Техника гризайль в живописи маслом и акварелью поэтапно для начинающих

«Серый» – так переводится с французского языка термин «Grisaille», который в искусстве имеет статус самостоятельного вида живописи.  Его главной особенностью является создание картин при помощи всего одного цвета. Более глубокая или слабая его интенсивность для придания изображению объёма и реалистичности достигаются художником при помощи размывки водой или смешения с белым цветом. Раньше базовыми цветами в технике гризайль были чёрный, коричневый и серый. Сегодня таких ограничений нет, и поэтому художники используют разные цвета, соответствующие их замыслу.

История становления техники гризайль

В эпоху Средневековья одноцветная техника живописи широко использовалась для декорирования интерьера. Художники давно подметили, что выполненные в ней произведения издалека очень похожи на отделку камнем,  и поэтому ею довольно часто украшали дворцы и усадьбы.

Интересен тот факт, что гризайль настолько точно имитировала объёмные узоры, лепнину и скульптурные композиции, что даже придирчивым ценителям искусства с опытным взглядом было сложно сразу распознать, что это не барельеф, а живопись.

Прошло время, и гризайль стала использоваться и в так называемой станковой живописи. Сначала она не выходила за рамки выполнения эскизов. Нужно отметить, что уровень их был настолько высок, что можно им было смело присвоить звание самостоятельного и самодостаточного художественного произведения.

Затем эту технику стали использовать и в полновесных живописных полотнах перед нанесением основного цвета. Художники выполняли композиционное построение на холсте, затем при помощи сепии или охры наносили тень, а при помощи белил – свет. И только после этого приступали к работе цветом.  С течением времени гризайль стала самостоятельным видом живописи.

Как рисовать в технике гризайль

Главный принцип данной техники – использование одного цвета. Как правило, в живописных работах используют коричнево-белую или серо-белую гамму. Однако можно взять и любую другую, если это будет в полной мере отвечать замыслу художника и смысловой нагрузке картины.

Что касается художественных материалов, то для техники гризайль они могут абсолютно любыми: акварель, гуашь, темпера, сепия, акрил, масло.

Освоение техники одноцветного рисования лучше всего начинать с простых работ. Примером таковых может быть натюрморт с простыми гипсовыми геометрическими фигурами, вазой или фруктами.

Выполнение живописной работы в технике гризайль состоит из нескольких этапов.

1. Сделайте набросок композиции простым карандашом. Лучше всего взять твёрдый карандаш, чтобы линии построения были не так заметны, и их можно было без труда удалить.
2. Нанесите первый, очень тонкий слой краски, не захватывая самых светлых участков на картине.
3. Дайте краске полностью высохнуть.
4. Наложите на картину тени.
5. Снова дайте краске просохнуть.
6. Нанесите полутона.
7. Высушите картину.
8. Самым светлым тоном поработайте над бликами и освещенными участками предметов на картине.
9. Дайте работе высохнуть. Оцените получившееся изображение. При необходимости внесите корректировки более светлым или тёмным тоном.

При работе акварелью и гуашью обратите внимание на тот факт, что по мере высыхания эти краски становятся светлее. Поэтому никогда не торопитесь с выполнением работы в технике гризайль, дайте каждому слою краски хорошенько высохнуть. Только так вы сможете оценить правильность наложения тонов и при необходимости внести изменения.

Работа в технике гризайль – это отличное упражнение для начинающих художников. Оно позволяет прочувствовать и увидеть широчайшую тональность в рамках использования всего одного цвета. Откройте и вы для себя эту удивительную технику живописи.

 

натюрморты, пейзажи в живописи акварелью, маслом, гуашью, стиль рисования

Гризайль – это вид живописи, выполняемый тоновыми градациями: в оттенках серого и приближенных к нему нейтральных цветов. Особенно часто такой стиль используют для создания барельефов, различных архитектурных элементов, а также больших декоративных скульптурных схем. Чаще всего у гризайли немного более широкие цветовые гаммы, чем специалисты привыкли утверждать.

Характеристика

Картины гризайль создают, когда художник использует ограниченную палитру, связанную с одним цветом. Одним из таких цветов может быть серый, использующийся для создания этюда картины или подмалёвки.

Художник развивает свои изображения при помощи прорисовки теней, бликов и деталей, чтобы добиться желаемого контраста. Гризайль дает детальное изображение, которое выглядит как тщательно обработанная однотонная мраморная статуя. Фактически гризайль — это французское слово, означающее «серый».

В подмалевке нет необходимости в смелых цветах. Нейтральные цвета не должны отличаться напористостью. Они позволяют сформировать детализированные фигуры, визуализируя их и поддерживая иллюзию объекта или формы в трехмерном пространстве.

Автор не беспокоится о том, как будут сочетаться разные цветовые тона или что получится в результате их смешивания.

В гризайле цвет появляется при нанесении глазури на холст.

Какие материалы используют

Материалами для работы могут послужить: сепия, масло, гуашь, акварель, акрил.

В технике рисования эмалью измельченная белая стекловидная краска превращается в пасту с помощью её смешивания с водой, скипидаром, маслом лаванды или нефтяным маслом. Затем ее наносят на темную эмалевую основу, обычно окрашенную в чёрный, белый или синий цвет.

Этот метод обычно используют в масляной и акриловой живописи, но есть и техника гризайля акварелью. Хотя этот термин подразумевает наличие определенной палитры, он был расширен с целью получения монохромных картин коричневого или зеленого цвета. В свою очередь, работы, выполненные в коричневом цвете, называют «брюналем», а выполненные в зелёном — «вердайлем».

История техники

Актуальную концепцию разработали много веков назад из-за крайне недостаточного количества пигментов. Беря лишь горстку и желая достичь прекрасных результатов, старые мастера доводили каждый пигмент до предела, добиваясь необходимой яркости.

Этот «внутренний свет», играющий сетью цветов на холсте, стал неотъемлемой частью картины. Поскольку окраска изделия была намного сложнее и требовала большего мастерства, эта практика также часто выбиралась как более быстрая и дешевая альтернатива.

В XIX веке от простого «цвет или краска», использовавшегося в средние века, появился термин «гризайль», обозначающий стекловидный материал с очень богатыми цветовыми вариациями: коричневая гризайль, красный, красный, голубоватый, светло-серый, теплый серый и другие.

Наиболее известных публике представителей, работающих в этой технике, можно считать француза Жан Пуселя (1290-1334 гг.) и английского художника Мэтью Пэриса (1200-59 гг.). Стиль гризайль был популярен среди художников раннего нидерландского Возрождения, в том числе:

• Робера Кампена (1378–1444),
• Яна ван Эйка (1390–1441),
• Хуго Ван Дер Гуса (1440–1482),
• Ганса Мемлинга (1433-1494).

В Нидерландах непрерывную традицию изображения предметов в технике гризайль можно проследить от становления ранней живописи до работ Мартина Хемскерка, Питера Брейгеля Старшего («Христос и женщина, взятая в прелюбодеянии») и Хендрика Гольциуса, а также через обширные галереи Адриана ван де Венна.

Гризайль, несколько менее распространенная в середине XX века, продолжает оставаться пользующейся спросом художественной техникой.

Этапы

Выделяют 8 этапов работы:

1. Набросок карандашом.
2. Исключение всех светлых мест объекта и нанесение тонкого слоя краски.
3. Ожидание полного высыхания краски.
4. Отображение на предмете теней.
5. Повторное высыхание работы.
6. Отметка полутонов.
7. Подсыхание краски.
8. Выделение самым светлым тоном подсвеченные места и блики.

Техника рисования включает в себя 9-балльную шкалу для создания иллюзии глубины. Чтобы начать рисование таким образом, художник должен установить шкалу из 9 значений на палитре серой бумаги и соответствующим образом смешать цвета.

После наброска композиции картины и выделения объекта художник ищет узоры светлых и темных тонов, составляющие тени. Благодаря теневым формам картина приобретает массу и объем.

После того как ключевой источник света определен, художник использует различные серебристые оттенки в логической последовательности градаций значений для создания тех или иных фигур. Изделие, обработанное таким образом, называется классической гризайлью.

Затем на готовую картину наносят прозрачную масляную глазурь. Эти значения серого способствуют созданию самых разнообразных эффектов, когда свет пытается пройти сквозь слои краски или отразиться от них.

Сеть красок направляет естественный солнечный свет с поверхности через последний слой цвета. Таким образом, свет может отражаться обратно к зрителю с эффектом зеркала.

Академическая гризайль

Стиль гризайль изучают многие художественные школы, различные ВУЗы и училища. Она помогает начинающим прочувствовать тональность. Для того, чтобы быстрее понять принципы этой техники, новичкам предлагают начать с простых предметов — фруктов, ваз, стаканов — всего, что может вместить в себя натюрморт.

Однако задачи и цели художественной и учебной гризайли несколько различны:

• Учебная — это скорее самостоятельная работа, благодаря которой закрепляются ранее изученные живописные приёмы. Создается в качестве основного рисунка, нанесенного на холст, с дальнейшей моделировкой.
• Художественная — это уже целое самостоятельное произведение, утверждающее эстетическую ценность монохромного колорита.

Известные картины в технике гризайль

«Бекка» — Фред Вессель

Портрет, выполненный с использованием метода Вердаччо. Этому методу отдали предпочтение ранние итальянские художники-фрески—темперы. Он очень хорошо подходит для портретной и фигуративной работы, так как розовые тона кожи, которые были тонко покрыты глазурью сверху, будут уравновешены нежным зеленым.

Фрески Капеллы Скровеньи в Падуе, Джотто

Они считаются одними из важнейших шедевров западного искусства. Творчество Джотто организовано по 4 циклам рассказов героев Евангелия. Это не единственное творение художника, выполненное в технике гризайль.

«Герника» — Пабло Пикассо

ru/wp-content/uploads/2020/10/pablo-pikasso-gernika-1024×464.jpg&description=Гризайль: 40 известных картин, особенности техники рисования в живописи» data-width=»600″ data-height=»400″/>Герника
Пабло Пикассо

Этот шедевр стал символом ужасов войны и военной разрухи, в то же время в нем были представлены пласты художественных новинок, воплощающие стиль и философию модернизма Пикассо.

«Речной пейзаж с далеким холмом» — Джон Гловер

Речной пейзаж с далеким холмом
Джон Гловер

Джон был британским художником, родившимся в 1767 году. Его работы были представлены на многочисленных выставках в галереях и музеях мирового значения.

«Агарь и Измаил в пустыне» — Франсуа Буше

Агарь и Измаил в пустыне
Франсуа Буше

Агарь — египтянка, однажды ставшая наложницей Авраама, родила сына Измаила. Картина написана по одной из легенд об Агари, одна из которых содержит сцену изгнания девушки с ребёнком в пустыню.

«Поклонение волхвов» — Рембрандт Харменс ван Рейн

Простой люд обступил Иисуса, лежащего в яслях. Свет, исходящий от фонаря одного из мужчин, кажется значительно тусклее, чем сияние младенца. Это сияние похоже на очаг, обогревающий собравшихся вокруг. Эта картина — исследование на тему младенчества Иисуса.

«Искушение святого Антония. Внешние створки триптиха» — Иероним Босх

Картина хранится в одной из крупнейших галерей Португалии — Национальном музее старинного искусства. Она отожествляет борьбу человека со злом и самим дьяволом. Святой Антоний — проекция собственного «я» творца.

Гризайль — удивительная и глубокая техника одноцветной живописи

Одной из наиболее удивительных и глубоких техник в живописи, несмотря на свою монохромность, является гризайль. Ее название в переводе с французского означает серый, но в действительности, она может быть исполнена в любом цвете. Ведь она заключается в одноцветной передаче изображения с использованием тональных градаций. Именно тон, а не цвет имеет здесь значение. Правильно подобранный по светлоте оттенок определенного цвета позволяет сделать работу объемной и пространственной. А ее монохромность оставляет место для фантазии и собственной цветовой интерпретации.

Гризайль в истории живописи

Началом активного использования техники гризайль в живописи принято считать эпоху Средневековья. Послужить этому могла скудная палитра цветов либо строгие религиозные каноны. Как бы там ни было, в результате монохромная живопись стала набирать популярность и достигла пика в эпоху Возрождения. Особо искусные мастера того времени могли создавать произведения, которые практически не отличались от объемных скульптур. Это вызывало особый восторг в обществе, а некоторые хитрецы даже использовали картины в технике гризайль как имитацию каменной скульптуры в интерьере.

Со временем гризайль переместилась в станковую живопись. Ярким примером являются фрески и потолок Сикстинской капеллы, которые частично выполнены в этой технике. Также она активно использовалась иллюстраторами в рукописных манускриптах, и по сей день применяется художниками для создания эскизов. Ведь после выполнения композиционного рисунка, художник передает рельефы, объемы и тени зачастую одним основным цветом.

Однако постепенно техника стала терять былую популярность пока в начале ХХ века не произошел переворот во всем мире искусства. Мастера стали на путь поиска новых смыслов и их воплощений на холсте, в результате чего они вновь обратили внимание на монохромную живопись. С помощью нее делали акцент на внутренних переживаниях человека, а не на достоверном изображении реальности, прибегая к новой изобразительной эстетике.

На сегодняшний день, технику в основном используют молодые художники, которые учатся передавать форму и фактуру предметов. Достаточно популярен гризайль и в интерьере. К примеру, натюрморт в одном цвете или черно-белый портрет – стильное и актуальное решение для дома, которое пользуется спросом.

Техника рисования гризайль

Кому-то данная техника может показаться простой. Ведь используется лишь один цвет. В действительности же она требует тонкого понимания тонов и является очень полезной для усовершенствования своих художественных навыков. А особым мастерством является подбор настолько точного соотношения тонов, что работа даже передает ощущение цвета. Ведь именно соотношение и сочетание тонов имеет большую важность, нежели точная цветопередача в живописи.

Техника гризайль позволяет художнику лучше чувствовать цвета и оттенки, рассматривая их уже с точки зрения насыщенности и интенсивности. Что немаловажно для изображения фактуры и объема на полотне. Более того, она позволяет фантазировать и рисовать в своем воображении собственную палитру цветов.

Весь процесс работы в технике гризайль можно разделить на следующие базовые этапы:

1. Исследование предмета изображения, анализ соотношения света и тени.
2. Изображение основных форм.
3. Работа с самым светлым тоном.
4. Работа с тоном средней интенсивности.
5. Работа с темными тонами.
6. Выделение самых темных или самых светлых мест (в зависимости от выбранного вами материала).
7. Добавление промежуточных тонов при необходимости.

Конечно, с разными материалами последовательность данных этапов может меняться. К примеру, с акварелью мы двигаемся от светлых к темным тонам, с маслом же мы выделяем белилами самые светлые участки в конце. Но однозначно, все эти шаги будут присутствовать в процессе создания работы гризайль.

Натюрморт в стиле гризайль

Одним из самых популярных жанров в технике гризайль является натюрморт. Во многом это связано с тем, что на нем начинающие художники отрабатывают навыки передачи светотени. Ведь подобная практика существенно повышает уровень художественного мастерства и позволяет новичкам прочувствовать глубину и разнообразие оттенков.

Если вы тоже решили попрактиковаться данным образом, необходимо учесть несколько важных факторов:

• предметы для натюрморта нужно подбирать разные по размеру, фактуре и форме;
• предметы должны быть гармонично установлены в вертикальной и горизонтальной плоскостях;
• драпировка должна быть умеренной без большого количества складок, но и не гладкой;
• наличие хорошего освещения особо важно для отслеживания светотени.

Ну и конечно, помните, что процесс работы будет зависеть от используемых вами материалов. Рисовать в технике гризайль можно чем угодно. Это может быть гуашь, акварель, масло, тушь или карандаши. Независимо от вашего выбора, данная практика однозначно будет полезна и откроет вам много нового.

Монохромные картины

Картины выполненные в одном цвете называются монохромными. Чаще всего такие работы написаны в разных тонах серого цвета, где они варьируются от светлых к темным, от прозрачных к насыщенным и от холодных к теплым.

Такие картины не являются эскизом или подмалевком в процессе создания работы, а выступают самостоятельным и конечным результатом изображения предмета или человека. Прекрасным примером монохромной картины, получившей общественное признание считается работа Пабло Пикассо под названием «Герника». Она выполнена в свойственном мастеру стиле кубизм и раскрывает перед зрителем весь ужас и боль слова «война». Ведь данная работа посвящена одному из городов Испании, который потерпел ужасные потери во время бомбардировки.

И это далеко не единственный пример пронзительной и трогающей монохромной живописи в мире искусства. Многие известные мастера обращались к технике гризайль в своих работах в разные исторические эпохи. Среди них Бове, Босх, Рубенс и Ван Эйк. А значит, данная техника точно стоит того, чтобы занимать отдельное место в мировой живописи.

Акварельная живопись — Художественная школа «Вдохновение» — Учёба.ру

Высшее образование онлайн

Федеральный проект дистанционного образования.

Я б в нефтяники пошел!

Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.

Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА

120 лет опыта подготовки

Международный колледж искусств и коммуникаций

МКИК — современный колледж

Английский язык

Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.

15 правил безопасного поведения в интернете

Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.

Олимпиады для школьников

Перечень, календарь, уровни, льготы.

Первый экономический

Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.

Билет в Голландию

Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.

Цифровые герои

Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.

Работа будущего

Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет

Профессии мечты

Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.

Экономическое образование

О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.

Гуманитарная сфера

Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.

Молодые инженеры

Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.

Табель о рангах

Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.

Карьера в нефтехимии

Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.

[View 43+] живопись натюрморт акварель гризайль

View Images Library Photos and Pictures. Гризайль Натюрморт (Техника + Материалы + Советы + 10 фото) • ИзоКурс, Мск Картина Акварель «Чайный натюрморт». Натюрморт акварелью – купить на Ярмарке Мастеров – J3Z0NRU | Картины, Москва Творческая студия Ирины Коновой — izostudiya.ru Натюрморт, городской пейзаж, мандала, акрил, гризайль, акварель живопись / картины — arXip

. Что такое гризайль? Авторские галереи — Мирамедова Аина Гапуровна / Учебный натюрморт, гризайль / Графика [Натюрморт] Техники акварели | КАК НАУЧИТЬСЯ РИСОВАТЬ

Техника гризайль на занятиях живописи | интерактивная площадка «Поленовский форум»

Техника гризайль на занятиях живописи | интерактивная площадка «Поленовский форум»

гризайль или живопись натюрморта двумя цветами — черным и белым

Техника Гризайль. Гризайль в Живописи (Как Рисовать?)

Натюрморт Маслом Гризайль 40*50см купить в Чехове | Хобби и отдых | Авито

Открытый урок по живописи «натюрморт из трех предметов быта в технике « Гризайль»

NEW! Курс «Акварель — многослойная живопись» :

ДХШ — Живопись | Живопись, Гризайль, Рисунки тушью

Пиксельная реальность: Живописное

Гризайль: техника рисования маслом акварелью гуашью

Павловская детская художественная школа | Работы моих учеников. Хмелевский А.Г.

Гризайль

NEW! Курс «Акварель — многослойная живопись» :

О технике Гризайль

Гризайль» картина Кабаевой Ольги (бумага, акварель) — купить на ArtNow.ru

Переход от рисунка к живописи через Гризайль. Курсы рисования в технике гризайль в Санкт-Петербурге.

Постановочный натюрморт в технике гризайль — Demiart Photoshop

Гризайль. Словарь. Лафонтен

Гризайль Натюрморт (Техника + Материалы + Советы + 10 фото) • ИзоКурс, Мск

Favorite images — Yandex.Collections

Техника гризайль в живописи: основные понятия и рекомендации

Техника гризайль на занятиях живописи | интерактивная площадка «Поленовский форум»

Живопись гризайль | Artisthall — Художественная мастерская

Gallery.ru / Натюрморт — гризайль, акварель/бумага — Живопись — i-rudnev

Открытый урок по живописи «натюрморт из трех предметов быта в технике « Гризайль»

Идеи на тему «Гризайль» (20+) | гризайль, натюрморт, живопись

Гризайль — техника одноцветной живописи

Гризайль. Словарь. Лафонтен

гризайль Instagram posts (photos and videos) — Picuki.com

Гризайль – что это такое? | Гризайль – это

акварельный натюрморт Гризайль роза в стакане темная бутыль на деревянном столе

Осенний натюрморт (акварель, гризайль)

Выполнение рисунка. После того как найдена композиция, выполняется рисунок, в котором очень точно передаются все детали. Рисунок должен быть выполнен тонкими линиями, чтобы они не просвечивали сквозь акварель. Если в процессе подготовительной работы рисунок получился грязным, со многими исправлениями, то для работы цветом его можно перевести через оконное стекло на новый лист (рис.16).

Первая прокладка тоном. Начиная писать, не увлекайтесь деталями, постарайтесь обобщенно прописать всю поверхность листа. Не забывайте, что в акварели нет белой краски, поэтому белизна листа является самым светлым тоном в работе. По просохшему слою краски приемом лессировки (наложением краски поверх просохшего слоя) наносится более темный тон для проработки основных масс.

Нужно быть осторожным. Акварельная живопись почти не терпит исправлений. Если вам понадобится что-нибудь ослабить в тоне, то попробуйте промыть это место чистой водой и написать его заново. Постепенно прорабатываются детали изображения тонкой кисточкой по сухому слою краски.

Завершение работы. Законченная работа, выполненная акварельной техникой, выглядит свежо и живо, краски прозрачны даже в самых темных местах. Основная забота на этом этапе – выделить главное и добиться цельности композиции.

 

 

                            Рис. 16. Осенний натюрморт (этапы)

 

Начинаем с нанесения предварительного наброска карандашом. Тут важно просто обозначить местоположение основных объектов натюрморта и определиться с их размещением на листе. Мысленно можно разделить композицию на сетку из 4 равных частей (или больше), так будет проще разместить все на своих местах. Например, видно, что кувшин расположен не строго по центру, а слегка смещен вправо, дальний край стола находится где-то на 1/6 от нижней кромки листа. Симметричные объекты рисуются относительно средней осевой линии, поэтому для того чтобы обозначить кувшин, определяется положение его осевой линии.

После того как мы определились с композицией работы и наметили все основные объекты натюрморта на листе, можно переходить к работе в цвете. Начинаем с нанесения основного фона. При этом не обязательно использовать все цвета один в один, главное – передать основные тона. Будем использовать коричневый, охру и белила в качестве основных; зеленую, фиолетовую и красную железоокисную (кирпичный цвет) можно применять как дополнительные цвета. Краску наносим пятнами, крупными мазками, применяя широкую плоскую щетинную кисть, стараясь растирать и перемешивать ее с другими цветами, добиваясь по возможности плавных переходов, вливаний одного цвета в другой.

Нужно закрыть весь фон. Во-первых, так краски ложатся плотнее и работа приобретает больше живописности. Во-вторых, так композиция работы обретает целостность. Мы стараемся не рисовать что-либо кусками, по частям, чтобы не создавалось впечатления конструктора, где детали приставлены друг к другу, может, не всегда удачно. Нам важно создать от работы ощущение цельности и завершенности. В-третьих, между лепестками цветов могут быть просветы, где проглядывает фон, если мы не закроем весь фон сразу, то потом будет сложно аккуратно и гармонично эти просветы закрыть, так что гораздо удобнее и приятнее закрыть весь фон, а потом поверх него нарисовать цветы так, как в жизни.

На следующем этапе прорабатываются цветом стол, драпировка и кувшин. Подбирайте удобные для вас по размеру и форме кисти, экспериментируйте, чтобы подобрать оптимальные для вас варианты.

Какие использовать цвета? Крышка стола хорошо освещена. Основные краски для нее – белила с коричневым. В качестве дополнительных можно добавлять охру, синий, железоокисную красную, фиолетовый. Боковая поверхность стола расположена в тени, здесь используются все те же цвета, но практически без белил, стык крышки можно подчеркнуть черной краской, обозначив таким образом глубокую тень в этом месте.

Драпировка кажется оранжевой, это ее основной цвет. Но если присмотреться повнимательнее, там присутствуют разные цвета и оттенки. На складках, расположенных в тени, можно увидеть темно-красный, фиолетовый и коричневый цвета. На участках, где отражаются ближайшие предметы есть зеленые и желтые пятна. Ищите такие тоновые пятна и наносите их на бумагу, за счет этого создаются объем и живость рисунка.

Логика подсказывает, что небо – голубое, трава – зеленая, а глиняный кувшин – коричневый. Верьте своим глазам, а не формальной логике. Во всем что вас окружает присутствует множество различных цветов и оттенков, иногда самых неожиданных. Поэтому не бойтесь добавлять необычные цвета, например на глиняном кувшине есть фиолетовые и зеленые оттенки. Избавляйтесь от стереотипа, что предметы имеют один цвет. Они все отражаются друг от друга, отдают и поглощают свет. Для кувшина используйте охру, коричневый, железоокисную красную и любые другие цвета, которые вы видите. При этом замечайте, что на левый бок кувшина падает свет и необходимо обозначить этот участок света более светлыми цветами, можно с добавлением белил. Также не забудьте, что блики света есть и на ручке кувшина, а на столе от кувшина есть небольшая тень.

Поскольку фоновым цветом мы закрыли наш карандашный набросок, нужно вновь обозначить расположение цветков. Для этого коричневой краской круглой щетинной кисточкой свобоными движениями обозначаем расположение серединок цветков. Не обязательно прорисовывать каждый, имеющийся на фотографии, достаточно выбрать несколько наиболее ярких и понравившихся. Не забываем, что цветки расположены под разными углами к зрителю и на разном расстоянии. Их серединки чаще всего овальные, а не круглые, как может хотеться их изобразить, и они разные по размерам. Круглыми они будут только у тех цветков, которые смотрят прямо на нас. Зеленым цветом покажем несколько основных ножек наших подсолнухов.

Теперь наносим немного пятен зелени, показывая листья, стебли и чашелистики. Большая часть зелени закроется цветками, но обозначение ее присутствия в охапке подсолнухов значительно оживит букет. Как всегда не пытаемся ничего детально прорисовывать, просто делаем пятна зеленой краской, добавляя в нее кое-где желтой, синей или белил, чтобы обозначить светотень, придать живости зелени за счет неоднородных цветов.

Следующий этап – начинаем рисовать цветы. Вначале желтой краской обозначаем расположение лепестков, стараемся нарисовать каждый лепесток одним смелым мазком, от центра к краю, с помощью круглой щетинной кисти. Смелые движения кистью добавляют нашему рисунку энергии. Не нужно прорисовывать каждую детальку, позже можно будет что-то доработать. Главное – передать ощущения. И не забываем, что не все лепестки смотрят на нас, какие-то из них мы видим сбоку и они за счет этого кажутся гораздо более узкими. Еще раз повторюсь: цветы не круглые, они овальные, поскольку расположены под разными углами к зрителю. Верим своим глазам, а не стереотипному восприятию. При этом совершенно смело можно перекрывать лепестками ранее нарисованную зелень и кувшин.

На следующем этапе нам предстоит показать тени на лепестках подсолнухов и нарисовать их серединки. Серединки цветов выпуклые и на них тоже видны свет и тень, чтобы показать их можно использовать коричневый цвет, добавляя к нему черного с затемненной стороны, а на освещенных участках подмешивая к коричневому желтый или охру. Лепестки, на которые падает тень рисуем коричневым, красным и охрой. На самые освещенный участки можно добавлять белил. Чтобы уравновесить и освежить букет, можно еще вытащить из него несколько зеленых листочков.

Добавляем детали в нижней части композиции. Кладем на стол яблоки и еще один подсолнух. Этот этап можно проделать и раньше, до детализации цветков. Как вам удобнее. Смотрите за размерами и масштабами яблок относительно других предметов. Они достаточно небольшие на фотографии. Кроме того, смотрите где именно они расположены на столе. Используем для яблок травяную зеленую краску, добавляя в нее желтую и белил, сразу обозначая участки света и тени. На участки тени можно добавить синей краски. Подсолнух рисуем по тому же принципу, что и цветы в кувшине (рис. 17).

 

 

                           

                        Рис. 17. Этапы рисования натюрморта

Дорисовываем яблоки и подсолнух на столе, более четко показываем свет и тень, обозначаем на яблоках блики, а на лепестках подсолнуха – тени, дорабатываем драпировку, добавляя ярких пятен. Наносим тень от предметов на поверхность стола, используя фиолетовую и коричневую краску. И на последнем этапе детализируем наш рисунок, подправляем, если что-то не так. Я добавила бликов на подсолнухи, на кувшине посильнее обозначила тень, показала тень на стене за драпировкой, немного усилила тени на лепестках в правой стороне, чтобы они более контрастно смотрелись и были отделены от фона.

 Предлагается другой вариант несложного натюрморта с посудой в деревенском стиле. Рисовать лучше всего на листе акварельной бумаги, желательно достаточно большом, не менее А3. Не обязательно рисовать предметы так, чтобы заполнить лист. Напротив, лучше всего отрезать лишнее потом, а формат очертить карандашом таким образом, чтобы при рисовании остались незадействованные поля.

Рисование натюрморта начинается с построения предметов, а построение начинается с плоскости. Нарисуйте плоскость стола.

Намечаем предметы, стоящие на столе. Рисуем предметы насквозь. У нас несложный натюрморт, поэтому начинаем рисовать глиняный горшочек. В основе горшочка овалы – это дно и горлышко. Острых краев, углов у овалов нет, так как у круга нет острых углов по краям. Рисуем горлышко закругленным, а дно – более открытым, чем горлышко горшка. Нарисуйте горшочек симметричным.

Нужно убрать лишние линии, которые будут просвечиваться сквозь акварель. Рисунок должен быть легким и еле заметным. Начинаем рисовать со светлых цветов. Не рисуйте одним цветом – даже белый цвет состоит из множества оттенков.

В качестве фона у нас разноцветный шерстяной платок, шаль. Начинаем рисовать ее со светлых и цветных пятен, а потом сделаем тени более темными. Затем рисуем тени, которые темнее, обходя цветной узор, который должен читаться. Так как эта постановка с посудой не очень сложная, то главный акцент берет на себя узор на платке. Продолжаем рисовать фон. Сразу намечаем тени.

Пишем акварелью горшочек. Начинаем со светлых цветов. Не забудьте оставить блик нетронутым. Рисуем горшочек объемным. На нем есть блик (справа), тень, полутень и рефлекс. Более подробно вы можете посмотреть распределение света в уроке про гипсовый шар. Далее рисуем ложку. Одновременно уточняем по цвету и форме складки. Рисуем кружевные кисточки на белом полотенце. Мы нарисовали натюрморт с посудой и овощами. На последнем этапе немного приглушили белые пятна на заднем фоне, чтобы драпировка не брала на себя много нашего внимания. Горизонтальная плоскость стола светлее, чем вертикальная. Это важно, потому что придает глубину натюрморту.

 

 

      

 

                        Рис. 18. Этапы рисования натюрморта

     11. РИСОВАНИЕ ОБЪЕМНЫХ ТЕЛ

Графика – вид изобразительного искусства, включающий рисунок и печатные художественные произведения, основывающиеся на искусстве рисунка, но обладающие собственными изобразительными средствами и выразительными возможностями.

Основной материал, используемый в искусстве графики, – бумага – предопределяет классическую роль белого фона, на котором значительную выразительность обретают линия и пятна; при этом монохромное изображение на контрастном белом фоне формирует особую эстетическую систему, что позволяет охарактеризовать графику как искусство «белого и черного». По способу исполнения и возможностям воспроизведения (тиражирования) графического произведения различаются уникальная и печатная графика.

Уникальная графика – рисунок (карандашом или цветными карандашами, углём, мелом, пастелью, тушью – кистью или пером и т. д.), акварель, гуашь, монотипия, коллаж, аппликация и другие способы создания композиции, дающие в итоге графическое произведение, единственное и неповторимое.

Печатная графика дает возможность получить определенный тираж относительно равноценных, идентичных произведений – оттисков с доски, с металлической пластины, с камня, листа линолеума или другой основы, на которую нанесен соответствующий рисунок.

По назначению различаются станковая, книжная, газетно-журнальная, прикладная графика и плакат.

Прикладная, в том числе промышленная, графика (Л. М. Лисицкий, А. М. Родченко в СССР) приобретает широкий круг функций, внося художественное начало в оформление предметов утилитарного характера (почтовые марки, экслибрисы, товарные знаки, этикетки и др.). Связь графики с современной жизнью, возможности, открываемые перед ней развитием полиграфии, создают условия для возникновения всё новых видов графического искусства.

                  Линейный рисунок куба

В этом уроке, состоящем из двух частей, вы научитесь передавать объем предметов. Все окружающие нас вещи, которые мы хотели бы нарисовать, какими бы сложными по форме они нам не казались, всегда можно схематически представить с помощью простых геометрических фигур, таких как куб, цилиндр, шар. Поэтому нужно понять, как правильно рисовать эти простейшие фигуры, и потом в рисовании более сложных фигур у вас будет гораздо меньше сложностей. Для начала нужно построить куб. Чтобы понять, как будут изменяться пропорции куба в перспективе, рассмотрим рисунок, на котором изображены непрозрачный и прозрачный куб. Точка F на рисунке – точка схода. Показано фронтальное положение куба в трех возможных случаях: 1) когда линия горизонта пересекает куб – значит, мы смотрим на прямо куб, находящийся на уровне наших глаз; 2) когда куб находится ниже линии горизонта – мы смотрим на куб прямо и немного сверху и 3) когда куб находится над линией горизонта – мы смотрим прямо и снизу. Во всех этих случаях вся передняя грань куба находится на одинаковом расстоянии от наших глаз, поэтому она не изменится в перспективе. Чтобы построить куб во всех этих положениях, достаточно построить переднюю грань, провести линии из четырех углов в точку схода, отложить на этих линиях верхние и нижние ребра и соединить их между собой.

На рисунке видно, что когда куб расположен на линии горизонта, его передние боковые ребра не подвергаются перспективным изменениям, а задние ребра кажутся короче передних, из-за этого верхние и нижние ребра, уходящие в глубину, кажутся непараллельными, и продлив их до линии горизонта, мы получим точку схода.

  Если куб поставить ниже или выше линии горизонта, то ребра, уходящие в глубину, поднимутся вверх или, соответственно, опустятся вниз, сходясь на линии горизонта. Возможны еще случаи, когда линия горизонта проходит через верхнюю или нижнюю грани куба, такие положения построить тоже достаточно легко.

Рассмотрим вариант, если куб развернут к нам одним из своих боковых ребер, также в трех положениях: на линии горизонта, ниже и выше линии горизонта. В этом случае точек схода будет две. В первом случае нам будут видны только две грани, расположенные под углом. Ближе всего к зрителю будет находиться переднее боковое ребро, и только оно не подвергнется перспективным сокращениям. Из углов куба проводим вправо и влево прямые, сходящиеся на линии горизонта, на них будут лежать верхние и нижние ребра куба.

Если поставить куб выше или ниже линии горизонта, то нам будет видна верхняя или нижняя грань. В этом упражнении мы будем рисовать куб, развернутый к нам одним из боковых ребер, расположенным ниже линии горизонта.

  Нужно нарисовать линейный рисунок прозрачного куба, прорисовывая задние ребра. Во время рисования можно использовать линейку. Если упражнения выполняются на развитие моторики кисти, то это можно сделать и без линейки. Вполне можно наметить все линии от руки, а потом нарисовать окончательный контур с помощью линейки. Пусть размер куба будет 5 х 5 см.

Начинать нужно с переднего бокового ребра, которое мы видим без перспективных искажений, и только это ребро будет иметь реальный размер 5 см. На уровне нижнего угла ребра проведите вспомогательную горизонтальную прямую, потом ее можно будет вытереть, она нужна нам, чтобы определить углы, под которыми мы будем строить боковые грани куба. На рисунке это углы альфа и бета. Если они равны, обе боковые грани мы видим одинаково, но в нашем варианте это разные углы. Чем больше угол, тем меньше открыта соответствующая боковая грань. Определившись с углами, проведите прямые, содержащие горизонтальные ребра. Для тренировки глазомера на листе бумаги желательно не располагать точки схода, и если вы разместите ваш рисунок на вертикально развернутом листе, то они просто не поместятся, главное, чтобы из рисунка было понятно, что эти прямые сойдутся, но вполне можно довести прямые до точек схода и указать их на линии горизонта, так нарисовать куб будет проще. Теперь, помня о том, что исходя из законов перспективы, чем дальше от нас что-то тем оно меньше, откладываем на прямых нижние и верхние горизонтальные ребра.

Теперь, зная, как правильно построить куб, мы будем разбираться, как его нарисовать тоном. Чтобы правильно нарисовать даже простейшие геометрические фигуры, нам понадобится немного теории. Мы видим предметы, если они освещены. Лучи света по-разному попадают на разные участки поверхности предмета, и вы видим его форму, сам предмет закрывает собой доступ для лучей света на какую-нибудь поверхность и образуется падающая тень. Светотеневые участки на любом предмете можно представить в виде нескольких градаций.

Свет – это участки поверхности предмета, получающий наибольший поток прямых лучей света.

Полутон – участки поверхности предмета, освещенных скользящими лучами света. Полутон делится на полутон света и полутон тени.

Тень (собственная тень) – участок поверхности предмета, куда прямые и скользящие лучи света не попадают. Это самый темный участок на поверхности предмета.

Блик – бывает на блестящих или лакированных поверхностях, чаще всего на территории света.

Рефлекс – участок теневой поверхности предмета, получающий поток отраженных лучей света от окружающих предметов или от поверхности, на которой предмет расположен.

Цвет рефлекса зависит от цвета окружающих предметов, а яркость или светлота зависит от характера поверхности предмета: на блестящих объектах рефлексы более светлые и ярче выражены, чем на матовых. Падающая тень – это тень, отбрасываемая объектом на какую-нибудь поверхность. Падающая тень темнее, чем собственная, а наиболее темный участок падающей тени ближе всего к источнику света. Источников света может быть несколько, мы рассмотрим вариант с одним источником света, расположенным вверху слева относительно объекта. На стыках по-разному освещенных граней можно наблюдать так называемый краевой контраст. На границе светлого и темного светлое кажется светлее, а темное – темнее.

 

                              Рисунок шара

Контур шара с любой точки виден в виде круга.

Сложность выявления формы шара при помощи светотени.

Определение соотношения тональности контура шара и фона.

Блик на освещённой части шара и рефлекс в затенённой части.

Падающая тень, удаляясь, кажется размытой.

Рисунок шара необходимо начинать с размещения общего пятна рисунка на листе бумаги с тем, чтобы оно не казалось слишком большим или слишком маленьким. Рисовать круг проще в квадрате, это мы уже усвоили. Вписав в квадрат окружность, и удалив лишние линии, мы получаем плоское изображение круга, из которого нам нужно сделать объёмное изображение шара. Определяем направление света, падающего на шар. Если мысленно через центр шара провести плоскость, перпендикулярную лучу света, то плоскость разделит шар на условно освещённую и затенённую часть. А контур шара, лежащий в этой плоскости, мы будем видеть в виде овала. Здесь, на линии овала, и будет располагаться самая глубокая тень на поверхности шара.

Если прищурить глаза и посмотреть на освещённую часть шара, мы увидим самое светлое пятно, которое называют «блик», это точки на поверхности шара, расположенные перпендикулярно лучу света. Отражённые от горизонтальной поверхности лучи света создают «рефлекс» в затенённой части шара. Это мы уже наблюдали, когда рисовали цилиндр. Остаётся ещё определить падающую от шара тень и передать всё это в рисунке.

Светотень должна очень мягко переходить от самого светлого пятна «блика» до самого тёмного пятна в собственной тени шара. Не нужно забывать про «рефлекс» и обратите внимание, что падающая тень неоднородна, при удалении она кажется более размытой. Нужно тонко отделить шар от фона и не контурной линией, а светотенью.

 

 

 

 

Далее задание усложняется. Нарисуем натюрморт из трёх, уже знакомых нам геометрических тел. Начинаем с размещения общего пятна рисунка на листе бумаги. Затем прорисовываем с учётом перспективного сокращения форму куба, начиная с нижнего основания, для цилиндра нарисуем в перспективе параллелепипед, в основании которого лежит квадрат. Проследим, чтобы основания куба и параллелепипеда не врезались друг в друга и находились в одной плоскости. Для шара также нарисуем квадрат, чтобы легче было рисовать круг. Прорисовав основной контур всех предметов и убедившись, что все они правильно расставлены относительно друг друга, проверим, соблюдены ли соотношения «пропорции» всех размеров, не кажется ли, например, что шар больше куба (рис.19).

 

 

                 

                       Рис. 19. Рисунок геометрических тел

 

                                      Рисунок уха

 Рисунок следует начинать с изображения общей формы. Конструкция ушной раковины обусловлена хрящевыми образованиями, поэтому при ее построении нужно ориентироваться на конструктивные опорные точки – характерные выступы и углубления.

  Начинать рисовать ухо нужно с определения осевой линии, которая помогает правильно установить его положение. Это линия, делящая голову на лицевую и затылочную, которая проходит по ушному отверстию, височной точке и высокой на черепе. Также нужно следить за положением поверхности формы ушной раковины в пространстве. Дело в том, что у одних людей ухо примыкает близко к голове, а у других значительно отступает. Поэтому от того, как верно определена на натуре плоскость ушной раковины относительно точки зрения, во многом зависит правильное изображение ее сложной формы, ее объема. Когда наметите общие очертания формы уха, переходите к поиску основных конструктивных точек.

Потом намечаем общий контур формы ушной раковины, после чего переходим к изображению его составных частей, к детализации. При этом нужно четко следить за пропорциональным соотношением частей по отношению друг к другу и к общему объему уха. Ничто не появляется здесь просто так и не исчезает в никуда. Одна форма плавно перетекает в другую, вторая взаимосвязана конструктивно с первой. Ухо – та часть человеческого тела, где царит пластика и гармония формы. Нужно следить за толщиной и характером завитка и изменением его формы по мере движения в полую часть ушной раковины. Проследите за характером и толщиной изгиба форм противозавитка.

Нужно учиться понимать объем уха не как отдельные линии и темные и светлые пятна, а как один целый объем. Это застрахует вас от плоского отображения частей всего уха и ушной раковины в частности. И так проще моделировать светотень.

Вспомогательные плоскости будут строиться по конструктивным точкам, вогнутым и выпуклым местам. При этом вся конструкция не будет выходить из общей плоскости уха.

Ушная раковина своим основанием прикрепляется к боковой поверхности головы, при этом ее продольная ось располагается параллельно продольной оси носа и ветви нижнечелюстной кости. Верхний край ее прикрепления находится примерно на уровне уголка глаза.

 

     

                                 

                            Рис. 20. Этапы построения уха

 

Для начала находим общие очертания уха – высота, ширина,

по крайним конструктивным точкам, конечно, с учетом поворота и перспективного искажения. Нужно рассматривать ухо натуры или гипса (рис.20).

 

                                        

   

                                       Рис. 21. Рисунок уха

 

Ухо в профиль несколько похоже на форму рупора, попробуйте находить сходства с более простыми и понятными вещами (рис. 21).

Когда найдены основные размеры и намечены второстепенные, пора их прорисовать. Ухо – форма объемная, как раз здесь полезно использовать способ нахождения объемов с помощью условных плоскостей.

Самый простой и безопасный способ начать проработку формы тоном – положить легкий штрих по теневым местам. Берем и прокладываем штрих, прокладываем по форме.

Нельзя забывать на изломах формы уха делать акценты: где форма делает поворот или изгиб, где одна деталь формы пересекает другую, на самых выпуклых частях ее. Хрящевая основа выделяется четче, чем мочка уха. Это все придает работе плановость, конструктивность и в то же время живость.

                             Рисуем рот

Объемная форма верхней и нижней губ также различна. У верхней губы в середине имеется выступающий вниз бугорок, которому своеобразно соответствует выемка на нижней губе. Нижняя губа всегда пухлее. Отделяет ее от подбородка борозда, расположенная горизонтально. У верхней губы находится вертикальная борозда – фильтр. Характеристика губ, которая была рассмотрена, соответствует зрительному наблюдению гипсового слепка части головы Давида. Точное расположение предусматривает место основного объема изображения чуть выше горизонтальной оси симметрии, чтобы срединная линия «бантика» губ находилась на точке «золотой пропорции» по высоте (ширине) листа бумаги. Точнейших расчетов в этом случае делать не надо, так как имеющий представление о «золотом сечении» сам в состоянии найти место линии.

Дальше вы находите в своем рисунке присущие натуре формы путем одновременного легкого очерчивания карандашом всех частей верхней и нижней губ, располагая их с учетом перспективных изменений симметрично: площадки над верхней с наметкой части «фильтра», луковидного контура губы, ямок-уголков, двух половинок нижней и облегающих подбородок масс с бороздой.

Следующая стадия выполнения рисунка – применение способа «обрубовки». В процессе выполнения рисунка с натуры каждому из вас просто необходимо некоторое время побыть как бы в роли скульптора, начинающего свою работу в глине с общих масс, образующих объем скульптуры.

 После сравнения рисунка с натурой переходите к более точной характеристике изображения. Постоянно помните, что работу нужно вести осторожно, не злоупотребляя нажимами карандаша и не пачкая рисунок излишними следами графита. Педантичное выполнение требований в учебном рисовании хотя и сковывает несколько рисующего, но тем не менее дисциплинирует, приучает к очень ценным в изобразительной практике качествам – высокой технике владения инструментами, культуре рисования.

 Конечно, этапность (стадийность) в рисовании с натуры во многом условна. Дело в том, что в учебных целях внимание рисовальщика приходится направлять на те или иные стороны изображения, поэтому разделение на определенные этапы здесь уместно, хотя ведение рисунка есть просто процесс последовательного решения возникающих одна за другой задач.

 Сейчас вы переходите к передаче пластической формы слепка губ. Будьте здесь столь же внимательны, как и раньше. Но там у вас были несколько иные цели, а в процессе уточнения деталей придирчиво следите за переходом одной поверхности в другую, опять же все время сравнивая как весь рисунок с натурой, так и одну часть в изображении с другой, и ищите их взаимосвязь. При уточнении элементов формы у наружных краев изображения анализируйте сокращающиеся поверхности, ибо от такого внимания к ним зависит итоговое перспективное и тональное решение рисунка.

 Уточнение деталей должно начинаться с постепенного и незаметного перехода. Для вас новый этап работы теперь заключается в том, чтобы продолжать сохранять непрерывную последовательность ведения рисунка от простого к сложному.

 Рассматривая верхнюю губу, вы не можете не заметить, что ее объем имеет плавно выделяющийся вперед и резко обрывающийся вниз бугорок и столь же плавно уходящую к ямкам-уголкам остальную выпуклость. Все эти особенности формы верхней губы головы Давида надо передать.

 Нижняя губа припухлая, с характерной впадинкой, имеет в натуре край почти эллипсовидный. Она нависает над подбородочно-губной бороздой, залегшей в глубокую тень.

 Сомкнутый рот Давида с юношескими припухлостями губ заканчивается глубокими ямками-углами, в которых сосредоточились самые темные тени.

 Уточняя деталь, связывайте ее со светом или тенью, не прибегая пока к полутонам, ибо можно расстроить ее выпуклые части. Верхняя площадка над губой слепка состоит из восьми различных поверхностей, нижняя – из шести. Их границы не видны в натуре, но различие по тону заметно.

 При переходе к проработке формы тоном нужно построить и уточнить рисунок слепка губ, чтобы была возможность насыщения очень светлыми полутонами освещенных частей. Здесь как раз и проявляется культура рисунка (рис. 22).

 

 

 

 

 

                                   Рис. 22. Этапы рисования

 

                       

                                   Рис. 23. Рисунок губ

 

 

                              Рисуем нос

Весь объем носа можно заключить в пирамиду, или призму. Вначале делается анализ формы носа. Конечно, у каждого человека нос имеет свои характерные особенности, но их строение имеет единую для всех структуру, обусловленную анатомическим строением костей и мышц, а также хрящевыми образованиями. А мы взяли и просто нашли обобщенную форму всего этого. На начальном этапе нужно учиться соблюдать пропорциональные соотношения при его изображении, сходство есть результат правильного построения общей формы при точно выверенных высоте, ширине и глубине. Мы исследовали основные пропорциональные величины, вдобавок к этому можно определить наклон и положение носа в пространстве с учетом перспективы. Как можно вести работу над рисунком носа:

1) начинаем с основных пропорциональных величин;

2)  определяем наклон и положение носа в пространстве с учетом перспективы;

3)  намечаем общую форму носа и точно определяем его размеры – высоту, длину, ширину;

4)  затем наметим надбровную дугу, длину пирамиды носа, ширину его основания в области переносицы, крыльев носа, переднюю плоскость с кончиком носа и переносицу. Характерные конструктивные точки нам помогают.

Эти точки располагаются симметрично относительно оси симметрии, которая разделяет форму носа на две половины. Они являются парными и располагаются так: точки, определяющие верхнюю поверхность носа, находятся на уровне переносицы и кончика носа, боковую поверхность – сверху у основания – внутренние края слезников, снизу – уголки краев крыльев носа. Они же определяют нижнюю поверхность основания носа.

Учитывая анатомию носа, можно вплотную приблизиться к имеющимся его составным частям и в рисунке. Смотрите на рисунок слева. Трехчетвертной поворот, вот так будут располагаться все косточки и хрящики в пространстве листа, с учетом перспективных сокращений. Так учат во многих хороших учебниках по академическому рисунку, так учат многие учителя.

 

 

 

Если обобщить всю эту форму и только ненамного изменить ее, дабы приблизиться к живой натуре, то получим рисунок, который вы можете видеть справа.

Посмотрите на живую форму, на себя в зеркало. Рассмотрите свой нос. Конечно, формы носов разные, но отчетливо видны мышцы, которые располагаются поверх больших хрящей, напоминающие капли, они обволакивают кончик носа и идут в стороны по его боковым хрящам. Так же дело обстоит и с малыми хрящами крыльев носа.

Но точно так же эта живая форма может быть заключена в рамки, здесь есть плоскости – боковые, нижняя, верхняя, на которые можно положить светотень. Все остальное понимается в практике, когда вы сравните не один нос, нарисуете не один гипсовый фрагмент: тощие носы с бедными мышечными тканями, где просматриваются все хрящевые образования, носы картошкой, горбатые, вздернутые – все многообразие дающееся природой. Главное о пропорциях и перспективе не забывать.

 

                            Рисуем глаза

Глаз подвижен и поэтому сложнее для рисования. Он активно участвует в выражении лица. Глаз, или глазное яблоко, имеет шаровидную форму, погружен в глазничную впадину так, что наружу выступает лишь полушарие, в центре которого имеется выпуклость

Методическая разработка к дополнительной учебной образовательной программе для групп эстетического развития с 11 до 15 лет по предмету «Рисование красками» на тему «Выполнение натюрморта акварелью в технике «гризайль»

Санкт-Петербургское государственное бюджетное образовательное учреждение

дополнительного образования детей «Санкт-Петербургская детская художественная школа №17»

Методическая разработка к дополнительной учебной

образовательной программе

для групп эстетического развития с 11 до 15 лет

по предмету «Рисование красками»

Тема: «Выполнение натюрморта акварелью в технике «гризайль»»

Выполнила:

Шамаева Екатерина Федоровна,

преподаватель СПб ГБОУ ДОД

«Санкт-Петербургская детская

художественная школа №17»

Санкт-Петербург

2015 год

Данная работа является частью дополнительной учебной образовательной программы для групп эстетического развития с 11 до 15 лет по предмету «Рисование красками» Государственного бюджетного образовательного учреждения дополнительного образования детей «Санкт-Петербургская детская художественная школа №17».

На начальном этапе обучения важную роль у учащихся играет умение анализировать форму предметов.

Форма является одним из основополагающих средств изобразительного искусства. Цвет в живописи выявляет форму и зачастую увлечение им происходит в ущерб передаче объема тоном. Учащиеся в своих работах должны грамотно передавать цветовые отношения и при этом не забывать о форме и объеме предметов. Стоит помнить, что тон является неотъемлемой частью живописи. Нельзя допускать, чтобы за живописностью мазков терялся объем, глубина, пространство, т. е. все то, что необходимо для передачи правдивого изображения предметов. Поэтому прежде чем приступить к изображению в цвете, полезно познакомиться с процессом тонального изображения натуры в технике «гризайль».

Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид однотонной (монохромной) живописи, выполняемой в разных тонах одного цвета, чаще всего сепии, а так же техника создания нарисованных барельефов, и других архитектурных или скульптурных элементов. Иными словами, гризайль –живопись одной краской. Краска нужна тёмного цвета, чтобы можно было выдержать тональный диапазон от самого светлого до самого темного, что соответствует человеческому восприятию реальной действительности. Такой краской могут быть черная, коричневая, умбра и т.п.

Гризайль — техника, которой в живописи очень часто пренебрегают, считают ее невыразительной и скучной, потому что для выполнения работы используются только ахроматические цвета, отличающиеся друг от друга лишь по светлоте. Между тем у этих цветов большие изобразительные возможности. Человеческий глаз способен отличить по степени светлоты до 300 — 400 переходных оттенков от белого к черному цвету. Они позволяют наглядно передать объем и свет, пространство, наполненное воздухом, его туманную, дымчатую глубину.

---

Цель работы:

Приобретение учащимися знаний о передаче формы предметов путем использования светотеневых отношений, ахроматических цветов и ритма цветовых пятен. Развитие понимания распределения тона в различных частях натюрморта при написании в технике «гризайль».

Задачи:

• Ознакомление с техникой живописи «гризайль», обучение рисованию натюрморта в новой технике;
• Объединение и реализация на практике уже полученных знаний о живописи, композиции, натюрморте;
• Расширение представлений учащихся о выразительных возможностях натюрморта, обучение выражению в натюрморте своих настроений и переживаний;
• Овладение техническими приемами работы акварелью;
• Поиск необходимых градаций тона, контраста и насыщенности при написании натюрморта;
• Воспитание художественного вкуса.

Материалы:

• Компьютер, проектор, экран;
• Бумага для акварели формата A3, акварельные краски, кисти «Белка» различного размера (например № 3, 7 и 9), баночка для воды, палитра, карандаши, стирательная резинка;
• Постановка натюрморта с драпировкой;
• Образцы рисунка преподавателя или работ учащихся.

План урока:

1. Теоретическая часть (1 академический час):

• Организационный момент;
• Выявление проблемы, повторение пройденного и объяснение нового материала, необходимого для решения поставленных задач.

2. Практическая работа (5 академических часов):

• Монохромный этюд натюрморта;
• Домашнее задание;
• Подведение итогов.

Ход урока:

1. Организационный момент.

Приветствие, организация рабочего места учащихся. Проверка правильного размещения учеников за мольбертами, всем ли хорошо видна постановка, удачны ли ракурсы.

2. Выявление проблемы, повторение пройденного и объяснение нового материала, необходимого для решения поставленных задач.

В ходе беседы учащимся необходимо вспомнить, что такое живопись, натюрморт, хроматические и ахроматические цвета, особенности восприятия цвета (по светлоте, насыщенности, цветовому и тональному контрасту).

Живопись — вид изобразительного искусства, произведения которого создаются с помощью красок, наносимых на различную поверхность.

Натюрморт — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. «Натюрморт» в переводе с французского означает «мертвая натура», т.е. постановка из неживых предметов, фруктов, овощей, предметов быта, домашнего обихода.

Хроматические цвета — все цвета, за исключением белого, черного и всех оттенков серого. Это те цвета и их оттенки, которые человек способен различать в спектре (красный, оранжевый, желтый, зеленый, голубой, синий, фиолетовый). Хроматический цвет определяется тремя физическими понятиями: цветовой тон, насыщенность и яркость.

Ахроматические (монохромные) цвета – белый, черный и вся шкала серых между ними.

Светлота – это степень отличия цвета от белого и черного. Цвет является светлым в том случае, когда разница между определяемым цветом и черным больше, чем между ним и белым. В противоположном случае – темным. Если разница между черным и белым равна, то цвет средний по светлоте. 

Насыщенность (интенсивность) — степень отличия хроматического цвета от ахроматического, равного ему по яркости, степень выраженности определенного тона. Понятие действует в пределе одного тона, где степень насыщенности измеряется степенью отличия от серого: насыщенность/светлота. Понятие так же связано с яркостью, так как самый насыщенный тон в своей линейке будет самым ярким.

 Тон – основная характеристика, по которой называют цвета. Например, красный или желтый. Существует обширная палитра цветов, основой которой являются 3 цвета (синий, желтый и красный). Остальные цвета являются дополнительными. Тона получают смешиванием в разных пропорциях основных цветов.  Тона и оттенки – синонимы.

Тональный контраст — сопоставление светлого и темного.

Объяснение нового термина – техника «гризайль» в живописи.

Гризайль (фр. Grisaille от gris — серый) — вид однотонной (монохромной) живописи, выполняемой в разных тонах одного цвета, чаще всего сепии, а также техника создания нарисованных барельефов, и других архитектурных или скульптурных элементов. Иными словами, гризайль –живопись одной краской.

Примеры работ в технике «гризайль».

Техника «гризайль» широко использовалась в станковой живописи в Средние века. Примером может служить Алтарь Геллера, созданный Маттиасом Грюневальдом и Альбрехтом Дюрером. Другим известным образцом является картина Рембрандта «Проповедь Иоанна Крестителя».

  Пабло Пикассо использовал гризайль в картине «Герника». Название «гризайль» одинаково применимо и к одноцветным картинам, писаным масляной краской, и к рисункам, сделанным акварелью, гуашью, мягким материалом (соус, сангина, уголь). Гризайль может быть коричневой, серой, умбристой или сиреневой, главное, что в процессе ее создания применяется один цветовой тон.

Техника «гризайль» часто использовалась в эпоху барокко в архитектуре для создания искусственных барельефов. Так, например, потолки и стены некоторых залов Эрмитажа (например стены Иорданской Лестницы) написаны в этой технике для создания впечатления атриумов, скульптур под сводами и резных стен.

 Гризайлью очень часто пользовались при декоре интерьеров русских дворцов стилей классицизма, ампира, образцы которых сохранились до наших дней, особенно в Москве, Санкт-Петербурге, Ярославле, Калуге.

2. Практическая работа.

Применяя технику «гризайль», можно ставить натюрморты как из бытовых предметов, так и использовать геометрические фигуры, гипсовые орнаменты и головы с драпировками. Выполнение этюда гризайлью начинается с компоновки предметов на листе бумаги. Расположение натюрморта должно строиться на основе равновесия светлых и темных пятен на плоскости, чтобы изображение не перевешивало ни вправо, ни влево, ни вверх, ни вниз. В рисунке для этюда гризайлью особое внимание следует уделить конструктивному построению предметов и их правильному изображению в перспективе. Также важно наиболее точно определить пропорции и положение предметов. Рисунок нужно выполнять остро отточенным карандашом, тонкими линиями, без нажима. Когда рисунок выполнен, преподавателем проверена композиция, пропорции предметов, их соотношение между собой, положение в пространстве и изображение в перспективе, можно начинать писать кистью. На палитре или на отдельном листе бумаги необходимо выполнить раскладку тона, выбранные краски от самого светлого до самого темного для данной постановки, стараясь наиболее точно определить светотень для предметов, силу тона для фона. После этого можно приступать к выполнению этюда гризайлью.

При выполнении практических заданий в этой технике, учащимся ставится задача: передать объем натуры тональными отношениями. В одноцветной живописи необходимые тональные градации по форме предмета достигаются наложением краски в нужную силу. Работа ведется от темного к светлому. Начинать с теней целесообразно потому, что, правильно найдя градации тона в теневой части изображения, сразу можно конструктивно решить форму. Почти одновременно с прокладыванием теней на этюде следует широко и смело писать фон. Следует напомнить учащимся, что только первоплановые предметы пишутся подробно, с детальной проработкой, по мере удаления мазки должны становиться шире, обобщеннее, и, наконец, фон пишется широко, мягко, цельно. Мазки кладутся по форме предметов. Следующий этап работы – конкретизация деталей и уточнение форм натюрморта. Детали должны влиться в общее тональное состояние этюда. После того как весь этюд написан, прописаны все детали и фон, необходимо заняться обобщением этюда. Написать акварелью сразу, без поправок-замывок и лессировок почти невозможно. При обобщении этюда необходимо стремиться к тому, чтобы тени не смотрелись глухими и черными. Также, если это необходимо, можно усилить явные светлые и темные пятна. Для этого нужно где-то смыть краску, где-то пролессировать другим тоном, где-то положить мазок смело и решительно, усиливая движение формы.

Во время практической части преподавателю следует обращать внимание учащихся на явные ошибки при самостоятельной работе над натюрмортом, акцентируя на сложных нюансных переходах тонов.

Домашнее задание.

Выполнение одного этюда гризайлью в классе явно недостаточно, поэтому преподавателем задается домашнее задание, чтобы учащиеся выполнили два-три небольших краткосрочных этюда в домашних условиях. Это позволит приобрести необходимые навыки в выполнении одноцветных этюдов.

---

Подведение итогов. Просмотр и обсуждение работ учащихся.

При постоянной практике в одноцветном варианте учащийся может взять настолько точно тональные отношения и вместе с тем так разыграть все нюансы, что будет полностью ощущаться и колорит произведения, и окраска каждого предмета. Гризайль дает возможность пофантазировать и представить картину в собственной цветовой интерпретации. Выполняя задание в технике «гризайль», учащиеся учатся видеть и передавать объем изображаемых объектов.

По итогам проведенной работы учащиеся должны убедиться, как важно ставить перед собой задачи светотеневого решения живописного натюрморта. В решении этой задачи  помогает обращение к монохромной технике живописи. Учащиеся знакомятся с новым термином – «гризайль», закрепляют пройденный материал и выполняют задание в новой технике.

Список литературы:

1. Авдеев Ю. С., Бесчастнов Н. П., Дыминский В. Б., Гусейнов Г. М., Кулаков В. Я., Стор И. Н., Шеболдаев А. С. Живопись: Учеб. пособие для студ. высш. учеб. заведений. М.: «Гуманит», 2001.

2. Аксенов Ю. Г., Левидов М. М. Цвет и линия: Практическое пособие по рисунку и живописи. 2-е изд. М.: Советский художник, 1986.

3. Кирцер Ю. М. Рисунок и живопись. Практическое пособие. М.: «Высшая школа», 1992.

4. Интернет-ресурс: http://pws-conf.ru/nauchnaya/lss-2008/263-esteticheskoe-obrazovanie/6613-znachenie-tehniki-grizayl.html

5. Интернет-ресурс: https://ru.wikipedia.org/

6. Интернет-ресурс: http://nsportal.ru/

7. Интернет-ресурс: http://festival.1september.ru/

8. Интернет-ресурс: http://zavuch.info/

Гризайль: Видеть в оттенках серого

Придайте своим картинам глубину и единство с подмалевком.

Организованное создание картин с нуля имеет решающее значение для вывода вашей работы на новый уровень. Здесь художник Тим Сатернов показывает, как начало акварели с подмалевка в стиле гризайль может основать вашу работу на мощной структуре ценностей.

Композиция в фокусе

Техника гризайли хорошо подходит для съемки драматических каньонов Нью-Йорка.Я использовал различные оттенки серого Пейна, чтобы нарисовать Broadway и Flatiron Building (акварель, 60 x 40) на грубой бумаге Arches размером с тройной слон.

Единство. Это основной строительный блок любой визуальной композиции. Это то, что делает картину гармоничным, целостным целым. Как в репрезентативной, так и в абстрактной живописи есть много способов достичь единства: размещение элементов близко друг к другу; используя повторение; продолжение линии, участка или края рисунка; с помощью сетки; или используя доминирующий цвет, текстуру, линию, размер, форму или значение.Как художник объединяет картину — это сугубо личный эстетический выбор. Я люблю рисовать Нью-Йорк, но это какофония цвета, текстуры и форм, которая может быть ошеломляющей. Я обнаружил, что использование ценности для объединения моих акварельных картин помогает мне справиться с этим сложным ландшафтом. Ценность — это структура, которая скрепляет мои картины, и это первая краска, которую я нанесу на бумагу.

Я начинаю все свои картины с подмалевка с ценностным рисунком. Такое объединение изображения помогает мне осознать большое количество важных композиционных соображений.Во-первых, подмалевок задает объем и глубину, особенно атмосферную или воздушную перспективу. Во-вторых, это создает мой фокус. В-третьих, он формирует истинное изображение света и тени. И, наконец, ценностный подмалевок производит драматическое эмоциональное воздействие, особенно при использовании контрастов в высоких тонах.

Сила гризайля

Техника, которую я использую для создания этого базового шаблона значений, называется подмалевок гризайль . Grisaille (произносится как Versailles ) на французском означает «серость».Исторически сложилось так, что работы, созданные полностью в диапазоне ахроматического серого, были замечены на фресках средневековья и эпохи Возрождения и религиозных триптихах, которые изображают малых святых, архитектурные элементы или статуи trompe l’oeil.

Ахроматическая роспись была быстрее и дешевле, чем использование дорогостоящих цветных пигментов или создание рельефной скульптуры. Работы также могли быть выполнены в коричневых тонах / оттенках сепии ( brunaille ) или серо-зеленых ( verdaille ), которые часто использовались в темперных картинах в качестве подмалевка для тонов кожи.

С развитием масляной краски в 1400-х годах художники открыли для себя невероятный диапазон этой новой среды. Его можно использовать как толстые и непрозрачные, так и тонкие прозрачные смывки. Техника гризайля уже была широко известна, но теперь художник мог создавать подмалевок гризайль и наносить на него цветные лаки. Было не только легко получить диапазон значений, используя только один цвет, но и избежать риска помутнения ярких цветов из-за смешивания влажных цветов.

Мгновенная драма

Я обнаружил, что эта старая масляная техника хорошо подходит и для акварельной живописи.Я беру свой серый цвет Payne и использую его от полной силы до очень светлых тонов, чтобы создать начальный слой гризайли или цветовой узор. Серый цвет Winsor & Newton Payne — это не настоящий ахроматический серый цвет, а скорее глубокий серо-синий (смесь ультрамарина, черного Марса и иногда малинового). Я люблю его за его богатство и глубину. Иногда я заканчиваю картину на этапе подмалевка — без добавления местного колорита.

Работая над черновой бумагой Arches размером в три слона, я начинаю с тщательного рисования перспективы карандашом, а затем добавляю первые слои серого Пейна в качестве цветовой композиции.Я оставляю бумагу белой там, где, как я знаю, мне нужен чистый, яркий местный цвет.

Моя техника также нарушает старое «правило» акварельной живописи: начните с самого светлого и самого бледного, затем двигайтесь к темному. Вместо этого я сначала пробую самое темное значение. Это простой способ увидеть диапазон значений — от белого на бумаге до самого темного значения серого Пейна. Мгновенная драма!

Я хочу, чтобы вывеска была в центре внимания на Psychic Reading, West 27th St . (акварель на бумаге, 60 x 40), поэтому глубина и легкость тротуара уводят взгляд в этом направлении.Мне также нужно было больше темных оттенков, поэтому я наложил серый цвет Пейна и сепию, чтобы создать насыщенные темные оттенки.

Начать с эскиза

Прежде чем рисовать, я сначала рисую карандашом небольшой отдельный эскиз. Я не ищу деталей в этих набросках, а скорее ищу большие участки света и тьмы. На этом этапе теневая сторона здания и его отбрасываемая тень не обязательно являются отдельными значениями или элементами. Я рисую их как одну фигуру. Это когда я могу увидеть, действительно ли моя композиция будет работать как гораздо более крупная картина.Имейте в виду, что цвет имеет значение, но увидеть эти значения сложно. Самый простой способ увидеть значения в цвете — это сделать фотокопию эталона (в черно-белом цвете) и нарисовать из него.

Я считаю, что тщательный карандашный рисунок очень важен. Это не дает мне беспокоиться о деталях или композиции во время рисования. Солнечный свет и отбрасываемые тени — важные элементы в моих композициях. Они не только обеспечивают большие диагонали, но и усиливают ощущение расстояния и драматизма, как это видно на этой сцене гризайли.

Наношу слой гризайль осторожно, не торопясь, но при смывке местный цвет быстро исчезает. Этот добавленный цвет красиво меняет значение в соответствии со слоем гризайли под ним.

Для готовой картины, Irving Place, Con Ed Tower (акварель на бумаге, 40 x 26), я дополнительно увеличил контраст теней, чтобы привлечь внимание зрителя в глубину Irving Place к этой красивой башне. Я оставил участки белой бумаги в тех местах, где, как я знал, будет падать солнце, чтобы обеспечить яркий местный цвет кирпича и камня.

Акварель — это сложная и очень современная среда, которая позволяет использовать широкий спектр обработок и техник. Подмалевок в стиле гризайль придает моим картинам вес и солидность, которые передают мое очень личное видение Нью-Йорка.

---

О художнике

В своих больших акварелях художник Тим Сатернов (timsaternow.com) раскрывает красоту старых фабрик и песчаных улиц Нью-Йорка. Он выставляется в галереях по всей территории США и за рубежом, а также в художественных изданиях, включая серию конкурсов Splash , Volumes 12, 13 и 18 .Saternow ведет мастер-классы по живописи, рисунку и линейной перспективе. Художник представлен галереей Kobalt в Провинстауне, штат Массачусетс,

.

Этот отрывок из журнальной статьи является перепечаткой из Акварельный художник, выпуск за январь / февраль 2019 года. Ознакомьтесь с остальной частью выпуска или подпишитесь на другие замечательные акварельные техники!

Что такое техника гризайля? Для чего нужен подмалевок? Trekell — Товары для искусства Trekell

Гризайль — это техника рисования, в которой художник использует монохроматическую палитру в серых или аналогичных нейтральных серых тонах.Для вашего этимолога grisaille происходит от французского слова, означающего серый: «gris». Исторически сложилось так, что некоторые художники использовали эту технику для изготовления модели, на которой основывалась гравюра. Другие использовали эту технику, потому что предпочитают однотонный вид. Третьи использовали его как основу для нанесения сверху масляных красок для создания своих масляных картин.

Этот метод состоит из нескольких этапов. Во-первых, тонированный холст готовит почву для вашей работы. Это означает, что холст нужно нарисовать нейтральным средним тоном, чтобы он больше не был белым.Далее вы рисуете предмет. Затем вы начинаете добавлять средние оттенки серого для создания теней. Вы можете сначала наложить более светлые области, либо заблокировать более темные — у каждого художника свой подход. Независимо от вашего метода, этот шаг заключается в постепенном добавлении деталей и создании самых темных и светлых оттенков. Эффект может быть довольно ошеломляющим сам по себе, или вы можете использовать гризайль в качестве подмалевка, а затем наложить на него разные цвета для создания финальной работы.

Grisaille имеет несколько преимуществ. Это может быть рентабельным — вы используете только оттенки одного цвета. Помогает закрашивать; вы можете использовать серые оттенки и оттенки, которые легко скрыть. Художнику также нужно сосредоточиться только на свете и тени, не думая о цвете, что делает процесс рисования немного менее сложным.

Trekell предлагает множество красок, холстов и панно, с помощью которых вы можете создавать свои гризайли. Хотя эта техника чаще всего используется в масляной живописи и акриловой живописи, она также может быть выполнена акварелью.Trekell предлагает все легендарные бренды красок, включая Gamblin, Golden, Liquitex, Michael Harding, Daniel Smith и Sennelier. Посмотрите их сегодня!

Grisaille и его выразительная сила

Произошедшее от французского слова «gris», означающего «серый», термин grisaille обозначает монохромный рисунок или подкрашивание, обычно создаваемый в оттенках серого или нейтральных сероватых тонах. Эти значения пепельного тона могут варьироваться от темного до светлого, от прозрачного до непрозрачного, от плоского до отражающего, а иногда от теплого до холодного.Этот метод обычно используется в масляной и акриловой живописи , но есть также техника акварели гризайль. Хотя этот термин подразумевает совершенно определенную палитру, он был расширен, чтобы включить монохромные картины коричневого или зеленого цвета. У этих работ есть и более конкретные термины — коричневые работы можно обозначить как brunaille , а зеленые — как verdaille . ^[1]

Работа гризайля может быть создана как как самостоятельная законченная работа , но она также может быть использована как предварительный подмалевок для масляной живописи, которая впоследствии покрывается слоями цветной глазури.Гризайль также используется в качестве подготовительной модели для гравера , с которым можно работать.

Кроме того, он часто используется в изделиях из керамики и металлоконструкциях , а также для окраски витража в цвете .

Роберт Кампен — Altar des Stabwunders und der Vermählung Mariae, Rückseite Der Hl. Jakob der Ältere und die Hl. Клара, около 1420 года

Краткая история Гризайля

Актуальная концепция была разработана много веков назад, когда пигменты были в дефиците.Это было особенно популярно для наружных ставен полиптихов в Северной Европе в 15-16 веках. Многие старые мастера использовали под гризайлью под рисунком как первую стадию масляной живописи, но также и как самостоятельную картину. Выбирая только горстку пигментов для достижения своих прекрасных результатов, старые мастера довели каждый пигмент до предела, чтобы достичь яркости в своем искусстве. Их цветное остекление на черно-белую основу помогло добиться большого реализма и светового эффекта.Тот «внутренний свет», который играл через их цветовую сеть на холсте, стал неотъемлемой частью картины. Поскольку окраска изделия была гораздо более сложной и требовала большего мастерства, эта практика также часто использовалась как как более быстрая и дешевая альтернатива . Тем не менее, этот метод также преднамеренно использовался для определенного визуального эффекта. Особенно часто он использовался в больших декоративных схемах в имитации скульптуры скульптуры . В то время скульптура все еще была дороже, чем картина, даже выполненная мастером высшего уровня.

В эпоху проторенессанса Джотто использовал гризайль при написании некоторых из своих фресок капеллы Скровеньи в Падуе между 1303 и 1310 годами. Роберт Кампен , Ян ван Эйк и их преемники нарисовали эти монохромные фигуры на внешней стороне крылья триптиха, поскольку двери обычно были закрыты, и эти стороны большую часть времени выставлялись на обозрение. Одна из самых известных работ ван Эйка, выполненных этим методом, — Диптих Благовещения , созданный между 1433 и 1435 годами, создающий иллюзию скульптурной группы.Помимо Кампина и ван Эйка, другие нидерландские художники эпохи Возрождения, такие как Hugo Van Der Goes , Hans Memling и Hieronymus Bosch , также переняли этот метод в качестве техники рисования. Известно, что Босх использовал его, чтобы нарисовать свою необычную картину Творения на внешней стороне своего алтаря Сад земных наслаждений .
Художники эпохи Возрождения, такие как Андреа Мантенья, Микеланджело и Андреа дель Сарто .Потолочные фрески Микеланджело в Сикстинской капелле имеют части дизайна в черно-белом цвете, описанные с учетом рассматриваемого подхода. Самый известный монохромный образец Андреа дель Сарто находится в Chiostro dello Scalzo of the Scalzi во Флоренции, который иллюстрирует жизнь Иоанна Крестителя и был создан между 1511–156 годами.

Голландские художники, такие как Мартен ван Хеемскерк , Питер Брейгель Старший или Ян ван Гойен , сохранили традиции гризайли, но с конца 17 века популярность этого вида искусства снизилась. ^[2]

Ян ван Эйк — Благовещение, через artbible.info

Техника черно-белого Тома

В технике рисования гризайлями используется 9-значная шкала , чтобы создать иллюзию глубины. Чтобы начать рисовать таким образом, художник должен установить шкалу из 9 значений на палитре серой бумаги и соответствующим образом смешать цвета. После наброска композиции картины и выделения предмета художник ищет узоры светлых и темных тонов, составляющие тени.Благодаря теневым формам картина приобретает массу и объем. После того, как идентифицирован ключевой источник света, художник использует различные серебристые оттенки в логической последовательности градации значений для создания форм на картине. ^[3] Изделие, обработанное таким образом, может стоять отдельно как законченное произведение искусства и называется классическая гризайль . При использовании в качестве подкраски и начальные слои должны быть окрашены очень тонко. Затем на готовую картину наносится прозрачная масляная глазурь.Эти различные значения серого будут способствовать различным видам эффектов , когда свет пытается пройти сквозь слои краски или отразиться от них. Эта сеть красок направляет естественный солнечный свет с поверхности через последний слой цвета. Таким образом, свет может отражаться обратно к зрителю с эффектом яркости . Он также обеспечивает иллюзию текстуры при использовании прозрачных цветных наложений, не имеющих собственного тела. ^[4]

Урок рисования гризайлем

Знаменитые произведения искусства Гризайль из истории искусства

самых известных гризайлей были созданы в период раннего Возрождения и флорентийского Высокого Возрождения.Конечно, многие значительные произведения, выполненные таким образом, были созданы современными художниками, но, говоря о самых известных, мы должны вернуться к истории, к Раннему Возрождению, к Италии и Нидерландам, где были самые известные монохромные картины. созданный.

Рудольф Стингель — Без названия. Пример Гризайля в современном искусстве

Джотто — Фрески в капелле Скровеньи в Падуе

Фрески из капеллы Скровеньи в Падуе, , Италия, считаются одними из важнейших шедевров западного искусства.Джотто расписал фресками всю поверхность часовни, как стены, так и потолок. Все творчество организовано в виде четырех циклов с рассказами различных героев Священной Истории и Евангелия. Кроме того, Джотто, как известно, использовал гризайль при работе над другими шедеврами.

Giotto — Envy, Arena Chapel

Andrea del Sarto — Фрески в Chiostro dello Scalzo

Один из ведущих художников флорентийского Высокого Возрождения Андреа дель Сарто широко использовал метод подмалевка гризайль в своих работах.Его знаменитые фрески в Chiostro dello Scalzo в Florence известны как прекрасные образцы гризайли , где художник также включил немного более широкую цветовую гамму. Дель Сарто нарисовал серию фресковых циклов в серых и коричневых тонах, изображая добродетели Веры, Надежды, Справедливости и Милосердия. Эти знаменитые фрески могут напоминать нам сегодняшние фотографии в тонах сепии.

Андреа дель Сарто — Фрески в Кьостро делло Скальцо

Ганс Мемлинг — Донне Триптих

Один из величайших мастеров ранней нидерландской живописи Ганс Мемлинг известен рядом работ в этой технике.Писал диптихи, триптихи и портреты, а также большие религиозные картины. Триптих Донна , одна из самых известных картин Мемлинга, изображает сэра Джона Донна , пребывающего на коленях справа от Мадонны, изображенного на центральной панели. Когда внешние панели закрыты, зритель может видеть картины святого Кристофера и святого Антония Аббата, выполненные исключительно в серых тонах. Мемлинг передал работы таким образом, чтобы они напоминали каменные скульптуры.

Ганс Мемлинг — Триптих Донна, Сен-Жан-Батист и Сен-Жорж

Ганс Мемлинг — Триптих Страшного суда

Еще одна известная работа Мемлинга — Триптих Страшного суда , выполненная около 1471 года.Это типичное произведение библейского искусства, созданное по заказу Якопо Тани, представителя семьи Медичи в Брюгге. Фотографии в гризайле донора Якопо Тани и его жены Катерины, стоящих на коленях в молитве, можно увидеть, когда внешние панели закрыты. Таким образом фактически выполнен весь экстерьер триптиха.

Ганс Мемлинг — Триптих Страшного суда, Внешние крылья

Питер Брейгель — Христос и женщина, взятые в прелюбодеяние

Христос и женщина, взятая в прелюбодеяние , вероятно, самая известная гризайль из когда-либо казненных.Эта картина Питера Брейгеля представляет собой библейский эпизод из Иоанна 7: 53-8: 11 , где Иисус встречает прелюбодейку, приведенную к фарисеям и книжникам. Это произведение искусства было украдено в 1982 году. из галереи Курто. Однако из-за своей известности и ценности картина не продается на открытом рынке, и британская полиция нашла ее в 1992 году.

Питер Брейгель Старший — Христос и женщина, взятая в прелюбодеяние, 1565

Хуго Ван дер Гус — Алтарь Портинари

Алтарь Портинари или Триптих Портинари — это триптих, выполненный маслом на дереве, написанный фламандским художником Хуго ван дер Гус .Он представляет собой Поклонение пастырей, и сегодня его можно найти в галерее Уффици во Флоренции. Центральная сцена празднует радость рождения Иисуса, но также подчеркивает смирение семьи и крестьян. Когда две боковые панели закрыты, зритель может увидеть Благовещение , где две фигуры — Богородица и Архангел Гавриил — полностью написаны в монохромной технике.

Хуго Ван дер Гус — Благовещение, закрытый фронтиспис триптиха Портинари

Иероним Босх — Сад земных наслаждений

Знаменитая картина нидерландского мастера Иеронима Босха , Сад земных наслаждений , безусловно, одна из самых известных картин в истории искусства.Фактически, это триптих, написанный маслом на дубе, образованный из квадратной средней панели, окруженной двумя другими дубовыми прямоугольными крыльями, которые закрываются по центру как ставни. Не многие догадываются, что внешние крылья этого шедевра полностью расписаны гризайлем. Когда эти крылья закрываются, они показывают землю во время библейского повествования о Сотворении мира таким образом.

Иероним Босх — Сад земных наслаждений — Внешние крылья, ок. 1480-1505

Рембрандт — Ecce Homo

Даже мастер барокко Рембрандт использовал гризайль в своем обширном творчестве.Его Ecce homo от 1634 года изображает одну из самых известных библейских тем в искусстве. Фраза Ecce homo означает «Узрите человека!» и были сказаны Понтием Пилатом во время суда над Иисусом. Эта работа была подготовлена ​​к офорту, который Рембрандт сделал годом позже, в 1635 году.

Рембрандт — Христос, подаренный народу (Ecce Homo)

Пабло Пикассо — Герника

Некоторые считают, что картина «Герника» Пикассо — величайший шедевр 20-го века — прекрасный образец монохроматической живописи.Этот шедевр стал символом ужасов войны и военных разрух, в то же время в нем были представлены пласты художественных новинок, воплощающие стиль и философию модернизма Пикассо. Жестокие изображения страждущих фигур были переданы в оттенках серого, что делает картину одним из лучших примеров метода в современном искусстве .

Пабло Пикассо — Герника

Герхард Рихтер — 18 октября 1977 г.

В начале своей карьеры Герхард Рихтер использовал мягкие искажения и чувственные оттенки серого.Хотя ранее он оставил практику черного и белого, Рихтер вернулся к методу при создании картин на основе фотографий гризайли 18 октября 1977 года . Эта серия из 15 картин была вдохновлена ​​группой Фракция Красной Армии (RAF), террористической группировкой, действовавшей в Германии в 1970-х годах. Картины созданы в разных форматах, но все они сведены к серым тонам. Палитра серого относится также к газетам того времени, которые в основном печатались в черно-белом цвете.

Герхард Рихтер — 18 октября 1977 г.

Выразительный потенциал Гризайля в современном искусстве

С распространением черно-белой фотографии в конце 19 века и упором на прямую живопись в 20 веке гризайль превратилась в гораздо более концептуальную парадигму. Несмотря на меньшее распространение, он все еще продолжал оставаться художественной техникой. Одним из самых известных современных примеров является картина Пикассо Guernica 1937 года. Исследование монохромной палитры и классических техник различными художниками, такими как Сезар, Гленн Браун, Вия Целминс, Лучано Фабро, Герхард Рихтер, Рудольф Стингель, Бетти. Томпкинс и многие другие внесли жизненную силу истории гризайли в XXI век. Герхард Рихтер сказал о сером цвете: : «Его незаметность дает ему способность опосредовать, делать видимым в позитивно иллюзионистском смысле, как фотография. У него есть способность, которой нет ни у одного другого цвета, делать «ничего» не видимым ». ^[7] Художники, такие как Ричард Аршвагер, Лючио Фонтана, Фрэнк Стелла и Райан Салливан, исследовали монохроматическую палитру серых тонов, чтобы добиться рефлексивности в своих работах. Серый цвет часто используется для вызова широкого спектра эмоциональных, психологических и духовных состояний.Эта палитра также предоставляет средство для размышлений о цвете благодаря самому отсутствию цвета.

Сегодня гризайль все еще используется по эстетическим причинам . Некоторым современным художникам легче думать только о тонах и рисовать без использования цвета. Таким образом, они могут сосредоточиться на композиции и манере. Это также очень важный метод для студентов, изучающих искусство, . Те, кто следуют традициям классического реализма, сначала начинают работать с графитом, затем углем и, наконец, красками, а гризайль может служить отличной отправной точкой для масляной живописи.Метод рисования, который использовался веками, по-прежнему может многому нас научить.

Автор Елена Мартиника и Лоренцо Перейра.

Совет редакции: Брейгель в черном и белом: три гризайля, воссоединившиеся с Карен Серрес
Публикация «Брейгель в черном и белом: три гризайля воссоединились» сопровождала целенаправленную экспозицию в галерее Курто, которая впервые собрала вместе Питера Единственные три известные картины Гризайля Брейгеля Старшего — Христос Курто и Женщина, взятая в прелюбодеянии (которой запрещено путешествовать), Смерть Девы Марии из Аптон-Хауса в Уорикшире (Национальный фонд) и Три солдата из коллекции Фрика в Нью-Йорке.Произведения дополняются гравюрами, современными репликами и другими работами в стиле гризайль, чтобы дать представление о развитии этого метода в Северной Европе. Включая техническую экспертизу этих трех панелей, выполненную Брейгелем, публикация также переоценивает практические аспекты этого метода и его эффекты.

Источники:

1. Аноним. Grisaille , Википедия. [25 августа 2016 г.]
2. Аноним. Картины Гризайль, Серый, Монохромное Искусство , Энциклопедия Визуальных Искусств.[25 августа 2016 г.]
3. Аноним. Картина портрета: метод Гризайля маслом , Товары для искусства Opus. [25 августа 2016 г.]
4. Маккензи Грэм. Работа над Гризайлем , Сеть художников. [25 августа 2016 г.]
5. Барри Швабски. Поворачивая редуктивизм наизнанку: Данниэль Тегедер и искусство незавершенности , Art Critical. [6 сентября 2014 г.]

Избранные изображения: Жан Огюст Доминик Энгр — Одалиска, между примерно 1824 и примерно 1834 годами, через metmuseum.org; Деталь гризайля в Chiostro dello Scalzo of the Scalzi во Флоренции Андреа дель Сарто; Питер Брейгель Старший — Смерть Богородицы, через weetwo.org. Все изображения предназначены только для иллюстративных целей.

Фламандский натюрморт, картина маслом с Сэди Дж. Валери / Открытая гризайль | by Julia Lundman

Завершена открытая гризайль, первый этап росписи традиционным фламандским методом масляной живописи.

Продолжая мои последние несколько сообщений, после того, как я перенес рисунок и покрыл его лаком, я начал с открытой гризайли , начального нанесения краски на белую панель, которую я подробно описал ниже как часть Сэди Дж.Продвинутая открытая студия Валерия. До того, как я познакомился с классическим реализмом, я совершенно не знал термина «гризайль». Мой фантастический учитель масляной живописи в Американской академии художеств Тед Смускейвич познакомил нас с техникой подрисовки, в которой используется теплый земляной цвет, окрашенный свободно, соединяя все теневые области в один непрерывный тон, оставляя белый цвет холста открытым для представления. светлые участки. Хотя он не называл этот метод открытой гризайлью, теперь я понимаю, что это такое.Это заставило меня подумать, что должно быть много приспособлений гризайли. Мой учитель акварели Ирвинг Шапиро (который также был директором школы) использовал своего рода метод подкрашивания, нарисовав все тени как одну большую связанную форму с переходами теплых цветов в тенях, а свет закрасил в последнюю очередь. Я уверен, что есть и другие варианты адаптации и вариации. Я часто читал о тепле под картинами с использованием различных материалов под маслом, таких как акриловые краски и даже яичная темпера.В Ателье Сэди Дж. Валери мы изучаем полностью классический метод, называемый «Фламандская техника » , который состоит из множества слоев краски, начиная с открытой гризайли. Фламандская техника развивалась в раннем Возрождении, когда художники искали краски, которыми можно было бы манипулировать более тонко, чем быстросохнущая яичная темпера. После того, как в начале четырнадцатого века живопись маслом в этой манере была представлена ​​Яном и Хубертом Ван Эйками, ее популярность распространилась по всей Европе.Чтобы узнать больше о фламандском методе и его родственнике, венецианском методе, ЗДЕСЬ — отличная статья Вирджила Эллиота и ссылка на его книгу по классической масляной живописи ЗДЕСЬ.

The Ghent Alter Piece, Ян и Хуберт Ван Эйк, 1432 ЗДЕСЬ — отличный веб-сайт, который позволяет вам выбрать каждую панель и увеличить масштаб, чтобы увидеть удивительные детали на картинах. Проверьте это!

*********************************************** ***************** Из онлайн-глоссария Адриана Готлиба: «Термин применяется к монохромной живописи, выполняемой в основном в оттенках серого.Использование французского слова можно проследить только до 1625 года, поскольку, хотя живопись гризайлями была сделана в предыдущие века, она не упоминалась как таковая … во время ее возникновения в средневековый период живопись гризайлями называлась просто ‘painitng в черно-белом »» Гризайль обычно использовался в средневековый период для имитации барельефной скульптуры. Во фламандской технике масляной живописи гризайль функционирует как подмалевок, сначала окрашенный прозрачно в теплый оттенок, который оставляет холст открытым в светлых областях, называемых «открытая гризайль», а затем выполняется второй проход, называемый «закрытая гризайль». в непрозрачных теплых нейтрально-серых тонах перед последним прохождением цветных слоев.Это сообщение в блоге посвящено открытой гризайле, которую я изучаю в Advanced Open Studio Сэди. ************************************************* ****************

Очистите кисти перед началом работы : Сэди познакомила нас с этой превосходной системой очистки щеток. Для меня это все в новинку. Раньше я просто мыла кисти уайт-спиритом без запаха в промежутках между сменой цвета, а затем использовала средство для мытья посуды в конце дня, чтобы чистить кисти. Есть лучший способ чистить кисти — Natural Turpenoid!

Я наполнил кувшин из кремнезема натуральным скипидоидом и использовал его для мытья кистей в конце дня, оставив скипеноид на щетках .Тем не менее, ОЧЕНЬ важно помнить, когда вы в следующий раз начнете рисовать, чтобы очистить натуральный скипеноид с кистей перед тем, как рисовать; этот материал предназначен для снятия краски, а не для того, что вы хотите в своей картине! Можно оставить натуральный скипеноид на щетках на ночь, потому что он действительно защитит кисти. Когда будете готовы приступить к рисованию, вымойте кисти в уайт-спирите без запаха, чтобы убедиться, что они не содержат натуральной смолы.

********************************************** ****************** Кисти :

Из списка материалов для рисования Сэди: «Я настоятельно рекомендую кисти Роберта Симмонса« Белый соболь »с бордовыми ручками и белой щетиной, самое лучшее по доступной цене.

В стране наблюдается нехватка кистей Роберта Симмонса, если вы не можете их достать, пожалуйста, купите любую марку мягких кистей из искусственного соболя — без щетины.

Фундук, по 2 каждого размера # 10, # 4 и # 1

Круглые, по 2 штуки размером # 1 «

*** примечание: я купил по несколько штук каждого размера. Я обнаружил при покраске более поздних слоев полезно иметь несколько кистей.

*************************************** *************************

Живопись:

Идея открытой гризайли состоит в том, чтобы просто рисовать только теневые области, а также нанесите немного краски на панель, чтобы можно было приклеить последующие слои краски.Еще одно преимущество создания открытого слоя гризайли заключается в том, что вы начинаете четко наблюдать светлые и теневые области на установке. Первым делом нужно нанести на палитру небольшое количество необработанной умбры или жженой умбры. Я выбрал необработанную умбру в качестве цвета под покраску, потому что она немного холоднее жженой умбры. В моем натюрморте много холодных земляных тонов, поэтому я подумал, что этот цвет — хорошая тема для начала.

Техника : Вместо того, чтобы наносить краску, как акварель, ее нужно немного подсушить.Для этого Сэди посоветовала мне окунуть кончик кисти в среду для рисования, а затем на бумажное полотенце, чтобы высушить кисть. Это одна из тех вещей, которые легко передать словами, но на практике это немного сложно. Сэди исправила мою тенденцию многократно переувлажнять кисть, пока я работал на этом этапе.

Сэди также рекомендует использовать голубую ткань из хозяйственного магазина вместо хлопковой ткани, которую я использую здесь. Хлопковые или бумажные полотенца (даже марки Viva) имеют слишком много ворса, который скапливается на картине.Идея состоит в том, чтобы в каждом слое краски было как можно меньше ворса и пыли.

Я начал с основной сосновой шишки, переходящей из теней в темный фон. Не поддавайтесь искушению чрезмерно рендерить, чтобы все выглядело красиво смоделировано. Вместо этого поработайте над закрашиванием теней и небольших переходных областей в свет, оставляя светлые области полностью открытыми.

Световые проходы — это * не * разбавленная краска, скорее это сухая краска, слегка притертая на панели.

Моя завершенная открытая гризайль.

Мне потребовалось около дня работы, чтобы закончить это, примерно шесть часов. На первый взгляд может показаться, что под покраску можно очень быстро продуть. Однако стоит замедлиться и тщательно проработать каждую область. Посмотрите на фото ниже, как тонко Сэди рисует свою открытую гризайль. Неудивительно, что ее картины, особенно увиденные лично, безупречны!

* выбрано из онлайн-статьи

«Точная линия, значение и цвет» Сэди Дж.Валерий », artistnetwork.com

***************************************** *********************** *** Примечание: в стороне стоит упомянуть, что фламандский метод обработки деревянных гипсовых панелей отлично подходит для небольших и средние работы, однако это становится непрактичным, чем больше картина. Деревянная левкасная панель достигает переломного момента с точки зрения веса, чем больше она становится, а сама техника требует много времени; Для выполнения очень больших работ может потребоваться несколько месяцев и более. Кроме того, работая в большом масштабе, художник может уйти с некоторой свободой, потому что зритель имеет тенденцию стоять подальше, чтобы рассмотреть картину.Именно из-за этой непрактичности в Венеции была разработана еще одна разновидность этой техники, названная Венецианской техникой, в которой вместо тяжелого дерева используется холст. Вы можете узнать больше о его разработке Тицианом и Джорджоне ЗДЕСЬ. Следите за новостями о следующей части, ЗАКРЫТОЙ ГРИЗАЛЬ.

Винтажный натюрморт, натюрморт граммофон Натюрморт гризайль, Граммофонный рисунок, монохромная живопись Граммофон акварельная живопись Искусство и коллекционирование Акварель jan-takayama.com

Граммофон акварель Винтаж Натюрморт Натюрморт. Граммофон акварель, Натюрморт граммофон, Натюрморт гризайль, оригинальное искусство, подарок на день рождения, подарок маме, подарок папе, подарок ей, подарок ему, подарок музыканту, музыкальный подарок, подарок к празднику, Картина натюрморт, рисунок Граммофона, Монохромная живопись. 54 х 41 см (21 х 16 дюймов) ЭТО. Граммофон акварель, Натюрморт граммофон, Натюрморт гризайль, оригинальное искусство, подарок на день рождения, подарок маме, подарок папе, подарок ей, подарок ему, подарок музыканту, музыкальный подарок, подарок к празднику, Картина натюрморт, рисунок Граммофона, Монохромная живопись.。54 x 41 см (21 x 16 дюймов)

Винтажный натюрморт, Натюрморт граммофон Натюрморт гризайль, Граммофонный рисунок, Монохромная живопись Граммофон акварельная живопись

Галерея Wrap Холст Эластичная плавающая рамка Современное настенное искусство Готово к развешиванию Современный абстрактный холст с принтом Квадрат в рамке, завершенный гобелен Вышивка крестиком Розовые и фиолетовые цветы, Детские игры Плакат с фильмом 11×17, Орнамент Санта-Мария Вязание крючком 100% ручной работы Вязание крючком Санта-Мария Кукла Вязаная Крючком Игрушка ELISA Handmade Product.Meat Puppets Концертный плакат 11×17, png Respect you Svg Векторный Афро-силуэт Футболка Black Lives Matter Дорогой черный человек SVG-король Cut File Cricut My Pain SVG, коммерческое использование Fiesta Shirt Печать векторных изображений для печати Cinco De Mayo SVG мгновенная загрузка Let’s Fiesta SVG Cut File. Винтажный офорт Таско Мексика, автор Моррис Генри Хоббс Калле де Гуадалупе, 1942 год. Здание суда справа … Использовано в 1912 году … нет Вид на главную улицу PA0029 Гринсбург Винтажная открытка …. Пенсильвания. Абстрактная живопись Абстрактное произведение искусства Смешанная техника Экспрессионизм Живопись Оригинальная картина на бумаге Веселое красочное абстрактное искусство, Роял Доултон Вермилион Лейк и гора Рандл D6473, Нейтральный абстрактный принт Совершенно несовершенный Дзен-арт Минималистский принт в земных тонах Печатные настенные рисунки Wabi Sabi Aesthetic Wall Print, Botanique # 2.гусиные совы # 02 Квиллинг Wall Art с белой рамкой ~ A6 Пейзажи в квиллинге 15×15см Две совы на ветке под лунным светом, Дермот Кеннеди Тексты песен Custom CanvasDermot Kennedy Превышены числом Тексты Dermot Kennedy, Futuristic Writing Easy Cross Stitch Letters Pattern Средний Шрифт для вышивки крестом Современный образец алфавита для вышивки крестом 14 петель.

Карандаши акварельные с гризайлем, часть 1

Эксперимент с гризайлью Холлендера

Техника рисования гризайль мне знакома по двум причинам.Я познакомился с этой концепцией в мастерской натюрморта Стива Редди лет назад. Он научил нас, как использовать различные разбавления туши для сначала тонирования рисунка, а затем добавить акварель поверх этой гризайли. Поскольку тона чернил уже выполнили работу по установлению значений, последующее применение цвета было несложной задачей.

Я никогда не пользовался его техникой, в основном потому, что использовал Индийские чернила на натуре были слишком опасны. Я держал в уме концепцию, тем не мение. Несколько лет спустя я адаптировал его к , используя серию серых ручек Faber-Castell Pitt Artist Pens для гризайля , а затем применил акварель. карандашом поверх этих тонов.В конце концов я решил, что мне не нравится, как гризайль приглушила оттенки (на самом деле, это одна из причин, по которой мне не нравилось использовать India разбавления чернил акварелью) и отучился от них . я также не обращал внимания на внешний вид маркера. Я хотел научиться развивать ценности используя сами оттенки. Это более сложный способ использования цвета, и один с которыми я все еще борюсь, но я предпочитаю ясность оттенков и сияние, которое проступайте без гризайли.

Итак, это мой ограниченный опыт использования гризайли.Перенесемся в пару месяцев назад, когда читатель блога порекомендовал книгу Венди Холлендер The Joy of Botanical Drawing . Использование только акварели карандашей и традиционных цветных карандашей, Холлендер использует метод гризайли для делать ботанические иллюстрации. Мне всегда интересно изучать новую акварель Карандашная техника, поэтому я взяла книгу в своей библиотеке.

Хотя многие ботанические иллюстраторы используют цветные карандаши, похоже, что меньше пользуются акварельными карандашами.Среди тех, о которых я знаю, я думаю, что Холлендер техника уникальна. Вкратце, показывая изображения с моей первой попытки, Я опишу метод Холлендера. (Примечание: хотя мой процесс ниже может выглядеть как «как сделать», это действительно «попытка»! Я все еще спотыкаюсь, так что если вы заинтересованы в изучении ее техники, пожалуйста, прочтите ее книгу, так как следуя тому, что я делаю, слепой ведет слепого.)

Сначала нанесите сухой акварельный карандаш на невпитывающий палитра. Один из вариантов, который она предложила, была синтетическая бумага Yupo, и я случайно получить кусок Yupo Heavy из набора образцов бумаги Legion Stonehenge что я рассмотрел для хорошо назначенный стол .Более тяжелый вес идеален для этого. Холлендер использует акварельные карандаши Faber-Castell Albrecht Durer , я тоже. Пигмент почти не прилипает к пластиковому, поверхность Yupo без трения, поэтому сложно создать тяжелый образец. Она рекомендуется диапазон цветов, но основная идея заключается в использовании хотя бы одного нейтральный темный оттенок, как гризайль, плюс преобладающий локальный цвет объекта.

Сухой акварельный карандаш, нанесенный на палитру Yupo.

Используя небольшую кисть (я использовал свою обычную водяную кисть), активируйте пигмент на палитре Yupo, делая небольшие лужицы акварелью.

Активируйте пигмент.

Нанесите цвет гризайль (в моем случае пурпурный) на рисунок, чтобы установить значения. Дайте ему полностью высохнуть, затем нанесите еще слоев по мере необходимости, давая каждому высохнуть перед добавлением следующего. В качестве финала слоя, примените преобладающий локальный цвет (избегая бликов).Этот способ похожа на традиционную технику акварельной глазури с нанесением нескольких прозрачные слои краски. (Это был самый тяжелый шаг для меня — все это ждем высыхания каждого слоя! Как утомительно! В результате гризайль моего помидора был слишком слабым; Я был слишком нетерпелив, чтобы добавить еще несколько слоев.)

Гризайль и основной локальный цвет, примененный из палитры.

Наконец, метод Холлендера заключается в использовании только сухих красителей. карандашом поверх гризайли, чтобы закончить рисунок.Для этой детали она предпочитает Faber-Castell Polychromos , так что я тоже использовал его. (Между прочим, Холлендер использует ограниченную палитру, состоящую всего из пары десятков цветов карандаша. Она использует только Дюрер и Полихромос вместе, соединяя каждый акварельный карандаш со своим соответствующее совпадение в палитре Polychromos. Это интересный способ работы и намного практичнее, чем огромные цветные палитры карандашей, некоторые ботанические художники одобряют.)

9/4/21 F-C Карандаши Альбрехта Дюрера и Polychromos в альбоме для эскизов S&B Beta (до полировки)

В качестве последнего шага отполируйте рисунок белым или кремовый карандаш.Целью полировки является дальнейшее смешивание цветов. и сгладьте зубец бумаги, чтобы можно было нанести больше пигмента. Я нет имел большой опыт работы с полировкой, поэтому я решил попробовать помидор. Ниже представлен окончательный результат после полировки. Честно говоря, я не вижу достаточно разница, чтобы оно стоило усилий, на что ушло довольно много времени.

Готовый рисунок после полировки.

В целом, мой слабак гризайль мне не очень помогло, и, собственно говоря, мое неаккуратное нанесение мокрого цвет мешал потом наносить сухие слои.Неряшливость осталась полностью виден под прозрачным цветным карандашом, поэтому я потратил дополнительные время, «исправляющее» пятна, которые меня не устраивали. Чтобы сделать это хорошо, мне нужно поработать над своим техника нанесения влажной акварели и, возможно, используйте кисть получше.

На следующий день я решил снова попробовать метод Холлендера, чтобы набросать моя зеленая кружка, на этот раз используя Caran d’Ache Museum Aquarelles для гризайль и Prismacolors для сухого нанесения. Еще раз моя гризайль была недостаточно прочной, поэтому тяжелую работу выполняли сухие цветные карандаши.Я также пожалел о выборе моей книги Stillman & Birn Beta . С участием твердые карандаши Polychromos на помидоре, зуб Беты не был проблемой. С участием мягкие Prismacolors, однако, я знал, что мне придется работать намного дольше, чтобы в той же степени покрывают текстуру бумаги. Раздраженный, я остановился раньше, чем я бы считать законченным; В любом случае я был недоволен гризайлем.

Слой Grisaille 1 (Museum Aquarelle)

Grisaille layer 2

9045 9045 9045 9045 9045 Museum Карандаши Aquarelle, Prismacolor в альбоме для эскизов S&B Beta
Ни один из этих эскизов не вызвал у меня восторга ни в процессе, ни в работе. результат, но они заставили меня задуматься.Зачем делать процесс подачи заявки на гризайль больше бросая вызов самому себе, используя традиционный акварельный метод, который у меня нет много тренировались? И все же концепция гризайля заслуживает внимания. Оставайтесь с нами Часть 2 .

Живопись городской акварелью на прозрачном Gesso

Рисование городской акварелью на прозрачном Gesso

В предыдущем посте я упомянул об эксперименте с фасадом городского здания, нарисованным акварелью на прозрачной акварельной бумаге, покрытой левкасом.Вы спросили, почему, что и как, так что позвольте мне сказать …

Акварель закрашена прозрачным левкасом, крупным планом. Посмотрите на всю эту классную текстуру! (и кошачья шерсть, сделанная Скаутом!)

Что такое Gesso?

Gesso — это грунтовка для рисования, напоминающая штукатурку. Наносится на холст, дерево, мазонит и другие подставки для художников.

Слово gesso происходит от греческого (γύψος), что означает гипс или мел. Обычно он белый, сделан из акриловой смолы, пигментов, мела, гипса и связующего.Его можно сформулировать так, чтобы запретить абсорбцию, например, проклейку, или она может стимулировать его.

Акварельный пигмент оседает в бороздках, оставленных кистью, которой я наносил прозрачный левкас.

Живопись как мастера

Я взял семестр по живописи, как и магистр много лет назад в колледже.

Использовали порошковые пигменты со связующими яичным коромыслом (яичная темпера). Мы делали левкас старосветскими методами — клеем из кроличьей кожи, мелом и титановыми пигментами.

Мы покрыли наши мазонитовые плиты 10-15 раз тонкими слоями самодельного гипса.Мы отшлифовали левкас до атласной отделки, а затем нарисовали очень подробную, реалистичную гризайльную версию студийных натюрмортов. Затем закрасили гризайль яичной темперой.

Это было потрясающе. И работы было много. В наше время можно просто купить банку левкаса.

Мой клей для кожи кролика Gesso на масоните — натюрморт в стиле гризайль индийскими тушями, около 1988 г.

Прозрачный гипс для калибровки и текстуры

Акриловый гипс прост в использовании, сохнет навсегда и смывается водой, когда он еще влажный.Gesso доступен предварительно смешанным для грунтования холста или проклеивающей бумаги — белого, черного, серого и прозрачного.

Вы также можете окрасить белый левкас в любой цвет, добавив в него немного акрилового пигмента.

Раньше я рисовал акварелью на акриловом гипсе, и это совсем другое, и очень весело. В основном потому, что вы можете поднять акварель и вернуться к белому или близкому к нему.

Мне любопытно посмотреть, отличается ли зернистость акварели на прозрачном левкасе.Я не смогу ответить на свой вопрос, пока не установлю горизонтальную полоску гипса — одну белую и одну прозрачную. Если вы меня опередите, оставьте комментарий о своих результатах и ​​дайте нам всем знать.

На данный момент мне очень понравилось, как прозрачный левкас «впитывал» краску, кровоточил по краям, что не давало мне суетливости, и позволяло мне снова подняться до белого цвета. На левкас также потребовалось много слоев краски, поэтому я мог подтолкнуть значения к более темным и насыщенным оттенкам.

Первые слои акварельных мазков на прозрачной мелованной бумаге.

Использование сеточной системы рисования под акварелью

Если вы установите сетку на свою бумагу, чтобы выложить рисунок графитом, прежде чем рисовать — как и я, — чистый левкас позволит вам увидеть ваш рисунок.

Иногда я рисую на более теплой белой бумаге — не такой яркой, как белый левкас. Я мог бы подкрасить левкас, чтобы согреть его, но мне было легче пропустить этот шаг и использовать прозрачный левкас на более теплой тонированной бумаге.

Роспись по левкасу может быть гладкой или шероховатой. Если вы хотите, чтобы она была гладкой, вам придется отнести опору в хорошо проветриваемое место и отшлифовать ее.

Я использовал аппликатор для пенопласта, чтобы нанести прозрачный левкас на бумагу, и намеренно накинул его на волю. Поверхность была шероховатой.

Так как я планировал красить вертикальный фасад театра, я оставил полоски гипсового гипса вертикальными. Полученная поверхность немного напоминала рисование на мелкой наждачной бумаге. Пигменты впитывались, растекались и прекрасно смешивались.

Блочные формы грузовика и фигуры, переходящие улицу перед театром Эль-Капитан в центре Голливуда.

Другие области применения прозрачного гипса

Я могу только представить, что текстура этого прозрачного левкаса способна удерживать пастель (виляние бровями — потирание рук).Может, даже поверх акварели?

И на днях у меня возникла идея тонировать его небольшим количеством акрила, чтобы он передавал цвет, но оставался прозрачным. Если я накатываю тонированный чистый левкас поверх неудавшегося монотипа, это изменит оттенки и увеличит тягу при нанесении цветных карандашей. Возможно, стоит попробовать новый вид ремонта гравюры?

Поскольку я не был уверен, что мне нужен прозрачный левкас, я купил небольшое количество — 8 унций Liquitex (<–это вещество).Пока что это очень весело, и я думаю, что буду продолжать работать над этим. Что скажешь? Как вы думаете, вы попробуете?

Рисование водяных неоновых огней и пиратских эмблем на шатре театра.

Отменить правила

Мы привыкли использовать правила, инструкции, списки ингредиентов и инструкции по процессу, чтобы узнавать что-то новое. Слава богу, за инструкции в поваренных книгах, руководствах по печати и руководствам по рисованию.

Я всегда в долгу перед теми редкими персонажами, которые обладают как визуальными навыками, так и навыками обработки слов.Нам, художникам, нужна отправная точка, когда мы пробуем новое. Но как только мы получим хоть немного опыта, мы не должны бояться бросить осторожность и расширить свой диапазон за пределы инструкций.

Art награждает беззаботный дух разрешением экспериментов и новыми открытиями. Подход к творчеству с помощью правил предназначен только для того, чтобы мы начали, чтобы мы не навредили себе, не попытались нарисовать акварель поверх масляной картины и т. Д. Освоить основы, а затем бездельничать.

Творчество — это время для игр, и оно не должно быть чревато работой кистью с белыми костяшками пальцев, трепом о ожидаемых навыках и задержкой дыхания во время работы. Глядя на это таким образом, трудно часто рисовать. Продолжайте заниматься искусством и напоминайте себе, что оно должно быть экспериментальным, творческим и исследовательским. Вы не готовитесь к индивидуальному представлению в Гуггенхайме — вы играете с искусством.

Спасибо, что посетили студию со мной, увидимся в следующем посте —

Белинда

с.S. Если вы хотите увидеть мои эксперименты с прозрачным левкасом на неудавшейся монотипной печати, дайте мне знать, я сфотографирую и расскажу, как это происходит.

The El Cap 31 x 25 Акварель на прозрачном левкасе и бумаге (Частная коллекция)

Art Quote

При норме почти одного рождения в год к 1661 году у Вермеера было пять или шесть детей, трое из четырех выжили.