День: 18.11.1984

ЭССЕ по картине Натюрморт «Натюрморт. Рыбы» был написан Ильёй Машковым в 1910 году. Он рисовал на формате приближонный к прямоугольнику. Работал художник в стиле Авангард, поэтому на картине бликов и теней почти нет. Стиль живописи станковая. Эта работа была сделанна маслянными красками, и художник при этом использовал вертикальные и горизонтальные мазки. Нарисована эта картина была в жанре Натюрморт. Художник использует сочетание желтого, синего, охристого и красного цветов. В этом натюрморте доминирует рыба, от чего и пошло рыбное название. На первом плане картины мы видим разные овощи, похожих на тыкву. Далее на втором плане мы можем наблюдать рыбу, висящую на веревках, а левее рыбы лежит кочан белой капусты. Рыба у нас висит на стене, т.к. это натюрморт. На картине хорошо видны мазки кисти, которые интересно разглядывать. Думаю, эта картина очень понравится тем, кто не боится не идеала, а я отношусь именно к этим людям. Картина «Натюрморт.Рыбы»оказалась для меня очень красивой и интересной, и я надеюсь,что хоть еще один раз, но все равно увижу ее в своей жизни.

12 лет

Картина «Моя дочь Ия» была написана Николаем Фешином. Николай Фешин (1881 — 1955) родился в Казани, в семье известного резчика иконостасов Ивана Александровича Фешина. Русский художник, график, живописец, резчик, представитель импрессионизма и модерна. Он окончил Высшее художественное училище при Императорской Академии художеств в мастерской И. Е. Репина, в дальнейшем вернулся в Казань и преподавал в Казанской художественной школе, ныне носящей его имя. Формат этой картины приближён к квадрату . Картина «Моя дочь Ия» принадлежит к станковому виду живописи, выполненная масляными красками. Николай Фешин писал необычной техникой. Порой он отказывался от кисти, пользуясь в некоторых местах мастихином . Краска кладётся на холст тонким, почти прозрачным слоем, что придаёт его работам мягкость . Произведение написано в сочетании двух жанров: натюрморт и камерны портрет. Автор пробовал себя в разных жанрах живописи, но прежде всего он- неповторимый мастер портрета. На картине «Моя дочь Ия» , изображена дочь Николая Фешина. У неё светло- русые волосы, тонкие черты лица и на ней надето легкое белое платье. Ия сидит за столом и чистит гранат . На картине главное внимание приковывает девушка , но натюрморт играет не мало важную роль. На столе находится многообразие овощей и фруктов. Передний план написан светлыми цветами красок и более пастельными. Второй же план, уже более яркий . Полотно написано пастозно, густыми мазками . Композиция вписана в квадрат и на данную картину мы смотрим немного выше уровня горизонта Глядя на картину «Моя дочь Ия», я начинаю чувствовать спокойствие и умиротворение и одиночество.

13 лет

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ИВАН ХРУТСКИЙ «ГРИБЫ, ОВОЩИ И РЫБА» Картина была написана в 1838 году. Это станковая живопись, художник писал масляными красками. Хрутский очень точно прорисовывать мельчайшие детали и благодаря этому натюрморт выглядит очень реалистично. На картине расположен ящик со свежими грибами, только что сорванными. Рядом лежат приготовленные овощи, а на переднем плане рыба Натюрморт написан в тёплых, желто-оранжевых тонах. Свет освещает предметы слева. На некоторых грибах есть блики, но большинство, из-за шершавой поверхности, их не имеют. Лежащая справа, чуть сморщенная морковка расположена параллельно краю ящика. В верхнем правом углу плане пространство заполняет красноватый, слабо освещенный кувшин, у которого виден лишь край. Слева от ящика выпавший оттуда гриб и серебряная монетка. На переднем плане, рыба, сверкающая чешуей. Все цвета на картине повторяются. Белые ножки грибов — белый живот рыбы, серебряная монета — серебряные чешуйки и так далее. Поверхность стола гладкая, в отличии от неровной поверхности грибов, овощей и рыбы. Доминирующей предметной картине — ящик с грибами. Мы смотрим на натюрморт выше линии горизонта. На картине есть точка, где сходятся линия стола и ближний край плетеного лукошка. Смотря на картину, я буквально чувствую запах только что сорванных ещё неочищенных от земли грибов. Мне кажется, что все предметы на картине можно взять в руки они очень детализированы. Натюрморт вызывает у меня ассоциации с осенью, и пахнущем прелой листвой осенним лесом Мне нравится эта картина. Я бы хотела научиться писать подобные, передавая всю красоту окружающего мира.

12 лет

ЭССЕ К КАРТИНЕ ДМИТРИЯ ЖИЛИНСКОГО «ЛЕТНИЙ НАТЮРМОРТ» Когда я впервые увидела незнакомую мне картину, мой взгляд невольно остановился, мне не хотелось его переводить дальше. На картине был яркий и красивый натюрморт и я замерла, словно завороженная ее магией. Автор этой замечательной картины современный живописец Дмитрий Жилинский. Я была впечатлена и очарована его стилем работы. Художник написал картину маслом, и я считаю, что для этого произведения масло — это самый подходящий вид художественного материала. Вид живописи у этой яркой картины станковый, что идеально выражает ее особенность. Размер произведения 48*60 см. Натюрморт у художника получился цветочный, и здесь точно видна кисть настоящего профессионала! Картина сама очень яркая, живая и мне очень нравится эта смесь синего и зеленого цветов фона. Ягоды, лежащие на тарелке сильно контрастируют на нем. Это усиливает общее радостное впечатление. Колорит всей работы холодный, но есть теплые элементы. На вазе с цветами можно увидеть блики. Смотрим мы на картину чуть выше линии глаз. Художник очень хорошо воспользовался пространством, поместил и большой букет полевых цветов, и с ягоды с огурцом все очень гармонично и ненавязчиво. Свободного места на картине нет и это выглядит очень наполнено! Также впечатляет большой букет, его цветы как будто немного выходят за холст, и создается ощущение, что мы можем потрогать эти нежные васильки. Уравновешенность цветов в картине прекрасная. В работе присутствует повторение колорита и цвета. Мельчайшие детали тщательно проработаны, можно увидеть мелкие точки не огурце и четкую прорисовку каждого лепесточка всего букета полевых цветов. Эти точности делают картину похожей на фотографию. Меня очень поражает и завораживает подобная детализация и доминирующая живопись. После просмотра этой картины, чувство ощущения прекрасного и удивительного сохранялось во мне. Мне бы хотелось смотреть на нее долго и начинать свой день с взгляда на нее. Мне очень понравилось творчество Дмитрия Жилинского. И мне кажется, что картина действительно уникальна и неповторима, индивидуальна, она несет частичку души самого художника. Воспоминания о картине у меня останутся навсегда в душе!

12 лет

ДМИТРИЙ ЖИЛИН ЛЕТНИЙ НАТЮРМОРТ ЭССЕ Я впервые увидела картину художника Дмитрия Жилина «Летний натюрморт». Картина была яркая и красивая. Посмотрев на нее, представила один из летних деньков, где можно насладиться запахом полевых цветов. Работа выполнена масляными красками, размер 40*60. Цветочный натюрморт выполнен теплыми оттенками красок. На первом плане картины находится стол, на котором стоит натюрморт с цветами и разными фруктами. Цветы, которые стоят в вазе, полевые. Она изумрудного цвета. На заднем плане изображена стена. Стена почти подобрана такими же оттенками, как и натюрморт с цветами. Я думаю в основном эта картина отображает летний денек, который пропитан лучами солнца и ароматом цветов. У этой картины есть ритмическое сочетание. У меня эта картина вызывает более спокойное, обеденное настроение. Мне кажется картина выделяется, из-за розовой малины, которая лежит в блюдце. Ваза, которая доминирует с фоном выделена немного бликами, она объемная, как будто вот- вот, выйдет за рамки картины. Она очень красивая и натуральная. Мое впечатление о картине «Летний натюрморт»: очень реалистично получилось, красиво смотрятся доминирующие элементы этой картины, удачно подобран колорит и очень хорошо понятно, о чем эта картина. У меня она вызвала хорошие ощущения.

12 лет

12 лет

А3

Гуашь/Gouache

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ «МОЯ ДОЧЬ ИЯ (ИЯ С ДЫНЕЙ)», Н. И. ФЕШИН. Картина «Моя дочь Ия (Ия с дыней)» написана Н. И. Фешиным. Ярким представителем русского импрессионизма и модерна, однако, он являлся и американским живописцем, скульптором, резчиком. Николай Иванович Фешин родился в декабре 1881 года в городе Казани. Уже в 9 лет Николай Фешин начал работать с отцом в мастерской. После открытия Казанской художественной школы он стал там первым учеником. В 1900 он осуществляет свою мечту, поступает в Императорскую Академию художеств, находящуюся в Санкт-Петербурге. Далее поступает в мастерскую И. Е. Репина. После у Фешина начинаются активные поиски себя – эксперименты. В 1923 году Фешин заканчивает картину «Моя дочь Ия (Ия с дыней)». Интересно то, что тут присутствует и натюрморт, и портрет дочери. Основным направлением этой картины является импрессионизм. Натюрморт не самое первое, на что обращаешь внимание, но он играет большую роль. Написан он довольно сочно, цвета яркие и, я бы сказала, кричащие. Больше всего внимания привлекает нечто похожее на баклажан, находящийся посередине натюрморта. Его яркий, насыщенный цвет сажи с оттенками фиолетового, тёплыми рефлексами от ананаса и персиков, выглядит впечатляюще. Также много внимания привлекают персики, они очень объёмные и выглядят поистине спелыми. Дыня в этой картине живёт какой-то отдельной жизнью. Она действительно привлекает к себе мало внимания, но что-то необычное в ней есть. Написана она достаточно резко, по сравнению с другими фруктами. Есть ощущение чего-то особенного, применённого лишь к ней. Ананас не самое яркое пятно, поначалу его можно даже не заметить, но он очень занимательный в плане своего написания, вроде всё тот же импрессионизм, но написание его текстуры необычное и в какой-то степени непривычное, поэтому стоит добавить, что он несколько выдающийся из общей массы. Букет позади натюрморта достаточно нежный, но с некой экспрессивностью в виде красных мазков, лично мне они напоминают маки. А в целом, он не особо заметен, но очевидно добавляет изюминки. Сама Ия написана чувственно, видно, что Николай Фешин питает к ней какие-то особые отцовские чувства: любовь, нежность, заботу. Её волосы заплетены в косички, но даже так они взъерошены и выглядят причудливо. Сложно понять в чём она одета, создаётся ощущение какого-то комбинезона, возможно сарафана, но больше всего ночнушки. Бретель её ночнушки спущена, что выглядит забавно, ночнушка написана очень живописно, несмотря на достаточно резкие мазки, ощущение складок имеется, причём очень даже объёмное. Кожа Ии румяная. Ия выглядит завороженной и задумчивой, кажется, она уже давно забыла о дыни, в которой пытается отломить кусочек для трапезы. У неё какой-то тяжёлый взгляд. Смотря на неё возникает множество вопросов о том, что она делала до этого. Может она недавно проснулась и ещё не успела выйти из царства Морфея окончательно, перед тем как идти завтракать. Может она бегала во дворе и расстроилась оттого, что ей пришлось остановить свою игру ради еды. А может её вовсе кто-то отругал за какие-то непослушания. Её образ создан так, что возникает ощущение, будто она ангел и непослушный чёртик-авантюрист одновременно. Взгляд и оттенки для её образа говорят о том, что она милый ангел, а вот кучерявые взъерошенные волосы, одежда говорят о чёртике-авантюристе. Фоном служит некое «светлое пятно» с ярким акцентом, с первого взгляда на него совсем не обращаешь внимания. Изначально создалось ощущение некого города на заднем плане, а после показалось, что это какая-то ткань, окончательно так и не понимаешь, что это, каждый видит своё. Фон отлично выполняет свою функцию, не забирает много внимания сразу, когда нужно вдуматься и всмотреться в другие более важные детали. А как только начинаешь задумываться о фоне и внимательно рассматривать его, то понимаешь, что играет он вовсе не маленькую роль, а огромную, вроде как и не отвлекает, но яркое пятно ближе к правой стороне забирает достаточно внимания при рассмотрении. Большое количество оттенков, интересные мазки и нечёткий контур, свойственные импрессионизму добавляют чрезвычайную необычность и заинтересованность. Картина выполнена в относительно тёплом колорите. Множество оживляющих работу мазков, оттенков, неожиданных переходов. Свет на работе исходит откуда-то за пределами картины, но видно, что спереди. Картина вызывает неоднозначные эмоции и чувства. Для меня это скорее портрет с каким-то закулисным сюжетом, который понятен лишь художнику и Ие. Работа обладает какой-то экспрессивностью и каким-то спокойным грузом, который ты будто принимаешь как ношу и временно обдумываешь, так медленно и безмятежно. А с другой стороны погружаешься в атмосферу детства, придумывая разные истории, которые дают совершенно другой окрас этой работе. Кажется, художник этого и добивался, пусть каждый видит в этой работе свою глубину или детскую наивность.

14 лет

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ ХРУЦКОГО И. Ф. «ГРИБЫ, РЫБА И ОВОЩИ». «Дедушка! – воскликнула девочка лет восьми-девяти, заходя в мою комнату. – А ты когда-нибудь видел настоящего художника?». Я опешил, но после некоторых раздумий отрицательно покачал головой и ответил: «В молодости, правда, у меня был один приятель, безумно любивший искусство. Однажды, во время учёбы, он уехал в другую страну на свои последние деньги. А все ради того, чтобы посетить выставку одного творца прошлого! Это безумно, не правда ли?» — добавил я, наблюдая за изумлённым видом малышки. Она непонимающе хлопала ресницами, то ли от недоверия к моим словам, то ли от моей усмешки на всю эту историю. Какое-то время спустя, её томный вид преобразился, а в глазах я наблюдал появление ярких звёздочек, которые так и говорили мне, старику, что внучка нуждалась в продолжении. «Расскажи-расскажи, ну, пожалуйста!» — услышал я почти умоляющие нотки в её голосе. — Конечно, Марья, присаживайся. «В тот год, — я помню, — вовсю кипела студенческая деятельность! Особенно выделились ребята из факультета журналистики, которые создали свою газету, где публиковали свежие новости во всех существующих областях, только без всякой воды в тексте, сплетен и тем о политики. Задумку, как по мне, оценили лишь заядлые читатели и те, кому было скучно между занятиями». И… как ты могла уже догадаться, главным поклонником «Студенческой газеты» стал мой странноватый знакомый: «Он был необыкновенным чудаком: ходил неспешно, временами даже вприпрыжку, постоянно витал в облаках и имел нелепый взгляд. Но, одно меня всегда поражало в этом юноше – это его полная отдача и стремление ко всему красивому. Он мог часами штудировать советские энциклопедии, школьные справочники по истории искусств и, например, вчитываясь в любительские статьи о разных художниках, восхищённо пересказывать мне самое интересное, — в таких беседах я замечал, — как он преображался, становился увереннее, а его глаза по-особенному сверкали на всю аудиторию…!» И в один из учебных осенних дней, вроде четверга, я уселся рядом с ним. Мы, конечно, не являлись близкими друзьями, но я любил слушать его. Яков был чрезвычайно интересен, словно книга из антикварной лавки. А в тот момент он сиял ярче обычного! «А почему?» — с интересом перебила меня Марья. Не ожидав этого, я рассмеялся. «Что смешного, дедушка!» — надувшись спросила она. — Не капризничай, милая! – я похлопал её по плечу и вздернул сморщенный от недовольства носик. — В тот день газета выпустила познавательную статью, посвящённой художнику, известному миру как «писатель цветов и плодов». Горожан со всюду приглашали посетить Национальный Музей в Киеве, где находились подлинные картины этого живописца, — я добавил – И конечно, Яков, узнав об этом, поехал туда незамедлительно! Невзирая на проблемы, голод и проживание в одной из тесных коммуналок с другими туристами, это позволило ему окунуться в предметный мир натюрмортов Хруцкого. По итогу, вернувшись через неделю, он попросил ребят из корреспонденции включить его статью об одном из натюрмортов в еженедельный выпуск. «Кстати говоря, эта статья сохранилась у меня, — с ухмылкой, я повернул голову к стоящему поблизости шкафу, — Вон там». Подойдя к нему, сквозь огромные кипы бумаг, я разыскал её. – Ах, нашёл, – весело, почти с хохотом, сказал внучке. – Хочешь послушать о картине? «Конечно!» — с такой же заинтересованностью, как прежде, произнесла Машенька. «Перед нами изображена картина отечественного и белорусского художника Хруцкого Ивана Трофимовича (Фомича), написанная им в 1838 году, подавно времени строгого во всех канонах классицизма. Данный период, начиная с 1830-х гг., предоставил обширную известность «писателю чудесных натюрмортов» — его некогда прежние постановки из нескольких предметов совершенствуется в достаточно сложные натюрморты-картины, объединяющие в себя изобилие всевозможных овощей, плодов, цветов и всякой дичи. Картина «Грибы, рыба и овощи» — пример расцвета уникального живописца, чей стиль был близок к фламандским и голландским натюрмортам XVI — XVII вв. Среди своих современников также был известным мастером группового портрета в стиле бидермайера. С удовольствием писал природу. Написанная маслом «Грибы, рыба и овощи» отражает лучшие стороны письма Хруцкого на холсте: его умелая гладкость, тонкость линий, тщательно проработанные детали и успешная лессировочная манера. В его стиле одновременно уложены как основные принципы академизма, так и влияние художников Венециановской школы. Глядя на представленную работу, мы будто бы погружаемся в небольшое крестьянское поместье второй трети XIX столетия, где все напоминает о летнем приволье и домашнем уюте. Автор придерживается старых художественных традиций, благодаря чему его картины имеют ассоциации с искусством голландских живописцев. Общий план изображаемого целен и монохромен. Для передачи световоздушной среды и объема, Хруцкий пишет фон характерно содержанию – одним тоном, создавая ощущение глубины пространства между предметами. Свет же, напротив, подчеркнут ближе к зрителю ради выделения основополагающих вещей в натюрморте. Подобно выражен медный таз, рыба и плетёная корзина с грибами. Тёплый свет отлично выделяет металлическую гладкую утварь, фактуру деревянного стола, замшелую мягкость грибных шляпок и свежесть рыбы. В особенности поражает детальное прорисовывание чешуи с помощью бликов, способные даже показать «скользкость» будущего блюда. Рыба словно излучает сквозь полотно свою естественную прохладу. Возле неё, из тени, мы видим рыбацкую сумку того времени, сплетенную из жгута. На втором ярусе стола располагается один из самых громоздких предметов в натюрморте – грибная корзина. В ней мы наблюдаем за великим разнообразием написанных Хруцким И. Ф. грибов: от маленьких, почти незаметных, лисичек до крупных белых грибов, имеющие толстые округлые ножки. Среди них выделяются поверху лежащие подберёзовики со своими длинными тонкими ножками и полукруглыми шляпками. Особое внимание художник уделяет их фактурности, изгибам форм и контрасту цвета между передним и дальним планом. Это ясно прослеживается в чётких грибах и еле заметной корзине, чьи очертания подчёркнуты тусклым светом во тьме фона. Такой же приём Хруцкий использует с растворяющимся в тени кувшином, выделенным прозрачной белой тканью. Неподалёку от них лежат сморщенная морковь и шершавый лук-порей, листья которого понемногу свисают с основной плоскости. За ними из тени выглядывают остальные овощи сельского хозяйства, раскиданные по столу. В колористическом отношении это хорошо сгармонированная работа, решённая в сдержанных, приглушённых тонах. Сочетание рыжих, горчичных и бурых цветов совместно с древесными оттенками создают дух сельского быта. Усиливает данное впечатление ещё и яркий свет, словно исходящий из окна солнцем. Натюрморт целен и взаимосоставлен на нюансах, как например, изображаемые грибы на столе, упавшие из общей корзины, или свисающие овощи. Перекрытия плодов и предметов добавляют единый образ картине, что позволяет рассматривать её детали и восхищаться увиденным. Эту работу по праву можно считать одним из гениальных натюрмортов И. Ф. Хруцкого». «Это очень интересно!» — ответила Марья. — Согласен. После выхода статьи его имя звучало на устах многих преподавателей университета. В будущем, это позволило ему найти свой истинный путь, за что я искренне рад за Якова. Даже сейчас, спустя столько лет, я восхищаюсь его юношеской воли.

14 лет

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ Д. Д. ЖИЛИНСКОГО «ЛЕТНИЙ НАТЮРМОРТ» В этом сочинении я хотела бы описать картину одного чудесного российского и советского художника Дмитрия Дмитриевича Жилинского. Все его работы являются прекрасными произведениями искусства и отличаются своей детализацией и трепетным выполнением. Сегодня я хотела бы остановиться на одной из работ этого художника «Летний натюрморт», но для начала немного узнаем о самом художнике, и о том, как его биография повлияла на творческую жизнь в целом. Дмитрий Дмитриевич Жилинский являлся живописцем, академиком Российской академии художников, ему было присвоено звание народного художника РСФСР, также он являлся лауреатом Государственной премии РСФСР имени И.Е. Репина и лауреатом Государственной премии Российской федерации. Жилинского можно отметить как очень важную фигуру в искусстве советского союза, также он считается выдающимся российским художником и по сей день. Родился Дмитрий Жилинский в 1972 году 25 мая в городе Сочи. Рисованием Дмитрий начал увлекаться ещё в детстве, в дальнейшем он станет получать высшее художественное образование. Многие работы Жилинского довольно тесно связаны с историей его семьи. Например, семейство Жилинских имеет родственные связи с художником В.А. Серовым, так как бабушка Жилинского, Н.В. Немчинова, была его родной сестрой. Она была достаточно образована, имела хорошее воспитание в детстве и благодаря этому смогла неплохо воспитать отца Дмитрия — Дмитрия Константиновича Жилинского и его брата (дядю Дмитрия). Отец, сын и бабушка воспитывались в некой коммуне под Сочи, основанной талантливым педагогом М.А. Быковой. В 1929 году членов коммуны объявили кулаками, которых в то время массово «искореняли», считая их неблагополучной ячейкой общества. Поэтому для «кулаков» был устроен некий показательный суд, именно на нём планировалось расстрелять родного отца и деда Дмитрия Жилинского. К счастью, дальнейшие обстоятельства сложились весьма удачно для семейства Жилинских. Мать Дмитрия успела довольно быстро отправиться в Москву и добиться отмены этого приговора. К сожалению, когда она вернулась, выяснилось, что деда все-таки расстреляли, но отца и дядю отпустили. В дальнейшем коммуна прекратила своё существование, возможно потому, что утратила первоначальный смысл и идею. К тому же, сильное потрясение повлияло на весь её состав. Все жители просто разъехались. Жилинские переехали в Краснодарский край. Всё должно было идти благополучно, но в 1937 году Дмитрия Константиновича арестовали и в 1938 году был расстрелян. К происходящему добавился тот факт, что в 1943 году старший сын Дмитрия Константиновича был отправлен на военную службу и через год от начала службы, семье пришло известие о его гибели. Все эти события сильно влияли на юного Дмитрия, это будет видно во многих его работах. Жизнь стала налаживаться с переездом в Москву в 1944 году. Там, можно сказать, началась новая страница жизни будущего живописца. Именно там он стал получать своё первое высшее образование. Он поступил в Московский институт на факультет прикладного искусства. Как рассказывал сам художник, там он два года занимался витражами и другими прелестями декоративно-прикладного искусства, но, не смотря на это, его сильно тянуло именно к живописи. По этой причине в 1946 году он решил перевестись в Московский государственный художественный институт. Там в круг его общения попадало множество знатоков искусства и мастеров живописи, которых он потом будет тепло вспоминать. Общение с такими людьми очень сильно повлияло на Жилинского. Ему доводилось жить на одной квартире даже с Владимиром Андреевичем Фавровским — выдающимся художником СССР. Именно от этого художника Жилинский приобретет особую манеру построения композиции. В процессе обучения педагоги неоднократно отмечали большие способности Дмитрия. Большую роль в известности Дмитрия Жилинского сыграли некоторые работы, показавшие его новатором живописи тех годов. Картины «У моря. Семья», «Групповой портрет студентов-скульпторов» и «Гимнасты СССР», неоднократно выставлявшиеся на выставках, просто заставили многих ценителей обсуждать творчество живописца. Главным феноменом являлось то, что ему впервые удалось совместить стиль древнерусской иконописи с европейским Ренессансом и преподнести на языке современности. Эта способность, можно сказать, укрепила имя мастера в области искусства настолько, что он является для многих примером и сегодня. Сам Дмитрий частично относил себя к направлению «сурового стиля». У других художников этого направления четко прослеживаются особенности, характерные для этого стиля. Взять, например, художника Игоря Павловича Обросова, он является ярким представителем «сурового стиля». Для полотен Жилинского характерна тонкость, изысканность, продуманность. И всё же многие искусствоведы не относят его к этому направлению. В самом начале своего творческого пути он предпочитал в своих работах монументальность. Однако через довольно большой период времени решил перейти к камерности изображения и его психологической составляющей. Действительно, при рассмотрении некоторых работ художника чувствуешь некоторую внутреннюю тревогу и иногда беспокойство, но это встречается не во всех картинах. Преподаватели в учебных заведениях, где обучался Дмитрий, неоднократно отмечали не только его талант, энтузиазм, но и небывалое трудолюбие. Каждую свою работу Жилинский стремился доводить до конца. Для своих работ художник даже самостоятельно создавал подрамники и рамы, а также использовал собственный рецепт грунта. А сейчас приступим к увлекательному рассмотрению одной из работ художника «Летний натюрморт». Это не самая популярная его работа, но при этом она достойна внимания не меньше, чем остальные полотна. Если мимолётно и без анализа посмотреть на работу, то вряд ли в ней можно увидеть что-либо необычное. На первый взгляд — это рядовой натюрморт. Что в нём примечательного? Печально, что люди иногда смотрят на искусство столь поверхностно. Но работа действительно по-своему чудесна. Важно отметить, что одной из особенностей художника является умение писать не только портреты, показывающие качества людей и их состояние, но и портреты предметов, изображаемых объектов. Они, словно, приобретают собственный неповторимый характер. В картинах Жилинского оживают букеты, дома, деревья, окружение в целом. Это видно и на рассматриваемом натюрморте. Сразу ясно, что название «Летний натюрморт» очень подходит этой картине. Жилинский изобразил на ней плоды лета. Этот натюрморт не перегружен большим количеством разнообразных объектов. Многие изображения такого жанра выделяются множеством, как может показаться, незаметных деталей, что нельзя сказать про эту картину, хотя на ней также есть нюансы, которые сразу цепляют наш взгляд. Работа, разумеется, выглядит прописанной, во многом и потому, что четкость в картинах — это одна из особенностей художника. В данном натюрморте доминантой, конечно, является букет цветов, расположенный в вазе зелёных оттенков. Он выделяется как раз из-за своей прописанности. Мы видим то, как букет, состоящий из множества цветов, контрастирует с совершенно лаконичным фоном, не имеющим на себе никаких акцентов. При этом фон формирует общий колорит натюрморта. Наш взгляд первоначально не задерживается на фоне, но если бы художник при постановке натуры подобрал для заднего плана другие цвета, то, скорее всего восприятие работы поменялось бы кардинально или разрушилось бы вовсе. Цветы, поставленные в вазу, выделяются по причине своего массового превосходства по отношению к другим предметам натюрморта. Ваза также подобрана так, чтобы гармонировать с фоном. При этом художник практически отделяет сосуд от фона, добавляя на его поверхность лёгкие и естественные блики, позволяющие хорошо передать материальность объекта. Видно, что вазочка, судя по всему, покрыта глазурью. Этот блик тоже достаточно сильно привлекает внимание. Всё подобрано так, чтобы композиционно преобладание было отдано букету. Но при этом во время рассмотрения картины наш взгляд перехватывает блюдце, наполненное ягодой, судя по всему малиной. Она привлекает нас своим тоновым выделением. Блюдце с золотой каемкой является самым светлым элементом постановки, но, а яркие ягоды словно светятся, притягивая нас сочностью подобранных цветов. Мастерство художника также читается в невероятном отображении фактурного характера предметов, по их внешнему виду мы можем представить тактильные ощущения от прикосновения к ним. В натюрморте присутствует своеобразная динамика. Яркий тому пример — связка полевых цветов. Обратим внимание на направления линий и обилие диагоналей. В букете видна, присущая художнику манера, использовать изящные линии, придающие живость и натуральность изображаемому предмету. Видно, что они написаны лёгкими движениями, которые вдыхают жизнь в собранные растения. В правом углу на нижней плоскости находится не только блюдце с ягодами, но и ветка ранеток с одиночным овощем. Пожалуй, можно сказать, что это хитрое решение, созданное для уравновешивания композиции в обеих сторонах холста. В композиции присутствует одновременно и динамика и естественный беспорядок, придающий натуральность и незаурядность изображаемым объектам. Натюрморт выглядит довольно камерно, но не возникает ощущение дискомфорта, которое бывает при рассмотрении некоторых портретов. По своей сути, натюрморт является изображением неживых объектов, но при анализе и погружении в натюрморт Дмитрия Жилинского возникает другое чувство. Композиция поставлена определённо очень продуманно, а предметы смотрятся такими живыми и свежими. Постановка, в сущности, абсолютно простая. Ничем не отличающиеся полевые цветы, вещи, имеющиеся у каждого в доме. Именно в таких простых и бытовых натюрмортах ясно отражается неоспоримое мастерство живописца, умение изобразить совершенно простое и не выделяющееся в самом наивыгоднейшем свете, способность найти прекрасное в самом простом. Всё это удаётся сделать благодаря разумному использованию разных художественных техник и выразительных средств. Стоит добавить в нужном месте нужные контрасты и картина уже предстаёт в новых красках, ещё более ярких, чем прежде. Грамотная детализация позволяет расставить акценты. Благодаря использованию нужных цветов и особенностей в композиции Жилинский погружает нас в атмосферу тёплого лета со всеми его прелестями, мы чувствуем эту свежесть и теплоту, уют. Кому-то при рассмотрении этой картины в голову могут прийти приятные воспоминания. Натюрморт позволяет испытывать приятное чувство непринуждённости. Изучая подобные картины, мы действительно можем убедиться в том, что на самом деле значит подлинное мастерство художника. Картина определённо достойна внимания и погружения в свой внутренний мир. Дмитрий Жилинский, несомненно, является выдающейся фигурой в отечественном искусстве. Нам стоит ценить предоставленное талантливыми людьми художественное наследие и гордиться им. Из произведений настоящих мастеров своего дела всегда можно извлечь множество ценных знаний.

14 лет

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ НИКОЛАЯ ФЕШИНА «МОЯ ДОЧЬ ИЯ» 1923 ГОД Кому не нравится любоваться изображением прекрасных мифологических букетов, спелых фруктов и овощей? Такая красота привлекает зрителей, так и хочется откусить кусочек наливного яблока, или потрогать бархатные лепестки растений. Не удивительно, что у этого явления есть свой жанр под названием натюрморт. Натюрморт-это жанр изобразительного искусства, основанный на написании неодушевленных предметов, встроенных в одну композицию. Это своеобразная интеллектуальная игра, в которой публике предлагается разгадать определенные знаки, идею или характер, отношение художника к объектам. Каждый автор видит свои неповторимые детали, по-своему оценивает колорит, на свой лад обыгрывает акценты, даже построение предметов различается. Если раньше натюрморт обладал такой интересной характеристикой, как смысловая многослойность, то в наш век содержимое этой идей объединяется одной мыслей. Этот жанр испытал на себе большое количество изменений и разных назидательных, религиозных и иных подтекстов, в зависимости от культуры и времени. Это не значит, что он потерял былой авторитет, а только лишь подчеркивает расположение автора к вещам, привлекающим его внимание. Такое участие может быть абстрактным, как разломы формы, обобщение, или необычный подбор цветов, так и более реалистичным, где может участвовать красочное преувеличение или новаторство мазка, подчеркивающего незначительные мелочи. Но во всех случаях натюрморт остается жанром, где нет рамок для экспериментов. Одним из произведений, выполненных в этом жанре, картина крайне неоднозначного художника Николая Фешина «Моя дочь Ия» 1923 года. Николай Иванович Фешин – мастер живописи и рисунка, скульптор, резчик по дереву и превосходный педагог. Если определять одним словом суть его творчества, то это слово было бы « маэстро» или «виртуоз». Родился Николай Фешин в Казани в семье резчика иконостасов. С девяти лет принимал участие в исполнении заказов в мастерской отца, где проводил целые дни с самого рождения. В год, когда он завершал обучение в публичной школе, в Казани открылась Художественная школа, в первый набор, который попал и он. К этому времени его семья распалась, мать, уставшая от нищеты, уехала в Кострому, а отец покинул Казань. Четырнадцатилетний Николай Фешин остался совсем один, он часто голодал и не имел постоянного заработка, иногда ему помогал дядя по отцовской линии, но эти преграды его не остановили, он оканчивает художественную школу, а сдав вступительные экзамены, зачисляется в Императорскую Академию Художеств. Через три года попадает в мастерскую Ильи Ефимовича Репина, в то время она пользовалась популярностью среди студентов. Влияние Репина на ученика признают все. Это интерес к внутреннему миру портретируемого, состоянию людей, оперированию техниками, смесь широкого, крупного мазка с лессировками, но манера написания, была разной, отчетливо это прослеживается, когда он уходит от академизма к собственному стилю. К концу Академии Николай Иванович Фешин сформировался нестандартным, своеобразным живописцем. Он составляет комбинации насыщенных цветов с традиционными приемами кистью и мастихином, втирая их в грунтованный холст руками. В тысяча девятьсот десятом году отправляется в заграничную поездку по зарубежным странам, как Франция, Англия, Италия, Австрия, изучая местное искусство и впитывая в себя его тенденции. После возвращения из командировки его приглашают преподавать в Казанской художественной школе. Он предпочитал метод наглядного показа, работая в мастерской вместе с учащимися, чем заслужил уважение к себе. В тысяча девятьсот семнадцатом году возникают проблемы с реализацией картин с наступлением революционного настроения в стране. А уже в тысяча девятьсот двадцать первом году с помощью Американской ассоциацией помощи он связывается с Уильямом Стимеллом коллекционером его произведений в Америке. И в тысяча девятьсот двадцать третьем году он с семьей оказывается в Нью-Йорке после долгого разбирательства с документами. За весь американский период его жизни произошло много событий, как развод с женой Александрой Белькович, принятия болезни, переезды, но все эти факторы не мешали ему творить до конца своих дней. По статистике американских критиков количество созданных им холстов более 2000. Николай Фешин умел оживлять и по-новому по-современному взглянуть на уже использованные образы, которые давно стали банальным стандартом в искусстве. Дистанция между ним и его моделями сокращена, но не в силу общественной близости, а благодаря этюдному таланту мастера, позволяющему ему восчувствовать «разновидность души» человека. Его произведения обладают живостью и выразительностью быстрого наброска с увиденных им натурщиков, и в тот же момент они выверены до мельчайшей подробности без случайной ошибки. Он был поразительно многогранной натурой в своих полотнах, его изменчивая каждый раз техника мазков, совершенно разный взгляд на людей в портретах, является примером неоднократного творческого перевоплощения. Важная роль в его загадочном и фантастическом образе, а также сохранении и популяризации его творчества в Америке принадлежало его дочери, Ие Николаевне Фешиной. Своей дочери он посвятил много работ, как например «Спящая Ия» 1917 года, «Портрет Ии» 1919 года, «Портрет Ии» 1923 года и другие. Николай Иванович вносит в сцены со своим ребенком; интимную лирику, непосредственность, свободное изящество, непринужденную простоту. Эта поэтическая атмосфера будничных дней особенно превосходна. Если сравнивать с другими портретами художника, то на многих из них модели выглядят экзотично, где то с артистическим шармом, эпатажной броскостью, экстравагантным желанием поразить с первого взгляда или же строгой элегантностью, классической моделировкой форм, глубоким эмоциональным подтекстом. На картине «Моя дочь Ия» изображена маленькая девочка с блондинистыми кудрявыми, заплетенными в косички, волосами и натюрморт спелых фруктов. Она горбится над крошечным кусочком дыни, ее бледно-розовые губы начинают ощущать сладкий сок плодов. Утонченное, детское лицо сопоставимо с экспрессивно трактованными локонами, отмеченными потоком ярких белых мазков. С плеч ребенка спадает белое платье, струящееся складками вниз к ее худеньким ногам. С тонкой туникой контрастирует яркая раскраска продуктов на столе. В соответствии со светлыми тонами, преобладающими на заднем плане, исполняется и натурщица в нежной любовной гамме. Здесь найден тот ритм прикосновений кисти к холсту, который создает ощущение непрерывного уюта и заботы, бесконечной любви отца к дочери. В этой работе Николай Иванович соединил два изобразительных жанра портрет и натюрморт. Цель создания портретного образа — обнаружить «главную идею личности», сделать явным ее содержание, найти ее индивидуальность, привлекающую его как живописца. Ощутить личную заинтересованность к натурщице, к ее глубинному постижению. Здесь этим являются благородные чувства к родному человеку, близкому к его душе. Очень интересно окрашено психологическое настроение модели — поэтическая стихия, сосредоточенность, то ли задумчивость на вкусовых ощущениях от дыни или же интерес к фрукту, как к объекту мыслей ребенка. В основном по поводу этого аспекта можно долго рассуждать, но если обобщить вывод, то идея натюрморта будет стоять здесь точно не на второстепенном месте по художественным признакам. Таким как яркая гамма тонов, не запрещается, даже выразиться аппетитность цвета, композиционное построение продуктов, разноплановость объектов. На первом плане нас встречают иссиня-черные сливы с лежащим рядом бархатистым персиком, утопающим в бледной светотени. На столе укромно расположены темно-синие баклажаны и рельефный ананас, с нарочито белыми отблесками сияния, и спрятанное за ним манго. На заднем фоне красуется стеклянный кувшин с наполовину распустившимися красными и розоватыми гладиолусами. Привлекательно то, что подбор контрастов растений между собой и интерьером преисполнен в интенсивной гамме, но глаз зрителя все равно не обнаружимым для нас образом оборачивается к плодам. Живописец точно в цель маневрировал на грани тона и его уникальности. Отдельные чистые мазки желтых, красных, синих цветовых оттенков, смешиваясь на палитре, рождают ощущение роскошной живописной феерии, которую импрессионисты умели видеть в самой обычной детали. Эксплуатируя дробные динамичные мазки, он возрождает характерную ему незаконченность, этюдную декоративность, отчетливые модернистские стилевые черты, он выявляет самую захватывающую часть любой картины — процесс, а не окончательный результат. Картина «Моя дочь Ия» с виду кажется обычной, простой, но если ее разбирать по фрагментам, не отмеченным подробностям и профессионализму автора, то она обескураживает, капитально изумляет публику, как и вся деятельность мастера. Творчество Николая Фешина совокупность разнообразных стилей, это академическая основа, передвижнические традиции, импрессионистические компоненты, экспрессионистические и неореалистические атрибуты, весь его опыт сооружает своеобразный подход к работе «Моя дочь Ия» или под вторым названием «Ия с дыней». Специфика многих картин Фешина, сочетающих портрет и обстановку, будь то пейзаж или интерьер, – это плотность облика человека и размытость, растворение в световом потоке пространства, но на этом полотне он меняет местами полупрозрачный лик дочери с материальным и очень уплотненным написанием заднего плана. Удачно подобрано композиционное построение. Закономерное расположение гармонирующих между собой предметов, выставляет эстетическую идею художника. Довольно редко можно увидеть и насладиться легкой свободно-экзотичной компоновкой объектов, как здесь. Радует то, что все плоды расставлены не со стороны вкусовых ощущений, а с позиции декоративности. Все особенности написания натюрморта в очередной раз доказывают мастерское исполнение этого холста и его парадоксальные грани виртуозности.

14 лет

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ М. Я.БУДКЕЕВА «НА ПАСЕКЕ» В селе Овсянниково в Алтайском крае, краю великих гор, бурных рек, величественных многолетних лесов и табунов лошадей, 23 декабря 1922 года родился Михаил Будкеев. В той местности все его занятия были связаны с лошадьми, но при этом его с юного возраста тяготило к искусству, но на его пути встала Вторая Мировая война. И только после неё Будкеев стал обучаться живописи на квартире у уважаемого и популярного пейзажиста Д.И.Кузнецова. После окончания этого он часто отправляется писать не только Алтайский край, но и другие многочисленным уголкам нашей Родины. Творчество художника развивается в жанрах пейзаж, натюрморт и изредка портрет. В его произведениях прослеживаются идеи гармонии, радости к жизни. Я бы хотела сейчас разобрать одну из его работ. Близкая осень и разгар конца лета предстал перед нами на этом натюрморте. Мы видим скамеечку, стоящую у самой стенки бревенчатого дома или же сарая. На ней стоит, и переливается, и поблескивает на солнце чан, как будто бы вылитый из золота. А в нём растёкся янтарный луговой мёд, в котором плавают бывшие квартирки и кладовочки пчёл, восковые соты. Рядом с ёмкостью распласталась сосновая ветка со зрелыми шишками, и маленькая дробь орехов рассыпалась возле этой зеленой медвежьей лапы. Как же приятно бывает зимними вечерами, когда темно уже в ранний час, сидеть и шелушить их и вспоминать далекие таежные леса, где ты чувствуешь, как будто в любой момент ты станешь одним из обитателей этого зеленого царства, такого далекого от города. И тут же совсем рядом от чана брошен нож с деревянной ручкой, лезвие которого только срезало несколько пчелиных сот, мед, выбежавший из которых, покрыл его и теперь золотится на нём. Но если мы посмотрим чуть дальше, то увидим странную металлическую ёмкость, покрытую краской болотного цвета, с насечками. На самом деле это небольшое устройство цилиндрической форму с длинным носиком, называется дымарь, используемое пасечниками. Городской житель может и не понять для чего оно нужно, но если говорить просто, оно испускает дым, когда нажимаешь на меха, для того чтобы усмирить пчёл, которые не готовы просто так расстаться с драгоценным мёдом. А вот чуть левее, прислонившись к деревянной стенке, стоит надставка. Под самой крышей над ней висят ветви рябины, одни из них обзавелись желтыми, бардовыми, оранжевыми листочками, а другие ещё не желают менять окрас на осенний. Их скрюченные опавшие завитки разлетаются повсюду, оседают на скамью и сосновые ветви. А средь листвы рдеют и багровеют ягоды рябины, так похожие на блестящие бусины ожерелья, такого длинного, что его оборачивают несколько раз на шее. На крыше прямо над ветками сидит маленькая любопытная птичка, синичка. Она наклонилась к ягодам и клюёт их, пока большой и страшный человек не видит. К бревенчатой стенке прибита небольшая жердочка, с помощью которой теперь висят деревянные ложки, на которых красуется яркий желто-зелёный рисунок с ярко-красной окантовкой. Мы можем увидеть ещё один предмет старины на правом краю полотна — косу-литовку, только по частям: полотно косы повешено под крышу, а косовище стоит у стенки. Художник со всем трепетом относится к звучанию фактуры: к каждой трещинке на дереве, к каждой ячейке в пчелиных сотах, к мёду, такому густому и сладкому. Михаил Будкеев строит колорит работы с помощью триады: яркий красно-оранжевый цвет становится главным и присутствует почти везде, противоположными для него выступают зелёный и синий, когда первый является основным соперником главному, второй разряжает работу, добавляет контрастных деталей в виде синицы, ножа и полотна косы. Также художник великолепно передаёт атмосферу совсем уже близкой осени, когда даже голубое небо кажется тяжелее, чем летом, когда начинает дуть лёгкий ветерок, так скоро принёсший первые затяжные дожди, когда всё желтеет, багровеет и приятно шуршит под ногами, когда еще никто не может понять, как нужно одеваться: одни ещё прогуливаются в легких летних нарядах, а другие чуть ли не натягивают зимние пуховики. Центром композиции этой работы стал чан с мёдом, и вокруг него по спирали как раз и разворачивается вся композиция: от восковых сот до синички. Михаил Будкеев выбирает вертикальный формат для данной работы, что придает натюрморту динамики. Основой всего творчества Михаила является природа и народность, что не обошло и данный натюрморт. Так же присутствует ощущение жизни, как будто пасечник только наполнил чан мёдом и ненадолго отошёл, а тут уже и подлетела юркая синичка. Меня очень воодушевляет мотив загородной жизни, обитание далёкое от цивилизации, современных удобств. На природе как никогда чувствуется связь с предками, свобода и приходит умиротворение в душе, как будто ты сливаешься с окружающей неторопливой средой. Работа Михаила Будкеева «На пасеке» запечатляет не только представшие пред нами предметы, но и раздвигает рамки, что можно почувствовать атмосферу, царящую вне холста: живые просторы, далекие дали, мокрые запахи, глухие звуки. От картины так и веет теплом, жизнелюбием, радостью. Гамма теплых осенних цветов разжигает букет этих чувств и у меня в сердце. Душу наполняют до боли знакомые звуки, звуки жизни, спокойствия.

15 лет

Эссе по картине И. Е. Фешина «Ия с дыней» Картина «Моя дочь Ия» была написана выдающимся русским и американским художником, живописцем, графиком, скульптором и резчиком Николаем Ивановичем Фешиным. Художник родился в Казани 26 ноября 1881 года в семье резчика иконостасов Ивана Александровича Фешина, владельца собственной мастерской. Первые опыты самостоятельного творчества Николая Фешина прослеживаются с шестилетнего возраста, сохранился альбом орнаментов того времени. С 9 лет Николай стал работать в мастерской отца, принимая участие в исполнении заказов. Дарование мальчика было замечено первым директором Казанской художественной школы. В 1895 году поступил в Казанскую художественную школу. На этом настоял отец, желавший, чтобы сын стал художником. К тому времени семья распалась, и мальчик остался в Казани совсем один. Но несмотря на это, в 1900 году Фешин смог окончить школу и отправился в Санкт-Петербург поступать в Императорскую Академию художеств. В 1903 году Фешин поступил в мастерскую И. Е. Репина — самую популярную среди учащихся. В 1907 году И. Е. Репин из-за конфликта покинул Академию художеств. Фешин очень ценил и любил своего учителя. По результатам обучения в его мастерской, можно сказать, что Репин заложил в своем ученике прочный фундамент знаний. Но уход Репина из Академии дал художнику возможность раскрыть свой творческий потенциал в полной мере. Фешин много читал и экспериментировал с грунтами и красками. В частности, он отказался от использования готового масляного грунта, заменив его казеиновым или желатиновым собственного изготовления, наряду с кистями он использовал мастихины. Всё это привело к усвоению более широкой и свободной манеры письма. Фактура живописной поверхности отныне включалась Фешиным в арсенал художественных приёмов. Николай Иванович пробовал себя в самых разных направлениях: работал с натюрмортами, изображал пейзажи, жанровые сцены. Но наивысшего мастерства он добился в портретах. Именно в этом жанре написана картина «Моя дочь Ия». Композиция картины решена довольно просто, но, несмотря на это она сразу притягивает наше внимание, все элементы полотна гармонично сочетаются между собой. Такое решение группировки элементов на холсте в сочетании с невероятным мастерством автора, его художественной техникой и самобытной манерой его письма в полной мере передают все чувства, эмоции и задачи, которые Фешин вложил в своё произведение. На первом плане скромно и слегка застенчиво сидит на краю стола, покрытого белоснежно белой скатертью, главная героиня полотна – дочь Ия. Задача расположения её фигуры в пространстве решена художником с высоким профессионализмом. Она изображена в наиболее выразительной форме — художник сумел запечатлеть девочку в моменте происходящего, поймать это неповторимое мгновенье. В первую очередь, это удалось передать с помощью ракурса. Фигура девочки немного смещена с центра, лицо лишь немного повернуто на нас, взгляд отведён в сторону. По направлению этого взгляда можно вообразить себе некую косую линию, придающую изображению динамизма и будто заполняющую пустующее пространство. Данная диагональ устремлена на яркий натюрморт из фруктов. Он расположился на втором плане композиции, за главной героиней. Но при первом взгляде на работу, ещё не приступив к её анализу, в первую очередь мы фокусируем своё внимание именно на нём. И это легко объяснить с точки зрения способов художественной передачи цветового решения. Фрукты сложены с помощью ярких, живых мазков кисти. Благодаря контрасту, создающемуся при помощи написанной в нежных тонах скатерти, фрукты будто горят, подсвечиваются изнутри, как огонёчки. Помимо этого, эффект «подсвечивания» достигается автором с помощью невероятного мастерства класть блики на предметах. Применяя все своё мастерство, художник уловил и передал зрителям спелость, сочность фруктов, они словно наливные. В свою очередь девочка написана на нюансе по отношению к общему фону картины. В результате создаётся впечатление, что она растворяется в невесомой дымке. Другой важный элемент натюрморта – букет цветов в стеклянной, почти незримой вазе. Они выглядят довольно просто и лаконично, но в этом есть их особая прелесть. Гармонично вписываясь в пространство, букет, благодаря грамотному расположению цветовых акцентов, дополняет его. Ещё одним элементом натюрморта является отрезанная половинка мускатной, спелой дыни в руках девочки. На фоне композиции расположилась нежная драпировка, чем-то напоминающая легкие, струящиеся ткани греческих богинь. Из похожего воздушного материала сшито платьице Ии. Девочка невероятно гармонирует со всеми элементами. Такая созвучность будто создаёт и наигрывает зрителю спокойную музыкальную мелодию. Можно сказать, что эта музыка — чувства, которыми наполнено полотно. И эти чувства — глубокая, искренняя, невероятно сильная родительская любовь к своему ребёнку. Колорит картины выстроен на основе сочетания контрастов различных цветов. Его нельзя отнести только к тёплому или же холодному. Благодаря совокупности всего разнообразия и богатства своей палитры, автор выражает весь спектр чувств на холсте. Ещё одним аспектом, влияющим на высокую эмоциональность картины, является то, что художник являлся представителем таких направлений, как импрессионизм и модерн. Большинство его работ выполнены именно в этой технике. Данная работа не является исключением. Живость и экспрессия мазков, полученных посредством быстрого наложения открытого, не смешанного цвета, в сочетании с легкостью и плавностью линий, создаёт невероятно нежный, чувственный строй всего произведения. Так же нельзя не отметить пастозность его живописи, использование сложных цветовых замесов, сдержанный колорит, преобладающий в русский период. Работа Н.И.Фешина имеет эффект этюдной незавершённости. Можно заметить ещё одну интересную особенность, изображая свою дочь, автор не акцентирует внимание на её индивидуальной характеристике. Скорее наоборот, при написании художник хотел создать обобщённый образ детства, юности и некой беззаботности. Девочка здесь, словно символ чистоты и непорочности. Об этом нам говорят и скромный взгляд, и легкий розовый румянец на щеках, пластика её рук и складок ткани, воздушные, светлые, кудрявые волосы, слегка небрежно убранные в косу. Анализируя работу, создаётся ощущение, будто отец остановил Ию лишь на минуту, чтобы нарисовать её, когда она забежала взять со стола спелый плод, чтобы освежиться. Это объясняет присутствие лёгкой небрежности в её образе. Именно передача мгновенья делает данную работу особенно запоминающейся, ведь каждый момент нашей жизни – неповторимое явление, умение его чувствовать в настоящее время — уже редкость, а умение его передать, со всей полнотой чувств – настоящее искусство. Художник, как мы видим, сделал это с непревзойдённым мастерством. Глядя на работу, зритель, будто сам наполняется этим солнечным светом, спокойствием, теплом, добротой и гармонией.

15 лет

ЭССЕ ПО КАРТИНЕ «НА ПАСЕКЕ. НАТЮРМОРТ» М.Я. БУДКЕЕВА Наша страна многолика и многогранна, в каждом ее уголке можно найти что-то особенное, будь то сохранившаяся первозданной роскошь природы, местные обычаи, акцент коренных жителей или удивительные слияния различных архитектурных направлений и иностранных мыслей с собственными. И всю эту красоту, разнообразную и притягательную, стремились запечатлеть целые поколения творцов: композиторов, фотографов, живописцев и графиков, поэтов и прозаиков – все стремились преподнести собственный уголочек России в своих трудах. Такими мастерами славится и природа Алтайского края, в творчестве каждого из них она становится источником вдохновения, подталкивающим изображать свои искрящиеся снегом горные позвонки, блестящие лазурью озера, живые, неугомонные реки, быт местного населения. И одним из воспевателей этой живой, немного морозной и сырой, душистой и красочной культуры стал Будкеев Михаил Яковлевич. Примечательно, что искусством Михаил Яковлевич занялся, только пережив ужасающие виды войны. Ведь по счастливому стечению обстоятельств, именно будучи в госпитале во времена Великой Отечественной войны, он встретил лейтенанта, бывшего архитектора, что направил его на творческий путь. Рожден же Михаил Будкеев был 23 декабря 1922 года в крестьянской семье, в старинном селе у подножия Салаирского хребта, в Алтайском крае. В юношестве он не интересовался искусством, занимаясь крестьянским трудом, но красота его окружения врезалась в память, в будущем воспетая. После войны вернувшись на родину, Будкеев трудится, упорно и вдохновенно, декоратором Бийского городского драматического театра. Дефицит краски и трудности не ломали его, а богатая людьми искусства среда укрепляла желание быть художником, побуждала становиться лучше в своем деле. В той среде Михаил Яковлевич легко впитывал в себя традиции русской реалистической школы, ее философию с поэтизацией самого повседневного. Был он близко знаком с Дмитрием Ивановичем Кузнецовым, глубоко почитавшим видного тогда «алтайского певца», Григория Ивановича Чорос-Гуркина. Знакомство с ним открыло в Будкееве любовь к пейзажам с его достоверностью, трогательной искренностью и близостью с натурой. Широким и свободным мазком своим он передает теперь неугомонную любовь к жизни, в работах своих сюжетно-пейзажных он сближает человека с природой. В 1961 году он принят был в Союз Художников России, достигнув тем признания, но кроме того, Михаил Яковлевич возвращается к близкому Горному Алтаю, захватывающего живописца уже навсегда. Здесь цветут его пейзажи, и живописец развивается дальше, переходя к натюрмортам. Особенности его мастерства можно рассмотреть на примере картины «На пасеке. Натюрморт» 1982 года. При первом взгляде на полотно сказать можно сразу – оно необычайно теплое. Светлый колорит с древесными, медово-жёлтыми, алыми оттенками с толикой контрастных голубых отсветов создает согревающую атмосферу любимого домашнего труда. Представлены же нам в тесном пространстве вещи повседневные для Алтайского края: медовые соты, разноцветные и все в крапинку, как цветочные поля, простые инструменты, отливающая золотом миска, собранные и перевязанные ветви рябины, с рыжеющими листочками и груздями тяжелых ягод, маленькая синичка, да шишки и веточки хвойные, от которых тянет свежестью. Фоном выступают смолистые бревна, в неровностях которых столько вкраплений цветов, что создают общее ощущение гармонии и идиллии от сибирского естества. И подкрепляет это чувство статичность горизонталей, устойчивость которых соизмерима только с постоянством природы, любви и труда. Особо примечательны ритмичные отклики разных оттенков красного в маленьких плодах рябины, в тягучем меде с сот, в каёмке ложек. Но более поражает трепетная проработка художником материальности предметов, ясно дорогих ему. Всматриваясь дольше, даже начинаешь чувствовать контрастные медовой сладости сочные и кислые ягоды, душистый аромат шишек, прямоту и холодность ножа. И потому еще ближе зрителю кажется эта картина, будто и написана она вовсе не маслом по холсту, а искренней любовью под устойчивым впечатлением. Поразительно, как сильно Михаил Будкеев отошел от прошлой своей жизни солдата, военной силы, дабы совместить всю свою дальнейшую с красотой живописи, в которой бесконечно цветет, живет любимая им Родина. И на протяжении всего своего творческого пути мотив бесконечно оптимистичного жизнелюбия тянется через все поэтичные изображения единства человеческого и природного, через все пейзажи с лодочками и лошадьми, через деревья, кроющие листвой часть старых построек. Главное, все это единство красочно, живо и органично. Это – его собственная ниша в истории изобразительного искусства.

15 лет

Эссе по картине Ильи Ивановича Машкова «Натюрморт. Рыбы» Среди картин Интернет — галереи молодежного и детского творчества «Вернисаж» меня больше всего привлекла яркая работа «Натюрморт. Рыбы» Ильи Ивановича Машкова. Произведения мастера : «красочные пейзажи, натюрморты, портреты отличаются чувственной конкретностью образов, экспрессивной, сочной манерой письма», — отмечает Новая иллюстрированная энциклопедия под редакцией лауреата Нобелевской премии А.М. Прохорова. Композиция картины статична, одновременно ритм как одно из средств художественной выразительности живописца задает жизнь натюрморту. Художник уделяет особое внимание ритму и контрастам. Он объединяет в пары некоторые предметы, размещает разные по размеру рыбки через интервал, выстраивает в ряд — будто произвольный — овощи и фрукты, тем самым создает интересный сложный ритмический рисунок. Большой предмет – кочан капусты слева уравновешивает кувшин справа внизу. Большая длинная рыба на переднем плане задает горизонтальный ритм. Подкопченные рыбки на вертикальной плоскости организуют вертикальный ритм. Отличительная особенность произведения — декоративность, обусловленная яркими интенсивными цветами и оттенками. Переливающаяся, местами зеркальная, центральная рыба вызывает радостные воспоминания, ассоциации со сверкающей под солнцем гладью реки. Значимость натуры создается благодаря плоскостному изображению предметов, изображению рыб в профильном ракурсе. Художник сумел передать детали, фактуру рыб, показать их объем, при этом делая их плоскими. При изображении плоскостной природной формы рыб благодаря пластичности линии достигается выразительность силуэта. В картине гармонируют проработки элементов изображения и широкие мазки кистью. Сочетание приглушенных оттенков фона и ярких контрастных цветов придаёт натюрморту живой характер, притягивает взгляд мой. Атмосфера этого произведения переносит меня на летний рынок возле речки, чувствуется свежесть ветра, запах рыбалки. Меня не покидает ощущение беззаботной жизни и счастья.

14 лет

Эссе по картине Николая Фешина «Моя дочь Ия (Ия с дыней» Картина «Ия с дыней» или по-другому «Моя дочь Ия» написана на квадратном формате, что само по себе подразумевает статичную композицию. Мы смотрим на девочку как бы сверху, с точки зрения взрослого, как смотрит родитель на ребёнка. Уравновешенная композиция — в левой части мирно сидящая девочка, в правой – разложенные на столе фрукты и ваза с цветами. Линии на картине очень плавные и гибкие. Это важнейшее изобразительно-выразительное средство автора. Преобладают тёплые оттенки: хрупкие, нежные плечи хорошенькой девочки, тонкая нежная кожа, медового цвета кудри, румяные щёки. Сочные фрукты. От этой картины веет добром, уютом, домашней лаской. Как мирно расположилась Ия за лакомством, задумавшись о чём-то своем. Глаза опущены, плечи расслаблены, и с них немного слетело лёгкое летнее платьице. Фон представляется очень нечётким, мазки едва выхватывают то, что изображено позади фигуры портретируемой. Весь акцент картины — передний план: фигура, руки, лицо. Красота в нежности, детской непосредственности, открытости. Ценность данного произведения искусства состоит в том, по- моему мнению, что художник передает атмосферу запечатлённого момента. Николая Фешина называют виртуозом русской живописи — он великолепно передал нюансы настроения дочери, атмосферу любви в доме. У картины есть характер — умиротворяющий, настолько гармонично дополняют друг друга все части, все элементы, настолько светлый колорит. В своих произведениях Николай Фешин создает яркий, грациозный, пластичный женский образ, наполненный красотой и чистой привлекательностью. Все изображённые им девушки имеют складную фигуру, пропорциональное тело, в каждом движении линий видна нежность самого художника по отношению к портретируемым. Особое место в творчестве Николая Фешина занимает Ия, дочь художника. Её он изображает часто и с огромной любовью, очень трепетно относясь к портрету девочки. Школа Репина научила вглядываться во внутренний мир портретируемого, он огромное внимание уделял именно атмосфере, настроению. Отражению характера и душевного состояния изображаемого человека. Николай Фешин по-настоящему обожал свою дочь, рожденную от трепетно любимой женщины, поэтому и юная Ия на картине так красива, нежна.

16 лет