Основы рисования (линия, тень, край, положение на странице)
Многие рисующие люди знают, что нужно постоянно работать над своей техникой, чтобы расти и совершенствоваться. Это важно для многих творческих профессий: иллюстраторов, архитекторов, художников, скульпторов, дизайнеров и даже татуировщиков! Работа с графикой является основой искусства, позволяя художнику не только увидеть, но и запечатлеть нужный образ в линии, тени, контуре и жесте.
«Рисующие руки», М.К. Эшер, литография 1948.
Научитесь рисовать — и вы никогда не будете прежними
Изучать рисунок можно разными интересными способами. Можно записаться на курсы, направленные на рисование с натуры, где вас научат работать с быстрыми набросками, а на более длительных занятиях покажут, как суметь уловить движения и жесты натурщика. Можно продолжить рисовать и самостоятельно, просто взяв бумагу и карандаш, по средствам скетчей изучая мир вокруг. Вы познакомитесь с разными художественными инструментами, с помощью которых и создается графика: карандашом, углем, пастелью, пером и чернилами.
Если вы хотите научиться рисовать реалистичные формы, каждый раз как берете в руки карандаш, стоит обратиться к специальным техникам развивающим навык рисования. Прежде всего нужно начать с наблюдения и зрительно-моторной координации — научиться переносить увиденное на бумагу. Затем можно перейти к изображению разных типов фигур, изучить как они двигаются, и какие позы могут принимать. Потом поработайте с живописью, и не забывайте про ежедневные наброски в скетчбуке. Жизнь художника, работающего с графикой — это беспрерывная практика. Это действительно тяжелый труд, но и награда за него высока — возможность рисовать все, что захочется!
Как нарисовать красивую картину
Пятиминутный эскиз позы авторства Джона ДеМартина.
«Одна из главных причин, почему рисунки у художников могут выглядеть не лучшим образом — это недостаток четкого понимания основ выразительного экспрессивного графического рисунка» — говорит Джон ДеМартин, популярный нью-йоркский художник.
«Графический набросок — неотъемлемая часть создания рисунка» — говорит он. «Это дает возможность взглянуть на предмет с разных сторон. Художник может увлечься идеей будущего рисунка и слишком быстро бездумно начать творить, не проанализировав как следует стадию наброска, соответственно совершив ошибки уже в самом начале, которые невозможно дальше исправить. Потратив немного времени на подготовку, можно тщательнее обдумать и отобрать лучший вариант, лучший фундамент для будущего креативного рисунка.
Самая важная часть в семинарах ДеМартина это то, что они знакомят студентов с изобразительным искусством, используя разные подходы, что дает наилучшее полное представление о работе над рисунком. Например, он заставляет студентов начинать день с быстрых набросков, которые передают спонтанный, экспрессивный способ рисования линией.
«Короткие наброски от 1 до 45 минут, как правило, больше сосредоточены на линии и жесте, а длительные (один час или больше) на форме и объеме,» объясняет он.
«Из-за ограничений во времени, любая детальная работа над объемами крайне сложна, так что чем больше я смогу передать объема простыми линиями, тем лучше.» Когда художники тратят несколько часов или дней работы с одной и той же позой, их рисунки становятся детально проанализированными в плане объема, формы и перехода от света к тени.
«Оба подхода могут оказаться полезными для художников, но также могут и привести к некоторым проблемам», говорит ДеМартин. «Художники, которые постоянно работают с быстрыми набросками часто могут нарисовать только стилизованные работы, которые скорее выглядят шаблонными и образными, чем действительно похожими на саму модель. С другой стороны, художники, которые тратят много времени на создание арта, чаще всего теряют эмоциональную составляющую. Комбинируя два подхода, вы имеете гораздо больше шансов добиться действительно интересного сбалансированного рисунка «.
ДеМартин рекомендует использовать различные материалы для создания рисунка, но рисовать стоит в одной и той же позе.
«Рисовать нужно стоя, движение руки должно идти не от запястья, а от плеча,» подчеркивает он. «Художник должен видеть как поверхность для рисования, так и саму модель.»
ДеМартин объясняет, что не существует одного основного подхода для освоения рисования или живописи. Самое важное для художника — это помнить, что рисуя больше, мы научимся выбирать верные элементы для рисунка, начнем точнее чувствовать композицию линий и объемов, сможем решать проблемы по мере их поступления.
Техника рисования: Линия и Тень
ДеМартин (зарисовка фигуры). Рекомендация: рисовать и подчеркивать рисование ритмических поз
Перед вами несколько примеров от Джона ДеМартина, как можно рисовать, используя линию и тень.
Линия: Главная цель в создании быстрого наброска — передать ритмичность движения. Поймайте движение прежде чем приступите к работе, без чувства ритма, рисунок потеряет смысл. Если время позволяет, можете обозначить четче поворот головы, грудной клетки и таза в пространстве, используя вертикальные и горизонтальные линии.
Сделайте больше акцент на скелет, чем на мышечную структуру.
Линии, создающие контур тела, могут пересекать основную форму, если это помогает передавать особенность движения и динамику. Если рука пересекает какую-то часть тела, то художнику следует сперва наметить саму фигуру в рисунке и после поверх обозначить руку. Тут главное уловить движение и передать его контуром, все остальные тонкости можно всегда доработать позже.
Тень: Тени помогают художнику выявлять объекты, которые лучше освещены. Начиная работу с тенями, найдите самую освещенную точку рисунка и оставьте ее не заштрихованной (белой как лист), тени же передайте легким штрихом. Над объемами тут беспокоится не стоит, мы передаем такими штрихами именно светотень. Очень важно знать, какие формы на рисунке освещены и где падает тень, потому что художники часто путают штрихи объема с тенями.
Учиться правильно работать с тенями, например, применяя уголь — значит уметь верно добавлять слои. Сперва наметьте, то место где будут располагаться тени, затем используйте уголь с большим нажимом, чтобы тени «растеклись» по поверхности.
Это будет прекрасно выглядеть рядом с менее четкими штрихами, еще больше отделяя пространство тени от света. Когда мы собираемся работать над рисунком больше часа, иллюзию трехмерности рисунка можно передать с помощью объемов светотени. Те части фигуры, которые повернуты от источника света, становятся темнее по мере приближения к линии тени. Так работает градация оттенков, передает эффект округлости предмета. Чем более округла форма, тем больше оттенков мы видим.
Учимся рисовать края
“Мужчины прогуливающиеся в поле”, Жорж-Пьер Сёра́, 1883, рисунок, 12 x 9 1/8. В коллекции музея искусства Балтимора.
Линии контура используются для обозначения краев формы в рисовании. На самом деле, мы не видим линий образующих, например, лицо, мы видим, как форма изгибается и уходит из нашего поля зрения. Обратите внимание на то, что излишняя концентрация на контуре, может отвлечь от передачи движения модели, которое, как правило, идет от центра объекта.
Но так, или иначе, хороший рисунок не может обойтись без контура.
Округлые формы достаточно сложно передать. Многие преподаватели рекомендуют использовать прямые цельные линии, которые стоит лишь слегка изгибать по мере необходимости позже. Если вы считаете, что такой метод подходит только начинающим художникам, то посмотрите внимательно на то, как Рубенс, мастер в этом деле, работал с ним.
Края отлично работают для обозначения положения предмета в пространстве, его глубины. Толстая линия обозначает, что данная часть находится близко, а тонкая линия переносит форму ближе к фону. Помните, обозначение контура — это не просто бездумный набросок линий. В работах, где применяется большая градация тонов, более жесткие контуры и явный контраст между планами создают впечатление, что форма расположена ближе к смотрящему, чем форма с более мягкими контурами и менее контрастирующими планами. Это необходимо для правильного рисования тени падающей — эта тень наиболее яркая в той точке, где соприкасается с объектом, ее отбрасывающим, и затем рассеивается по мере удаления от точки соприкосновения с объектом.
На своем рисунке “Мужчина прогуливающийся в поле” Жорж-Пьер Сёра́ заставил более близкую к нам фигуру визуально выдвинуться вперед на картине, увеличив контраст между темными планами и светлыми планами по средствам того,что сделал ее контур гораздо более жестким.
В своей книге Mastering Drawing the Human Figure From Life, Memory, Imagination (“Как научиться рисовать фигуру человека с натуры, по памяти из воображения”) Джек Фаргассо отмечает, что самые важные края — это те, что выделяют светлые и темные узоры. В качестве примера он приводит тяжелые присборенные воротники, которые можно часто увидеть на полотнах Рембранта. В таких воротниках наиболее важными краями являются не конкретные складки, но скорее грань тени по мере того, как воротник попадает в освещенное пространство. Правильное отражение в рисунке этой линии сделает гораздо больше для придания реалистичности круговому воротнику, чем прорисовка сотен конкретных детальных линий.
Как разместить рисунок на листе бумаги
«Обнаженный мужчина, стоящий на коленях, держит в правой руке ткань», Жан-Антуан, 1715-16
Вы всегда можете поместить объект вашего рисунка линиями или контурами прямиком в центре страницы.
Это делает серьезное заявление, и в некоторых случаях совершенно четко выражает то, как по-вашему смотрящий должен воспринять вашу работу. Но если вы разместите предмет где-либо еще в композиции, может заставить фон работать на вашу идею и создать интригующее напряжение, намекнуть смотрящему на какую-то историю и провести взгляд к фокусной точке более не навящивым образом.
Французскиий термин mise en page (дословно: “положение на странице”) иногда используется в отношении этой концепции, однако корни самой идеи идут куда глубже — в основном все размышления относительно композиции рисунка ведут свое начало из эпохи Ренессанса. Ко времени творения Ватто их важность крепко сформировалась в подходах большинства художников, а на сегодняшний день вообще непостижимо, как практикующий художник-профессионал вообще может игнорировать точность выполнения этих принципов.
Естественным для нас является располагать объект в центре композиции, фокусируя на него все внимание, которое он заслуживает, находясь в центре “сцены”, но обычно такой подход не отражает то, как мы обычно смотрим на мир.
Исключая те ситуации, в которых объект наблюдения располагается очень близко к нам, как правило, нашим боковым зрением видим еще массу вещей из окружающей обстановки. Мы воспринимаем все в рамках контекста и этот контекст влияет на то, как мы трактуем фокусные точки. В качестве рисовальщиков, мы должна стараться побороть то, что делается “на автомате” и полностью окинуть взглядом всю сцену и в дальнейшем точно ее описать в своей “живописной сцене”.
Периклис Пагратис из колледжа искусств и дизайна в г. Саванна, США, учит своих студентов основам рисования и не только, включая мысль о том, что, когда вы продумываете композицию, то вы должны думать об объекте, как о голове Медузы. Не смотрите на него прямо, или обратитесь в камень (ну или, если не вы сами, то ваш рисунок). Негативное пространство вокруг предмета должно играть неотъемлемую роль в композиции. Когда дело дойдет до проработки объекта, его у вас будет достаточно на детальную прорисовку.
Базовый рисунок. Построение предметов
Основы рисунка во всех подробностях.
Научитесь базовым навыкам для любого рисования. Пятый поток.
Автор курса Александра Сухорукова — преподаватель рисунка и графики. А ещё и профессиональный скульптор. Она по умолчанию работает в объёме — видит и анализирует форму. На курсе передаст вам академический опыт доступным языком и будет лично проверять вашу практику.
ДЛЯ КОГО ЭТОТ КУРСКурс подойдёт всем, кто хочет уверенно держать карандаш в руке. Вы делает первые шаги в обучении искусству, хотите восполнить пробелы в базовых знаниях, хотите научиться рисовать портрет и фигуру, но не хватает опыта в рисовании — этот курс для вас!
НА КУРСЕ ВЫ- Научитесь понимать форму и раскладывать её на базовые элементы.
- Поймёте, что такое линейная перспектива, как создавать иллюзию объёмного предмета на плоском листе.
- Научитесь выполнять сквозной рисунок.
- Научитесь верно передавать пропорции методом визирования.
- Узнаете законы светотени и как правильно их использовать.
- Научитесь грамотно передавать различные виды освещения.
- Поймёте, как рисовать драпировку.
- Выполните большое количество учебных рисунков и итоговый натюрморт.
Курс состоит из 3-х больших этапов с лекциями и домашними заданиями: сквозной рисунок, светотень и длительный рисунок.
ЭТАП I. СКВОЗНОЙ РИСУНОК
Урок 1. Форма — основа рисунка
✓ Силуэт и объёмная форма — в чём разница?
✓ Что такое сквозной рисунок.
✓ Как избежать частых ошибок.
✓ Базовые формы: куб, шар, цилиндр, конус.
✓ Обзор старых мастеров и современных иллюстраторов — раскладываем на простые формы бытовые предметы, животных и людей.
Урок 2. Линейная перспектива и построение куба
✓ Линия горизонта, точка схода и линейная перспектива.
✓ Учимся рисовать предметы на основе куба и параллелепипеда — множество бытовых предметов, например, мебель.
✓ Сквозной рисунок сложного предмета на основе куба с одной и двумя точками схода.
Урок 3. Перспектива круга
✓ Как изменяется круг при наклонах.
✓ Учимся изображать предметы на основе круга: цилиндры, конусы и шары в разных ракурсах.
Это поможет изобразить посуду (стаканы, кружки, вазы), деревья, колонны зданий, части тела животных и людей.
Урок 4. Рисунок деталей в перспективе
✓ Как правильно рисовать ручки и носики предметов.
✓ Как встраивать детали в рисунок и крепить их к поверхности.
✓ Наблюдаем за построением молочника и чайника с разными ручками и носиками в двух ракурсах.
Урок 5. Пропорции предметов. Метод визирования
✓ Тренируем глазомер: учимся определять, насколько один предмет уже, шире, выше другого.
✓ Метод визирования на практике.
✓ Рисуем натюрморт с помощью метода визирования.
Урок 6. Силуэт
✓ Что такое силуэт.
✓ Учимся изображать предмет так, чтобы его можно было «прочитать» по силуэту.
✓ Приёмы графической передачи объёма «от силуэта».
✓ Практикуемся на примере бытового и природного объектов: кувшина и рыбки.
Этот навык используется в рекламе, иллюстрации, особенно коммерческой, и в видеоиграх.
Урок7. Многообразие форм в одном предмете
✓ Разбираем сложные неочевидные формы на составные базовые.
✓ Учимся передавать их реалистично на бумаге.
✓ Тренируемся на примере животных (жука, жирафа), человека (схематично) и сложной техники (гольф-кар).
Урок 8. Расположение предметов в пространстве листа
✓ Расстановке предметов для создания иллюзии глубины рисунка.
✓ Расположение предметов с двух ракурсов.
✓ Как правильно изобразить предметы и расстояние между ними с учётом перспективного искажения.
✓ Распространённые ошибки.
ЭТАП II.
СВЕТОТЕНЬ
Урок 9. Постановка штриха
✓ Переходим к умению передавать объём предмета тоном.
✓ Получаем советы о том, как правильно точить карандаши и какими материалами лучше рисовать.
✓ Выполняем упражнения на постановку руки.
✓ Узнаём, как штриховать правильно, чтобы рисунок был живым.
Урок10. Штрих по форме
✓ Учимся штриховать предметы по форме для достижения иллюзии объёма.
✓ Выполняем упражнение для тренировки этого навыка на примере натюрморта из трёх предметов разной формы.
Урок 11. Светотень
✓ Как свет распределяется по предметам разной формы.
✓ Находим на предмете свет, тень, полутень, блик, рефлекс; собственную и падающую тень, самое светлое и самое тёмное места.
✓ Учимся передавать все эти тоновые градации вместе с правильной штриховкой по форме.
УРОК 12. РАЗНЫЕ ИСТОЧНИКИ СВЕТА
✓ Узнаём, как ложится свет в зависимости от разных источников освещения.
✓ Рассматриваем три вида освещения: классическое освещение сбоку, контр-ажур, освещение сверху.
✓ Учимся рисовать предметы в разном освещении на примере сахарницы.
ЭТАП III. ДЛИТЕЛЬНЫЙ РИСУНОК
Урок 13. Поэтапный рисунок ткани
✓ Работаем над важным элементом натюрморта — драпировкой.
✓ Учимся передавать складки и объём ткани.
✓ Изучаем этапы работы над рисунком драпировки.
✓ Учимся правильному построению, наложению штриха и работе со светотенью в рисунке ткани.
Урок14.
1. Поэтапный рисунок наттюрморта
Изучаем законы и средства композиции в натюрморте на примере картин мастеров.
Для нашего натюрморта мы выбрали:
- старую кофемолку,
- необычную тыкву,
- красную грушу,
- китайский чайничек.
Урок 14.2. Поэтапный рисунок натюрморта.
Делаем эскиз выбранной композиции, уточняем детали
Урок 14.3 Поэтапный рисунок натюрморта.
Выполняем построение драпировки и остальных элементов натюрморта
Урок 14.4. Поэтапный рисунок натюрморта.
Финальный этап работы: накладываем тон штрихами
КУРС ПРОДЛЕН С УЧЕТОМ НОВОГОДНИХ ПРАЗДНИКОВ
- Вы смотрите лекции и выполняете задания по порядку.
- Каждое задание лично проверит Александра Сухорукова. После выполнения задания вы получите от неё текстовый или видеоответ.
- После окончания курса у вас останется постоянный доступ к видео-материалам.
- Внутри программы курса будет чат для участников и педагога.
- Если вы не успели закончить обучение, у вас будет возможность докупить занятия с педагогом.
После выполнения задания вы получите от неё текстовый или видеоответ. §1 Рисунок – основа пластических искусств. Основы рисунка для учащихся 5-8 классов
§1 Рисунок – основа пластических искусств
Рисунок имеет самостоятельное значение в искусстве, являясь видом графики, и вместе с этим любой вид пластических искусств не может без него обойтись, потому что рисунок – основа живописи и скульптуры, народного и декоративно-прикладного искусства, дизайна и архитектуры.
Рисунок – структурная основа любого изображения: графического, живописного, скульптурного, декоративного. Рисунок – средство познания и изучения действительности.
1. Длительный рисунок гипсовой головы
Многочисленные разновидности рисунка различаются по технике, методам и характеру рисования, по назначению, жанрам и темам.
Рисунок может служить учебным, вспомогательным целям, при создании произведений разных видов искусств и украшать интерьер.
Самостоятельное значение имеет станковый рисунок – выполненное на мольберте (станке художника), на отдельном листе, тщательно проработанное художественное произведение различных жанров (портрет, пейзаж, натюрморт, бытовой, мифологический рисунок и др.). Темы для рисунков могут подсказать сама жизнь, история или фантазия.
Жизненные впечатления художник может зафиксировать в быстро выполненных набросках и зарисовках. Подготовительный рисунок необходим при создании живописных полотен, фресок, мозаик и витражей. Дизайнер или архитектор свой первоначальный замысел проекта фиксирует с помощью рисунка в эскизах. Скульптору необходимо хорошее владение рисунком, чтобы правильно передавать пропорции и объем, располагать форму в пространстве.
Композиция скульптурного рельефа начинается с рисунка.
Академический рисунок – многочасовую работу с подробной передачей конструкции и светотени объектов – выполняют слушатели Академии художеств и студенты высших специальных учебных заведений. Такая система обучения сложилась с конца XVI века и, как правило, включает копирование «оригиналов» признанных мастеров, рисование с гипсовых античных слепков и затем – с живой натуры.
Учебный рисунок представляет собой обширную область разнообразных заданий по рисованию геометрических тел, гипсовых орнаментов, разнообразных натюрмортов, объектов мира техники и природы, человека, пейзажа, архитектурных построек и др. Как правило, учебные задания по рисунку соответствуют программным задачам, их предлагается выполнять по мере нарастания сложности в специальных условиях под контролем педагога. Рисунок, включающий учебное рисование с натуры, рисование по памяти и воображению, составляет основу художественного образования.
2.
Рисунок учащегося. Гипсовый орнамент
С помощью одних и тех же средств рисунка: линии, штриха, пятна – художниками создается разнообразное восприятие мира. Все зависит от того, как художник использует эти средства художественной выразительности, как он ведет линию и кладет пятно, в какой пропорции использует светлое и темное, как передает пространство и др. Благодаря рисунку мысль, наблюдение фиксируются на бумаге. Рисунок выявляет отношение художника к изображаемому. Почерк художника отражает его душевное состояние.
Главное выразительное средство рисунка – линия. Линия запечатлевает неуловимое в движении жизни. Сплетаясь в разнообразные формы, линия бывает тонкой, изысканной и кружевной, колючей и злой, нежной и бархатистой. Богатство графических материалов помогает быть линии предельно разнообразной.
Работы величайших мастеров прошлого и ведущих художников современности позволяют проследить историю развития рисунка, раскрывают особенности их творческого метода и выразительные возможности работы карандашом, тушью, углем, сангиной, пастелью и другими графическими материалами.
Начало теоретического обоснования правил рисования принадлежит египтянам. Они первыми стали устанавливать законы изображения, обучать определенным канонам. Обучение технике рисования осуществлялось по двум направлениям. С одной стороны, вырабатывалось свободное движение руки, чтобы ученик мог легко наносить кистью главные контурные линии на поверхность доски или папируса. С другой – ученик должен был иметь крепкую и твердую руку, чтобы уверенно выцарапывать контур рисунка на стене для фрески, на камне для барельефа и др.
Древнегреческие художники при разработке своих канонов исследовали человеческое тело. Они утверждали, что сущность прекрасного заключается в стройном порядке, в симметрии, в гармонии частей и целого. Художники Древней Греции старались изобразить реальный мир как можно точнее, поэтому в основу метода обучения рисунку было положено рисование с натуры.
В эпоху Римской империи само изобразительное искусство, а значит и рисунок, приняло как бы прикладной характер. Поэтому при обучении рисованию преобладало копирование образцов, повторение приемов работы древних греков.
Средневековое изобразительное искусство отвергало реалистические тенденции, если они не отвечали религиозному сюжету. Рисунок был направлен не на точность передачи натуры, а на ее эмоциональное, духовное состояние.
3. ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ. Св. Анна с Марией, младенцем Христом и Иоанном Крестителем. Фрагмент. Уголь
4. К. БРЮЛЛОВ. Портрет Полины Виардо. Графитный карандаш
Все разновидности технических приемов рисунка, дошедшие до нашего времени в основном сложились в эпоху Возрождения в Италии. Уже тогда в рисунке применялись свинцовые, серебряные и другие металлические грифели (штифты), графит, итальянский карандаш, сангина, уголь, мел, пастель, а также жидкие материалы – бистр, тушь, разноцветные чернила, акварель, белила. Рисовали гусиными и тростниковыми перьями, кистями на белой бумаге и бумаге разнообразных цветов, тонированной и грунтованной. Все это привело к исключительному богатству художественных и технических приемов.
Техника рисунка, сложившаяся в эпоху Возрождения, оказала сильнейшее влияние на последующие поколения художников и стала основой для многих художественных школ, которые выработали свои технические и художественные приемы работы теми же материалами.
Строгую, линейную манеру рисунка вырабатывали художники Возрождения, принадлежавшие к флорентийской и римской школам: А. Матеньи, Леонардо да Винчи, Микеланджело. Венецианские художники, напротив, рисовали в свободной манере, например Тициан, П. Веронезе, Я. Тинторетто предпочитали использовать легкий живописный штрих и пятно.
Великими мастерами линейного рисунка, выполненного серебряным штифтом, были Ян ван Эйк, А. Дюрер, Рафаэль и др. Художником, блестяще владеющим графитным карандашом, в первой половине XIX века был французский художник Ж.-Д. Энгр.
Русская школа XVIII и XIX веков также внесла много нового в технику рисунка. Виртуозно владели рисунком О. Кипренский, К. Брюллов и ряд других учеников Академии художеств. Они любили выполнять работы на слегка желтой или голубой бумаге с использованием ее тона, что избавляло рисунок от излишней перегруженности листа. Даже учебные рисунки этих художников украшают в настоящее время крупные музеи изобразительного искусства.
О. Кипренский в рисунке «Натурщик с красным плащом», благодаря использованию итальянского карандаша, сангины и мела, добивается обилия полутонов и живописного впечатления.
В рисунке К. Брюллова «Портрет Полины Виардо», выполненном графитным карандашом, сделана тончайшая моделировка объема средствами светотени. Хорошо передано сходство с моделью, неповторимое движение знаменитой певицы того времени.
В известном рисунке «Группа из двух натурщиков» К. Брюллов использовал сложное сочетание материалов: сангины, пастели, угля и мела. Этим он добился богатства тоновых оттенков и цветовых нюансов.
5. К. БРЮЛЛОВ. Турчанка. Акварель.
Многочисленные рисунки Брюллова, выполненные акварелью, производят впечатление законченных картин, например поражающая своим ювелирным мастерством «Турчанка».
Рисунки русских мастеров А. Лосенко, А. А. Иванова, И. Репина и многих других дают прекрасные примеры различных приемов использования материала.
Великий живописец А. А. Иванов обогатил возможности акварели, заставил ее звучать с новой выразительной силой.
Поражают особой одухотворенностью акварельные рисунки А. А. Иванова к библейским и евангельским сюжетам, выполненные с помощью белил на бумаге приятного теплого тона.
Эти листы – многофигурные, сложные композиции, раскрывающие человеческие характеры. Художник добивается необыкновенной гармонии цветовых сочетаний.
И. Репин любил выполнять остропсихологические рисунки графитным карандашом и использовать в них растушку. Из рисунков углем на холсте интересен «Портрет Элеоноры Дузе». Репин применил в нем разнообразные технические приемы: то уголь кладется плашмя, особенно при изображении одежды и фона, и слегка растирается, то работа ведется свободным, широким штрихом. Репин очень умело передает фактуру платья, кресла, волос с помощь^} угля и шероховатой поверхности холста.
Русские художники второй половины XIX века развили и широко использовали в своем искусстве технику соуса как сухого, так и мокрого, когда он разводится водой, подобно акварели. Н. Крамской выполнил этюд женской головы к картине «Неутешное горе» в свободной манере, с использованием штриха, в технике сухого соуса.
6. И. РЕПИН. Портрет Элеоноры Дузе. Уголь
7. В. СЕРОВ. Портрет О. К. Орловой. Смешанная техника
Рисунки В. Серова, Б. Кустодиева, В. Борисова-Мусатова, М. Врубеля представляют собой образцы мастерского сочетания разнообразных рисовальных материалов в одном листе.
В. Серов, работая над «Портретом О. К. Орловой», применил уголь, сангину и цветные карандаши. Получился рисунок, близкий к живописному изображению. Серов использовал почти все употреблявшиеся в его время художественные материалы, извлекая из них максимальные возможности, необходимые для создания произведения. Ему удавалось добиваться простоты и общей гармонии тона, несмотря на сложную технику исполнения. Обладавший высоким мастерством, виртуозной техникой и тонким вкусом, Серов создал немало великолепных рисунков.
Особую манеру наложения штрихов М. Врубелем невозможно спутать с почерком другого художника. Чтобы он не изображал – розу в стакане, пейзаж, ребенка в кроватке, нервные, угловатые, перекрещивающиеся врубелевские штрихи безошибочно узнаются.
Пером как инструментом рисования охотно пользовались великие мастера всех поколений – Леонардо да Винчи, Микел- анджело, Тициан, Дюрер, Рембрандт, Доре, И. Репин, В. Серов, М. Врубель и многие другие. Они оставили нам неповторимые и бесконечно разнообразные перовые рисунки. Обычно рисовали чернилами, тушью, сепией (краской коричневого цвета) на гладкой, плотной, белой или тонированной бумаге. Часто сочетали технику работы пером и кистью. Приемы перового рисунка разнообразны, их создавали выдающиеся мастера западноевропейского и русского искусства. Рисунок пером требует от художника точности и уверенности, так как почти невозможно внести исправления.
Пастель и акварель используют и для рисунка, и для живописи. Все зависит от того, что больше предпочитает художник – линию или пятно, многоцветие или монохромность. Большое количество рисунков кистью, особенно портретов, оставили нам такие мастера, как К. Брюллов, И. Репин, И. Крамской, В. Серов, М. Врубель и многие другие.
Художники XX века продолжают развивать традиции русской школы – реалистического рисунка и создают много нового в области свободного, островыразительного, экспрессивного, нарушающего традиционные нормы рисунка авангардных направлений.
Богатый материал для изучения техники рисунка мировой и русской школ находится в крупнейших художественных музеях.
Основы графического рисунка. Урок рисования для начинающих
Я б в нефтяники пошел!
Пройди тест, узнай свою будущую профессию и как её получить.
Химия и биотехнологии в РТУ МИРЭА
120 лет опыта подготовки
Сервис онлайн-консультаций
Выбери профессию, о которой потом не пожалеешь
Международный колледж искусств и коммуникаций
МКИК — современный колледж
Английский язык
Совместно с экспертами Wall Street English мы решили рассказать об английском языке так, чтобы его захотелось выучить.
15 правил безопасного поведения в интернете
Простые, но важные правила безопасного поведения в Сети.
Олимпиады для школьников
Перечень, календарь, уровни, льготы.
Первый экономический
Рассказываем о том, чем живёт и как устроен РЭУ имени Г.В. Плеханова.
Билет в Голландию
Участвуй в конкурсе и выиграй поездку в Голландию на обучение в одной из летних школ Университета Радбауд.
Цифровые герои
Они создают интернет-сервисы, социальные сети, игры и приложения, которыми ежедневно пользуются миллионы людей во всём мире.
Работа будущего
Как новые технологии, научные открытия и инновации изменят ландшафт на рынке труда в ближайшие 20-30 лет
Профессии мечты
Совместно с центром онлайн-обучения Фоксфорд мы решили узнать у школьников, кем они мечтают стать и куда планируют поступать.
Экономическое образование
О том, что собой представляет современная экономика, и какие карьерные перспективы открываются перед будущими экономистами.
Гуманитарная сфера
Разговариваем с экспертами о важности гуманитарного образования и областях его применения на практике.
Молодые инженеры
Инженерные специальности становятся всё более востребованными и перспективными.
Табель о рангах
Что такое гражданская служба, кто такие госслужащие и какое образование является хорошим стартом для будущих чиновников.
Карьера в нефтехимии
Нефтехимия — это инновации, реальное производство продукции, которая есть в каждом доме.
|
РИСОВА́НИЕ, РИСУ́НОК (через польск. rysunek, от rysować — «чертить»; ср.-верх.-нем. rîzen — «резать, делать черту»; родств. англ. write — «писать»). Термин «рисунок» можно рассматривать в нескольких значениях. Рисунок — структурная основа зрительного образа воспринимаемого объекта, в этом значении близко понятию абрис, контур, силуэт. Однако рисунок «формы восприятия» есть не только очертание, но также представление внутренней конструкции предмета в его трехмерных качествах. Именно поэтому рисование в изобразительном искусстве является структурной основой графической, живописной, скульптурной, архитектурной формы. Рисунок — структурная основа любого изображения: графического, живописного, скульптурного, декоративного. Рисунок — средство познания и изучения действительности. Многочисленные разновидности рисунка различаются по технике, методам и характеру рисования, по назначению, жанрам и темам. Рисунок может служить учебным, вспомогательным целям, при создании произведений разных видов искусств и украшать интерьер. Самостоятельное значение имеет станковый рисунок — выполненное на мольберте (станке художника), на отдельном листе, тщательно проработанное художественное произведение различных жанров (портрет, пейзаж, натюрморт, бытовой, мифологический рисунок и др.). Темы для рисунков могут подсказать сама жизнь, история или фантазия. Жизненные впечатления художник может зафиксировать в быстро выполненных набросках и зарисовках. Подготовительный рисунок необходим при создании живописных полотен, фресок, мозаик и витражей. Дизайнер или архитектор свой первоначальный замысел проекта фиксирует с помощью рисунка в эскизах. Скульптору необходимо хорошее владение рисунком, чтобы правильно передавать пропорции и объём, располагать форму в пространстве. Композиция скульптурного рельефа начинается с рисунка. Академический рисунок — многочасовую работу с подробной передачей конструкции и светотени объектов — выполняют слушатели Академии художеств и студенты высших специальных учебных заведений. Такая система обучения сложилась с конца XVI века и, как правило, включает копирование «оригиналов» признанных мастеров, рисование с гипсовых античных слепков и затем — с живой натуры. Учебный рисунок представляет собой обширную область разнообразных заданий по рисованию геометрических тел, гипсовых орнаментов, разнообразных натюрмортов, объектов мира техники и природы, человека, пейзажа, архитектурных построек и др. Как правило, учебные задания по рисунку соответствуют программным задачам, их предлагается выполнять по мере нарастания сложности в специальных условиях под контролем педагога. Рисунок, включающий учебное рисование с натуры, рисование по памяти и воображению, составляет основу художественного образования. С помощью одних и тех же средств рисунка: линии, штриха, пятна — художниками создается разнообразное восприятие мира. Всё зависит от того, как художник использует эти средства художественной выразительности, как он ведёт линию и кладёт пятно, в какой пропорции использует светлое и тёмное, как передаёт пространство и др. Благодаря рисунку мысль выявляет отношение художника к изображаемому. Почерк художника отражает его душевное состояние. Главное выразительное средство рисунка — линия. Линия запечатлевает неуловимое в движении жизни. Сплетаясь в разнообразные формы, линия бывает тонкой, изысканной и кружевной, колючей и злой, нежной и бархатистой. Богатство графических материалов помогает быть линии предельно разнообразной. Работы величайших мастеров прошлого и ведущих художников современности позволяют проследить историю развития рисунка, раскрывают особенности их творческого метода и выразительные возможности работы карандашом, тушью, углём, сангиной, пастелью и другими графическими материалами. Рисунок имеет самостоятельное значение в искусстве, являясь видом графики, и вместе с этим любой вид пластических искусств не может без него обойтись, потому что рисунок — основа живописи и скульптуры, народного и декоративно-прикладного искусства, дизайна и архитектуры. Рисование также представляет собой отдельный вид искусства, восходящий к глубокой древности, однако не ясно, является ли рисунок первичным видом изобразительной деятельности человека. В рисовании могут использоваться различные изобразительные средства: точка, линия, штрих, пятно — и способы изображения: плоскостной, объемный. Понятие рисунка развивалось исторически. Художник раннего Итальянского Возрождения Пьеро делла Франческа в «Трактате о живописной перспективе» (ок. 1482 г.) писал:
В определении Дж. Вазари содержится двойственное понимание термина. Во-первых:
Следовательно, рисунок как структурный образ наблюдаемого объекта складывается в сознании рисующего еще до начала собственно изобразительного процесса, и поэтому он несет в себе рациональное, интеллектуальное начало. Знанием рисунка (конструкции объекта) опосредуется зрительное восприятие внешней поверхности. Поэтому мы понимаем объект не только как «он видится глазу«, а действительно существующим в пространстве. К примеру, если мы видим круг, то благодаря осязательному восприятию можем увидеть его шаром; наблюдаем сочетания квадратов, а мысленно представляем куб в перспективе. В таком интеллектуальном восприятии структурные линии объекта создают представление направленности формы. Можно сказать, что «внутренний рисунок» объекта определяет его внешнюю, зрительно воспринимаемую форму, которая в свою очередь создает ясное представление. Реализовать такое представление можно различным образом: в зарисовке непосредственно с натуры, наброске, этюде, эскизе композиции по воображению, штудии, подготовительном рисунке для живописи или скульптуры, поисковом эскизировании в процессе архитектурного или дизайнерского проектирования, непосредственном рисовании в материале — при письме красками, лепке, в скульптуре. Разновидности рисования как творческого процесса преображения формы раскрывают его универсальное значение для всех видов изобразительного искусства. Отсюда знаменитое определение Микеланжело:
В эпоху Итальянского Возрождения слово «рисунок» (итал. il Disegno) означало, прежде всего, замысел, намерение, план, предшествующие работе в материале. Позднее появилось близкое понятие кончетто, а затем — инвенция (лат. inventio — «сочинение, изобретение, открытие»). До этих терминов итальянский художник и теоретик Ченнино Ченнини в «Книге об искусстве» (ок. 1390 г.) использовал определения: «Disegno interno» (итал., «рисунок внутренний») и «Disegno esterno» («рисунок внешний»). Этим понятиям ныне соответствуют французские термины: dessin («рисунок») и dessein («замысел, понятие»), восходящие к латинскому designare — «обозначать, определять назначение«. Теоретик итальянского Маньеризма Ф. Цуккари (ок. 1542—1609) также обосновывал понятия «внутреннего рисунка«, поясняя при этом, что он сознательно избегает слова «интенция«, употребительного «у логиков и философов«, или терминов «образец, идея«, поскольку «говорит как живописец«. Далее Цуккари поясняет:
Многие художники подчеркивали, что рисование — это не форма изображения, а прежде всего инструмент творческого мышления. Любитель афоризмов Э. Дега, соратник и одновременно оппонент французских импрессионистов, любил повторять: «Рисунок — не форма, а способ ви́дения«. Академист Ж.О.Д. Энгр, как и свойственно людям консервативным и прагматичным, формулировал это понятие более утилитарно: «Рисунок — это линия, это все!» В истории искусства рисунок долгое время оставался лишь «инструментом«, подсобным средством творческого мышления, и его не расценивали в качестве самостоятельного вида изобразительного искусства. Даже более того, живописцы, граверы, скульпторы по окончании работы над конкретным произведением часто уничтожали подготовительные рисунки, этюды, эскизы композиции. Некоторые собирали зарисовки «про запас» (франц., идиом. à vue d’oiseau — «мельком, бегло»), на случай их использования в будущем, составляя альбомы, карне́ (франц. carnet — «записная книжка, блокнот»). В XV—XVI вв. рисовали в основном по пергаменту или бумаге серебряным или свинцовым штифтом. Итальянские художники предпочитали серебряный штифт, который дает возможность рисовать тонкими линиями и четкими штрихами. А. Мантенья впервые применил диагональную штриховку, позволяющую моделировать объемную форму.Рафаэль рисовал пером, Микеланжело — штифтом, а также пером и бистром, приемами перекрестного штриха. Художники венецианской школы, склонные к живописному мышлению, предпочитали мягкие материалы: уголь, сангину, белый и красный мел, сланцевый, итальянский карандаш, а также жидкие материалы: тушь, сепию, чернила. Чаще рисовали на тонированной или цветной бумаге, причем прослеживается определенная тенденция — от графичности к живописности, соответствующая развитию художественного мышления от Классицизма к стилю Барокко. В XVII—XVIII вв. появлялись смешанные формы: рисунок в сочетании с подцветкой акварелью либо акварель или гуашь с последующим рисованием углем, сангиной, пастелью, а также «техника трех карандашей«: сочетание белого мела, красной сангины и черного итальянского карандаша. На Востоке культивировали каллиграфию и рисование цветной тушью (занимает переходное положение между рисунком и живописью). Оценка рисования в качестве самостоятельного вида искусства, как и многих разновидностей гравюры, складывалась в начале XX в. Интеллектуальная природа искусства рисования сделала этот способ творческого мышления основой обучения различным ремеслам еще в ренессансных боттегах, а затем в мастерских крупных художников.
|
Конструктивный рисунок — школа рисования АШБЕ, СПб
Продолжительность обучения 120 академических часов.
Курс для взрослых, продолжающих обучение.
Курс Конструктивный рисунок подходит для учащихся, имеющих опыт рисования с натуры. Продолжение изучения основ рисунка предполагает углубленное изучение принципов работы с натуры и анализа формы. В течении курса учащиеся выполняют рисунки более сложных объектов предметного мира. В данный курс входит рисование композиционных натюрмортов с включением сложных архитектурных деталей. В постановки вводятся мотивы драпировок. Композиции натюрмортов обогащаются введением бытовых предметов. Идет процесс изучения сложной пластической формы на основе изученных ранее простых геометрических предметов.
Отличительные особенности
Во время прохождения серии занятий базовой программы выполняется около 7-8 рисунков, начиная от простого натюрморта из двух геометрических предметов, заканчивая рисованием натюрмортных постановок. Рисунки создаются в эстетике короткого исполнения с преобладанием сквозного конструктивного построения и требуют немного времени для выполнения каждого задания.
Цель и задачи
- овладение основными знаниями конструктивного рисунка
- знакомство с теорией перспективы
- формирование навыков работы в графической технике графитного карандаша
- формирование художественного и эстетического вкуса
- развитие аналитического мышления
- формирование портфолио из конструктивных рисунков простейших геометрических фигур
- использование приобретенных навыков для дальнейшей изобразительной деятельности
Содержание курса
Занятия на курсе Конструктивный рисунок является следующей ступенью в освоении навыков рисования с натуры на основе изображения сложных архитектурных форм:
- Композиционное заполнения плоскости листа.
- Принципы пропорционального сравнения деталей сложных предметов.
- Рисование сложных пластических форм
- Анализ сложных форм, состоящих из простых элементов
- Конструктивное рисование.
- Закономерности освещения и светотеневого решения объема.
- Формирование объемно-пространственного мышления
- Формирования графического листа
Темы уроков
- рисунок сложного натюрморта
- рисование капители
- рисование архитектурных деталей и лрнаментов
- рисунок драпировки
- постановка в интерьере
Аттестация
Обучение сопровождается итоговой аттестацией, просмотром выполненных работ. Выдачей свидетельства о обучении.
Что же такое рисунок? | Творческие проекты и работы учащихся
Рисунок — изображение на плоскости, созданное с помощью средств графики.
Художесвенный рисунок или академческий рисунок — вид графики, является основой всех видов изобразительного искусства.
Без знания основных требований академического рисунка, художник не сможет грамотно работать над художественным произведением. В виде графической основы рисунок присутствует в любом изображении на плоском объекте (бумаге), в этом значении произведение оценивается с точки зрения качества.
Рисунок может выполняться как самостоятельное, отдельное произведение графики, либо быть дополнительным и вспомогательным этапом при создании картин живописи, графических работ, скульптур или архитектурных объектов. Рисунки или предварительные наброски для создания настоящих произведений живописи нередко имеют самостоятельное, колоссальное художественное значение и ценность.
Рисунки являются технической основой изобразительного искусства, поэтому искусство грамотного рисунка глубоко изучается всеми художниками, скульпторами и архитекторами в раках предмета «академический рисунок».
Рисунки пишут в процессе изучения натуры, при поиске композиционных решений графики, живописи и скульптурных произведений, при разметке живописной картины как подготовительный этап под живопись.
Станковый рисунок — самостоятельное прозведение, является в европейском искусстве отдельным видом графики. Станковыми рисунками являются также известные нам рисунки огромной эстетической ценности, первоначальное предназначение которых и неважно.
С живописью рисунок объединяет его уникальность, в то время как гравюры и литографии могут распространяться и иметь большое количество равнозначных экземпляров.
Части рисунка, создающие иллюзию трехмерности: свет, собственная тень (менее освещенная часть рисунка) и отбрасываемая тень (падающая на поверхность, на которой находится предмет), полутени (тени между светом и тенью), рефлекс (отсвет), блик (наиболее яркий и освещенный участок рисунка).
С помощью графического рисунка художники передают не только форму и степень прозрачности и освещенности объекта, но и цвет, — посредством черно-белого оттенка(для черно-белых рисунков), соответствующего данному цвету.
Пишутся рисунки в основном на белой бумаге. В станковом рисунке используются различные графические материалы: уголь, соус, сангина, цветные мелки, краски с помощью кисти и пера, тушь, чернила, карандаши, капиллярные пишущие узлы.
В учебном рисунке в настоящее время используется графитный карандаш и уголь.
Design 101: 8 основ графического дизайна, которые вам нужно знать
Принципы графического дизайна подобны строительным блокам. Все слои накладываются друг на друга, пока у вас не останется основа для создания чего-то невероятного, будь то дизайн логотипа, веб-сайта или собственной иллюстрации. Если вам нужна подробная информация обо всех основах графического дизайна, вы попали в нужное место, потому что мы собираемся охватить их все.
Давайте посмотрим, что вам нужно знать, чтобы добиться успеха в любом дизайне:
Изучите 8 основ графического дизайна
—
• Пространство
• Баланс
• Иерархия
• Линии и форма
• Цвет
• Типографика
• Текстура
• Брендинг
Площадь
—
Вы знаете то чувство покоя, которое возникает, когда вы находитесь в великолепном, просторном открытом пространстве? Что ж, графический дизайн работает точно так же.
Белое пространство в этом меню так же важно, как и другие элементы дизайна (и продукты питания!). Дизайн меню Marcy_McGuire.Лучшие дизайны — это не те, которые пытаются уместить каждый элемент дизайна блока в единую композицию. Они используют открытое пространство, чтобы привлечь внимание к действительно важным элементам.
10 способов более эффективного использования пространства
Пространство — это здорово, но только если вы знаете, как его эффективно использовать. Прочтите статью выше, чтобы узнать о новых стратегиях, позволяющих вывести использование пространства и композиции на новый уровень.
5 правил оформления композиции и верстки
Правильное использование пространства происходит от знания правил композиции. Познакомьтесь с ними (и другими обязательными законами верстки) в этой статье.
Пространство в интерактивном дизайне
Заинтересованы в UX и дизайне взаимодействия? Узнайте, как использовать пространство в цифровой среде.
Грифельная графика и элементы дизайна
А как насчет места на печатной странице? У нас есть все, что вам нужно знать об элементах дизайна в гравюре, в том числе о том, как работать с пространством.
Баланс и центровка
— Все элементы на этом плакате правильно сбалансированы, что усиливает общий эффект дизайна. Дизайн плаката — Швин.
Когда дело доходит до дизайна, вы определенно можете проявлять творческий подход, но вы также должны быть уравновешенными. Подумайте об этом так: если бы вы украшали свою гостиную, вы бы не пытались втиснуть диван, кресло с откидной спинкой, журнальный столик и крайние столики в крошечный угол, верно? Нет, вы разложите части по комнате, чтобы добиться баланса и выравнивания.То же самое и с графическим дизайном.
7 принципов проектирования
Правильная балансировка и выравнивание — основные принципы дизайна. Узнайте, как они работают и как использовать их вместе с другими элементами дизайна.
5 правил композиции и верстки
Структурируйте элементы своей композиции, чтобы создать хорошо коммуникативный дизайн. Эти пять правил упрощают задачу.
Иллюзия движения в графическом дизайне
Одна из самых крутых уловок в книге по графическому дизайну? При правильном балансе, выравнивании и композиции вы можете создавать дизайны, которые выглядят так, как будто они воплощены в жизнь.
Иерархия
—
Вы узнали, как использовать пространство и баланс. Но как привлечь внимание к ключевым элементам и убедиться, что ваши сообщения не теряются в случайном порядке?
Apple Music знает, как использовать визуальную иерархию для передачи своих ключевых сообщений. Изображение через Apple Music.Иерархия — это то, как вы представляете элементы в своем дизайне (будь то брошюра, веб-сайт или визитная карточка). Это направляет зрителей туда, где им следует сосредоточить свое внимание.Как правило, чем крупнее элемент дизайна, тем больше он привлекает внимания.
Но визуальная иерархия — это гораздо больше, чем просто «больше — лучше».
6 принципов визуальной иерархии
Это отличное место, чтобы познакомиться с основами того, как люди рассматривают дизайн, и как вы можете использовать это поведение, чтобы привлечь внимание к вашим наиболее важным элементам дизайна.
6 советов по улучшению типографской иерархии в веб-дизайне
Один из важнейших элементов веб-дизайна — это обмен сообщениями.В этой статье вы познакомитесь с ключевыми стратегиями использования типографики для привлечения внимания к своим сообщениям.
Использование шаблонов F и Z для создания визуальной иерархии в дизайне целевых страниц
Постройте свою иерархию на основе естественных движений глаз человека и начните повышать конверсию. Узнайте больше о том, как люди на самом деле видят вашу страницу и как вы можете построить вокруг нее свою иерархию.
Линии и формы
—
Линии и формы составляют основу вашего дизайна, и то, как вы их используете, может полностью изменить внешний вид и ощущения от дизайна.
Закругленные логотипы, угловые логотипы и логотипы с вертикальными линиями создают совершенно другой бренд и дизайн. Разработка логотипов: bo_rad, olimpio, AC Graphics.Например, дизайн со всеми закругленными краями будет посылать совершенно иное сообщение, чем дизайн, в котором есть четкие линии. Понимание значения линий и форм имеет решающее значение для создания дизайна, соответствующего вашему бренду, видению и сообщениям.
Значение формы логотипа
Ваш логотип — это лицо вашего бренда.А формы, которые вы включите в свой логотип, будут определять, что ваша аудитория будет вас воспринимать. В этой статье вы узнаете о различных значениях форм логотипа и о том, как сделать все возможное, чтобы создать собственный логотип.
Что такое фирменный стиль? И как спроектировать и разработать отличный
Линии и формы, которые вы используете в своих проектах, являются частью еще большей картины, называемой идентичностью бренда. Узнайте, как это работает и как разработать отличный.
Цвет
—
Цвет — это намного больше, чем просто радужный набор оттенков в сумке Skittles.Цвет — это влияние. Цвет — сила. Цвет стимулирует взаимодействие. Но только если вы умеете им пользоваться.
Дизайн упаковки от ve_staЦвета, которые вы выбираете для своих дизайнов, имеют решающее значение не только для вашей общей эстетики, но и для того, насколько хорошо ваши дизайны связаны с вашей аудиторией (что в конечном итоге приводит к результатам).
Значения цвета и искусство использования психологии цвета
Если вы хотите использовать цвет в своих интересах, вам нужно понимать, как каждый цвет влияет на вашу аудиторию.Узнайте больше о психологии цвета, более глубоком значении каждого оттенка и о том, как наилучшим образом использовать цвет в своих интересах.
Фирменные цвета: все, что вам нужно знать, чтобы выбрать идеальные пигменты для вашего бренда
Разные цвета приводят к разным результатам. Когда вы выбираете цвета для цветовой палитры вашего бренда, вы должны быть уверены, что выбранные вами цвета будут способствовать желаемым результатам. Изучите эту статью, выбрав лучшие цвета для своего бренда.
Психология цвета в веб-дизайне
Без сомнения, один из самых важных активов вашего бренда — это ваш веб-сайт.И один из самых важных аспектов вашего веб-дизайна — это цвет. Узнайте, как использовать психологию цвета, чтобы выбрать лучшие цвета для своего веб-сайта.
Как выбрать идеальные цвета для визитки
Ваши визитки предназначены для того, чтобы произвести на людей первое впечатление. Выбирайте правильные цвета, и они обязательно будут.
Типографика
—
Слова, которые вы используете в своих проектах, важны, но также важны шрифты, которые вы используете для передачи этих слов.
Типографика охватывает все, от выбора шрифта до макета шрифта. Он не только передает ваше основное сообщение, но также многое говорит о том, кто вы и что вы из себя представляете. Вот почему так важно сделать все правильно.
Как творчески использовать принципы типографики
Вы должны понимать основы типографики. Но также нужно понимать, как использовать их творчески. Узнайте больше о том, как проявить творческий подход с помощью основных принципов типографики.
Ускоренный курс по типографской лексике
Хотите освоить типографский жаргон? Пройдите этот ускоренный курс и выучите язык типографики.
Как выбрать шрифты для веб-дизайна
Правильные шрифты поднимут ваш веб-дизайн на более профессиональный уровень. В этой статье вы узнаете, как выбрать лучшие шрифты для своего веб-дизайна.
Как освоить адаптивную типографику
Огромная часть вашей аудитории увидит ваш сайт на мобильном устройстве, а это значит, что вам нужен адаптивный веб-дизайн и адаптивная типографика. Узнайте, как освоить адаптивную типографику.
14 типографских преступлений прекратить совершать
Есть семь смертных грехов, но когда дело доходит до типографики, их всего 14.Узнайте, что они из себя представляют (и как их избежать) из этой статьи.
Текстура
—
Texture — это верный способ добавить глубины и размера вашим дизайнам, что сделает их визуально более привлекательными.
Текстура делает графический дизайн живым. Проекты через Якопо Северитано, Гринблатт-Векслера и Павла Нольберта.Добавляете ли вы реальный трехмерный элемент к печатному изделию, например, визитке, или создаете иллюзию с помощью дизайна, текстура сделает ваш дизайн еще более запоминающимся.Но исправить это непросто. Если вы не примените текстуру, ваш дизайн может казаться загруженным или подавляющим — а это совсем не то, к чему вы стремитесь.
Инновационные подходы к текстуре в графическом дизайне
Как использовать текстуру ногтей в графическом дизайне и использовать ее для добавления нужной глубины? Узнайте о трех разных типах текстуры, о том, как они работают и когда их использовать.
Брендинг
—
Брендинг — это то, как вы воплощаете в жизнь свой бизнес, продукты, услуги и историю.Как ты это делаешь? Используя все основы графического дизайна, которые мы рассмотрели в этом руководстве, вы сможете создать бренд, который будет соответствовать вам.
Важность воплощения брендов в жизнь
Начните здесь и узнайте, почему так важно воплотить свой бренд в жизнь (и как это сделать) из этой статьи.
Как разработать стратегию брендинга для вашего бизнеса
Брендинг начинается со стратегии. Если вы хотите создать бренд, который рассказывает вашу историю и взаимодействует с вашей аудиторией, вам нужно планировать заранее.Из этой статьи вы узнаете, как именно разработать успешную стратегию для своего бренда.
Брендинг, фирменный стиль и логотип: в чем разница?
Вы не поверите, но это не одно и то же. Откройте для себя разницу между брендингом, фирменным стилем и дизайном логотипа.
В отличном дизайне нет ничего «простого».
–
Ну вот и все! Теперь у вас есть все ресурсы, необходимые для понимания основ графического дизайна. Имея эту прочную основу, все, что остается делать, — это использовать ее для создания невероятных дизайнов, которые сделают ваш бренд сияющим.
Ищете дизайн, который вам понравится?
Наши дизайнеры могут создать идеальный индивидуальный дизайн именно для вас.
10 основных принципов графического дизайна | Анахат Равал | Обращает на себя внимание
Изображение предоставлено: Unsplash«Есть три ответа на образец дизайна — да, нет и ВАУ! Вау — это то, к чему нужно стремиться ». — Милтон Глейзер
Графический дизайн играет решающую роль в создании бренда и в то же время в демонстрации ваших навыков.Хотя брендинг и дизайн неотделимы друг от друга, важно понимать основы графического дизайна, прежде чем приступать к выполнению любого нового задания. Работая с клиентами, вы получаете только одну возможность произвести сильное первое впечатление, так почему бы не объединить их опыт с вашими знаниями и применением элементов дизайна в различных проектах — графике социальных сетей, интерфейсе веб-приложений и приложений, видео, баннерах и т. Д. реклама и др. Конечно, как дизайнер, не беспокойтесь о том, чтобы рисовать вне линий и получать от этого удовольствие! Фактически, вы должны часто раскрашивать за пределами линий, чтобы оторваться от посредственной или повторяющейся структуры дизайна, но новички должны сначала знать, что это за предписанные линии.Итак, давайте разберемся с десятью основными принципами дизайна, которые помогут вам создавать потрясающую графику.
01. Весы
Весы придают стабильность и структуру конструкции в целом. Чтобы лучше понять это, подумайте, что за каждым элементом вашего дизайна стоит вес. Фигуры, текстовые поля и изображения — это элементы, составляющие ваш дизайн, поэтому важно знать визуальный вес каждого из этих элементов. Это не означает, что элементы всегда нужно распределять равномерно или что они должны быть одинакового размера — баланс бывает симметричным или асимметричным.Симметричный баланс — это когда вес элементов равномерно разделен на обе стороны дизайна, тогда как асимметричный баланс использует масштаб, контраст и цвет для достижения потока в дизайне.
Симметрично сбалансированная конструкция. (Дизайн: Анахат Равал) Этот яркий дизайн представляет собой распределение элементов (полос и цветов) для достижения асимметричного баланса. (Разработано: Anahat Rawal)02. Proximity
Proximity помогает в создании отношений между похожими или связанными элементами.Эти элементы не нужно группировать, вместо этого они должны быть визуально связаны шрифтом, цветом, размером и т. Д.
Выше приведен пример «близости». Здесь единообразная форма (круг) и цвета создают организованный дизайн. .Хотите прочитать эту историю позже? Сохранить в журнале.
03. Выравнивание
Выравнивание играет ключевую роль в создании бесшовной визуальной связи с элементами дизайна. Он придает упорядоченный вид изображениям, формам и блокам текста, удаляя элементы, размещенные в беспорядке.
Текст, форма и изображение были выровнены посередине, создавая «Выравнивание».04. Визуальная иерархия
Проще говоря, иерархия формируется, когда дополнительный визуальный вес придается наиболее важному элементу или сообщение в вашем дизайне. Этого можно добиться разными способами — используя более крупный или жирный шрифт для выделения заголовка; размещение ключевого сообщения выше других элементов дизайна; или акцентировать внимание на более крупных, подробных и красочных изображениях, чем менее актуальные или мелкие изображения.
В этом дизайне вы можете легко указать заголовок, дату, формы, изображение, а также текст внизу. (Дизайн: Анахат Равал)05. Повторение
Повторение — фундаментальный элемент дизайна, особенно когда дело доходит до брендинга. Он создает ритм и укрепляет общий дизайн, связывая воедино единые элементы, такие как логотип и цветовую палитру, что делает бренд или дизайн мгновенно узнаваемыми для зрителей.
В этом онлайн-портфолио зеленый цвет повторяется на странице, создавая связность и «Повторение».’(Разработано: Анахат Равал http://bit.ly/Anahat_Behance)06. Контраст
Контраст возникает, когда есть разница между двумя противоположными элементами дизайна. Наиболее распространенными типами контраста являются темный или светлый, современный или старомодный, большой или маленький и т. Д. Контраст направляет внимание зрителя на ключевые элементы, обеспечивая четкость каждой стороны.
Это изображение было затемнено, чтобы текст создавал резкий контраст на фоне.07.Цвет
Цвет — важная основа дизайна, и он определяет общее настроение дизайна. Выбранные вами цвета представляют ваш бренд и его тональность, поэтому будьте осторожны с выбранной палитрой. Графическому дизайнеру всегда полезно иметь базовые знания теории цвета. Например, золотые и нейтральные оттенки вызывают общее ощущение изысканности, яркие цвета сигнализируют о счастье, а синий создает ощущение спокойствия. Цветовые палитры можно использовать как контрастные или даже дополнять элементы.
Эта контрастная цветовая палитра создает яркий и энергичный дизайн.08. Негативное пространство
Мы обсуждали важность цветов, изображений и форм, но как насчет пространства, которое осталось пустым? Это называется «негативное пространство», что простыми словами означает пространство между элементами или вокруг них. При творческом использовании негативное пространство может помочь создать форму и выделить важные компоненты вашего дизайна.
Это потрясающий пример негативного пространства.(Изображение предоставлено: Маллика Фавре http://malikafavre.com)09. Типографика
«Слова имеют значение, шрифт имеет дух», — Паула Шер.
Типографика является одним из ключевых столпов дизайна, и она многое говорит о бренде или произведении искусства, если выполнено стилистически или даже индивидуально. Иногда «шрифт» — это все, что вам нужно для демонстрации концепции дизайна.
Пример отображаемой типографики. (Дизайн: Анахат Равал)10. Правила
Если вы опытный графический дизайнер, понимающий основы дизайна, пора нарушить некоторые из этих правил.И я не имею в виду использование пиксельных изображений или неразборчивого шрифта. Помните, что бы вы ни выбрали для общения, нельзя допускать компромиссов. Дизайн нового альбома
Sushileaf — это произведение искусства, нарушающее правила. https://apple.co/2JgpSSWХотя эти принципы могут потребовать от некоторых из вас быть более наблюдательными и делать мысленные снимки новых дизайнов (на которые вы наткнетесь), они являются ключевыми принципами для тех, кто хочет создать отличный бренд. за счет ярких визуальных эффектов и содержания.
Изучение основных элементов и принципов графического дизайна
В этой статье мы подробно рассмотрим основы графического дизайна.
Перейти к разделу: Элементы, принципы, композиция.
Your Designer Toolbox
Неограниченное количество загрузок: более 500 000 веб-шаблонов, наборов значков, тем и материалов для дизайна
СКАЧАТЬ
Основы графического дизайна: элементы
Всего шесть элементов дизайна, о которых вам нужно знать: линия, форма, цвет, текстура, значение и пространство.
1. Линия
Линия обычно присутствует в каждом дизайне, даже если это сплошная граница размером 1 пиксель или пунктирная граница размером 5 пикселей. На каждом веб-сайте есть линии, но минималистичный стиль, который стал более популярным за последние пару лет, пытается стереть линии с макетов или, по крайней мере, уменьшить их использование.
Линии могут быть длинными, красными, прямыми, тонкими, синими, пунктирными, короткими, черными или изогнутыми, все они относятся к одной категории. Чаще всего они используются для разграничения различных частей дизайна или используются для направления взгляда зрителя в определенном направлении.
Линии могут создавать различные эффекты и визуальное воздействие. В то время как толстая жирная линия привлекает внимание своей визуальной силой, тонкие линии имеют тенденцию идти в обратном направлении. Цвет тоже имеет значение, темные цвета легче увидеть и привлекают больше внимания, чем светлые или бледные.
И это еще не все. Стиль линии также может влиять на то, как ее видит пользователь. Этот стиль можно легко определить с помощью CSS, он может быть сплошным, пунктирным и пунктирным. Сплошные линии имеют другое влияние, чем пунктирные, потому что они более впечатляющие.
В минималистичном стиле, о котором я говорил ранее, используются либо менее сплошные, либо более изогнутые линии, поскольку они придают дизайну динамичный и плавный вид, что также является целью стиля. Они указывают на энергию, вызывают интерес у пользователя и, в сочетании с иллюстрацией, очень сильны для человеческого глаза.
Много лет назад сплошные линии были очень популярны, потому что они определяли стиль дизайна: жесткие, цельные и организованные. Интернет изменился за последние годы, и этот стиль больше не пользуется большой популярностью, особенно для портфолио дизайнеров и других страниц, которым настоятельно необходим индивидуальный подход.
Строки разделяют два столбца и не очень жирные.
Сплошные линии используются для разделения различных частей веб-сайта.
2. Форма
Форма, или форма, является вторым наиболее часто используемым элементом веб-дизайна. На самом деле это линии, объединенные в разные формы. Формы по-прежнему популярны, потому что если есть что-то, что нужно выделить, формы — один из способов сделать это.
Это могут быть круги, квадраты, прямоугольники, треугольники или любые другие абстрактные формы; большинство дизайнов включают по крайней мере один из них.Его часто используют в минималистичных дизайнах, потому что они часто основаны на иллюстрациях и рисунках.
Старый стиль проектирования веб-сайтов также включал формы, поэтому они оставались популярными на протяжении всего времени и, вероятно, останутся такими же.
Подобно линиям, формы также ассоциируются человеческим разумом с различными движениями. Например, круги ассоциируются с движением и природой, а квадраты часто рассматриваются как структурированные базовые конструкции. Как и в случае с линиями, цвет, стиль, фон или текстура формы могут полностью изменить восприятие зрителя.
В портфолио Фреда Майи используются формы, чтобы подчеркнуть логотип и предыдущую работу.
3. Текстуры
Текстуры не пользовались большой популярностью пару лет назад, но имеют тенденцию становиться все более и более популярными. Они заменили (или соревнуются, если это можно назвать соревнованием) однотонные фоны.
Текстуры могут выглядеть как сплошные цвета фона, но если их проанализировать внимательнее, можно заметить небольшие, но эффективные различия.
Стили текстуры включают бумагу, камень, бетон, кирпич, ткань и природные элементы, а также плоские или гладкие цвета.Текстуры также могут быть тонкими или ярко выраженными и использоваться экономно или обильно. Они работают практически со всем.
Даже если они не кажутся важными, текстуры могут полностью изменить веб-сайт и предложить совершенно иное визуальное воздействие.
В портфолио Джейсона Жюльена используется текстура гранжа.
На этой веб-странице используется другая текстура, чем в первом примере, и она выглядит как математический блокнот.
4. Цвет
Цвет может быть даже самым важным элементом дизайна, потому что он дает самое сильное визуальное воздействие с одного взгляда.Цвет очевиден и не требует базовых графических навыков.
В то время как линии и формы означают то же самое, что и в реальности, только на более глубоком уровне, цвет означает то же самое, что и в природе. Цвет вызывает эмоции — красный — страстный, синий — спокойный, зеленый — естественный.
Даже если вы этого не осознаете, цвета оказывают сильное влияние на ваш разум.
Исследования были проведены, и у человека, живущего в красной среде, сердцебиение и пульс выше, чем у человека, живущего в синей среде.Человеческий мозг видит это и влияет на остальное тело.
Поэтому очень важно знать теорию цвета, потому что не многие дизайнеры могут назвать себя экспертами в этой области. Быть мастером цвета может иметь значение, чтобы отличить хороший дизайн от потрясающего.
Я не говорю, что вы должны знать их все, но знание того, как оттенок, насыщенность, оттенок, оттенок, тон или цветность работают вместе, имеет решающее значение для графического дизайнера.
Feed Fever использует разные цвета для текста, пытаясь подчеркнуть важность каждой строки своим нюансом.
5. Значение
Я не указывал значение выше, даже если оно тесно связано с цветом, потому что значение является более общим и представляет, насколько темным или светлым является дизайн. Ценность тоже имеет прямое отношение к настроению, только на более глубоком уровне.
Понимание цветов приблизит вас к совершенству, но знание того, как работает ценность, поможет вам выйти за рамки этого. Более светлые дизайны предлагают иное воздействие и ощущения, чем темные, и вам нужен экспертный взгляд, чтобы заметить различия и решить, какой из них лучше.
6. Космос
Пространство и то, как оно используется, имеют решающее значение в дизайне. В последнее время стало широко использоваться «белое пространство» (также называемое негативным пространством), поскольку оно позволяет человеческому глазу легче читать.
Для тех, кто не знаком с термином «белое пространство», он означает не именно пространство, заполненное белым, а любую область дизайна, которая заполнена только цветом фона. Вы можете увидеть несколько примеров ниже, чтобы лучше понять концепцию.
Если в вашем веб-дизайне много отрицательного пространства, он предлагает свет и ощущение открытости.Отсутствие белого пространства превратит ваш дизайн в старомодный, загроможденный. Пространство также во многом связано с тем, как дизайн воспринимается человеческим глазом.
Даже если я сказал, что цвет, возможно, является самым важным элементом дизайна, пространство определенно присутствует в верхней части, потому что это также очень легко заметить неопытным глазом. Это может превратить дизайн в вашу пользу и извлечь максимум из вашего макета.
Google — лучший пример того, как можно максимизировать негативное пространство.
Site Inspire также использует негативное пространство по бокам и сочетает его с хорошо подобранной типографикой.
Заключение
Это основные элементы, о которых должен знать начинающий графический дизайнер. Эти знания позволят вам мыслить более ориентированно на пользователя и разрабатывать лучший стиль. Однако это еще не все.
Давайте поговорим о принципах дизайна.
Основы графического дизайна: принципы
В первой части мы рассмотрели основные элементы графического дизайна, включая формы, линии, текстуры и цвет.
В этом разделе мы пойдем немного глубже и рассмотрим принципы дизайна, которые очень важно знать, потому что они — то, что отличает хороших дизайнеров от потрясающих дизайнеров. Некоторые из принципов, которые мы рассмотрим сегодня, применяются бессознательно, но они определенно существуют, и мы покажем вам примеры из Интернета, чтобы проиллюстрировать концепции.
1. Остаток
Баланс — это то, как элементы дизайна распределяются по макету.Если баланс хороший, то стабильность гарантирована, хотя в последнее время многие дизайнеры выбирают несбалансированные конструкции, потому что они динамичны и предлагают совершенно другую перспективу.
Персональные страницы больше всего подходят для слегка несбалансированных макетов, и вскоре вы увидите несколько примеров.
Чтобы заметить, какой тип баланса имеет веб-сайт, вам необходимо знать трех типов баланса : симметричный, асимметричный и радиальный . Первый имеет место, когда обе стороны дизайна одинаковы по форме, линиям, текстуре и так далее.
Поскольку сегодня мы проектируем именно так, большую часть времени это происходит по вертикальной оси, поэтому, когда мы говорим о двух сторонах дизайна, мы говорим о левой и правой. Также есть примеры по горизонтальной оси, а иногда и по обоим, но они редки. Еще 5 лет назад симметричный дизайн присутствовал на большинстве веб-сайтов в Интернете.
Второй тип баланса возникает, когда две стороны веб-сайта не похожи друг на друга, но все же имеют схожие элементы.Хотя это называется асимметричным, они все же обеспечивают некоторую симметрию, как и первый тип баланса, только на более низком уровне. Асимметричные веб-сайты становятся все более популярными в настоящее время (см. Макеты WordPress с контентом с одной стороны и боковой панелью с другой).
Баланс радиуса имеет место, когда элементы дизайна размещаются по кругу. Они придают ощущение движения, динамизма, но это не так часто можно увидеть в Интернете, потому что даже у самых опытных дизайнеров возникают проблемы с выкладкой такого дизайна.
Как было сказано ранее, баланс достигается за счет форм, цветов, текстур, линий и других элементов, о которых мы говорили в первом эпизоде.
Florida Flourish — хороший пример полностью симметричного веб-сайта
Duplos использует асимметричную компоновку, которая действительно хорошо работает.
2. Доминирование и приоритет
Эти два принципа неразрывно связаны друг с другом. Оба они имеют прямое отношение к пользовательскому опыту, потому что отсутствие приоритета и доминирование элементов могут сбивать с толку.
Уровень доминирования — это уровень, при котором приоритетность определяется важностью различных элементов, таких как меню, логотип, контент или нижний колонтитул. Конечно, это также можно сделать, играя со шрифтом и размером, но давайте немного углубимся и посмотрим, что означают доминирование и приоритет.
Существует трех основных уровней приоритета . У нас есть заголовок или призыв к действию, который выступает в качестве основного элемента; затем у нас есть второстепенные элементы, такие как изображения, необходимые для обозначения точки, или, в большинстве случаев, навигация.
Очевидно, что это не самый важный элемент веб-сайта, но без них тоже не обойтись. Третичные элементы — это такая информация, как ссылки в нижнем колонтитуле, метаинформация о блогах или различных элементах, и большую часть времени веб-сайт может существовать без них. Однако они используются часто, потому что они по-разному дополняют дизайн, предлагая дополнительную информацию или дополняя макет некоторыми элементами.
Area17 подчеркивает доминирующий элемент в верхнем левом углу, и приветственное сообщение также привлекает вас из-за цвета.
3. Доля
Пропорции важны и представляют собой масштаб элементов по сравнению друг с другом. Они оказывают сильное влияние на пользователя и также связаны с предыдущим принципом. Неудивительно, что более крупные элементы оказывают на пользователя большее влияние, чем мелкие.
Доминирование, приоритет и пропорция работают вместе, чтобы гарантировать, что пользователь правильно видит информацию на веб-сайте. Использование более крупного шрифта в нижнем колонтитуле, чем в содержимом, является ошибкой, поскольку не соблюдаются эти три принципа.
Bluecated Interactive использует пропорции, чтобы привлечь внимание к изображению.
4. Контрастность
Это еще один важный принцип не только дизайна, но также фотографии и любого другого изобразительного искусства. Не думаю, что нам нужно углубляться в это, потому что все знают, что такое контраст.
Наличие достаточного контраста между элементами гарантирует, что некоторые из них выделяются больше, чем другие. Если дизайнеры хотят смешать элементы вместе, они делают это, минимизируя контраст между ними.Если контраст высокий, элементы отличаются друг от друга.
Если баланс достигается с помощью форм и линий, контраст можно создать с помощью цвета. Однако в последнее время контраст также был изменен с помощью типографики и текстуры, поэтому это становится все более популярным.
Идеальная типографика поможет вам добиться не только идеального контраста, но также пропорций, доминирования и приоритета. Нетрудно заметить, что последние три концепции, о которых мы говорили, в некотором роде немного связаны друг с другом.
Если мы поговорим об этой теме в более общем плане, мы сможем объединить их все в один абзац.
Кнопка «Найти совпадения» вeHarmony выделяется тем, что хорошо использует контраст.
5. Ритм
Это может быть для вас новинка. Ритм страницы — это принцип, который заставляет человеческий глаз переходить от одного элемента к другому. Это обеспечивает поток взгляда и порядок, в котором пользователи должны видеть элементы.
Это сложно сделать, потому что у каждого свой взгляд на веб-сайт, и заставить всех делать это одинаково может быть слишком сложно.
Есть ритмов двух типов : плавный и прогрессивный. Первый — это вариация, и лучший пример — это движение воды, которая в основном течет в одном направлении, но имеет много вариаций в том, как она движется. Постепенный ритм возникает, когда есть четкая последовательность того, как глаз должен перемещаться между элементами.
Портфолио Дэвида Десандро следует очень регулярному прогрессивному ритму.
6. Гармония и единство
Последний принцип дизайна направлен на то, чтобы даже при правильном применении всех вышеперечисленных принципов невозможно создать потрясающий дизайн без гармонии и единства, и это довольно часто наблюдается в реальной жизни.
Мы часто слышим о богатых людях, у которых есть все, что они хотят, но которым не хватает гармонии и единства в своей жизни. То же правило и в дизайне. Если все эти элементы работают правильно, значит, вы достигли того, что мы называем единством.
Размещение всех этих элементов на странице без их связывания друг с другом создает не дизайн, а страницу с кучей элементов. Если элементы дополняют друг друга, а веб-сайт приятен глазу и удобен для пользователей, значит, проделанная вами работа более или менее завершена.
Здесь нет необходимости приводить пример, мы все знаем, что веб-сайты с гармонией и единством можно найти повсюду; подумайте о веб-сайте, который вам очень нравится и который вы всегда помните. Вероятно, это сайт, в котором царит гармония и единство.
Заключение
Вторая статья серии завершает процесс анализа самых основных принципов дизайна, о которых вам действительно нужно знать. После прочтения первых двух статей у вас уже есть большая часть знаний, необходимых для создания собственного макета, но подождите еще немного.
Третья и последняя часть охватывает основы композиции, такие как фокус, теория сетки, законы гештальта и другие, которые также могут быть использованы для таких продуктов, как журналы, флаеры или брошюры.
Основы графического дизайна: Композиция
Второй был о принципах графического дизайна, и мы рассмотрели такие концепции, как баланс, доминирование, контраст и гармония. Сегодня мы углубимся в последнюю статью и поговорим о композиции и ее основных элементах.
1. Одиночный визуал
В этой композиции для дизайна используется одно изображение. Это означает, что изображение обычно мощное, производит впечатление, и весь дизайн построен на нем. Примеры отдельных визуальных страниц включают в себя целевые страницы, но они более популярны в печатном виде, чем в Интернете.
Единая визуальная композиция — одна из самых простых для достижения, хотя вам нужно тщательно выбирать изображение, иначе оно не даст желаемого эффекта. Главный принцип этого шаблона — убедиться, что типографика и другие элементы дизайна усиливают визуальный элемент и не конкурируют с ним.
Должно быть четкое определение того, что важнее, и в этом случае используемое изображение, иллюстрация или графический элемент должны быть наиболее мощными.
Glitter Denmark — очень хороший пример дизайна с единым визуальным узором.
2. Золотое сечение
Золотой рацион, который также известен как спираль Фибоначчи или Фи, составляет около 1: 1,618. Спираль Фибоначчи встречается во всем мире в самых разных областях, и Интернет не исключение.
Рекомендуется размещать элементы на веб-сайте в соответствии со спиралью, потому что так работает человеческий глаз. Правильное использование золотого сечения сосредоточит внимание посетителей на конкретных вещах, которые вы хотите подчеркнуть.
3. Координатор
Это еще один важный момент, потому что фокус — это тот, кто дает зрителям то, на что можно взглянуть. Фокусная точка добавляет более конкретную идею к дизайну и служит отправной точкой для большинства посетителей.
Фокус можно представить с помощью простой типографии, кнопки, иллюстрации, изображения или любого другого элемента. Это полностью зависит от дизайнеров, каким образом он хочет создать фокус.
Точка фокусировки должна быть в фокусе и должна быть первым элементом, который видит зритель, когда он входит на страницу (особенно в первый раз).
Однако если сделать его слишком важным и заметным, это нарушит баланс макета. Сосредоточьтесь на цели вашего сайта и сделайте так, чтобы цель страницы отображалась через нее.Например, наличие кнопки с призывом к действию является фокусом, потому что это последнее действие, которое вы хотите, чтобы пользователь совершил на вашей странице.
4. Сетка
Это не должно быть новым для вас. Теория сеток, возможно, самый популярный элемент композиции, потому что мы делаем это постоянно, даже не осознавая. Сетки добавляют структуру дизайну и используются для сохранения правильной пропорции между элементами на странице.
В Интернете можно найти множество каркасов сетки, которые можно бесплатно загрузить и построить, и я действительно рекомендую вам использовать их, если вы новичок в этой области.Работа с сетками с самого начала позволит вам почувствовать себя комфортно с этим подходом, и это хорошо для ваших макетов.
Сеткине обязательно должны быть жесткими постоянно, они также могут быть тонкими, но если вы выберете этот вариант, убедитесь, что дизайн все еще будет чистым и усовершенствованным перед доставкой.
При работе с сетками всегда полезно спрашивать отзывы у окружающих, потому что многочасовая работа с сеткой перед вами, вероятно, заставит ваши глаза не замечать мелких ошибок, требующих корректировки.
Сетка
5. Законы гештальта
Когда я изучил этот принцип в школе, я был поражен тем, насколько он изменился в моих конструкциях. Законы являются результатом визуального восприятия человеком вещей, включая веб-сайты и элементы. Законы создаются тем, как различные элементы воздействуют на зрителя.
Есть пять принципов гештальт-законов: завершенность, подобие, продолжение, согласованность и близость.
Вкратце, закон закрытия гласит, что мы привыкли закрывать в нашем воображении то, что на самом деле не закрыто.Хорошим примером является ближний круг, который вы рисуете только на 330 °. Человеческий мозг будет воспринимать это как единый замкнутый круг.
Закон близости показывает, что мы склонны группировать объекты, которые расположены ближе друг к другу, в то время как закон подобия подчеркивает одно и то же, только то, что мы группируем объекты одного цвета, формы или текстуры.
Закон продолжения подчеркивает, что объекты будут группироваться как единое целое, если они коллинеарны или следуют определенному направлению, в то время как последнее правило, правило выравнивания, показывает, что объекты выравниваются по их краям (очень популярный шаблон) , или по их осевым линиям.Объекты также могут перекрывать друг друга.
Гештальт-закон закрытия
Гештальт-закон близости
На самом деле законов гештальта гораздо больше, но не все они важны для дизайнеров. В конце статьи вы можете найти ссылку на все законы и узнать больше о каждом из них.
6. Макет «Z» и «F»
Так называемая «Z» раскладка основана на нормальном движении человеческого глаза. Как видно из названия, большинство людей, за которыми наблюдали, смотрят на веб-страницу в форме буквы Z, то есть они начинают в верхнем левом углу и заканчивают в правом нижнем.
Выравнивание всех объектов на домашней странице по этой форме определенно даст лучшие результаты и сделает ваш дизайн более эффективным.
Макет в форме Z
Существует также другой тип макета в форме буквы F. Это означает, что пользователи читают первую строку, а затем продолжают читать вторую, продолжая в определенном порядке.
Goal Arena — это вид в видимой форме F
Итог
Это наиболее важные принципы дизайна, и если вы хорошо разбираетесь в каждом из них, ваши макеты не только будут выглядеть лучше, но и улучшат взаимодействие с пользователем.
Создание хороших интерфейсов для пользователей заставит их помнить вашу страницу, и, если вы привыкнете работать с этими принципами, в какой-то момент она даже станет нормальной и логичной.
Готово!
Конечно, есть гораздо больше знаний, чтобы узнать обо всех этих законах, но эти знания приходят с опытом, и вы не можете получить их только из книг, но на практике.
Оглядываясь назад, вы уже должны иметь достаточно знаний об основных элементах графического дизайна, и я очень надеюсь, что если вы новичок, эта серия статей заставит вас более серьезно задуматься о карьере графического дизайнера.
Этот пост может содержать партнерские ссылки. См. Раскрытие партнерских ссылок здесь .
Design 101: что такое графический дизайн?
Когда я пошел на второй курс колледжа на курс «Дизайн 101», я думал, что знаю все, что мне нужно знать об основах графического дизайна.
Я хотел пропустить скучные уроки по цветам, формам и простые учебники по Adobe Photoshop и графическому дизайну, которые были впереди меня, и сразу перейти к мельчайшим деталям продвинутого процесса графического дизайна.
Шутка была надо мной. Графический дизайн на самом деле довольно сложен, и я знал не так много, как думал. К моему ужасу, я собирался потратить весь семестр на размышления о психологии цвета, а не на изучение того, как овладеть искусством графического дизайна.
Но хорошие новости для вас. Вам не нужно тратить семестр на изучение основ графического дизайна, вам нужно будет провести здесь всего несколько минут. Правильно, я здесь, чтобы рассказать вам все, что вам нужно знать о графическом дизайне, и кое-что еще.
Если вы похожи на меня, я уверен, что многие из вас, читая это, думают, что вы довольно хорошо понимаете, что такое графический дизайн. Рекламные щиты, логотипы, журналы, видеоигры, векторная графика, растровая графика: все, что приходит на ум, когда я думаю о графическом дизайне. Но что это на самом деле? Да, это профессия, но если копнуть глубже, для многих это действительно искусство — выражение собственной эстетики.
Для тех из вас, кто предпочитает техническое определение, у нас есть это и для вас:
Определение графического дизайна
Графический дизайн — это искусство или профессия визуальной коммуникации, которая объединяет изображения, слова и идеи для передачи информации аудитории, особенно для создания определенного эффекта.Другими словами, графический дизайн — это дизайн коммуникации; Это способ передачи идей через визуальные эффекты и дизайн.
Но хотите верьте, хотите нет, графический дизайн — это не черно-белое понятие. Чтобы полностью понять концепцию графического дизайна, важно иметь четкое представление об элементах и принципах, из которых состоит дизайн.
Элементы графического дизайна
Элементы искусства — это базовые единицы любого визуального дизайна, которые формируют структуру дизайна и передают его визуальные сообщения.Элементами графического дизайна являются:
Line — самый базовый из элементов дизайна. Линии могут быть изогнутыми, прямыми, толстыми, тонкими, двумерными, трехмерными — какими угодно! Линия — это просто элемент дизайна, который определяется точкой, движущейся в пространстве.
Форма — Форма — это двухмерная заданная область, созданная линиями. Различные типы форм включают геометрические, абстрактные и органические формы, которые являются основными элементами дизайна.
Цвет — Цвет — это один из элементов, который особенно важен для привлечения внимания, потому что за чувствами, которые может вызывать цвет, стоит психология. Цвет имеет три основных характеристики: оттенок (цветовая гамма), значение (насколько светлый или темный цвет) и насыщенность (чистота цвета).
Типографика — Типографика — это искусство набора шрифтов. Это критически важно, поскольку может сильно повлиять на обмен сообщениями в дизайне. Разный вес (полужирный, обычный или светлый) в сочетании с различными размерами, цветами и интервалом может добавить силы концепции, которую дизайнер пытается донести.
Текстура — Текстура в дизайне относится к тому, как вещи выглядят так, как если бы к ним прикоснулись. Например, текстура может быть грубой, гладкой, глянцевой, мягкой, твердой и т. Д. Текстура — еще один элемент, используемый для привлечения внимания. Его можно добавить к другим элементам, таким как формы, цвета, изображения и текст.
Размер — Размер — это просто то, насколько что-то маленькое или большое. В дизайне размер используется как показатель важности, а также может вызвать визуальный интерес к дизайну за счет использования контрастных размеров.
Пробел — Пробел относится к областям дизайна, которые остаются пустыми. Эти области включают любое расстояние или области между, вокруг, под или над другими элементами дизайна. Дизайнеры намеренно размещают в дизайне пространства, чтобы акцентировать внимание на отдельных областях дизайна.
Принципы графического дизайна
Принципы дизайна подсказывают, как проектировщику следует лучше всего расположить различные компоненты макета страницы, чтобы элементы общего дизайна были связаны друг с другом.Принципы проектирования включают следующее:
Balance — Достижение визуального баланса в графическом дизайне достигается с помощью симметрии и асимметрии. Это достигается за счет уравновешивания дизайна по весу, то есть формы, линии и другие элементы распределены равномерно. Таким образом, даже если две стороны дизайна не одинаковы, у них есть похожие элементы. Баланс важен, потому что он обеспечивает структуру и стабильность конструкции.
Выравнивание — Выравнивание заключается в сохранении организованности дизайна.Все аспекты дизайна должны быть выровнены по верху, низу, центру или сторонам, чтобы создать визуальную связь между элементами.
Близость — Близость создает визуальную связь между элементами дизайна. Это сводит к минимуму беспорядок, улучшает понимание зрителем и обеспечивает фокус для зрителей. Это не обязательно означает, что похожие элементы нужно размещать рядом друг с другом, это просто означает, что они должны быть связаны визуально.
Повторение — После того, как вы выбрали, как использовать элементы, повторите эти шаблоны, чтобы добиться единообразия во всем дизайне.Это повторение связывает воедино отдельные элементы и усиливает дизайн, но создает ощущение организованного движения.
Контрастность — Контрастность используется, чтобы подчеркнуть определенные аспекты дизайна. Использование контраста позволяет подчеркнуть различия между элементами, в конечном итоге выделяя ключевые элементы вашего дизайна, которые вы хотите выделить.
Инструменты графического дизайна
Процесс проектирования значительно расширился с непрерывной дигитализацией в современном мире.Но то, что эти процессы изменились с годами, не означает, что дизайнеры по-прежнему не используют традиционные инструменты графического дизайна, такие как старый карандаш и бумага.
Большинство графических дизайнеров используют гибридный процесс, включающий как традиционные, так и цифровые технологии. Обычно дизайнеры начинают процесс проектирования с набросков концепций с помощью традиционных инструментов графического дизайна, прежде чем приступить к работе на компьютере для завершения. Многие дизайнеры начинают прямо с компьютера, используя программное обеспечение для графического дизайна.Эти инструменты улучшили творческий процесс, позволив дизайнерам исследовать идеи и реализовывать проекты быстрее, чем полностью отрисовывать дизайн вручную.
Виды графического дизайна
Со временем графический дизайн стал довольно многогранным. Общая концепция состоит из разных областей и специализаций. Вот некоторые из наиболее распространенных типов графического дизайна:
Корпоративный дизайн — Корпоративный дизайн связан с визуальной идентичностью компании.Любые визуальные элементы, составляющие идентичность бренда, например логотип бренда (созданный с помощью программного обеспечения для разработки логотипов), могут быть связаны с корпоративным дизайном. Этот тип графического дизайна используется в бренд-маркетинге для передачи ценностей бренда через изображения, формы и цвета.
Маркетинг и рекламный дизайн — Пожалуй, один из наиболее широко известных видов графического дизайна: маркетинг и реклама. Когда большинство людей думают о графическом дизайне, они, скорее всего, думают о маркетинге и рекламном дизайне.Графика в социальных сетях, реклама в журналах, рекламные щиты, брошюры, шаблоны электронного маркетинга, контент-маркетинг — все это примеры этого широко используемого типа графического дизайна.
Дизайн публикации — Дизайн публикации традиционно относится к печатной среде, но опять же, с постоянной дигитализацией нашего поколения, он перешел на цифровую публикацию. Дизайнерам публикаций необходимо тесно сотрудничать с редакторами и издателями, чтобы гарантировать, что макеты, типографика и иллюстрации со вкусом сочетаются с получением наилучшего конечного результата.Примеры графического дизайна публикаций включают книги, газеты, информационные бюллетени, журналы и электронные книги.
Экологический дизайн — Этот тип графического дизайна, по крайней мере, на мой взгляд, обычно игнорируется. Графический дизайн окружающей среды — это использование визуальных элементов в окружающей среде для связи людей с этими местами. Цель экологического дизайна — улучшить опыт людей в этих местах; делает ли это впечатление более запоминающимся или информирует зрителя. Архитектура, дорожные знаки, вывески, помещения для мероприятий и настенные росписи — все это примеры экологического дизайна.
Дизайн упаковки — Когда вы покупаете новый продукт, он, скорее всего, имеет какую-либо форму упаковки или визуального элемента, такого как этикетка, наклейка или упаковка, которые используются для подготовки продукта к распространению или продаже; эти элементы созданы дизайнерами упаковки. Крайне важно, чтобы эти дизайнеры знали о текущих тенденциях на рынке, чтобы обеспечить успешный маркетинг продукта.
Анимированный дизайн — Анимированный графический дизайн — это подмножество графического дизайна, и это именно то, на что он похож: графика, которая находится в движении.Это может включать анимацию, видеоигры, приложения, GIF-файлы, функции веб-сайтов и т. Д. Это все еще несколько новая область графического дизайна, поскольку технологические достижения позволили дизайнерам исследовать новые среды.
Веб-дизайн — Хотя веб-дизайн не обязательно является типом графического дизайна, графический дизайн является одним из элементов веб-дизайна, поэтому о нем стоит упомянуть здесь. Почему? Потому что веб-дизайнеры должны учитывать и комбинировать различные элементы дизайна, такие как макет, изображения и типографика, чтобы создать удобный и приятный интерфейсный веб-дизайн.Итак, если вы не можете понять, как создать веб-сайт самостоятельно, стоит обратиться к веб-дизайнеру. Веб-дизайн также тесно связан с UX и UI-дизайном, о котором я расскажу дальше.
Лет назад, скорее всего, всякий раз, когда кто-то говорил о «дизайне», они, скорее всего, имели в виду графический дизайн. Но с появлением цифрового мира, в котором мы живем сегодня, наполненного интерактивными экранами и устройствами, эта идея немного изменилась. Он представил различные виды дизайна, которые часто могут сбивать с толку тех, кто не занимается дизайном.При этом давайте поговорим о двух типах дизайна, о которых вы, вероятно, слышали, но не совсем уверены, что они : дизайн UX и дизайн пользовательского интерфейса.
UX-дизайн
Что такое UX? UX-дизайн, также известный как дизайн пользовательского опыта, — это улучшение — как вы уже догадались — пользовательского опыта. Этот конкретный тип дизайна фокусируется на структуре и логике элементов дизайна, с которыми взаимодействуют пользователи. UX-дизайнеры работают над улучшением удобства использования, доступности и приятного взаимодействия пользователей с продуктом, чтобы максимально удовлетворить потребности клиентов.Это достигается путем выполнения анализа проблемных точек и анализа удобства использования после запуска продукта.
Дизайн пользовательского интерфейса
Дизайн пользовательского интерфейса, или дизайн пользовательского интерфейса, относится к интерактивным элементам дизайна. Этот тип дизайна требует хорошего понимания потребностей пользователей, потому что он фокусируется на предвидении того, что пользователям нужно будет делать на устройстве, и на обеспечении того, чтобы интерфейс содержал элементы, которые делают эти действия возможными. Эти элементы включают в себя такие вещи, как раскрывающиеся списки, переключатели, хлебные крошки, уведомления, индикаторы выполнения и т. Д.По сути, дизайн пользовательского интерфейса расширяет определение графического дизайна; дизайн, обладающий какой-либо интерактивностью, является пользовательским интерфейсом, даже если он содержит статические изображения.
Кто такой графический дизайнер?
Теперь, когда мы рассмотрели различные типы графического дизайна, давайте займемся следующим большим вопросом:
Кто такой графический дизайнер?
Проще говоря, графические дизайнеры — это визуальные коммуникаторы и решатели проблем.
Я даю вам это широкое определение, потому что, учитывая, что существует множество различных типов графического дизайна, карьера в графическом дизайне может означать много разных вещей.И откровенно говоря, профессия может быть связана с любой из этих специализаций.
Но для простоты, давайте рассмотрим основы карьеры в графическом дизайне.
Если вы решите работать с графическим дизайном, вы можете работать с несколькими различными настройками. Можно,
- Работа для компаний, связанных с отраслью, таких как дизайн-консалтинг или брендинговые агентства (агентство графического дизайнера)
- Работа с любой компанией (штатный графический дизайнер)
- Самостоятельная работа удаленно (графический дизайнер-фрилансер)
Агентство Графический дизайнер
Многие компании нанимают агентства графического дизайна, чтобы те работали для них.Так что, если вы работаете графическим дизайнером в агентстве, скорее всего, вы получите креативное задание от компаний для работы над проектами для разных брендов. Если вы работаете дизайнером агентства, от вас ожидают, что вы будете экспертом в области дизайна. Часто графические дизайнеры агентств очень специализируются в области графического дизайна.
Штатный графический дизайнер
Если вы работаете штатным графическим дизайнером, вы работаете в солидной компании, и ваша работа сосредоточена только на этом единственном бренде.В этом сценарии вы в большей степени являетесь специалистом по графическому дизайну, поэтому вы можете удовлетворить все творческие потребности своей организации.
Графический дизайнер-фрилансер
На мой взгляд, работа графическим дизайнером-фрилансером, пожалуй, самая трудная, потому что вы не только должны обрабатывать все запросы на дизайн, но и несете ответственность за все аспекты своего бизнеса. Конечно, есть льготы, такие как работа в свободное время и в собственном пространстве, но вам понадобятся знания не только в графическом дизайне, но и в других областях.
Чем занимается графический дизайнер?
Основная задача графического дизайнера — создавать визуальные концепции, которые передают решения и идеи, которые вдохновляют, информируют и увлекают потребителей. Для этого графические дизайнеры объединяют искусство и технологии для получения конечных результатов, которые находят отклик у их целевой аудитории.
Хотя цели могут зависеть от типа графического дизайна, графические дизайнеры в первую очередь сосредоточены на том, чтобы сделать любую организацию, для которой они проектируют, узнаваемой.Они там, чтобы помочь создать фирменный стиль, продвинуть бренд компании и донести свои идеи до визуально приятного контента.
Графический дизайн приобретает все большее значение в маркетинге и продажах как компаний, так и продуктов. При этом графические дизайнеры, как правило, тесно сотрудничают с специалистами по связям с общественностью и маркетингу, чтобы лучше понять, как они могут передавать нужные сообщения.
Проект 101: Завершено!
Ну вот и все! Вы официально прошли курс Design 101 о….на пять месяцев быстрее, чем я. Повезло тебе.
Хотя эта статья дает вам отличное представление об основах графического дизайна, мы продолжим более глубокое погружение в другие области мира дизайна. Так что не забудьте вернуться в ближайшее время, чтобы увидеть больше статей о графическом дизайне!
Готовы начать карьеру графического дизайнера? Изучите лучшее бесплатное программное обеспечение для графического дизайна для начинающих в 2018 году.
Принципы и элементы графического дизайна, которые должен знать каждый производитель
Для лазерной резки уверенно следуйте этим практическим рекомендациям по проектированию.
Если вы дизайнер или инженер, продающий продукты, которые вы производите, или используете их для брендинга своего бизнеса, вы знаете, что для успеха требуется нечто большее, чем просто оригинальная идея или уникальный продукт.На конкурентных торговых площадках, таких как Etsy и Kickstarter, а также на крупных выставках, конференциях и мероприятиях, не только нужно, чтобы ваши продукты были хорошо спроектированы, но вам также может потребоваться сильный бренд, присутствие в Интернете и красивые фотографии продуктов, чтобы привлечь клиентов внимание.
Сначала это может показаться ошеломляющим, но не бойтесь! Эта статья поможет вам разобраться в основах графического дизайна и предложит набор практических рекомендаций по дизайну, которые помогут вам с уверенностью выполнять лазерную резку.
Основы графического дизайна
Все, что сделано человечеством, требует определенных дизайнерских решений. Смотреть по сторонам. Компьютеры, столы, стулья, кофейные кружки, свитера, обувь. Все было затронуто дизайнером, который принял решение о визуальной и физической природе этого продукта на основе его предполагаемого использования и желаемого визуального стиля.
Независимо от того, разрабатываете ли вы новейшие технические устройства, делаете лазерную резку ювелирных изделий или проектируете товары для дома, напечатанные на 3D-принтере, вы тоже будете принимать массу дизайнерских решений.Потребители хотят, чтобы их покупки хорошо выглядели и работали, поэтому дизайнерам и инженерам очень важно хорошо понимать основы графического дизайна, когда они подходят к своей работе. Задача дизайнера — соотносить форму с функцией при создании красивых и удобных в использовании продуктов.
Хороший дизайн — это эффектный дизайн. Это кажется легким, как и должно было быть. Ни меньше, ни больше. По словам Ирен Ау, «Хороший дизайн похож на холодильник. Когда работает, никто не замечает.Но когда этого не происходит, от этого наверняка воняет «. Другими словами, ожидается хороший дизайн. Вещи выглядят и ощущаются правильно, , хотя это чувство часто остается незамеченным неподготовленным глазом.
Это может показаться недостижимой целью, но базовые знания теории дизайна сделают ее значительно более осязаемой. Теория дизайна включает, но не ограничивается этим, правильное использование принципов и элементов дизайна для создания хорошего дизайна. Элементы дизайна относятся к фундаментальным компонентам дизайнерской композиции, а принципы дизайна относятся к тому, как эти элементы используются вместе.
Со временем в теории дизайна произошло бесчисленное количество движений. Это сложная тема, к которой подошли, обдумали и интерпретировали многие блестящие умы. Хотя не существует единой единой доктрины теории дизайна, которой все дизайнеры неукоснительно следуют, существует несколько концепций дизайна, которые приближаются к всеобщему признанию в теории дизайна. Ниже мы рассмотрим 7 элементов дизайна и 7 принципов дизайна, которые должен знать каждый производитель.
7 элементов графического дизайна
Элемент дизайна — это самая основная единица визуального дизайна и самый фундаментальный ингредиент, из которого создается любой дизайн.
Представим, что создание предмета дизайна похоже на строительство дома. Элементами дизайна будет сырье, такое как кирпич или дерево. То, как используются выбранные материалы, повлияет на общий вид, ощущение и функциональность. Знание предназначения дома и предполагаемого стиля помогает архитектору принять решение о материалах.
Хорошим примером является бревенчатый домик, который, как мы обычно понимаем, подходит для горного дома. Это выглядело бы как неуместно рядом с пляжем или в пустыне.Но почему? Что ж, рассматриваемый материал имеет определенные атрибуты или качества, которые делают его подходящим или не подходящим для этого дома.
Бревна идеально подходят для горного дома с функциональной точки зрения, потому что они являются природным богатым материалом в горах, они могут выдерживать непредсказуемые горные штормы и обладают термальной массой, которая помогает поддерживать тепло в доме. Бревна также визуально гармонируют с природной обстановкой в горах. Выбор материала основан на сочетании функциональности и стиля.
Подобно деревянным бревнам, элементы дизайна — это материалы, доступные в вашем распоряжении как дизайнеру. Эти основные строительные блоки, 7 элементов дизайна, — это линия, цвет, значение, форма, текстура, пространство и форма. У каждого из них есть свой собственный набор атрибутов, которые могут работать в направлении или против вашей идеи или намерения как в отношении функции, так и стиля. Другими словами, дизайнеры могут обмениваться идеями или концепциями, используя 7 элементов дизайна, которые можно использовать по отдельности или в сочетании друг с другом в зависимости от целей.
Дизайнеры, планирующие изделия для лазерной резки, должны рассматривать элементы дизайна как в визуальном, так и в физическом контексте. Физические материалы, используемые в конечном продукте, сами по себе являются элементами дизайна. Проектирование лазерного резака означает учет существенности конечного продукта на протяжении всего процесса проектирования. Давайте подробнее рассмотрим каждый элемент дизайна, чтобы лучше понять, как его можно использовать.
Строка
Первый и самый фундаментальный элемент дизайна — это линия, которая является отправной точкой для большинства дизайнеров, смотрящих на чистый холст.В контексте графического дизайна линия определяется как две соединенные точки в пространстве. Линии могут содержать множество атрибутов, таких как толстые, тонкие, тонкие, матовые, гладкие или грубые, горизонтальные, вертикальные, диагональные, изогнутые или изогнутые, пунктирные, точечные, непрерывные или прерывистые, как показано на этом изображении из Elements Of Design.
Дизайнеры часто используют линии, чтобы направить взгляд на определенную точку, разделить пространство, выделить акцент и создать текстуру.
При лазерной резке линия является обязательным элементом, так как станок для лазерной резки движется вдоль линий в линейном поле.Файлы дизайна для лазерной резки — это, по сути, линейные чертежи, предоставляемые станку лазерной резки, который переводит эти линии в физический продукт.
Цвет
Цвет — второй элемент дизайна, и, как и линия, цвет может использоваться для задания настроения или тона дизайна. Зеленый и синий, например, имеют тенденцию к спокойствию и расслаблению. С другой стороны, красный и апельсин более сильны и страстны.
За подбором цветов на основе того, что они означают и как они заставляют нас чувствовать, стоит целая наука, как видно на этом изображении из Digital Arts Online.
Использование цвета для передачи этих эмоций может сделать дизайн более успешным в достижении желаемого результата. В случае производителей, которые продают свою продукцию, этот желаемый ответ = покупка.
Для более полного понимания цвета рассмотрим следующие характеристики:
Оттенок: Часто используется как причудливое название цвета (например, пурпурный, зеленый, синий), но также означает чистый цвет до добавления к нему любого черного или белого.
Оттенок: Добавление черного к оттенку, что делает его более темной версией чистого цвета.
Оттенок: Добавление белого к оттенку, что делает его более светлой версией чистого цвета.
Тон: Добавление серого к оттенку, приглушенная версия чистого цвета.
Intensity: Обозначает яркость или чистоту цвета. Говорят, что истинный оттенок имеет высокую интенсивность, тогда как его оттенок, оттенок или тон имеют низкую интенсивность.
Чтобы узнать больше о теории цвета, ознакомьтесь с этим простым подходом на Medium или прочтите статьи Pantone по анализу цвета здесь.
При лазерной резке цвет, безусловно, играет роль не только в выборе материала, но и в общей композиции. Загляните в каталог материалов Ponoko, чтобы увидеть огромный выбор, и не пропустите эти статьи, чтобы увидеть материалы, превращенные в настоящие продукты для вдохновения.
Значение
Значение описывает диапазон яркости и темноты цвета. Это изображение шкалы значений от Tes Teach иллюстрирует, что происходит, когда черный цвет добавляется к белому для создания оттенков серого.
Эта концепция важна для дизайнеров не только с точки зрения простого выбора цвета, но и потому, что ценность определяет формы и создает пространственные иллюзии. «Если значения близки, формы будут казаться сглаженными и тесно связанными в пространстве; ничто не будет выделяться среди других », — объясняет Шарлотта Йирусек в книге« Искусство, дизайн и визуальное мышление ». «Если значения контрастируют, формы будут казаться разделенными в пространстве, и некоторые будут выделяться среди других. Это работает независимо от того, являются ли цвета просто черным, белым и серым или присутствуют оттенки.”
Форма
Проще говоря, форма — это качество отдельного объекта или тела, имеющего внешнюю поверхность или очертания определенной формы или фигуры. Это разграничение пространства может быть выполнено с помощью цвета, линии, значения или текстуры.
Нас окружает так много форм (дома, офисы, машины, деревья, цветы, кошки, собаки), что мы можем не думать о них много. Но для дизайнера формы лежат в основе графического дизайна. «Это фигуры и формы, из которых состоят логотипы, иллюстрации и бесчисленное множество других элементов во всех типах дизайна», — пишет автор и веб-дизайнер Дженнифер Кирнин в этой статье Lifewire.«Формы помогают дизайнеру добавить интерес или организовать элементы дизайна. Они также не являются строго декоративными, поскольку формы могут иметь символическое значение, вызывать чувства или использоваться для направления взгляда на наиболее важную информацию ».
Формы можно описать тремя способами: механическими, органическими или абстрактными.
Механические формы — это формы с твердыми краями, обычно геометрические, которые создают ощущение стабильности и порядка в дизайне.
Органические формы имеют неправильную форму и часто имеют кривые или неожиданные углы, что создает более естественный и выразительный дизайн.
Абстрактные формы — это буквы, значки или символы, которые могут помочь передать сообщение.
В приведенном выше примере из UX Planet форма играет важную роль в успехе дизайна приложения для художественных курсов. У кругов нет углов, поэтому создается ощущение мягкости и мягкости, чем при использовании полигонов.
При лазерной резке вы платите за каждое движение, которое делает лазер. Для прорисовки многих мелких подробных фигур требуется больше времени, чем для прорисовки меньшего числа более крупных фигур.Круги занимают больше времени, чем прямые. А поскольку при лазерной резке время = деньги, выбранные вами формы повлияют не только на эстетическую привлекательность продукта, но и на его стоимость.
Текстура
В дизайне текстура имеет два определения. Во-первых, это визуальная текстура, когда кажется, что текстура существует на плоской поверхности за счет использования линии, формы или цвета. Например, фотография коры дерева естественным образом показывает большую визуальную текстуру. В графическом дизайне этот плакат, показанный на Abduzeedo, рекламирующий гонку на горных велосипедах, использует текстуру, чтобы добавить эмоциональный и реальный отклик.
Второе определение текстуры — тактильная, физическая текстура или ощущение элемента дизайна, такого как гладкий, мягкий, грубый, пушистый и т. Д.
Это произведение искусства, вырезанное лазером Габриэлем Шамой на жилой площади , является прекрасным примером как тактильной, так и визуальной текстуры. Она склеивает слой за слоем? » дерево красного дерева, которое было искусно вырезано лазером в различных геометрических формах. Слои дерева имеют тактильную текстуру при прикосновении, а физическая глубина слоев дает визуальную текстуру, если просто смотреть издалека.
Текстура особенно важна для дизайнеров, работающих над проектами лазерной резки, поскольку конечный продукт представляет собой физический объект с присущей ему тактильной текстурой. Думая не только о создании чего-то, что хорошо выглядит, дизайнеры также должны учитывать, как текстура передает эстетику дизайна с выбором материала. Например, неотъемлемая твердость нержавеющей стали имеет промышленный оттенок, а мягкость войлока — искусная и теплая. Лазерная гравировка может добавить еще один уровень текстуры, как визуальной, так и тактильной, в зависимости от материала.
Космос
Наименее очевидный из семи элементов дизайна, пространство позволяет дизайнерам использовать двухмерные пространства и создавать иллюзию трех измерений. Это достигается с помощью различных методов:
Перекрытие : Помещая одни объекты внахлест перед другими, дизайнеры могут начать создавать иллюзию пространства. Фигуры на переднем плане всегда должны располагаться впереди тех, которые находятся на заднем плане, как видно на этом изображении, любезно предоставленном The Virtual Instructor.
Затенение : Добавление градиента значений к форме дает иллюзию трехмерного объекта. Это изображение из Elements of Design демонстрирует, как выполняется затенение, сначала идентифицируя источник света, а затем определяя области для бликов, полутонов, теней и отраженного света на основе положения источника света.
Атмосферная перспектива : Этот метод визуализации глубины или расстояния в пространстве относится к эффекту, который атмосфера оказывает на объекты.Как поясняется в этом примере изображения из веб-дизайна для инструкторов: «Атмосферная перспектива использует цветовые и ценностные контрасты, чтобы показать глубину. Объекты, которые находятся дальше, обычно имеют менее четкий контраст; они могут отойти на второй план или стать нечеткими темными участками. Объекты переднего плана будут четкими с более резким контрастом ».
Линейная перспектива: С помощью этой техники дизайнеры создают иллюзию глубины на плоской поверхности, а также определяют точку фокусировки.Объекты, которые находятся далеко, выглядят меньше, даже если на самом деле они не маленькие. Подумайте о движении по длинному отрезку шоссе. Линии на шоссе становятся все меньше и меньше, пока не исчезнут на горизонте.
Web Design for Instructors объясняет: «Линейная перспектива основана на идее, что все линии сходятся в общей точке на горизонте, называемой точкой схода. Любые стены, потолки, полы или другие объекты с линиями будут казаться соединенными на линии горизонта.Эти сходящиеся линии приводят наш взгляд к этой фокусной точке. Часто в этой точке находится самый важный объект или человек. Вы можете видеть на рисунке ниже, как кажется, что все линии ведут ваш взгляд к церкви в центре задней части рисунка ».
Хотя большинство принципов дизайна в элементе пространства более очевидны в рисовании и живописи, они применимы к лазерной гравировке. Пример можно увидеть в работе Дэна Нарвы из Nine Day Weekend.
Хотя большинство проектов Дэна по лазерной резке вращается вокруг изготовления подставок, он обнаружил, что может преобразовывать фотографии в индивидуальные изображения, которые выгравированы лазером на цельные куски дерева. Он использует перекрытие, чтобы придать объем свадебному образу пары, например, и линейная перспектива вступает в игру, когда он создает индивидуальный памятный знак для нового домовладельца. Прочтите все об этом здесь.
Форма
Форма относится к трехмерным объектам и является полезной концепцией для определения пространства, добавления объема в композицию и добавления контраста.Форма всегда будет иметь высоту, ширину и глубину, что может быть выполнено с помощью других элементов дизайна, таких как значение, линия и форма.
При лазерной резке формы можно создавать разными способами. Эти геометрические формы были созданы путем включения в дизайн пунктирной линии разреза, которая становится линией сгиба.
И для этой маленькой ошибки, плоские части, вырезанные лазером, были соединены вместе, чтобы создать трехмерную деталь.
7 принципов графического дизайна
Мы рассмотрели элементы дизайна, теперь давайте рассмотрим 7 принципов дизайна.Принципы дизайна относятся к тому, как элементы дизайна используются вместе. Эти принципы — баланс, единство / гармония, иерархия, масштаб / пропорции, доминирование / акцент, сходство / контраст и пустое пространство.
Принципы дизайна похожи на правила, набор руководящих принципов, основанных на практике и исследованиях для эффективного совместного использования элементов дизайна, которым должен следовать дизайнер. Возвращаясь к аналогии с домом из начала этой статьи, можно сказать, что принципы дизайна — это способ постройки дома или способ соединения материалов для создания дома.
Например, кирпичи (материал) используются для изготовления стен. Они расположены в шахматном порядке, что делает их визуально приятными и структурно прочными, что делает их успешными с функциональной и эстетической точек зрения. Однако было бы неправильно видеть такие же кирпичи на полу в главной спальне. Твердая древесина или ковер, как правило, лучше. Эти негласные правила о том, какие материалы использовать, где их использовать и как их использовать, являются нашим метафорическим эквивалентом принципов дизайна.
В том же духе, что и элементы дизайна, использование принципов дизайна может либо помочь, либо повредить функциональность и стилистическое видение вашего изделия. То, как вы соединяете элементы дизайна или составляете свой дизайн, так же важно учитывать, как и выбранные вами элементы.
Дизайнерам, выполняющим лазерную резку своих проектов, знание этих принципов проектирования поможет понять, как эффективно и рационально соединить детали, вырезанные лазером. Давайте подробнее рассмотрим каждый из 7 принципов дизайна, чтобы лучше понять, как ими воспользоваться.
Баланс
Balance делает дизайн стабильным и учитывается при принятии дизайнерскими решениями макета и композиции. Все элементы дизайна имеют визуальный вес. Принцип баланса говорит о равномерном, но не обязательно равном, распределении элементов дизайна.
Весы можно описать как симметричные или асимметричные. Давайте посмотрим, как они выглядят, с помощью изображений, любезно предоставленных журналом Smashing Magazine.
Симметричный баланс — это когда вес и ценность композиции по существу отражаются на воображаемой вертикальной линии по центру холста.
Асимметричный баланс — это когда две стороны не зеркально отражены, но элементы расположены таким образом, что возникает чувство баланса.
Когда дизайн несбалансирован, возникает дискомфорт, потому что элементы и композиция не имеют смысла.
Но вес больше размера объекта. Баланс также достигается за счет использования цвета, формы, положения, значения, текстуры и направления взгляда. Узнайте подробности того, как включить эти принципы баланса, в этой статье от Джейс-О-Йесты.
Единство и гармония
Единство и гармония говорят о нематериальном ощущении, что все элементы дизайна связаны друг с другом, создавая ощущение завершенности. Когда дизайн гармоничен, элементы дизайна работают в единстве. Цель любого дизайна — что-то сообщить. Без сильного единства это общение прерывается, и дизайн рушится.
Дизайн в целом — это больше, чем сумма его частей. При правильной композиции будет казаться, что разные элементы дизайна связаны друг с другом.Повторение, сходство и близость могут добавить это визуальное ощущение завершенности вашему дизайну.
На этом изображении, полученном от Pluralsight, сходство формы используется для установления единства. Изображение слева состоит из отдельных квадратов, и эти квадраты зеркально отражаются с правой стороны с небольшими цветными прямоугольниками, расположенными рядом с текстом. Повторяющиеся квадратные формы объединяют макет и делают его единым.
Еще один метод установления единства — схожесть цветов.В этом постере к фильму (изображение любезно предоставлено Sitepoint) для всего изображения использовались приглушенные цвета с золотыми бликами на лице Тома Круза. Затем этот золотой оттенок отражается в тексте названия фильма и имен актеров.
Еще один простой способ создать единство — это повторение и близость. Эти точки на изображении Pluralsight прекрасно демонстрируют оба принципа. Мало того, что круговой узор повторяется, каждый также размещается близко друг к другу с линейным выравниванием, чтобы сформировать единую форму.
Если вы удалите некоторые точки, вы потеряете повторяющуюся форму, и дизайн будет выглядеть несвязным. Точно так же, если вы рассредоточите точки там, где одни находятся в тесных скоплениях, а другие — далеко, близость перейдет от порядка к хаосу.
Хотя в этом примере в основном используется форма как средство демонстрации повторения, вы также можете создать повторение с помощью цвета. В этом случае все круги черные, но они могут быть любого одного цвета. Также можно использовать несколько цветов, если есть близость.Возможно, первая горизонтальная линия вся красная, затем зеленая, затем синяя и так далее. Но если бы все 30 кругов были разного цвета, вы бы потеряли общее единство даже с повторением формы и близостью.
Если вы хотите узнать больше о единстве и гармонии в дизайне, погрузитесь в этот Prezi.
Иерархия
Иерархия — это порядок, в котором зритель смотрит на элементы дизайна в композиции. У дизайнера есть всего несколько секунд, чтобы привлечь внимание, поэтому важно дать зрителю понять, куда смотреть в первую, вторую, третью и т. Д.
Естественно, что глаза в первую очередь привлекают более крупные части дизайна, поэтому зрители, как правило, всегда прежде всего смотрят на самый крупный объект. С точки зрения дизайна это означает, что у большого объекта будет больше иерархии, чем у меньшего объекта.
Другая тенденция человеческого глаза — искать что-либо необычное в узоре или узоре. Если элемент имеет визуальный вес, отличный от других элементов дизайна, он будет иметь большую иерархию.
В статье 99designs объясняются шесть принципов визуальной иерархии.Один из первых принципов — шаблоны сканирования страниц, как это показано на этом изображении z-шаблона. Когда информация не представлена в виде блочных абзацев, взгляд читателя сначала просматривает верхнюю часть страницы, где часто находится важная информация, а затем перемещается вниз по диагонали в противоположный угол, чтобы сделать то же самое в нижней части страницы. .
Для получения дополнительной визуальной информации ознакомьтесь с этой инфографикой, которая объясняет 12 принципов визуальной иерархии, которые должен знать каждый дизайнер, и способы их использования в своих интересах.
Масштаб и пропорции
Масштаб — это то, как элементы дизайна соотносятся друг с другом по размеру, весу и размещению. Пропорция — это относительный размер, вес и расположение элемента ко всей конструкции. Правильный масштаб и пропорции элементов помогают создать ощущение баланса.
Микеланджело Давид превосходная иллюстрация масштаба и пропорции. Это изображение с Sophia.org показывает, что он силен в размерах; идеал по пропорциям.
«Масштаб . этой потрясающей фигуры больше, чем жизнь: более 13 футов в высоту.Кроме того, она установлена на пьедестале выше среднего человека, так что скульптура возвышается над зрителем. Это придает ощущение божественного величия », — пишет Люси Лэмп. « пропорций внутри тела основаны на древнегреческой математической системе, которая предназначена для определения совершенства человеческого тела».
Вопреки совершенству Дэвида , когда дизайн «непропорционален», относительный размер и вес двух или более элементов кажутся неправильными с точки зрения размера и соотношения по отношению друг к другу, например, человек с крошечная голова.При этом дизайнеры могут преувеличивать размер и соотношение, чтобы передать сообщение или идею, например, преувеличенные размеры и пропорции на этом изображении, любезно предоставленные Visual Communication Design.
Доминирование и акцент
Доминирующий элемент дизайна — это центральная точка вашего дизайна, на которую глаз зрителя проводит больше всего времени. Эти элементы дизайна будут выделены, чтобы иметь большую иерархию, чем другие в композиции.
Увеличить размер этих элементов или сделать их ярче по цвету — это два способа добиться этого эффекта.Общее правило — убедиться, что область, которую вы хотите выделить, контрастирует с остальной частью дизайна, будь то размер, форма, цвет, текстура и т. Д.
В этом примере от Джона Ловетта нет доминирующего объекта, и поэтому ваши глаза не знают, куда идти, потому что на изображении нет фокусной точки.
В его втором примере одна лодка теперь явно больше всех остальных. Доминирование вошло в картину, и в общей композиции стало намного больше ясности и сбалансированности.
Сходство и контраст
Дизайнеры часто используют преимущества гештальт-принципов, набора правил, описывающих, как человеческий глаз воспринимает визуальные элементы, чтобы успешно использовать сходство и контраст. Гештальт, что означает «единое целое», относится к тому, как человеческий глаз естественным образом группирует визуально или концептуально похожие предметы в большее целое.
Сильный инструмент для объединения вашей работы, сходство в дизайне говорит о повторяющемся использовании схожих элементов дизайна в одной и той же дизайнерской композиции.На этом изображении из Creative Bloc все элементы дизайна имеют одинаковые основные характеристики формы треугольника. Таким образом, в общем дизайне Статуи Свободы есть сходство.
Контраст, с другой стороны, описывает, когда два соседних элемента дизайна имеют явно противоположные качества. Элемент дизайна с контрастом всегда будет привлекать внимание зрителей, в отличие от того, чтобы видеть все элементы вместе как единое целое, что демонстрирует это изображение также из Creative Bloc.
Большой размер, другая форма и более светлый цвет среднего квадрата нарушают шаблон сходства и привлекают внимание зрителя к центральной фокусной точке.
Для более глубокого изучения способов использования контраста (включая размер, форматирование, цвет и форму) ознакомьтесь с Fruit Bowl Media. И узнайте больше обо всех принципах гештальт в Interactive Design Foundation.
Белое пространство
Пустое пространство или отрицательное пространство описывает пустую часть композиции дизайна или часть холста дизайна, которая остается нетронутой.В то время как принципы и элементы, обсуждаемые до сих пор, касаются того, что вы добавляете в композицию, последний принцип касается того, чего вы не добавляете.
Обеспечение достаточного количества белого пространства помогает дизайну чувствовать себя организованным и лаконичным, и его можно использовать для дальнейшей передачи концепции дизайнера.
В этой статье Vanseo Design автор Стивен Брэдли объясняет, что пробелы делают три основные вещи в дизайне:
1. Создает группировку элементов
2. Создает выделение и иерархию
3.Улучшает читаемость
«Пробел дает глазу место для отдыха, которое ему нужно, чтобы усвоить сообщение, которое вы пытаетесь передать», — говорит он. «Это визуальный сигнал о том, что содержание прервано или содержание завершено».
На этом изображении из той же статьи вы можете увидеть, как пробел создает столбцы, строки и сетки, которые используются для организации письменной информации на этой печатной странице.
Whitespace также можно использовать художественно, как это видно на этом M.Снимок К. Эшера Sky and Water I . Известный графический дизайнер и мастер оптических иллюзий, Эшер наиболее эффективно использовал пробелы в мозаике птиц и рыб.
Чтобы узнать больше о том, как максимально эффективно использовать пробелы, не пропустите эти статьи о PrintWand, Treehouse и Design Modo.
Практическое проектирование
Для тех, кто планирует использовать лазерный резак, принципы и элементы, обсуждаемые в этой статье, помогут вам создавать успешные и красиво оформленные продукты, которые нравятся клиентам, независимо от того, продаете ли вы свои товары или используете продукты для продвижения бизнеса в качестве бренда или агентства. .Помимо лазерного резака, эти принципы и элементы дизайна также могут помочь с фотографиями продуктов, дизайном веб-страниц и персональным брендом.
Хороший дизайн неподвластен времени, но новые идеи и подходы в концепциях дизайна всегда впереди. Следите за последними тенденциями в графическом дизайне благодаря прогнозу Vengage в области дизайна на 2018 год.
Готовы заняться проектированием своей первой детали, вырезанной лазером, но не знаете, как использовать подходящие инструменты? Мы вас прикрыли. Ознакомьтесь с нашими уроками по Adobe Illustrator и Inkscape и приготовьтесь сделать свой первый монтаж!
Дополнительная благодарность Лизе Хорн за дополнительные написание и редактирование содержания.
Как создать отличную графику без навыков дизайна
Запугать дизайн? Ты не одинок. Написание и кодирование само по себе достаточно сложно; визуальный контент может казаться новой (и, честно говоря, подавляющей) территорией.
Но не бойтесь: вам не нужна ученая степень или тысячи часов, проведенных в пакете Adobe, чтобы создавать привлекательные дизайны. При наличии нужных ресурсов и четкого плана каждый может собрать привлекательное искусство для сообщения в блоге, твита, веб-сайта, приложения или другого проекта.Это означает, что вместо того, чтобы просить вашего дизайнера или нанимать фрилансера для разработки базовых изображений, вы можете сделать их самостоятельно.
Восхитительный дизайн начинается с самого необходимого. В этом руководстве рассматриваются основные элементы дизайна, включая линии, форму, цвет, текстуру и шрифт, а затем исследуются более сложные принципы, такие как баланс, контраст, ритм и пустое пространство. Мы научим вас, как они могут легко сочетаться друг с другом, чтобы создавать отличную графику для вашего контента.
Мы также рассмотрим инструменты и ресурсы, которые можно использовать для стимулирования творчества и более быстрого создания красивой графики.
Готовы превзойти свои дизайнерские навыки? Давайте начнем.
Основные элементы дизайна
Дизайн — это план расположения элементов таким образом, чтобы наилучшим образом достичь определенной цели.
Чарльз Имс, дизайнер
Дизайн — это не что-то загадочное, и его могут освоить только вундеркинды. Даже самый простой дизайн можно разбить на отдельные части, или «элементы». Эти элементы включают линию, форму, цвет, текстуру и шрифт.
Дизайн — это просто «план расположения элементов таким образом, чтобы наилучшим образом достичь определенной цели», как сказал Чарльз Имс, самый влиятельный дизайнер ISDA 20-го века. Разбейте основные элементы дизайна на части, и вы сможете собрать из них любое количество творений.
Но будьте осторожны: если вы используете элементы дизайна произвольно, ваш дизайн тоже будет произвольным. Понимание того, как каждый элемент влияет на ваш дизайн — и их соответствующее использование — позволяет вам создавать что-то, что вызывает определенные эмоции, дополняет ваш контент и соответствует вашему бренду.
Давайте заложим фундамент, изучив основные элементы дизайна: линии, форму, цвет, текстуру и типографику.
Линия
Вы знаете, что такое линия: все, что соединяет две точки. Линии выполняют несколько важных функций в дизайне: разделяют контент и привлекают внимание к определенному месту.
Взгляните на домашнюю страницу MailChimp. Линия отделяет меню вверху (также известное как панель навигации) от центральной области страницы. Под основным разделом у нас есть еще одна линия, представляющая Mailchimp Pro.Такой линейный макет позволяет посетителю понять, что происходит.
Между тем, Digiday использует линии, чтобы привлечь ваше внимание к ключевым областям сайта. Благодаря всем окружающим линиям выделяется раздел «подписаться» на главной странице, что побуждает больше посетителей вводить свой адрес электронной почты.
Разные линии тоже вызывают разные чувства.
Горизонтальные линии вызывают чувство неподвижности и устойчивости (представьте, как солнце медленно спускается за горизонт).
Вертикальные линии , напротив, энергичны (изобразите настороженного, стоящего человека).
Если вы хотите создать ощущение драмы, используйте диагональные линии — они передают беспокойное, даже грубое ощущение движения.
Взгляните на целевую страницу Vibrant Composites в качестве примера. Он содержит два типа линий: вертикальные линии руки и диагональную линию в правом углу. Поскольку оба типа динамичны, эта домашняя страница кажется захватывающей и мощной.
Линии могут показаться упрощенным инструментом, но они имеют решающее значение для организации визуальной информации и задания тона дизайна.
Дополнительная литература:
Форма
Когда вы читаете слово «форма», вы, вероятно, думаете о квадрате или треугольнике. Это геометрических фигур . Но есть также естественные формы « органических », которые имеют неправильную форму и часто содержат кривые (например, круги попадают в эту категорию, хотя технически они геометрически).Затем есть абстрактных фигур , которые узнаваемы, но не реалистичны (например, фигурка).
Подобно линиям, каждый тип формы производит различные эмоциональные эффекты. Геометрические формы предполагают структуру, контроль и порядок. С другой стороны, органические формы более удобны и дружелюбны. Абстрактные формы очень быстро передают информацию.
На домашней странице Visage используются чисто геометрические формы, поэтому она выглядит профессионально и надежно.
На домашней странице Basecamp, напротив, используются органические округлые формы, вызывающие тепло и детское любопытство.
Домашняя страница Lyft — хороший пример использования как органических, так и абстрактных форм. Круги приятные и безопасные, а значки помогают быстро и наглядно передать сообщение Lyft.
Когда вы создаете что-то новое, не забывайте об основных формах — они обеспечивают основу для нашего взаимодействия в сети, а формы, которые вы выбираете, сообщают больше, чем кажется на первый взгляд.
Дополнительная литература:
Цвет
Психология и теория цвета чрезвычайно важны для маркетинга.В конце концов, люди решают, что они думают о продукте, в течение 90 секунд — и исследователи обнаружили, что до 90% этого суждения основывается исключительно на цвете. Кроме того, дальнейшие исследования показали, что потребители с большей вероятностью купят, если цвет кажется «подходящим» для бренда.
В конечном счете, у двух людей не будет одинаковой реакции на цвет: у всех нас есть личные предпочтения, уникальное происхождение и культурные влияния, которые влияют на то, что цвет означает для нас. Но есть общие тенденции, которые можно использовать.
Теплые цвета , такие как красный, оранжевый, желтый и их вариации, излучают страсть, тепло, счастье, силу и энергию.
Холодные цвета , включая синий, зеленый и фиолетовый, более спокойные и успокаивающие.
Нейтральные цвета включают белый, черный и серый. Технически, они не оказывают эмоционального воздействия (но я бы сказал, что «отсутствие эффекта» — это эффект сам по себе!)
Также существует вариант в пределах цветов. Например, вы, вероятно, думаете о зеленом охотнике как о более серьезном и мрачном, чем неоново-зеленый.К счастью, легко взглянуть на цвет и инстинктивно понять, какой эффект он произведет — по крайней мере, на людей с таким же опытом, как у вас.
Взгляните на сайт Prezi в поисках доказательств. Ярко-синий цвет выглядит энергичным, ярким и современным.
В резком контрасте (буквально) у нас есть домашняя страница Revelator. Как видите, простой переход с черного на белый оказывает огромное влияние на ваше восприятие продукта и бренда. Этот дизайн выглядит урбанистическим, мощным и насыщенным.
Цвет придаст вашему дизайну эффектности и эмоций, но увлечься им тоже легко.Если вы создаете что-то для сопровождения текста, удобочитаемость — это цель №1 — избегайте цветовых комбинаций, которые конфликтуют с другими элементами или отвлекают от вашего сообщения. Ваши глаза, как правило, служат хорошей лакмусовой бумажкой для определения цвета; если что-то не так, поиграйте с разными оттенками.
Дополнительная литература:
Текстура
Может показаться странным говорить о текстуре в цифровом дизайне — в конце концов, вы не можете прикоснуться к чему-либо через экран компьютера. Но вы все равно можете представить , как что-то будет ощущаться.
По словам авторов журнала Smashing Magazine Джона Сэвиджа и Саймона Х., «Текстура становится неотъемлемой частью дизайна. Она может направлять взгляд пользователя и подчеркивать важность ключевых элементов».
Вы можете использовать текстуру в качестве фона, как это сделал Houndstooth Coffee.
Вы также можете добавлять текстуру через изображения.
На сайте, рекламирующем [Uncharted] ((http://uncharted.sunbrella.com/), документальный фильм об олимпийской сборной США по парусному спорту, текстурный аспект волн заставляет вас чувствовать себя частью сцены.
При этом плоский дизайн в настоящее время переживает возрождение, отказавшись от текстуры, теней, градиентов и всего, что делает дизайн трехмерным. Вместо этого они используют простые иллюстрации и значки, двухмерные фигуры и яркие цвета.
Этот минимализм может показаться освежающим и современным.
Например, посмотрите целевую страницу Make This Year. Благодаря анимации набора текста и яркой цветовой комбинации этот дизайн определенно не нуждается в текстуре, чтобы сделать его интересным.
Текстура добавляет дизайну глубины, хотя при смешивании материалов следует соблюдать осторожность. Смешивание противоречивых текстур, таких как дерево и стеклянные поверхности, может превратить физическую связь с вашим искусством в более неприятное ощущение.
Дополнительная литература:
Типографика
Распространение вашего сообщения по вопросам. И типографика — или искусство и техника расположения букв и символов — имеет огромное влияние на то, понимает ли ваша аудитория это сообщение.
Во-первых, давайте проясним разницу между «гарнитурой» и «шрифтом». Думайте о каждом шрифте как о семействе, а о шрифтах как об отдельных членах этого семейства. Например, в гарнитуре (или семействе) Helvetica шрифты (или члены семейства) включают Helvetica Regular, Helvetica Light, Helvetica Bold, Helvetica Compressed и Helvetica Rounded.
Helvetica Light, Roman и ObliqueМожно также классифицировать гарнитуры шрифтов. Хотя существует несколько вариантов, два наиболее важных — это шрифт с засечками и без засечек.
Serif относится к гарнитурам с небольшими декоративными отметками, отходящими от каждой буквы. Популярные шрифты с засечками включают Times New Roman, Rockwell, Georgia и Baskerville. Шрифты с засечками обычно считаются более легкими для чтения, поскольку отдельные буквы более различимы, и они также кажутся более традиционными или классическими.
Sans serif включает шрифты, на которых, как вы уже догадались, нет мелких декоративных знаков. В это семейство входят Helvetica, Arial, Futura и Franklin Gothic.Эти шрифты кажутся чище и современнее, но их труднее читать.
Также есть моноширинных шрифтов , включая Courier, Courier New и Lucida Console. Каждый символ моноширинного шрифта имеет одинаковую ширину. Они выглядят как машинописный текст и обычно используются для кода, сценариев и в некоторых письменных приложениях, особенно для первого черновика. Однако они могут быть тяжелее для глаз, чем пропорциональные шрифты, поэтому они обычно не используются для длинных фрагментов текста в дизайне.
Также удобно понимать другие факторы, влияющие на читаемость вашего текста:
Отслеживание : сколько места между буквами. Чем больше места, тем легче читать ваш шрифт.
Ведущий : сколько места существует между каждой строкой. Используйте ведущее значение, которое в 1,25–1,5 раза больше размера шрифта. Размер : Размер шрифта — сложный вопрос, поскольку он меняется в зависимости от того, какое устройство использует кто-то, насколько велик экран, примененные настройки и т. Д.Якоб Нильсен, эксперт по удобству использования в Интернете, предлагает использовать размер шрифта не менее 10 пунктов или, возможно, увеличить его до 12 пунктов для лучшей читаемости.
Иерархия : демонстрирует относительную важность каждой части информации. Вы можете создать иерархию с помощью шкалы — заметили, что заголовок этой публикации больше моего имени внизу? Это потому, что вас, вероятно, больше заботит , о чем контент, чем , написавший его . Традиционно заголовки имеют наибольший размер шрифта, за ними следуют подзаголовки, за которыми следует текст.
Толщина : Вы также можете создать иерархию, используя различную толщину шрифта. Толщина шрифта описывает толщину шрифта и обычно описывается как более светлый, нормальный, полужирный или более жирный. В целом, более легкие веса выглядят более утонченными, изящными и современными, в то время как тяжелые веса передают мощь и силу. Чтобы увидеть, как изменение толщины шрифта влияет на его внешний вид, попробуйте этот редактор кода.
Стиль : Как и вес, стиль шрифта добавляет акцента.«Вертикальный» или «нормальный» является наиболее распространенным, за ним следует «курсив». «Наклонный», который похож на курсив, встречается реже, поскольку некоторые веб-браузеры его не поддерживают.
Длина строки : Как следует из названия, длина строки определяет ширину текста по горизонтали. После подробного исследования того, как люди читают, оптимальная длина строки кажется от 45 до 85 символов.
Так же, как вино и сыр, одни шрифты работают вместе лучше, чем другие.Шрифт с засечками и без засечек — классическое сочетание, но вы определенно можете поиграть.
Typewolf — тщательно подобранная коллекция «шрифтов в дикой природе» — отличный источник вдохновения для подборки шрифтов. Typefinder также очень полезен: ответьте на ряд вопросов о том, где вы будете использовать этот шрифт и какой стиль вам нравится (например, «веб», «современный», «выразительный» и т. Д.), И получите предложения по соответствию.
И если вы хотите по-настоящему погрузиться в типографику, вам понравится Typeface.Это приложение для Mac хранит все ваши шрифты, так что вы можете сравнивать их как бок о бок, так и через наложения. Вы сможете уловить даже самые тонкие различия.
Дополнительная литература:
Основные принципы дизайна
Теперь, когда вы понимаете основные строительные блоки проекта, давайте рассмотрим рекомендации по их объединению. Вот основные принципы, которые помогут вам создать последовательный и привлекательный дизайн: баланс, контраст, ритм и пространство.
Balance
Мы всегда стремимся к балансу: в работе и в жизни, в диете и физических упражнениях и, конечно же, в дизайне.
При визуальном балансе представьте вертикальную линию, проходящую через центр вашего дизайна. Для симметрии по обе стороны от линии должно быть одинаковое количество «материала».
У этого «материала» есть технический термин: «визуальный вес». Вы должны интуитивно понимать, какие элементы имеют больший визуальный вес, чем другие; например, чем крупнее что-то, тем тяжелее на ощупь.
Мы можем видеть принцип баланса в действии на домашней странице Everlane. Невидимая линия начинается между первой буквой «E» и «L» в Everlane и разделяет модель слева от текста справа. Она уравновешивает текст, создавая визуальную симметрию, которую так жаждут наши глаза.
Вы можете увидеть еще один пример баланса в еженедельной электронной рассылке InVision. Посмотрите, как фокус дизайна сужается, когда ваш взгляд движется вниз по странице. Верхний заголовок уравновешивается изображением ниже, которое уравновешивается заголовком, который уравновешивается подзаголовком, который приводит вас прямо к кнопке с призывом к действию.
Everlane и InVision используют вертикальную и горизонтальную балансировку соответственно. Но баланс не обязательно должен быть вертикальным.
Посетите домашнюю страницу Webydo для подтверждения. Разделите эту страницу между двумя iPad, и вы получите два почти одинаковых треугольника. (О, и помните, как диагональные линии передают энергию и волнение? Вы определенно можете уловить эту атмосферу здесь!)
Хотите знать, как выглядит отсутствие баланса? Правительство США славится своим непригодным для использования и устаревшим дизайном, и, к сожалению, MyMoney.gov оправдывает эту репутацию.
Как вы можете видеть, столбец «Основные моменты» расширяется вдвое дальше по странице, чем вращающаяся карусель изображений, что делает всю страницу однобокой.
Этот сайт также нарушает принцип визуальной симметрии, так как невозможно разделить пополам поровну.
Дополнительная литература:
Контраст
Расположение разнородных элементов рядом или рядом друг с другом позволяет выявить их различия. Вот почему фотографии до и после настолько эффективны — вы сразу видите, насколько сильно изменился человек.
Контрастом можно не только выделить различия, но и сделать дизайн более приятным для глаз. Представьте, что вы пытаетесь прочитать светло-серый текст на белом фоне. Было бы довольно сложно, правда? Но добавление немного большего количества черного к серому делает его более разборчивым.
Показательный пример: монетный двор.
Черный текст на белом — популярное сочетание именно по этой причине (к тому же оно выглядит современным и чистым). Однако, если вы хотите создать разные высококонтрастные пары, используйте этот инструмент проверки контрастности — после того, как вы подключите два цвета, он скажет вам, насколько читабельной будет эта пара.
Дополнительная литература:
Rhythm
Как и при прослушивании хорошей песни, взгляд на «ритмичный» дизайн заставит вашу аудиторию почувствовать себя взволнованной, заинтересованной и непринужденной.
К счастью, создать ритм легко: думайте о своем дизайне как о серии повторяющихся блоков. Не только каждый блок должен быть похож, но и каждый элемент каждого блока должен повторяться.
Чтобы показать, что я имею в виду, вот домашняя страница Product Hunt. Раздел продуктов «Tech» дублируется разделом «Games» внизу.Если вы продолжите прокрутку, вы найдете разделы «Подкасты» и «Книги» с одинаковым форматом.
Дизайнеры повторили не только общий формат, но и шрифт, размер изображения, интервал, параметры навигации, варианты взаимодействия и значки. В результате интерфейс невероятно легко прокручивать — даже немного гипнотизирует. Вы можете создать ритм, повторно используя элементы дизайна, от макета до значков.
Сайт Valio Conference 2016 в равной степени завораживает, но по другой причине: карточки с биографическими данными выступающих накладываются друг на друга по схеме слева направо и слева направо.Этот визуальный прием буквально заставляет ваши глаза плясать из стороны в сторону страницы.
Вывод: установка и соблюдение шаблона для вашего макета позволяет вашей аудитории предугадывать, где будет находиться контент, прежде чем они фактически его увидят.
Дополнительная литература:
Пробел
Каждый раз, когда вы видите пустой или незаполненный раздел дизайна, вы смотрите на пустое пространство. Белое пространство (также известное как отрицательное пространство) относится ко всему, что находится вокруг других элементов дизайна и между ними.И не думайте о пустом пространстве как о «потраченном впустую» месте; Как объяснил известный типограф Ян Чихольд, «пустое пространство следует рассматривать как активный элемент, а не как пассивный фон».
Пустое пространство дает другим элементам на странице «пространство для дыхания». Он позволяет выделить наиболее важную информацию, повысить удобочитаемость и создать ощущение упорядоченности и простоты.
Домашняя страница Clio показывает, насколько эффективным может быть белое пространство. Обратите внимание, насколько освежающе чиста эта страница, и как ваши глаза сразу же обращаются к двум блокам текста.
Poppies Flowers также использует достаточно свободного места на своем сайте.
Как видите, пустое пространство не обязательно должно быть белым . Это любая часть дизайна, которая не привлекает ваше внимание — например, меловый фон в этом примере, который притягивает взгляд к центральным элементам и тексту.
Дополнительная литература:
Как быстро создавать эффективные дизайны
Теперь, когда вы ознакомились с основными принципами, вы можете применять их для создания графики для своего блога, информационного бюллетеня, веб-сайта и т. Д.
Шаг 1. Выберите фон
Правильно подобранный фон необходим для создания отличной графики. В конце концов, ваш фон получает больше визуальной реальности, чем любая другая часть вашего дизайна, плюс, правильный вариант скажет вашей аудитории, чего ожидать от вашего контента.
Для наших целей существует два основных типа фонов: изображения и сплошные цвета.
Изображения
Будьте разборчивы при поиске фоновой фотографии. По словам Нила Пателя, случайно выбранные стоковые фотографии получают наименьшее количество репостов в социальных сетях среди любого визуального элемента блога.Поэтому убедитесь, что тот, который вы выберете, точно соответствует вашей теме или теме.
Он должен вызывать правильные эмоции и ассоциации, которые вы можете определить, используя принципы дизайна.
Например, если вам нужен визуальный элемент для сообщения в блоге «37 умственных приемов для мгновенной безмятежности», вы можете искать изображения, в которых есть горизонтальные линии, органические формы, холодные цвета, немного белого пространства и сильная визуальная симметрия. Каждый из этих элементов вызывает чувство спокойствия — эмоцию, которая идеально соответствует вашей теме.
Это изображение горного хребта было бы отличным выбором.
Где искать изображения
Вероятно, вы не хотите взбираться на гору и покупать модную камеру только для того, чтобы сделать снимок для своего сообщения в блоге. К счастью, есть много ресурсов для бесплатных высококачественных стоковых фотографий.
Альбумариум содержит тысячи красивых изображений для частного и коммерческого использования. Он особенно хорош для снимков людей без лишних слов.
Death to the Stock Photo — это информационный бюллетень по электронной почте, который ежемесячно отправляет 10 новых изображений в ваш почтовый ящик.Выборки подобраны для творческих людей, поэтому здесь много офисных и рабочих картинок.
Unsplash каждые 10 дней добавляет в свою коллекцию 10 новых фотографий с высоким разрешением. Создав учетную запись, вы можете создавать коллекции, что очень удобно, когда вам нужно найти несколько изображений для публикации или серии. Кроме того, вы можете создать коллекцию «будущего использования» для всех фотографий, которые случайным образом бросаются в глаза.
Гратистография — отличный, но относительно менее известный сайт для стоковых фотографий.Поскольку он не пользуется большой популярностью, вам не нужно беспокоиться о том, что выбранное изображение появится на восьми других сайтах.
New Old Stock хранит старинные фотографии, которые являются частью общественного достояния. Это означает, что вы можете выглядеть как олдскульный и использовать изображения для чего угодно — без указания авторства.
Если вы ищете универсальный магазин, обратите внимание на Pexels. В настоящее время в нем хранится более 10 000 стоковых фотографий (в том числе многие из Unsplash, Death to the Stock Photo и Gratistography), плюс около 1 500 новых добавляются каждый месяц.Воспользуйтесь преимуществами мощных фильтров поиска: вы можете исключить слово, поставив перед ним тире (например, «офис — люди»), или выполнить поиск по цвету, включив «цвет:» с последующим названием цвета (например, «офис» color: red «).
Чтобы узнать о последних сайтах стоковых фотографий, следите за коллекцией стоковых фотографий на Product Hunt. Также стоит добавить в закладки: Дастин Сенос, бывший руководитель отдела дизайна Medium, ведет текущий список источников стоковых фотографий.
Сплошные цвета
Сплошной цвет фона может быть проще картинок, но от этого не менее полезен.В конце концов, если вы хотите включить несколько значков или строк текста, эти элементы могут быть затенены фоном фотографии. С другой стороны, однотонный фон привлечет внимание аудитории именно туда, где вы хотите.
При выборе определенного цвета помните о «настроении», которое создает каждый цвет. Вам нужны цвета, которые соответствуют как вашему контенту, так и бренду.
Help Scout отлично справился с этим. Его команда использует яркий монохромный фон для визуальных эффектов:
Эти цвета кажутся энергичными, простыми и даже игривыми, что отражает миссию Help Scout — сделать обслуживание клиентов приятным.Также посмотрите, насколько четко сплошные цвета выделяются на иллюстрациях.
Вместо того, чтобы выбирать цвета на основе их названия в Pantone (например, небесно-голубой, фиолетовый, кирпично-красный и другие названия цветов, которые вы можете использовать по кусочкам краски или образцам ткани), вам следует выбирать их с помощью шестнадцатеричного кода.
Шестнадцатеричный код — это, по сути, числовое представление цвета. Например, шестнадцатеричный код Pantone Dark Blue C — # 00239c .
Преимущество шестнадцатеричных кодов в том, что они выглядят одинаково независимо от того, какой браузер, устройство или дисплей использует ваша аудитория.Это особенно важно для цветов, которые вы будете использовать снова и снова, например для цветов вашего бренда.
Где искать цвета
Цветовая палитра Google включает сотни основных и акцентных цветов, которые созданы для гармоничного сочетания. Google рекомендует выбрать основной основной цвет, например «Индиго» (или # 3F51B5), и использовать его в качестве основного цвета. Затем, если вы хотите добавить больше цветов, вы можете использовать предложенные акценты.
Если вы уже знаете, какой цвет Pantone вам нужен для своего дизайна, попробуйте rgb.к. Этот инструмент позволяет искать шестнадцатеричный код любого цвета в библиотеке Pantone. Если вы хотите сравнить несколько цветов, чтобы увидеть, насколько хорошо они будут выглядеть вместе, используйте Color Hex, который позволяет создавать и сохранять цветовые палитры.
В вашем арсенале также должны быть Coolors. Этот сайт случайным образом генерирует красивые цветовые палитры, которые вы можете использовать для оптовой продажи или настроить по своему вкусу. Более того, он создаст цветовые палитры из любого загружаемого вами изображения.
Наконец, вы можете использовать Image Color Summarizer.Это бесплатный сервис, который обрабатывает ваше изображение и определяет его средний цветовой оттенок, насыщенность и ценность, а также наиболее характерные цвета изображения и то, как человек их описал бы (лаванда, золото и т. Д.). Определенно удобно для получения объективного представления о том, насколько визуально брендовый имидж.
Шаг 2. Выберите инструмент
После того, как вы выбрали фон, пора открыть инструмент дизайна. Эти приложения варьируются от довольно простых, как Pablo, до чрезвычайно мощных, как Photoshop.Инструмент для работы зависит от того, насколько сложной будет ваша графика.
Pablo by Buffer — один из самых простых вариантов. Вы можете импортировать собственное изображение или выбрать одно из библиотеки Buffer из 50 000 стоковых фотографий.) Поскольку Buffer предоставляет только три шаблона разных размеров (высокий, квадратный или широкий), это отличный выбор для графики в социальных сетях. Однако, если вы хотите настроить размеры визуального элемента или использовать сплошной цвет в качестве фона, рассмотрите другой инструмент.
Designfeed, еще одно приложение для создания графики, похоже на то, что Пабло поднял до 11. Загрузите свое изображение, введите до трех уровней текста (заголовок, подзаголовок и кнопка) и выберите размер, оптимизированный для платформы (Facebook, Tumblr, Pinterest и др.).
Приложение создает несколько версий вашего изображения. Если что-то бросается в глаза, вы можете сразу поделиться им, сохранить или настроить по своему усмотрению. А если вы не копаетесь ни в одном из дизайнов, просто продолжайте прокручивать — Designfeed будет выпускать неограниченное количество вариантов.
Если вам нужно изображение для твита, попробуйте Spruce. Как и другие инструменты, он позволяет загружать изображения, добавлять и стилизовать текст, а также загружать или делиться результатом. Но Spruce специально предназначен для Twitter, поэтому он соответствующим образом изменяет размер ваших изображений.
Stencil предлагает немного больше гибкости: есть 34 предустановки размера изображения (включая параметры для социальных сетей, рекламы и баннеров), более 200 000 бесплатных значков и графики, а также несколько фотофильтров. Да, и Stencil также позволяет использовать однотонный фон.
Если вы выходите за рамки базовой графики, Canva — лучший выбор. Он загружен шаблонами практически для любого мыслимого дизайна — от эскизов YouTube и обложек для Kindle до фотографий в Google+ и графики Tumblr.
У Canva более миллиона стоковых фотографий, но большинство из них стоит 1 доллар. К счастью, вы также можете загрузить свои собственные фотографии.
В отличие от других инструментов, Canva позволяет добавлять бесконечное количество фотографий в визуализацию. Это отличная функция для создания фотоколлажей; Кроме того, эта функция позволяет сделать изображения уникальными, которые, возможно, уже используются в множестве других блогов.
Piktochart — это одна ступенька по лестнице сложности. Существует четыре основных категории графики — инфографика, отчеты, презентации и плакаты — и множество шаблонов для каждой.
Вероятно, вы больше всего будете использовать Piktochart для создания инфографики. Однако, если вы хотите использовать этот инструмент для создания других визуальных ресурсов (таких как заголовки блогов, сообщения в социальных сетях и баннеры информационных бюллетеней), выберите шаблон из списка плакатов и задайте ему собственные размеры.
Как и в Canva, вы можете использовать однотонный, узорчатый или фото фон.Однако Piktochart предлагает гораздо больше бесплатных вариантов фона, чем Canva, что является хорошим преимуществом, когда вы создаете контент на лету.
Если другие варианты, которые я упомянул, варьируются по функциональности от велосипедов до мотоциклов, Photoshop был бы вашим Corvette. Вы можете использовать его для создания графики, но это также отличный инструмент для редактирования фотографий, создания веб-страниц, работы с видео и многого другого.
Поскольку Photoshop довольно сложен и требует сложного обучения — и начинается с 10 долларов в месяц, — я бы не рекомендовал его, если вас не интересуют другие его применения.
Но, допустим, да. Процесс такой же: загрузите изображение, затем (при желании) примените фильтры. Этот учебник Adobe по фильтрам станет хорошей стартовой площадкой.
Если ваша основная задача — веб-дизайн, а не фотография, обратите внимание на Sketch. Он предназначен для создания макетов интерфейса и работы с фигурами и может лучше соответствовать графическому стилю вашего сайта.
Шаг 3. Выбор надстроек
Тип и стиль шрифта
Самая простая графика, которую только можно себе представить, — это фон + текст.
Когда вы выбираете, какие шрифты использовать, нужно помнить о нескольких вещах: где будет жить этот рисунок и какие шрифты будут вокруг него?
Допустим, вы разрабатываете заголовок для своей электронной рассылки. Если в вашем информационном бюллетене используется Lucida Grande (без засечек), вам следует выбрать дополнительный шрифт, например Garamond (шрифт с засечками).
Вам нужна не только внешняя согласованность: также важно, чтобы шрифты в вашей графике не конфликтовали.
Если вы не хотите играть с парами шрифтов, выберите один шрифт и используйте его для всего текста. Вы можете создать визуальную иерархию, увеличив более важный текст (например, заголовок); выделение жирным шрифтом, курсивом или подчеркиванием; или заглавными буквами.
Можно добавить еще один шрифт в микс, но остановимся на двух. А если вы не знаете, с какими шрифтами сочетать, выберите классическую комбинацию шрифтов с засечками для заголовка и без засечек для основного текста. (Вы также можете выбрать один шрифт и посмотреть, какие пары рекомендует Google Fonts.)
Вот что я сделал для этого рисунка. После того, как я выбрал Raleway в качестве заголовка, я просмотрел предложенные пары и остановился на Open Sans.
Иконки
Когда вы пытаетесь создать визуальное резюме или сделать свой дизайн более привлекательным, иконки работают очень хорошо. Но они, как правило, выглядят неуместными или загруженными на фоне фото, поэтому используйте их только на сплошном фоне.
Некоторые инструменты редактирования (например, Canva, Piktochart и Stencil) имеют встроенные библиотеки значков.Однако, если вы используете Pablo или Photoshop или вам не нравятся какие-либо доступные варианты, есть несколько высококачественных ресурсов значков.
Noun Project, который позволяет загружать сколько угодно значков за 9,99 долларов в месяц (примечание: вы можете использовать большинство значков бесплатно, если предоставите кредит художника). Кроме того, вы можете подписаться на Icon Finder. Это примерно такая же цена, но вы ограничены 25 загрузками в месяц.
Smashing Magazine также может использовать бесплатные наборы значков.Чтобы отсортировать параметры и найти значок, который можно использовать, потребуется некоторое время, но они качественные и бесплатные!
Разное
Окружение текста геометрической формой — это быстрый и простой способ придать дизайну профессиональный вид.
Это также удобно, когда вам нужно сделать копию более разборчивой.
(Вы не сможете добавлять геометрические фигуры в Pablo или Designfeed, поэтому, если вы хотите использовать этот эффект, воспользуйтесь другим инструментом.)
Другой вариант — загрузить логотип вашего бренда.Хорошие дизайны иногда становятся вирусными, и если вы создали фантастическую инфографику или вдохновляющие цитаты, вы должны получить за это признание. Кроме того, наличие незаметных водяных знаков на всей вашей графике помогает добиться визуальной согласованности.
Возможно, у вас нет прозрачной версии вашего логотипа. К счастью, вы можете создать его в Photoshop или Canva for Work.
Изучение дизайна дальше
Если вы хотите углубиться в мир дизайна, эти ресурсы являются одними из лучших, которые помогут вам начать работу:
Дизайн для основателей : Эта коллекция из более чем 55 статей о дизайне нацелена на основателей, но любой, кто только начинает заниматься дизайном, извлечет выгоду из его тщательного изучения веб-дизайна.
Подводные камни дизайна : Подпишитесь на эту бесплатную рассылку по электронной почте, чтобы избежать «ошибок дизайнера n00b».
Designer Mill : воспользуйтесь потрясающими бесплатными предложениями, от значков и бесплатных шрифтов до шаблонов Illustrator и Sketch.
Crayon : Этот сайт, специально разработанный для маркетологов, содержит более 20 миллионов дизайнов, включая цены, команды, вакансии и пробные страницы.
GoodUI : сборник из 51 принципа интерфейса, обеспечивающий высокий коэффициент конверсии.Музыка для ушей каждого маркетолога!
Дизайн для стартапа : Этот набор адаптирован к основным потребностям стартапа.
Вы сделали это — вы знаете основы дизайна и готовы приступить к созданию собственной великолепной графики. Совместите это с контентом, и вы получите потрясающую комбинацию. Вот несколько других руководств по Zapier, которые помогут вам создавать контент, создавать графику и превращать их в сообщения в блогах и книги.
Элементы и принципы графического дизайна
Графический дизайн — это искусство и наука объединения текста и графики для передачи эффективного сообщения в дизайне веб-сайтов, логотипов, графики, брошюр, информационных бюллетеней, плакатов, вывесок и других видов визуальной коммуникации.Дизайнеры достигают своих целей, сочетая элементы и принципы графического дизайна. Некоторые концепции, такие как контраст, являются одновременно элементами и принципами: первое — как визуальная характеристика; а второе — как метод его использования.
Элементы графического дизайна
В дополнение к очевидным, таким как изображения и шрифт, элементы графического дизайна включают в себя линии, формы, текстуру, значение, размер и цвет. Графические дизайнеры для печати и веб-страниц используют некоторые или все эти элементы для создания эффективных дизайнов.Обычно цель состоит в том, чтобы привлечь внимание зрителей, а иногда и побудить их совершить определенное действие.
линий в графическом дизайне
Линии — это самый базовый элемент дизайна. Линии могут быть прямыми, изогнутыми, толстыми, тонкими, сплошными или несплошными. Они используются для соединения двух точек, отдельных частей дизайна и фокусировки взгляда пользователя. Их качества создают эмоции, движение, организованность и многое другое. Например, зубчатая линия передает эмоции; линия, оканчивающаяся стрелкой, заставляет взгляд зрителя смотреть в определенном направлении.Линия, которая извивается между несколькими элементами, направляет зрителя от одного элемента к другому и дальше по странице.
Форма в графическом дизайне
Основные геометрические формы — квадраты, круги и треугольники. Они образуют коробки или бордюры на конструкции или твердых формах в декоративных целях. Иконки, символы и дингбаты также считаются фигурами, и они добавляют интерес и ясность.
Текстура в графическом дизайне
Определенные графические приемы, такие как использование ритма и тени, создают текстуру — визуальное «ощущение» элемента.Текстура может служить фоном, улучшать общий вид и добавлять характер другим элементам, таким как шрифт и изображения.
Лесли ШепердЦвет в графическом дизайне
Цвет привлекает внимание и передает эмоции и настроение. Например, красный цвет представляет силу, гнев или страсть. Синий призывает к миру, профессионализму или безопасности.
Значение в графическом дизайне
Ценность — это мера темноты и легкости элемента или дизайна. Ценность создает контраст и акцент.Например, светлый объект на темном фоне привлекает внимание зрителя.
Размер в графическом дизайне
Размер элемента в графическом дизайне обычно указывает на его важность. Самая важная информация обычно является самой большой на странице и в первую очередь привлекает внимание зрителя.
Баланс в графическом дизайне
В большинстве хороших графических дизайнов визуальный баланс достигается за счет использования симметричной, асимметричной или радиальной симметрии вокруг визуального центра.
- В симметричных весах обе стороны макета страницы одинаковы по весу, форме, линиям и другим элементам.
- Асимметричный баланс возникает, когда две стороны веб-сайта не совпадают, но имеют схожие элементы.
- Радиальная симметрия размещает элементы по кругу. Хотя радиальная симметрия популярна в макетах для печати, на веб-сайтах ее не так много, потому что добиться круглого размещения сложно.
Иногда графический дизайнер намеренно создает несбалансированный дизайн, обычно чтобы сосредоточить внимание на одном элементе. В дизайне, как и в других областях, вам нужно знать правила, прежде чем вы сможете эффективно их нарушать, но несбалансированный дизайн может работать.
Выравнивание в графическом дизайне
Выравнивание относится к выравниванию элементов дизайна по верху, низу, центру или сторонам элементов. Выровненные элементы не обязательно должны быть одного типа.Они часто выравниваются по левому краю макета. Фотографии разного размера отображаются как единое целое, если они выровнены по верхнему или нижнему краю.
Повторение в графическом дизайне
Повторение дублирует характеристики подобных элементов, чтобы способствовать согласованности дизайна. Повторение также может создать ритм в дизайне. Ряд отмеченных точек интереса одного цвета, типа и размера отображается как единое целое.
crispyicon / Getty ImagesБлизость в графическом дизайне
Близость поддерживает отношения между элементами, которые идут вместе.Элементы не обязательно должны располагаться близко друг к другу, но их следует соединять визуально.
Контраст в графическом дизайне
Контраст возникает при наложении противоположных элементов: например, большого против маленького или темного против светлого. Контраст может выделить важные элементы дизайна. Контраст легко достигается с помощью цвета, но он также может возникать с текстурой, шрифтом и графическими элементами.
Пространство в графическом дизайне
Пространство — это часть дизайна, которая остается пустой.В дизайне намеренно размещено негативное пространство. Поля и желоба между другими элементами называются пассивным пространством. Пространство в дизайне добавляет акцента к области, потому что взгляд тяготеет к той части дизайна, которая не пуста. Эффективный графический дизайн учитывает как положительное, так и отрицательное пространство.
Спасибо, что сообщили нам!
Расскажите, почему!
Другой Недостаточно деталей Сложно понять .