17.03.2020

Для художника для рисования: Инструменты ходожника: чем и на чём рисовать

24 мобильных приложения для художников и иллюстраторов

Как всегда, пытаешься найти хорошее приложение для планшета или телефона, чтобы можно было рисовать не покладая рук, и сталкиваешься с проблемами. То неудобно пользоваться приложением, то нельзя сохранить или отправить эскиз. В статье представлены лучшие приложения для художников, которые прошли через многотысячную аудиторию, разбросанную по всему миру.

Paper для iPad

В Paper можно с легкостью создавать блокноты с эскизами, заметками, проектами и оперативно делиться ими в сети. Приложение находится в бесплатном доступе, но есть возможность купить дополнительные инструменты для рисования. Приложение отлично подходит для планшета и адаптировано для использования на телефоне. Здесь уже вопрос удобства использования.

Fresko Paint Light and Pro для Android

Одно из лучший приложений. Здесь можно не только делать наброски, но и редактировать фотографии. Программа содержит всё необходимое для создания цифрового рисунка. Существуют две версии приложения: Fresco Pro и Fresco Lite. Fresco Lite – бесплатная версия программы, в Fresko Pro больше возможностей: поддерживается до четырех слоев, 21 фильтр и дюжина кистей. Кроме того, есть возможность экспортировать в формат программы Photoshop. Чем не рай для художника, который использует мобильные приложения.

SketchBook для iPad и Android

Здесь также есть две версии программы: бесплатная и платная. В бесплатной версии присутствуют инструменты для работы со слоями, кисти, функции «undo» и «redo», и, что немаловажно, можно сохранить результат работы в галерее или опубликовать в социальных сетях. В платной версии, не трудно догадаться, больше возможностей. Если вы только начинаете пользоваться мобильными рисовалками, то не спешите приобретать платную версию, сначала протестируйте бесплатную версию программы.

Adobe Ideas для iPad

Отличное приложение для художников, иллюстраторов и дизайнеров. Преимущество этого приложения состоит в том, что здесь можно создавать векторною графику профессионального качества. Программа содержит большое количество настраиваемых кистей, чувствительных к давлению. Кроме того, программа способна синхронизировать ваши данные на облачном хостинге Adobe Creative Cloud и передавать любые проекты, над которыми вы сейчас работаете, прямо на мобильное устройство.

ArtFlow

ArtFlow – это холст с более 70 инструментов. Здесь можно найти работу с многочисленными слоями, работа с файлами PSD, PNG и не только. Даже обычная версия – мощный инструмент для художников с множеством функций. В платной версии представлены более продвинутые опции.

Infinite Design и Painter для Android

Infinite Design – платное приложение для дизайнеров и художников. Здесь можно рисовать скетчи и более рабочие варианты изображений. Холст можно увеличивать или уменьшать, поворачивать в любую сторону – нет никаких ограничений. Ваш рисунок сохраняется во время работы, а готовый рисунок можно сохранить в форматах JPG, PNG или SVG.

Infinite Painter – второе приложение Infinite для дизайнеров и художников, которое обладает более мощным функционалом. Например, функция “Pen only” поможет избежать случайных штрихов от касаний пальцами и ладонями. Работаем спокойно со слоями. В программе отдельное внимание уделено цвету, его глубине и насыщенности.

Brushes 3

Идеальный инструмент для зарисовки скетчей. Большой выбор кистей, прост в обращении. Очень сложно передать собеседнику ваше видение ситуации, но с этим приложением вы сможете быстро визуализировать ваши мысли и отправить их по почте или любым другим удобным вам способом.

Pixels Free

Чтобы доработать наброски, не обязательно кропотливо перерисовывать их на бумагу. Данное приложение предлагает большой набор кистей, которые подойдут к любому стилю исполнения (акварель, карандашный набросок, масло и т. д.).

Sketchbook Express

Еще одно популярное Android-приложение для дизайнеров – это Sketchbook Express. Приложение позволяет создавать быстрые эскизы и имитирует процесс рисования красками. Это лучший выбор для тех, кто ни дня не может прожить без творчества и любит воплощать свои идеи с помощью скетчей. Инструментарий приложения включает 15 предустановленных кистей и расширенный цветовой круг. Такие функции, как эффект нажатия кисти и сглаживание форм открывают большие возможности для дизайнеров. Среди других функций стоит отметить мультитач-навигацию, несколько стилей рисования, контроль прозрачности и переключение состояния слоев.

Adobe Illustrator Draw

Разработка компании Adobe, приложение Illustrator Draw – это мощный векторный редактор, работающий на мобильной операционной системе Android. С помощью приложения пользователь может легко создавать сложные векторные иллюстрации. Редактор имеет интуитивно понятный интерфейс с удобным сенсорным управлением. В приложении есть 5 встроенных кистей, с помощью которых можно создавать быстрые скетчи. Кроме того, Illustrator Draw поддерживает самые продвинутые инструменты для рисования, такие как Adonit Jot Touch, Adobe Ink, Apple Pencil и т.д.

Tayasui Sketches

Профессиональное приложение для рисования скетчей — быстрых, недетализированных иллюстраций. Здесь есть изменяемые параметры инструментов. Чтобы получить от них больше, например, увеличить лимит слоёв или воспользоваться заливкой узором, нужно заплатить. Но если нет ультразапросов, и без этого живётся прекрасно.

Приложение подходит для опытных художников: можно настраивать режимы наложения слоя, наложить текстуру, нарисовать какую-то форму и залить цветом, но при этом настройки (размер кисти и прозрачность) простые.

Procreate

Это приложение большое и серьезное. Оно пытается брать на себя роль редактора для создания таких же серьёзных и больших работ. В конце сентября вышла уже четвёртая версия.

Adobe Photoshop Sketch

Это приложение даже не пытается копировать старшую сестру — настольную программу Photoshop. Вместо редактирования снимков разработчики Photoshop Sketch решили сфокусироваться на рисовании. Программа использует весь потенциал сенсорных дисплеев и стилусов, особенно прекрасно чувствуя себя на iPad. При этом передаёт стойкое ощущение от рисования на бумаге.

Богатый арсенал приложения включает виртуальные карандаш, шариковую ручку, различные кисти, инструменты смешивания и для работы с перспективой.

MediBang Paint

Японское приложение, пропитанное эстетикой аниме и манги. Именно для этих жанров программа подходит лучше всего. В ней вы найдёте специальные шрифты, формы и рамки, которые используются в комиксах. Кроме того, в MediBang Paint есть все привычные инструменты вроде кистей и линеек, а также система работы по слоям. К последним можно применять стили, также как и в Photoshop.

Autodesk SketchBook

Autodesk SketchBook укомплектовано богатейшим набором кистей, карандашей, маркеров и прочих инструментов, которые вы можете легко кастомизировать для своих нужд. Есть поддержка слоёв, режимов смешивания и функции для работы с симметрией. Вы можете подключить к приложению DropBox или iCloud и хранить свои шедевры в облаке.

PicsArt Color Paint

Приложение предлагает полный набор инструментов для рисования, которые подойдут как новичкам, так и профессионалам. В их числе — полностью настраиваемые кисти, палитра цветов с их базовыми комбинациями, текстурная заливка, а также полноценная работа со слоями.

Интерфейс приложения интуитивно понятен, поэтому вы сможете сосредоточиться именно на рисовании, а не на поиске каких-либо инструментов для этого.

С помощью этого простого приложения вы сможете дорисовать на своем селфи какие-либо дополнительные детали, раскрасить наброски любой сложности и даже создать фантастические миры с нуля — от эскиза до детальной иллюстрации.

CREATE

CREATE — продвинутый инструмент для графического дизайнера, с помощью которого можно отвязать свое творчество от конкретного компьютера и даже целого офиса и перенести его на компактный iPad Pro, который можно использовать в любом удобном месте.

С помощью этой программы вы сможете создавать дизайн фигур и иконок, редактировать текст и типографию, добавлять контуры и заливки, изменять, увеличивать и поворачивать, выравнивать объекты по сетке, дублировать или менять их порядок и так далее.

CREATE работает как с векторной, так и с растровой графикой. У него простой и понятный интерфейс, который не потребует большого количества времени для изучения. С помощью этого приложения в жизнь получится воплотить даже самые невероятные идеи.

Drawing Desk

Мобильное приложение, включающее четыре режима, которые отличаются своими возможностями: Kids Desk для детей, Doodle Desk для дудлов, Sketch Desk для скетчей и Photo Desk для обработки фотографий.

Режим Kids Desk позволяет оставить своего ребенка наедине с iPad Pro и не беспокоиться, что ему станет скучно. Он превращает рисование в увлекательный процесс с яркими цветами, музыкальным сопровождением и не только.

Другие режимы помогут вам сделать простой набросок, чтобы визуализировать свои мысли, забавно обработать фотографию для социальных сетей и мессенджеров или просто развлечься с друзьями в конце трудового дня.

Inspire Pro

С этой программой не составит большого труда создать прекрасные рисунки прямо на экране iPad. Она одинаково подходит и для новичков, и для профессионалов. В арсенале Inspire Pro — 60 высококачественных кистей, собранных в шести наборах: масляные краски, аэрографы, базовые фигуры, графитовые карандаши, восковые грифели и маркеры.

Auryn Ink

Простой в освоении и работе графический редактор, имитирующий все необходимые средства для рисования акварелью. Стоит отметить, что инструментарий программы несколько ограничен, в сравнении с другими продуктами этого обзора.

ArtRage

Кроме обширного арсенала инструментов (кисти, карандаши, пастель, валики, грифели), эта программа позволяет еще выбрать тип поверхности виртуального холста. ArtRage также входит в число любимейших продуктов многих цифровых художников.

Inkist

Одна из тех программ, которая поддерживает чувствительные к нажиму стилусы. Другими достоинствами редактора являются стильный интерфейс, широкий набор настраиваемых кистей и полная бесплатность.

Zen Brush

Имея в арсенале 64 типа бумажной поверхности и три оттенка чернил, вы получите удовольствие от чернильных рисунков. Программа специально была разработана для простого и быстрого создания скетчей.

Carbo — Notes&Sketches

Carbo — уникальное для этой подборки приложение. Оно не столько для начинающих художников, сколько для ведения заметок, в которых упор сделан на скетчи.

Учись как художник: 8 бесплатных ресурсов, с которыми вы точно начнете рисовать

Если вбить в любом поисковике «как научиться», то первым вариантом запроса всегда будет «рисовать». Творчество помогает нам расслабиться, отвлечься и выразить свои эмоции, да и в целом полезно для мозга и ментального здоровья. «Цех» нашел 8 бесплатных ресурсов, которые помогут сделать первые шаги в сторону карьеры великого художника.

SkillShare

Онлайн-платформа с англоязычными курсами для творческих людей. Помимо базовых программ практически по всем направлениям, здесь можно найти мастер-классы от иллюстраторов и креативных блогеров о том, как монетизировать свои навыки и организовать творческий процесс. Платформа работает по подписке, но при регистрации вы получите бесплатный месяц, которого хватит, чтобы пройти один или несколько курсов.

Наш выбор на SkillShare:

Прямые эфиры от Венди Макнотон

Художница из Нью-Йорка Венди Макнотон каждый день дает бесплатные мастер-классы для взрослых и детей в своем инстаграме и даже задает домашку. Венди начала преподавать в период карантина, чтобы детям было чем заняться дома, а родители могли отвлечься от рутины и посвятить время творчеству. Работы учеников можно посмотреть по хештегу #DrawTogether.

«Вы сможете рисовать через 30 дней»

Как насчет того, чтобы научиться рисовать всего за месяц, тратя на занятия 20 минут каждый день? Даже при всей загруженности на работе и дома задача кажется вполне реализуемой. Сайт опирается на одноименную книгу Марка Кистлера и состоит из 30 кратких уроков. Подойдет тому, кто пока не знаком с понятиями «композиция» и «перспектива», но уже стремится освоить базовые элементы.

Видеоуроки от школы рисования DREAM& DRAW

Основной формат школы сейчас — платные онлайн-курсы, но на официальном сайте есть раздел и с бесплатными уроками. Пройдя их, вы сможете нарисовать свой первый скетч акварелью и понять, нравится ли вам этот стиль или стоит продолжить поиски другой техники.

Udemy

Сейчас на платформе можно найти больше 15 бесплатных курсов по самым разным направлениям — от создания мультяшных героев из простых форм до первой манги. Вместе с творческими навыками сможете подтянуть владение иностранным языком — большинство занятий проходит на английском, а некоторые — на испанском.

Канал с уроками Боба Росса

Боб Росс — американский художник, придумавший технику быстрой живописи масляными красками, о которой он рассказывает в собственной телепередаче. И хотя Росса чаще вспоминают как героя добрых мемов, инструкции художника выглядят понятными, а просмотр выпуска, кажется, может заменить медитацию — настолько спокойно и размеренно всё происходит.

Мастер-классы от Samouchka School

Еще один вариант быстро научиться рисовать акварелью. На сайте есть как простые уроки со скетчами аппетитных десертов, так и более сложные — сможете нарисовать закат на море или даже осенний уличный пейзаж.

Бесплатные уроки от Kalacheva School

Зарегистрировавшись на сайте, вы получите доступ к 6 видеоурокам в разных техниках: акварель, скетчинг и иллюстрация маркерами. Вместе с преподавателями школы вы нарисуете пряничный город, разберетесь со светом в пейзаже или сосредоточитесь на изображении цветов и растений.

Еще больше видеоуроков и полезных материалов:

Бонус: вы можете рисовать.

Даже если вы так не считаете, Грэм Шоу докажет, что вы не правы.

Рисование по памяти. Зрительная память художника.

Скажу кратко. Художник ДОЛЖЕН УМЕТЬ рисовать по памяти. Точка.

Тому есть несколько причин, и в этой статье я постараюсь их раскрыть. А заодно расскажу, как развивать зрительную память, чтобы рисование по памяти не было для вас чем-то невозможным.

Но для начала дам несколько впечатляющих примеров рисования по памяти.

То, что И.К.Айвазовский писал море не с натуры, а по памяти, пожалуй, все уже знают. Отсутствие натуры перед глазами не мешало ему создать тысячи полотен с самым разным состоянием морского пейзажа.

А можете ли вы представить, что Франс Снейдерс писал свои огромные натюрморты без натуры? И без фото, безусловно, ведь творил он в 16-17 веке. Для художника было бы роскошью ставить такие богатые натюрморты из экзотических продуктов. Все они — плод его памяти.

Николай Ге написал полотно «Петр I допрашивает царевича Алексея Петровича в Петергофе», воссоздав весь интерьер по памяти. Говорят, эту комнату дворца Монплезир художник видел лишь однажды.

Что и говорить, я думаю, вы и сами догадываетесь, что подавляющее большинство зимних или ночных пейзажей написаны художниками именно по памяти, а не с натуры.

Итак,

В ЧЕМ ПОЛЬЗА РИСОВАНИЯ ПО ПАМЯТИ

Первый пункт будет самым очевидным.

Художнику приходится рисовать по памяти то, что он НЕ может нарисовать с натуры или по фото.

1. Рисование по памяти — это возможность запечатлеть то, что не нарисуешь с натуры

Да, современному художнику живется проще, чем художнику 17 века — у нас в арсенале есть замечательный инструмент — фотоаппарат.

Однако инструмент этот далеко не совершенен, он не может запечатлеть всё, что видит человеческий глаз. Фотоаппарат искажает цвет, форму, тон. Да и в целом восприятие человека гораздо шире и глубже, чем просто моментальный кадр реальности.

Этот этюд я написала по памяти после вечерней прогулки.

Шел легкий снег, и небо было какого-то невообразимого цвета. Весь пейзаж был погружен в этот невероятный розоватый оттенок.

Придя домой, я сразу бросилась писать этот пейзаж, пока он не истерся из памяти. Позже я не раз наблюдала, что сумерки могут быть не просто привычно синими, но и именно такими.

Однако, если бы я попыталась воссоздать картинку посредством фото, вряд ли бы получила тот цвет, который видел мой глаз.

2. Совершенствование навыков, необходимых для рисования по представлению

Большинство людей восхищает в художниках не умение рисовать с натуры, а умение «рисовать из головы», причем реалистично.

Это считается особым творческим даром. И начинающие рисовальщики часто «ставят на себе крест» как художнике, потому что не могут нарисовать какой-то объект без фото или натуры. Например, в вашем воображении есть образ лошади, и вы живо представляете себе картинку, как та скачет по зеленому полю, но нарисовать это на листе составляет для вас огромную трудность. Вы говорите себе, что это признак неумения и отсутствия таланта, ведь «настоящий художник» легко бы справился с этой задачей.

Раскрою вам секрет этого чуда.

Если художник может сходу без натуры нарисовать реалистичную лошадь, значит он делал это уже не раз! С натуры или по фото. Значит, хоть однажды, он пристально изучил лошадь, её строение, он понимает её форму и принцип движения.

В основе чуда рисования по представлению и воображению лежит именно зрительная память. К ней подключается знание основ рисунка и живописи, и вуаля, — художник рисует лошадь в какой-угодно позе. (К слову сказать, далеко не каждый художник это сделает. Ведь задача запомнить, как выглядит лошадь, стояла не у каждого из них…)

Поэтому, чтобы нарисовать что-то «из головы», без натуры, художнику нужно хоть раз посмотреть на объект и УВИДЕТЬ его.

«Смотреть» и «видеть» — это разные вещи! Художник, когда смотрит на объект, чтобы нарисовать, его видит.

Что значит «увидеть»? Это означает понять форму объекта, увидеть его пропорции, конструкцию, осознать тональные и цветовые отношения этого объекта. Т.е. осознать все те моменты, которые нужны для рисования.

Именно попытка РИСОВАНИЯ ПО ПАМЯТИ позволит вам понять, как художник видит!

Простой пример.

Посмотрите на свое окно. Теперь отвернитесь и попытайтесь воссоздать его в памяти. Сможете нарисовать? Попробуйте.

А потом посмотрите на окно второй раз с намерением нарисовать его максимально точно, как вы его видите сейчас.

Спорим, что вы будете смотреть на окно совсем иначе, чем обычно? Вы будете считать количество створок, смотреть на пропорции окна, на соотношение размера откоса по отношению к стеклу, будете внимательно разглядывать форму ручки, мысленно соизмерять, где она находится по отношению к высоте окна. .. Так? Вот это и означает «смотреть и видеть как художник».

Если у вас не так, то, возможно, вы из начинающих, и вам еще не доводилось рисовать с натуры. Тогда мой бесплатный вводный курс «Ключи рисунка» вам в помощь! Там мы изучаем те самые особенности вИдения художника, которые нужны для рисования с натуры. Записывайтесь и изучайте бесплатно:

3. Развитие зрительной памяти для рисования динамичной натуры

Меня всегда восхищают люди, которые могут составить словесный портрет преступника, увидев его лишь на мгновение. Так бывает? Или только в кино так показывают? Я, на что уж художник-портретист, но не смогла бы описать человека, которого видела мельком и которого я не пыталась «увидеть» как художник.

Наверно, чтобы вот так вот легко описать незнакомого человека, нужно иметь очень хорошую зрительную память от рождения…

И, безусловно, художнику нужно зрительную память развивать. Не для того, чтобы описывать преступников, конечно. А прежде всего для того, чтобы рисовать подвижную натуру: людей, птиц, животных.

Ведь если человек не позирует вам специально, то в своей позе он не задерживается надолго. И вам нужно запомнить его позу, характерные особенности, чтобы довести рисунок до конца.

Эту зарисовку я сделала в аэропорту в ожидании рейса. За время, что я ее рисовала, персонажи раз пять сменили позы.

Что уж говорить о движущейся натуре!

Изображая идущего или работающего человека, вам придется рисовать очень быстро, сохраняя образ в памяти и надеясь, что человек еще хотя бы раз повторит ту фазу движения, которую вы пытаетесь запечатлеть.

4. Рисование по памяти для тщательного изучения натуры

Когда вы рисуете по памяти, то осознаете, ЧТО вам нужно видеть в натуре, когда она перед вами.

В результате вы будете смотреть на натуру более осознанно и вычленять главное.

Например, когда я рисую человека исподтишка, когда он мне не позирует, то сначала я наблюдаю за ним. На автопилоте во мне идет процесс анализа. Чем этот человек выделяется? Какая часть его лица более всего привлекает внимание? В чем ее особенность? Каковы пропорции головы: она вытянутая, квадратная, треугольная? Какой формы нос? Какое выражение имеют брови? Губы? и т. д.

Такое осознанное изучение натуры, когда я ее вижу, оставляет в моей зрительной памяти «зарубки», которые помогают мне нарисовать портрет человека, даже когда он изменил позу, и мне приходится рисовать его по памяти.

Изучение натуры, в принципе, происходит всякий раз, когда вы ее разглядываете и планируете запомнить. Например, вы куда-то едете и видите потрясающий закат с красивыми облаками в небе. Вы хотите его запомнить, чтобы, вернувшись домой, нарисовать.

Не надейтесь, что образ просто так всплывет в памяти весь целиком, и вы его отразите на холсте. Начинайте рисовать свою картину именно тогда, когда смотрите на закат и не можете его рисовать прямо сейчас.

Мысленно смешивайте краски, спрашивая себя, какой цвет вы видите. Анализируйте форму облаков, на что они похожи, как распределяется на них свет и прочее. Именно так вы запомните больше деталей и не допустите ошибок в рисовании без натуры.

Например, этот этюд был написан мной по памяти после прогулки.

Меня впечатлил кусочек голубого весеннего неба, который наконец-то показался в небе после нескольких месяцев зимней хмари.

И когда я смотрела на этот пейзаж, я анализировала, прежде всего тональные отношения: что светлее — снег или небо, небо или снег на крыше домика. Это очень важно, если хочешь создать достоверную картинку, а не символическую, где снег всегда белый и самый светлый объект.

Я смотрела на пейзаж и мысленно писала его. А вернувшись домой, проделала то же самое, но уже с акварелью.

5. Рисование по памяти как способ отбора главного в изображении

Человек не в состоянии запомнить миллион деталей, которые он видит. И это в нашем случае большой плюс!

Ведь любая картина — это не слепая копия реальности. Она предполагает осознанный отбор того, что нужно рисовать, а что опустить, что является главным, а что — второстепенным.

Способность человека запоминать только важные для него детали играет на руку художнику. Наша память сама фильтрует всё ненужное для картины, проявляя главное.

Именно поэтому художница Виктория Пришедько, например, рисует исключительно по памяти и воображению. А когда ей нужно использовать референс для мастер-класса, то она просит рисунок делать по фото, а потом про референс забыть и рисовать по памяти. Именно так рождаются волшебные романтичные акварели — очень цельные по цвету и настроению.

О технике живописи Виктории Пришедько я писала здесь.

Рисование по памяти также позволяет нам стилизовать изображение — упрощать его, приводя к знаку, символу.

Вот так, например, выглядят мои рисунки по памяти в скетчбуке:

Здесь была задача нарисовать карту перемещений по городу. Для этого нужно символическое изображение архитектуры, но с узнаваемыми деталями. Рисование по памяти в данном случае — то, что надо!

Как научиться рисовать по памяти

Итак, как же научиться рисовать по памяти?

Раньше в учебных заведениях этому уделяли отдельное время.

Например, мой педагог в художественной школе тренировал нас так. Он ставил небольшой натюрморт из 2х-3х предметов: крынка, кружка и булка хлеба. Затем учитель давал нам несколько минут, чтобы всё тщательно рассмотреть и запомнить форму предметов. А после этого накрывал натюрморт тканью.

Ученики должны были нарисовать натюрморт по памяти. Здесь важно было правильно передать конструкцию предметов и их пропорции, важные детали типа формы ручки на кружке.

Потом натюрморт открывался, и мы могли сравнить, что получилось, и дорисовать забытые детали.

Вы можете последовать этому примеру. Начните с простого, с одного предмета натюрморта.

Другой вариант, как я уже упоминала, рисовать пейзаж после прогулки.

Во время прогулки рассмотрите небо, весь ландшафт, отметьте для себя важные моменты этого пейзажа. Подумайте о колорите. Какие краски вы бы использовали, чтобы написать пейзаж? С чего бы начали, чем закончили?

Осознанно изучайте любую натуру, которая встречается в ваших картинах. Пишете природный пейзаж? Изучайте формы деревьев, их принцип роста, движение ветвей, цвет листьев и т. д. Позже пригодится.

Рисуете людей? Изучайте формы голов, носов, глаз. Сравнивайте людей. Выделяйте характерные особенности конкретного человека.

Таким образом вы сможете «рисовать» человека даже в той ситуации, когда у вас нет карандаша под рукой. Например, в метро. И время в пути пролетит незаметно и с пользой!

Надеюсь, мне удалось убедить вас в важности рисования по памяти и необходимости развития зрительной памяти. Буду рада, если мои советы вам помогут.

Напишите в комментариях, удалось ли вам «нарисовать свое окно» и что вы готовы нарисовать по памяти прямо сейчас? 🙂

Больше полезной информации:

12 лучших наборов для рисования

В магазинах для творчества огромный выбор товаров для рисования, развивающих воображение и улучшающих эстетическое восприятие мира. Мы отыскали самые интересные комплекты для детей и взрослых с разным уровнем подготовки.

Лучшие детские наборы для рисования

Творчество формирует когнитивные способности, воспитывает трудолюбие, целеустремленность и играет огромную роль в развитии ребенка. Рисуя, дети улучшают мелкую моторику, воображение, знакомятся с богатством цветовой палитры.

В продаже есть разные наборы для творчества, способствующие самовыражению юных художников. Кроме традиционных карандашей, фломастеров и красок в них могут входить гипсовые барельефы и витражи для раскрашивания, а также принадлежности для создания рисунков водой и светом.

Набор Чемодан с рисунком (10607200.01OB)

4.9

★★★★★

оценка редакции

96%

покупателей рекомендуют этот товар

Деревянный чемоданчик, украшенный оригинальным рисунком, вмещает 67 предметов для детского творчества. Внутри есть удобные ячейки, в которых размещены акварельные краски, карандаши, фломастеры, масляные пастели, цветные мелки. Набор укомплектован точилкой, кисточкой с натуральным ворсом, линейкой, резинкой и клеем. Подходит для ребят старше 4 лет.

Достоинства:

экологически чистая древесина;
широкая палитра красок;
яркие фломастеры;
удобная ручка;
металлические защелки.

Недостатки:

отсутствие кисточек разной толщины и мольберта.

Подарочный чемоданчик для рисования — отличный способ отвлечь ребенка от телевизора и компьютера. Набор легко отрывается, складывается и позволяет держать нужные предметы в одном месте.

Набор для Эбру «Старт»

4.9

★★★★★

оценка редакции

94%

покупателей рекомендуют этот товар

В наборе 6 баночек с краской, две порции загустителя, рассчитанного на 3 л воды, лоток А4, бумага, палочки, гребенка для рисования и подробная инструкция. Эбру — техника, создающая узоры на воде, которые легко перенести на бумагу.

В лоток набирают воду, растворяют загуститель и на поверхность наносят краску, формирующую тонкую пленку. Палочкой делают разнообразные узоры. Когда рисунок на воде готов, на картину кладут лист бумаги. В считанные секунды изображение полностью отпечатывается на нем.

Достоинства:

широкий пластиковый лоток;
яркие краски;
бесчисленные варианты узоров;
развитие фантазии;
необычная техника создания картин.

Недостатки:

загуститель быстро заканчивается, и его приходится приобретать отдельно.

Техника эбру основана на использовании экологических материалов, поэтому является абсолютно безопасной. С помощью взрослых рисовать на воде могут малыши, едва научившиеся ходить. Творить самостоятельно рекомендуется с трехлетнего возраста.

Набор «Юный художник» с мольбертом

4.8

★★★★★

оценка редакции

90%

покупателей рекомендуют этот товар

В кейсе юного художника — широкий выбор инструментов. Здесь есть тонкие и толстые фломастеры, карандаши, краски, восковые мелки, кисточки, палитра, листы бумаги, канцелярский клей. Предметы упакованы в красочный портфель.

Внутри предусмотрена вставка, трансформирующая коробку в удобный мольберт. Чтобы приступить к рисованию нового шедевра, нужно закрепить бумагу зажимами на доске, достать из ячейки карандаши, краски и включить воображение.

Достоинства:

карандаши с мягким грифелем;
медовые акварельные краски;
сочные фломастеры;
губка для мытья мольберта в комплекте;
привлекательный внешний вид.

Недостатки:

при падении пластиковые стенки могут деформироваться.

В портфеле в общей сложности 208 предметов для творчества и развития фантазии. Товар, предназначенный для мальчиков и девочек старше 3 лет, выпускается в розовом и голубом цветах.

Витраж Glass Magic

4.8

★★★★★

оценка редакции

89%

покупателей рекомендуют этот товар

Набор состоит из 6 тюбиков с краской объемом 11 мл и 13 красивых пластиковых витражей. На них изображены птицы, животные, герои мультфильмов, транспорт, оригинальные украшения. Краска упакована в тюбики с узкими носиками, благодаря которым она равномерно распределяется по пластиковой поверхности.

Достоинства:

высокое качество красок;
яркие, долго не выгорающие цвета;
прочные пластиковые витражи;
развивает воображение, аккуратность и мелкую моторику.

Недостатки:

по своей тематике эти витражи больше подходят для девочек.

Витраж Glass Magic — хорошее приобретение для детей старше 4 лет. Раскрашивание заготовок помогает выучить цвета и развивает творческие навыки.

«Рисуй светом»

4.7

★★★★★

оценка редакции

86%

покупателей рекомендуют этот товар

Набор создан для рисования в темноте. Внутри находятся планшет, оклеенный фотолюминесцентной пленкой, ручка-маркер, два трафарета, светонепроницаемый чехол и инструкция.

Чтобы сделать картину, надо зайти в темную комнату, достать планшет, воспользоваться ручкой и шаблоном или придумать рисунок самостоятельно. Изображение, выглядящее насыщенным и необычным, исчезает через 30 минут и малыш может снова творить.

Достоинства:

развивает творческие навыки;
улучшает мелкую моторику;
помогает справиться со страхом темноты;
надолго увлекает;
не содержит фтор и другие вредные элементы.

Недостатки:

не рекомендуется рисовать в темноте без перерыва дольше 20 минут.

Набор выпускается для детей от 3 лет в форматах от А5 до А3. С помощью этой игрушки создают светящиеся картины и оставляют тайные послания на мебели и одежде. Надпись, сделанная стержнем маркера, сохраняется несколько дней. Чтобы увидеть ее, потребуется ультрафиолетовый фонарик, который в комплект не входит.

ABtoys «Рисуем сами»

4.7

★★★★★

оценка редакции

85%

покупателей рекомендуют этот товар

Набор от известной фирмы ABtoys укомплектован двенадцатью акриловыми красками, двумя кисточками, большой желтой палитрой, фартуком и нарукавниками. Он предназначен для ребят, которые любят рисовать и часто пачкают одежду во время творческого процесса. Плотный фартук и нарукавники не имеют грубых швов, надежно ограждают вещи от краски, легко отстирываются и быстро сохнут.

Достоинства:

кисточки с качественным ворсом;
плотно закрывающиеся краски;
развитие усидчивости и концентрации внимания;
улучшение моторики пальцев;
доступная цена.

Недостатки:

ткань фартука плохо пропускает воздух – летом в нем может быть жарко.

Под руководством взрослых красками ABtoys разрешено рисовать с 3 лет. Самостоятельное использование комплекта рекомендуется с пятилетнего возраста.

Лучшие наборы рисования для взрослых

Творческий процесс стимулирует работу обоих полушарий мозга, положительно влияет на здоровье и духовное развитие человека. Рисование ограждает от скуки, помогает концентрировать внимание, снимает напряжение, расслабляет.

Создание картин улучшает мыслительный процесс и снижает риск старческого слабоумия, поэтому комплекты для рисования пользуются заслуженной популярностью у взрослых. В этой категории особенно востребованы краски, карандаши, панно для росписи и картины по номерам.

Малевичъ Набор для начинающего художника № 2

★★★★★

оценка редакции

100%

покупателей рекомендуют этот товар

Люди, увлеченные живописью, по достоинству оценят подарочный набор, включающий все необходимое для рисования картин. В комплекте — настольный этюдник, два холста на картоне, плоские и круглые синтетические кисти, деревянная палитра, семь тюбиков с масляными красками, даммарный лак и разбавитель. Краски изготовлены на основе очищенного льняного масла и включают светостойкие пигменты, не меняющие цвет более 100 лет.

Достоинства:

мягкая консистенция краски;
натуральное масло и пигменты в составе;
отсутствие вредных примесей;
светостойкость;
экономный расход.

Недостатки:

Художественный набор от бренда Малевичъ — желанный презент для опытных и начинающих мастеров, которые умеют или хотят научиться рисовать масляными красками.

Creta Color Ultimo

4.9

★★★★★

оценка редакции

97%

покупателей рекомендуют этот товар

Набор в стильной металлической упаковке содержит 36 предметов: стержни и карандаши для эскизов, водорастворимые графитовые и акварельные карандаши, уголь, мелки, ластик, растушевка, точилка. Все предметы разложены по специальным ячейкам, коробка плотно закрывается.

Достоинства:

чистые и выразительные оттенки акварельных карандашей;
держатель для стержней в комплекте;
есть грифели мягкой, средней и сильной жесткости;
легкая растушевка;
компактный размер коробки.

Недостатки:

отсутствие красок;
дорого.

Набор художника Ultimo — прекрасный вариант для скетчей и эскизов. Удобная упаковка позволяет брать карандаши с собой и использовать для работы на свежем воздухе.

Набор Djeco для начинающего художника

4.9

★★★★★

оценка редакции

94%

покупателей рекомендуют этот товар

Стильный чемоданчик для художника имеет размеры 36,5х26х4 см. Внутри находятся цветные карандаши, восковые мелки, фломастеры, масляная пастель, акварельные краски, тонкая и толстая кисти, черно-белые грифели, ластик и точилка. Мягкие карандаши хорошо растушевываются, мелки подходят для рисования на бумаге, доске и холсте, а краски быстро сохнут и не выцветают.

Достоинства:

нетоксичные и безопасные материалы;
насыщенные оттенки;
качественный ластик;
прочные защелки на чемодане.

Недостатки:

завышенная цена.

С помощью набора от французского бренда Djeco легко создавать яркие любительские рисунки и профессиональные художественные картины.

Molly деревянное панно «Букет подсолнухов»

4.8

★★★★★

оценка редакции

90%

покупателей рекомендуют этот товар

Картина от производителя Molly имеет размеры 40×50 см. Это деревянное панно с нанесенной схемой, изображающей букет подсолнухов на подоконнике. В комплекте идут 16 тюбиков с акриловыми красками, 3 нейлоновые кисточки, палитра и финишный лак для закрепления рисунка.

Достоинства:

яркие цвета;
контрольный лист;
крепление на стену;
понятная инструкция в комплекте.

Недостатки:

высокая сложность работы.

Панно «Букет подсолнухов» — великолепный подарок для взрослых и детей от 8 лет. Раскрашивание по номерам требует внимания, усидчивости, но результат превосходит самые смелые ожидания.

Color KIT витраж-раскраска Часы «Бабочки»

4.8

★★★★★

оценка редакции

88%

покупателей рекомендуют этот товар

Набор для творчества, выпущенный Color KIT, подойдет для любителей росписи по стеклу и керамике. В его составе круглое стекло с нанесенным контуром рисунка, витражные краски, цветная схема работы, часовой механизм и стрелки. Диаметр готовых часов — 30 см.

Достоинства:

красивые глянцевые краски для стеклянной поверхности;
мастихин для удобного растушевывания;
прочные контуры, не нарушающие границы схемы;
разноцветные стразы;
эксклюзивный дизайн;
результат работы – работающие часы, которые можно повесить на стену.

Недостатки:

при неплотно закрытой крышке краска в тюбиках быстро высыхает.

Создание оригинальных разноцветных часов надолго увлекает творческих людей и гарантирует незабываемые впечатления. Готовое изделие украшают стразами и вешают на стену.

Луч картина «Сова»

4.7

★★★★★

оценка редакции

83%

покупателей рекомендуют этот товар

Набор Сова включает тонкую кисть, 11 цветов гуаши, блестящий гель и лист картона с изображением совы. Размер картины 33x23x3 см. На бумаге начерчен бледный фон, который раскрашивают в сочные оттенки. Дополнительные цвета для работы получают, смешивая гуашь на палитре. На готовую высохшую картину тонким слоем наносят гель, придающий ей изысканный блеск.

Достоинства:

быстросохнущие краски;
мягкая кисть;
плотный картон;
оригинальный рисунок;
очень доступная цена.

Недостатки:

в комплекте нет палитры для смешивания красок.

Набор для росписи Сова, выпущенный российской компанией Луч — полезная вещь для тех, кто обожает рисовать, но не умеет этого делать. Работая над картиной, человек успокаивает нервы и реализует свой творческий потенциал.

Какой набор для рисования лучше купить

Выбирая подарок для начинающих и опытных художников, лучше не брать предметы по отдельности, а купить специальный набор с необходимыми инструментами и материалами.

Для детей от 3 до 8 лет самый приемлемый вариант — модель в деревянном, металлическом или пластиковом кейсе. Желательно, чтобы там было как можно больше разнообразных инструментов для творчества:

фломастеры;
краски;
карандаши;
мелки;
кисточки;
интересные раскраски.

В лучших комплектах имеется мольберт, чтобы было удобно творить дома и на природе.

Кроме чемоданчиков юного художника существуют различные поделки: витражи, барельефы для раскрашивания, наборы для рисования светом, создания картин на воде. Такие товары развивают цветовое, тактильное восприятие, мелкую моторику, внимание и фантазию.

Для взрослых и детей старше 8 лет рекомендуется покупать комплекты в зависимости от их предпочтений. В стандартном наборе могут быть карандаши, краски, кисточки. В кейсах для графики — грифели разных оттенков и жесткости, уголь, мелки, точилка, ластик.

Популярностью пользуются творческие наборы, призванные приобщить человека к искусству и разнообразить досуг. В их числе витражи-раскраски, деревянные панно, картины для раскрашивания по номерам.

Если вы заметили ошибку в тексте, пожалуйста, выделите её и нажмите Ctrl+Enter

Необычные техники рисования современных художников

Есть такие художники, которым для рисования просто кисти и краски не нужны и в своих экспериментах с материалами они шагают дальше. Я собрала подборку интересных авторов, которые рисуют не совсем привычными материалами и способами.

Надеюсь она вдохновит вас на новые идеи!

Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai)

В своем творчестве Элизабета использует исключительно белые, красные и розовые вина, не придавая особого значения их букету или крепости. Единственный другой инструмент, который применяется Элизабеттой при создании картин, это уголь — им она делает наброски. Особенность ее работ в том, что цвет красок на полотне со временем меняется, так как вино стареет и приобретает новые оттенки. В результате получаются полотна, каждое из которых совершенно неповторимо.

Таринан фон Анхальт (Jet Art)

Американская художница свои абстрактные картины создает при помощи потоков воздуха от реактивного двигателя самолета. Клиенты Таринан платят огромные деньги за возможность увидеть, как художница творит, ведь сам по себе этот процесс представляет собой небольшое шоу с риском для жизни.

За создание одной абстрактной картины ценителю креатива придется выложить не меньше 50 тысяч долларов. Свою технику Jet Art использует также для декорирования одежды, которую демонстрирует на различных фэшн-шоу.

Это весьма необычное направление живописи изобрёл Австрийский принц Юрген фон Анхальт ещё в 1982 году. Он назвал его «jet art» («реактивная живопись»). После его смерти его дело продолжила его жена Таринан (настоящая принцесса). Она стала первой женщиной, которая создаёт свои художественные полотна с помощью такой физически тяжёлой техники рисования. Перед просмотром видео советую приглушить звук, а то там реактивные двигатели)

Подводные картины украинских художников

Украинские дайверы создают свои работы на глубинах от 2 до 20 метров в водах Черного и Красного моря. Художников настолько вдохновляет красота подводного мира, что они придумали необычный способ запечатлеть ее с помощью обычной краски и холста с нанесением водонепроницаемого клея. Под каждой картиной, помимо названия, указано море, соль которого определенная работа впитала и глубина, на которую пришлось погрузиться художнику. Выглядят картины действительно необычно.

Натали Айриш (Natalie Irish)

Художница рисует поцелуями, а в качестве материала использует обычную губную помаду. В среднем на одну картину уходит около пяти тюбиков помады. Первой работой художницы был портрет Мерлин Монро – именно с этой актрисой у Натали ассоциируется красная помада. Художница призналась, что создание ее картин – непростой труд, ведь ей необходимо методично по определенной схеме оставлять поцелуи на холсте, постоянно меняя фокусировку глаз. На одну картину уходит минимум 3 часа.

Отман Тома

Багдадский художник при создании своих работ вместо привычных красок использует мороженое.

Его работы похожи на акварельные рисунки и имеют широкую гамму. Художник всегда фотографирует свои работы с остатками мороженого и кистями на холсте, тем самым показывая небольшую часть процесса. Выглядит реально как акварель!

Что рисовать? 12 рисовальных челенджей!

Признаюсь, я потратила 40 минут на то, чтобы написать первое предложение. Я писала и стирала, писала и стирала, писала и стирала. Приготовила кофе в надежде, что это поможет мне собраться, но увы, чудодейственная сила кофе на этот раз меня подвела. И все продолжилось заново. Писала и стирала, писала и стирала.

Я знаю, что многие рисующие жалуются на страх белого листа. Корень этого страха был для меня не ясен. Берете лист подешевле, заточенный карандаш и рисуете. Лист можно предварительно «подпортить», побрызгав на него краской или приклеив вырезки из журнала. Но что делать с белоснежным листом в Word? Его не измажешь тушью, не приклеишь стикеры, не проведешь хаотичные линии. Девственность электронного листа будет съедать глаза и заставлять сердце безжалостно колотиться в груди.

Писала и стирала, писала и стирала, писала и стирала. Часы предательски показывают 10:00. Значит прошел уже час, а я написала всего два абзаца. И даже не по теме сегодняшнего поста!

А тема простая – рисовальные челенджи. Они были придуманы такими же потерянными художниками, как мы с вами, которые постоянно находятся в поисках ответов на вечные вопросы: «Где взять сюжет для рисунка?», «Что рисовать?», «Как не повторяться?», «Где взять вдохновение?», «Я хочу рисовать, но не знаю что!».

Тему предложила моя подруга, и я с радостью за нее взялась. Но, когда я села писать текст (полтора часа назад), я и не думала, что это окажется так трудно. В чем дело? Неужели я не могу просто составить список популярных челенджей?

Оказалось, что такая безобидная и развлекательная тема спровоцировала меня на размышления более высокого порядка. Мне кажется, что неспособность написать вразумительный текст и отсутствие идей для рисунка имеют один корень. И его можно сформулировать так: «А что я черт подери хочу сказать?» Может, все те вопросы, что мы задавали себе раньше были сформулированы неправильно? И вместо вопроса: «Что рисовать?», нужно спросить себя: «А что я люблю? Что важно для меня?» Популярность некоторых тем в Инстаграме может сбивать с толку: пирожные, пончики, капкейки, макаруны, цветы, и Шерлоки, наброски в кафе, и скетчинг маркерами — все это пользуется большой популярностью, но оно вам надо? Это то, что действительно интересует вас? Мы мечемся из стороны в сторону, лихорадочно пытаясь повторить уже отрисованные сюжеты вместо того, чтобы спросить себя: «Кто я?»

Соглашусь, это чертовски сложный вопрос, который иногда лишает нас сна и аппетита. Но, возможно, ответ на него даст идеи для творчества? Для кого-то красота натуры – это самый главный источник вдохновения. Трепетное отношение к окружающей среде, дарам природы, милым сердцу безделушкам очень многое рассказывает о человеке (флешмоб или челендж от Натали Ратковски). А для кого-то вымысел является путеводной звездой, и никакая натура не способна справиться с могучей силой фантазии.

Кто вы? Любитель анимэ, защитник окружающей среды, фантазер, преданный поклонник Толкина, кошатник, или безумный собачник, меломан, шут, странник, гедонист, трудоголик, мама, рассказчик, выдумщик, спортсмен, феминистка, социопат, весельчак, любитель фруктов, и смузи, лентяй, сладкоежка, фланер, в душе дизайнер, мечтатель, кофеман, сноб, велолюбитель, путешественник?

Вы можете рассказывать о том, что вам нравится и что вас волнует, привлекать внимание людей к проблемам, которые по вашему мнению имеют вес, можете смешить и развлекать, обращать внимание зрителя на красоту мира, вдохновлять и показывать пример.

Рисовальные челенджи – это лишь один из способов понять, кто вы есть и, что волнует именно вас. В ходе работы вы поймете, что одна тема вас привлекает больше другой. Тут может помощь челендж Doodle-a-day и Дудластик .

А можете начать с того, что просто расскажете о себе в meet the artist

Почему некоторые произведения искусства такие дорогие? Объяснил, что рынок произведений искусства оценивается в 63 миллиарда долларов.

На прошлой неделе скульптура Джеффа Кунса 1986 года была продана на Christie’s за 91,1 миллиона долларов, установив новый рекорд самой дорогой работы, проданной живым художником. Скульптура, большой серебристый кролик с отражающим светом, была куплена галеристом Робертом Мнучином, бывшим партнером Goldman Sachs, основателем Mnuchin Gallery на Манхэттене и отцом министра финансов Стива Мнучина, от имени анонимного клиента.

Продажа Кунса, возможно, и стала новым рекордом, но предложения в десятки — или сотни — миллионов — не редкость в мире искусства.В сентябре на аукционе Сотбис Гонконг была продана пара картин покойного китайского французского художника Зао Ву-Ки за 65,1 миллиона долларов и 11,5 миллиона долларов. В 2017 году на Christie’s за 450 миллионов долларов была продана давно утерянная картина Леонардо да Винчи «Salvator Mundi», которая позже стала предметом теории заговора. Это самое дорогое произведение искусства из когда-либо проданных. Согласно данным Art Basel и ежегодного отчета UBS о мировом рынке искусства, на мировом рынке искусства, который включает в себя галереи, художественные ярмарки и аукционные продажи, в 2018 году объем продаж составил 67,4 миллиарда долларов, что на 6 процентов больше, чем в предыдущем году.

Продажи, которые попадают в заголовки газет, как, например, продажа последней скульптуры Кунса, побившей все рекорды, становятся все более обычным явлением и в то же время аномалией в мире искусства. Эти продажи стимулируются небольшой группой богатых коллекционеров, которые платят астрономические цены за работы еще меньшей группы художников, которые, в свою очередь, представлены небольшим количеством известных галерей. Между тем, работы большинства ныне живущих художников никогда не будут продаваться за шестизначные или семизначные суммы, а галереи, которые их представляют, все чаще остаются позади.

Почему искусство такое дорогое?

Если коротко, то в большинстве случаев искусство — нет.

Несколько ныне живущих художников — Кунс, Дэмиен Херст, Яёи Кусама и многие другие — богаты и знамениты, но большинство из них нет и никогда не будут ими. Чтобы проникнуть на рынок, художнику сначала нужно найти галерею, в которой он будет представлен, что сложнее, чем кажется. Анри Нойендорф, заместитель редактора Artnet News, рассказал мне, что галеристы часто посещают выставки выпускников художественных школ, чтобы найти новые молодые таланты, которые они могут представлять.«Эти туфли — первая арена, первая точка входа для многих молодых художников», — сказал он.

MFA обходятся недешево — в 2014 году обучение в 10 самых влиятельных программах MFA стоило в среднем 38000 долларов в год, что означает, что студенту-искусствоведу придется потратить около 100000 долларов, чтобы получить степень, поэтому некоторые галеристы пытаются разнообразить свое представительство. глядя за пределы толпы художественной школы. Но мир искусства остается далеко не разнообразным, особенно в высших эшелонах. Исследование, проведенное в 2014 году коллективом художников BFAMFAPhD, показало, что 77.6 процентов художников, которым удается зарабатывать на жизнь продажей своих работ, — белые, как и 80 процентов всех выпускников художественных школ.

Christie’s продал свое первое произведение, созданное компьютером, «Портрет Эдмонда Белами» за 432 500 долларов.

Художественный коллектив Obvious

Художники, которые выделяются на выпускных выставках или в другом месте, могут продолжить выставлять свои работы на групповых выставках с другими начинающими художниками. Если их работы будут хорошо продаваться, они смогут получить персональную выставку в галерее.Если , это шоу преуспевает, тогда их карьера действительно взлетает.

Работы начинающих художников обычно оцениваются в зависимости от размера и среднего размера, сказал Нойендорф. Картина большего размера обычно будет стоить от 10 000 до 15 000 долларов; работы на холсте стоят дороже, чем работы на бумаге, цена на которые выше, чем на принты. Если художник представлен известной галереей, такой как David Zwirner или Hauser & Wirth, престиж дилера может дать работам приличный скачок цены, даже если художник относительно неизвестен.Независимо от престижа художника или галереи, дилеры обычно получают 50% от продаж художников.

Но закрытие небольших галерей затрудняет жизнь начинающим художникам — не говоря уже о дилерах, которые их представляют. Согласно прошлогоднему отчету UBS и Art Basel, в 2017 году закрылось больше галерей, чем открылось. Между тем, крупные галереи открывают новые места для обслуживания растущего глобального рынка, и ожидается, что дилеры со всего мира все чаще будут появляться на международных художественных ярмарках, таких как Armory Show и, да, Art Basel.

Олав Велтуис, профессор Амстердамского университета, изучающий социологию в искусстве, связывает закрытие небольших галерей с ростом числа арт-ярмарок. В колонке New York Times за 2018 год Велтуис написал, что эти ярмарки, на которых галереи часто берут плату от 50 000 до 100 000 долларов за стенд, делают невероятно трудным для мелких галеристов возвращение домой с прибылью. Но поскольку ярмарки становятся предпочтительным способом для богатых коллекционеров покупать произведения искусства, галереям ничего не остается, кроме как участвовать.

Галереи меньшего размера, как правило, представляют начинающих художников, что ставит как дилеров, так и художников, которых они представляют, еще в одном невыгодном положении. «Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками», — сказал мне Велтуис в электронном письме. «Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ».

«Рынок искусства функционирует как большая консенсусная маркетинговая машина», — продолжил Велтуис. «Поэтому люди смотрят на сигналы качества.Эти сигналы могут быть, например, тем, что важный куратор говорит о художнике; если у [художника] есть выставки в музеях; если его работы покупают влиятельные коллекционеры. Поскольку все, по крайней мере до некоторой степени, смотрят на одни и те же сигналы, в какой-то момент они начинают соглашаться [в] о том, кто из художников является наиболее желанным ».

Другими словами, причина того, что работы некоторых художников продаются за миллионы долларов, заключается в том, что в мире искусства существует консенсус, что эти работы должны продаваться за миллионы долларов.А поскольку искусство — это «рынок уникальных предметов», добавляет Велтуис, возникает ощущение дефицита, несмотря на то, что такие художники, как Джефф Кунс и Дэмиен Херст, выпускают работы в промышленных масштабах.

«Проблема в том, что спрос на искусство неравномерно распределяется между всеми живыми художниками. Вместо этого многие люди обращаются к небольшому количеству художников. Вот что приводит к росту цен ». —Олав Велтуис

Согласно отчету UBS и Art Basel, всего 0,2 процента художников имеют работы, которые продаются на сумму более 10 миллионов долларов, но 32 процента из 63 с лишним миллиардов долларов продаж произведений искусства в 2017 году приходятся на произведения, проданные на сумму более 10 миллионов долларов.Анализ, проведенный Artnet в том году, показал, что только 25 процентов художников составили почти половину всех современных аукционных продаж за первые шесть месяцев 2017 года. Только трое из этих художников были женщинами.

«Это, безусловно, хороший пример рынка, где победитель получает все, где доходы и прибыль распределяются крайне неравномерно», — сказал Велтуис. «[В принципе] это не проблема сама по себе. Однако галереям среднего сегмента рынка трудно выжить, и если многие из них закроют свои двери, это плохо для экологии мира искусства. Мы должны думать о том, как позволить прибылям наверху стекать вниз к середине и низу ».

Кто покупает искусство? Супербогатый

Продажа «Salvator Mundi» в 2017 году возобновила дискуссии о роли денег в мире искусства и даже породила теорию заговора # Resistance о темных деньгах и выборах в резиденцию 2016p. В интервью Financial Times в 2017 году Джорджина Адам, эксперт по рынку искусства и автор книги Темная сторона бума: эксцессы на арт-рынке в 21 веке, объяснила, как это возможно, что одна картина может стоить больше денег. чем большинство людей видят в своей жизни.«У очень богатых людей в наши дни потрясающее количество денег», — сказал Адам. Галерист, проинтервьюированный в своей книге, объяснил это следующим образом: если пара имеет собственный капитал в размере 10 миллиардов долларов и решает инвестировать 10 процентов от этого капитала в искусство, это дает им 1 миллиард долларов, на которые они могут купить все картины и скульптуры, которые их душе угодно.

Сейчас коллекционеров больше, чем когда-либо, и эти коллекционеры богаче, чем когда-либо. Согласно книге Адама, либерализация экономики некоторых стран, в том числе Китая, Индии и ряда стран Восточной Европы, привела к буму коллекционирования произведений искусства за пределами США и Западной Европы.Страны Персидского залива также являются горячей точкой для коллекционеров. В результате рынок превратился в то, что писательница Рэйчел Ветцлер описала как «глобальную индустрию, связанную с роскошью, модой и знаменитостями, привлекая расширенный круг сверхбогатых покупателей, которые агрессивно конкурируют за работы известных художников».

Искусство — это не просто предмет роскоши: это инвестиция или, по крайней мере, может быть. Если инвесторы вкладывают деньги с умом, то впоследствии приобретенные ими работы могут стоить намного дороже. Самый известный пример коллекционера / инвестора произведений искусства — Роберт Скалл, магнат такси из Нью-Йорка, который в 1973 году продал с аукциона предметы из своей обширной коллекции, большая часть из которых была продана много раз, за то, за что Скалл их купил. Одна картина Роберта Раушенберга первоначально стоила Скаллу 900 долларов в 1958 году. Она была продана за 85 000 долларов.

Цена всего , документальный фильм о роли денег в мире искусства, выпущенный в 2018 году, посвящен драме об аукционе Скалла и ее последствиям. Историк искусства Барбара Роуз, чей отчет об аукционе для журнала New York был озаглавлен «Прибыль без чести», назвала этот аукцион «поворотным моментом» в мире искусства.

«Идея о том, что искусство выставляется на аукционе, как кусок мяса, была для меня необычной, — сказала Роуз в фильме.«Я помню, что там был Раушенберг, и он был очень рассержен, потому что художники ничего не получили от этого. … Внезапно пришло осознание — из-за цен — что можно зарабатывать деньги, покупая дешево и продавая дорого ».

Совсем недавно финансовый кризис 2008 года стал благом для богатых коллекционеров, которые сожрали произведения, выставленные на аукцион их знакомыми, внезапно потерявшими деньги. Деловой руководитель-миллиардер Митчелл Рэйлз и его жена Эмили добавили в свою коллекцию «около 50 работ» в 2009 году, многие из которых они приобрели по абсурдно низким ценам, сообщило агентство Bloomberg в 2016 году. Коллекция семьи Рэйлс сейчас стоит более 1 миллиарда долларов.

«Люди, которые были активными [покупателями] в то время, очень счастливы сегодня», — сказала Bloomberg арт-консультант Сэнди Хеллер. «Эти возможности не представились бы без финансового кризиса».

Художники не обязательно получают выгоду, когда их искусство продается на аукционе — по крайней мере, в финансовом отношении. Джефф Кунс не получит никаких денег от рекордной продажи одной из своих скульптур на аукционе Christie’s, но предыдущий владелец работы получит, как и галерея.Как отметила искусствовед из New York Times Роберта Смит, цена молотка для скульптуры Кунса — окончательная сумма предложения — на самом деле составила 80 миллионов долларов. 11,1 миллиона долларов сверх этого были вырезаны аукционным домом, поэтому скульптура была продана за 91,1 миллиона долларов.

Всего за шесть месяцев до продажи Кунса «Портрет художника (бассейн с двумя фигурами)» Дэвида Хокни был продан за 90,3 миллиона долларов, что на тот момент было самой высокой ценой, когда-либо уплаченной за работу живого художника. Но, как и скульптура Кунса, цена за молоток для картины Хокни на самом деле составляла 80 миллионов долларов — по данным Times, разница в цене между двумя работами является результатом того, что Christie’s увеличил гонорары покупателям в феврале.

Высоко ценимое произведение искусства — это предмет роскоши, вложение и, в некоторых случаях, средство, с помощью которого сверхбогатые могут избежать уплаты налогов. До недавнего времени коллекционеры могли использовать лазейку в налоговом кодексе, известную как «подобный обмен», которая позволяла им откладывать налоги на прирост капитала с определенных продаж, если прибыль, полученная от этих продаж, была вложена в аналогичные инвестиции.

В случае продажи произведений искусства это означало, что коллекционер, который купил картину за определенную сумму денег, скажем, 1 миллион долларов, а затем продал ее за 5 миллионов долларов через несколько лет, не должен был платить налог на прирост капитала, если они перевели эти 4 миллиона долларов на покупку другого произведения искусства. (Республиканский законопроект о налогах устранил эту льготу для коллекционеров произведений искусства, хотя она продолжает приносить пользу застройщикам.)

Ассистент галереи рассматривает картину турецкой художницы Фахрелниссы Зейд под названием « Навстречу небу », проданную за 992750 фунтов стерлингов на Sotheby’s Middle Eastern Art Week в Лондоне в апреле 2017 года. Агентство Анадолу / Getty Images

Коллекционеры также могут получать налоговые льготы, жертвуя музеям предметы из своей коллекции. (Вот где покупка по низкой цене и пожертвование по высокой действительно выгодно, так как вычет на благотворительность будет учитывать текущую стоимость работы, а не сумму, которую коллекционер изначально заплатил за нее.)

Дженнифер Блей Стокман, бывший президент Гуггенхайма и один из продюсеров Цена всего , рассказала мне, что галереи часто требуют от коллекционеров, которые покупают новые работы известных художников, в конечном итоге сделать их доступными для публики.

«Многие галереи сейчас настаивают на том, что они не будут продавать работу частному коллекционеру, если они либо купят вторую работу и не передадут ее музею, либо не пообещают, что работа в конечном итоге будет передана музею», — сказала она. Эти соглашения не имеют юридической силы, но коллекционеры, которые хотят сохранить хорошую репутацию в галереях, обычно держат свое слово.

Произведения художников не обязательно должны попадать в государственные музеи, чтобы их могла увидеть публика.За последнее десятилетие все большее число сверхбогатых коллекционеров произведений искусства открывают частные музеи, чтобы продемонстрировать приобретенные ими работы. В отличие от государственных музеев, которым мешают относительно ограниченные бюджеты на приобретение — например, бюджет Лувра на 2016 год составлял 7,3 миллиона евро — коллекционеры могут покупать практически любые работы для своих частных музеев, если у них есть деньги. А поскольку эти музеи якобы открыты для публики, они имеют множество налоговых льгот.

«Богатые покупают искусство», — заявила художественный писатель Джули Баумгарднер в своей редакционной статье Artsy. «А сверхбогатые делают музеи».

Когда работы продаются за миллионы долларов, выигрывают ли художники?

С материальной точки зрения, художники получают выгоду от продаж только тогда, когда их работы продаются на первичном рынке, то есть коллекционер покупает работы в галерее или, что реже, у самого художника. Когда работа продается на аукционе, художник не получает никакой выгоды.

На протяжении десятилетий художники пытались исправить это, борясь за получение гонорара за произведения, проданные на вторичном рынке.Большинство писателей, например, получают гонорары от продажи книг бессрочно. Но как только художник продает работу коллекционеру, коллекционер — и аукционный дом, если применимо — единственный, кто получает выгоду от продажи этой работы позже.

В 2011 году коалиция художников, в том числе Чак Клоуз и Лэдди Джон Дилл, подала коллективные иски против Sotheby’s, Christie’s и eBay. Ссылаясь на Закон Калифорнии о роялти за перепродажу, который дает право жителям Калифорнии, которые продают работы в любой точке страны, а также любому визуальному художнику, продающему свои работы в Калифорнии, получать 5 процентов от цены любой перепродажи своей работы, превышающей 1000 долларов, художники утверждали что eBay и аукционные дома нарушили закон штата.Но в июле федеральный апелляционный суд встал на сторону продавцов, а не художников.

Стокман сказал мне, что даже если художники не получают прибыли от этих продаж, иногда они могут извлечь выгоду и другими способами. «Художники действительно выигрывают, когда их работы хорошо продаются на аукционах, потому что тогда первичные цены повышаются», — сказала она. «Однако, когда произведение продается на аукционе или на вторичном рынке, художник вообще не получает [финансовой] выгоды, и это, я знаю, очень пугает и расстраивает многих художников.”

Искусство для всех

В совокупности эти факторы создают тревожную картину: доступ к искусству, похоже, все больше концентрируется среди сверхбогатых. По мере того как богатые становятся богаче, коллекционеры платят все более высокие цены за работы горстки ныне живущих художников, оставляя начинающих художников и галереи, которые их представляют. Тогда возникает вопрос, кто вообще станет художником . Художественная школа стоит дорого, и получение MFA автоматически не приводит к финансовому успеху в такой конкурентной отрасли.

«Попай» Джеффа Кунса был куплен за 28 миллионов долларов миллиардером, магнатом казино Стивом Винном в 2014 году. Эммануэль Дананд / AFP / Getty Images

Есть некоторый отпор такой концентрации рынка на самом верху — или даже идее, что искусство недоступно для обычного человека. Эмили Каплан, вице-президент Christie’s по послевоенным и современным продажам, сказала мне, что дневные торги аукционного дома открыты для публики и часто включают работы, которые стоят намного дешевле, чем можно было бы подумать в заголовках.

«Christie’s можно рассматривать как устрашающее имя для многих, но большинство наших продаж продаются по гораздо более низким ценам, чем сообщается в новостях», — сказал Каплан. «У нас много продаж, которые происходят в течение календарного года в разных местах, особенно в послевоенном и современном искусстве. … Работы можно продать за пару сотен долларов, за одну, две, три тысячи долларов. Это намного меньший диапазон, чем люди ожидают ».

Доступные художественные ярмарки, на которых обычно продают искусство за несколько тысяч долларов, — еще одна альтернатива для людей, которые хотят покупать произведения искусства, но не могут потратить миллионы на одну скульптуру.Ярмарка искусства Superfine, основанная в 2015 году, позиционирует себя как способ познакомить людей с искусством. Соучредители Джеймс Мийлле и Алекс Митоу говорят, что ярмарка — это реакция на завышенные цены, которые они наблюдали на верхнем сегменте «изолированного» рынка искусства.

«Мы увидели разрыв на арт-рынке между художниками и галереями с потрясающими работами, которым нужно продать их, чтобы выжить, и людьми, которые любят искусство и могут себе это позволить, но не чувствовали себя частью игры», — сказал мне Митов. в электронном письме. «Большинство сделок на рынке искусства на самом деле происходит на уровне менее 5000 долларов, и это то, что мы публикуем: движение настоящего искусства настоящими живыми художниками, которые строят устойчивую карьеру, не обязательно выдающимися художниками-суперзвездами с рекордами продаж, которые недостижимы для средний — при равной квалификации — художник.”

Помимо проведения ярмарок в Нью-Йорке, Лос-Анджелесе, Майами и Вашингтоне, округ Колумбия, Superfine продает свои работы через свою «электронную ярмарку». Так же, как и на более традиционных ярмарках искусства, таких как Art Basel, Superfine взимает с художников или галеристов фиксированную плату за выставочную площадь, хотя ставки Superfine намного ниже.

Несмотря на эти усилия по демократизации искусства, рынок в целом по-прежнему находится в привилегированном положении по отношению к очень привилегированным. Меценатство всегда было хобби для очень богатых людей, и в ближайшее время это не изменится, но возможность смотреть на красивые вещи не должна ограничиваться теми, кто может позволить себе их покупать.

Подпишитесь на рассылку «Товары». Дважды в неделю мы будем отправлять вам лучшие истории о товарах, в которых рассказывается, что мы покупаем, почему мы это покупаем и почему это важно.

Как подписать свое произведение как профессионал

Одна из самых сложных задач для начинающего художника — решить, как подписать свое произведение. Подписание своих работ часто может вызывать некоторое беспокойство.

Достаточно ли хороша моя работа, чтобы ее можно было подписать? Где подписать? Что я использую для подписи своей работы? Подписываюсь ли я только в том случае, если я профессиональный художник, продающий свои работы в галереях?

Простой ответ: вы должны подписать свою первую картину или произведение искусства и продолжить работу оттуда.

Ваша подпись — это ваш бренд, ваш знак собственности. Он идентифицирует вашу художественную работу как ваш собственный оригинал.

Неважно, будет ли он продан или спрятан в шкафу, он заслуживает того, чтобы его идентифицировали как ваш оригинальный предмет.

** Эта страница может содержать партнерские ссылки на продукты, которые я использовал или рекомендую. Если вы покупаете что-то на этой странице, я могу получить небольшой процент от продажи без каких-либо дополнительных затрат для вас. Для получения дополнительной информации нажмите здесь .**

Эдгар Дега Урок танцев c.1879 Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон

Где подписать свою картину

Где вы подписываете свое произведение искусства, часто является личным предпочтением. Некоторые художники расписываются на лицевой стороне.

Другие предпочитают подписывать на оборотной стороне, чтобы не нарушать эстетический вид изделия. Некоторые художники вообще не подписывают там работы.

Традиционно подпись ставится в нижнем левом углу на лицевой стороне произведения.Здесь коллекционер или покупатель в первую очередь будет искать подпись.

Некоторые художники добавляют свою подпись в картину, пряча ее в кустах или дереве, чтобы она не мешала картине.

Где расписаться, часто зависит от тематики и вида работы.

Если вы не знаете, где поставить свою подпись, подпишите лист прозрачной бумаги, например кальку . Используйте это, чтобы разместить на различных участках вашего произведения искусства, чтобы дать вам некоторое представление о размещении и размере.

Не существует жесткого правила, если подпись не отвлекает от картины.

Люди спрашивали меня, должны ли они подписывать свою картину перед печатью, и иногда покупатель просит вас не подписывать вашу работу. Всегда расписываюсь! И я всегда подписываю перед печатью.

Ваша подпись является частью вашего произведения искусства. Ваша картина никогда не должна быть анонимной. Подпись поможет предотвратить кражу, даст вам правильную атрибуцию и сделает ваше имя известным как артист.

Два важных момента, о которых следует помнить!

1. Подпишите, прежде чем покрывать картину лаком. Лак защитит вашу подпись и картину. Смотрите мой пост на тему лакировка вашей картины .

2. Сделайте поправки на матирование и обрамление. Вы же не хотите, чтобы ваша подпись пряталась за циновкой.

Что вы используете для подписи своих работ?

Лучше всего подписывать свои работы на любом носителе, который вы использовали в своей работе.Например, акриловую картину можно подписать разбавленной акриловой краской и кистью для подводки.

Для рисования графитом используйте графитовый карандаш.

Не всегда возможно или желательно использовать один и тот же носитель. Есть и другие вещи, которые вы можете использовать для подписи своей работы.

Ручка Sakura Pigma Micron — хороший выбор. Он имеет тонкий наконечник, не содержит кислоты и не содержит кислот. Вы также можете приобрести его в различных цветах.

Ручка для рисования, такая как маркер Montana Acrylic Paint , также является хорошим выбором. PentelSign Pen также является хорошей ручкой для подписи вашей работы.

Для написания масляных картин многие художники просто используют конец маленькой кисти или стилуса, чтобы выцарапать подпись на влажной краске.

Лучше всего, если под влажной краской есть сухой слой грунта.

Если вас беспокоит растекание подписи, когда вы покрываете картину лаком, вы можете слегка распылить на нее аэрозольный лак в зависимости от используемой среды. В большинстве случаев это не проблема, но вы всегда можете проверить это на бумаге или холсте.

Что бы вы ни использовали, обязательно храните его в архиве, чтобы подпись не исчезла со временем.

Клод Моне Японский пешеходный мост 1899 г. Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон

Как написать свою подпись

У некоторых людей красивый почерк, который хорошо сочетается с подписью на их произведениях искусства. Других людей не так много.

У меня болезнь Паркинсона, поэтому моя подпись очень заметна или пропущена в зависимости от того, насколько сильны мои треморы в данный момент. Однако есть обходные пути, с помощью которых вы каждый раз можете получить довольно хорошую подпись.

Во-первых, вы должны решить, что вы хотите использовать для своей подписи. Вы можете использовать свое полное имя, инициалы, имя и фамилию или даже свой логотип.

Я использую свое имя и фамилию MarilynO. Что бы вы ни выбрали, убедитесь, что оно читаемо.

Если вы хотите использовать определенный стиль в своей подписи, вы можете проверить некоторые шрифты в Интернете. Есть много сайтов с бесплатными шрифтами, которые вы можете скачать и сохранить для использования в будущем.

1001 Шрифты — хорошее место для начала. Найдите шрифт, который вам нравится, и потренируйтесь писать им свое имя.

Вы также можете распечатать свое имя, используя шрифт, который вам нравится, и использовать копировальную бумагу, чтобы перенести его на свои работы. Затем обработайте его краской или архивной ручкой.

Сначала я подписываю свои акриловые картины акварельным карандашом. Затем я прорисовываю его краской или ручкой.

Он работает хорошо, потому что карандаш водорастворим, и его можно удалить водой и переделать до тех пор, пока вы не будете удовлетворены.

Если вы хотите поставить свою подпись на красивой прямой линии, используйте линейку и мелок или акварельный карандаш, чтобы нарисовать прямую линию. Затем вы можете подписать свою работу на линии и потом стереть ее.

Подпись на обратной стороне вашей работы

Вы также можете подписать оборотную сторону вашей работы. На оборотной стороне также можно добавить название, дату, используемый носитель и любую другую информацию, которую вы хотели бы добавить о произведении.

Вы можете добавить название объекта, если это портрет, место съемки, если вы делаете пейзаж, или источник вдохновения для работы.Все это приятно иметь для использования в будущем.

Где подписать свои художественные репродукции

Отпечатки обычно подписываются на границе отпечатка карандашом или чернилами. Если это печать ограниченного тиража, также указывается ее номер.

Например, 1/25 означает отпечаток номер 1 из 25.

Некоторые художники подписывают обратную сторону гравюры, а некоторые вообще не подписывают. Иногда покупатель просит вас подписать свой принт в определенной области.

Подписание альбомов для рисования

Вы также должны подписать эскизы и поставить дату в своих альбомах.Эта информация может быть полезна для вас позже в вашем художественном путешествии.

Вы можете увидеть, насколько далеко продвинулись ваши работы и откуда пришло ваше вдохновение для конкретных работ, просмотрев свои старые альбомы для рисования.

Никогда не знаешь, поступят ли когда-нибудь эти эскизы в продажу. Для получения дополнительной информации о альбомах для рисования прочтите мой пост на How To Start a Sketchbook .

Как бы вы ни решили подписать свое произведение, будьте последовательны.

Со временем ваша подпись становится частью вашего бренда и легко идентифицируется вами. Это продолжение ваших произведений искусства и последний штрих к вашей картине.

Если у вас есть интересный способ подписать свое искусство или у вас есть другие идеи или вопросы, я хотел бы услышать их в комментариях ниже.

Не забудьте заглянуть в нашу бесплатную группу facebook, Trembeling Art Creative Corner, чтобы получить больше советов и познакомиться с замечательными художниками от новичков до профессионалов. Отличное место, чтобы продемонстрировать свои работы и получить ответы на свои вопросы. 😊

Спасибо за чтение.

Советы по рисованию, о которых вы не знали — wineandblooms.com

Это был год «Ночи красок», и не зря — рисование расслабляет, супер весело и дает прекрасную отдушину для творчества, которую может попробовать каждый. Необязательно считать себя художником, чтобы получать удовольствие от рисования, но даже новички могут улучшить свою игру с помощью нескольких профессиональных советов и приемов рисования. Эти советы по рисованию могут улучшить ваши работы и придать вашим проектам декора немного дополнительного блеска!

ПОКРАСКА ИСКУССТВЕННЫХ ПОВЕРХНОСТЕЙ

Мы все любим домашний акцент своими руками, но переделать некоторые поверхности краской без соответствующей подготовки практически невозможно. Вот как подготовить, покрасить и отделать сложные поверхности.

Как красить стекло: Есть три распространенных способа окрашивания стеклянных поверхностей, каждый из которых даст вам разный, но одинаково красивый результат. Для глянцевого или матового покрытия используйте краски на эмалевой основе, которые лучше сцепляются с поверхностью стекла. Для матового покрытия подготовьте поверхность слоем левкаса, затем добавьте цвет с помощью акриловых красок. Чтобы создать эффект витража , возьмите тубу со стеклянной подложкой и краской для стекла в магазине художественных товаров.Используйте тюбик со стеклянным вкладышем, чтобы нарисовать контуры, и залейте краской для стекла, чтобы добавить красивые полупрозрачные оттенки.

Как красить пластик: Самая большая проблема с пластиком заключается в том, что поверхность непористая, поэтому краске не за что цепляться, и она легко соскальзывает. Чтобы исправить это, отполируйте пластиковые поверхности наждачной бумагой средней (зернистостью 200-300) круговыми движениями. Надев латексные перчатки, удалите пыль, тщательно протерев поверхность спиртом и салфеткой из микрофибры.Нанесите слой грунтовки, наносимой распылением или кистью, затем добавьте цвет латексной краской на водной основе или аэрозольной краской, предназначенной для пластиковых поверхностей.

Всегда лучше нанести несколько ультратонких слоев краски, чем один толстый. Если вы хотите «заблокировать цвет» в своем проекте, заклейте малярным скотчем области, в которых вы не хотите оставлять краски.

Как красить дерево: В зависимости от того, как был обработан деревянный предмет, неправильная окраска дерева может оставить у вас неприглядные хлопья или грязный цвет.Хорошая шлифовка решает проблему окраски дерева. Подготовьтесь как профессионал, обработав объект тремя различными зернами наждачной бумаги, начиная с самой грубой и заканчивая самой тонкой.

Когда объект станет гладким и все следы старой отделки исчезнут, очистите поверхность теплой тканью из микрофибры, чтобы удалить всю пыль. Затем нанесите грунтовку по дереву и дайте ей высохнуть в течение часа, прежде чем добавлять цвет высококачественной краской на латексной основе.

Для более светлых тонов краски идеально подходит белая грунтовка, но если вы планируете использовать более темный оттенок, выберите серую грунтовку.

Как красить кожу: Покраска кожи — довольно сложный процесс, но если вы задумали вдохнуть новую жизнь в любимую сумочку или пару обуви, это можно сделать. Вам понадобится специальная акриловая краска для кожи, такая как Acry-Color, средство для подготовки кожи (или «deglazer») и надежная ткань для защиты рабочей поверхности.

Сначала протрите всю поверхность 99% -ным изопропиловым (медицинским) спиртом, а затем отшлифуйте блестящие поверхности мелкозернистой наждачной бумагой, пока поверхность не станет полностью матовой.Тщательно протрите влажной тканью из микрофибры и дайте коже высохнуть. Нанесите кистью слой средства для подготовки кожи или глазури, затем приготовьте краску для кожи, смешав ее в миске с соотношением краски и воды 1: 1. Краску наносите тонкими слоями, давая проекту полностью высохнуть между слоями.

Перед нанесением нового слоя согните кожу во всех направлениях, чтобы краска в дальнейшем не растрескалась. Перед использованием дайте последнему слою высохнуть в течение 24 часов. Если вы хотите получить более блестящее и стойкое покрытие, вы также можете нанести акриловый «финишер», когда краска высохнет.

ЖИВОПИСЬ НА ХОЛСТЕ

После того, как вы создали свое собственное настенное искусство, трудно вернуться к покупке реплик в одном из многочисленных магазинов домашнего декора в округе Каюга. Некоторые из наиболее интересных работ совершенно несовершенные, поэтому ваша работа не обязательно должна быть реалистичной, чтобы привлекать внимание. С помощью этих приемов рисования ваши друзья будут думать, что вы купили свои работы в галерее!

Акриловая краска легко растушевывается, а также водорастворима, что делает ее отличным выбором для начинающих художников.Тем не менее, большинство составов тонкие и выглядят немного плоскими в сухом виде. Среды для акриловых красок — это особый продукт, который позволяет создавать трехмерную текстуру с помощью акриловых картин. Когда вы смешиваете немного медиума с краской, она мгновенно становится более густой. Вы можете создавать слои загущенной краски, чтобы создавать сногсшибательные формы и текстуры в своих произведениях искусства.

Масляную краску обычно предпочитают художники среднего уровня, потому что, в отличие от акриловых красок, нельзя просто промыть кисти водой между красками.Масляные краски дороги и выпускаются в крошечных тюбиках, и как только вы нанесете кисть на холст, вы поймете, что для покрытия всей поверхности требуется огромное количество краски. Однако цвета краски настолько интенсивны, что любой просвечивающий белый холст сделает ваш проект незавершенным. Вот НАСТОЯЩИЙ совет от профессионалов: нанесите краску на холст, прежде чем наносить краску. Вы можете испачкать холст, нанеся несколько раз сильно заваренный чай или кофе, или вы можете намазать его слоем необработанной умбры.

Когда вы будете готовы приступить к рисованию, сначала нанесите слой на самые светлые цвета, а затем постепенно добавьте более глубокие и глубокие цвета поверх.Добавьте блики в последнюю очередь с помощью отдельной кисти.

Начать сольный проект рисования дома — отличный способ расслабиться после напряженного дня. Однако ночь рисования с друзьями и несколькими бокалами вина может поднять настроение на всю неделю! Чтобы получить еще больше профессиональных навыков и получить от этого массу удовольствия, присоединяйтесь к одному из наших семинаров или закажите нас на частное мероприятие. (Не столь скромное хвастовство: мы проводим самые незабываемые мастер-классы по рисованию в Моравии!) Используя несколько советов по рисованию, которые вы не знали, мы уверены, что вы сможете задействовать творческий гений, о котором вы даже не подозревали.

А разве неправильно рисовать чью-то фотографию и называть ее своей? — Дрю Брофи

26 мар. Неправильно ли раскрашивать чью-то фотографию и называть ее своей?

Отправлено в 10:25 в Советы и инструкции Мария Брофи Вы бы это нарисовали, не спрашивая?
Многие художники, особенно иллюстраторы, будут использовать что угодно в качестве «эталона» и «вдохновения» для своих картин, включая фотографии. И в большинстве случаев никто никогда не узнает, какая фотография или фотографии использовались в качестве «эталона» для картины. Если подумать, знают они об этом или нет, художники используют все, что видят, как ориентир. Это называется «испытать жизнь и воссоздать ее». Так же, как писатели (вроде меня) пишут то, что знают, художники тоже пишут кистью.
Но есть еще и тот смелый художник, который рисует ТОЧНО (без воссоздания) то, что видит на фотографии, защищенной авторскими правами фотографа.Это незаконно? Это неэтично? Это просто плагаризм?
Если вы спросите фотографа, он, скорее всего, почувствовал бы себя обделенным, так как он мог рисковать своей жизнью, чтобы сделать это фото, или плавал с акулами, или прыгнул из самолета, или пролил годы кровавого пота и слезы в его ремесле, просто чтобы кто-то скопировал его тяжелую работу на холст.
Если художник желает скопировать изображение (c) фотографа ТОЧНО КАК ЕСТЬ (без каких-либо изменений), он должен сначала связаться с этим фотографом для получения разрешения и указать фотографа где-нибудь на своих материалах, на веб-сайте, во всем, что связано с этой картиной. Это правильно, честно и этично. Все остальное — воровство.
На эту тему есть много горячо обсуждаемых сообщений в блогах. Вот хорошая дискуссия для обзора в блоге Art News.
На несколько иную тему: разгоряченные дебаты включают знаменитую фотографию Обамы, воссозданную художником Шепардом Фэйри. По всей видимости, Associated Press (AP) заявило права на оригинальную фотографию, которую Фея использовала для этого произведения искусства. Затем, в стиле мыльных опер, история приняла еще один оборот, когда вышел настоящий ФОТОГРАФ (Мэнни Гарсия) и заявил, что ОН владеет правами на фотографию.Здесь много денег и много горячих мнений. Вы можете прочитать часть дриблинга здесь и здесь. Если вы хотите узнать, что думает обо всем этом сам Шепард Фея, нажмите здесь.
Как вы думаете? Следует ли художнику получить разрешение перед копированием фотографии, сделанной кем-то другим? Следует ли свободно делиться искусством и любить друг друга? Или это плагаризм? Оставляйте свои комментарии ниже — дайте нам знать, что вы думаете, хорошие люди!
Мария «Спанк» Брофи xxoo
(Следуйте за мной в Twitter!)
Посетите мой другой блог об искусстве, образе жизни и вдохновении здесь.
Вам понравилась эта статья? Это заставляло вас думать, смеяться или злиться? Пожалуйста, поделитесь этим с другими!
Погоня за светом | Рисовать фигуративное искусство как мастера
Даниэль Герхарц, «Золотой», масло, 40 x 30 дюймов.
Даниэль Герхартц делится картинами, которые иллюстрируют советы по оценке вашего объекта, чтобы наиболее точно передать правильные значения и границы. Примените его к фигуративному искусству, натюрмортам и другим предметам.
Живопись Фигуративное искусство: погоня за светом
Автор Daniel Gerhartz
Как художник, непрерывное образование необходимо и имеет решающее значение для моего развития. Моим основным средством получения новой информации было посещение музеев здесь и за рубежом и изучение работ мастеров. Я изучал, копировал и копал глубоко, чтобы попытаться понять, как они решали проблемы, и как их исследования могут помочь мне понять, как я справляюсь с вопросами света и формы.
Даниэль Герхартц, «Момент отдыха», масло, 40 x 30 дюймов,
Когда я размышляю над тем, что я видел и испытал, я всегда пытаюсь задать один вопрос: «Какие работы меня больше всего тронули?» Поскольку я пытался определить причины, по которым появились определенные работы, часто бывает легче определить причины, по которым не появились другие.
Это определенно не было предметом обсуждения. Мои фавориты варьировались от простоты ведра с картошкой до маленького ребенка с перламутровым оттенком кожи в произведении изобразительного искусства; от красоты юной весны до плача умирающих.
Меня привлек не только цвет. Мои фавориты варьировались от красочных и ярких пляжных сцен Хоакина Сорольи до самого впечатляющего серого заповедника Эмиля Карлсена.
И композиция не обязательно была тем элементом, который заставлял мое сердце биться быстрее. Хотя дизайн, возможно, привлек мое внимание через всю комнату, я не верю, что это то, что меня в конце концов заворожило.
Фигуративное искусство — фигуры в пейзаже> Даниэль Герхартц, «Она не ушла», холст, масло, 60 x 48 дюймов.
Что это за элемент, подумал я, что ухаживает за моей душой и пробуждает во мне чувство удивления? Я считаю, что это был убедительный эффект света, запечатленный художником. Когда я говорю об «эффекте света», я не обязательно имею в виду просто сильный, яркий источник света, а скорее тот, который, возможно, является самым тонким следом сумеречного света или мягкой прохладой пасмурного полудня. Как только я понял, что ощущение света было объединяющим звеном, которое меня больше всего тронуло, очевидным вопросом, изучающим искусство, был: «Как им удалось добиться таких эффектов?»
По моему опыту, когда я был наиболее успешным в захвате света, это было не тогда, когда я сознательно намеревался это сделать, а когда я честно пытался воспроизвести эффект до меня.Нет никаких уловок для рисования светом, хотя некоторые могут предположить иное. Точное отображение ценностей и взаимоотношений между гранями является ключевым моментом.
Некоторые могут подумать, что цвет является необходимым ингредиентом для создания эффекта света, но я бы попросил вас рассмотреть работы в монохромном режиме, такие как рисунок или фотография, которые могут нести удивительное ощущение света без цвета. Офорты Андерса Цорна или фотографии Гертруды Касебир — два прекрасных примера эффекта света в монохромном свете.
Даниэль Герхартц, «В тишине», холст, масло, 38 x 40 дюймов,
Я согласен, что цвет действительно добавляет еще одно измерение к эффекту, но он не является основой чувства или настроения, которое передается через свет. Есть еще одна причина, по которой я знаю, что это правда. Раньше, когда у меня были картины, которые не читались как свет, я думал, что могу решить проблему, добавив больше цвета, но это только сделало работу более шумной и менее чувствительной. Когда я преподаю, я вижу эту тенденцию и у студентов.Никакое количество цвета не компенсирует неконтролируемые значения и края, которые не являются точным представлением того, что мы на самом деле видим.
Вот несколько работ, которые помогают проиллюстрировать ценные советы, которые я узнал для оценки предмета, чтобы наиболее точно передать правильные значения и границы.
Статья по теме> В центре внимания изобразительного искусства:
МакГаррен Флэк о рисовании аварийных сцен
Даниэль Герхарц, «Последний урожай осени», холст, масло, 30 x 24 дюйма.
Чтобы увидеть правильные отношения между формой, ценностью и гранью, первая и самая важная техника — это прищуривание объекта.
С точки зрения стоимости, как только вы определили крайние значения стоимости посредством прищурения, на начальном этапе вашей картины или рисунка очень важно выполнить рендеринг в самых светлых и темных тонах. Затем вы можете использовать эти крайности, чтобы судить о любых других ценностных отношениях, во всем — от фигуративного искусства до натюрмортов.
Причина, по которой мы используем крайние значения в качестве эталонов, заключается в том, что их легче всего идентифицировать. Очень сложно судить о средних значениях, когда крайности не на своем месте. Часто, если кто-то начинает без этих ориентиров, произведение может быть слишком темным или светлым в общем светлом тоне формы. Все остальные последующие значения затем теряются, отбрасывая весь эффект света. Это распространенная ошибка, особенно при работе с очень сильным источником света, например при свечах, закате или контровом свете.
Даниэль Герхартц, «Золотой свет», холст, масло, 16 x 12 дюймов
Фигуративное искусство: Золотой свет
Как и на картине «Золотой свет», если бы общие значения лица модели и белой блузки не были достаточно темными, в диапазоне значений не осталось бы достаточно света, чтобы добиться поразительного блеска ее подсвеченных сзади волос.
Даниэль Герхартц, «Дождь», масло, 60 x 30 дюймов.
Имейте в виду, что если вы намереваетесь транспонировать тональность в работу с высокой или низкой тональностью, крайние значения значения не могут переходить от числа один до числа десять. в цене.Транспонирование не повлияет на эффект света, а просто сдвинет тональность. Взаимосвязь между ценностями — критический элемент.
Примерно то же самое можно сказать о подходе к точной оценке краевых отношений. Нужно прищуриться на объект, чтобы дать возможность проявиться самым твердым краям, а затем закрепить их на холсте как можно раньше. Опять же, это дает крайность, по которой можно судить о других краях.
Например, края плеч модели в «В неподвижности» очень острые на верхнем крае и смягчаются по мере того, как опускаются за лопатку и грудную клетку.Они снова затвердевают, когда складка движется горизонтально от талии испытуемого и снова внутрь. На ее лице острый край в верхней части носа подчеркивает мягкий постепенный свет, спускающийся по лицу. Эти комбинированные элементы создают ощущение света, которое изначально привлекло меня к объекту.
Даниэль Герхарц, «Цветение», масло, 40 x 24 дюйма
Все это возвращает меня к тому, с чего я начал. Позвольте себе быть очарованным ощущением падающего света, постарайтесь быть честным в своем подходе к предмету, подчинитесь тонкости и запишите красоту, которую вы видите.
Поскольку у меня перехватило дыхание работы мастеров из-за их гениальности со светом, возможно, кто-нибудь однажды испытает вашу работу и почувствует то же самое.
О Даниэле Герхарце
Для получения дополнительной информации о Даниэле Герхарце, его картинах, семинарах и публикациях посетите его веб-сайт www. danielgerhartz.com.
Позвольте Даниэлю Герхарцу научить вас рисовать в этом мастер-классе по художественному видео!
Работая над этой студийной картиной от начала до конца, Герхартц подробно обсуждает свой технический подход и то, что его вдохновляет с эстетической точки зрения.
Узнайте о мастерской масляной живописи «Медальон ее матери» здесь!
Хотите знать, кто нарисовал эту картину? Есть приложение (или два) для этого номера
Недавно в галерее Бетти Кунингем в Нижнем Ист-Сайде я заметил поразительную картину: на ней была изображена обнаженная женщина, свернувшаяся у окна, спящая со старым отелем New Yorker и Empire State Здание в поле зрения и рыба над ней, висящая или плавающая. Я открыл приложение для смартфонов под названием Magnus, быстро сделал снимок и нажал «Использовать.«Через несколько секунд я получил тот захватывающий, удовлетворяющий щелчок. Приложение нашло совпадение.
Картина была написана Филиппом Перлстайном, согласно приложению, известному тем, что возродил традицию реалистичной рисования фигур. Она называлась «Модель с Эмпайр Стейт Билдинг». датированный 1992 годом, размером 72 на 60 дюймов и продавался за 300 000 долларов. Приложение сообщило мне, что в 2010 году оно было продано за 170 500 долларов на аукционе Sotheby’s в Нью-Йорке. Затем Магнус поместил эту информацию в папку с пометкой «Мое искусство» для цифрового хранения — и на будущее.
Magnus является частью волны приложений для смартфонов, которые пытаются каталогизировать физический мир как способ предоставления мгновенной информации о песнях, одежде, растениях или картинах. Сначала появилось Shazam, приложение, которое позволяет пользователям записывать несколько секунд песни и мгновенно определять их. Бешеный успех Shazam — его более миллиарда загрузок и 20 миллионов ежедневных пользователей, а в прошлом году он был куплен Apple за 400 миллионов долларов — породил бесконечные подражания. Есть Shazam для растений или Shazam для одежды, а теперь Shazam для искусства.
В приложениях, ориентированных на искусство, используются технологии распознавания изображений, каждое из которых отличается особым характером. Магнус создал базу данных из более чем 10 миллионов изображений произведений искусства, в основном собранных с помощью краудсорсинга, и стремится помочь потенциальным покупателям произведений искусства ориентироваться на широко известной информационной арене галерей и ярмарок.
Другие приложения ориентированы на посетителей музеев: Smartify, например, использует образовательный подход, объединяясь с музеями, а иногда и галереями для загрузки оцифрованных версий своих коллекций, текстов на стенах и информации о художниках.Google Lens — передовая технология распознавания изображений Google — делает новые набеги на мир искусства. В июне Google Lens объявила о партнерстве с музеем де Янга в Сан-Франциско, чтобы показать части коллекции музея. В июле Google начал сотрудничество с Wescover, платформой, ориентированной на объекты дизайна, общественное и местное искусство, мебель и ремесла, что позволяет вам узнать название этой анонимной картины в вашем пространстве WeWork или кафе.
Есть некоторые препятствия на пути создания Shazam для искусства. Магнус Реш, основатель приложения Magnus, так сказал: «В мире намного больше искусства, чем песен». Каталогизировать отдельные произведения искусства, основанные в уникальных местах, намного сложнее.
Закон об авторском праве также создает проблемы. Воспроизведение произведений искусства может быть нарушением авторских прав владельца. Магнус утверждает, что, поскольку изображения создаются и передаются пользователями, приложение защищено Законом об авторском праве в цифровую эпоху. Г-н Реш сказал, что галереи и конкуренты жаловались на загрузку изображений и данных в приложение; в 2016 году, он был удален из Apple Store в течение пяти месяцев, но Apple, в конечном счете восстановил Магнус после некоторого оспорило содержание было удалено.
Другая проблема заключается в том, что технология распознавания изображений все еще часто отстает, когда дело доходит до идентификации 3D-объектов; даже известная скульптура может сбивать с толку приложения своими углами, что приводит к бесконечному вращению технологий, которые «думают» до бесконечности.
Тогда есть более важный вопрос для этих платформ: какую информацию может предоставить приложение, которое улучшит восприятие пользователем искусства при просмотре искусства? Что на самом деле может добавить Shazam для искусства?
Ответ г-на Реш прост: прозрачность.Галереи редко публикуют цены и часто не предоставляют основной текст на стене, поэтому часто приходится спрашивать название или даже имя художника.
Елена Коэн, бренд-менеджер Colgate-Palmolive, купила свое первое произведение искусства, фотографию, в Frieze после использования Магнуса. По ее словам, перед тем, как попробовать приложение, препятствием было отсутствие информации. «Раньше я ходила на эти художественные ярмарки и чувствовала себя смущенной или стеснительной, потому что ничего не значилось в списке», — сказала г-жа Коэн. «Мне понравилось, что приложение могло сканировать изделие и предоставлять вам точную историю его продажи, дату последней продажи и цену, по которой он был продан.Это помогло мне договориться ».
Магнус не дает вам уроков истории искусства или даже не дает оснований для краткого изложения произведения; как и Shazam, это небольшой всплеск информации в темноте. Smartify, с другой стороны, хочет применить то, что когда-то входило в компетенцию аудиогида. Поднесите его к натюрморту Gustave Caillebotte, как это сделал я, и приложение предоставит информацию, которая уже размещена на стене, в том числе возможность нажать, чтобы узнать больше. Часть миссии приложения — простота использования и доступность.Люди с нарушениями зрения могут использовать Smartify со встроенными настройками звука на своих телефонах, а приложение работает над интеграцией звука. Приложение элегантное и простое, а источник обычно цитируется и проверяется фактами.
Основное ограничение Smartify состоит в том, что приложение работает напрямую с музеями и работает хорошо только в некоторых местах. Лондонская национальная галерея, где я ее тестировал, была одной из них; не пропустила ни одной картины в постоянной коллекции. Но в Met, где Smartify загрузил ограниченный набор изображений, я провел разочаровывающий день, размахивая приложением над картинами, поскольку оно не возвращало даже фактов, которые я мог прочитать в текстах на стенах.
Это, возможно, говорит о том, что, даже когда эти приложения создают свои базы данных, некоторые музеи сами начинают отказываться от приложений. Музей Метрополитен, который с помпой запустил собственное приложение в 2014 году, закрыл его в прошлом году.
«Несмотря на то, что приложение многое делало хорошо, мы хотели создать что-то более плавное», — сказала Софи Андерсен, временный директор по цифровым технологиям в Met. Это переводится в контент, который загружается прямо в браузер вашего телефона в качестве веб-сайта, загрузка не требуется.Точно так же в июле Еврейский музей представил новый набор аудио-туров, все с веб-интерфейсом.
«Несколько лет назад было повальное увлечение приложениями, и теперь все входят в фазу пост-приложений в музейной индустрии», — сказал Цзя Цзя Фей, директор по цифровым технологиям Еврейского музея. Она отметила, что подавляющее большинство приложений, которые люди скачивают, не используются на их телефонах. «Вы просто используете свою электронную почту и Instagram».
После нескольких недель опробования приложений для искусства в музеях и галереях, на углах улиц и иногда в кофейнях я обнаружил, что они не улучшают качество моих визуальных встреч.Хотя уровень информации в Smartify довольно высок, когда он работает, я смог узнать больше о конкретных фигурах в J.M.W. «Улисс, высмеивающий Полифема» Тернера — простое действие, когда я поднимаю телефон, чтобы сделать снимок, превратило яркую физическую картину в плоскую репродукцию. Дополнительная информация не стоила того, чтобы передавать мой музейный опыт через экран.
А телефоны уже повсюду в музеях, превращая посещение в каталогизацию. Г-жа Фэй назвала это «отстойным экраном», и это одна из причин, по которой в Еврейском музее предпочитают аудио.Как и сам Shazam, приложения лучше всего использовать для быстрых ответов — спасательный круг в бесконтекстной галерее. Что это? Сколько это стоит? Кто сделал это? (Здесь Магнус — лидер.)
Шазамификация искусства — продукт времени, когда информация преобладает над невооруженным глазом. Но приложение не должно быть нашим единственным проводником по визуальному миру. Прогуливаясь по Новому музею с приложением Magnus, я обнаружил, что прохожу мимо картин, не слишком вглядываясь в детали, потому что камера искала меня, а приложение знало гораздо больше, чем я.Был тот небольшой захватывающий, приятный щелчок признания. Было трудно остановиться.
Все, что вам нужно знать
Ни для кого не секрет, что свадебные фотобудки в наши дни разыгрываются. Конечно, они все еще очень забавные, но в значительной степени это было сделано, сделано. Запечатлеть волнение и романтику дня необходимо для любого свадебного приема, но до того, как появилась камера, был художник.
Что такое живая живопись?
Живая живопись — это разновидность «пленэрной» (уличной) живописи, используемая для запечатления особого момента свадьбы.Профессиональный живой художник или художник приносит свой холст и художественные принадлежности, чтобы нарисовать сцену на свадьбе в режиме реального времени.
«Картина не только становится любимым свадебным подарком на память или семейной реликвией, но и присутствие живого художника на вашей свадьбе становится уникальной формой развлечения для ваших гостей», — говорит Бриттани Брэнсон, приглашенный свадебный художник. Конечно, на большинстве свадеб есть еще и фотограф, помимо живого художника (в конце концов, портреты занимают намного больше времени, чем быстрое фото), но эти портреты часто могут запечатлеть очень особенные и интимные моменты, которые не может сделать фотография.
Знакомьтесь, эксперт
Бриттани Брэнсон — свадебный художник и нишевый тренер для творческих людей. В настоящее время она проживает в Вашингтоне, округ Колумбия.
«Как у кого-то, у кого на свадьбе был живой свадебный художник, я все еще поражаюсь, что мы с мужем можем смотреть на полностью выполненное на заказ произведение искусства, которое было создано в в день нашей свадьбы . Мы дорожим своей живописью, и это такое благословение, что теперь я могу снабжать своих супружеских пар и клиентов их собственными драгоценностями », — говорит Брэнсон.
Если вы впервые слышите об этой уникальной свадебной идее или хотите заказать собственного живого свадебного художника, мы составили подробное руководство, которое поможет ответить на все ваши вопросы.
Живая свадьба Стоимость картины
Несмотря на то, что необходимо учитывать различные расходы, включая поездки, размер холста и количество заказанных работ, вы можете рассчитывать на то, что потратите более 1000 долларов. «На данный момент мои пары инвестируют в среднем 2399 долларов в живую свадебную живопись, а мои пакеты варьируются от 2199 до 3000 долларов в зависимости от сложности картины», — говорит Брэнсон.
Помимо создания индивидуального произведения искусства, которое можно повесить в своем доме и хранить его долгие годы, это еще и уникальный опыт, который вы, ваш партнер, ваша семья и гости сможете увидеть воочию. .
Не позволяйте поездкам за границу удерживать вас от бронирования любимого артиста. «Следуя теме искренней любви к портфолио художника: если это возможно с финансовой точки зрения, а художник, которого вы любите, не является местным, не отказывайтесь от его потрясающих работ, потому что они не местные», — говорит Брэнсон.«Лично я уже включаю план оплаты в свои пакеты с живыми картинами. Спросите своего художника, могут ли они принять более расширенный план оплаты, чтобы сделать что-то вроде оплаты путевых расходов более доступным».
Советы по поиску живого художника или художника
В то время как живая свадебная живопись становится все популярнее, возможно, самая сложная часть — найти художника, у которого есть номера и , которые подходят вашему стилю. «На самом деле нас не так уж много, слишком много живых художников, поэтому Google — всегда отличное место для начала», — говорит Брэнсон.Вы можете еще больше сузить область поиска, выполнив поиск живых художников в вашем штате, хотя местоположение — это еще не все.
Если вы найдете художника, которого вы действительно любите, но он не местный, вы все равно можете обратиться к нему. Найдите время, чтобы просмотреть их личный веб-сайт, прочитать отзывы предыдущих пар и ознакомиться с примерами их работ. «Я думаю, это невероятно важно, поскольку пара рассматривает возможность найма живого артиста, влюбиться в его портфолио и стиль», — добавляет Брэнсон.
Как только вы и ваш партнер решили, что хотите нанять живого художника для своей свадьбы, не откладывайте. «Что касается бронирования, я всегда рекомендую парам как можно скорее найти живого артиста, потому что нас просто не так много (даже на национальном уровне), чтобы нанять. Мои пары, как правило, заказывают меня где-нибудь от восьми месяцев до полутора лет от день свадьбы », — говорит Брэнсон.
Стили живой живописи
Прежде чем начать поиск, необходимо знать три основных типа окраски.«У каждого живого свадебного художника определенно есть свой уникальный стиль живописи, который имеет тенденцию вписываться в категории« реализма »(ваша картина — такое отражение реальной жизни, что ее можно принять за фотографию),« импрессионизм » «(не совсем реализм, но« впечатление »людей, света и атмосферы) или« абстракционизм »(использование форм, форм и цветов для создания композиции)», — говорит Брэнсон.
В то время как некоторые художники могут баловаться несколькими стилями рисования, Брэнсон делится, что «очень важно позволить художнику« делать свое дело »в своем естественном стиле, который дается им быстро и легко.Попытка выполнить другой стиль рисования может привести к окончательному результату, который не понравится ни паре, ни художнику. Никто этого не хочет! »
Работайте один на один с живым художником, чтобы придумать композицию, которая воплотит ваше видение в жизнь. Независимо от того, есть ли часть комнаты, которую вы хотите выделить, или цветочная композиция, которую вы определенно хотите включить, обязательно передайте эту информацию.
Вопросы, которые следует задать перед заказом художника
От общих вопросов о ценах и настройке до стиля живой живописи и точного момента, когда вы хотите быть задокументированными (например, первый танец или прогулка по проходу), нет недостатка в деталях, которые вы захотите детализировать заранее.«Например, важно ли для пары иметь готовую картину в руках к концу ночи? Или они в порядке, если позволят художнику забрать ее домой для дополнительных доработок? Это, более чем вероятно, в конечном итоге повлияют на тип художественного стиля, который им нужен », — говорит Брэнсон.
Обязательно включите своего свадебного организатора на ранних этапах планирования, так как он сможет вмешаться и выступить в качестве контактного лица в день свадьбы. От того, чтобы убедиться, что у живого художника есть место для доступа к воде для его кистей, до предоставления им еды от продавца, ваш свадебный планировщик будет рядом, чтобы все было в движении.
В конечном итоге все сводится к стилю рисования, который вы и ваш партнер представляете для вашего особенного дня. «Первое, что пары должны определить, — это стиль рисования, который они хотели бы навсегда повесить на своих стенах», — говорит Брэнсон. «Искусство невероятно личное, и мы, художники, хотим, чтобы нашу работу дорожили.

Leave a comment

17.03.2020

Для художника для рисования: Инструменты ходожника: чем и на чём рисовать

24 мобильных приложения для художников и иллюстраторов

Paper для iPad

Fresko Paint Light and Pro для Android

SketchBook для iPad и Android

Adobe Ideas для iPad

ArtFlow

Infinite Design и Painter для Android

Brushes 3

Pixels Free

Sketchbook Express

Adobe Illustrator Draw

Tayasui Sketches

Procreate

Adobe Photoshop Sketch

MediBang Paint

Autodesk SketchBook

PicsArt Color Paint

CREATE

Drawing Desk

Inspire Pro

Auryn Ink

ArtRage

Inkist

Zen Brush

Carbo — Notes&Sketches

Учись как художник: 8 бесплатных ресурсов, с которыми вы точно начнете рисовать

Skill­Share

Пря­мые эфи­ры от Вен­ди Мак­но­тон

«Вы смо­же­те ри­со­вать че­рез 30 дней»

Ви­део­уро­ки от шко­лы ри­со­ва­ния DREAM& DRAW

Udemy

Ка­нал с уро­ка­ми Боба Рос­са

Ма­стер-клас­сы от Samouchka School

Бес­плат­ные уро­ки от Kalacheva School

Еще боль­ше ви­део­уро­ков и по­лез­ных ма­те­ри­а­лов:

Бо­нус: вы мо­же­те ри­со­вать.

Рисование по памяти. Зрительная память художника.

В ЧЕМ ПОЛЬЗА РИСОВАНИЯ ПО ПАМЯТИ

1. Рисование по памяти — это возможность запечатлеть то, что не нарисуешь с натуры

2. Совершенствование навыков, необходимых для рисования по представлению

3. Развитие зрительной памяти для рисования динамичной натуры

4. Рисование по памяти для тщательного изучения натуры

5. Рисование по памяти как способ отбора главного в изображении

Как научиться рисовать по памяти

Больше полезной информации:

12 лучших наборов для рисования

Лучшие детские наборы для рисования

Набор Чемодан с рисунком (10607200.01OB)

Набор для Эбру «Старт»

Набор «Юный художник» с мольбертом

Витраж Glass Magic

«Рисуй светом»

ABtoys «Рисуем сами»

Лучшие наборы рисования для взрослых

Малевичъ Набор для начинающего художника № 2

Creta Color Ultimo

Набор Djeco для начинающего художника

Molly деревянное панно «Букет подсолнухов»

Color KIT витраж-раскраска Часы «Бабочки»

Луч картина «Сова»

Какой набор для рисования лучше купить

Необычные техники рисования современных художников

Элизабетта Рогаи (Elisabetta Rogai)

Таринан фон Анхальт (Jet Art)

Подводные картины украинских художников

Натали Айриш (Natalie Irish)

Отман Тома

Что рисовать? 12 рисовальных челенджей!

Почему некоторые произведения искусства такие дорогие? Объяснил, что рынок произведений искусства оценивается в 63 миллиарда долларов.

Почему искусство такое дорогое?

Кто покупает искусство? Супербогатый

Когда работы продаются за миллионы долларов, выигрывают ли художники?

Искусство для всех

Как подписать свое произведение как профессионал

Советы по рисованию, о которых вы не знали — wineandblooms.com

ЖИВОПИСЬ НА ХОЛСТЕ

А разве неправильно рисовать чью-то фотографию и называть ее своей? — Дрю Брофи

26 мар. Неправильно ли раскрашивать чью-то фотографию и называть ее своей?

Погоня за светом | Рисовать фигуративное искусство как мастера

SkillShare

Прямые эфиры от Венди Макнотон

«Вы сможете рисовать через 30 дней»

Видеоуроки от школы рисования DREAM& DRAW

Канал с уроками Боба Росса

Мастер-классы от Samouchka School

Бесплатные уроки от Kalacheva School

Еще больше видеоуроков и полезных материалов:

Бонус: вы можете рисовать.