День: 03.10.1975

Техника гризайль в живописи маслом и акварелью поэтапно для начинающих

«Серый» – так переводится с французского языка термин «Grisaille», который в искусстве имеет статус самостоятельного вида живописи.  Его главной особенностью является создание картин при помощи всего одного цвета. Более глубокая или слабая его интенсивность для придания изображению объёма и реалистичности достигаются художником при помощи размывки водой или смешения с белым цветом. Раньше базовыми цветами в технике гризайль были чёрный, коричневый и серый. Сегодня таких ограничений нет, и поэтому художники используют разные цвета, соответствующие их замыслу.

История становления техники гризайль

В эпоху Средневековья одноцветная техника живописи широко использовалась для декорирования интерьера. Художники давно подметили, что выполненные в ней произведения издалека очень похожи на отделку камнем,  и поэтому ею довольно часто украшали дворцы и усадьбы.

Интересен тот факт, что гризайль настолько точно имитировала объёмные узоры, лепнину и скульптурные композиции, что даже придирчивым ценителям искусства с опытным взглядом было сложно сразу распознать, что это не барельеф, а живопись.

Прошло время, и гризайль стала использоваться и в так называемой станковой живописи. Сначала она не выходила за рамки выполнения эскизов. Нужно отметить, что уровень их был настолько высок, что можно им было смело присвоить звание самостоятельного и самодостаточного художественного произведения.

Затем эту технику стали использовать и в полновесных живописных полотнах перед нанесением основного цвета. Художники выполняли композиционное построение на холсте, затем при помощи сепии или охры наносили тень, а при помощи белил – свет. И только после этого приступали к работе цветом.  С течением времени гризайль стала самостоятельным видом живописи.

Как рисовать в технике гризайль

Главный принцип данной техники – использование одного цвета. Как правило, в живописных работах используют коричнево-белую или серо-белую гамму. Однако можно взять и любую другую, если это будет в полной мере отвечать замыслу художника и смысловой нагрузке картины.

Что касается художественных материалов, то для техники гризайль они могут абсолютно любыми: акварель, гуашь, темпера, сепия, акрил, масло.

Освоение техники одноцветного рисования лучше всего начинать с простых работ. Примером таковых может быть натюрморт с простыми гипсовыми геометрическими фигурами, вазой или фруктами.

Выполнение живописной работы в технике гризайль состоит из нескольких этапов.

1. Сделайте набросок композиции простым карандашом. Лучше всего взять твёрдый карандаш, чтобы линии построения были не так заметны, и их можно было без труда удалить.
2. Нанесите первый, очень тонкий слой краски, не захватывая самых светлых участков на картине.
3. Дайте краске полностью высохнуть.
4. Наложите на картину тени.
5. Снова дайте краске просохнуть.
6. Нанесите полутона.
7. Высушите картину.
8. Самым светлым тоном поработайте над бликами и освещенными участками предметов на картине.
9. Дайте работе высохнуть. Оцените получившееся изображение. При необходимости внесите корректировки более светлым или тёмным тоном.

При работе акварелью и гуашью обратите внимание на тот факт, что по мере высыхания эти краски становятся светлее. Поэтому никогда не торопитесь с выполнением работы в технике гризайль, дайте каждому слою краски хорошенько высохнуть. Только так вы сможете оценить правильность наложения тонов и при необходимости внести изменения.

Работа в технике гризайль – это отличное упражнение для начинающих художников. Оно позволяет прочувствовать и увидеть широчайшую тональность в рамках использования всего одного цвета. Откройте и вы для себя эту удивительную технику живописи.

натюрморты, пейзажи в живописи акварелью, маслом, гуашью, стиль рисования

Гризайль – это вид живописи, выполняемый тоновыми градациями: в оттенках серого и приближенных к нему нейтральных цветов. Особенно часто такой стиль используют для создания барельефов, различных архитектурных элементов, а также больших декоративных скульптурных схем. Чаще всего у гризайли немного более широкие цветовые гаммы, чем специалисты привыкли утверждать.

Характеристика

Картины гризайль создают, когда художник использует ограниченную палитру, связанную с одним цветом. Одним из таких цветов может быть серый, использующийся для создания этюда картины или подмалёвки.

Художник развивает свои изображения при помощи прорисовки теней, бликов и деталей, чтобы добиться желаемого контраста. Гризайль дает детальное изображение, которое выглядит как тщательно обработанная однотонная мраморная статуя. Фактически гризайль — это французское слово, означающее «серый».

В подмалевке нет необходимости в смелых цветах. Нейтральные цвета не должны отличаться напористостью. Они позволяют сформировать детализированные фигуры, визуализируя их и поддерживая иллюзию объекта или формы в трехмерном пространстве.

Автор не беспокоится о том, как будут сочетаться разные цветовые тона или что получится в результате их смешивания. В гризайле цвет появляется при нанесении глазури на холст.

Какие материалы используют

Материалами для работы могут послужить: сепия, масло, гуашь, акварель, акрил.

В технике рисования эмалью измельченная белая стекловидная краска превращается в пасту с помощью её смешивания с водой, скипидаром, маслом лаванды или нефтяным маслом. Затем ее наносят на темную эмалевую основу, обычно окрашенную в чёрный, белый или синий цвет.

Этот метод обычно используют в масляной и акриловой живописи, но есть и техника гризайля акварелью. Хотя этот термин подразумевает наличие определенной палитры, он был расширен с целью получения монохромных картин коричневого или зеленого цвета. В свою очередь, работы, выполненные в коричневом цвете, называют «брюналем», а выполненные в зелёном — «вердайлем».

История техники

Актуальную концепцию разработали много веков назад из-за крайне недостаточного количества пигментов. Беря лишь горстку и желая достичь прекрасных результатов, старые мастера доводили каждый пигмент до предела, добиваясь необходимой яркости.

Этот «внутренний свет», играющий сетью цветов на холсте, стал неотъемлемой частью картины. Поскольку окраска изделия была намного сложнее и требовала большего мастерства, эта практика также часто выбиралась как более быстрая и дешевая альтернатива.

В XIX веке от простого «цвет или краска», использовавшегося в средние века, появился термин «гризайль», обозначающий стекловидный материал с очень богатыми цветовыми вариациями: коричневая гризайль, красный, красный, голубоватый, светло-серый, теплый серый и другие.

Наиболее известных публике представителей, работающих в этой технике, можно считать француза Жан Пуселя (1290-1334 гг.) и английского художника Мэтью Пэриса (1200-59 гг.). Стиль гризайль был популярен среди художников раннего нидерландского Возрождения, в том числе:

• Робера Кампена (1378–1444),
• Яна ван Эйка (1390–1441),
• Хуго Ван Дер Гуса (1440–1482),
• Ганса Мемлинга (1433-1494).

В Нидерландах непрерывную традицию изображения предметов в технике гризайль можно проследить от становления ранней живописи до работ Мартина Хемскерка, Питера Брейгеля Старшего («Христос и женщина, взятая в прелюбодеянии») и Хендрика Гольциуса, а также через обширные галереи Адриана ван де Венна.

Гризайль, несколько менее распространенная в середине XX века, продолжает оставаться пользующейся спросом художественной техникой.

Этапы

Выделяют 8 этапов работы:

1. Набросок карандашом.
2. Исключение всех светлых мест объекта и нанесение тонкого слоя краски.
3. Ожидание полного высыхания краски.
4. Отображение на предмете теней.
5. Повторное высыхание работы.
6. Отметка полутонов.
7. Подсыхание краски.
8. Выделение самым светлым тоном подсвеченные места и блики.

Техника рисования включает в себя 9-балльную шкалу для создания иллюзии глубины. Чтобы начать рисование таким образом, художник должен установить шкалу из 9 значений на палитре серой бумаги и соответствующим образом смешать цвета.

После наброска композиции картины и выделения объекта художник ищет узоры светлых и темных тонов, составляющие тени. Благодаря теневым формам картина приобретает массу и объем.

После того как ключевой источник света определен, художник использует различные серебристые оттенки в логической последовательности градаций значений для создания тех или иных фигур. Изделие, обработанное таким образом, называется классической гризайлью.

Затем на готовую картину наносят прозрачную масляную глазурь. Эти значения серого способствуют созданию самых разнообразных эффектов, когда свет пытается пройти сквозь слои краски или отразиться от них. Сеть красок направляет естественный солнечный свет с поверхности через последний слой цвета. Таким образом, свет может отражаться обратно к зрителю с эффектом зеркала.

Академическая гризайль

Стиль гризайль изучают многие художественные школы, различные ВУЗы и училища. Она помогает начинающим прочувствовать тональность. Для того, чтобы быстрее понять принципы этой техники, новичкам предлагают начать с простых предметов — фруктов, ваз, стаканов — всего, что может вместить в себя натюрморт.

Однако задачи и цели художественной и учебной гризайли несколько различны:

• Учебная — это скорее самостоятельная работа, благодаря которой закрепляются ранее изученные живописные приёмы. Создается в качестве основного рисунка, нанесенного на холст, с дальнейшей моделировкой.
• Художественная — это уже целое самостоятельное произведение, утверждающее эстетическую ценность монохромного колорита.

Известные картины в технике гризайль

«Бекка» — Фред Вессель

Портрет, выполненный с использованием метода Вердаччо. Этому методу отдали предпочтение ранние итальянские художники-фрески—темперы. Он очень хорошо подходит для портретной и фигуративной работы, так как розовые тона кожи, которые были тонко покрыты глазурью сверху, будут уравновешены нежным зеленым.

Фрески Капеллы Скровеньи в Падуе, Джотто

Они считаются одними из важнейших шедевров западного искусства. Творчество Джотто организовано по 4 циклам рассказов героев Евангелия. Это не единственное творение художника, выполненное в технике гризайль.

«Герника» — Пабло Пикассо

ru/wp-content/uploads/2020/10/pablo-pikasso-gernika-1024×464.jpg&description=Гризайль: 40 известных картин, особенности техники рисования в живописи» data-width=»600″ data-height=»400″/>Герника
Пабло Пикассо

Этот шедевр стал символом ужасов войны и военной разрухи, в то же время в нем были представлены пласты художественных новинок, воплощающие стиль и философию модернизма Пикассо.

«Речной пейзаж с далеким холмом» — Джон Гловер

Речной пейзаж с далеким холмом
Джон Гловер

Джон был британским художником, родившимся в 1767 году. Его работы были представлены на многочисленных выставках в галереях и музеях мирового значения.

«Агарь и Измаил в пустыне» — Франсуа Буше

Агарь и Измаил в пустыне
Франсуа Буше

Агарь — египтянка, однажды ставшая наложницей Авраама, родила сына Измаила. Картина написана по одной из легенд об Агари, одна из которых содержит сцену изгнания девушки с ребёнком в пустыню.

«Поклонение волхвов» — Рембрандт Харменс ван Рейн

Простой люд обступил Иисуса, лежащего в яслях. Свет, исходящий от фонаря одного из мужчин, кажется значительно тусклее, чем сияние младенца. Это сияние похоже на очаг, обогревающий собравшихся вокруг. Эта картина — исследование на тему младенчества Иисуса.

«Искушение святого Антония. Внешние створки триптиха» — Иероним Босх

Картина хранится в одной из крупнейших галерей Португалии — Национальном музее старинного искусства. Она отожествляет борьбу человека со злом и самим дьяволом. Святой Антоний — проекция собственного «я» творца.

Гризайль — удивительная и глубокая техника одноцветной живописи

Одной из наиболее удивительных и глубоких техник в живописи, несмотря на свою монохромность, является гризайль. Ее название в переводе с французского означает серый, но в действительности, она может быть исполнена в любом цвете. Ведь она заключается в одноцветной передаче изображения с использованием тональных градаций. Именно тон, а не цвет имеет здесь значение. Правильно подобранный по светлоте оттенок определенного цвета позволяет сделать работу объемной и пространственной. А ее монохромность оставляет место для фантазии и собственной цветовой интерпретации.

Гризайль в истории живописи

Началом активного использования техники гризайль в живописи принято считать эпоху Средневековья. Послужить этому могла скудная палитра цветов либо строгие религиозные каноны. Как бы там ни было, в результате монохромная живопись стала набирать популярность и достигла пика в эпоху Возрождения. Особо искусные мастера того времени могли создавать произведения, которые практически не отличались от объемных скульптур. Это вызывало особый восторг в обществе, а некоторые хитрецы даже использовали картины в технике гризайль как имитацию каменной скульптуры в интерьере.

Со временем гризайль переместилась в станковую живопись. Ярким примером являются фрески и потолок Сикстинской капеллы, которые частично выполнены в этой технике. Также она активно использовалась иллюстраторами в рукописных манускриптах, и по сей день применяется художниками для создания эскизов. Ведь после выполнения композиционного рисунка, художник передает рельефы, объемы и тени зачастую одним основным цветом.

Однако постепенно техника стала терять былую популярность пока в начале ХХ века не произошел переворот во всем мире искусства. Мастера стали на путь поиска новых смыслов и их воплощений на холсте, в результате чего они вновь обратили внимание на монохромную живопись. С помощью нее делали акцент на внутренних переживаниях человека, а не на достоверном изображении реальности, прибегая к новой изобразительной эстетике.

На сегодняшний день, технику в основном используют молодые художники, которые учатся передавать форму и фактуру предметов. Достаточно популярен гризайль и в интерьере. К примеру, натюрморт в одном цвете или черно-белый портрет – стильное и актуальное решение для дома, которое пользуется спросом.

Техника рисования гризайль

Кому-то данная техника может показаться простой. Ведь используется лишь один цвет. В действительности же она требует тонкого понимания тонов и является очень полезной для усовершенствования своих художественных навыков. А особым мастерством является подбор настолько точного соотношения тонов, что работа даже передает ощущение цвета. Ведь именно соотношение и сочетание тонов имеет большую важность, нежели точная цветопередача в живописи.

Техника гризайль позволяет художнику лучше чувствовать цвета и оттенки, рассматривая их уже с точки зрения насыщенности и интенсивности. Что немаловажно для изображения фактуры и объема на полотне. Более того, она позволяет фантазировать и рисовать в своем воображении собственную палитру цветов.

Весь процесс работы в технике гризайль можно разделить на следующие базовые этапы:

1. Исследование предмета изображения, анализ соотношения света и тени.
2. Изображение основных форм.
3. Работа с самым светлым тоном.
4. Работа с тоном средней интенсивности.
5. Работа с темными тонами.
6. Выделение самых темных или самых светлых мест (в зависимости от выбранного вами материала).
7. Добавление промежуточных тонов при необходимости.

Конечно, с разными материалами последовательность данных этапов может меняться. К примеру, с акварелью мы двигаемся от светлых к темным тонам, с маслом же мы выделяем белилами самые светлые участки в конце. Но однозначно, все эти шаги будут присутствовать в процессе создания работы гризайль.

Натюрморт в стиле гризайль

Одним из самых популярных жанров в технике гризайль является натюрморт. Во многом это связано с тем, что на нем начинающие художники отрабатывают навыки передачи светотени. Ведь подобная практика существенно повышает уровень художественного мастерства и позволяет новичкам прочувствовать глубину и разнообразие оттенков.

Если вы тоже решили попрактиковаться данным образом, необходимо учесть несколько важных факторов:

• предметы для натюрморта нужно подбирать разные по размеру, фактуре и форме;
• предметы должны быть гармонично установлены в вертикальной и горизонтальной плоскостях;
• драпировка должна быть умеренной без большого количества складок, но и не гладкой;
• наличие хорошего освещения особо важно для отслеживания светотени.

Ну и конечно, помните, что процесс работы будет зависеть от используемых вами материалов. Рисовать в технике гризайль можно чем угодно. Это может быть гуашь, акварель, масло, тушь или карандаши. Независимо от вашего выбора, данная практика однозначно будет полезна и откроет вам много нового.

Монохромные картины

Картины выполненные в одном цвете называются монохромными. Чаще всего такие работы написаны в разных тонах серого цвета, где они варьируются от светлых к темным, от прозрачных к насыщенным и от холодных к теплым.

Такие картины не являются эскизом или подмалевком в процессе создания работы, а выступают самостоятельным и конечным результатом изображения предмета или человека. Прекрасным примером монохромной картины, получившей общественное признание считается работа Пабло Пикассо под названием «Герника». Она выполнена в свойственном мастеру стиле кубизм и раскрывает перед зрителем весь ужас и боль слова «война». Ведь данная работа посвящена одному из городов Испании, который потерпел ужасные потери во время бомбардировки.

И это далеко не единственный пример пронзительной и трогающей монохромной живописи в мире искусства. Многие известные мастера обращались к технике гризайль в своих работах в разные исторические эпохи. Среди них Бове, Босх, Рубенс и Ван Эйк. А значит, данная техника точно стоит того, чтобы занимать отдельное место в мировой живописи.

Акварельная живопись — Художественная школа «Вдохновение» — Учёба.ру

Высшее образование онлайн

Федеральный проект дистанционного образования.

Я б в нефтяники пошел!

Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.

Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА

120 лет опыта подготовки

Международный колледж искусств и коммуникаций

МКИК — современный колледж

Английский язык

Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.

15 правил безопасного поведения в интернете

Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.

Олимпиады для школьников

Перечень, календарь, уровни, льготы.

Первый экономический

Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.

Билет в Голландию

Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.

Цифровые герои

Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.

Работа будущего

Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет

Профессии мечты

Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.

Экономическое образование

О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.

Гуманитарная сфера

Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.

Молодые инженеры

Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.

Табель о рангах

Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.

Карьера в нефтехимии

Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.

[View 43+] живопись натюрморт акварель гризайль

View Images Library Photos and Pictures. Гризайль Натюрморт (Техника + Материалы + Советы + 10 фото) • ИзоКурс, Мск Картина Акварель «Чайный натюрморт». Натюрморт акварелью – купить на Ярмарке Мастеров – J3Z0NRU | Картины, Москва Творческая студия Ирины Коновой — izostudiya.ru Натюрморт, городской пейзаж, мандала, акрил, гризайль, акварель живопись / картины — arXip

. Что такое гризайль? Авторские галереи — Мирамедова Аина Гапуровна / Учебный натюрморт, гризайль / Графика [Натюрморт] Техники акварели | КАК НАУЧИТЬСЯ РИСОВАТЬ

Техника гризайль на занятиях живописи | интерактивная площадка «Поленовский форум»

Техника гризайль на занятиях живописи | интерактивная площадка «Поленовский форум»

гризайль или живопись натюрморта двумя цветами — черным и белым

Техника Гризайль. Гризайль в Живописи (Как Рисовать?)

Натюрморт Маслом Гризайль 40*50см купить в Чехове | Хобби и отдых | Авито

Открытый урок по живописи «натюрморт из трех предметов быта в технике « Гризайль»

NEW! Курс «Акварель — многослойная живопись» :

ДХШ — Живопись | Живопись, Гризайль, Рисунки тушью

Пиксельная реальность: Живописное

Гризайль: техника рисования маслом акварелью гуашью

Павловская детская художественная школа | Работы моих учеников. Хмелевский А.Г.

Гризайль

NEW! Курс «Акварель — многослойная живопись» :

О технике Гризайль

Гризайль» картина Кабаевой Ольги (бумага, акварель) — купить на ArtNow.ru

Переход от рисунка к живописи через Гризайль. Курсы рисования в технике гризайль в Санкт-Петербурге.

Постановочный натюрморт в технике гризайль — Demiart Photoshop

Гризайль. Словарь. Лафонтен

Гризайль Натюрморт (Техника + Материалы + Советы + 10 фото) • ИзоКурс, Мск

Favorite images — Yandex.Collections

Техника гризайль в живописи: основные понятия и рекомендации

Техника гризайль на занятиях живописи | интерактивная площадка «Поленовский форум»

Живопись гризайль | Artisthall — Художественная мастерская

Gallery.ru / Натюрморт — гризайль, акварель/бумага — Живопись — i-rudnev

Открытый урок по живописи «натюрморт из трех предметов быта в технике « Гризайль»

Идеи на тему «Гризайль» (20+) | гризайль, натюрморт, живопись

Гризайль — техника одноцветной живописи

Гризайль. Словарь. Лафонтен

гризайль Instagram posts (photos and videos) — Picuki.com

Гризайль – что это такое? | Гризайль – это

акварельный натюрморт Гризайль роза в стакане темная бутыль на деревянном столе

Осенний натюрморт (акварель, гризайль)

Выполнение рисунка. После того как найдена композиция, выполняется рисунок, в котором очень точно передаются все детали. Рисунок должен быть выполнен тонкими линиями, чтобы они не просвечивали сквозь акварель. Если в процессе подготовительной работы рисунок получился грязным, со многими исправлениями, то для работы цветом его можно перевести через оконное стекло на новый лист (рис.16).

Первая прокладка тоном. Начиная писать, не увлекайтесь деталями, постарайтесь обобщенно прописать всю поверхность листа. Не забывайте, что в акварели нет белой краски, поэтому белизна листа является самым светлым тоном в работе. По просохшему слою краски приемом лессировки (наложением краски поверх просохшего слоя) наносится более темный тон для проработки основных масс.

Нужно быть осторожным. Акварельная живопись почти не терпит исправлений. Если вам понадобится что-нибудь ослабить в тоне, то попробуйте промыть это место чистой водой и написать его заново. Постепенно прорабатываются детали изображения тонкой кисточкой по сухому слою краски.

Завершение работы. Законченная работа, выполненная акварельной техникой, выглядит свежо и живо, краски прозрачны даже в самых темных местах. Основная забота на этом этапе – выделить главное и добиться цельности композиции.

                            Рис. 16. Осенний натюрморт (этапы)

Начинаем с нанесения предварительного наброска карандашом. Тут важно просто обозначить местоположение основных объектов натюрморта и определиться с их размещением на листе. Мысленно можно разделить композицию на сетку из 4 равных частей (или больше), так будет проще разместить все на своих местах. Например, видно, что кувшин расположен не строго по центру, а слегка смещен вправо, дальний край стола находится где-то на 1/6 от нижней кромки листа. Симметричные объекты рисуются относительно средней осевой линии, поэтому для того чтобы обозначить кувшин, определяется положение его осевой линии.

После того как мы определились с композицией работы и наметили все основные объекты натюрморта на листе, можно переходить к работе в цвете. Начинаем с нанесения основного фона. При этом не обязательно использовать все цвета один в один, главное – передать основные тона. Будем использовать коричневый, охру и белила в качестве основных; зеленую, фиолетовую и красную железоокисную (кирпичный цвет) можно применять как дополнительные цвета. Краску наносим пятнами, крупными мазками, применяя широкую плоскую щетинную кисть, стараясь растирать и перемешивать ее с другими цветами, добиваясь по возможности плавных переходов, вливаний одного цвета в другой.

Нужно закрыть весь фон. Во-первых, так краски ложатся плотнее и работа приобретает больше живописности. Во-вторых, так композиция работы обретает целостность. Мы стараемся не рисовать что-либо кусками, по частям, чтобы не создавалось впечатления конструктора, где детали приставлены друг к другу, может, не всегда удачно. Нам важно создать от работы ощущение цельности и завершенности. В-третьих, между лепестками цветов могут быть просветы, где проглядывает фон, если мы не закроем весь фон сразу, то потом будет сложно аккуратно и гармонично эти просветы закрыть, так что гораздо удобнее и приятнее закрыть весь фон, а потом поверх него нарисовать цветы так, как в жизни.

На следующем этапе прорабатываются цветом стол, драпировка и кувшин. Подбирайте удобные для вас по размеру и форме кисти, экспериментируйте, чтобы подобрать оптимальные для вас варианты.

Какие использовать цвета? Крышка стола хорошо освещена. Основные краски для нее – белила с коричневым. В качестве дополнительных можно добавлять охру, синий, железоокисную красную, фиолетовый. Боковая поверхность стола расположена в тени, здесь используются все те же цвета, но практически без белил, стык крышки можно подчеркнуть черной краской, обозначив таким образом глубокую тень в этом месте.

Драпировка кажется оранжевой, это ее основной цвет. Но если присмотреться повнимательнее, там присутствуют разные цвета и оттенки. На складках, расположенных в тени, можно увидеть темно-красный, фиолетовый и коричневый цвета. На участках, где отражаются ближайшие предметы есть зеленые и желтые пятна. Ищите такие тоновые пятна и наносите их на бумагу, за счет этого создаются объем и живость рисунка.

Логика подсказывает, что небо – голубое, трава – зеленая, а глиняный кувшин – коричневый. Верьте своим глазам, а не формальной логике. Во всем что вас окружает присутствует множество различных цветов и оттенков, иногда самых неожиданных. Поэтому не бойтесь добавлять необычные цвета, например на глиняном кувшине есть фиолетовые и зеленые оттенки. Избавляйтесь от стереотипа, что предметы имеют один цвет. Они все отражаются друг от друга, отдают и поглощают свет. Для кувшина используйте охру, коричневый, железоокисную красную и любые другие цвета, которые вы видите. При этом замечайте, что на левый бок кувшина падает свет и необходимо обозначить этот участок света более светлыми цветами, можно с добавлением белил. Также не забудьте, что блики света есть и на ручке кувшина, а на столе от кувшина есть небольшая тень.

Поскольку фоновым цветом мы закрыли наш карандашный набросок, нужно вновь обозначить расположение цветков. Для этого коричневой краской круглой щетинной кисточкой свобоными движениями обозначаем расположение серединок цветков. Не обязательно прорисовывать каждый, имеющийся на фотографии, достаточно выбрать несколько наиболее ярких и понравившихся. Не забываем, что цветки расположены под разными углами к зрителю и на разном расстоянии. Их серединки чаще всего овальные, а не круглые, как может хотеться их изобразить, и они разные по размерам. Круглыми они будут только у тех цветков, которые смотрят прямо на нас. Зеленым цветом покажем несколько основных ножек наших подсолнухов.

Теперь наносим немного пятен зелени, показывая листья, стебли и чашелистики. Большая часть зелени закроется цветками, но обозначение ее присутствия в охапке подсолнухов значительно оживит букет. Как всегда не пытаемся ничего детально прорисовывать, просто делаем пятна зеленой краской, добавляя в нее кое-где желтой, синей или белил, чтобы обозначить светотень, придать живости зелени за счет неоднородных цветов.

Следующий этап – начинаем рисовать цветы. Вначале желтой краской обозначаем расположение лепестков, стараемся нарисовать каждый лепесток одним смелым мазком, от центра к краю, с помощью круглой щетинной кисти. Смелые движения кистью добавляют нашему рисунку энергии. Не нужно прорисовывать каждую детальку, позже можно будет что-то доработать. Главное – передать ощущения. И не забываем, что не все лепестки смотрят на нас, какие-то из них мы видим сбоку и они за счет этого кажутся гораздо более узкими. Еще раз повторюсь: цветы не круглые, они овальные, поскольку расположены под разными углами к зрителю. Верим своим глазам, а не стереотипному восприятию. При этом совершенно смело можно перекрывать лепестками ранее нарисованную зелень и кувшин.

На следующем этапе нам предстоит показать тени на лепестках подсолнухов и нарисовать их серединки. Серединки цветов выпуклые и на них тоже видны свет и тень, чтобы показать их можно использовать коричневый цвет, добавляя к нему черного с затемненной стороны, а на освещенных участках подмешивая к коричневому желтый или охру. Лепестки, на которые падает тень рисуем коричневым, красным и охрой. На самые освещенный участки можно добавлять белил. Чтобы уравновесить и освежить букет, можно еще вытащить из него несколько зеленых листочков.

Добавляем детали в нижней части композиции. Кладем на стол яблоки и еще один подсолнух. Этот этап можно проделать и раньше, до детализации цветков. Как вам удобнее. Смотрите за размерами и масштабами яблок относительно других предметов. Они достаточно небольшие на фотографии. Кроме того, смотрите где именно они расположены на столе. Используем для яблок травяную зеленую краску, добавляя в нее желтую и белил, сразу обозначая участки света и тени. На участки тени можно добавить синей краски. Подсолнух рисуем по тому же принципу, что и цветы в кувшине (рис. 17).

                        Рис. 17. Этапы рисования натюрморта

Дорисовываем яблоки и подсолнух на столе, более четко показываем свет и тень, обозначаем на яблоках блики, а на лепестках подсолнуха – тени, дорабатываем драпировку, добавляя ярких пятен. Наносим тень от предметов на поверхность стола, используя фиолетовую и коричневую краску. И на последнем этапе детализируем наш рисунок, подправляем, если что-то не так. Я добавила бликов на подсолнухи, на кувшине посильнее обозначила тень, показала тень на стене за драпировкой, немного усилила тени на лепестках в правой стороне, чтобы они более контрастно смотрелись и были отделены от фона.

 Предлагается другой вариант несложного натюрморта с посудой в деревенском стиле. Рисовать лучше всего на листе акварельной бумаги, желательно достаточно большом, не менее А3. Не обязательно рисовать предметы так, чтобы заполнить лист. Напротив, лучше всего отрезать лишнее потом, а формат очертить карандашом таким образом, чтобы при рисовании остались незадействованные поля.

Рисование натюрморта начинается с построения предметов, а построение начинается с плоскости. Нарисуйте плоскость стола.

Намечаем предметы, стоящие на столе. Рисуем предметы насквозь. У нас несложный натюрморт, поэтому начинаем рисовать глиняный горшочек. В основе горшочка овалы – это дно и горлышко. Острых краев, углов у овалов нет, так как у круга нет острых углов по краям. Рисуем горлышко закругленным, а дно – более открытым, чем горлышко горшка. Нарисуйте горшочек симметричным.

Нужно убрать лишние линии, которые будут просвечиваться сквозь акварель. Рисунок должен быть легким и еле заметным. Начинаем рисовать со светлых цветов. Не рисуйте одним цветом – даже белый цвет состоит из множества оттенков.

В качестве фона у нас разноцветный шерстяной платок, шаль. Начинаем рисовать ее со светлых и цветных пятен, а потом сделаем тени более темными. Затем рисуем тени, которые темнее, обходя цветной узор, который должен читаться. Так как эта постановка с посудой не очень сложная, то главный акцент берет на себя узор на платке. Продолжаем рисовать фон. Сразу намечаем тени.

Пишем акварелью горшочек. Начинаем со светлых цветов. Не забудьте оставить блик нетронутым. Рисуем горшочек объемным. На нем есть блик (справа), тень, полутень и рефлекс. Более подробно вы можете посмотреть распределение света в уроке про гипсовый шар. Далее рисуем ложку. Одновременно уточняем по цвету и форме складки. Рисуем кружевные кисточки на белом полотенце. Мы нарисовали натюрморт с посудой и овощами. На последнем этапе немного приглушили белые пятна на заднем фоне, чтобы драпировка не брала на себя много нашего внимания. Горизонтальная плоскость стола светлее, чем вертикальная. Это важно, потому что придает глубину натюрморту.

                        Рис. 18. Этапы рисования натюрморта

     11. РИСОВАНИЕ ОБЪЕМНЫХ ТЕЛ

Графика – вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные произведения, основывающиеся на искусстве рисунка, но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями.

Основной материал, используемый в искусстве графики, – бумага – предопределяет классическую роль белого фона, на котором значительную выразительность обретают линия и пятна; при этом монохромное изображение на контрастном белом фоне формирует особую эстетическую систему, что позволяет охарактеризовать графику как искусство «белого и черного». По способу исполнения и возможностям воспроизведения (тиражирования) графического произведения различаются уникальная и печатная графика.

Уникальная графика – рисунок (карандашом или цветными карандашами, углём, мелом, пастелью, тушью – кистью или пером и т. д.), акварель, гуашь, монотипия, коллаж, аппликация и другие способы создания композиции, дающие в итоге графическое произведение, единственное и неповторимое.

Печатная графика дает возможность получить определенный тираж относительно равноценных, идентичных произведений – оттисков с доски, с металлической пластины, с камня, листа линолеума или другой основы, на которую нанесен соответствующий рисунок.

По назначению различаются станковая, книжная, газетно-журнальная, прикладная графика и плакат.

Прикладная, в том числе промышленная, графика (Л. М. Лисицкий, А. М. Родченко в СССР) приобретает широкий круг функций, внося художественное начало в оформление предметов утилитарного характера (почтовые марки, экслибрисы, товарные знаки, этикетки и др.). Связь графики с современной жизнью, возможности, открываемые перед ней развитием полиграфии, создают условия для возникновения всё новых видов графического искусства.

                  Линейный рисунок куба

В этом уроке, состоящем из двух частей, вы научитесь передавать объем предметов. Все окружающие нас вещи, которые мы хотели бы нарисовать, какими бы сложными по форме они нам не казались, всегда можно схематически представить с помощью простых геометрических фигур, таких как куб, цилиндр, шар. Поэтому нужно понять, как правильно рисовать эти простейшие фигуры, и потом в рисовании более сложных фигур у вас будет гораздо меньше сложностей. Для начала нужно построить куб. Чтобы понять, как будут изменяться пропорции куба в перспективе, рассмотрим рисунок, на котором изображены непрозрачный и прозрачный куб. Точка F на рисунке – точка схода. Показано фронтальное положение куба в трех возможных случаях: 1) когда линия горизонта пересекает куб – значит, мы смотрим на прямо куб, находящийся на уровне наших глаз; 2) когда куб находится ниже линии горизонта – мы смотрим на куб прямо и немного сверху и 3) когда куб находится над линией горизонта – мы смотрим прямо и снизу. Во всех этих случаях вся передняя грань куба находится на одинаковом расстоянии от наших глаз, поэтому она не изменится в перспективе. Чтобы построить куб во всех этих положениях, достаточно построить переднюю грань, провести линии из четырех углов в точку схода, отложить на этих линиях верхние и нижние ребра и соединить их между собой.

На рисунке видно, что когда куб расположен на линии горизонта, его передние боковые ребра не подвергаются перспективным изменениям, а задние ребра кажутся короче передних, из-за этого верхние и нижние ребра, уходящие в глубину, кажутся непараллельными, и продлив их до линии горизонта, мы получим точку схода.

  Если куб поставить ниже или выше линии горизонта, то ребра, уходящие в глубину, поднимутся вверх или, соответственно, опустятся вниз, сходясь на линии горизонта. Возможны еще случаи, когда линия горизонта проходит через верхнюю или нижнюю грани куба, такие положения построить тоже достаточно легко.

Рассмотрим вариант, если куб развернут к нам одним из своих боковых ребер, также в трех положениях: на линии горизонта, ниже и выше линии горизонта. В этом случае точек схода будет две. В первом случае нам будут видны только две грани, расположенные под углом. Ближе всего к зрителю будет находиться переднее боковое ребро, и только оно не подвергнется перспективным сокращениям. Из углов куба проводим вправо и влево прямые, сходящиеся на линии горизонта, на них будут лежать верхние и нижние ребра куба.

Если поставить куб выше или ниже линии горизонта, то нам будет видна верхняя или нижняя грань. В этом упражнении мы будем рисовать куб, развернутый к нам одним из боковых ребер, расположенным ниже линии горизонта.

  Нужно нарисовать линейный рисунок прозрачного куба, прорисовывая задние ребра. Во время рисования можно использовать линейку. Если упражнения выполняются на развитие моторики кисти, то это можно сделать и без линейки. Вполне можно наметить все линии от руки, а потом нарисовать окончательный контур с помощью линейки. Пусть размер куба будет 5 х 5 см.

Начинать нужно с переднего бокового ребра, которое мы видим без перспективных искажений, и только это ребро будет иметь реальный размер 5 см. На уровне нижнего угла ребра проведите вспомогательную горизонтальную прямую, потом ее можно будет вытереть, она нужна нам, чтобы определить углы, под которыми мы будем строить боковые грани куба. На рисунке это углы альфа и бета. Если они равны, обе боковые грани мы видим одинаково, но в нашем варианте это разные углы. Чем больше угол, тем меньше открыта соответствующая боковая грань. Определившись с углами, проведите прямые, содержащие горизонтальные ребра. Для тренировки глазомера на листе бумаги желательно не располагать точки схода, и если вы разместите ваш рисунок на вертикально развернутом листе, то они просто не поместятся, главное, чтобы из рисунка было понятно, что эти прямые сойдутся, но вполне можно довести прямые до точек схода и указать их на линии горизонта, так нарисовать куб будет проще. Теперь, помня о том, что исходя из законов перспективы, чем дальше от нас что-то тем оно меньше, откладываем на прямых нижние и верхние горизонтальные ребра.

Теперь, зная, как правильно построить куб, мы будем разбираться, как его нарисовать тоном. Чтобы правильно нарисовать даже простейшие геометрические фигуры, нам понадобится немного теории. Мы видим предметы, если они освещены. Лучи света по-разному попадают на разные участки поверхности предмета, и вы видим его форму, сам предмет закрывает собой доступ для лучей света на какую-нибудь поверхность и образуется падающая тень. Светотеневые участки на любом предмете можно представить в виде нескольких градаций.

Свет – это участки поверхности предмета, получающий наибольший поток прямых лучей света.

Полутон – участки поверхности предмета, освещенных скользящими лучами света. Полутон делится на полутон света и полутон тени.

Тень (собственная тень) – участок поверхности предмета, куда прямые и скользящие лучи света не попадают. Это самый темный участок на поверхности предмета.

Блик – бывает на блестящих или лакированных поверхностях, чаще всего на территории света.

Рефлекс – участок теневой поверхности предмета, получающий поток отраженных лучей света от окружающих предметов или от поверхности, на которой предмет расположен.

Цвет рефлекса зависит от цвета окружающих предметов, а яркость или светлота зависит от характера поверхности предмета: на блестящих объектах рефлексы более светлые и ярче выражены, чем на матовых. Падающая тень – это тень, отбрасываемая объектом на какую-нибудь поверхность. Падающая тень темнее, чем собственная, а наиболее темный участок падающей тени ближе всего к источнику света. Источников света может быть несколько, мы рассмотрим вариант с одним источником света, расположенным вверху слева относительно объекта. На стыках по-разному освещенных граней можно наблюдать так называемый краевой контраст. На границе светлого и темного светлое кажется светлее, а темное – темнее.

                              Рисунок шара

Контур шара с любой точки виден в виде круга.

Сложность выявления формы шара при помощи светотени.

Определение соотношения тональности контура шара и фона.

Блик на освещённой части шара и рефлекс в затенённой части.

Падающая тень, удаляясь, кажется размытой.

Рисунок шара необходимо начинать с размещения общего пятна рисунка на листе бумаги с тем, чтобы оно не казалось слишком большим или слишком маленьким. Рисовать круг проще в квадрате, это мы уже усвоили. Вписав в квадрат окружность, и удалив лишние линии, мы получаем плоское изображение круга, из которого нам нужно сделать объёмное изображение шара. Определяем направление света, падающего на шар. Если мысленно через центр шара провести плоскость, перпендикулярную лучу света, то плоскость разделит шар на условно освещённую и затенённую часть. А контур шара, лежащий в этой плоскости, мы будем видеть в виде овала. Здесь, на линии овала, и будет располагаться самая глубокая тень на поверхности шара.

Если прищурить глаза и посмотреть на освещённую часть шара, мы увидим самое светлое пятно, которое называют «блик», это точки на поверхности шара, расположенные перпендикулярно лучу света. Отражённые от горизонтальной поверхности лучи света создают «рефлекс» в затенённой части шара. Это мы уже наблюдали, когда рисовали цилиндр. Остаётся ещё определить падающую от шара тень и передать всё это в рисунке.

Светотень должна очень мягко переходить от самого светлого пятна «блика» до самого тёмного пятна в собственной тени шара. Не нужно забывать про «рефлекс» и обратите внимание, что падающая тень неоднородна, при удалении она кажется более размытой. Нужно тонко отделить шар от фона и не контурной линией, а светотенью.

Далее задание усложняется. Нарисуем натюрморт из трёх, уже знакомых нам геометрических тел. Начинаем с размещения общего пятна рисунка на листе бумаги. Затем прорисовываем с учётом перспективного сокращения форму куба, начиная с нижнего основания, для цилиндра нарисуем в перспективе параллелепипед, в основании которого лежит квадрат. Проследим, чтобы основания куба и параллелепипеда не врезались друг в друга и находились в одной плоскости. Для шара также нарисуем квадрат, чтобы легче было рисовать круг. Прорисовав основной контур всех предметов и убедившись, что все они правильно расставлены относительно друг друга, проверим, соблюдены ли соотношения «пропорции» всех размеров, не кажется ли, например, что шар больше куба (рис.19).

                       Рис. 19. Рисунок геометрических тел

                                      Рисунок уха

 Рисунок следует начинать с изображения общей формы. Конструкция ушной раковины обусловлена хрящевыми образованиями, поэтому при ее построении нужно ориентироваться на конструктивные опорные точки – характерные выступы и углубления.

  Начинать рисовать ухо нужно с определения осевой линии, которая помогает правильно установить его положение. Это линия, делящая голову на лицевую и затылочную, которая проходит по ушному отверстию, височной точке и высокой на черепе. Также нужно следить за положением поверхности формы ушной раковины в пространстве. Дело в том, что у одних людей ухо примыкает близко к голове, а у других значительно отступает. Поэтому от того, как верно определена на натуре плоскость ушной раковины относительно точки зрения, во многом зависит правильное изображение ее сложной формы, ее объема. Когда наметите общие очертания формы уха, переходите к поиску основных конструктивных точек.

Потом намечаем общий контур формы ушной раковины, после чего переходим к изображению его составных частей, к детализации. При этом нужно четко следить за пропорциональным соотношением частей по отношению друг к другу и к общему объему уха. Ничто не появляется здесь просто так и не исчезает в никуда. Одна форма плавно перетекает в другую, вторая взаимосвязана конструктивно с первой. Ухо – та часть человеческого тела, где царит пластика и гармония формы. Нужно следить за толщиной и характером завитка и изменением его формы по мере движения в полую часть ушной раковины. Проследите за характером и толщиной изгиба форм противозавитка.

Нужно учиться понимать объем уха не как отдельные линии и темные и светлые пятна, а как один целый объем. Это застрахует вас от плоского отображения частей всего уха и ушной раковины в частности. И так проще моделировать светотень.

Вспомогательные плоскости будут строиться по конструктивным точкам, вогнутым и выпуклым местам. При этом вся конструкция не будет выходить из общей плоскости уха.

Ушная раковина своим основанием прикрепляется к боковой поверхности головы, при этом ее продольная ось располагается параллельно продольной оси носа и ветви нижнечелюстной кости. Верхний край ее прикрепления находится примерно на уровне уголка глаза.

                            Рис. 20. Этапы построения уха

Для начала находим общие очертания уха – высота, ширина,

по крайним конструктивным точкам, конечно, с учетом поворота и перспективного искажения. Нужно рассматривать ухо натуры или гипса (рис.20).

                                       Рис. 21. Рисунок уха

Ухо в профиль несколько похоже на форму рупора, попробуйте находить сходства с более простыми и понятными вещами (рис. 21).

Когда найдены основные размеры и намечены второстепенные, пора их прорисовать. Ухо – форма объемная, как раз здесь полезно использовать способ нахождения объемов с помощью условных плоскостей.

Самый простой и безопасный способ начать проработку формы тоном – положить легкий штрих по теневым местам. Берем и прокладываем штрих, прокладываем по форме.

Нельзя забывать на изломах формы уха делать акценты: где форма делает поворот или изгиб, где одна деталь формы пересекает другую, на самых выпуклых частях ее. Хрящевая основа выделяется четче, чем мочка уха. Это все придает работе плановость, конструктивность и в то же время живость.

                             Рисуем рот

Объемная форма верхней и нижней губ также различна. У верхней губы в середине имеется выступающий вниз бугорок, которому своеобразно соответствует выемка на нижней губе. Нижняя губа всегда пухлее. Отделяет ее от подбородка борозда, расположенная горизонтально. У верхней губы находится вертикальная борозда – фильтр. Характеристика губ, которая была рассмотрена, соответствует зрительному наблюдению гипсового слепка части головы Давида. Точное расположение предусматривает место основного объема изображения чуть выше горизонтальной оси симметрии, чтобы срединная линия «бантика» губ находилась на точке «золотой пропорции» по высоте (ширине) листа бумаги. Точнейших расчетов в этом случае делать не надо, так как имеющий представление о «золотом сечении» сам в состоянии найти место линии.

Дальше вы находите в своем рисунке присущие натуре формы путем одновременного легкого очерчивания карандашом всех частей верхней и нижней губ, располагая их с учетом перспективных изменений симметрично: площадки над верхней с наметкой части «фильтра», луковидного контура губы, ямок-уголков, двух половинок нижней и облегающих подбородок масс с бороздой.

Следующая стадия выполнения рисунка – применение способа «обрубовки». В процессе выполнения рисунка с натуры каждому из вас просто необходимо некоторое время побыть как бы в роли скульптора, начинающего свою работу в глине с общих масс, образующих объем скульптуры.

 После сравнения рисунка с натурой переходите к более точной характеристике изображения. Постоянно помните, что работу нужно вести осторожно, не злоупотребляя нажимами карандаша и не пачкая рисунок излишними следами графита. Педантичное выполнение требований в учебном рисовании хотя и сковывает несколько рисующего, но тем не менее дисциплинирует, приучает к очень ценным в изобразительной практике качествам – высокой технике владения инструментами, культуре рисования.

 Конечно, этапность (стадийность) в рисовании с натуры во многом условна. Дело в том, что в учебных целях внимание рисовальщика приходится направлять на те или иные стороны изображения, поэтому разделение на определенные этапы здесь уместно, хотя ведение рисунка есть просто процесс последовательного решения возникающих одна за другой задач.

 Сейчас вы переходите к передаче пластической формы слепка губ. Будьте здесь столь же внимательны, как и раньше. Но там у вас были несколько иные цели, а в процессе уточнения деталей придирчиво следите за переходом одной поверхности в другую, опять же все время сравнивая как весь рисунок с натурой, так и одну часть в изображении с другой, и ищите их взаимосвязь. При уточнении элементов формы у наружных краев изображения анализируйте сокращающиеся поверхности, ибо от такого внимания к ним зависит итоговое перспективное и тональное решение рисунка.

 Уточнение деталей должно начинаться с постепенного и незаметного перехода. Для вас новый этап работы теперь заключается в том, чтобы продолжать сохранять непрерывную последовательность ведения рисунка от простого к сложному.

 Рассматривая верхнюю губу, вы не можете не заметить, что ее объем имеет плавно выделяющийся вперед и резко обрывающийся вниз бугорок и столь же плавно уходящую к ямкам-уголкам остальную выпуклость. Все эти особенности формы верхней губы головы Давида надо передать.

 Нижняя губа припухлая, с характерной впадинкой, имеет в натуре край почти эллипсовидный. Она нависает над подбородочно-губной бороздой, залегшей в глубокую тень.

 Сомкнутый рот Давида с юношескими припухлостями губ заканчивается глубокими ямками-углами, в которых сосредоточились самые темные тени.

 Уточняя деталь, связывайте ее со светом или тенью, не прибегая пока к полутонам, ибо можно расстроить ее выпуклые части. Верхняя площадка над губой слепка состоит из восьми различных поверхностей, нижняя – из шести. Их границы не видны в натуре, но различие по тону заметно.

 При переходе к проработке формы тоном нужно построить и уточнить рисунок слепка губ, чтобы была возможность насыщения очень светлыми полутонами освещенных частей. Здесь как раз и проявляется культура рисунка (рис. 22).

                                   Рис. 22. Этапы рисования

                                   Рис. 23. Рисунок губ

                              Рисуем нос

Весь объем носа можно заключить в пирамиду, или призму. Вначале делается анализ формы носа. Конечно, у каждого человека нос имеет свои характерные особенности, но их строение имеет единую для всех структуру, обусловленную анатомическим строением костей и мышц, а также хрящевыми образованиями. А мы взяли и просто нашли обобщенную форму всего этого. На начальном этапе нужно учиться соблюдать пропорциональные соотношения при его изображении, сходство есть результат правильного построения общей формы при точно выверенных высоте, ширине и глубине. Мы исследовали основные пропорциональные величины, вдобавок к этому можно определить наклон и положение носа в пространстве с учетом перспективы. Как можно вести работу над рисунком носа:

1) начинаем с основных пропорциональных величин;

2)  определяем наклон и положение носа в пространстве с учетом перспективы;

3)  намечаем общую форму носа и точно определяем его размеры – высоту, длину, ширину;

4)  затем наметим надбровную дугу, длину пирамиды носа, ширину его основания в области переносицы, крыльев носа, переднюю плоскость с кончиком носа и переносицу. Характерные конструктивные точки нам помогают.

Эти точки располагаются симметрично относительно оси симметрии, которая разделяет форму носа на две половины. Они являются парными и располагаются так: точки, определяющие верхнюю поверхность носа, находятся на уровне переносицы и кончика носа, боковую поверхность – сверху у основания – внутренние края слезников, снизу – уголки краев крыльев носа. Они же определяют нижнюю поверхность основания носа.

Учитывая анатомию носа, можно вплотную приблизиться к имеющимся его составным частям и в рисунке. Смотрите на рисунок слева. Трехчетвертной поворот, вот так будут располагаться все косточки и хрящики в пространстве листа, с учетом перспективных сокращений. Так учат во многих хороших учебниках по академическому рисунку, так учат многие учителя.

Если обобщить всю эту форму и только ненамного изменить ее, дабы приблизиться к живой натуре, то получим рисунок, который вы можете видеть справа.

Посмотрите на живую форму, на себя в зеркало. Рассмотрите свой нос. Конечно, формы носов разные, но отчетливо видны мышцы, которые располагаются поверх больших хрящей, напоминающие капли, они обволакивают кончик носа и идут в стороны по его боковым хрящам. Так же дело обстоит и с малыми хрящами крыльев носа.

Но точно так же эта живая форма может быть заключена в рамки, здесь есть плоскости – боковые, нижняя, верхняя, на которые можно положить светотень. Все остальное понимается в практике, когда вы сравните не один нос, нарисуете не один гипсовый фрагмент: тощие носы с бедными мышечными тканями, где просматриваются все хрящевые образования, носы картошкой, горбатые, вздернутые – все многообразие дающееся природой. Главное о пропорциях и перспективе не забывать.

                            Рисуем глаза

Глаз подвижен и поэтому сложнее для рисования. Он активно участвует в выражении лица. Глаз, или глазное яблоко, имеет шаровидную форму, погружен в глазничную впадину так, что наружу выступает лишь полушарие, в центре которого имеется выпуклость

Методическая разработка к дополнительной учебной образовательной программе для групп эстетического развития с 11 до 15 лет по предмету «Рисование красками» на тему «Выполнение натюрморта акварелью в технике «гризайль»

Санкт-Петербургское государственное бюджетное образовательное учреждение

дополнительного образования детей «Санкт-Петербургская детская художественная школа №17»

Методическая разработка к дополнительной учебной

образовательной программе

для групп эстетического развития с 11 до 15 лет

по предмету «Рисование красками»

Тема: «Выполнение натюрморта акварелью в технике «гризайль»»

Выполнила:

Шамаева Екатерина Федоровна,

преподаватель СПб ГБОУ ДОД

«Санкт-Петербургская детская

художественная школа №17»

Санкт-Петербург

2015 год

Данная работа является частью дополнительной учебной образовательной программы для групп эстетического развития с 11 до 15 лет по предмету «Рисование красками» Государственного бюджетного образовательного учреждения дополнительного образования детей «Санкт-Петербургская детская художественная школа №17».

На начальном этапе обучения важную роль у учащихся играет умение анализировать форму предметов.

Форма является одним из основополагающих средств изобразительного искусства. Цвет в живописи выявляет форму и зачастую увлечение им происходит в ущерб передаче объема тоном. Учащиеся в своих работах должны грамотно передавать цветовые отношения и при этом не забывать о форме и объеме предметов. Стоит помнить, что тон является неотъемлемой частью живописи. Нельзя допускать, чтобы за живописностью мазков терялся объем, глубина, пространство, т. е. все то, что необходимо для передачи правдивого изображения предметов. Поэтому прежде чем приступить к изображению в цвете, полезно познакомиться с процессом тонального изображения натуры в технике «гризайль».

Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид однотонной (монохромной) живописи, выполняемой в разных тонах одного цвета, чаще всего сепии, а так же техника создания нарисованных барельефов, и других архитектурных или скульптурных элементов. Иными словами, гризайль –живопись одной краской. Краска нужна тёмного цвета, чтобы можно было выдержать тональный диапазон от самого светлого до самого темного, что соответствует человеческому восприятию реальной действительности. Такой краской могут быть черная, коричневая, умбра и т.п.

Гризайль — техника, которой в живописи очень часто пренебрегают, считают ее невыразительной и скучной, потому что для выполнения работы используются только ахроматические цвета, отличающиеся друг от друга лишь по светлоте. Между тем у этих цветов большие изобразительные возможности. Человеческий глаз способен отличить по степени светлоты до 300 — 400 переходных оттенков от белого к черному цвету. Они позволяют наглядно передать объем и свет, пространство, наполненное воздухом, его туманную, дымчатую глубину.

Цель работы:

Приобретение учащимися знаний о передаче формы предметов путем использования светотеневых отношений, ахроматических цветов и ритма цветовых пятен. Развитие понимания распределения тона в различных частях натюрморта при написании в технике «гризайль».

Задачи:

• Ознакомление с техникой живописи «гризайль», обучение рисованию натюрморта в новой технике;
• Объединение и реализация на практике уже полученных знаний о живописи, композиции, натюрморте;
• Расширение представлений учащихся о выразительных возможностях натюрморта, обучение выражению в натюрморте своих настроений и переживаний;
• Овладение техническими приемами работы акварелью;
• Поиск необходимых градаций тона, контраста и насыщенности при написании натюрморта;
• Воспитание художественного вкуса.

Материалы:

• Компьютер, проектор, экран;
• Бумага для акварели формата A3, акварельные краски, кисти «Белка» различного размера (например № 3, 7 и 9), баночка для воды, палитра, карандаши, стирательная резинка;
• Постановка натюрморта с драпировкой;
• Образцы рисунка преподавателя или работ учащихся.

План урока:

1. Теоретическая часть (1 академический час):

• Организационный момент;
• Выявление проблемы, повторение пройденного и объяснение нового материала, необходимого для решения поставленных задач.

2. Практическая работа (5 академических часов):

• Монохромный этюд натюрморта;
• Домашнее задание;
• Подведение итогов.

Ход урока:

1. Организационный момент.

Приветствие, организация рабочего места учащихся. Проверка правильного размещения учеников за мольбертами, всем ли хорошо видна постановка, удачны ли ракурсы.

2. Выявление проблемы, повторение пройденного и объяснение нового материала, необходимого для решения поставленных задач.

В ходе беседы учащимся необходимо вспомнить, что такое живопись, натюрморт, хроматические и ахроматические цвета, особенности восприятия цвета (по светлоте, насыщенности, цветовому и тональному контрасту).

Живопись — вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на различную поверхность.

Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. «Натюрморт» в переводе с французского означает «мертвая натура», т.е. постановка из неживых предметов, фруктов, овощей, предметов быта, домашнего обихода.

Хроматические цвета — все цвета, за исключением белого, черного и всех оттенков серого. Это те цвета и их оттенки, которые человек способен различать в спектре (красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый). Хроматический цвет определяется тремя физическими понятиями: цветовой тон, насыщенность и яркость.

Ахроматические (монохромные) цвета – белый, черный и вся шкала серых между ними.

Светлота – это степень отличия цвета от белого и черного. Цвет является светлым в том случае, когда разница между определяемым цветом и черным больше, чем между ним и белым. В противоположном случае – темным. Если разница между черным и белым равна, то цвет средний по светлоте. 

Насыщенность (интенсивность) — степень отличия хроматического цвета от ахроматического, равного ему по яркости, степень выраженности определенного тона. Понятие действует в пределе одного тона, где степень насыщенности измеряется степенью отличия от серого: насыщенность/светлота. Понятие так же связано с яркостью, так как самый насыщенный тон в своей линейке будет самым ярким.

 Тон – основная характеристика, по которой называют цвета. Например, красный или желтый. Существует обширная палитра цветов, основой которой являются 3 цвета (синий, желтый и красный). Остальные цвета являются дополнительными. Тона получают смешиванием в разных пропорциях основных цветов.  Тона и оттенки – синонимы.

Тональный контраст — сопоставление светлого и темного.

Объяснение нового термина – техника «гризайль» в живописи.

Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид однотонной (монохромной) живописи, выполняемой в разных тонах одного цвета, чаще всего сепии, а также техника создания нарисованных барельефов, и других архитектурных или скульптурных элементов. Иными словами, гризайль –живопись одной краской.

Примеры работ в технике «гризайль».

Техника «гризайль» широко использовалась в станковой живописи в Средние века. Примером может служить Алтарь Геллера, созданный Маттиасом Грюневальдом и Альбрехтом Дюрером. Другим известным образцом является картина Рембрандта «Проповедь Иоанна Крестителя».

  Пабло Пикассо использовал гризайль в картине «Герника». Название «гризайль» одинаково применимо и к одноцветным картинам, писаным масляной краской, и к рисункам, сделанным акварелью, гуашью, мягким материалом (соус, сангина, уголь). Гризайль может быть коричневой, серой, умбристой или сиреневой, главное, что в процессе ее создания применяется один цветовой тон.

Техника «гризайль» часто использовалась в эпоху барокко в архитектуре для создания искусственных барельефов. Так, например, потолки и стены некоторых залов Эрмитажа (например стены Иорданской Лестницы) написаны в этой технике для создания впечатления атриумов, скульптур под сводами и резных стен.

 Гризайлью очень часто пользовались при декоре интерьеров русских дворцов стилей классицизма, ампира, образцы которых сохранились до наших дней, особенно в Москве, Санкт-Петербурге, Ярославле, Калуге.

2. Практическая работа.

Применяя технику «гризайль», можно ставить натюрморты как из бытовых предметов, так и использовать геометрические фигуры, гипсовые орнаменты и головы с драпировками. Выполнение этюда гризайлью начинается с компоновки предметов на листе бумаги. Расположение натюрморта должно строиться на основе равновесия светлых и темных пятен на плоскости, чтобы изображение не перевешивало ни вправо, ни влево, ни вверх, ни вниз. В рисунке для этюда гризайлью особое внимание следует уделить конструктивному построению предметов и их правильному изображению в перспективе. Также важно наиболее точно определить пропорции и положение предметов. Рисунок нужно выполнять остро отточенным карандашом, тонкими линиями, без нажима. Когда рисунок выполнен, преподавателем проверена композиция, пропорции предметов, их соотношение между собой, положение в пространстве и изображение в перспективе, можно начинать писать кистью. На палитре или на отдельном листе бумаги необходимо выполнить раскладку тона, выбранные краски от самого светлого до самого темного для данной постановки, стараясь наиболее точно определить светотень для предметов, силу тона для фона. После этого можно приступать к выполнению этюда гризайлью.

При выполнении практических заданий в этой технике, учащимся ставится задача: передать объем натуры тональными отношениями. В одноцветной живописи необходимые тональные градации по форме предмета достигаются наложением краски в нужную силу. Работа ведется от темного к светлому. Начинать с теней целесообразно потому, что, правильно найдя градации тона в теневой части изображения, сразу можно конструктивно решить форму. Почти одновременно с прокладыванием теней на этюде следует широко и смело писать фон. Следует напомнить учащимся, что только первоплановые предметы пишутся подробно, с детальной проработкой, по мере удаления мазки должны становиться шире, обобщеннее, и, наконец, фон пишется широко, мягко, цельно. Мазки кладутся по форме предметов. Следующий этап работы – конкретизация деталей и уточнение форм натюрморта. Детали должны влиться в общее тональное состояние этюда. После того как весь этюд написан, прописаны все детали и фон, необходимо заняться обобщением этюда. Написать акварелью сразу, без поправок-замывок и лессировок почти невозможно. При обобщении этюда необходимо стремиться к тому, чтобы тени не смотрелись глухими и черными. Также, если это необходимо, можно усилить явные светлые и темные пятна. Для этого нужно где-то смыть краску, где-то пролессировать другим тоном, где-то положить мазок смело и решительно, усиливая движение формы.

Во время практической части преподавателю следует обращать внимание учащихся на явные ошибки при самостоятельной работе над натюрмортом, акцентируя на сложных нюансных переходах тонов.

Домашнее задание.

Выполнение одного этюда гризайлью в классе явно недостаточно, поэтому преподавателем задается домашнее задание, чтобы учащиеся выполнили два-три небольших краткосрочных этюда в домашних условиях. Это позволит приобрести необходимые навыки в выполнении одноцветных этюдов.

Подведение итогов. Просмотр и обсуждение работ учащихся.

При постоянной практике в одноцветном варианте учащийся может взять настолько точно тональные отношения и вместе с тем так разыграть все нюансы, что будет полностью ощущаться и колорит произведения, и окраска каждого предмета. Гризайль дает возможность пофантазировать и представить картину в собственной цветовой интерпретации. Выполняя задание в технике «гризайль», учащиеся учатся видеть и передавать объем изображаемых объектов.

По итогам проведенной работы учащиеся должны убедиться, как важно ставить перед собой задачи светотеневого решения живописного натюрморта. В решении этой задачи  помогает обращение к монохромной технике живописи. Учащиеся знакомятся с новым термином – «гризайль», закрепляют пройденный материал и выполняют задание в новой технике.

Список литературы:

1. Авдеев Ю. С., Бесчастнов Н. П., Дыминский В. Б., Гусейнов Г. М., Кулаков В. Я., Стор И. Н., Шеболдаев А. С. Живопись: Учеб. пособие для студ. высш. учеб. заведений. М.: «Гуманит», 2001.

2. Аксенов Ю. Г., Левидов М. М. Цвет и линия: Практическое пособие по рисунку и живописи. 2-е изд. М.: Советский художник, 1986.

3. Кирцер Ю. М. Рисунок и живопись. Практическое пособие. М.: «Высшая школа», 1992.

4. Интернет-ресурс: http://pws-conf.ru/nauchnaya/lss-2008/263-esteticheskoe-obrazovanie/6613-znachenie-tehniki-grizayl.html

5. Интернет-ресурс: https://ru.wikipedia.org/

6. Интернет-ресурс: http://nsportal.ru/

7. Интернет-ресурс: http://festival.1september.ru/

8. Интернет-ресурс: http://zavuch.info/

Гризайль: Видеть в оттенках серого

Придайте своим картинам глубину и единство с подмалевком.

Организованное создание картин с нуля имеет решающее значение для вывода вашей работы на новый уровень. Здесь художник Тим Сатернов показывает, как начало акварели с подмалевка в стиле гризайль может основать вашу работу на мощной структуре ценностей.

Композиция в фокусе