День: 28.01.1985

Стили и направления в живописи. Художественные техники

Время прочтения: 4 мин.

Если нет времени читать,
то отправь на свою почту

По мнению опытных педагогов-мастеров, для ребенка школьного возраста подойдет любой художник, не важно, на чем он сам специализируется. Важно, чтобы он с любовью относился к детям и своему предмету. На уроках у такого педагога у ребят не возникает трудностей, они занимаются с удовольствием и заметно с каждым годом развиваются в своих навыках.

Позже, если ребенок серьезно увлечется каким-либо видом изобразительного искусства (живопись, графика, скульптура) и пожелает совершенствоваться в нем, появится смысл обращаться к преподавателю с более узкой специализацией. Каждый педагог имеет свой стиль и любимую технику, а также свой метод преподавания. Это можно обнаружить при знакомстве с работами его учеников. У разных преподавателей учащиеся рисуют по-разному. Хочет ребенок научиться рисовать так же? Нравится ему этот стиль? Если нравится, то можно записываться именно к этому педагогу, именно в эту школу или на курсы.

Как соотносятся стили и техники

Коротко говоря, стиль – это манера художника, свойственный ему колорит, а техника – это средства, с помощью которых можно получить картину в авторском исполнении. Иногда художественный стиль и технику сравнивают с исполнением музыкальных пьес на разных инструментах. Если вы видите, что ребенку некомфортно на уроках рисования, в течение года или двух не происходит заметного роста, лучше сменить преподавателя или курсы (школу). Все может исправить другой метод преподавания, возможно, вашему ребенку хочется попробовать себя в другом художественном стиле и технике.

Когда школьник несколько лет успешно учился рисунку у одного преподавателя, то нецелесообразно переходить к другому педагогу, который рисует в другом стиле, даже если о нем говорят много хорошего. Ребенок может оказаться в ситуации, о которой говорилось выше, – «переучивание на фортепиано после скрипки».

В некоторых случаях различия в стиле могут быть почти незаметны. Надо присмотреться к ребенку. При смене стиля в творчестве ученика может произойти регресс, рисунки станут существенно слабее. Чем больше новый стиль отличается от прежнего, тем дольше ребенок будет к нему привыкать. И это будет тормозить развитие художественных навыков ученика.

Больше разговаривайте с детьми о том, как они себя чувствуют на занятиях рисованием. Нравится ли им педагог, его и их собственные работы, растет ли их уровень. Бывает, что ученику нравится педагог как личность, однако после двух лет обучения никакого прогресса в обучении не заметно. Это говорит о том, что преподавателя надо менять. Видно, данная методика не подходит ученику, может быть, нужно сменить технику рисунка и стиль, как бы ни было жаль расставаться с интересным человеком. Мудрый педагог сам сообщит родителям о необходимости сменить школу или технику.

Чтобы понять, надо ли менять преподавателя, стиль, технику рисования, методику, должно пройти не менее двух лет без заметных улучшений в навыках ученика. За менее длительный срок трудно что-либо оценить, ведь многие дети сначала накапливают знания, аккумулируют навыки рисунка, а потом резко выдают улучшенные результаты. После этого наступает период постепенного, но стабильного роста мастерства художника.

Приглашаем в Центр художественной подготовки

Важный принцип успешного развития навыков – стабильность в обучении.

При регулярных занятиях обязательно будет улучшение навыков рисования, не зависимо от того, какой стиль предпочитает преподаватель, какая у него методика и любимая техника. Остановить рост мастерства может только необоснованное переключение с одного стиля на другой или смена техники. Иногда это может полностью остановить развитие художественных навыков.

Некоторые преподаватели разрешают ученикам развивать свой собственный оригинальный стиль, не похожий на художественный стиль педагога и других учащихся. Однако если сам учитель не владеет этим стилем хотя бы чисто теоретически, учебный процесс будет отпущен на самотек, при этом невозможно будет предсказать, каким станет конечный результат обучения.

Можно ли одновременно учиться рисовать в разных техниках?

Преподаватели ИЗО говорят, что вполне возможно параллельно изучать разные техники, если они близки и похожи. Либо изучать их поверхностно, не добиваясь глубоких знаний и совершенных навыков. Многие педагоги так и планируют свою программу, разрешая своим ученикам пробовать себя в разных техниках.

На дизайнерских направлениях обучающиеся, как правило, осваивают многие стили и техники. Однако это не углубленное изучение, здесь нет погружения в предмет, нет сильного давления на учащегося. Задачей обучения становится развитие особенного навыка – умения создавать удобное визуальное пространство, способствующее более полному восприятию определенного художественного стиля.

А попытки углубленно изучать сразу несколько различных стилей и техник обычно не дают хороших результатов.

За разнообразие стилей и техник

Ни один стиль нельзя назвать лучше или хуже другого. Есть педагоги, которым определенный стиль не нравится, но это всего лишь дело вкуса конкретного человека. Если вашему ребенку импонирует определенный стиль, техника, которые педагог запрещает на своих уроках, – это тот самый законный повод сменить преподавателя. Стоит только заглянуть на сайты иллюстраторов – какое разнообразие техник и стилей, изобразительных приемов! И все они находят свое место, своего зрителя, способного оценить мастерство и талант художника. Выбирайте любой, но не забывайте, что каждой манере нужно серьезно учиться, каждая техника требует опытного педагога и наставника.

Понравилось? Поделитесь с друзьями!

История современного искусства России, современная живопись России

Постсоветская (современная) российская живопись 

Многообразием контрастов сочетается лицо современного искусства в России. Начало XXI века — это тот некий переходный момент в истории искусств, когда происходит процесс переосмысления художественного наследия и намечаются линии дальнейшего развития изобразительного искусства. Мы живём в период, когда не только изживает себя уклад жизни прошлого поколения, но и как следствие меняется духовная составляющая. Люди и их мысли проходят своего рода обновление, и всё это является преддверием новой эпохи.
Роды новых идей, как и всегда в такие моменты истории, плодотворны, но как никогда явно выделяются среди имеющих художественный и идейный вес плодов, те, которые отражают неоднозначное, непривычное и подчас несерьёзное отношение художника к значению живописи, как к духовному поиску.

Возможно, бытующее мнение не вполне объективно и данный период стоит осмыслять только после полного его сформирования, ведь никто не исключает мысль о том, что живописи суждено стать чем-то другим и приобрести новое значение в лице концептуализма. Но это было бы неестественно для живописи, и вместе с этим большинство современных исследователей искусства говорят о том, что тенденции нового концептуального искусства, явившиеся очередным возрождением авангардной живописи начала XX века, являются разрушительными для продолжения линии “классической” живописи. По своей природе авангард отрицает традиции и тем самым губительно сказывается на роли «смысловой» живописи, в этом значении он предстаёт её врагом. Но само по себе мало изведанное, а значит, актуальное, авангардное течение отхватило себе часть нити истории развития живописи начала XXI века в образе концептуального искусства.

 

«Жречество» и «юродство» современной живописи

Помимо концептуальной линии выделяется и академическая. Поддерживает её Российская Академия художеств. Что касается второй институциональной структуры – Творческого союза художников России — то здесь более любопытная картина. Данная организация включает в себя большое количество художников, совершенно различных направлений живописи, какие только насчитывает наше культурное наследие, в том числе и деятели концептуального направления. Но так же и РАХ не провозглашает своей целью выпускать исключительно художников — академистов.
В таком “разношёрстном” мире современной живописи, не имеющем устойчивого фундамента и не объединённого общей идеей, в нашей стране тем не менее ясно сформировалось несколько направлений. Как называет два основных из них отечественный искусствовед Александр Якимович – “жречество” и “юродство”. Именно это “жречество” и питает надежды многих исследователей, художников и зрителей на будущее русской живописи.
В первое направление попадают современные русские художники, многие из которых ещё успели испытать на себе дух СССР. Эти мастера оставили нетронутой самую сокровенную суть живописи. Их полотна, пронизанные смыслом,  овеяны религиозным духом, дыханием древних сакральных образов, и теплом утопических идей. В их произведениях присутствует всё ещё философское воззрение на мир.

«Сашкин букет». Н. Нестерова. 2009

«Париж». Н. Нестерова. 2005

Такими являются поучительные творения Натальи Нестеровой — «Сашкин букет», «Париж». Наивностью своих изображений художница доносит до нас истину тщетности нашего бытия. Это не насмешка над бессмысленной деятельностью человека, но демонстрация человеческой недалёкости, которая может загубить всё то живое и глубокое, что в нас осталось. Эти идейные тенденции прослеживались ещё в её  ранних «маскарадных» произведениях.

«IX». Серия «Матриархат». О. Булгакова. 2007

 

«Возвращение блудного сына». Из цикла «Библейские эскизы». О.Булгакова. 2007

Древние немые образы Ольги Булгаковой, в страстном, пылающем колорите, обуревают сознание и взывают к праосновам наше существо. Серии «Матриархат» и «Библейские эскизы», а также другие работы О. Булгаковой — это прекрасный пример современной живописи маслом в экспрессивной манере, что лишь усиливает смысловой эквивалент произведений художницы.   Поистине можно считать достойным, чтобы называться шедевром, «Возвращение блудного сына». Лаконизм и выразительность форм, тлеющие фигуры, сцеплённые в порыве чувств. Здесь больше ничего и не нужно добавлять, этот образ передаёт любовь между ребёнком и родителем как она есть. Без какой-либо посредственности в картине воплощено то самое, подсознательное, что навсегда должно остаться беспрекословным в душе человека.  

 «Несущий». Серия «Город. Вход со двора». Д. Иконников. 2003

 

«В час раннего весеннего заката…». Из серии Петербургских работ. Д. Иконников. 2006

Неподражаем в передаче «мелочей» жизни Дмитрий Иконников. Требуется огромная сила воли, чтобы оторвать взгляд от его работ. Всё, что может уловить наше зрение, но пропустить сознание в будничный день запечатлевает художник. В его работах второстепенное нашей жизни выходит на первый план. У художника есть своя техника исполнения, благодаря которой каждое его произведение светится изнутри. Таким образом житейские моменты приобретают значение радостного, по-своему идиллического бытия, что можно увидеть в прекрасной серии работ, посвящённых Санкт-Петербургу, серии «Город. Вход со двора» и др.

 

«Всяк». А. Мосийчук. 2000

Особое впечатление вызывают и религиозно-мистические образы Анатолия Мосийчука. Через них мы можем причастица к сокровенной человеческой вере, к глубинам человеческой души и, подчас, неосвещённым, труднодоступным и неясным. Мастера иногда очень сложно понять. То, что он изображает не оговаривается словами, но считывается на интуитивном уровне. Например, картина «Всяк» представляет различных персонажей, а вернее сказать  призраков. И оттого они призраки, что не имеют индивидуальности. Хоть и имеют разные занятия, но не помогает им это сформировать в себе культурность, развить высокую духовность. Это души, которые никак не могут  обрести себя, и золотистый, дымчатый колорит, который характерен для произведений художника только подчёркивает эту мысль, мистический характер образов, которые так напоминают иногда возникающие внутри чувства у человека нашего времени.

«Мать и дитя». Л. Наумова. 2015

Лариса Наумова, как и предыдущие художники, проявляет свою любовь к примитивизму и наивности в исполнении. Её произведения отличает сочный, свежий, венецианский колорит, а сюжеты и персонажи не так просты, как предстают на первый взгляд. Часто религиозно-символические, а иногда кажущиеся бытовыми, сцены в её произведениях всегда наполнены высоким смыслом. В картине «Мать и дитя» поднимается тема любви в самом искреннем и чистом её проявлении, для этого художница прибегает к переосмыслению иконографии Мадонны с младенцем, тем самым превращая любовь в святыню. Помимо прочего творчество Л. Наумовой гармонично соединило в себе академическую школу и свободную технику.

«Титаник». Серия «Кукольный театр». А. Ситников. 2010

Совершенно экстравагантно творчество Александра Ситникова, на котором оставило неизгладимое впечатление Советское время. В своих произведениях художник выходит за грань сознательного, что можно увидеть в серии картин «Concerto», «Кукольный театр» и др. Стоит признать, что его творчество в каких-то моментах ближе к концептуальному,  так как идея у него стоит выше самой живописи.

 

Современное концептуальное искусство в живописи

Второе течение, которое выделяется на пёстром фоне современного мира изобразительного искусства — это в большей мере концептуальное направление. Как уже было сказано выше, большинство исследователей и ценителей живописи неодобрительно относятся к таким веяниям. Художников этого направления называют сомневающимися в ценностях живописи. В своих работах они прибегают к  уничтожению живописи с помощью самой живописи.

«Падение Икара». О. Ланг. 2012

Олег Ланг — один из основателей этого течения, один из первых «сомневающихся». Если до 2000 года в его работах можно было увидеть наполненность, неприкасаемую священность, то в более современных картинах мы можем наблюдать распад идейной целостности, полотна стали носителями пёстрой дисгармонии («Падение Икара»).

«Античный мальчик». О. Кошляков. 1995

Валерий Кошляков преподносит часто мастерские решения в плане изобразительности и техники исполнения. Но его произведения объединены одним замыслом —  насмешка над теми, кто боится разорвать связь с традициями. Это отчётливо передаёт серия «Коллажи» («Античный мальчик»), в которой заключается идея беспрекословных общепризнанных ценностей, но которые настолько неустойчивы, что распадаются на глазах и вот-вот вовсе рухнут в небытие.

«Завтрак на траве». И. Лубенников. 2013

Иван Лубенников — художник-монументалист — доводит живописные качества своих работ до такой крайности, что они становятся похожи на декоративные плакаты, суть живописи в них теряется («Завтрак на траве»).

 «Иоанн». К. Худяков. 2008

Константин Худяков подобно И. Лубенникову хочет сбежать от живописи. Художник работает в стиле цифровой живописи, особенности которой также ломают живописные устои. Нашему глазу уже не понятно, живопись ли то, что изобраено. С другой стороны визуальные возможности превосходят иллюзионизм «классической» картины («Иоанн»).

 

Альтернативная современная живопись

Так называемая альтернативная живопись – эта третья линия развития. Из известных художников России к ней относятся Владимир Дубосарский и Александр Виноградов, которые работают с 1994 года в дуэте. Как говорят сами художники: «Мы не классические художники-живописцы. Наш метод — поток» И действительно, их живопись отличается отсутствием наболевшего, а тем более возвышенного. Очень часто они берут части известных произведений и связывают их каким-то чересчур праздничным, вакханальным шумом. В этом плане их живопись пуста, как и работы тех, кто следует в том же направлении («Триумф титанов эпохи Возрождения»).

«Триумф Титанов эпохи Возрождения”. Дуэт Дубосарский — Виноградов. 2009

 

Две последних тенденции в живописи современных художников можно объединить под знаком безразличия к духовным исканиям. Такие течения заставляют опасаться за будущее живописи и как следствие за  духовное воспитание человека. Многообразие жанров, техник и стилей рождает огромную массу работ различных по качеству и смыслу. Сейчас среди картин современных художников  не часто можно встретить что-то выдающееся, но если такое происходит, то вряд ли их творчество останется неоценённым подобно произведениям Н. Нестеровой, О. Булгаковой, Д. Иконникова, Л. Наумовой и др.   

 

 

Стили и направления живописи — gugegot — LiveJournal

Число стилей и направлений огромно, если не бесконечно. Стили в искусстве не имеют четких границ, они плавно переходят один в другой и находятся в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает.

Абстракционизм (от лат. abstractio — удаление, отвлечение) — художественное направление в искусстве, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм.

  

Авангардизм, авангард (от фр. avant-garde — передовой отряд) — общее название художественных направлений в искусстве XX века, для которых характерны поиск новых форм и средств художественного отображения, недооценка или полное отрицание традиций и абсолютизация новаторства.

  

Академизм (от фр. academisme) — направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

  

Акционизм (от англ. action art — искусство действия) — хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью.

  

Ампир (от франц. empire — империя) — стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир — финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины «Клятва Горациев» (1784), «Брут» (1789))

  

Андеграунд (от англ. underground — подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т. е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

  

Ар нуво (от фр. art nouveau, буквально — новое искусство) — распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

  

Арт деко (от фр. art deco, сокр. от decoratif) — направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка (1898-1980).

Барокко (от итал. barocco — странный, причудливый или от порт. perola barroca — жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) — художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

  

  

Возрождение, или Ренессанс (от фр. renaissance, итал. rinascimento) — эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи — XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения — светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» — так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515), Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520), Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576), Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516), Альбрехт Дюрер (1471-1528).

  

  

Вудленд (от англ. — лесная земля) — стиль в искусстве, берущий начало в символике наскальных изображений, мифах и легендах североамериканских индейцев.

  

Готика (от итал. gotico — непривычный, варварский) — период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

  

  

Импрессионизм (от фр. impression — впечатление) — направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине XIX века, главной целью которого была передача мимолетных, изменчивых впечатлений.

  

Китч, кич (от нем. kitsch — безвкусица) — термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч — разновидность постмодернизма. Китч — это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

  

  

Классицизм (от лат. classicus — образцовый) — художественный стиль в искусстве, основой которого являлось обращение, как к идеальному эстетическому эталону, к образам и формам античного искусства и эпохи Возрождения, требующий строгого соблюдения ряда правил и канонов.

  

Космизм (от греч. kosmos — организованный мир, kosma — украшение) — художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

  

Кубизм (от фр. cube — куб) — модернистское направление в искусстве, изображавшее предметы действительности разложенными на простейшие геометрические фигуры.

Леттризм (от англ. letter — письмо, послание) — направление в модернизме, основанное на использовании изображений похожих на шрифт, нечитаемый текст, а также композиций на основе букв и текста.

Метареализм, метафизический реализм (от греч. meta — между и геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, основная идея которого выразить сверхсознание, сверхфизическую природу вещей.

  

Минимализм (произошло от англ. minimal art — минимальное искусство) — художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства.

  

Модерн (произошло от фр. moderne — новейший, современный) — художественный cтиль в иcкyccтвe, в котором пepeocмыcливaются и cтилизуются чepты иcкyccтвa paзныx эпox при помощи xyдoжecтвeнных пpиeмов, ocнoвaнных нa пpинципax acиммeтpии, opнaмeнтaльнocти и дeкopaтивнocти.

  

Неопластицизм — одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение «Стиль». Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к «универсальной гармонии», выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

  

  

Примитивизм, наивное искусство, наив — стиль живописи, в котором картина намеренно упрощается, её формы делаются примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека.

  

Оп-арт (от англ. optical art — оптическое искусство) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором эффекты пространственного перемещения, слияния и «парения» форм достигаются введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечением спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

  

Ориентализм (от лат. oriens — восток) — направление в европейском искусстве в котором используются тематика, символика и мотивы Востока и Индокитая

  

Орфизм (от фр. orphisme, от Orp?ee — Орфей) — направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне, Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

  

Поп-арт (от англ. pop — отрывистый звук, лёгкий хлопок) — неоавангардистское направление в изобразительном искусстве, в котором реальностью являются типичные предметы современного урбанизированного быта, образцы массовой культуры и всей окружающей человека искусственной материальной среды

  

Постмодернизм (от фр. postmodernisme — после модернизма) — новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно объединение в рамках одного произведения стилей, образных мотивов и художественных приемов, заимствованных из разных эпох, регионов и субкультур.

Реализм (от лат. геalis — вещественный, действительный) — направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности.

  

Рококо (происходит от фр. rococo, rocaille) — стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

  

  

Символизм (от фр. symbolisme — знак, опознавательная примета) — художественное направление в искусстве, основанное на воплощении основных идей произведения посредством многозначной и многоликой ассоциативной эстетики символов.

  

  

Социалистический реализм, соцреализм — художественное направление в искусстве, представляющее собой эстетическое выражение социалистически осознанной концепции мира и человека, обусловленное эпохой социалистического общества.

  

  

Гиперреализм, суперреализм, фотореализм (от англ. hyperrealism — сверх реализм) — направление в искусстве, основанное на точном фотографическом воспроизведение действительности.

Сюрреализм (от фр. surrealisme — сверх + реализм) — одно из направлений модернизма, основная идея которого выразить подсознание (совместить сон и реальность).

  

Трансавангард (от лат. trans — сквозь, через и фр. avantgarde — авангард) — одно из современных направлений постмодернизма, возникшее как реакция на концептуализм и поп-арт. Трансавангард охватывает смешения и трансформации стилей, родившихся в авангарде, таких как кубизм, фовизм, футуризм, экспресионизм и др.

  

Экспрессионизм (произошло от фр. expression — выразительность) — модернистское направление в искусстве, рассматривающее изображение внешнего мира лишь как средство для выражения субъективных состояний автора.

Направление живописи гиперреализм — презентация онлайн

1. Тема: Гиперреализм

ТЕМА:
ГИПЕРРЕАЛИЗМ
ГИПЕРРЕАЛИЗМ – ЭТО НАПРАВЛЕНИЕ ЖИВОПИСИ,
ПОЯВИВШЕЕСЯ В КОНЦЕ XX СТОЛЕТИЯ, В
КОТОРОМ КАРТИНЫ НАПОМИНАЮТ ФОТОГРАФИИ.
ПОРОЙ НУЖНО ДЕЙСТВИТЕЛЬНО ОЧЕНЬ ХОРОШО
ПРИСМОТРЕТЬСЯ К РАБОТАМ, ЧТОБЫ
ОПРЕДЕЛИТЬ: ПЕРЕД ВАМИ НАХОДИТСЯ ФОТО
ИЛИ ПРОИЗВЕДЕНИЕ ЖИВОПИСИ?
ОБЪЕМ ОБЪЕКТА, СВЕТ И ТЕНЬ, ТЕКСТУРА
МАТЕРИАЛОВ – ВСЕ ЭТО ИЗОБРАЖАЕТСЯ ТАКИМ
СПОСОБОМ, ЧТОБЫ ВЫГЛЯДЕТЬ ЕЩЕ БОЛЕЕ ЯСНО
И ПОДРОБНО, ДАЖЕ ПРЕУВЕЛИЧЕННО В
СРАВНЕНИИ С ОРИГИНАЛОМ.
ИЗОБРАЖЕНИЯ ПРИ ЭТОМ ДОЛЖНЫ ОСТАВАТЬСЯ
УБЕДИТЕЛЬНЫМИ, ПРОСТО НАСТОЯЩАЯ
РЕАЛЬНОСТЬ ПОДМЕНЯЕТСЯ НА ЛОЖНУЮ,
ИЛЛЮЗОРНУЮ.

2. Гиперреализм возник в США в конце 60-х годов и стал заметным событием в мировом изобразительном искусстве. А само слово

ГИПЕРРЕАЛИЗМ ВОЗНИК В США В КОНЦЕ 60-Х ГОДОВ И СТАЛ ЗАМЕТНЫМ
СОБЫТИЕМ В МИРОВОМ ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ. А САМО СЛОВО
«ГИПЕРРЕАЛИЗМ» БЫЛО ПРИДУМАНО ФРАНЦУЗСКИМ КРИТИКОМ ПО ИМЕНИ
ИСА БРАХОТ (ИЗИ БРАШО) В 1973 ГОДУ, КОТОРОЕ СТАЛО ФРАНЦУЗСКИМ
АНАЛОГОМ СЛОВУ «ФОТОРЕАЛИЗМ».
СТИЛЬ ГИПЕРРЕАЛИЗМ НА СЕГОДНЯ СТАЛ ОЧЕНЬ ПОПУЛЯРНЫМ, И АРМИЯ
ЕГО ПОСЛЕДОВАТЕЛЕЙ РАСТЕТ С КАЖДЫМ ГОДОМ. БЛАГОДАРЯ ИНТЕРНЕТУ
МОЖНО УВИДЕТЬ ТЫСЯЧИ ГИПЕРРЕАЛИСТИЧНЫХ РАБОТ И В ГРАФИКЕ, И В
ЖИВОПИСИ. ВСЕ ИМЕНА НАЗВАТЬ НЕВОЗМОЖНО, ПОЭТОМУ НИЖЕ
ПРЕДСТАВЛЕНЫ КАРТИНЫ ВСЕГО ЛИШЬ НЕСКОЛЬКИХ ХУДОЖНИКОВ,
КОТОРЫЕ, ТЕМ НЕ МЕНЕЕ, ЯВЛЯЮТСЯ ОДНИМИ ИЗ САМЫХ
ПРИМЕЧАТЕЛЬНЫХ АВТОРОВ XXI ВЕКА, ПРЕДСТАВЛЯЮЩИХ ГИПЕРРЕАЛИЗМ
В ЖИВОПИСИ.

3. Джейсон де Грааф

ДЖЕЙСОН ДЕ ГРААФ
УВИДЕВ РАБОТЫ ДЖЕЙСОНА ДЕ
ГРААФА ВПЕРВЫЕ, НЕПРОСТО
ПОВЕРИТЬ, ЧТО ЭТО ЖИВОПИСЬ. ЕГО
ГИПЕРРЕАЛИСТИЧНЫЕ МИРЫ –
ТЩАТЕЛЬНО ПРОДУМАННЫЕ
ИЛЛЮЗИИ, СОЗДАННЫЕ С ПОМОЩЬЮ
НЕЖНЫХ МАЗКОВ И СОЗДАЮЩИЕ
ВПЕЧАТЛЕНИЕ САМЫХ НАСТОЯЩИХ
ФОТОГРАФИЙ В ВЫСОКОМ
РАЗРЕШЕНИИ. ОН ПИШЕТ КАРТИНЫ В
ТАКОМ ЖАНРЕ ЖИВОПИСИ, КАК
НАТЮРМОРТ.
КЛЮЧЕВЫМ ЭЛЕМЕНТОМ БОЛЬШЕЙ
ЧАСТИ КАРТИН ЭТОГО ХУДОЖНИКА В
ЭТОМ СТИЛЕ ЯВЛЯЕТСЯ ОТРАЖЕНИЕ:
ОТ СВЕРКАЮЩИХ МЕТАЛЛИЧЕСКИХ
ШАРИКОВ ДО ПОЛИРОВАННЫХ
ХРУСТАЛЬНЫХ ЧЕРЕПОВ.
ХУДОЖНИК ИСПОЛЬЗУЕТ ВСЕ
ВОЗМОЖНОСТИ ПРАВДИВО
ИЗОБРАЗИТЬ ОБЪЕМ ПРЕДМЕТОВ И
СДЕЛАТЬ ИХ «ЖИВЫМИ» ЗА СЧЕТ
ТОЧНОЙ ПЕРЕДАЧИ ТЕНИ И СВЕТА. ЕГО
ЦЕЛЬЮ НЕ ЯВЛЯЕТСЯ ЗАПЕЧАТЛЕТЬ
ПРЕДМЕТЫ ТАКИМИ, КАКИЕ ОНИ ЕСТЬ
НА СТО ПРОЦЕНТОВ, А СОЗДАТЬ
НЕКУЮ ИЛЛЮЗИЮ ГЛУБИНЫ И
ОЩУЩЕНИЯ ПРИСУТСТВИЯ, КОТОРОГО
В ФОТОГРАФИЯХ НЕ ВСТРЕТИТЬ.

5. Марко Грасси

МАРКО ГРАССИ
ЭТО ЕЩЕ ОДИН АВТОР В СТИЛЕ
ГИПЕРРЕАЛИЗМ, ЧЬИ РАБОТЫ
ПОРАЖАЮТ СВОЕЙ РЕАЛИСТИЧНОСТЬЮ
И ЗАСТАВЛЯЮТ МНОГИХ ПРИГЛЯДЕТЬСЯ
К НИМ ЕЩЕ РАЗОК. ЕГО КАРТИНЫ
НАСТОЛЬКО ДЕТАЛИЗИРОВАНЫ, ЧТО
ДЕЙСТВИТЕЛЬНО ИМЕЮТ КАЧЕСТВО
ФОТОГРАФИЙ.
РАБОТЫ ГРАССИ – ЭТО ЧУВСТВЕННЫЕ
ПОРТРЕТЫ МОДЕЛЕЙ, ЗАСТЕНЧИВО
ГЛЯДЯЩИХ В СТОРОНУ ОТ КАМЕРЫ.
В НИХ ЧАСТО ДОБАВЛЕН КАКОЙ-ТО
СЮРРЕАЛИСТИЧЕСКИЙ ЭЛЕМЕНТ,
КОТОРЫЙ БУДТО ВПЛЕТАЕТСЯ В
ПОРТРЕТ. НАПРИМЕР, ЭТО МОЖЕТ
БЫТЬ УЗОР, КОТОРЫЙ НАРИСОВАН
ИЛИ ВЫРЕЗАН НА КОЖЕ МОДЕЛИ.
КСТАТИ, КОЖА ДЕВУШЕК НА
ПОРТРЕТАХ – ОТДЕЛЬНАЯ ПРИЧИНА
УВИДЕТЬ ЭТИ РАБОТЫ, ОНА
КАЖЕТСЯ ИДЕАЛЬНОЙ И
БАРХАТНОЙ, И ПРИСМОТРЕВШИСЬ,
ЗРИТЕЛЬ СМОЖЕТ РАЗГЛЯДЕТЬ
КАЖДУЮ ВЕСНУШКУ ИЛИ ПОРУ НА
ЛИЦАХ.

7. Род Чейз

РОД ЧЕЙЗ
КАК ОДИН ИЗ ЛУЧШИХ И НАИБОЛЕЕ
УЗНАВАЕМЫХ ХУДОЖНИКОВГИПЕРРЕАЛИСТОВ НАШЕГО ВРЕМЕНИ,
РОД ЧЕЙЗ ЗАСЛУЖИЛ ОГРОМНОЕ
УВАЖЕНИЕ СВОИХ КОЛЛЕГ И ОБОЖАНИЕ
МНОЖЕСТВА КОЛЛЕКЦИОНЕРОВ.
КАЖДАЯ КАРТИНА, СНЯТАЯ С ЕГО
МОЛЬБЕРТА – ШЕДЕВР, СОЗДАННЫЙ
БЛАГОДАРЯ ТЩАТЕЛЬНОМУ
ИССЛЕДОВАНИЮ ОБЪЕКТА ЖИВОПИСИ И
ЕГО МНОГОЧИСЛЕННЫМ ФОТОГРАФИЯМ.
ЭТОТ ПОДХОД К НАПИСАНИЮ КАРТИН И
ПРИВЕЛ К НЕВЕРОЯТНОМУ КАЧЕСТВУ
КАЖДОЙ РАБОТЫ ЧЕЙЗА.
ХУДОЖНИК НАПИСАЛ МНОЖЕСТВО
КАРТИН В СТИЛЕ ГИПЕРРЕАЛИЗМ С
ПЕЙЗАЖАМИ И ЗНАМЕНИТЫМИ
МЕСТАМИ ГОРОДОВ НЬЮ-ЙОРКА И
ВАШИНГТОНА, ШТАТОВ КОЛОРАДО
И КАЛИФОРНИИ, ТАКИХ СТРАН
ЕВРОПЫ, КАК ИТАЛИЯ,
ВЕЛИКОБРИТАНИЯ, И ДРУГИХ. В
ПОИСКАХ ИНТЕРЕСНЫХ ЛОКАЦИЙ И
ФОТОГРАФИЙ ОН ЛИЧНО
ПУТЕШЕСТВОВАЛ ПО ВСЕМ ЭТИМ
МЕСТАМ. ЧЕЙЗ ГОВОРИТ, ЧТО,
БУДУЧИ ГИПЕРРЕАЛИСТОМ, ОН
СИЛЬНО ЗАВИСИТ ОТ ПОИСКА
ХОРОШЕГО МАТЕРИАЛА ДЛЯ
КАЖДОЙ КАРТИНЫ.
КАРТИНЫ ЧЕЙЗА, В ОСНОВНОМ,
ВЫПОЛНЕНЫ АКРИЛОМ НА
ХОЛСТЕ. ХУДОЖНИК ТРАТИТ
СОТНИ ЧАСОВ НА СОЗДАНИЕ
КАЖДОЙ РАБОТЫ С ЦЕЛЬЮ
ПРЕДСТАВИТЬ СВЕЖИЙ,
ЭЛЕГАНТНЫЙ И УНИКАЛЬНЫЙ
ПОДХОД К УЖЕ ЗНАКОМЫМ
ОБЪЕКТАМ.
И ДЕТАЛИЗАЦИЯ, И НАСТРОЕНИЕ
ЕГО КАРТИН ОДИНАКОВО
ВПЕЧАТЛЯЮТ.

Внутренняя покраска Шаг 2: Покраска потолка

Необходимое время:

2 часа для спальни среднего размера

Список оборудования:

Материалы:

• Высококачественная латексная «краска для потолка», 1 галлон, матовый блеск, для спальни среднего размера; используйте краску для стен из яичной скорлупы, если вы хотите слегка блестящий потолок, который можно чистить.

Готовы покрасить потолок? Первый шаг — убедиться, что все убрано с вашего пути, чтобы вы не споткнулись об него, глядя в потолок! Тогда это просто вопрос разрезания (окантовки) и прокатки.Вы можете добиться отличных результатов, если будете следовать этим инструкциям.

Инструкции

Сначала откройте галлон краски и вылейте 3/4 ее объема в 5-галлонное ведро с роликовой рампой в нем. Я рекомендую не использовать валик, потому что на него легко наступить, а валик просто не удерживает достаточно краски, чтобы выполнить работу, не останавливаясь для пополнения, чего вы бы предпочли не делать, потому что не хотите давать потолок в любое время, чтобы начать просыхать до того, как вы закончите прокатывать потолок — другими словами, важно сохранять «мокрый край», когда вы прокатываете потолок.Так что выкатывайтесь из 5-галлонного ведра с роликовой рампой. ПРИМЕЧАНИЕ: Разливы и большие капли могут протекать через брезентовую ткань. Сразу протрите их тряпкой.

 

 

В банке с краской должно остаться около 1/4 галлона. Возьмите это и свою кисть и обрежьте край потолка по всей комнате. Отрежьте полосу около 4 дюймов от потолка — этого достаточно, чтобы вы могли приблизиться к катку. Если стены будут другого цвета, вам нужно всего лишь нанести потолочную краску на стену примерно на 1 дюйм.Но убедитесь, что вы делаете это. Не оставляйте ни одну часть потолка неокрашенной.

 

Конечно, если стены будут того же цвета, что и потолок, вам нужно будет зачистить стену примерно на том же расстоянии, что и потолок — около 4 дюймов. По мере продвижения будьте осторожны, чтобы всегда «откладывать» последний мазок кисти обратно на мокрый край, прежде чем переходить к следующему разделу. Это помогает вашим мазкам кисти всегда сливаться вместе и предотвращает появление «стартовых меток», которые становятся полосатыми и некрасивыми.Смотрите видео для получения дополнительной информации о том, как отступить на мокрый край.

 

После того, как вы закончите обход всей длины потолка, очистите все осветительные приборы или что-либо еще на потолке. Опять же, просто закрасьте около 4 дюймов и не оставляйте кистью никаких следов начала или остановки.

 

Теперь пора ехать. Вам понадобится роликовый чехол на роликовой ручке. Вам также понадобится крепкая выдвижная роликовая опора. Роликовое покрытие 1/2 дюйма подойдет для большинства текстурированных потолков, но потолки с попкорном намного проще, если вы используете покрытие 1 1/4 дюйма.Первое, что вам нужно решить, это то, в каком направлении вы собираетесь катиться. Вы хотите, чтобы он был последовательным на всем потолке. Большинство людей согласны с тем, что лучшая стратегия — катиться к (параллельно) преобладающему источнику естественного света, например, большому окну. Это предотвращает появление линий роликов. Если катить перпендикулярно преобладающему источнику света, линии ролика могут создать легкую тень.

 

Все это говорит о том, что роликовые линии могут возникнуть только на гладких потолках. Текстурированные потолки вряд ли будут иметь какие-либо линии, особенно если вы используете краску для плоского потолка. В любом случае выберите направление, затем идите в самый левый передний угол комнаты. Трудно описать, как лучше всего наносить краску — смотрите видео, — но суть в том, что это состоит из двух этапов: нанесение краски (я называю это «нанесение»), а затем разглаживание с помощью последний бросок (я называю это «откладыванием»).

 

Накладывать и складывать нужно по частям по ходу дела, чтобы ничего не успело высохнуть.Другими словами, вы все время сохраняете «мокрый край». Это означает, что вы никогда не прикасаетесь к краске, которая успела высохнуть, потому что если да, то, по сути, это похоже на прикатывание второго слоя краски, и вы можете получить следы наложения. Если есть возможность, лучше всего делать ваши валиковые мазки на всю ширину потолка.

 

Однако часто потолок слишком широк, чтобы сделать это без «прогулки» валика по нему, что я не рекомендую, потому что трудно удерживать постоянное давление на валик во время ходьбы. В видео я показываю, как разделить комнату на левую и правую стороны и делать это по половине, всегда откладывая последние штрихи к середине, чтобы они сливались вместе. Мне нравится делать это на любом потолке шире 10 или 12 футов, потому что мне всегда нравится перекатываться из стационарного положения.

 

Хорошо! После того, как вы прокатали потолок, вам нужно дать ему высохнуть не менее часа, прежде чем вы сможете приступить к шагу 3: покраске стен. Два часа лучше. Вы не хотите, чтобы краска для стен «реактивировала» краску для потолка, когда вы вырезаете (окантовываете) потолок.Лучше дождаться полного высыхания потолка.

Инструкции по покраске ткани

НАЧАЛО РАБОТЫ

Скорее всего, на эту страницу вас привела любовь к цвету, узорам и желание творчески подходить к тканям для дома и гардероба. В Dharma Trading Co. вы найдете прекрасный выбор продуктов, которые позволят вам создавать оригинальные дизайны с помощью красок и красителей для ткани на невероятном количестве тканей, одежды и заготовок для аксессуаров. Даже самый простой дизайн может превратить белый шарф или наволочку в красивый, единственный в своем роде оригинал!

Существует две основные категории красителей для тканей: красители и краски. Красители Dharma для тканей предназначены для натуральных волокон (целлюлозы и протеинов, таких как хлопок, вискоза, конопля, тенсель, шелк, шерсть, перья и т. д.), и один из наших красителей также может окрашивать нейлон. Красители дают более яркие цвета, чем краски, и для их закрепления требуются химикаты или обработка паром.Они на самом деле химически связываются с волокнами и в результате не оставляют на ткани никакой жесткости. С ними сложнее работать, чем с красками для ткани, и они требуют большей осторожности при обращении (например, пылезащитная маска, резиновые перчатки и надлежащая вентиляция). Нажмите здесь, чтобы увидеть наш выбор красок для ткани.

Краски для ткани Dharma представляют собой пигменты, взвешенные в акриловой среде. Их можно использовать со всеми натуральными волокнами и большинством синтетических материалов. Они нагреваются утюгом, чтобы сделать их постоянными.У нас также есть безтермический фиксатор Versatex, который устраняет необходимость термофиксации утюгом, но требует 4-6 дней для отверждения. Краски для ткани на самом деле ложатся поверх волокон, и в результате они несколько делают ткань более жесткой, но это менее заметно на более тяжелых тканях, чем на более легких. Нажмите здесь, чтобы увидеть наш выбор красок для ткани.

Когда вы поместите кисть, наполненную красителем или текучей/разбавленной краской, на ткань, вы увидите, как цвет перемещается и растекается по ткани. Он лучше распределяется по более легким тканям, таким как шелк, чем по более тяжелым тканям, таким как хлопок.Иногда это может быть не тот эффект, который вы ищете! Существует множество способов управления потоком цвета:

 

1. Guttas, водорастворимые резисты или воск: они используются, когда желательна четкая графика или дизайн. Их можно красить, штамповать или наносить с помощью аппликатора и тонкого наконечника. Резист после высыхания создает барьер, который удерживает и блокирует цвет. Затем резист удаляется после того, как деталь была окрашена в цвет и правильно закреплена.Область, где был резист, будет исходным цветом ткани (белым, если вы начали с белого куска). Нажмите здесь, чтобы увидеть наши многочисленные гутты, резисты и воски. Техники сопротивления часто используются при рисовании по шелку. Нажмите здесь, чтобы узнать больше о росписи по шелку.
2. Останавливающие, нетекучие грунтовки и антифузаторы: Если вы хотите, чтобы краситель или краска оставались точно там, где вы их нанесли, а не растекались и не двигались, вы можете покрыть ткань грунтовкой, дать ей высохнуть, а затем раскрась свой дизайн.По сути, вы заставляете свою поверхность вести себя больше как бумага, чем как ткань. Затем вы устанавливаете свои красители или краски соответствующим образом, а затем смываете грунтовку. Есть продукты с остановкой потока, которые можно использовать с красителями, и другие, которые можно использовать с красками. Убедитесь, что у вас есть подходящий! Нажмите здесь, чтобы увидеть наши продукты для остановки потока.
3. Загущенные красители: Вы можете загущать красители, чтобы они вели себя как краски. Загущенные красители имеют идеальную консистенцию для методов прямого нанесения, таких как штамповка, печать и трафаретная печать.Dharma предлагает два продукта-загустителя для красителей для тканей: альгинат натрия, натуральный продукт, полученный из морских водорослей, и Superclear, синтетический загуститель. При необходимости краску для ткани можно загустить загустителем Setacolor. Пигментный краситель Dharma можно загустить с помощью загустителя пигментного красителя. Важно использовать загуститель, соответствующий используемому красителю или краске.

 

ТЕХНИКА И МАТЕРИАЛЫ
Мы рекомендуем начать с простого! Основные расходные материалы, которые вам понадобятся, — это краска или краска, ткань или одежда/аксессуары для рисования, а также кисти, губки или штампы для нанесения цвета. Работа с тканевыми красками, а не с красителями, является хорошим началом для новичков. Хорошей тканью для практики будет хлопчатобумажная ткань с принтом или отбеленный муслин; отличным первым проектом может быть украшение футболки, роспись шарфа или печать на большой сумке.

Замечательные изделия можно создать, используя кисть и банку с краской, но вы можете попробовать и другие способы создания узоров и окрашивания ткани. Вы найдете полезные инструкции и списки материалов для каждой техники, посетив следующие стартовые страницы:

Батикинг — это техника, при которой расплавленный воск наносится кистью или аппликатором на ткань, чтобы противостоять краскам или краскам, которые наносятся после воска.Красители или краски просачиваются в потрескавшийся воск, что приводит к красивым эффектам потрескивания. Для принадлежностей для батика нажмите здесь.

Роспись по шелку — это техника, при которой красители или краски наносятся на натянутый шелк, часто после нанесения гутты или резиста. Красивые акварельные эффекты могут быть достигнуты и усилены добавлением соли, водяных знаков и спирта. Для товаров для рисования по шелку нажмите здесь.

Мраморность — это техника, при которой краски капают в подготовленную ванну, что позволяет цветам плавать на поверхности.Цвета превращаются в завихрения и узоры, а затем ткань кладут на поверхность ванны, чтобы подобрать узоры. Чтобы узнать о расходных материалах для мраморирования, нажмите здесь.

Штамповка — это метод печати, включающий нанесение краски на вырезанную или вырезанную форму и нанесение изображения на поверхность. Для материалов для штамповки нажмите здесь.

Трафаретная печать (также называемая шелкографией) — это метод печати с использованием трафаретной сетки с мелкими ячейками, закрепленной в деревянной раме. Чернила выдавливаются через трафарет на сетку экрана с помощью ракеля для печати на ткани.Для выбора расходных материалов для трафаретной печати нажмите здесь.

Солнечная роспись — это техника, выполняемая красками Setacolor, при которой на ткань наносится разбавленная краска, объект (лист, кружево и т. д.) помещается поверх влажной краски, а изделие размещается под прямыми солнечными лучами или под фонарь. После высыхания объект удаляется, а область под ним становится белой! Для выбора материалов для загара нажмите здесь.

У нас есть множество стартовых наборов для начала работы: от красок для галстуков до рисунков на солнце. У нас также есть наборы красок и мини-наборы для конкретных марок красок, которые позволяют вам попробовать различные цвета одного типа краски.Нажмите здесь, чтобы увидеть наш выбор стартовых наборов и наборов красок.

Tie Dyeing — это техника сопротивления, при которой ткань связывается шнуром или лентами перед нанесением краски или краски. Области с полосами сопротивляются цвету, что приводит к интересным узорам. Чтобы узнать о расходных материалах для галстуков, нажмите здесь.

КНИГИ У нас есть потрясающий выбор книг для вдохновения и обучения. Если вы не уверены, в каком направлении хотите двигаться, общая книга по различным техникам даст вам множество идей, например, «Сложная ткань» Джейн Данневолд. В нашем разделе книг вы найдете нужную книгу для интересующей вас техники.

Лаванда :: новая картина и новое направление

Кажется, я уже где-то упоминал, что недавно у меня было арт-прозрение о моем личном художественном процессе и о том, какие картины я хочу делать сейчас. {У меня новогодний мозг, это официальная вещь, которая случается, когда вы слишком увлечены всей новизной и возможностями и не можете ясно мыслить или что-то помнить.}

Эта картина, которой я делюсь сегодня, — первая картина, которую я нарисовал на холсте с тех пор, как понял, что она действительно отражает то, что я себе представлял.В то же время это похоже на шаг к подножию невероятно высокой горы; это правильное направление, но я знаю, что мне нужно многому научиться, прежде чем я почувствую, что действительно воплотил его. Суть в том, что чувствует себя очень хорошо . Это ключ. Я знаю, что это правильно, потому что я это чувствую.

По фотографиям видно, что начинался он как триптих, а может быть, и останется триптихом к концу, но именно это полотно я закончил в первую очередь. Я выбрал цвета, которые мне нравятся ~ бирюзовый, синий, серый пейн, желтый неаполитанский и гессо, и это все, что я использовал, хотя я смешивал их вместе самыми разными способами, чтобы получить прекрасные мягкие оттенки, а также используя отдельные цвета.

 

В основном я продолжал рисовать три холста вместе, перемещаясь между ними, добавляя каждый цвет к формам и нескольким линиям, как мне нравилось. Затем я застрял, и мне пришлось прислушиваться к советам, что привело меня к переворачиванию холстов, добавлению различных типов меток и поиску фигур, которые я хотел вытащить. {Я все это знаю, просто забыл. И я даже не могу винить в этом New Year Brain, так как это происходит круглый год.} И тогда я решил просто сосредоточиться на одном, так как у меня была идея для него.

Я видел цифру; Сначала я безрассудно думал, что сделаю это из своего воображения, но это была катастрофа {см. два изображения выше}, а также момент, когда я понял, что теперь я всегда буду использовать эталонное изображение при рисовании фигуры. В этом случае я нашел очень простой рисунок из уроков рисования, которые я посещал, и работал с ним. На изображении выше вы можете увидеть, как я переработал фигуру катастрофы, нарисовав грубый «набросок» той формы, которую хотел, взяв ее с карандашного рисунка.

Это было намного лучше, и я намеренно исказил его, потому что мне очень нравится играть с этой чертой в фигуративных картинах. Я также включил другие вещи, которые я люблю делать, такие как рисование в краске другим концом кисти, и я просто продолжал делать отметки и наращивать области цвета. Мне пришлось поработать и переработать фон, но все эти слои внесли свой вклад в целое, и я очень доволен конечным результатом. Я назвал ее Лаванда.

Лаванда

Роспись потолка Сикстинской капеллы Микеланджело – итальянский ренессанс.орг

Микеланджело, Потолок Сикстинской капеллы, 1508-1512, фреска

Сикстинская капелла является одним из самых известных расписных интерьеров в мире, и практически вся эта слава связана с захватывающей дух росписью потолка примерно с 1508 по 1512 год. Часовня была построена в 1479 году под руководством Папы Сикста IV, который дал ей свое имя («Сикстинская» происходит от «Сикст»). Расположение здания очень близко к базилике Святого Петра и двору Бельведер в Ватикане.Одной из функций этого пространства было служить местом сбора кардиналов католической церкви для избрания нового папы. Он и сегодня используется для этой цели, в том числе на недавних выборах Папы Франциска в марте 2013 года.

Сикстинская капелла до потолочной фрески Микеланджело

Первоначально сводчатый потолок Сикстинской капеллы был окрашен в синий цвет и покрыт золотыми звездами. Стены были украшены фресками разных художников, таких как Пьетро Перуджино, который изобразил Христа, доставляющего ключи Св.Петра там в 1482 году.

В 1508 году папа Юлий II (годы правления 1503–1513) нанял Микеланджело для росписи потолка часовни, вместо того, чтобы оставить его таким, каким он был. До этого времени Микеланджело получил известность благодаря своей работе скульптора, работая над такими великими произведениями, как Пьета и Давид. Однако его не очень ценили за работу кистью. Согласно Вазари, причина, по которой Юлий поручил Микеланджело такое высокое задание, заключалась в подстрекательстве двух его художественных соперников, художника Рафаэля и архитектора Браманте.Вазари говорит, что они оба надеялись, что Микеланджело потерпит неудачу, поскольку он был менее привычен к рисованию, чем к лепке, или, альтернативно, он настолько разозлится на Юлия, что захочет вообще уехать из Рима.

Микеланджело, Ной и Всемирный потоп, Потолок Сикстинской капеллы

Однако вместо того, чтобы упасть лицом вниз, Микеланджело взялся за создание одного из шедевров западного искусства. Программа потолка, которая, вероятно, была сформулирована с помощью богослова из Ватикана, сосредоточена вокруг нескольких сцен из Ветхого Завета, начиная с Сотворения мира и заканчивая историей Ноя и потопа.Картины ориентированы таким образом, чтобы смотреть на них с правой стороны, зритель должен стоять лицом к алтарю на дальней стороне алтарной стены. Последовательность начинается с Творения над алтарем и продвигается к входу в часовню на другой стороне комнаты.

Микеланджело начал рисовать в 1508 году и продолжал до 1512 года. Он начал с фрески Ноя (вход в часовню), но когда он закончил эту сцену, он убрал леса и взял то, что он закончил.Понимая, что фигуры слишком малы, чтобы служить своей цели на потолке, он решил использовать более крупные фигуры в своих последующих сценах с фресками. Таким образом, по мере того, как картины перемещались к алтарной стороне часовни, фигуры становились больше, а также более выразительными в движении. Две самые важные сцены на потолке — это его фрески «Сотворение Адама» и «Падение Адама и Евы/Изгнание из сада».

Чтобы обрамить центральные сцены Ветхого Завета, Микеланджело нарисовал фиктивную архитектурную лепнину и поддерживающие статуи по всей длине часовни.Они были окрашены в цвет grisaille (серовато-монохромный цвет), что придавало им вид бетонных светильников.

Под выдуманной архитектурой скрываются ключевые наборы фигур, раскрашенных в рамках программы потолка. Эти фигуры располагаются в треугольниках над арочными окнами, между треугольниками сидят более крупные фигуры. В первую группу входят люди Ветхого Завета, такие как Давид, Иосия и Иесей, — все они считались частью человеческого предка Христа.Они дополняли портреты пап, которые были нарисованы ниже на стенах, поскольку папы служили наместниками Христа. Таким образом, связи со Христом — как до, так и после — воплощены в этих картинах, которые начинаются на потолке и продолжаются на стенах.

Фигуры между треугольниками включают в себя два разных типа фигур – ветхозаветных пророков и языческих сивилл. Гуманистам эпохи Возрождения была бы знакома роль сивилл в древнем мире, которые предсказывали приход спасителя.Для христиан шестнадцатого века это языческое пророчество истолковывалось как исполнившееся в приходе Христа на землю. Поэтому и пророки Ветхого Завета, и классической культуры пророчествовали об одном и том же грядущем Мессии и изображены здесь. Одна из этих сивилл, Ливийская Сивилла, особенно примечательна своей скульптурной формой. Она садится на одежду, лежащую на сиденье, и изгибается, чтобы закрыть книгу. Ее вес приходится на пальцы ног, и она смотрит через плечо вниз, в сторону алтаря в часовне.Микеланджело заставил сивиллу реагировать на среду, в которой она находилась.

Говорят, что когда Микеланджело рисовал, он, по сути, рисовал скульптуру на своих поверхностях. Это явно относится к потолку Сикстинской капеллы, где он нарисовал монументальные фигуры, олицетворяющие силу и красоту.

Инструкции по покраске — Lancaster

Часов работы студии:

Воскресенье 11:00 — 18:00 понедельник 11:00 — 19:00 вторник 11:00 — 19:00 среда 11:00 — 19:00 Четверг 11:00 — 19:00 Пятница 10:00 — 20:00 Суббота 10:00 — 20:00

Мы принимаем ТОЛЬКО без приглашения (если позволяет место). Наборы «To-Go» по-прежнему доступны для раскрашивания дома. Pottery свяжется с вами в течение 7-10 РАБОЧИХ ДНЕЙ (до 2 недель). Спасибо за вашу постоянную поддержку нашего малого бизнеса!

Инструкции по покраске — Гаражные ворота Martin

60-минутные инструкции по покраске, герметизации или изменению цвета вашей стальной двери

 

Когда стальная дверь установлена ​​и находится в закрытом положении, покрасьте только наружную поверхность двери.Нет необходимости красить секции ворот по краям, стыкам и внутри, как это требуется для новой деревянной двери. Краска не может высыхать между швами. Один слой краски должен покрыть, если стальная поверхность подготовлена ​​должным образом. Это делается путем очистки и легкой шлифовки, как показано в шагах 1, 2 и 3. Поскольку новая краска наносится на устойчивую окрашенную поверхность, новая краска должна прослужить много лет. Для медных дверей может потребоваться частое повторение прозрачного герметика. Мы рекомендуем не красить медные двери и позволить им красиво стареть.

Ваш местный магазин красок сообщит вам о типе и качестве краски для покупки. Соблюдайте любые дополнительные инструкции на банке с краской, особенно надлежащий температурный режим и вентиляцию.

ПРИМЕЧАНИЕ. Можно обновить внешний вид старой двери без повторной покраски, используя продукт для обновления Martin, который может свести к минимуму окисление и восстановить отделку без повторной покраски.

 

Шаг 1 – 10 минут – Закройте дверцу, затем промойте ее мягким моющим средством, чтобы удалить грязь, масло или пыль.

ПРИМЕЧАНИЕ:  Дилеры Martin Door обучены правильному снятию и повторному креплению пальцевых щитков без повреждений. Их нужно красить отдельно. После того, как дверь и напальчник покрашены и высохли, снова прикрепите напальчники.

Этап 2 – 5 минут – Смыть водой. Процесс промывки необходим для того, чтобы новая краска прилипла к поверхности.

ИЛИ Шаги 1 и 2 – 10 минут – Протрите дверь качественным растворителем для краски.

Шаг 3 – 10 минут – Когда дверь полностью высохнет, слегка отшлифуйте ее. Процесс шлифования необходим для того, чтобы новая краска прилипла к поверхности.

Шаг 4 – 15 минут – Стряхните пыль, затем поднимите дверь. Поместите защитную крышку на косяки, коллектор и пол.

Шаг 5 – 20 минут  – Закройте дверцу и покрасьте любой качественной краской или прозрачным герметиком. Окрашивайте только открытые внешние поверхности. Пистолет-распылитель обычно наносит более ровный слой.

советов по Васту, как повесить картины для получения положительного эффекта |

Очень важно понимать, что Васту установил множество норм, правильное соблюдение которых может оказать большое положительное влияние на вашу жизнь, но если эти нормы не соблюдать, готовьтесь к огромным несчастьям.
Говоря об этом же, Васту сформулировал некоторые правила относительно идеального расположения семейных фотографий и выставочных картин. Васту определил некоторые направления и места, где эти картины и картины могут иметь максимальный положительный или отрицательный эффект.
Вот несколько советов о направлении и расположении картин и картин для максимального положительного эффекта:
• Всем нравится, когда их семейные фотографии вывешиваются у них дома. Лучшее место для размещения этих картин — юго-западная стена, так как такое расположение укрепляет связь и гармонию между отношениями. Не рекомендуется размещать семейные фотографии в восточном или северном углу дома.
• Если в вашей картине главным элементом является вода, то самое подходящее место для размещения таких картин – северная стена вашего дома.Точно так же картину и картины с огнем в качестве основного элемента следует располагать только на южной стене.
• У всех нас есть привычка вешать фотографии наших покойных членов семьи на стены или в молитвенных залах. Это строго запрещено нормой Васту. Если вы хотите разместить в своем доме картины ваших покойных предков, размещайте их только на южных стенах.
• Картины и картины, изображающие зло, одиночество и горе, нельзя вешать на стены дома. Считается, что эти картины приносят негативное влияние на семью.
• Абстрактные картины, не имеющие очевидного смысла и сбивающие с толку, не должны висеть у вас дома. Эти картины создают путаницу и стресс для людей, живущих в доме.
• Никогда не вешайте фотографии своих близких на северо-восточную стену дома.
• Картины, изображающие гнев, обычно вызывают беспокойство и перепады настроения у заключенных, поэтому их не следует размещать на стенах.
• Картины и рисунки с изображением фруктов приносят в ваш дом энергию ци, поэтому рекомендуется повесить в столовой картины с изображением различных фруктов или вазы с фруктами.
• В вашем доме всегда должны быть красивые и яркие изображения.
• Если вы повесили дома картину с изображением птиц, постарайтесь сделать ее с парными птицами. Считается, что такие картины приносят гармонию в дом.
• Избегайте неприятных изображений животных в вашем доме.