28.12.2018

Уильям хогарт художник: William Hogarth — Biography, Interesting Facts, Famous Artworks

Хогарт, Уильям — это… Что такое Хогарт, Уильям?

Уи́льям Хо́гарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

Биография

Родился в Лондоне в семье учителя. Начальную школу не закончил. Отец умер, и Уильям стал кормильцем в семье. Он поступил в открытую художественную академию, но бросил из-за анатомии. Учился в Хёгле у гравёра Э. Геймбла. С 1720 года посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же году начал самостоятельно работать как профессиональный художник. Первыми работами Хогарта были книжные иллюстрации, в том числе к сатирической поэме Сэмюэла Батлера «Гудибрас» (1726). Двумя годами позже начал писать маслом групповые портреты небольшого формата и с тех пор постоянно занимался как живописью, так и гравюрой.

Творчество

В 1730—1731 годах Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин, вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг.

Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 году, а в 1745 году появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 году вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 году Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джеймса Торнхилла. В 1764 году художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-х годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта. Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».

Тематика

Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества; он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком. В портретной живописи художник был объективен и прямолинеен, что хорошо заметно в «Портрете капитана Т.Корема» (1740, Лондон, Сиротский приют Корема) и «Портрете Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Лондон, Национальная портретная галерея). В искусстве Хогарта, несомненно, важное место принадлежит юмору. Так, в двух знаменитых гравюрах 1751 г. он противопоставил ужасные последствия, ожидающие тех, кто злоупотребляет дешевым джином «Переулок джина», процветанию и благополучию тех, кто отдает предпочтение английскому пиву «Пивная улица». Сатирическое изображение жизни эпохи, особенно в сериях «Модный брак» и «Выборы», ставит его в один ряд с великими романистами-сатириками 18 в.

Модный брак

В 1743—1745 годах Уильям Хогарт написал шесть картин из серии «Модный брак» (Лондонская Национальная галерея), остроумно критикующих высшее общество XVIII века. Это предупреждение, показывающее катастрофические последствия опрометчивого брака по расчёту.

См. также

Литература

Ссылки

Художник Уильям Хогарт: живопись, гравюры, биография

Уильям Хогарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский график и художник-жанрист, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, Хогарт – выдающийся иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Прославился сатирическими рисунками и реалистическими портретами. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

Самые знаменитые произведения Уильяма Хогарта : серии гравюр «Модный брак», «Карьера проститутки», «Карьера мота», «Выборы в парламент», гравюры «Улица пива», «Переулок джина», «Характеры и карикатуры», картины «Автопортрет», «Портрет капитана Корема», «Девушка с креветками».

Биография Уильяма Хогарта

Учился Уильям Хогарт в Хёгле у гравера Э.Геймбла. С 1720 г. Хогарт посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же году начал самостоятельно работать как профессиональный художник. Первыми работами художника были книжные иллюстрации, в том числе к сатирической поэме Сэмюэла Батлера «Гудибрас» (1726). Двумя годами позже Уильям Хогарт начал писать маслом групповые портреты небольшого формата и с тех пор постоянно занимался как живописью, так и гравюрой.

В 1730—1731 гг. Уильям выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин) вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг.

Следующая серия гравюр Хогарта — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 г., а в 1745 г. появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 г. вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 г. Георг II назначил Уильяма Хогарта главным живописцем; в этой должности художник стал преемником Джеймса Торнхилла. В 1764 художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-ых годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта, об этом уже издалека сообщали яркие вывески. Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».

Уильям Хогарт наблюдал жизнь людей разного материального достатка, принадлежавших ко всем слоям общества; он был не только талантливым портретистом, но и моралистом, и сатириком. В портретной живописи художник был объективен и прямолинеен, что хорошо заметно в «Портрете капитана Т.Корема» (1740, Лондон, Сиротский приют Корема) и «Портрете Саймона Фрейзера, лорда Ловета» (1746, Лондон, Национальная портретная галерея). В искусстве Хогарта, несомненно, важное место принадлежит юмору. Так, в двух знаменитых гравюрах 1751 г. он противопоставил ужасные последствия, ожидающие тех, кто злоупотребляет дешевым джином «Переулок джина», процветанию и благополучию тех, кто отдает предпочтение английскому пиву «Пивная улица». Сатирическое изображение жизни эпохи, особенно в сериях «Модный брак» и «Выборы», ставит его в один ряд с великими романистами-сатириками 18 в.

В 1743—1745 Уильям Хогарт написал шесть картин из серии «Модный брак» (Лондонская Национальная галерея), остроумно критикующих высшее общество XVIII века. Это предупреждение, показывающее катастрофические последствия опрометчивого брака по расчету. Считается, что это лучшая работа художника.

Галерея картин Уильяма Хогарта

Последние материалы в этом разделе:

↓↓ Ниже смотрите на тематическое сходство (Похожие материалы) ↓↓

Хогарт Уильям (1697 — 1764)

Хогарт Уильям

Политический и экономический расцвет Англии начинается с 16-го века. В правление королевы Елизаветы Англия уже по праву считается владычицей морей. Новые морские пути и связанная с ними торговля сформировала в стране сильную буржуазию, и в 17-м веке в Англии произошла буржуазная революция. В результате государственного переворота 1688 года была установлена буржуазно-конституционная монархия, ограничившая власть короля и провозгласившая верховенство парламента.

Таким образом, завоевания буржуазной революции пришли в Англию на столетие раньше Франции.

Союз буржуазии с дворянством способствовал расцвету английской культуры и эстетических вкусов. Теперь Англия справедливо считается первой страной в области литературы, драматургии и театра.

Английское изобразительное искусство сложилось позже остальных видов искусств, и процесс этот был трудным. Феодальные войны и Реформация тормозили формирование собственной художественной традиции. В протестанской Англии почти не было религиозной живописи. В 17-м веке медленно начинает развиваться портретный жанр, в основном миниатюра.

Расцвет национальной английской живописи начинается с Уильяма Хогарта.

Этот художник помог сблизиться с передовой английской литературой и театром. Хогарт сначала учился у ювелира, затем стал заниматься гравюрой и как гравер сложился быстрее живописца. В гравюрах он изображает современную жизнь и делал предметом сатиры все ее отрицательные стороны: распущенность нравов, продажность суда, разложение армии и т.д.

Хогарт создает целые серии живописных полотен: «История шлюхи», «История распутника», «Модный брак». В этих сериях художник рассказывает о судьбе простых людей. Каждая из картин в сериях представляет собой как самостоятельное произведение живописи. Многие картины дошли до нас только в виде гравюр, т.к. живописные произведения погибли во время пожара. Картины Хогарта, достоверные и по сюжету, и в деталях быта, звучали морализаторски-назидательно, как воскресная проповедь.

Хогарт занимался и исторической живописью, религиозными сюжетами.

Хогарт — это жанровые картины и гравюры, в которых он показал социальную жизненную драму несколько прямолинейно, но без всякого иносказания, в доступной, ясной форме.

На протяжении всей жизни Хогарт обращался и к портрету. Это и групповые портреты, и парадные, и портреты близких людей.

Хогарт был единственным художником английского Просвещния и первым живописцем-просветителем в Европе. Его искусство прочно связано с искусством театра, сатирических журналов, с литературой Просвещения. Справедливо считается, что Хогарт стал первым представителем великой живописи в Англии.

Будуар графини (серия Модный брак) 1743

Девушка с креветками (1745)

Дети Маккинон

Получение наследства (серия Жизнь распутника) 1733

Портрет Марии Эдвардс (1742)

После свадьбы (серия Модный брак) 1745

Самоубийство графини (серия Модный брак)

Семейство Строуд

Смерть графа

Триумф депутатов (1754)

Визит к знахарю (Модный брак)

Семейство Фонтейн

Дэвид Гарик в роли Ричарда III

Хогарт Уильям. Творчество, картины и биография

Основоположником реализма в английской живописи был Уильям Хогарт (William Hogarth) (1697–1764). Создатель общественной и политической сатиры, он стремился глубоко осмыслить действительность своего времени с типичными для нее явлениями: хищным стяжательством, социальными контрастами, столкновениями буржуазных законов с феодальными предрассудками и привилегиями. Это сближает Хогарта с замечательными деятелями театра и писателями-реалистами, и прежде всего с Фильдингом, который обличал пережитки феодального прошлого и уродства буржуазного уклада жизни. Свое искусство он обращает к широкому зрителю, что было новым явлением в художественной жизни Англии.

Хогарт родился в Лондоне в семье учителя; профессиональному мастерству учился у гравера; самостоятельно работать начал в области гравюры и иллюстрации. В это время складывается его метод, основанный на наблюдениях жизни. Его первые живописные произведения в известной мере связаны с графическими. Это серии картин, объединенных сюжетной линией, в живописной форме повествующих о судьбах персонажей различных социальных слоев, иногда навеянных литературой. Таковы «Карьера мота» (1732–1735, Лондон, Музей Соуна), «Модный брак» (1743–1745, Лондон, Национальная галерея) , раскрывающие типичные неблаговидные и подчас трагические явления действительности того времени. Каждая серия завершается ярко выраженной морализирующей концовкой. Распространенные в гравюрах художника, эти серии имели большой общественный резонанс.

Цикл полотен «Карьера мота» (восемь картин) рассказывает о внезапно разбогатевшем юноше, который получил наследство и растратил его в кутежах, а затем попал в дом умалишенных. «Модный брак», наиболее значительная по глубине замысла серия Хогарта, состоит из шести полотен; это правдивая и поучительная история брака по расчету, своего рода живописный «роман нравов». Отдельные персонажи олицетворяют здесь, по существу, целые социальные группы и их взаимоотношения. Открывает серию картина заключения брака, фактически уподобленного торговой сделке разорившегося графского сынка и дочери богатого торговца. Со скучающим видом отвернулись друг от друга молодые, в то время как их родственники оформляют брачный контракт. Картина «Вскоре после свадьбы» продолжает повествование; в ней каждая деталь свидетельствует о бессмысленности существования супружеской четы, о безразличии молодых супругов друг к другу, о кутежах и развале дома, из которого управляющий выносит пачку неоплаченных счетов.

Серию завершает трагическая развязка – гибель ее героев. С удивительным мастерством передает Хогарт последовательность хода событий, раскрывает характеры действующих лиц, их взаимоотношения, нравы, привычки. По его картинам можно писать целые рассказы. Каждая из картин – законченное самостоятельное произведение, все вместе они объединены одной идеей и дополняют друг друга. Художник заостряет внимание на узловых моментах повествования, усиливая достоверность изображаемого воссозданием конкретного места действия. Он прибегает к неожиданно резким сопоставлениям и тяготеет к анализу. Остро и насмешливо наблюденные детали позволяют угадывать события, предшествующие и последующие.

Утро в доме новобрачных, 1744
Национальная галерея, Лондон

Такова, например, картина Уильяма Хогарта «Утро в доме новобрачных» (из серии «Модный брак»). Время около полудня, на полу валяется перевернутый стул, карты разбросаны по ковру, а сборщик долгов в раздражении закатывает глаза. Бессонные ночи, отданные пьянству и игре в карты, чрезмерные траты денег на роскошный дом и причуды ленивой супруги служат предметом сатиры в этой картине. Хогарт подвергает критике не только нравы, но и вкусы, он высмеивает нелепые безделушки на камине, витиевато украшенные часы и мраморный бюст, более похожий на поросенка, чем на римского патриция. Поступив в обучение к Фавору, будущий художник усвоил уроки его ремесла и сбежал с его дочерью. Устав от условных штампов в искусстве, Хогарт создает средствами живописи едкие, порой беспощадные комментарии к социальным проблемам дня, выполняя серии картин, каждая из которых заключает в себе историю. Картины маслом переводились в гравюру, и их широкое распространение принесло художнику известность. Гармония мягких розоватых, серебристых, оливковых тонов способствует передаче внешнего благосостояния внутренне опустошенного мира, обреченность которого находит выражение в суматошном ритме линий, пронизывающем композиции. Хотя картины Хогарта по времени и отчасти по манере живописи близки работам художников рококо во Франции, стиль и остроумие Хогарта являются чисто английскими.

Внимание Хогарта привлекали и другие стороны жизни: с необычайным пафосом он изобличает «дно» Лондона, ужасы пьянства, приводящего бедноту в состояние полного отупления, к утрате всего человеческого (гравюры «Улица Пива», «Переулок Джина», 1751). В ряде работ он высмеивает ограниченность духовенства, показную сторону религии (гравюра «Спящий приход», 1736). Серия картин «Выборы в парламент» (около 1754 года, Лондон, Музей Соун) смело обнажает одну из самых темных сторон в общественной жизни Англии: борьбу партий в «гнилых» местечках и сбор голосов, приобретенных у больных и идиотов; по существу, художник обличает всю продажность буржуазной выборной системы. Высмеивая пороки современного ему английского общества, Хогарт чаще всего не искажает действительности, что отличает его работы от карикатуры, но иногда прибегает к приемам гротескного преувеличения.

Бытовая живопись Хогарта с ее злободневной тематикой, безжалостной обличительной силой намного опережает свое время, прокладывая пути критическому реализму в искусстве 19 века, а также развитию бытовой и политической карикатуры, и в этом отношении Хогарт был новатором.

Гуманизм и демократизм Хогарта остро проявляются в реалистических портретах, которые он писал на протяжении всей жизни. Непримиримый противник шаблона светских портретов, он обращается обычно к портретированию родственников, близких ему людей. Исполненные с проникновенностью и теплотой «Автопортрет» (1745), «Портрет миссис Солтер» (1744), портреты слуг (все – в Лондоне, в галерее Тейт) утверждают образы положительных героев, поднимают значение личности вне зависимости от ее социальных рангов. Самый живой и значительный среди них образ – «Продавщица креветок» (1760-е годы, Лондон, Национальная галерея), как бы выхваченный из потока уличной толпы. В этом свободно и смело написанном этюде проявилось глубокое уважение художника к людям труда, и вместе с тем этюд, фиксирующий неповторимо своеобразные черты, дает глубокий обобщающий образ. Обаяние молоденькой, бойкой продавщицы, ее искрящаяся улыбка, стремительность движения подчеркнуты свободной динамикой трепетного мазка. Здесь же с наибольшей яркостью сказались новаторские искания Хогарта-колориста: эффекты разложения цвета, широкая фактура живописи. Все это сближает картину «Девушка с креветками» с замечательными произведениями мировой живописи в этом жанре.

Хогарт – один из первых английских теоретиков искусства. В трактате «Анализ красоты» (1753) он выступал поборником реализма, ищущим красоту в многообразных формах действительности, в самой жизни, отстаивая ведущее место бытового жанра в живописи. Его теоретическая и художественная деятельность тесно переплеталась с общественной, с организацией художественных выставок, с преобразованием преподавания в художественной школе на демократических началах. Хогарт стремился использовать искусство как большую общественную силу. Его сатирические циклы получили широкий отклик в европейском искусстве 19 века. Но в Англии у него не было достойных преемников; не получил дальнейшего развития в английской живописи 18 столетия и бытовой жанр.

Высшие достижения английского искусства второй половины 18 века относятся к жанру портрета, имевшему прочные установившиеся традиции, идущие от Гольбейна и национальной портретной миниатюры. В борьбе с отживающими, устаревшими схемами рождались принципы реалистического портрета. И именно в портретной живописи со всей очевидностью проявилась двойственность мировоззрения ее создателей, косвенным образом отразивших компромисс между идеалами практичной развивающейся буржуазии и стареющей консервативной аристократии. Английские портреты в своем большинстве отмечены стремлением художников к созданию полнокровных живых характеров и в то же время использованием старых традиционных схем парадного портрета.

История зарубежного искусства ►

Хогарт, Уильям — Википедия. Что такое Хогарт, Уильям

Уи́льям Хо́гарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

Жизнеописание

Ранние годы

Уильям Хогарт родился в одном из лондонских районов Бартоломью-Клоуз (англ. Bartholomew Close)^[1] в семье бедного учителя латыни Ричарда Хогарта и Анны Гиббонс и был первым выжившим ребёнком супругов. Бедность вынудила отца Хогарта заняться корректурой латинских текстов для издателей.

Уильям с раннего детства проявил незаурядные способности к рисованию, был весьма наблюдателен и имел великолепную память на детали. В начальной школе учился неохотно, в основном проводя время за рисованием. В детстве Уильям был вынужден продавать приготовленные матерью народные средства лечения, поскольку идея отца основать кафе, где посетители могли бы общаться исключительно на латыни, потерпела крах. Отец на пять лет попал в лондонскую долговую «Флитскую тюрьму»^[2]. Поэтому приступить к учёбе Хогарт смог значительно позже сверстников.

Образование и раннее творчество

В 1713 году Хогарт, не закончив начальную школу, стал учеником у гравёра по серебру Эллиса Гэмбла, где получил навыки гравировки, работы с металлом и познакомился со стилем рококо. В 1718 году умер отец Уильяма и он, будучи старшим ребенком в семье, был вынужден содержать свою мать и двух сестер, берясь за мелкие заказы. Он изготовлял коммерческие визитки, небольшие гербы и другие мелкие изделия. Такая работа не приносила Хогарту удовольствия, он считал её глупой и скучной, поскольку испытывал тягу к высокому искусству. Прежде всего его интересовала графика. Поэтому вскоре он начал брать уроки живописи в одной из лондонских частных художественных академий, которую основали Льюис Черони и Джон Вандербанк. Хогарт также много занимался самообразованием.

В 1720 году он открывает собственную небольшую граверную мастерскую. Его первыми самостоятельными работами были графические сатиры о крахе акций Компании Южных морей (The South Sea Scheme, ок. 1721), сатиры на маскарады и оперные спектакли (Masquerades and Operas, 1724) и на театральную жизнь Лондона (A Just View of the British Stage, 1724).

Хогарт забросил академию, а с 1724 года стал посещать школу живописи и рисунка, основанную в доме придворного художника Джеймса Торнхилла, известного своими росписями в лондонском Соборе Святого Павла. В 1720—1730 годы Хогарт овладевает искусством книжной иллюстрации. В 1726 году он иллюстрирует известную антипуританскую приключенческую поэму «Хадибрас» Сэмюэла Батлера. Первое живописное произведение Хогарта появилось в 1728 году, это было полотно на сюжет популярной тогда пьесы Джона Гея «Опера нищего».

Женитьба

В 1724 году Хогарт познакомился с 15-летней дочерью Торнхилла — Джейн. Через пять лет, не надеясь получить согласие отца Джейн на брак, Хогарт и его возлюбленная тайно обвенчались в старой Паддингтонской церкви (23 марта 1729 год)^[3]. Примириться со своим тестем Хогарту удалось лишь после того, когда он достиг материального благосостояния и признания, как художник.

По воспоминаниям самого Хогарта: «Потом я женился и занялся рисовать небольшие салонные картинки от 12 до 15 дюймов высотой. Поскольку они были новинкой, то имели успех в течение нескольких лет и хорошо продавались».

В конце 1720-х годов Хогарт написал ряд групповых портретов английских семей, так называемые «разговорные портреты» (англ. conversation pieces). К ним относятся «Музыкальная вечеринка» (A Musical Party, 1730, Музей Фицуильяма, Кембридж), «Собрание в доме Ванстед» (The Assembly at Wanstead House, 1729-31, Музей искусств Филадельфии), «Семья Волластон» (The Wollaston Family, 1730, частная коллекция) и «Семья Фаунтейн» (The Fountaine Family, 1730-32, Художественный музей Филадельфии).

Творчество

В 1730—1731 годах Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель, написанная на серии картин, вымышленной или реально существующей. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг.

«Выборы в парламент» (1753—54)


«Предвыборный банкет»	«Агитация»	«Голосование»	«Триумф избранных в парламент»

Тематика

Модный брак

Интересные факты

Семь из восьми гравюр серии «Карьера мота» через двести лет после своего создания легли в основу сюжета балета шотландского певца, актёра и композитора Гэвина Гордона. Постановка была осуществлена в 1935 году хореографом Нинет де Валуа. В 1951 году Игорь Стравинский написал оперу «Похождения повесы» под впечатлением творчества Хогарта. В 1946 году на экраны вышел американский художественный фильм «Бедлам» (режиссёр Марк Робсон), творческий коллектив которого вдохновили картины и гравюры Хогарта. В 2003 году в University of New Hampshire’s Department of Theatre and Dance было создано сценическое шоу под названием «Похождения повесы», в котором семнадцать актеров и актрис представили свой вариант интенсивного изучения офортов художника.

Примечания

См. также

Литература

Ссылки

Английский художник Уильям Хогарт: vakin — LiveJournal

Уи́льям Хо́гарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, Лондон) — английский художник, основатель и крупный представитель национальной школы живописи, иллюстратор, автор сатирических гравюр, открыватель новых жанров в живописи и графике. Многие свои произведения художник, испытавший на себе влияние идей философов Просвещения, подчинил задаче воспитания с помощью художественного творчества нравственного начала в человеке и искоренения пороков.

1724 William Hogarth Jean-Francois de Troy La Declaration d’Amour Huile sur Toile 64,8×54,6 cm Williams College Museum of Art

Учился в Хёгле у гравера Э.Геймбла. С 1720 г. посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же году начал самостоятельно работать как профессиональный художник. Первыми работами Хогарта были книжные иллюстрации, в том числе к сатирической поэме Сэмюэла Батлера «Гудибрас» (1726). Двумя годами позже начал писать маслом групповые портреты небольшого формата и с тех пор постоянно занимался как живописью, так и гравюрой.

Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 г., а в 1745 г. появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747), «Четыре стадии жестокости» (1751) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 г. вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 г. Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джеймса Торнхилла. В 1764 художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна». В середине 50-ых годов XVIII века почти в любой английской лавочке или книжном магазине можно было купить гравюры Уильяма Хогарта. Лучше любых биографов о нём рассказал автопортрет, композиция которого необычна — это «картина в картине».

Источник — Википедия

1730 William Hogarth The Jones Family, La Famille Jones Huile sur Toile 72×91,8 cm National Museum Wales

1733 William Hogarth A Rake’s Progress, La Carriere d’un Roue, scene 3 Huile sur Toile 62,2×75 cm Londres, Sir John Soane’s Museum

1733 William Hogarth A Rake’s Progress, La Carriere d’un Roue, scene 4 Huile sur Toile 62,2×75 cm Londres, Sir John Soane’s Museum

1736 William Hogarth The Four Times of the Day, Evening Huile sur Toile 74×62 cm Upton House, The Bearstead Collection

1736 William Hogarth Les Quatre parties du jours, Midi, Detail

1736 William Hogarth The Four Times of the Day, Noon Huile sur Toile 74×62 cm Upton House, The Bearstead Collection

1738 William Hogarth The Strode Family, la Famille Strode Huile sur Toile 87×91,5 cm Tate

1740 William Hogarth Portrait de George Arnold Huile sur Toile 88,9×68,6 cm Cambridge, Fitzwilliam Museum

1742 William Hogarth The Graham Children Huile sur Toile 160,5×181 cm Londres, National Gallery

1744 William Hogarth Joseph Highmore Pamela dans la chambre avec Mme Jewkes et M B Huile sur Toile 62,7×75,7 cm Tate

1744 William Hogarth Portrait de Mrs Salter Huile sur Toile 76,2×63,5 cm Tate Gallery

1745 William Hogarth L’Acteur David Garrick dans le role de Richard III Huile sur Toile 190,5×250,8 cm Liverpool, National Museum

1745 William Hogarth Le Mariage a la mode, scene 6, La mort de la Comtesse Huile sur Toile 70×90,8 cm Londres, National Gallery

1747 William Hogarth Portrait de Thomas Herring archev^que de Canterbury Huile sur Toile 1127×101,5 cm Tate Gallery

1747 William Hogarth Portrait de Thomas Herring, archeveque de Canterbury, detail

1754 William Hogarth Quatre Images d’une Election, Le Vote aux Hustings 101,5×127 cm

1755 William Hogarth Les Domestiques d’Hogarth, Detail

1759 William Hogarth Sigismonde pleurant sur le coeur de Guiscardo Huile sur Toile 100,4×126,5 cm Tate Gallery

1759 William Hogarth Portrait de Sir Francis Dashwood a ses devotions Huile sur Toile 120×87,6 cm Collection particuliere

1745 William Hogarth Le Mariage a la mode, Planche 4 Le Lever de la

1751 William Hogarth La Rue de la Biere, Beer Street Gravure, eau-forte et burin 38×32,1 cm Paris, bnfComtesse

The Five Orders of Perriwigs by William Hogarth

Hogarth

Cruelty

Bench second state

A Chorus of Singers by William Hogarth

William Hogarth — Absurd perspectives

Автопортрет, 1745

Полностью fotki.com

Хогарт Уильям — это… Что такое Хогарт Уильям?

Хогарт Уильям

Хогарт, Уильям
Автопортрет, 1745
Дата рождения:	10 ноября 1697
Место рождения:	Лондон
Дата смерти:	26 октября 1764
Место смерти:	Лондон
Жанр:	английский художник, иллюстратор, гравер и теоретик искусства
Работы на Викискладе

Уильям Хогарт (англ. William Hogarth; 10 ноября 1697, Лондон — 26 октября 1764, там же), английский художник, иллюстратор, гравер и теоретик искусства.

Биография

Учился в Лондоне у гравера Э.Геймбла. С 1720 г. посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же году начал самостоятельно работать как профессиональный художник. Первыми работами Хогарта были книжные иллюстрации, в том числе к сатирической поэме Сэмюэла Батлера «Гудибрас» (1726). Двумя годами позже начал писать маслом групповые портреты небольшого формата и с тех пор постоянно занимался как живописью, так и гравюрой.

Творчество

В 1730—1731 гг. Хогарт выполнил серию из шести картин, получившую название «Карьера проститутки». Большим успехом пользовались гравюрные оттиски серии, напечатанные в 1732 году. Неизвестно, была ли его модель (проститука, написанная на серии картин) вымышленной или реально существовала. Мы видим на этих картинах ярко накрашенную молодую женщину. Сквозь белила, румяна и помаду просвечивает трагическая судьба человека, вынужденного работать в столь непрезентабельной профессии. В то время посетитель публичного дома мог получить любую женщину, заплатив всего шиллинг. Следующая серия гравюр — «Карьера мота» — была опубликована в 1735 г., а в 1745 г. появился знаменитый цикл «Модный брак». Затем последовали другие серии, среди которых — «Прилежание и леность» (1747) и «Выборы» (4 гравюры, 1755—1758). Хогарт выполнил также множество отдельных гравюр, несколько портретов и ряд исторических картин. В 1753 г. вышел в свет его трактат «Анализ красоты». В 1757 г. Георг II назначил Хогарта главным живописцем; в этой должности он стал преемником Джона Торнхилла. В 1764 художник выпустил свою последнюю гравюру «Конец, или Бездна».

Тематика

Wikimedia Foundation. 2010.

Хогбум Гари
Хогбум

Смотреть что такое «Хогарт Уильям» в других словарях:

Хогарт, Уильям — Уильям Хогарт англ. William Hogarth … Википедия
Хогарт Уильям — (Hogarth) (1697 1764), английский живописец, график и теоретик искусства. Учился у гравёра Э. Геймбла, с 1720 в академии Дж. Торнхилла в Лондоне. Работал в Лондоне, в 1743 и 1748 посетил Францию. В многочисленных сатирических картинах и… … Художественная энциклопедия
Хогарт Уильям — (Hogarth) (1697 1764), английский живописец, график, теоретик искусства. Основоположник просветительского направления в европейском искусстве. Мастер сатирического бытового жанра, разоблачающего пороки аристократии (серии картин «Карьера… … Энциклопедический словарь
Хогарт, Уильям — Уильям Хогарт Брачный контракт . ХОГАРТ (Hogarth) Уильям (1697 1764), английский живописец, график, теоретик искусства. Основоположник социально критического направления в европейском изобразительном искусстве. Мастер сатирического бытового жанра … Иллюстрированный энциклопедический словарь
Хогарт Уильям — Хогарт (Hogarth) Уильям (10.11.1697, Лондон, ‒ 25.10.1764, там же), английский живописец, график и теоретик искусства. Учился у гравёра по серебру Э. Геймбла, с 1720 ‒ в академии Дж. Торнхилла в Лондоне. Работал в Лондоне, в 1743 и 1748 посетил… … Большая советская энциклопедия
ХОГАРТ Уильям — (Hogarth, William) (1697 1764), английский художник, иллюстратор, гравер и теоретик искусства. Родился 10 ноября 1697 в Лондоне. Учился в Лондоне у гравера Э.Геймбла. С 1720 Хогарт посещал занятия в Академии Джеймса Торнхилла, в том же году начал … Энциклопедия Кольера
Хогарт, Уильям — (Hogarth, William, 1697 1764) Самой известной иллюстрацией знаменитого английского художника к Шекспиру является изображение маслом Дэвида *Гаррика в роли Ричарда III (1745). Также известен ранний рисунок Хогарта Фальстаф, экзаменующий своих… … Шекспировская энциклопедия
Хогарт — Хогарт, Уильям Хогарт, Уильям Автопортрет, 1745 Дата рождения: 10 ноября 1697 … Википедия
Уильям Хогарт — Хогарт, Уильям Автопортрет, 1745 Дата рождения: 10 ноября 1697 Место рождения: Лондон Дата смерти: 26 октября 1764 … Википедия
Хогарт У. — Хогарт, Уильям Автопортрет, 1745 Дата рождения: 10 ноября 1697 Место рождения: Лондон Дата смерти: 26 октября 1764 … Википедия

Уильям Хогарт — биография, интересные факты, известные произведения

Биография и информация

Английский художник Уильям Хогарт может показаться дотошным и утомительным морализатором, если судить о нем по его нравоучительным картинам. Порок раскрывается во всех сериях его картин — «Прогресс блудницы», «Прогресс повесы», «Брак в моде» — а сюжеты его картин доводятся до объяснимого (с их образом жизни!) плачевный финал. Но биография Хогарта показывает, что он не был ни занудой, ни лицемером.Скорее, он был совсем наоборот …

Родители будущего художника переехали в Лондон из провинции. Если вам нужен пример истинной британской эксцентричности, то вот Ричард Хогарт. Фактически, он был сельским учителем, преподавал латынь школьникам, но по наиболее известной для него причине был убежден, что в будущем непременно займет важный государственный пост. Старшего сына Ричарда амбициозно назвали Уильямом в честь короля Вильгельма III.

Отец-Хогарт без оглядки бросался в разные приключения и часто влезал в долги.Например, его идея открыть ресторан, в котором все посетители будут общаться исключительно на латыни, с треском провалилась. Его жена Энн Гиббонс с четырьмя детьми пыталась продавать травы и зелья, и ей помогал ее сын-подросток Уильям. Но это не спасло семью от финансового краха. За неоднократное нарушение долга Ричард Хоград был приговорен к тюремному заключению в тюрьме Флит.

Построенная в 12 веке тюрьма была поистине легендарным заведением. Были времена, когда в нем жили поэт-метафизик Джон Донн, знаменитый пуританский проповедник Генри Барроу, а Чарльз Диккенс заключал в эту тюрьму Сэмюэля Пиквика, главного героя своего романа «Посмертные записки Пиквикского клуба».С 18 века тюрьма получила узкую специализацию по исправлению должников и банкротов. Отец Хогарта был пойман там в 1708 году. Единственным утешением было то, что семья Ричарда попала в тюрьму вместе с ним. Британские законы разрешали заключенным не находиться отдельно от близких, поэтому в тюрьме были бараки для их жен и детей. Так 11-летний Уильям получил важный жизненный опыт: в колонии он мог наблюдать за обитателями лондонского «дна» — ворами, проститутками, пьяницами, бродягами и мошенниками.Многие из них впоследствии прославили Хогарта, будучи изображенными на гравюрах или холстах художника.

Хогарт вспоминал, как, находясь в тюрьме, он развил свою память, тренируясь «держать объект в своем воображении». Это стало бы его собственным методом — рисовать по памяти, а не напрямую с натуры.

Видя, насколько наблюдательным был Уильям и как хорошо он рисовал, после ухода из учреждения отец отправил его учиться у известного гравера-позолочника Эллиса Гэмбла.Там Хогарт научился резать металл, украшать монограммами, цифрами и эмблемами различные предметы быта, от посуды до серебряных табакерок.

Хограту было 23 года, когда умер его отец. Чтобы поддержать мать и младших сестер, Уильям решил открыть собственное дело. В дополнение к тому, что он делал в мастерской Гэмбла, Хогарт начал создавать жанровые гравюры и вскоре понял, что это именно то, что интересовало публику.

Одной из его первых гравюр была «Эмблематическая гравюра на схеме Южного моря».Теперь нам нелегко понять, что означает толпа, предавшаяся низменным развлечениям, вроде изображенной там адской карусели. Но современники прекрасно понимали, что сатира Хогарта была нацелена на несостоятельную коммерческую компанию Южных морей, обанкротившую многих своих акционеров.

Гравюры Хогарта приобрели популярность благодаря своей остроумности, актуальности и, что самое главное, недорогой: одна гравюра стоила около шиллинга.

Вдохновленный тем, что его работы находят отклик у публики, Хогарт решил изучать живопись и поступил в одну из частных лондонских художественных академий.Впрочем, его быстро разочаровало бесконечное копирование старых итальянцев, рисование головы и туловища. Он находил это излишним и скучным, и он был учеником, который наименее преуспел в историческом жанре.

Единственный современник Уильяма, у которого хотел бы учиться, был королевский художник Джеймс Торнхилл, первый английский художник, получивший дворянство. Хогарт покинул академию и поступил в мастерскую Торнхилла. Маэстро остался доволен ученицей, когда разразился скандал.Хогарт влюбился в свою дочь, 19-летнюю Джейн, похитил ее, и в 1729 году они тайно поженились. Сначала Торнхилл был в ярости, но со временем, по словам биографов, он открыл «и свое сердце, и свой кошелек» для своего зятя: например, они вместе работали над украшением знаменитых садов Воксхолл на Темзе. и после этого Хогарт приобрел общественное мнение о прекрасном декораторе.

Но настоящую известность ему принес цикл из шести картин «Прогресс блудницы» — поучительный рассказ о провинциальной Марии, попавшей в бездну лондонского порока.Картины сгорят в огне 1755 года, но гравюры самого Хогарта будут сохранены. Популярность блудницы Хогарта резко возросла. Ее перерисовывали на чашках и тарелках, штамповали на веерах. Когда предприимчивый (в отличие от своего незадачливого отца) Хогарт объявил о подписке на свои гравюры, на серию «Прогресс блудницы» сразу же подписались почти полтысячи человек. Окрыленный успехом, Хогарт объявил о подписке на следующую серию из 8 работ, которую назвал «Прогресс повесы».

Оригинал был идеей Хогарта объединить несколько картин с сквозным сюжетом. Кроме того, он использовал в живописи театральные приемы. В качестве хорошей пьесы в сериалах Хогарта есть центральная линия и несколько боковых линий, у субъектов есть выразительные лица и жесты, а зрителю предлагается проследить за сменой сценических сцен и декораций. «Моя картина была моей сценой, а мужчины и женщины — моими актерами», — так Хогарт описал изобретенный им метод. Современники свидетельствовали, что в Лондоне почти не осталось домов, где не могли бы быть найдены поучительные гравюры Хогарта.

В поисках новых типов для своих картин и гравюр Хогарт любил бродить по улицам Лондона и не гнушался суетными местами и трущобами. Он бегло делал наброски прямо на руках, а иногда и на ногтях. Однако никто, кроме него самого, не мог понять, что означают эти штрихи и штрихи.

Хогарт тоже писал портреты, немного ироничные, но жизнеутверждающие. «Девушка-креветка» и «Слуги Хогарта» — лучшие из них.

Автопортрет Уильяма Хогарта 1745 года «Художник и его мопс» — единственный в своем роде.Кто-то рисует свою фигуру на религиозную тематику, кто-то изображает себя за работой с палитрой и кистями в руках, а Хогарт запечатлел своего мопса на переднем плане, а себя поместил только на задний план. Собака — отнюдь не аллегория: Хогарт просто не мог их выносить, считая, что искусство должно иметь полную ясность и никаких загадок для зрителя. Художник просто очень любил животных. Когда умирала одна из собак или птиц, живших в его доме в пригороде Лондона Чизвик, Хогарт устроил торжественные похороны прямо у себя во дворе.

Хогарт любил животных, но гораздо более критически относился к людям. О его дерзком и сварливом персонаже ходили легенды.

Соратники-художники не любили Хогарта за его, как им казалось, непомерное самомнение и тщеславие. В 1743 году Хогарт прибыл в Париж, но был выслан оттуда и обвинен в шпионаже, хотя настоящей причиной были его политически некорректные высказывания о французском искусстве. Хогарт не признавал авторитета прошлого. Досталось и современникам — за излишнюю красивость, часто прикрывавшую пустоту.В ответ конкуренты рисовали злые карикатуры на Хогарта. Однако кумиры у него были. Разбогатев и купив огромный дом, художник поставил перед ним позолоченный бюст Ван Дейка. Если кто-то, желая польстить хозяину, называл его таким же великим, как Ван Дайк, Хогарт не скромничал: «Вот он был прав! Да, дайте мне время, и позвольте мне выбрать тему! »

Больше всего Хогарта раздражали подражатели и недобросовестные торговцы. Хогарт едва успел закончить произведение — оно уже было скопировано посредственными граверами, а продавцы книг пустили его в обращение за полцены.Все выиграли в финансовой выгоде, кроме самого Хогарта. Затем Хогарт обратился в британский парламент. Он подготовил законопроект, согласно которому в течение 14 лет никто не имел права копировать изображения без согласия художника. Проект был одобрен королем Генрихом II, считая, что он был принят только 13 лет спустя. Акт Хогарта был первым документом в Европе, защищавшим авторские права художников и граверов.

Хогарт оставил интересные воспоминания, а также замечательный художественный трактат «Анализ красоты» (1753 г.), который не потерял своей актуальности и по сей день.

Художник умер 26 октября 1764 года, похоронен в Лондоне.

Автор: Анна Вчерашняя

Хогарт, Уильям, 1697–1764 | Арт УК

(Родился в Лондоне 10 ноября 1697 г .; умер в Лондоне 25/26 октября 1764 г.). Английский живописец и гравер, выдающийся британский художник своего времени. В детстве его отец, школьный учитель, был заключен в тюрьму за долги, и этот ранний опыт изнаночной стороны жизни оставил глубокий след в Хогарте (большая часть его работ посвящена контрасту между успехом и неудачей, и он изображал тюрьмы в нескольких работах).

Он получил образование гравера по серебряной пластине и к 1720 году открыл собственное дело в Лондоне, занимаясь различными видами коммерческой работы.В свободное время он изучал живопись сначала в Академии Сен-Мартинс-Лейн, а затем у сэра Джеймса Торнхилла, на дочери которого он женился в 1729 году. Однажды он придумал идею использования последовательности анекдотических картинок, «похожих на представления на сцене», чтобы указать на моральные и высмеивающие социальные злоупотребления. За «Прогрессом блудницы» (6 сцен, около 1731 года; уничтожен огнем) последовал «Прогресс повесы» (8 сцен, ок.1735, Soane Mus., Лондон) и «Свадьба в моде» (6 сцен, около 1743, NG, Лондон), каждая из которых разворачивает поучительную историю о тщеславии, развращении и предательстве, ведущих к упадку и смерти. Хогарт произвел все три серии с целью их гравировки, и эти гравюры широко продавались и были популярны среди всех классов. Они действительно были настолько успешными, что неавторизованные копии стали продаваться, а кампания Хогарта против спекулянтов привела к Закону об авторском праве граверов 1735 года, который сделал такие копии незаконными.В дополнение к гравюрам, основанным на его картинах, он создал множество независимых гравюр, в том числе «Промышленность и праздность» (двенадцать сцен, 1747 г.), Пивная улица и Джин-лейн (1751 г.) и «Четыре стадии жестокости» (четыре сцены, 1751 г.). В его работе много остроумных наблюдений, но он также мог быть жестоко прямым, когда движим незаслуженными страданиями: «Четыре стадии жестокости» были созданы в надежде предотвратить жестокое обращение с бедными животными, которое заставляет улицы Лондона более неприятен для ума, чем что-либо еще ».

Хогарт писал о своих «современных моральных предметах», что «я старался относиться к своим предметам как к драматическому писателю: моя картина — это моя сцена, а мужчины и женщины — мои исполнители». Однако он был гораздо больше, чем проповедник в живописи. . Его сатира была направлена на педантизм и манерность, а также на безнравственность, и он считал себя до некоторой степени защитником местного здравого смысла от моды на французские и итальянские манеры (он отвергал современных иностранных художников как « заграничных фотографов » ).Несмотря на свою ксенофобию, он предпринял несколько попыток показать, что он может рисовать в итальянском стиле Grand Manner, включая огромный алтарь церкви Святой Марии Редклифф, Бристоль (1755–176, ныне City AG, Бристоль). Эти, однако, в настоящее время обычно считаются его самыми слабыми работами, и помимо предметов морали он преуспел в основном в портретной живописи. Капитан Корам (1740, Foundling Mus., Лондон), который он считал своим высшим достижением в этой области, показывает, что он мог написать портрет в стиле барокко с полной уверенностью и без искусственности.Однако состоятельные клиенты обычно предпочитали мягкую лесть твердой прямоте Хогарта, поэтому он не имел финансового успеха как портретист.

В 1735 году он основал академию в Сен-Мартинс-лейн (преемницу той, в которой он учился), и она стала важным предшественником Королевской академии. В 1753 году он опубликовал «Анализ красоты», трактат по эстетической теории, написанный с убеждением, что взгляды практикующего художника должны иметь больший вес, чем теории знатока или дилетанта.Это показывает его как оригинального, хотя и несколько запутанного мыслителя.

Хогарта был далеко, самым важным британским художником своего поколения. Он был одинаково велик как художник и гравер, и силой своей драчливой личности, а также качеством и оригинальностью своих работ он освободил британское искусство от господства иностранных художников. Более того, он сделал акцент на этом растущем национальном духе в искусстве, убедив своих коллег-художников, в том числе Фрэнсиса Хеймана, Томаса Хадсона, Аллана Рамзи, Сэмюэля Скотта и Ричарда Уилсона, представить образцы своих работ в знаменитом лондонском госпитале для подкидышей (основанном в 1739 его друг Томас Корам), где они могли быть увидены публикой; по сути, если не по названию, это была первая в Великобритании публичная художественная галерея.Поскольку в его собственных работах очень много «литературных» элементов, его качества как художника часто упускаются из виду, но его более неформальные картины, в частности, показывают, что его манера письма могла соответствовать его изобретательному гению. Например, энергичность и непосредственность «Девочки-креветки» (около 1740 г., Нью-Джерси, Лондон) сделали ее одной из самых популярных британских картин 18 века.

Живописи рисунки: Идеи на тему «Мои рисунки. Живопись и графика» (40+)

Живопись, картины и художники – онлайн-музей Gallerix

Виртуальный музей живописи.

Картины известных художников

Все наши впечатления, фантазии, увиденные архитектурные ландшафты, предметы, пейзажи удивительным образом находят свое отображение в творческих работах великих мастеров и знаменитых художников. Можно сказать, что любая галерея картин насыщает зрителя таинственным колоритом высокого искусства и неповторимыми оттенками внутреннего мира их создателя.

Декорационная живопись, живопись маслом, акварелью, карандашом, монументально-декоративная, иконопись, панорама, миниатюра, диорама – среди такого многообразия каждый находит близкую для себя частичку окружающего мира, характера и настроения. Но, несмотря на это, этапы создания очередной репродукции картин известных художников все также окутаны таинственной дымкой. Возможно, именно это позволяет зрителю каждый раз восторженно наслаждаться насыщенной палитрой, необычными формами и величественной глубиной всего сюжета произведения.

Являясь верным поклонником творчества какого-либо художника, как в первый раз все также с восхищением следишь, как на поверхности холста появляются новые образы и неутомимые потоки краски. Художник будто вдыхает в них жизнь, и они уже игриво ложатся на полотно нового произведения, иногда широко и свободно растекаясь, а иногда – выплескиваясь и плавно ложась слоями. Каждый мазок репродукции известных картин рождает новую стихию. Это может быть дерзкий и неутомимый характер Бури у берегов Ниццы Ивана Айвазовского или мягкие и теплые тона Швейцарского пейзажа с лошадьми Алексея Саврасова.

Что интересно, любые репродукции картин одного и того же мастера открывают новые грани его таланта. Разница лишь в том, откуда художник черпает вдохновение и благодаря чему создает уникальные вариации античного, средневекового или абстрактного направления. Живописцы умело соединяют в своих работах страницы таинственного прошлого и неожиданного настоящего. Возможно, поэтому галерея картин дарит одухотворенное, романтичное начало, обращенное к образам прошлых лет фигуративного или традиционного искусства.

В этом и заметен вечный творческий поиск талантливых авторов, как прошлых лет, так и сегодняшнего времени. И что очень радует, проникнуться их духом и настроением, перенестись в Третьяковскую галерею, Эрмитаж или Русский музей сегодня достаточно просто – нужно всего лишь скачать картины известных художников и насладиться их реалистичностью, колоритом высокого искусства. А оно, как и много лет назад, не перестает удивлять истинных ценителей живописи. Многие художники в своих работах обращаются к истории, образам минувшего столетия. Это делает репродукции картин не только художественно ценными, но и интересными в интеллектуальном плане.

Почитатели прошлых и современных живописных форм ценят в произведениях искусства еще и «дыхание жизни». Каждый мазок, блик, оттенок должен максимально передавать богатую реалистичность всего сюжета. Не зря Леонардо да Винчи в свое время сказал о живописи как о поэзии, которую видят. Присмотритесь только к насыщенной картине известного художника Пьера Огюста Ренуара «Букет роз в зеленой вазе». С первого мгновения будто ощущаешь их манящий сладкий аромат, нежность каждого лепестка и свежесть игривой капельки росы. А в произведениях художника Anders Zorn удивительным образом проявляется чувственность и изящность любой женщины. Автор великолепно передал современную эстетику ню, наполненную академическим стилем и благородной динамикой футуризма.

Несомненно, такие репродукции картин художников позволяют зрителям по-новому взглянуть на привычные вещи, изображенные на полотне. Они не только радуют невероятным богатством красок и оттенков, но также передают очарование окружающего мира, упорядоченного рукой мастера.

Gallerix.ru — это виртуальный музей, в котором вы найдёте живопись, картины, репродукции картин русских и зарубежных художников, коллекции живописи крупных музеев. Здесь можно скачать картины в высоком разрешении и превосходном качестве, высказаться, а сколько всего ещё впереди! Обновление галерей, в среднем, раз в неделю, заходите чаще!

Такая разная живопись

Живопись – удивительное по своему разнообразию явление. В нём традиционно выделяется станковая, монументальная и декоративная живопись, а также оформление театральных декораций и миниатюрная.

Наиболее распространенной является станковая живопись. Она выполняется на мольберте, который является станком для художника. Обычно материальной основой картины является холст, натянутый на подрамник. Применяется также дерево, картон и бумага. Картина показывает современную действительность, исторические события, сюжеты, задуманные живописцем. Для станковой живописи нет ограничений в изобразительных возможностях. Здесь богатый цвет позволяет глубоко и точно отобразить уникальность действительности.

Особым, идеологически нагруженным вариантом является монументальная живопись. Она представляет собой масштабные живописные произведения, которые создаются для украшений объектов архитектуры. В ней должны отражаться заметные процессы и события, которые повлияли на общественный прогресс. Такая живопись, в силу её масштабности, предполагает особые подходы и значительные средства.

При помощи декоративной живописи украшаются интерьеры помещений. Она может выступать в виде насыщенных красками панно, дающими иллюзию визуального изменения объёма помещений в нужную сторону. Декоративная живопись органически объединяет интерьер и украшает предметы домашнего обихода.

Специфический характер имеет живопись в театре. Она предназначена для изготовления декораций, разработки набросков костюмов для сцены и реквизита. Театральный художник призван помочь точно выразить персональные особенности персонажей спектакля, эпоху в которой происходит действие. Это помогает раскрывать суть сценического представления. При этом предполагается учёт большого количества мест, с которых зрители смотрят спектакль, световые и цветовые возможности. Все это помогает адекватно воспринять спектакль.

Получившая популярность в средневековье живопись миниатюр используется преимущественно в издательском деле. Издавна книги украшались тщательно проработанными миниатюрными иллюстрациями. В первой половине ХIХ в. огромной популярностью пользовались небольшие акварельные портреты. Их отличали изысканность, изящество и филигранность письма.

Различные виды живописи также отличаются связующим веществом, на основе которого создается краска. Так, для масляной живописи применяется краска, в которой красящий пигмент растирается на маслах из растений. Такой краской пишут преимущественно на холсте, а также на картоне, металлических и деревянных плоскостях. Если краска густеет, её разводят специальными разбавителями. В темпере используется краска на казеиновой или яичной основе. Её растворяют водой и в виде жидкой пасты наносят твёрдую поверхность. Благодаря темпере сохранились старинные росписи на стенах, многие иконы и уникальные узоры на предметах домашнего обихода. Актуально применение темперы в живописных и графических работах, при художественном оформлении, декорировании зданий и помещений.

Также давнее происхождение имеют фресковая, восковая живопись и мозаика. С помощью первой создаются большие интерьерные композиции. У нее эстетичный вид и отменная долговечность. На основе отбеленного воска делаются восковые краски. Они горячим специальным металлическим инструментом переносятся на деревянную поверхность или холст. В мозаичной живописи произведение создается из небольших осколков разноцветного стекла и камня. Элементы мозаики при помощи цементного состава соединяются с поверхностью и создают интересные эффекты. Панно из мозаики широко используются для оформления помещений внутри общественных зданий и сооружений. Определённое сходство с мозаикой имеет живопись на витражах.

Разнообразие живописных произведений, в которых художник выражает свой творческий замысел, помогает увидеть красоту мира в повседневной жизни, постичь его совершенство.

Остановить прекрасное мгновенье

Уже не одну сотню лет это делается при помощи живописи – одного из важнейших видов изобразительного искусства. Ничто, кроме живописи, не способно с необычайной глубиной и техническим совершенством отразить богатую цветом, объёмом и материальной уникальностью окружающую человека действительность. Воспроизвести подсвеченный солнечным лучом воздух в утренней прохладе соснового леса. Или показать сверкающую всеми цветами радуги каплю росы на травинке.

Глубина окружающего человека пространства, удивительные особенности простых предметов проявляются в художественном творении благодаря использованию средств и приемов, присущих только живописи. Через рисунок, цвет и светотень, выразительные мазки, грамотные композиционные и фактурные решения изображение обычных вещей приобретают художественную ценность. Это и дым мчащегося паровоза, и степная пыль, поднятая табуном лошадей. Зритель может ощутить себя и в космическом корабле, и на палубе старинного парусника. Мастерски выписанные жанровые сюжеты помогут ему ощутить кисейную нежность наряда аристократки и грубую фактуру рубища нищего.

Дрезденская галерея. Photo: IgorMiske|Unsplash

Живопись удивительным образом раскрывает внутренний мир человека, радость и горе героев полотен, их неуемный восторг и отчаяние. Немало живописных работ показали в зрительных образах героизм и самопожертвование, мужество и трусость, подлость и предательство.

При помощи кисти и красок могут быть выражены неосязаемые идеи, глубинные исторические процессы, бытовые сюжеты, развернутые изображения различных событий. Предметом живописи стали батальные события и заседания парламентов, монархи и крестьяне, бунты, карнавалы и проводы в последний путь. Живописное изображение раскрывает духовное богатство и эмоциональную убогость, нравы и обычаи разных народов, богатые мироощущения современников живописца. При этом зритель получает ощущения, сходные с теми, которые он мог бы получить в действительности.

Материальной основой живописи являются её произведения, через которые осуществляется эмоциональное и интеллектуальное воздействие. Такое произведение должно иметь материальный носитель или основу в виде холста, бумаги, картона, дерева. Многие живописные работы создаются на камне, металле, стекле и бетоне. Обычно основа покрывается грунтом, на который кладется красочный слой. Иногда для большей сохранности работы краска покрывается лаком, создающим защитную пленку.

Флорентийское великолепие. Photo: JoshuaEarle|Unsplash

Однако главным таинством живописи является превращение под кистью мастера различных красок в цельное художественное изображение. Именно краски способны раскрыть изобразительный и эмоциональный потенциал живописи, особенности мастерства живописца. Самыми популярными красками при создании живописных полотен являются краски, в которых красящее вещество (пигмент) связывается растительным маслом. Они отличаются сильной цветопередачей и прекрасной устойчивостью к воздействию света. Акварельные краски художники ценят за их прозрачность, сочетаемую с яркостью и лёгкостью. Сегодня живописные работы создаются также при помощи темперы, гуаши, пастели и туши. Существует живопись разведёнными водой красками, которая широко применяется при создании фресок, восковая живопись и живопись керамическими и силикатными красками. Синтетические краски, их цветовая насыщенность и долговечность позволили вывести живопись из музейных залов на улицы городов на всеобщее обозрение. Носителями такой живописи стали здания и сооружения, средства транспорта и специальные конструкции. Произведения живописи всё больше насыщают быт человека. Живопись становится доступнее и демократичнее.

Живописные жанры

По мере исторического развития живописи её произведения начинали делиться на жанры в соответствии с объектами изображения и тематикой картин. Таких жанров сегодня насчитывается до полусотни.

Часть их связана с изображением человека. Жанр, называемый «ню» означает показ тела человека, которое обнажено. Он близок к сюжетам, раскрываемых в работах мифологического и исторического содержания. В произведениях, выполненных в портретном жанре, изображается человек. Такое изображение может носить индивидуальный или групповой характер, а также иметь парадный вид. Среди этих жанров выделяется жанр автопортрета, где автор запечатлевает сам себя. К жанрам, изображающим людей, может быть отнесена и карикатура. Здесь допускается намеренное искажение и преувеличение пропорций и черт лица человека. Используется различная символика, фантазии. Всё это призвано акцентировать внимание на критикуемых недостатках человека.

В анималистическом жанре изображаются животные, а в работах так называемого иппического жанра лошадь выступает главным героем живописного изображения.

Существует группа жанров, где отображаются исторические события. Такие работы отличает многоплановость и реалистичное изображение давно минувших дней. А для работ жанра, показывающего батальные события, характерно большое количество изображаемых лиц, участвующих в военных походах и сражениях. Батальные сюжеты предполагают их многоплановость. В некоторых жанрах содержится стремление донести до зрителя некие символы, мысли, которые представляются важными для людей. Так, картины аллегорического жанра предполагают скрытое содержание в изобразительном материале этих произведений. Расшифровываться оно должно посредством изображенных на картине людей, мифических героев, фантастических существ. В жанрах, изображающих героев былин и мифов, идеи передаются посредством соответствующих сюжетов. Религиозный жанр предполагает написание икон и иных работ сакрального содержания.

Распространенным жанровым объектом считается натюрморт. Здесь центром изображения становятся, преимущественно фрукты, овощи, посуда, вазы с цветами. Своеобразной разновидностью натюрморта является жанр «ванитас». В нём центральное место отводится черепу, символизирующему временность земного существования.

К пейзажным жанрам относятся изображения видов природы, городов и поселений. Пейзаж предполагает изображение картин природы, а также видов, связанных с морем и городами. Сюда можно отнести и жанр венецианского происхождения, называемый «ведута». По сути, это точно выписанная городская панорама, в которой, безусловно соблюдены архитектурные формы и пропорции. Жанр «каприччо» означает созданный фантазией художника архитектурный пейзаж.

К жанрам, отражающим обыденную жизнь, относят жанры изображающие человеческий быт, и пастораль. Первый характерен обыденной простотой в изображении элементарных жизненных сюжетов. Пастораль, напротив, идеализирует и украшает средствами живописи обыденную жизнь в сельской местности, подавая её в пастельных тонах. К бытовым жанрам может быть отнесен жанр интерьера, который показывает внутреннее оформление жилья и других помещений.

Краков, Польша. Photo: BeataRatuszniak|Unsplash

Иногда живописцы используют художественный жанр, называемый обманкой. В нём для получения зрительной иллюзии используются особые приёмы.

Жанры в живописи не есть что-то раз и навсегда застывшее. Они могут соединяться, дополнять друг друга. Отдельные со временем могут исчезнуть, другие будут развиваться, отражая жизнь.

Новости партнёров
Статьи по культурологии
Энциклопедия (в разработке)
Фотошоп онлайн

Зеркало человечества

Человечество помнит себя во многом благодаря живописи. Это были сначала примитивные изображения животных, сцен охоты на них. Затем появился человеческий образ. Складывается подобие композиции. Красками служили кусочки охры и угля. Рабовладельческий период развития общества обогатил живопись её связью с архитектурой, новыми техническими средствами. Нередким было примитивное изображение человека, развёрнутые повествовательные сюжеты. Появились пейзажи, изображения предметов быта, домашних животных и птиц. Такая древняя живопись имела декоративный характер, у неё были контурные линии и цветовые пятна.

Посетители Лувра перед портретом Моны Лизы Photo: JuanDiNella|Unsplash

В античный период живописью украшали культовые сооружения, жильё, усыпальницы и другие строения. Расширилась тематика и сюжетное разнообразие живописных сюжетов. Осознанно стали применяться светотень, различные варианты перспективы. Появились фресковая и восковая живопись. Средневековье характеризовалось преобладанием живописи религиозного содержания. Использовались гуашевые, акварельные краски и краски на клеевой основе. Храмы украшались фресками, настенными росписями, мозаиками и витражами. Непременным атрибутом церквей стали иконы, создаваемые на покрытых грунтом досках. Живописные работы того времени отличались контурной чёткостью, цветовой насыщенностью, локализацией цветовых пятен.

Во время эпохи Возрождения возрос интерес к живописным работам, отражающим идеи гуманизма. Совершенствование техники работы с масляными красками значительно расширили потенциал живописи. Единение глубины пространства, светотеневых эффектов и цветового многообразия позволяло с высокой степенью реалистичности воспроизводить окружающие человека предметы и его самого. В сюжетах с обнажённой натурой демонстрировалась гармоничность человеческих отношений. Начинала преобладать многослойная живопись маслом, которая вытесняла темперу.

ХVII-XVIII века стали временем создания национальных живописных школ. В картинах появились социальные аспекты, реалистичнее показывалась реальная жизнь. Совершенное мастерство живописцев позволило им взяться за изображение человеческих конфликтов, их психологии. Расширялось жанровое разнообразие живописи. Все большее значение отводилось станковой живописи. Совершенствовалась техника многослойной масляной живописи. Стали развиваться техники живописи, направленные на создание произведений камерного характера с использованием акварели, пастели, туши. Популярными стали различные виды миниатюрных портретов.

Взаимообогащение живописных традиций разных стран стало одной из важных черт живописи ХIХ века. Это помогало созданию реалистичных пейзажных школ. Живопись стала средством демонстрации негативного отношения к социальной действительности. В среде художников стали зарождаться подходы, оторванные от реальной реальности. В противовес им возник живописный романтизм, который исповедовал активную жизненную позицию. Он отличался конкретностью и убедительностью, динамичностью, контрастностью и колоритным богатством. Героями картин становились прогрессивные представители общественности, рабочие и крестьяне. В станковой живописи стали использоваться более совершенные краски фабричного производства.

Прерафаэлиты. Photo: ClemOnojeghuo|Unsplash

Конец ХIX и начало ХХ веков отмечен противоречивостью, борьбой разных течений в живописи. Активнее проявлялась персонификация видения художниками действительности, цвет становился насыщеннее и ассоциировался с отображаемыми в картине событиями и людьми. Во многих работах были правдиво осмыслены трагические события того времени. В то же время порой формы утрировались, машинизировались и становились декоративными элементами сюжета.

ХХ век отмечен развитием течений в художественной среде, которые негативно влияли на живопись. В некоторых странах она порой деградирует, превращаясь в компонент развлечений и рекламы.

Художник и его произведение

Сегодня занимающийся живописью художник может работать в театре, на промышленном предприятии и многих других местах. Зачастую именитые художники не работают по найму вообще, а полностью посвящают себя исключительно творчеству. Важной частью творческого процесса живописца является создание материальной основы для работы. Ведь зачастую художник должен нести немалые траты на аренду мастерской, приобретение мольбертов, красок, кистей и других инструментов для живописи. Вписанные в рыночные отношения некоторые живописцы вынуждены заниматься несвойственным им делами, занимаясь продвижением своих работ, маркетингом. Неотъемлемой частью жизни художника является его участие в выставках, конкурсах и других презентационных мероприятиях. Отдельным художникам удается найти почитателей их таланта, которые финансируют творческий процесс. Ещё с древних времен у сильных мира сего было принято иметь своих живописцев. Целью таких людей было использование искусства в целях собственного возвеличивания, фиксация важных исторических событий, формирование у потомков позитивного впечатления. В то же время художники, обслуживавшие таких заказчиков, получали возможность создавать высокохудожественные произведения различных жанров. Именно благодаря их творческим усилиям современный зритель может получить представление о важнейших событиях давно минувших дней, ощутить дыхание прошедших эпох.

Photo: AlpAllenAltiner|Unsplash

Профессиональная работа по созданию художественных произведений требует специальных знаний, которые дают художественные учебные заведения. Без таких знаний, независимо от источника их получения, художнику сложно создать высококачественное живописное произведение. Ведь любая стадия его создания требует специальных знаний и навыков. Задумывая сюжет картины, художник одновременно должен думать об источниках информации для его наполнения. Прежде, чем приступить к реализации творческого замысла на холсте или бумаге, ему необходимо ознакомиться с огромным объёмом информации для наиболее реалистичного и высокохудожественного отображения задуманного. Объём такой информации во многом зависит от жанра, в котором работает художник. Например, художник-баталист не сможет достоверно реализовать задуманный сюжет без чёткого представления об оружии, обмундировании, военных обычаях. Маринист не сможет работать вдали от моря, не зная основ конструкции кораблей, особенностей морского климата. Портретист должен знать все о герое портретного изображения, включая манеру двигаться, одеваться, смотреть и разговаривать. Только так, глубоко изучив свою натуру, художник может приниматься за работу. Предварительно им прорабатывается перспективы и композиция картины, делаются различные наброски и эскизы. Все эти подготовительные мероприятия позволяют приступить к созданию подготовительного рисунка на основе для картины. Рисунок выполняет функцию каркаса будущего произведения, закладывает фундамент целостности его изобразительного строя. От тщательности рисунка, выполненного карандашом, углём или мелом, в решающей степени зависит дальнейшая работа над картиной.

Перед началом работы с красками художник должен иметь чёткое представление о цветовой композиции своего произведения, которая создает ему колористическую цельность. Она реализуется при помощи красочных пятен или мазков, которые усиливают восприятие картины зрителем. Только после выполнения необходимых подготовительных процедур, нанесения и закрепления рисунка опытный художник начинает работать непосредственно красками.

Роль рисунка в живописи — Беда Г.В.

Живопись базируется на закономерностях цветового построения реалистической формы. Обучение живописной грамоте — это путь изучения способов, приемов и средств построения на плоскости живописной формы, ее пропорций, конструктивных, объемных, материальных и пространственных качеств. В связи с этим каждый живописец должен хорошо владеть рисунком, уметь конструктивно и перспективно строить предметы, передавать их пропорции, объемные, пространственные качества. Гармоническое слияние тона, цвета и рисунка в одно целое — это и есть настоящая живопись. Без рисунка краски не могут передать даже такие элементарные свойства предметов, как объем, пространство. Нанесенные на холст цветовые мазки, выражающие, например, изменение цвета в зависимости от воздушной перспективы, не могут сами по себе выражать пространственную глубину. Только заключенные в правильную форму, верный перспективный рисунок, пространственные свойства цвета вступают в полную силу, они выражают и пространство, и объем. Если пейзаж не нарисован по правилам наблюдательной перспективы, роль цвета в передаче пространства ничтожна. При определении, что такое живопись, художники порой говорят: «Это 100% рисунка и 100% живописи, которые находятся в тесной взаимосвязи». *

Когда мы говорим, что в реалистической живописи рисунку отводится главенствующая роль и что владение рисунком — необходимое условие успешного овладения реалистической живописью, это не значит, что процесс работы живописца идет таким образом, что сначала он тщательно выполняет рисунок, а затем раскрашивает его. Речь идет не о контурном рисунке. Живописец вообще может не делать подготовительного рисунка, а сразу начинать работать кистью — однако о его работе можно говорить, что в ней прекрасный рисунок, неразрывно связанный с живописью: налицо и правильные пропорции, и конструкция предметов, и прекрасная лепка объема, и наличие пространственных качеств.

Обучение начинающих художников обычно проводится параллельно по нескольким дисциплинам: по рисунку, живописи, композиции. Однако обучение живописи приносит хорошие результаты в том случае, если студенты предварительно уже имеют такие знания и навыки в рисунке, как умение перспективно и конструктивно строить предметы, грамотно выполнять тональный рисунок, и главное, имеют развитое чувство пропорций.

Если проанализировать работы учеников, которые приступили к изображению цветом, не умея еще рисовать, то сразу выявляется их полнейшая беспомощность в изображении натуры. Не обладая элементарным глазомером в определении пропорций и не зная элементов наблюдательной перспективы, они не в состоянии правильно нарисовать предметы с натуры, расположить их на изобразительной плоскости. Без знания законов светотени и задач тонового рисунка такие начинающие живописцы испытывают особенно большие затруднения в передаче’ цветом объема и материала изображаемых предметов, их пространственного расположения. В живописном этюде основной задачей является выражение пластической формы, а ее понимание, т. е. чувство объемной формы, вырабатывается именно в процессе овладения светотеневыми рисунками. Поэтому такой рисунок является не только началом, но и основой обучения живописи.

Исторический опыт художественных школ свидетельствует о том, что на первоначальном этапе обучения необходимо стремиться прежде всего дать основательную подготовку по рисунку. Только в этом случае процесс дальнейшего обучения живописи будет проходить наиболее успешно. Молодому болонскому художнику Одоардо Фиолетти, приехавшему учиться в Венецию, Тинторетто на его вопрос, что ему надо делать, чтобы преуспеть в живописи, сказал: «Рисовать!» На повторный вопрос Фиолетти, что ему еще можно посоветовать, чтобы стать живописцем, художник повторил: «Рисовать и еще раз рисовать!» — справедливо считая, что рисунок придает изящество и совершенство живописи1.

Микеланджело видел в рисунке применительно и к живописи, и к скульптуре, и к архитектуре «источник и корень всякой науки».

«Рисунок всегда является полюсом и компасом, который нас направляет, дабы не дать потонуть в океане краски, где многие тонут, желая найти спасение», — утверждал Шарль Лебрен.

Энгр на дверях своей мастерской написал: «Сюда придут ученики, которых я буду обучать рисунку, а выйдут отсюда живописцы».

«Существует лишь одно, что благодарно и что лежит в основе всего другого — это рисунок. По сравнению с ним все остальное слабо и незначительно: каждый, кто владеет рисунком, преуспевает как в живописи, так и в скульптуре», — говорил Каруччи.

«Не цвета делают фигуры прекрасными, а хороший рисунок», — говорил Тициан. Достигнув глубокой старости, он не пропускал ни одного дня, изображая что-нибудь углем или мелом.

«Следует считать твердо установленным, что практика, приобретенная путем многолетнего изучения за рисованием, делает людей выдающимися живописцами», — утверждал Джорж Вазари.

«Живопись, не основанная на рисунке, будет не искусством, а беспорядочным набором красочных пятен», — неоднократно повторял В. Е. Маковский.

«Не умеющий рисовать, не будет писать как следует», — учил П. П. Чистяков.

И. Е. Репин ежедневно по 2—3 часа занимался рисунком, считая его основой живописи. А. М. Васнецов, вспоминая о системе преподавания П. П. Чистякова, говорил, что «его идеалом была форма — рисунок».

В Мюнхенской школе художника-педагога Ашбе, в которую поступали люди, окончившие даже Академию искусств, обучение длительное время проводилось только по рисунку (конструктивное построение форм, тоновой рисунок, гризайль), и лишь впоследствии, когда овладевали конструктивной лепкой формы тоном, приступали уже к изображению цветом.

Произведения выдающихся художников замечательны прежде всего необычайным мастерством рисунка, сочетанием пластичности форм и верности тона и цвета. Большинство знаменитых живописцев — это прежде всего замечательные рисовальщики. Такие художники, как К- П. Брюллов, И. И. Шишкин, В. Е. Маковский, В. Д. Поленов, И. Е. Репин, М. А. Врубель, В. А. Серов, К- А. Коровин искусно владели рисунком. В живописи важно наличие пластической формы, ее объема, пропорций, пространственных ее качеств. Когда живописец передает эти качества натуры, то говорят — у него хороший рисунок. Если нет этих качеств, изображение будет свидетельствовать о крайне небрежно исполненной живописи, о неумении автора рисовать.

В живописи нельзя рассматривать цвет вне связи с рисунком. Нужно рисовать по мере того, как пишешь. Наметив рисунок для живописи, надо как бы забыть об условных контурах формы, надо лепить объемную форму объекта вместе с окружающим пространством, передавать ее пропорции и материальность. Так, начиная с подготовительного рисунка и кончая последними ударами кисти, художник все время имеет дело с рисунком, то есть с изучением и пониманием формы. По словам Д. Н. Кардовского, если мы говорим, что живопись — это продолжение рисунка цветом, то это значит, что живописная трактовка формы начинается с рисунка и в процессе работы она неоднократно корректируется и уточняется им. Мастерство владения рисунком обеспечивает успех в создании живописного произведения. П. П. Кончаловский, рассматривая значение в живописи рисунка и приемов письма, писал: «Настоящий прием в живописи — это мазок, совершенно точно, исчерпывающе передающий форму»2.

Первоосновой художественной образности в реалистическом искусстве является рисунок, воспроизводящий предметную форму, передающий характер людей и событий. В рисунке заложены успехи и композиционного мышления, развития воображения. Как правило, композиция создается и фиксируется (во всяком случае, пластическая идея) прежде всего в рисунке. Даже у очень многих скульпторов и архитекторов пластический мотив возникает в первоначальном наброске, в рисунке. А у художников пластическая идея, общая мысль композиции всегда возникает в рисунке.

Профессиональное мастерство рисунка в реалистическом его понимании’необходимо художникам разных профилей: графику, архитектору, декоратору, монументалисту и многим другим. Невозможно воспитать настоящего художника кино или театра, если он не подготовлен как рисовальщик. От уровня изобразительной культуры, воспитанной реалистической школой рисунка, зависит ценность творческого вклада художников разных видов изобразительного искусства.

Если картину начинает писать художник, получивший специальность оформителя, прикладника, монументалиста или художника-педагога, но не овладевший основами реалистического рисунка, это ведет к созданию неполноценных произведений станкового искусства, появлению в картинах ложного монумен-тализма и декоративизма, которые нарушают реалистическую образность, вносят фальшь, искажают образ человека и суть изображаемых явлений.

Мы укажем тот минимальный объем знаний и навыков по рисунку, которым необходимо овладеть каждому начинающему художнику, чтобы перейти к живописи. В этот начальный курс рисунка должны войти и теоретические знания, и выработка практических навыков по следующим вопросам:

1. Элементы наблюдательной перспективы (линия горизонта, перспектива горизонтальных линий и плоских предметов). Конструктивное и перспективное построение предметов, ограниченных плоскостями (куб, призма, интерьер и экстерьер).

2. Принцип перспективного построения предметов цилиндрической формы.

3. Светотень геометрических тел (градации светотени на шаре, цилиндре и кубе, элементы воздушной перспективы).

4. Способы передачи объема, материала и пространства в рисункке (характер светотени различных материалов, тоновые отношения, роль линии и штриха в передаче объема, материала и пространства).

По всем этим элементарным вопросам изобразительной грамоты необходимо приобрести не только теоретические знания, но и выработать практические навыки их реализации в рисунке: видеть пропорции, научиться замечать перспективные изменения, конструктивно строить изображение и располагать его на плоскости бумаги, владеть светотеневой лепкой объемной формы, уметь выполнять тональный рисунок, в котором предметы изображаются в световоздушной среде. Последнее особенно важно для перехода к изображению цветом. Живописная лепка формы основывается на единстве тоновых и цветовых отношений. Недопонимание роли тона в передаче объемной формы, материала и пространства усложнит усвоение многих живописных задач.

Бывает, что студенты оказывают предпочтение не тональному, а конструктивному рисунку. Рисунок начинают со схемы, с линейной конструкции и не добиваются живой формы с передачей ее светотени и тональных отношений. Такой рисунок не способствует переходу к живописи, а единичные задания по гризайли не дают возможности основательно понять задачи тонального изображения предмета в среде.

Важной основой художественной образности в реалистическом искусстве является тональный рисунок, воспроизводящий предметную форму в световой среде и пространстве. Такой рисунок является тем фундаментом, который позволяет перейти к живописи. Не владея тональным рисунком, художник беспомощен перед живописным изображением явлений объективного мира.

1 Мастера искусства об искусстве. М., 1966, т. 2, с. 257.
2 Кончаловский П. П. Мысли о художественном творчестве. М., 1964, с. 27.

Пётр I Великий в живописи — картины, изображения, рисунки и портреты императора

Валентин Александрович Серов написал картину в 1907 году. Подставив грудь холодным ветрам Балтийского моря, Пётр I осматривает строящийся город — будущую столицу России. Особое внимание царь уделял строительству военного флота. Вслед за Петром спешат его учителя, советники, соратники. Они с трудом противостоят ураганному ветру.

По зыбкой насыпи широко, уверенно и твёрдо шагает великий реформатор. Его целеустремлённость, напор, энергия привели в оживленной движение вековые традиции, укоренившиеся порядки, устоявшуюся жизнь многомиллионной страны.

Действие картины разворачивается на фоне строящейся новой столицы Великой империи. На противоположном берегу золотом сверкает игла Петропавловского собора. Видны первые каменные строения, признаки города налицо. Здесь же всё только начинается. Вместо будущей набережной — земляная насыпь, вместо дворцов — основы построек в строительных лесах.

К государю приковано внимание зрителя. Всё в нем символизирует силу и решимость. Сами вельможи зябко кутаются в плащи, сгибаются перед встречным ветром. Интересна фигура царёва денщика, бережно несущего государеву треуголку. Кто этот человек с неславянской внешностью? Доподлинно неизвестно. Понятно лишь то, что в новой России не происхождение влияет на карьеру, а способности и преданность державе.

Совсем рядом стоят первые корабли русского флота. Ещё не готово Адмиралтейство, нет пристаней, портов, но есть главное — боевые и торговые корабли. Корова, пьющая воду из Невы — важнейшая деталь. Таким образом, автор даёт нам понять, что, одновременно с новыми постройками, постепенно налаживается и жизнь людей, которые пришли на эти берега всерьёз и надолго.

В облачном небе парят три чайки, символизирующие близость моря, к которому так стремительно продвигается новая Россия. Цветовая гамма картины лаконична. Схематично и просто Серов передаёт атмосферу великой стройки. Но благодаря этой сдержанности, возникает возможность сконцентрироваться на главной мысли художника: перемены, начатые великим государем необратимы.

Существует предание о том, как царь взял у солдата ружьё со штыком, вырезал из дёрна две полоски и уложил их крестом. Указав рукой на зелёный крест, он сказал: «Здесь городу быть». Через 9 лет после закладки Санкт-Петербурга царь приказал чиновникам переезжать туда из Москвы. В следующем, 1713 году, в городе начал работу Правительствующий Сенат — главное государственное учреждение России.

Классы рисунка и живописи для детей и подростков — Галерея «5 дом»

Класс рисунка и живописи для детей и подростков (10-14 лет) художника Ивана Яговкина, работает с 2007 г.

Яговкин Иван Юрьевич, 1968 г. рожд. – потомственный художник (отец Юрий Иванович Яговкин был профессором живописи в МГАХИ им. В.И. Сурикова). Образование получил в Московском Государственное Академическом Художественном Училище (МГАХУ) памяти 1905 года. Участник многих персональных и коллективных выставок в нашем городе и московских выставочных залах.

Цели обучения: изучение основ рисунка, живописи, композиции, получение навыков в технике академического рисунка и живописи. Знакомство с работами великих мастеров.

В классе рисунка и живописи Ивана Яговкина занимаются в основном ученики старших классов. Обучение рисунку начинается с простых геометрических фигур, а заканчивается гипсовыми головами. Затем идёт работа гуашью в живописной технике.

Работы учащихся класса ежегодно представляются на отчётной выставке в галерее «5 Дом». В работах, представленных на выставке, отображаются красота русской природы, архитектура венецианских улиц, букеты цветов, сцены деревенской жизни. На занятиях, по мнению педагога, всегда царит творческая дисциплина, что не нарушает душевности обстановки.

Класс рисунка и живописи для детей и подростков (7-14 лет) художника Николая Хайдарова, работает с 2013 г.

Хайдаров Николай Сергеевич, 1989 г. рожд., с отличием окончил педагогическое отделение Краснодарского художественного училища, магистр Московского Государственного Академического Художественного Института (МГАХИ) им. В.И. Сурикова по специальности «станковая живопись».

Цели обучения: художественное развитие, получение навыков в работе с различными материалами (акварель, гуашь, масло), изучение основ рисунка, композиции, живописи, знакомство с историей художественной культуры. Возможен переход в молодёжный класс, который также ведёт Н. Хайдаров.

Дети изучают основы академического рисунка и живописи, многообразные графические, живописные, декоративные приёмы, используемые при создании произведения. Большое внимание уделяется знакомству с работами великих мастеров по слайдам и видео-сюжетам из истории изобразительного искусства. Работы, выполненные учениками Николая Хайдарова ежегодно выставляются на отчётной выставке в галерее «5 Дом», они отличаются грамотным подходом при выборе колорита, интересным композиционным решением.

Настенная живопись

Древние люди положили начало техники настенной росписи более 18 тысяч лет назад, когда в их распоряжении были только натуральные «краски».

Ярким примером являются наскальные рисунки на стенах испанских пещер Альтамира. Несмотря на то, что человеку была доступна толоко очень ограниченная палитра цветов, это не помешало ему создавать красочные изображения. Конечно краски создавались из естественных материалов: уголь, марганец, охра, кровь и разводились водой или животным жиром.

Следующим шагом в развитии настенной росписи стало строительство храмов, где художники могли реализовать различные техники живописи и создать единую композицию.

Античные времена

Важнейшим вкладом в историю и развитие живописи на стенах по праву считаются рисунки, созданные мастерами Древнего Египта. Их работы датируются 3 и 4 тысячелетиями до н. э. Наибольшее внимание в то время уделялось храмам и пирамидам, где можно встретить не только изображения египетских богов, но и проследить хронику исторических событий. Установились первые каноничные стили рисования, расширялась палитра цветов.

Другой образчик античного искусства — росписи с острова Крит. Они выполнены на сырой штукатурке и были созданы для дворцов. Последние украшались как фризами, так и панелями с росписями. Хотя живопись оставалась декоративной и плоскостной, для нанесения рисунков использовались яркие краски.

Постепенно в живопись помимо изображений человека стали добавлять узоры и орнаменты, вместо привычных героических сюжетов художники больше акцентировались на лирических мотивах. Опять же, преимущественно выбирались яркие и насыщенные краски. Одна из причин — трудность восприятия светлых оттенков на стенах из белого мрамора.

Следующим шагом становится перенос настенной живописи в парадные комнаты, когда основное внимание обращается на интерьер. Новый виток развития наблюдается в Древнем Риме.

Живопись древней Греции до нас дошла небольшимы образцами., однако и они показывают, что искусство эллинов достиггло высокого уровня как реализма, так и символизма в живописи.

Помпезное оформление домов основывается на работах греческих художников, техника росписи выходит на высокий уровень. На стенах отражались декорации театров, дворцы или богатые орнаменты, целью которых было отразить великолепие и богатство владельца.

Возрождение — новая эпоха и второе рождение настенной живописи

Отличием этого периода можно назвать увеличение роли церковного интерьера, а также новые правила росписи. Декоративная живопись начинает тесно сплетаться с духовным содержанием рисунка. Появляются личности, имена которых навсегда останутся в истории мировой художественной культуры. Итальянские мастера — Леонардо да Винчи, Рафаэль, Микеланджело и другие известные живописцы — породили новую волну развития настенной росписи, которая затем распространится на всю Северную Европу. Появляются первые фрески, представляющие собой роспись по сырой штукатурке.

Снова, как и в античные времена, живопись выходит за рамки религии и появляется в светских домах. На смену первоначальной технике создания фресок приходит роспись по сухой штукатурке. Появляется такое понятие, как альфрейская живопись. Для нее характерно сочетание декоративной отделки интерьера и полноцветной живописи. К концу 18 века переживает расцвет техника создания «обманок», с помощью которых удается визуально увеличивать пространство в помещении.

Барокко и рококо

В эпоху расцвета пышности и помпезности интерьера настенная роспись призвана подчеркивать его роскошь и богатое убранство. Приветствуются удачные ракурсы, яркие краски и эффекты театральности. «Обманки» остаются востребованными, несмотря на то, что богатые люди могли себе позволить роскошные сады и не нуждались в дополнительном увеличении пространства. Техника художественной росписи доводится до совершенства — рисунки становятся практически неотличимы от архитектурных деталей.

Когда на смену борокко пришел стиль рококо, к основным принципам настенной живописи присоединились легкость и деликатность, больше внимания уделялось изображению ангелочков и цветочных мотивов. Стиль рококо отличается от своего собрата более спокойными, плавными, пастельными оттенками. Здесь в большей степени присутствуют такие цвета как белый, нежно розовый, приглушенный голубой, фисташковый и, конечно же, позолота. Позолота обрамляет и роспись, и рельефную лепнину.

Современная настенная живопись

Модернистские течения и вклад промышленности в декорирование интерьера привели к появлению обоев и упадку классической росписи. Но в последнее время данная техника оформления интерьера снова привлекает к себе внимание благодаря своим возможностям. Она позволяет внести корректировки в архитектуру, отразить индивидуальность владельцев помещений, оживить помещение. Не меньшее преимущество в том, что роспись так же, как и много веков назад, создается вручную.

Современная живопись на стенах хоть и базируется на огромном пласте умений и знаний мастеров прошлых лет, но при этом активно включает в себя технологии и мотивы нынешней эпохи. За счет этого она становится более долговечной. Плюс она является хорошей возможностью внести разнообразие в большинство однотипных современных жилищ.

Новые тенденции и правила росписи

Главной целью современной настенной живописи является передача оригинальности и изысканности интерьера. За счет использования росписи в сочетании с предметами быта можно создать уникальный дизайн практически любого помещения — от офиса компании до личной квартиры. Немалую роль играет желание дизайнеров экспериментировать и предлагать новые решения задач оформления. В качестве примера стоит упомянуть флюоресцентные краски, аэрографию или технику оформления с искусственным созданием патины — эффектом старения.

Подведем итоги

Тяга к выражению собственной индивидуальности издавна присутствует в характере любого человека. В частности это выражается желанием обладать чем-то эксклюзивным, особенным. Наиболее простой способ реализовать это желание в эпоху современности — заказать уникальное оформление интерьера с использованием настенной росписи. В дополнение к этому дом становится более комфортным и уютным.

Вы можете обратиться в нашу студию для получения готовой настенной росписи. Наши специалисты учтут ваши пожелания при выполнении заказа и гармонично дополнят имеющийся интерьер в вашем помещении.

Кафедра рисунка, живописи и скульптуры

Проект

Гостиница

Классен Ксения Александровна,

Архитектурный факультет, магистратура, 1 курс

Проект

Жилое здание

Классен Ксения Александровна,

Архитектурный факультет, Магистратура, 1 курс

Проект

Крытый рынок

Классен Ксения Александровна,

Архитектурный факультет, Магистратура, 1 курс

Проект

Начальная школа

Классен Ксения Александровна,

Архитектурный факультет, Магистратура, 1 курс

Проект

Зимняя деревня

Классен Ксения Александровна,

Архитектурный факультет, магистратура, 1 курс

Проект

Жилой микрорайон

Классен Ксения Александровна,

Кривошеина Алина Андреевна,

Аюшин Дорж Игоревич,

Бойко Ульяна Сергеевна,

Архитектурный факультет, магистратура, 1 курс

Проект

Leviathan 01

Ксения Забардыгина,

Глеб Гончаренко,

Aрхитектурный факультет, магистратура, 1 курс

Проект

Поселок на 2000 жителей

Паршиков Никита Николаевич,

Гриненко Илья Алексеевич,

Зайцева Светлана Константиновна,

Архитектурный факультет, 3 курс, гр. 5045

Проект

Интерьер

Ященко Артём Вячеславович,

Архитектурный факультет, 3 курс, гр. 5015

Проект

Жилая группа

Андреев Кирилл Евгеньевич,

Копылов Александр Павлович,

Сысоев Георгий Александрович,

Архитектурный факультет, 4 курс, гр. 5025

Проект

Жилая группа

Чайкова Анна Юрьевна,

Марудина Юлия Васильевна,

Архитектурный факультет, 4 курс, гр. 5024

Проект

Поселок

Копылов Александр Павлович,

Архитектурный факультет, 4 курс, гр. 5024

Курский государственный университет

Адрес: г. Курск, пер. Блинова, д. 3 «а»

Телефон: +7 (4712) 58-87-47

Электронная почта: [email protected]

Кафедра рисунка и живописи создана в результате объединения кафедр рисунка и живописи в 2018 году. Исполняющим обязанности заведующего кафедрой назначен профессор, Заслуженный художник России Жилин В.И.

История формирования традиций и развития кафедры уходит далеко в глубину XX века, к 1960 году, времени создания художественно-графического факультета и образования кафедры изобразительного искусства, которую возглавлял член Союза архитекторов СССР, доцент Власенко Н. С.

В 1976 году на базе кафедры изобразительного искусства были созданы две кафедры – кафедра рисунка, которой продолжал руководить доцент Власенко Н.С. и кафедра живописи, которую возглавил к.п.н. доцент Л.А. Брынцев. Уже в те годы был сформирован работоспособный коллектив преподавателей, заложивших фундаментальную научную, художественно-педагогическую и творческую направленность кафедры. Кафедры рисунка и живописи успешно развивались. Рос качественный уровень педагогических коллективов кафедр.

Большой ряд педагогов защитили кандидатские и докторские диссертации, стали членами Союза художников России, Народными и Заслуженными художниками РСФСР и РФ.

Студенты активно участвовали в научной и выставочной деятельности: многие стали дипломантами самых различных престижных художественных выставок, победителями всероссийских и международных творческих конкурсов.

В настоящее время вновь образованная кафедра рисунка и живописи – это высококвалифицированный коллектив профессионалов, который обеспечивает подготовку студентов по дисциплинам направлений факультета: Дизайна (профили Коммуникативный дизайн, Дизайн интерьера, Дизайн костюма и аксессуаров), Искусство костюма и текстиля (профиль Художественное проектирование текстильных изделий), Архитектуры (профиль Архитектурно-градостроительное проектирование). Является выпускающей кафедрой специальности 54.05.02 Живопись, квалификация художник-живописец (станковая живопись).

На кафедре преподают 11 преподавателей.

Деятельность всех преподавателей направлена на активную научно-методическую и профессиональную творческую работу в области изобразительного искусства. Преподаватели кафедры рисунка и живописи являются участниками многих международных и зарубежных художественных выставок в Германии, Италии, Франции, США и др. странах; всероссийских, межрегиональных и персональных художественных выставок в городах России: Москве, Белгороде, Орле, Курске, Воронеже, Брянске, Туле, Липецке, Ярославле, Вологде и др. городах.

Преподавателями кафедры опубликовано более 400 научных статей и учебных пособий, являются участниками свыше 200 научно-практических конференций.

Выпускники кафедры работают не только в Курском регионе, но и других городах России и за рубежом. Многие из них стали членами творческих Союзов России, Украины, Казахстана, Азербайджана. В. Дмитриенко, А. Лавров, В. Шпаковский, В. Шкалин, В. Кизилов, В. Пронина и другие стали Заслуженными художниками России. Е. Кузнецов, В. Соколинский защитили докторские диссертации. А. Лавров стал членом-корреспондентом Академии художеств России. Большому ряду выпускников кафедры присуждена степень кандидатов педагогических наук и ученые звания профессоров и доцентов. Многие возглавляют кафедры высших учебных заведений России.

У кафедры рисунка и живописи большие планы на будущее по совершенствованию профессионального мастерства, форм и методов художественного образования обучающихся. Преподавателей и студентов кафедры объединяет активная творческая деятельность, совместные выставки, конкурсы, интересные современные проекты по изобразительному искусству.

Художественные техники: уроки рисования и рисования от экспертов

Существует множество художественных приемов, с которыми можно познакомиться во всем художественном спектре. Освоение таких элементов, как композиция, свет и тень, является важной частью оттачивания ваших навыков художника — это так же важно, как и научиться изображать мир вокруг вас.

Чтобы помочь вам овладеть всем, что вам нужно знать, мы пригласили некоторых из самых интересных художников отрасли, чтобы они поделились с вами лучшими профессиональными приемами.Если вы хотите улучшить свои навыки рисования, научиться добавлять перспективу или фиксировать движение, у нас есть учебные пособия, которые помогут вам добавить больше профессиональных художественных техник в свой творческий арсенал — и в различных стилях.

Быстрые ссылки: Художественные техники

Ниже мы собрали сочетание традиционных и цифровых руководств. Независимо от среды, каждый из них дает представление о широком спектре различных художественных техник, которые можно применить к любому художественному проекту.

Вы можете использовать быстрые ссылки для перехода к интересующей вас области.Или, если вы хотите улучшить свое искусство другим способом, у нас также есть обзоры отличных руководств по Photoshop, общих руководств по рисованию, руководств по векторному искусству и руководства по всем, что вам нужно знать о тональных значениях. Если вам не хватает терминологии, не пропустите наше полное руководство по художественным терминам.

Основы

01. 14 художественных приемов для улучшения вашей работы

Небольшие изменения и корректировки ваших рисунков могут иметь большое влияние на конечный результат. В этой статье о художественных техниках Тран Нгуен предлагает 14 советов, которые помогут вам улучшить свои работы в этом году.

02. 7 основ рисования карандашом

Если вы хотите научиться новым художественным техникам, лучше всего начать с того, чтобы убедиться, что вы освоили эти семь профессиональных техник рисования карандашом. Художник Бобби Чиу расскажет, что вам нужно знать.

03. 10 советов по максимальной скорости рисования

Скорость рисования — предоставление ограниченного времени на завершение работы — отличное упражнение как для начинающих, так и для опытных художников. Вот несколько советов, как это сделать успешно.

04.

20 советов по созданию эскизов, которые помогут вам оставить свой след

В этой статье ведущие художники делятся своими советами по началу работы с эскизами. Он охватывает все: от того, как избежать смазывания, до того, как правильно управлять карандашом.

05. Полезные советы по рисованию в черно-белом цвете

Ваши работы не обязательно должны быть красочными, чтобы впечатлять. Вот девять советов по созданию черно-белых рисунков.

06. Овладейте навыками визуального развития

(Изображение предоставлено Саймоном Бэком)

Визуальное развитие связано с тем, как вы рассказываете историю в своих произведениях искусства.В этом руководстве рассматриваются основные художественные техники, которые вам необходимо знать, на примере волшебной сцены в лунном свете. Узнайте, как использовать различные элементы в своей композиции, чтобы направлять зрителей через историю, которой вы хотите поделиться.

07. 15 техник наблюдательного искусства

Наблюдение является ключевым моментом, если вы хотите запечатлеть фигуры с реальной жизнью. В этой статье предлагаются некоторые передовые художественные техники, которые выведут вашу работу на новый уровень, наблюдая за миром вокруг вас.

08. Повысьте свой творческий потенциал с помощью ежедневных набросков.

Наброски не должны быть только средством для достижения цели в начале проекта — это также жизненно важная часть развития себя как художника. В этой статье рассматриваются методы ежедневного рисования.

09. Рисование чернилами: советы экспертов для начала работы

(Изображение предоставлено Тесс Фаулер)

Рисование чернилами — один из самых жестких способов рисования, требующий особых техник в отношении текстуры и добавления света и тени.Это руководство дает вам базовые навыки, которые помогут вам начать работу.

10. 10 советов экспертов по рисованию углем

(Изображение предоставлено Томасом Флухарти)

Используйте это руководство, чтобы узнать, как получить максимальную отдачу от вызывающего привыкание средства угля. Это очень популярный способ рисования, возможно, из-за впечатляющего результата.

Цвет и эффекты

11. Основное руководство по ракурсу в искусстве

(Изображение предоставлено Робом Ланном)

Этот пост поможет вам освоить хитрый навык ракурса, который.означает отображение глубины и размера на ваших рисунках. Возможность точно рисовать объекты, удаляющиеся в пространстве, сделает ваши рисунки и картины более реалистичными и поможет привлечь зрителя к сцене, которую вы хотите установить.

12. Используйте силу контраста в искусстве.

(Изображение предоставлено Тимоти фон Рюден)

Умение использовать контраст в искусстве изменит ваши проекты и способ работы. При работе с карандашами нельзя использовать контраст с оттенком и насыщенностью. Из этого туториала Вы узнаете, как это сделать с контрастом значений.

13. Как смешать правильный цвет тени

Трудно найти правильный цвет для ваших теней. В этом уроке художник Роб Ланн покажет вам, как смешивать цвета теней, которые соответствуют остальной части картины.

14. Как получить гармоничные цвета в картинах

Цветовая гармония — это теория сочетания цветов таким образом, чтобы они были гармоничны для глаз. В этом уроке объясняются некоторые приемы обеспечения гармонии в ваших картинах.

15. Имитация масляной краски в Corel Painter

В непредсказуемости традиционных материалов есть определенная магия. В этом пошаговом руководстве Магдалена Прошовска объясняет, как можно имитировать красоту масляных красок с помощью новейших инструментов Corel Painter.

16. Создайте интерьер, используя одноточечную перспективу.

В этом удобном уроке художник Disney vis-dev Ник Кеннеди исследует искусство фона. Он рассказывает, как создать уютный интерьер с помощью одной точки.

17. Тональные значения: все, что вам нужно знать

(Изображение предоставлено Дорианом Итеном)

Успешная навигация по тональным значениям является ключевой частью процесса создания большинства произведений искусства. В этом руководстве вы познакомитесь с основными элементами этого процесса, такими как разделение света и тени, улавливание отраженного света и предотвращение распространенных ошибок затенения.

Рабочий процесс

18. Как правильно держать карандаш

Вы ведь умеете держать карандаш? Ну, конечно, знаешь.Но правильно ли вы держите его, чтобы рисовать? Узнайте в этом удобном руководстве. Ручка карандаша — это нечто большее, чем вы думаете…

19. Обязательные техники рисования

Эта статья предлагает основные техники рисования, которые помогут оживить ваши композиции. Здесь вы найдете советы по тону, цвету, текстуре и манере кисти. Вы будете рисовать как профессионал в кратчайшие сроки.

20. Как использовать эталонные изображения

Эталонные изображения могут быть вашим лучшим другом или они могут высосать из ваших работ всю жизнь.Вот несколько советов, как правильно их использовать.

21. Как рисовать на открытом воздухе

Если вам нравятся пейзажи (или даже если это не так), прогулки и рисование в реальном мире могут дать вашим работам новую жизнь. Вот как начать создавать картины на пленэре.

Подробнее:

Картины Винсента Ван Гога

Винсент Ван Гог, как и многие художники, много рисовал по разным причинам.Часто художник рисует, чтобы отточить свои навыки в изображении фигур или сцен. По мере развития их таланта рисование по-прежнему необходимо, но со многими дополнительными способами. Перед тем как приступить к рисованию, художник рисует композицию на бумаге. потому что его поменять быстрее и легче, чем покрасить. Даже после этого однажды художник знает, что хочет нарисовать, он может нарисовать грубый контур на холст, а затем закрасьте этот рисунок. В других случаях рисунок может быть Готовое произведение, демонстрирующее мастерство художника как рисовальщика.Ван Гог произвел рисунки по всем этим и другим причинам.

В начале 1880-х Ван Гог был зачислен в Королевскую академию Beaux-Arts в Брюсселе изучал анатомию и перспективу. Он бы продолжать рисовать, чтобы осваивать свое ремесло на протяжении всей своей карьеры. В г. Руки, автопортрет и рисунки японской куртизанки , вы можете увидеть, как Ван Гог рисует рисунки, которые не должны быть последними публичный просмотр.

Когда такой художник, как Ван Гог, планирует написать картину, он сделает подготовительные рисунки или наброски для работы над элементами картины. Вы можете увидеть истоки его картин в его рисунках. В Сеятель, сделано В 1881 году Ван Гог скопировал картину Милле. Позже, в 1888 году, когда Ван Гог нарисовал Сеятель с заходящим солнцем, он использовал фигуру в той же позе. Ван Гог помещает человека в поле, бросая семена на землю.Когда солнце садится, небо освещено золотым солнечным светом, а земля осыпана синими и фиолетовые тени.

В 1881 и 1882 годах Винсент нарисовал несколько изображений мужчин и женщин в грустных позах. или в усталой измученной позе. В Worn Out от 1882 года Ван Гог показывает старик сидит в деревянном стуле, согнувшись, опершись локтями о колени и его лицо закрыто руками. Первоначально он был нарисован, когда Ван Гог учился для изготовления литографий или гравюр под названием At Eternity’s Gate .
Только в 1890 году, когда Ван Гог был в Сен-Реми, он написал версия этого человека. На картине он изображает того же человека в той же позе, в той же комнате. Однако на картине он изображен в ярко-синей одежде с коричневые туфли, сидящие на ярком стуле. Фигура обведена более темно-синим цветом. что делает его более плоским, чем рисунок, менее смоделированным. Картина, « Sorrowing Old Man (At Eternity’s Gate)» был сделан всего за два месяца перед смертью Ван Гога, и показывает эмоции, которые он, должно быть, испытывал, как свои психическое состояние ухудшалось

Многие рисунки Ван Гога были написаны уже после того, как он нарисовал предмет.Для многих художников законченная картина — последний шаг, но Ван Гог часто рисовал ее заново для различные причины. Он писал и писал брату и друзьям постоянно. Помимо описания того, что он рисовал, или небольшого эскизы, он вернулся, нарисовал свои рисунки на бумаге и отправил их со своими буквы. Ван Гога Café Terrace at Night показывает внешний вид кафе в Арле, Франция. К слева — кафе с сиденьями снаружи, освещенное желтым, а за темным синева ночного неба.Ван Гог сказал: «Я нахожу удовлетворение от рисования сразу »и нарисовал это на сайте, работа без подготовительного рисунка. Ему понравилось, что он нарисовал ночную сцену без использования черного. После того, как он нарисовал сцену, он сделал рисунок это, так как рисунки легче делиться и не требуют длительного времени высыхания картины. Рисунок представляет собой почти все линейные рисунки без штриховки, кроме для ночного неба.

Рисунки Ван Гога законченных картин не были просто копии, скорее он воспользовался возможностью, чтобы переосмыслить свои композиции и измените их, чтобы дать им новую жизнь.Поскольку рисунок и живопись требуют разных методы и дают разные результаты, Ван Гог смог отрегулировать рисунки для разных сред и создавать почти полностью новые картинки, создавая такое же впечатление, как и их оригиналы.

Ван Гог писал письма постоянно. Практически каждый день его карьеры задокументирован в его письмах брату Тео или другим художникам. Когда Винсент планировал картину или недавно закончил, он делал набросок в письме или на отдельном листе бумаги или, в некоторых случаях, если бумага не была сразу в наличии, конверт.Это сильно упрощенные версии его картин, показывающие только самые важные элементы, чтобы дать читателю представление о его последних работай.

Картины

Посмотреть все Картины

Коллекция картин Национальной галереи искусств, как и сам музей, началась с Эндрю У. Меллона (1855–1937). Когда в 1941 году Национальная галерея открылась для публики, там была представлена 121 картина старых мастеров, которую Меллон подарил народу. Хотя коллекция Меллона могла быть небольшой, сами картины были выдающегося качества и включали важные работы итальянских, ранних нидерландских и немецких, голландских, фламандских, французских и британских художников.

Вдохновленный примером Национальной галереи в Лондоне, Меллон надеялся, что его дар привлечет другие дары не менее важного значения. Это желание принесло плоды в 1942 году, когда в дар была передана коллекция Петра А. Уайденер (1834–1915) и его сын Джозеф Э. Уайденер (1872–1943). Многие из картин Уайденера были приобретены в конце 19-го века, и коллекция имеет сплоченный характер, который отражает вкус того периода, отдавая предпочтение итальянскому Высокому Возрождению, голландскому и фламандскому 17-му веку, а также британскому искусству 18-го и 19-го веков.

Третья крупная коллекция, которая составила основу фондов Национальной галереи, была получена от Сэмюэля Х. Кресса (1863–1955), благотворительность которого продолжил его брат Раш Х. Кресс (1877–1963). Большая часть коллекции Кресса составляет почти энциклопедический сборник итальянских картин, датируемых 14-18 веками, но также включает испанские, французские, немецкие и ранние нидерландские картины. Картины Кресс начал дарить еще в 1939 году, но большинство из них попало в галерею в 1950-1960-х годах.

Еще одним дополнением и повышением статуса Национальной галереи как художественного музея мирового уровня стал подарок в 1963 году от Честера Дейла (1883–1962) французских импрессионистов, постимпрессионистов и художников Парижской школы. Дети Эндрю Меллона, Айлса Меллон Брюс (1901–1969) и Пол Меллон (1907–1999), продолжили традиции своего отца, первоначального благотворителя-основателя Галереи, жертвуя не только средства на приобретение, но и важные работы из своих собственных коллекций.

Хотя эти участники являются одними из самых известных, коллекция картин с момента ее основания пополнилась за счет множества щедрых завещаний и пожертвований.Следует также отметить, что в галерее находится одна из лучших коллекций американской живописи в Соединенных Штатах, где представлены работы всех жанров с 18 по 20 век.

Некоторые приобретения совершаются путем покупки на основании экспертных рекомендаций кураторов Галереи, но важно отметить, что такие покупки совершаются за счет средств, специально предназначенных для приобретения произведений искусства. Хотя федеральное правительство несет ответственность за содержание и базовую работу Галереи, приобретение произведений искусства поддерживается частным сектором.Успех этого партнерства отражен в большой и превосходной коллекции картин Национальной галереи, охватывающей период с конца 14 по 21 век.

«Люди не были в центре внимания»: как древнее наскальное искусство ставит нас на место | Art

В 1940 году четверо мальчиков-подростков буквально в буквальном смысле попали из оккупированной немцами Франции в эпоху палеолита. Как гласит история — а существует множество версий, — они гуляли в лесу недалеко от города Монтиньяк, когда сопровождающая их собака внезапно исчезла.Быстрый поиск показал, что их животное-компаньон упало в яму в земле, поэтому — в духе Тинтина, с которым они, вероятно, были знакомы — мальчики совершили опасный 15-метровый спуск, чтобы найти его. Они нашли собаку и многое другое, особенно во время повторных посещений, освещенных парафиновыми лампами. Дыра вела в пещеру, стены и потолки которой были покрыты яркими изображениями животных, неизвестных Дордони 20-го века — бизонов, зубров и львов. Один из мальчиков позже сообщил, что ошеломленные и обрадованные, они начали метаться по пещере, как «группа дикарей, танцующая военный танец».Другой вспомнил, что нарисованные животные в мерцающем свете мальчишеских ламп, казалось, двигались. «Мы были совершенно сумасшедшими», — сказал еще один, хотя скопление углекислого газа в плохо вентилируемой пещере могло иметь какое-то отношение к этому.

Это была знаменитая и притягательная для туристов пещера Ласко, которую в конечном итоге пришлось закрыть для посетителей, чтобы их выдохи не испортили произведения искусства. Сегодня, почти столетие спустя, мы знаем, что Ласко является частью глобального феномена, первоначально именуемого «украшенными пещерами».Они были обнаружены на всех континентах, кроме Антарктиды — по крайней мере, 350 из них в одной только Европе, благодаря богатым пещерами Пиренеям — с самыми последними открытиями на Борнео (2018 г.) и Хорватии (апрель 2019 г.). Как ни странно, учитывая расстояние, которое их разделяет, все они украшены одинаковыми украшениями: отпечатки ладоней или трафареты человеческих рук, абстрактные узоры, содержащие точки и штриховые линии, и крупные животные, как плотоядные, так и травоядные, большинство из которых теперь вымерли. Не все эти изображения появляются в каждой из украшенных пещер — на некоторых есть только отпечатки ладоней или мегафауна.Ученые-палеоархеологи пришли к выводу, что картины были написаны нашими далекими предками, хотя в пещерах нет изображений людей, занимающихся какой-либо живописью.

Тем не менее, существуют человекоподобные существа, или то, что некоторые археологи осторожно называют «гуманоидами», имея в виду двуногие фигурки из палочек, которые иногда можно найти на полях панелей с изображениями животных. Животные, не являющиеся людьми, нарисованы с почти сверхъестественным вниманием к деталям лица и мускулов, но, без сомнения, к разочарованию туристов, гуманоиды, нарисованные на стенах пещер, не имеют лиц.

Это поразило меня с неожиданной силой, несомненно, из-за моей личной исторической ситуации, почти через 20 000 лет после создания данного наскального искусства. Примерно в 2002 году мы вступили в эру «селфи», когда все, казалось, были очарованы их электронными автопортретами — одетыми или голыми, накрашенными или естественными, веселыми или задумчивыми — и были полны решимости распространять их как можно шире. Затем, в 2016 году, в США появился президент, о котором самое доброе, что можно сказать, — это то, что он нарцисс.Я признаю, что это неаккуратно определенное психологическое состояние, но подходящее для человека, настолько увлеченного собственным имиджем, что он украсил стены своих клюшек для гольфа поддельными обложками журналов Time с изображением самого себя. Вдобавок ко всему нам было предъявлено уведомление о выселении с нашей планеты: полярные регионы превращаются в талую воду. Жители южного полушария устремляются на север в сторону климата, более благоприятного для сельскохозяйственных культур. В июле температура в Париже достигла рекордных 42.6С.

Можно сказать, что моя внезапная одержимость наскальным искусством была бледной версией того, как мальчики ушли из Франции, где господствовали нацисты, в пещеру Ласко. Статьи в New York Times призывали огорченных читателей прибегать к мерам «самопомощи», таким как медитация, прогулки на природе и массаж, но меня все это не привлекало. Вместо этого я периодически делал перерывы в том, что мы считали «Сопротивлением», бросаясь в кроличью нору палеоархеологических исследований. В моем случае это был не только побег.Я был в восторге от наших сравнительно свободных от эго предков, которые пошли на многое, чтобы создать одни из самых захватывающих произведений искусства в мире — и даже не удосужились подписать свое имя.

Наскальное искусство оказало глубокое влияние на зрителей 20-го века, в том числе на молодых первооткрывателей Ласко, по крайней мере один из которых расположился лагерем у дыры, ведущей к пещере зимой 1940-41 годов, чтобы защитить ее от вандалов, и возможно немцы. Подобные реакции были и у более именитых посетителей.В 1928 году художница и критик Амеде Озенфан писала об искусстве пещер Ле-Эзи: «Ах, эти руки! Эти силуэты рук, вытянутые по трафарету на охристом фоне! Сходи и посмотри на них. Я обещаю вам самые сильные эмоции, которые вы когда-либо испытывали ». Он считал художников палеолита вдохновителями современного искусства, и в определенной степени они так и сделали. Джексон Поллок почтил их, оставив отпечатки ладоней на верхнем крае как минимум двух своих картин. Сообщается, что Пабло Пикассо посетил знаменитую пещеру Альтамира перед тем, как покинуть Испанию в 1934 году, и появился со словами: «За Альтамирой все упадочно.

Конечно, наскальное искусство также вызвало вопрос, поднятый всем поистине захватывающим искусством: «Что это значит?» Кто была его целевой аудиторией и что они должны были извлечь из этого? Мальчики-первооткрыватели Ласко задали свои вопросы одному из школьных учителей, который связался с Анри Брейем, священником, достаточно хорошо знакомым со всем доисторическим, чтобы его называли «папой доисторических времен». Неудивительно, что он предложил «магико-религиозную» интерпретацию с приставкой «магико», служащей намёком, чтобы отличить палеолитические верования, какими бы они ни были, от господствующего монотеизма современного мира.В более практическом плане он предположил, что нарисованные животные должны волшебным образом привлекать настоящих животных, которых они изображали, чтобы людям было удобнее охотиться на них и есть их.

К несчастью для этой теории, выясняется, что животные на стенах пещер были не из тех, которыми обычно обедали художники. Создатели искусства Ласко, например, ели северных оленей, а не гораздо более грозных травоядных животных, изображенных в пещере, которых людям, вооруженным копьями с кремневыми наконечниками, было бы трудно сбить, не будучи затоптанными.Сегодня многие ученые отвечают на вопрос о значении, просто пожимая плечами: «Возможно, мы никогда не узнаем».

Пещеры Ласко на юго-западе Франции. Фотография: Туул и Бруно Моранди / Getty

Если простого любопытства, которое двигало первооткрывателями Ласко, недостаточно для поиска лучших ответов, из пещеры в Ласко до нас доходит моральная притча. Вскоре после его обнаружения один еврейский мальчик из группы был задержан и отправлен вместе со своими родителями в центр заключения, который служил остановкой по пути в Бухенвальд.Чудом он был спасен Французским Красным Крестом, выйдя из плена как, возможно, единственный человек на земле, который был свидетелем как адского пейзажа фашизма 20-го века, так и художественных остатков эпохи палеолита 90–145. Как мы знаем из археологических находок, последнее время было временем относительного мира среди людей. Несомненно, между человеческими бандами и внутри них были убийства и напряженность, но до изобретения войны как организованной коллективной деятельности оставалось по крайней мере еще 10 000 лет.Наскальное искусство предполагает, что когда-то у людей были лучшие способы провести время.

Если бы они были людьми; а всемирная галерея известного наскального искусства предлагает так мало фигурок или двуногих любых видов, что мы не можем быть полностью уверены. Если пещерные художники эпохи палеолита могли создавать таких совершенно натуралистичных животных, почему бы нам не взглянуть на самих художников? Почти так же странно, как и отсутствие человеческих изображений в пещерах, низкий уровень научного интереса в их отсутствие. В своей книге «Что такое палеолитическое искусство?» Палеоархеолог мирового класса Жан Клоттс посвящает этому вопросу всего пару страниц, делая вывод: «Существенная роль, которую играют животные, очевидно, объясняет небольшое количество изображений людей. В палеолитическом мире люди не были в центре внимания ». В документе, опубликованном, как ни странно, Центром по контролю и профилактике заболеваний США, выражается недоумение по поводу отсутствия натуралистических изображений людей, приписывая это «необъяснимому увлечению людей палеолита дикой природой» (не то чтобы вокруг были какие-то недикие животные в то время).

Маргинальность человеческих фигур на наскальных рисунках предполагает, что, по крайней мере с человеческой точки зрения, центральная драма палеолита происходила между различными мегафаунами — хищниками и крупными травоядными.Наш собственный мир настолько истощен мегафауной, что трудно представить, насколько толстыми на земле когда-то были крупные млекопитающие. Даже травоядные животные могут быть опасны для людей, если мифология предлагает какие-либо ключи к разгадке: подумайте о демоне-буйволе, убитом индуистской богиней Дургой, или о критском получеловеке, полубыке Минотавре, которого можно было подчинить, только заключив его в тюрьму. лабиринт, который, кстати, был своеобразной пещерой. Точно так же, как потенциально съедобные травоядные животные, такие как зубр (гигантский, ныне вымерший крупный рогатый скот), могут быть опасны, смертоносные хищники могут быть непреднамеренно полезными для людей и их человекоподобных сородичей, например, оставив свою полусъеденную добычу для людей. добить.Палеолитический пейзаж предлагал множество крупных животных, за которыми можно было наблюдать, и множество причин, чтобы за ними пристально следить. Некоторых можно было съесть — например, после того, как их загнала в ловушку группа людей; многие другие охотно съели бы людей.

Тем не менее, несмотря на сложные и опасные для жизни отношения между палеолитическими людьми и мегафауной, составлявшей большую часть их среды, ученые 20-го века имели тенденцию заявлять о пещерном искусстве как свидетельстве безупречного триумфа нашего вида.Это был «великий духовный символ», как провозгласил один известный историк искусства, который сам бежал от нацизма, того времени, когда «человек только что вышел из чисто зоологического существования, когда вместо того, чтобы доминировать над животными, он начал доминировать над ними. ». Но фигурки из палочек, найденные в пещерах, таких как Ласко и Шове, не излучают торжества. По меркам нашего времени, они чрезмерно скромны и по сравнению с животными, изображаемыми вокруг них, жалко слабы. Если бы эти безликие существа действительно триумфально улыбались, мы, конечно, не знали бы об этом.

У нас остается один слабый ключ к пониманию того, как пещерные художники понимали свой статус во вселенной палеолита. В то время как археологи имели тенденцию провозглашать доисторическое искусство «магико-религиозным» или «шаманским», сегодня более светские зрители иногда замечают явную глупость. Например, переходя в другое время и рисуя поверхность, мезолитическое наскальное искусство Индии изображает несколько человеческих фигурок из палочек; Те, что изображены, были охарактеризованы современными зрителями как «комичные», «анималистичные» и «гротескные».Или рассмотрите знаменитый образ «человека-птицы» в Ласко, на котором фигурка с длинной тощей эрекцией падает назад при приближении бизона. Как описал это Джозеф Кэмпбелл, действуя из магико-религиозной парадигмы: «Большой бык-бизон, выпотрошенный копьем, пронзившим его анус и вышедшим через его половой орган, стоит перед поверженным мужчиной. Последний (единственная грубо нарисованная фигура и единственная человеческая фигура в пещере) погружен в шаманский транс. Он носит маску птицы; его фаллос в вертикальном положении указывает на пронзенного быка; метательная палка лежит на земле у его ног; а рядом с ним стоит жезл или посох с изображением птицы на конце.А за этим распростертым шаманом — большой носорог, который, по-видимому, испражняется, когда уходит «.

Уберите слова «шаман» и «шаманский», и вы получите описание грубого — очень грубого — взаимодействия гуманоида с двумя гораздо более крупными и могущественными животными. Он, гуманоид, в трансе или просто на мгновение захвачен силой и красотой других животных? И что вообще делает его шаманом? Птичий мотив, который палеоантропологи, опираясь на исследования дошедших до нас сибирских культур, автоматически связывают с шаманизмом? Точно так же двуногая фигура с оленьей головой, найденная в пещере Trois Frères во Франции, получает статус шамана, что делает его или ее чем-то вроде священника, хотя, объективно говоря, они с таким же успехом могли носить праздничную шляпу. Как написала Джудит Турман в эссе, вдохновившем Вернера Херцога на создание фильма «Пещера забытых снов»: «Художники палеолита, несмотря на их склонность к натурализму, редко предпочитали изображать людей, а затем делали это с грубостью, похожей на насмешку».

Но кого они издеваются, кроме самих себя и, соответственно, их дальних потомков, нас самих? Конечно, наша реакция на палеолитическое искусство может не иметь никакого отношения к намерениям или чувствам художников. Тем не менее есть основания полагать, что у людей эпохи палеолита было чувство юмора, не так уж сильно отличавшееся от нашего.В конце концов, мы, кажется, разделяем с ними эстетическую чувствительность, о чем свидетельствуют современные реакции на великолепные палеолитические изображения животных. Что касается возможных шуток, то у нас есть отчет геолога за 2018 год о серии окаменелых следов, найденных в Нью-Мексико. Это отпечатки гигантского ленивца с гораздо меньшими человеческими следами внутри, что позволяет предположить, что люди намеренно соответствовали шагу ленивца и следовали за ним с близкого расстояния. Практика охоты? Или, как предположил один научный обозреватель The Atlantic, есть ли в наложенных следах «что-то почти игривое», предполагающее, что «кучка подростков преследует ленивцев ради пинков»?

Куэва-де-лос-Манос в Аргентине.Фотография: Alamy

Затем есть загадка взрывающихся Венер, где мы снова сталкиваемся с тонкой гранью между религиозным и нелепым. В 1920-х годах на территории нынешней Чешской Республики археологи обнаружили место палеолитической керамической мастерской, которая, казалось, специализировалась на тщательно обработанных фигурках животных и, что интригующе, толстых женщин с огромной грудью и ягодицами (хотя, что согласуется с мода времени, без лиц). Это были «Венер», первоначально оценивается как либо «символы плодородия» или примеры палеолита порнографии.

К ужасу поколений исследователей, рисунки почти полностью состояли из фрагментов. Возможно, некачественное мастерство? Перегретая печь? Затем, в 1989 году, гениальная группа археологов выяснила, что глина, из которой изготавливались статуэтки, была специально обработана таким образом, чтобы она взорвалась, когда ее бросили в огонь, создав то, что историк искусства назвал громким — и можно было бы подумать, опасным. — выставка «Палеолитическая пиротехника». Это, зловещий вывод «Вашингтон пост», является «самым ранним доказательством того, что человек создавал образы только для того, чтобы их уничтожить».

Или мы могли бы взглянуть на поведение сохранившихся людей каменного века, которое ни в коем случае не является надежным ориентиром для наших далеких предков, но может содержать ключи к разгадке их комических способностей. Эволюционные психиатры отмечают, что антропологи, контактирующие с ранее изолированными народами, такими как коренные австралийцы 19-го века, обнаружили, что они шутят способами, понятными даже антропологам. Более того, антропологи сообщают, что многие из оставшихся охотников-собирателей являются «яростно эгалитарными», используя юмор, чтобы подавить эго любого, кто выходит из строя: «Да, когда молодой человек убивает много мяса, он начинает думать о себе как о — сказал один из охотников Калахари антропологу Ричарду Б. Ли в 1968 году. Он думает о нас как о своих слугах или как о подчиненных ». «Мы не можем принять это. Мы отвергаем того, кто хвастается, потому что однажды его гордость заставит его кого-нибудь убить. Поэтому мы всегда говорим о его мясе как о бесполезном. Таким образом мы охладим его сердце и сделаем его нежным ».

Некоторые удачливые охотники не ждут, чтобы их высмеяли, предпочитая вместо этого пренебречь добытым мясом, как только они вернутся в лагерь. В контексте сплоченной группы людей издевательство над собой может быть самозащитой.

В эпоху палеолита людей, вероятно, меньше беспокоило мнение других людей, чем действия и намерения гораздо более многочисленной мегафауны вокруг них.Остановится ли стадо бизонов у определенной водопой? Появятся ли львы, чтобы напасть на них? Будет ли безопасно для людей хватать остатки бизонов, оставшиеся от львиной еды? Жила глупости, которая, кажется, проходит через искусство палеолита, может прорастать из точного восприятия места человека в мире. Наши предки занимали низкое место в пищевой цепи, по крайней мере, по сравнению с мегафауной, но в то же время они были способны понять и изобразить, насколько низко это было. Они знали, что они мясо, и, кажется, они также знали, что знали, что они мясо — мясо, которое может мыслить. И это, если подумать достаточно долго, почти забавно.

Люди палеолита определенно могли изображать более реалистичных людей, чем фигурки из палочек — человеческие фигуры с лицами, мускулами и изгибами, образованными беременностью или жиром. Плитки, найденные на полу пещеры Ла-Марш во Франции, имеют характерные лица, некоторые из которых увенчаны крышками, и датируются 14-15 000 лет назад.Торжественное женское лицо странной треугольной формы, вырезанное из слоновой кости, было найдено во Франции в конце 19 века и недавно датировано примерно 24 000 лет назад. Еще есть упомянутые выше фигурки «Венеры», которые были разбросаны по Евразии примерно в то же время. Но все они маленькие и, по-видимому, предназначались для ношения, возможно, как амулеты — а наскальных рисунков, очевидно, не могло быть. Наскальные рисунки остаются в их пещерах.

Что такого особенного в пещерах? Привлекательность пещер как художественных мастерских и галерей не связана с тем, что они были удобны для художников. Фактически, нет никаких свидетельств постоянного проживания людей в украшенных пещерах, и уж тем более в самых глубоких и труднодоступных трещинах, предназначенных для самых впечатляющих изображений животных. Не следует путать пещерных художников с «пещерными людьми».

Пещера Альтамира в Испании. Фотография: Педро Пуэнте Ойос / EPA

Нам также не нужно предполагать какую-либо особую человеческую близость к пещерам, поскольку искусство, которое они содержат, дошло до нас в результате простого процесса естественного отбора: обнажается уличное искусство, такое как фигурки и раскрашенные камни. стихии и вряд ли просуществует десятки тысяч лет.Люди палеолита, кажется, окрашивали все виды поверхностей, включая кожу животных, а также собственные тела и лица, теми же видами охры, которые они использовали для стен пещер. Разница в том, что рисунки на стенах пещер были достаточно хорошо защищены от дождя, ветра и изменения климата, чтобы просуществовать десятки тысячелетий. Если в пещерах было что-то особенное, так это то, что они идеальные шкафчики для хранения вещей. «Пещеры, — говорит палеоархеолог Эйприл Ноуэлл, — это забавные маленькие микрокосмы, которые защищают краски.”

Если художники Ласко знали о консервирующих свойствах пещер, ожидали ли они в будущем посещения этого же места своими или другими людьми? До вторжения цивилизации на их территории охотники-собиратели были «не оседлыми» людьми — вечными странниками. Они двигались, чтобы следить за сезонными миграциями животных и созреванием фруктов, возможно, даже чтобы убежать от человеческих фекалий, которые неизбежно накапливались вокруг их лагерей. Эти более мелкие миграции, усиленные интенсивными и колеблющимися изменениями климата на Африканском Роге, привели к длительному исходу с этого континента на Аравийский полуостров и, следовательно, на остальную часть земного шара.При таком большом количестве перемешиваний и перемещений, возможно, что люди палеолита могли представить себе возвращение в украшенную пещеру или, в еще большей степени воображения, предвидеть посещения других, подобных им самим. Если так, то наскальное искусство следует рассматривать как своего рода жесткий диск, а картины — как информацию — и не только «Вот некоторые из животных, с которыми вы здесь встретитесь», но также «Вот мы, существа, подобные вам. , и это то, что мы знаем ».

Многократные посещения разных групп людей, возможно, в течение длительного времени, могут объяснить тот странный факт, что, как заметили бесстрашные французские мальчики, животные, нарисованные на стенах пещеры, кажутся движущимися.Здесь нет ничего сверхъестественного. Присмотритесь, и вы увидите, что фигуры животных обычно состоят из наложенных друг на друга линий, предполагая, что новоприбывшие в пещере закрашивали линии, которые уже были там, более или менее как дети, которые учатся писать буквы алфавита. Так что пещера была не просто музеем. Это была художественная школа, где люди учились рисовать у тех, кто был до них, а затем применяли свои навыки в следующей подходящей пещере, с которой они столкнулись.В процессе, с некоторой помощью мерцающих огней, они создали анимацию. Движение групп людей по ландшафту привело к очевидному движению животных по стенам пещеры. По мере того как люди рисовали старые произведения искусства, двигались дальше и снова рисовали на протяжении десятков тысяч лет, наскальное искусство — или, в отсутствие пещер, наскальное искусство — стало глобальным мемом.

Есть еще кое-что о пещерах. Они были не только хранилищами для драгоценных произведений искусства, они также собирали места для людей, возможно, до 100 одновременно в некоторых из больших комнат.Для палеоантропологов, особенно тех, кто склоняется к магико-религиозным объяснениям, такие пространства неизбежно предполагают ритуалы, превращая украшенную пещеру в своего рода собор, в котором люди общаются с высшей силой. Изобразительное искусство могло быть лишь частью воодушевляющего зрелища; В последнее время большое внимание уделяется акустическим свойствам украшенных пещер и тому, как они могут генерировать впечатляющие реверберирующие звуки. Люди пели, пели или барабанили, смотрели на животных вокруг себя и, возможно, кайфовали: пещера была идеальным местом для рейва. Или, может быть, они взяли, скажем, психоделические грибы, которые они нашли в дикой природе, а затем раскрасили животных — возможность, предложенная несколькими современными сообщениями людей сан из южной Африки, которые танцуют в состоянии транса перед тем, как приступить к работе.

Пещеры Ласко во Франции. Фотография: Алами

Каждое украшение новой пещеры или косметический ремонт старой требовало коллективных усилий десятков, а возможно, и десятков человек. Археологи двадцатого века любили представлять, что видят работы особо талантливых людей — художников или шаманов.Но, как указывает Грегори Кертис в своей книге «Пещерные художники», для украшения пещеры требовалась толпа — люди осматривали стены пещеры на предмет трещин и выступов, наводящих на мысль о формах мегафауны, люди таскали бревна в пещеру, чтобы построить леса, из которых художники работали, люди смешивали охристую краску, а третьи обеспечивали рабочих едой и водой. Тщательный анализ отпечатков рук, найденных во многих пещерах, показывает, что среди участников были женщины и мужчины, взрослые и дети. Если у пещерного искусства была иная функция, нежели сохранение информации и усиление экстатических ритуалов, то оно должно было научить ценности сотрудничества, которое — вплоть до самопожертвования — было необходимо как для коллективной охоты, так и для коллективной защиты.

В своей книге Sapiens Юваль Ной Харари подчеркивает важность коллективных усилий в эволюции современного человека. Помогли индивидуальные навыки и смелость, но также помогли готовность стоять со своим отрядом: не разбегаться при приближении опасного животного, не залезть на дерево и не оставить ребенка.Возможно, в постоянно сложных условиях на планете, где доминируют животные, потребность в человеческой солидарности до сих пор превышала потребность в индивидуальном признании, что, по крайней мере, в художественном представлении людям не нужны лица.

Вся эта наскальная живопись, миграция и перекраска подошли к концу примерно 12000 лет назад, что было провозглашено «революцией неолита». Не имея вьючных животных и, возможно, устав от ходьбы, люди начали селиться в деревнях и, в конечном итоге, в городах-стенах; они изобрели сельское хозяйство и приручили многих диких животных, предки которых играли столь важную роль в наскальном искусстве. Они научились ткать, варить пиво, плавить руду и создавать все более острые лезвия.

Но все удобства, которые приносил оседлый образ жизни, обошлись ужасной ценой: собственность в виде хранимого зерна и съедобных стад, сегментирование общества на классы — процесс, который антропологи благоразумно называют «социальной стратификацией», — и вовлечение людей в войну. Война привела к установлению рабства, особенно для женщин побежденной стороны (побежденных мужчин обычно убивали), и клеймила весь женский пол клеймом наложниц и домашней прислуги.Мужчины или, по крайней мере, некоторые из них, добились большего успеха, причем наиболее выдающиеся полководцы стали королями и, в конечном итоге, императорами. Где бы ни распространялись оседлый образ жизни и сельское хозяйство, от Китая до Южной и Центральной Америки, принуждение со стороны сильных мира сего заменяло сотрудничество между равными. По прямой оценке Джареда Даймонда, неолитическая революция была «худшей ошибкой в истории человечества».

Львы, носороги и буйволы, нарисованные углем более 30 000 лет назад в пещере Шове на юго-востоке Франции.Фотография: AFP

По крайней мере, это дало нам лица. Начиная с непримиримых «богинь-матерей» Ближнего Востока в эпоху неолита и переходя к внезапному увеличению числа королей и героев в эпоху бронзы, появление человеческих лиц, кажется, знаменует характерологические изменения — от солидарного этоса маленьких, мигрирующих людей. группы к тому, что мы теперь знаем как нарциссизм. Короли, а иногда и их супруги первыми наслаждались новыми знаками личного превосходства — коронами, украшениями, массой рабов и высокомерием, которое сопровождало такие вещи.На протяжении веков нарциссизм распространился вниз среди буржуазии, которая в Европе 17-го века начала писать мемуары и заказывать собственные портреты. В наше время любой, кто может позволить себе смартфон, может распространять свой собственный имидж, публиковать самые мимолетные мысли в социальных сетях и продвигать свой уникальный бренд. Нарциссизм стал демократичным и доступен всем нам, по крайней мере, в виде крошек.

Так зачем нам еще украшенные пещеры? Одно тревожное возможное использование их появилось только в последнее десятилетие или около того — в качестве укрытий, в которых можно спрятаться, пока не закончится апокалипсис.С повышением уровня моря, погодой, превращающейся в серию психологических бурь, а бедняки мира становятся все более беспокойными, супербогатые скупают заброшенные ядерные шахты и превращают их в бункеры судного дня, в которых могут разместиться до дюжины семей, а также охранники. и слуги, одновременно. Это, конечно, фальшивые пещеры, но они прекрасно оборудованы — бассейнами, спортивными залами, стрельбищами, «уличными» кафе — и украшены драгоценными произведениями искусства и огромными светодиодными экранами, отображающими то, что осталось от внешнего мира.

Но нам нужно вернуться именно в палеолитические пещеры, и не только потому, что они все еще способны вдохновлять на трансцендентные переживания и связывать нас с давно потерянным миром природы. Мы должны вернуться к ним за посланием, которое они надежно хранили на протяжении более 10 000 поколений. Конечно, это послание не предназначалось для нас, и его авторы не могли вообразить таких извращенных и саморазрушительных потомков, какими мы стали. Но теперь он в наших руках и все еще неразборчив, если мы не будем сопротивляться искусственной разделительной линии между историей и доисторией, иероглифами и петроглифами, между «примитивным» и «продвинутым».«Для этого потребуются все наши навыки и знания — от истории искусств до методов датирования уран-тория и передовых методов международного сотрудничества. Но это того стоит, потому что наши палеолитические предки с их безликими гуманоидами и способностью к глупости, похоже, знали то, что мы стараемся вообразить.

Они знали свое место в схеме вещей, которая была не очень высокой, и это, кажется, их рассмешило. Я сильно подозреваю, что мы не переживем массового вымирания, которое мы приготовили для себя, если мы тоже, наконец, не поймем шутку.

Эта статья впервые появилась в журнале Baffler.

• Следите за подробным прочтением в Twitter по адресу @gdnlongread и подпишитесь на рассылку длинного еженедельного электронного письма здесь.

Художественные рисунки на продажу: купите современные рисунки онлайн

История рисунка в искусстве

Рисунок — это художественный жанр , состоящий из двухмерных изображений предметов, персонажей или животных с линейными формами и контурами. Рисунок — одна из древнейших форм искусства , которая восходит к периоду палеолита в Египте или Древней Греции. Рисунок приобрел большое значение в эпоху Возрождения: он рассматривался как необходимое условие для создания любого произведения искусства, живописи, скульптуры или архитектуры. В текстах, написанных в этот период, рисунок играл фундаментальную роль , и впервые художники рисовали с перспективой . В 17 веке рисунок рассматривается как привилегированное средство обучения для учеников, которые с самого начала своего ученичества должны будут практиковать рисунок обнаженной фигуры или анатомический рисунок . Если эскиз не ценился как произведение само по себе, они хранились как эскизов для картин в то время, а эскизов рисунков получили автономию в девятнадцатом веке, где считались настоящим произведением искусства . Современные художники широко использовали рисунок в течение 20 века; Рисунков гуашью или акварельных рисунков Пикассо или Матисса до сих пор считаются настоящими шедеврами.

Купить рисунок на Singulart

На Singulart вы найдете широкий выбор современных и современных рисунков .Наши современные художники используют весь художественный потенциал, который позволяет рисунок , используя множество различных техник. Кубинский художник создает рисунков на бумаге, сказочных и поэтических, смешивая карандашных рисунков, , акварель и тушь. Итальянец Стефано Маццолини создает странные портретов , созданные с помощью рисунка углем , вдохновленного сюрреалистической живописью. Талантливая Ева Хаутон предлагает уникальный стиль черно-белый рисунок с вкраплениями ярких цветов.Приходите и откройте для себя современный карандашный рисунок , уголь или акварель, который вас вдохновит, на Singulart.

49 типов стилей и техник рисования [Обновленный список]

Определить термин «живопись» —

Википедия определяет «живопись» как

“ Метод нанесения краски, пигмента, цвета или другой среды на поверхность. ”

Определение этого может звучит так же просто, как и есть, но искусство этого требует осознанного и длительная практика.

С тех пор есть люди древней истории, которые овладели всем, что нужно для создания шедевра, и оставили после себя наследие, о котором все еще помнят и лелеют население.

Рисование — это навык, требующий глубокого и интенсивного мышление, которое запускает правую часть вашего мозга, что также известно продвигать творческие идеи.

Каждый мазок, напоминающий движущуюся поэзию, потребовал от художника нескольких лет практики, а каждая цветовая комбинация потребовала нескольких бессонных ночей, чтобы создать картину, которая радует глаз, зрелище, от которого нелегко оторваться.

Для новичка, в освоении этот навык потребует огромного терпения и настойчивости, чтобы достичь стадии, которая достигли лишь немногие.

Впереди список уникальных стилей живописи и их эволюции от древности до современности.

Картина маслом — наиболее широко известная и распространенная форма живописи из когда-либо существовавших.

Практикуется большинством художников.

Это процесс рисования с пигментами, которые смешиваются со слоем олифы, например, льняным маслом, который широко использовался в современную европейскую эпоху.

Широкую известность получили техники масляной живописи.

Спустя несколько лет техника масляной живописи в Европе использовалась больше, чем темпера.

Истоки самого Возрождения приписывают Яну Ван Эйку — североевропейскому живописцу 15 века, который изобрела живопись масляными красками на деревянных опорах.

2. Акварельная живопись:

Это метод смешивания цветов и воды для создания уникального стиля живописи художников.

Большинство акварельных картин написано на бумаге.

Акварельные рисунки могут быть выполнены на других опорах, а также папирус, бумага из коры, пластмасса, кожа и дерево.

В Китае рисуют акварельными красками пальцами.

Существуют водорастворимые цветные карандаши, которые можно использовать как влажными, так и сухими.

Альбрехт Дюрер, который рисовал лучшая ботаническая, дикая природа и пейзажная акварель, которые считаются самые ранние представители акварели.

3. Пастель :

Пастели обычно представляют собой чистый порошкообразный пигмент, отвержденный в форме стержня.

Картина пастелью — это художественное произведение, в котором пастель используется для создать четкую и продуманную картину.

Связующее нейтрального оттенка и низкой насыщенности в пастельных тонах.

Эффекты цветов в пастельной живописи ближе к естественным сухим пигментам, чем к любому другому процессу.

Поверхность пастельных картин обычно хрупкий и легко размазывается, для его сохранения требуется защитные меры, такие как обрамление под стеклом.

Если это сделано с постоянным пигменты и должный уход, тогда пастельная живопись, возможно, не менялась веками.

4. Акриловая краска:

Акриловая живопись — это вид художественного произведения, в котором используются акриловые краски, которые отличаются быстрым высыханием на нанесенном носителе.

Состоит из пигментов, взвешенных в эмульсии акрилового полимера.

Известно, что краска растворяется в воде, но при высыхании на бумаге становится водостойкой.

В 1934 году первая дисперсия акриловой смолы была разработана BASF, авторские права на которую принадлежат Rohm and Haas.

Синтетическая краска использовалась в 1940-х годах, сочетая в себе некоторые свойства масла и акварели.

5. Рисунок углем:

Древесный уголь — это форма сухой художественной среды, изготовленная из мелко измельченной органические материалы, которые скрепляются резиной или восковым связующим.

Картины углем часто используется художниками из-за их разносторонних свойств.

Придает естественный эффект искусству.

Уголь легко удаляется, но может оставлять пятна на бумаге.

Они часто используются для четких и детальных рисунков, не позволяя при этом пометить руку пользователя.

Древесный уголь был ключевым элементом наскальной живописи.

Изображение зебры — одно из старейших рисунков, найденных в пещере Аполлона в Намибии.

6. Цветной карандаш:

Чтобы окунуться в ностальгию — все мы помним наши детские книжки-раскраски, и основной метод, которому мы научили и который мы применили, — это цветных карандашей .

Являясь наиболее упрощенным, существует множество новых реализаций, которые изменили слои рисунков цветными карандашами по всему миру.

Они состоят из узкого пигментированного ядра, заключенного в деревянный цилиндрический корпус.

Элементы цветных карандашей выполнены на восковой или масляной основе и состоят из определенных пропорций пигментов и связующих веществ.

Хотя карандаши цветные более широко используются среди детей, они начали завоевывать уважение среди профессиональных художников и художников.

Цветные карандаши, используемые профессиональными художниками, содержат более высокую степень воска и пигмента, чем те, которые используются детьми в школах, что является, скорее, самым основным качеством цветных карандашей.

Рисование карандашом — это искусство создания четко определенных художественных работ с использованием инструмента, состоящего из графита, заключенного в цилиндрическую деревянную камеру разного качества.

Цилиндрический графитовый носитель или карандаш используются из-за его эффективности и простоты при выполнении различных глубоко продуманных портретов, графит, который может размазываться на бумаге, дает более высокий потенциал процессу украшения.

Графит добывали в XVI веке, художники использовали кусочки натурального графита, вставленные в порт-мелок («подставку для карандашей»), неизвестную до XVII века.

После этого голландские художники включают мелкие графитовые детали в эскизы и пейзажи.

В течение того столетия и больше всего 18-го из графита изготовлено предварительных линии эскиза для рисунков, которые должны быть выполнены на других носителях, но рисунки полностью отделанные графитом были редкостью.

8. Живопись тушью:

Роспись тушью изготавливается с использованием жидкости, состоящей из пигментов или красителей, и используется для окрашивания поверхности при создании иллюстраций и произведений искусства.

Чернила используются для рисования пером, кистью или пером.

Картины, написанные тушью, кажутся волшебными, когда они созданы.

Имеет богатую фактуру на картинах, которые того стоят.

В книгах говорится, что живопись в стиле Шан Шуй, , существовала во время китайской династии Лю Сун в пятом веке.

Во времена династии Тан живопись тушью получила дальнейшее развитие.

9. Живопись на стекле:

Роспись по стеклу — это современное искусство, заимствованное из старинного искусства росписи по стеклу, которое включало соединение небольших цветных кусочков стекла.

В старости он был обычным явлением в окнах или дверях религиозных помещений, его можно было увидеть в церквях и старых зданиях.

Роспись по стеклу красиво, когда свет или какое-либо освещение проходит через прозрачную среду, результаты просто потрясающие.

10. Шариковая ручка Art:

В середине 20 века шариковые ручки продемонстрировали, что они являются большим преимуществом для художников и рисовальщиков.

Энтузиасты шариковой ручки находят шариковые ручки чрезвычайно удобными и эффективными для создания произведений искусства.

Их приводит в восторг быстрота , достигаемая при использовании ручки, некоторые художники смешивают разные цвета с ручками, а другие используют шариковую ручку перо как целостный и единственный способ создания искусства.

Низкая стоимость, доступность и портативность воспроизводится практиками как качества, которые делают это обычным письменный инструмент удобный предмет искусства.

В 20 веке некоторые из известных художников на протяжении своей карьеры в той или иной степени использовали шариковые ручки.

Энди Уорхол и Альберто Джакометти использовали шариковые точки в своих произведениях в 1950-х годах.

11. Фреска:

Fresco происходит от итальянского слова, которое происходит от латинского слова.

Стиль фрески для тех, кто хочет роспись стен и потолка.

Техника фрески заключается в смешивании краски с водой и нанесении на тонкий слой влажной штукатурки.

Для правильного крепления к стене требуется среда.

В 18 веке Зимри-Лим из Сирии создал старую фреску.

Многие гробницы и дома были расписаны древними египтянами, но эти рисунки не были фресками.

12.Коллаж:

Это сборное произведение искусства с визуальным эффектом.

Коллаж можно сделать из кусочков цветной бумаги или ручной работы, лент, с нанесением красок, журналов и т. Д.

Темы разнообразны и в основном это дешевый вид искусства.

Коллаж — это, по сути, совокупность различных произведений искусства в единое целое, что и является визуальной привлекательностью, которую он изображает.

Техники коллажа были Впервые использовался во время изобретения бумаги в Китае, около 200 г. до н.э.

Коллаж не использовался. использовались многими людьми до 10 века в Японии, когда начали каллиграфы применять клееную бумагу, используя тексты на поверхностях, при написании своих стихов.

13. Песок:

Навык рисования песком умение заливать песок или другие цветные пигменты, собранные из различных источников для создания фиксированной или нефиксированной формы произведения искусства.

Песочная живопись имеет различные формы, но вид искусства, который в основном практикуется и известен населению, — это быстрые удары песком, наливаемые на заданную поверхность, для создания иллюстраций, которые не являются постоянными и могут быть изменены в зависимости от художника.

В этом типе окраски очень важна скорость управления.

Он очень уникален, чем другие. Это требует большого терпения и может быть утомительным.

Художники Юго-Запада Коренные американцы рисуют на земле хогана, где проходит церемония. место или на оленьей шкуре или тканевом брезенте, позволяя цветному песку течь сквозь пальцы с контролем и умением.

14. Окраска распылением:

При окраске распылением аэрозольная краска выходит из находящегося под давлением баллона, контролируя его с помощью клапана.

В 1880-х годах распыление краски сжатым воздухом использовалось еще на Южно-Тихоокеанской железной дороге.

Часть поверхности, на которую необходимо нанести определенный цвет, остается открытой, в то время как другие части закрываются.

Это сделано для того, чтобы цвет не распространился на другие части картины.

15. Энкаустика:

Энкаустическая живопись хорошо известна росписью горячим воском, в которой обычно пчелиный воск нагревают с помощью цветных пигментов.

Простейшую энкаустическую смесь можно приготовить путем добавления цветных пигментов в пчелиный воск.

Затем жидкую смесь распределяют по поверхности дерева или других материалов.

Этот вид росписи совсем другой и требует больших усилий.

Этот метод использовался в Фаюмские портреты мумий из Египта около 100-300 н.э. , в Блачернитисса и другие ранние иконы, а также во многих произведениях ХХ века.

16. Гуашь:

Рисование гуашью — это инновационный метод, который включает состоящий из натурального пигмента, воды или любого связующего вещества (гуммиарабик или декстрин), а также инертный материал.

Используются пигменты на водной основе, у которых размер частиц больше, чем у акварельных.

История гуаши насчитывает 600 лет лет назад.

Цвета красиво сочетаются друг с другом, чтобы придать рисунку дополнительную красоту.

Этот вид живописи встречается редко и часто выглядит реалистично.

Гуашь похожа на акварель, ее можно смачивать повторно, и обычно она пропитывается бумажным носителем.

17. Темпера Живопись:

Температурная окраска обычно представляет собой метод быстросохнущей окраски, при котором цветные пигменты растворяются в связующем на водной основе, особенно в клеевой среде, такой как яичный желток .

Темпера была наиболее последовательной формой живописи, пока она не была упразднена до уровня масляной живописи в Европе в эпоху Возрождения.

Темпура была найдена на начало Украшение египетских саркофагов . Темпера использовалась во многих портретах мумий Фаюм и иногда в сочетании с энкаустика.

18. Цифровая живопись:

Цифровая живопись — это форма оцифрованных произведений искусства, которые выполняются на компьютере, чтобы получить тот же эффект, что и масляная живопись, акрил или акварели.

Это легко сделать с помощью исправления, чтобы придать идеальный вид.

Цифровая живопись не требует заботы о времени высыхания.

Цифровая живопись очень распространена и оживляет искусство.

Представления об искусстве варьируются от людей к людям в зависимости от их мыслей.

19. Миниатюрная живопись:

Другое название Miniature painting — limning .

Миниатюрная роспись выполнена на пергаменте, подготовленном картоне, меди или слоновой кости.

Название происходит от минимума.

Его использовали средневековые иллюминаторы.

Возникла в результате слияния отдельных традиций Иллюминированной рукописи и медали.

Миниатюрная живопись расширилась с начала 16 до середины 19 века.

20. Kalamkari Живопись:

Каламкари известна как древняя форма ручной росписи, выполненной на хлопковой или шелковой ткани с помощью тамариндового пера .

Происхождение Каламкари восходит к древнему персидскому языку , где «калам» означает перо , а «Кари» означает мастерство .

Чтобы раскрасить дизайн, растительные красители извлекаются и наносятся на ткань, которая была известна в нескольких части Индии, но стиль каламкари получил дальнейшее развитие в Калахасти в Индии.

Процесс проектирования включает 17 шагов .

В древние времена группа певцов, музыкантов и ремесленников, известная как читракаров , переезжала в разные деревни, чтобы рассказывать людям об индуистской мифологии.

Они рисовали иллюстрации на пятно с использованием чернил и извлеченных красок из растений .

21. Варли Картина:

Warli Painting — стиль живописи племенного искусства.

Он найден адиваси из хребта Северный Сахьядри в Индии.

Эта техника применяется к грубой основе из грязи с использованием различных цветов, например, белого с редкими красными и желтыми точками.

Белый цвет получается при измельчении риса до белого порошка.

Одно из крупнейших племен в Индия — это Племя Варли , которое расположен за пределами Мумбаи.

Варли отвергает современная культура, несмотря на близость к одному из крупнейших городов в Индия.

22. Phad Painting:

Phad painting или Phad — это уникальный стиль религиозной росписи свитков и народной живописи, практикуемой в штате Раджастан.

Эта картина традиционно выполняется на длинном куске ткани или холста, который известен как phad .

На фадах изображен портрет народных божеств Раджастана.

Бхопы несли с собой расписные фады.

Они использовали и поклонялись им как храмам народных божеств.

Фады Пабуджи и Девнараяна обычно были около 15 и 30 футов в длину.

Фады окрашены в растительных красок .

23.

Мадху Бани Живопись:

Другой термин для Мадхубани — искусство Митхила, которое практикуется в регионе Митхила в Индии и Непале.

Этот вид росписи выполняется пальцами, кистью или даже ветками деревьев.

Природные красители использовались в качестве для рисования использовались цвета и спички.

Первоначально картина Мадхубани была разработана женщиной.

Он получил признание благодаря броским геометрическим узорам.

24. Ca v e Картина:

Другой термин для наскальных рисунков — « Parietal art ».

Наскальные рисунки обычно встречаются на стенах и потолках пещер в доисторических местах.

Наскальные рисунки были найдены 40 000 лет назад в Евразии.

Наскальные рисунки не так хорошо видны, и кажется, что они пытались передать некоторую информацию в то время.

В пещере Габарнмунг найдены самые старые рисунки, возраст которых оценивается в 28 000 лет .

Из-за древних времен многие картины невозможно расшифровать должным образом.

25. Гонд Живопись:

Картина Гонд в основном происходит из Мадхья-Прадеша.

Это форма народного и племенного искусства, которую практикует самое большое племя Индии.

Очень яркая грань Картины Гонд должны использовать яркие яркие цвета, такие как белый, красный, синий и желтый.

Краски обычно получают естественным путем из таких предметов, как древесный уголь, цветная почва, сок растений, листья и даже коровий навоз.

Цвета были получены из различного песочного желтого цвета из Чуймитти, который представляет собой тип местного песка, и коричневого из Геру митти, который представляет собой другой тип песка.

Получены другие цвета из разных источников, таких как зеленый цвет листьев и красный цвет цветка гибискуса.

Они использовали живопись как способ записывать свою историю.

26.

Экшн Живопись:

В картине действия искусство состоит из сильной привлекательности, обширного мазки кисти и вероятность капания и разлива красок на холст.

Живопись действия происходит от Гарольд Розенберг , который создал группу американских абстрактных экспрессионистов, использовавших технику с 1950.

Творчество художника взаимодействие с материалами и создание великолепных работ на холсте определяет картину действия.

27. Вид с воздуха:

Другой термин Антенны перспектива — Атмосферная перспектива .

Техника создания восприятие глубины или депрессия в картине путем изменения цвета, чтобы воспроизвести изменения, влияющие на атмосферу, на цветах, которые можно увидеть На расстоянии.

Использование с воздушной перспективой было известно еще до европейского средневековья.

Леонардо да Винчи использовал термин «воздушная перспектива» в своем исследовании живописи.

27. Анаморфис:

Anamorphis — произведение искусства, инновационная перспектива техника, которая дает искаженное изображение объекта при изображении в рисунок.

Если это видно из под определенным углом или в изогнутом зеркале искажение исчезает и изображение на картинке кажется нормальным.

Произошло от греческого слова, означающего «преобразовывать».

Термин анаморфис впервые был использован в 17 веке.

28. Camaieu Живопись:

Камайе — это форма произведение искусства, выполненное полностью в оттенках или оттенках одного цвета к изображенному объекту или сцене.

Когда изображение отображается серым цветом он обозначен как гризайль, и желтый цвет — это кираж.

Живопись Камая произошла из древнего мира.

Используется в миниатюрной живописи для воспроизведения камей и скульптуры.

29. Казеиновая живопись:

Казеиновая роспись широко известна как метод, при котором краски смешиваются с казеином для создания картин.

Казеиновая краска состоит из фосфопротеинового молока , полученного при нагревании с кислотой или молочной кислотой .

Из домашнего творога из кислого обезжиренного молока, он был традиционным клеем и связующим для большего чем восемь веков.

В XIX и XX веках чистый казеин, смешанный с аммиаком, использовался в станковых и настенных росписях.

В последнее время очень широкое распространение получили готовые казеиновые краски.

Преимущество казеина живопись заключается в том, что она может создавать эффекты, похожие на живопись маслом.

В этой технике используется кистей из щетины и умеренной пасты, как масляная живопись.

Казеиновая краска быстро сохнет и придает матовый эффект. .

После высыхания краска приобретает определенную водостойкость.

30. Светотень:

Этот метод используется в произведение искусства для представления света и тени, поскольку они определяют трехмерных объектов .

Это техника для печать на гравюре на дереве, в которой создаются световые эффекты и оттенки путем печати из другого деревянного блока.

Эта техника была впервые использована в Италии в 16 веке, вероятно, гравером Уго да Карпи.

Блок клавиш был набран самым темным тоном и напечатан первым.

Некоторые доказательства показывают, что Кьяроскуро использовали древнегреческие и римские художники.

Техника была впервые использована Леонардо да Винчи в 15 веке.

31. Дивизионизм:

Методика разделения цветов на отдельные точек или штрихов пигмента .

Он лег в основу неоимпрессионизма.

Когда вы видите картину издалека он будет смешиваться и восприниматься сетчаткой как светящееся целое.

Дивизионизм означает разделение цвета и пуантилизм означает умение наносить точки.

32. Станковая живопись:

Станковая живопись — это стиль искусства, в котором исполнение основано на переносной опоре, такой как панель или холст.

Станковые картины были известен еще древним египтянам и в 1 веке — римский ученый.

Это стало относительно обычным и, наконец, отмена фрески или настенной росписи.

33. Ракурс:

ракурс — это творческий способ использования науки об «иллюзии» в форме визуального искусства.

Это метод создания иллюзии объекта, сильно отдаляющегося от фона.

Иллюзия объекта имеет тенденцию казаться короче, чем есть на самом деле.

Художники предполагают, что в под разными углами искажение появляется, если объект виден на расстоянии.

Художники создают иллюзия реальности, которая, кажется, нарушает поверхность изображения или изменяет это, уменьшая размер ближайшей части объекта, чтобы сделать менее агрессивное нападение на глаз зрителя и может лучше связать объект гармонично остальная часть картины.

34. Граффити:

Это способ общения или адресовать любую информацию людям.

Маркировка общественного места без разрешения незаконна.

Это делается индивидуально или группой.

Стены обычно расписывают некоторые члены уличной банды, а некоторые граффити не имеют отношения к какой-либо банде. Это выразительный вид искусства.

Граффити также используется для привлечения внимания или как форма поиска острых ощущений.

Произведено от итальянского слова граффито, что означает «царапина».

35. Гризайль:

Искусство выполнения иллюстрация полностью в оттенках серого или для создания иллюзии скульптуры используется эта техника росписи.

В 15 веке это было использовался фламандскими художниками .

В 18 веке, чтобы имитируют классическую скульптуру в отделке стен и потолка, использована гризайль.

Среди большинства художников, гризайль использовалась в искусстве окраски стекла для витражей.

36. Импасто:

Импасто — это вид живописи, который делает произведение искусства хочется выделяться на поверхности.

Часто использовался для Качество дубликата бит-фактура качество бликов.

В 17 веке, Импасто техника была найдена.

Такие художники эпохи барокко, как Рембрандт , Франс Хальс и Диего Веласкес умело использовал эту технику и применил эту технику для создания доспехи, украшения и богатые ткани.

Даже Винсент Ван Гог использовал эту технику для создания различных картины.

Джексон Поллок и Виллем де Кунинг также использовал технику импасто, которая передала качества картин. сам лучше.

37. Настенная живопись:

Настенная роспись — это художественное произведение, в котором краска наносится на стену, потолок или любую прочную поверхность.

Настенные росписи включают живопись на плитке, но не относится к мозаичному декору.

Около 30 000 до н.э. фрески были найдены в пещере Шове в департаменте Ардеш. юга Франции.

Около г. 3150 г. до н.э. г. на древнеегипетском языке было найдено множество древних фресок. гробницы.

38. Панно:

Эта техника была выполнена на жесткой основе — обычно из дерева или металла — в отличие от живописи, выполненной на холсте.

Панель опора для станковой живописи до того, как холст вошел в обиход в конце XVI в. век.

Бук, кедр, каштан, ель, лиственница, липа, белый тополь, красное дерево, маслина, темный орех и тик. порода дерева, использованная при росписи панно.

Для удаления смолы и смолы, деревянные панели обычно кипятились или пропаривались, а затем деревянные панели покрывались клеевым материалом и левкасом, чтобы заполнить поры, на которых была нанесена картина. выполнен.

Серебро, олово, свинец и цинк также использовались для панно.

39. Панорама:

В этом стиле картина наносится на плоскую или изогнутую поверхность, которая обычно является непрерывной или пейзажная сцена и она окружена или развернута перед зрителем.

Окрашены в широкую и прямая манера, связанная со сценой или драматической картиной.

Панорама стала популярной в 18-19 веках, где он был, по сути, предшественником стереоптикон и кинофильмов.

Представлены панорамы на стенах большого цилиндра старая версия панорамы около 60 футов в диаметр и новая версия панорамы около 130 футов в диаметре.

Человек должен стоять на центр платформы и поворачивается, чтобы увидеть все точки горизонт.

40. Перспективная живопись:

Перспективная картина в основном основана на идее восприятия зрителя.

У каждого может быть свой уникальный взгляд на это.

Это техника создание трехмерного объекта графически и пространственные отношения на двухмерная плоскость или эта плоскость поверхностнее оригинала.

Это способ представить пространство и объем, которые смешиваются в определенное время и из фиксированной позиции.

Начиная с эпохи Возрождения, китайская и большая часть западной живописи выполнена в этой технике.

Этот метод изображает ощущение, что предметы и их окружение были сжаты внутри поверхностное пространство за картинкой.

41. Пленэрная живопись:

Практика росписи пейзажей на природе, г. достижение в пейзажной живописи насыщенного впечатления от пленэра.

Во Франции середины 19 века, художники практиковали грубые наброски пейзажных предметов на улице и закончить свои картины в мастерской.

42. Живопись свитком:

Это вид искусства, который в основном практиковался в Восточной Азии .

Два основных типа свитков: китайских пейзажных свитков , которые внесли большой вклад в историю живописи.

Еще один — японских повествовательных свитков , которые продвигал искусство рассказывания историй через картины.

Предшественники повествовательных свитков относятся к 4 веку нашей эры и преподают буддийские уроки морали.

Свиток просматривается на столе и открывается справа налево.

Макимоно , также известный как альбомная ручная прокрутка, состоит из повествовательная форма вместо каких-либо картинок.

Он стал популярен в 10-м и 11-м веках у таких мастеров, как Xu Daoning и Fan Kuan .

Человек, увидевший свиток, чувствует себя путешественником.

Это дает ощущение движения в пространстве и времени.

43. Сфумато:

Эта форма живописи хорошо известна как техника для смягчения переходов между цветами, в основном для имитации области, недоступной для восприятия человеческим глазом.

Техника заключалась в смешивании цветов без использования линий или границ, как описано в Леонардо да Винчи .

Последователи Леонардо да Винчи сделали тонкие градации без каких-либо линий или границ и сделали более темные области.

Этот метод использовался для сделать более конкретными черты лица и атмосферные эффекты.

44. Сграффито:

Этот метод в первую очередь Используется в живописи , керамике и стекле .

Он состоит из покрытия слой с другим, а затем удалите поверхностный слой таким образом, чтобы узор или форма нижнего цвета.

В витражах использовали чтобы удалить верхний слой цветного стекла и показать прозрачное стекло под ним.

В гончарном деле раньше через белый или цветной лист, который представляет собой смесь глины и воды и показывая цвет тела.

Изготовлен Исламским гончаров и стал популярным на Ближнем Востоке.

45. Сотто Ин вс:

Sotto In Su — техника, при которой произведения искусства рисуются потолок или другая более высокая поверхность, чтобы создать для зрителя эффект иллюзии.

В Италии к нему обращались многие художники эпохи барокко и рококо эпохи Возрождения.

Андреа Мантенья, Джулио Романо, Корреджо и Джованни Баттиста Тьеполо были мастерами этой техники.

46. Ташизм:

Ташизм — это французский стиль рисования, слово происходит от французского слова «таше», что означает пятно .

Этот стиль живописи практиковалась в Париже после Второй мировой войны и в течение 1950-х годов, что, как и ее Американский аналог, экшн-живопись, показывающая интуитивно понятную, спонтанную жест мазка художника.

Ташизм был реакцией на Кубизм .

Он был изготовлен с помощью капель и капель краски прямо из тюбика, а иногда и каллиграфических каракулей.

Art Informel был вдохновлен инстинктивным, в котором индивидуальный подход современного американского абстрактного Экспрессионизм имел один аспект как живопись действия.

47. Тенебризм:

Тенебризм также известен как драматическое освещение, — стиль рисования, где темнота — краеугольный камень произведение искусства.

В западной истории употребление крайнего света и темноты используется в композициях, чтобы сделать картины более драматический.

Это было создано Итальянский художник Караваджо был продвинут влиятельными лицами в 17 веке. век.

48. Trompe l’oeil:

Trompe L’oeil — это искусство создания очень реалистичных изображений, создающих ощущение, будто изображение существует в трех измерениях.

Известно, что этот вид искусства создает для зрителей оптическую иллюзию .

К идее подошли древние греки, которые были новичками в традиционной стилизации более ранних Изобразительное искусство.

Например, Zeuxis нарисовал такой реалистичный виноград. что птицы пытались ими питаться.

В Америке в 19 веке художник по имени Уильям Харнетт прославился своими картинами из карточных колод.

Работа была настолько реалистичной что зрители были уверены, что карты можно забрать из изображение взгляда.

49. Водосмешивающиеся масляные краски:

Другое название водосмешиваемых масляных красок — водорастворимые или водосмешиваемые .

Это современный способ масла краской и разбавленной водой.

Нет необходимости использовать химические вещества, такие как скипидар.

Эту краску можно смешивать и наносить по той же технике, что и краска на масляной основе .

Краска снимается кистями, палитрами и тряпками с мылом или водой, пока краска еще не высохла. смачивать.

Растворимость в воде из масляной среды, в которой один конец молекулы адаптирован для покрытия молекулы воды в растворе.

Вывод:

Живопись — одно из таких творческих начинаний, которое требует от человека раскапывать самые сокровенные мысли, укоренившиеся в его сознании.

Это одно из таких творческих направлений, которое обладает огромным инновационным и универсальным потенциалом.

С другой стороны, овладение им требует большой отдачи и повторения.

Художники, установившие стандарты, потратили годы на мельчайшие детали, которые сами по себе сделали произведение знаковым.

Еще несколько древних произведений искусства существует в мире и продолжает вдохновлять миллионы!

Какие еще типы картин вы знаете?

Какой ваш любимый стиль и техника рисования?

Сообщите нам, поделившись ваши взгляды в разделе комментариев внизу.

Спасибо за чтение! Надеюсь, ты получил удовольствие от этого!

НАЧАТЬ

ArtRage — программа для рисования естественных цветов

Full Art Studio для Win / macOS

Основные инструменты для рисования на Win / macOS

Рисование на планшете / телефоне

Рисование на iPad / iPhone

ArtRage — это студия цифрового художника с полный набор знакомых инструментов, которые выглядят и работают как настоящие.Это холст для толстых выразительных масел и нежных акварелей, блокнот с полным набором карандашей и лист бумаги со стопкой восковых мелков — все в одном.

Смажьте и растушуйте густые масла для создания естественных цветовых градиентов.
Нарисуйте карандашами и заштрихуйте краем кончика.
Создавайте нежные акварельные мазки, реагирующие на текстуру холста.
И многое другое, без суеты!

ArtRage — идеальный инструмент для творчества для всех, от детей до взрослых, от любителей до профессионалов. $ 79 Купи сейчас! , Узнайте об ArtRage 6 или Попробуйте демо-версию .

ArtRage в действии

Ознакомьтесь с нашими избранными художниками , чтобы увидеть удивительные картины и иллюстрации, которые они создают с помощью мобильной и настольной версий ArtRage! ArtRage используется для искусства в традиционном стиле, графического дизайна, изображения книжные иллюстрации, концепт-арт к фильмам и видеоиграм, научные иллюстрации, фан-арт, комиксы, карикатуры, аннотации, редактирование фотографий, спецэффекты, дизайн продукта и многое другое.
Сообщество ArtRage
Учебники
Узнайте, как начать рисовать, рисовать и рисовать маслом, карандашами, ручками и другими инструментами в ArtRage.
Поддержка
Если у вас возникли проблемы с ArtRage или вы не можете найти серийный номер, свяжитесь с нами, и мы поможем.
Руководства
Прочтите подробные файлы справки по всем функциям в различных версиях ArtRage.
Форумы
Присоединяйтесь к одному из самых дружелюбных арт-сообществ и делитесь своими работами с другими.
Часто задаваемые вопросы:
Новые пользователи планшета Wacom Инструкции, если вы получили ArtRage с планшетом Wacom и не можете найти свой серийный номер.
Последние новости
Сотрудники Avant-Novis делали карты и снимали видео! Ознакомьтесь с серией руководств о том, как рисовать фэнтезийные карты с помощью ArtRage. Выразите себя с помощью Samsung S Pen в ArtRage для Android! Рисовать пальцем в ArtRage для Android — это здорово, но если вы хотите поднять свое искусство на новый уровень с помощью наиболее точных и выразительных мазков, то Samsung S Pen на совместимых устройствах не имеет себе равных.

Leave a comment

28.12.2018