Китайская живопись го хуа. Рисуем сливу мэй
Янв 03, 2014
in Мастер-классы по рисованию by Марина ТрушниковаКитайская живопись гохуа. Цветущая ветвь.
Корявые ветви с прекрасными розовыми цветами – традиционный мотив в восточной живописи. С удовольствием предлагаю вам мастер-класс из собственного опыта занятий живописью гохуа.
В Японии рисуют сакуру – дикую вишню. В Китае – дикую сливу.
Признаюсь, я плохо отличаю первое от второго. Даже в ботаническом смысле.
И отличить китайскую живопись го хуа от японской суми-е мне тоже не так уж просто. Надеюсь, к этому знанию я ещё приду.
Мастер-классы по восточной живописи:
Пока же отличие, которое я наблюдаю, состоит в том, что китайская живопись более насыщена элементами, в ней всё “ярко и много”. Как в жизни.
Японское искусство более условно, наполнено символическими смыслами.
Оно часто минималистично. Одна ветвь, несколько бутонов – очень простые композиции в противовес китайской пышности и роскоши.
Однако этот вариант, взятый мной из китайского пособия по рисованию дикой сливы, достаточно прост и похож на японский сюжет с изображением сакуры.
Книга эта написана на китайском, поэтому прошу прощения у ее создателей, что не могу указать авторов.
Живопись гохуа: пишем сливу мэй
1. Рисуем основную ветвь.
Движение кисти быстрое, с остановками на поворотах ветви. Кисть прижимается к бумаге всей свое поверхностью, двигаясь торцом.
2. Добавляем тонкие ветви.
Тонкие ветви рисуются кончиком кисти. Движение от основной ветки. Каждую мелкую ветвь “отращиваем” от основной – т.е. кисть ставится у большой ветки и движется в сторону с уменьшением нажима. Таким образом веточка становится тоньше к своему окончанию. Кое-где оставляем зазор между линиями, чтобы вставить цветы.
3. Добавляем цветы.
Их логика – у основания ветки цветы более крупные, распустившиеся, затем полураспустившиеся, затем точки – бутоны.
Более подробный разбор цветов.
Сначала рисуются розовые лепестки. По мере высыхания – тычинки и чашелистики.
4. Прорисовка цветов.
Черной тушью прорисовываются тычинки, шипы на ветках, остовы цветочков.
5. Финальная часть – каллиграфия и печать.
В традиционной живописи Дальнего Востока каллиграфия ценится выше, чем живопись.
Подпись, стихотворная строчка или высказывание добавляются в финале.
Завершает работу авторская печать.Буду рада вашим комментариям! Если материал понравился, поделитесь им в соцсетях!
Копирование данной статьи разрешено с активной ссылкой на этот блог.
(с) Марина Трушникова
КИТАЙСКАЯ ЖИВОПИСЬ В ЭЛЕМЕНТАХ ПЕЙЗАЖА
Рисуем скалы, используя интересные приёмы из китайской живописи. В чем разница “мужских” и “женских” камней? Как передать их объем и фактуру?
Узнайте из этого мастер-класса!
Если тема рисования цветов Вам интересна,
если Вы хотите изучить разные стили рисования растений, то Вы можете
Посмотреть описание и заказать
ВЕСЬ КУРС “ЦВЕТЫ В АКВАРЕЛИ”
Восточная живопись — философия в искусстве рисунка
В то время как западное искусство всегда стремилось покорить и познать суть и прелести природы, восточное же искусство, наоборот, ставило перед собой задачу сохранности истории создания мира.
Все это можно было изобразить лишь при помощи намеков и символов. Таким идеологическим подходом пользуется восточная живопись, которая отображает не только видение окружающего мира, но и определенный спектр философских соображений.
Китайская живопись
Национальная живопись Китая является удивительным и неповторимым явлением, которое весьма затруднительно постичь среднестатическому европейцу. Даже материалы, которые использовались для создания уникальных восточных шедевров, полностью отличаются от традиционных акварелей, ватманов или масляных красок. Как правило, живопись древнего Китая отличается использованием бамбукового волокна, а также растительных или тканевых материалов. Большинство произведений искусства выполнены черной тушью. Китайская живопись Гохуа в странах востока и вовсе пользуется колоссальной популярностью, а стоимость одного такого произведения искусства тяжело отнести к демократичной категории.
Видео китайской живописи может наглядно показать, что такие картины не несут в себе привычного объема.
Здесь преобладает линейность, тонкие линии, которые предают картине чувство безмерной бесконечности и пространства. Особое внимание китайская живопись уделяет деревьям, животным, цветам. Сегодня, посетив хотя бы один урок китайской живописи можно понять, что такое произведение искусства на западе нигде не увидеть. Это действительно настоящие шедевры, которые могут дополнять большинство современных интерьеров.
Японская живопись
Современная японская живопись состоит из двух школ. Суибокуга является искусством монохромного типа, которое создается при помощи нанесения туши на шелк, также может использоваться тонкий слой рисовой бумаги. Праотцами такого направления японской живописи являются буддисты, для которых нанесение черных оттенков на белый холст является одной из духовных дисциплин и предметом для размышления, поэтому японская живопись тушью у буддистов была и остается в приоритете. Отличительной чертой такого искусства является не отображение внешних очертаний определенного объекта, а его внутренней концепции.
Ямато-э является вторым направлением японской живописи. Это своего рода красочные и яркие отображение, которые изображают определенные исторические или литературные сюжеты. В отличие от выше описываемого варианта, ямато-э относится к категории светского искусства. При помощи использования картин данной японской школы расписывались императорские дворцы, а также жилища знатных людей Японии. Отличительной особенностью такого направления японской живописи является отображение времени года, которое могло символизироваться при помощи отображения растений определенной поры года. Часто можно услышать такое выражение, что картинки японской живописи не несут в себе какой-либо смысловой нагрузки. Но для понимания такой культурной живописи необходимо понимать взаимоотношения земли, неба и человечества.
Трекбэк с Вашего сайта.
Китайская живопись — Художники — Zen Designer
Говоря о китайском живописном наследии, обычно представляют нечто изящное, гармоничное, изображения цветов, птиц, горных далей.
«Нет искусства более страстного, чем китайская живопись», — писал искусствовед из New York Times Холанд Картер.
Живопись и каллиграфия получили наибольшее развитие среди аристократических придворных кругов. Аристократы и чиновники по преимуществу были любителями, имевшими достаточно свободного времени для совершенствования техники владения кистью. Каллиграфия считалась самой высокой и самой чистой формой мастерства. Искусство почиталось как научное занятие образованного класса. В большинстве случаев величайшие мастера кисти — это в первую очередь государственные чиновники, ученые, поэты. Скульптура между тем за изобразительное искусство не признавалось.
Начиная с династии Тан, основным элементом композиции был пейзаж, как правило монохроматический. Художник ставил целью не воспроизведение внешнего вида природы, а стремился к пониманию атмосферы, ощущений, выражению ритмов природы. Период династии Сун охарактеризовался более тонким подходом. В картинах присутствуют размытые очертания контуров гор, растворяющихся в тумане.
При этом акцент всегда смещается к духовным качествам и зависит от способностей художника раскрыть внутреннюю гармонию природы, какой она воспринимается с позиции даосской и буддийской философии. Позднее стали формульроваться традиции изображения простых предметов — ветки, фрукты, несколько цветов. Повествование расширилось, добавилось больше цвета.
Критерии мастерства впервые сформулированы живописцами эпохи Тан. Первостепенной задачей творчества было «схватить Ци» предмета. Мазки кисти изображают явления, подсмотренные у природы: скользящие волны, прыгающий дракон, игривая бабочка, капля вот-вот упадет. С другой стороны термины «плоть» и «кровь» использовались для описания самого искусства. Например, термин «кровь» описывает качество чернил.
Китайскую живопись можно разделить на три стилистические формы: тщательное детализированное кунг-пу, вольный выразительный «эскиз идеи» и «свободный путь», лишенный крайностей, схватывающий внутреннюю суть предметов. Явное выражение технических навыков считалось вульгарным, поэтому важнейшим понятием творчества было «сокрытие бриллианта», недосказанность.
Традиционный стиль по существу включал те же самые технические методы, что и каллиграфия. Работа выполнялась кистью, смоченной черными или цветными красками. Масло не применялось. Наиболее популярные материалы — шелк и бумага. Готовая работа хранилась в виде свитка или закреплялась на стене. Зачастую шедевры не предназначались для украшения покоев, но скорее для хранения в сундуках и крайне редко доставались оттуда.
Произведения каллиграфии и живописи впервые появляются как фрески, художественная роспись, альбомные листы, декоративные панно, часто используемые как украшения интерьеров. Старейшие сохранившиеся картины — это буддийские настенные фрески в пещерах и храмах.
Первые живописные свитки датируются периодом 770-481 до н.э. Они представляют собой расщепленные стебли бамбука или узкие деревянные полоки, складывающихся как гармошка. Позднее (период Восточная Хань, 25-220 н.э.) широко используется шелк и бумага.
До династии Тан большинство изображений хранились в виде свитков.
Каждый свиток мог иметь размеры от нескольких сантиметров до десятков метров. Чтобы правильно начать изучение произведения, нужно положить его вертикально, раскатать влево и свернуть с правой стороны. Такие картины имеют чрезвычайно большую длину. Композиция направляется слева направо, причем значительная часть свитков — это всего лишь одна картина, хотя встречаются такие, где несколько более коротких сюжетов смонтированы вместе. Для примера, существует панорамное графическое повествование длиной 45 метров шелка, которое содержит 1550 иероглифов, около 1000 фигур и 785 лошадей.
Тэг:
современная китайская живопись — Моноклер
Рубрики : Арт, Культура
От поиска гармонии и места человека в мире к жизни в «песочнице», проблемам «человекоединиц» и подмене понятий: специалист по истории искусства Анна Селюнина коротко рассказывает, как изменилась художественная традиция Китая и какие вопросы перед нами ставит современная китайская живопись.
«Новая» эстетика Китая
Слева: Ли Хан «Готовые подняться на гору», 1926г.
Справа: Чжан Линьхай «Красная серия» №5
Живопись Поднебесной веками поддерживала традицию, которая включала тиражирование образов природы: пейзажей, мира птиц и растений. В основе всего этого лежит принцип Дао — пути. Таков же негласный закон для творчества — философское отношение к жизни. В основе рассуждений китайского художника — наблюдения за течением времени, восхищение окружающим миром, обнаружение гармонии в нем.
Не стоит забывать, что миру свойственны перемены. Основанием к масштабным переменам в живописи Китая стала Великая пролетарская культурная революция. Её цель сводилась к преобразованию просвещения, искусства и культуры, которые на тот момент не соответствовали идеям социализма. Так, новые идеи и ценности сломали плодоносящее дерево традиции. Места сломов принесли свои плоды: незрелые сначала, новые художники превратились в настоящих талантливых современных гениев.
Современный художник Китая: о чем он рисует?
Слева: неизвестный художник.
Справа: Цзэн Фаньчжи, серия Личина №5, 1998
Картина неизвестного художника наполнена символизмом. Несгибаемость, преодоление себя и человеческая гордость в цветках сливы. Панда символизирует Мир и сотрудничество. Задача художника погрузить в размышления о гармонии мира и месте человека в нем. Таким образом повседневность теряет смысл в разговоре о Вечном.
В картинах Фаньчжи, художника-авангардиста, ярко проступает обратная сторона реальности. Он имеет смелость обнажить страхи и бескрылые надежды человека. Бумажный вертолет в руках маленького-взрослого мальчика. Его поделка-игрушка контрастирует с железной птицей, пересекающей океан. Тяжелые руки тянут к земле, лишают крыльев. Образ «человекоединицы» без надежды на лучшее.
Слева: китайская средневековая живопись;
Справа: Чжан Линьхай, серия «Песочница»
Китайская мудрость гласит — мир познается здесь и сейчас. Вселенная — это гармоничная «непереполняемая пустота» без божества и культа. Задача человека здесь — достичь такого же совершенства.
В средневековой картине птица — символ трансформации проявленного духа. Люди не осознают, что крылья даны всем и каждый способен достичь Небес.
В современных картинах Линьхая мы видим одновременно сюрреалистическую и «земную» реальность. Стандартная жизнь человека в рамках «песочницы». Принцип существования общества — следовать проложенному курсу. Пустой стул символизирует отсутствие мотива — это оправдание бездеятельности и тупости. Младенец из плоти и крови выше всего окружающего. Он воплощает жизнь, любовь и боль.
Чжан Сяоган, «Амнезия»
Картина Сяогана объединяет традицию и современность. Напоминает о непостоянстве человеческой памяти. Подмена понятий и единый стандарт не должны позволить забыть о своей уникальности. Искусство способно синтезировать прошлое и настоящее в новых формах. Изменчивость и любопытство свойственны природе человека и никакие политические идеи не в силах остановить этот процесс.
Обложка: Цзэн Фаньчжи «Серия Личина», №10 (фрагмент, 1994 г.
) / частное собрание.
Если вы нашли ошибку, пожалуйста, выделите фрагмент текста и нажмите Ctrl+Enter.
Похожие статьи
Японская И Китайская Живопись Картинки
Китайская живопись, галерея картин
Однако в день ее открытия сообщили о заложенной в зале бомбе и оно было отложено. Отличается не столько качественно, сколько самим подходом идеей, философией. Чэнь Шицэн (, 1876-1923) произошел из семьи видных чиновников и ученых. Другим важным аспектом произведения живописи он считает поэтичность, приводя принадлежащую неизвестному автору фразу: «Поэзия — это лишенная формы живопись живопись — это обретшая форму поэзия».
В этих работах пейзаж – место для прогулок и развлечений. Эта традиция, несомненно, началась в период раннего средневековья под влиянием Китая, но со временем стала рассматриваться как часть японских традиций, которая существует и сегодня. Первое время дзэн-буддизм в Японии находился под сильным китайским влиянием.
Золотым веком укиё-э считается конец XVIII — начало XIX веков. Разумеется и подход к изображаемому на полотне у них был различным. Первая категория «Сеи» характеризуется простыми и смелыми ходами, предназначенными для передачи основных особенностей объекта – формы, пропорций, цвета. Она была распространена не только во дворцах и храмах, но и при захоронениях.
Японская живопись: красота загадочной страны
Другой сунский художник Ван Вэй первым стал писать только черной тушью с размывом. Начиная с династии Юань (1280-1367) в китайской живописи наметились важные перемены, связанные с приходом в искусство художников-интеллектуалов. Яркий пример — панно «Цветы и птицы», состоящее из сорока девяти свитков. Они работают очень кропотливо, прорисовывая детали и фактуру скал, деревьев, прозрачность воды и людей. Яркие примеры картин с параллельной перспективой у ранних мастеров 8 – 13 веков.
Действительно, традиция китайской живописи (сама техника рисования) строилась на аксонометрии.
Написанный быстрой, легкой кистью, мало похожий на реальный, пейзаж создает особую поэтическую атмосферу, которую развивают каллиграфические надписи в верхней части свитка.
Отсуюда ощущение взгляда из бесконечности в бесконечость. Большинство произведений искусства выполнены черной тушью. Шанхайский региональный стиль появился к 1850-м годам, во главе с Рен Сюном (, 1823-1857), его более популярным последователем Рен Боняном, 1840-1896) и У Чаншо (, 1844-1927). Эта техника была в основном принята профессиональными или придворными художниками, в отличие от стиля «живопись идей (xieyi, )». Второй термин часто применяют к стилю Гохуа.
«Гохуа»: искусство традиционной китайской живописи
Любовь к каллиграфии встретишь сегодня повсюду в Китае. Однако, главным в творчестве мастера стали пейзажи, выполненные в монохромной технике суйбокуга («живопись тушью и водой»). Ремесленник заботился прежде всего о формальном сходстве и соблюдении правил рисования, а интеллектуал главное внимание сосредоточивал на передаче эмоционального настроения.
Они сфокусировались на птицах, цветах и живописи фигур.
Ещё одной несомненной национальной особенностью китайской живописи является каллиграфия. Но техническая сторона рисунка вторична. Японская гравюра в 1780-1790 гг.
Для достижения целей художники используют различные техники работы с материалами. Картины первой группы передают общие идеи и ценности. В Китае любой художник это каллиграф, а любой каллиграф это художник. Несомненной находкой Кано Масанобу стало соединение в рамках одного произведения элементов двух классических жанров — пейзажа и катёга («цветы-птицы»).
Зародившись тысячелетия назад, китайская культура процветает и сегодня. В Пекине открылась галерея современного искусства «Красные ворота».
Традиционная живопись Китая, как портретная, так и пейзажная или жанровая, разительно отличается от западной. История японской живописи прошла в своём развитии несколько этапов. В Чэнду в провинции Сычуань мастер Хуан Цюань (, приблизительно 903-965) разработал натуралистический стиль (xiesheng, «набросок жизни» или живопись) для рисования птиц.
Они указывают на то, что это произведение относится к синтетическому виду искусства — сигадзику («стихоживопись»), объединившему в себе живопись, каллиграфию и поэзию.
Птицы в традиционной японской живописи
Основными жанрами китайской живописи были пейзажи, «птицы-цветы» и живопись фигур. Из всех жанров наибольшее значение приобрел пейзаж. На его цветочные картины влияли художники династии Мин Чэнь Чун ( ).
Весь этот мир кажется таким огромным, как будто ты летишь откуда-то сверху. А после открытия власти дважды предъявляли ультимативные требования закрыть выставку (за всего лишь две недели ее работы) и добились своего. Вторая группа «Гунби» тяготеет к передаче деталей, мелких подробностей в изображении.
Вскоре японские пейзажи стали одной из предпочтительных тем для изображения. Существует еще два понятия «юхуа» и «шуймохуа»: первое понятие означает «масляная живопись», второе – «живопись тушью». Среди немногих (около 40) сохранившихся работ художника — портрет священника Сойти (1202—1280), основателя этого монастыря, отличающийся высокой драматичностью и реалистичностью изображения.
Стили японской живописи: от истоков до наших дней
Он оставался в Японии до 1910 года. В стиле се-и, как правило, отсутствуют четкие контурные линии, картины написаны непосредственно нанесением тушью «фактуры» изображаемого предмета. В год до образования Китайской Республики (1912) он вернулся в Китай, преподавал искусство и стал заметным в художественных кругах. Отражением этого факта стала трансформация китайской живописи.
Подобные районы существовали и в Осаке и в Эдо. Дзёсэцу — один из первых японских мастеров, работавших в стиле суйбокуга (живопись тушью). В 1902 году Чен отправился в Японию для дальнейшего обучения. Ямато-э является вторым направлением японской живописи.
Их вдохновил стиль ряда вышеупомянутых индивидуалистических художников эпохи Мин и Цин. Например, монохромный пейзаж с одним ярким цветовым пятном – красным заходящим солнцем. Живопись на шелке впервые появилась в эпоху Сражающихся царств. Древние образцы китайской живописи восходят к периоду неолита (ок.
Фотографии в стиле традиционной китайской живописи
по памяти. Его отец, Кано Масанобу, происходил из военного класса и был придворным живописцем сегуна Аси-кага Как художник, обслуживающий аристократические кланы, Масанобу был приверженцем китаизированного направления (канга) в искусстве. Монгольские захватчики проводили политику жестокого национального угнетения.
Верхняя часть свитка покрыта каллиграфическими надписями, большей частью поэтическими. Органичный синтез поэзии-каллиграфии-живописи в данном изображении Дзёсэцу проявился, пожалуй, в большей степени, чем в других его композициях. Постепенно живопись интеллектуалов заняла доминирующее положение. Произведение Дзёсэцу выполнено в монохромных тонах, с несколькими акцентами красной краски (на тыкве-горлянке). Подобный шаг привел к усилению декоративных свойств с сочетанием детально и точно переданной натуры в живописных композициях. Для обозначения стиля применяют понятие «даньцин» — в переводе «живопись» или «рисование».
В период доминирования китайского направления техника японской живописи базировалась на технике школы Кано. Как вы можете сами увидеть, что это просто классные работы. Это захватывает дух. В живописи и графике предпочтение отдается линии.
Замечательная подборка китайской живописи, суми-э, акварельи. В произведении Минтё присутствуют все основные элементы «идеального пейзажа»: небольшая хижина с фигуркой человека, камни, омываемые горным ручьем и проступающие сквозь туманную дымку вершины гор. риннасей).
Картины китайской классической живописи
Вот таким образом часто говорят, что китайскую живопись не рисуют, а пишут и не смотрят, а читают. Самые известные работы в стиле эмаки можно увидеть в японском эпосе «Повести о Гендзи», который датируется 1130 годом, хотя написан мог быть и раньше. живопись завоевала ведущее место среди других видов искусства. Особое внимание китайская живопись уделяет деревьям, животным, цветам. Второй известный представитель «живописи интеллектуалов» известный пейзажист Го Си в своём трактате «О живописи», считает картину своеобразным психологическим портретом автора, подчеркивая высокий смысл личности и благородства художника.
Монастыри были главными очагами культуры в средневековой Японии. Особенной известностью пользуются его работы, объединённые в сборнике «36 видов Фудзи»: в его картинах Фудзи впервые появляется как символ Японии.
Начиная с правления династий Шан и Чжоу и до эпохи Весны и Осени (Чуньцю) и Сражающихся царств (Чжаньго) (16-3 вв. Последний произвёл революцию в укиё-э, впервые применив технику цветной печати. Монастырь Сёкокудзи относился к школе Риндзаи-дзэн известной также под названием «школа внезапного просветления». Укиё-э («картинки плывущего мира») — один из популярнейших стилей японского изобразительного искусства периода Эдо, появился он в первой половине XVII века, а во второй половине XIX века пришёл в упадок. Японская живопись (яп.
Современные китайская живопись гохуа
Буддийские сюжеты были одной из важных составляющих китайской живописи, хотя сам Кано Мотонобу редко обращался к этой теме. Свиток «Патриархи дзэн-буддизма» представляет собой групповой портрет основоположников Дзэн (всего их 6) в окружении учеников и на фоне канонического китайского пейзажа сан суй («горы-воды»).
Живопись цветов, ранее связанная главным образом с буддийским искусством, вступила в свои права как отдельная отрасль живописи в период пяти династиях (907-960). Дзэн-буддизм, проникший в страну из Китая, начал утверждаться в Японии еще во времена Камакурского сёгуната, а в XIV веке получил статус официальной идеологии.
В VII – XIII вв. Вслед за бытовой живописью гравюра стала называтьсяукие-э. Гао Цзяньфу изучал искусство в течение четырех лет в Японии, начиная с 1898 года во время второй поездки он встретил Сунь Ят-сена, а затем в Гуанчжоу (Кантон) участвовал в восстаниях, которые проложили путь к падению императорского правления и созданию республики в 1911 году. Жанр «стихоживописи» пользовался большой популярностью среди монахов школы Дзэн и среди художников и поэтов, связанных с дзэнским учением. вступает в период расцвета.
В юности он ушел в монастырь, где принял учение Дзэн. Большая часть пространства картины оставалась незаполненной, «пустой», а предстающие зрителю еле различимые вершины гор и пагод, человеческие фигуры, почти скрытые деревьями или камнями, как бы окутаны туманом.
Тем более, что в Китае живопись и каллиграфия очень близки.
Восточные мастера намеренно изолировали один персонаж от другого (что видно в работе Кано Мотонобу), вводили между ними интервалы, считая, что формы (персонажи) нужно связывать не столько зрительно, сколько мысленно. Среди первых китайских художников, которые испытали японское влияние, были Гао Цзяньфу (, 1879-1951), его брат Гао Цифэн (, 1889-1933) и Чэнь Шурен (, 1884-1948).
Меньше красочности, картины не столь насыщены, господствует минимализм. С началом колониальной эры Китай начинает всё сильнее подвергаться культурному влиянию европейцев. На художественную ценность укиё-э обратили внимание достаточно поздно, долгое время в Японии этот жанр почитался как «низкий». Первый метод получил название «сеши» («объективное изображение»), второй – «сеи» («передача идеи»). Это скорей всего из-за разного видения мира.
С именами Судзуки Харунобу и Утамаро Китагава связана также японская эротическая живопись.
Начало китайской живописи маслом положил итальянский монах иезуит Д. Кастильоне. Заговорили в последние годы в Китае и о «расцвете» современной авангардной живописи. Восприняв идеи отца, Кано Мотонобу пошел дальше, предприняв попытку соединения уже двух художественных систем — китайской и японской. Китайский концептуальный пейзаж сан суй («горы-воды») носил созерцательно-философский характер, его образный строй основывался на передаче в живописи идеи беспредельности пространства, в котором жизнь природы и человека сливалась в единое целое. Такой взгляд отвечал главной мысли дзэн-буддизма, рассматривавшего природу как высшее проявление истины, гармонии и красоты, а сам пейзаж представал больше культовой и философской, нежели эстетической, категорией.
Традиционная японская живопись и гравюра
Однако довольно быстро связь прервалась, страны развивались параллельно (не без взаимного влияния, конечно же). Кроме того, привыкнув к жизни «в седле», они уважали лишь военную прослойку и презирали интеллигенцию.
Элементы каллиграфии – неотъемлемая часть китайской живописи.
Китайские мастера придерживались принципа: разнообразие — закон природы, но не композиции. Таких героев называли «уединенным человеком, вольным мужем», который наслаждался покоем и созерцательностью одинокой жизни в горах, предавался беседам с друзьями и размышлениям о природе. Хотя новый стиль не приносил удовлетворительных или долговременных решений, он был значительным предвестником и продолжал процветать в Гонконге, практикуемый такими художниками, как Чжао Шаоан (, 1905-1998). В работе ощутимо влияние китайского мастера Лян Кая, для которого характерна крючковатая и угловатая штриховка, прослеживающаяся в фигуре задумавшегося рыбака и густых зарослях тростника.
Фотографии в стиле традиционной китайской живописи (25 фото)
Для представителей западной художественной школы японский стиль укие-э стал не просто одним из экзотических стилей живописи, а настоящим источником вдохновения и заимствования определенных деталей.
Художественная студия Таварая Сотацу специализировалась на чернильной живописи птиц и других благоприятных животных, например, собак, тигров, волов и кроликов как части стандартного репертуара.
Она способна соединять и разъединять, быть связующей нитью и границей. Альбомный лист и иллюстрации на свитках (эмаки) как основные форматы живописи появились практически одновременно с ямато-э. Темой для живописного свитка «Ловля сома тыквой-горлянкой» послужила дзэнская загадка (коан) о том, как поймать скользкого сома при помощи отполированной тыквы-горлянки. Ее придумал Асикага симицу и приказал художнику выполнить для него ширму с данным сюжетом.
Вот таким образом у европейского зрителя, привычного к многофигурным полотнам, часто складывалось мнение о бедности композиции китайских картин. 6-5 тысячелетия до н. э. ). Написание картин в стиле сеи не занимает много времени, но требует очень большого мастерства.
И вот таким образом китайцы и японцы могут многому научить.
Ориентируясь на естественную историю, он продолжал практиковать традиционную китайскую живопись и изучать западное искусство. Такая манера письма оказала влияние на художников последующих поколений, в том числе Огата Корин (1658-1716) и его приемников, создававших картины с изображениями уток по стандарту Ринпа, ставшему частью известного руководства по рисованию (Сто картин).
Идеи Дзэн охватили почти все области деятельности — боевые искусства, театр, архитектуру, чайную церемонию и, особенно, живопись Японии. Во многом, считающаяся вторичной, культура страны восходящего солнца, действительно, в самом начале была «детищем» китайской.
Шедевры японской живописи этого периода оказали большое влияние на европейскую живопись. Именно ему принадлежит заслуга развития метода цветной гравюры. Ветка сливы и журавль – символы, которые говорит нам, что человек изображенный на картине – Ли Бу (967-1028), поэт и литератор, живший на Восточном Острове рядом с Ханчжоу.
Еcли для художников-ремесленников живопись была единственным родом занятия и служила источником существования, то для большинства интеллектуалов живопись была лишь одним из видов их многообразной творческой деятельности..jpg)
Вместе они опубликовали «Исследование китайской литературной живописи» ( ) в 1922 году, в котором изучалась история китайских ученых-художников, которые включили свои знания поэзии и других искусств в свою живопись. Традиционная живопись Китая символична и иносказательна. С точки зрения философии и религии человек – часть природы, а не некая отдельность, относительно которой идет художественное повествование (в отличии от европейской). Принципы китайской живописи прослеживаются и в композиционном построении.
В царствование династий Цинь и Хань (221 до н. э. – 220 н. э. ) получила развитие фресковая живопись. Почему-то люди других национальностей не могут рисовать так же хорошо. После смерти Ли Бу дали прозвище Лин Хэцзин, что означает Роща Гармонии (яп. Картина относится к жанру сигадзику («стихоживопись»).
Китайская живопись – птицы и цветы
Художник особо выделяет необходимость совершенства личности мастера. Людей ездящих на ослах идущих в гору японцев, работающих на полях китайцев.
На свитке изображен рыболов, стоящий на берегу реки и пытающийся поймать сома.
Кистями и тушью на бумаге или шелке поэты пишут стихи, а художники – картины. В эпоху императора Мейджи (1868-1912) и его прозападной политики стиль укие-э, всегда тесно связанный с народной национальной культурой, существенно замедлил свое развитие и практически пришел в упадок.
Первые художники-авангардисты появились в Китае в восьмидесятых годах. Вся творческая жизнь Минтё прошла в монастыре Тофукудзи в Киото, входившем в так называемую систему «пяти храмов» (годзан), проповедовавшую китайскую культуру. В их основе лежала идея Пустоты. Вдохновленные Новым японским стилем, братья Гао и Чэнь положили начало движению «Новая национальная живопись», которое, в свою очередь, породило кантонский региональный стиль, который носил помимо национальных евро-японские характеристики.
Наряду с изображениями цветов стали писать птиц. кайга, «картина, рисунок»)— один из наиболее древних и изысканных японских видов искусств, характеризуется широким разнообразием жанров и стилей.
Китайская живопись – базовые понятия
Одним из интереснейших китайских художников эпохи Цин считается Джузеппе Кастильоне (1688 – 1766) итальянский монах-иезуит, миссионер и придворный художник и архитектор в Китае.
Китайская живопись | Рисуй!
Февраль 12, 2020 от Юлия Чудакова
9
Вы хотите рисовать яркие картины, но еще ни разу не писали масляными красками? Приглашаем Вас освоить живопись маслом на самом летнем курсе проекта “Рисуй”! Занятия начинаются с самых азов и постепенно ведут Вас к все более сложным приемам работы с
Категории: Гуашь, Живопись и графика, Занятия, Китайская живопись, Курсы живописи и графики, Масло, Направления обучения, Натюрморт, Пейзаж, Сейчас, Школа Теги:
Ноябрь 26, 2015 от Юлия Чудакова
Оставить комментарий
Дорогие друзья, мы приглашаем вас совершить внутреннее путешествие в Древний Китай.
И научиться творить и писать в стиле восточных мастеров. Эксперт китайской живописи и каллиграфии Андрей Щербаков как никто другой знает, чем древнекитайская культура может быть полезна современному
Октябрь 4, 2015 от Юлия Чудакова
Оставить комментарий
Приглашаем вас в страну чудес — Китай. Теперь и мы приобщимся к великой китайской культуре с помощью Андрея Щербакова, преподавателя живописи у-син. Мы ДАРИМ Вам это занятие! Просто заполните в форме ниже свой е-майл и имя, и присоединяйтесь
Сентябрь 26, 2015 от Юлия Чудакова
Оставить комментарий
Ещё красками лета горят облака, укрывая вдали перевал. Но робеет подушки коснуться щека, — ветер разом все листья сорвал, И сады, и леса в его власти теперь, его свиста безрадостен звук. И уж в чьём-то дворе тихо скрипнула
Июнь 11, 2015 от Татьяна Хакман
14
Видео-урок в подарок! Приглашаем Вас и Ваших близких вместе с мастером китайской живописи и каллиграфии Андреем Щербаковым научится писать природу в китайском стиле у-син, а также писать благопожелательные иероглифы.
Мастер-класс будет интересен как совсем новичкам, так и тем,
Июнь 3, 2015 от Татьяна Хакман
4
Мы очень долго шли к открытию классов по живописи У-Син. И вот все договоренности достигнуты и с нами теперь мастер Андрей Щербаков! Это один из самых известных преподавателей китайской живописи и каллиграфии в нашей стране. Регистрация участников. Присоединиться
Март 3, 2015 от Нурия Султанова
28
Приглашаем всех в страну чудес — Китай. Теперь и мы приобщимся к великой китайской культуре с помощью Андрея Щербакова, преподавателя живописи у-син. На уроке мы будем рисовать крайне известный и глубокий символ дальневосточной живописи — цветущую ветку сливы
Март 2, 2015 от Татьяна Хакман
14
Мы приглашаем Вас поучаствовать в общедоступном онлайн семинаре Андрея Щербакова в 2-х частях. Встреча состоит из двух частей с небольшим перерывом.
Первая часть будет посвящена китайской живописи у-син. Мы будем учиться рисовать бамбук, столь почитаемый китайцами. Во второй
Февраль 18, 2015 от Татьяна Хакман
Оставить комментарий
Это будет целое культурное погружение, мы откроем совершенно незнакомые большинству аспекты культуры древнего Китая. Андрей Щербаков Уже скоро, 23 февраля, у нас начинается курс китайской каллиграфии под руководством настоящего эксперта в этой области Андрея Щербакова. Что может дать
Июнь 3, 2014 от Нурия Султанова
Оставить комментарий
Андрей Щербаков достиг огромных успехов в китайской живописи. Почему именно Китай и что нужно для того, чтобы достигнуть просветления в искусстве у-син, узнала Нурия Султанова. Творчество Андрея— это его чувства, переживания, навеянные миром древнего Дальнего Востока. Это -другая
|
Жень у хуа (в переводе с кит. человек и цветы) — жанр китайской живописи, изображающий портрет человека или людей на фоне природы.
Постепенно из жанра жень у хуа выделился в самостоятельный жанр пейзаж, который занял ведущее значение в китайской живописи. |
|
| Шидафу-хуа — живопись сановников и аристократов. | |
|
Чунь хуа (в переводе с кит. весенняя / любовная / страстная картина) — эротические изображения от представляющих полуобнаженную и обнаженную натуру до откровенной порнографии. |
|
|
Шань-шуй (в переводе с кит. горы и вода) — жанр китайской живописи, изображающий горы и водопады.
|
|
|
Хуа-няо (в переводе с кит. цветы и птицы) — жанр китайской живописи, изображающий птицы и цветы.
|
|
|
Мо-чжу (в переводе с кит. живопись бамбука) — жанр китайской живописи, изображающий бамбук (от целого растения до нескольких ветвей или листьев).
|
|
|
Мо-мэй (в переводе с кит. живопись цветущей сливы) — жанр китайской живописи, изображающий цветущую сливу.
|
|
Мудань-хуа (в переводе с кит. живопись пионов) — жанр китайской живописи, изображающий пионы.
Мудань-хуа одно из самых значительных стилистико-тематических направлений жанра цветы и птицы. Пион — символ человеческой красоты, богатства, изобилия, почести и пышности. |
|
| Лянь-хуа (в переводе с кит. живопись лотоса) — жанр китайской живописи, изображающий лотос. | |
|
Лань-хуа (в переводе с кит. живопись орхидей) — жанр китайской живописи, изображающий орхидею.
Воплощением простоты, чистоты и скрытого благородства являлась орхидея. |
|
|
Гуа-го (в переводе с кит. плоды и ягоды ) — жанр китайской живописи, изображающий плоды и ягоды — одно из направлений жанра цветы и птицы. |
|
|
Хуа-хуй (в переводе с кит. цветы и растения) — жанр китайской живописи, изображающий цветы и растения — одно из направлений жанра цветы и птицы. |
|
|
Линг-мао (в переводе с кит. пернатые и пушистые) — жанр китайской живописи, изображающий птиц и животных — одно из направлений жанра цветы и птицы.
Лев являлся символом мощи и благородства; тигр — защитник от злых духов; черепаха — символы долголетия; летучая мышь, две рыбки, две бабочки, два цветка лотоса на одном стебле — символы супружеского счастья; карпы кои — символ пожелания счастья и успехов. Таким образом, картины жанра пернатые и пушистые почти всегда были наполнены скрытым символическим смыслом. |
|
|
Цинь-няо (в переводе с кит. пернатые) — жанр китайской живописи, изображающий птиц — одно из направлений жанра цветы и птицы.
журавль — символ долголетия; сорока — символы счастливой вести; селезень с уткой — символ супружеского счастья; петух олицетворяет красоту, широкую известность и добрую славу. |
|
|
Чун-юй (в переводе с кит. насекомые и рыбы) — жанр китайской живописи, изображающий насекомых и рыб — одно из направлений жанра цветы и птицы. |
org/ImageObject»>
Человек мал и ничтожен, но он неразрывно связан с природой и в произведениях можно увидеть маленькую фигурку или человеческие жилища.
org/ImageObject»>
Китайская роспись — цвет и линия
Введение
Китайская живопись — одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире. И даты могут восходить к периоду неолита (新石器时代) около шести тысяч лет назад. Красочная керамика с нарисованными животными, рыбами, оленями и лягушками, раскопанная в 1920-х годах, указывает на то, что в период неолита китайцы уже начали использовать кисти для рисования.
鹳 鱼 石斧 图 http://bbs.artron.net/viewthread.php? tid = 1949805 & page = 1
Только в период Воюющих царств (战国 时期 403-221 до н. э.) художники начали изображать мир вокруг себя.
帛画 人物 御 龙 图 (战国) http://www.vartcn.com/art/yxyy/guohua/200709/14057.html
Художники от династий Хань (202 г. до н.э.) до династии Тан (唐 618–906) в основном рисовали человеческие фигуры. Многое из того, что мы знаем о ранней китайской росписи фигур, происходит из захоронений, где картины хранились на шелковых знаменах, лакированных предметах и стенах гробниц. Многие ранние рисунки на гробницах предназначались для защиты умерших или для того, чтобы помочь их душам попасть в рай. Другие иллюстрировали учение китайского философа Конфуция или показывали сцены повседневной жизни.
Живопись в традиционном стиле известна сегодня на китайском языке как guó huà (国画), что означает «национальная» или «местная живопись», в отличие от западных стилей искусства, которые стали популярными в Китае в 20 веке.
Традиционная живопись включает в себя те же техники, что и каллиграфия, и выполняется кистью, смоченной черными или цветными чернилами; масла не используются. Как и в случае с каллиграфией, самые популярные материалы, из которых создаются картины, — это бумага и шелк. Готовая работа затем наклеивается на свитки （卷轴）, которые можно повесить или свернуть. Традиционная живопись также выполняется в альбомах и на стенах, покрывается лаком （漆器） и другими средствами.
Две основные техники китайской живописи:
· Скрупулезность — Гон-би (工筆), часто называемый «придворным» рисунком ，, характеризуется пристальным вниманием к деталям и тонкой кистью.
· От руки — Шуй-мо (水墨), свободно （松散 的）, называемый акварелью или кистью, отмечен преувеличенными （夸张 的） формами и рисованием от руки. Китайский иероглиф «мо» означает чернила, а «шуй» — вода. Этот стиль также называют «xie yi» (寫意) или произвольным стилем.
牡丹 银 雉 图 http://xt.
baitengwang.com/item/09/03/11/581a1d24a58f9bf4.html
От руки, однако, является фундаментальным подходом к китайской живописи.Он составляет эстетическую теорию, которая, прежде всего, подчеркивает чувства. Даже в древности китайские художники не хотели сдерживаться реальностью. Известный художник династии Цзинь Гу Кайчжи (顾 恺 之 c. 345-406) был первым, кто выдвинул теорию о том, что «форма показывает дух». По его мнению, картина должна служить средством передачи не только внешнего вида объекта, но и выражения того, как на него смотрит художник. Взгляды Гу сопровождались теориями, такими как «сходство в духе находится в непохожести» и «картина должна быть чем-то средним между подобием и несходством».Руководствуясь этими теориями, китайские художники игнорируют ограничения пропорций, перспективы и света. Возьмем, к примеру, современного художника Ци Байши （））. Он не рисует креветок, насекомых, птиц и цветы, как в природе; только их суть проявилась в результате многолетнего наблюдения художника и глубокого понимания сюжета.
Китайская каллиграфия и китайская живопись тесно связаны, потому что в обоих используются линии. Китайцы превратили простые линии в высокоразвитый вид искусства.Линии используются не только для рисования контуров, но и для выражения идей и чувств художника. Для разных сюжетов и разных целей используются самые разные линии. Они могут быть прямыми или изогнутыми, твердыми или мягкими, толстыми или тонкими, бледными или темными, а чернила могут быть сухими или растекаться. Использование линий и мазков — один из элементов, придающих китайской живописи ее уникальные качества.
Видео на YouTube
Интернет для справки:
http: // www.chinavoc.com/arts/trpainting.
htm
Учебное пособие для изучения китайской живописи: Руководство по рисованию сада Цзецзи
Китайская традиционная живопись: интересные истории — DailyArtMagazine.com
Традиционная китайская живопись известна своим неповторимым стилем. Когда началась китайская живопись и как ее читать? Что это значило для художников? Они просто реагировали и пытались запечатлеть окружающий мир, когда смотрели вдаль? Что было в их сердцах, когда они развивали свой художественный стиль, постоянно обращаясь к прошлому? Давайте рассмотрим эти вопросы в историях.
Что лежит в сердце, то намерение; выражаясь в образах, это может быть картина. Картина похожа на сердечный отпечаток художника. Говорят, что оценить китайскую живопись — значит ее прочитать. Китайский художник создавал свои произведения только с помощью самых экономичных средств: кисти и туши на бумаге. Эти же средства использовались при создании каллиграфии. Западные техники масляной живописи получили распространение в Китае только в начале 20 века.
Как читать китайскую живопись и как она развивалась? Чтобы ответить на эти вопросы, следует помнить, что китайские художники веками использовали одни и те же основные материалы.Китайская живопись — одна из старейших непрерывных художественных традиций в мире.
История китайской живописи
Самые ранние картины были орнаментальными и представляли собой нарисованные узоры спиралей, зигзагов, точек или животных. В период Сражающихся царств (403–221 до н.э.) художники начали изображать окружающий мир. Изобретение бумаги в I веке н. Э. Обеспечило дешевое и широко распространенное средство как для письма, так и для живописи и определило ход их развития.Водные техники и каллиграфия стали важными, и художники выбрали более графический подход к изображению предметов на своих картинах.
В последующие периоды художники изображали мифологических божеств или почитали погребальные обряды. Китайская пейзажная живопись зародилась в IV веке нашей эры. Во времена династии Тан (618–907) художники изображали идеализированную ландшафтную среду с редким количеством предметов.
Например, мы можем визуализировать Чистый и удаленный вид на ручьи и горы как типичную китайскую пейзажную картину.В династии Сун (960–1279) портретная живопись стала более сложной, чем раньше. Он достиг своей зрелости во времена династии Мин (1368–1644).
Традиционный китайский художник пытался передать внутреннюю сущность, энергию, жизненную силу и дух своего предмета. Картина была не только записью чувственного опыта, но и отражением разума художника. Это было откровением его личности и выражением глубоко укоренившихся ценностей.
Ся Гуй, Чистый и удаленный вид на ручьи и горы (фрагмент), 13 век, Национальный дворец-музей, Тайвань. Китайские художники не стремились изображать реалистичные образы или идеальные формы. Для них слияние изображения и мысли составляло сущность искусства. Вот почему некоторые из самых известных китайских поэтов обычно были одновременно учеными и художниками. Светское искусство процветало в Китае уже в четвертом веке нашей эры, поскольку правители стремились к художникам, чтобы придать престиж своим дворам.
Живопись династии Тан
Традиция живописи династии Тан (618–907) родила многих великих художников. Некоторые императоры стали талантливыми каллиграфами и живописцами и приняли научные идеалы.Чаще они нанимали художников, изображения которых превозносили достоинства их правления. В зависимости от политических предпочтений художник-пейзажист мог показать праздник хорошо организованной империи. Художник, возможно, решил сохранить свою политическую целостность, выраженную в его портретных картинах.
Ян Либэнь (ок. 600–673) был одним из великих художников династии Тан. Он происходил из аристократической семьи и начал свою карьеру при императорском дворе Тайцзуна (годы правления 626–649). Он был главным придворным художником в течение трех царствований.Ян Либэнь был ученым и стал премьер-министром при императоре Гаоцзуне (годы правления 649–683). Тем не менее, Ян Либень был известен прежде всего своими способностями художника.
Императоры могли хорошо относиться к Яну Либеню.
Однако художник чувствовал себя не более чем слугой престола. Однажды необычная птица появилась в озере перед Тайцзуном. Он вызвал художника, чтобы он нарисовал птицу. Ян Либень воскликнул: «Меня знали только по рисованию, как если бы я был прислугой». Он даже посоветовал своим сыновьям не заниматься артистической карьерой.
Китайская портретная живопись
Китайская портретная живопись призвана увековечить память, в первую очередь, богатых и могущественных. Самой известной из картин Янь Либэня, вероятно, является серия, изображающая тринадцать китайских императоров. Физиогномика, искусство обнаруживать темперамент и характер по внешнему виду, была очень важна для китайских художников. Они пытались представить императоров фронтально. Однако здесь художник выбрал другой подход по другой причине.
Ян Либень запечатлел индивидуальные выражения лиц и уникальные личности каждого из своих испытуемых.Композиция модели Thirteen Emperors передает иерархию масштабов, а контуры предполагают твердые формы.
Ограниченная цветовая палитра, прорисовка линий на соответствующем фоне усиливают достоинства фигур.
Се Хэ, другой китайский художник, также подал пример для будущих художников в своей книге «Шесть канонов искусства» . Художник сформулировал свои каноны в шестом веке нашей эры. Художник должен «выражать жизненный дух своих предметов, очерчивать их формы и изображать их внешний вид с помощью цветов.Он также должен аккуратно расположить их на картинной плоскости. Разделив форму и цвет по разным законам, он описал «технику контура и цвета», отличительную черту китайской живописи.
Китайская живопись лошадей
Танский император любил лошадей и, возможно, поручил Яну нарисовать их в качестве рисунка для резьбы по дереву. Популярность росписи лошадей отражает то значение, которое императоры придавали своим конюшням. Опыт в оценке хороших лошадей долгое время был метафорой способности распознавать талантливых людей.Если бы можно было их найти, этих людей можно было бы использовать для управления народом.
Рисунки Янь Либэня также стали лучшим камнем в развитии скульптуры Тан.
Живопись династии Сун
Династия Сун (960–1127 гг.) Была золотым веком живописи в Китае. Одним из талантливых художников, рисовавших лошадей во время правления Сун, был Хуан Цзундао (работал около 1120 г.), один из ведущих художников Китая.
Хуан Цзундао, Охота на оленя (фрагмент), ок. 1120, Метрополитен-музей, Нью-Йорк.Стилизовав лошадь, летящую галопом в космос, Хуан Цзундао применил огромное воображение. Художник попытался передать сущность духа лошади, как описано в «Шести канонах искусства » Се Хэ. Тем не менее, есть некоторое формальное сходство образа с действительностью. Картина лошади, вероятно, основана на наблюдении художника за настоящей лошадью. Китайцы высоко ценили лошадей за их выносливость и физические характеристики. Превосходных лошадей называли «драконьими» лошадьми со сверхъестественными способностями.
Символизм в китайской живописи
В китайском искусстве и, в частности, в живописи много символизма.
Переходя к более символическому изображению мира, некоторые китайские художники сосредоточились на интроспективном созерцании. Эти картины настолько прониклись скрытым смыслом, что их уже нельзя было понять без помощи языка. Деревья, цветы и птицы представляли реальные объекты, но также они начали представлять символы.
Написанные в 1112 году, Благоприятных журавлей приписываются императору Хуэйцзуну (годы правления 1100–1126), описание которого сопровождало картину. Он писал, что однажды вечером «благоприятные облака» внезапно образовались массами и осветили главные ворота дворца. Затем появилась группа журавлей, парящая над дворцом, и двое из них сидели на крыше.
Хотя эта картина основана на реальном событии, в ней царит сказочная атмосфера. Определяя предмет, художник учел символические значения, которые присутствуют во многих других подобных произведениях искусства.
Популярные мотивы в китайской живописи
Журавли были популярным мотивом в китайской живописи. Журавль — один из самых распространенных символов долголетия. Они могут означать высшее разграничение придворного статуса Императорского Китая. Журавли взлетают к синему небу, словно пытаясь добраться до острова Бессмертных. Они раскрывают стремление художника к долголетию и прочный фундамент любого предприятия. Император надеялся, что небеса благословят его правление.
Рэй Хеннесси, Белый журавль в озере, без брызг.com.Однако удача отвернулась от императора Хуэйцзуна. Его как правителя обвиняли в крахе династии Северная Сун (960–1127). Он умер в тюрьме после вторжения чжурчжэней, конкурирующих сил, но его все еще помнят за его вклад в искусство. Император Хуэйцзун помог основать имперскую академию живописи.
Его академия пыталась продвигать технику гонгби, или тщательный реализм в живописи. Эта техника очень точно разграничивает детали без выразительных вариаций.
Ма Юань, один из величайших китайских художников, почувствовал его влияние. Император также создал каллиграфический стиль Slender Gold . Если сравнить стиль императора с работами известного каллиграфа XIII века Чжао Мэнфу, разница становится очевидной. Поглаживания императора Хуэйцзуна тонкие и могут раскрыть его чувствительный характер и слабый темперамент, тогда как штрихи Чжао Мэнфу полны силы и динамизма.
Поэтические и живописные образы работают в тандеме, чтобы выразить внутреннее состояние художника. Поэтические надписи стали неотъемлемой частью композиции. Получатель картины часто добавлял надпись в качестве своего собственного «ответа». Китайский художник не закончил свою картину, когда отложил кисть. Картина продолжала развиваться, поскольку более поздние владельцы добавляли свои собственные надписи.
Таким образом, произведение искусства содержало запись о его передаче, охватывающую более тысячи лет.
Значение китайской живописи
Значение китайской живописи отличается от азиатских аналогов, например, индийских или тайских. Во многих случаях китайские художники изображали светские предметы со скоростью и движением в духовных и изобразительных целях. Как мы видели, многие предметы кажутся застывшими во времени. Напротив, серия изображений в индийском искусстве, например, обычно служила средством повествования.
При всех художественных достижениях период высокого символизма не стал для китайских художников классическим. Классический период в западном искусстве основан на порядке и структуре, в то время как ни один период в китайском искусстве не может считаться классическим. Когда китайский художник адаптировал стиль раннего художника, он с большей готовностью модифицировал его, передавая новые значения. Затем он сделал смешанный стиль более личным. Этот подход проводит параллель с западным искусством начала двадцатого века с его стремлением к экспериментам.
Как для китайских, так и для западных художников художественное самовыражение стало личным опытом.
DailyArt скромным пожертвованием. Мы любим историю искусства, и
мы хотим продолжать писать об этом.
Сохранение бесценных китайских картин — это целое искусство: NPR
Предоставлено Смитсоновским институтомЗа пределами Китая и Тайваня, U.В музеях С. хранится лучшая в мире коллекция китайской живописи. Он стоит миллиарды долларов, но при этом хрупок: со временем эти картины разваливаются. В США всего четыре мастера-консерватора, которые знают, как о них заботиться, и все они приближаются к пенсии.
В галереях Фрира и Саклера — одном из огромных каменных зданий Смитсоновского института на Национальной аллее в Вашингтоне, округ Колумбия, — работает один из этих мастеров.
Invisible Conservation
Внутри галереи есть мягко освещенная комната с высоким потолком.
Справа есть картина длиной около 4 футов. На нем двое китайских ученых, одетых в длинные одежды, стоят под корявым деревом. На заднем плане есть река и высокий горный хребет. Он называется Summoning The Sage At Wei River и принадлежит династии Мин, то есть ему около 500 лет.
«Освещение в музейной галерее очень хорошее, потому что оно также помогает замаскировать множество повреждений», — говорит Грейс Джен, помощник консерватора галереи.«Вы можете видеть [есть] горизонтальные линии, которые немного темнее, а затем вы можете видеть что-то вроде вертикальной линии по центру над цифрой слева».
Она говорит, что слабая черная полоса когда-то была гораздо более серьезным повреждением. Эти картины не были написаны масляными красками на деревянных панелях, как Мона Лиза ; они были нарисованы на хрупких кусках шелка или рисовой бумаги, поэтому сохранение китайской живописи так важно.
Вызов мудреца на реке Вэй нужно было тщательно очистить и закрасить.
«Мы просто делаем минимальную обработку, насколько можем, чтобы она не бросилась на вас, когда вы смотрите на картину», — говорит Ян. Она указывает на пример на картине Wei River . Я почти не вижу, но в том-то и дело.
Обучение на всю жизнь
У Фрира более 2000 китайских картин, и главный реставратор Сянмэй Гу отвечает за их поддержание. Одна из первых вещей, которые она показывает мне, — это древняя карта, разорванная на полпути.Она говорит, что после повторной установки все выглядело нормально, и она права: стоя всего в нескольких дюймах от нее, я не вижу, где раньше была слеза.
Гу долго учился этому. Она начала работать в Шанхайском музее в 1970-х годах в качестве ученицы местного мастера. За 15 лет она научилась ремонтировать и заново монтировать старинные картины и каллиграфию. В 1987 году она приехала в США, чтобы присоединиться к мужу, а три года спустя устроилась на работу в Freer.
«Я проработала столько лет, почти 40 лет, — говорит она, — [я] все еще так и не закончила; [я] продолжаю осваивать эту работу.«
Верно, 40 лет, и она говорит, что все еще учится. Тем не менее, она не может работать вечно. Фонд Меллона недавно предоставил Фриру грант в миллион долларов на обучение помощника китайского консерватора живописи.
Тем временем Гу передает свои навыки Джен. Джен имеет степень магистра в области консервации в Нью-Йоркском университете, и она заинтересовалась этой практикой, потому что ее дедушка также был художником.
«Я помню, как его картины пожелтели», — говорит Ян.«Они пожелтели после того, как их установили, в следующие пару лет».
Консерватор Сянмэй Гу работает за красным лакированным столом в лаборатории консервации галереи. Алан Ю / NPR скрыть подпись
переключить подпись Алан Ю / NPR Консерватор Сянмэй Гу работает за красным лакированным столом в лаборатории консервации галереи.
Это типичная бумага сюань, рисовая бумага, используемая в китайских картинах, и это одна из причин, по которой они нуждаются в особом уходе. Вот еще одна важная причина: китайские картины созданы для того, чтобы их нужно было трогать.
Эндрю Хейр, реставратор живописи из Восточной Азии в Freer, объясняет: «Чтобы оценить китайскую живопись, вам нужно, например, развернуть свиток и снова свернуть его. Если бы это был альбом, вы бы надо открывать, листать.И, конечно же, когда вы используете что-то с течением времени, появляются износ и повреждения ».
One Chance to Get It Right
Сохранение этих хрупких предметов начинается с изготовления новой бумажной основы. Гу и Ян демонстрируют на гигантском красном лаке Гу раскатывает бумагу и расчесывает ее, чтобы сделать ее идеально гладкой. Она говорит, что они не могут позволить себе даже малейшей складки на этой бумаге.
Заяц объясняет, почему: «То, что вы делаете сейчас, возможно, является частью арт-объекта для следующие несколько сотен лет, так что это единственный раз, который у вас есть прямо сейчас, чтобы понять это правильно.»
Гу намазывает слой клея, собирает всю пыль и грязь, кладет следующий лист бумаги, затем снова чистит его щеткой, чтобы сделать его гладким. Теперь она склеила два слоя вместе, что хорошо для подвешивания. свиток — альбомов, в которых хранятся некоторые китайские картины, нужно семь. Это довольно просто, но консерваторы месяцами тренируются с газетой, прежде чем они смогут использовать настоящую рисовую бумагу.
Ян говорит, не тратя десятилетий, чтобы изучить их мастерства реставраторы и не мечтают отремонтировать старинный шедевр.«Это все равно, что просто наклеить что-то пластырем и объявить это готовым. Это не самый эффективный способ обращения с нашими бесценными произведениями искусства в Соединенных Штатах».
Например, у Freer есть свиток — Sheep And Goat от Zhao Mengfu — который, по оценкам Арнольда Чанга, специалиста, руководившего отделом китайской живописи в Sotheby’s, стоил бы 100 миллионов долларов, если бы он когда-либо был продан. более десяти лет. Ян говорит, что планирует посвятить остаток своей жизни сохранению этих сокровищ.
Пошаговая демонстрация китайской живописи
Введение в китайскую живопись
Художник Чжаофань Лю с завершенной картиной «Древняя дощатая тропа Шу-Хань». Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comЯ бы резюмировал философию традиционной китайской пейзажной живописи следующим образом: «рассматривать Природу как своего учителя снаружи и использовать свой дух или интеллект как источник творчества внутри». Пейзажные картины должны быть созданы как из пейзажа в естественной среде, так и из вашего творческого видения.Китайские художники прошлых династий искали процесс создания, персонажей, чтобы выразить это, а также внутренние отношения между ними.
«Воспринимать Природу как своего учителя снаружи» означает не только рисовать вид горы и ручья, но также означает чувствовать дух космологии и биологии, превращая пейзажи природы в декорации сердца и в картины, дающие дух формируют и создают идеальное видение пейзажа, как его видит художник.
Из-за разнообразия характеров и личностей художников, а также разнообразия их навыков, чувств и эстетики стиль каждого художника варьируется. Каждый художник по-своему отбрасывает грубое и выбирает существенное, устраняет ложное и сохраняет истинное. Художник соприкасается с внешним миром и соединяет его со своим внутренним миром.
Вдохновение для картины «Древняя дощатая тропа Шу-хань»
Картина была вдохновлена этим знаменитым пейзажем Иньчангоу.Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comФотография выше была сделана осенью (в августе) в знаменитой долине Серебряных шахт (Иньчангоу) в китайской провинции Чэнду Сычуань. В то время деревья были густыми, цвета были яркими, воздух был чистым, река хлестала. Дорожка из досок свисала поясом, огибая утес и уходя вдаль.
Когда я шел по горе, меня тронула эта конкретная сцена, я сразу сделал снимок и нарисовал набросок.
Разработка идеи картины
Был сделан набросок сцены, а также сделаны справочные фотографии.
Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comКогда я вернулся в свою студию, в моей голове возникло видение: древняя дощатая дорожка, отягощенная тяжестью истории, окутанная белыми облаками. Природа обильной весной; горный ручей, гремящий в ущелье; путь, возвращающий меня в реальный мир. Отсюда и возникла картина «Древняя дощатая тропа Шу-Хань».(Шу и Хань — это названия королевств в Древнем Китае.)
Основные художественные материалы для китайской живописи
Традиционное китайское оборудование для рисования — китайские кисти, тушь и рисовая бумага. Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comНа этой фотографии показаны художественные материалы, которые я использую для рисования — китайские кисти, тушь и рисовую бумагу. (Бумага не растягивается перед использованием, как в случае с традиционной западной акварелью. Вместо этого она прижимается к краю с помощью пресс-папье.)
Начните с рисования ключевых линий
Контурный рисунок должен быть четким и лаконичным.
Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comНачните с использования кисти, чтобы нарисовать ключевые линии (или контур) сцены. Строки должны быть лаконичными. Обратите внимание на общую планировку горных скал и обязательно передайте пересеченную сеть ландшафта таким образом, чтобы воплотить геологические и топографические формы.
Различают элементы первостепенной и второстепенной важности.Запечатлейте характер пейзажа. Не будьте приверженцем деталей, хотя предмет должен быть ясным, чтобы передать видение в вашем сердце.
Добавление текстуры к камням
Добавление текстуры. Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comИспользуя китайскую кисть, сначала нанесите ключевые линии структуры объекта или субъекта, чтобы сформировать «скелет». Движение кончика кисти должно быть целенаправленным и мощным. Знайте, что вы собираетесь делать с кистью, и соедините шаги (штрихи), чтобы активировать картину, придать ей ритм.
Затем используйте Cunfa (техника или метод китайской живописи с использованием легких чернильных мазков для выражения текстуры) и Dianfa (техника или метод китайской живописи с использованием точек) на всех горных камнях и деревьях, делая их более идеографическими и прочными.
Многообразие природы выражается с помощью различных кунфа и дианфа.
Сила мазка кистью
Используйте силу мазка кисти. Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comСила мазка кисти должна соответствовать «скелету», используя чернила, чтобы заполнить «плоть», передать свет и оттенок скал, обогатить слой.Сравните то, как вы визуализировали картину, с результатом. Обращайтесь с темным и светлым, сухим и влажным. Используйте такие техники чернил, как Accumulate (для увеличения плотности), Break (для создания напряжения) и Sprinkle (для добавления текстуры), чтобы сделать картину более массивной и глубокой. Обратите особое внимание на использование воды (не больше или не меньше, чем нужно).
Ограничьте основные цвета
Ограничьте основные цвета в картине. Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.com Пестрота используется для унификации картины в целом, но в картине с чернилами минимального цвета не должно быть более двух основных цветов.Цвет не должен конфликтовать с чернилами, а чернила не должны конфликтовать с цветом; они должны дополнять друг друга.
Основной цвет в «Пути древних досок Шу-Хань» — зеленый. Большие цветные участки, такие как горы, небо и лес, размываются, а мелкие участки, такие как листья и мох, покрываются точками.
Анализируйте картину
Прекратите анализировать картину. Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comПосле четырех вышеуказанных шагов остановитесь и посмотрите на картину в целом.Анализируйте и резюмируйте критическим взглядом и вносите необходимые корректировки. Решите, достаточно ли чернил или цвета, будет ли результат таким же, как ваше видение; если нет, дополните и измените его. В общем, вы должны выражать видение в своем сердце. Наконец, поставьте подпись и печать. Завершена картина пейзажа.
Завершенная картина и немного о художнике, Чжаофань Лю
Фото: © 2007 Чжаофань Лю, www.liuzhaofan.comНа этой фотографии я держу законченную картину «Древняя дощатая тропа Шу-Хань».Это также дает вам представление о том, насколько он велик.
О художнике: Чжаофань Лю — художник, живущий в Чэнду в провинции Сычуань в Китае.
Его сайт находится по адресу www.liuzhaofan.com.
Чжаофань говорит: «Я рисовал более 40 лет, с тех пор как мне было 10 лет. Я рисую традиционные китайские картины водными тушями и черпаю вдохновение в моем культурном наследии, многих знаменитых горах и храмах вокруг Чэнду, а также современные пейзажи ».
Эта статья была переведена на английский Цянь Лю.
Китайская живопись, Китайская живопись кистью, Китайская пейзажная живопись
Традиционная китайская живопись, появившаяся из росписи по шелку более 2000 лет назад, известна во всем мире своим оригинальным стилем и национальными особенностями. На протяжении веков практика бесчисленных художников превратила это искусство в искусство, разделенное на множество школ с некоторыми общими чертами.Характеристики
Суть традиционного китайского искусства, китайская живопись (также называемая китайской живописью сюань, китайской живописью кистью или китайской живописью тушью) предлагает взгляд на художественную эстетику, культурный фон и религии древнего Китая.
Художники обычно рисовали на шелковой или рисовой бумаге и монтировали ее, чтобы получился скрупулезный свиток. Материалы и инструменты для традиционной китайской живописи включают кисть, чернила, чернильную палочку, пигмент для традиционной китайской живописи, обработанную бумагу сюань, шелк, печать и другие.Традиционная китайская живопись фокусируется не только на навыках рисования, но и на воспитании характера и воспитании души. Люди, пейзажи, цветы и птицы — четыре главных объекта традиционной китайской живописи.Мастера древней живописи создали множество шедевров, основанных на различных навыках рисования и художественных мыслях, которые раскрывают знания древних о философии, политике, религии, литературе и искусстве, обществе и природе.
Китайская пейзажная живопись
Происхождение и ранний возраст
Китайская живопись берет свое начало от древних пиктографических персонажей. Некоторые думают, что Фуси (伏羲, один из трех легендарных правителей древних времен) рисовал гексаграммы, а Цанцзе (仓 颉) создавал китайские иероглифы, что положило начало китайской живописи и каллиграфии.
В эпоху неолита была создана глиняная посуда, на которой были обнаружены свидетельства ранней китайской живописи. На раскопках раскрашенной керамики из деревни хан банпо, важного места эпохи неолита, мы находим раскрашенных рыб, преследующих друг друга, и нарисованных оленей, счастливо прыгающих. На чаше из цветной керамики, раскопанной в Сунцзячжай, провинция Цинхай, мы видим изображение трех групп по пять человек, которые вместе поют и танцуют. Они являются основными источниками для изучения традиционной китайской живописи.
Самые ранние бронзовые изделия Китая были обнаружены в культурных памятниках Синьдянь и Луншань в эпоху позднего неолита.Это были артефакты, а также древние китайские искусства и ремесла. Декоративные рисунки на изделиях из бронзы можно разделить на две категории: изображения повседневной деятельности и церемоний знати, такие как роскошный банкет, стрельба из лука, жертвенные церемонии и т. Д., И изображения войн. В медном горшке Яньюэ, хранящемся во Дворце Музеум, есть изображения древней войны.
Художественные приемы, показанные на росписях бронзовой посуды, вдохновили и сильно повлияли на резьбу по камню и кирпичу времен династии Хань.Развитие и время расцвета
Живопись Юлонг (御 龙 图), самая известная картина времен весны и осени и периода враждующих царств (770–221 гг. До н. Э.), Была нарисована на шелке. Ранняя живопись положила начало традиционной китайской живописи — линии были основой рисования. Позже, во времена династии Хань и династий Вэй Цзинь (202 г. до н.э. — 420 г.), столкновение и слияние исходной и местной культуры сделало религию основной темой китайской живописи.В это время зародилась и пейзажная живопись, и живопись с цветами и птицами. Традиционная китайская живопись продолжала развиваться во времена династий Суй и Тан (581–907), когда Китай находился на пике экономического процветания и развития культуры. Созрела пейзажная живопись, цветочная и птичья живопись. Китайская живопись достигла своего расцвета во времена династий Юань, Мин и Цин (1271 — 1912), художественная и жанровая живопись постепенно стала основной.
Возникло множество художников. Они наслаждались жизнью, любили искусство и создали множество картин высокого качества.
Основные школы китайской живописи
С точки зрения способа выражения традиционная китайская живопись в основном делится на две школы. Школа Xieyi, буквально «рисующая чувство», отмеченная преувеличением формы и свободным использованием чернил; другая школа под названием Gongbi означает кропотливую манеру письма, характеризующуюся строгим и подробным изображением предмета.
, в то время как с точки зрения предмета и темы традиционные китайские картины подразделяются на три основные категории: фигурная живопись, пейзажная живопись и живопись с изображением цветов и птиц.Чтобы оценить пейзажную живопись, нужно понять чувства, мысли и амбиции художника, поскольку он / она сочетал личные эмоции с природой, реками, горами и маленькими деревьями.
История китайской фигурной живописи насчитывает более 2500 лет, когда появились фрески, и в основном это живопись религиозных фигур (например, картина Будды), живопись девушек, портретная живопись, жанровая живопись и историческая картина.
Мастера, хорошо владеющие фигурной живописью, включают Гу Кайчжи, Ву Даози и Ханво, которые внесли большой вклад в китайскую фигурную живопись.
В ранние века изображения цветов, птиц и некоторых животных, которые часто использовались на гончарных изделиях и изделиях из бронзы, имели особое мистическое значение — поклонение богам и правителям. Первые высококачественные картины с изображением цветов и птиц с независимыми духами появились в династиях Вэй и Цзинь и продемонстрировали уникальную эстетику и превосходные навыки рисования.
Живопись тушью и стиркой также широко известна. Как следует из названия, для рисования используются чернила и вода. Изначально созданная во времена династии Тан, живопись тушью и стиркой имеет три основных свойства: чистоту, символизм и естественность.
Живопись китайских цветов и птиц
Сюжеты в картинах
Что касается тематики, то самыми популярными из них были пейзажи, человеческие фигуры, животные, рыбы, птицы и цветы.
Отсюда и «фигурная живопись», «живопись цветов и птиц» и «живопись гор и рек».
Интересным является символизм, использованный в картине, который часто вызывает недоумение у западных жителей. Горы, реки, растения, животные, птицы, цветы и т. Д. Могут быть выбраны как из-за их традиционной ассоциации, так и из-за присущей им красоты.
В сознании китайцев цветущая слива, орхидея, бамбук и хризантема известны в китайской классической литературе как четыре джентльмена.Это не только четыре растения, но и четыре времени года, а также характер и поведение, которые ценят китайцы. Цветущая слива олицетворяет храбрость и вестник весны, символ изящества и благородства в китайской культуре; орхидея, скромный цветок, считается символом уединенного очарования, потому что ее часто можно найти в пустынной тенистой долине; бамбук символизирует целостность и простоту; хризантема — для элегантности, праведности и долголетия. Кроме того, в китайской живописи используются еще три вида растений: сосна, пион и лотос.
Сосна символизирует праведность и бессмертие. Пион дарит богатство и почести. Лотос, выходящий из болота, не размазанный, символизирует доброту, гармонию, чистоту, а цветущий лотос и пышные листья лотоса символизируют процветание и преемственность.
Китайская живопись Известные художники традиционной китайской живописи в истории
Гу Кайчжи (顾 恺 之) — Выдающийся каллиграф и живописец в Восточно-Цзиньской Днастии, он был хорош в рисовании фигур, животных и пейзажной живописи, с репрезентативными работами, такими как Ода Богине реки Луо (洛神赋 图) и Увещевания Прокрутите (女 史 箴 图).
Чжань Цзыцянь (展 子 虔) — Живя во времена династий Северный Ци, Северный Чжоу и Суй, Чжань Цзыцянь написал множество фресок в Лояне, Чанъане (сегодня Сиань) и Янчжоу. Среди них фрески пейзажной живописи — высшее достижение. «Весенняя прогулка мадам Гоу» (虢 国 夫人 游 春 is) — это репрезентативная работа Чжань Цзыцяня и старейшая из существующих пейзажных картин Китая.
Ян Либень (阎立本) — Другой мастер традиционной китайской живописи, Ян Либэнь родился в семье художников и широко занимался живописью и каллиграфией.Его репрезентативные работы — Тринадцать портретов для императоров (历代 帝王 图) и Буниан Ту (步 辇 图)
Ву Даози (吴道子) — Он известен как Мудрец У в истории китайской живописи, с характерными работами, такими как Рожденный из Гаутама Будда (天王 送子 图) и Портрет Конфуция во время обучения (孔子 行 教 像).
Чжан Цзэдуань (张择端) — Хорошо рисовал архитектуры, леса, деревья и фигуры, Чжан Цзэдуань работал в Императорской академии живописи и создал знаменитую сцену на берегу реки на фестивале Цинмин (清明上河图).
Ли Гунлинь (李公麟) — Он особенно хорошо рисовал лошадей.
Шэнь Чжоу (沈周) — Один из выдающихся художников династии Мин, он был очень образован в литературе, поэзии и живописи.
Чжэн Баньцяо (郑板桥) — Известный художник династии Цин, он умел рисовать такие растения, как орхидеи, бамбук, хризантема и сосна.
Сцена на берегу реки на фестивале Цинмин
Китайская живопись широко используется во многих формах, таких как фарфор, веер, носовой платок и т. Д., Что делает китайскую живопись незаменимым подарком для иностранных туристов, путешествующих по Китаю.
Черные картины Эда Рейнхардта, пустота и китайская живопись — Бруклинская железная дорога
Работы Эда Рейнхардта изобилуют противоречиями и парадоксами. Настолько, что его описывали как мастера «эстетики отрицания» 1 , и то, что он намеревался достичь, было связано с через negativa , или «негативное богословие», которое пытается выразить познание Бога посредством описания того, чем Бог не является. 2 Диалектическое качество мысли Рейнхардта — его желание удерживать противоположности в неразрешенном равновесии — было самой важной движущей силой его искусства.Это ярко выражено в его черных картинах, его величайшем достижении, которые кажутся своего рода негативной реализацией концепции Пустоты в китайских рисунках тушью.
Рейнхардт долго и пристально смотрел на азиатское искусство, и он также имел глубокие познания в его истории и теории, которые он изучал у влиятельного ученого Альфреда Салмони в период с 1946 по 1952 годы и которые он преподавал в течение многих лет в Бруклинском колледже. Его понимание азиатского искусства, и в особенности китайской пейзажной живописи, с ее неуловимой концепцией пустоты, нашло особый резонанс в его собственных работах, которые он охарактеризовал как «логическое развитие личной истории искусства и исторических традиций восточных и западных чистых культур». картина.
Сначала его интерес к китайской и японской живописи повлиял на его художественную практику довольно прямым и очевидным образом, начиная с конца 1940-х годов, когда он разработал каллиграфический стиль, который явно был обязан азиатской живописи (как и картины других американских художников того периода, таких как Марк Тоби). Помимо специальных знаний Райнхардта об азиатском искусстве, в послевоенные годы он разделял со многими американскими художниками и писателями энтузиазм по поводу даосизма и дзен-буддизма, о чем свидетельствуют переводы и труды Артура Уэйли, Линь Ютанга, Д.
Т. Сузуки и Алан Уоттс.
Особенно значительным опытом для Рейнхардта стала выставка «Китайская пейзажная живопись», которую он увидел в Кливлендском художественном музее в ноябре 1954 года и которую он рецензировал для Art News в декабре того же года. По его собственным словам, это была крупнейшая выставка, когда-либо посвященная этой теме на Западе, и он писал об этом с большим энтузиазмом, называя классическую китайскую пейзажную живопись «одним из величайших достижений в искусстве и истории человечества». 3 В своем обзоре он также описал китайскую живопись таким образом, чтобы хорошо описать амбиции его собственных черных картин.«Классические китайские картины, — писал он, — одновременно« организованы, органичны, атмосферны и безвоздушны, имманентны и трансцендентны, идеальны, нереальны и наиболее реальны ». Они полны, самодостаточны, абсолютны, рациональны, совершенны, безмятежны, безмолвны, монументальны и универсальны. . . Некоторые из них бесформенны, лишены света, пространства и времени, «взвешенное ничто» без объяснений, без смысла, не на что указать или указать ».
4 Примерно в это же время, в середине 1950-х годов, Райнхардт начал посвящать себя исключительно черным картинам, которые заключали в себе противоречия, присущие полноте, что является своего рода пустотой, и отрицанием, которое является своего рода утверждение. 5 В основе черных картин лежит идея Пустоты, поля, в котором действие и бездействие сливаются воедино и которое удерживает в идеальном равновесии эти кажущиеся противоположности. 6
Понятие Рейнхардта о пустоте, которая есть полнота, и тьме, которая есть свет, было проинформировано его чтениями как в азиатском, так и в европейском мистицизме, которые оставили следы в его записных книжках, которые варьировались от Лао-цзы «Дао тускло и темно. »До« Божественная тьма »Майстера Экхарта. ». Райнхардт был глубоко увлечен тем, как можно было бы придать скрытым силам вид видимой формы, которая, как и сами силы, была одновременно присутствующей и не совсем видимой:« Осведомленность о скрытых вещах, смотрите на то, что скрыто.
. . Нематериальное, невидимое, безграничное ». Китайская живопись предложила такой способ. И это произошло не только с точки зрения следов на поверхности, которые привлекли внимание Райнхардта в конце 1940-х годов, но и с точки зрения иного типа мыслительной структуры, как он понял после того, как увидел выставку в Кливленде. « Пустота , — писал он, — разбавлена материей, нарушена расщеплением света / засасывает время, пространство, идентичность в абсолютное ничто».
Две технические особенности китайской живописи, которые особенно очаровали Райнхардта, заключались в том, что чернила наносились на шелковую или бумажную основу, а изобразительные элементы, такие как горы и вода, стали тем, что он называл «стандартом». , абстрактные заранее заданные формы », которые были встроены в« возвышающиеся системы, которые становятся безграничными и бесконечными и кажутся «соответствующими» необъятности и величию природы и вселенной.Оба эти элемента проявляются в черных картинах, в которых Рейнхардт трансформировал особенности сюжета и манеры китайской живописи во что-то, что во многом было его собственным.
В ходе замечательного акта синтеза, вдохновленного тем, как китайские художники стремились создавать картины, «которые следует искать за пределами форм», Рейнхардт разработал новый формат для своего собственного искусства, который, хотя и имел мало прямого физического сходства с китайским. живопись, опиралась на ее эстетику и мировоззрение.Базовые сетки, состоящие из девяти квадратов, которые дают геометрическую привязку к более поздним черным картинам, являются эквивалентом повторения «абстрактных заранее фиксированных форм», которые так поразили его в китайских картинах, и выполнили парадоксальную, но необходимую задачу создания структуры. к зарождающейся Пустоте. («Бесконечность — это квадрат без углов», — писал Рейнхардт, ссылаясь на «древнекитайский» источник этой идеи.) В отличие от китайских картин, которые выполнены полупрозрачными чернилами на основе из шелка или бумаги и раскрывают На больших площадях этой опоры Рейнхардт работал маслом на холсте и полностью покрыл свою опору почти непрозрачной пленкой краски.
Это заставило его сформулировать некую основную воспринимаемую структуру в пустоте. Не похоже на совпадение, что выбранная им формальная структура была построена из девяти симметричных квадратных единиц, которые наискось напоминают как христианский крест, так и форму мандалы , которая использовалась в азиатском искусстве как вспомогательное средство именно для такой расширенной медитации, которая он надеялся, что его собственные картины понравятся зрителям. Фактически, хотя Рейнхардт любил отрицать, что его картины были мистическими, символическими или религиозными, он был интенсивно вовлечен во все эти области и был одержим идеей общения со священным.И хотя он не проявлял никакого интереса к религии и отрицал, что крестообразный композиционный формат черных картин имеет какое-либо отношение к христианскому кресту, он, тем не менее, нарисовал маленький «черный крест» для своего друга, монаха-трапписта Томаса Мертона, чтобы использовать как религиозную картинку. 7
«Образность» черных картин также включала перенос китайской практики в западные термины.
Китайские картины, которые Райнхардт описал как диапазон «от богатых комплексов мазков до бесформенных размываний и растворенных пространств», часто содержали обширные области пустого пространства, выраженные только тонкими прикосновениями чернил, и их можно было рассматривать как нюансы, органические сияния света.Черные картины Рейнхардта, которые поначалу кажутся открытыми для зрителя, представляют собой абсолютную тьму, они делают нечто вроде прямой противоположности китайской живописи — как если бы ему приходилось отрицать физический облик китайского искусства, чтобы выразить свое понимание типов мыслей. что он содержал (и чтобы избежать банальности системы маркировки, более явно вдохновленной китайцами, которую он использовал в конце 1940-х годов). В черных картинах геометрические единицы настолько насыщены цветом, что чистый эффект является оксюморонным, создающим сияние мрака: тьма становится формой света, мимолетные проблески цвета — «последним остатком яркости».
Точно так же идиосинкразическая техника рисования Рейнхардта является своего рода отрицательным аналогом китайской живописи тушью.
Рейнхардт, который работал с холстом, установленным перед ним по горизонтали — как и китайские художники туши — разбавил масляную краску большим количеством медиума (в основном скипидара), а затем позволил ей осесть в банках, пока более тяжелая масляная краска не осела. дно, а сверху осталась только тонко окрашенная жидкость. Именно этой жидкой, похожей на ил смесью пигментов, взвешенных в жидкой среде — своего рода эквивалентом масляной краски китайской туши, — писал Райнхардт.Он мягко нанес эту очень тонкую краску на свой холст, осторожно смахивая его, чтобы избежать почти всех следов жестов. После высыхания слоя краски он повторял этот процесс снова и снова, пока нарастание очень тонких слоев, накладываемых один на другой, не достигало нужного цвета и консистенции. В результате поверхности его картин чрезвычайно матовые, что придает им потустороннюю матовую поверхность. (Это также делает их печально известными хрупкими.) Можно подумать о том, как даосские художники вкладывали в свои картины ци , или жизненную силу: «Когда божественная магия работает, чернила кисти достигают Пустоты.
Тогда есть кисть за кистью и чернила за чернилами ». 8 Одержимая забота Райнхардта о консистенции краски отражает одну из основных проблем, которая встречается в трудах китайских художников. Как заметил художник Ку Нин-юань: «Невозможно разгадать тайну всех шести принципов, пока не научишься обращаться с чернилами». 9
То, что черные картины являются отрицательным аналогом китайской пейзажной живописи, не должно нас удивлять. Ибо то, что Райнхардт, вся система мышления которого была построена на отрицании и отрицании отрицания, созданное этим отрицанием специфики китайской живописи, было оригинальным подтверждением ее основных принципов, резонансным воскрешением Пустоты.И это с техникой живописи, которая не только создавала произведения, очень похожие на Ничто, но и совсем не похожие на их основной источник, китайские пейзажи, которые послужили для них таким глубоким вдохновением.
ПРИМЕЧАНИЯ
1. См. Артур К. Данто, «Ad Reinhardt», The Nation , 26 августа — 2 сентября 1991 г.
, стр. 240.
2. Апофатическая традиция связана не только с христианскими мистиками, которых Рейнхардт глубоко читал, такими как Майстер Экхарт и Св.Иоанна Креста, но также с азиатскими текстами, которые он знал, такими как индуистские Упанишады и Дао дэ цзин . Ив-Ален Буа дает интересную критику отношения Рейнхардта к негативной теологии в «Пределах почти» в Музее современного искусства, Ad Reinhardt , New York, Rizzoli, 1991, pp. 28–29.
3. Ад Рейнхардт, «Циклы через китайский пейзаж», Art News , декабрь 1954 г .; перепечатано в Art as Art , стр. 212 — 215. Выставка проходила с 5 ноября 1954 г. по 2 января 1955 г .; Параллельно проходила выставка «Западная пейзажная живопись и графика.”
4. Там же, с. 215.
5. Точная дата появления первой картины Рейнхардта Черным остается неясной. Согласно Элизабет Рид (письменное сообщение от 5 февраля 2008 г.), Рита Рейнхардт считает, что первые вертикальные черные монохромные картины были начаты примерно в 1953 году, но это не точная дата, поскольку Райнхардт работал над некоторыми черными картинами в течение периода несколько лет, стирая предыдущие картины в процессе.
Таким образом, в настоящее время невозможно сказать, написал ли Рейнхардт первые черные картины до или после того, как он увидел выставку в Кливленде в 1954 году.
6. См. Также обсуждение пустоты у Марка Леви, «Пустота в искусстве », Bramble Books, 2006, особенно на стр. 139–147, где Леви видит черные картины Рейнхардта как «хороший симулякр конечных стадий ». самадхи ». Уолтер Смит, «Восточная эстетика Ад Рейнхардта», Smithsonian Studies in American Art , Summer / Fall 1990, p. 43, видит в черных картинах Рейнхардта «ощущение, а не изображение буддийского мистического состояния, известного как шуньята , великой пустоты, или пустоты, непосредственное переживание которой является просветленным состоянием нирваны.”
7. См. Smith 1990, p. 43, который также предлагает интересное обсуждение мандал и янтр .
8. Художник династии Цин Пу Янь-ту, цитируется Леви 2006, с. 53. Техника Рейнхардта в некоторой степени изучалась лабораторией консервации музея Гуггенхайма, когда она работала над Black Painting , 1960-1966; см.
Дэвид Эбони, «Поврежденный Рейнхардт, чтобы служить подопытным кроликом», Art in America , июнь 2001 г.
9. Цитируется в Osvald Siren, The Chinese On the Art of Painting , New York, Schocken Books, 1963, p.162. Впервые опубликованная в 1936 году, это книга, которую Рейнхардт был бы хорошо известен, наряду с широко читаемой книгой Май-май Сзе, Путь китайской живописи: ее идеи и методы , Нью-Йорк, Random House, 1959 (на основе Дао китайской живописи , Принстон, серия Боллинген, 1956).
(PDF) Категоризация изображений традиционной китайской живописи
8 С. Цзян и Т. Хуанг
Ссылки
1. Смеулдерс А.W.M., Worring M., Gupta A., Jain R.,: Content-Based Image Re-
trieval in the End of the Early Years. IEEE Trans. по анализу паттернов и Ma-
chine Intelligence, vol. 22, нет. 12, 2000
2. Шуммер М., Пикард Р .: Классификация изображений внутри и снаружи помещений. IEEE International
Практикум по доступу на основе контента к базам данных изображений и видео, совместно
с ICCV’98.
Бомбей, Индия, 1998
3. Серрано Н., Савакис А., Луо Дж .: вычислительно эффективный подход к классификации дверей In-
/ уличных сцен.IEEE ICPR’02, Квебек, Канада,
2002
4. Вайлая А., Джайн А., Чжан Х. Дж .: Классификация изображений: город или пейзаж. IEEE
Семинар по доступу к библиотекам изображений и видео на основе содержимого, Санта-Барбара,
, Калифорния, 21 июня 1998 г.
5. Прабхакар С., Ченг Х., Хэндли Джон С., Фан З.Г., Лин Ю.В.: Изображение- Графика
Классификация цветных изображений. IEEE ICIP 2002
6. Ван Дж. З., Ли Дж., Видерхольд Г., Фиршейн О.: Системы для проверки нежелательных
изображений.Computer Comm., Том 21, № 15, 1998
7. Флек М., Форсайт Д. А., Бреглер С. В поисках обнаженных людей. Proc. Европейская конф.
Computer Vision, vol.2, 1996
8. Chen CC, Bimbo A., Amato G., Boujemaa N .: Отчет о работе DELOS-NSF —
Группа по цифровым изображениям для значимых культурных и исторических материалов .
Отчеты DELOS-NSF, декабрь 2002 г.
9. Ли Дж., Ван Дж. З .: Изучение цифровых изображений древних картин по смесям
стохастических моделей.IEEE Transactions on Image Processing, vol. 12, вып. 2, 15 стр.,
2004
10. Лейкин А., Кутцу Ф., Хаммуд Х .: Визуальные свойства, отличающие искусство от
реальных сцен. Технический отчет № 565, факультет компьютерных наук, Индиана
Университет
11. Цзян Шуцян, Гао Вэнь, Ван Вэйцян: Классификация традиционной китайской краски —
изображений. 4-я Международная конференция по информации, коммуникациям
и обработке сигналов — 4-я конференция IEEE Pacific-Rim по мультимедиа (ICICS-
PCM2003)
12.Коломбо К., Бимбо А.Д., Пала П.: Семантика в поиске визуальной информации.
IEEE Multimedia, июль-сентябрь 1999 г.
13. Международная организация по стандартизации Международная организация по стандартизации
мализация ISO / IEC JTC1 / SC29 / WG11 Кодирование движущихся изображений и звука,
ISO / IEC JTC1 / SC29 / WG11 N4031, Сингапур, март 2001 г.