может стоить дешево. Чем рисуют художники: Написано кровью Один из немногих художников, чьи работы удостоены чести выставляться в Музее Гигера. И это не удивительно — в картинах Винсент Кастилья затрагивает вопросы рождения, жизни и смерти, проводит путь человека через боль, секс и мучения. И невозможно найти более выразительный материал для воплощения задуманного, чем кровь. Причем Винсент использует исключительно свою кровь, не прибегая к помощи доноров. Чем рисуют художники: Картина маслом под водой Редким счастливчикам везет в жизни настолько, чтобы объединить два хобби в одно и получать удовольствие от любимого дела. А вот группа украинских дайверов умудрилась это сделать: художники-экстремалы пишут пейзажи с живой натуры. Ребята опускаются на дно Черного и Красного морей с холстом, красками и водонепроницаемым клеем, чтобы перенести на полотно всю красоту подводного царства. Чем рисуют художники: Интим не предлагать? Не обходится в изобразительном искусстве и без курьезов. Австралийский мастер Тим Патч и американская художница Кира Айн Варсзеджи принадлежности для рисования носят всегда с собой. Филейной частью тела Тим оформляет фон картины, а когда нужно нанести на полотно основные детали, ловко орудует «мужским достоинством». Ну, а Кира удивляет поклонников красочными и оригинальными сюжетами, созданными грудью. Несмотря на странный выбор орудия, картины у художников получаются по-настоящему интересными. Чем рисуют художники: Ловкость пальцев и никакого мошенничества Каждая работа Паоло Троило — шедевр. Самоучка пальцами наносит на холст акриловую краску и создает настолько реалистичные изображения, что ему завидуют профессионалы с академической художественной базой за плечами. Основная тема произведений Паоло — мужское тело в монохромной гамме. Совершенное, безупречное и живое. Словарь художественных терминов и понятий абрис (от нем. abriß — чертеж, контур) — линейные очертания изображаемой фигуры или предмета. акцент — прием подчеркивания цветом, светом, линией или расположением в пространстве некоторой фигуры, лица, предмета, детали изображения, на которую нужно обратить особое внимание зрителя. аэрограф — прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом при нанесении её на бумагу, ткань и др. багет (от фр. baguette, букв. палочка) — деревянная или пластиковая планка для изготовления рамок для картин и украшения стен. валёр (от франц. valeur — ценность, достоинство) — оттенок тона, выражающий (в соотношении с др. оттенками) какое-либо количество света и тени. вариант — авторское повторение произведения или его отдельных частей с некоторыми изменениями, внесенными в: композиционное или цветовое решение, жесты и позы изображенных людей, расстановку предметов. вернисаж (от франц. vernissage, буквально — покрытие лаком) — торжественное открытие выставки, в котором участвуют специально приглашенные лица: художники, критики, люди, связанные с искусством и т.д. граттаж (от франц. grattage, от gratter — скрести, царапать) — способ выполнения рисунка путём процарапывания пером или острым инструментом бумаги или картона, залитых тушью по воску. грунт (от нем. grund — основа) — тонкий слой специального состава, наносимый поверх основы с целью придать ее поверхности нужные художнику цветовые или фактурные свойства и ограничить чрезмерное впитывание связующего вещества. деформация — художественный прием, усиливающий выразительность образа, состоящий в изменении видимой формы изображения. декоративность — совокупность художественных свойств, усиливающих эмоционально-выразительную и художественно-организующую роль изобразительного искусства. диптих (от греч. diptychos — двойной, сложенный вдвое) — две картины, связанные единым замыслом. детализация — тщательная проработка деталей изображения. дублирование — в реставрации — укрепление поврежденной или обветшавшей основы живописного произведения наклеиванием ее на другую основу. Обычно дублирование применяется в области масляной живописи. жанр (от франц. genre, от лат. genus — род, вид) — исторически сложившееся внутреннее подразделение во всех видах искусства. жухлость — изменения в красочном слое, из-за которых часть поверхности картины или этюда делается матовой, теряет блеск и звучность красок. карнация — живописные приемы многослойного наложения красок, применяемые при изображении кожи человека, его лица и других обнаженных частей тела. колорит (от итал. colorito, от латинского color — цвет, окраска) — система соотношений цветовых тонов, образующая определенное единство и являющаяся эстетическим претворением красочного многообразия действительности. коллаж (от французское collage, буквально — наклеивание) — технический приём в изобразительном искусстве, наклеивание на какую-либо основу материалов, отличающихся от неё по цвету и фактуре. композиция (от латин. compositio — составление) — построение художественного произведения, обусловленное его содержанием и характером. Композиция является важнейшим элементом художественной формы, придающим произведению единство и целостность. контрапост (от итал. contrapposto — противоположность) — прием изображения, при котором положение одной части тела контрастно противопоставлено положению другой части. корпусное письмо — технический прием в живописи ; работа масляными, темперными и другими красками, накладываемыми уплотненным, непрозрачным слоем. коропластика — изготовление женских фигурок из обожженной глины, воска, гипса и пр. кракелюр (от франц. craquelure — мелкая трещина) — трещина красочного слоя в произведениях живописи. кракле (от франц. craquele) — сеть тонких трещинок на глазурованной поверхности керамических изделий, созданная для декоративного эффекта. лессировка (от нем. lasierung — покрытие глазурью) — прием живописной техники, состоящей в нанесении очень тонких слоев прозрачных и полупрозрачных красок поверх высохшего красочного слоя. люстр — тонкая прозрачная пленка, наносимая на глазурованную поверхность фарфоровых и фаянсовых изделий для придания им после обжига радужного металлического блеска. мастихин (с итал. mestichino — шпатель) — инструмент из гибкой стали в виде ножа или лопатки. Мастихин применяется художниками для очистки палитры или для частичного удаления незасохшей краски с картины. Также мастихин используется вместо кисти для нанесения краски ровным слоем или рельефным мазком на картину. миниатюра — произведение изобразительного искусства, отличающееся небольшими размерами и тонкостью художественных приемов. моделировка (от франц. modeler — лепить) — передача рельефа, формы изображаемых предметов и фигур в условиях того или иного освещения. В рисунке моделировка осуществляется светотенью с учетом перспективного изменения форм. мольберт (от нем. не употребляемого более malbrett — полка для живописи) — деревянный или металлический станок для живописи, на котором на различной высоте и с разными наклонами укрепляются подрамник с холстом, картон или доска. монохромия (от греч. моно — один и chroma — цвет) — одноцветность произведений декоративно-прикладного искусства, скульптуры и архитектуры. монументальная живопись — живопись на архитектурных сооружениях и других стационарных основаниях. Основные техники монументальной живописи — фреска, мозаика, витраж. Монументальная живопись — древнейший вид живописи, известен с палеолита (росписи в пещерах , Ляско и др.). Благодаря долговечности, произведения монументальной живописи остались практически от всех культур. муштабель (от нем. Maßstab) — деревянная палочка, с помощью которой поддерживается правая рука живописца при работе над мелкими деталями картины. набросок — произведение живописи, графики или скульптуры небольших размеров, бегло и быстро исполненное художником. нюанс (от франц. nuance — оттенок) — очень тонкий оттенок цвета или очень легкий переход от света к тени. обскура (от лат. obscurans — темный) — известная со средних веков темная камера с одним миниатюрным отверстием. Камера-обскура способна проецировать на стену перевернутое уменьшенное изображение предметов, на которые направлено отверстие. Камера-обскура использовалась художниками 18 века при подготовке эскизов. основа — холст, доска, фанера, картон, бумага, шелк и т.д., на который наносят грунт и красочный слой живописи. палитра (от франц. palette) — 1) небольшая тонкая деревянная доска для смешения красок; 2) характер цветовых сочетаний, типичных для данной картины, для произведений данного художника или художественной школы. панно (от фр. panneau — плоскость, от лат. pannus — кусок ткани) — 1) часть стены, выделенная обрамлением (лепной рамой, лентой орнамента и т. п.) и заполненная живописным или скульптурным изображением; 2) картины больших размеров на холсте, заполняющая пространство (обычно в простенках). панорама (от греч. pan — всё и horama — зрелище) — 1) синтетический вид искусства, рассчитанный на создание зрительной иллюзии, эффекта присутствия при изображенном событии; 2) круговая лента-картина и расположенный перед ней предметный план. паспарту (от франц. passe-partout) — картонная рамка для рисунка, гравюры, фотографии, акварели или гравюры. пастозность (от итал. pastoso — тестообразный) — качество красочного слоя, которое возникает благодаря неровному нанесению на грунт густой пасты-краски. перспектива (от франц. perspective, от лат. perspicio — ясно вижу) — система изображения объемных тел на плоскости, передающая их собственную пространственную структуру и расположение в пространстве, в том числе удаленность от наблюдателя. пинакотека (от греч. pinax — картина и theke — вместилище) — собрание произведений живописи, картинная галерея. пинакс (от греч. pinax — картина) — древнегреческая станковая живопись на досках. пластические искусства — виды искусства, произведения которых: существуют в пространстве, не изменяясь и не развиваясь во времени; имеют предметный характер; выполняются путем обработки вещественного материала; воспринимаются зрителями непосредственно и визуально. пластичность (от греч. plastikos — податливый, пластичный) — качество, присущее скульптуре, художественная выразительность объёмной формы. пленэр (от франц. plein air, буквально — открытый воздух) — 1) передача в картине всего богатства изменений цвета, обусловленных воздействием солнечного света и окружающей атмосферы; 2) живопись на открытом воздухе. подмалевок — подготовительная стадия работы над картиной, выполняемой в технике многослойной масляной живописи. подрамник — деревянный прямоугольный каркас, на который натягивается холст, на котором затем пишется картина. Законченная картина на подрамнике вставляется в багет. полихромия (от греч. поли — много и chroa — цвет) — многоцветность (не менее 2 цветов) произведений декоративно-прикладного искусства, скульптуры и архитектуры. полутень — элемент светотени; градация светотени на поверхности предмета, занимающая промежуточное положение между светом и глубокой тенью. поновления — неавторские прописки, закрывающие подлинную живопись в отдельных местах ее поверхности. прием — отличительные черты художественного творчества, отражающие индивидуальность художника, его стиль. профиль (от франц. profil, от итал. profile — очертание) — вид лица или предмета сбоку. размывка — техника работы кистью с обильным применением воды, дающая возможность достигать сложных и богатых живописных эффектов в рисунках сепией, тушью, акварелью и др. ракурс (от франц. raccourci — сокращение, укорачивание) — перспективное сокращение изображенных предметов. Применяется для наиболее эффектной передачи движения и пространства. растушевка — растирание на листе бумаги линий и штрихов, проведенных карандашом, сангиной, пастелью и т.д. Растушевка выполняется растушкой, резинкой, хлебным мякишем или пальцем. растушка — короткая палочка из бумаги или замши с конусообразными концами для растирки штриха в пятно при рисовании пастелью и другими мягкими материалами. реплика (от фр. replique — отпечаток, повторение) — авторская копия художественного произведения, отличающаяся от оригинала размерами или отдельными деталями изображения. ретушь (от франц. retouche, от retoucher — подрисовывать, подправлять) — исправление изображений. рефлекс (от лат. reflexus — обращенный, повёрнутый назад, отражённый) — в живописи (реже в графике) — отсвет цвета и света от какого-либо предмета, возникающий в тех случаях, когда на этот предмет падает отсвет от окружающих объектов (соседних предметов, неба и т.д.). ритм — особенность композиционного построения произведений, представляющая собой чередование или повторение каких-либо частей. Ритм усиливает выразительность художественного образа. розетка (от франц. rosette, буквально — розочка) — орнаментальный мотив в виде стилизованного распустившегося цветка (например, розы).   Техники изобразительного искусства Стили и направления живописи Жанры живописи Рубрика: изобразительное искусство, искусствоведение, словарь художественных терминов © Материал подготовлен художественной галереей Арт СПб При полном или частичном копировании прямая ссылка на сайт — www.art-spb.ru обязательна! Словарь современного искусства для чайников – Архив Главная проблема с современным искусством не в том, что оно непонятно, а в том, что про него не принято говорить на человеческом языке: текст среднестатистического искусствоведа способен понять только среднестатистический искусствовед. «Афиша» решила разъяснить ключевые искусствоведческие термины так, чтобы эти термины стали понятны даже детям. Двое учащихся средних классов — Матвей Осколков (12 лет) и Миша Сапрыкин (10 лет) — под присмотром Юрия Сапрыкина и Ольги Уткиной поговорили со знающими художниками и кураторами и составили первый в истории общедоступный словарь современного искусства с комментариями Никиты Алексеева, Сергея Браткова, Вадима Захарова, Юрия Никича и Александра Шабурова.  Абстрактное искусство «Поверхность, на которую нанесена краска, не являющаяся символом или изображением» (Захаров) «Это когда художник рисует не людей и не деревья, а пятнышки, серенькие и зелененькие» (Шабуров) «Когда мы ничего не видим в произведении искусства знакомого глазу, как бы каля-маля» (Братков) Автоматизм Искусство, в котором произведения создаются автоматически, как бы с выключенной головой. «У художников руки до такой степени заучены, что они не могут произвести ничего, кроме прямых линий или правильных окружностей. И они придумывают себе ходы, чтобы не насиловать материалы, чтобы что-то рисовало само собой. Я, например, выключал свет и рисовал в темноте. Или в поезде, где все трясет» (Шабуров) Актуальное искусство Искусство, которое модно, интересно, современно сейчас. «Мир современного искусства состоит из кураторов, критиков, художников, которые формируют понятие того, что актуально. Иногда они правы, иногда нет» (Алексеев) «Актуальность связана с оценкой искусства: если бы вам в школе не ставили оценки, вы бы не могли понять, кто из вас актуален, а кто нет. Современное искусство — это как поверхность воды, а актуальное — это то, что выпрыгивает оттуда» (Захаров) Акционизм Искусство, которое заключается в действиях самого художника. «Это некое действие в рамках некоего временного промежутка, где автор рассказывает — с помощью движений, пространства или других людей — что-то, о чем он хочет сообщить» (Захаров) «Я беру чашку кофе — это акция. Чтобы акция стала искусством, нужно, чтобы это делал художник и чтобы ее признали искусством люди, являющиеся профессионалами в области искусства» (Алексеев) Арте-повера В переводе с итальянского — «бедное искусство». Направление, использовавшее случайные, найденные предметы: палки, кирпичи, куски ржавого железа. «Была классическая работа Кунелиса: зритель приходит в галерею, а там стоят лошади, сено едят. Или у него же: мешки с углем, прикрепленные железнодорожными рельсами к стене. Какой в этом смысл? Художник берет вещи, в которых нет ничего красивого, которые везде валяются, — и говорит тем самым, что вы вот не обращаете на это внимания, а ведь это очень интересно. А красота — понятие относительное» (Захаров) Ассамбляж Произведение, сделанное из готовых предметов. «Возьмем поднос, прикрепим к нему тарелку, чашку, вилку и нож, поместим в раму и повесим на стену — это будет ассамбляж» (Алексеев) Биеннале Выставка, проходящая раз в два года. «Все биеннале проходят в каких-то глухих деревнях. Венеция — классический пример: это самое глухое место, ничего современного там нет. Все биеннале обладают двумя качествами: у них крайне невнятные темы, придуманные кураторами, и все художники приносят работы, никакого отношения к этим темам не имеющие» (Шабуров) Видеоарт «Это когда не умеющий пользоваться видеокамерой человек что-то скучно и медленно снимает и зрители якобы должны смотреть и восхищаться» (Шабуров) Визуализация «Показывание предмета или идеи, то, что мы предъявляем глазам зрителей» (Братков) «Когда то, о чем ты мыслишь, превращается в образ» (Никич) Гиперреализм «Картины, которые еще больше похожи на фотографию, чем сама фотография» (Алексеев) Дадаизм «Движение художников начала XX века, цель которых — выбить зрителя из традиционных представлений о том, что такое искусство» (Захаров) «Замечательные были ребята, издевались над всем, что происходит вокруг. Например, Марсель Дюшан выставил репродукцию Джоконды с пририсованными усами» (Алексеев) Деконструкция «Есть конструктор; начинаешь вынимать из него винтики — все разваливается на части — вот тебе и деконструкция» (Алексеев) «Разрушение конструкции, при котором можно понять, из чего эта конструкция состояла. Например, мы берем картину Шишкина «Утро в сосновом бору». Это же нечестное произведение Шишкина, поскольку мишек нарисовал не он. И вот я делаю копию этой картины, но без мишек. Это деконструкция произведения — я тут хочу рассказать людям, что Шишкин не умел рисовать медведей и эта картина, по идее, выглядела по-другому» (Никич) Дискурс Разговор, рассуждение. «Ход, линия, методика мысли» (Захаров) «Люди решили, что это нечто большее, просто потому, что плохо учили языки» (Алексеев) «Один мой приятель дал удачное определение: дискурс — это вербализованная парадигма» (Шабуров) Живопись действия Живопись, результат которой зависит от движений тела художника. «Самый знаменитый художник — это Джексон Поллок. Он расстилал огромные холсты на полу, бегал вокруг с банками жидкой краски и плескал краску на холст» (Алексеев) Инсталляция «Помните, вы в детском садике играли в игрушки, то есть расставляли их определенным образом. Расстановка своих игрушечек — это и есть инсталляция» (Шабуров) Институция Организация, которая занимается искусством, обслуживает его или продает, — галерея, издательство, художественная школа и прочее. Интерпретация «Критики доказывают, что на самом деле автор не просто неуч и неумеха, это он просто так выражает свои мысли» (Шабуров) Интертекстуальность «Классический пример этому — Геннадий Хазанов. Помните, он изображал испорченный приемник, который переключался с одного канала на другой, и на одном идет режим Брежнева, на другом — сказка про Красную Шапочку, а на третьем — Николай Озеров комментирует футбольный матч» (Шабуров) Кинетизм Направление искусства, работающее с движущимися механизмами. «Получаются предметы, которые крутятся, поднимаются и опускаются — при помощи моторчика или просто ветра» (Алексеев) Китч Нечто безвкусное, банальное, но вызывающее интерес. «Филипп Киркоров, к примеру, омерзителен, но легче не расстраиваться по этому поводу, а найти способ посмеяться над ним» (Алексеев) Концептуализм Искусство, в котором идея того, что придумано, важнее того, как это сделано или нарисовано. «Сегодня можно сказать, что любой художник, у которого есть цель сказать что-либо, является концептуальным. Для него важна идея — не столько воплощение, а сам факт того, что он это придумал» (Захаров) Куратор Человек, который придумывает выставку и отвечает за ее организацию. «Многие кураторы даже начали толкать идею, что это они все значат, а художники никакой роли не играют. Есть куратор Мизиано, а художники Гутов и Осмоловский — лишь краски на его палитре» (Шабуров) Ленд-арт Направление, в котором художники работают с природой. «Помимо того что художники рисовали картины, они ведь еще где-то жили, картошку сажали, пололи ее и окучивали. И в какой-то момент они подумали, как бы эти две области совместить. И начали заниматься художественно-сельскохозяйственными проектами. Надо им от речки до бахчи арык прорыть — они думают, сделаем из этого художество: не прямой он будет, а в виде спирали. Вот это и есть ленд-арт» (Шабуров) Медиаарт Искусство, которое работает со средствами передачи информации. «Если ты на заборе напишешь «Лужков — идиот», это тоже медиаарт, потому что забор — это средство передачи информации» (Шабуров) Месседж То, что художник хотел сказать своей работой. «Если ты пишешь на заборе «Лужков — идиот», то забор — это технология, а вот «Лужков — идиот» — это твое послание, то, что ты хотел сказать» (Шабуров) Мимесис Подражание реальности. «По-гречески это значит всего-навсего «подобие». Как бабочки мимикрируют под цветок» (Алексеев) Минимализм Направление, в котором художники стараются делать как можно меньше. «Одна из самых гениальных работ минимализма — это работа скульптора Карла Андре, 24 листа свинца метр на метр толщиной 10 см, выложенных рядами. Кажется, что это очень легко; на самом деле такие простые вещи делать гораздо сложнее, чем просто рисовать с натуры» (Алексеев) Модернизм Течение в искусстве начала XX века, главная мысль которого — искусство может изменить мир. «Сейчас искусствоведы называют модернизмом все, что происходило до 30–40-х годов XX века, все, что позже, — это, грубо говоря, современное искусство» (Алексеев) Музеефикация Превращение предмета или произведения в музейную ценность. «Когда Энди Уорхол рисует банку кока-колы, над ним все смеются и говорят, что он идиот. А потом нарисованная кока-кола оказывается в самых главных музеях мира» (Алексеев) Нарратив Повествование. Нарративное искусство — то, которое рассказывает какую-то историю: бурлаки тянут баржу или боярыню Морозову ссылают в Сибирь. «Если нарисовать недопитую чашку чая — эта картина будет рассказывать, что был такой человек, он утром встал, выпил чаю, пошел на работу, там помер или, наоборот, с ним случилось что-то хорошее» (Алексеев) Нет-арт Искусство, которое делается в сети. «Картина, которая сфотографирована и выложена в сеть, не является нет-артом. Нет-арт — это искусство, созданное в виртуальном пространстве» (Захаров) Нонконформизм Искусство, противостоящее установкам официальной власти. «В зонах были так называемые воры в законе, у которых был свой тюремный кодекс чести — не контактировать с властью и тому подобное, и художники старшего поколения во многом такому же кодексу следовали» (Шабуров) «Сейчас нонконформизм — это комната, куда сваливают все, что сопротивлялось системе» (Захаров) Объект Предмет, представленный как произведение искусства. «Художники по вечерам собирались у себя в мастерских, кушали и выпивали. И в какой-то момент они подумали: а интересно пепельницу и бутылку на холст прилепить. Прилепили — получился ассамбляж. А объект — это выкинули холст, а пепельницу и бутылку оставили» (Шабуров) Оп-арт Искусство, которое играет с оптическими эффектами. «Картины, которые дают ярко выраженное объемное изображение. Например, стоит решетка, и ты видишь, как один прутик отделяется от другого» (Братков) Паблик-арт Искусство для общественных пространств. «Когда городские власти, допустим, заказывают художнику памятник или скульптуру в парке — это и есть паблик-арт» (Алексеев) Парадигма «Это то, что проходит красной нитью сквозь наши умы» (Шабуров) «В той парадигме, в которой вы учитесь в школе, то есть в парадигме школьного бытия, есть насилие, оценки, домашние задания и прочее» (Никич) Персонажный автор Автор, скрывающийся в произведении под маской некоего персонажа. «Вот у меня был персонаж — пастор. И я, скажем, в черной одежде священника толкался со здоровенным японским борцом сумо. Персонаж делал все, что он делал, как бы отдельно от меня. Я его придумал, но он — это не я» (Захаров) Перформанс Художественное представление, разыгрываемое по сценарию в присутствии зрителей. «Перформанс — это когда учитель договаривается с учеником: давай я на уроке математики буду писать на доске, а ты подойдешь сзади и хлопнешь меня линейкой по голове, а я сделаю вид, что ничего не заметил. И для всех это будет шоком» (Захаров) Поп-арт Искусство, которое работает с самыми банальными повседневными образами — вроде логотипа «Кока-Колы» или фотографии Мэрилин Монро. «Сейчас поп-арта не существует, потому что мы живем в среде тотального поп-арта» (Алексеев) Постмодернизм Искусство, в котором свободно смешиваются различные стили прошлых эпох. Еще недавно считалось определяющим для современного искусства. «У меня друг жил в Челябинске, был писателем, литературным критиком. По его представлениям, в Москве все были увлечены постмодернизмом. Приезжает он в Москву и рассказывает: «У меня было ужасное потрясение. Оказывается, в Москве два постмодерниста — это я сам и мой друг Курицын, который из Свердловска родом. И никому, кроме нас, постмодернизм не нужен» (Шабуров) Реди-мейд Бытовой предмет, превращенный в произведение искусства. «Это когда художники поняли, что можно взять пепельницу и никак ее художнически не украшать. Просто взяли и потащили на выставку» (Шабуров) Репрезентация «Вот, например, презентация нового автомобиля Ford заключается в том, что девушки скачут вокруг новой лакированной банки с колесами. Репрезентация автомобиля такова: если вы его купите, у вас появится офигенная вещь, которая не будет ломаться, жрать бензин и прочее. То есть это сущность машины, которая в презентации не видна. Презентация — поверхность события, а репрезентация — это его сущность» (Никич) Симуляционизм «Художники во многом обманщики. Либо они делают что-то, что никому не нужно и не интересно, а потом критики говорят: «Это вы ничего не видите, а на самом деле тут такое!» Либо они выдают за правду что-то другое, что значительно более правдиво, чем реальность. И симуляционизм — это когда художники создают такую иллюзию» (Шабуров) Смерть автора «Это когда искусство анонимно — не потому, что художник хотел скрыть авторство, а потому, что так получилось. Например, Марсель Дюшан принес на выставку писсуар, называлось это «Фонтан». Авторство Дюшана состояло в двух вещах: он принес писсуар и дал ему название. В тот момент, когда он назвал его «Фонтан», он включил авторство. Если же писсуар остается в туалете, но при этом называется произведением искусства, он теряет авторство» (Никич) Соц-арт Советское неофициальное искусство, обыгрывающее образы и лозунги официальной пропаганды. «Художники в Советском Союзе поняли, что нельзя проходить мимо окружающих их лозунгов, что надо их полюбить и художественно переработать» (Шабуров) Сюрреализм Искусство, которое работает с образами подсознания. «Вещи, которые выглядят как реальные, но на самом деле абсолютно невозможны, — например, часы, которые текут. Это попытка сказать людям, что вы, ребята, встаете по утрам, завтракаете, идете на работу, работаете, приходите домой, читаете книгу и ложитесь спать. И больше вроде бы ничего не делаете. А на самом деле у вас там о-го-го чего в голове творится» (Захаров) Трансавангард Искусство, которое пережило авангард, не будучи авангардным. «Оно было традиционным, неавангардным, не столь востребованным, но в итоге выжило» (Никич) Финисаж «Пьянка на закрытии выставки. Чтобы завлечь людей, художники придумали устраивать пьянки не только в день открытия выставки — на вернисаж, но и в день закрытия выставки. Таким образом, выставку смотрят не 50 человек, а в два раза больше — 100» (Шабуров) Художественный жест Высказывание художника на определенную тему. «Вот, например, художник Кулик голый в ошейнике изображал злую собаку. Так вот жестом было то, что он превратился в собаку. Не то, как он себя вел, кого кусал, а именно эта позиция: я — человек-собака!» (Никич) Хеппенинг Художественное представление, происходящее спонтанно, непродуманно, с участием зрителей. «За рубежом ни перформанса, ни хеппенинга нет, а есть представление и происшествие. Хеппенинг — это просто случай, когда художники подстраивают какую-нибудь выходку» (Шабуров) Эдишн Тираж произведений искусства — офортов, гравюр и прочего. «Чаще всего связано с понятием «лимитед» — то есть ограниченное количество экземпляров» (Никич) «У меня один мой знакомый прохиндей купил альбом художника Брейгеля и придумал аферу: сделать офорты Брейгеля и продать их в областной музей. Я говорю: «Ну как ты не понимаешь — Брейгель, он весь давно переучтен и описан, никаких новых оттисков в природе возникнуть не может. Любой эксперт откроет каталог Брейгеля — и все-все известные оттиски там перечислены» (Шабуров) Эстимейт Предварительная оценка произведения на аукционе. «Тут система такая: аукцион — это механизм поднятия цен на работу какого-то художника. Цена на работы поднимается довольно медленно, увеличивается она от участия в выставках, биеннале, но есть только один механизм поднять эту цену в десятки раз — аукцион. Если работу покупают по большей цене, нежели первоначальная, то эта новая цена закрепляется в художественном мире» (Шабуров) 20 самых странных картин в мировой живописи Есть произведения искусства, которые словно бьют зрителя по голове, ошарашивая и изумляя. Другие затягивают в раздумья и в поиски смысловых слоев, тайной символики. Некоторые картины овеяны тайнами и мистическими загадками, а другие удивляют непомерной ценой. Мы тщательно просмотрели все главные достижения в мировой живописи и выбрали из них два десятка самых странных картин. Сальвадора Дали, чьи работы полностью попадают под формат этого материала и первыми приходят на ум, не включили в эту подборку намеренно. Понятно, что «странность» — это довольно субъективное понятие и для каждого есть свои удивительные картины, выбивающиеся из ряда прочих произведений искусства. Мы будем рады, если вы поделитесь ими в комментариях и расскажете о них немного. «Крик» Эдвард Мунк. 1893, картон, масло, темпера, пастель. Национальная галерея, Осло. «Крик» считается знаковым событием экспрессионизма и одной из самых известных картин в мире. Существуют две трактовки изображенного: это сам герой охвачен ужасом и безмолвно кричит, прижимая руки к ушам; или же герой закрывает уши от звучащего вокруг крика мира и природы. Мунк написал четыре варианта «Крика», и есть версия, что картина эта — плод маниакально-депрессивного психоза, от которого страдал художник. После курса лечения в клинике Мунк не возвращался к работе над полотном. «Я шел по тропинке с двумя друзьями. Солнце садилось — неожиданно небо стало кроваво-красным, я приостановился, чувствуя изнеможение, и оперся о забор — я смотрел на кровь и языки пламени над синевато-черным фьордом и городом. Мои друзья пошли дальше, а я стоял, дрожа от волнения, ощущая бесконечный крик, пронзающий природу», — говорил Эдвард Мунк об истории создания картины. «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда мы идем?» Поль Гоген. 1897-1898, холст, масло. Музей изящных искусств, Бостон. По указанию самого Гогена картину следует читать справа налево — три основные группы фигур иллюстрируют вопросы, поставленные в названии. Три женщины с ребенком представляют начало жизни; средняя группа символизирует ежедневное существование зрелости; в заключительной группе, по замыслу художника, «старая женщина, приближающаяся к смерти, кажется примирившейся и предавшейся своим размышлениям», у ее ног «странная белая птица… представляет бесполезность слов». Глубоко философская картина постимпрессиониста Поля Гогена была написана им на Таити, куда тот сбежал от Парижа. По завершении работы он хотел даже покончить жизнь самоубийством: «Я верю, что это полотно превосходит все мои предыдущие и что я никогда не создам что-то лучше или даже похожее». Он прожил еще пять лет, так и получилось. «Герника» Пабло Пикассо. 1937, холст, масло. Музей королевы Софии, Мадрид. «Герника» представляет сцены смерти, насилия, зверства, страдания и беспомощности, без указания их непосредственных причин, но они очевидны. Рассказывают, что в 1940 году Пабло Пикассо вызвали в гестапо в Париже. Речь сразу зашла о картине. «Это сделали вы?» — «Нет, это сделали вы». Огромное полотно-фреска «Герника», написанная Пикассо в 1937 году, рассказывает о налете добровольческого подразделения люфтваффе на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. Картина была написана буквально за месяц — первые дни работы над картиной Пикассо работал по 10-12 часов, и уже в первых набросках можно было увидеть главную идею. Это одна из лучших иллюстраций кошмара фашизма, а также человеческой жестокости и горя. «Портрет четы Арнольфини» Ян ван Эйк. 1434, дерево, масло. Лондонская национальная галерея, Лондон. Знаменитая картина целиком и полностью наполнена символами, аллегориями и разнообразными отсылками — вплоть до подписи «Ян ван Эйк был здесь», превратившей картину не просто в произведение искусства, а в исторический документ, подтверждающий реальность события, на котором присутствовал художник. Портрет предположительно Джованни ди Николао Арнольфини и его жены является одним из наиболее сложных произведений западной школы живописи Северного Возрождения. В России в последние несколько лет картина обрела большую популярность благодаря портретному сходству Арнольфини с Владимиром Путиным. «Демон сидящий» Михаил Врубель. 1890, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Картина Михаила Врубеля удивляет образом демона. Его печальный вид совсем не похож на общечеловеческие представления о том, как должен выглядеть злой дух. Это образ силы человеческого духа, внутренней борьбы, сомнений. Трагически сцепив руки, Демон сидит в окружении цветов, устремив свой взгляд вдаль. Композиция подчеркивает стесненность его фигуры, будто бы зажатой между верхней и нижней перекладинами рамы. Сам художник говорил о самой известной своей картине: «Демон — дух не столько злобный, сколько страдающий и скорбный, при всем этом дух властный, величавый». «Апофеоз войны» Василий Верещагин. 1871, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея, Москва. Метафора войны в картине передана автором так точно и глубоко, что за каждым черепом, лежащим в этой куче, начинаешь видеть людей, их судьбы и судьбы тех, кто этих людей больше никогда не увидит. Сам Верещагин с сарказмом называл полотно «натюрмортом» — на нем изображена «мертвая природа». Всe детали картины, в том числе желтый колорит, символизируют смерть и опустошение. Ясное синее небо подчеркивает мертвенность картины. Идею «Апофеоза войны» выражают также шрамы от сабель и дыры от пуль на черепах. Верещагин — один из главных российских художников-баталистов, но он рисовал войны и сражения не потому, что видел в них красоту и величие. Наоборот, художник пытался передать людям свое негативное отношение к войне. Однажды Верещагин в пылу эмоций воскликнул: «Больше батальных картин писать не буду — баста! Я слишком близко к сердцу принимаю то, что пишу, выплакиваю (буквально) горе каждого раненого и убитого». Вероятно, результатом этого возгласа стала страшная и завораживающая картина «Апофеоз войны». «Американская готика» Грант Вуд. 1930, масло. 74×62 см. Чикагский институт искусств, Чикаго. Картина с мрачными образами отца и дочери переполнена деталями, которые указывают на суровость, пуританство и ретроградство изображенных людей. Сердитые лица, вилы прямо посередине картины, старомодная даже по меркам 1930 года одежда, швы на одежде фермера, повторяющие форму вил, как символ угрозы, которая адресована всем, кто посягнет. Полотно насыщено мрачными подробностями, которые заставляют ежиться от неуюта. «Американская готика» — один из самых узнаваемых образов в американском искусстве XX века, известнейший художественный мем XX и XXI столетий. Интересно, что судьи конкурса в Чикагском институте искусств восприняли «Готику» как «юмористическую валентинку», а жители штата Айова страшно обиделись на Вуда за то, что тот изобразил их в столь неприятном свете. «Влюбленные» Рене Магритт. 1928, холст, масло. Картина «Влюбленные» («Любовники») существует в двух вариантах. На одном полотне мужчина и женщина, чьи головы укутаны белой тканью, целуются, а на другом — «смотрят» на зрителя. Картина удивляет и завораживает. Двумя фигурами без лиц Магритт передал идею о слепоте любви. О слепоте во всех смыслах: влюбленные никого не видят, не видим их истинных лиц и мы, а кроме того, влюбленные — загадка даже друг для друга. Но при этой кажущейся понятности, мы все равно продолжаем смотреть на магриттовских влюбленных и думать о них. Едва ли не все картины Магритта — это ребусы, которые полностью разгадать невозможно, так как они ставят вопросы о самой сути бытия. Магритт все время говорит об обманчивости видимого, о его скрытой таинственности, которую мы обычно не замечаем. «Прогулка» Марк Шагал. 1917, холст, масло. Государственная Третьяковская галерея. «Прогулка» — это автопортрет художника с супругой Беллой. Его любимая парит в небе и того гляди утащит в полет и Шагала, стоящего на земле непрочно, будто касаясь ее только носками туфель. В другой руке у Шагала синица — он счастлив, у него есть и синица в руках (вероятно, его живопись), и журавль в небе. Обычно до крайности серьезный в своей живописи Марк Шагал написал восхитительный манифест собственного счастья, наполненный аллегориями и любовью. «Сад земных наслаждений» Иероним Босх. 1500-1510, дерево, масло. Прадо, Испания. «Сад земных наслаждений» — самый известный триптих Иеронима Босха, получивший свое название по теме центральной части, посвящен греху сладострастия. Картина насыщена фантастическими фигурами, сооружениями, образами чудовищ, словно обретшими плоть галлюцинациями — всем тем, что можно назвать адскими карикатурами реальности, на которую автор смотрит испытующим, чрезвычайно острым взглядом. Некоторые ученые хотели видеть в триптихе изображение жизни человека сквозь призму тщеты земной любви, другие — торжество сладострастия. Однако простодушие и некоторая отстраненность, с которыми трактовались отдельные фигуры на картине, а также благосклонное отношение к этому произведению церковных властей заставляют сомневаться, что содержанием его могло быть прославление телесных наслаждений. На сегодняшний день ни одно из имеющихся толкований картины не признано единственно верным. «Три возраста женщины» Густав Климт. 1905, холст, масло. Национальная галерея современного искусства, Рим. Эта работа Климта одновременно передает ощущение и радости, и печали. В ней тремя фигурами написана история жизни женщины: беззаботность, умиротворение и отчаяние. Молодой женский образ органично вплетен в орнамент жизни, образ старой женщины выделяется из него. Контраст между стилизованным изображением молодой женщины и натуралистическим образом старухи приобретает символический смысл: первая фаза жизни несет с собой бесконечные возможности и метаморфозы, последняя — постоянство и конфликт с реальностью. Полотно не отпускает, забирается в душу и заставляет думать о глубине послания художника, равно как и о глубине и неизбежности жизни. «Семья» Эгон Шиле. 1918, холст, масло. Галерея «Бельведер», Вена. Шиле был учеником Климта, но, как и всякий отличный ученик, он не копировал своего учителя, а искал новое. Шиле куда более трагичный, странный и пугающий, нежели Густав Климт. В его работах много того, что можно было бы назвать порнографией, разнообразных перверсий, натурализма и при этом щемящего отчаяния. «Семья» — его последняя работа, в которой отчаяние доведено до абсолюта, несмотря на то что это наименее странно выглядящая его картина. Художник нарисовал ее перед самой смертью, в 28 лет, после того как от испанки умерла его беременная жена Эдит. На полотне изображен сам автор, его жена и их так и не рожденный ребенок. «Две Фриды» Фрида Кало. 1939. История трудной жизни мексиканской художницы Фриды Кало стала широко известна после выхода фильма «Фрида» с Сальмой Хайек в главной роли. Кало писала в основном автопортреты и объясняла это просто: «Я пишу себя, потому что много времени провожу в одиночестве и потому что являюсь той темой, которую знаю лучше всего». Ни на одном автопортрете Фрида Кало не улыбается: серьезное, даже скорбное лицо, сросшиеся густые брови, чуть заметные усики над плотно сжатыми губами. Идеи художницы зашифрованы в деталях, фоне, фигурах, появляющихся рядом с изображением автора на полотнах. Символика Кало опирается на национальные традиции и тесно связана с индейской мифологией доиспанского периода. В одной из своих лучших картин «Две Фриды» она выразила мужское и женское начала, соединенные в ней единой кровеносной системой и демонстрирующие ее целостность. «Мост Ватерлоо. Эффект тумана» Клод Моне. 1899, холст, масло. Государственный музей Эрмитаж, Санкт-Петербург. При рассмотрении картины с близкого расстояния зритель не видит ничего, кроме полотна, на который нанесены частые густые масляные мазки. Вся магия произведения раскрывается, когда мы постепенно начинаем отодвигаться от полотна на большее расстояние. Сначала перед нами проявляются непонятные полуокружности, проходящие через середину картины, затем мы видим явные очертания лодок, а если мы отойдем приблизительно на два метра, то перед нами возникнут и выстроятся в логическую цепочку все связующие произведения. «Номер 5, 1948» Джексон Поллок. 1948, фибролит, масло. Странность этой картины в том, что полотно американского лидера абстрактного экспрессионизма, которое он нарисовал, разливая краску по разложенному на полу куску фибролита, — одна из самых дорогих картин в мире. В 2006 году на аукционе Sotheby’s за нее заплатили 140 миллионов долларов. Дэвид Гиффен, кинопродюсер и коллекционер, продал ее мексиканскому финансисту Дэвиду Мартинесу. «Я продолжаю отходить от обычных инструментов художника, таких как мольберт, палитра и кисти. Я предпочитаю палочки, совки, ножи и льющуюся краску или смесь краски с песком, битым стеклом или чем-то еще. Когда я внутри живописи, я не осознаю, что я делаю. Понимание приходит позже. У меня нет страха перед изменениями или разрушением образа, поскольку картина живет своей собственной жизнью. Я просто помогаю ей выйти наружу. Но, если я теряю контакт с картиной, получается грязь и беспорядок. Если же нет, то это чистая гармония, легкость того, как ты берешь и отдаешь». «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов» Жоан Миро. 1935, медь, масло. Фонд Жоана Миро, Испания. Хорошее название. И кто бы мог подумать, что эта работа говорит нам об ужасах гражданских войн. Картина была сделана на листе меди за неделю между 15 и 22 октября 1935 года. По словам Миро, это результат попытки изобразить трагедию Гражданской войны в Испании, картина о периоде беспокойства. На полотне изображены фигуры мужчины и женщины, тянущиеся друг к другу в объятия, но при этом не движущиеся. Увеличенные половые органы и зловещие цвета были описаны автором как «полные отвращения и гадливой сексуальности». «Эрозия» Яцек Йерка. Польский неосюрреалист известен по всему миру благодаря своим удивительным картинам, в которых объединяются реальности, создающие все новые. Трудно рассматривать его предельно детальные и в какой-то степени умилительные работы по одной, но таков формат нашего материала. Рекомендуем ознакомиться подробнее. «Руки противятся ему» Билл Стоунхэм. 1972. Эту работу, конечно, нельзя причислить к шедеврам мировой живописи, но то, что она странная, — это факт. Вокруг картины с мальчиком, куклой и ладошками, прижатыми к стеклу, ходят легенды. От «из-за этой картины умирают» до «дети на ней живые». Выглядит картина и впрямь жутковато, что порождает у людей со слабой психикой массу страхов и домыслов. Художник же уверял, что на картине изображен он сам в возрасте пяти лет, что дверь — представление разделительной линии между реальным миром и миром снов, а кукла — проводник, который сможет провести мальчика через этот мир. Руки представляют альтернативные жизни или возможности. Картина обрела известность в феврале 2000 года, когда была выставлена на продажу на eBay с предысторией, рассказывающей, что картина — «с привидениями». «Руки противятся ему» купил за 1025 долларов Ким Смит, который затем был просто завален письмами с жуткими историями и требованиями сжечь картину. Источник: adme. список вузов, в которых можно получить профессию Художник Анимация и иллюстрация Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Гейм-дизайн и виртуальная реальность Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Дизайн и программирование Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Дизайн и современное искусство Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Дизайн и фотография Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Дизайн среды Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Коммуникационный дизайн Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Предметный дизайн. Дизайн будущего Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Художник театра и кино Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  286 191 550 000 ₽ Веб-дизайн и продвижение цифрового продукта Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Визуальные эффекты Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Дизайн и реклама Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Дизайн интерьера Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Комикс Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Медиа и дизайн Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Мода. Брэндинг в индустрии моды Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было 198 400 000 ₽ Мода. Дизайн одежды Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было 198 400 000 ₽ Мода. Фэшн-фотография Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было 198 400 000 ₽ Промышленный дизайн Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было Набора не было Мода. Ювелирное искусство и предметный дизайн в моде Бюджет,б Платно,б Стоимость Рус  Лит  ДВИ  Набора не было 198 400 000 ₽ 2644 Фотографии предметов художника — бесплатные и лицензионные фотографии из Dreamstime Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Деревянная художественная палитра с тюбиками масляных красок и кистью.Художественные и ремесленные инструменты. Кисть художника, холст, мастихин. Место для текс. Т. Товары для детей Макияж на белом фоне. Набор профессионального художника. Товары для макияжа на белом фоне. Набор профессионального визажиста Мастерская художника. Предметы для детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. П. Иктура с копией пространства и Красивая новогодняя елка из предметов визажиста на цветном фоне.Новый год 2021. Красивая новогодняя елка из предметов визажиста на цветном . Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника.Предметы для детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне.Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи.Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника.Предметы для детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне.Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи.Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника.Предметы для детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне.Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи.Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника.Предметы для детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне. Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Мастерская художника. Предметы детского творчества на деревянном фоне.Акриловая краска и кисти на белом деревянном фоне. Число Пи. Cture с копировальным пространством и за Деревянная художественная палитра с тюбиками масляных красок и кистью. Художественные и ремесленные инструменты. Кисть художника, холст, мастихин. Место для текс. Т. Товары для детей Деревянная художественная палитра с тюбиками масляных красок и кистью. Художественные и ремесленные инструменты. Кисть художника, холст, мастихин. Место для текс. Т.Товары детские Деревянная художественная палитра с тюбиками масляных красок и кистью. Художественные и ремесленные инструменты. Кисть художника, холст, мастихин. Место для текс. Т. Товары для детей Художник рисует на ткани в своей маленькой мастерской. Искусство и ремесла являются источником существования многих художников в сельской Бенгалии. Народный художник рисует на . Деревянная художественная палитра с тюбиками масляных красок и кистью.Художественные и ремесленные инструменты. Кисть художника, холст, мастихин. Место для текс. Т. Товары для детей Деревянная художественная палитра с тюбиками масляных красок и кистью. Художественные и ремесленные инструменты. Кисть художника, холст, мастихин. Место для текс. Т. Товары для детей Художник-дизайнер расписывает пасхальные изделия. Яйцо и кролик. Использует акварельные кисти. Работает в студии. Художник в очках выполняет дизайнерские работы.Раскрашивает яйца . Художественные материалы Арлин Да, действительно есть Арлин! Художник Арлин Материалы начинались как керамика студия в 1960 году, первоначально располагалась в небольшой магазин площадью 500 кв. футов на Мэдисон-авеню. Арлин перерос свой первоначальный store и перемещен в его текущее местоположение на 57 Fuller Road, Олбани, Нью-Йорк (с более 10000 квадратных футов) в 1974 году. Учителя, студенты, родители и любители всегда могут найти у Арлин то, что им нужно. Приходите и просматривайте художественную бумагу ручной работы, уникальные журналы и художественные новинки в подарочном разделе нашего магазина. Даже нехудожник может что-то найти у Арлин. Материалы для художников Арлин посвящены художественное сообщество — от студенческого до профессиональные материалы, у нас есть предметы больше нигде в этом районе не нашел.У нас есть более 40 000 различных продуктов и будет будьте счастливы заказать все, что мы нет в наличии. Рисуете ли вы, рисуете, лепите; являются профессионал, студент или новичок художник, вы найдете то, что вам нужно, на Арлин. Мы нигде не нашли предметы остальное в столичном районе. Мы делаем большие скидки на все наши краски, кисти, холсты и мольберты каждый день. Многие другие специальные предложения в магазине продолжаются постоянно заходите и проверяйте их. Вместе с принадлежностями для изобразительного искусства мы везем художественная бумага ручной работы, уникальные журналы и Вычурные новинки в разделе подарков наш магазин. Вы найдете неожиданные угощения вы можете превратиться в сокровища. Все на персонал в Arlene’s тоже художник, так что мы можем ответить на любой из ваших вопросы.Если мы не знаем, мы попробуем изо всех сил, чтобы получить ответ. Владелец и персонал Arlene’s восторженные сторонники искусства в Столичный регион. Вы увидите многие из мы на дебютах в поддержку других художников и выставляем собственные работы. У нас есть был признан лучшим магазином товаров для искусства Times Union, Столичный регион Журнал и Metroland время и время еще раз. Многие из наших клиентов были приходя к нам, так как наш магазин был на Мэдисон-авеню. Мы любим знакомиться с новыми людьми, Так что заходите в магазин, болтайте и весело. Как независимый магазин товаров для искусства, мы чувствуем особую связь с искусством община в столичном районе. Наши отношения с художниками, которые покровительствовать Арлин усиливается наша общая поддержка музеев и галереи в этой области. . Simple English Wikipedia, бесплатная энциклопедия Художник — человек, создающий искусство. Это слово чаще всего используется для обозначения людей и занятий «высокой культурой». Это, например, рисунок, живопись, скульптура, актерское мастерство, танцы, письмо, кинопроизводство, фотография и музыка. Иногда художником называют человека, который очень хорошо выполняет свою работу, даже если это не считается искусством. Художником можно назвать ученого или математика. Викисловарь определяет существительное «художник» (один художник, два художника) следующим образом: Человек, создающий (творит) искусство. Человек, который создает искусство как занятие, то есть человек зарабатывает свои деньги на искусстве. Человек, обладающий навыками в какой-то деятельности, то есть человек, который в чем-то очень хорош. В Древней Греции существовало слово «Techne», которое часто переводят как искусство. От этого слова происходит слово «технический», и Америка теперь является корнем таких слов, как «технический», «технология» и т. Д. Семь муз были богами художников в семи областях человеческого мастерства: • эпос и лирика • история • хоровое пение и поэзия любви • Музыка • Трагедия • Религиозные гимны • Веселая поэзия, поэзия и деревенская комедия • Танцы • Астрономия и геометрия. [1] Слово происходит от латинского «ars», что буквально означает метод мастерства или технику в сочетании с красотой создаваемых предметов. В средние века уже существовало слово художник, хотя его значение ближе к тому, что мы сейчас называем мастером. [2] Современное представление о художнике [изменить | изменить источник] Концепт-арт представляет собой серию произведений, называемых классическим искусством (живопись, скульптура, литература, танцы, музыка, архитектура и кино).Однако рассмотрение кого-либо как художника не ограничивается серией работ или конкретными творениями. Художник — это человек, занимающийся искусством и создающий художественные произведения. Художник — это тот, кто обладает особой чувствительностью к созданию произведения или деятельности. Нет никакой конкретной классификации того, чем занимается художник. В любом случае концепт-художник подразумевает знание искусства и, в то же время, ремесло, которое может быть профессиональным, но не обязательно. Художник стремится создать объект или действие, в которых есть компонент красоты.Очень красиво — это то, что ценится создателями, но не только это. Он также стремится передать чувства и идеи и сформировать свой собственный мир. [1] [3] Художник — это человек, способный изложить свою точку зрения, свой взгляд на мир и почувствовать вещи на холсте, листе или бумаге. Художник — мечтатель, поэт, оратор, человек, обладающий чувствительностью, достаточной или необходимой, чтобы заставить нас видеть вещи их глазами. [4] . Leave a comment 16.07.2019 Рубрики Акварель Графика Дерево Зарисовки Карандашом Наброски Основы Разное Рисование Советы Урок   Главная Карта Сайта