День: 05.08.2018

Что такое колорит?

В наше время колоритом называют общий цветовой тон картины: так, колорит может быть «холодным», «теплым», «голубоватым» или золотистым». Многие известные художники отдавали предпочтение определенному набору цветов, и, зная эти предпочтения, по колориту иногда можно отличить картину одного мастера от другого. Хотя, разумеется, это возможно не во всех случаях, и иногда колорит складывается сам собой, без специальной задумки автора.

Читайте также:

Наиболее емкое определение колориту дал Г. Гегель, который писал, что магия колорита «заключается в употреблении всех красок так, чтобы обнаружилась независимая от объекта игра отражений, составляющая вершину колорита; взаимопроникновение цветов, отражение рефлексов, которые переливаются в другие отражения и носят столь тонкий, мимолетный и духовный характер, что здесь начинается переход в музыку. Чувство цвета должно быть художественным свойством, своеобразным способом видения и постижения существующих цветовых тонов, а также должно составлять существенную сторону воспроизводящей способности воображения и изобретательности».

Практика показывает, что в основе колорита лежит идея подражания природе. По мнению Дени Дидро, настоящий мастер тот, «кто сумел взять тон, свойственный природе и хорошо освещенным предметам, и сумел придать своей картине гармонию». В ответ на это Гете написал: «При любом освещении, на любом расстоянии, при любых обстоятельствах тот, кто наиболее правильно, наиболее чисто и живо ощущает и воспроизводит цвета и гармонически их сочетает».

Стоит также отличать понятия «колорит» и «колоризм». Так же, как любую картину, написанную красками, мы относим к живописи, но далеко не каждую работу назовем живописной, так и колорит присутствует у каждой картины, но колоризм – свойство особое. Прочувствовать и подчинить себе цвет, мастерски делая его одновременно и полноправным героем картины, и верным вспомогательным средством для передачи своей идеи, способен далеко не каждый живописец. В среде художников существует поговорка: «Рисунку можно научить, но колористом нужно родиться».

§7 Колорит.

§7 Колорит

Существенную роль играет в живописи объединение цветов. Обычно объединяются между собой те цвета, которые равны по светлоте и которые близки друг другу по цветовому тону.

Когда цвета тонально объединены между собой, то замечается их качественное изменение, проявляющееся в особой их звучности. Цвет, который выпадает из общей тональности, не согласован с ней, кажется чуждым, разрушает целостность живописного произведения.

Художественное полотно строится на взаимосвязи всех цветов живописного произведения, то есть когда ни одно цветовое пятно нельзя изменить по яркости или насыщенности, увеличить или уменьшить по размерам без ущерба для целостности произведения.

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом.

Колорит раскрывает нам красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит бывает теплым и холодным, светлым и темным.

Живопись старых мастеров позволяет проследить развитие колорита в следующих основных этапах. Понятие колорита начинает складываться в конце XV века, достигает расцвета в эпоху барокко, обостряется у Констебля и особенно у импрессионистов.

Очерки замечательного русского искусствоведа Б. Р. Виппера помогают узнать историю колорита в живописи.

В XV веке краски на полотнах итальянских, французских, немецких художников существовали как бы независимо друг от друга.

Посмотрите на картину неизвестного художника школы Бернарда Стригеля «Исцеление ран святого Роха» (ил. 93). Обратите внимание на то, что красный цвет плаща и на свету, и в тени остается красным, только становится светлее или темнее. Художник как бы расцвечивает предметы, фигуры героев не сливаются с окружающим пространством в одно целое, а предстают яркими пятнами на неопределенном серовато-буром фоне.

93. Неизвестный художник школы Бернарда Стригеля. Исцеление ран святого Роха

Первые перемены в колорите появляются в конце XV века. В это время краски стали накладывать не по отдельности, а сливать в полутона, плавные переходы цвета. Цвет и форма сливаются в одно целое, краска становится неотделима от света и пространства. Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто – это превращение локального колорита в тональный.

94. ВЕЛАСКЕС. Портрет инфанты Маргариты

95. Д. БЕЛЛИНИ. Св. Франциск в экстазе

Если в XVI веке цвет в живописи означает жизнь вообще, то далее он все более конкретизируется. Появляются новые оттенки: у Караваджо – томато-красный, оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса – неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт ограничивает свою палитру темными тонами, но у него цвет приобретает новые свойства – одухотворенность и загадочность.

Живописцы Возрождения, например Тициан, используют цвет как форму проявления жизни натуры. В эпоху барокко цвет является в большей степени элементом живописной фантазии, выполняющей прежде всего эстетические функции.

Живопись старых мастеров была построена на изысканных красочных переходах, смешанных тонах, сложных технических приемах. Они использовали сильные тоновые и цветовые контрасты. Чтобы получить желаемый цветовой тон, старые мастера часто использовали прием лессировки.

В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более изысканной, сложной и виртуозной. Художники используют тончайшие нюансы одного цвета для лица, волос и одежды. На первый план выступают цвета – белый, светло- желтый, кофейно-коричневый.

Для XIX века характерна борьба различных тенденций, противоречие между цветом и формой. В это время цвет служит главным образом для оптических экспериментов.

96. А. МАТИСС. Клоун. Из книги «Джаз»

97. ПОЛЬ ГОГЕН. Ареареа

98. ВАН-ГОГ. Автопортрет

Живописцы XIX века, особенно импрессионисты, научились воссоздавать солнечное сияние, выделяя светлое на светлом. Они перешли к применению чистых красок, используя эффекты оптического смешения цветов, больше внимания уделяя цветовым контрастам.

У Матисса, Гогена, Ван-Гога – ясные контуры и полнозвучные, большие пятна красок. Матисс обрел свою палитру в царстве локальных красок. Он изобрел способ рисовать не красками, а вырезать из бумаги необходимое цветовое пятно и размещать его на плоскости без предварительного рисунка. Наклейки из бумаги Матисса (ил. 96) составляют единое целое по цвету, их легко превратить в гобелены, рисунок на ткани, книжные украшения.

Цвет на картинах Гогена выполняет роль не столько изобразительную, сколько декоративную, символическую – можно увидеть красный песок, розовых лошадей, синие деревья.

Картины Ван Гога построены на контрастных сочетаниях цветов, но здесь краски являются уже не декоративным, а психологическим фактором,- передают настроение.

Чувство колорита – очень ценный дар. Выдающимися русскими художниками-колористами были И. Репин, В. Суриков, К. Коровин, М. Врубель, Ф. Малявин, В. Борисов- Мусатов и др..

99. И. РЕПИН. Бурлаки на Волге

100. М. ВРУБЕЛЬ. Гретхен среди цветов

101. В. БОРИСОВ-МУСАТОВ. Водоем

Примером яркого выражения колорита в живописи могут служить работы И. Репина, который писал в теплом золотисто-желто-красном колорите. Любимый колорит В. Сурикова состоял из голубовато-синих, холодных цветов. В серо- серебристом колорите написаны многие произведения В. Серова, а М. Врубель предпочитал серо-голубые цвета. Многие картины Ф. Малявина отличаются огненно-красным колоритом.

102. Ф. МАЛЯВИН. Вихрь. Фрагмент

103. М. САРЬЯН. Виноград

Часто колорит является основным средством в передаче национальных особенностей, природы, быта, людей. В этом случае говорят о «национальном колорите». Примером являются произведения М. Сарьяна. Нередко о колорите художника свидетельствует его палитра.

Искусство живописи – искусство цветовых и световых отношений.

Изображая действительность красками, необходимо учитывать влияние цветов друг на друга, то есть писать цветовыми отношениями.

Важно, что правильно найденные в картине цветовые отношения помогают видеть красоту действительности и красоту самого произведения.

В декоративной работе художники также заботятся о гармоничном соотношении цветов, причем реальные цвета предметов могут быть изменены на символические. Колористическое единство всех элементов орнаментов достигается с помощью цветовых контрастов или нюансов.

Подбирая цветовые отношения в декоративной работе учитывается размер частей рисунка, их ритмическое расположение, назначение вещи и материал, из которого она сделана.

В дизайне большое внимание уделяется тому, чтобы цвет был взаимосвязан с формой и назначением предмета, придавал ему яркость, нарядность.

«Понятие «Колорит» в живописи».

Понятие «Колорит» в живописи.

Живопись отличается от других видов искусства, своим разнообразием цвета. При работе над живописным произведением обязательно используются различные краски (акварель, масло, гуашь, темпера), т.е живопись – это работа цветом.

«Колорит – это общая эстетическая оценка цветовых качеств произведения искусства, характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой строй. Главное достоинство колорита – богатство и согласованность цветов.

Колорит – важнейший компонент художественного образа, одно из средств художественной выразительности в живописи, цветовой графике, во многих произведениях искусства.

Объединение цветов играет в живописи существенную роль. Обычно объединяются между собой цвета, равные по светлоте и близкие друг другу по цветовому тону. Когда цвета тонально объединены между собой, происходит их качественное изменение, появляется особая звучность. Цвет, который выпадает из общей тональности, не согласован с ней, кажется чуждым, разрушает целостность живописного произведения.

Художественное полотно строится на взаимосвязи всех цветов, то есть когда ни одно цветовое пятно нельзя изменить по яркости или насыщенности, увеличить или уменьшить по размерам, не нарушая целостность произведения.

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом.

Колорит раскрывает перед нами красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит бывает теплым и холодным, светлым и темным.

Живопись старых мастеров позволяет проследить развитие колорита: понятие колорита начинает складываться в конце XV в., возможности колорита расцветают в эпоху барокко, его роль возрастет у Констебля и особенно у импрессионистов». [13, с.145].

«Первые перемены в колорите появляются в конце XV в. В это время краски стали смешивать в полутона, добиваясь плавных переходов цвета. Цвет и форма сливаются в одно целое, краска становится неотделима от света и пространства. Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто — это переход от локального колорита к тональному.

После XVI в. цвет в живописи все более конкретизируется. Появляются новые оттенки: у Караваджо — томато-красный, оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса — неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт ограничивает свою палитру темными тонами, но у него цвет приобретает новые свойства — одухотворенность и загадочность.

Живописцы Возрождения, например Тициан, используют цвет для выявления жизни натуры. В эпоху барокко цвет является в большей степени элементом живописной фантазии, определяющей, прежде всего эстетические функции.

Живопись старых мастеров была построена на изысканных красочных переходах, смешанных тонах, сложных технических приемах. Они использовали сильные тоновые и цветовые контрасты. Чтобы получить желаемый цветовой тон, художники часто использовали прием лессировки.

В XVIII в. эстетическая игра с краской становится еще более изысканной, сложной и виртуозной. Мастера используют тончайшие нюансы одного цвета для лица, волос и одежды. На первый план выступают белый, светло-желтый и кофейно-коричневый цвет.

Для XIX в. характерны противоречия между цветом и формой, оптические эксперименты. Живописцы этого периода, особенно импрессионисты, научились воссоздавать солнечное сияние, выделять светлое на светлом. Они перешли к чистым краскам, используя эффекты оптического смешения цветов, больше внимания стали уделять цветовым контрастам.

У Матисса, Гогена, Ван Гога — ясные контуры и полнозвучные, большие пятна красок. Матисс обрел свою палитру в царстве локальных красок. Особой выразительности цвета он добился, вырезая из бумаги необходимое цветовое пятно и размещая его на плоскости без предварительного рисунка. Наклейки из бумаги Матисса легко превратить в гобелены, рисунок на ткани, книжные украшения.

Цвет на картинах Гогена выполняет роль не столько изобразительную, сколько декоративную, символическую — можно увидеть красный песок, розовых лошадей, синие деревья. Картины Ван Гога построены на контрастных сочетаниях цветов, но здесь краски являются уже не декоративным, а психологическим фактором, они передают настроение.

Чувство колорита — очень ценный дар. И.Репин, В.Суриков, К.Коровин, М.Врубель, Ф.Малявин, В.Борисов-Мусатов и другие — выдающиеся русские художники-колористы. Например, Репин писал в теплом золотисто-желто-красном колорите. Любимый колорит Сурикова состоял из голубовато-синих, холодных цветов. В серо-серебристом колорите написаны многие произведения Серова, а Врубель предпочитал серые, голубые и синие цвета. Многие картины Малявина отличаются огненно-красным колоритом.

Часто колорит является основным средством для передачи в живописи национальных особенностей природы, быта, людей. В этом случае говорят о «национальном колорите». Произведения М.Сарьяна — яркий пример». [13, с.146].

« Нередко о колорите художника свидетельствует его палитра. Каждый художник предпочитает определенное, наиболее удобное для него расположение красок на палитре, определенное количество цветов. Набор красок, которыми пользуется художник, так же, как и специальную дощечку для их смешивания, называют палитрой. При этом имеют в виду особый цветовой строй, характерный для конкретного произведения или творчества художника в целом. Например, палитра франц. Художника П.Пикассо в «голубой период» его творчества состояла преимущественно из холодных голубых и синих красок, а в последующий «розовый» период – из теплых розово-золотистых оттенков». [13, с.147].

Важность колорита в живописи | Центр Современного Искусства МАРС

Как сказал известный художник К. Юона, живопись – это «живое письмо либо письмо о живом». Это может на первый взгляд показаться кому-то парадоксальным, так как это далеко не одно и тоже, однако в данном случае вся парадоксальность утверждения великого художника только мнимая. Фраза «письмо о живом» раскрывает суть предмета живописи, а фразой «живое письмо» – автор говорит о ее средствах.

Живопись передает форму предмета, освещение, его цвет, фактура материала и само пространство, окружающее изображаемый предмет. Поэтому в живописи используются такие конкретные изобразительные средства, как воздушная и линейная перспектива, линия, цвет и светотень. При помощи этих изобразительных средств можно создать на плоскости иллюзию трехмерного пространства, создать у зрителя почти реальное ощущение объемности предметов и существ, сохранить и умножить красоту природы.
Живописец в своих картинах с помощью красок на холсте воссоздает реальный или фантазийный мир. Благодаря искусству художника, трехмерная жизнь, полная дыхания, застывает на двухмерном холсте. Яркое, переливающееся множеством оттенков, насыщенное игрой светотени полотно настоящего мастера передает все богатство жизни в разнообразной цветовой палитре.
Каждый живописец, накладывая краски на бумагу или холст, превращает их в цветовую игру, создающую не только рациональное, но и эмоциональное представление об изображаемом предмете. Из-за того, что явление жизни не бывают однокрасочными и одноцветными, живопись не просто изображает цвет каждого отдельного предмета, а и передает сложное сочетание, образующее предметы, которые обладают различным цветом, расположены в определенном порядке.
Колоритом называется сочетание цветов в живописи, цветовая гармония произведения. Он имеет настолько важное значение, что некоторые художники даже верят, что вся живопись основана лишь на одном колорите и впечатления, которые получает от жизни художник, превращаются в картине в чисто колористические ценности. Безусловно, без колорита живопись бы не существовала, ведь художник средствами колорита выражает содержание своей картины, вызывая у зрителя определенное настроение. Колорит помогает зрителю создать нужное психологическое отношение к произведению еще до того, как он успевает вникнуть в сюжет картины, колорит порождает соответствующие чувства: радости, тревоги или опасности. Благодаря мастерству создания колорита живопись создает у зрителя определенное настроение, заставляет сопереживать мыслям и чувствам других людей, изображенных на картине.
Однако, колорит не должен быть самоцелью в искусстве, а только его средством. Живописные качества произведения, а также цветовая гамма картины становятся тем ценнее, чем больше они помогают раскрыться идейно-эстетическому замыслу творца.
Однако картина создается не только цветом: основой любой картины является рисунок, который передает форму предметов, их очертания. Никогда нельзя принижать значение рисунка, возвышая значение цвета. Существует ряд теоретиков и антиреалистических течений в современной живописи, не только умаляющие, а просто игнорирующие значение рисунка, в частности любители абстрактного искусства. Некоторые из них утверждают, что цвет в живописи вполне может играть ту же роль, которую в музыке играет звук, что важно не реалистическое изображение предметов окружающего нас мира, а вызвать у зрителя соответствующие ассоциации одним только цветом.

Климас Л.В. Цвет в живописи Презентация живопись колорит цвет

« Говорят, что есть дружественные и враждебные цвета, и это правда, если мы примем во внимание, что некоторые из них настолько трудно объединимы и так режут глаз своим соседством с другими, что даже воздух и свет эти всемирные создатели гармоний едва ли могут примирить нас с их непосредственной близостью» Д. Дидро 2

В 1676 г. Ньютон провел эксперимент по расщеплению светового луча с помощью призмы: затемнив окно и оставив в нём небольшое отверстие, Ньютон расположил перед солнечным лучом, проникающим сквозь это отверстие стеклянную призму. Белый луч света, пройдя через призму, превратился в последовательный ряд цветов, которые отобразились на расположенном позади призмы экране. В результате он получил 7 явно различимых цветов спектра. 3

5

7

Термин «гармония» происходит от греческого слова «harmonia» что означает созвучие, согласие Термин «гармония» происходит от греческого слова «harmonia» что означает созвучие, согласие Цветовая гармония в живописи -это согласованность цветов между собой в результате найденной пропорциональности цветов, их равновесия и созвучия, основанного на нахождении неповторимого оттенка каждого цвета Цветовая гармония в живописи -это согласованность цветов между собой в результате найденной пропорциональности цветов, их равновесия и созвучия, основанного на нахождении неповторимого оттенка каждого цвета Цветовая гармония важнейшее средство художественной выразительности в живописи наряду с композицией, рисунком, перспективой, светотенью и фактурой Цветовая гармония важнейшее средство художественной выразительности в живописи наряду с композицией, рисунком, перспективой, светотенью и фактурой 8

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом Колорит раскрывает нам красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть: теплым и холодным, светлым и темным, спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. 11

Колорит — это как бы «цветовая одежда» картины. В нем важно не каждое из цветовых пятен, а их соотношение именно по цвету и размеру. Колорит в живописи — это характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой строй как одно из средств правдивого и выразительного изображения действительности. Колорит раскрывает красочное богатство мира. 12

Вывод: Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом. Вывод: Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом. Колорит помогает художнику передать настроение картины, он может быть теплым и холодным, светлым и темным, спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит помогает художнику передать настроение картины, он может быть теплым и холодным, светлым и темным, спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит воздействует на чувства зрителя, создает настроение в картине и служит важным средством образной и психологической характеристики. Таким образом, колорит есть наиболее ценное качество живописи; иными словами колорит определяет живопись: есть колорит, значит, есть живопись. Колорит воздействует на чувства зрителя, создает настроение в картине и служит важным средством образной и психологической характеристики. Таким образом, колорит есть наиболее ценное качество живописи; иными словами колорит определяет живопись: есть колорит, значит, есть живопись. 21

Задание 2. Написать этюд из предметов быта. Задача привести изображение к колористической цельности и единству цвета. Для того, что бы добиться этого, мы будем использовать тонированную бумагу. Этапы работы над натюрмортом 1. Выполнить подготовительный рисунок с соблюдением пропорций. 2. Работу в цвете начинаем с падающих и собственных теней. 3. Пишем полутона, уточняем тоновые и цветовые отношения. 4. Свет пишем в последнюю очередь, обобщаем

Слайд 2

«Говорят, что есть дружественные и враждебные цвета, и это правда, если мы примем во внимание, что некоторые из них настолько трудно объединимы и так режут глаз своим соседством с другими, что даже воздух и свет — эти всемирные создатели гармоний — едва ли могут примирить нас с их непосредственной близостью»Д. Дидро

Слайд 3

В 1676 г. Ньютон провел эксперимент по расщеплению светового луча с помощью призмы: затемнив окно и оставив в нём небольшое отверстие, Ньютон расположил перед солнечным лучом, проникающим сквозь это отверстие стеклянную призму. Белый луч света, пройдя через призму, превратился в последовательный ряд цветов, которые отобразились на расположенном позади призмы экране. В результате он получил 7 явно различимых цветов спектра. 3

Слайд 4

Цвет- это физическое явление, которое образуется путем преломления света Цвета разделяют на: Хроматические- все цвета радуги Ахроматические- белый и черный 4

Слайд 5

Слайд 6

Основные характеристики цвета

цветовой тон (оттенок цвета) светлота насыщенность 6

Слайд 7

Слайд 8

Термин «гармония» происходит от греческого слова «harmonia» — что означает созвучие, согласие Цветовая гармония в живописи -это согласованность цветов между собой в результате найденной пропорциональности цветов, их равновесия и созвучия, основанного на нахождении неповторимого оттенка каждого цвета Цветовая гармония — важнейшее средство художественной выразительности в живописи наряду с композицией, рисунком, перспективой, светотенью и фактурой 8

Слайд 9

Типы цветовых гармоний

Родственная Монохромная Троичная Контрастная 9

Слайд 10

А. Я. Головин «Купавки» 10

Слайд 11

Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритомКолорит раскрывает нам красочное богатство мира. Он помогает художнику передать настроение картины: колорит может быть: теплым и холодным, светлым и темным, спокойным, радостным, тревожным, грустным и др.

Слайд 12

Колорит — это как бы «цветовая одежда» картины. В нем важно не каждое из цветовых пятен, а их соотношение именно по цвету и размеру. Колорит в живописи — это характер взаимосвязи всех цветовых элементов произведения, его цветовой строй как одно из средств правдивого и выразительного изображения действительности. Колорит раскрывает красочное богатство мира. 12

Слайд 13

Голландский натюрморт 13

Слайд 14

«Натюрморт с атрибутами искусства» «Натюрморт с атрибутами науки» 14

Слайд 15

«Подсолнухи» «Ирисы» 15

Слайд 16

«Фрукты и бронза» «Красные рыбки» 16

Слайд 17

«Розы» «Розы, Фрукты, Вино» 17

Слайд 18

«Сухие краски» «Агава» 18

Слайд 19

«Натюрморт. Рыбы» «Снедь московская. Хлебы» 19

Слайд 20

«Лён» 20 «Натюрморт с яблоками»

Слайд 21

Вывод: Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется колоритом. Колорит помогает художнику передать настроение картины, он может быть теплым и холодным, светлым и темным, спокойным, радостным, тревожным, грустным и др. Колорит воздействует на чувства зрителя, создает настроение в картине и служит важным средством образной и психологической характеристики. Таким образом, колорит есть наиболее ценное качество живописи; иными словами колорит определяет живопись: есть колорит, значит, есть живопись. 21

Cлайд 1

Cлайд 2

Cлайд 3

Cлайд 4

Cлайд 5

Cлайд 6

Cлайд 7

Cлайд 8

Cлайд 9

Cлайд 10

Cлайд 11

ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОЕ ИСКУССТВО

2 КЛАСС

Учитель изобразительного искусства

МОУ «Гимназия «Логос»

Горячева Елена Николаевна

2013 год

Тема урока: 2 класс. «Колорит – душа живописи»

Вид занятия:

1. Беседа об искусстве.

2.Тематическое рисование во 2 классе.

Тема занятия:

Изображение пейзажа.

Цель:

Задачи:

Образовательные:

закрепление полученных знаний о цветовом круге, теплых и холодных цветах, о технике смешивания основных цветов;

продолжить освоение техники живописи гуашевыми красками.

Развивающие:

передача настроения через цвет, создание определенного колорита;

уметь проводить словесное и изобразительное описание живописного произведения с использованием понятий «колорит», «Теплые и холодные оттенки»;

развивать тв орческое воображение и внимание.

воспитывать способности к эмоционально-ценностному восприятию произведений изобразительного искусства, выражению в творческих работах своего отношения к окружающему миру

воспитывать художественный вкус на основе изучения произведений художников ;

формировать умение трудиться и творить;

воспитание любви к природе;

п риобщение учащихся к эстетической культуре.

Оборудование для учителя:

Репродукции картин с пейзажами и натюрмортами:

Презентация «Колорит – душа живописи»;

Компьютер, проектор;

Классная доска;

Лист:

Гуашевые краски:

Банка с водой;

Кисти.

Оборудование для учащихся:

Альбом;

Гуашевые краски:

Палитра;

Банки с водой;

Кисти.

Музыкальный ряд:

А. Вивальди «Времена года. Февраль»

А. Вивальди «Времена года. Июль»

Используемые методы: метод игровой драматургии, элементы проблемного обучения, исследовательский, частично-поисковый , практический, словесный, наглядный (с применением ИКТ средств),

Используемая литература:

Учебник «Изобразительное искусство. Разноцветный мир»: Учебник для 2 класса 4-летней нач. школы/ Под ред. О.А. Куревина, Е.Д. Ковалевская. – Москва «Баласс», 2011г;

Рабочая тетрадь «Изобразительное искусство. Разноцветный мир» для 2 класса 4-летней школы/под ред. О.А. Куревина, Е.Д. Ковалевская. – Москва «Баласс», 2011 г.

План урока:

1. Мотивация к учебной деятельности — 1 минуты

2. Определение темы, цели и учебных задач — 2 минуты

3. Актуализация опорных знаний и изучение нового материала — 8 минут

4. Физкультминутка — 2 минуты

5. Применение изученных знаний и практическая работа — 20 мин

6. Подведение итогов урока — 5 мин

7. Рефлексия — 2 мин

Ход урока:

I. МОТИВАЦИЯ К УЧЕБНОЙ ДЕЯТЕЛЬНОСТИ.

Цель: психологически подготовить учащихся к работе на уроке.

Это очень просто, дети,
Все нарисовать на свете.
Нам понадобится с вами
Карандаш и лист бумаги.
Ну и глазки, безусловно.
Ведь они, дружок, помогут
Увидать любой предмет,
Форму рассмотреть и цвет,
Круглый он или квадратный,
Весь шершавый или гладкий,
Он кривой или прямой,
Маленький или большой.

Я рада снова видеть вас. Думаю, что сегодняшний урок порадует нас новыми открытиями и принесет радость от полученных результатов.

2. ОПРЕДЕЛЕНИЕ ТЕМЫ, ЦЕЛИ И УЧЕБНЫХ ЗАДАЧ.

Цель: развивать умение формулировать, выделять нужное, строить полный ответ, ставить цели и задачи.

(Слайд 1)

Тема нашего урока «Колорит – душа живописи».

(Слайд 2)

На уроке мы ВСПОМНИМ правила работы гуашевыми красками, технику живописи мазком. Мы ЗАКРЕПИМ полученные раннее знания о цветовом круге, теплых и холодных цветах, НАУЧИМСЯ давать характеристику живописному произведению.

ИЗУЧЕНИЕ НОВОГО МАТЕРИАЛА .

Цель: систематизировать знания обучающихся по пройденному материалу, уметь передавать настроение через цвет, создавать определенный колорит, уметь проводить словесное описание живописного произведения.

(Слайд 3)

Узнаем новое понятие «КОЛОРИТ»

(5 слайд)

(6 слайд)

Как же теплые цвета в картине влияет на наше настроение? Если картина написана теплыми красками, мы ощущаем радость и тепло. К картине, написанной в теплом колорите подходит веселая музыка. Такая как музыка А. Вивальди «Времена года. Июль» (слушаем музыку. Разглядываем картину)

(7слайд)

Рассмотрим картину, написанную в теплых тонах Павла Кузнецова «Натюрморт». Натюрморт написан в оранжевых, красных, розовых цветах. Посуда как будто становится частью голубых узоров на ковре и кажется почти невесомой. Цветовая гамма картины притягивает взгляд, рождая ощущение радости и веселья, нарядного праздника. Какое впечатление производит на вас эта картина? (дети добавляют собственные определения увиденной картины)

(8 слайд)

Если в картине больше холодных оттенков, то колорит картины ХОЛОДНЫЙ. С помощью каких цветов художник изображает ранее утро? (дети перечисляют холодные оттенки, указывая их на картине)

(9слайд)

Как же холодные цвета в картине влияет на наше настроение? Картина, написанная в холодном колорите, вызывает печальное, дождливое настроение. К такой картине подходит плавная, печальная музыка. Такая как музыка А. Вивальди «Времена года. Февраль» (слушаем музыку, разглядываем картину)

(10 слайд)

А теперь, рассмотрим картину выполненную в холодном колорите Павла Кузнецова «Весна в Крыму». В пейзаже использованы оттенки, тонко передающие зелено-голубой весенний колорит нежной, молодой зелени, цветущего дерева, прозрачного морского воздуха. Какое настроение она рождает у вас? (дети добавляют собственные определения увиденной картины)

К этой картине очень подходит стихотворение Евгения Баратынского

Весна , весна ! Как воздух чист !

Как ясен небосклон !

Своей лазурию живой

Слепит мне очи он .

Весна , весна ! Как высоко ,

На крыльях ветерка ,

Ласкаясь к солнечным лучам ,

Летают об лака !

Разминка

Вы наверное устали? Считалочка для физкультминутки.

Мы немножко отдохнем,

Встанем, глубоко вздохнём,

Дети по лесу гуляли,

За природой наблюдали.

Вверх на солнце посмотрели

И их лучики согрели.

Чудеса у нас на свете:

Стали карликами дети.

А потом все дружно встали,

Великанами мы стали.

Бабочки летали,

Крыльями махали.

Дружно хлопаем,

Ногами топаем!

Хорошо мы погуляли,

И немножечко устали!

5. ПРИМЕНЕНИЕ ИЗУЧЕНЫХ ЗНАНИЙ И ВЫПОЛНЕНИЕ ПРАКТИЧЕСКОЙ РАБОТЫ

Цель: обеспечить усвоение учащимися знаний на уроке, возможности их применения при выполнении практического задания, продолжить освоение многослойной акварельной техники живописи, развивать тв орческое воображение и внимание , формировать умение трудиться и творить.

Немного передохнули и теперь необходимо приступать к работе . (11 слайд)

Перед выполнением практического задания давайте вспомним правила работы гуашевыми красками в технике мазка. Вы знаете, что при работе гуашевыми красками мы не используем много воды, краску смешиваем и разводим на палитре стараясь сохранить пастозную консистенцию, необходимую для создания плотного, густого цвета, даем высыхать предыдущему красочному слою. Краску наносим на поверхность бумаги не крупными мазками, при необходимости добавляем другие оттенки, смешивая краску прямо на листе. Начинаем выполнять работу от верхнего края листа. Учитель выполняет поэтапно задание, вслух объясняя все действия.

(12 слайд) Положите альбом горизонтально

(13 слайд) Перед началом работы красками необходимо выполнить набросок будущего пейзажа. Отмечаем линией горизонт, затем дальний берег, ближний берег, острова. В последнюю очередь намечаем силуэты стволов берез на горизонте.

(14 слайд) светло-голубым цветом выполняем небо, нанося краску мазками, белым цветом изображаем облака, стараясь передать фактуру поверхности облаков. У самой линии горизонта добавляем немного фиолетового цвета, показывая полоску леса на дальнем плане

(15 слайд) изумрудно-зеленым, бежевым и коричневым цветом, мазками, прокрываем поверхность земли, выделяя холмы более светлыми оттенками. Теми же красками изображаем острова на реке.

(16 слайд) темно-голубым цветом прокрываем поверхность воды, по краям берега белым цветом рисуем нерастаявший снег, фиолетовой краской тонкой кистью подчеркиваем кромку берега у воды..

(17 слайд) сиренево-фиолетовым цветом рисуем кроны берез на дальнем плане и отражение берез в реке.

(18 слайд) для завершения работы необходимо дать рисунку немного просохнуть, затем выполнить тонкой кистью рисунок стволов и ветвей берез коричнево-черным цветом. Выполняем рисунок кустов вербы на переднем плане красно-коричневым цветом. Белым цветом, тонкой кистью выполним рисунок почек вербы на ветках кустов на переднем плане, подчеркнем белые стволы берез на заднем плане. Коричневым цветом рисуем птиц вдали и гнезда на березах.

Работа завершена.

(19 слайд)

Задание на дом. Выберите картину, написанную в теплом или холодном колорите.

Опишите словами настроение, которое вызывает у вас эта картина.

6. ПОДВЕДЕНИЕ ИТОГОВ УРОКА

Цель: дать качественную оценку работы класса и отдельных учащихся.

Прикрепите свои рисунки к доске, давайте посмотрим на результаты своей работы:

Какой получилась весна на ваших работах?

Домашнее задание: подобрать стихотворение для описания весны на своей работе.

7. РЕФЛЕКСИЯ.

Цель: создать условия для самооценки учащихся эмоционального состояния.

Поднимите кружок того цвета, который передаст ваше настроение и покажет, понравился ли вам урок.

Урок закончен.

Приведите в порядок свое рабочее место.

До следующего урока.

Что значит колорит — Значения слов

Примеры употребления слова колорит в литературе.

Решительно отказавшись от свойственной некоторым нашим историческим романам архаизации языковой ткани произведения, автор путем тонко подобранных речевых нюансов воссоздает колорит изображаемого времени.

Ни один египтолог не оспорит факт физического присутствия, когда то почти всех прототипов богов древнего Египта, таким образом, все признают, что египтяне не придумывали богов и сказки, они их выводили из реальных событий, лишь предавая им более пригодный для легенд колорит.

Вся наша застолица с огромным железным противнем, на котором кусками лежало спекшееся мясо, высокая аляповатая глиняная корчага с мутноватой медовухой, жердевой навес над нами, с которого свешивались сохнувшие медвежьи лапы, и, наконец, наши ссутулившиеся темные силуэты, похожие на тени заговорщиков, — все это приобретало какой-то мрачный, первобытный колорит.

Вообще, по мере удаления от нас, по мере иссякания в памяти годы, уплощаясь и обращаясь как бы в пожелтевший газетный лист, еще и обретают такой неизбывный печальный колорит — я бы определил его как цвет крепкого чая, который постепенно заволакивает все предметы — одни раньше, другие позже, но все, все.

В более аристократической Ферраре, пытавшейся возродить некоторые рыцарские обычаи, Боярдо и Ариосто слили сюжетную схему каролингских поэм с композицией и колоритом бретонских романов и, введя в фабулу античные мотивы, создали на этой сложной основе новые, оригинальные произведения.

Вся музыка пронизана народным колоритом — рабочие, солдатские песни, частушки вспыхивают, сменяя друг друга, сочетаясь с главной темой, обрамляя ее.

Художник усвоил красочную манеру Поленова, я декорации радовали Чехова их благородным колоритом.

В особенности же не удался художнику отличающийся грубым прозаизмом, вздувшийся, положенный на спину ногами к зрителю труп, зеленоватый тон которого накладывает отпечаток на весь колорит картины.

Аристотель, размышляющий о Рембрандте, размышляющем об Аристотеле, часто воображал, когда лицо Рембрандта приобретало мрачное выражение, схожее по чувству и угрюмому колориту с тем, которое Рембрандт придавал его лицу, что Рембрандт, размышляющий об Аристотеле, размышляющем над бюстом Гомера, размышляет, должно быть, и о скорбях своей жизни с Саскией.

Колорит играет здесь огромную роль — его общий коричнево-зеленоватый тон и особая светоносность краски выражает тему яркой и суровой будничности реальной жизни простых людей и вместе с тем вызывает впечатление живого тепла, проникновенной одушевленности всего человеческого мира.

Чтобы как можно достовернее передать в музыке локальный колорит, он использует подлинные японские напевы, применяет необычные сочетания зсуков, хрупкие, звенящие оркестровые тембры.

Харунобу, художника, создававшего нежные образы женщин в пронизанных поэтическим настроением пейзажах, Утамаро, стремившегося к индивидуализированным женским образам и утонченным, переливчатым тонам колорита, и Сяраку, специализировавшегося на изображении экспрессивных, полных эмоционального напряжения портретов актеров.

Я имею в виду сами линии, тот контур, тот колорит, те тона — ироничные, смешные, мрачные, трагикомичные или печально-радостные — то есть то, как гениальный Пикассо мыслил своих персонажей.

Воспоминания Щепкиной-Куперник ярко рисуют быт Чехова в Мелихове, передают характер и колорит отношений между членами чеховской семьи.

Считая своей главной задачей создание прекрасных мелодий и выразительного речитатива, Беллини не придавал большого значения оркестровому колориту и симфоническому развитию.

Источник: библиотека Максима Мошкова

Цвет в живописи — Н. Н. Волков

Колорит венецианцев

На Западе распространено мнение об однообразии языка живописи, которое будто бы было результатом засилья художественной культуры итальянского Возрождении. Традиции Возрождения изображаются как догма, долго державшая в плену художественное мышление Европы. Впервые Сезанн будто бы решительно порвал с «итальянизмом».

Не будем несправедливы к творчеству Сезанна. Он, по собственному признанию, учился построению картины у венецианцев Возрождения.

Противоположен истине и основной тезис борцов против «итальянизма» в живописи. Язык живописи итальянского Возрождения никак нельзя назвать однообразным. Как раз напротив. Когда из комнат европейского музея, посвященных средневековью, переходишь в комнаты итальянского Возрождения, поражаешься обилию художественных индивидуальностей и разнообразию языка живописи. Это, конечно, совсем другой язык, чем, скажем, язык иконы, но это язык более гибкий, содержащий больше возможностей для развития, более восприимчивый к личным особенностям художника.

Разнообразие изобразительного языка — прямой результат пытливости человека Возрождения. Леонардо да Винчи писал:

«Я говорю живописцам, что никогда никто не должен подражать манере другого, потому что он будет называться внуком, а не сыном природы в отношении искусства» ¹ «…Флорентинец Томазо, прозванный Мазаччо, показал совершенным произведением, что те, которые вдохновлялись иным, чем природой, учительницей учителей, трудились напрасно» ².

Связь здесь ясная: самому учиться у природы — значит быть в живописи самим собой, говорить своим языком. Индивидуализм современного западного искусства, отрицающий образное познание действительности,— лишь уродливое выражение все той же потребности художника «быть в искусстве самим собой», уродливое потому, что найти самого себя в искусстве можно только через познание действительности. Иной путь ведет к перепевам чужих песен, к тому, что художники становятся «внуками», а не «сынами» природы.

Язык искусства и связанное с ним образное толкование сюжета — это тот способ, каким художник Возрождения только и мог выражать свое познание мира, утверждать свое отношение к нему. Сюжет был чаще всего заказным или традиционным. А толкование одного и того же сюжета у разных художников Возрождения было разным. Достаточно вспомнить «Святое семейство» Мантеньи (Дрезденская галерея) и «Святое семейство» Рафаэля (Эрмитаж), «Себастьяна» Мессины (Дрезденская галерея) и «Себастьяна» Тициана (Эрмитаж).

Тот факт, что художники говорили об одном и том же сюжете разными словами, разными оборотами изобразительной речи, определял разный смысл и эмоциональный тон картин.

Основой образа для художника Возрождения всегда оставалась изобразительная сторона живописи. Выразительная сила искусства не отрывалась от ее изобразительной почвы. Художник прежде всего учился видеть и изображать, то есть делать на картине видимым, что и как он видит.

Единство изобразительных средств и выразительности и, в частности, единство выразительной и изобразительной сторон колорита — основные принципы живописи Возрождения и едва ли не основные принципы реалистической живописи вообще. Подобно тому, как гармония звуков в поэзии — «музыка поэзии» — неотрывна от смысла слов, подобно этому гармония и выразительность колорита картины неотрывны от изображенных вещей и их качеств.

В чем красота аллитераций стиха Пушкина «Младенца ль милого ласкаю»? В том, что эти звуки принадлежат словам «ласка», «милый», «младенец». Гармонический строй звуков несет в себе нечто от смысла слов. Это ласковые звуки. В них душевная атмосфера сцены.

Так же и красота красок реалистической картины, например красота розовых и фиолетово-розовых красок, изображающих складки одежды Юдифи в картине Джорджоне,— это красота ткани и отблесков неба на ней, это цветовая связь с девическим телом, теплым по цветовому контрасту с землистым цветом отрубленной головы Олоферна. Тонкие валеры цвета на полуосвещенных частях фигуры Юдифи прекрасны потому, что их отношения — это отношения освещенного «воздухом» тела, освещенных тканей. Художник Возрождения любуется подсказанным природой, а не абстрактным сопоставлением цветов, в природных гармониях цвета он ищет выразительные ценности.

Однако изобразительные возможности колорита открывались постепенно, открывались и порой снова частично утрачивались. В живописи итальянского Возрождения до Тициана и у многих современников Тициана колорит все же был только вторым выразительным средством картины. Не цвет строил рисунок, а рисунок определял границы, в которых размещался цвет. Первые завоевания искусства Возрождения — объем, пространство, естественное строение тела, логика движений — формулировались в рисунке, отвлеченном от цвета. Пытливый ум, острый глаз и эмоциональный напор восприятия находили свое выражение в поисках изысканно точной линии и в совершенстве ахроматической светотени.

Поучителен поиск линии в «Мадонне Литта». Сравнивая картину с известными рисунками к ней, убеждаешься, что цвет при всей своей значительности ничего не решал в картине, только усиливал выразительность рисунка. В лондонском картоне Леонардо к «Св. Анне» линия заменяется мягкими светотеневыми градациями. Но ахроматический рисунок и здесь настолько определяет образ, что кажется — все сказано уже в картоне.

У Мантеньи и у Филиппино Липни, у Сандро Боттичелли и даже у Рафаэля цвет — лишь иллюминация рисунка.

Родиной возрожденческого колоризма считается Венеция. И действительно, у венецианских предшественников Тициана мы видим повышенную чувствительность к цветовому наряду картины. Здесь мы находим впервые и важные новшества. Цвет всех, даже второстепенных элементов картины становится содержательным, образно активным. Например, в портрете дожа Лоредано, кисти Джованни Беллини, голубой фон обогащает содержание портрета, а не только подчеркивает загорелый цвет лица дожа. Это уже не только фон — это венецианское небо. Благодаря голубому фону смуглое лицо дожа оказывается вписанным в простор венецианской лагуны. Содержательное богатство цвета — это и есть его образная активность. Активен и голубой цвет, которым написаны глаза дожа. В глазах дожа отражается цвет неба.

В картинах Джорджоне мы видим другие новшества. Здесь активной силой становится и колорит пейзажа. В «Грозе» колорит состояния природы определяет эмоциональное воздействие картины. Однако линейные границы, рисунок в узком смысле слова остаются и у Беллини и у Джорджоне основой для нанесения цвета. Лишь Тициан показал, что единство формы и цвета возможно и на основе цвета.

Наша работа не решает исторических вопросов. Нас не интересует в этой связи также история колористических открытий Тициана ³.

В ранних работах Тициана мы видим обычное для Высокого Возрождения гармоническое объединение нарядных пятен локального цвета. Тонкая светотеневая обработка, вызывающая потерю насыщенности локального цвета, облегчала такое объединение. Только свойственная Тициану благородная мягкость живописи и поразительное чувство человеческой красоты связывают такие работы, как «Вознесение Богородицы» или «Земная и небесная любовь», с поздними творениями, вроде эрмитажного «Себастьяна». Отношение к цвету и красочной пасте в этих работах Тициана настолько различно, что они кажутся созданными разными людьми, людьми с разным воспитанием глаза, с разной школой. И действительно, Тициан создал почву для развития разных живописных школ. Плоды его семидесятилетнего творчества— это своего рода энциклопедия европейского реалистического колоризма.

Два превосходных произведения Тициана из коллекции Государственного Эрмитажа дают возможность оценить путь, пройденный художником.

«Кающаяся Магдалина», хотя и созданная поздно, в 60-е годы, скорее может быть расценена как итог живописных исканий Тициана в средний период творчества. «Св. Себастьян» — одна из последних работ мастера, возможно даже не Завершенная. Вообще о некоторых поздних произведениях Тициана трудно сказать, закончены они или нет. Что касается «Св. Себастьяна», то, по нашему мнению, он закончен настолько, что невозможно говорить о сколько-нибудь существенных изменениях цветового строя картины при последующей работе художника.

Уже в первом из названных произведений реализован новый тип цветового наряда картины. Цветовая гармония строится по принципу гаммы. То, что в некоторых работах Леонардо начиналось, рождалось из его наблюдений над связностью цвета в природе, теперь реализуется силой живописного гения, становится основным художественным средством. Гамма превращает сумму предметов в среду. Простые, ненарядные краски в своем развитии и объединении образуют драгоценный и выразительный «живой» цветовой наряд.

Во второй, поздней работе, кажется, нет ничего, кроме порождающего образы «красочного мешева». Гамма становится узкой. Характерные цвета предметов выражены слабее. Они узнаются только по отношениям пятен. Зато богатство цвета в «мешеве» растет. Углубляется связность этих вариаций. Большую роль в развитии цвета начинает играть структура многослойной красочной пасты. Возникает единый цветовой поток. Зритель видит процесс созидания образов кистью художника. Зритель читает чувства художника не только в самих образах, но и в характерной энергии мазка.

В конкретном анализе двух произведений Тициана мы снова воспользуемся приемом сравнения. При этом кажется выгодным начать сравнительный анализ сопоставлением «Кающейся Магдалины» Тициана с уже рассмотренным выше произведением Джорджоне.

По сравнению с образом Магдалины образ Юдифи в одноименной картине Джорджоне кажется искусственным, загадочным. Почему левой полуобнаженной ногой Юдифь едва касается отрубленной головы Олоферна? О чем говорят наклон головы и полуулыбка библейской героини? Почему так красиво оперлась ее левая рука о каменную балюстраду? Почему так изящно положены пальцы правой руки на рукоятку меча, которого Юдифь не смогла бы поднять? Почему так изысканно дорогое платье и так тщательно причесаны волосы у женщины, только что свершившей убийство врага ее народа?

В «Кающейся Магдалине» Тициана, напротив, все естественно: покрасневшее от слез и обращенное к небу лицо молодой женщины, глаза, полные слез, густые пряди распущенных золотистых волос, жест руки, прижимающей волосы и закрывающей ими обнаженную грудь, —жест покаяния, скромные, беспорядочно лежащие ткани одежды. Череп и открытая книга — скупые, естественные атрибуты аскетической жизни. Реализм сделал огромный шаг вперед.

Эта естественность, эта убеждающая жизненность тесно связаны в «Кающейся Магдалине» с новым типом цветового строя.

Лейтмотив цветового наряда «Юдифи» — ткань одежды, розовая в светах (даже с холодными отблесками) и пурпурная в тенях. Лицо, кисти рук и обнаженная нога лишь вписываются в этот цветовой мотив картины, но не определяют его.

В «Кающейся Магдалине» главное цветовое пятно—лицо и тело Магдалины. Цвет этого пятна совсем не наряден по сравнению с богатым пурпуром тканей в «Юдифи». Но все же этот малонасыщенный цвет — в своих переходах от розового в лице к розово-желтому на шее, плече и груди — в высшей степени цвет. Он — главная цветовая ценность. Волосы, ткани, темная масса скалы, небо и атрибуты служат лишь оправой для лица и тела. В живописи тканей есть насыщенные краски — киноварно-красные полосы. В небе мы видим глубокие, насыщенные синие зеленоватого оттенка. Те же, только более глухие синие мы находим на стеклянном сосуде. Интенсивен по цвету золотистый обрез книги. Но пятно тела и лица, выделенное светом, содержит в себе такое богатство переходов и, что еще важнее, такую правду цвета, что все по отношению к нему становится лишь дополнением. Это цвет, прекрасный новыми качествами: телесной теплотой, трепетностью, мягкостью, дыханием жизни.

В «Юдифи» все элементы рисунка составляют хотя и смягченную живописью, все же непреложную, всюду ясно видимую линейную основу. Как ясно очерчен весь силуэт библейской героини, так ясно очерчены и отдельные несколько вычурные складки тканей, балюстрада, цветы и трава у ног Юдифи. Цвет наносился в заданных линейных границах на основе детально разработанного рисунка (картона).

В «Кающейся Магдалине» линия повсюду скрыта. Фигура мягко выступает из окружения. Волосы золотистым мягким ореолом обрамляют голову и правое плечо. Границы левого плеча и руки лишь угадываются. Ткани «не нарисованы», в складках нет ни строгой тектоники, которая так занимала Леонардо да Винчи, ни вычурного узора, который мы видим у Джорджоне. В живописи складок не чувствуется стремления к ясной скульптурной форме, зато есть, как и в живописи тела, та подвижность цвета, те мягкие переходы, которые подсказывают новый круг ассоциаций — жизненность. Подмалевок представлял собой не расцветку рисунка, а широкий рисунок кистью — «ложе» для живописи ⁴.

Стеклянный сосуд вообще не очерчен линией, он построен несколькими наложенными поверх синего слоя мазками белил. Не линия, а цвет и краска создают формы, порождают их, выдвигают из общей золотистой среды. Светотень неотделима от переходов цветового тона. А в моделировке головы Юдифи (Джорджоне) она напоминает просвечивающую через тонкий слой светлой розоватой краски монохромную тушевку.

Сравнение «Кающейся Магдалины» с ранними шедеврами Тициана показывает, как изменилось понимание художником роли цвета. Но в композиции картины еще много традиционного. Фигура помещена перед темным выступом скалы (можно сказать в природном интерьере) и освещена спереди. Леонардо да Винчи считал такое положение фигуры особенно выгодным с точки зрения светотени. Верхний левый угол картины занимают небо и пейзаж. Левое плечо и часть головы рисуются на фоне неба и пейзажа. Сопоставление с небом и, как следствие, небольшой подсвет сзади — также традиционны. В композиции картины ясно читаются классические диагонали. Одна диагональ: черен и обрез книги, широкая прядь волос, откинутая голова, верхняя часть скалы. Это диагональ связывает золото книги с золотым цветом волос и темным золотисто-коричневым цветом скалы. Другая диагональ: сосуд, правая рука, пятно неба. Эта диагональ связывает синее пятно сосуда с синевой неба. А на пересечении диагоналей — великолепно написанная кисть правой руки. В ее жесте выражено раскаяние — главная тема картины. Композиция спокойна, прекрасна в своей ясной уравновешенности. В этом также видна сила традиций Высокого Возрождения.

Вспомним «Мадонну Бенуа» Леонардо. Мадонна также помещена перед темной массой стены интерьера и мягко освещена спереди. В левом верхнем углу мы видим сквозь окно кусок неба. Это и цветовое сопоставление и подсвет, смягчающий светотень. Композиционный центр — в переплетении рук мадонны и младенца; он расположен на пересечении цветовых диагоналей.

Та же ясность — здесь особенно искусная ясность композиции,— но совершенно иное понимание цвета.

В «Мадонне Бенуа» композиционный центр привлекает зрителя сложнейшим переплетением рук, рисунком их. По цвету центр однообразен, почти ахроматичен. Функция цвета состоит здесь в том, чтобы выделять главную тему. В «Магдалине» композиционный центр — кисть правой руки — это центр главного золотисто-розового цветового пятна, самого светлого и самого богатого оттенками. В него входят полузакрытая грудь, обе руки, шея и слегка покрасневшее от слез лицо. В лице сосредоточены наибольшее богатство, наибольшая выразительность цвета. Цвет у Тициана не только выделяет, но и выражает главную тему.

В «Мадонне Бенуа» основу гаммы составляют богатые пятна тканей. В них — сила цветового наряда картины. Инкарнат почти монохромен. В «Кающейся Магдалине» тело и лицо — основа гаммы, ткани и предметы — ее дополнение.

Там — живая сцена, здесь — сама жизнь, воплотившаяся в краски картины.

Различен и характер красочного слоя. В «Кающейся Магдалине» способ нанесения краски разнообразнее и свободнее, чем в «Мадонне Бенуа», сама краска местами много пастознее. Относительно большая пастозность особенно видна в густой кладке неба и облаков. (У Леонардо небо написано тончайшим, прозрачным наложением краски.) Выпуклые белильные блики на стеклянном сосуде, мазки на высоких местах черепа и белильные точки на обрезе книги в «Кающейся Магдалине» подчеркивают материальную сущность краски.

Основа цветовой гаммы в «Магдалине» Тициана — золотистая. Главный по значению и месту цвет — золотисто-розовый цвет тела. Золотистая основа повторяется и в темно-коричневой скале и в пейзаже с деревом. Она включает варианты насыщенного, хотя и сдержанного (чуть почерневшего) красного в полосатой ткани, звучного охристо-желтого в обрезе книги. Более холодный вариант золотистой основы мы видим в превосходно написанном черепе. Более теплый и темный вариант — в прядях вьющихся волос. Волосы на правом плече — чистое золото. Белая ткань рубашки и наброшенная поверх нее полосатая ткань сохраняют в общем Золотистый оттенок.

Обогащением золотисто-розовой гаммы служат сине-зеленые пятна сосуда и неба. Синий цвет неба в современном состоянии картины густ, но не слишком насыщен. Это путь почерневший и позеленевший тон. Небо прорезано бледно- желтыми и охристыми полосами облаков. Листва дерева написана почти оранжевыми пятнами. Нетрудно убедиться, что выбор цветов полностью отвечает принципу гаммы. Синие сдвинуты в сторону зеленых и глуховаты, красные подчернены, находятся посередине между коричневыми и алыми.

Посмотрим, как реализуется гамма в оттенках на отдельных предметах.

Для Тициана характерно полное единство в передаче природного цвета (окраски) и цветовых изменений, вызванных освещением и рефлексами. Мы всегда ясно читаем на картине и то и другое. Кисти рук, чуть покрасневшее лицо, шея, плечо, грудь — это варианты окраски тела. Каждый из вариантов телесного цвета, не нарушая характерного единства, в свою очередь распадается на варианты цвета, вызванные освещением и рефлексами от предметов. Эти вторичные варианты (оттенки), с одной стороны, обогащают гамму, с другой стороны, обеспечивают связность ее. Тени и полутени на светлых предметах всегда содержат в себе рефлекс. Падающая тень от белой ткани (на правой груди) холоднее, на пальцах правой руки от пряди волос теплее. Моделирующая тень на левой руке, принимающая рефлекс от белой ткани и страниц открытой книги, холоднее, а такая же тень на правой руке, принимающая рефлекс от пряди волос, теплее. Характерно и использование возникающих по закону контраста оттенков цветового тона на сером или почти сером. Тень от белой ткани на груди — серая. А звучит она как слегка зеленоватая. Это значит, что художник видит цветовое влияние соседних пятен на плоскости холста, а не цвет или цветовую смесь на палитре. Позднее импрессионисты, следуя в общем тем же цветовым принципам (например, Ренуар), определяли иногда цвет тени на теле как откровенно зеленый, полагая, что контрастный оттенок, возникающий в природе, должен быть изображен открыто контрастными пятнами. Те же приемы, что и в живописи тела, мы видим в живописи тканей, с той только разницей, что художник чувствует здесь себя свободнее в выборе цвета, не рискуя потерять общий естественный эффект.

Белая ткань, лежащая на правой руке, теплого тона там, где она принимает рефлекс от руки, и холодного, голубоватого там, где она отражает цвет синего неба. То же самое можно сказать и о полосатой ткани. В нижнем куске картины ее серые полосы — охристого тона, в верхнем — голубоватого.

Характерна роль серых в рассматриваемой картине. Цвета, казалось бы, лишенные декоративных качеств, — серые и близкие к ним — служат здесь очевидным источником обогащения колорита. Их функция двойная. Во-первых, они усиливают цветность красных полос на ткани, не давая им вместе с тем выпадать из колорита. Во-вторых, они сами окрашиваются по контрасту в зависимости от соседства то желтоватым, то зеленоватым тоном.

Ясно выраженную систему реалистического колоризма можно увидеть в живописи черепа. Перед нами прежде всего правдивое изображение цвета предмета — это пожелтевшая от времени кость. Целостность цвета передана не однородным локальным пятном, а системой оттенков, подчиненных единству предметного цвета в новом его понимании. Оттенки, во-первых, изображают распределение света и тени по форме. Однако это не простые высветления и затемнения общего цвета. По отношению друг к другу они содержат ясные хроматические различия: они определенно различны и по светлоте и по цветовому тону. Блик на черепе почти белый по сравнению с охристым тоном соседних слабее освещенных участков формы. Дальше от блика развиваются зеленоватые и коричневые оттенки общего охристого тона. Во-вторых, оттенки выражают связь с соседними предметами, они соединяют общий локальный цвет и рефлекс: теплый от переплета книги, холодный (на лицевой части черепа) от серой ткани. Кладка краски плотная. Она содействует впечатлению жесткой поверхности кости.

Живопись черепа и живопись тела — прекрасные примеры изобразительных возможностей краски. Кость — холодная и жесткая. Тело — теплое и мягкое. Вообще развитие цвета в картине нельзя рассматривать отвлеченно от всей суммы ассоциаций, которые неизбежно обогащают восприятие картины, если живопись убедительна. Цвет в «Кающейся Магдалине» развивается по направлению к цветовой доминанте — золотисто-розовому цвету тела, к цвету покрасневшего лица, обрамленного золотом волос. Но он развивается, кроме того, по направлению к теплому, мягкому цвету, по направлению к цвету живого от цвета мертвых предметов.

Изобразительная полнота цвета непосредственно переходит в выразительное его богатство. Перед нами правда жизни, правда человеческих чувств. Как и всегда в жизни, правда противоречива. В «Кающейся Магдалине» чувственная красота—тела, жеста рук, лица, глаз, полных слез,— выражает противоречащую этой природной красоте внутреннюю силу: покаяние, осуждение чувственности. Беспокойное небо. Суровая масса скалы. Атрибуты отшельнической жизни — череп, массивная книга — навязывают зрителю это толкование.

Для среднего периода творчества Тициана характерны ясные системы малых цветовых интервалов в пределах большого пятна при больших цветовых и светлотных интервалах между большими массами (пятнами) цвета. К сожалению, при характеристике колорита Тициана и его учеников обычно останавливаются лишь на созвучии больших цветовых масс, игнорируя развитие гаммы путем малых интервалов. А суть дела именно в этом развитии цвета.

Тело Магдалины написано очень тонко (говорят, что Тициан писал тело пальцем). Переходы цвета здесь во многих местах непрерывны. Напротив, в живописи атрибутов очевидны строго продуманные интервалы между соседними пятнами. Небо написано широко, с явными цветовыми разрывами.

Таким образом, глаз задерживается и успокаивается, когда рассматривает мягкую живопись тела. Сюда ведет все развитие цвета. Кажется, что для Тициана не так важно в картинах этого времени равновесие пятен, как важны движение цвета и достаточность этого движения для акцентировки главной темы. Такие картины, как «Магдалина» или более ранняя—«Венера с зеркалом», поражают жизнью цвета, контрастом его подвижности в аксессуарах и успокоенной ясной красоты в главном пятне.

«Кающаяся Магдалина» — образец живописи с широким цветовым диапазоном. «Св. Себастьян»— образец почти монохромной живописи. В последний период творчества Тициан сделал новый шаг вперед на пути развития выразительных возможностей цвета.

Если такие картины, как «Динарий кесаря», «Венера с зеркалом» или «Кающаяся Магдалина», сразу впечатляют ясной цветовой силой, то «Себастьян» и некоторые другие поздние работы мастера открывают свое цветовое богатство лишь после своеобразной адаптации (привыкания глаза) к их несколько глухому общему тону. Чем дольше рассматриваешь такую картину, тем больше видишь в ней цветовых ценностей. А понимание цветового богатства при скупой палитре усиливает впечатление монументальной общности.

И действительно, палитра «Себастьяна» очень скупа. Это всего три или четыре краски (не считая белил и черной) и притом малонасыщенные, «земляные» краски. При довольно пастозном наложении в несколько слоев «земли» не могут достигнуть звонкости цветных лаков, киновари или ультрамарина. По всей вероятности, в скупой набор красок входили натуральная умбра, одна из желтых охр (например, сиенская земля), красная охра и, может быть, жженая умбра (или аналогичные краски).

Но характер сопоставлений (соседство и развитие) близких цветов, характер фактуры и, в частности, переменная толщина красочного слоя вызывают у зрителя впечатление неисчерпаемого богатства оттенков. Буквально каждый квадратный дециметр этого большого холста полон ясных цветовых различий. Это противопоставление красноватых и желтых светов на теле с зеленоватыми и сизыми полутенями и тенями. Это противопоставление золотисто-коричневых и серо-синих в пейзаже, в полумраке, окутывающем фигуру. Самое красное дано только один раз и притом очень скромно в левом нижнем углу картины: это пламя сильно дымящего костра. Менее интенсивны красноватые пятна на лице и на теле. Но красноватые отблески, порожденные светом пламени, можно увидеть почти всюду, так же как почти всюду звучат сизые и зеленоватые. Красноватые отблески повторяются на небе и в дыме костра. Отсутствие больших интервалов между большими массами цвета связано с исключительно богатой, ритмичной системой малых цветовых интервалов.

Восприятие цвета считают не зависящим от времени. Изучение картины Тициана разрушает это ошибочное представление. Роет различительной чувствительности, чувствительности к цветовому богатству в процессе рассматривания составляет замечательную особенность зрения. Конечно, не всякая картина обогащает наши впечатления при длительном се созерцании. Броские цветовые пятна часто действуют оглушающе. Мы почти перестаем видеть цветовые качества. Оттенки съедаются общей ядовитой интенсивностью красок — это аналог слепящего действия сильного света. Но тонкое развитие вариаций цвета в скромной (даже приглушенной) гамме стимулирует длительное рассматривание. Сами по себе не звонкие, малонасыщенные цвета постепенно начинают сиять. И это дает гораздо большее эстетическое наслаждение и больше обогащает чувства и мысли, чем иная «гармония» открытых цветов.

В рассматриваемом холсте совершенно отсутствует контраст больших цветовых пятен (цветовой контраст), так же как нет и развития контрастных цветов к наибольшему напряжению контраста.

Большие пятна контрастируют только по светлоте. По принцип цветового объединения тем не менее не является в «Св. Себастьяне» чисто светотеневым. Цветовой контраст присутствует в каждом пятне картины. Он присутствует как основной прием цветового обогащения. Несмотря на кажущуюся монохромность, все цветно. Аналогичный принцип цветового построения нетрудно увидеть в «Несении креста» Тициана (Эрмитаж). На таких холстах нет цветового наряда в узком смысле слова, есть только мерцающее красочное «мешево» («дивное мешево», по выражению В. И. Сурикова).

В чем же изобразительный смысл этого «дивного мешева»? В чем его реальная основа? Красочное мешево изображает действительное цветовое объединение предметов общим освещением, взаимными рефлексами. Общее освещение часто сближает предметные цвета (окраску предметов), объединяет их я общий цвет. Теперь предметные цвета становятся различными и узнаются только по отношению друг к другу. «Себастьян» Тициана монохромен как локальное пятно, но он в высшей степени богат по цвету благодаря убедительности и связности отношений. Вероятно, состояние полумрака невозможно выразить другими способами, если художник сохраняет свое отношение к цвету как к главной выразительной ценности.

Предметные цвета слабо выражены в условиях полумрака. Полумрак господствует и в рассматриваемой картине, и в «Несении креста». Может быть, поэтому объединение цветов в этих картинах кажется чисто светотеневым. Следует подчеркнуть еще раз, что таково лишь поверхностное впечатление. Фигура Себастьяна, дерево, костер, кусок пейзажа, земля выступают не из монохромной тени, а из общей цветовой среды. Они «порождаются» общим цветовым потоком. Предметы вырастают из цветовой среды, создаются ею, постепенно выделяются как имеющие отдельную цветовую характеристику, отдельный цветовой диапазон общих вариаций.

Очень важно иметь в виду следующий закон. Объединение предметов рефлексами и объединение их общим состоянием (то есть характерными для данного состояния качествами света и тени) органически связано с пластическим, трехмерным типом изображения. Напротив, игнорирование рефлексов, изображение предметов чисто локальными, ненюансированными цветами, приводит к плоскостной живописи, к отказу от полной глубины и полноценной пластики. Красочное мешево, лишенное пластики и неспособное изображать трехмерное пространство, остается намазанной на холст бессмысленной фазой.

Тесно связан с цветовым строем и характер кладки. В поздних работах Тициана мазок ясно выражен. Он и разнообразен и един как по своим формальным характеристикам, так и по своим выразительным качествам. Энергия мазка находится в прямой связи с эмоциональной атмосферой картины. Нервные, мужественные удары, наносившиеся слой за слоем, говорят о трагедии Себастьяна и о его человеческом величии. Удары кисти — это как бы слова самого Тициана, с гневом и состраданием рассказывающего нам о величии человека перед лицом смерти.

Живопись у Тициана стала также рассказом и о процессе созидания, потоком ударов кисти, всюду доступным зрителю. Открытая и развитая в глубину фактура приглашает нас к длительному рассматриванию и организует, казалось бы, беспорядочное мешево в систему последовательно возникающих цветовых ценностей. Тициан не раскрашивает группы предметов, а живописует событие. Подобный открытый рассказ кистью позднее использовал для создания могучих человеческих образов Рембрандт.

Верхние слои краски не сплошь закрывают нижние слои. Нижнее наложение краски представляет собой разнообразное по высоте «ложе». В какой степени этот холст сохранил «ложе», которое, может быть, было бы частично закрыто верхним слоем краски? Мы думаем, что картина почти закончена. Во всяком случае, открытая многослойность создает дополнительные возможности для обогащения цвета при скупой палитре. Лессировки ограничиваются отдельными кусками. Белильные мазки нередко кладутся даже поверх лессировок. Мы всюду легко читаем последовательность кладки. Мы видим, что именно художник выделил. Очень ясно выделена грудь Себастьяна, пронзенная стрелами. А дерево едва читается. Оно целиком осталось в нижнем слое. Легко написаны голени, ступни и прикрученные к дереву руки. Торс написан плотнее. Благодаря этой разнице в плотности и пастозности письма пространственная модуляция форм очень богата. Набедренная повязка очевидно написана поверх тела, и мы это чувствуем. Тяжелый дым костра и отсветы пламени тоже кажутся написанными поверх пейзажа. Ночное беспокойное небо в левой части холста образует не только дальний план, но и нижний слой живописи.

В прямой связи с изобразительной убедительностью красочного мешева находятся те качества цвета, которые мы называли «несобственными». (Напомним, что словом «несобственные» (качества) подчеркивается тот факт, что эти качества не принадлежат цвету как таковому, абстрактно взятому цветовому пятну. Они появляются на картине только в связи с восприятием изображения.) это прежде всего пространственные качества цвета: выступание и отступание. Отдельные цвета точно характеризуют тот или иной план. Они не лезут вперед, где не надо, не проваливаются на выпуклых частях формы и т. п. Так, краски неба в «Себастьяне» несут в себе качество красок дальнего плана. А пламя и дым костра написаны красками, ясно определяющими передний план. Очень точны пространственные качества красок, какими написано тело Себастьяна. Выступание одних и отступание других тесно связаны с пластикой тела.

Нередко делались попытки разделить цвета как таковые на выступающие и отступающие. Живопись Тициана показывает наглядно, что все дело в отношениях цветов на конкретном изображении и в связи с тем, что изображено. Оранжево- красные цвета скорее можно было бы назвать выступающими, а в разбираемой картине они читаются как самые дальние (на небе). Зеленовато-серые легко могут стать цветами дальнего плана, а на разбираемой картине они лежат впереди на выступающих частях набедренной повязки. Они выступают относительно теневых частей той же повязки.

Аналогичное справедливо и для других несобственных качеств цвета в картине.

Затем следует сказать о плотности и проницаемости цвета. Цвет на теле (смотрите в особенности грудь, голову, живот) — плотный, плотно лежащий на поверхности, цвет на мягкой ткани повязки — менее плотный и совсем неплотный — почти «пространственный» — в пламени и дыме костра, наконец, проницаемый, пространственный в полумраке вокруг фигуры, в беспокойных красках неба. Менее ясен контраст тяжелых и легких красок. Краски нигде еще не лежат так тяжело, как красные на поздних холстах Рембрандта. Они еще не так весомы, материальны.

Мы считаем нужным подчеркнуть: красота цветового потока связана с реализацией несобственных качеств цвета. Богатство цветовых ценностей, заключенных в таких холстах, как «Св. Себастьян» Тициана, невозможно понять, отвлекаясь от того ассоциативного богатства, какое заключено в конкретном изображении. С традиционно цветоведческой точки зрения, которой нередко пользуются художники-абстракционисты, холст Тициана в лучшем случае монохромен, черен, лишен чисто цветовых гармоний.

А между тем цветовая концепция Тициана обладает огромной выразительной силой. Сопоставление глухих красных, коричневых, синеватых, желтоватых и черных создает в душе зрителя чувство трагического. Это «трагический» колорит.

Если раньше многие художники Возрождения, трактуя казнь Себастьяна, достигали трагического эффекта сопоставлением фигуры мученика с грубыми лицами палачей или фигурами равнодушных зрителей, словом, достигали трагического эффекта детализацией сюжета, то Тициан совершенно отказывается от деталей и потрясающего впечатления достигает главным образом цветовыми средствами.

Показательна исключительная простота, даже «немота» предметной композиции картины. О казни говорят только вонзенные стрелы. Мы лишь угадываем, что руки мученика прикручены к дереву, которого почти не видно. Костер дымит в стороне. И только запрокинутая голова и глаза Себастьяна выражают страдание.

Фигура казнимого расположена посередине картины, почти фронтально. Лишь мягкая пластика форм тела, слегка повернутых относительно друг друга, слегка выступающих и отступающих, создает ходы в глубину, в густой полумрак вокруг фигуры.

Вся сила трагического рассказа о страдании не покорившегося человека заключена в мощном потоке ударов кисти, рождающих повсюду трагические созвучия цвета.

Обобщим изложенное в этой главе. Цвет у Тициана становится основным средством изображения. Если у Джорджоне цвет наносился в границах заданной изысканной линии, то Тициан начиная, во всяком случае, с 40-х годов определяет границы предметов сопоставлением цветовых масс. Если еще у Джорджоне пятна локального цвета связывались нейтрализующими цвет тенями, то теперь выступает чисто цветовая связь предметов в среде. Она порождает цветовую гамму. У позднего Тициана предметные границы нередко вовсе снимаются общностью цветной тени. Среда оказывается первым, что мы видим,— предметы выступают из нее.

Если раньше колорит строился только на сопоставлении локальных цветов, то теперь господствует принцип развития (движения) цвета. Цвет загорается в акцепте.

Если раньше пользовались сильными цветовыми противопоставлениями и гармонировали их, связывая светотенью или уравновешивая пятна, то теперь вызывают цветность даже внутри почти монохромного пятна. Все превращается в цвет. Вспомните, как, в сущности, бесцветно и потому недостаточно жизненно, несколько абстрактно трактовано тело в «Мадонне Литта» и «Мадонне Бенуа» Леонардо, в холстах Рафаэля. Тициан и его ученики любуются цветом тела. Тициан всюду создает цвет — жизненный, активно участвующий в образе. Для Тициана — все цвет. В цвете тела Тициан и его ученики находят такое богатство нюансов и так выделяют общую цветность тела драпировками, что цвет тела становится во многих картинах этих мастеров ключом колорита. В «Динарии кесаря» лицо Христа и лицо фарисея контрастируют не только по рисунку, но и по цвету. Бледность утонченного лица Христа подчеркнута контрастом с красным пятном одежды, а цвет лица фарисея — грубый, загорелый — контрастом с синим пятном одежды. Цветовое противопоставление так же содержательно в этой классически ясно рассказанной картине, как содержательно противопоставление черт лица, жестов и осанки. Но и внутри пятен инкарната цвет движется, подчеркивает главное и (иногда тончайшими нюансами) лепит форму.

В «Венере с зеркалом» тело Венеры представляет собой главную цветовую ценность. Все остальное служит лишь оправой для драгоценных переходов розового, желтоватого, серого в полутенях, принимающих, по контрасту, легкие зеленоватые и голубоватые оттенки.

Тициан любуется цветом потемневшего дерева, создавая «Несение креста». Он находит в цвете креста оттенки, повторяющие в своем глухом тембре цветовое развитие всей картины.

Тициан любуется тонкими отношениями цвета в переходах от тени к свету на черепе и на белой ткани в «Кающейся Магдалине».

Художник учится видеть больше оттенков цвета, чем обыкновенно видит глаз, и, не теряя общности цветовых масс, любуется игрой этих оттенков. Живописец, постигший тициановское понимание красоты, не знает предметов с некрасивой или противоречивой окраской. Везде он находит гармонию отношений, созданных светом и рефлексами.

И бесцветный полумрак становится цветным благодаря логике отношений. И противоречивые цвета, например красные и синие, образуют у Тициана мощную гармонию. В поздних творениях Тициана отношения создают замечательные цветовые ценности при полном отсутствии звонких цветовых масс. Но являются монолитность цвета, ярко выраженный общий цветовой тон, цветовая среда, порождающая предметы.

Выбор цвета в качестве основного средства изображения требует реализации всех изобразительных возможностей красочного сдоя. Многие холсты Тициана содержат тонко рассчитанную игру на разнице в толщине красочного слоя. Она сопровождается разницей в способе кладки. Тело Венеры в «Венере с зеркалом» написано гладко, тонко, краска растерта, цветовые переходы нежны и непрерывны. Всюду видна фактура крупнозернистого холста. Драпировки, напротив, написаны пастозно, тяжело, широкой кистью, почти грубо, с большим рельефом. Холст скрыт местами под толщей слоя. Контраст кладки подчеркивает нежную, трепетную теплоту тела. Краска как будто воссоздает тело, а не только зрительный образ его.

Масляная живопись до Тициана обычно была многослойной. Но многослойность была скрыта в общем оптическом эффекте от грунта до лессировок. В поздних работах Тициана игра на многослойности становится открытой. Одни мазки лежат поверх других, и, будучи положены в другом направлении, верхние мазки, часто тоже пастозные, не полностью закрывают нижний красочный слой. Слои краски живут согласованной, но особой жизнью, создавая впечатление развития цвета из глубины.

Жесткие границы (контуры) предметов везде исчезают. Для того чтобы создать впечатление возникновения предметов из цветовой среды, касания предметов друг с другом, предметов и неба, контуры смазываются скользящими движениями кисти или втиранием краски в краску.

Плотная кладка противопоставляется на одном и том же холсте рыхлой. Часто мы видим пастозные удары сильно разбеленной краски поверх лессировок.

Среди красок берутся то малонасыщенные тяжелые цвета, то легкие, звонкие. Этот контраст усиливается контрастом непрозрачной пасты и прозрачного слоя, тяжестью и легкостью кладки.

Появляется усиливающая эффект лепки кладка мазков по форме с сохранением бороздок кисти, иногда довольно глубоких. Сплывание краски в однородный слой — следствие большого количества связующего вещества — теряет свое значение.

Цвет обогащается новыми изобразительными качествами, играющими активную роль в контрастах, в богатстве колорита и в цветовой гармонии. Напомним, что эти качества не принадлежат цвету как таковому, а соединяются с ним лишь в изображении.

Это прежде всего пространственные качества цвета — выступание цвета вперед и отступание на второй или дальний план. Это контрасты поверхностного и пространственного цвета. Затем — это качества цвета, связанные с изображением света,— поверхностный блеск цвета, свечение цвета, наполняющего глубину. Наконец, качества цвета, связанные с характером предмета, — плотные цвета и рыхлые, реющие, проницаемые, тяжелые и легкие.

Обогащение изобразительных возможностей цвета обеспечивает появление новой палитры эмоциональных качеств, участвующих в общей выразительности картины. Краски нежные и грубые, телесно-чувственные и мертвенные, скромные и броские, трагические и радостные также входят теперь в число элементов цветового строя, как и цвета светлые, насыщенные и т. п.

Было бы, конечно, неверным отрицать появление отдельных из перечисленных здесь несобственных качеств цвета в других типах цветового строя. Например, в русской иконе всегда впечатляет плотность цвета ликов и легкость (сияние) цвета одежд. (Сравните в «Троице» Рублева ступни, руки и лики ангелов, с одной стороны, и одежды — особенно правого и левого ангелов — с другой, или киноварно-алый пламенеющий цвет плаща в иконе «Архангел Михаил» из Успенского собора в Москве и цвет лат, лика. ) Но лишь в живописи Тициана мы впервые видим множество подобных качеств во всем их изобразительном Значении.

Было бы еще более легкомысленно отрицать роль основных качеств цвета, цветовых контрастов и контрастов светлых и темных красок для живописи Тициана и его последователей. Но основные качества цвета используются Тицианом вместе со всей суммой сложных изобразительных наслоений.

Непосредственные ученики Тициана — великие венецианские живописцы Веронезе и Тинторетто — развивали его открытия в разных направлениях. Веронезе сочетал главное новшество Тициана — изобразительную полноту и жизненность колорита — с повышенной нарядностью цвета. Живопись Веронезе всегда предметна и всегда красива, всегда особенно ритмична. Поздние творения Тициана, в которых вещи порождаются цветовым потоком, созданным в свою очередь широкими, лапидарными ударами кисти, естественно сопоставить с некоторыми тенденциями могучей живописи Тинторетто.

Лучший холст Веронезе из коллекции Эрмитажа — «Оплакивание Христа» — одна из наименее нарядных работ этого мастера. Однако и в ней красота цвета привлекает прежде всего.

Краски образуют в этой картине ясное трезвучие. Мертвое тело Христа сопоставлено с розовато-фиолетовой одеждой Иоанна и синим плащом Марии. Розовато-фиолетовое контрастно общему зеленовато-серому тону тела, в особенности полутеням на теле. Синее дополняет холодную серебристую гамму. Розовые приближены к фиолетовым. Красно-оранжевая горячая (золотая) часть спектра исключена из палитры художника, которой написана эта картина.

Трезвучие больших пятен само по себе декоративно. Большую роль в цветовом наряде картины, как и всегда у Веронезе, играет звучный цвет одежд. Но колорит картины вместе с тем глубоко выразителен. Главное по смыслу темы цветовое пятно картины — мертвое тело Христа — разработано с тициановской силой. В выборе цвета тканей красота и цветовая приподнятость убедительно сочетаются с расчетом на выделение главной темы. Синие и фиолетово-розовые краски красивы в сочетании со светлым зеленоватым пятном тела. Но именно они своим соседством вызывают то богатство оттенков на теле, ту драгоценную мозаику рефлексов (валеров), которая превращает зеленовато-серый, «скучный», с житейской точки зрения, даже неприятный цвет мертвого тела в главную цветовую ценность картины.

Контраст перерастает границы чисто декоративного сопоставления. Контрастируют уже не розоватые и не зеленоватые, а живое и мертвое (сравните лицо и руку Иоанна — близкие по цвету к его одежде). Значит, в контрасте участвуют порожденные изобразительной правдой живописи такие «незрительные» качества цвета, как теплое и холодное, мертвое и живое.

Цвет используется и у Веронезе в полную меру его изобразительных возможностей. Тело написано так, что краска кажется плотно лежащей на поверхности тела. Напротив, ткани написаны легче, воздушнее. В глубине складок цвет становится пространственным цветом, цветной тенью, наполняющей складку.

Фактура Веронезе в этой и других работах не такая открытая, как в поздних работах Тициана и Тинторетто. Все же ясная кладка — плотная, деликатная на теле и широкая, легкая в живописи драпировок (сравните также способ, каким написаны золотистые волосы Иоанна) — играет не последнюю роль в общем художественном эффекте.

Нетрудно увидеть прямую связь колорита с содержанием картины. Конечно, выразительность колорита — и в этом главная часть тициановского наследия — порождается изобразительной убедительностью, многогранной изобразительной нагрузкой цвета.

К сожалению, в коллекциях СССР нет равноценного холста Тинторетто. Можно было бы показать, что этот противоречивый мастер воспринял в отдельных работах приемы поздних творений Тициана — развитие цвета в единый цветовой поток и открытый рассказ кистью. В дрезденском холсте «Битва архангела Михаила с сатаной» поток синих, лиловых, розовых, открытый и широкий рассказ кистью, не позволяющий предметам полностью материализоваться, производит сложное и особенное впечатление. Конечно, цвет дематериализован здесь в соответствии с темой. Это уже мистика цветового потока.

Поиски выразительности цветового решения картины характерны для нашей живописи последних лет. К сожалению, такую выразительность часто путают с повышенной цветностью. Выразительная функция цвета искусственно отрывается от изобразительной. Наследие Тициана значительно для нас именно тем, что учит, как обогащаются выразительные возможности цвета вместе с обогащением его изобразительных возможностей.

Даже абстрактные цветовые гармонии выразительны только потому, что в них еще живы ассоциации с окружающей нас действительностью. Чувства, которые вызывают такие гармонии, связаны в первую очередь с действительностью и только поэтому следы этих чувств еще живы в декоративных гармониях, утративших изобразительную функцию.

Чем богаче изобразительная основа, том больше можно сказать и выразить цветом. Потому мы и называли живопись Тициана энциклопедией европейского реалистического колоризма, что в ней заложены широкие основы для разнообразного и полноценного использования цвета как изобразительного и выразительного средства. Живопись Тициана и его наследников — наглядное, доказательство беспомощности и беспочвенности абстракционистской кухни.

На наших творческих дискуссиях я слышал следующее образное сравнение: в русской иконе художники видят «алгебру живописи». С очень большим основанием аналогию между логикой цветового построения и математикой можно продолжить. Если в иконе реализована алгебра живописи, то в произведениях великих венецианцев и их наследников реализован «живописный анализ»: дифференциальное и интегральное исчисление цветов.

Почему бы не вникнуть и нашим «новаторам» в дифференцирование и интегрирование цветов, осуществленное в живописи Тициана, Веронезе, Тинторетто, Бассано? Ведь и современная алгебра ничего не потеряла от соседства с анализом.

^1-4 — примечание смотрите здесь

Визуальный дизайн: сила цвета в фотографии

Когда вы делаете снимок, вы понимаете около миллиона вещей, из которых состоит ваша фотография — освещение, настройки камеры, реквизит. Конечно, есть погода, которая всегда успевает застать врасплох. Еще один аспект, который может сделать фотографию интересной, — это соотношение основных цветов или модная палитра, присутствующая в кадре.

Давайте посмотрим правде в глаза, цвета в кадре, вероятно, последнее, о чем вы думаете.Найдите минутку, чтобы подумать, как каждый элемент фотографии влияет на цветовую гамму. Ваша цветовая схема, в свою очередь, влияет на вашу аудиторию. Возможно, вы не совсем понимаете значение зеленого или желтого, но цвет — это большая дорога к положительным эмоциональным реакциям.

Мы не будем вдаваться в подробности теории цвета, но мы рассмотрим некоторые эмоции, связанные с цветом, и различные способы, которыми цвета влияют на нас. Мы здесь для того, чтобы оценить сознательные и подсознательные решения, которые принимают фотографы, и значение некоторых из этих цветов.Цветовые схемы и палитры, взятые из фотографий, открывают фотографию с другой стороны, но мы предоставим вам возможность решить для себя.

Оранжевый

Оранжевый — далеко не главный объект на этой фотографии. Однако крошечные детали объекта выделяют его на фоне более светлых тонов. Прекрасная смесь желтого и красного, оранжевый содержит характеристики обоих. Оранжевый цвет в фотографии — это цвет любви, желания, страсти и тепла. Апельсин обладает молодой энергией и олицетворяет такие вещи, как жизнерадостность и энтузиазм.Тесно связанный с осенью, это напоминание о прекрасных изменениях в природе.

Оптимальное соответствие цветовому кругу: синий, розовый, зеленый; фиолетовый и синий

Где найти идеальный оранжевый, если вы фотограф. Насыщенную цветовую схему на основе оранжевого можно уловить во время заката, особенно если вам удалось найти действительно ровную площадку. Невероятные фотографии в оранжевых тонах обычно делают в пустынях на рассвете или закате.

Вы также можете попрактиковаться в оранжевой палитре дома.Для этого запаситесь морковью, мандаринами, сочным манго (его нужно будет разрезать).

Поэкспериментируйте с портретной фотографией, пригласив на фотосессию рыжеволосых людей с веснушками. Ищите оранжевый на металлургических заводах (раскаленный металл) или заброшенных заводах (ржавчина). И, конечно же, вы можете стать звездой National Geographic, демонстрируя силу природы на фотографиях вулкана над головой.

Розовый

Нежный по своей природе розовый имеет определенную женственную атмосферу и очарование.Это не яркий цвет, который будоражит чувства, это скорее успокаивающий тон с успокаивающим действием. Согласно теории цвета, розовый цвет олицетворяет любовь, романтику и нежность. Различные оттенки розового имеют разные ассоциации, и тот, что на этой фотографии, является прекрасным примером разнообразного спектра цветов.

Оптимальное соответствие цветовому кругу: синий, оранжевый, зеленый; желтый и фиолетовый

Где найти идеальный розовый, если вы фотограф. Розовый — часто используемый цвет в дизайне. Этот цвет имеет более женственный оттенок, поскольку некоторые декоративные косметические средства, в том числе пудры, имеют розовый цвет. Это также классический цвет жевательной резинки, который можно использовать как сильный акцент на протяжении всего вашего проекта.

Раз в год также происходит крупное событие в жизни фотографов, работающих с розовыми палитрами, это событие называется цветением сакуры (лучшее место для посещения: Япония). Если вы фотограф-путешественник, загляните в Розовую лагуну в Западной Австралии. Или посетите места обитания розовых фламинго (например, огромное соленое озеро на Кипре).

Коричневый

Один из доминирующих цветов в природе, коричневый, как цвет в фотографии, скромен и прекрасен в любом оттенке. Это цвет земли и всего, что связано с природой. Некоторые могут сказать, что это тусклый цвет, но на самом деле он бывает всех оттенков и оттенков и напоминает нам о стабильности, добродетели и смирении. На фотографии выше коричневый можно увидеть как основной цвет почти в каждом доме.

Лучшее соответствие цветовому кругу: темно-синий и темно-желтый

Где найти идеальный коричневый цвет, если вы фотограф. Коричневый — один из трендовых цветов 2020 года, поскольку он одновременно относится к природе, переработанным материалам и загрязнению воздуха.

Коричневая цветовая палитра не подходит для расстановки акцентов в кадре, но она может стать отличным фоном для портретной съемки, если у вас нет доступа в студию. Попробуйте работать со стволами деревьев и вспаханной или сухой землей (в зависимости от того, какой эффект вам нужен). Также подойдут позднеосенние пейзажи и старые дубовые листья.

Путешественникам понравятся дома с глиняными стенами в старинных марокканских городах, а также на юге Испании.Коричневый акцент к вашему окончательному изображению может добавить насекомое, кожаную сумку, свежую выпечку, чашку чая или кусочек корицы в кадре.

Красный

Красный имеет около миллиона качеств и столько же влияний. Это тоже один из основных цветов. Значение красного цвета в фотографии обычно указывает на опасные вещи, провоцирует действие и призывает к приключениям. Красный цвет у нас ассоциируется с храбростью, отвагой и смелостью. Это самый стимулирующий цвет, который вызывает очень сильные эмоциональные реакции.Поскольку он настолько мощный сам по себе, его следует использовать экономно. Маленькие детали на этой фотографии не могут быть более идеальными. Это нотка неожиданности, привлекающая внимание и задающая настроение.

Лучшее соответствие цветовому кругу: оранжевый, зеленый, синий или просто зеленый и синий

Где найти идеальный красный цвет, если вы фотограф. Красная помада, красная оборка на платье танцора танго, сочное красное яблоко из сказки про Белоснежку, луну в ветреную погоду, британские телефонные будки и дорожный знак «Стоп».Красный цвет (кстати, может быть среди топовых цветов 2019 года) — отличное решение для расстановки акцентов в оправе.

Обратите внимание, что кадры с преобладанием красного обычно выглядят устрашающе. Рекомендуем вам определить оптимальную дозировку красного в оправе. И еще один совет: добавьте в кадр красный акцент, если композиция выглядит слишком скучно.

Зеленый

Другой популярный цвет, который правит природой, тесно связан со всеми земными символами и является цветом роста, гармонии и надежды.У зеленого очень сильный символизм, который можно проследить до ранних ассоциаций с возрождением и миром. Что означает зеленый цвет? Некоторые говорят, что это цвет, обладающий целебными свойствами и самый миролюбивый в цветовой гамме. Это также цвет, который имеет наибольшее количество оттенков, как видно на фотографии. Вариант оттенка Greenery недавно был назван Pantone цветом года.

Лучшее соответствие цветовому кругу: красный, оранжевый, синий или просто красный и синий

Где найти идеальный зеленый цвет, если вы фотограф. Весна и лето — лучшее время года, чтобы увидеть этот цвет. Эмоции, которые вызывает цвет, всегда положительные.

Если вы хотите узнать, следует ли вам работать с зеленой цветовой палитрой, попробуйте макросъемку насекомых (кузнечиков и гусениц) или пригласите друга сделать несколько снимков леса.

Зеленый цвет может помочь вам сосредоточить внимание на определенной части кадра, а может, наоборот, стать тонким фоном. Если вы новичок в фотографии, поэкспериментируйте с гармоничными природными узорами, такими как зеленая листва и мох на склонах гор.Они вас очень вдохновят и покажут, как работать с композицией.

Зеленый тоже цвет экзотических путешествий. Натюрморт на экзотическую тематику можно создать с использованием киви и чая матча в аутентичном интерьере. А если вы предпочитаете путешествовать с фотоаппаратами в руках, отправляйтесь на охоту за норвежским северным сиянием или австралийскими попугаями.

Фиолетовый / пурпурный

Фиолетовый или фиолетовый — не тот цвет, который мы часто видим в природе. Если вам повезет, на небе может появиться его проблеск. Он чаще ассоциируется с королевской властью, властью и богатством из-за богатой насыщенности оттенка. Иногда цвет, используемый на фотографии, может быть успокаивающим и скромным, как на этой фотографии. Даже такой легкий намек на фиолетовый делает эту фотографию успокаивающей.

Оптимальное соответствие цветовому кругу: зеленый, синий, красный; синий и желтый

Где найти идеальный фиолетовый, если вы фотограф. С фиолетовой цветовой гаммой сложно работать. Для лучших экспериментов запаситесь спелыми сливами, черникой и ежевикой.А если весна только началась, отправляйтесь на поиски цветущего куста сирени. В июле отправляйтесь в лавандовый рай Орегона.

Оттенки пурпурного можно увидеть в небе ранним вечером. А когда солнце скрывается за горизонтом, отправляйтесь в путь в центр города. Фиолетовые неоновые вывески — это то, что вам нужно.

Белое и серое

У нас положительные ассоциации с белым. Он элегантный, легкий и ассоциируется с духовностью. С другой стороны, белый цвет превращается в серый; нейтральный, мрачный цвет.Интересно, что более светлые цвета тесно связаны с женственностью, а в сочетании с черным — с мужественностью. Это цвет, который разделяет атрибуты силы черного и чистоты белого.

Синий

Примечание! Трендовый цвет 2020 года

Этот главный цвет, известный как цвет неба и воды, также популярен в интерьерах. Он успокаивает, успокаивает и ассоциируется с силой и доверием. Светло-синий вызывает чувство покоя и безмятежности, а более темные оттенки говорят о силе и надежности.Это духовный цвет, уходящий корнями в древнее искусство, когда он был символом небес. Значение синего цвета также относится к воде. На этой фотографии синие стены задают настроение, а именно цвет создает атмосферные оттенки.

Лучшее соответствие цветовому кругу: желтый, зеленый, фиолетовый; зеленый и красный

Где найти идеальный синий цвет, если вы фотограф. В 2020 году чрезвычайно востребован классический синий цвет в дизайне. Самыми популярными фотографиями в синем цвете являются морские пейзажи, пейзажи с «заниженным горизонтом» (большую часть фотографий занимает небо), а также макроизображения синих бабочек (на латыни морфо), королевской голубой рыбы, гиацинтов, голубых гортензий, васильки и барвинки, а также идеальные кристаллы медного купороса.

Чтобы получить великолепные кадры, в которых доминирует синий цвет, вы также можете посетить экзотические места на планете: синий альпийский город Чауэн в Марокко, прибрежные города Греции, Мальдивы и Галапагосские острова.

Черный

Черный — это цвет, имеющий множество двойных значений. Он ассоциируется со смертью, но также с силой и элегантностью. К нему нельзя относиться легкомысленно и очень экономно использовать в фотографии. Это также отсутствие цвета, и в сочетании с другими оттенками, такими как оранжевый на этом изображении, обеспечивает визуально привлекательный и драматический контраст.Еще одно значение черного цвета — это торжественность и уединение.

Примечание! Трендовый цвет 2020 года

Бордовый — настолько насыщенный цвет в фотографии, что заслуживает отдельного внимания. Это еще один цвет, связанный с королевской властью и богатством. На этой фотографии он выступает в качестве акцента и акцентного цвета на фоне более светлых оттенков оранжевого и подавляющего черного и белого.

Лучшее соответствие цветовому кругу: классический синий и темно-зеленый

Где найти идеальный бордовый цвет, если вы фотограф. Один из самых популярных цветов 2020 года, бордовый остается редкостью. Конечно, чтобы раскрыть его потенциал, можно начать свои эксперименты с натюрморта с розами, бокалами вина, цветущим кактусом в горшке или даже репортажной съемкой в ​​театре (там занавески обычно окрашены в королевский Бургундия). Но почему бы не взглянуть на вещи по-другому? Бордовый — это также цвет кладки, осенних кленовых листьев, мужских костюмов и женских волос. Давайте поиграем с этими архетипами! Вот несколько вдохновляющих примеров от наших авторов!

Желтый

Желтый — самый видимый цвет в спектре, а также последний из трех основных цветов.Он привлекает внимание, как никакой другой цвет, и мы склонны видеть его раньше всего на этом снимке. Это счастливый цвет, связанный с оптимизмом, воображением и энергией. Желтый цвет означает солнечный свет, тепло и даже иногда ассоциируется с божественным. Различные оттенки желтого имеют разное влияние. Более темные оттенки могут усилить атмосферу и создать драматический эффект, а более светлые пастельные — наоборот.

Лучшее соответствие цветовому кругу: синий, зеленый, фиолетовый или просто синий и фиолетовый; при использовании желтого фона выберите серые объекты.

Где найти идеальный желтый цвет, если вы фотограф. Эмоции, связанные с желтым, положительные. Однако мы рекомендуем начать изучать желтый цвет, используя его в качестве яркого акцента в натюрмортах (лимон, желток, бананы, кукуруза, подсолнухи и куркума), пейзажах (желтая дорожная разметка) и портретах (желтые противотуманные очки и комбинезон). Имейте в виду, что желтый очень сложно «приручить». Чтобы объект был заметен на желтом фоне, он должен сильно контрастировать с фоном, а фон должен быть максимально однородным (попробуйте сфотографироваться на фоне желтой стены или пшеничного поля).

Эти изображения вызывают вопрос — что делает цветную фотографию эмоционально привлекательной? Такие вещи, как композиция и освещение (посмотрите эту статью: Контраст в фотографии: советы и идеи), важны, и само собой разумеется, что предмет играет большую роль. Мы надеемся, что вы также захотите рассмотреть возможность разумного и целенаправленного использования цвета в фотографии. Цветовые палитры раскрывают более глубокий смысл ваших изображений и оказывают более сильное эмоциональное воздействие на вашу аудиторию.

Статьи по теме

Depositphotos Дайджест блога

Присоединяйтесь к сообществу из 160 000 ежемесячных читателей, которые одержимы
потрясающими визуальными эффектами, полезными советами и замечательными историями

Используйте скрытое значение цвета в своем искусстве

Скрытый смысл цвета можно использовать как мощный инструмент в искусстве.

На самом деле, исследования показывают, что цвет может играть важную роль в нашем общем состоянии благополучия.Цвета, которыми мы себя окружаем, напрямую влияют на то, как мы себя чувствуем и расслабляемся.

В искусстве и дизайне цвет позволяет нам создавать нашу индивидуальность и яркость. В течение многих лет декораторы интерьеров, графические дизайнеры, рекламодатели и художники использовали цвет для улучшения окружающей среды. Цвет можно использовать, чтобы вызвать определенное настроение или создать сообщение или резкую реакцию у зрителя. Как художники, мы учимся использовать положительные или отрицательные атрибуты цвета в наших работах, чтобы подсознательно послать сообщение.

Следующие примеры показывают, как люди по-разному реагируют на холодные и теплые цвета…

Холодные цвета:

• Создан на основе голубых оттенков и создает успокаивающий эффект.
• Эти цвета варьируются от холодного ледяного синего до теплого и нежного средиземноморского бирюзы.
• Многие декораторы используют эти цвета в спа, ванных комнатах и ​​других тихих помещениях.
• Blues снижает частоту сердечных сокращений и снижает аппетит.
• Синий означает надежность.
• Обычно его носят в униформе и деловых костюмах.
• Темно-синий обычно используется более авторитетными фигурами, включая полицейских и наших президентов!
• Синий и зеленый используются в рекламе лекарств и товаров медицинского назначения.
• «Зеленые комнаты» театров называются так потому, что их зеленые стены часто используются для успокоения нервов актеров.
• Темно-зеленый хорошо подходит для офисов и учебы.
• Зелень обычно используется для уличной продукции.

Теплые тона:

• Основан на желтых тонах и, как правило, передает эмоции от счастья до насилия.
• Красный, оранжевый и желтый цвета вызывают чувство голода.
• Вот почему вы видите такие рестораны, как McDonalds, Wendy’s и Burger King, использующие эти цвета в своих логотипах и рекламе.
• Safeway, Walgreens и Costco используют красный цвет в своих логотипах.
• Красный мгновенно привлекает, возбуждает людей и увеличивает частоту сердечных сокращений.
• Только подумайте о кока-коле и Red Bull!

Прежде чем я расскажу о скрытом значении каждого цвета в спектре, сначала проведу краткий урок истории теории цвета :

• Философ, Леоне Баттиста Альберти (ок. 1435) и художник / изобретатель, Леонардо да Винчи (ок. 1495) были первыми известными сочинениями о принципах цвета.
• В 1666 году была представлена ​​ Теория цвета и основных цветов Исаака Ньютона .
• Спустя чуть более ста лет после открытия Ньютона, Моисей Харрис создал первое цветовое колесо. Он классифицировал красный, синий и желтый как три основных цвета . Основные цвета нельзя создать путем смешивания других цветов .
• Затем, в начале двадцатого века, немецкий художник Йоханнес Иттен расширил цветовое колесо, включив в него вторичных и третичных цветов. Он также был пионером идеи теплых и холодных цветов и принципа, согласно которому любой оттенок цвета может иметь либо теплую основу, либо холодную основу.

Новаторская таблица цветов Иттен состояла из двенадцати цветов…

ТРИ ОСНОВНЫХ ЦВЕТА:

ТРИ ВТОРИЧНЫХ ЦВЕТА: получены путем смешивания основных цветов

• КРАСНЫЙ + ЖЕЛТЫЙ = ОРАНЖЕВЫЙ
• ЖЕЛТЫЙ + СИНИЙ = ЗЕЛЕНЫЙ
• КРАСНЫЙ + СИНИЙ = ФИОЛЕТОВЫЙ

ШЕСТЬ ТРЕТЬЕЙ: , полученный путем смешивания первичного и вторичного цветов вместе

ОТТЕНКИ: Любой цвет можно осветлить, добавив белый оттенок. Этот же цвет можно затемнить, добавив черный, известный как оттенок. Оттенки белого становятся более женственными, а оттенки черного становятся более мужскими

ДОПОЛНИТЕЛЬНАЯ И ЦВЕТОВАЯ ГАРМОНИЯ : Дополнительные цвета оказывают сильное визуальное воздействие при размещении рядом с другим. Дополнительные цвета находятся прямо напротив друг друга на цветовом круге.

• КРАСНЫЙ + ЗЕЛЕНЫЙ
• СИНИЙ + ОРАНЖЕВЫЙ
• ЖЕЛТЫЙ + ФИОЛЕТОВЫЙ

Гармоничные цвета лежат рядом друг с другом в цветовом круге.

Совет: поэкспериментируйте с мелками, чтобы изучить взаимосвязь разных цветов друг с другом и выяснить, какая комбинация вам нравится.

• ЖЕЛТЫЙ + ОРАНЖЕВЫЙ = гармония
• СИНИЙ + ПУРПУРНЫЙ = гармония

ЗНАЧЕНИЕ ЦВЕТА:

КРАСНЫЙ: Цвет утверждения, силы, романтики, азарта, жизненной силы, физической силы, общительности, амбициозности и импульсивности. Это цвет, который льстит коже и может стать отличным фоном.Бледно-розовые — теплые и умиротворяющие, хорошо сочетаются с зеленью. Более глубокие красные оттенки создают атмосферу богатства и мощи. Красный цвет олицетворяет незамысловатую природу и жизнерадостность. Но красный также может обозначать опасность или угрозу. Пожарные машины, знаки остановки и светофоры являются прекрасным примером.

ОРАНЖЕВЫЙ: Между красным и оранжевым, это жизнерадостный цвет. Это яркий и живой цвет. Оранжевый может быть напористым, динамичным и спонтанным и означает молодость и бесстрашие.Оранжевый стимулирует мозг и производит кислород и умственную деятельность. Темно-оранжевый означает обман или недоверие, тогда как красно-оранжевый может соответствовать агрессии, доминированию и жажде действий.

ЖЕЛТЫЙ: Мы ассоциируем желтый с солнечным светом, и он представляет свет. Создает чувство надежды, счастья и мудрости. Цвет вызывает оптимистическое ощущение благополучия и естественного света. Он воздушный, сияющий и атмосферный. Желтый дает ощущение, что с миром все в порядке.Примером этого является люминизм, раннее поколение пейзажистов, которые исследовали способы реалистичного изображения света на холсте, используя цвет для изображения мелодраматического или романтического настроения. Но желтый — сложный цвет. С одной стороны, это считается «беззаботным» и детским, но на самом деле известно, что дети плачут. Хотя светло-желтый цвет олицетворяет интеллект, свежесть и радость, тускло-желтый ассоциируется с осторожностью, упадком, болезнью и ревностью. Желтый иногда — трусость. Фраза «желтобрюхий трус» вошла в употребление примерно в 1910 году, что, вероятно, связано с ассоциацией желтого цвета как с изменой, так и со слабостью.Более тысячелетия назад Иуда Искариот часто изображался в желтой одежде, символизируя его предательство Иисуса Христа — поступок трусости. В первые дни Америки желтые собаки считались бесполезными, а термин «желтая собака» стал использоваться для обозначения всего, что не имеет ценности. Наши наблюдения желтого цвета листьев деревьев по мере их старения и отмирания, а также пожелтения старых книг и бумаг привели к ассоциации желтого цвета со старостью и болезнью. Но желтый очень эффективно привлекает внимание — подумайте о такси.Желтый также используется как предупреждающий символ. В футболе «желтый флаг» является предупреждением. Если поставить рядом с черным, желтый выдает предупреждение. Желтый также используется на светофорах и знаках, чтобы предупредить нас об опасности. Список можно продолжать и продолжать…

Совет: при рисовании светом используйте теплые или холодные цвета друг против друга, а не от черного к белому

«Под ванильным небом» Лори Макни © 2009

(Картина выше вызывает ощущение спокойствия, гармонии.Эта безмятежная среда была создана с использованием светло-желтого и разнообразного зеленого, а также штрихов дополнительных цветов.)

ЗЕЛЕНЫЙ: Цвет гармонии, баланса и безопасности. Зеленый также имеет успокаивающее действие и символическое значение надежды, мира, мягкости и скромности. Он успокаивающий, изысканный и цивилизованный, обладающий огромной целебной силой. Зеленый означает стабильность и выносливость, надежду и рост. Иногда это означает отсутствие опыта, например, «зеленый рог» — новичок. Бледно-зеленые особенно успокаивают.Темно-зеленый цвет напоминает нам о деньгах, банковском деле и Уолл-стрит. Однако иногда желто-зеленый используется для обозначения болезней, раздоров и ревности. Помните фразу «зеленый от зависти» ???

СИНИЙ: Цвет моря и неба, он обладает свойством прохладной просторности и открытости. Мягкий, успокаивающий, сострадательный и заботливый, синий — это цвет самоанализа. Синий часто является формальным цветом, символизирующим мудрость и твердый характер. Многие супергерои носят синий цвет! Считается мужским цветом и выбором корпоративной Америки.Но тихий характер и поэтическая тонкость синего также могут ассоциироваться с меланхолией и покорностью. Помните печально известный «голубой период» искусства Пабло Пикассо? Личная травма Пикассо нашла выражение в серии глубоко сентиментальных картин, составляющих его «Голубой период». Я даже посвятил полезный пост артистам, которые почувствовали себя синими…

ПУРПУРНЫЙ: Сочетание красного и синего, пурпурные цвета царственны и величественны, поэтому их следует использовать осмотрительно. Бледные оттенки успокаивают и безмятежны, но более темные оттенки затрудняют фокусировку.Лаванда означает изысканность, творчество, остроумие и цивилизованность. Фиолетовый может утомлять глаза и вызывать чувство разочарования, но он может стать отличной фольгой для произведений искусства. Мрачные и грустные чувства можно передать с помощью пурпура.

КОРИЧНЕВЫЙ: Цвет живого дерева и земли. Богатый, тонкий и необычайно успокаивающий на вид, коричневый создает ощущение прохлады и тепла одновременно. Он хорошо сочетается с такими насыщенными цветами, как фиолетовый и золотой (популярные в викторианскую эпоху). Это устойчивый, надежный, консервативный, ответственный и надежный цвет. Браун вызывает чувство ностальгии и напоминает нам о великих произведениях Рембрандта, Тициана и Рубенса. Тонализм использовал богатые землистые тона и приглушенные цвета для создания мрачных пейзажей. Ван Гог использовал много коричневого, чтобы создать мрачное и подавленное настроение в знаменитой картине «Едоки картофеля». Вспомните Советскую Россию, и вы, возможно, вспомните, что простые люди обычно носили коричневые оттенки.

СЕРЫЙ: Этот цвет означает осторожность и компромисс.Смешивая дополнительные цвета, можно получить много красивых оттенков серого. Серые цвета дарят зрителю ощущение покоя.

БЕЛЫЙ: Символ безопасности, чистоты и чистоты. Белый излучает молодость, совершенство и невинность. Ангелов обычно считают белыми. Белый — это простота и свежесть, но слишком много может дать клиническое ощущение. Врачи, больницы и бесплодие ассоциируются с белым. Для продуктов с низким содержанием жира и молочных продуктов используется белый цвет в упаковке. Но во многих восточных культурах белый цвет означает смерть, траур, похороны и несчастье.Призраки белые, и во многих культурах дарить больным белые цветы — неудача. В живописи экономно используйте белый цвет. Он может сделать цвета меловыми и безжизненными.

«На грани» Лори Макни

(Интенсивность и энергия в этой картине были созданы с использованием вариаций цветов, черного и белого. Противоположные символы и значение каждого цвета поражают скрытое сообщение и беспокойство у зрителя.)

ЧЕРНЫЙ: Таинственный и скрытый, черный цвет может вызывать болезненные ощущения.Это дает нам ощущение неизвестных и негативных коннотаций, таких как черная дыра, черный список, черный юмор или черная смерть. В большинстве западных культур черный цвет является символом горя. Однако черный цвет может быть благородным и эффектным с изысканностью. Черный также подчеркивает цветовые схемы, в которых используются сильные контрастные цвета. Попробуйте смешать свой собственный черный, а не использовать его прямо из тюбика.

«Второй взгляд» Лори Макни

(В этой картине я хотел создать таинственное настроение.Использование черного и темно-зеленого цветов помогло мне в достижении цели. Я редко использую черный из тюбика. Я могу смешать отличный «черный» с Ultra Marine Blue & Cadmium Orange или Burnt Umber.)

Большинство успешных художников знают, как использовать цвет в своих интересах, но многие начинающие и начинающие художники не осознают силу цвета на зрителя. Эта статья НЕ является моей сокращенной попыткой преподать «Теорию цвета». Объемы книг по этой теме могут заполнить любую комнату! Но я намерен поделиться наводящим на размышления обзором цветового спектра и его значения.Художники всегда ищут способы придать смысл своей работе. На самом деле, написание этого поста дало мне несколько свежих идей для создания моих будущих картин! Теперь, когда мы лучше понимаем цвет, я надеюсь, что вы, , сможете улучшить свои картины с помощью соответствующего подсознательного сообщения или значения, чтобы передать настроение, которое вы хотите изобразить.

Дайте мне знать, что вы думаете… Лори 🙂

Вы можете прочитать:

Улучшение гармонии цветов — Использование Инь Ян в рисовании

Важность ценности и тона в живописи

https: // www.finearttips.com/2010/07/use-the-hidden-meaning-of-the-color-red-in-art-design/

https://www.finearttips.com/2010/08/the-color-blue-use-the-hidden-meaning-for-art-design/

https://www.finearttips.com/2010/07/the-color-yellow-the-hidden-meaning-for-your-art-design/

https://www.finearttips.com/2010/08/the-color-green-how-to-use-its-hidden-meaning-for-art-design/

Значение цветов в рисунках детей

Детские рисунки и раскраски — хороший способ узнать наших детей больше.Через их рисунки мы можем узнать об их чувствах, их отношении к окружающей среде и некоторых характеристиках их личности. Согласившись с тем, что интерпретация детских рисунков должна выполняться специалистом, родители также могут сделать некоторые выводы.

При интерпретации детских рисунков и раскрасок важно, чтобы мы рассматривали все детали, от положения рисунка до размера, посредством давления и черчения. Однако выбор цвета, который использует ребенок, даст нам больше информации об их эмоциональном развитии.

Что означает каждый цвет в детских рисунках:

Оранжевый : Если этот оранжевый преобладает в рисунках вашего ребенка, это потому, что это общительный и активный ребенок, которому нужен контакт с людьми, быстрота и импульсивность в движении. Вам, вероятно, труднее сосредоточиться на задаче и получать удовольствие от самых расслабляющих занятий.

Синий : Синий — цвет спокойствия, мира и равновесия. Застенчивые и замкнутые дети используют этот цвет как доминирующий в его рисунках, но также указывают на то, что это чувствительный и вдумчивый мальчик.В некоторых случаях избыток синего цвета на некоторых изображениях может скрывать такое состояние, как энурез.

Зеленый : Так же, как синий, зеленый говорит о тихом и очень чувствительном ребенке. Однако этот мир может стать дефектом и дезадаптацией, если он используется для окраски вещей, которые не являются зелеными.

Rosa : Розовый не только для девочек. И мальчики, и девочки используют этот цвет чаще, чем другие, когда речь идет о детях-мечтателях, которые любят жить в воображаемых мирах. Это может указывать на необходимость уйти от реальности или быть признаком творчества.

Amarillo : Этот цвет может быть очень ярким, говорит о общительном, веселом и подвижном ребенке. Однако, если использование желтого цвета чрезмерно, изображение может говорить нам о напряженности в их окружении или эмоциональных конфликтах.

Красный : Это очень распространенный цвет в детских рисунках по своей интенсивности. Используется экономно, рассказывает о ребенке энергичном и очень страстном. Но если использовать слишком много, это может указывать на некоторый дисбаланс, враждебность и агрессию.

Коричневый : Коричневый цвет — это цвет, который большинство детей используют разумно и осторожно. При чрезмерном использовании необходимо знать, что ребенок не потерял детство, перегруженное не соответствующими возрасту обязанностями.

Фиолетовый : Этот цвет, символизирующий духовность, может указывать на то, что это ребенок, в котором преобладает меланхолия. Используемый как преобладающий цвет в рисунке, говорит о жизненной неудовлетворенности ребенка, с чем мы должны скоро остановиться.

Как цвет влияет на фотографии

С технической точки зрения цвет может быть сложным; просто посмотрите нашу недавнюю статью о sRGB, Adobe RGB и ProPhoto RGB.Но на художественном уровне это одна из самых важных частей изображения, вызывающая эмоции и интерес, в отличие от почти любого другого элемента фотографии. В этой статье представлены концепции цвета и цветовых отношений, в том числе способы их использования для получения наилучших фотографий.

Теплые и холодные цвета

Два основных типа цветов: теплый и холодный . К теплым цветам относятся красный, оранжевый и желтый, а к холодным — зеленый, синий и фиолетовый.У этих двух категорий цвета свое собственное настроение, и полезно задать себе вопрос, какие из них вы фотографируете в данный момент, если вы хотите оптимизировать внешний вид ваших фотографий.

Теплые тона более активны и эмоционально заряжены. Они выпрыгивают на зрителя, привлекая внимание и вызывая интерес. Как правило, теплые цвета встречаются реже, чем холодные, поэтому изображение, на котором есть даже небольшой всплеск тепла, может выделяться. Это одна из причин, почему фотографии заката и восхода солнца, а также цвета осени так популярны.

Холодные цвета, напротив, более приглушены и нежны. Они переходят в фон, особенно если в том же месте появляется теплый цвет. В общем, они не привлекают столько внимания, как теплые цвета, хотя это, конечно, неплохо. Теплые цвета могут подавлять; холодные цвета с большей вероятностью покажутся успокаивающими и спокойными. Большая часть природы состоит из холодных цветов, хотя закат и восход солнца могут превратить даже синий пейзаж в золотой.

Ниже я расскажу о каждом из шести основных цветов: красном, оранжевом, желтом, зеленом, синем и фиолетовом, а также об эмоциях, которые обычно связаны с каждым из них.Имейте в виду, что эмоции — сложная часть фотографии, и вы можете делать снимки, в которых нет перечисленных ниже эмоций, просто изменив свой выбор объекта или композиции. Но следующие эффекты действительно имеют значение.

Изучение эмоций каждого цвета

1. Красный

Один из самых редких и ярких цветов в природе, красный цвет особенно важен для фотографов. Учитывая исторические ассоциации между красным цветом и эмоциями страсти и волнения, неудивительно, что это очень активный цвет.Он также может быть слишком интенсивным для определенных изображений; немного красного имеет большое значение.

Чтобы найти красный цвет в природе, ищите листья осенью, красные скалы в таких местах, как юго-запад Америки, или случайные яркие закаты. В других жанрах фотографии, таких как портретная съемка, имейте в виду, что любой красный цвет вашего объекта будет привлекать внимание, будь то одежда или макияж. А при съемке дикой природы красные объекты, такие как яркие глаза квакши или кардинала на фоне снега, имеют мгновенную силу прилипания.

2.

По сравнению с красным цветом, оранжевый является одним из наиболее распространенных в природе. И не только закаты. Коричневый цвет обычно представляет собой просто более темный оттенок оранжевого, и он постоянно встречается в природе.

Апельсин бывает разных оттенков: от темно-коричневого цвета дерева до ярко-оранжевого цвета тыквы. Он передает ощущение тепла, и он не такой подавляющий, как красный. Но оранжевый — тоже не пассивный цвет; он привлекает довольно много внимания, особенно на более прохладном фоне.Мне всегда кажется, что в нем есть немного приключений.

3. Желтый

Желтый — самый яркий и оптимистичный цвет, особенно когда он появляется сам по себе, а не в смеси с оранжевым или зеленым. Тем не менее, именно этот смешанный желтый цвет мы видим чаще всего в мире. Даже ярко-зеленая трава и яркие оранжевые закаты почти всегда имеют желтый компонент.

С другой стороны, если вы присмотритесь к нему, вы все равно найдете желтый в природе. Песок, осенние листья и даже солнце в определенное время дня ярко-желтого цвета, и они хорошо работают на фотографиях, где ваша цель — чувство позитива и волнения. Как красный и оранжевый, желтый — теплый цвет, и всякий раз, когда он появляется, он привлекает внимание. Присмотритесь достаточно близко, и вы найдете способы включить это в свою фотографию.

4. Зеленый

Несмотря на то, что синий — самый распространенный цвет в природе, благодаря воде и небу, зеленый — самый распространенный цвет. ассоциируйтесь с жизнью.Наши зрительные системы распознают больше оттенков зеленого, чем любой другой цвет. Итак, ваши фотографии могут включать оттенки темно-зеленого, ярко-зеленого, электрического зеленого, темно-зеленого, ярко-зеленого и почти бесконечные их вариации.

По сути, зеленый — знакомый и успокаивающий цвет. Поскольку он представляет живой мир, он создает ощущение спокойствия у тех из нас, кто любит проводить время на природе. В этом смысле зеленый — самый теплый из холодных цветов.

5.Синий

Одним из первых, кто написал о взаимосвязи между цветом и эмоциями, был Гете в своей 1810 Теории цвета , в которой он сказал, что синий «тянет нас за собой». Сегодняшняя точка зрения не такая уж иная. Возможно, это тот случай, когда художественная традиция обогнала реальность, но, может быть, в этом что-то есть. В конце концов, синий цвет напрямую связан с расстоянием в реальном мире. Туман на горизонте, как и само голубое небо, сигнализируют о далеких, даже недоступных местах.

Синий, к тому же, не слишком занятый цвет. Он более спокойный и менее кричащий. Известный факт в фотографии в Instagram: голубые изображения в среднем получают больше лайков, чем изображения с более теплыми цветами. Это связано с тем, что насыщенные цвета красного и оранжевого не так хорошо переносятся на меньший экран, а синий не так отвлекает.

Синий и голубой передают несколько разные эмоции. Темно-синий может быть сильным и зловещим, как темное облако. Голубой более мягкий и оптимистичный.Но оба мирные; даже синяя буря обычно имеет в себе элемент спокойствия.

Поскольку это самый распространенный цвет в природе, как в небе, так и в воде, велика вероятность, что вы обнаружите эмоции синего на многих снимаемых вами фотографиях. Будь то единственный цвет в спокойном глубоком изображении или как фон для притягивающего внимание теплого цвета, синий может успешно дополнить практически любое эмоциональное послание на фотографии.

6.Фиолетовый

Фиолетовый, пожалуй, самый редкий цвет, который можно увидеть в чистом виде в природе, обычно встречается только в очень специфических закатах или цветах. Хотя исторически фиолетовый цвет ассоциируется с королевской властью и богатством, в фотографии он приобретает многие из тех же коннотаций, что и синий; Фактически, он чаще всего появляется в мире как смесь с синим, образуя голубовато-фиолетовый цвет в небе или море.

Фиолетовый цвет создает ощущение умиротворения — спокойствия, приятного и часто неожиданного.Если у вас когда-нибудь будет возможность сфотографировать выставку этого редкого цвета, например цветущих цветов люпина, извлеките из этого максимум удовольствия; фиолетовый достаточно необычен, чтобы выделять ваши фотографии.

Гармония и взаимосвязь цветов

Способы их взаимодействия столь же важны, как и отдельные цвета. Это варьируется от простых цветовых контрастов до сложных гармоний; реальный мир имеет почти бесконечное разнообразие цветов. Некоторые из этих отношений работают лучше, чем другие, хотя потребуется немного практики — и часто некоторая постобработка — чтобы получить именно тот результат, который вы хотите.

1. Теплые и холодные цвета

Как уже несколько раз упоминалось в этой статье, разница между теплыми и холодными цветами очень важна. Когда оба типа четко видны на одной фотографии, они образуют сильный цветовой контраст, который может быть центром внимания.

Согласно классической теории цвета, дополнение каждого холодного цвета (напротив) является теплым, и наоборот. Красный и зеленый — дополняющие друг друга; так же оранжевый и синий, а также желтый и фиолетовый.

Одной из важных составляющих дополнительных цветов является то, что они обладают естественным контрастом при размещении рядом друг с другом на фотографии, подобно композиции, в которой черный и белый сопоставлены.Взгляните на фотографию ниже, например:

На изображении выше доминируют только два цвета: синий и желтый. оранжевый, и они пересекаются в нескольких разных областях. Одним из самых важных является небо, где теплое облако сидит на прохладном фоне. В черно-белой версии этой фотографии между ними очень мало разделения, и поэтому не так много внимания уделяется верхней части фотографии. Но в цвете сильный контраст привлекает внимание к небу, делая его очень важным элементом композиции.

2.

Некоторые другие цветовые отношения считаются привлекательными, например, комбинация трех основных цветов (красного, желтого и синего). То же самое и с цветами между перечисленными выше, такими как желто-оранжевый или сине-зеленый, которые также имеют свои собственные наборы дополнений.

Хотя я не отвергаю идею о том, что эти более сложные цветовые гармонии часто бывают красивыми и эмоциональными, в действительности это обсуждение может оказаться весьма запутанным при обсуждении трех или более цветов.Проще говоря, цвета реального мира не похожи на живопись. В большинстве случаев невозможно выбрать идеальный сине-зеленый цвет для гармонии с равными частями красного и оранжевого; реальность более беспорядочная, чем это.

Если вы хотите углубиться в обсуждение цветовых гармоний и взаимоотношений, в этом нет вреда и, возможно, есть некоторая интересная информация для изучения. Но моя главная рекомендация — просто посмотреть на сцену перед вами и попытаться представить, «подходит ли ее цвет» вашему глазу. Это далеко не точно, но интуиция в фотографии имеет большую ценность, чем попытки соответствовать идеалу, которого вы, возможно, не найдете в реальном мире.

Единственное исключение — этап постобработки, когда у вас есть немного больше возможностей для изменения оттенка и насыщенности цветов в вашем изображении. В таком случае стоит потратить время на то, чтобы отредактировать фотографию таким образом, чтобы она хорошо гармонировала, либо по определению цветового круга, либо, что более вероятно, просто так, чтобы она выглядела хорошо для ваших глаз.

Заключение

Цвет — одна из самых глубоких тем в фотографии, но он несет в себе настолько сильные эмоции, что стоит попытаться осознанно думать о его характеристиках, когда это возможно. Я часто стараюсь сделать фотографию как можно более простой и унифицированной, используя только один цвет, который доминирует в кадре. Или, если условия подходящие, поиск теплого и прохладного разделения может привести к тому, что фотографии будут привлекать много внимания, как при съемке с высокой контрастностью.

Тем не менее, самая важная часть цвета в конце дня — это просто то, что хорошо выглядит для ваших глаз. Независимо от того, работаете ли вы на месте или на этапе пост-обработки, цвета, которые вы выбираете, имеют большое влияние на ваш личный стиль; некоторые известные фотографы «смотрят» на свои изображения во многом благодаря их цветовой палитре. Итак, когда вы поймете основы цвета, лучше всего взять эту информацию и сделать ее своей.

Я также опубликовал видео, в котором более подробно рассматриваются некоторые из этих тем, которые могут вам понравиться:

Значения цвета и искусство использования цветовой символики

Вы видите цвета во всем, что вас окружает, в каждый момент дня — но задумывались ли вы когда-нибудь о влиянии каждого из этих цветов на вас? Будь то успокаивающий эффект голубого неба и зеленых полей или вызывающий слюну красный и желтый цвета вашей местной сети ресторанов быстрого питания, каждый цвет имеет значение и затрагивает эмоции. В значениях цветов есть целая наука (и искусство). Как предприниматель или дизайнер, очень важно знать эти значения цвета, чтобы помочь вам с умом выбирать цвета и использовать магическую силу цветовой символики.

Цвета могут быть мощным инструментом, если вы знаете, как их использовать. В бизнесе — будь то ваш или клиентский — цвет играет очень важную роль.Вы можете сразу подумать об элементах брендинга, таких как логотип, визитки и канцелярские товары. Выбор цвета также будет иметь значение для онлайн-коммуникаций и маркетинговых материалов: вашего веб-сайта, социальных сетей, электронной почты, презентаций, а также офлайн-инструментов, таких как листовки и упаковка продуктов.

Откуда берутся значения цвета?

–

Миллионы лет биологической обусловленности создали определенные ассоциации между цветами и объектами или эмоциями, хотя некоторые ассоциации могут возникать совсем недавно. Понимание этих ассоциаций даст вам кратчайший путь к сердцам людей, провоцируя определенные эмоции и, возможно, даже поведение. Чувства намного сильнее, чем рациональные мысли, основанные на фактах и ​​цифрах, и использование значений цвета и цветовой символики сделает ваши усилия по брендингу и дизайну намного более эффективными.

Значения цвета проистекают из психологического воздействия, биологической обусловленности и культурного развития.Некоторые значения цвета глубоко укоренились в нашем мозгу, потому что они видны повсюду вокруг нас, например, красный цвет огня ассоциируется с теплом или зеленый — с природой. Мы биологически запрограммированы обращать внимание на яркие цвета, потому что ярко окрашенные животные или растения часто ядовиты. Нам больше нравятся красные фрукты, а не зеленые, потому что цвет указывает на спелость и сладость.

Другие цвета со временем приобрели культурное значение, и их значения были приняты обществом, например, розовый как цвет для девочек и синий для мальчиков в западных культурах (что не всегда было так).

Вот несколько вещей, которые могут повлиять на значение цветов:

• Культурные различия —Красный цвет символизирует удачу в Китае, но в Южной Африке это цвет траура. У американцев зеленый цвет ассоциируется с деньгами, поскольку это цвет долларовых купюр, но в глобальном масштабе это не так. В западных странах черный — это цвет траура, а в некоторых странах Восточной Азии — белый. В США зеленый цвет — это цвет зависти, а в Германии — желтый. Вам необходимо учитывать эти различия в зависимости от того, где вы работаете.
• Время —Цвета также могут со временем меняться по значению: красный раньше считался сильным мужским цветом, а синий был женским цветом, подходящим для девочек.
• Оттенки и тона —Цвет может иметь общее значение, но более светлые оттенки могут значительно отличаться по сравнению с более темными оттенками, в то время как более естественные, приглушенные оттенки будут отличаться от искусственных неоновых цветов. Убедитесь, что вы смотрите на конкретные ассоциации разных оттенков и тонов. Например, если вы используете неоново-зеленый цвет, не думайте, что только потому, что вы выбрали оттенок зеленого, он хорошо подойдет для экологичного бренда.Точно так же яркий пурпурный цвет будет иметь совершенно иное значение, чем приглушенный пастельный оттенок розового, даже если они оба являются оттенками розового.
• Комбинации цветов —Если вы используете более одного цвета, вы должны знать, как цветовые комбинации влияют на общее значение. Они могут усиливать друг друга, заставлять друг друга выделяться, сливаться вместе или сражаться друг с другом. Вам нужно будет подумать об их объединенном значении и о том, какого эффекта вы хотите достичь с помощью своей комбинации.Теория цвета поможет вам понять отношения между цветами.

Теперь давайте посмотрим, что означают все эти цвета…

Значения цветов

Красный — энергия, страсть и опасность

Что означает красный:

Красный цвет ассоциируется с жаром энергии, страсти и любви. Мы «видим красный», когда злимся, и это также цвет крови, силы и опасности, что делает его ярким цветом в бренде. Подумайте о ярко-красном цвете пожарной машины или о знаке «Стоп» на дорогах.Также говорят, что красный стимулирует аппетит, поэтому он популярен в сетях быстрого питания, особенно в McDonald’s, где красный сочетается с другим основным цветом, желтым.

Netflix использует красный цвет, чтобы привлечь пользователей на свою платформу, с красным призывом к действию присоединиться или войти в систему. Еще один известный красный бренд — это Coca-Cola (и, как гласит история, это была маркетинговая кампания Coke, в которой Санта-Клаус был отмечен красным ). Будет интересно посмотреть, что произойдет с недавним редизайном упаковки Coca-Cola, когда они отойдут от культового красного цвета, чтобы сочетать свои новые вкусы Diet Coke с другими цветами.

Как пользоваться:

Если у вас громкий бренд и вы хотите выделиться, красный цвет может быть для вас цветом. Его высокая энергия делает его отличным выбором для напитков с кофеином, быстрых автомобилей или занятий спортом. Благодаря своим свойствам, стимулирующим аппетит, он отлично подходит для ресторанов, которые хотят привлечь голодных клиентов. Его также можно использовать в качестве акцентного цвета, чтобы привлечь внимание к чему-либо на вашей упаковке или побудить посетителей «купить это сейчас» на вашем веб-сайте.

Апельсин для творчества, молодости и энтузиазма

Что означает оранжевый:

В качестве второстепенного цвета оранжевый сочетает в себе тепло и жар красного с игривостью и радостью желтого. Он привлекает внимание, не будучи таким смелым, как красный, и используется для предупреждающих знаков, таких как дорожные конусы и одежда повышенной видимости. Это энергичный цвет, который может напомнить вам здоровье и жизненную силу, учитывая его очевидную связь с апельсинами и витамином С. Это также молодой цвет, привносящий элемент яркости и веселья.

Хорошим примером использования оранжевого цвета для увлекательного общения с молодой аудиторией является Nickelodeon. Чтобы стимулировать энергию и активность, Gatorade использует оранжевую молнию, а оранжевый также является популярным цветом для тропических напитков, таких как Fanta. Выбор цвета может быть вызван необычными историческими причинами: люксовый бренд Hermès выбрал оранжевый, потому что это был единственный картон, доступный во время Второй мировой войны! Это уверенный цвет, который обычно не ассоциируется с роскошью.

Как пользоваться:

Orange может стать отличным выбором для молодого и креативного бренда, который хочет немного отличаться от основного. Это приятный цвет, который также стимулирует действие, поэтому, как и красный, его можно использовать как акцентный цвет, чтобы привлечь внимание и стимулировать активность.

Желтый — счастье, надежда и непосредственность

Что означает желтый:

Желтый — это цвет солнца, смайликов и подсолнухов. Это счастливый, молодой цвет, полный надежды и позитива.Это еще один цвет, который привлекает ваше внимание и по этой причине также может использоваться для обозначения осторожности, например красный и оранжевый.

Золотые арки McDonald’s (ну, на самом деле они желтые) — всемирно признанный символ, который можно увидеть издалека и сразу же ассоциируется с фастфудом. Точно так же желтый ярлык Best Buy указывает на снижение затрат для сознательных клиентов (скажите это быстро трижды!).

Как пользоваться:

Yellow — отличный выбор, если скорость, веселье и низкая стоимость — атрибуты, которые вы хотите ассоциировать со своим брендом. Однако будьте осторожны с разными оттенками: ярко-желтый сразу привлечет внимание людей и является полезным способом выделить или подчеркнуть дизайн, бледный или теплый желтый может выглядеть естественным и здоровым, а неоново-желтый может быть очень искусственным.

Зеленый цвет означает природу, рост и гармонию, но также и богатство и стабильность

Что означает зеленый цвет:

Зеленый цвет повсеместно ассоциируется с природой, равно как и с травой, растениями и деревьями.Он также символизирует рост и обновление, являясь цветом весны и возрождения. Другая ассоциация — это «получение зеленого света», чтобы оно ассоциировалось с действиями. В США зеленый цвет (и особенно темно-зеленый) также ассоциируется с деньгами и поэтому символизирует процветание и стабильность.

Зеленый также часто рассматривается как четвертый цвет поверх основного красного, желтого и синего (например, Microsoft и Google), обеспечивая ощущение визуального баланса и, как результат, успокаивающее и расслабляющее воздействие.Известные бренды, которые используют разные оттенки зеленого, включают Starbucks, Spotify и Whole Foods Market.

Как пользоваться:

Связь с природой делает зеленый цвет естественным выбором (видите, что я там делал?) Для бренда, который является экологически чистым, органическим или устойчивым. Как и в случае с желтым, будьте осторожны с тем фактом, что, хотя приглушенные или более светлые оттенки зеленого могут представлять природу, неоновые версии будут иметь противоположный эффект и будут казаться более искусственными и менее гармоничными.На веб-сайте зеленый призыв к действию может предлагать «вперед», хотя битва продолжается с красными кнопками, которые вместо этого могут указывать на срочность.

Синий — спокойствие, доверие и интеллект

Что означает синий цвет:

Синий — безмятежный и успокаивающий цвет, олицетворяющий разум и ответственность. Синий цвет прохладный и расслабляющий. Светло-голубой цвет умиротворяет, а темно-синий может обозначать глубину и силу. Это самый популярный цвет в мире, как с точки зрения личных предпочтений (для обоих полов), так и с точки зрения использования в бизнес-логотипах. Это цвет, которым пользуются проверенные корпоративные учреждения, часто в сочетании со зрелым серым:

• ИТ-компании например Intel, Microsoft, IBM, HP, Dell
• Финансовые учреждения, например American Express, Visa, Goldman Sachs, Paypal
• Крупные корпорации, например Procter & Gamble, General Electric, General Motors, Boeing and Lowe’s
• Blue также является естественным выбором для профессиональной сети LinkedIn.

Интересно, что синий цвет является предпочтительным и для многих других социальных сетей.Facebook синий — очевидно, потому что основатель Марк Цукерберг дальтоник, а синий — самый яркий цвет, который он может видеть. Ассоциация с доверием и надежностью хорошо работает в контексте социальной сети, со всеми проблемами, связанными с конфиденциальностью данных и т. Д., И вы обнаружите, что Twitter также синий, как Instagram, российский VKontakte и даже сайт социальных сетей. Mashable.

Как пользоваться:

Если вы хотите, чтобы вас сразу ассоциировали с профессионализмом и доверием, тогда синий цвет для вас.Поскольку он нравится всем, это также отличный выбор, если вы хотите понравиться как мужчинам, так и женщинам. Его связь со спокойствием и умиротворением означает, что синий также хорошо подходит, если ваш бизнес связан с расслаблением, терапией или медитацией.

Фиолетовый — роскошь, таинственность и духовность

Что означает фиолетовый:

Фиолетовый — интересный цвет: он теплый и прохладный, сочетает в себе страсть и энергию красного со спокойствием и безмятежностью синего.Из-за того, что фиолетовый ассоциируется с королевской семьей, он по своей природе престижен и роскошен. Исторически пурпурный краситель был дорогим, а это означало, что его могли себе позволить только богатые правители. Правящие классы, короли и королевы древности носили пурпур, а королева Елизавета I даже запрещала носить его никому, кроме королевской семьи. Пурпурный также ассоциируется с религией и духовностью, поскольку древние правители считались потомками богов, а цвет имеет особое значение в религиях, включая католицизм, иудаизм и буддизм. Помимо всего прочего, фиолетовый в тренде: ультрафиолетовый — это цвет, выбранный Pantone в качестве цвета 2018 года.

Как ни странно, бренды не всегда выбирают цвета так стратегически, как должны. Yahoo, как гласит история, в итоге стала фиолетовой, потому что это была самая дешевая краска, доступная для ремонта офисов в первые дни. Вы можете увидеть более типичное использование пурпурного в бренде Asprey, британской роскошной компании с наследием, уходящим корнями в 1700-е годы, и королевским ордером на каждого британского монарха со времен королевы Виктории.

Как пользоваться:

Используйте пурпурный, если хотите воссоздать эти роскошные королевские связи, — сочетайте его с золотом, чтобы получить дополнительное «вау». Или используйте его, если хотите добавить своему бренду немного мистики и духовности. Добавьте немного зеленого для действительно яркого контраста или с розовым, чтобы подчеркнуть женственность.

Розовый — женственность, игривость и романтичность

Что означает розовый:

В наше время невозможно увидеть розовый цвет и не думать о маленьких девочках, сладкой вате и ярко окрашенной жевательной резинке. Розовый олицетворяет женственность и романтичность, чувствительность и нежность. Он по своей сути сладкий, милый и очаровательный.

Вместе с коричневым, розовый — один из наименее распространенных цветов в логотипах. Типичные варианты использования ярко-розового — это Barbie и Cosmopolitan с их очевидными целевыми рынками, а также Baskin Robbins и Dunkin ’Donuts, которые используют« сладкую »сторону цвета. Свадебные компании и другие женские бренды часто предпочитают светло-розовый цвет. Менее типичные варианты использования включают Lyft и TMobile — оба бренда-претендента, которые стремятся выделиться среди своих конкурентов и привнести элемент игривости и доступности.

Как пользоваться:

Использование розового цвета — это быстрый способ сказать «это для женщин», и если вы знаете, что он понравится вашей целевой аудитории женщин, то это отличный выбор. Однако для некоторых аудиторий это может оттолкнуть, и вы можете проявить более творческий подход в выражении женственности, не прибегая к клише. Вы также можете использовать его неожиданным образом, чтобы выделиться среди ваших унылых и унылых конкурентов или добавить удивительный элемент в сложный дизайн.

Коричневый — для здоровья, тепла и честности

Что означает коричневый цвет:

Коричневый — это естественный цвет, ассоциирующийся с землей и, как следствие, дающий ощущение устойчивости и поддержки. Учитывая его связь с землей и природой, коричневый цвет напоминает сельское хозяйство, сельское хозяйство и другие виды активного отдыха на природе. Он теплый и дружелюбный, практичный и надежный, а также может олицетворять старомодный и хорошо зарекомендовавший себя.

Коричневый не так часто используется в логотипах.Когда это так, это обычно означает полезность. Хотя синий является типичным корпоративным цветом, UPS использовала коричневый, чтобы обозначить надежность (наряду с более поздним добавлением желтого, чтобы привнести элемент тепла и дружелюбия). До недавнего времени (ну, в 2010 году) они даже использовали этот цвет в своем слогане: «Что коричневый может для вас сделать?»

Как пользоваться:

Коричневый — теплый нейтральный цвет, который можно использовать в качестве фона, передающего тепло и полезность.Используйте его для натурального бренда и в естественном сочетании с зеленым, чтобы действительно передать это органическое ощущение. Вы также можете использовать коричневый цвет, чтобы создать впечатление устоявшегося наследия и традиций. Коричневый цвет подходит для шоколадных брендов по понятным причинам.

Черный — элегантность, мощь и изысканность

Что означает черный:

Черный — невероятно универсальный цвет и, вероятно, самый используемый цвет в графическом дизайне. Когда дело доходит до брендинга и маркетинга, черный обычно ассоциируется с эксклюзивностью, силой и элегантностью.Он смелый, мощный и немного загадочный, что делает его неизменным фаворитом современных брендов. В зависимости от контекста дизайна его также можно использовать для создания крутого и неприступного вида. В то же время это по своей природе нейтральный цвет, который хорошо сочетается с любым другим цветом и часто используется для типографики и других центральных базовых элементов дизайна.

Роскошные бренды, такие как Chanel и Dior, делают вещи стильными с помощью культового черно-белого логотипа. Такие бренды хотят быть немного устрашающими и неприступными, поскольку это делает их более эксклюзивными и интересными.Логотип Джеймса Бонда 007 черный. Логотипы газет также имеют тенденцию быть черными, учитывая исторические черно-белые печатные машины. Конечно, у большинства брендов будет черно-белая версия своего логотипа, поскольку черно-белая печать, как правило, дешевле цветной.

Как пользоваться:

Если вы хотите передать ощущение роскоши, вы не ошибетесь, выбрав простую черно-белую цветовую схему. В сочетании с золотом, серебром или, почему не с королевским пурпуром, вы придадите своему бренду вид эксклюзивности и престижа.С другой стороны, черный также можно использовать с яркими цветами для контраста, а в сочетании с другими яркими цветами, такими как красный или оранжевый, он может быть чрезвычайно эффектным и захватывающим.

Белый — минимализм и простота

Что означает белый цвет:

Если вы разбираетесь в науке, то знаете, что белый свет на самом деле содержит все цвета радуги, но, по крайней мере, невооруженным глазом белый цвет противоположен: это отсутствие какого-либо цвета. В западных культурах он часто ассоциируется с девственностью (представьте себе невест, одетых в белое в день свадьбы, как символ чистоты), а в некоторых странах Восточной Азии это цвет траура.При использовании в дизайне и брендинге белый цвет создает эстетику минимализма. Он может быть очень простым, чистым и современным. Это также самый нейтральный цвет из всех, и он может быть совершенно неописуемым в качестве основы для других, более интересных цветов.

Реклама и упаковка Apple наглядно демонстрируют, как можно использовать белый цвет для создания современной и минималистской эстетики, которая ставит красивый дизайн продукта в центр внимания. Марк Джейкобс печатает простой черный логотип на белых роскошных коробках и сумках для покупок. Бренды товаров для здоровья и красоты, которые хотят создать впечатление чистоты и натуральных ингредиентов, также будут использовать белый цвет в своей упаковке. Он также подходит для свадебных брендов.

Как пользоваться:

Белое пространство может иметь такое же важное значение в дизайне, как и все другие творческие элементы. Белый, как правило, используется для фона веб-сайтов, поскольку он обеспечивает удобство чтения текста. Он также часто используется в качестве второстепенного акцента в цветовой гамме.Вместе с пастелью он может напомнить о весне и женственности; в сочетании с простым черным он становится классическим и минималистичным. Когда дело доходит до белого, важны цвета, которыми вы его наносите.

Серый — профессионализм, формальность и условность

Что означает серый:

Серый — более зрелый, ответственный цвет, ассоциирующийся с седыми волосами старости. Его положительные коннотации включают формальность и надежность, в то время как отрицательная сторона может означать чрезмерную консервативность, условность и отсутствие эмоций.Это безопасно и довольно сдержанно, серьезно и сдержанно.

Грей редко становится звездой шоу. Nintendo ненадолго отдавала предпочтение серому логотипу с 2008 по 2016 год, но с тех пор вернулась к своему прежнему красному цвету. У ювелирного бренда Swarovski есть серый логотип, хотя, если вы посмотрите на веб-сайт, используется версия черного цвета. Скорее всего, серый цвет будет второстепенным, второстепенным по отношению к другому, более сильному персонажу.

Как пользоваться:

Используйте серый цвет, если у вас серьезный бренд и вы хотите продемонстрировать авторитет и стабильность корпоративного учреждения.Сочетайте его с синим для максимальной консервативности и надежности. Это также очень популярный цвет в веб-дизайне. Вы можете рассмотреть возможность использования серого цвета в качестве альтернативы белому для более мягкого фона веб-сайта или в качестве альтернативы черному тексту для менее резкого контраста и облегчения чтения.

Multicolor — для развлечения, разнообразия и оптимизма

Что означает многоцветность:

Мы рассмотрели значения отдельных цветов. Так что же произойдет, если собрать их все вместе? Какие чувства вызывают разноцветные узоры? Что ж, в то время как монохромный брендинг может привлечь внимание и стиль, красочный брендинг может показать, что бренд игривый, неформальный и креативный.

Как вы понимаете, детские бренды часто используют разноцветный дизайн — подумайте о Toys «R» Us или Crayola, но и взрослые бренды тоже могут проявить творческий подход! Google использует несколько цветов в своем логотипе, чтобы показать игривость бренда. Интересным примером является ebay, у которого был такой же красочный логотип до 2017 года, когда он упростил свой логотип до одного цвета в своем маркетинге (хотя цветной логотип все еще используется на веб-сайте). Точно так же Apple изменила свой логотип с разноцветного полосатого яблока на более гладкий серебристый.

Как пользоваться:

Зачем выбирать один, если можно выбрать их все ?! Использование множества цветов в вашем бренде и дизайне может стать отличным способом выделиться, показать свою игривость и привлечь внимание детей или более творческой аудитории. Подумайте, хотите ли вы использовать дополнительные цвета, чтобы создать настоящий «поп» (цвета, которые противоположны на цветовом круге, например, фиолетовый и оранжевый), или аналогичные цвета для большей гармонии (цвета, которые расположены рядом, например, , красный, оранжевый и желтый) или триадные цвета для более динамичного эффекта (цвета, равномерно распределенные по цветовому кругу).Вы можете узнать больше об этих различных цветовых комбинациях в этой статье по теории цвета.

Золото, серебро, бронза и другие металлы — залог богатства, процветания и успеха

Что означает металлик:

Золото и серебро — драгоценные металлы, связанные с богатством и дорогими украшениями. Часто в сочетании с черным, добавление легкого мерцающего металла может сразу же придать бренду элемент гламура. Золото также является цветом победителя, ассоциируется с медалью за первое место и может символизировать успех.Это теплый цвет, родственный желтому, в результате он обладает свойствами яркости и жизнерадостности. Серебро прохладнее и немного менее роскошно, занимает второе место, но все же олицетворяет изящество и элегантность. Бронза, занявшая третье место, передает свойства коричневого и делает ее более землистой, естественной и зрелой.

Rolex использует в своем логотипе золотую корону, в то время как Lamborghini и Porsche также используют элементы из золота. Монограмму Louis Vuitton можно назвать золотистой и коричневой (хотя золотой оттенок на самом деле называется «грязь!»).Ясно, что золото — это цвет роскоши! С другой стороны, серебро часто используется в логотипах автомобилей VW, Toyota, Hyundai, Nissan, Audi, Mercedes, где оно означает качество и качество изготовления.

Как ими пользоваться:

Металлические эффекты сложно воссоздать в Интернете — на самом деле это больше материалы или текстуры, чем цвета. Золото — это, по сути, блестящий желтый цвет, серебро — блестящий серый цвет, а бронза — блестящий коричневый цвет.Вы по-прежнему можете предлагать металлические тона на веб-сайте или в логотипе, используя затенение и выделение, но полное влияние будет видно на печатных материалах, где вы можете использовать фольгу, чтобы получить этот металлический блеск. Для образа, который сразу говорит о «роскоши», вы не ошибетесь с черным и золотым.

Знайте свои значения цвета

Итак, вас ждет эпическое путешествие сквозь краски и эмоции.

Конечно, это не точная наука.У людей могут быть личные предпочтения, которые перевешивают любые более глубокие биологические тенденции, культуры различаются в своих интерпретациях, и могут быть другие вещи, которые вы также хотите принять во внимание.

Теперь, когда вы знаете правила, вы можете поиграть с ними и посмотреть, что работает для вас. Не стесняйтесь ломать и их, вы сумасшедший бунтарь. Просто убедитесь, что вы делаете это специально и не выбираете сумасшедшие цветовые комбинации, не задумываясь о том, какой эффект они могут иметь.

Теперь, когда вы знаете, что означает каждый цвет, вы хотите знать, как выбрать идеальные цвета для вашего бизнеса? Эта статья о выборе фирменных цветов научит вас всему, что вам нужно знать.

Нужен дизайн, который передает правильное сообщение?

Наши дизайнеры могут помочь вам создать что угодно.

Что означают и представляют цвета?

Цветовая символика — один из самых захватывающих аспектов визуальной коммуникации. Как дизайнер или цифровой журналист вы будете принимать решения о конкретных палитрах цветов, используемых для различных проектов. Неважно, работаете ли вы над фирменным стилем, плакатом или веб-сайтом.Выбор цвета может и изменит значение всего, что вы создаете.

Текст и иллюстрация Иоанны Врублевской

В мире дизайнеров цвет считается одним из важнейших элементов дизайна. Многие студенты не могут понять его истинную важность. Они часто недооценивают силу цвета и совершенно не знают, как его использовать. Почему дизайнеру так важно знать символику цветов? Как цвет меняет восприятие дизайна? Что символизируют цвета и как их использовать осознанно? Статья отвечает на эти вопросы, чтобы помочь вам осознанно выбирать цвета в своих проектах.

Красный
Красный — цвет огня и крови. Он ассоциируется с азартом, энергией, страстью и сексуальностью. Он может символизировать желание, мощь, скорость и силу. С другой стороны, он означает агрессию, опасность, насилие и войну. Многие из нас считают красный цвет цветом любви, но на самом деле он больше связан с волнением от влюбленности и пробуждением страсти к другому человеку. Красный также является цветом Рождества, он приносит радость, тепло и безопасность. Более того, он широко используется во флагах и знаках, поскольку ассоциируется с гордостью.

Красный — насыщенный, он отвлекает внимание от других цветов. Он вызывает эмоции и призывы к действию или становится предупреждением. Помните, что красный цвет, скорее всего, выведет на передний план фрагменты текста или изображений.

Желтый
Желтый — цвет, связанный с солнцем. Он символизирует оптимизм, энергию, радость, счастье и дружбу. Это также может означать интеллект. Напротив, желтый может указывать на ревность, предательство, болезнь и опасность.Он прочно ассоциируется с едой, часто вызывает веселые чувства.

При рекламе товаров длительного пользования желтый цвет — не лучший выбор. Это очень нестабильный и спонтанный цвет. Мужчины часто считают это «детским», поэтому любые товары, такие как автомобили, часы или смартфоны, не должны рекламироваться желтым цветом. Слишком много желтого в дизайне может ошеломить. В то же время желтый в сочетании с черным создаст высокий контраст и укажет на возможную опасность.

Оранжевый
Оранжевый — это вторичный цвет, сочетающий в себе два основных цвета: красный и желтый.Он символизирует энергию, счастье и радость жизни. Более того, это связано с большим энтузиазмом, воодушевлением, решимостью и стимулированием. Это цвет творчества!

Оранжевый дает сильное ощущение тепла, но не агрессивен, как красный. Он стимулирует аппетит и широко используется в индустрии здорового питания. Апельсин также может быть очень эффективным в рекламе игрушек.

Синий
Синий — холодный и успокаивающий основной цвет, символизирующий интеллект, открытость, духовность и творческий потенциал.Синий популярен среди крупных концернов, больниц и авиакомпаний, поскольку он символизирует мудрость, доверие, верность и силу. Он расслабляет и предотвращает хаос.

Использование синего цвета поможет вам продвигать товары, связанные с чистотой, воздухом и небом, водой и морем, а также развитием сознания. Стереотипно синий цвет считается мужским, поэтому многие малыши мужского пола будут носить голубоватую одежду и играть с голубыми игрушками. Помните, что пищу нельзя рекламировать с использованием синего цвета, так как он снижает аппетит.С другой стороны, синий может иметь огромное влияние в сочетании с теплыми цветами, такими как красный и желтый.

Зеленый
В общем, зеленый — это цвет природы и окружающей среды, сочетающий в себе силу синего и желтого. Он ассоциируется с ростом, здоровьем, обновлением, молодостью, гармонией, свежестью и плодородием. С другой стороны, он может символизировать безопасность в метафорическом и физическом смысле. Для некоторых это прочно ассоциируется с деньгами.

Зеленый цвет — самый успокаивающий цвет для наших глаз.Он широко используется для рекламы здоровой пищи, лекарств, медицинских услуг и экологических организаций по всему миру. Темно-зеленые товары могут показаться более традиционными и классическими, а светло-зеленые — более модными и современными.

Фиолетовый
Фиолетовый обладает стабильностью синего и энергией красного, двух основных цветов. Это связано с королевской властью, благородством, церемонией, тайной, преступлением и духовностью. Он также символизирует мудрость и просветление, является сильным индикатором воображения.

Дети предпочитают фиолетовый цвет другим цветам, хотя он считается немного искусственным. На самом деле это довольно редко в природе. Фиолетовый будет хорошим выбором при продвижении женских товаров, товаров для отдыха и сна или игрушек для детей. Фиолетовый — волшебный и уникальный, поэтому не рекомендуется злоупотреблять им.

И последнее, но не менее важное: вы также должны научиться эффективно использовать белый и черный . Первый символизирует свет, мощь, элегантность, смерть и тайну.Он прочно ассоциируется с чистотой, чистотой и безопасностью. Второй символизирует силу, элегантность, смерть, зло и тайну. Часто символизирует страх перед неизвестным. Белый цвет может использоваться для упрощения и часто используется в современном дизайне. Черный цвет дает ощущение глубины, но часто ухудшает читаемость.

Подробнее:

Что нужно знать о цветах

Как сочетать цвета
Значение цветов
Цвет — значения
Что символизируют цвета?

Определение для изучающих английский язык из Словаря учащихся Merriam-Webster

¹ цвет (НАС) имя существительное

множественное число цвета

множественное число цвета

Определение ЦВЕТА учащимся

[количество]

• цвет крови красный.

• Какого цвета твои глаза?

• Какую краску color использовать?

• Синий и зеленый — мои любимые цвета .

• Подушки все разные цвета .

[noncount]

• В комнате нужно больше цвет .

• В начале лета в саду полно цветов .

• Она дополнила свой наряд ярким шарфом цвета .

• Листья начинают менять цвет. [= изменить цвет с зеленого на оранжевый, желтый, красный и т. д.]

• Его глаза были голубовато-зеленого цвета.

• Она использовала красный перец в салате для цвета. [= чтобы было ярче]

— см. картинки цветов начиная с этой страницы 2 : что-то раньше придавало цвет чему-то : пигмент или краситель

[количество]

[noncount]

3

[noncount]

: использование или сочетание цветов б — используется для описания фотографии, телевизионного изображения и т. Д., который включает цвета и не является черно-белым — часто используется перед другим существительным — см. также живые цвета в жизни 4 [noncount] : цвет кожи человека как признак расы

◊ Цветной человек — это не белый человек.

5 [noncount] : розовый или красный оттенок лица, особенно из-за хорошего здоровья, волнения или смущения

• Его цвет не годится. [= он выглядит больным]

• У нее хороший цвет цвета в щеках.

• Он чувствовал, как цвет поднимается по его щекам. [= он чувствовал, что краснеет]

• Краска сошла с ее лица. [= кровь покинула ее лицо; она стала очень бледной]

6 цвета [множественное число] : что-то (например, флаг), которое показывает, что кто-то или что-то принадлежит к определенной группе

лошадь другого цвета

— см. ¹ лошадь

покажите свое истинное лицо

: показать, какой ты на самом деле : раскрыть свою настоящую природу или характер

² цвет (НАС) глагол

или британский цвет / ˈKʌlɚ /

цвета; цветные; раскраска

или британский цвет / ˈKʌlɚ /

цвета; цветные; раскраска

Определение ЦВЕТА учащимся

1 [+ объект] : придать цвет (чему-то) : изменить цвет (чего-то) 2 : рисовать мелками, фломастерами, цветными карандашами и т. д.: для заполнения фигуры или рисунка маркерами, мелками, цветными карандашами и т. д.

[нет объекта]

[+ объект]

— см. также цвет в (ниже) 3 [+ объект] : изменить (чьи-то идеи, мнение, отношение и т. д.) каким-то образом — часто используется как (быть) цветным 4 [нет объекта] литературный : покраснеть, особенно от смущения — часто + на

цвет в

[фразовый глагол]

цвет в (что-то) или цвет (что-то) в

: чтобы добавить цвета (фигуре или рисунку) с помощью маркеров, цветных карандашей и т.

Как правильно составить натюрморт

Думаю, каждый из вас хоть раз в жизни рисовал натюрморт.

Почему именно натюрморт? Потому что это самый простой жанр, доступный для начинающих. На примере натюрмортов легче учиться передавать объем, пространство, фактуру.

Если вы учитесь самостоятельно, то вопрос грамотной постановки натюрморта будет для вас актуален.

В данной статье мы разберём теорию композиции натюрморта и поговорим о том, как правильно его составить.

Натюрморт (фр. «мертвая природа» или голл. stilleven, нем.stilleben, англ. still-life «застывшая жизнь») — жанр изобразительного искусства, посвященный изображению неодушевленных предметов.

Этот жанр достаточно молодой и начал появляться лишь в 15-16 веках как часть композиции, окончательно сформировался в 17 веке в нидерландской и фламандской живописи. Получил развитие в 18-20 веках в европейской, русской, американской живописи.

Прежде всего, запомните,

Хороший натюрморт рождается задолго до того,

как вы возьмете в руки краски и кисть.

Вы должны максимально грамотно продумать детали и композицию натюрморта уже на стадии его постановки, чтобы в последствии не мучиться с рисунком и не исправлять ошибки композиции непосредственно на листе или холсте.

Очень важно изначально продумать, о чем будет ваш натюрморт.

Даже если вы ставите постановку в чисто учебных целях, то каша из разномастных, не объединенных одним направлением предметов, будет смотреться странно и негармонично.

Подумайте, к какой тематике вы хотели бы отнести ваш натюрморт.

Примеры тематики натюрморта:

— предметы искусства
— охотничий натюрморт
— цветы и фрукты
— о смысле жизни
— завтрак
— национальный
— дачный
— учебный

Интересно, что в живописи старых мастеров было 2 типа натюрморта:
— «вещи человека» (личные, характеризующие человека, например «суета сует»)
— «вещи для человека» (например «цветы и фрукты», «битая дичь»)

Посмотрите на пример ниже.

Глядя на этот натюрморт, можно сказать, что он об изобилии, плодородии, щедрости земли, которая дает нам такое количество плодов.

Идея передается художником в виде множества фруктов, корзин и подчеркивается изображением рушника с вышитым на нем древом жизни. 

Выделите основную идею натюрморта и придерживайтесь её, выбирая предметы и драпировки.

Итак, предметы в натюрморте должны быть связаны по смыслу. Но это не единственное условие для гармоничной композиции.

Основные ориентиры по подбору предметов для интересного натюрморта:
— Предметы подходят по смыслу
— Предметы имеют разные формы и пропорции
— Разнообразие предметов по размерам. Используйте крупные, средние и мелкие объекты для более интересного ритма.
— Цветовая гармония. Выбирайте драпировки и объекты, гармоничные по цвету.
— Разнообразие текстур и фактур. Предметы с различными поверхностями (матовыми и глянцевыми, шероховатыми и гладкими) смотрятся интереснее, поскольку подчеркивают различие друг друга.

Помните о самом важном правиле:

предметы должны вам нравиться, вызывать эмоциональный отклик, 

натюрморт должен всячески вдохновлять вас на его написание.

Теперь поговорим о композиции натюрморта и рассмотрим все основные аспекты.

О чём стоит задуматься при расстановке предметов:

1. Определяемся с форматом: горизонтальный, вертикальный или квадрат?

2.  Расположение предметов будет симметричное или асимметричное?

3. Будет ли использована какая-то композиционная схема: треугольник, круг, диагональ?

Давайте рассмотрим разные варианты данных пунктов.

Горизонтальный формат — наиболее распространен, т.к. подчеркивает плоскость стола и позволяет расставить большое количество предметов.

Он располагает к задумчивому движению, передает идею покоя, изобилия, неторопливого разглядывания, релакса.

Зачастую художники дополняют его вертикалью (боковая поверхность, ниспадающая драпировка) для проявления глубины пространства.

Вертикальный формат более подвижный и дает ощущение идеи роста.

Этот формат подойдет для изображения цветов, веток, высоких ваз.

Вертикальный формат также несет более высокое одухотворенное начало.

Квадратный формат легко ловит и концентрирует восприятие зрителя.

В нём нет движения вширь или ввысь, появляется круговое движение и устремленность в центр. Он даёт ощущение стабильности.

Круглый или овальный форматы встречаются довольно редко, поскольку неудобны для оформления.

Однако они легко вписываются в квадрат и могут использоваться под паспарту.

1) Треугольник: в основе такой схемы в центре располагают высокий предмет, который дополняют  более мелкие объекты в основании треугольника.

2) Круг: подходит для квадратного формата, когда нет одного доминирующего по размеру предмета. Взгляд зрителя как бы скользит по кругу, обозревая натюрморт.

3) Диагональ: дает подвижную композицию и зачастую ощущение внутреннего дисбаланса. Подходит для передачи движения, хаоса, а также для акцента на пустую часть формата. Там, например, может быть окно с пейзажем.

Симметрия: даёт ощущение стабильности и незыблемости.

Ассиметрия: более притягивает взгляд, поскольку появляется динамика и интерес, основная проблема при этом — создать равновесие композиции.

Линии золотого сечения: правильные гармоничные пропорции, созданные самой природой.  Объекты, расположенные в фокусных точках, на пересечении линий золотого сечения или, как альтернативы, третей непроизвольно притягивают взгляд зрителя.

Свободное расположение предметов — бесфоновый натюрморт, взгляд сверху, рассыпанные предметы, ощущение дыхания, света, свободы.

Плотное расположение предметов — стабильность, благородство, наполненность — близкое расположение предметов друг к другу.

Это главное место в картине, куда чаще всего направляется взгляд зрителя. Целесообразно именно здесь располагать предмет, проявляющий идею натюрморта.

Композиционный центр — место или объект, который в первую очередь притягивает взгляд зрителя.

Может проявляться различными способами (светлое на темном, создание иной формы, более сложной, контрастность, цвет).

Расставляя предметы, следите за их чередованием, повторяемостью — ритмом. Целесообразно использовать предметы подобные, но разных размеров: крупные, средние, мелкие.

Например, посмотрите на натюрморт слева.

Обратите внимание на то, как здесь встречаются различные подобные формы: половинка граната, долька граната, зерна граната.

Или как в натюрморте справа чередуются пятна розового. Они есть и в букете, и в бокалах, и на скатерти.

Именно такой повтор делает картину цельной.

Композиционный центр и ритм рождают пластику натюрморта — 

движение глаза по картине.

• одинаковых по форме объектов
• несоразмерных объектов (очень большие и очень маленькие, рекомендуется использовать 3 размера: большой, средний, маленький)
• выстраивания предметов на одной линии
• отсутствия перегораживая (когда все предметы видны целиком, перегораживание дает эффект глубины пространства)
• совмещения осей у симметричных предметов
• соприкосновения силуэтов
• «лесенки»
• неуравновешенности частей (когда одна часть композиции перевешивает другую)
• дробности
• слияния силуэтов

Верхний ряд:

1) все линии силуэтов прямые — выглядит скучно
2) все линии силуэтов со сгибами
3) все предметы горизонтальные — не хватает вертикалей

Нижний ряд:
3) одинаковая форма оснований у всех объектов
4) все объекты имеют ручки и сложные элементы
5) все основания равны по площади 

Очень многое зависит от фона, он может давать необходимую пластику и единство цвета.

ОГРАНИЧЕННОЕ ПРОСТРАНСТВО

Неглубокое пространство, например,  позволяет больше сосредоточиться на предметах:

Если же пространства вокруг предметов много, то оно может быть дополнено драпировками. 

Драпировки добавляют натюрморту цельности, собирают разрозненные части за счет пластики складок.

Кроме того, яркий цвет драпировок вносит рефлексы на предметы, и это служит объединяющим живописным началом для натюрморта.

Изображение окон в натюрмортах появилось в 19 веке с течением импрессионизма. Окно дает композиции ощущение большего пространства, открытости, дыхания и света.

Фоном для натюрморта может послужить целый кусок комнаты, где видны мебель и даже персонажи, как здесь:

Очень важно следить за гармонией цветовых сочетаний в натюрморте. Для этого можно использовать определенную цветовую схему: сочетание нюансных оттенков, только холодных или только тёплых, или, наоборот, контрастных. 

Кроме того, обязательно должен присутствовать ритм повторяющихся оттенков по всему натюрморту.

Важно, чтобы и фон, и предметы были созвучны — повторяющиеся цветовые пятна были разбросаны по всей картине.

В завершении процесса постановки натюрморта необходимо выставить свет.

Это очень важный этап, поскольку свет может коренным образом изменить вид натюрморта.

Свет поможет выделить главный объект, а также придать всей композиции цельность.  

Свет может играть эмоциональную роль, являясь одним из главных действующих персонажей, задавая настроение.

Свет может быть и отдельным, очень важным, объектом композиции (например, свеча).

Итак, мы вкратце пробежались по теории композиции. Теперь её важно подкрепить практикой. 

Давайте подытожим сказанное и создадим ваш натюрморт. Вот краткая инструкция для вас:

Придумайте тему натюрморта. 

Безусловно, можно поставить на стол все красивые предметы сразу, но гораздо логичнее будут выглядеть компоненты, объединенные одной историей, угадываемой личностью их хозяина или хотя бы стилистически.

Рассортируйте все составные части по форме. 

Желательно, чтобы она была разнообразна — найдите предметы широкие и узкие, высокие и низкие.

Проследите за тем, чтобы натюрморт не состоял из продуктов и вещей, которые не сочетаются по цвету.

Если вам сложно определить это на глаз, воспользуйтесь цветовым кругом. Впишите в него равносторонний треугольник. Его углы будут указывать на 3 основных цвета, хорошо сочетающихся друг с другом. В качестве дополнительных цветов можно взять оттенки, которые находятся по бокам от основных.

Присмотритесь к фактуре каждого участника натюрморта. 

Интереснее будут смотреться предметы, сделанные из разных материалов. К тому же, это позволит вам развивать свои навыки рисования стекла, керамики, меди, дерева и т.д.

Подберите подходящий фон.

Можно разложить натюрморт на драпировке или непокрытой поверхности. Важно, чтобы по цвету она была нейтральной (если оттенки предметов насыщеннее) или сочеталась со всей композицией. В любом случае фон не должен забирать на себя львиную долю внимания зрителя.

Расставляя предметы на плоскости, старайтесь ориентироваться на законы композиции.

Не перегружать пространство и не оставлять незаполненным какую-то его часть.

Чувство гармонии есть практически у каждого человека: просто передвигайте предметы по столу, и в какой-то момент вы поймете, что пространство заполнено правильно.

Выставьте свет над натюрмортом.

Он не должен быть слишком тусклым или наоборот делать некоторые фрагменты вашей композиции «засвеченными».

Если дневного света недостаточно, поставьте дополнительно настольную лампу так, чтобы центр композиции четко просматривался и не уходил в тень от других предметов.

Успехов вам в составлении натюрмортов!

Буду рада вашим комментариям и репостам!

Открыт набор на новый курс «Тайны композиции. Ритм» — будем искать и вживлять в себя код гармонии ритма в картине!
Жду первопроходцев. Стартуем 20 сентября!

ОБУЧАЮЩИЕ МАСТЕР-КЛАССЫ СЕРИИ «НАТЮРМОРТ»

правила, соблюдение условий, образец, фото

Вы хотите научиться рисовать? С чего следует начать? С набросков? Правильно, а что дальше? Дальше следует освоить искусство постановки натюрморта. Благодаря натюрмортам начинающий художник быстрее освоит предметный рисунок, а опытный рисовальщик сможет усовершенствовать свое мастерство. Как нужно правильно собирать натюрморты?

Натюрморт должен быть интересен художнику

Что должен испытывать творец, ставя перед собой какое-нибудь задание? Вдохновение. Человеку должно нравиться то, что он делает. Поэтому так важна качественная постановка натюрморта. Художник должен быть в восторге от композиции, которую ему нужно перенести из трехмерного пространства в двухмерное.

Но что делать, если у человека пока не хватает навыков для изображения сложных предметов? Нужно рисовать что-то простенькое. Но к кубам и шарам душа лежит не у всех. Поэтому найдите дома предметы простых форм, которые вам будут нравиться. Например, вместо шара можно взять арбуз, а вместо прямоугольника принести с улицы кирпич. Художник с особым вниманием должен подходить к выбору каждого предмета.

Почему-то многие думают, что чем причудливее вещи используются в композиции, тем натюрморт будет выглядеть симпатичнее. Поверьте, это – миф. Если вы возьмете изящную статуэтку, которая вызывает у вас отвращение, вы никогда не сможете красиво ее нарисовать. Поэтому всегда составляйте композицию из тех вещей, к которым лежит душа.

Объекты должны быть свежими

Второе правило, которому художник должен следовать, – это брать для постановки натюрморта только свежие продукты. Если вы планируете рисовать что-то скоропортящееся, то вам нужно садиться за мольберт сразу же после того, как вы соберете композицию. Если вы не планируете рисовать в ближайшие дни, то не используйте в постановке ничего быстропортящегося. Лучше взять продукты, срок хранения которых не ограничен двумя-тремя днями или же заменить настоящую еду муляжами. Если нет возможности использовать муляжи, то выбирайте те съестные припасы, которые, по вашему мнению, самые свежие.

После того как вы каждому предмету в постановке найдете место и нарисуете первые наброски, следует обвести месторасположение предметов на драпировке, а сами объекты убрать в холодильник. Благодаря контуру, который останется на ткани, будет легко восстановить не только месторасположение предметов, но и расстояние между ними.

Вещи должен объединять смысл

Как собрать качественный натюрморт? Для этого следует объединять все вещи общим смыслом. Например, если вы собираете композицию, посвященную лесной прогулке, то следует использовать корзинку, грибы, ветки и листья, а также ягоды и чучела птиц. Если вы надумали собрать натюрморт с тематикой «женские штучки», следует использовать причудливые пудреницы, духи, зеркала и кисти для макияжа. В постановке натюрморта «завтрак гурмана» могут быть использованы различные фрукты, хлеб и банка с вареньем.

Тематика каждой композиции должна хорошо прослеживаться любым смотрящим. Не нужно высасывать связь предметов из пальца. Если вы очень хотите использовать серп в композиции с завтраком, то лучше положите его под стол, но не на стол. Всю картину будут портить неуместно расставленные вещи. Они будут выбиваться из композиции. А ведь натюрморт – это не склад продуктов, хаотично накиданных на столе. Натюрморт – это грамотно выстроенная композиция, которую нарушить может любая мелочь.

Гармония между схожими и различными формами

Постановка натюрморта для живописи – это целое искусство. Человек должен найти такие предметы, которые будут хорошо гармонировать друг с другом по цветовой гамме, по размеру и по форме. Особое внимание следует уделить последнему критерию. В одну композицию не нужно нагромождать множество одинаковых предметов. Если вы используете бутылки, то они должны быть разнокалиберные. Не нужно выстраивать на заднем фоне забор из баклажек одинаковой формы и размера. Следует использовать такие предметы, форма которых визуально похожа, но размер которых отличается. Например, вы можете найти прямоугольник со скругленными краями, цилиндр и шар. В подобную композицию сложно будет вписать куб или что-то граненное.

Контуры, очертания и плавность линий должны повторяться. Тогда композиция будет смотреться цельно и гармонично. Совмещать несовместимые предметы можно, ведь в искусстве не существует правил, которые нельзя нарушать. Но прежде чем переходить границы дозволенного, человек должен выучить классические каноны.

Центр композиции должен быть один

Любой, даже начинающий художник, должен соблюдать простое правило любой хорошей композиции, — центр должен быть один. Постановка натюрморта для живописи подчиняется этому правилу. Смотря на постановку, глаз должен сразу за что-то цепляться. Проще всего центр выделить размером. Поставьте большой предмет в любой угол натюрморта, и он будет бросаться в глаза.

Если не хочется выделять центральную вещь размером, можете поэкспериментировать с цветом. В этом случае оттенок предмета должен радикально отличаться от оттенков, которые используются в композиции.

И еще один способ выбелить центр – это образовать в композиции пустоту. Но подобным образом выделять центр должны только опытные художники. При неправильной расстановке предметов пустота перестанет быть центром и сделает композицию неуравновешенной. Если вы хотите добиться наилучшего эффекта, то вам следует использовать только один из вышеперечисленных способов. Все вместе их использовать нельзя, иначе натюрморт перестанет быть сбалансированным.

Игра на контрасте и нюансе

Фото натюрморта, который собран по всем правилам, представлено выше. Если вы только начинаете постигать искусство составления композиции, то выбирайте составные части постановки, которые будут контрастировать друг с другом. Подобный натюрморт смотрится сочно и броско. Но помните, что больше трех цветов лучше не сочетать. Четвертый оттенок можно использовать в драпировке. Но в этом случае он должен быть нейтральным, черным, белым или светло-пастельным. Контрастные натюрморты просто не только собирать, но и рисовать. Разница цветов художнику будет очевидна. Все, что необходимо будет сделать, — правильно подобрать оттенки.

Если вы умеете собирать красивые композиции, то попробуйте составить постановку с акцентом на нюанс. Все составляющие натюрморта должны быть выдержаны в одной цветовой гамме. Разница будет в оттенках. Ее то и нужно будет найти художнику. Подобные постановки писать сложно, так как не у всех художников получается правильно расставить акценты и выделить центр композиции.

Соразмерность

Когда человек собирается делать постановку натюрморта для рисунка, то он должен учитывать соразмерность предметов. Рядом с большой вазой не следует класть спичечный коробок. Он будет смотреться неуместно. Большие предметы с маленькими должен соединять своеобразный мостик, образованный объектами среднего размера. Массивные предметы должны стоять на заднем фоне и не перегораживать небольшие вещицы переднего плана. Кто-то может рассмотреть градацию размеров как яркий пример контраста. Подобным образом у вас получится сделать дисгармонию композиции и внести в нее динамику. Но ваш натюрморт не будет устойчивым и в глазах зрителей. Постановка будет рассыпаться на части. Если небольшие предметы стоят рядом с большими, грамотно уравновесить их невозможно. Поэтому обратите внимание на гармонию пропорций в своей композиции.

Также следует помнить, что объемные складки следует считать частью постановки. И на большую складку класть россыпь бус будет неразумно. Если уж хочется что-то туда поставить, лучше выберите массивный кувшин.

Разноплановость

Вы видели цветографические картины? Модель многопредметной постановки натюрморта в любой продуманной композиции такая: сзади — крупные предметы с минимальной детальной проработкой, а на переднем плане — что-то небольшое и рельефное. Объекты, которые лежат ближе к художнику, должны выделяться не только по размеру, но и по цвету, и по текстуре. Задний план художники вуалируют более темными красками, в то время как предметы с переднего плана всегда хорошо прописываются яркими цветами. Композиция должна быть грамотно уравновешена, и в то же время в ней должны отсутствовать грубые ошибки с детализацией.

Кого-то могут испугать предметы с ярко выраженным рисунком. Например, небольшие керамические плитки, которые являются отличным фоном, или же гипсовые головы, которые требуют детальной проработки. Ставить такие предметы на задний план можно, если все остальные вещи в натюрморте будут маловыразительными и мало детализированными.

Детали на деталях

Хотите сделать натюрморт интересным? Тогда разнообразьте его детализированными вещами. Например, используйте не простой белый сервиз, а чашки и чайники со сложным рисунком. Узор может украшать старинный рушник или же в качестве акцентов могут выступать небольшие фигурки или статуэтки. Вещи должны быть красивыми, и художнику должно захотеться рассмотреть предметы повнимательней. Подобные детали цепляют взгляд, и зритель не остается равнодушным.

Но не перегружайте композицию. Если вы используете в натюрморте декоративную посуду, значит, драпировка должна быть однотонная. Если же вы используете принтованные ткани, выбирайте нейтральные предметы, которые на фоне броского материала не смогут потеряться. Не перегружайте натюрморт. Композиции, в которых много интересных деталей, приятно рисовать. Но с подобным заданием справится только опытный художник, а не новичок. Поэтому всегда здраво оценивайте свое мастерство.

У натюрморта должен быть характер

Даже простая постановка натюрморта требует от создателя сложной мозговой деятельности. У любой композиции должен быть свой характер. Натюрморты бывают пустые, загруженные, монохромные или контрастные. В вашей работе не должно быть случайности. Используйте только те предметы, которые подходят по смыслу и по концепции. Если вы собираете натюрморт и делаете его на нюансе, то будьте внимательны к предметам, которые используете. Они должны отличаться друг от друга не только цветом, но и фактурой.

Неинтересно рисовать исключительно глянцевую посуду. Художнику приятно искать новые способы передачи поверхности вещей. Если вы собираете натюрморт с темой завтрака, то возьмите хлеб, яйцо, огурец и пирожное. Эта еда кажется самой простой, но все предметы имеют отличия в фактуре поверхности.

Фон

Собираете натюрморт? Учебная постановка требует от педагога знаний относительно специфики фона. В качестве цветовой подложки следует использовать темную материю теплого оттенка. На такой ткани все светлые предметы будут смотреться выразительно. Ученику не придется долго думать о контрастах. Фон темный, задний план средней насыщенности, а вещи на переднем плане светлые и выразительные. Именно на простых заданиях ученики познают правила композиции и все тонкости расставления акцентов.

В качестве фона можно использовать не только ткань, но и предметы из окружения. Например, в качестве бэкграунда педагоги используют угол комнаты. Подобные натюрморты помогают студенту понять, что композиция является не чем-то отдельным, а частью окружающего пространства. Если занятия проходят в режиме пленэра, то фоном может стать трава или же деревья. Предметы быта интересно писать под прямым солнечным освещением, когда задником является красивый цветущий куст розы или жасмина.

Складки

Фото постановки для натюрморта вы можете посмотреть выше. Одним из акцентов данного произведения являются складки. Их должен хорошо рисовать любой уважающий себя художник. Как выбрать материал? Для создания складок лучше использовать старую ткань, которая была в употреблении. Используется такой материал не из экономии, а по той причине, что выгоревшее полотно живописнее, чем новый отрез с принтом.

Для создания складок можно использовать как грубый материал вроде холста, так и что-то струящееся, вроде шелка. Различия будут в количестве складок и их качестве. На грубой ткани получаются массивные заломы, которые порой даже имеют острые углы. На шелке получаются мелкие складочки, которые сложно разложить по своему усмотрению.

Как правильно выбрать расцветку материала? Желательно использовать ткань тех оттенков, которые студентам придется смешивать, а не тех цветов, которые входят в стандартную палитру.

Освещение

Как рисовать натюрморт? Важную роль в любом рисунке играет освещение. Оно бывает естественное и искусственное. Начинающим художникам лучше рисовать при естественном свете. А студентам, которые уже получили начальные знания в области рисования, можно переходить на постановки, освещенные софитами. Благодаря освещению выявляется фактура и текстура предметов, а также лучше читается форма вещей.

Натюрморт. Постановка

Пластическая выразительность является одним из самых важных условий хорошей композиции.

При составлении натюрморта надо думать о том, чтобы предметы не только группировались по смысловому признаку, но и составляли интересную в художественном отношении группу, ритмично организованную, хорошо подобранную по цвету и форме, отличающуюся композиционной завершенностью.

Многие признанные мастера относились к работе над созданием натурной постановки очень вдумчиво и требовательно, считая хорошо составленную группу залогом успеха над художественным произведением.

Так, художник И. Машков отмечал, что поставить перед собой толково натуру — это значит почти сделать картину. Чтобы составить постановку для написания натюрморта «Снедь московская. Хлебы», живописец сделал заказ в пекарню изготовить необходимые ему хлебные изделия.

И. Машков «Снедь московская. Хлебы»

Требовательное отношение к натурной постановке отличало и другого выдающегося мастера — П. Кончаловского.

Дочь художника, Н. Кончаловская, вспоминая о работе своего отца, рассказывала о том, что составление натюрморта, выбор предметов проходило трудно и долго. Иногда на постановку уходило несколько дней. Нередко натюрморт писался не дольше, чем устанавливался.

Процесс создания натюрморта начинается задолго до его практического исполнения. Основная работа происходит в период обдумывания содержания будущего произведения. В сознании художника складывается представление о будущей работе — теме, сюжете, основной схеме, предметах, составляющих группу, то есть у автора создается определенный умозрительный образ.

После того как сложится окончательный замысел и конкретное представление о том, каким должен быть натюрморт, приступают к его практической постановке.

Практическая работа начинается с отбора предметов. Все они должны иметь смысловую связь между собой. Предметы должны быть разнообразными по форме и размерам. Составить натюрморт из однородных предметов почти невозможно. Желательно, чтобы по цвету и по фактуре (по материалу) они были разнообразными и интересными в изобразительном отношении.

Чтобы выполнить эти требования, необходимо иметь под рукой несколько больший набор предметов, чем потребует постановка. Не каждый отобранный предмет может быть использован, так как даже интересный сам по себе он не всегда может составить нужную гармонию в соседстве с другими. Среди отобранных предметов надо выделить такие, которые наиболее отвечают задуманной теме. Такой предмет или несколько в сочетании могут стать смысловым центром композиции.

Предмет, предназначенный составить центр композиции, должен быть наиболее характерным с точки зрения задуманной темы, отличаться размером, цветом, рисунком. Ему в первую очередь находят место.

Расположение предметов должно быть ритмично как по фронтальному расположению, так и в глубину. Пространственное построение достигается тем, что объекты на подставке устанавливаются на некотором расстоянии друг от друга. Основные предметы, как правило, занимают второй план. На переднем плане устанавливаются более мелкие или низкие предметы. Они как бы подводят зрителя к центру композиции. Такая схема расположения элементов натюрморта по планам вызвана следующим: если поставить на переднем плане крупные предметы, они могут загородить сзади стоящие и таким образом сделать их невидимыми.

Отсюда следует важный методический вывод: предметы в натюрморте должны располагаться так, чтобы не мешать восприятию друг друга.

Более того, взаимное расположение должно подчеркивать, выявлять характерные особенности элементов постановки. Крупный предмет, поставленный рядом с мелким, выявит масштабность того и другого, светлое на темном или рядом с ним подчеркнет их тоновые особенности.

Кроме того, надо следить, чтобы каждый из предметов занимал строго отведенное ему место, чтобы в натюрморте не было лишних предметов, так как чрезмерное нагромождение их усложнит композицию, сделает ее маловыразительной. Это относится не только к размерам предметов, но и к их окраске. Допустим, если поставить белую чашку на белую драпировку, она не будет «читаться». Вместе с тем надо избегать нарочитых контрастов. Зритель не сможет спокойно воспринимать группу, где светлые предметы через один будут чередоваться с темными. Это вносит пестроту и дисгармонию в общую тоновую гамму. Неестественно воспринимается также мелкий темный предмет, поставленный в середину крупного.

Важную роль играет фон и место размещения натюрморта. В зависимости от темы и характера натюрморта место может быть определено и в виде естественных подставок.

В натюрморте А. Лентулова «Овощи» предметы размещены на столе-времянке, здесь же стоит бочка, на которой поставлен кувшин.

А. Лентулов «Овощи»

В натюрмортах П. Кончаловского часто встречается ломберный столик красного дерева, придающий натюрмортам изысканный вид.

Подставка является составной частью композиции натюрморта, целиком или частично. При всех разнообразных решениях фон и подставка должны иметь естественный вид. Фоном может служить и стена с находящимися предметами — навесная полка, занавеска, репродукции, а также пространство комнаты, наружная стена избы и т. д.

Иногда в натюрморт вводятся драпировки. В этом случае они представляют собой или занавеску на посудной полке, штору на окне, полотенце, скатерть, так часто употребляемые в быту, или же вводятся как фон, который необходим в соответствии с художественным замыслом (натюрморт И. Машкова «Ананасы и бананы».

И. Машков «Ананасы и бананы»

Летом натюрморты часто пишутся на открытом воздухе (на земле, на столах в саду, на веранде и т. д.). Фоном служит зелень, наружная стена избы, старый деревянный забор или глубокое пейзажное пространство. Фон, выполняя важную роль в решении живописной задачи, придает натюрморту жизненную убедительность, правдивость. Поэтому, прежде чем ставить натюрморт, надо хорошо продумать, какую конкретную жизненную ситуацию он должен воспроизводить.

Задача значительно упрощается, если натюрморт подсмотрен в жизни. Когда же натюрморт ставится заново, приходится создавать для него реальную жизненную обстановку, подыскивать подходящий фон.

Постановка натюрморта — процесс творческий. Каждый художник подходит к его осуществлению, исходя из своих собственных взглядов и вкусов. Здесь нет раз и навсегда установленных рецептов. На одну и ту же тему может быть написано великое множество оригинальных произведений. Даже в одном сюжете и в одних и тех же предметах разные художники найдут свое собственное решение.

Каждым из них могут быть сделаны различные акценты:

в одном случае художника увлекает материальность, фактура,

в другом — оригинальные формы,

в третьем — декоративные задачи.

И в каждом случае композиция будет решена по-разному. Однако при всех частных решениях остается неизменным одно требование, продиктованное природой реалистического искусства, — достоверность и художественная выразительность.

Идеальный курс для новичков!

Учимся работать сразу с 5-ю художественными материалами,

Точка зрения

Работа над композицией натюрморта начинается с определения точки зрения. По существу, точка зрения определяет выбор живописных средств и композиционную схему натюрморта.

Один и тот же натюрморт воспринимается по-иному, если смотреть на него с разных точек зрения. При нижней точке зрения плоскость подставки сильно сокращается (иногда она совсем может быть не видна), задние предметы уходят в сильный ракурс, передние становятся более значительными, монументальными. Это впечатление усиливается, если фоном постановки является ровная поверхность стены или драпировки, которые подчеркивают силуэты предметов.

Нижняя точка зрения применяется, когда необходимо придать изображению величественный характер.

Характерный пример подобного решения натюрморта работа А. Никича «Натюрморт торжественный».

Совершенно иное впечатление производит натюрморт, написанный с верхней точки зрения. Часто для этой цели ставят постановки на низкой подставке или на полу. Интересными выглядят натюрморты, написанные на пленэре, типа «завтрак на траве».

А. Никич «Натюрморт торжественный»

Характерная особенность натюрморта с высокой точкой зрения — почти полное отсутствие фона. Здесь фоном служит сама плоскость, на которой размещены предметы. Последние предельно приближены к зрителю, что дает возможность сосредоточить внимание на их форме, материале, цвете, не «искаженных» воздушной перспективой. Пространство, в обычном представлении связанное с решением глубины, здесь отсутствует; оно решается не столько перспективой, сколько самими предметами, отсчетом расстояния от одного предмета до другого. Пространство решается в пределах внутреннего расположения предметов, что заставляет предельно точно рассчитывать организацию картинной плоскости. Случайное, не продуманное расположение предметов относительно друг друга и картинной плоскости неизбежно приведет к нарушению равновесия в композиционном строе изображения.

Верхняя точка зрения используется в тех случаях, когда необходимо расширить рассказ об изображаемом, в равной степени показать как переднеплановые объекты, так и второплановые, как бы приближая, их к зрителю.

Боковые точки зрения (по свету и против света) как в построении композиции, так и в самой трактовке формы резко отличаются друг от друга. Контражурное (против света) построение композиции заставляет строить изображение на силуэте; прямое освещение скрадывает тени, уплощает форму. Это уплощение переходит и на передачу пространства, что придает изображению декоративный характер. Этот прием используется художниками, стремящимися к декоративному решению композиции.

Контражурное (против света) построение композиции

 

Формат

Выбрав место, откуда надлежит писать натюрморт, надо продумать композицию изображения в листе, найти соответствующий точке зрения формат.

Выбор формата определяется в соответствии с замыслом художника.

Квадратный формат создает впечатление устойчивости, статичности композиции. Когда хотят изобразить широкое панорамное пространство, используют вытянутый горизонтальный формат.

Вертикальный формат способствует созданию впечатления величавой торжественности, монументальности.

Найти соразмерное картинной плоскости решение, уравновесить и придать стройный ритм заполнениям формата и «пустотам» — один из приемов выразительности композиции.

В композиции листа не должно быть пустых «неработающих» мест. Надо помнить, что мелкое изображение, если оно не вызвано соображениями замысла, теряется в большом пустом пространстве; оно неустойчиво, его можно передвигать с одного места на другое и от этого ничего не изменится. В то же время укрупненное изображение выглядит неправдоподобно выдвинутым вперед, как бы находится вне пределов картинной плоскости.

Наполнение формата позволяет добиваться различных выразительных эффектов. Чтобы решить идею изобилия, Ф. Снейдерс использует не только размеры картинной плоскости, но прежде всего умело распоряжается композицией: всю плоскость картины заполняет «дарами природы» так, что им тесно в раме. У зрителя возникает ощущение, что все это «изобилие» продолжается и за пределами рамы. Здесь нет неоправданных, не работающих на образ «пауз».

Художник А. Никич вешает простой кусок холста на мольберт таким образом, что он ниспадает стройными вертикальными складками. Монументальный поток складок останавливается внизу небольшим квадратом палитры. Точка зрения низкая, сводящая до минимума горизонтальную плоскость. Все изображение сильно вытянуто вверх, заключено в вертикальную раму, придающую композиции величаво торжественный характер. Художник назвал это произведение «Натюрморт торжественный».

 

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Мастер-класс смотреть онлайн: Мастер-класс: простой натюрморт с бокалом. Часть 1: построение

Для первой части урока нам понадобится:

— лист бумаги или блокнот для зарисовок;

— простой карандаш;

— ластик;

— натюрморт из 2-3 предметов, или мой референс.

Как ставить натюрморт?!
Мы так привыкли рисовать с фото. Много красивых натюрмортов в интернете, снятых профессиональными фотохудожниками. Эти натюрморты сняты на профессиональном оборудовании, с профессиональным освещением, с профессиональным светом, оборудованием, да еще всякие красивые вещички там… ммм…
Но вы будучи художниками, тоже становитесь такими плюшкиными и коллекционерами… Только женщина-художница может притащив с рынка авоську овощей, перед тем, как безжалостно покромсать их в кастрюлю, красиво их расставить, сесть и порисовать 🙂

Только художник может на последние деньги купить живописный (по его мнению) сервиз или ржавый старинный утюг. В ход идет все, от поломанных топоров и шуруповертов, до покупки дорогих алкогольных напитков, которые никто не пьет, но бутылка хороша…

На начальном этапе нам нужны простые постановки — фрукты, овощи, кухонная утварь, какие-то не совсем нужные куски ткани… рисовать можно все! Баночки для специй и флакончики от духов, цветы, как комнатные горшечные, так и срезанные садовые. Старайтесь копить копилку, того, что долго хранится — шишки, керосиновые лампы, лейки, все что нравится, все что хочется порисовать.

Из скоропортящихся продуктов можно формировать натюрморты и фотографировать! Это будет уже ваша авторская работа, которую при желании можно отправить на выставку или конкурс, в отличии от работы, которая сделал по фото из интернета, которую в самом лучшем случае вы сможете продать, если это не запрещает правообладатель. На персональную выставку или конкурс такая работа не пойдет.

Так вернемся к натюрморту, что же это за зверь?!

«Натюрмо́рт — «Французский язык» — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве, в отличие от портретной, жанровой, исторической и пейзажной тематики».

Любой преподаватель художественной школы или даже фотограф, который профессионально занимается такими фото, расскажут вам целую историю, о том, что натюрморт должен тоже рассказывать историю 🙂 Предметы в натюрморте должны быть созвучны — овощи с овощами и/или посудой, фрукты с фруктами, цветами… Наверное, не будут сочетаться, например, современный мобильный телефон и керосиновая лампа или медный старинный фужер. Хотя опять же все зависит от вашего замысла. В целом, я думаю, понятно, что я имею в виду.

Первый тип — это классическая постановка. Состоит она из 1-2-3 крупных предметов, которые ставятся обязательно на разные уровни, плюс несколько второстепенных предметов и маленькие акценты. Если ставим простой натюрморт из двух-трех предметов, то их не нужно располагать лесенкой, в натюрморте должен быть ритм. Часто используется драпировка. Натюрморт должен быть гармоничен не только размером, но и цветом, и тональными соотношениями предметов, особенно если мы будем делать монохромный натюрморт (о чем позже).

Примеры классических натюрмортов простых, без драпировки. В начале пути лучше драпировки, складки ткани порисовать отдельно, потом попробовать ставить на них несколько предметов. Один предмет у нас основной, большой и главный, может быть второй, чуть меньше но схожий с первым, и акцент, не большой, контрастный, может быть по цвету или форме.
А вот примеры более сложных натюрмортов без драпировки.

Отдельно нужно сказать об освещении, обычно, в классическом варианте оно спереди-сбоку, слева. Но опять же, если получился красивый, но необычный свет, не стоит от него отказываться. Это будет оригинально, может вас вдохновят причудливые тени 🙂

Много мелких предметов, например ягоды, цветы, могут быть объединены в одну крупную форму (вазу, корзину, миску).

Хорошо, если небольшие предметы перекликаются, например цветок, такой же как в букете, лежит рядом, на горизонтальной поверхности, желательно расположить его по диагонали, как бы ведя зрителя по картине.

В натюрморте не органично смотрится, когда предметы касаются друг друга краями, нужно или немного отступить или наоборот «наложить» друг на друга.

В классическом (академическом рисовании) не принято ставить предметы в ряд на одном уровне. Считается это скучным и безвкусным. Но современные художники используют подобные приемы вполне успешно.
Главное не ставить эти предметы одинаково, пусть что то лежит, что то стоит, или будет разной формы, пусть их хвостики смотрят в разные стороны.

А можно немного похулиганить и разбавить скучный ряд фруктов — «лежит груша, нельзя скушать!». Хорошо разбавят такой ряд фрукты с живописными листиками или выложенные на красивую ткань со складками.

Так же можно применить необычные ракурсы, сверху или наоборот немного снизу. В общем дать волю фантазии. Любой ракурс можно составить по вышеизложенным принципам.

Можно использовать случайно, самой «жизнью» созданную композицию. Будьте наблюдательны, банальный сбор урожая или подготовка к варке борща, станет вдохновляющей… и бегом за фотоаппаратом!

А можно и «срежиссировать» такую, типа случайную, композицию. В общем, дерзайте, замечайте красоту вокруг себя, собирайте свою коллекцию неповторимых идей для рисования!

Построение натюрморта

Начинать, конечно принято с шариков и кубиков, гипсовых, но мы-то ребята смелые! Начинаем сразу со стекла. Это будет небольшая серия уроков. Такой мини-курс, доступен он абсолютно всем, даже детям, лет с 9-11.

Вот такой натюрморт сама поставила и сама нарисовала моя 4-х летняя дочь 🙂 В процессе рисования яблоки пропадали из постановки, но это не смущало юного художника. Так что все будет доступно и понятно) : Готовим все материалы для мастер-классов мы вместе!

Я расскажу (и покажу), как построить натюрморт и немного поговорим о светотени и о тональных отношениях внутри натюрморта. Так исторически сложилось, что мои читатели, на данный момент, в основном рисуют сухой пастелью и начать учиться именно с этого материала нам проще всего. Поэтому этот натюрморт и несколько не больших других мы выполним в сухой пастели. Но сначала нам придется вооружиться обычной бумагой (например, ватманом) небольшого размера (я взяла блокнот для эскизов Canson 18,5×18,5 см. и простым карандашом. Возьмите среднюю твердость Н или НВ. Подготовьте также ластик, любую стерку, которая вам нравится.

Будем создавать вот такой натюрморт, он не сложный на первый взгляд. Но в нем есть сложный элемент бокал. Он и формы сложной и материал у него — стекло, который вызывает страх у начинающих.

Во второй части мы перенесем изображение на нажданую бумагу и выполним натюрморт сухой пастелью. Но вы сможете использовать данные этого урока для дальнейшей работы в любой технике.

Чтобы уметь перенести любое изображение (любой размер фото, натуру или предмет сложной формы, даже животное, анатомии которого мы не знаем) без сетки и без обводки с экрана компьютера или фото, нужно воспользоваться методом «Визирования». Что же представляет из себя сей магический термин?

Во-первых, нужно понимать, что абсолютно любой предмет (и живой, и не живой) состоит одного, нескольких или множества простых геометрических тел. Именно поэтому в учебных заведениях так старательно и много рисуют гипсовые фигуры. Приглядитесь внимательно к бокалу, яблоку, ягодам… мы увидим цилиндры, шары и круги, квадраты и кубы, призмы, конусы и т.д.

Это, что касается самих предметов по отдельности. Но если нам нужно нарисовать с натуры или со слишком большой фотографии или наоборот со слишком маленькой. Нам нужно идти от целого к частному и в этом нам помогут снова геометрические фигуры.

Из этого вытекает наш второй пункт. Переключим наше воображение с трехмерного на двухмерное. И начнем видеть нашу объемную натуру как картинку. Нам нужно заключить ее в квадрат или прямоугольник!

Для простоты восприятия у нас квадрат. Но может быть и прямоугольник, как вертикальный, так и горизонтальный. В случае с прямоугольником нам необходимо будет определить на сколько длинная его сторона больше короткой. Компануем на листе наш квадрат. Смотрим, что у нас есть еще и тень у яблока (кстати, можно заключать в квадратик все и вместе с тенью) ее тоже нужно учитывать в композиции, иначе рисунок будет выглядеть смещенным. Поэтому в данном случае распределяем квадрат на листе чуть влево от центра, что бы справа осталось место для тени.

Затем выделяем контуры наших основных предметов, но тоже не торопимся. Сегодня мы работаем с простыми и двухмерными формами.

Согласитесь, понять пропорции, уже когда мы выделили целое, намного проще! Сначала заключаем в прямоугольник фужер вместе с ягодами, они у нас составляют единый объект.

Буду рисовать с вами вместе, для наглядности процесса.

Затем уже выделяем яблоко, веточку и прямоугольник фужера. Конечно, это скучный урок. Но если вы построите таким образом несколько натюрмортов, например, 2-3 простых и 3-4 сложных, то все будет уже строится в голове, все пропорции будут складываться сами по себе.
Намечаем веточку и ягоды. Веточку можно тоже представить в виде геометрической фигуры, описав ее общий контур.

Теперь уже можно приступать к интересному! Построению самой формы наших предметов. Мы уже видели выше, что наше яблочко ни что иное, как шарик (круг) слегка приплюснутый с краев, а бокал состоит из ряда цилиндров, шариков и усеченный конусов. Конусы и шарики мы пока не трогаем, чертим круги, трапеции и прямоугольники.
Определяем, что верхняя часть бокала — это квадрат, очерчиваем его от общего прямоугольника.

Выявляем пропорции нашей ножки, она состоит из ряда мелких геометрических фигур — их нужно распознать и определить их высоту.

Нам нужно поделить остаток от верхней части почти пополам (нижняя часть немного меньше), потом разделить верхнюю часть делим пополам — получаем подставку основной части и высоту шарика на ножке. А нижнюю часть нужно поделить примерно на три части и отделить верхнюю. Это будет ножка под шариком. Сильно мельчить и выделять нижнюю трапецию я не стала, будем считать ее целым с подставкой.

Начинаем работать с верхней частью бокала.
Чертим центральную ось. Ровно посередине нашего «бокального» прямоугольника. Бокал симметричный и каждую направляющую мы рисуем на равном от центра расстоянии (см рисунок ниже).
При помощи визирования переносим направляющие наклонные линии и такими вот жесткими линиями, без закруглений переносим все на рисунок.

Визирование — вытягиваем руку вперед держа карандаш, не сгибая в локте и с нашей позиции, как бы прикладываем к бокалу, не сгибая локтя переносим угол наклона на лист и фиксируем. Способ не очень удобен когда рисуем на горизонтальной поверхности.

Все средства хороши, можете померить угол транспортиром 🙂 Это для фанатов перфекционизма 🙂

Приступаем к ножке. Пока мы не задумываемся на тему, что подставка у бокала, это круг и он уже в трехмерной плоскости.
Далее, мы нарисуем яблоко, достроим бокал. И разберемся с трехмерной плоскостью и линейной перспективой.
Мы уже нашли места для наших предметов, определили их пропорции и почти построили форму бокала. Продолжим мы работать уже в трехмерном пространстве.
Помните, как рисовали в школе кубик. Прозрачный? Вот и нам сейчас нужно нарисовать наши предметы прозрачными, трехмерными, чтобы они у нас не висели, а стояли на поверхности.
Чтобы помесить на плоский лист, трехмерную картинку недостаточно просто срисовать цветовые пятна в стиле фотореализма. Картинка может остаться лишь фотографией, не качественным принтом, кривой пародией… а сделанный крупными мазками стакан в стиле АллаПрима может обскакать любой фотореалистичный рисунок с миллионом подробностей.
Чтобы научиться изображать объемную картинку, нужно изучить не только законы света и тени, но и законы перспективы. Перспектива бывает воздушная и линейная.

С воздушной перспективой все просто. То, что к нам ближе ярче и контрастней, по мере удаления бледнеет и тускнеет, расплывается в контурах, становится как бы не в фокусе.
С линейной перспективой все немного сложнее. Часто ее описывают по типу воздушной, что ближе больше, что дальше меньше. В пейзаже все наиболее понятно, есть линия горизонта. Ряд одинаковых по размеру домов на картине будет выглядеть, как уменьшающийся.

А что же происходит с натюрмортом или портретом? Где там линия горизонта, таинственная точка схода и перспектива? Ведь все стоит на столике, тут рядом, на одном уровне…
Давайте разбираться.
Главное понять и прочувствовать это. Смотрим на рисунок.

1. Линией горизонта в натюрморте, где ее казалось бы нет, будет уровень ваших глаз! От того сидите вы или стоите, будет она выше или ниже. Меняется и ракурс натюрморта, но об этом позже.
Мифические точки схода тоже находятся на линии горизонта. Точка схода просто объясняется, если вы посмотрите на железнодорожные пути, которые на линии горизонта сходятся в единую точку. Хотя мы с вами знаем, что на самом деле они параллельны. Просто удаляясь от нас мы видим их меньше и меньше, расстояние между ними тоже уменьшается и в итоге превращается в одну точку.
Точки схода любого предмета на натюрморте тоже будут находиться на линии горизонта.
2. Мы видим под номером два на рисунке, что точки схода могут находиться далеко за пределами листа. Их не нужно строить, их часто построить и невозможно, не хватит и комнаты 🙂 Просто нужно знать, что любые параллельные линии, находящиеся к нам под определенным углом, на рисунке будут сходиться в точку схода, на линии горизонты. Как видим на рисунке, точек схода может быть несколько. Линия горизонта, служит лишь вспомогательным инструментом.
3. Посмотрим, как ведут себя плоскости под разным углом. Возьмите в руки лист плотной бумаги или книжку, держите его строго горизонтально примерно чуть ниже уровня груди и медленно поднимайте вверх. Вы видите, что лист становится уже и на уровне глаз (на линии горизонта) превращается в прямую линию. Совместились его передняя сторона и задняя. Продолжая поднимать лист, мы увидим уже другую его сторону, она снова будет раскрываться все шире и шире.
4. Ближние грани предмета, будут длиннее и шире, а боковые меньше, так как они дальше, а задние еще меньше, так как они еще дальше.
5. Если для все же представляет сложность, как же все это увидеть и нарисовать. Можно пойти от обратного. Строим предмет, как на черчении, без учета перспективы. Главное правильно определить ближний к нам угол. А потом слегка уменьшить, сначала боковые, а потом уже и задние грани. Совсем немного, что бы не потерялась форма предмета.

Вернемся к нашему натюрморту. Мы сделали контур основы. Наметили немного ножку, и остановились на том месте, где наша ножка стоит на горизонтальной поверхности. Горизонтальную поверхность нашего рисунка называют ПРЕДМЕТНОЙ ПЛОСКОСТЬЮ, а вертикальную КАРТИННАЯ ПЛОСКОСТЬ.

Наша основа ножки выглядит как овал, который, если разделить на 2 части по вертикали будет выглядеть как одинаковые половинки слева и справа и, если поделить по горизонтали, то передняя чуть шире (она ближе к нам), и задняя чуть уже (она от нас чуть дальше).

Таким же образом рисуем овалы, в нескольких ключевых местах, там, где наш предмет меняет форму. Обратите внимание на форму овала — у него нет острых углов, даже у самого узкого.

Теперь наш бокал обрел форму. Лишние места, которые мы с вами «додумывали» можно немного стереть. Наметим веточку и ягоды. Ягоды имеют овальную форму. Обязательно смотрим на пропорции и на место, где находятся наши ягоды. Какой их размер относительно бокала.

Рассмотрим яблоко. На первый взгляд, все кажется проще простого. Но наше яблочко лежит слегка бочком, и у него явно видно, что его основная ось наклонена. Мы можем нарисовать прямую ось и обозначить овалом, место соприкосновения со столом. Но чтобы нарисовать форму яблока, мы его должны построить относительно своей оси. И как видите, все почти симметрично.

С моего ракурса получилось не очень красивое соприкосновение бокала и натюрморта и я решаю немного изменить пропорции яблока, чтобы оно красиво воспринималась, об этом я писала выше.
Прежде, чем приступить к выполнению нашего рисунка в технике сухая пастель, я хочу немного уделить внимание свету и тени в натюрморте. Очень часто замечаю, что новички «раскрашивая» в яркие краски натюрморт, просто не видят этих нюансов, проставляя лишь блики и тень под предметами.
Посмотрим на наш натюрморт — у него нейтральный серо-бежевый фон, яркие ягоды и яблоко и кажется, что желтые ягоды и красно-розовое яблочко гораздо ярче и светлее фона. И нам кажется, что именно и они и делают наш натюрморт объемными. А стекло? Стекло обычное бесцветное часто сложно изобразить именно потому, что оно не имеет цвета, оно прозрачное. Оно имеет форму за счет преломления в нем свет. Игры света и тени. Посмотрим на наш натюрморт, если сделать с него черно-белое фото.

Стоило исчезнуть ярким цветам и… мы видим, что все наши предметы одинаковые. Все серое, причем, одинаково серое 🙂 Но наш натюрморт не стал плоским. Мы по-прежнему видим игру света и объем ягод и яблока. Теперь присмотримся внимательно. Стекло понятно, оно прозрачное. Листики у алычи тоже явно темные. А вот алыча и яблоко, как оказалось, одинакового цвета (именно цвета, а не тона) с фоном! Но, если присмотреться — ягодка слева светлее фона, а справа темнее фона. И яблоко тоже сверху и слева оно явно светлее, а справа оно темнее фона. Там еще есть тень! Но и там яблоко не сливается. Такое наблюдение очень полезно для создания объема. Очень полезно в процессе работы смотреть на черно-белое фото нашей натуры и свой натюрморт будет не лишним сфотографировать и посмотреть, где нам нужно высветлить или прибавить теней.

Я на своем рисунке лишь слегка обыграла эти светотени, он так и остался эскизом, но все равно стал объемным.
Ну вот на сегодня все. В следующем нашем уроке я предлагаю нарисовать наш натюрморт в технике сухой пастели. Предлагаю сделать его на наждачной бумаге, вы не против? Пишите в комментариях ваши пожелания.
До встречи!

Учебный натюрморт

Натюрморт акварелью поэтапно

Сначала делаем подготовительный рисунок, а затем приступаем к прокладке цвета.

Оставляя почти нетронутыми самые светлые места (тарелка, полотенце, блики на стекле), остальные части следует покрыть легкими тонами, придерживаясь характера натуральных красок. Таким приемом мы подготовим основу цветового решения.

В процессе работы необходимо идти от общего, не увлекаясь вначале отдельными деталями, стараясь работать над всем натюрмортом сразу, переходя от предмета к предмету, взвешивая, сравнивая друг с другом каждый мазок.

На высохшей работе следует усилить второй прокладкой тени, что придаст предметам рельефность и одновременно усилит полутона. Таким образом акварель постепенно подводится к натуре.

Последней прокладкой краски доводятся до настоящей силы, окончательно выявляется объем предметов, определяются детали, передается материал предметов (стекло, материя, орнамент).

В процессе работы большое значение имеет техника мазка. Мазок, сделанный кистью, до отказа насыщенной краской, будет сочным, закрашиваемая поверхность покроется ровным слоем и по высыхании краски будет иметь свежий вид. Заливая тени и вообще покрывая большие поверхности, следует применять этот широкий насыщенный мазок.

Когда же нужно выписывать мелкие детали, их следует делать полусухой кистью, осторожно кладя легкие мелкие мазки.

Однако в любой работе надо придерживаться правила, чтобы заливка преобладала над сухим мазком. Только при этом условии работа будет выглядеть приятно свежей.

Если на первых порах данный способ будет вести к небольшим погрешностям и даже неточностям рисунка, бояться его все же не следует, так как на некотором расстоянии все допущенные погрешности сгладятся. Со временем практика работы даст необходимую сноровку. Акварель, выполненная приемом заливки, будет казаться гораздо ближе к натуре, чего нельзя достигнуть жесткой живописью, способом сухого мазка.

Рисунок натюрморта

Учебная постановка из двух геометрических фигур. Последовательность

Расположение рисунка на листе

Определение углов, образуемых горизонтальными линиями и ребрами стола

Поиски пропорций и распределение основной светотени

Дальнейшая разработка рисунка

Завершенная стадия постановки из двух геометрических фигур

Пример учебной постановки из геометрических фигур

 

 Учебная постановка из бытовых предметов

Распределение основных масс

Поиски пропорций и распределение основной светотени

Детализация форм

Завершенная стадия натюрморта

Примеры постановок учебных натюрмортов

Смешанная постановка из геометрических тел и близких к ним по форме бытовых предметов

Постановка с гипсовой розеткой

Гипс, драпировка

Учебный натюрморт с низким горизонтом

Учебный натюрморт с высоким горизонтом

 

Смотрите также:

Понравилась статья? Поделитесь с друзьями.

Твитнуть

Поделиться

Поделиться

Отправить

Класснуть

Линкануть

Основная последовательность живописного исполнения натюрморта

 

Правила:

 

1. Необходимо отнестись к занятиям с максимальным вниманием и за­пастись терпением.

 

2. Желательно, чтобы занятия живописью были регулярными, это по­может обеспечить постоянный рост профессиональных знаний и на­выков.

 

3. Изобразив карандашом, натюрморт в общих очертаниях (размер 30 х 40 см), переходим к его красочному исполнению.

 

4. Краски, которые вы наносите на холст, могут быть по своему состоя­нию жидкими, полужидкими или очень густыми. В процессе своей ра­боты над натюрмортом, применяя кисти, вы проанализируете, как от степени жидкости краски зависят ее живописные свойства.

 

5.  Каждая краска набирается из тюбика в небольшом количестве и кла­дется на белую палитру в определенном порядке — с одной стороны располагаются холодные оттенки, с другой стороны — теплые оттен­ки. Данный порядок облегчает работу художника с палитрой.

 

6. Затем на палитре подбираются нужные цвета и оттенки и составляют­ся красочные смеси. Старайтесь не смешивать более трех красок.

 

7.  Подобранные смеси прописывайте на белой бумаге, чтобы предвари­тельно проверить качество оттенка, который нужно внести в картину.

 

8. Найдя нужный цвет, положите его в картине так, как вы ощущаете его в натуре.

 

9. Прежде чем набрать на кисть новые цветовые оттенки, кисть необхо­димо тщательно прополоскать в воде.

 

10.  Красочные мазки накладываются на плоскость холста иногда кон­чиком кисти, но в основном исполнение картины ведется почти всей плоскостью меха кисти.

 

11.  Не следует по одному месту холста (или бумаги) несколько раз про­кладывать краску, ибо это приводит к образованию грязных пятен в картине.

 

12. Приемы живописи гуашью в общих чертах те же, что и черно – белом варианте (гризайль).

 

В работе цветом большое значение имеет хороший набор красок и хорошее знание своего набора красок. Воспользуйтесь материалами, как акварель + белила гуашевые, палитра при этом становиться богаче.

 

13. Важно, вести всю работу одновременно, т.е. соблюдая отношения цветовых тонов разных предметов и тем самым, стремясь установить на изображении верные тональные отношения.

 

режиссура, свет и составление натюрморта — Российское фото

Если вы считаете натюрморт самым скучным жанром фотографии, то это значит, что вы либо никогда не пробовали себя в данном направлении, либо ваши эксперименты с фруктами, овощами и старой маминой лампой не увенчались успехом. Журнал «Российское фото» решил, что необходимо устранить этот стереотип в мировоззрении наших дорогих читателей! Мы взяли интервью у фотографа Анны Петиной, чьи фотоработы уже второй год признаются лучшими в номинации «Натюрморт» премии 35AWARDS, и узнали обо всех секретах данного жанра.

— Анна, расскажите о своем творческом пути в мире фотографии. Как вы начали снимать и как пришли к фотографированию натюрмортов?

— Начну с того, что с детства я воспитывалась в атмосфере, наполненной литературными и художественными образами. Моя мама была художницей, а отец — писателем и фотографом. Поэтому любовь к фотографии и живописи я впитала буквально с молоком матери. Дальше родители отдали меня учиться в художественную школу. Уже тогда мои натюрморты, выполненные в технике пастели и сангины, получали призы на международных выставках. Этот жанр мне всегда давался лучше всего. После школы я продолжила обучение изобразительным искусствам в художественном училище. Потом жизнь надолго разлучила меня с этими приобретенными знаниями и навыками. Впоследствии я закончила литературный институт и пошла работать журналистом. Во время работы корреспондентом для репортажных сюжетов мне нужны были фотографии, поэтому приходилось брать с собой фотографа. Тогда я решила освоить смежную профессию и самой стать фотографом. Фотографии я обучалась самостоятельно, точнее, у меня был замечательный учитель. Дальше фотография меня захлестнула полностью. Я буквально влюбилась в фотоискусство. Я снимала все подряд, постепенно совершенствуя свое мастерство. Снимала репортажи, пейзажи, портреты, проводила свадебные и студийные съемки. И только потом, случайно, открыла для себя фотонатюрморт и поняла, что это то, к чему я стремилась всю жизнь.

---

— А как вы научились составлять такие живые и глубокие натюрморты? Это довольно сложный процесс, не так ли?

— Фотонатюрмортом я занимаюсь сравнительно недавно, всего каких-то года четыре. И если честно, меня немного удивляет и смущает такой успех моих работ. Мне кажется, я его не заслуживаю. А вообще, я считаю жанр натюрморта в фотографии самым сложным. Ведь составление натюрморта — это особая магия, это настоящее отдельное искусство. Это очень сложно, ибо требует от автора создания собственной параллельной реальности. Ведь дело не в том, как правильно составить предметы, а в том, чтобы они ожили и создали свой мир, чтобы они общались между собой и со зрителем. Хороший натюрморт — это всегда рассказ, пьеса, спектакль. Поэтому хороший натюрморист — это всегда хороший режиссер. Думаю, что научиться этому, как простому ремеслу, просто невозможно. Теоретически можно, конечно, научить ставить свет или использовать естественное освещение, научить подбирать предметы по фактуре, объему и правильно компоновать их в кадре. Но вдохнуть в композицию жизнь никто научить не сможет. Поэтому я несказанно рада, если мне это удается.

---

— Насколько нам известно, вы занимаетесь также репортажной, свадебной и студийной съемкой. Почему именно номинация «Натюрморт» привлекает вас уже второй год для участия в конкурсе 35AWARDS?

— Фактически я уже ответила на этот вопрос. Фотонатюрморт стал моей жизнью, все остальное отошло на второй план.

— Анна, использовали ли вы когда-нибудь предметы, нетипичные для жанра натюрморта? Почему?

— Да. Нередко я использую в своих постановках своего любимого кота. Хотя, строго говоря, животные в натюрмортах не являются такими уж нетипичными героями. Еще голландские художники XVI–XVII веков писали свои натюрморты, используя в них животных. Также бывают даже натюрморты с людьми или с отдельными их частями, например, часто создаются композиции с руками, но у меня пока таких постановок нет.

---

— Что вас вдохновляет как фотохудожника? Есть ли любимые фотографы и художники, работающие в жанре натюрморта?

— Вдохновить на постановку натюрморта может что-то совершенно незначительное, и произойти это может неожиданно. Например, какая-то сломанная веточка, замеченная по дороге с прогулки, которую натюрморист бережно принесет домой и построит с ней уникальную историю. Или привезенная с моря ракушка, или случайно найденная пуговица, или незамысловатый бутылек. А любимых художников и фотографов-натюрмористов у меня много. Начиная с голландских классиков, таких как Виллем Хеда, Шарден, Виллем ван Аелст, Кристиан Берентз, Вилли Беркерс и других. Из современных фотонатюрмористов моим кумиром является Питер Липпман — это настоящий волшебник, хотя он известен своими рекламными натюрмортами, но рекламой его работы назвать язык не поворачивается — это настоящие произведения искусства. Также очень интересно работает Лаура Летински, хотя созданная ею реальность мне не близка, но я отдаю должное ее смелости и неординарности. Есть целый ряд наших фотографов-натюрмористов, на чьих работах я училась и продолжаю учиться. Это и авторы классических натюрмортов, такие как Елена Татульян, Татьяна Карачкова, Диана Амелина, бесподобные цветочные натюрморты Марины Филатовой. Ира Быкова — настоящий фотохудожник, которая не останавливается на классике, а продолжает искать новые формы, совершенствовать свой авторский язык. Маша Сапего — автор-новатор, она всегда в поиске неожиданных форм и неординарных решений, ее творчество высокохудожественно и очень интересно. Неподражаемая Марина Марианна — фотохудожник, чей созданный мир проникает в душу и зовет за собой, он прекрасен, полон спокойствия и гармонии, в него хочется погрузиться и жить там. Лена Лысенко, ее мир тоже уникален — туманный, хрупкий, невесомый. Я могу еще долго перечислять тех, чье творчество достойно внимания, но это займет слишком много времени и места.

— Какие 3–4 совета вы бы дали начинающему фотографу?

— Первый совет: перепробовать все жанры, добиться в них хоть каких-то результатов и тогда разобраться, к чему именно лежит душа. Когда поймете, что вам ближе всего, тогда всецело отдайте внимание только этому жанру. И самое главное, что я считаю самым важным для любого автора, — это найти свой неповторимый стиль, стараться избегать подражаний. Надо найти свою уникальность и оттачивать ее, доводя до совершенства. Все технические оснащения и навыки — это лишь инструменты, кисти, которые использует художник для создания своего творения.

— Теперь несколько вопросов от наших дорогих читателей. Расскажите, пожалуйста, ваши основные правила составления натюрморта.

— Это очень сложный вопрос, ибо правил нет. Но! Прежде всего надо освоить основы композиции. И только когда вы будете свободно владеть этими основами, вы сможете их нарушать, не нарушая, а создавая свою гармонию.

— Стоит ли повторять натюрморты известных художников в фотографии?

— Да, стоит. Это помогает постижению и освоению всех тонкостей построения композиции мастера, вплоть до мелких деталей. В дальнейшем это обязательно поможет в создании собственных работ. Даже когда я училась в художественной школе, а затем и в училище, нам часто давали такие задания — делать копии каких-то знаменитых картин.

— Что, по-вашему, главное в натюрморте?

— В натюрморте главное — создать иллюзию жизни, чтобы это был не просто набор предметов, а рассказанная история, чтобы, глядя на натюрморт, хотелось увидеть или придумать продолжение.

---

Instagram: https://www.instagram.com/petina_anna/
35photo: https://35photo.pro/petinaanna
Vogue: https://www.vogue.it/en/photovogue

Улучшение снимков натюрморта с Lieveheersbeestje от Kaz-D на DeviantArt

Итак, у вас есть снимок натюрморта, но он совсем не похож на те эпические произведения, которые вы видите на первой странице на deviantART — освещение, оттенки и общее ощущение штуки — это не так хорошо, как вы думаете. Ну, это нормально! Photoshop, в частности, помогает вам улучшать ваши снимки, чтобы выявить в них лучшее или худшее, если вы не будете осторожны.

: bigthumb298545603:

Это в основном процессы, которые она выполняет для редактирования снимка — сохраняются и загружаются на deviantART для вашего использования (при условии, что вы прочитали правила.) Там много плавают — и добавляют что-то .

Все, что вам нужно сделать, это загрузить файл, содержащий такие действия …
: bigthumb299512622:
В этом конкретном случае meganjoy делится своими действиями Photoshop Silver & Bronze. После того, как вы загрузили файл, вы просто открываете его, как обычно, и он сразу попадает в фотошоп, готовый к использованию. Если у вас возникли проблемы, ознакомьтесь с этим руководством:



: bigthumb301382078:


: bigthumb288917802:

meganjoy быстро становится популярной
благодаря своей натюрмортной фотографии и, в частности, ее Photoshop
Actions.Здесь она рассказывает о фотографии натюрморта со своей точки зрения
и, в частности, какой совет она может дать начинающим
.
На данный момент мне очень нравится фотографировать бутылки. Я покупаю эти
маленьких бутылочек в магазинах или в Интернете, а иногда делаю свои собственные. Мне нравится
делать это, потому что с ними можно делать так много разных вещей. Вы можете наполнить его (цветной) водой или положить в него мелкие предметы, такие как бумага
, украшения. А еще мне очень нравится выбирать композицию и расположение
.


Всегда сложно найти идеальное место для моих еще
снимков жизни. Потому что я хочу, чтобы он был чем-то уникальным и неповторимым, но в то же время
мне нужно иметь хороший и достаточно (солнечный) свет. Таким образом, освещение
— определенно одна из самых важных вещей, которые нужно проверять
, когда вы хотите делать снимки натюрморта.

На сайте deviantart есть много художников-натюрмортов, я тоже ищу, чтобы назвать некоторых из них:
Healzo Первый день, когда я присоединился к да, я хотел стать таким потрясающим художником, каким он есть!
aoao2 Много разнообразия и он просто великолепен с натюрмортами.
Орвальд Прекрасное боке в ее натюрмортах.
andokadesbois У нее потрясающие фотографии бутылок!
EliseEnchanted В ее фотографиях (натюрмортах) много цветов, и мне нравится их творчество.

Просто честно много практики. Это одна из самых важных вещей
, которая действительно помогла мне стать лучше. Я также много просматривал на сайте deviantART
, чтобы найти больше вдохновения.
Но книги по фотографии и веб-сайты с обучающими материалами тоже очень полезны!
.

Как нарисовать простой натюрморт пастелью

Картина пастелью

Во многих смыслах пастель дает художнику лучшее из обоих миров. Материал сухой и наносится способом, который считается рисунком, но законченный вид похож на картину. Подобно непрозрачным краскам, пастели можно накладывать слоями и наносить для покрытия предыдущих нанесений. Смешивание в основном происходит на поверхности по мере нанесения слоев.

В этом уроке мы создадим простой натюрморт с помощью пастели, исследуя основные техники пастели, включая наслоение, смешивание и смешивание.

Наслоение пастели и поверхности

Пастель лучше всего проявляет себя, когда она многослойная. Наслоение создает глубину и сложность цвета и способствует смешиванию. В большинстве случаев применяется несколько слоев цвета. Это требует немного терпения, чтобы полностью раскрыть цвета и ценить отношения. Хотя следы, нанесенные пастелью, появляются сразу же, нам следует ожидать, что для проявления картины нам потребуется больше, чем несколько штук.

Таким образом, поверхность бумаги играет важную роль в нашем успехе.Бумага с более толстым зубцом (текстурой) часто работает лучше, поскольку она может воспринимать несколько слоев цвета. Текстуры должно быть достаточно, чтобы принять отметки. Если зубец бумаги слишком слаб, мы ограничены в количестве слоев, которые можно нанести. В этой демонстрации используется пастельная бумага Canson Mi-Tientes. Обе стороны бумаги имеют достаточное количество текстуры, чтобы принимать отметки.

Шаг за шагом

Начнем с свободного наброска контурных линий пастельным карандашом.Определяются формы каждой груши, а также края элементов на заднем плане и в таблице.

Имея свободный набросок, мы можем начать добавлять цвета в фон. В этом примере мы преувеличиваем наблюдаемые цвета фона, чтобы создать первичные отношения (красный, желтый и синий). Это даст немного больше контраста в цветах вокруг груш. Ценности также быстро развиваются, чтобы создать немного больше интереса и текстуры.

Локальный цвет груши определяется средним желто-зеленым перед моделированием формы более темными и более светлыми оттенками. Более холодные синие оттенки используются в областях тени, а более теплые желто-зеленые — в областях светлых участков. Это обеспечивает небольшой контраст цвета, а также контраст по значению. Средний желто-зеленый цвет применяется в областях средних тонов, чтобы облегчить переходы от светлого к темному.

Эти приложения затем аккуратно растушевываются пальцем, чтобы еще больше сгладить переходы.Отбрасываемые тени под грушами и за ними создаются путем наложения слоев более темно-синего цвета, оттенка Burnt Sienna и Burnt Umber.

Черным пастельным карандашом усиливаем тени на грушах и на поверхности стола. Затем эти аппликации аккуратно смешиваются с растушевкой, смешивая с уже нанесенными цветами.

Мы продолжим наносить несколько слоев цвета на груши. С каждым слоем более темных и более светлых вариантов желто-зеленого цвета форма груши начинает вырисовываться.По мере того, как цвет становится более сложным, происходит меньшее смешение. Стебли груши также обозначены темно-коричневой пастелью.

Далее рассматриваются детали таблицы. Более темные края каждой доски обозначены темно-коричневой пастелью и небольшим количеством черного. Для более светлых значений используются более светлые оттенки серого, розового и коричневого. Каждое нанесение аккуратно смешивается, чтобы приглушить силу следов, не удаляя детали.

По мере того, как каждое приложение наносится и аккуратно перемешивается, детали таблицы начинают проявляться.На затемненной стороне стола добавлены несколько линий светло-коричневого цвета, продолжающие текстуру дерева.

Отброшенные тени усилены черным пастельным карандашом и растушеваны растушевкой. С помощью Burnt Sienna на грушах также воссоздаются кусочки красного.

Еще несколько аппликаций светло-желто-зеленого цвета, чтобы усилить блики и увеличить контраст, завершая работу.

.

Объяснение картин и рисунков натюрморта — Искусство — это развлечение

О чем эта картина? Что ж, давайте рассмотрим подробнее. На картине четыре объекта: игрушечная утка, конфета в прозрачной пластиковой обертке, Тутси Поп и блестящий мрамор. Что они имеют общего? Что ж, наиболее очевидной общей чертой, также отраженной в названии произведения, являются преобладающие цвета: желтый и оранжевый . Это множество разных объектов, которые имеют одинаковую цветовую схему, поэтому они хорошо сочетаются друг с другом визуально.

Это все, что у них общего? Давайте рассмотрим их функции — для чего они используются в повседневной жизни? Две конфетки и две игрушки … Хм, эти предметы означают детское веселье! Конфеты доставляют огромное удовольствие, а игрушки — большую радость … когда их используют, то есть. На этой картине они представляют собой набор объектов, неподвижно сидящих на совершенно белом фоне. Они символизируют потенциала для будущих развлечений , а также вызывают в воображении воспоминаний из прошлых развлечений .В нынешнем они просто есть. Просто означает .

А что насчет этого совершенно белого фона … что это значит? Что ж, спросите себя: что заставляет мои глаза и разум делать белый фон? По сути, белый фон заставляет вас сосредоточить ваше внимание на объектах. Они почти, но не совсем летают в космосе — у них все еще есть тонкие тени, которые определяют их место в космосе. На мой взгляд, белый фон помогает этим предметам стать более знаковыми.То есть представляют собой стереотипные эмблемы детства. Они вне времени и не привязаны к определенному месту. Они могли быть где угодно. Они могут даже плыть в белом облаке вашего воображения.

Это один из способов интерпретации картины. Я мог бы сказать больше об этом, но пока этого достаточно. Помните, что это всего лишь одна интерпретация. Можно сказать, что это интерпретация ; что, поскольку я художник, мое слово — последнее слово, дело закрыто.Однако это не так. Искусство предназначено для совместного использования. Это форма общения, и поэтому история не заканчивается, когда кисть покидает холст. Это только начало.

Когда зритель смотрит на произведение искусства, он приносит с собой весь свой жизненный опыт, все свои уникальные воспоминания, все свои знания и понимание Вселенной на данный момент. Их разум взаимодействует с произведением искусства, когда их взгляд перемещается по нему. То, что я испытываю, когда смотрю на определенное произведение искусства, не будет точно таким же, как то, что испытывает кто-то другой, глядя на то же произведение.Поэтому то, что я создаю, не всегда будет интерпретироваться другими так, как я задумал. Между намерением и интерпретацией всегда есть загадочный разрыв, и в этом красота общения.

Подробнее

Узнайте, почему художник Джорджио Моранди — самый известный итальянский художник-натюрморт 20 века! Посмотрите натюрморты Джорджо Моранди, неподвластные времени качества которых очаровывают любителей искусства.

Научитесь рисовать цветы с замечательным художником-классиком-реалистом Дельмусом Фелпсом! Прочтите подробное интервью и просмотрите его захватывающие цветочные картины с розами, нарциссами, магнолиями и многим другим.

Готовы нарисовать свой натюрморт? Посмотрите этот урок фотореалистичного искусства и узнайте, как нарисовать мрамор цветным карандашом!

.