Доброго времени суток, всем посетителям блога web-paint.ru! Сегодня очень интересный, но в то же время сложный урок. Мы будем рисовать человеческое лицо, следуя работе великого художника Леонардо да Винчи.
По моему мнению, Леонардо да Винчи, Микеланджело и Рембрандт самые великие художники объемных рисунков в истории. Их возвышенный талант по-прежнему внушает трепет после пяти столетий. Однако до того, как они стали мастерами своего дела, они были учениками. Они научились рисовать от своих учителей. Они отслеживали, перерисовывали, изучали работы своих учителей в течение многих лет.
Как мы уже обсуждали в предыдущих уроках, важность копирования и отслеживания невозможно переоценить. Однако многие художественные педагоги по-прежнему верят, что студенты должны научиться рисованию с помощью наблюдений, проб и ошибок. К сожалению, их традиционный подход работает на студентах, имеющих огромное терпение и стойкость в своем желании научиться рисовать.
Моя точка зрения такова: зачем изобретать велосипед? Зачем заставлять учащихся сидеть перед какой-то моделью и настаивать, чтобы они нарисовали ее без обучения самым простым инструментам – штриховке, теням, размерам, расположению, перекрытию, контуру, ракурсу и других важным законов рисования? Почему бы не научить студентов рисовать человеческое лицо, фигуру, формы путем отслеживания величайших художников в истории?
Для этого урока, мы проследим работу Леонардо да Винчи «Мадонная в гроте». Распечатайте этот портрет на листе А4, возьмите полупрозрачную кальку и обведите изображение Мадонны. Сделайте это десять, двенадцать или двадцать раз на одном листе кальки, не думая о тенях, пока:
1. Начните обводить прекрасное лицо со лба, щек и подбородка с помощью S-образных линий.
2. Обведите нос и ноздри. Нарисуйте переносицу, переходящую в бровь на дальнем глазу. Заметьте, да Винчи использует закон перекрытия.
3. Потратьте время на то, чтобы обвести проникновенные глаза, используя закон размера. Присмотритесь, как да Винчи создал глубину, нарисовав ближний глаз больше и прикрыв веком зрачок.
4. Как и да Винчи, обрамляем ее лицо и лоб несколькими тонкими простыми S-образными штрихами волос.
5. Нарисуйте губы. Обратите внимание, как верхняя губа наклоняется и как выделяются бороздки под носом. Посмотрите, нижняя губа состоит из двух округлых затененных сфер.
6. После обводки этого изображения десять раз (или двенадцать), возьмите чистый лист кальки и повторите ее лицо снова. В этот раз начните затенять, убрав кальку с картины Леонардо и кладя ее на белый лист бумаги. Теперь посмотрите как да Винчи затенил ее лицо. Где размещен источник освещения? Где три самых темных области? Очень легко затените три ярчайших бликовых области. Хорошая идея – всегда двигаться от светлого к темному. Вы всегда можете добавить тень, чтобы сделать область темнее, это гораздо легче, чем сделать участок светлее.
7. Наносите тени от светлого к темному, смотрите и копируйте как Леонардо обозначает линии лба, глаз и щек с помощью растушевки, которой мы пользовались в первом уроке сферы.
Наслаждайтесь изучением и копированием как у да Винчи затенением глаз, век, зрачков и водной линии – так элегантно! Можете представить, что Леонардо затенял те же водные линии, что и вы? Можете представить его творческий процесс, когда он перекрывал зрачок веком?
8. Кончик носа оставьте светлым, отражающим свет, затените нос с помощью растушёвки штрихов карандаша. Обратите внимание, как да Винчи оформил ноздри только с помощью растушевки тени, без каких-то лишних линий. Аккуратно, мягко затените губы, а также две округлые сферы нижней губы. Выделите центральную линию, чтобы разделить верхнюю и нижнюю губы с помощью двух S-образных кривых. У вас получилось! Изучите нюансы рисования человеческого лица от Леонардо да Винчи самостоятельно! Да Винчи в своем альбоме практиковался в рисовании и копировании только лица, руки, уха и даже пальцев ног. Найдите в интернете альбомы Микеланджело, Леонардо да Винчи, Рембрандта, чтобы получить вдохновение для занятий.
УРОК 28: ПРАКТИЧЕСКОЕ ЗАДАНИЕ
Обводка лиц и фигур по изображениям великих художников – это основополагающее упражнение, которое, я надеюсь, вдохновит вас на успешную учебу, срисовку и обводку еще большего количество лиц и фигур от да Винчи и других мастеров.
Это упражнение отлично работает и с фотографиями. Попробуйте: возьмите ваше любимое фото, увеличьте его на копировальной машине (лучше сделать фото черно-белым, если это возможно, так как черно-белые изображения более подходят для срисовки, потому что на них отлично видны тени).
Это всего лишь один простой урок должен творчески подтолкнуть вас к изучению большего количества книг и иллюстраций человеческого лица. Вот две книги на тему: Ли Хэммонд «Учимся рисовать портреты» и Джордж Бриджмен «Человек как художественный образ». Вы можете их легко найти и скачать в интернете.
Держа в уме то, чему вы научились от рисования с работ да Винчи, давайте узнаем, как нарисовать лицо, которое смотрит прямо на вас. На протяжении веков художники относили человеческую фигуру в математические разделы для перевода изображения из реального мира на свою бумагу. Давайте практиковать рисунок человеческого лица вместе. Мне интересно, поймете ли вы в чем разница между мультяшным стилем и шедевром Леонардо?!
1. Начнем рисовать лицо с овала головы, который выглядит как яйцо, немного расширяясь в верхней части.
2. Нарисуйте горизонтальную и вертикальную линии, пересекающиеся в центре. Это опорные линии для определения позиции глаз.
3. Нарисуйте еще одну горизонтальную линию посередине между направляющей линией глаз и подбородком. Это будет направляющей линией носа.
4. Еще раз проведите другую опорную линию посередине между линией носа и подбородком. Это будет опорная линия губ.
5. Разделите направляющую линию глаз на пять частей. Начните в середине с двух линий и двигайтесь в стороны.
6. Нарисуйте глаза в форме лимона. Легко очертите форму носа от внутренних уголков глаз прямо вниз до опорной линии носа. Глаза человека бывают разных форм и размеров. Подробнее поговорим об этом в следующем уроке.
7. Прорисуйте детально веко и зрачок. От центра зрачка проведите вертикальные линии до позиции губ.
8. Нарисуйте губы, вспоминая изогнутый контур из урока да Винчи. Нарисуйте форму носа и бровей.
9. Знаете ли вы, что в среднем голова весит шестнадцать фунтов (или 7,5 кг)? Она такая тяжелая, как шар для боулинга. Помните об этом, когда рисуете шею, она должна выдержать большой вес. Это не тоненькая тросточка, а толстый цилиндр. Шея начинается от пересечения опорной линии носа и овалом лица, сужается к горлу и снова расширяется к плечам. Легко проведите линию волосяного покрова посередине между глазами и верхним контуром головы. Распространенной ошибкой является расположение волос слишком высоко, поэтому необходимо пользоваться опорными линиями. Теперь нарисуйте уши с помощью направляющих глаз и носа. Начните рисовать волосы S-образными кривыми, определяя общую форму волос.
10. Нарисуйте лоб, виски, челюсть и шею. Нарисуйте волосы также, как да Винчи, с помощью нескольких определяющих прядей. Насладитесь затенением лица, при этом используйте растушевку. Помните, что начать лучше со светлых участков (подумайте о том, где ваше собственное лицо получает солнечный ожог в первую очередь): центр лба, кончик носа и верхушки щек и подбородка. Сделайте эти участки очень светлыми, почти белыми. Постепенно добавляйте более темные линии в сторону от источника света, который для этого рисунка находится выше и перед лицом.
Превосходно! Вы только что освоили гениальные карандашные линии Леонардо да Винчи и узнали математическую структуру сетки для рисования человеческого лица.
Удачи вам! И не забывайте добавлять свои работы в группу вконтакте в этот альбом!
Предпоследний урок…Подходим к концу обучения…
Были использованы материалы книги Mark Kistler «You can draw in 30 days».
Книга на русском языке Марк Кистлер «Вы сможете рисовать через 30 дней».
Предыдущий урок Следующий урок
Как рисовать лицо человека карандашом, поэтапно, для начинающих
На этом уроке научимся рисовать человеческое лицо. Поэтапный урок рисования карандашом человеческого лица.
На уроке для начинающих изучим как шаг за шагом нарисовать лицо, в данном случае — женский портрет.
Как рисовать лицо. Начало
Первый этап. Базовая линия. Вертикальная линия будет служить основой — середина лица. Также небольшими штрихами обозначим высоту нашего рисунка (высоту головы). Стоит помнить, что осевые и базовые линии необходимо делать еле заметными, так как в конце придётся их стирать. В случае, если они будут жирными, подтереть всё аккуратно будет крайне сложно. Линии должны быть гораздо слабее, чем на представленных рисунках, так как здесь они выполнены жирным только для наглядности. Обычно их делают такими, чтобы только сам художник смог разобрать, где они находятся и после убрать их лёгкими движениями стирательной резинки.
На втором этапе ровно посередине нашей вертикальной линии нарисуем горизонтальную. Она проходит через середину лица и указывает местоположение глаз. На уроке по рисованию глаз вы уже могли узнать, что глаза находятся ровно посередине высоты головы. Также на этом этапе нарисуем примерный овал головы. Овал немного сужается к нижней части — от лба к подбородку.
Как рисовать лицо человека. Схема
Третий шаг. Составим разметку или схему расположения элементов лица. Это может показаться сложным, однако, прочитав пояснения, всё будет понятно.
С — центральная осевая линия.
3 и 4 — расстояние между глазами. Составляет 1/5 ширины головы или расстояние между глаз приблизительно равняется ширине одного глаза.
Размеры глаз: 2 и 3, 4 и 5. Ширина глаза равняется 1/5 ширины головы.
От линии 1 до линии 2, и от 5 до 6 — расстояние от края глаза до края головы (1-5 ширины головы).
В — кончик носа, нижний край уха (1/3 высоты головы, измеряется от осевой линии Ц)
Г — нижняя граница губ (1/5 высоты головы, от нижнего края)
Не обязательно рисовать полностью линии. Вполне достаточно обозначить места элементов лица, которое мы учимся рисовать, небольшими штрихами.
Третий этап мог вас немного запутать, но на этом примере вы можете сами посмотреть, как располагаются различные элементы лица. Здесь мы обозначали формы и местоположение глаз, носа, губ, волос, ушей.
Рисуем лицо человека. Последний этап
Приступаем к прорисовке. Прежде, чем приступать к прорисовке, стираем осевые линии. Здесь мы сделали прорисовку глаз и бровей.
Прорисовка носа.
Рисуем губы.
Делаем прорисовку теней — подбородок, тени возле глаз, носа, на щеках, скулах. Таким образом мы смогли придать лицу объём.
Рисуем волосы и шею. Получаем готовый рисунок карандашом.
Как рисовать лицо человека
Как рисовать лицо человека описано в данном материале, который даёт наиболее подробное детальное понимание структуры человеческого лица.
Чтобы научиться рисовать лицо человека, нужно запомнить схему рисования лица с основными деталями и пропорциями. Размеры и поведение линий отображены на картинках ниже.
Автор схем – Snigom (художник из Америки).
Ниже некоторые зарисовки с лицами этого автора:
Урок по рисованию лица человека
или попросту основа создания портрета:
пропорции лица человека
линии соединения частей лица
форма
Фронтальная часть лица / анфас
Отмечу важные детали пропорций в фронтальной схеме рисования человеческого лица.
Условимся на том, что размер глаза (его длина) по горизонтали будем обозначать как А, так как это расстояние часто используется в схеме.
Середина головы – линия глаз.
Расстояние между глаз равно A.
Ширина носа в области крылышек носа так же равна A.
Нижняя губа расположена от подбородка на высоте A.
Кончик носа является сферой диаметр которой равен половине A.
Расстояние он нижней части кончика носа до нижней поверхности губ равен A.
Расстояние от кончика носа до линии глаза 2 A.
Длина губ равна расстоянию между глазными яблоками.
Пунктов много, но запомнить их намного проще, если Вы рисуете и применяете знания на практике, копируя схему.
Профиль
И напоследок ещё материал по рисованию преимущественно женских лиц, а так же больше материала можете найти на странице с меткой Лицо.
Удачи с портретами!) Не забывайте, что лицо человека – это очень сильный элемент отражения эмоций в любой картине, но для создания грамотных интересных композиций знания лишь анотомии лица, Вы понимаете, не достаточно.
Постараюсь на этом блоге осветить все сферы, использование которых требуется каждому художнику.
✏️ Как нарисовать человека? Делаем скетчи
Добро пожаловать на сайт «Научиться рисовать за 30 дней!».
Это первый урок из курса «Учимся рисовать человека». Тщательное освоение всех уроков этого курса поможет вам сделать первые шаги в изучении анатомии и пропорций человека, научит рисовать людей из жизни и из вашего воображения, в различных позах и в движении, обнаженными и в одежде.
Первый урок является подготовкой к фактическому изучению фигуры, а также заложит основу структуры дальнейшей работы. Практическое упражнение в конце урока будет иметь особую ценность для вас как художника при создании макета человека и при подготовке предварительных эскизов, набросков, обдумывании идей, предложений, действий и поз, где фигура должна быть нарисована без использования моделей или копирования. Я настоятельно рекомендуется уделить ему самое пристальное внимание, и ни в коем случае не пропускать.
Что требуется, чтобы научиться рисовать человека
Человек, которого будем рисовать
Чтобы нарисовать что-нибудь хорошо из памяти или из своего воображения, вы должны сначала создать запас базовых знаний по этой теме.
Лучше всего начать рисовать с натуры.
Постоянно наблюдая за окружающими можно легко и быстро узнать большое количество информации о пропорциях, форме и структуре, а также в процессе вы также будете развивать свои навыки рисования. Никакое количество информации, почерпнутое из учебников по рисованию человека не может служить в качестве замены этого ценного упражнения.
Вы должны изучить информацию не только о форме и структуре тела, но также получить глубокие знания о том, как люди стоят, сидят и двигаются, если вы хотите их убедительно передать это на бумагу. По этой причине вы должны постоянно пользоваться скетчбуком.
Скетчбук
Так же, как писатель нуждается в записной книжке для кратких записей мыслей, а спортсмен должен регулярно заниматься спортом, чтобы быть в отличной форме, художник нуждается в альбоме или скетчбуке, чтобы постоянно оттачивать свое мастерство и зрительную память. Ваш скетчбук должен быть всегда при вас, поэтому выберите для себя оптимальный размер и носите его в сумке или рюкзаке с простым карандашом. Не обязательно покупать дорогой скетчбук, т.к. вам придется делать очень много набросков и заметок, и вы даже не заметите как он быстро закончится. Купите что-то попроще, чтобы не беспокоиться о стоимости.
Место для рисования
Лучшее место, чтобы начать, наверное, у себя дома. Члены вашей семьи идеальные натурщики, потому что они легко доступны и часто занимаются не слишком активной деятельностью, такой как чтение или просмотр телевизора.
Для того, чтобы поддерживать готовность своих «моделей» позировать, желательно не корпеть слишком долго над каждым рисунком.
Каждый эскиз необходимо делать не более 10-ти минут.
Это имеет большое значение, т.к. на данном этапе важно количество, а не качество. Вы быстро узнаете, как поймать суть позы или характера в несколько штрихов и ваша работа будет очень реалистичной.
Сделав несколько эскизов в привычной обстановке, вы вскоре почувствуете себя достаточно уверенно, чтобы взять ваш скетчбук на улицу. Найдите для себя подходящее укромное местечко, где вас никто не потревожит и попробуйте сделать несколько набросков.
Рисуйте постоянно
Всякий раз, когда у вас есть свободная минута, достаньте скетчбук и делайте наброски людей вокруг вас: стоя на автобусной остановке, сидя в кафе или на работе есть хорошая возможность сделать наброски людей поблизости. Карандаш или шариковая ручка идеально подойдут в качестве инструмента.
Используйте только одну сторону бумаги
Есть три причины для этого.
Во-первых, дешевая бумага просвечивает, так что линии, которые вы нарисовали на одной стороне, могут повлиять на качество вашей работы на другой.
Во-вторых, даже если вы используете бумагу хорошего качества, карандашные рисунки на обратных страницах будут стирать шероховатость, и портить друг друга.
Третья причина для использования только одной стороны в том, что в свое время вы можете разобрать постранично свой скетчбук, и сравнить одну работу с другой, чтобы проверить ваши успехи.
Поначалу, вы будете успевать изобразить не более, чем наклон головы или поворот плеч, прежде чем объект начнет двигаться. Это нормально: все, что вы делаете способствует росту ваших знаний о человеческой фигуре. Эти детали могут показаться не очень ценными, но это не так. Если вы в состоянии изобразить неопрятного вида молодого человека, ссутулившегося напротив автобусной остановки или усталую старую женщину, обремененную покупками, ваша работа будет иметь подлинность, т.к. суть характера заключается именно в тонкости таких деталей.
Вы будете удивлены, насколько легко это заметить и насколько это оценится всеми, кто увидит вашу работу.
Ваш скетчбук должен выполнять роль вашего личного документа.
На самом деле, многие художники также делают заметки в нем и добавляют комментарии к эскизам, тем самым увеличивая полезность позже, особенно если эскиз будет использоваться в качестве основы для готового рисунка.
Не стремитесь к аккуратными, ухоженными рисункам, художественно расположенным на странице. Ваш альбом не для этого. Сейчас ваша цель — захватить характер и положение выбранного объекта в течение нескольких минут. Выберите кого-то, кто, вероятно, останется еще на некоторое время в одном положении, и начните работу. Не стесняйтесь.
Не пытайтесь делать привлекательные линии, это упражнение заключается в быстром захвате момента. Ваши эскизы должны доставлять истинное удовольствие видеть и зарисовывать жизнь вокруг вас, а также помочь вам развить острый глаз и уверенный штрих.
Если вы никогда не пробовали делать скетчи, то можете подумать, что это тяжелая работа, но это не так. Это наиболее приятное и самое полезное занятие. Оно расслабляет и бодрит, а также является средством повышения навыков рисования.
Всегда держите скетчбук при себе, где бы вы ни находились
Это настолько важно, что я не устану повторять это.
Нарисуйте людей, которые ждут электричку на железнодорожной платформе или тех, кто сидит на скамейке в парке, или членов вашей семьи за просмотром телевизора. В барах, ресторанах, кафе и на улице вы сможете увидеть людей различного роста и телосложения. Отметьте их в своем альбоме, и вы никогда не будете сожалеть об этом. Создание набросков не только приятное занятие, оно также является лучшим способом расширить свои знания и способности.
Если вы хотите создавать живые реалистичные работы, это должно войти в привычку. Иногда в эскиз стоит включить фон и окружающие детали. Это могут быть окружающие деревья или здания. Когда вы начнете рисовать из головы, то этот опыт будет весьма ценным.
По мере прохождения курса, мы будем периодически возвращаться к этой теме, рисованию эскизов из жизни.
Без этого упражнения ваша наблюдательность и ваши рисунки из памяти будут постепенно ухудшаться, пока они не станут немного больше, чем серия клише.
Выполните практическое задание
Сделайте как минимум 20-30 скетчей разных людей в различной обстановке.
Я не советую переходить к следующему уроку, пока не выполните это задание. Это упражнение должно стать вашей постоянной ежедневной тренировкой.
В статье использовались материалы из книги Ron Tiner «Figure Drawing without a model».
Предыдущий урок Следующий урок
Научитесь рисовать лица с помощью этих 10 простых советов
Хотя запечатлеть сходство может быть проблемой, головы и лица — одни из самых сложных вещей для рисования.
Давайте сконцентрируемся на улучшении черт лица. Поскольку мы проводим весь день, глядя на людей, мы очень хорошо понимаем, когда что-то не так в портретном рисунке или картине.
Хотя много повторений и непосредственное наблюдение — самые важные вещи, которые вы можете сделать для оттачивания своих навыков, вот несколько полезных советов, которые следует помнить, когда вы практикуете рисование головы.
1. Знайте свои пропорции
Головы — это не идеальные круги и не идеальные овалы. Вы можете думать о них как о яйцеобразных, с заостренным концом вниз. Конечно, это зависит от конкретного человека и угла, под которым вы его видите. Но начнем с яйца…
2. Уточните линию подбородка
Если вы рисуете женщину, эта форма яйца может хорошо описать линию ее подбородка, но давайте предположим, что мы рисуем мужчину с немного более угловатой челюстью и более плоским подбородком.Выведем линию подбородка.
3. Где разместить глаза?
Что ж, мы склонны думать, что глаза расположены ближе к макушке, чем к низу, потому что они являются высшей чертой лица. Но на самом деле это не так.
Как видите, глаза находятся примерно на полпути между нижней частью челюсти и верхней частью головы . Как известно любому из нас, у кого залысины, есть участок участка головы над глазами.Но я пропустил шаг здесь — как далеко должны быть глаза? Насколько они должны быть большими?
4. Хорошее эмпирическое правило гласит, что ширина головы составляет около 5 глаз.
Это означает, что промежуток между глазами в месте расположения переносицы примерно такой же ширины, как и лицо по обе стороны от глаз. Как и любое эмпирическое правило, важно помнить, что это не всегда так и что это относится только к рисованию лица на портрете лицом к лицу.
5.Теперь разместим уши
.
Найдите верхушки чуть выше глаз и опустите их почти на полпути от глаз к нижней части челюсти. В зависимости от человека уши могут сильно или немного выпирать, поэтому для этого нет хорошего правила, кроме внимательного наблюдения.
Ну, что вы знаете — после рисования ушей у вас теперь есть отличное представление о том, где разместить нос!
6. Добавьте нос
Носовые части действительно немного различаются по ширине, так что имейте это в виду.Стороны носа этого парня немного выступают за внутренние уголки его глаз.
7. Рот немного сложнее
Вместо того, чтобы сам рот находился на полпути от мочки ушей до линии подбородка, используйте эту середину для нижней губы. Ширина углов рта часто простирается примерно до радужной оболочки глаз выше.
8. Укладка бровей
Это еще одна особенность, которая сильно различается от человека к человеку.Помните, что каждая бровь обычно шире, чем глаз под ней. Они также имеют тенденцию быть наиболее толстыми к переносице и сужаются к боковым сторонам лица, где они также часто спускаются вниз.
9. Не делайте ошибку, помещая волосы на самую макушку!
Линия роста волос обычно составляет от четверти до трети расстояния от макушки до бровей. Или в случае сэра Патрика Стюарта: позади макушки.
Эти пропорции подходят и женщине. Отрегулируйте линию подбородка, чтобы она была немного более округлой, сделайте уши немного меньше, а шею немного уже, и вы получите довольно убедительное женское лицо.
Еще одна интересная вещь в знании своих пропорций — это то, что вы можете использовать их, чтобы нарисовать голову в профиль! Просто вытяните линии пропорций, и у вас будет отличный способ сохранить пропорции головы.
.
Как нарисовать человека
Содержание:
Нарисовать человека проще, чем вы думаете
Как рисовать людей? Если вы в прошлом пытались научиться рисовать человека, не расстраивайтесь, вы не одиноки. Даже профессиональные художники считают рисование человека одним из самых сложных занятий. Вот почему в течение многих лет художники создавали удобные трюки, как рисовать тело мужчины или женщины. Когда вы выучите их и поймете важность пропорций для человека, рисовать их станет проще, и вы сможете начать изображать друзей и семью и добавлять людей в свои работы.
Шаги по рисованию тела мужчины или женщины
Рисунки, сопровождающие эту статью, я создал с помощью профессиональных карандашей Arteza. Я думаю, вам также понравится использовать их в этом проекте, поскольку они бывают различной твердости, от 4H до 6B, для рисования светлых линий и создания темных штриховок. Эти предварительно заточенные прочные карандаши готовы к работе, и они служат долго. Я также предлагаю использовать для этого проекта качественную бумагу.
Шаг 1. Разделите рост тела на восемь частей
Я начинаю с линии, идущей прямо по центру бумаги, оставляя поля около 2 дюймов.Это действует как осевая линия, определяющая рост мужчины или женщины, начиная от макушки головы до основания ступней. Эта ось сохранит симметрию вашего тела.
Затем пересеките восемь равноотстоящих параллельных линий, пересекающих осевую линию. Почему восемь? Потому что я узнал от других художников, которые давно выяснили, что они могут правильно определить размеры человека, используя высоту его головы (ВН) в качестве единицы измерения. Я выяснил, что средний рост человеческого тела в восемь раз больше высоты его головы (измеряется от вершины черепа до основания подбородка).Разделив человека на восемь частей, я смог точно добавить голову, руки, ноги и другие компоненты в соответствующих местах.
СОВЕТ. Для точного определения высоты прическа не считается. Правильный способ измерения — от черепа под волосами.
Шаг 2. Набросайте голову, туловище и конечности
Нарисуйте голову в виде овала в первом сегменте посередине первой и второй линий.
Склоны шеи и плеч во втором блоке составляют полчаса.Затем от центральной оси выйдите на полную Ч-Н и поставьте отметку. Это указывает на положение плеч.
СОВЕТ: Средняя ширина плеч мужчин составляет две высоты головы, а иногда и немного меньше. Плечи женщин обычно составляют половину высоты головы, хотя могут быть шире или уже.
Талия и локти на расстоянии трех высот от гребня головы. Сделайте здесь отметки.
Я также делаю отметки, чтобы обозначить середину тела у бедер, на четыре высоты головы сверху.Здесь также можно поставить отметки, обозначающие расположение запястий. Длина ладони примерно на три четверти ниже отметки запястья.
СОВЕТ. У мужчин высота бедер составляет полторы головы, а у женщин, как правило, шире — примерно на 2 высоты головы, хотя это зависит от каждого человека.
Я ставлю отметку по коленям либо чуть выше 6-й линии, либо на этом уровне. Опять же, это зависит от каждого человека.
Теперь я помещаю еще одну отметку для ступней на 8-й линии с шириной ступни около половины высоты головы.
Шаг 3. Обозначьте туловище
После того, как вертикальная ось нанесена, пора обозначить части тела очень светлыми линиями. Я начинаю с очертания плеча. Он расположен от верхней линии вниз на полторы HH. Ключицы вместе с яремной впадиной находятся в центре и немного ниже шеи на той же высоте, что и плечо.
Далее наметьте ширину бедер.
Теперь пора определить руки и ноги.Как показывают мои оценки, запястья находятся на том же уровне, что и бедра, и составляют чуть меньше половины Ч-Х, когда рука расслабленно висит рядом с телом.
Добавьте ноги и колени.
Шаг 4. Добавьте суставы и мышцы
Я использую немного более темный карандаш, чтобы добавить некоторые детали тела. Когда я рисую плечи, я включаю эти области от плеча до локтя. Затем я добавляю предплечье, то есть часть от локтя до кисти.
Нога начинается с бедра, начинается у бедер и заканчивается в коленном суставе.Затем я помещаю колено, голень и ступню.
СОВЕТ: будьте осторожны, чтобы руки и ноги не были ни слишком толстыми, ни слишком узкими на этом этапе.
После того, как я нарисовал тело и его суставы, пора перейти к деталям. Я добавляю характеристики лица перед добавлением деталей к каждой отдельной части тела — плечевому поясу (плечевые суставы, ключицы и яремная впадина), грудной клетке, животу, рукам и ногам. Я очень стараюсь запечатлеть особенности коленей и ступней.
На этом этапе я начинаю обрисовывать мышцы, чтобы они выглядели более четко.
Это когда я добавляю одежду.
Шаг 5. Добавляем тени и детали к телу
Добавление теней — это то, как придать вашему телу насыщенность и глубину. В конце концов, тело — это не плоская поверхность, и когда на нее падает свет, в углублениях и изгибах создаются тени. Тени создаются методом штриховки.
Для штриховки используются прямые тонкие линии, расположенные близко друг к другу.Штриховка может выполняться по вертикали, горизонтали или диагонали. Чем ближе вы разместите линии вместе, тем темнее станет область. Чтобы получить максимально темный тон, используйте пересекающиеся линии в технике, известной как штриховка.
Используйте штриховку для создания светло-серого тона, чтобы добавить четкости теням на лице и под лицом, шее, ключицами, яремной впадиной и плечами. Нанесите штриховку, чтобы добавить больше контраста мышцам рук, живота и ног.
Шаг 6.Наращивание теней и деталей
Чтобы добавить еще большей дифференциации теням, я использую ластик, чтобы убрать штриховку, чтобы создать мои самые светлые области, и использую перекрестную штриховку поверх существующей штриховки, чтобы еще больше затемнить мои самые темные области.
Чтобы кожа выглядела гладкой, слегка заштрихуйте все тело карандашом 3H или 4H. Эти карандаши имеют твердый графитовый сердечник, который позволяет создавать очень слабые линии. Эта штриховка помогает объединить все в один согласованный тон.Оставьте некоторые области очень светлыми — верхнюю и переднюю часть плеч, колени, руки, верхнюю часть бедер, грудь и верхнюю часть живота, так как это те части, где свет светит наиболее ярко.
Рекомендации
Помните, что первая задача при рисовании людей — добиться правильных пропорций.
Кроме того, помните, что общие пропорции помогают только более точно изобразить людей, но между пропорциями каждого человека есть различия. Поэтому, если вы рисуете конкретного человека, вы должны изучить структуру и размеры его тела.
Вашей единицей измерения всегда является высота головы, но вы должны понимать, что может быть разница в этой единице измерения от одного человека, которого вы изображаете, к другому, даже если разница лишь небольшая.
Следуйте правилу «от общего к частному» на каждом этапе этого упражнения. Это означает, что сначала нужно начать с больших общих областей, прежде чем работать над более мелкими или более конкретными деталями.
При работе с затенением и созданием теней помните: чем большей градации вы достигнете, тем более реалистичным будет ваше лицо.Попробуйте сделать переходы мягче, а штриховку — точнее, чтобы ваше тело не выглядело деревянным или пластиковым.
Вот и все! Теперь у вас есть несколько приемов и советов, которые помогут вам научиться рисовать мужчину или женщину. Я рекомендую вам просто не торопиться и следовать инструкциям, обращаясь к этим изображениям, и вы будете на правильном пути, добавляя людей к своим картинам, делая наброски людей в вашей любимой кофейне или удивляя своих друзей и семью их эскизами !
Немного о традиционной китайской живописи — Магазета
На всемирных аукционах за последние пару лет происходит бум китайского искусства. Картины традиционных художников таких как Сюй Бэйхун, высоко оцениваются на уровне с Ван Гогом и Эдвардом Мунком. Высоко оцениваются они не только художественной стороны, но и с финансовой. К китайскому искусству сейчас приковано внимание искусствоведов и коллекционеров. Один из самых известных видов китайского искусства это национальная живопись тушью или гохуа (国画). Интересуются ею не только в профессиональной среде, эта живопись также является популярным хобби, причем, не только в Китае. Нетрудно догадаться почему: гохуа лаконична, изящна, а художнику-любителю из материалов достаточно использовать кисти, бумагу и тушь.
По разным данным, самым древним образцам гохуа уже более 2 тысяч лет. Сформировался этот вид живописи в 7-8 веке до нашей эры, а самое большое развитие получил в эпоху династии Тан. Сравнительно недавно гохуа пережил возрождение стиля, но об этом чуть позже. В традиционной китайской живописи существует два основных направления: гунби (工筆 — «старательная кисть») и сеи (写意 — «выражение идеи»). На раннем этапе развития китайской национальной живописи (12 век) преобладала гунби, а на позднем и среднем — се-и.
Для гунби характерны детальная проработка всех элементов картины а также использование цветных красок. Основной целью художника было как можно точно отобразить действительность. Эта идея подобия природе и натурализма была тесно связанна с влиянием даосизма. От художника требовались большая концентрация и отточенное мастерство, так как работа над картиной была очень кропотливой. Большинство императорских дворцов расписано именно в манере гунби. Но, распространение буддизма на территории Китая привело к тому, что художники переосмыслили этот подход. В результате появилась новое течение живописи — се-и, в противовес академической манере гунби.
Се-и отличает использование в большинстве своем только черной туши, экспрессивная манера рисования и определенная недосказанность в самом изображении. Стремясь передать настроение, се-и оперирует образами и ассоциациями. Основная идея этого направления состоит в том, чтобы изобразить идею того, что нарисовано, несколькими линиями отобразить суть. Если гунби считалась официальной академической живописью мастеров, то се-и — это живопись интеллектуалов.
Для сравнения можно посмотреть на эти две картины:
Хотя они относятся к одному жанру «цветы и птицы», но разница между ними очень заметна. В первом случае, это гунби, так как мы видим очень детальную красочную картину. А во втором — се-и, монохромную и динамичную работу.
Конечно, это деление на два направления достаточно условно, потому что многие художники используют смешанные техники, и существует множество работ которые нельзя отнести конкретно к какому либо из этих двух направлений.
С конца 20 века и по сегодняшний день, китайская национальная живопись переживает период возрождения жанра. Что интересно, в этот период между авангардной европейской живописью и се-и обнаружилось несколько схожих черт. Это и упомянутая выше экспрессивная манера, и стремление передать настроение, и использование простых форм. К примеру, основная задача се-и — выражения идеи посредством искусства, очень похожа по содержанию на подход западных концептуалистов, с той лишь разницей, что концептуалисты использовали другие художественные приемы.
Вполне возможно, что именно такая своевременность китайской живописи и дало ей второе дыхание. Все новое — это хорошо забытое старое, а китайцы на протяжении своей истории привыкли опираться на свои традиции.
Гохуа — китайская живопись тушью
Для написания традиционных китайских картин применяют ограниченный набор средств, так называемые «четыре сокровища» художника: китайская кисть, краска, тушечница для растирания туши и минеральных красок, бумага.
Традиционная китайская живопись (гохуа) появилась в глубокой древности. Китайские картины пишутся тушью, минеральными и растительными красками типа акварели на шёлке (иногда на хлопчатобумажной или пеньковой ткани) или на особой бумаге из мягкого тонкого волокна и имеют форму свитков — горизонтальных для рассматривания на столе и вертикальных для украшения стен.
Начиная со времён художника Ван Вэя (VIII век) многие «художники-интеллектуалы» отдают предпочтение монохромной живописи тушью, над цветами, считая что: «Средь путей живописца тушь простая выше всего. Он раскроет суть природы, он закончит деяние творца».
С самого начала китайской живописи образы создавались посредством линейного рисунка. Линия является основой китайского изобразительного искусства. Это роднит китайскую живопись и каллиграфию, которые в Китае развивались в стилистическом единстве и взаимно развивали друг друга. Связь китайской живописи с каллиграфией и ее акцент на линиях — одна из наиболее отличительных черт китайской живописи. И если в европейских традиционных картинах маслом, в акварелях можно совсем не заметить линию, то китайская живопись практически не обходится без линии.
В Китае художники, как правило, прекрасные каллиграфы и очень часто — поэты, что для европейца может показаться непривычным и необычным. Самыми простыми линиями китайские живописцы создали произведения высокого художественного совершенства. Такое мастерство неотделимо от техники владения кистью, совершенствующейся на протяжении многих веков.
Китайская тушь, применяемая для живописи и каллиграфии, по качеству во многом превосходит европейскую тушь. В Китае всегда используют плитки первосортной туши, с черным лаковым блеском. Растирая плитки с водой до густой или жидкой консистенции, получают тушь, с помощью которой художники создают большое разнообразие тонов. С европейской тушью такого художественного эффекта достигать невозможно.
В Китае тушь сама по себе является ценным произведением искусства. В древности литераторы и живописцы предпочитали пользоваться брусочками туши изящной формы с изысканными узорами. Великие мастера древней живописи зачастую собственноручно наносили тушью контуры рисунка, а накладывать цвета поручали своим ученикам. Есть картины, выполненные только тушью и водой, например, работы известного живописца конца XVII в. Бада Шаньжэня (Чжу Да), который в совершенстве владел эффектом, создаваемым тушью и водой. Он писал тушью, но, меняя ее наслоение, заражал зрителя своим восприятием изображаемого, создавая одноцветную оттеночную живопись. За тысячелетия китайская живопись выработала свой лаконичный художественный язык.
В китайской живописи растения символически изображают четыре времени года, а луна или свеча — глубокую ночь. В ней очень редко изображают конкретное время суток, ясность или пасмурность погоды. Такого рода язык символов, лишенный предметной реальности, близок и понятен истинному ценителю китайского искусства.
Иногда изображенное на картине конкретное время суток определяется стихотворной строчкой, усиливающей ассоциацию зрителя. Например, нарисовав нежный цветок мэйхуа (цветок сливы), художник сбоку наносит кистью стихотворную строчку: «Легкий аромат расплывается в бледном свете луны». Конкретное время передается содержанием картины с изображением и стихотворной строчкой.
Китайская живопись — это такой вид искусства, который невозможен без своего рода «соучастия» автора и зрителя. Картина настоящего художника пробуждает в зрителе множество мыслей и чувств.
В китайской живописи существует два стиля письма, широко распространенных в Китае и взаимно дополняющих друг друга: гунби и сеи.
Для картин в стиле «гунби» («тщательная кисть») характерно наличие тщательно выписанных контурных линий, обрисовывающих предметы и детали, на картинах такого стиля можно сосчитать волоски в бороде у старца. Иногда этот стиль так и называют «стилем четких линий». Сделав абрис, художник закрашивает рисунок минеральными красками. Такие краски весьма долговечны и создают яркий колер, картины в стиле «гунби» выглядят очень декоративно. Именно в стиле «гунби» работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцов императора и знати.
В отличие от картин «гунби» в картинах, написанных в стиле «сеи» («передача идеи»), как правило, отсутствуют четкие контурные линии, картины написаны непосредственно нанесением тушью «фактуры» изображаемого предмета. Художник больше заботится о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей. Стиль «сеи» называют также стилем «грубой кисти». Художники этого стиля нередко прибегали к таким приемам, как обобщение, гиперболизация, ассоциация. Именно в стиле «сеи» работали художники, писавшие экспромтом, по наитию, под влиянием сиюминутного настроения. Картины в стиле «сеи» трудно поддаются копированию и имитированию. В большинстве случаев художники «сеи» писали тушью в черно-бело-серых тонах, благодаря чему их картины выглядят не столь пышно, как выглядят картины в стиле «гунби», но зато им присущи скрытая экспрессия и неподдельная искренность. В более зрелый период китайской живописи картины в стиле «сеи» заняли доминирующее положение.
На раннем этапе китайской живописи (до 12-го века) почти безраздельно господствовал стиль «гунби», на среднем и позднем этапах стал преобладать стиль «сеи». Стиль «гунби» был обязательным для профессиональных художников (художников, писавших по заказу и живших за счет своего труда), тогда как стиль «сеи» оказался предпочтительным у художников-интеллектуалов. Разумеется, было немало художников, которые применяли приемы «гунби» и «сеи», их картины занимают как бы промежуточное место между указанными стилями.
В традиционной китайской живописи установились определенные жанры:
Для китайской живописи также характерен крайне изящный язык образов. Часто изображая что-либо, китайский художник закладывает в рисунок определённый подтекст. Некоторые образы встречаются особо часто, например четыре благородных растения: орхидея, бамбук, хризантема, слива мэй хуа. Кроме этого каждое из этих растений соотносится с определённым качеством характера. Орхидея нежна и утончена, ассоциируется с нежностью ранней весны. Бамбук — символ непреклонного характера, настоящего мужа высоких моральных качеств (Сюн Цзы). Хризантема — прекрасна, целомудренна и скромна, воплощение торжества осени. Цветущая дикая слива мэй-хуа ассоциируется с чистотой помыслов и стойкостью к невзгодам судьбы. В растительных сюжетах встречается и другая символика: так, рисуя цветок лотоса, художник рассказывает о человеке, который сохранил чистоту помыслов и мудрость, живя в потоке бытовых проблем.
Некоторые художники искусны в пейзаже «горы и воды», но профаны в портрете или живописи «цветов и птиц». Иные, специализируясь на портретах или в жанре «цветов и птиц», уже не берутся за другое. Более того, есть художники, которые, работая в жанре «цветов и птиц», предпочитают изображать только цветок мэйхуа или бамбук. Такого рода «специализацию» редко встретишь в традиционной европейской живописи, хотя они и подразделяется на портрет, пейзаж, натюрморт и другие жанры.
«Специализация» эта хороша тем, что позволяет художнику глубже проникнуть в сущность изображаемого предмета и достигнуть большего совершенства в его передаче. Так, например, знаменитый художник XVIII в. Чжэн Баньцяо всю жизнь рисовал лишь бамбук, орхидеи и камни. В последнее время наблюдается значительный рост интереса к такой своеобразной разновидности изобразительного языка, как китайская живопись пальцем, при которой также используется тушь.
Чжитоухуа (сокр. чжихуа) — живопись пальцем (вариант — чжимо — «тушь пальцем») — разновидность китайской традиционной живописи, построенная на последовательной и системной замене обычной волосяной кисти пальцем (пальцами) художника. Техника живописи пальцем, предполагая строгое следование общим для традиционной живописи канонам письма, строится на последовательной и системной работе подушечкой пальца, ногтем и краем ладони. Главную нагрузку несет, как правило, указательный палец, активно участвуют большой и мизинец, используются и другие пальцы. Контурные линии, точки пишутся ногтем, плоскости — подушечкой. Тонкие детали исполняются обычно ногтем мизинца, широкие мазки — подушечкой большого пальца, причем в последнем случае возможно участие 2-3 пальцев, так, например, применение «тушевого расплеска» требует работы одновременно безымянным, средним и большим пальцами. Нередко используется край ладони и тыльная сторона пальца. Работа пальцем порою сочетается с работой кистью (как, например, раскраска у мастера чжитоухуа Гао Ципэя). Хотя упоминание о живописи пальцем встречается в теории и практике уже в VII—VIII вв. (см. трактат Чжан Яньюаня «Лидай мин хуа цзи», 847 г.), утверждение ее как самостоятельной, устойчивой разновидности живописи происходит в конце XVII—начале XVIII в. и связывается с творчеством Гао Ципэя (1672—1734).
Развитие живописи тушью в китайских детских иллюстрированных книгах: традиция и современность
Монохромная живопись тушью — традиционный вид китайской живописи, обладающий богатой историей и культурной значимостью для современного искусства и проектирования. В контексте дизайна детской иллюстрированной книги монохромная живопись тушью считается одним из самых ярких проявлений так называемого «национального стиля» и культурным символом художественного творчества в целом. С ХХ века в истории живописи Китая начинается новый этап, характеризующийся радикальными изменениями: накопление значительного теоретического и практического опыта приводит к формированию новой идеологии изобразительного искусства. Термин «монохромная живопись тушью» закрепляется в сфере эстетики и культуры Китая. Благодаря исключительной художественной выразительности именно китайская живопись ХХ века до сих пор оказывает непосредственное влияние на стиль и методологию проектирования иллюстрированных детских изданий. В данной статье представлен композиционный анализ изобразительной манеры исполнения выдающихся художников разных периодов, работающих в жанре монохромной живописи тушью. Также изучены актуальные вопросы применения монохромной живописи в оформлении детских иллюстрированных книг, проведен исторический анализ характерных методов создания художественной выразительности, значимых для развития книжного дизайна в будущем.
Ключевые слова: монохромная живопись тушью, техника монохромной живописи, композиция, традиционные детские иллюстрированные книги
«Кисть и тушь актуальны в любое время», — утверждает художник Ши Тао. Межкультурная интеграция китайского и западного художественного языка является ключевым аспектом для понимания феномена революции в китайском искусстве ХХ века. Безусловно, определенный общественно-исторический контекст неизбежно влияет на развитие искусства. Так, в связи с необходимостью, продиктованной социально-культурной ситуацией в стране и новыми потребностями рынка в данный период произошли значительные перемены во всех видах искусства. Вследствие этого 80-е и 90-е годы ХХ столетия стали временем стремительного развития художественного творчества. Политика реформ и открытости привела к появлению новых тенденций развития китайской живописи; вместе с комплексным развитием экономики, искусства, науки и технологий происходит популяризация локальной культуры, актуальной для современного общества. Жанр монохромной живописи считается носителем национальной эстетики, философии Китая, реализующейся как на идейно-образном уровне, так и в выборе средств художественной выразительности. Следует отметить, что все разнообразие китайской живописи проявляется не только в детской иллюстрированной книге ХХ века, но и во всем современном мире искусства. Именно сейчас в жанре монохромной живописи представлены ценные работы многих известных художников, отличающихся новаторским подходом, индивидуальным стилем исполнения.
В национальной культуре, как правило, отражается жизнь народа, его обычаи и убеждения. Так, культурное наследие Китая является средоточием его художественных традиций и одновременно источником формирования принципиально новых видов искусств. Например, история происхождения китайской иероглифической письменности восходит к пиктограмме. Иероглифическое письмо и рисунок неразделимы, поэтому принято говорить, что «у китайской каллиграфии и живописи один источник». Иероглиф состоит из своеобразных графических ключей, черт — схожим образом и китайская живопись начинается с обозначения базовых линий рисунка. В целом, структура иероглифа в китайской каллиграфии обладает универсальностью применения и определенной спецификой. Реализация смыслового значения происходит при помощи графически выразительной формы. Структурный принцип, заимствованный из каллиграфии, лежит в основе китайской живописи и вдохновляет художников на создание композиционных и стилистических вариаций в книжном оформлении. Экспрессивная форма, ритм, непрерывность линии и гармоничное соединение элементов в иероглифическом письме становятся средствами создания выразительности в графическом и шрифтовом оформлении традиционных иллюстрированных книг для детей. Таким образом, через ретроспективный анализ обнаруживается преемственность монохромной живописи тушью и композиционных форм, используемых в традиционных иллюстрированных детских книгах по отношению к иероглифическому письму Китая. В связи с вышесказанным необходимо сделать вывод о том, что эстетическое обоснование законов композиции определяется практическим и теоретическим опытом познания людьми различных явлений: чувственное и рациональное восприятие мира приводит к пониманию композиционной гармонии [6, с. 85].
Национальный стиль живописи: В традиционной китайской живописи особое внимание уделяется навыкам владения кистью: с древних времен и до наших дней художники Китая совершенствовались в этом умении, изобретая уникальные методы работы с кистью. Например, мастер каллиграфии и живописи Хуан Биньхун предложил систему «пять видов кисти, семь видов туши», основанную на взаимосвязи разных способов рисования кистью и формы получаемого пятна, а также специфических приемов живописи тушью. Кисть, согласно Хуан Биньхун, может быть «ровная, круглая, медленная, тяжелая и изменчивая». Вследствие сочетания разных пропорций и использования комбинированных техник существуют разные формы линий, проводимых кистью: толстые, тонкие, прямые и изогнутые, легкие и т. д. Благодаря эстетическим свойствам линий рисунок становится «живым», создается выразительный образ. Под «семью видами туши» подразумеваются приемы китайской живописи: «густая тушь, прозрачная тушь, изломанная тушь, насыщенная тушь, брызги тушью, высветленная тушь, двойная тушь». Таким образом, живопись, основанная на использовании только кисти и туши, позволяет художникам Китая создавать, лаконичные и подробные, детализированные объемные изображения [6, с.85].
Следует отметить, что метод линейного заполнения является наиболее предпочтительным в иллюстрировании детской книги. Необходимо рассмотреть один из первоначальных приемов рисования. Так называемая техника «обозначения контуров эскиза» или «обрисовки» заключалась в обратной последовательности написания черт вопреки преобладающим тенденциям: на первом этапе создания рисунка посредством приема «густой туши» изображали контур предмета, затем по внешним очертаниям проводили кистью, при этом запрещалось использовать чрезмерно интенсивное наложение линий или оставлять между ними просветы. Такие просветы назывались «инеем». На ранних стадиях развития живописи в Китае были популярны две противоположные по способу наложения краски техники: «мо гу» и «дянь до» (в переводе с китайского «прямой цвет» и «цветовые оттенки») Продолжительный период следования традициям обеспечил относительную стабильность в развитии рисунка и живописи: повсеместно распространялись универсальные приемы и изобразительные техники, оказавшие впоследствии значительное влияние на китайское и зарубежное искусство графики. Принято полагать, что обозначенный выше метод «обрисовки» способствует лучшему изображению вещей и явлений, выявлению их основополагающих признаков, вследствие чего «обрисовка» часто используется в иллюстрациях к детским книгам. Данный метод является популярным среди многих художников, поскольку соответствует особенностям детского эстетического восприятия и способности идентифицировать изображаемый объект.
Таким способом в книге Цзян Чэнань, «Панда приходит в гости» (Китайский детский издательский дом, 1979 г.) (см. Рис.1) рисунки получились более «живыми», а наложение цвета — мягким, поскольку наряду с техникой тонких линий был задействован прием уменьшения насыщенности цвета, при котором тушь или краска наносится максимально аккуратным, ровным слоем. В данном случае, несмотря на то, что сложный традиционный процесс заполнения цветом был нарушен, результат полностью соответствует старинной технике «тонкого письма», то есть, одновременного использования сильных и слабых мазков кистью. Следует отметить, что все объекты в иллюстрациях изображены достоверно, с соблюдением мельчайших деталей. Такая техника тщательного, точного рисунка является наиболее затратной по времени. Специалист, работающий в данной технике, не может рассчитывать на быстрый результат, поэтому сейчас под воздействием ускоренного темпа жизни и повышенной информативности среды подобный метод в иллюстрациях не пользуется большим спросом. Но, возможно, в условиях более стабильного развития детской иллюстрированной книги художники будут чаще и эффективнее использовать технику точного рисунка.
Рис. 1. Страница китайской детской иллюстрированной книги «Панда приходит в гости»
В иллюстрациях к книге Чэнь Цюцaо «Головастики ищут маму» (Китайский детский издательский дом, 1979 г.) (см. Рис.2) использовалась традиционная техника «и би дянь до» (в переводе с китайского «цветовые оттенки свободной кисти»). Это простой в исполнении, но выразительный ход, где кисть и тушь работают как одно целое. Чтобы графически выделить главную мысль, художник стремится отразить в изображаемой форме только основный смысл и визуализирует его через прием гиперболизации, отбрасывая все лишнее. Кроме того, в книге Чэнь Цюцaо применяется и традиционная «точечная техника», эстетический смысл которой формулируется следующим образом: «малым числом побеждать большое». Черты животных по возможности смягчены для получения «точечного» результата в контуре, изображение построено на контрасте между контурными линиями и пятном, плоскостью, заполняемой цветом. Динамика формы и цвета линий позволяет создать «живые», выразительные образы животных. Следует подчеркнуть, что в данной технике проявляется свободный характер китайской живописи.
Рис. 2. Обложка китайской детской иллюстрированной книги «Головастики ищут маму»
Другим примером использования вышеуказанной техники являются иллюстрации к книге «Милое дитя» (Китайский детский издательский дом, 1979 год издания) (см. Рис.3). Свободные, легкие линии здесь символизируют светлые чувства, радость, непринужденность. Форма, созданная при помощи тщательно отрисованных художником точек, линий и пятен не только соотносится с техникой «се и» (в переводе с китайского «живопись идей»), но и сочетает в себе элементы фольклорного искусства: используется тот же прием, что и в традиционном изображении новогодних лубочных картинок «няньхуа» и глиняных кукол. Так, используя целый ряд приемов и выразительных средств, художник создал свой уникальный изобразительный язык. При более детальном изучении можно отметить, что все иллюстрации выполнены в технике «се и», а пластичные линии, передающие характер движения, узоры, цвет, и детали этнических костюмов выполнены лаконично, но, в то же время, емко и выразительно.
Рис. 3. Обложка китайской детской иллюстрированной книги «Милое дитя»
Традиционная китайская монохромная живопись послужила основой и для иллюстраций к книге Ян Юнцина «Козленок и тигренок» (см. Рис. 4) (Китайский детский издательский дом, 1979 год издания). Уникальный подход художника заключается в эффективном комбинировании разных изобразительных техник: техника «се и» гармонично сочетается с приемом постепенного заполнения цветом линий разной толщины; равновесие в композиции достигается за счет создания особой легкости, ритма, баланса линий и пятен, а также техники «дянь до», задействованной в изображении травы. Графические средства отличаются не меньшем разнообразием: динамичные линии варьируемой толщины (тонкие, легкие, и более плотные, «тяжелые») помогают создать «живой» образ, через ритм подчеркивается движение в композиции, ярко выражен контраст линий, текстур. Художник использует прием «персонификации» (иначе — «олицетворения», «одушевления») для того, чтобы передать характер и отличительные черты животных, при этом туловище обозначено условно, а голова — более иллюстративно и подробно. Так, образ приобретает некоторую карикатурность и вызывает у детей больше интереса, чем реалистичная иллюстрация. Кроме того, благодаря графически выразительным переходам светотени проявляется текстура, а формы животных становятся более объемными. Следует отметить и эффектный прием разграничения заднего и переднего плана в композиции: книге несколько раз встречается изображение животного (козленка и тигренка) на луге условной, геометической формы, за счет такого контраста усиливается выразительность фигуры персонажа, происходит разделение главного и второстепенного.
Рис. 4. Обложка китайской детской иллюстрированной книги «Козленок и тигренок»
В книгах Лян Пэйлуна «День игр» и «Идти по дороге» (Издательство «Новый век», 2010 г.) (см. Рис. 5 и 6) художник использует прозрачное наложение туши, градации оттенков и текстуры, а также специфическую технику под названием «бьющий фонтан», где варьируется величина и степень цветовой насыщенности линий, благодаря чему создается чрезвычайно убедительная визуальная иллюзия: вся картина как будто выплывает из тумана.
Рис. 5. Страница китайской детской иллюстрированной книги «День игр»
В целом, эстетика китайской монохромной живописи основана на философских концепциях внешней и внутренней гармонии, естественной красоты. Градации цветовых оттенков, вариативное наложение краски (прозрачное и плотное), интенсивность мазков кисти создают выразительные переходы от света к тени и объемные формы, пластика движения в образах людей и животных помогает передать живой характер изображаемого объекта, уравновешенность линий и пятен способствует гармонизации всей композиции. Художники Китая на протяжении веков бережно хранят традиции национального изобразительного искусства и стремятся сформировать свой индивидуальный творческий стиль на основе графических средств и техник китайской монохромной живописи.
Рис. 6. Страница китайской детской иллюстрированной книги «Идти по дороге»
Композиция в национальной живописи:
В монохромной живописи тушью специалисты часто используют для композиционных эскизов образы китайских иероглифов, таких, как «чжи», «коy», «тянь», «жи», «ю», «хуэй», «гун», «чуань» «ши» и некоторых латинских букв, например, Х, L, T, V, C и т. д. В соответствии со структурной таблицей иероглифов считается возможным располагать в пространстве основные геометрические формы для построения композиции по направлению сверху вниз и слева направо. Кроме того, допускается использовать перестановку композиционных элементов, что позволяет формировать новые комбинации и вносит разнообразие в общепринятую классификацию и структуру [7, с. 92].
Главный закон композиции в китайской живописи основан на создании контрастов по степени близости и отдаленности объекта, организации композиционного пространства (свободного и заполненного), разграничении важного и второстепенного в изображении и применении других контрастов. С точки зрения философии, данный закон отражает диалектические связи между реалиями материального мира и подчеркивает эстетическую ценность гармонии, единства содержания и формы. Но по причине появления новых требований и тенденций, диктуемых обществом в определенный исторический период и невозможности реализации мыслеформы в полной степени, художники сталкиваются с проблемой усовершенствования композиции и поиска новых композиционных приемов. Кроме того, создание гармоничной и формально выразительной композиции при помощи ритма, контраста, баланса и других графических средств также остается актуальным вопросом художественного проектирования. Например, композиция книги «Головастики ищут маму» создана на основе единой четкой структуры: текст находится слева, а иллюстрация — справа и наоборот (справа текст и слева иллюстрация). В какой-то степени данная схема считается консервативной: она уже не является новаторской и не может вызвать интерес современных читателей к книге. Более эффективный подход был реализован в книге «Милое дитя»: традиционное построение композиции по направлению слева направо было усовершенствовано благодаря созданию визуальной связи между верхними и нижними полями страниц. Таким образом, через сознательное нарушение структуры ритм и контраст стали более выразительными, композиция приобрела не статичный, как в предыдущем примере, а динамичный и экспрессивный характер. Волнообразный ритм передается от страницы к странице, но при этом композиционное содержание иллюстраций несколько изолированно, нет графической связи с фоном страниц, что препятствует визуальному движению в пространстве книги.
Книги «Козленок и тигренок» и «Панда приходит в гости» приведены автором как пример более удачной организации книжного пространства. Здесь общепризнанные законы создания структуры книги были полностью нарушены, и композиция выгодно преобразилась: эффективное чередование динамики и статики в ритме обеспечило яркий и выразительный, живой образ. В книгах «День игры» и «Идти по дороге» динамичное восприятие оформления начинается с первой страницы: обозначена прямая визуальная связь между страницами, и, несмотря на то, что разметка страниц строго унифицирована, качественные изменения в пропорциях композиционных элементов и неоднородные колебания в ритме оживляют визуальное повествование. При детальном рассмотрении иллюстраций можно заметить повторяющиеся композиционные элементы на разных страницах книги, изучить преимущества и недостатки книги, связанные с такими визуальными повторами.
Следует подчеркнуть, что в иллюстрациях, стилизованных под монохромную живопись, часто используется специфическая рассеянная перспектива как прием, обеспечивающий художнику большую свободу выражения и помогающий разнообразить методы формального выражения содержания книги. Ключевой особенностью таких иллюстраций является то, что их можно воспринимать по-разному с близкого и дальнего расстояния: вблизи лучше воспринимаются отдельные фрагменты изображения, прочитывается визуальный сюжет; для того, чтобы получить общее представление о композиции, читателю рекомендуется изучить иллюстрацию с дальнего расстояния. Таким образом, благодаря визуальной коммуникации, процесс чтения становится более активным. читатель вступает в своеобразный диалог с книгой, осмысливая ее содержание разными способами. Создание подобных визуальных коммуникаций в дизайне иллюстрированной книги является необходимым условием для удовлетворения потребностей современного читателя.
В заключение необходимо отметить, что художники не только сохранили традиционные изобразительные техники, используемые в оформлении детской иллюстрированной книги, но проявили свой индивидуальный стиль, используя определенный художественный прием или их комбинацию. Безусловно, китайская монохромная живопись тушью является уникальным творческим ресурсом для специалистов современного книжного дизайна и в перспективе развития детской книги. Жанр монохромной живописи, применяемый в книжном оформлении способствует сохранению и усовершенствованию традиционных изобразительных техник таким способом, чтобы книга соответствовала эстетическим и духовным потребностям современного общества. В настоящее время наиболее актуальным становится вопрос о синтезе традиционного и современного искусства, интеграции классических и новаторских методов в процессе гармонизации визуальной среды. Для эффективной реализации данной задачи недостаточно изучить основные приемы и эстетические особенности традиционных техник, здесь необходим и личный вклад специалиста, его художественное видение и активное вмешательство, реконструкция и адаптация уже существующего подхода — только так абстрактное идейное содержание может обрести образную визуальную форму воплощения. Сейчас происходит активное развитие дизайна детской иллюстрированной книги в этническом стиле, поэтому жанр монохромной живописи тушью, являющийся носителем национальной эстетики, должен стать предметом особого внимания художников и дизайнеров. В проектировании книги недопустимо только формальное использование этнических элементов: такой подход снижает художественную ценность и книги, и национального колорита в целом. Напротив, необходимым условием проектирования в данной сфере является понимание системы, исторических закономерностей, и сознательное использование культурных элементов и традиционных техник в современном дизайне детских иллюстрированных изданий, сохранение единства и гармонии в идейном содержании и графическом оформлении книги. Интеграция эстетических ценностей, фундаментальных основ традиционного искусства и новаторских подходов в сферу книжного оформления составляет залог успешного развития дизайна детской иллюстрированной книги в соответствии с самыми высокими мировыми стандартами.
Литература:
Ду Ся. Замереть в ожидании, пока распускается цветок — Перспективы развития и создание оригинальных иллюстрированных книг в новое время // Научные труды Тяньцзиньского педагогического университета (Издательство общественных наук). 2015(3), С. 27–31.
Коу Юаньсюнь. Проявление эстетического начала в китайской монохроматической живописи. — Издательство университета Юйнань, 2006. 209 с.
Линь Ян. Издание авторских иллюстрированных книг // Друзья изобразительного искусства, 2009(5), С. 8–9.
Ли Вэньчжу. Вслушиваясь в звучание туши, обсуждение книги «Возвращение цветов лотоса» // Друзья изобразительного искусства, 2009(4), С. 28–29.
У Шань. Большой словарь китайского прикладного искусства. — Цзянсу: Издательство литературы по искусству, 1999. 1513 с.
Цзян Цзинь. Пространство: разбор композиции в китайской живописи. 1983. С.84–86.
Чжай Мо. Теория живописи Хуан Биньхуна. 1999, 197 с.
Основные термины(генерируются автоматически): монохромная живопись, китайская живопись, детская иллюстрированная книга, китайская детская иллюстрированная книга, книга, техник, художник, иллюстрация, Китайский детский издательский дом, композиция.
Художник Синкевич о восточной технике в живописи
31 мая в Санкт-Петербурге в Выставочном центре Союза художников открывается Первая международная выставка «Портрет кошки». В рамках выставки будет представлена большая и очень разнообразная экспозиция предметов искусства – классического и прикладного – самых разных видов, техник и стилей. Посетителям представят живопись, скульптуру, графику, фотографию, мозаику, витражи, авторские ювелирные украшения, игрушки и многое другое. Здесь будет выставлено более 1000 авторских работ. Организаторы называют мероприятие выставкой-фестивалем, ведь помимо экспозиции «кошачьих» произведений, обещают проведение концертов, выступления музыкантов, мастер-классы и тематических лекций.
В рамках подготовки к международному событию, посвященному одному из символов Петербурга – кошкам, городской портал Visit-Petersburg предлагает серию интервью с основными художниками, которые искусно представят четырехногих в своих произведениях уже в конце месяца.
Сегодня нам удалось пообщаться с одним из самых неординарных участником проекта – Вячеславом Синкевичем. Художник работает в традиционной китайской и японской живописях, путешествует, вдохновляется Востоком и обучает овладению китайской техникой с нуля.
— Вячеслав, чем обуславливается выбор китайского стиля и каллиграфии в Ваших работах?
Я, как художник вырос на китайской живописи. Как и когда возникла любовь к этому виду искусства для меня самого загадка.
— Что для Вас китайская живопись? Внутреннее отражение мира и состояния или же что-то большее?
Скорее всего внутреннее отражение моего мира. Долгие годы меня ничто так не интересовало и не захватывало, как живопись, поэзия и музыка Японии и Китая. И сейчас, чтобы уловить творческий поток при работе обязательно включаю фоном традиционную китайскую музыку.
— Вы работаете в традиционной китайской технике го хуа, а с другими стилями Вам удавалось сталкиваться? Утверждают, что Вы знакомы с японскими мотивами. Как соотносятся эти направления в Вашем творчестве?
Я люблю работать, как в китайской технике гохуа, так и в японской суми-е (живопись тушью), все зависит от настроения и внутреннего состояния на момент работы с произведением. В своем творчестве эти виды живописи я давно синтезировал, привнеся свое видение в эстетику дальневосточной живописи. Пропуская через призму своего восприятия восточную живопись, из под моей кисти рождаются необычные произведения. Может быть, несколько европеизированные, тем не менее, более приемлемые для нашего глаза.
— Если углубляться в жанровую технику полностью, то помимо выбора стиля, даже материалы должны быть исконно китайские – от рисовой бумаги, картона, туши, темперы и акварели, до рамок и знаменитого на весь мир китайского шелка. Используете ли Вы «родные» инструменты в работе?
Инструменты и материалы, используемые мной только «родные». Качество и зрительный эффект от картины во многом зависит от натуральности материалов. Китайские производители используют исконно свои, многолетним путем проверенные пигменты. Именно они придают неповторимый яркий колорит восточным работам. Китайские кисти из шерсти козы, волка, барсука совсем отличаются от наших отечественных. Необходимо только один раз попробовать, чтобы понять разницу.
В китайской живописи нет понятия линейной перспективы, в ней используются законы рассеянной перспективы. Предметы, расположенные ближе к зрителю рисуются более темными, те, что расположены дальше – светлее. Источник света и тени от предметов в китайской живописи не так взаимосвязаны друг с другом, как в европейской, светотеневые законы интерпретируются иначе.
— Что касается использования китайского шелка и росписей на нем – где он больше применим в Ваших произведениях?
Шелк используется как для пейзажной живописи, так и для жанра «цветы и птицы». Он приятен в работе и на мой взгляд, интереснее и благороднее смотрится в интерьере. Шелк часто применяется мной для изготовления ширм, вееров и настенных панно. Декоративный китайский шелк используется для оформления художественных работ.
— Вы также используете живопись в интерьере. Какой самый нестандартный или необычный объект Вам удалось оформить?
За долгие годы работы в этом направление мне посчастливилось оформлять разные объекты. Интересен был загородный дом под Петербургом, квартира в Москве, квартира в центре Санкт-Петербурга. Заказчики, как правило — фанаты востока, желающие иметь у себя в жилище китайские или японские комнаты, включая мебель, панно, потолочные плафоны, изделия декоративно прикладного искусства и так далее.
— Китайская живопись имеет две ипостаси: так называемая «ицзин», то есть передача замысла, и «бимо», то есть само применение туши и кисти. Что для Вас «ицзин»? Как человеку незнакомому с восточной техникой прочитать замысел автора?
Замысел или идея произведения у восточного и европейского художника – абсолютно разные понятия, ввиду различия менталитетов. Соответственно, эмоциональный отклик у китайского и европейского зрителя от одной и той же художественной работы, тоже разные. Каждый видит свое. Что восхищает европейца в восточных картинах, может оставить равнодушным китайца и наоборот. Зачастую, тот же замысел может считываться на уровне — нравится произведение или нет. Для более глубоких философских рассуждений на эту тему можно посвятить отдельную статью. Что касается владения материалами и инструментами для живописи – это первостепенно. Понятие единой черты «и хуа» и передачи замысла«и цзин» — это не что иное, как ощущение творческого потока во время создания работы. Это то состояние, которое испытываю все творцы разных видов искусства, иначе настоящие творчество невозможно. «Избегай духа ремесленничества» — гласит китайская мудрость; сказано именно об этом. В творческом потоке создаются настоящие шедевры.
-Работали ли Вы непосредственно с мастерами из Китая? Может кто-то повлиял на ваше искусство больше всего? Есть ли у Вас «учитель», глядя на произведения которого Вы поистине вдохновляетесь?
У китайских художников мне удалось почерпнуть знание и умение в мастерстве владения кистью еще в юности. Это были художник Хань Ло ди и Юань Гуан дун, показавшие приемы владения кистью. Я узнал секреты владения кистью и тушью, что называется из первых рук, и далее совершенствовал технику самостоятельно, вырабатывая свой стиль.
— Вы проводите мастер-классы по китайской живописи. Удалось ли уже воспитать достойных приемников?
Мастер-классы проводятся периодически. Постоянно проходят курсы китайской живописи под моим руководством, на которых занимающиеся практикуют всего два часа в неделю. Конечно же этого мало. Я всегда работал с кистью целые дни напролет и сейчас не бросаю, только так можно достичь каких-то высот в любом виде искусства. Довольными могу быть одним — двумя из постоянно занимающихся, которые хотят серьезно изучить этот вид живописи.
Традционные «четыре сокровища кабинета ученого мужа» — это тушь, кисть, тушечница и бумага
— Сопровождаемые Вашим картинам поэтические строки Вы пишите сами или уже на готовую «музыку» восточных авторов накладываете свои штрихи?
Подпись на картине это серьезно для восточного художника. Это то, что раскрывает ее замысел в полной мере и целиком гармонирует с ее изображением. Иногда автор ставит подпись или просто печать. Есть популярные или ключевые подписи, которые подходят ко многим работам. Конечно же, я беру поэтические строки для комментариев к своим работам у китайских или японских поэтов. Создать уникальную надпись к картине — это отдельный вид искусства и он по силе только представителям дальневосточной культуры.
-Известно, что на произведениях Вы, как мастер, ставите авторскую печать. Что она обозначает? Расскажите, для чего это делается и как часто подобный ход используют авторы подобного жанра?
Резьба печатей на камне это уникальный вид искусства применение печати в конце подписи это не ход, это – традиция. Так уж повелось издавна бумага белая, тушь черная, печать киноварная. Это цветовая визитная карточка восточной живописи и каллиграфии. Тексты печатей традиционно вырезаются в старинном графическом стиле и содержат, как правило, мудрые изречения, философские идиомы и т. д. Подпись с печатью неотъемлемая часть композиционного решения в восточной картине.
— Пейзажи, природа, животные, птицы – что Вы любите изображать больше всего?
Зависит от настроения или темы заказа. Интересный заказ может послужить активным творческим толчком. Если посещает вдохновение, мне без разницы будет изображен пейзаж или цветы, или пейзаж с цветами.
— На международной выставке «Портрет кошки» Вы станете одним из основных участников экспозиции. Что увидит посетитель от Вас? Сколько «кошачьих» картин будет экспонироваться?
Хочу представить зрителям порядка пяти работ, выполненных в традиционно японской технике тушью на рисовой бумаге. Кошка на Востоке всегда была символом гармонии и домашнего уюта. Надеюсь, зрители почувствуют тепло и позитивную энергию исходящую от моих работ.
как поэтапно рисовать в традиционном китайском стиле и его техника для начинающих, примеры картин и их названия
Китайская живопись появилась в глубокой древности, и дата ее возникновения, благодаря новым археологическим находкам, отодвигается все дальше вглубь веков.
Китайская живопись гохуа с точки зрения европейца довольно необычна и даже загадочна. Она разительно отличается от европейской живописи.
Стили китайской живописи
Гу Кайчжи. Наставница поучает придворных дам
Причем это различие присутствует буквально во всем, в материалах, технике исполнения и в инструментах.
Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. Если мы привыкли рассматривать картины европейских мастеров, то работы китайских мастеров надо читать и понимать. Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки. В Китае любой художник это каллиграф, а любой каллиграф это художник.
И там, и там используется одинаковый линейный способ письма, одинаковые материалы и инструменты: кисть, мягкая пористая бумага из бамбукового или конопляного волокна, тушь и минеральные и растительные краски типа акварели.
Рыбак. Китай, ок. 1350. Тушь, бумага. Художник – У Чжэнь (1280–1354). Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Отличительные черты китайской живописи от европейской это то, что здесь не используются объемы, формы, перспектива в привычном для нас понимании, игра теней, не соблюдение пропорций, да и цвета здесь не такие выразительные.
Традиционная китайская живопись это в основном монохром и рисунки создаются с помощью линейного рисунка. Еще одно важное отличие китайской живописи от европейской это то, что китайские мастера все свои картины пишут без предварительных эскизов.
Старые деревья, ровная даль. Китай, ок. 1080. Художник – Го Си (ок. 1020–1090). Тушь, цветные краски, шелк. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени.
Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.
Лошадь «Молния в ночи». Фрагмент. Китай, ок. 750. Тушь, бумага. Длина живописного поля – 34 см, ширина – 30.8 см. Приписывается художнику Хань Гану (ок. 706–783). Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Мастера живописи в Китае используют кисти разных размеров, от очень тонких, до очень толстых. Штрих может быть легким, как осенний лист, или мощным, как тигр.
Для китайской живописи характерно лаконичность, ясная композиция, а также выразительные и ритмичные контуры и конечно же плоскостное исполнение без светотеней.
Ещё одной необычной особенностью является пометка картин печатью мастера, которая заменяет личную подпись.
Творения замечательных китайских художников зачастую содержат в себе глубокую философскую концепцию.
Китайский художник и теоретик живописи V века Се Хэ в своем трактате «Заметки о категориях старинной живописи» («Гухуа пиньлу») сформулировал шесть законов живописи, шесть основных художественных принципов, которые должны принять к сведению мастера.Так вот первый принцип это «одухотворенный ритм живого движения». То есть, прежде всего, важно передать сущность увиденного, а не внешнее сходство.
Изысканное собрание в абрикосовом саду. Фрагмент. Китай, ок. 1437. Художник – Се Хуань (1377–1452). Музей Метрополитен, Нью-Йорк
Жанры в китайской живописи это, прежде всего пейзаж (горы и водоемы), а так же изображение цветов и птиц, портрет и анималистический жанр.
Китайские художники стремились передать сущность предметов. Поэтому им были чужды натурализм, стремление к внешнему сходству. Они старались передать лирическое переживание, настроение, возникающее от общения с природой, призывая слиться с ней, постигнуть ее тайны.
Зяблики и бамбук. Китай, XII в. Художник – император Хуэй-цзун (1082–1135). Тушь, цветные краски, шелк. Музей Метрополитен, Нью-Йорк
В традиционной китайской живописи существует два стиля это гунби и се-и.
Гунби
Гунби — «техника прилежной кисти», «техника тонкой кисти». В отличие от се-и техника гунби предполагает реалистичность и высокую детализацию предмета, прописывание мелких деталей.
Весеннее утро в Ханьском дворце. Фрагмент. XVI в. Художник – Цю Ин (ок. 1494–1552). Музей императорского дворца, Тайбэй
Именно в этом стиле работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцовых покоев императорских семей и знати. Скажем больше, художники, работавшие на службе у императора, просто обязаны были владеть стилем гунби.
Особенности присущие стилю гунби:
Детализация предмета, контурная техника
Усиление контраста путем послойного наложения цвета
Изысканное изображение предметов
Самые известные художники стиля гунби:
Ян Либянь (ок. 600-673) — известный художник династии Тан. Больше всего любил изображать сюжеты из даосских и буддистских притч.
Чжан Сюань (713-755) — теоретик и историк живописиЧжан Яньюань(IXв.) охарактеризовал его лишь одним предложением: «Чжан Сюань любил рисовать женщин и детей».При жизни не пользовался большой известностью. Но имя мастера часто упоминалось в позднейших дискуссиях о танской живописи
Чжоу Фан (ок. 730-800) — китайский художник периодаТан. Мастер ушёл далеко в своём стиле, посвятил своё искусство портретированию богатых и знатных людей.
Гу Хучжон (937-975)
Император Хуэй Чжун (1082-1135)
Тан Инь (1470-1524)
Цю Ин (1494-1552) — не был придворным художником, это самородок, который добился художественных достижений упорным трудом.
Чэнь Хуншоу (1598-1652) — поэт, художник, каллиграф. Его работы отличались экзотичностью, легкостью и свободным стилем.
Се-и
Стиль китайской живописи се-и (寫意) это передача идеи и чувств художника. Этот стиль предполагает свободную манеру письма. Здесь главное не внешнее сходство, а свое особое видение, душевное настроение мастера, сущность объекта. Именно здесь художник творит под влиянием сиюминутного настроения, по наитию. Копировать такие картины очень трудно, скорее не возможно.
В этом стиле нет четких линий, нет детализации. Стилю Се-и присущи широкие, свободные мазки широкой кистью. Недаром этот стиль называют «грубая кисть».
Картины писались тушью в черно-белых тонах и не выглядели так нарядно как произведения в стиле гунби, но зато они более искренни. В более позднем периоде китайской живописи преобладали произведения мастеров, работавших в стиле се-и.
Один из самых известных художников традиционной китайской живописи мастер Чжан Дацянь говорил, что се-и это передача духа предмета и его внутренней сущности.
Китайская живопись в настоящее время
В наши дни живопись гохуа значительно расширила свой диапазон и вышла за узкие рамки традиционных тематик, следуя новому времени. Современные мастера художественной кисти наполняют свои полотна, исполненные в стиле гохуа, новым смыслом, живым духом современности.
Колоссальные изменения в политической системе Китая в конце двадцатого столетия, привели грандиозным переменам и в культурной жизни. Новое поколение китайских художников, свободно мыслящих и критически смотрящих на вещи, создало новую китайскую живопись.
Благодаря смелым экспериментам с разными стилями, сблизились два мира искусств — Западный и Восточный. Китайская традиционная живопись является огромным вкладом в художественную культуру всего человечества.
Традиционная китайская живопись в России
Сравнительно недавно в России никто толком и не знал ничего о китайской живописи. Зато сейчас множество людей с увлечением занимаются этим видом искусства.
Живопись Гохуа подкупает своим «дружелюбием» к новичкам, своей простотой в освоении, своей необычностью и конечно своей таинственностью и загадочностью. Особенно легко освоение китайской живописи дается детям. Для них это очень интересный и увлекательный процесс.
Сегодня в нашей стране есть много замечательных, известных мастеров китайской живописи, которые прочно стоят на одной ступеньке с китайскими художниками.
Живопись Гохуа является важной частью культурного наследия Китая. Традиционная китайская живопись отличается от западного искусства особенностями техники выполнения рисунка. Изображение наносят не на привычный всем холст, а на специальную бумагу или шелк при помощи специальной китайской кисти.
Используются особые минеральные или растительные пигменты для создания краски. Популярно применение туши.
Происхождение
Гохуа означает «живопись нашей страны», термин появился в конце 19 века в противовес понятию «сиянхуа» — «заморская» или «западная» живопись. Существует еще два понятия «юхуа» и «шуймохуа»: первое понятие означает «масляная живопись», второе – «живопись тушью».
Второй термин часто применяют к стилю Гохуа. Для обозначения стиля применяют понятие «даньцин» — в переводе «живопись» или «рисование». Понятие Гохуа традиционно применяют для полотен, написанных до 1840 года – работы этого времени могут считаться примерами древней китайской живописи.
Сквозь века
Традиция национальных самобытных рисунков уходит корнями в период III-II веков до нашей эры. Достичь мастерства в искусстве Гохуа сложно – особенности стиля исключают вероятность ошибки.
Художники долго учатся и тренируются, чтобы овладеть необходимыми навыками. Перед началом работы художник должен хорошо представлять изображение, которое планируется отобразить. Исправить неудачные штрихи, как на полотне, невозможно. Работа ведется на одном дыхании, без перерывов, чтобы избежать ошибок.
Бумага вместо полотна
Для живописи Гохуа применяется специальная бумага Суан – она характеризуется специфической текстурой. Поверхность бумаги подходит для работы с китайской тушью, можно нанести штрихи разной интенсивности и длины.
Тематикой картин в стиле Гохуа является природа, а наиболее распространенные жанры – портрет, пейзаж. На картинах изображают рыб, птиц, креветок, насекомых. Для работ в стиле Гохуа характерны каноны стиля.
Не только живопись
Многие китайские художники не только специализируются на изобразительном искусстве, но и занимаются поэзией и каллиграфией. Стихотворения добавляют на полотно, вплетая в основной сюжет. Это главная отличительная особенность. Иероглифы и стихи, написанные автором картины, становятся его почерком, проявлением индивидуальности.
Стиль Гохуа – это переплетение каллиграфии, поэзии, живописи и особой техники передачи изображения.
История развития
Трудно сказать, как долго существует искусство живописи в Китае. Образцы посуды, датированные 5000-6000 лет, были окрашены в разные цвета, украшенные растительными узорами растений, изображениями животных и растений.
Рисунки на посуде и тканях демонстрировали бытовые сцены из жизни. Считается, что именно предметы быта являются первыми образцами развития китайской традиционной живописи.
Китай стал рабовладельческим государством около 2000 лет до н.э. Картины этого периода не дошли до нашего времени, но про уровень развития искусства говорят скульптурные изображения из бронзы. Внимание к подробностям и самобытность искусства были свойственный культуре Китая на протяжении нескольких тысяч лет развития.
В 1949 году в гробнице периода 475 – 221 г. до н.э. была найдена картина на шелке с изображениями человеческих фигур, животных, мифологических существ – драконов и фениксов. Самая ранняя работа по шелку из всех, обнаруженных в Китае, имеет 30 см в длину и 20 см в ширину.
Ранние картины на шелке в направлениях сеи и гунби дают понять, что древние китайцы были знакомы с искусством письма и живописи при помощи кисти и туши на шелке.
Для раннего этапа развития Гохуа характерно доминирование мифологических и религиозных сюжетов.
Картины на бумаге появились позже, чем на шелке, по той простой причине, что изобретение шелка предшествовало бумаге на многие сотни лет.
В 1964 году во время раскопок захоронения династии Цин, был найдет цветной рисунок на бумаге. Изображена вершина горы, солнце, луна и Большая Медведица и сюжеты природы.
Размеры картины: 106,5 см в длину и 47 см в ширину. Это единственная картина, написанная на бумаге, периода Цин. Это изображение считается репрезентативным для развития живописи в Китае.
Особенности живописи
Гохуа – это тонкое искусство написания картин при помощи глянцевой туши черного цвета. Тушь производится плитками, растирается водой для получения жидкости для рисования определенной консистенции. Используются водяные краски с цветными пигментами. Помимо шелка и бумаги, применяют пеньковую или хлопчатобумажную ткань.
Примерами культурных достижений в стиле Гохуа являются работы Ци Бай-ши, Пань Тянь-шоу, Ли Кэ-жаня. В период Нового и Новейшего времени Гохуа развивался двумя путями – традиционный, канонический стиль и смешение канонов китайского и европейского искусства. Тяготение к европейскому стилю выражается в появлении новых сюжетов – композиции на темы актуальных проблем.
Мазок
Картины представляют две основные категории: написанные свободным мазком и изображения с четким мазком. Первая категория «Сеи» характеризуется простыми и смелыми ходами, предназначенными для передачи основных особенностей объекта – формы, пропорций, цвета. Картины первой группы передают общие идеи и ценности.
Вторая группа «Гунби» тяготеет к передаче деталей, мелких подробностей в изображении. Для достижения целей художники используют различные техники работы с материалами. На протяжении многих лет развития стили сеи и гунби переплетались, появлялись родственные направления, подтипы.
Сеи
Детальная проработка изображений применяется для написания картин с архитектурными памятниками, историческими сценами, животными, портретами. Сеи используется для написания пейзажей. Картины отличаются вниманием к точности передачи линий – на них делается главный акцент в работах. Это кардинально отличает Гохуа от европейской живописи.
Контраст
Гохуа – это сочетание контрастных изображений: мокрое и сухое, маленькое и большое, статичное и динамичное, редкое и частое, темное и светлое, длинное и короткое. Многие художники имеют узкую специализацию: пионы, бамбук, орхидеи, лошади, рыбы. Живопись сеи узнаваема, благодаря особому почерку художника.
Пальцами
Картины Гохуа не всегда пишут кистью. Используется техника нанесения изображения пальцами. Линии выводят подушечкой пальца и ногтем – в зависимости от сюжета или формы, которые необходимо передать.
Для растушевки краска наносится двумя или тремя пальцами. Нередко используется тыльная сторона пальца или край ладони.
Значение
Гохуа – источник вдохновения для представителей современных стилей изобразительного искусства. В 1960-80-х годах сформировалось искусство авторской анимации – техника Гохуа имела особое значение в развитии направления.
На современном этапе развития искусства сеи и гунби, наблюдается повышение интереса к традиционной живописи Китая и стран Востока: проводятся тематические выставки, издаются специальные книги, работают школы, обучающие основам традиционного изобразительного искусства. Главная идея восточной живописи – поиск пути к познанию мира и себя, самовыражение. На современном уровне развития китайское искусство перешло на новый этап развития.
«Гохуа»: искусство традиционной китайской живописи
Гохуа — это традиционная китайская живопись. Природа учит человека понимать прекрасное. Эта истина является главной темой традиционной китайской живописи Гохуа.
Как утверждают историки, истоки китайской живописи восходят к узорам и изображениям людей и животных на расписной керамике неолита, отдаленного от нас на 5-6 тысячелетий.
Произведения китайских мастеров, созданные ими в различные эпохи, начиная с глубокой древности, являются драгоценным вкладом в мировое искусство.
Техника исполнения рисунка
С самого начала китайской живописи образы создавались посредством линейного рисунка. Это одна из отличительных черт китайской живописи по сравнению с европейской.
В западных традиционных картинах маслом, в акварелях можно совсем не заметить линию, как таковую. В китайской же живописи тушью, наоборот, редки произведения, творцы которых обходились без нее. Овладеть секретами живописи тушью совсем не так уж просто. Тут очень важно безупречное владение кистью.
Ведь каждый мазок кисти с тушью, ложась на пористую бумагу, должен быть безукоризненно точным, так как ни стереть, ни поправить его уже невозможно.
С глубокой древности китайцы рассматривали живопись в тесной связи с каллиграфией, считая, что у обоих видов творчества имеется общий источник. Поэтому китайские художники (это прежде всего относится к художникам-интеллектуалам) вполне естественно вносили в свои картины элементы каллиграфии.
Они сопровождали картину стихотворной надписью, выполненной в каллиграфическом стиле, в которой выражали свой душевный настрой либо свое отношение к предмету изображения. Стихотворная надпись призвана дополнить образное содержание картины, сделать все произведение гармоничным.
Выдающийся древнекитайский живописец и литератор Су Ши (1036-1101) выступал за то, чтобы «в стихах была образность живописи, а в живописи присутствовала поэзия». Этот девиз очень хорошо выразил идею органического единства поэзии и живописи, достичь которого стремились поколения китайских художников.
Кроме того, согласно китайской традиции художник ставил на картине свою печать (непременно красного цвета), удостоверяющую личность автора.
В целом картина должна стать органическим единством поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства (последнее проявляется в оттиске с печати).
Аллегоричность рисунка
За тысячелетия китайская живопись выработала свой лаконичный художественный язык. В китайской живописи растения символически изображают четыре времени года, а луна или свеча — глубокую ночь.
В ней очень редко изображают конкретное время суток, ясность или пасмурность погоды. Такого рода язык символов, лишенный предметной реальности, близок и понятен истинному ценителю китайского искусства.
Например, нарисовав нежный цветок мэйхуа (цветок сливы), художник сбоку наносит кистью стихотворную строчку: «Легкий аромат расплывается в бледном свете луны».
Конкретное время передается содержанием картины с изображением и стихотворной строчкой.
Что касается композиционного построения, то тут важным отличием китайской живописи от живописи западной является непременное наличие на китайских картинах «пустых», незаполненных участков полотна.
Эти пустые участки могут маскироваться под виды белесого облака, окутавшего гору, или туман над водной гладью, или отблеск солнечного или лунного света, а могут быть просто пустым местом, оставляя простор для зрительской фантазии.
Китайские картины — это такой вид искусства, который невозможен без своего рода «соучастия» автора и зрителя. Картина настоящего художника пробуждает в зрителе множество мыслей и чувств.
Взять хотя бы картину с изображением бамбука с качающимся под ветром стволом и трепещущими листьями, выполненным линиями густой и бледной тушью.
Сбоку приписана строка: «Свежеет ветер, выявляя несгибаемость бамбука». В строке говорится о бамбуке, который, полный непокорной жизненной силы, гордо стоит на ветру.
Но ведь в китайской литературе бамбук — воплощение образа благородного и прямого человека. Таким образом, на китайских картинах бамбук — это не просто растение, а символ человеческого характера. Изображая бамбук, художник воспевает благородного мужа чистых и высоких устремлений.
Там, далеко от нас, восточней и южнее
Летит как будто снег цвет сливы Мэйхуа
И шёлком стелет он китайские аллеи
Так посреди зимы рождается весна…
Цветок сливы мэйхуа раскрывается в самую суровую зимнюю стужу, и его чистый аромат опьяняет человека. Поэты очеловечили мэйхуа, уподобив его гордой личности кристальной чистоты. Так растение стало воплощением человеческого характера.
Не страшен холод и стройному бамбуку, гордо уходящему ввысь, и старой могучей сосне.
Стоит прибавить к ним хризантему, и картина будет называться — «Четверо совершенных». Все эти картины символизируют чистых благородных людей, чья дружба и взаимная поддержка прошли все испытания.
В отличии от весенних цветов, гибких и очаровательных, хризантема символизирует «позднее благоухание» — почтенную зрелость, уход от мира в возвышенное одиночество («отшельник, льющий поздний аромат»).
При этом хризантема остается «гордой в инее» — цветущей и не боящейся морозов. Её называют: прекрасной, скромной, целомудренной — воплощением торжества осени. А вот пион, например, в китайской живописи олицетворяет человеческую красоту, а также богатство и почести; сорока воспринимается как символ счастливой вести.
Два цветка лотоса на одном стебле и селезень с уткой — воплощение верных и неразлучных супругов. И таких примеров можно привести сколько угодно. При этом каллиграфия и надпись на картине придают этой аллегории еще большую поэтичность и выразительность.
Китайские художники любят прибегать к такого рода иносказаниям, отождествляя с образами идеального воображаемого мира явления человеческой жизни. Вот почему трудно постичь китайскую живопись тому, кто не понимает этой ее особенности.
Жанры и стили китайской живописи
Пейзаж — жанр «шаньшуй» — «горы и воды».
В китайских пейзажах горы считались олицетворением мужского светлого начала ян, а воды — женского тёмного начала инь, из сочетания которых, по древним представлениям , возникает вселенная.
Особое положение пейзажного жанра объясняется в частности широким распространением в Китае концепции о единстве человека и природы. Согласно этой концепции между человеком и Вселенной не существует неодолимых преград.
Человеческие качества: благородство, одаренность и т.п. способны «тронуть» природу. А человек неизменно мечтает быть поближе к горам, лесу и водоемам и желает слиться с природой. Художник, создавая пейзажное произведение, стремится передать свое тяготение к природе и в то же время вызвать ассоциации у зрителя.
Жанр «хуаняо» — «цветов и птиц» — фауна/флора.
Для этого жанра характерны темы трав, бамбука, камней, а также зверей, птиц, насекомых и пр.
«Вглядываясь в совершенные формы растений, передавай их истинную сущность. Через внешнее сходство воспроизведи их дух. Достижение этого зависит от руки, от совершенства штриха. Поистине невозможно это выразить в словах — тайна этого лежит в сердце» («Слово о живописи из сада с горчичное зерно»)
Что касается изображаемых растений, то художники отдавали предпочтение сливовому дереву (особенно в сезон цветения), орхидее, бамбуку, хризантеме, считая эти растения олицетворением благородных качеств человека.
И портрет — жанр «жэньу» — «люди».
Древнекитайский теоретик искусства Гу Кайчжи (348-409) выдвинул требование «передавать» в портрете внутренний мир пейзажа», заботиться как о внешнем сходстве, так и о воплощении характера и душевного состояния объекта.
Последующие поколения художников остались верными этой концепции. Уже на ранней стадии развития китайской живописи мастерство портретного жанра достигло высокого уровня.
Тут уместна параллель с западной живописью, где имеются портретный жанр, пейзажный жанр и натюрморт. В китайской живописи существует два основных традиционных стиля письма: гунби и се-и.
Гунби присуща тонкая и подробная графическая манера письма с тщательным накладыванием краски и прописыванием мелких деталей; на картинах такого стиля можно сосчитать волоски в бороде у старца.
Се-и (буквально се — «писать», и — «значение» или «идея») — свободная манера письма широкой кистью. Художники этого стиля стремятся передать не внешнее сходство предмета, а его сущность, в чем и заключается главная цель мастера.
Разновидностью стиля се-и является стиль «шуймо» (буквально шуй — «вода» и мо — «тушь»). В шуймо для написания картины используется только черная тушь в различных концентрациях.
Разумеется, было немало художников, которые применяли приемы и «гунби», и «сe-и», их картины занимают как бы промежуточное место между указанными стилями. Эти два стиля уже издавна широко распространены в Китае и взаимно дополняют друг друга.
В китайской живописи, в отличие от европейской, существует особый вид картин — картины-свитки. Они свертываются на палочке в рулон и хранятся в специальных футлярах. В нужный момент эти картины вывешиваются на стену.
Такие картины пишутся на китайской традиционной бумаге специфическими красками из растительного и минерального сырья и тушью. А потому они могут храниться свыше тысячи лет, сохраняя свою первозданную свежесть, что позволяет и в наши дни любоваться ими.
Конечно, возникновение такого вида картин преследовало свою цель, а не только удобство их хранения. Оно связано с возникновением и развитием главного художественного направления в китайской живописи — вэньжэньхуа («живопись ученых»).
Мастера вэньжэньхуа не стремились расписывать дворцы и храмы. Их картины-свитки вывешивались в кабинетах и предназначались для обозрения друзей-литераторов, ученых и служивого сословия.
Вэньжэньхуа отличалась от живописи как народных, так и дворцовых художников. Ее зачинателем считается Гу Кайчжи. Он был не только прославленным художником, но ученым и поэтом. Конечно, простые народные живописцы не могли достигнуть такого уровня.
Художники «вэньжэньхуа», как правило, имели прекрасную подготовку в области литературы и каллиграфии. Таковы, например, Су Дунпо (1037-1101 гг.), Ни Юньлинь (1306-1374 гг.), Дун Цичан (1555-1636) и др., чьи картины неизменно украшались стихотворными строчками или надписями.
Изящество иероглифов и поэзия стиха не только дополняли и подчеркивали основное содержание и идею картины, но и в сочетании друг с другом придавали ей особую красоту и законченность.
Стиль вэньжэньхуа с его слитыми воедино поэзией, каллиграфией и живописью обладает яркой отличительной особенностью китайской живописи и популярен и по сей день.
Таков путь развития китайской живописи. Её создавали народные живописцы и умельцы, а представители интеллигенции и служивого сословия, унаследовав это искусство, подняли его на новую высоту.
Китайская Живопись – история, традиции, стили, мастера живописи
Китайскую живопись также называют традиционной китайской живописью. Традиционная китайская живопись восходит к периоду неолита, около восьми тысяч лет назад. Найденная на раскопках цветная керамика с нарисованными животными, рыбой, оленями, и лягушками показывает, что в период неолита китайцы уже начали использовать кисти для рисования.
Живопись Китая – важная часть традиционной китайской культуры и бесценное сокровище китайской нации, она имеет долгую историю и славные традиции в области мировых искусств.
Особенности Китайской Живописи
Китайская живопись и китайская каллиграфия тесно связаны, потому что в обоих видах искусства используются линии. Китайцы превратили простые линии в высоко развитые формы искусства. Линиями рисуют не только контуры, но и для того, чтобы выразить концепцию художника и его чувства. Для различных предметов и целей используются разные линий.
Они могут быть прямыми или изогнутыми, твердыми или мягкими, толстыми или тонкими, бледными или темными, и краска может быть сухим или текущей. Использование линий и штрихов является одним из элементов, которые наделяют китайскую живопись своими уникальными качествами.
Традиционная китайская живопись представляет собой сочетание в одной картине несколько искусств – поэзии, каллиграфии, живописи, гравировки и печати. В древние времена большинство художников были поэтами и мастерами каллиграфии.
Для китайцев “Живопись в поэзии и поэзия в живописи” была одним из критериев прекрасных произведений искусства. Надписи и оттиски печатей помогали объяснить идеи художника и его настроения, а также добавить декоративной красоты в живопись Китая.
В живописи Древнего Китая художники часто изображали сосны, бамбук и сливы. Когда к таким рисункам были сделаны надписи – “примерное поведение и благородство характера”, то растениям этим приписывались качества людей и они были призваны воплощать их. Все китайские искусства – поэзия, каллиграфия, живопись, гравюра и печать – дополняют и обогащают друг друга.
Стили китайской живописи
По средствам художественной выразительности, традиционную китайскую живопись можно разделить на сложный стиль живописи, либеральный стиль живописи , и сложно-либеральный.
Сложный стиль – картина нарисована и окрашена аккуратно и упорядоченно, в сложном стиле живописи используется чрезвычайно изысканная манера письма для написания объектов.
Для сравнения, в либеральном стиле живописи используется свободное написание и краткие штрихи, чтобы описать внешний вид и дух объектов, и выразить ощущения художника. Рисуя в либеральном стиле живописи, художник обязан поставить кисть точно на бумагу, и каждый его удар должен быть искусным, чтобы суметь выразить дух картины.
Сложно-либеральный стиль живописи представляет собой сочетание двух предыдущих стилей.
Мастера Китайской Живописи
Ци Байши (1863–1957) является одним из самых известных китайских художников современности. Он был универсальным художником, он писал стихи, занимался резьбой по камню, был каллиграфом, а также занимался живописью.
В течение долгих лет практики, Ци нашел свой особый, личный стиль. Он был в состоянии изобразить одну и ту же тему в любом стиле. Его работы отличаются тем, что на одной картине н мог сочетать несколько стилей и методов написания.
Китайская живопись. Что необходимо?
Живопись Китая отличается от западной живописи необходимыми материалами для рисования. Живописцы Китая для написания картины используют: кисть, палочку для туши, рисовую бумагу и чернильный камень – все это необходимо в живописи Китая.
Рисовая бумага (Xuan paper) – необходимый материал для китайской живописи, поскольку она имеет красивую текстуру, чтобы кисть с чернилами свободно передвигалась по ней, благодаря чему мазки колеблются от тени к свету.
Однако, есть и фанаты написания картин на фарфоре, тарелках и блюдах, на них вы также можете найти красивый рисунки, когда будете совершать покупки ранках или сможете увидеть их в некоторых специальных ресторанах. Кроме того, китайские рисунки иногда выполняют на шелке и даже на стенах многих древних гробниц.
Сочетание поэзии, каллиграфии и печати в китайской живописи
Китайская живопись показывает идеальный союз поэзии, каллиграфии, живописи и печати. Как правило, многие китайские художники являются также поэтами и каллиграфами.
Они часто добавляют стихотворение на свою картину и штампы различных печатей после ее завершения. Сочетания четырех этих искусств в живописи Китая делает картины более совершеннее и красивее, и истинный ценитель получит от созерцания китайской живописи эстетическое удовольствие.
Жанры Китайской Живописи
В живописи Китая выделяются следующие жанры – пейзаж (“горы-воды”), портретный жанр (существует несколько категорий), изображение птиц, насекомых и растений (“цветы-птицы”) и анималистический жанр. Также следует добавить, что в традиционной живописи Китая очень популярны такие символы как птица феникс и дракон.
Китайская Живопись – Гохуа
Живопись Гохуа – традиционная живопись Китая. В живописи Гохуа используется тушь и водяные краски, написание картины происходит на бумаге или шелке. Гохуа близко по духу к каллиграфии. Для нанесения красок используют кисти, сделанные из бамбука и шерсти домашних либо диких животных (кроличьей, козьей, беличьей, оленьей и т. д.)
Китайская живопись У-Син
У-Син – это система 5 первоэлементов – дерево, огонь, земля, вода и металл. Всё мировоззрение Древнего Китая основано на этой системе. В живописи каждому элементу соответствуют 5 мазков, с их помощью художник пишет свои картины. В живописи У-Син художнику необходимо передать суть предмета, но не форму.
У-Син – это одна из самых эффективных техник обучения рисованию. Это возможность каждому научиться рисовать с нуля. Происходит освобождение от шаблонного восприятия мира, появляется креативное видение Человек, который начинает заниматься данным искусством, истинно наслаждается осознанием своих внутренних возможностей.
Урок Китайской Живописи
Желающие, попробовать себя в китайской живописи, могут воспользоваться следующим уроком. Попробуйте нарисовать этого забавного цыпленка, быть может в вас скрыт талант, о котором вы до сих пор не подозревали.
Совет. Перед установкой кисти на бумаге, художник должен представить себе желаемый объект в уме, опираясь на свое воображение и личный опыт, как только он начинает рисовать, он, как правило, должен завершить работу на одном дыхании, без возможности каких-либо поправок неверных штрихов.
Четыре особенности, два стиля и главные цветы китайской живописи
Китайская живопись — отдельная вселенная в мире искусства. Со своей особой историей, традициями, законами, «звездами» и изобразительными техниками.
Изучать ее и совершенствоваться в ней можно всю жизнь. Однако любой путь начинается с первых шагов. Предлагаем их сделать сейчас вместе с нами — начать знакомство с китайской живописью.
В чем главные особенности традиционной китайской живописи? Какими принципами должен руководствоваться мастер, если хочет создать совершенное живописное произведение? Наконец, какие четыре цветка начинающий художник должен нарисовать в первую очередь?
Разобраться в основах нам поможет Светлана Плакасова — художник направления Се-И, автор специального онлайн-курса по китайской живописи в нашей школе.
Конечно же, одной публикации не хватит, чтобы погрузиться в теорию китайской живописи полностью. Поэтому я не буду пытаться объять необъятное, а постараюсь «прорисовать» самые значимые и интересные моменты. Постараюсь, чтобы вы прочувствовали самобытность этого вида искусства.
Традиционная китайская живопись — это больше, чем просто изображения на рисовой бумаге. В ней слиты воедино философско-культурная, социальная, религиозная, этические функции, философия бытия.
Несмотря на то, что сюжеты произведений максимально реалистичны, китайские живописцы традиционных школ не пишут пейзажи, предметы или явления. Они живописуют дух и суть, саму природу вещей.
Минимальные средства при максимальной выразительности, глубокий символизм и в то же время сюжетная доступность, соотношение религиозного и светского — вот отличительные черты живописных произведений традиционных китайских мастеров.
А главные особенности живописного произведения — это гармония энергий Инь и Ян, символизм и духовный смысл рисунка, связь с каллиграфией и доминирующее положение изысканной линии.
Гармония Инь и Ян в китайской живописи реализуется самым непосредственным образом, при написании картины тушью на рисовой бумаге. Линии и штрихи, пятна и размывка — все эти приёмы читаются как та или иная энергия.
Сухой штрих с эффектом непрокрашенности, как бы с естественными пробелами, оставляемыми движущейся кистью, так называемый парящий или летящий белый — это Ян. Влажная, широкая линия — Инь.
Секрет шедевра в том, что таких разнообразных штрихов и пятен должно быть столько, чтобы все вместе они создавали гармонию.
Сухая чёрная тушь, влажная светло-серая, влажная чёрная, сухая светло-серая… Их вариативность и сочетание, объединенное с линией и рождает гармонию изображения.
Помимо этого, природа ИньЯн выражается и в строении самого объекта изображения. Например, цветущая слива Мэй (мэйхуа). Её толстый старый ствол или ветка — Инь, а молодые, направленные вверх побеги — Ян. Но об этом цветке поговорим отдельно чуть позже.
В разные времена на разных этапах развития китайской живописи, в разных школах и традициях на первый план выдвигалась то бытовая повествовательная живопись, то пейзаж, то живопись цветов и птиц, то портрет.
Интересно то, что в китайской живописи отсутствует натюрморт, по крайней мере, в привычном для нас понимании. Неподвижные предметы с точки зрения китайцев оторваны от действительности и мертвы. В картине обязательно должна присутствовать динамика жизни и времени.
Если художник изображал камни или фрукты, то рядом с камнем всегда присутствовало растение, причем фрукты всегда изображаются на ветке.
Художественный образ в китайской живописи практически не содержит преходящих, случайных деталей, читается лишь в контексте определённой культурной традиции.
Это не значит, что китайскую живопись нельзя воспринимать непосредственно. Просто в одном и том же живописном образе житель Поднебесной и европеец увидят разное. О работах китайских мастеров говорят, что их нужно уметь «читать».
Неразрывно связаны между собой два главных направления в искусстве Китая — живопись и каллиграфия. В Китае их даже называют «родными сестрами».
Каллиграфия и написание иероглифов — это целое искусство, которое не перестает развиваться на протяжении уже многих столетий. Каждый живописец Китая — это каллиграф, а каллиграф — самый настоящий живописец.
Каллиграфия — один из значимых элементов восточной живописи. Нередко каллиграфический иероглиф, отображенный на картине, интерпретирует смысл всего изображения.
По убеждению художников Поднебесной, совершенное произведение изобразительного искусства — это связанные между собой элементы: живопись, каллиграфия, поэзия и печатная резьба (печать художника).
В живописной работе часто каллиграфией прописываются строки стихов. А личная печать художника — квадрат или другая геометрическая форма с вписанными в него иероглифами красного или белого цвета — становится полноправным участником общей композиции.
Линия в китайской живописи не служит границей формы, она сама является формой. Художникам, воспитанным в европейской графической и живописной традиции, это сложно понять.
В европейской живописи для создания объёма и форм используют светотень, сочетание светлых и темных пятнен в границе формы или предмета, обозначенных линией. В китайской живописи передача целостной формы происходит с помощью единой линии.
Такая линия — воплощённая протяжённая непрерывная и динамичная живописная линия-форма. Она содержит в себе и сотканную тушью зримую, и незримую в окружающем пространстве часть образа. Постижение техники китайской живописи начинается с написания четырех благородных цветков.
Следуя наставлениям древних, которые собраны в трактате «Слово о Живописи из сада с горчичное зерно», начинающий мастер должен нарисовать цветущую ветку сливы мэйхуа, бамбук, хризантему и орхидею.
Причудливо изогнутая ветка, покрытая нежными розовыми, белыми, желтыми цветами. В живописи мэйхуа скрыт и глубокий философский смысл, и поэтическая интерпретация явлений, и национальная этическая символика, и космогония. Каждый штрих, направление ветвей, количество лепестков и тычинок — все не просто так, а рассказывает о сотворении мира и о месте в нем человека.
На толстой старой ветке почки, бутоны — тоже сочетание ИньЯн. Бутоны — это ещё неразделённые Небо и Земля, тычинки ещё невидимы, но их основа уже существует внутри них.
Один из древних мастеров так пишет о мэйхуа: «Тайна живописи мэйхуа заключается, прежде всего в подробном обдумывании замысла, потом уже рука должна двигаться без колебаний, словно вдохновленная неким безумием».
В китайской живописи это символ крепости духа, стойкости, долголетия, верности, непреклонного характера, человека высоких моральных принципов, сыновней почтительности, преданности. Бамбук может согнуться под натиском ветра, но не сломаться.
Это живописный символ отшельничества и духа уединения. Она прекрасна, скромна и целомудренна, «гордая в инее», воплощение торжества осени.
Созерцание хризантемы окрыляет сердце человека, радует даосское сердце поэта, она — воплощение простоты Дао, круглая. подобно луне, она символ ближайшего друга поэта, вдохновляющее творческое начало
Цветки орхидеи изящны и просты. Они источают едва уловимый тонкий аромат. Орхидея растет в горных долинах, вдали от всех других цветов. Для древних китайцев орхидея была символом скромного достойного человека, который не будет выставлять себя на показ.
Олицетворяет весну, честь, чистоту помыслов, благородство. Также символизирует женское начало и красоту. В китайской живописи выделяют два основных живописных стиля: гунби и се-и. В переводе с китайского означает «тщательная кисть». Работы этого направления отличаются тщательной детальной проработкой рисунка.
Стиль сформировался раньше остальных и считается академическим. В этой технике часто изображают фигурные композиции, храмы и повествовательные сюжеты. Живопись идеи, не подразумевающая проработки деталей. Я работаю в этом стиле.
Штрих работ может быть легким, как осенний лист, или мощным, как тигр. Это передача идеи и чувств художника. Здесь главное не внешнее сходство, а свое особое видение, душевное настроение мастера, сущность объекта.
Именно здесь художник творит под влиянием сиюминутного настроения, по наитию. Копировать такие картины очень трудно, скорее невозможно, их пишут без предварительных эскизов. Один из самых известных художников традиционной китайской живописи XX века мастер Чжан Дацянь говорил, что се-и это передача духа предмета и его внутренней сущности.
Источник: https://kalachevaschool.ru/blog/344598
Гохуа – секреты искусства китайской живописи
Место проведения: Сити Класс / м. / уточняется
Китайская живопись уникальна не только особым способом письма, но и всеми её составляющими. Это специальная бумага, китайская кисть, особые краски и тушь, а также «другое» отношением к пространству, символике и духу. Её особенность состоит в передаче идеи через форму, технику и энергетику «ци». Древние строгие правила, каноны и предписания китайские художники передают из поколения в поколение, сохраняя это искусство. В тоже время, каждое последующее поколение вносит что-то новое. Неизменным остаются только «четыре сокровища кабинета» — тушь, кисть, тушечница и бумага.
Начиная с середины 19-го века, искусство Японии, Индии и Китая стало активно проникать в европейские страны и Америку, оказывая свое влияние на живопись, театр, музыку, философские мировоззрения, даже на кулинарию, моду – на все сферы человеческой деятельности. И сейчас этот процесс взаимного проникновения и обогащения культур различных стран продолжается.
Китайскую живопись можно разгадывать как ребусы, поскольку в ней заложен некий код, в основе которого – философия единства противоположностей «инь» и «ян» и символика.
Нашей целью является показать технику китайской живописи и связать эту живопись с мышлением. Этой особенной техникой легко овладеть даже тем, кто не держал кисть в руках со школы и думает, что они с художественной точки зрения «совершенно бездарны».
Вы увидите, что за короткий срок сможете рисовать прекрасные работы. Это будет приносить Вам удовольствие и радость, а именно это и является нашим желанием.
Если Вы будете рисовать, Вы отключитесь от Ваших ежедневных проблем и забот и будете внутренне свободны. Если Вы вскоре увидите, что из Ваших рук выходит нечто прекрасное, то возьметесь за новую работу. Вы найдете то, что Вам поможет познать лучше самого себя.
Уже с детства каждый китаец помнит одно: все является частью вселенной, и он сам есть маленькая частичка большого.
Итак, мы попытаемся достичь ясной формы не через подручные средства, а через внутренний покой, уверенность и упражнения. При этом также важно, прежде чем взять кисточку в руки, представлять точно, что хочешь рисовать.
Не имеет смысла начинать картину, излучающую радость и жизнь, в подавленном настроении. Внутреннее состояние будет проявляться на картине, и нарисованное будет казаться неоконченным. Также мало смысла в том, чтобы много вещей распределять по картине и вместо одного уверенного штриха рисовать огромное множество хлипких.
Практические упражнения и различные темы не только ознакомят Вас с основами живописи – написать памятный иероглиф по Вашему желанию, сделать индивидуальную поздравительную открытку, написать картину, оформить интерьер, вырезать печать, сделать картину в форме веера – все это, и многое другое – возможно.
Занятия каллиграфией вырабатывают в человеке такие черты, как умение сосредоточиться, усидчивость, зрительную память, установку на достижение результата, в ней есть что-то от традиционных физических практик Востока, где весьма важным фактором является движение и управление энергией «ци» в работе и творчестве.
Упражнения в китайской живописи привлекательны тем, что картина пишется всегда за один сеанс, на одном дыхании, спонтанно, по памяти или используя воображение.
Умение владеть кистью, знание свойств бумаги и туши, передача своего вдохновения картине, ценность которой в простоте, лаконичности, изысканности линий, гармоничном сочетании цветов – это радостный и творческий процесс.
Регистрация на курс по телефону +7-495-517-61-91
Постоянная ссылка на этот мастер-класс:
http://www.cityclass.ru/mishukov_chileeva_gohua/
16+
………………
Символизм облаков в китайской живописи
Из «Книги прозрений» / Сост. В.В. Малявин.
— М.: Наталис, 1997
Облака, туманы, дымки — альфа и омега китайского созерцания. Первичная материя, первичный феномен, предел всякою видения. Неосуществимое желание — увидеть мир растворенным в звездной пыли первовещества, возвратиться к первозданной аморфности Хаоса, к жизни прежде всех жизней.
Древний поэт Ли Бо в стихах, написанных на расставание с другом, но обозначающих собственный «экзистенциальный» выбор, говорит в заключительных строках:
Ухожу — и не спрашивай больше, куда. Белые облака плывут и плывут без конца…
Облака, вводя нас в мир Хаоса, делают нас причастными сокровенной преемственности всего сущего. Стена оборачивается бездной. В ускользающих клубах дымки-ваты сквозят иные миры. «Плывущие облака» — аллегория жизненного пути и, прежде всего, несказанной легкости просветленного духа. Плывущие облака — это вереница свершений земного бытия. Мудрый человек «с утра наблюдает формы облаков и так выправляет себя». И еще облака — прообраз череды сновидений, побуждающих нас пробудиться, прообраз великой естественности сознания, сумевшего освободиться от всего частного и бренного, до конца «опустошить себя». «Смотри, как проходят облака сквозь гору, не встречая преград, — так постигнешь секрет погружения в пустоту» (Хун Цзычэн. ХVII в.).
Если видеть в классической живописи Китая зрительный слепок медитативно-просветленного видения (а живопись в Китае наделялась именно таким статусом), то мы, несомненно, откроем в картинах старых китайских мастеров все эти «экзистенциальные» качества облачной стихии. Полезно помнить о них. Иначе зачем рисовать? Начать с того, что само выражение «облака и дымка» издревле было в Китае синонимом понятия живописи. Сказать о человеке, что он искусно писал облачную дымку, означало сказать, что он был превосходным художником. Полупрозрачная вуаль облаков одновременно скрывает и выявляет формы — скрывает наглядное и обнажает сокрытое, скрадывая действительное расстояние между предметами, преображая физический мир в мир волшебства и сказки, где далекое становится близким, а близкое — недоступным, где все возможно и непостижимо.
Облачная дымка пленяет, околдовывает и будит человеческое сердце. Она — вестница запредельной простоты жизни. Эта воздушная дымка в конце концов освобождает себя от всех свойств. Она не присутствует и не отсутствует, она всегда и повсюду — только фон, cреда, пустота. Не темная и не светлая, не имеющая формы и не бесформенная. Она опосредует крайности и скрадывает различия. Так она направляет взор — прежде всего внутренний взор — к Срединному Пути всего сущего. Так внушает она главное качество реальности Великого Пути — целомудренную пресность, ненарочитую простоту. А впрочем, это «пресно-безвкусное» бытие, эта разлитая всюду «серость» ничуть не сводится к унылой монотонности. Она зияет неисчерпаемой полнотой жизни, всеми ее нюансами — бесконечно разными, до неуловимости тонкими. Поистине, в этой «серости» — бездна творческих превращений мира. Возможно, что секрет привлекательности тумана или облачной дымки для китайского мастера как раз и заключался в том, что монохромная, тоновая живопись тушью позволяла с помощью невероятно тонких градаций тона внушить, символически обозначить все разнообразие цветовой гаммы природы, указать на присутствие внутреннего, недоступного созерцанию, но безошибочно угадываемого интуицией изобилия жизни.
Писать символическую реальность — значит «писать туман». Но для художника, пользующегося кистью и тушью, такое утверждение — вовсе не метафора. Разве не похожа тушь, растекающаяся струйками и каплями на бумаге и спонтанно творящая самые неожиданные, самые причудливые формы, на вечно меняющиеся облака, привольно плывущие и рассеивающиеся в бескрайнем просторе небес? Сходство здесь ничуть не придуманное, а уже прямо физическое. Китайский живописец — не наблюдатель, а творец туманов. С туманами небесной бездны кочует его сердце. Брызги его туши смешиваются с испарениями космических бездн. Все обнимая и все смешивая воедино, невесомая воздушная дымка одновременно все выявляет и разграничивает. И, наверное, совсем не случайно на китайских пейзажах именно облака ставят границы отдельным планам картины, или, как говорили китайские живописцы, «верхней», «средней» и «нижней» перспективе. Таково, так сказать, инструментальное использование облаков в китайском пейзаже. Но и оно свидетельствует о главном назначении всё и вся поглощающей, все уравновешивающей дымке: побуждать к открытию беспредельности в границе опыта, искать средоточие жизни в предельной рассеянности формы.
Если видеть в культуре способ взаимного преобразования внутреннего опыта сердца и языка внешних, предметных образов мира, то не будет преувеличением сказать, что облачная стихия представляет собой фундаментальнейшую культурную метафору. В неисповедимых формах этой первоматерии, в технике ее живописного изображения, в многообразии ее символизма заключены истоки культурных традиций. Кто размышлял над свойствами воздушной дымки, должен изображать ее как раз там, где ее нет. Туман обманывает наше зрение, приближая далекое и отдаляя близкое. В конечном счете он скрывает сам себя, преображаясь в нечто себе противоположное, тяжеловесное, массивное, твердое — в гору. «В камне — корень облаков», — говорили китайцы. В облачной стихии — фантасмы неподатливости горных толщ. На картине Фо Жочжэня (XVII в.) «Горы в тумане» облака и горные склоны сливаются воедино, и одно совершенно естественно переходит в другое. По китайским представлениям облака есть не что иное, как дыхание (и, стало быть, душа) гор, так что в легком кружеве туманов выходит наружу внутреннее естество камня.
«Весенние облака — как белые журавли; они парят высоко и привольно. Летние облака — как могучие пики; они отливают свинцом, нависают всей тяжестью и непрестанно меняют облик. Осенние облака — как рябь на глади вод; они разбегаются тонкой паутинкой и светятся небесной лазурью. Зимние облака,— словно размывы туши и своей толстой вуалью покрывают все небо. .. Облака, туманы, дымки и испарения выявляют на картине небесный простор и могучие горы, высокие пики и отдаленные деревья. Кто научится их рисовать, сумеет изобразить утонченный исток всех вещей» (Хань Чуньцюань, ХII в.)
При использовании данных материалов в других информационных источниках ссылка на сайт Гидрометцентра России meteoinfo.ru обязательна.
китайских современных чернил; художников, которых вы должны знать
Руководитель отдела продаж китайской живописи Christie’s Кармен Шек Черне знакомит с художниками, которые переписали правила классической традиции, иногда тонко, а часто резко
Живущий в Тайбэе художник Лю Го-Сун широко известен как один из предшественников современного движения туши. Используя яркие цвета и новые техники, он произвел революцию в пейзажной живописи в то время, когда многие из его современников использовали только тушь и рисовую бумагу, чтобы отразить классические традиции.
Лю Го-Сун (р.1932 г.) Крыша Мира. Серия № 5 , 2013 г. Свиток, смонтированный и обрамленный, бумага, тушь, цвет. 37.2 x 62¼ дюйма (94,2 x 158,2 см). Смета: 1 600 000–22 200 000 гонконгских долларов. Предлагается в продаже с использованием китайских современных чернил 25 ноября 2019 года на Christie’s в Гонконге,
«Художник впервые посетил Тибет в 1980-х годах, а летом 2000 года он отправился в путешествие к базовому лагерю Эвереста. Это привело к прорыву в его изображении заснеженных гор », — объясняет Кармен Шек Черне, глава отдела продаж китайской живописи в Гонконге.
Лю Го-Сун начал создавать свою серию «Тибетская сюита» с экспериментальным использованием материалов. «Этот процесс включает в себя отслаивание нитей волокна от специально созданной текстурированной бумаги, чтобы очертить горы белым цветом», — говорит наш специалист. «Посредством многократного рисования, складывания и отслаивания бумаги Лю создает атмосферные« портреты »заснеженных гор, топография которых показана через пересекающиеся белые линии на темном, обширном фоне тибетского неба.’
Хотя Лю Дань изучал конфуцианскую классику и каллиграфию в раннем возрасте, а затем посещал Институт традиционной китайской живописи Цзянсу, где он учился у художника Я Мина, только после переезда в Соединенные Штаты в 1981 году он начал связывать свое искусство с классическая китайская живопись. Именно там он нашел новые возможности для изучения музейных собраний классической живописи. В США он также проявил интерес к средиземноморской древности, а также к истории средневековой и ренессансной Европы.
Лю Дань (р.1953), Scholar’s Rock , 2012. Свиток в оправе и рамке, бумага, тушь. 14 x 72 дюйма (99,8 x 183 см). Смета: 3 500 000–4 500 000 гонконгских долларов. Предлагается в продаже с использованием китайских современных чернил 25 ноября 2019 года на Christie’s в Гонконге,
Тщательно прорисованный с чувством гиперреализма, Scholar’s Rock Лю Дана представляет собой большой портрет из камня с неровными пиками и впадинами и сопровождающей каллиграфией.
«Тонкий и кропотливый рисунок художника на скале и его замысловатых слоях чернил, отражающих как свет, так и тьму, перекликается с рисунками европейских художников эпохи Возрождения и старых мастеров», — говорит Черн. «Результатом является изображение, верное китайским и европейским традициям, но при этом совершенно новое и современное».
В 1982 году Ли Хуай переехал из Китая в Сан-Франциско и поступил в Академию художеств Университета, где познакомился с европейским искусством.
«Его экспериментальные замысловатые пейзажи сочетают в себе новые и старые европейские стили, а также по духу напоминают монументальные картины Северной песни», — говорит Черн. «С тех пор Ли вернулся в Китай, путешествуя по живописным, историческим и культурным местам, включая гору Хуанг и Дуньхуан, которые остались неизменным источником вдохновения для его более поздних работ».
Ли Хуайи (р.1948), Rising Mountain , 2006. Свиток, смонтированный и оформленный, бумага, тушь и цвет. 53¾ x 26⅝ дюймов (136,5 x 67,5 см). Смета: 1 600 000–2600 000 гонконгских долларов. Предлагается в продаже с использованием китайских современных чернил 25 ноября 2019 года на Christie’s в Гонконге,
Начиная с брызг чернил на бумаге, чтобы создать образование гор и скал (техника, часто ассоциируемая с Чжан Дацянь), Ли Хуайи тщательно добавляет фотореалистичные детали зубчатых скал и нависающих сосен с помощью тонкой кисти. «Интерес к буддийской философии побуждает Ли Хуайи искать такие мотивы в природе. Иногда форма скал напоминает профиль Бодхидхармы », — говорит Серн.
Сюй Лэй участвовал в радикальном движении Китая «Новая волна 1985», и его работы были выставлены на выставке «Китай / авангард» в Пекине в 1989 году.«Мастер манипулирования видимым и невидимым, Сюй Лэй известен своими невероятными пейзажами из снов, окрашенными в оттенки синего», — говорит Черн.
Сюй Лэй (р. 1963), Уходящая лошадь , 1997. Свиток, смонтированный и оформленный, бумага, тушь и цвет. 30⅝ x 22 дюйма (78 x 56 см). Смета: 500 000–700 000 гонконгских долларов. Предлагается в продаже с использованием китайских современных чернил 25 ноября 2019 года на Christie’s в Гонконге,
Уходящая лошадь , нарисованная в 1997 году, изображает белого коня, крупа которого отмечена сине-белым цветочным узором, таким как те, что можно найти на фарфоре Мин и Цин.
Сюй Бин родился в Чунцине, но сейчас живет между Пекином и США. Его карьера неоднократно выходила за рамки современного тушного искусства.
«После переезда в США в 1991 году он разработал новую систему письма, получившую название« Каллиграфия с квадратными словами ». Это гибридная система письма, которая отражает его чувство дезориентации при жизни в этой новой языковой среде, где он мало говорил по-английски ».
Сюй Бин (р.1955), Новая английская каллиграфия — Дзен Поэзия III . Свиток в рамке, тушь, бумага. 53⅞ x 27½ дюймов (137 x 70 см). Продано за 1 000 000 гонконгских долларов 26 ноября 2018 года на Christie’s в Гонконге,
.
Сюй встроил этот новый скрипт в свою работу и создал руководство, которое научило читателя писать свою собственную каллиграфию с квадратными словами.
«Сюй использовал сценарий как инструмент для углубления межкультурного понимания и побудил задуматься о взаимодействии между языком, культурой и идентичностью», — объясняет Черна.
«Шанхайский художник Ван Тианде создает концептуальные, экспериментальные работы в смелом смешанном стиле, — говорит Черн.
История гласит, что однажды Ван случайно стряхнул пепел от зажженной сигареты на рисовую бумагу и был заворожен тем, как он горит, случайно создавая формы.
«Вдохновленный, Ван начал преобразовывать свои пейзажи — часто сопровождаемые каллиграфией — путем прямого сжигания бумаги с копиями классических китайских картин с сигаретой или благовониями», — поясняет специалист. «Спонтанная деконструкция классических картин, как визуально, так и концептуально, теперь имеет решающее значение для художественной практики Ванга.’
Ван Тианде (р. 1960), Tranquil Vista , 2015. Бумага, тушь, смешанная техника. 84 × 35¼ дюймов (213,5 × 89,5 см). Продан за 576 000 юаней 21 сентября 2019 года на Christie’s в Шанхае,
.
По словам художника, его работы — это «картины, состоящие из двух перекрывающихся слоев: нижний, пейзаж и каллиграфия, изображенные традиционными чернилами и кистью, а верх — это лубяная [волокнистая] бумага, обожженная ладаном. Созданные исключительно путем наложения слоев в рамках концептуального акта, дополнительное измерение ландшафта и каллиграфии может создать безграничное пространство воображения для зрителя ».
7
Ван Дунлин (р. 1945)
Хотя сейчас он всемирно известен тем, что сочетает каллиграфию с перформансом и инсталляционным искусством, Ван Дунлин изначально получил традиционное образование, обучаясь у каллиграфа Линь Санчжи. «Кисть стала продолжением моего тела», — сказал он однажды. «Каллиграфия была моим призванием, моей жизнью и моим стремлением».
Ван Дунлин (род.1945), Chaos Script Calligraphy-Gong Zizhen ‘Rise’ . Свиток в рамке, тушь, бумага. 37¾ x 70⅛ дюймов (96 x 178 см). Продан за 300 000 гонконгских долларов 26 ноября 2018 года на Christie’s в Гонконге,
.
«Художник, а также сторонник современной каллиграфии, Ван превращает искусство письма из плоской формы в выразительное перформанс», — говорит Черн.
8
Луи Шоу Кван (1919-1975)
Уроженец Гуанчжоу, Луи Шоу Кван переехал в Гонконг в 1948 году и работал в паромной компании Гонконга и Яуматей инспектором, а также рисовал, преподавал и писал.
Луи Шоу Кван стал пионером движения «Новые чернила» в Гонконге в 1960-х годах. В начале 2019 года — к столетию со дня его рождения — в музее Эшмола в Оксфорде прошла выставка работ художника.
Луи Шоу Кван (1919-1975), Чистота , 1970.Бумага, свиток в рамке, тушь, цвет. 70⅞ x 38¼ дюймов (180 x 97 см). Смета: 800 000–1500 000 гонконгских долларов. Предлагается в продаже с использованием китайских современных чернил 25 ноября 2019 года на Christie’s в Гонконге,
«В конце 1960-х и 1970-х годах, в последнее десятилетие своей жизни, Луи достиг пика своей карьеры, создав серию абстрактных картин дзен. Они представляют собой универсальную тему — лотос, символизирующий вечность, чистоту и буддийский ранг Пробужденного », — поясняет Серн. «Его особый« влажный »стиль живописи, как видно выше, пылко энергичен, выражая эмоции художника в их самой сложной форме».
8 современных художников-тушей, которые меняют представления о древнем китайском искусстве
Hsu Wei | Любезно предоставлено Wikimedia Commons
Роспись тушью была неотъемлемой частью китайской литературной культуры на протяжении тысячелетий, и на протяжении тысячелетий картины оставались относительно неизменными.Только в течение последних ста лет современные художники начали поднимать стиль за пределы его традиционных корней, включая новые среды и концепции, которые делают картины применимыми к современному контексту.
Возможно, одно из самых известных имен в современной китайской живописи тушью, Лю Дань обучался традиционным стилям китайской живописи и посвятил себя технике туши и кисти, объединяя аспекты западных мастеров, которыми он также восхищается. Он наиболее известен тем, что изображает пейзажи, цветы и гуай-ши — или «странные камни» — и его картины часто получают самые большие деньги на аукционах искусства, таких как Sotheby’s. Лю в настоящее время живет и работает в Пекине, проводит выставки по всему миру, особенно в Соединенных Штатах. На первый взгляд, его картины можно было принять за культурные реликвии, созданные много веков назад, но Лю Дань — современный литератор, способный уловить сущность современного Китая через рамки его прошлого.
В то время как Лю Дань предпочитает работать в рамках традиционной китайской живописи тушью, тайваньский художник Цзэн Тинг-Ю ниспровергает традиционные формы.Директор галереи Da Xiang Art Space в Тайчжуне, Тайвань, сказал Artsy, что работа Цзэна «отражает повышенное внимание современного тушного искусства к концепции, а не мастерству». Его произведения созданы для того, чтобы сделать политическое или социальное заявление, а не просто эстетически. Цзэн родился в 1983 году и получил образование в Тайваньском педагогическом университете. Он начал заниматься искусством в 2004 году, но только в 2014 году он начал привлекать более широкое внимание.
Ян Цзечан родился в Фошане, Китай. В 1989 году он эмигрировал в Париж, где и начал получать международное признание.Одна из его самых ранних серий под названием « сотен слоев чернил » до сих пор остается самой известной. На каждый кусок в серии Ян наносил до четырех слоев свежих чернил ежедневно, пока бумага не достигла насыщения. Конечными продуктами этого процесса являются красивые скопления засохших чернил, которые кажутся скульптурными и мраморными. Вплоть до 11 сентября 2001 года картины Яна оставались интроспективными; однако Ян был глубоко потрясен атаками и впоследствии переключил свое внимание на более важные темы.
Первое, что замечает большинство людей в картинах Линь Юси, — это то, что они гораздо менее монохромны, чем картины многих его современников. Линь получил признание за свою способность смешивать цветовые техники с рисованием от руки, ассоциирующимся с традиционным стилем. Кроме того, он может применять подход гунби , который представляет собой осторожную реалистическую технику, которая фокусируется на деталях и часто изображает фигуральные или повествовательные предметы. Линь — плодовитый художник, создающий бесконечные концептуальные басни с изображениями пейзажей, цветов, птиц и людей.Как и Лю Дань, Линь сделал себе имя среди коллекционеров произведений искусства, его произведения часто продаются на аукционах.
Ван Дунлин — один из самых известных ныне живущих китайских каллиграфов, чьи хаотичные размашистые мазки больше похожи на искусство, чем на почерк. Его заявление о том, что кисть стала продолжением его тела, подтверждается его перформансами и его недавним набегом на эротические фотографии, исследующие чувственность курсива. Опираясь на классическую китайскую эстетику и философию, Ван поднимает язык до экспериментального и абстрактного уровня, который становится актуальным для современного общества.
До своей смерти в 1975 году Луи Шоу-Кван был пионером движения «Новые чернила». Основанное за пределами Гонконга, движение фокусируется на адаптации тысячелетних техник к экспрессионистскому и концептуальному контексту современного искусства. Как авторитетное имя в этом стиле, Луи превзошел все ожидания на аукционе, его работы были проданы за миллионы при оценках в сотни тысяч. В своих картинах Луи поддерживает почти духовную связь со своими материалами. У каждой капли чернил есть цель, и часто, особенно в своих более поздних работах, Луи наносит на бумагу лишь несколько задумчивых штрихов.
Получив образование в области каллиграфии в Шанхае, Ван изначально сосредоточился на искусстве письма. Но когда однажды пепел от его зажженной сигареты упал на бумагу xuan , Ван был загипнотизирован тем, как тепло может выдавливать бумагу, и начал намеренно сжигать свои работы сигаретами или благовониями. Его произведения теперь объединяют язык, текстуру и изображение в уникальную новаторскую среду, скрывающую смысл. Ван очень экспериментален. Помимо картин, написанных тушью, он также создал цифровую фотографию, сюжетом которой является обожженная бумага, сложенная стопкой, чтобы создать впечатление горного пейзажа.
Лю Го-Сун (Liu Guosong) широко известен как один из первых защитников и практиков модернистской китайской живописи. Лю родился в 1932 году и произвел революцию в традиционных пейзажах, написанных тушью, добавив яркие цвета в то время, когда все остальные видели вещи в черно-белых тонах. Тем не менее, Лю также может работать в классических рамках, делая акцент на « хань шуй хуа », или «картинах с горной водой». Вместо того, чтобы оставлять пустое место там, где должна быть вода, как это делали древние, Лю изображает воду интенсивными оттенками, соответствующими времени года: красным для осени или зеленого для весны.
Красота, философия и духовность китайской росписи тушью
Это была третья неделя августа, и я наслаждался летним отдыхом в Хорватии. Моей последней остановкой был Дубровник, и я решил, что в этом городе должно быть что-то еще, что можно исследовать, кроме городских стен и всех этих надоедливых сувениров из Игры престолов. Я купил карту Дубровника, которая дает вам доступ во многие музеи и галереи Дубровника, и отправился навстречу приключениям. Я закончил свой тур в Музее современного искусства Дубровника, где я посетил выставку «Увлечение рисованием тушью» от художников Китайской национальной академии живописи. Почти два месяца спустя, когда многие из вас следят за Inktober, рисуют или интересуются им, я решил, что, возможно, сейчас самое подходящее время, чтобы познакомить вас с китайской художественной формой рисования тушью и стиркой (вкратце, тушью).
Ван Мэн (1308-1385), династия Юань: Соломенный домик в Осенних горах Свиток, тушь и цвет на бумаге, 123.3 x 54,8 см, Национальный дворец-музей, Тайбэй, Получено из: Китайского онлайн-музея
Картина смывом тушью появилась во времена династии Тан где-то в VII веке, но процветала в основном во времена династии Сун (960 — 1279), и все путь в 16 век и династию Мин. Во времена династии Сун картина смыва тушью стала известна как картина literati Painting , в которой художники использовали буквальные формы предметов только как каналы, через которые они могут выражать свои эмоции, чувства и мысли. Большое значение было уделено непосредственности и умению быстро и остро удовлетворить сердце — как художника, так и зрителя. Вдохновляясь историей и культурой Китая, одновременно отражая личный опыт художника, эта произвольная, спонтанная и интуитивная манера письма позволила уделить большое внимание собственным духовным чувствам художника. Используя только чернила и воду, художники использовали только оттенки черного, серого и белого и лишь изредка добавляли немного одного дополнительного цвета — обычно красного или синего.В отличие от других, более реалистичных техник в мире китайского искусства, рисование тушью не заботилось о богатстве цветов или использовании ярких фонов. Вместо этого с его большой палитрой чернильных мазков, толщиной линий и большими пустыми пространствами он сосредоточился на уловке «духа» или «сущности» изображаемого объекта, а не его точной формы.
Литераторы очень часто были традиционными учеными, и наряду с их навыками рисования, они также много узнали о поэзии, музыке и музыкальных инструментах, каллиграфии, стратегических играх и искусстве печати, которые также можно увидеть включенными в картину смывкой чернил, как показано на изображение слева и изображения ниже. Таким образом, для них рисование тушью было больше, чем просто живописная форма. Это было своего рода философией духовности; Это была художественная эпоха, когда художник демонстрировал свое восхищение и скромное понимание Вселенной. Точнее, техника смывания чернил отражала тот факт, что вселенная бесконечна, и поэтому для любого литератора было бы глупо даже пытаться изобразить вселенную. Древние мастера предпочитали, с одной стороны, оставить части картин пустыми и рассматривать этот пустой фон как саму Вселенную, но с другой стороны, они предпочли использовать экономичные линии, чтобы уловить дух изображений, которые представляли те второстепенные части вселенной, которые мы действительно можем увидеть и (попытаться) понять.Таким образом, сочетая насыщенные, сжатые линии и оставляя большие пустые участки на картинах, мастера уважали китайскую культуру и свою философскую мысль о том, что «полное отсутствие вещей лучше, чем их присутствие» , или даже тот факт, что есть тот «момент, когда тишина может говорить гораздо больше, чем речь» .
Ни Цзань (1301–1374), династия Юань: Студия Ронгси; Свиток, тушь на бумаге, 74,7 x 35,5 см, Национальный дворец-музей, Тайбэй Получено из: Китайского онлайн-музея Шэнь Чжоу (1427–1509), династия Мин (1368–1644): L , гора Лу; Свиток свиток, бумага, тушь, краски, 193.8 x 98,1 см, Национальный дворец-музей, Тайбэй Получено из: Китайского онлайн-музея
Литераторы часто рисовали природу и пейзажи, а также изображали мирный и гармоничный мир, в котором все и все — будь то королевская фигура, милая птица, маленький насекомое, мощная река или крутая гора — считались равными и, следовательно, заслуживали равного обращения и уважения. Таким образом, литераторы также смотрели свысока на королевских художников и, создавая работы в стиле от руки смывкой чернил, они пытались культивировать мораль и облегчить боль и страдания чиновничества.
Шэнь Чжоу (1427–1509) и Вэнь Чжэнмин (1470–1559), династия Мин (1368–1644): Совместный пейзаж; Ручная прокрутка, тушь на бумаге, 36,8 x 1729,3 см, Музей Метрополитен, Нью-Йорк Получено из: Китайский онлайн-музей Сравнение с западными формами искусства и масляной живописью
По сравнению с западным миром искусства, многие могут подумать, что картина с тушью каким-то образом коррелирует с импрессионизмом (вспомните Клода Моне), который, используя характерные и тонкие мазки кисти, подчеркивает впечатление , которое оставляет нам пейзаж, а не его фактическое изображение. Тем не менее, импрессионизм развился так поздно — фактически в XIX веке, — что я не могу задаться вопросом, действительно ли китайские мастера вдохновили европейцев на эксперименты со стилем. Ни для кого не секрет, что Европа давно страстно увлекалась (восточно) азиатским миром и была одержима им, будь то использование шелка, фарфора или чая.
Что касается масляной живописи в целом, то для рисования тушью (как уже упоминалось выше) почти не учитывалось использование фона. Фигуры часто выглядели так, как будто они парят в воздухе, но если это были портреты, то они часто пытались уловить чувства, характеристики или достоинство человека, почти не уделяя внимания изображению теней и реалистичных анатомических характеристик человека.Это сильно отличается от европейского художественного мира портретов (будь то Мона Лиза или золотая эра голландских художников), где приоритетом всегда была правдивость анатомии человека. Таким образом, художники, работающие маслом, сосредоточились на том, чтобы запечатлеть физиономию человека, в то время как художники, работающие с тушью и тушью, отдают предпочтение изображению характера фигур.
Это важное различие также определяет, как мы — зрители — можем ценить и восхищаться тушью и стирать картины. Подобно тому, как в азиатском мире ценится чай, рисунки тушью и мытьем передают чувства, не поддающиеся описанию, и требуют внимательного наблюдения и исследования скрытой философии жизни.В отличие от картин, написанных маслом, которые возникли из огромных фресок и должны были наблюдаться издалека в церквях, соборах и замках, где они выставлялись, совместное использование и наблюдение за картинами смыва тушью часто считалось личным моментом. Писатели часто приглашали своих друзей, мыли руки, сжигали ароматические палочки, медитировали и только потом открывали свои коллекции для комплиментов и критики.
Современная живопись тушью Lio Jian, Florence , 2018, Получено из: Музей современного искусства, Дубровник
Современные художники опираются на все, что оставили литераторы, но они также применяют новые техники рисования (например, они используют гораздо больше цвета. ) и обогащают темы, изображенные на их картинах.Художники не боятся пробовать различные эстетические стили и языковые формы, и теперь — через изображения природы или человеческих лиц и тел — они пытаются выразить свои заботы о человечестве или исследовать духовное состояние современной цивилизации. Современные художники также более критически относятся к своей работе в отношении текущих политических или культурных проблем, и своей работой они побуждают нас задуматься о роли глобализации (например, рисуя памятники, здания и пейзажи вне Китая и за пределами китайской культуры. ), а также возможные духовные, культурные и лингвистические проблемы, которые могут возникнуть вместе с этим.
Ли Айгуо, Ветер луга , 2016 Я сфотографировал эту картину в Дубровнике, потому что она мне очень понравилась! 🙂Чжан Цзянчжоу, Увядший цветок , 2012; Получено из: Museum of Modern Art, DubrovnikYao Dawu, Fairyland III , 2019, Получено из: Museum of Modern Art, Dubrovnik
Итак, что вы думаете о стиле смывания чернил? Вам это нравится, и если да — вы предпочитаете более старомодный или более современный стиль? Хотите узнать больше об искусстве? Мне очень нравится посещать художественные галереи, а также читать об искусстве и его влиянии на мир, каким мы его воспринимаем. Мне также нравится, когда художественные формы включаются в фильмы или книги, а когда дело доходит до рисования тушью, анимационный фильм «Чувства гор и вод» , созданный Шанхайской студией анимационных фильмов в 1998 году, считается шедевр этакой китайской водно-тушной анимации. Он включает фигуры чернил и кисти на живописных пейзажных фонах, созданных на рисовой бумаге, в то время как внимание аудитории удерживается очень реалистичными чернилами и размытыми картинами, изображающими выражения и действия персонажей.Если этот пост заставил вас хоть как-то заинтересоваться миром туши и рисования, вам стоит взглянуть на этот анимационный фильм.
Отрывок из «Чувства гор и вод» , 1998 г. Получено из: Клуб читателей Институт Конфуция
Примечание автора: по техническим причинам ссылка на изображение в верхней части сообщения не может быть правильно связана. Это копия Западного озера Цай Цзинсин, полученная из китайского онлайн-музея
Взгляды:
1,163
Что такое китайская живопись тушью или шуй мо хуа 水墨畫?
происхождение рисования смывкой тушью или, как его называют по-китайски «шуй мо хуа»
Рисунок смывкой тушью или техника смывки тушью — это тип рисования кистью, в котором используются черные чернила — используемые в каллиграфии — в разных концентрациях. Возникнув при династии Тан в Китае (618–907), он действительно процветал позже, при династии Сун (960–1279).
Говорят, что техника была изобретена художником по имени Ван Вэй. Во времена династии Тханг и после дальнейшего развития эта техника распространилась в Японию около 1350 года. Пик популярности рисования тушью среди японских художников и каллиграфов пришелся на эпоху Муромати (1338-1573).
цветы — техника стирки тушью —
пейзаж — техника стирки туши
остров и птицы — техника стирки тушью
Стиль рисования
Эта особая техника рисования создается с помощью кисти, погруженной в землю чернила, затем погруженные в воду перед рисованием на холсте из бумаги или шелка.Благодаря этому создается сосредоточенный и монотонный характер картин, состоящих только из черного и белого.
Развиваясь вместе с китайской каллиграфией, картины с тушью или шуй-мо часто изображают деревья, цветы, пейзажи, животных, птиц и людей. Кроме того, они часто сопровождаются китайской поэзией. Этот стиль когда-то был традиционным стилем живописи для жителей Востока в целом и распространен также в Японии, Вьетнаме и Корее.
Стиль рисования не придает большого значения точному изображению реальной сцены или объекта.Как и в каллиграфии, мазок кисти в китайской туши — это не столько средство нанесения чернил, сколько философское или эмоциональное утверждение. Часто это импровизированные работы, возникающие из-за внезапного вдохновения художника при просмотре красивых пейзажей. Поэтому такой тип живописи сложно скопировать или воспроизвести. Иногда этот стиль также называют живописью Го Хуа, хотя это гораздо более широкое описание.
Китайская морская пейзажная живопись в технике промывки тушью — ChinaArtlover Современная живопись тушью и стиркой
Сегодня есть много новых китайских художников, которые используют традиционную китайскую технику промывки тушью для рисования новых пейзажей и новых картин. На Pinterest я собираю для вашей справки некоторые из этих рисунков тушью в современном стиле.
Также я приложил подборку одного из моих любимых начинающих художников Ван Явэя. Я надеюсь, они тебе нравятся.
«лежащая женщина», китайская тушь Художник Ван Явэй
«Портрет» китайской тушью Художник Ван Явэй
«Падающий сон», китайская тушь Художник Ван Явэй
«На улице», китайская тушь Художник Ван Явэй
« две девушки — китайская тушь Художник Ван Явэй
Работы китайской туши Ван Явэя — ChinaArtlover.com
Как это работает на практике?
Техника кисти, подчеркнутая в китайской живописи, включает рисование линий и стилизованные выражения тени и текстуры. Кроме того, точечные методы используются в основном для различения деревьев и растений и для простого украшения.
Различные мазки кисти придают живописи ритм и красоту и отображают внешние и внутренние качества объекта. В то же время они раскрывают индивидуальность и стиль каждого художника. Чтобы лучше описать это, я приложил хорошее видео урока для начинающих по китайской живописи кистью, чтобы получить краткое введение.
psst… Надеюсь, вам понравился этот краткий обзор китайской живописи тушью. Если да, подарите ему немного социальной любви и отметьте, поставьте лайк или поделитесь. Очень признателен!
Китайская роспись тушью или шуй мо хуа 水墨畫 — ChinaArtlover
Как нарисовать простую орхидею китайскими тушью — Практическое руководство — Художники и иллюстраторы
Узнайте, как создать этот элегантный и спокойный цветок за 9 простых шагов
Это безмятежное растение, застенчивое и тихое, представляющее чувство «инь» в китайской живописи тушью, тогда как бамбук имеет более динамичный характер «янь».Цветы орхидеи можно сравнить с руками.
У них пять лепестков, и два из них нарисованы в центре цветка, как если бы большой и средний пальцы соприкасались. Эти «руки» будут танцевать по длине стебля орхидеи, кивая и разговаривая друг с другом.
1. Листья обычно темнее цветов и окрашиваются первыми. Используя кисть для орхидей из бамбука, окуните ее в воду, а затем нанесите на нее темные чернила. Держа кисть вертикально, нарисуйте длинный плавный мазок слева направо, нажимая и поднимая кончик на бумагу, чтобы получить разнообразную линию.
2. Чтобы нарисовать второй лист, повторите движение в шаге 1, подняв следующую строку выше и позволяя ей пересекать первый штрих.
3. Обратите внимание на форму «глаза», образованную этими первыми двумя штрихами. Это известно как «Глаз Феникса», и его следует пересечь третьим штрихом, как показано.
4. Четвертый и пятый мазки могут быть короче, чтобы «поддерживать» первые три листа, или длиннее, чтобы их усилить.
5.Нанесите на кисть чернила более светлого цвета (или более разбавленную смесь того же цвета), чтобы нарисовать стебли. Держа кисть вертикально, нарисуйте «колеблющуюся» линию — ваша кисть не должна отрываться от поверхности бумаги, а, скорее, время от времени останавливаться и очень немного менять направление.
6. Теперь, когда листья и стебель на месте, мы можем добавить цветы орхидеи. Несмотря на то, что они выглядят простыми, рисовать их может быть сложно, поэтому сначала потренируйтесь на отдельном листе бумаги. Начните с нанесения на кисть меньшего размера (например, кисть с цветами сливы или кисть с маленькими белыми облаками) бледно-серыми чернилами.Нарисуйте два коротких толстых мазка, параллельных друг другу (но не одного размера).
7. Добавьте два длинных штриха, по одному с каждой стороны центральной пары и один короткий в любом месте среди четырех лепестков. Измените направление каждого лепестка, как показано.
8. Когда вы почувствуете себя комфортно, раскрашивая цветы, добавьте несколько из них к исходному стеблю. Нарисуйте несколько бутонов на кончике стебля, используя всего два мазка вместо пяти. Присоедините каждый цветок к основному стеблю бледным стеблем.
9. Обведите «сердце» каждого цветка несколькими черными как смоль чернильными точками — это каллиграфический «точечный» штрих, похожий на мандаринский иероглиф для горы («шань»).
Подробнее: 12 советов по использованию чернил и попробуйте эти лучшие советы по рисованию чернилами.
Автор
Художники и иллюстраторы
Artists & Illustrators — самый популярный британский журнал для практикующих художников, который в равной степени актуален как для профессионалов, так и для начинающих любителей, а также для тех, кто рисует исключительно для удовольствия.Полный пошаговых практических советов, собственных работ читателей, эксклюзивных статей об известных именах и экспертных тестов продукции — это лучшее издание для каждого художника, ищущего вдохновения, независимо от того, предпочитает ли он живопись, рисунок или гравюру.
Энергия в кисти: современные китайские картины тушью на выставке Cantor
«Есть определенный способ вложить энергию в щетку», — говорит Ямадзаки. «Это нечто уникальное в рисунках тушью — и я надеюсь, что люди это почувствуют.«
Ирен Чоу 周綠雲 (Китай, 1924–2011), Без названия, 1995. Бумага, тушь и цвет. (Фото: любезно предоставлено Акико Ямадзаки и Джерри Янгом)
Честно говоря, вы можете это почувствовать. Чернила образно взрываются на стенах в галерее, отражая страсть, но также точность и мастерство, по словам куратора азиатского искусства Эллен Хуанг, со-куратора Ink Worlds .
«Это живопись в самом широком и расширенном смысле», — объясняет она. «Чернила — это не только то, что написано на бумаге, это некий активный агент, который, кажется, вырывается из произведений искусства и проникает в восприятие и жизненный опыт людей.«
Это первая и пока единственная выставка коллекции туши Янга и Ямазаки, но это не первая их выставка. Ямазаки возглавляет Комиссию по азиатскому искусству и Фонд азиатского искусства. Коллекция каллиграфии династии Мин, созданная Яном, была представлена в Сан-Франциско шесть лет назад перед поездкой в Метрополитен в Нью-Йорке.
Ян начал собирать произведения искусства, чтобы связать его со своим китайским наследием, но он находит динамизм живых художников захватывающим.«Отчасти это отражение того, что произошло в Азии и, в частности, в Китае за последние 30 лет. В искусстве произошел взрыв традиций и инноваций, и оно все еще развивается», — говорит он.
И еще кое-что, что понравилось паре, поскольку оба они — выпускники Стэнфорда: студенты Стэнфорда должны были помочь выбрать, какие работы показать, под руководством Хуанга и профессора азиатского искусства Ричарда Винограда. «Для меня это их рассказывание историй, которое оживляет эту вещь», — говорит Ян.
«Мы университетский музей», — говорит Хуанг, отмечая экзистенциальную необходимость использовать каждую выставку как возможность практического обучения для студентов. К выставке также прилагается ряд образовательных мероприятий, в том числе перформативная демонстрация художника Цинь Фэна и беседа между художником Ли Хуайи и Майклом Найтом, куратором-консультантом коллекции Акико Ямазаки и Джерри Янга.
Ян и Ямадзаки зарекомендовали себя как столпы азиатского арт-сообщества в районе залива, но Ян говорит, что чувствует себя частью растущей тенденции. Среди своих друзей он считает коллекционеров произведений искусства, даже если они и не кричат об этом публике. «Мы начинаем видеть, как все больше и больше предпринимателей Кремниевой долины вносят больший вклад в мир искусства», — говорит Ян. «Это определенно на подъеме».
Я спрашиваю ветерана Кремниевой долины, не беспокоит ли он, что искусственный интеллект скоро сделает китайских художников устаревшими, но Ян с оптимизмом смотрит в будущее человеческих талантов.«Я думаю, что работа этих парней какое-то время защищена от ИИ».
На какое-то время…?
墨 境 Чернильные миры: современная китайская живопись из коллекции Акико Ямазаки и Джерри Янга проводится с 23 мая по 3 сентября 2018 года в Центре искусств Кантора в кампусе Стэнфорда. Для получения дополнительной информации нажмите здесь .
AI может быть хорошим западным художником, но будет ли он хорошо работать с китайской тушью? | пользователя YiHe Liu | Keio SFC Interaction Design class — 2020 Spring
Термин «искусственный интеллект» (ИИ) проник на все уровни социальной жизни.Международный гроссмейстер Арнольд Денкер изучает фигуры на доске перед ним. Он понимает, что надежды нет; он должен отказаться от игры. Его противник, Hitech, становится первой компьютерной программой, победившей гроссмейстера в игре в шахматы в 1988 году. Почти с того времени ИИ не только существовал в научной фантастике, но и действительно распространился в жизни каждого из нас.
В области живописи в 2016 году была запущена модель искусственного интеллекта под названием «Передача стилей изображения», которая может преобразовать любое изображение в художественный стиль великих мастеров, таких как Ван Гог и Моне.Кроме того, существуют модели искусственного интеллекта, которые могут напрямую создавать художественные картины [1].
Применение ИИ в художественном творчестве не только преподносит людям сюрпризы, но и заставляет их невольно задуматься и задаться вопросом: принадлежат ли творения ИИ к произведениям искусства? Можно ли назвать модели ИИ художниками? Могут ли модели ИИ действительно «понимать» искусство и «знать», как они его создают?
Искусственный интеллект: современный подход Глава 1 [2]
Существует множество определений «искусственного интеллекта».По определению автора книги «Искусственный интеллект: современный подход», искусственный интеллект должен иметь четыре режима: мышление, как личность, мышление рационально, поведение как личность и действие рационально. Он делает различие между мышлением и действием, поэтому мы можем думать об «искусственном интеллекте» как о машине, моделирующей человеческое мышление и поведение.
Определение «искусство» согласно Oxford Dictionaries и Merriam-Websters Dictionary: Искусство — это разнообразная человеческая деятельность по созданию визуальных, слуховых или исполнительских артефактов (произведений искусства), выражающих образные, концептуальные идеи или технические навыки автора. , предназначены для того, чтобы их ценили в первую очередь за их красоту или эмоциональную силу.
Видно, что предпосылкой для произведения искусства является необходимость содержать «красоту»; Во-вторых, искусство — это вид социальной активности, своего рода «социальное действо». Произведения искусства — это эмоциональное коммуникационное звено между художниками и аудиторией, а также между аудиторией.
В китайском университете есть профессор философии, который предлагает концепцию « Эстетика искусственного интеллекта » : «Эстетика — это исследование искусственного интеллекта в процессе разработки технологий искусственного интеллекта для решения некоторых проблем, связанных с эстетика, его основное содержание включает в себя искусственный интеллект человеческого восприятия (в том числе эмоционального) и стиль искусства моделирования, искусственный интеллект, искусственный интеллект и оценочный взгляд на человеческие эмоции и художественную природу, его метод — в основном философия и эстетика, и требуют для изучения сочетания многих дисциплин, таких как наука о мозге, нейробиология, теория биологической эволюции и последние достижения в области искусственного интеллекта.»[3]
По его мнению, искусственный интеллект должен моделировать два аспекта человека, чтобы завершить художественное создание реального интеллекта. Один из них — симуляция художественного поведения человека; Во-вторых, он стимулирует эмоциональное поведение людей в художественной деятельности.
В 2018 году портрет AI висит на Christie’s в Нью-Йорке, напротив картины Энди Уорхола и рядом с бронзовой работой Роя Лихтенштейна. «Эдмон де Белами из La Famille de Belamy» был продан за 432 000 долларов, включая комиссионные, что более чем в 40 раз превышает первоначальную оценку Christie в 7–10 000 долларов.Покупатель — анонимный участник торгов по телефону. Он был продан более чем вдвое дороже двух работ рядом с ним.
Это заставило меня задуматься о проблеме. Картины маслом в западном мире, особенно портреты и пейзажи, в основном являются точным описанием деталей моделей. Мастерство художника выражается в использовании света, точной передаче выражения фигур и точном изображении деталей тел фигур. Эта «техника» позволяет ИИ многому научиться для имитации и, кроме того, «создания» новых произведений искусства.
художник: Питер Пауль Рубенс
Однако по способу выражения китайскую живопись можно разделить на две категории: стиль Сеии и стиль Гонгби. Стиль Xieyi отличается преувеличенными формами и рисованием от руки. Стиль Гонгби характеризуется вниманием к деталям и тонкой манерой письма. Один известный художник однажды сказал: «Стиль Гонгби» можно выучить за три года, но «Стилю Сеии» можно не научиться за 30 лет.
Стиль классической китайской живописи тушью Xieyi — это больше, чем техника, которая отличается сокращением детализированных мазков.По сути, он описывает философию китайской культуры, подчеркивающую свободу, духовность, индивидуальность и выразительность.
Бодхидхарма , автор Луо Пин, коллекция Тяньцзиньского музея. [Фото предоставлено China Daily]
Даже в древние времена китайские художники не хотели сдерживаться реальностью. Знаменитый художник династии Цзинь Гу Кайчжи (348–409) был первым, кто выдвинул теорию, согласно которой «форма должна отражать дух». По его мнению, картина должна служить средством передачи не только внешнего вида предмета, но и выражения того, как на него смотрит художник.
художник: Wu Guanzhong
Эту технику можно применять не только для портретов, но и для животных и пейзажей. Возьмем, к примеру, одного из моих любимых художников У Гуаньчжуна. Объект его картины — его родной город, но он использует всего несколько мазков, чтобы обрисовать, как его родной город выглядит весной. Он не рисует это так, как в реальной жизни; Только его суть проявилась в результате многолетнего наблюдения художника и глубокого понимания сюжета.
Итак, мне интересно, сможет ли ИИ глубоко изучить этот стиль Xieyi в китайской живописи тушью?
На обучающей модели, из-за ограниченного количества материалов, в итоге я использовал менее 300 штук, но использовал 3000 шагов.Обучение модели длилось три часа.
В этом обучении было много недостатков. Например, мне нужно было самостоятельно отличить технику рисования стиля Гонгби от стиля Сиеи. Этот шаг по поиску материалов занял много времени.
, пожалуйста, снизьте скорость
Я не могу судить, можно ли назвать эту трансформацию успешной, потому что человеческое лицо претерпело трансформацию, похожую на китайскую живопись тушью, но в нем все еще отсутствует основная душа стиля Xieyi.
Могу быть несколько удобств, которые я смогу улучшить в будущем: например, на этот раз многие картины имеют текст рядом с ними, что может вызвать проблемы с машиной. Другой пример: у некоторых рисунков фон желтой бумаги вместо белого, что также может повлиять на машинное обучение. Более того, моя модель содержит пейзажи, растения, животных, людей и т. Д., Которые слишком сложны и могут помешать глубокому обучению.
Создаваемые изображения
Моя модель не идеальна, но в мире уже есть люди, которые могут создавать «идеальные» китайские рисунки тушью.Вот ссылка ： https://www.wallpaper.com/art/victor-wong-ai-gemini-making-moments-lane-crawford
Made by AI
Но для меня, даже если создания AI выглядят так же, как люди, Я все еще «чувствую», что такая система недостаточно разумна для человека. Подобно тому, как пчелы бессознательно создают красивые траектории в воздухе, а розы бессознательно раскрывают свои привлекательные цветы, такое поведение может быть «красивым» для людей, но я не думаю, что пчелы и розы — художники.
Надеюсь, что создатель настоящего художественного творения обладает эмоциями, а не просто их выражает; Я надеюсь, что создатель застенчив и точно знает, что делает, а не просто бессознательно моделирует артистический акт (хотя в таком действии уже могут присутствовать эмоции).
С этой точки зрения мы возвращаемся к общему философскому вопросу, с которым сталкиваются все системы ИИ в целом: обладают ли системы ИИ или способны к самосознанию?
Профиль
Профиль
В традиционной китайской живописи существует два основных направления: гунби (工筆 — «старательная кисть») и сеи (写意 — «выражение идеи»). На раннем этапе развития китайской национальной живописи (12 век) преобладала гунби, а на позднем и среднем — се-и.
Стремясь передать настроение, се-и оперирует образами и ассоциациями. Основная идея этого направления состоит в том, чтобы изобразить идею того, что нарисовано, несколькими линиями отобразить суть. Если гунби считалась официальной академической живописью мастеров, то се-и — это живопись интеллектуалов.
Это и упомянутая выше экспрессивная манера, и стремление передать настроение, и использование простых форм. К примеру, основная задача се-и — выражения идеи посредством искусства, очень похожа по содержанию на подход западных концептуалистов, с той лишь разницей, что концептуалисты использовали другие художественные приемы.
Такое мастерство неотделимо от техники владения кистью, совершенствующейся на протяжении многих веков.
Он писал тушью, но, меняя ее наслоение, заражал зрителя своим восприятием изображаемого, создавая одноцветную оттеночную живопись. За тысячелетия китайская живопись выработала свой лаконичный художественный язык.
Картина настоящего художника пробуждает в зрителе множество мыслей и чувств.
Художник больше заботится о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей. Стиль «сеи» называют также стилем «грубой кисти». Художники этого стиля нередко прибегали к таким приемам, как обобщение, гиперболизация, ассоциация. Именно в стиле «сеи» работали художники, писавшие экспромтом, по наитию, под влиянием сиюминутного настроения. Картины в стиле «сеи» трудно поддаются копированию и имитированию. В большинстве случаев художники «сеи» писали тушью в черно-бело-серых тонах, благодаря чему их картины выглядят не столь пышно, как выглядят картины в стиле «гунби», но зато им присущи скрытая экспрессия и неподдельная искренность. В более зрелый период китайской живописи картины в стиле «сеи» заняли доминирующее положение.
Разумеется, было немало художников, которые применяли приемы «гунби» и «сеи», их картины занимают как бы промежуточное место между указанными стилями.
Хризантема — прекрасна, целомудренна и скромна, воплощение торжества осени. Цветущая дикая слива мэй-хуа ассоциируется с чистотой помыслов и стойкостью к невзгодам судьбы. В растительных сюжетах встречается и другая символика: так, рисуя цветок лотоса, художник рассказывает о человеке, который сохранил чистоту помыслов и мудрость, живя в потоке бытовых проблем.
Так, например, знаменитый художник XVIII в. Чжэн Баньцяо всю жизнь рисовал лишь бамбук, орхидеи и камни. В последнее время наблюдается значительный рост интереса к такой своеобразной разновидности изобразительного языка, как китайская живопись пальцем, при которой также используется тушь.
Нередко используется край ладони и тыльная сторона пальца. Работа пальцем порою сочетается с работой кистью (как, например, раскраска у мастера чжитоухуа Гао Ципэя). Хотя упоминание о живописи пальцем встречается в теории и практике уже в VII—VIII вв. (см. трактат Чжан Яньюаня «Лидай мин хуа цзи», 847 г.), утверждение ее как самостоятельной, устойчивой разновидности живописи происходит в конце XVII—начале XVIII в. и связывается с творчеством Гао Ципэя (1672—1734).
С ХХ века в истории живописи Китая начинается новый этап, характеризующийся радикальными изменениями: накопление значительного теоретического и практического опыта приводит к формированию новой идеологии изобразительного искусства. Термин «монохромная живопись тушью» закрепляется в сфере эстетики и культуры Китая. Благодаря исключительной художественной выразительности именно китайская живопись ХХ века до сих пор оказывает непосредственное влияние на стиль и методологию проектирования иллюстрированных детских изданий. В данной статье представлен композиционный анализ изобразительной манеры исполнения выдающихся художников разных периодов, работающих в жанре монохромной живописи тушью. Также изучены актуальные вопросы применения монохромной живописи в оформлении детских иллюстрированных книг, проведен исторический анализ характерных методов создания художественной выразительности, значимых для развития книжного дизайна в будущем.
Межкультурная интеграция китайского и западного художественного языка является ключевым аспектом для понимания феномена революции в китайском искусстве ХХ века. Безусловно, определенный общественно-исторический контекст неизбежно влияет на развитие искусства. Так, в связи с необходимостью, продиктованной социально-культурной ситуацией в стране и новыми потребностями рынка в данный период произошли значительные перемены во всех видах искусства. Вследствие этого 80-е и 90-е годы ХХ столетия стали временем стремительного развития художественного творчества. Политика реформ и открытости привела к появлению новых тенденций развития китайской живописи; вместе с комплексным развитием экономики, искусства, науки и технологий происходит популяризация локальной культуры, актуальной для современного общества. Жанр монохромной живописи считается носителем национальной эстетики, философии Китая, реализующейся как на идейно-образном уровне, так и в выборе средств художественной выразительности. Следует отметить, что все разнообразие китайской живописи проявляется не только в детской иллюстрированной книге ХХ века, но и во всем современном мире искусства.
Именно сейчас в жанре монохромной живописи представлены ценные работы многих известных художников, отличающихся новаторским подходом, индивидуальным стилем исполнения.
Экспрессивная форма, ритм, непрерывность линии и гармоничное соединение элементов в иероглифическом письме становятся средствами создания выразительности в графическом и шрифтовом оформлении традиционных иллюстрированных книг для детей. Таким образом, через ретроспективный анализ обнаруживается преемственность монохромной живописи тушью и композиционных форм, используемых в традиционных иллюстрированных детских книгах по отношению к иероглифическому письму Китая. В связи с вышесказанным необходимо сделать вывод о том, что эстетическое обоснование законов композиции определяется практическим и теоретическим опытом познания людьми различных явлений: чувственное и рациональное восприятие мира приводит к пониманию композиционной гармонии [6, с. 85].
Например, мастер каллиграфии и живописи Хуан Биньхун предложил систему «пять видов кисти, семь видов туши», основанную на взаимосвязи разных способов рисования кистью и формы получаемого пятна, а также специфических приемов живописи тушью. Кисть, согласно Хуан Биньхун, может быть «ровная, круглая, медленная, тяжелая и изменчивая». Вследствие сочетания разных пропорций и использования комбинированных техник существуют разные формы линий, проводимых кистью: толстые, тонкие, прямые и изогнутые, легкие и т. д. Благодаря эстетическим свойствам линий рисунок становится «живым», создается выразительный образ. Под «семью видами туши» подразумеваются приемы китайской живописи: «густая тушь, прозрачная тушь, изломанная тушь, насыщенная тушь, брызги тушью, высветленная тушь, двойная тушь». Таким образом, живопись, основанная на использовании только кисти и туши, позволяет художникам Китая создавать, лаконичные и подробные, детализированные объемные изображения [6, с.85].
Необходимо рассмотреть один из первоначальных приемов рисования. Так называемая техника «обозначения контуров эскиза» или «обрисовки» заключалась в обратной последовательности написания черт вопреки преобладающим тенденциям: на первом этапе создания рисунка посредством приема «густой туши» изображали контур предмета, затем по внешним очертаниям проводили кистью, при этом запрещалось использовать чрезмерно интенсивное наложение линий или оставлять между ними просветы. Такие просветы назывались «инеем». На ранних стадиях развития живописи в Китае были популярны две противоположные по способу наложения краски техники: «мо гу» и «дянь до» (в переводе с китайского «прямой цвет» и «цветовые оттенки») Продолжительный период следования традициям обеспечил относительную стабильность в развитии рисунка и живописи: повсеместно распространялись универсальные приемы и изобразительные техники, оказавшие впоследствии значительное влияние на китайское и зарубежное искусство графики. Принято полагать, что обозначенный выше метод «обрисовки» способствует лучшему изображению вещей и явлений, выявлению их основополагающих признаков, вследствие чего «обрисовка» часто используется в иллюстрациях к детским книгам.
Данный метод является популярным среди многих художников, поскольку соответствует особенностям детского эстетического восприятия и способности идентифицировать изображаемый объект.
Но, возможно, в условиях более стабильного развития детской иллюстрированной книги художники будут чаще и эффективнее использовать технику точного рисунка.
Динамика формы и цвета линий позволяет создать «живые», выразительные образы животных. Следует подчеркнуть, что в данной технике проявляется свободный характер китайской живописи.
Так, образ приобретает некоторую карикатурность и вызывает у детей больше интереса, чем реалистичная иллюстрация. Кроме того, благодаря графически выразительным переходам светотени проявляется текстура, а формы животных становятся более объемными. Следует отметить и эффектный прием разграничения заднего и переднего плана в композиции: книге несколько раз встречается изображение животного (козленка и тигренка) на луге условной, геометической формы, за счет такого контраста усиливается выразительность фигуры персонажа, происходит разделение главного и второстепенного.
Кроме того, создание гармоничной и формально выразительной композиции при помощи ритма, контраста, баланса и других графических средств также остается актуальным вопросом художественного проектирования. Например, композиция книги «Головастики ищут маму» создана на основе единой четкой структуры: текст находится слева, а иллюстрация — справа и наоборот (справа текст и слева иллюстрация). В какой-то степени данная схема считается консервативной: она уже не является новаторской и не может вызвать интерес современных читателей к книге. Более эффективный подход был реализован в книге «Милое дитя»: традиционное построение композиции по направлению слева направо было усовершенствовано благодаря созданию визуальной связи между верхними и нижними полями страниц. Таким образом, через сознательное нарушение структуры ритм и контраст стали более выразительными, композиция приобрела не статичный, как в предыдущем примере, а динамичный и экспрессивный характер. Волнообразный ритм передается от страницы к странице, но при этом композиционное содержание иллюстраций несколько изолированно, нет графической связи с фоном страниц, что препятствует визуальному движению в пространстве книги.
Ключевой особенностью таких иллюстраций является то, что их можно воспринимать по-разному с близкого и дальнего расстояния: вблизи лучше воспринимаются отдельные фрагменты изображения, прочитывается визуальный сюжет; для того, чтобы получить общее представление о композиции, читателю рекомендуется изучить иллюстрацию с дальнего расстояния. Таким образом, благодаря визуальной коммуникации, процесс чтения становится более активным. читатель вступает в своеобразный диалог с книгой, осмысливая ее содержание разными способами. Создание подобных визуальных коммуникаций в дизайне иллюстрированной книги является необходимым условием для удовлетворения потребностей современного читателя.
Жанр монохромной живописи, применяемый в книжном оформлении способствует сохранению и усовершенствованию традиционных изобразительных техник таким способом, чтобы книга соответствовала эстетическим и духовным потребностям современного общества. В настоящее время наиболее актуальным становится вопрос о синтезе традиционного и современного искусства, интеграции классических и новаторских методов в процессе гармонизации визуальной среды. Для эффективной реализации данной задачи недостаточно изучить основные приемы и эстетические особенности традиционных техник, здесь необходим и личный вклад специалиста, его художественное видение и активное вмешательство, реконструкция и адаптация уже существующего подхода — только так абстрактное идейное содержание может обрести образную визуальную форму воплощения. Сейчас происходит активное развитие дизайна детской иллюстрированной книги в этническом стиле, поэтому жанр монохромной живописи тушью, являющийся носителем национальной эстетики, должен стать предметом особого внимания художников и дизайнеров.
В проектировании книги недопустимо только формальное использование этнических элементов: такой подход снижает художественную ценность и книги, и национального колорита в целом. Напротив, необходимым условием проектирования в данной сфере является понимание системы, исторических закономерностей, и сознательное использование культурных элементов и традиционных техник в современном дизайне детских иллюстрированных изданий, сохранение единства и гармонии в идейном содержании и графическом оформлении книги. Интеграция эстетических ценностей, фундаментальных основ традиционного искусства и новаторских подходов в сферу книжного оформления составляет залог успешного развития дизайна детской иллюстрированной книги в соответствии с самыми высокими мировыми стандартами.
2015(3), С. 27–31.
Как соотносятся эти направления в Вашем творчестве?
Китайские производители используют исконно свои, многолетним путем проверенные пигменты. Именно они придают неповторимый яркий колорит восточным работам. Китайские кисти из шерсти козы, волка, барсука совсем отличаются от наших отечественных. Необходимо только один раз попробовать, чтобы понять разницу.
Шелк часто применяется мной для изготовления ширм, вееров и настенных панно. Декоративный китайский шелк используется для оформления художественных работ.
Соответственно, эмоциональный отклик у китайского и европейского зрителя от одной и той же художественной работы, тоже разные. Каждый видит свое. Что восхищает европейца в восточных картинах, может оставить равнодушным китайца и наоборот. Зачастую, тот же замысел может считываться на уровне — нравится произведение или нет. Для более глубоких философских рассуждений на эту тему можно посвятить отдельную статью. Что касается владения материалами и инструментами для живописи – это первостепенно. Понятие единой черты «и хуа» и передачи замысла«и цзин» — это не что иное, как ощущение творческого потока во время создания работы. Это то состояние, которое испытываю все творцы разных видов искусства, иначе настоящие творчество невозможно. «Избегай духа ремесленничества» — гласит китайская мудрость; сказано именно об этом. В творческом потоке создаются настоящие шедевры.
Это были художник Хань Ло ди и Юань Гуан дун, показавшие приемы владения кистью. Я узнал секреты владения кистью и тушью, что называется из первых рук, и далее совершенствовал технику самостоятельно, вырабатывая свой стиль.
Это то, что раскрывает ее замысел в полной мере и целиком гармонирует с ее изображением. Иногда автор ставит подпись или просто печать. Есть популярные или ключевые подписи, которые подходят ко многим работам. Конечно же, я беру поэтические строки для комментариев к своим работам у китайских или японских поэтов. Создать уникальную надпись к картине — это отдельный вид искусства и он по силе только представителям дальневосточной культуры.
д. Подпись с печатью неотъемлемая часть композиционного решения в восточной картине.
Традиционная китайская живопись отличается от западного искусства особенностями техники выполнения рисунка. Изображение наносят не на привычный всем холст, а на специальную бумагу или шелк при помощи специальной китайской кисти.
Стихотворения добавляют на полотно, вплетая в основной сюжет. Это главная отличительная особенность. Иероглифы и стихи, написанные автором картины, становятся его почерком, проявлением индивидуальности.
Картины первой группы передают общие идеи и ценности.
Овладеть секретами живописи тушью совсем не так уж просто. Тут очень важно безупречное владение кистью.
Этот девиз очень хорошо выразил идею органического единства поэзии и живописи, достичь которого стремились поколения китайских художников.
Через внешнее сходство воспроизведи их дух. Достижение этого зависит от руки, от совершенства штриха. Поистине невозможно это выразить в словах — тайна этого лежит в сердце» («Слово о живописи из сада с горчичное зерно»)
В нужный момент эти картины вывешиваются на стену.
Таковы, например, Су Дунпо (1037-1101 гг.), Ни Юньлинь (1306-1374 гг.), Дун Цичан (1555-1636) и др., чьи картины неизменно украшались стихотворными строчками или надписями.
Найденная на раскопках цветная керамика с нарисованными животными, рыбой, оленями, и лягушками показывает, что в период неолита китайцы уже начали использовать кисти для рисования.
Его работы отличаются тем, что на одной картине н мог сочетать несколько стилей и методов написания.
Как правило, многие китайские художники являются также поэтами и каллиграфами.
д.)
Поэтому я не буду пытаться объять необъятное, а постараюсь «прорисовать» самые значимые и интересные моменты. Постараюсь, чтобы вы прочувствовали самобытность этого вида искусства.
Каждый живописец Китая — это каллиграф, а каллиграф — самый настоящий живописец.
В китайской живописи передача целостной формы происходит с помощью единой линии.
Бутоны — это ещё неразделённые Небо и Земля, тычинки ещё невидимы, но их основа уже существует внутри них.
Орхидея растет в горных долинах, вдали от всех других цветов. Для древних китайцев орхидея была символом скромного достойного человека, который не будет выставлять себя на показ.-class-2019-standard-profile-level/nazarenko-art-10(11)-class-2019-standard-profile-level.files/image250.jpg)
Копировать такие картины очень трудно, скорее невозможно, их пишут без предварительных эскизов. Один из самых известных художников традиционной китайской живописи XX века мастер Чжан Дацянь говорил, что се-и это передача духа предмета и его внутренней сущности.
Если Вы вскоре увидите, что из Ваших рук выходит нечто прекрасное, то возьметесь за новую работу. Вы найдете то, что Вам поможет познать лучше самого себя.
— М.: Наталис, 1997
Мудрый человек «с утра наблюдает формы облаков и так выправляет себя». И еще облака — прообраз череды сновидений, побуждающих нас пробудиться, прообраз великой естественности сознания, сумевшего освободиться от всего частного и бренного, до конца «опустошить себя». «Смотри, как проходят облака сквозь гору, не встречая преград, — так постигнешь секрет погружения в пустоту» (Хун Цзычэн. ХVII в.).
Используя яркие цвета и новые техники, он произвел революцию в пейзажной живописи в то время, когда многие из его современников использовали только тушь и рисовую бумагу, чтобы отразить классические традиции.
Это привело к прорыву в его изображении заснеженных гор », — объясняет Кармен Шек Черне, глава отдела продаж китайской живописи в Гонконге.
Именно там он нашел новые возможности для изучения музейных собраний классической живописи. В США он также проявил интерес к средиземноморской древности, а также к истории средневековой и ренессансной Европы.
«С тех пор Ли вернулся в Китай, путешествуя по живописным, историческим и культурным местам, включая гору Хуанг и Дуньхуан, которые остались неизменным источником вдохновения для его более поздних работ».
«Интерес к буддийской философии побуждает Ли Хуайи искать такие мотивы в природе. Иногда форма скал напоминает профиль Бодхидхармы », — говорит Серн.
1963), Уходящая лошадь , 1997. Свиток, смонтированный и оформленный, бумага, тушь и цвет. 30⅝ x 22 дюйма (78 x 56 см). Смета: 500 000–700 000 гонконгских долларов. Предлагается в продаже с использованием китайских современных чернил 25 ноября 2019 года на Christie’s в Гонконге,
Его карьера неоднократно выходила за рамки современного тушного искусства.
«Спонтанная деконструкция классических картин, как визуально, так и концептуально, теперь имеет решающее значение для художественной практики Ванга.’
Созданные исключительно путем наложения слоев в рамках концептуального акта, дополнительное измерение ландшафта и каллиграфии может создать безграничное пространство воображения для зрителя ».
«Кисть стала продолжением моего тела», — сказал он однажды. «Каллиграфия была моим призванием, моей жизнью и моим стремлением».
Они представляют собой универсальную тему — лотос, символизирующий вечность, чистоту и буддийский ранг Пробужденного », — поясняет Серн. «Его особый« влажный »стиль живописи, как видно выше, пылко энергичен, выражая эмоции художника в их самой сложной форме».
Он наиболее известен тем, что изображает пейзажи, цветы и гуай-ши — или «странные камни» — и его картины часто получают самые большие деньги на аукционах искусства, таких как Sotheby’s. Лю в настоящее время живет и работает в Пекине, проводит выставки по всему миру, особенно в Соединенных Штатах. На первый взгляд, его картины можно было принять за культурные реликвии, созданные много веков назад, но Лю Дань — современный литератор, способный уловить сущность современного Китая через рамки его прошлого.
Он начал заниматься искусством в 2004 году, но только в 2014 году он начал привлекать более широкое внимание.
Кроме того, он может применять подход гунби , который представляет собой осторожную реалистическую технику, которая фокусируется на деталях и часто изображает фигуральные или повествовательные предметы. Линь — плодовитый художник, создающий бесконечные концептуальные басни с изображениями пейзажей, цветов, птиц и людей.Как и Лю Дань, Линь сделал себе имя среди коллекционеров произведений искусства, его произведения часто продаются на аукционах.
Основанное за пределами Гонконга, движение фокусируется на адаптации тысячелетних техник к экспрессионистскому и концептуальному контексту современного искусства. Как авторитетное имя в этом стиле, Луи превзошел все ожидания на аукционе, его работы были проданы за миллионы при оценках в сотни тысяч. В своих картинах Луи поддерживает почти духовную связь со своими материалами. У каждой капли чернил есть цель, и часто, особенно в своих более поздних работах, Луи наносит на бумагу лишь несколько задумчивых штрихов.
Я закончил свой тур в Музее современного искусства Дубровника, где я посетил выставку «Увлечение рисованием тушью» от художников Китайской национальной академии живописи. Почти два месяца спустя, когда многие из вас следят за Inktober, рисуют или интересуются им, я решил, что, возможно, сейчас самое подходящее время, чтобы познакомить вас с китайской художественной формой рисования тушью и стиркой (вкратце, тушью).
Большое значение было уделено непосредственности и умению быстро и остро удовлетворить сердце — как художника, так и зрителя. Вдохновляясь историей и культурой Китая, одновременно отражая личный опыт художника, эта произвольная, спонтанная и интуитивная манера письма позволила уделить большое внимание собственным духовным чувствам художника. Используя только чернила и воду, художники использовали только оттенки черного, серого и белого и лишь изредка добавляли немного одного дополнительного цвета — обычно красного или синего.В отличие от других, более реалистичных техник в мире китайского искусства, рисование тушью не заботилось о богатстве цветов или использовании ярких фонов. Вместо этого с его большой палитрой чернильных мазков, толщиной линий и большими пустыми пространствами он сосредоточился на уловке «духа» или «сущности» изображаемого объекта, а не его точной формы.
Таким образом, для них рисование тушью было больше, чем просто живописная форма. Это было своего рода философией духовности; Это была художественная эпоха, когда художник демонстрировал свое восхищение и скромное понимание Вселенной. Точнее, техника смывания чернил отражала тот факт, что вселенная бесконечна, и поэтому для любого литератора было бы глупо даже пытаться изобразить вселенную. Древние мастера предпочитали, с одной стороны, оставить части картин пустыми и рассматривать этот пустой фон как саму Вселенную, но с другой стороны, они предпочли использовать экономичные линии, чтобы уловить дух изображений, которые представляли те второстепенные части вселенной, которые мы действительно можем увидеть и (попытаться) понять.Таким образом, сочетая насыщенные, сжатые линии и оставляя большие пустые участки на картинах, мастера уважали китайскую культуру и свою философскую мысль о том, что «полное отсутствие вещей лучше, чем их присутствие» , или даже тот факт, что есть тот «момент, когда тишина может говорить гораздо больше, чем речь» .
Тем не менее, импрессионизм развился так поздно — фактически в XIX веке, — что я не могу задаться вопросом, действительно ли китайские мастера вдохновили европейцев на эксперименты со стилем. Ни для кого не секрет, что Европа давно страстно увлекалась (восточно) азиатским миром и была одержима им, будь то использование шелка, фарфора или чая.
) и обогащают темы, изображенные на их картинах.Художники не боятся пробовать различные эстетические стили и языковые формы, и теперь — через изображения природы или человеческих лиц и тел — они пытаются выразить свои заботы о человечестве или исследовать духовное состояние современной цивилизации. Современные художники также более критически относятся к своей работе в отношении текущих политических или культурных проблем, и своей работой они побуждают нас задуматься о роли глобализации (например, рисуя памятники, здания и пейзажи вне Китая и за пределами китайской культуры. ), а также возможные духовные, культурные и лингвистические проблемы, которые могут возникнуть вместе с этим.
Мне также нравится, когда художественные формы включаются в фильмы или книги, а когда дело доходит до рисования тушью, анимационный фильм «Чувства гор и вод» , созданный Шанхайской студией анимационных фильмов в 1998 году, считается шедевр этакой китайской водно-тушной анимации. Он включает фигуры чернил и кисти на живописных пейзажных фонах, созданных на рисовой бумаге, в то время как внимание аудитории удерживается очень реалистичными чернилами и размытыми картинами, изображающими выражения и действия персонажей.Если этот пост заставил вас хоть как-то заинтересоваться миром туши и рисования, вам стоит взглянуть на этот анимационный фильм.
Кроме того, они часто сопровождаются китайской поэзией. Этот стиль когда-то был традиционным стилем живописи для жителей Востока в целом и распространен также в Японии, Вьетнаме и Корее.
На Pinterest я собираю для вашей справки некоторые из этих рисунков тушью в современном стиле.