День: 27.04.2018

10 лучших учебников для художника

Если ваша давняя мечта научиться рисовать как настоящий художник, но нет времени для того, чтобы идти в художественную школу, или денег, чтобы нанять репетитора, не отчаивайтесь! Вы можете самостоятельно заняться обучением дома в свободное и удобное для вас время. Главное – это тщательно подготовиться, потому что вашим учителем будете вы сами.

В первую очередь необходимо понять, какими именно знаниями вы должны овладеть. Решающее значение в самостоятельном обучении имеют правильно подобранные книги.  В учебных заведениях для художников-живописцев преподают следующие дисциплины: рисунок, живопись, композиция, цветоведение, анатомия и перспектива. Если вы самостоятельно решили изучать курс рисования, то вам понадобится набор следующих учебников.

Рисунок

Основы учебного академического рисунка. Николай Ли.

Автор подает весь курс академического рисунка, последовательно раскрывая все материалы учебной программы художественного училища. Шаг за шагом вы легко освоите рисование простых геометрических тел (куб, цилиндр, сфера, конус, пирамида), которые лежат в основе конструкций любых более сложных предметов таких как греческие вазы, капители, предметы мебели, дома, человеческое тело. Из этой книги вы узнаете основы линейной перспективы, метод конструктивного построения в рисунке, понятие о пропорциях предметов и их значение в рисунке, а также знания пластической анатомии  тела человека.

Рисунок. Наброски и зарисовки. В. К. Кузин

Выполнение набросков  и зарисовок играет важную роль в развитии выразительности рисунка, цельности видения, умения передать пропорции и основные черты позы. Данная книга ознакомит вас с художественными возможностями линии и пятна, а также с различными материалами, которыми можно выполнять наброски. Здесь полно примеров набросков выдающихся художников. Кроме того, вы узнаете роль набросков в создании композиции, и освоите техники и схемы построения набросков и зарисовок.

Игра света и тени для художников. Бёрн Хогарт

Из этой книги вы узнаете о всевозможных типах освещения и влияние света на материальность. Вы получите обширное представление о том, что такое светотеневой рисунок на плоскости, и какую роль играет свет в моделировке формы. У вас будет представление о том, какие есть категории света и тени, и как влияет свет на выразительность композиции. А также поймете, чем отличаются друг от друга плоский рассеянный свет, лунный свет, скульптурный свет, пространственный свет, фрагментарный свет, ослепляющий свет, выразительный свет. В целом, в этой пособии вы обнаружите сотни определений света и получите более глубокое представление о его функции в рисунке.

Живопись

Техника акварельной живописи. П. П. Ревякин

Эта книга, выпущенная еще во времена СССР, является универсальным руководством по академической живописи. Она дает широкое представление о влиянии освещения на цвет и раскрывает такие основные  понятия в живописи как собственный и отраженный свет, цветовая температура, светотень, локальный  цвет предмета. Этот учебник познакомит вас с особенностями чувствительности нашего зрения к цвету и различными видами цветовых контрастов. Вы узнаете, какие материалы необходимы при работе с акварельными красками, а также особенности взаимодействия различных пигментов с бумагой. Здесь описана подробная методика работы  классического способа моделировки формы предметов при помощи акварельных красок, а также дается понятие о перспективе и планах в живописи. Значительная часть книги посвящена написанию архитектурных сооружений, поэтому ее полезно будет прочитать даже архитекторам.

Основы живописи. Могилевцев В. А.

Эта книга рассчитана на профессиональное обучение портретной живописи. Здесь изложены базовые знания об академической живописи маслом в жанре портрета. Также здесь есть описание перечня необходимых материалов, этапы рисунка кистью на холсте, схема проработки деталей (глаза, нос, губы). А  также здесь рассмотрены цветовые отношения и выразительные средства живописи. Книга разбита на 4 раздела: голова, портрет с руками, фигура, копирование. В каждом из разделов  автор подробно описывает все этапы работы от замысла, создания эскиза до детализации и обобщения готового портрета. Кроме этой книги у Могилевцева есть еще две отличные книги “Основы рисунка” и “Наброски и учебный рисунок”, которые также заслуживают внимания и могут служить альтернативой вышеуказанным учебникам по рисунку.

Полный курс масляной живописи. Хеннес Руиссинг

В данной книге вы найдете описание материалов для живописи маслом, рецепты грунта, методы создания подрамника, обтяжки его холстом и проклейки грунтом. Автор демонстрирует все этапы работы: от наброска до создания готового живописного полотна. Из этой книги вы узнаете как работать с мастихином, чем отличаются пастозные и лессировочные краски, что такое воздушная перспектива и колорит. Здесь есть простые примеры для наработки техники письма маслом в основных жанрах. Кроме того автор дает понятие о цветовых контрастах и способах применения их в живописи, а  также дает советы, как избежать многих ошибок при работе с красками начинающим художникам.

Курс акварельной живописи. Пейзаж за считанные минуты. Кейт Фенвик.

Если вам больше по душе акварель, то эта книга позволит с легкостью освоить пейзажную живопись. Она содержит в себе множество иллюстрированных примеров. При помощи нее вы освоите технику написания деталей пейзажа, которые порой представляют сложность для начинающих – это вода, архитектурные детали, камни, одиночные деревья. Автор детально рассматривает способы написания различных атмосферных эффектов, архитектурных и горных пейзажей, учит различным приемам написания неба, леса, воды. Он раскрывает секреты своей палитры, демонстрирует возможности применения маскирующей жидкости, дает множество мелких практических советов.

Анатомия

Изображение человека. Готтфрид  Баммес

Безусловно, самый лучший автор, которого можно найти для изучения пластической анатомии художнику. Баммес не только профессионально излагает анатомию фигуры человека, но и дает представление об изображении фигуры на плоскости. Самая лучшая его книга «Анатомия для художников», к сожалению, не переведена на русский язык. Поэтому всем, кто не владеет немецким языком, рекомендую ознакомиться с этими двумя книгами на русском языке «Образ человека» и «Изображение человека. Основы рисунка с натуры», которые являются компиляцией оригинальной книги на русском языке. Первая книга является подробным курсом анатомии и дает полное представление о строении, пропорциях человеческого тела, изображении статичной и динамичной человеческой фигуры. Вторая книга посвящена больше именно процессу рисования фигуры на плоскости и позволит вам освоить различные способы моделирования формы человеческого тела.

Цветоведение

 Искусство цвета. Иоханнес Иттен

Данная книга представляет собой обширный труд о теории цвета. Она познакомит вас с физической природой цвета, расскажет об основах цветовой гармонии и даст полное представление о системе цвета. Вы узнаете не только о цветовом конструировании, всех типах цветового контраста, цветовой гармонии и теории цветовой выразительности, которые являются базой во многих учебниках по цветоведению, но и расширите свое представление о цвете боле глубокими познаниями. Автор углубляется в изучение семантики цвета, субъективного восприятия цвета,  пространственного воздействия света на цвет. Кроме того, Иттен уделяет внимание теории цветовых впечатлений, что является особенно важным для художников-живописцев, которые интересуются реалистичной передачей объектов в световоздушной среде.

Композиция

 Основы композиции. Н. М. Сокольникова.

Несмотря на то, что этот учебник рассчитан на учащихся 5-8 классов, на мой взгляд, это полезная книга как для начинающего, так и для опытного художника. Здесь в простой форме изложены основы композиции и очень удачно подобраны примеры, которые доступно передают логику композиционного размещения объектов на плоскости. Книжка знакомит читателя с элементарными правилами и средствами композиции, значением диагоналей в передаче движения, силовыми линиями формата, средствами выделения сюжетно-композиционного центра, правило золотого сечения, симметрии и асимметрии. В общем, здесь вы найдете  все необходимое, что нужно учитывать при построении любой композиции, включая практические советы, которые легко усваиваются и применяются.

Вот с таким набором учебников, вы можете справиться с процессом обучения рисованию самостоятельно! Все эти книги можно легко скачать в интернете, но еще лучше будет приобрести их оригиналы для настольного чтения. Напоследок, еще один совет – старайтесь обращаться в первую очередь к методической литературе авторов-академиков и избегать поверхностных брошюр в мягкой обложке с броскими названиями, которые, как правило, не дают системных знаний.

Превью: Depositphotos

Читайте также:

Основы рисования: как построить удачную композицию для рисунка

Основы рисунка: Рисуем с натуры женское тело

Основы рисования: правила цветовой палитры в живописи

Степанова Н.Э. Рисунок. Живопись. Композиция [PDF]

М.: Искусство, 2004. — 120 с.: илл. В данной книге сделана попытка в доступной форме рассмотреть основы композиции, следуя авторской методике преподавания дисциплины. Этот разговор немыслим без конкретных примеров и анализа классических произведений искусства. Автор убежден, что обучение основам композиции базируется на глубоком знании и осмыслении творческого опыта,…

• 10,13 МБ
• дата добавления неизвестна
• изменен 21.03.2016 03:56

М.: Эксмо, 2005. — 480 с. Учебник, по которому обучаются студенты художественных ВУЗов, относится к классическим книгам по основам академического рисунка. Основные принципы учебного рисунка с натуры, приведенные в книге, способствуют формированию и развитию объемно-пространственных представлений и совершенствованию графических навыков у заинтересованных читателей. Учебник…

• 46,36 МБ
• дата добавления неизвестна
• изменен 07.04.2019 22:10

Учебное пособие, изобразительное искусство, 2-е изд. — Ростов н/Д.: Феникс, 2005. — 79 с. Паранюшкин Р. В. Публикация для студентов средних и высших специальных учебных заведений и учащихся художественных школ. На примере образцовых работ именитых мастеров, учебных работ студентов и своих собственных, автор раскрывает в соответствии с образовательным стандартом все изюминки…

• 15,37 МБ
• дата добавления неизвестна
• изменен 15.06.2010 22:00

2-е изд., доп. и перераб. — М.: Просвещение, 1984. — 240 с.: ил. Учебник профессора Н. Н. Ростовцева представляет собой систематическое изложение курса академического рисунка для студентов художественно-графических факультетов педагогических институтов. Автор подробно рассматривает законы композиции и конструктивного построения, перспективы и светотени — весь комплекс…

• 65,74 МБ
• дата добавления неизвестна
• изменен 20.12.2010 23:47

Базовые принципы композиции. Правила, приемы и средства композиции. Передача ритма движения. Выделение сюжетно-композиционного центра. Передача симметрии и асимметрии. Передача равновесия. Практические советы. Вопросы, упражнения и творческие задания. Секреты и тайны мастеров.

• 3,12 МБ
• дата добавления неизвестна
• изменен 27.12.2009 09:30

Минск: Харвест, 1999. — 312 с. В книге Формальная композиция впервые дается систематизированное изложение специальных вопросов теории и методики освоения основ художественно-композиционной грамоты в процессе профессиональной подготовки дизайнеров. Опираясь на научные знания в области психологии творчества, развития образного мышления и художественного восприятия, автор…

• 13,06 МБ
• дата добавления неизвестна
• изменен 05.12.2016 18:28

Большой базовый курс: рисунок, живопись, композиция

Вводное занятие: основные термины рисунка, их значение, что такое академический рисунок, что такое построение, с чего оно начинается, построение куба, шара, цилиндра, призмы. Формат работы А3 (2 шт).

Конструктивный рисунок постановки из геометрических фигур. Что такое конструктивный рисунок, его особенности и выразительные приёмы. Освоение упражнений, направленных на постановку руки и проведение ровных выразительных линий. Формат работы А3.

Конструктивный рисунок натюрморта. Особенности конструктивного изображения сложных предметов. Использование стирательной резинки в качестве активного инструмента рисования. Формат работы А3.

Тональный рисунок постановки из геометрических фигур. Особенности тонального рисунка, его отличие от конструктивного рисунка. Освоение упражнений, направленных на овладение академической штриховкой. Особенности штрихования различных поверхностей. Формат работы А3.

Тональный рисунок натюрморта. Изучения понятия «тон». Тональный разбор постановки. Особенности изображения различных материалов: стекла, дерева, ткани и т.д. Формат работы А3.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: тональный рисунок натюрморта.

Конструктивный рисунок головы с элементами тона. Основы изображения гипсовой головы (на примере головы Дианы). Формат работы А3.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: конструктивный рисунок головы с элементами тона.

Вводное занятие по живописи. Основные знания, умения и навыки при работе с цветом в живописи: смешение цветов, обмен цветовыми рефлексами, взаимосвязь цвета освещения и тени, передача пространства при помощи цвета, колорит картины. Формат работ А 4 (6 шт), акварель, гуашь.

Простой натюрморт в акварели. Основные приемы работы в акварели и технология написания картины. Рисование простой постановки из трех предметов (цилиндрической, кубической и круглой формы), наложение мазка на различную поверхность, передача объема, пространства и материальности объектов при помощи цвета. Формат работы А 4.

Натюрморт в акварели. Написание вертикальной постановки из 5 предметов с теплым боковым освещением. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы в акварельной технике акварель. Формат работы А2.

Натюрморт в акварели. Написание горизонтальной постановки из 7 предметов с холодным боковым освещением. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы в технике акварель. Формат работы А2.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: натюрморт акварелью.

Натюрморт гуашью. Написание горизонтальной постановки из 5 предметов с теплым боковым освещением в сдержанной гамме. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы гуашью. Формат работы А2.

ПРОДОЛЖЕНИЕ: натюрморт гуашью.

Натюрморт гуашью. Написание вертикальной постановки из 7 предметов с теплым фронтальным освещением. Передача объема, пространства, материальности (стекло, ткань, дерево, керамика и т.д.). Применение на практике знаний о взаимосвязи цвета освещения и тени, рефлексах, перспективе и общем колорите картины. Отработка приемов работы гуашью. Формат работы А2.

Основы живописи: цветоведение, композиция, перспектива

Хороший рисунок, который восхищает массы, практически невозможно создать, не зная основ живописи. Конечно, современное искусство доказывает обратное: работы, выполненные слоном, продаются за сотни тысяч долларов, или два мазка кистью, кому-то напоминающие звездное небо. Но вечно ли такое искусство? Скорее всего, нет. А вот «Мона Лиза» или «Мадонна с младенцем» — эти картины были созданы очень давно, но до сих пор восхищают зрителя. Что же необходимо сделать, чтобы познать основы живописи?

С чего начать

Прежде чем садиться за создание шедевра, необходимо изучить некоторую теорию. А также очень важно поймать свою музу или заранее продумать, что будет изображено на холсте. Но в первую очередь каждый художник должен позаботиться о своем рабочем месте.

Конечно, в современно мире есть огромное количество материалов, на которых можно творить — начиная с обычного листа бумаги и заканчивая графическим планшетом. И каждый человек должен выбрать для себя 1-2 способа создания картин, которые ему нравятся больше всего. Если это будет мольберт, то в комнате должно быть достаточно места для самого полотна и его крепления.

Совет: не стоит рисовать на горизонтальной поверхности. Вертикаль будет намного полезнее для здоровья, а также угол хотя бы в 30-40 градусов поможет лучше наложить краски.

Художественная утварь

Помимо достаточного пространства и мольберта человеку понадобятся различные краски, карандаши, пастель, кисти и вода. В общем, все, что может пригодиться для создания картины. Располагаться это все должно под рукой, но не настолько близко, чтобы можно было легко задеть локтем.

На первоначальном этапе создания изображения можно рядом держать только карандаши разной мягкости. Даже если удастся создать наброски за один день, будет полезно немного пройтись за материалами и инструментами для живописи. Это проветрит голову и, возможно, человек взглянет на свое творчество под другим углом, что позволит увидеть некоторые недочеты еще до наложения краски.

Освещение в мастерской

Изучая основы живописи можно понять что иногда цвет всего лишь на пару оттенков может отличаться от идеала и выглядеть совсем нелепо. Именно поэтому работать над картиной необходимо только под естественным освещением. Лучше всего если это будет солнце. Но если нет возможности творить днем, то можно поставить мощные лампы, которые имитируют солнечный свет.

Хотя такие светильники практически совсем не искажают цветопередачу, их обслуживание стоит очень и очень дорого. Поэтому бюджетнее будет работать в дневное время около окна. Это один из первых уроков основ живописи.

Практика и воображение

Помимо получения знаний необходимо в себе развивать и творческие качества. Изучение основ живописи не дает гарантий в будущем создании шедевров. Очень часто в этой творческой профессии возникает кризис у художника из-за того, что он попросту не знает, что рисовать.

Один из способов развития воображения — это посещение уроков, которые ведут известные художники. Например, можно записаться на самый популярный мастер-класс по живописи маслом, который проходит в Москве. А также существуют дистанционные вебинары. Но лучше все же посещать мероприятия вживую, это позволит пообщаться с другими художниками.

И также стоит отметить, что большое количество практики позволяет улучшить воображение. Если человек не знает, что рисовать, можно срисовывать вс что бросается в глаза. Или даже пытаться воспроизвести мировые шедевры. Как во время обеда приходит аппетит, так и муза к художнику является во время творческого процесса.

Совет: не каждому захочется переписывать чужие картины, в этом случае можно попытаться воссоздать тот же самый сюжет, но уже в другом жанре.

Теоретические основы живописи

Несмотря на то что практика очень важна, все же без теории человек может потратить десятки лет, чтобы прийти к совершенству. Но зачем идти на такие жертвы, если в современном мире есть множество бесплатных источников с основами живописи и рисунка. Для начала стоит изучить графические моменты.

Прямые линии, круги, ровные овалы лица — все это художник должен уметь рисовать без подручных средств. Конечно, можно воспользоваться циркулем, чтобы изобразить тарелку, но тогда в ней не будет индивидуальности и реалистичности. Возможно, Малевич не стал бы таким известным, если бы не нарисовал свои знаменитые квадраты от руки.

Чтобы научиться создавать геометрические фигуры, потребуется практика. Лучше всего каждый день брать мольберт и рисовать линии и окружности. Если художник не может заставить себя обучаться, то лучше всего пройти любую школу рисования.

Светотеневой рисунок

После того как ученик освоит геометрические фигуры, можно приступить к более сложным основам. Практически каждый будущий художник планирует создавать свои шедевры не в плоском пространстве. А для этого потребуется научиться видеть свет и тень.

Конечно, даже ребенок знает о том, что любой предмет воспринимается по-разному, в зависимости от того, на каком расстоянии он расположен и сколько света попадает на него. Чтобы передать на холсте объем во время наброска, необходимо использовать такие приемы, как штриховка и затирка. Кстати, этому также учат в любой школе рисования.

Не стоит слишком много времени уделять черновому варианту. Самое главное — схематично изобразить объекты и уловить светотеневой рисунок всей картины.

Что такое композиция в живописи?

Следующей порцией знаний для художника должны стать вопросы о перспективе. В первую очередь необходимо научиться создавать так называемый колодец. С помощью различного нажима карандаша нарисовать переплетающиеся круги произвольных диаметров. Вся конструкция должна напоминать колодец вид сверху. То есть, самые и большие яркие круги располагаются вверху, а чем глубже рисунок, тем слабее нажим и меньше окружности. С помощью такого простого упражнения, художник научится изображать перспективу.

Не менее важной основой в композиции является «Правило третей». Условно изображение делится на три части одного размера по вертикали и по горизонтали. В первые разы создания картины, такую сетку можно нарисовать слабым нажимом. Те точки, что получились благодаря пересечению, и являются идеальными для расположения объекта.

Смысл такого правила заключается в том, что именно в эти места в первую очередь непроизвольно смотрит человек.

Создание картины с натуры

Прежде чем приступить к созданию полноценной работы, стоит определиться с жанром картины. Для первых своих шедевров лучше всего использовать фрукты, овощи, цветы и другие подручные средства.

После того как художник определился с жанром, можно приступать к постановке. Расположить инвентарь сразу же необходимо красиво и аккуратно, так как это значительно упростит работу. Здесь стоит заметить, что размещать объекты желательно учитывая существующее освещение. Хотя можно использовать и дополнительные источники, к примеру, для создания мягких или, наоборот, контрастных теней.

Совет: для лучшего усвоения материала хорошо бы сходить на открытые лекции, где знаменитые художники наглядно показывают как располагать и рисовать с натуры. Отличным вариантом для посещения будет мастер-класс по живописи маслом, который проходит ежегодно в Москве. Его, кстати, можно посетить в режиме онлайн.

Пространственные свойства цвета

После того как был нарисован эскиз, можно приступать непосредственно к созданию самой картины. Прежде чем разукрашивать рисунок, стоит тщательно представить конечный результат и подобрать необходимую гамму. В дальнейшем будет намного легче, если все нужные оттенки будут созданы заранее.

Каждый художник должен уметь сочетать цвета, но такой навык вырабатывается только через несколько лет постоянной работы. Чтобы не допускать самых распространенных ошибок, типа сочетание кислотного зеленого с перламутровым коричневым, можно пользоваться цветовыми кругами. Для создания самых лучших коллабораций берутся два противоположных оттенка. Но если необходимо совместить три или четыре цвета, то тогда выбирается нужное количество оттенков, которые располагаются рядом друг с другом, на одной полосе.

В то время как смешение цветов в живописи — довольно индивидуальная тема, все же к подбору оттенков стоит подойти со всей ответственностью.

Виды перспектив

Несмотря на то что положение предмета влияет на его светотеневой рисунок и размер, оттенок объекта также изменяется. Все выделяют два основных вида перспективы. После создания набросков художнику уже будет понятно, какой именно способ создания картины выбрать.

Прямая линейная. Такой вид перспективы рассчитан на фиксацию зрения в одной точке. Примером может послужить аллея вдоль дороги. Деревья, которые стоят ближе всего к художнику, будут казаться более высокими и мощными, чем те, что оказались расположены где-то вдали. Точно так же работает и перспектива на бумаге. Но помимо этого, необходимо изобразить расплывчатость объектов. То есть чем дальше дерево, тем светлее/темнее оно будет. А также необходимо изменить контрастность, приглушая дальние объекты.

Тональная перспектива. В этом варианте создания картины за основу берется окружность. Изобразив главный объект, около него нужно мысленно представить круг, за которым и будут происходить изменения. Чем дальше расположены детали, тем менее контрастными они будут. Данный вид перспективы напоминает тот самый колодец, которые был описан выше.

Цветоведение в живописи

После того как художник разберется со всеми основами, можно приступать к более углубленному изучению. При этом стоит помнить что каждая теория закрепляется практикой. И чем больше человек будет рисовать, тем быстрее он достигнет совершенства.

Цветоведение в живописи — это в первую очередь круг, о котором шла речь выше. В него включены спектры оттенков, в которых зафиксированы переходы всей радуги. Любой цветовой круг содержит в середине серый цвет. Это происходит потому, что именно такой оттенок считается нейтральным в живописи.

Всего существует три основных цвета — это, конечно же, красный, желтый и синий. Именно они необходимы для того, чтобы создать любой оттенок. Но это только в теории, на практике же довольно сложно подобрать необходимые пропорции каждого для идеального сочетания. Но все же три новых цвета, используя только основу, можно создать легко — это оранжевый, фиолетовый и зеленый. Таким образом, начинающему художнику можно не тратить огромные деньги для покупки всевозможных оттенков.

Холодные и теплые оттенки

Также для удачного комбинирования цветов и использования их в живописи, необходимо отличать их по температуре. Делается это очень легко. Для начала берется уже знакомый круг так, чтобы самый яркий желтый оттенок располагался вверху. Теперь перед художником с правой стороны будут только теплые цвета, а слева — холодные. Причем все оттенки из этих спектров хорошо сочетаются друг с другом.

Чтобы подобрать максимально гармоничные два оттенка, можно провести небольшой опыт. Выбрав противоположные цвета, необходимо их максимально точно воссоздать в реальности. После этого небольшое количество краски с каждого оттенка смешивается друг с другом. Если получился серый цвет, то художник идеально подобрал палитру.

Конечно, на практике достичь такого эффекта практически нереально, но если в результате получился приближенный оттенок, то это уже можно считать успехом.

Чтобы нарисовать шедевр, скорее всего, придется потратить много лет. Но это не значит, что надо опускать руки и сдаваться. Возможно, картины, которые будут написаны во время учебы, уже станут восхищать публику. В любом случае стоит ориентироваться на свое сердце, а не на мнение толпы.

Живопись.Рисунок.Композиция — 14 ответов на Babyblog

Если ваш ребенок (от 6-7 лет лучше начинать заниматься) имеет тягу к рисованию или вы сами решили заняться творчеством, то важно знать
Основные правила для Настоящего рисования -Не перерисовывать ничего. Не рисовать по клеточкам, не рисовать по фотографии если вы еще не умеете рисовать и не знаете пропорций. Все эти срисовывания портят и тормозят развитие в искусстве рисования.
. Во многие художественные школы нужен объем работ для поступления на бюджет. Хотите собрать эти работы? Начинайте рисовать.
1.Живопись.Твердый карандаш,резинка со слоником, акварельные краски -Нева,Белые ночи,Ленинград (24 или 36 или 48 цветов, 24 как правило достаточно)(забудьте про гуашь,если хотите поступить в престижную худ.школу),кисти лучше колонковые,беличьи линяют сильно.Акварельная бумага.
Начинаем с изучения цветов. Каждая палетка краски обернута в фантик и на нем написано название краски. Раскладываем правильно палетки. Изучаем цвета,запоминаем названия. Чаще всего используются цвета-Охра желтая, Ультрамарин, Сепия,кадмий красный,окись хрома. (их чаще всего приходится поштучно докупать)
далее под катом
Смешайте краски. Расскажите что такое ТЕПЛЫЕ( с оттенком желтого) цвета и что такое ХОЛОДНЫЕ( с оттенком холодного ультрамарина) Покажите как получить Зеленый, Оранжевый ,фиолетовый и другие цвета с помощью 3 цветов-Синего,Красного и желтого.( ультрамарин-Кадмий красный или киноварь, Лимонный или желтый)
Ставим ребенку всевозможные натюрморты,картинки примеры натюрмортов смотрите в интернете,их много. Можно начать с овощей и фруктов по отдельности.
Рисуем баклажан. Цвета баклажана- Фиолетовый+Охра золотистая + в тени добавляем кобальт синий. Начинаем писать со света.Не малярим! (один мазок друг к другу. Акварельная бумага не выдерживает многослойности)
Лучшие видеоуроки на Youtube от Школы акварели Сергея Андрияки. Но старайтесь не переписывать по видеоурокам, а рисовать с натуры
2. Рисунок. Понадобятся .Плотная бумага для рисования и черчения ГОСзнак)А2,А3 (приучайте рисовать на больших размерах сразу-пусть не за 1 занятие а в несколько этапов )Карандаши- 6B,4B,2B,HB,2H,4H (H-твердые,B-мягкие). стират.резинка и клячка.(клячка усветляет тон)
Начинаем с простого- Прямые линии на вытянутой руке. Мизинец в данном случае помогает и служит как бы опорой.
Вот 3 основных положения руки 
1. Для построения прямых линий.
2. Штриховка
3. Построение окружностей( Именно такое положение помогает вырисовывать окружности)
После того как вы научили ребенка проводить прямые линии и окружности от руки, без линеек и циркулей. Приступаем к рисованию с натуры.
Начинаем с простой формы.
Яйцо. Рисуем твердым карандашом. Штрихуем мягкими тень и полутень и твердо-мягким свет. 
Примеры штриховки . Штриховка бывает прерывистой ( четкие ровные штрихи штришок к стришку отрывая руку при каждом штрихе 
Данную штриховку можно применять при рисовании округлых предметов, яйцо,сфера, овощей,фруктов, а также ткани. Для гипсовых деталей(куб,шестигранник итд) лучше применять штриховку прерывистую-сеткой.Для фона подойдет и беспрерыная штриховка
Соотношение. На вытянутой руке, с одним закрытым глазом отмечаем пропорции карандашом, Например если это ваза- отмеряем карандашом, сколько ширина вазы помещается в высоте вазы. Берем листик бумаги (для печати) и находим необходимую ширину и длину в соответствии с нашими измерениями.
В рисовании острых,угловатых предметов,с прямым гранями помните о перспективе.
Линия горизонта (линия уровня глаз) Рассмотрим на примере куба. Для начальных уроков ставьте предметы ниже уровня глаз. (линии горизонта) Если куб стоит гранью на нас лицом и горизонтальные линии параллельны линии горизонта, то линии схода соединяются в 1 точке на линии горизонта , 
Если же грани куба повернуты от нас и уходят в перспективу, то точек схода с линией горизонта будет 2 (D1 и D2)
Рисуем человека
Самые лучшие видеоуроки по изображению человеческой фигуры, которые я нашла на просторах Youtube Это видеоуроки от итальянского художника (ни для кого ни секрет,что итальянские художники самые лучшие в мире,впрочем как и русские безусловно)
Именно с построения скелета человека (схематично) лучше всего начинать рисовать человеческую фигуру.
Важные знания о пропорциях человека, которые открыл Леонардо да Винчи
1. В человеке от макушки до пяток помещается 7,5-8 голов во взрослом и 6,5-7 в ребенке.
2. Локти располагаются на уровне талии, руки заканчиваются на середине бедра.
3. Расстояние от локтя до запястья равно длине стопы(ДА-да-проверьте!)
4. Лицо.(в данном случае говорим о пропорциях ВЗРОСЛОГО человека) - Линия глаз находится ровно посередине между точкой макушки и подбородком. Лицо от линии роста волос до кончика подбородка можно разделить на 3 равные части- От линии роста волос до линии бровей, от линии бровей до кончика носа и от кончика носа до кончика подбородка(ВСЕ ОНИ РАВНЫ).Линия конца нижней губы располагается посередине между линией кончика носа и линией кончика подбородка. Уши располагаются от линии бровей до линии кончика носа 
Очень важно как можно больше рисовать с натуры наброски человека, пускай ребенок рисует домашних. Попозируйте ему. Рисуйте всех и вся- животных и людей. Животных в Санкт-Петербурге отлично рисовать с натуры в Зоологическом музее, людей и композиции из людей,сценки в Этнографическом музее.
Композиция.
Задайте любую тему- сказка,сцена из книги. Предварительно нарисуйте с ребенком эскизы к композиции. Начните с линии горизонта. В данном случае линия горизонта будет вымышлена и располагаться где угодно на листе. Помните о перспективе, объект расположенный ближе к нам будет крупнее,чем объект который расположен дальше (ближе к линии горизонта) 
Не забудьте писать с натуры этюды. Пускай это будет даже ваш двор, дача или даже вид из окна. Важно чтобы ребенок научился передавать настроение пейзажа на лист бумаги.
Когда у вас будет готова пачка работ (3-4 натюрморта, 2-3 рисунка гипсовых фигур, наброски, и 2-3 композиции) смело можете отдавать ребенка в художественную школу. Можно пойти в ту же СХШ при академии им.Иогансона на Василеостровской (поступление с 12 лет) это в Питере Там и общеобразовательные предметы и много художественных,после нее ребенок стабильно поступит в любой художественный ВУЗ на свой выбор. Список худ.образовательных учреждений в Москве
Уфф. дописала. Надеюсь мой пост оказался полезен

Композиция в искусстве

Композиция, пожалуй, самый недооцененный аспект художественного творчества. Это также один из самых важных аспектов для правильного решения. Если ваша композиция слабая, значит, и ваша работа слабая. Даже если у вас есть полный спектр ценностей, ваши пропорции правильные, и вы использовали среду в качестве мастера — если ваша композиция плохо спланирована и выполнена, ваше искусство можно считать неудачным.

К счастью, композиция — одна из тех вещей, которые мы можем сделать правильно, немного спланировав и получив знания.Для этого не нужен «талант», и это определенно не о «догадках». Есть несколько «правил», которые мы можем учитывать при планировании нашей работы, чтобы каждый раз добиваться успеха.

Что такое композиция в искусстве?

Очевидно, что создание успешного произведения искусства — это нечто большее, чем создание отметок и среднее мастерство. Наша композиция играет важную роль в том, как наши работы воспринимаются и воспринимаются нашей аудиторией.

Но прежде, чем мы определим композицию с точки зрения искусства, давайте рассмотрим связанный предмет.

Если вы музыкант, то знаете, что музыкальные произведения также могут называться «сочинениями». У песни есть структура. Каждый музыкант играет «свою роль». Если музыкант играет не в то время или играет не те ноты, песня превращается в беспорядок. Каждая часть тщательно продумана, чтобы песня была самой лучшей из возможных. В некоторых песнях гитара может иметь больше партий и доминировать в песне. В других случаях это может быть пианино.

Мы можем сравнить эту музыкальную аналогию с искусством.Как и песня, каждое произведение искусства, которое мы создаем, имеет структуру (или должно иметь структуру). Как художники, мы планируем эту структуру и реализуем ее по мере создания искусства.

Если мы не будем тщательно планировать элементы, которые мы включаем, наше искусство может превратиться в настоящий беспорядок.

Итак, когда дело доходит до искусства, композиция — это расположение элементов в живописном пространстве (или трехмерном пространстве со скульптурой). Расположение и расположение элементов в произведении влияет на то, как зритель взаимодействует с тем, что мы создаем.

Как и в случае с песней, возможности безграничны. У нас есть полная творческая свобода в том, как мы располагаем элементы в наших работах. Но даже несмотря на то, что возможности безграничны, это не означает, что мы можем использовать бессистемный подход без планирования. Мы должны создавать свои композиции, как это сделал бы опытный композитор.

В некоторых произведениях может доминировать определенный элемент. В других случаях может доминировать другой элемент. Однако мы всегда должны следить за тем, чтобы не было слишком большого количества элементов, конкурирующих за внимание.Мы не ожидаем, что в песне будут одновременно звучать гитарное соло, фортепианное соло и барабанное соло. В произведении искусства мы также не ожидаем, что все элементы, которые мы включаем, будут конкурировать за внимание.

Вместо этого мы должны сосредоточить внимание нашего зрителя на одном или двух элементах сцены. Эти элементы становятся центром (-ами). Все остальные элементы в работе затем становятся вспомогательными актерами.

Создание координационных центров

Точка фокусировки — это область или области в сцене, которые привлекают визуальное внимание зрителя.В большинстве случаев координационные центры включают основной предмет. У каждого произведения искусства должен быть хотя бы один фокус.

Количество координационных центров должно быть ограничено. Во многих случаях требуется только один координатор. У вас может быть более одного координационного центра, но любое число, превышающее три, будет сложно определить. Если в вашей работе есть несколько фокусов, тогда должен быть один, который доминирует над остальными. Другими словами, должен быть один главный координационный центр и, возможно, вспомогательный или вторичный координационный центр.

Фокусные точки могут быть созданы в работе, используя различные техники. Эти методы включают…

• Контраст
• Изоляция
• Размещение
• Конвергенция
• Необычный

Хотя здесь мы кратко рассмотрим каждую из этих техник, мы рассмотрим их более подробно в этих уроках …

Теперь давайте кратко рассмотрим каждую технику создания фокуса.

Контраст

Контраст имеет дело с различием.Это может быть различие в стоимости, цвете, текстуре, размере и т. Д. Когда мы включаем область сильного контраста, она притягивает взгляд зрителя к этому месту в работе и создает фокус.

Изоляция

Если у вас когда-либо были проблемы в детстве, и учитель загнал вас в угол, тогда вы знаете, что такое изоляция. Когда вас отправляют в угол, все дети в классе смотрят на вас. Какое ужасное наказание!

Когда мы выделяем предмет или элемент на рисунке или картине, этот элемент, естественно, привлекает внимание и становится центром внимания.

Размещение

Мы визуально подтягиваемся к центру форм. Если мы думаем о картинной плоскости нашей работы как о форме, такой как прямоугольник, то мы можем ожидать, что наш зритель будет перемещен в центр. Если мы поместим объект близко или точно в центр нашей картинной плоскости, то этот объект станет фокусной точкой.

Ван Гог «Голова женщины» 1882

Хотя эта техника работает для создания сильной фокусной точки, обычно это не лучший метод для создания визуально стимулирующей композиции.Когда мы помещаем предметы в центр работы, результат обычно статичный и скучный. Лучше разместить объект немного не по центру, а еще лучше — на одной из третей. Подробнее об этом чуть позже.

Схождение

Конвергенция — это акт управления взглядом зрителя внутри произведения с помощью визуальных подсказок. Это могут быть линии, формы, контрастные цвета и т. Д. Каждый элемент, который мы включаем, может направлять взгляд зрителя к фокусу. Иногда нас привлекает какая-то часть работы просто потому, что художник манипулирует элементами, чтобы привлечь наше внимание к определенной области.Мы тоже можем это сделать!

Необычное

Все необычное привлекает наше внимание. Точно так же все, что мы включаем в нашу работу, что не ожидается или резко отличается от других элементов сцены, станет фокусом.

Создание четкой точки фокуса важно для создания сильной композиции, но это еще не все. Также стоит учесть несколько принципов дизайна.

Принципы дизайна в художественной композиции

Принципы дизайна касаются расположения элементов искусства в работе. Элементы искусства — это основные компоненты или строительные блоки художественного творчества.

Подробнее об элементах искусства и принципах дизайна можно узнать здесь…

Восемь принципов дизайна:

• Весы
• Пропорции
• Механизм
• Ритм
• Гармония
• Единство
• Акцент
• Сорт

(Некоторые искусствоведы также включают контраст как принцип.Но поскольку контраст может создать акцент, большинство людей не входит в список восьми.)

Не все принципы дизайна напрямую влияют на наши композиции, но большинство из них влияет. Вот более подробные сведения о тех, которые делают…

Баланс

С точки зрения искусства, баланс относится к общему распределению визуального веса в композиции. Каждый объект, который мы включаем в произведение, имеет визуальный вес. Когда мы добавляем элемент к одной стороне нашей композиции, нам нужно добавить еще один или несколько элементов, чтобы сбалансировать визуальный вес на другой стороне.

Визуального баланса можно добиться, добавляя элементы или используя отрицательное пространство. (Подробнее о негативном и позитивном пространстве чуть позже.)

Баланс можно сравнить с качелями или качелями. Представьте, что у нас есть один большой объект (или человек) по одну сторону от качелей. Качели не будут сбалансированы.

Но, если мы добавим пару предметов (или людей) среднего размера к другой стороне качелей, мы достигнем равновесия. Теперь качели уравновешены.

Если работа не сбалансирована визуально, она может казаться «тяжелой».Например, если мы добавим слишком много визуального веса в нижнюю часть композиции, вес будет притягивать взгляд зрителя к низу. Композиция будет тревожной.

Но если мы противодействуем этому весу с помощью одного или двух элементов в верхней части композиции, то он станет более сбалансированным.

Мы также должны знать, как наша композиция обрезается, поскольку это также может повлиять на баланс.

Часто у нас будут элементы, выходящие за пределы картинной плоскости.Если края этих элементов расположены таким образом, чтобы они были близко к краям плоскости изображения, это создаст дополнительный визуальный вес и, возможно, нежелательное внимание.

Взгляните на изображения ниже. На изображении слева обратите внимание, как птица расположена слишком близко к краю картинной плоскости. Край ветки вверху также слишком близко к левой стороне картинной плоскости.

На втором изображении имеется достаточно места с обеих сторон плоскости изображения, чтобы обеспечить некоторый баланс, приводящий к лучшей композиции.

Если мы расположим предметы в наших работах так, чтобы их края либо заканчивались немного дальше от краев плоскости изображения, либо выходили далеко за пределы плоскости изображения, тогда этот визуальный вес минимизируется.

Мы также должны рассмотреть каждый из краев картинной плоскости. Если у нас есть элементы, выходящие за пределы плоскости изображения с двух сторон, мы можем создать слишком большой визуальный вес на этих двух сторонах. Но если мы позволим объектам выходить за пределы картинной плоскости со всех четырех сторон, мы сможем создать более сбалансированную композицию.

Механизм

Движение может относиться к иллюзии реального движения на рисунке или картине; или это может относиться к движению глаз зрителя, когда он знакомится с вашим искусством. Что касается композиции, нас больше всего беспокоит последнее.

Когда зритель взаимодействует с вашим искусством, его взгляд перемещается от одного элемента к другому. Обычно самый властный элемент требует немедленного внимания. После этого зритель может перейти к другим вспомогательным элементам сцены.

Как художники, мы можем контролировать это «движение глаз» в зависимости от того, как мы планируем нашу композицию. Мы можем направлять зрителя к наиболее важным элементам и много раз контролировать, как большинство людей «проглотят» наше творение. В большинстве случаев мы хотим, чтобы взгляд зрителя просматривал работу в определенной последовательности.

В зависимости от тематики заказ может выглядеть примерно так…

1. Зритель втягивается в работу.
2. Зритель направляется к фокусу (точкам).
3. Зритель направляется к опорным элементам.
4. Зрителя уводят от работы или возвращают к фокусу.

Это визуальное движение обычно достигается за счет создания контраста, направляющих линий, диагоналей и перекрывающихся элементов.

Взгляните на работу ниже. Когда вы исследуете его, обратите внимание на то, как ваши глаза перемещаются по работе.

Уиллард Меткалф «Летающие тени» 1909–1910

Возможно, ваш взгляд пошел по тому же пути, что и мой. Я вошел в работу на дне долины, у ручья.По линии более темных деревьев я направился к центру изображения, а затем вернулся в лес. Затем я последовал за линией деревьев, прямо перед далекими горами. Оттуда меня повели обратно в центр.

Расположение этих элементов позволило мне увидеть все важные части в работе, в то же время оценив каждую часть картины отдельно.

Мы можем использовать те же методы, чтобы немного контролировать, как зритель взаимодействует с нашим искусством.Хотя мы не можем полностью контролировать то, как люди будут рассматривать наше искусство, мы можем влиять на их визуальный опыт.

Ритм

Мы понимаем ритм через повторение. Например, мы можем слышать ритм песни и ее ритм, потому что она повторяется — много раз предсказуемым образом. Без повторения нет ритма.

В искусстве то же самое. Чтобы иметь ритм, нам необходимо повторение. Визуально ритм создают повторяющиеся элементы. Это может быть регулярный или неправильный узор из повторяющихся форм или это может быть повторение определенного предмета.В любом случае повторяющиеся элементы создают ритм.

Взгляните на картину ниже. Обратите внимание, как у него есть чувство ритма.

Ван Гог «Ирисы» 1889

Этот ритм создается повторением. Здесь мы видим, как повторяются формы, созданные для лепестков цветов…

А также формы для меньших цветов в верхнем левом углу…

Формы радужки ничем не отличаются.Еще повторяют…

Повторяющийся элемент в произведении часто называют «мотивом». Включение мотива в вашу работу часто может привести к чувству гармонии и единства.

Вернемся к музыкальной аналогии. В большинстве популярных песен присутствует постоянный ритм на протяжении всей песни. Динамика песни может измениться, но размер меняется редко. И даже несмотря на то, что ноты могут резко меняться, последовательный ритм объединяет песню от начала до конца.

Наши работы должны обладать этой последовательностью, которая подводит нас к следующим принципам — гармонии и единству.

Гармония и единство

Наши художественные композиции также должны быть гармоничными и едиными. Гармония и единство настолько тесно связаны, что легко предположить, что это одно и то же. Они очень похожи, но в наших композициях каждый стоит рассматривать отдельно.

Unity имеет дело с чувством «единства». Обычно это достигается в произведении искусства путем последовательного и полного использования среды.Мы также можем думать о единстве с точки зрения художественного стиля. Если стиль и использование средств массовой информации последовательно используются в произведении, и работа кажется завершенной и законченной, мы обычно можем сказать, что работа едина.

Unity также можно создать в работе путем упрощения. Этого можно добиться, упростив формы, предметы или цветовые схемы.

Работа, представленная ниже, едина и гармонична по ряду причин. Самый очевидный способ его объединения — использование цвета.

Роберт Харрис «Интерьер Северной Африки» 1877

Харрис упростил цветовую схему и использовал в основном дополнительные цвета — красный и зеленый.Зеленый цвет очень землистый, но все же присутствует.

Гармония помогает создать единство в работе. В то время как единство относится к произведению искусства в целом, гармония в большей степени относится к отдельным частям произведения. Если отдельные части произведения работают вместе, то искусство можно считать гармоничным.

Еще один способ думать об этом — подумать о семье. Семья состоит из разных членов. Давайте посмотрим на семью в традиционном смысле для этой аналогии.В семье могут быть отец, мать, сын и дочь. Каждый член семьи индивидуален и уникален, но семья по-прежнему остается единым целым. Некоторые семьи хорошо ладят друг с другом, а другие — нет.

Мы можем создать гармонию и единство в наших композициях…

• Последовательное использование среды на протяжении всей работы.
• Упрощение форм, предметов или цветовых схем.
• Использование единого стиля в работе.
• Убедиться, что работа завершена.
• Обеспечение того, чтобы каждая отдельная часть изделия работала (и имела смысл) с другими частями.

Акцент

Мы часто используем акцент, чтобы определить фокус или точки в композиции. Мы уже обсуждали несколько способов, которыми художник может создать фокус в своей работе. Каждый из этих методов делает упор на успех. Акцент обычно создается в работе через некую форму контраста.

Взгляните на работу ниже. Как вы думаете, что подчеркивается?

Эдгар Дега «Любитель абсента» 1876

Большинство из нас обращается к женщине в этой сцене, а точнее к ее лицу.Дега привлек к ней наше внимание несколькими способами. Во-первых, она расположена в центре картинной плоскости. Также вокруг нее сильный ценностный контраст. Обратите внимание, как мужчина рядом с ней одет в черное, а она — в белое. На стене рядом с ее светлым лицом даже есть темная тень.

Затем есть линии схождения, образованные столами и задним краем скамейки.

Вы также заметите, что лицо женщины имеет больше деталей по сравнению с другими элементами сцены.Это также помогает привлечь внимание зрителя.

Все эти характеристики помогают влиять на то, как мы взаимодействуем с предметом.

Сорт

Подобно выделению, разнообразие также имеет отношение к различию. Наши рисунки и картины должны быть разнообразными.

Задумайтесь на мгновение о своей любимой еде. Теперь подумайте, какой была бы жизнь, если бы вам приходилось есть любимую пищу при каждом приеме пищи до конца жизни. На завтрак, обед и ужин — у вас есть любимая еда и ничего больше.В первый день это может быть здорово, но после этого вы очень устанете от любимой еды.

Точно так же мы можем думать о наших произведениях искусства. Мы не хотим утомлять зрителей одной и той же визуальной информацией. Вместо этого мы должны включать в себя некоторое разнообразие, чтобы заинтересовать их и сделать наши работы более интересными.

Уловка здесь заключается в балансе гармонии и разнообразия. Если мы зайдем слишком далеко в разнообразии, работа, скорее всего, не будет гармоничной. Если мы зайдем слишком далеко с гармонией, в работе может отсутствовать разнообразие.

Взгляните на изображение ниже. Обратите внимание на разнообразие…

Василий Кандинский «Композиция IV» 1911

Кандинский создал разнообразие, используя широкую цветовую гамму, но сохранил единство картины за счет упрощения.

Положительное и отрицательное пространство

Космос — один из семи элементов искусства. Когда мы думаем о пространстве, мы часто рассматриваем его с точки зрения глубины или иллюзии глубины рисунка или картины. Однако, когда дело доходит до композиции, мы можем думать о пространстве как о реальном живописном пространстве на поверхности рисунка или картины.

Пространство, занятое важными предметами или элементами дизайна, считается положительным пространством. Области, окружающие эти места, считаются отрицательным пространством. Часто именно негативное пространство обеспечивает зрителю зону «отдыха».

Взгляните на изображения ниже. Сначала мы видим исходное изображение слева. На среднем изображении отрицательное пространство выделено красным. В третьем мы видим положительное пространство, выделенное красным.

Положительное и отрицательное пространство работают вместе, создавая композицию.Композиция может состоять в основном из позитивного пространства, равномерного баланса двух или в основном из негативного пространства.

На следующем изображении показана композиция, состоящая в основном из позитивного пространства…

Вот пример композиции, состоящей из равных частей положительного и отрицательного пространства…

А вот один, в основном состоящий из отрицательного пространства…

Каждая из этих композиций основана на одной и той же теме, и каждую можно считать «успешной».

Успешное использование положительного и отрицательного пространства в композиции зависит от баланса. Как достигается этот баланс, будет зависеть от объекта, использования носителя, уровня детализации, контраста и других визуальных факторов.

Лучший способ добиться баланса в работе и убедиться, что положительное и отрицательное пространство работает на благо композиции, — это тщательное планирование.

Планирование композиции

Планирование — это, пожалуй, самый важный аспект успеха ваших композиций.К сожалению, большинство людей полностью пропускают этот шаг.

Допустим, вы решили отправиться в путешествие по месту, в котором никогда раньше не бывали. Было бы бессмысленно просто паковать чемоданы, садиться в машину и уезжать, не зная, как добраться до места назначения. Скорее всего, вы взглянете на карту или введете пункт назначения в систему навигации. Вы никогда не прибудете в пункт назначения без какой-либо подготовки и руководства.

Таким же образом мы должны спланировать наши композиции, прежде чем пытаться их исполнить.Нам нужно знать, «куда мы идем» с нашими произведениями искусства. Мы должны спланировать конечный результат, прежде чем приступить к его созданию. Мы можем изменить наши идеи в процессе работы, если захотим, но мы должны иметь общее представление о том, как должна выглядеть законченная работа, прежде чем мы начнем.

Планируя, мы можем решить все композиционные головоломки, которые позволят создать сильное произведение искусства. Когда мы делаем это, мы можем сосредоточиться на самом процессе рисования и раскрашивания, поскольку большинство наших решений относительно композиции уже принято.

В большинстве случаев планирование композиции включает создание небольших рисунков без деталей. Эти небольшие рисунки часто называют эскизами или предварительными набросками. Миниатюры следует создавать быстро, и к ним следует подходить экспериментально. Чем больше эскизов вы создадите перед тем, как перейти к окончательной поверхности, тем выше ваши шансы на создание успешной композиции.

Создавая миниатюры, будьте готовы пробовать разные вещи.Поэкспериментируйте с расположением предметов и балансом положительного и отрицательного пространства. Подумайте, как взгляд зрителя может перемещаться по произведению. Попробуйте вертикальные композиции и сравните их с горизонтальными. Поэкспериментируйте с разными цветами. Держите свой разум открытым.

Часто в нашем сознании есть видение того, что мы хотим создать, и мы, естественно, предполагаем, что именно это видение является наиболее успешным. Однако в большинстве случаев наше первоначальное видение — это лишь «верхушка айсберга».Если немного «покопаться», наше изначальное видение превратится в нечто гораздо более успешное. Это происходит только тогда, когда мы открыты для экспериментов и уделяем время планированию.

Правило третей

Правило третей — это теория композиции, основанная на размещении предметов в композиции. Он основан на Золотой Середине, математической формуле, описывающей пропорциональные отношения. Поскольку Золотая середина довольно сложна, большинство художников и фотографов полагаются на правило третей для создания аналогичного эффекта.

Вот как это работает…

Давайте возьмем композицию и разделим ее на три части — по горизонтали и вертикали. Мы можем представить себе линии, проходящие по каждой из третей. Эти линии пересекаются в четырех точках на картинной плоскости. Помещая важные объекты или фокусные точки на этих местах пересечения или рядом с ними, мы создаем более эстетически успешную композицию.

Арманд Гийомен «Лощина в снегу» 1869

Обратите внимание, как Гийомен расположил фигуру почти прямо в одной из этих точек.

Мы также можем создавать более динамичные и интересные композиции, размещая предметы прямо на этих линиях.

Создание диагоналей

Композиции могут быть динамическими или статическими. Статические композиции довольно прямолинейны и прямолинейны. Статическая композиция имеет смысл для информационного изображения — как научная иллюстрация. Напротив, динамичная композиция создает большее ощущение истории и привлекает зрителя. В большинстве случаев мы хотим, чтобы наши композиции были динамичными.

Динамические композиции можно создать, включив в работу диагонали. Эти диагонали могут быть созданы с использованием реальных линий и форм или подразумеваемых линий. Их также можно использовать, чтобы помочь зрителю ориентироваться в работе, как мы обсуждали ранее.

Фредрик Ремингтон «Ковбой» 1902

Ищите интересные способы включения диагоналей в вашу работу. Это может означать, что вы изменили угол обзора зрителя. Вместо того, чтобы рисовать или раскрашивать объекты со стандартной точки зрения, рассмотрите вид сверху или снизу или даже под наклоном.

Нечетные числа лучше

Когда мы составляем наши произведения искусства, мы также должны учитывать количество предметов или элементов, которые мы включаем. Человеческий разум находит баланс в нечетных числах. Наиболее оптимальное число для использования — 3. Это означает, что если вы составляете натюрморт, лучше всего использовать 3 объекта. Это не означает, что мы ограничены тремя объектами. Мы, конечно, можем включить больше, если захотим. Но если мы включим больше, лучше всего будут нечетные числа.

Рассмотрим изображение с двумя объектами.С двумя объектами, кажется, существует своего рода визуальное соревнование между ними. Трудно решить, какая тема будет в центре внимания.

Однако, когда мы включаем третий, два других объекта создают рамку для третьего, что приводит к более сбалансированной композиции.

Заключение

Состав — это не «догадки». Хорошая композиция — это не результат удачи и, конечно, не таланта. Речь идет о понимании того, как зритель будет визуально взаимодействовать с тем, что мы создаем, и тщательном планировании.

Мы довольно много здесь рассмотрели. Это большой объем информации, который можно усвоить. Но, практикуя эти концепции и внедряя их в свои работы, они постепенно станут интуитивно понятными, и ваши композиции улучшатся.

.

рисунок | Принципы, методы и история

Рисование , искусство или техника создания изображений на поверхности, обычно на бумаге, с помощью отметок, обычно чернилами, графитом, мелом, углем или мелком.

Микеланджело: Профиль с восточным головным убором Профиль с восточным головным убором , рисунок сангиной Микеланджело, ок. 1522; в Музее Ашмола, Оксфорд, Англия. Предоставлено Эшмоловским музеем, Оксфорд, англ.

Рисование как формальное художественное творчество можно определить как в первую очередь линейное воспроизведение объектов видимого мира, а также концепций, мыслей, отношений, эмоций и фантазий в визуальной форме, символов и даже абстрактных форм. Это определение, однако, применяется ко всем графическим искусствам и техникам, которые характеризуются акцентом на форме или форме, а не на массе и цвете, как в живописи. Рисование как таковое отличается от процессов графической печати тем, что существует прямая связь между производством и результатом.Короче говоря, рисунок — это конечный результат последовательных усилий, приложенных непосредственно к носителю. Хотя рисунок может служить основой для воспроизведения или копирования, он, тем не менее, уникален по своей природе.

Сибрук, Джорджетта Джорджет Сибрук в отрывке из Исследование негритянских художников , немого фильма, созданного Фондом Хармона и выпущенного в 1930-х годах, в котором участвуют многие художники, работавшие в период Гарлемского Возрождения. Архивные кадры предоставлены Интернетом Архивом движущихся изображений (в архиве.org) совместно с Prelinger Archives Просмотреть все видео к этой статье

Хотя не каждому произведению искусства предшествовал рисунок в форме предварительного эскиза, рисунок фактически является основой всех изобразительных искусств. Часто рисунок поглощается выполненной работой или разрушается в процессе завершения. Таким образом, полезность чертежа плана здания, которое должно быть возведено, уменьшается по мере того, как здание поднимается вверх. Точно так же точки и линии, отмеченные на необработанном каменном блоке, представляют собой вспомогательные рисунки для скульптуры, которые будут вырезаны из материала.По сути, каждая картина построена из линий и предварительно зарисована по ее основным контурам; только в процессе работы он превращается в цветные поверхности. Как показывает все большее количество находок и исследований, рисунки составляют материальную основу фресок, панно и книжных картин. Такие предварительные эскизы могут просто обозначать основные контуры или могут предопределять окончательное исполнение с точностью до деталей. Они также могут быть простыми пробными набросками. Задолго до появления настоящего мелкомасштабного рисунка эта процедура широко использовалась для монументальных росписей.С синопией — предварительным наброском, находящимся на отдельном слое на стене под фреской, или росписью на свежерасположенной влажной штукатурке — достигается точка, в которой произведение, служившее лишь технической подготовкой, становится формальным рисунком, выражающим художественное произведение. намерение.

Однако только в конце 14 века рисунок стал самостоятельным — уже не обязательно подчиненный, концептуально или материально, другому виду искусства. Автономные или независимые рисунки, как следует из названия, сами по себе являются конечной целью художественного произведения; поэтому они обычно характеризуются живописной структурой и точным исполнением до деталей.

Получите эксклюзивный доступ к контенту из нашего первого издания 1768 с вашей подпиской. Подпишитесь сегодня

Формально рисунок предлагает максимально широкий простор для выражения художественных замыслов. С помощью рисунка можно сделать видимыми тела, пространство, глубину, предметность и даже движение. Более того, из-за непосредственности изложения рисунок спонтанно выражает личность рисовальщика в потоке линии; Фактически, это самое личное из всех художественных высказываний.Таким образом, вполне вероятно, что уважение к рисунку должно было развиваться параллельно с ценностью, придаваемой индивидуальному художественному таланту. Начиная с эпохи Возрождения, рисунок постепенно теряет свой анонимный и утилитарный статус в глазах художников и общественности, а его документы все больше ценились и собирались.

В этой статье рассматриваются эстетические характеристики, средства выражения, предмет и история рисования.

.

Все о бумаге для рисования

Что вы в первую очередь думаете, когда собираетесь начать рисовать? Это предмет, среда или, может быть, композиция? Эти аспекты невероятно важны для вашего успеха, поэтому неудивительно, что они, как правило, являются первым местом, о котором вы думаете, когда начинаете рисовать.

Сколько и как часто вы считаете саму поверхность?

В процессе создания искусства часто игнорируется поверхность, на которой создается искусство, — по сути, сама основа вашей работы.Как и фундамент здания, фундамент для ваших произведений искусства имеет решающее значение.

Самое высокое здание в мире, Бурдж-Халифа в Дубае, имеет высоту 2717 футов. (Это больше полумили). Это поистине чудо инженерной мысли, шедевр строительства. Но без основания это была бы самая большая масса завалов на планете. Фундамент для этой конструкции впечатляет не меньше. Глубоко под землей на глубине 164 фута здание поддерживает 58 900 кубических футов бетона.Только на возведение фундамента ушло больше года.

Ваше искусство заслуживает такого же внимания к фундаменту, на котором оно построено. Пришло время внимательно рассмотреть поверхность, поэтому давайте посмотрим на ваши варианты и то, как они повлияют на отметку.

Из чего сделана бумага?

Бумагу можно изготавливать из самых разных материалов. Бумаги производятся путем превращения волокон в формовочную массу. Чаще всего эти волокнистые материалы получают из древесины (дерева) или хлопка. Полученную целлюлозу формуют вместе, чаще всего прессуют, и сушат для производства бумаги.Процесс формования, прессования и сушки влияет на готовую поверхность.

Бумага более низкого качества обычно изготавливается из древесной массы. Древесная масса очень кислая и со временем разлагается. Газетная бумага и бумага для рисования более низкого качества попадают в эту категорию.

Газетная бумага

Бумага более высокого качества полностью изготовлена ​​из хлопка и / или льна, что делает ее более устойчивой к химическому разрушению с течением времени. Эти бумаги обычно называют «тряпичной» бумагой.Эти бумаги, как правило, изготавливаются вручную и имеют декорированный край с тисненым водяным знаком. В эту категорию попадают такие статьи, как Arches и Stonehenge.

Тряпичная бумага

Многие виды бумаги находятся где-то посередине и сделаны из смеси дерева и «тряпичных» волокон. Часто в бумагу добавляют химические вещества, чтобы замедлить или предотвратить изменение pH с течением времени. В эту категорию попадают многие бумаги средней ценовой категории.

Без кислоты Vs. Архивный

Бумага с надписью «не содержит кислоты» означает, что она нейтральна к кислотам.Многие бумаги обрабатываются, чтобы сделать их «бескислотными». Если бумагу обработали, она со временем изнашивается, и бумага начинает портиться (вместе с вашим изображением). Бумаги, которые были обработаны, будут помечены как «не содержащие кислоты», но могут не иметь отметки «неархивный».

Архивные документы также не содержат кислоты, но по своей природе не содержат кислоты. Примером этого может быть «тряпичная» бумага, которая с меньшей вероятностью сломается со временем.

В конце концов, лучше всего подходят «архивные» бумаги, «бескислотные» — хорошо, а остальные лучше всего использовать для набросков.

Плотность бумаги

Бумага для рисования обозначается по весу. Это может сбить с толку, если вы не знаете, почему у них есть обозначение веса. Вес дает художнику представление о толщине и устойчивости бумаги. Обычно это диктуется фунтами. Обозначение веса — это физический вес стопки бумаги, который составляет 500 листов.

Логично, что 500 листов плотной акварельной бумаги будут весить больше, чем 500 листов тонкой кальки.

Пример: калька Strathmore 300 Series весит 25 фунтов, а акварельная бумага Strathmore холодного отжима — 140 фунтов.

Что такое «зуб» или текстура бумаги

У всех видов бумаги есть текстура поверхности, которая влияет на след. Эту текстуру поверхности обычно называют «зубом». Зубец бумаги изготавливается в соответствии с процессом, который используется для создания бумаги. «Холодный пресс», «Горячий пресс» и «Шероховатый» — обозначения, присваиваемые акварельной бумаге.(Акварельная бумага предназначена не только для акварели. Многие художники предпочитают ее и для рисования.)

Бумага Coldpress

Бумага

Coldpress обычно имеет грубые зубцы. Их называют «холодным прессом», потому что для прессования бумаги в процессе ее изготовления используются ненагреваемые цилиндры. Это приводит к появлению небольших неровных вмятин на поверхности бумаги.

Текстура поверхности бумаги для холодного пресса

Бумагу холодного отжима обычно предпочитают художники-акварелисты, пастелисты или все, кто хочет использовать текстуру поверхности.Поскольку у бумаги холодного отжима есть тяжелые зубцы, акварельными красками можно легко управлять. Пастель можно наносить сильно и многослойно.

Рисунок на акварельной бумаге холодного отжима

Бумага для горячего пресса

Бумага

Hotpress отличается гладкими зубцами. Их называют «горячим прессом», потому что цилиндры, которые используются для прессования бумаги в процессе производства, нагреваются. Тепло заставляет бумагу соответствовать гладкой форме, образуя гладкую поверхность.

Текстура поверхности бумаги для горячего прессования

Бумагу

Hotpress предпочитают художники, желающие контролировать точные отметки, такие как перо и тушь или подробные акварельные рисунки.

Черновая бумага

Третья категория текстуры поверхности, называемая «шероховатой», существует среди типов бумаги. Шероховатую бумагу нельзя производить с помощью цилиндрического прессования, в отличие от бумаги Hotpress или Coldpress. Вместо этого они механически прижимаются плоско или вообще не прижимаются. В результате получается очень тяжелый зуб. Шероховатая бумага выдерживает многократные смывки акварелью или сильное нанесение пастели.

Текстура поверхности грубой бумаги

Другие текстуры

Не все виды бумаги имеют обозначения «Горячий пресс», «Холодный пресс» или «Шероховатый».Некоторые виды бумаги специально изготавливаются с регулярным текстурированным рисунком. (Бумага холодного отжима и грубая бумага имеют неровный рисунок.) Эти бумаги прессуются машиной для создания рисунка.

Примером бумаги с регулярным узором является бумага Canson Mi-Teintes. Ямочки расположены на одинаковом расстоянии друг от друга и одинаковой глубины.

Рисунок пастелью, бумага Canson Mi-Teintes

Деталь, показывающая текстуру бумаги Canson Mi-Teintes

Бумага

Laid Papers также имеет обычный текстурный узор.Вместо ямочек на этой бумаге — линейный узор.

Примером бумаги с нанесенным узором является угольная бумага Strathmore. (Эта бумага — моя любимая поверхность для домашних портретов)

Графитовый рисунок на угольной бумаге

При ближайшем рассмотрении видно, что уложенный узор ясен…

Деталь, показывающая текстуру угольной бумаги Strathmore

Текстуры доски Bristol

Доска Bristol или бумага Bristol (названная в честь города в Англии) требует своей собственной категории текстуры.Картон Bristol — более плотная бумага, очень похожая на картон. Он подходит для различных носителей и имеет два разных типа «зуба», оба из которых довольно гладкие.

Рисунок цветным карандашом на бумаге «Веллум» Bristol

Поверхности «тарелки» гладкие и лучше всего подходят для рисования пером и тушью. Поверхности веллума имеют слабые зубцы, но все же достаточно гладкие. Однако слабый зуб все еще присутствует, и его лучше всего использовать с графитовыми, угольными или цветными карандашами.

Доска для иллюстраций

Доска для иллюстраций изготавливается по типу «Холодный пресс» или «Горячий пресс», как бумага для акварели. Доска для иллюстраций холодного отжима слегка текстурирована Зубья доски для иллюстраций холодного прессования очень похожи на зубцы доски Vellum Bristol Board. Доска для иллюстраций горячего прессования очень гладкая с почти воскообразной поверхностью.

Доска для иллюстраций отличается от доски Bristol жесткостью. Только одна сторона доски для иллюстраций подходит для маркировки, в отличие от доски Bristol.На тыльной стороне установлена ​​тяжелая доска для поддержки.

Графитовый рисунок на доске для иллюстраций холодного прессования

Благодаря своей жесткости на доске для иллюстраций можно использовать различные материалы, включая графит, тушь, акварель, акрил, уголь и цветные карандаши. Поскольку она может принимать такое большое количество материалов, это подходящая поверхность для смешанных сред.

Наждачная бумага для рисования

Многие производители бумаги производят легкую наждачную бумагу для рисования / раскрашивания.Эта бумага позволяет наносить тяжелые средства массовой информации, сохраняя при этом зубчатость поверхности. Эта бумага в основном используется для цветных мультимедийных приложений, таких как цветные карандаши или пастель.

Рисунки или картины, созданные на наждачной бумаге, обычно имеют неземной, «дымный» вид, поскольку бумага обычно все еще видна в некоторых местах.

Веллум

Веллум — это гладкая бумага, созданная путем сочетания пластика с хлопком или древесной массой. Материал полупрозрачный, что делает его пригодным для трассировки.Этот тип пергаментной бумаги не следует путать с бристольской бумагой с пергаментной поверхностью.

Эта поверхность подходит для рисования тушью и предварительных рисунков, а также широко используется для рисования цветным карандашом. Получить гладкую поверхность цветными карандашами, работая на пергаменте, довольно просто.

Особые марки и характеристики бумаги

Думаю, полезно взглянуть на конкретные бренды и их характеристики, поэтому давайте взглянем на несколько популярных поверхностей…

Strathmore Drawing 300 Series

Эта бумага со средними зубьями не содержит кислоты, и ее цена находится в нижней части шкалы цен.Доступны большие и маленькие подушечки, и я предпочитаю поверхность для рисования.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 70 фунтов
• Цена: $
• Рекомендуемые носители: Все материалы для сухого рисования. (Лучше всего для набросков, хотя его можно использовать и для готовой работы.)

Стоунхендж от Легиона

Эта бумага с небольшими средними зубцами подходит для работы с различными носителями.Эта архивная поверхность считается «профессиональной» и лучше всего подходит для готовых работ.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 250 г
• Цена: $$$
• Рекомендуемые материалы: Графит, цветные карандаши, уголь и пастель.

Strathmore Bristol Paper

Эта бумага средней ценовой категории доступна с двумя разновидностями зубьев — пергаментной и гладкой.Поверхность веллума имеет слабый зубец, который немного прочнее, чем гладкая поверхность, которая слабее. Обе бумаги жесткие и похожи на картон.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 100 фунтов
• Цена: $$
• Рекомендуемые материалы: Перо и чернила, графит, цветные карандаши и маркеры.

Бумага для пастели Canson Mi-Teintes

Эта бумага средней ценовой категории имеет две различные поверхности.Лицевая сторона бумаги имеет тяжелый зубец, а обратная — немного более слабый. Обе стороны бумаги можно использовать для готовых работ.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 98 фунтов
• Цена: $$
• Рекомендуемые материалы: Пастель, цветные карандаши и уголь.

Бумага PastelMat, Клэр Фонтейн

Эта газета относительно новая на «арт-сцене».Эта дорогая бумага представляет собой профессиональную поверхность с усиленной основой. Каждый лист также включает восковой покровный лист для защиты вашей работы.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 170 фунтов
• Цена: $$$
• Рекомендуемые материалы: Пастель, цветные карандаши, графит и уголь.

Маркерная бумага

Эта тонкая бумага (18 фунтов.) является полупрозрачным и имеет очень слабый зуб. Эта бумага разработана для уменьшения кровотечения, которое часто возникает при нанесении влажного материала для рисования, такого как маркеры или чернила.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 18 фунтов
• Цена: $
• Рекомендуемые материалы: Маркеры, ручка, чернила и цветные карандаши.

Вторичная бумага (бумага Artagain от Strathmore)

Вторичную бумагу можно использовать для готовых работ, но не все они содержат кислоты.Если вы создаете рисунок, который хотите сохранить на некоторое время, убедитесь, что выбранная вами переработанная бумага имеет маркировку «не содержит кислоты». Эти бумаги доступны в различных тонах. Черная бумага показана на видео выше, но также доступны серые бумаги.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 60 фунтов
• Цена: $$
• Рекомендуемые материалы: Графит (бумага с серыми тонами), белый уголь (серая и черная бумага), цветные карандаши, гелевые ручки / цветные чернила и масляная пастель.

Акварельная бумага холодного отжима

Несмотря на название, акварельную бумагу можно использовать для различных материалов для рисования. Бумага холодного прессования отличается тяжелым зубцом, что делает ее подходящей для художников, желающих использовать текстуру поверхности.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 90 фунтов, 140 фунтов, 300 фунтов
• Цена: $ — $$$
• Рекомендуемые материалы: Акварельные карандаши, карандаши Inktense, цветной графит, уголь, пастель, тушь и краски на водной основе.

Бумага для акварели горячего прессования

Бумага для акварели горячего прессования имеет гораздо более слабые зубцы по сравнению с бумагой холодного прессования. Это делает их более подходящими для рисунков, созданных путем сочетания акварели, пера и чернил, особенно когда преобладают приложения с ручкой и чернилами.

Информация о бумаге…

• Без кислоты? Да.
• Плотность бумаги: 90 фунтов, 140 фунтов, 300 фунтов
• Цена: $ — $$$
• Рекомендуемые материалы: Акварельные карандаши, карандаши Inktense, цветной графит, перо и чернила, а также краски на водной основе.

Предложения по бумаге

Существует слишком много производителей и типов бумаги, чтобы изучать каждую марку, но наличие некоторых общих знаний о бумаге должно помочь вам в выборе того, что лучше всего подходит для вашего приложения.

Некоторые люди скажут вам, что вам нужно использовать определенный тип или бренд для определенного средства или техники. Вы этого от меня не услышите. Ваш выбор бумаги так же уникален, как и сделанная вами отметка. Только путем экспериментов вы найдете то, что лучше всего подходит для вашего художественного голоса.

.

рисунок | Принципы, методы и история

Рисование , искусство или техника создания изображений на поверхности, обычно на бумаге, с помощью отметок, обычно чернилами, графитом, мелом, углем или мелком.

Микеланджело: Профиль с восточным головным убором Профиль с восточным головным убором , рисунок сангиной Микеланджело, ок. 1522; в Музее Ашмола, Оксфорд, Англия. Предоставлено Эшмоловским музеем, Оксфорд, англ.

Рисование как формальное художественное творчество можно определить как в первую очередь линейное воспроизведение объектов видимого мира, а также концепций, мыслей, отношений, эмоций и фантазий в визуальной форме, символов и даже абстрактных форм. Это определение, однако, применяется ко всем графическим искусствам и техникам, которые характеризуются акцентом на форме или форме, а не на массе и цвете, как в живописи. Рисование как таковое отличается от процессов графической печати тем, что существует прямая связь между производством и результатом.Короче говоря, рисунок — это конечный результат последовательных усилий, приложенных непосредственно к носителю. Хотя рисунок может служить основой для воспроизведения или копирования, он, тем не менее, уникален по своей природе.

Сибрук, Джорджетта Джорджет Сибрук в отрывке из Исследование негритянских художников , немого фильма, созданного Фондом Хармона и выпущенного в 1930-х годах, в котором участвуют многие художники, работавшие в период Гарлемского Возрождения. Архивные кадры предоставлены Интернетом Архивом движущихся изображений (в архиве.org) совместно с Prelinger Archives Просмотреть все видео к этой статье

Хотя не каждому произведению искусства предшествовал рисунок в форме предварительного эскиза, рисунок фактически является основой всех изобразительных искусств. Часто рисунок поглощается выполненной работой или разрушается в процессе завершения. Таким образом, полезность чертежа плана здания, которое должно быть возведено, уменьшается по мере того, как здание поднимается вверх. Точно так же точки и линии, отмеченные на необработанном каменном блоке, представляют собой вспомогательные рисунки для скульптуры, которые будут вырезаны из материала.По сути, каждая картина построена из линий и предварительно зарисована по ее основным контурам; только в процессе работы он превращается в цветные поверхности. Как показывает все большее количество находок и исследований, рисунки составляют материальную основу фресок, панно и книжных картин. Такие предварительные эскизы могут просто обозначать основные контуры или могут предопределять окончательное исполнение с точностью до деталей. Они также могут быть простыми пробными набросками. Задолго до появления настоящего мелкомасштабного рисунка эта процедура широко использовалась для монументальных росписей.С синопией — предварительным наброском, находящимся на отдельном слое на стене под фреской, или росписью на свежерасположенной влажной штукатурке — достигается точка, в которой произведение, служившее лишь технической подготовкой, становится формальным рисунком, выражающим художественное произведение. намерение.

Однако только в конце 14 века рисунок стал самостоятельным — уже не обязательно подчиненный, концептуально или материально, другому виду искусства. Автономные или независимые рисунки, как следует из названия, сами по себе являются конечной целью художественного произведения; поэтому они обычно характеризуются живописной структурой и точным исполнением до деталей.

Получите эксклюзивный доступ к контенту из нашего первого издания 1768 с вашей подпиской. Подпишитесь сегодня

Формально рисунок предлагает максимально широкий простор для выражения художественных замыслов. С помощью рисунка можно сделать видимыми тела, пространство, глубину, предметность и даже движение. Более того, из-за непосредственности изложения рисунок спонтанно выражает личность рисовальщика в потоке линии; Фактически, это самое личное из всех художественных высказываний.Таким образом, вполне вероятно, что уважение к рисунку должно было развиваться параллельно с ценностью, придаваемой индивидуальному художественному таланту. Начиная с эпохи Возрождения, рисунок постепенно теряет свой анонимный и утилитарный статус в глазах художников и общественности, а его документы все больше ценились и собирались.

В этой статье рассматриваются эстетические характеристики, средства выражения, предмет и история рисования.

.