День: 28.09.1984

Техника рисунка в древней Греции

Техника рисунка  в древней греции

 

Греческие художники многое позаимствовали у египтян и в области методики обучения рисунку — например метод рисования заостренной палочкой по не очень твердой гладкой доске. Правда, глиняную поверхность они заменили восковой, но принцип нанесения изображения на плоскость оставался тот же: при изучении пропорциональных закономерностей строения человеческой фигуры — математический расчет.

Однако, знакомясь  с методами преподавания искусства  в Древнем Египте, греки подошли  по-новому к проблеме обучения и  воспитания. Они призывали молодых  художников внимательно изучать  жизнь, находить в ней прекрасное и утверждали, что самым прекрасным в жизни является человек —  женщина с красивыми формами  тела, мужчина с развитыми мускулами. Для греков прекрасным стала земная жизнь, а не загробный мир. Изучая природу, наблюдая красоту обнаженного  человеческого тела, они находили в нем так много прелести и  гармонии,что не случайно и богов  стали изображать по образу и подобию  людей. Зевс — мудрый старец, Афина  — греческая женщина, Аполлон  — красивый молодой человек.

 

Греки представляли себе загробный мир как земной, их боги подобны людям. Им свойственны  человеческие мысли, действия и даже недостатки, все то, что присуще  человеку. Ставя во главу изобразительного искусства образ человека, греческие  художники наблюдали и изучали  человеческое тело во всех его деталях. Используя традицию построения изображения  человеческой фигуры по канонам, греческие  художники выдвинули новую проблему в искусстве и удачно решили ее в своих трудах.

 

 

 

В 432 году до н. э. в Снкноне скульптор Поликлет написал сочинение о про норциональной  соразмерности частей человеческого  тела. Поликлет установил новые пропорциональные членения человеческой фигуры и впервые  в истории изобразительного искусства  разрешил проблему «contraposto» — то есть внутреннюю подвижность стоящей  фигуры, с упором на одну ногу. Благодаря  решению этой проблемы изображение  человека стало реальным, оно вышло  из той скованности и окаменелости, в которой находилось тысячелетия. Фигура человека стала изображаться очень естественно и жизненно. К сожалению, о содержании теоретического труда Поликлета мы знаем лишь очень немногое по выдержкам из сочинений  древних писателей и предположениям ученых.

 Поликлет. Дорифор. Мрамор. V век до н. э. Неаполитанский музей.

 

Для иллюстрации  своих теоретических доказательств  Поликлет вылепил статую Дорифора —  копьеносца, которая служила образцом. Плиний в «Естественной истории» писал, что из этой статуи художники  извлекали, как будто из книги, твердые  правила и законы, и таким образом  Поликлет в этом произведении оставил  последующим художникам как бы учебник  своего искусства.

Настоящая же революция в области рисования  и методах обучения приписывается  Аполлодору (около V века до н. э.), которого Плиний относит к светочам искусства. Аполлодор Афинский считается первым скиографом, то есть тенеписцем, и вместе с тем первым станковым живописцем, введшим в технику живописи смешивание красок между собой и их градации сообразно свету и тени. Заслуга  Аполлодора заключается в том, что  он первый стал моделировать объем  формы в рисунке, тоном. До Аполлодора художники Греции изображали форму  предметов одними линиями, они не представляли себе, как можно иначе  изобразить на плоскости форму предметов. Теперь современному художнику тональная  моделировка формы кажется обычным  делом, но было время, когда светотень в рисунке, создававшая иллюзию реального объема, почиталась за чудо.

Это были принципиально  новые положения не только в практике изобразительного искусства, но и в  методике его преподавания. Появилась  необходимость в совершенно иных методах обучения. Передача формы, объема на плоскости требовала своей  теории, своей методики, особых приемов  работы. Являясь замечательным художником, Аполлодор в то же время был  и прекрасным педагогом. Достаточно отметить, что учеником Аполлодора был прославленный живописец  древности Зевксис, которого сам  Аполлодор в одной из сочиненных им эпиграмм назвал «похитителем своего искусства».

Зевксис (420-380 гг. до н. э.) был родом из Гераклеи, учился у Аполлодора в Афинах, а  затем открыл свою школу в Эфесе. У Зевксиса было много учеников и  последователей. Желая помочь ученикам понять прекрасное в жизни и в  искусстве, Зевксис, как и все  художники Древней Греции, старался найти и установить идеал и  канон красоты на основе изучения натуры. О том, как Зевксис создавал образ красивейшей женщины Греции, нам повествует Плиний. Он рассказывает, что Елену для кротонцев Зевксис  написал не с одной натурщицы, а с нескольких. Кротонцы прислали Зевксису красивейших девушек своего города, чтобы он выбрал себе из них  наилучшую для натуры. Художник отобрал  пять красивейших натурщиц и, списывая то с одной, то с другой наиболее прекрасные формы, создал столь идеальный  образ женщины, что «взглянуть на него было неземным наслаждением».

Много усовершенствований внес Зевксис в методику построения изображения формы предметов  средствами светотени. Л. Б. Альберти писал  о нем: «…говорят, что Зевксис, древнейший и известнейший живописец, почитался  как бы главой всех остальных в  познании свойств светов и теней  и что подобная слава была уделом немногих». Благодаря глубокому  знанию законов природы, техники  и технологии изобразительного искусства  Зевксис приобрел великую славу. За свои картины он получал огромные деньги и накопил колоссальное состояние. Под конец жизни он даже перестал работать за деньги и дарил свои произведения царям и городам, заявляя, что его картины превосходят  всякую цену. Он вел роскошную жизнь  и показывался в публичных  местах в золоте и пурпуре. Несмотря на это, как художник и педагог  Зевксис был очень требователен и к ученикам, и к самому себе. «Передают, что и впоследствии Зевксис  нарисовал мальчика, несущего виноград; к винограду подлетели птицы, и Зевксис, рассердившись на свою картину, обнаружил то же самое благородство, заявляя: «Виноград я нарисовал  лучше, чем мальчика, потому что, если бы я и мальчика нарисовал вполне удачно, птицы должны были бы его  бояться».

Как мы видим, греческие художники стремились к реальности изображения, они старались  изобразить реальный мир как можно  точнее, доходя до иллюзорности. Все  это нашло свое отражение и  в методике обучения. Натура являлась источником знаний, а следовательно, в основу метода преподавания было положено рисование с натуры.

Вместе с  Зевкспсом продолжал развивать  принципы реалистического искусства  другой замечательный художник того времени — Паррасий. Плиний Старший  писал о нем: «Паррасий родился  в Эфесе и сам многое внес в  область своего искусства. Он первый придал живописи симметрию, первый стал передавать игру лица, изящество волос, красоту лица, по признанию художников, достигши первенства в контурах. В  этом заключается высшая тонкость живописи». Уметь хорошо передавать «игру лица», «достигнуть первенства в контурах»  — это прежде всего в совершенстве владеть рисунком, а для овладения  таким рисунком нужна основательная  школа. Все это говорит о том, что методика обучения рисунку в  то время была поставлена на должную  высоту. Об этом свидетельствуют и  данные археологических раскопок (1968-1969 гг.) близ Пестума, где впервые были обнаружены образцы живописи древнегреческих  мастеров. Хотя Посейдония (Пестум) была и далекой провинцией, и работали там второстепенные мастера, но рисунком они владели прекрасно.

Об этом убедительно  говорит метод работы художника  над композицией, когда он без  особого труда перекомпоновывает  первоначальный сюжет и создает  новый рисунок. «Композиция росписей нередко намечалась по нескольку  раз — об этом можно судить, изучая фрески при боковом освещении. Сюжеты росписей разнообразны: вереницы всадников, поединки кулачных бойцов или греческих  пехотинцев-гоплитов, сцены охоты  на оленя, изображения быков, грифонов и фантастических птиц».

 

Греческие художники стремились к реальности изображения, часто доходя до иллюзорности. Понятно, что для приобретения навыков подобного мастерства нужна была хорошая школа рисунка. К IV веку до н. э. в Греции существовало уже несколько прославленных школ рисунка: Сикионская, Эфесская, Фиванская. Эти школы имели различные методические установки. Фиванская школа, основателем которой был Аристид, или Никомах, большое значение придавала светотеневым эффектам, передаче жизненных ощущений и иллюзии. Эфесская школа, создателем которой считаетсяЭфранор из Коринфа (по другим источникам —Зевксис), основывалась на «чувственном восприятии природы и на внешней красоте». Эта школа стремилась к иллюзии, но была «небезукоризненна в рисунке». Сикионская школа, основаннаяЭвпомпом, базировалась на научных данных естествознания и строго придерживалась законов природы. В этой школе требовалась «величайшая точность и строгость рисунка».

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

СИ́КИОНСКАЯ ШКО́ЛА .

  Сикион (Sikyon) — город в Греции, на севере Пелопоннеса, близ Коринфа. Основан ионийцами. В VII в. до н.  э. сикионцы оказались в сфере влияния дорийской культуры. Издревле жители города славились умельцами — каменщиками, гончарами, бронзолитейщиками, чеканщиками. Сикионские ремесленники соперничали с жителями Аргоса, первого дорийского города. В VI в. до н. э. в Сикион переселились с о. Крит знаменитые скульпторы Дедал, Дипойн, Патрокл и Скиллид — мастера акролитических статуй. Легенда связывает происхождение искусства рисунка и лепного рельефа именно с Сикионом . Архаические бронзовые статуэтки мастеров сикионской школы, как и аргосские, относятся к дорийскомустилю. Однако они отличаются линейно-орнаментальной трактовкой складок одежд в женских фигурах и анатомических «узлов» — суставов, конечностей — в мужских. Аргосский скульптор мыслит массами, сикионский — чертит, гравирует на поверхности объема (см. графика, графическое начало в искусстве, графичность). Даже статуэтки куросов (юношей) сикионцы чаще делали не обнаженными, как другие скульпторы, а одетыми, графично трактуя детали одежды, складки ткани и детали прически. Такова, к примеру, фигура Гермеса Криофора (греч. kriophoros — «несущий барана»; VI в. до н. э.). Наиболее знаменитымживописцем сикионской школы был Памфил, родом из Македонии (середина IV в. до н. э.), учитель Апеллеса. Выдающийся скульптор периода греческой классики  Поликлет из Аргоса, как предполагают, свой теоретический труд «Канон» написал в Сикионе. В это же время в Сикионе живописец Эвпомп, или Евпомп (Eupompos, ок. 420—380 гг. до н. э.), основал школу рисунка, в которой преподавал также геометрию и арифметику (см. «Семь свободных искусств»). По свидетельству Плиния Старшего, значение Эвпомпа «было так велико, что с ним установилось новое разделение живописи на школы, которых до него было две — их называли элладской и азийской, а так как элладская благодаря ему (он был из Сикиона) разделилась, то стало три школы: ионийская, сикионская, аттическая»1. Сикионскую школу считали самой консервативной. Ее главой во второй половине IV в. до н. э. был прославленный скульптор Лисипп. Плиний сообщает, что он создал 1500 произведений, а у Петрония («Сатирикон», 88) есть упоминание о том, что Лисипп умер от истощения за работой над одной из своих статуй (эти сведения считают преувеличением). Лисипп был придворным скульптором Александра Македонского , работал в 368—304 гг. до н. э. Среди множества произведений, в основном в бронзе (до нашего времени сохранились их мраморные реплики), наиболее известны Апоксиомен , изображения Кулачного бойца , сидящего Гермеса, большая статуя Геракла — ее позднейшей вариацией считают знаменитого Геракла Фарнезе . Для творческого метода Лисиппа характерно стремление демонстрировать неустойчивость движения, что подчас ведет к искаженным пропорциям и дробному силуэту. Лисипп работал не как скульптор (от массы к деталям), а как пластик — лепил форму «изнутри наружу» . После осязательная ценность формывойн греков с персидским царем Митридатом VI Евпатором (132—63 гг. до н. э.) сикионцы, согласно легенде, оказались в столь бедственном положении, что собрали все имеющиеся у них статуи и другие произведения искусства и в 59 г. до н. э. продали их римлянам.

 

Сикионская  школа оказала большое влияние  на методику преподавания рисования  и на дальнейшее развитие изобразительного искусства. Эта школа придерживалась научного метода обучения, она стремилась приблизить ученика к природе, научить  его чтить закономерности строения природы, воспитывала у ученика  любовь к изучению красоты природы. В результате обучения Сикионская школа  рисунка давала очень высокую  профессиональную подготовку молодым  художникам. Из этой школы вышли  такие прославленные художники, как Памфил, Мелантий, Павзий и великий  Апеллес.

Говоря о  Сикионской школе, необходимо прежде всего  сказать о ее основателе — Эвпомпе (400—375 годы до н. э.). Он был прекрасным педагогом и хорошим живописцем. Особое место в истории изобразительного искусства Эвпомп занимает как выдающийся представитель художественной педагогики.

Эвпомп впервые  обратил серьезное внимание на научную  основу изобразительного искусства, положив  рисунок в основу своей школы. Стараясь ввести в искусство научные  принципы и стремясь к величайшей точности рисунка, Эвпомп подошел по-новому и к методу обучения. Он призывал своих учеников изучать закономерности природы на основе данных науки, главным  образом, математики. Плиний пишет: «Значение  Эвпомпа в живописи было так велико, что из-за него внесено было новое  деление живописи: до него она делилась на живопись Эллады и Азии, а из-за этого уроженца Сикиона живопись Эллады в свою очередь была разделена  и получилось три школы: Ионийская, Сикионская, Атическая».

Наиболее выдающейся личностью Сикионской школы и  ее фактической главой был Памфил — ученик и последователь Эвпомпа. Памфил был очень образованным человеком  и блистательным художником. Плиний пишет о нём: «Сам Памфил родом  был македонянин, но он первый вступил  в область живописи, обладая всесторонним образованием, особенно же знанием  арифметики и геометрии; без их знания, по его словам, нельзя было достичь  совершенства в области искусства».

Прекрасно понимая, что во время рисования с натуры человек не только наблюдает предмет, но и познает его строение,Памфил придавал большое значение рисованию как общеобразовательному предмету и с этой целью содействовал введению рисования во всех греческих школах. Плиний пишет: «Благодаря ему сперва в Сикионе, а потом во всей Греции было установлено так, что свободные дети учились рисованию, то есть живописи на буковом дереве, причем это искусство было включено в число предметов первоначального образования ».

При обучении рисованию художников-профессионалов Памфил особенно большое внимание уделял научному обоснованию каждого положения  изобразительного искусства и, в  частности, математической закономерности. Сам Памфил был большим знатоком математики и много работал в  области геометрии, так как считал, что эта наука помогает развитию пространственного мышления и облегчает  процесс построения изображения  на плоскости. На дверях Сикионской школы  рисунка, говорит Плиний, было написано: «Сюда не допускаются люди, не знающие  геометрии».

Выставка «Эллада становится ближе»

12 августа 2016 г.

Этот выставочный проект посвящен перекрестному году Греции в России и России в Греции и наглядно показывает, сколь разнообразное отражение может найти «греческая» тема в современном искусстве – как в работах профессионалов, так и в творчестве совсем юных художников. Выставка состоит из двух содержательных блоков: в первом из них представлены детские рисунки на тему Греции, во втором – полотна вологодских мастеров Валерия и Надежды Антоновых, созданные ими во время греческих пленэров. Экспозицию удачно дополняет керамика Анны Максимовой, близкая по духу и стилю тому облику Греции, который живет в сознании многих из нас.

Детские рисунки организаторы выставки собирали при поддержке Российского Центра науки и культуры при Посольстве РФ в Греции. Ученики греческих школ и центров образования и творчества Греции и России, а также ученики русскоязычной школы австралийского города Перта воплотили в своих рисунках яркие впечатления от знакомства с греческими мифами, историей и культурой. Эпические сюжеты и герои, монументальность древних храмов подтолкнули юных живописцев к изучению и творческому осмыслению богатого наследия греческой цивилизации.

Если детские работы (а их авторам от 3 до 17 лет) отражают в основном сюжеты древнегреческой мифологии, то в картинах Антоновых – вся полнота впечатлений от природы Греции, восхищение ее мощью и южной красотой. Надежда Антонова, работая в разных техниках (акварель, пастель, масло), кажется, ищет способ передать многообразие ощущений, которые вызывает эта страна. Ее полотна – тихое и сосредоточенное созерцание величия и простоты, в атмосферу которых погружает Греция. Не случайно, наверное, среди ее картин так часто встречаются натюрморты с открытым окном, показывающие внимание к характерным деталям быта и одновременно открывающие далекий горизонт. Валерий Антонов предпочитает взгляд вдаль – на выставке много его пейзажей морского побережья, панорамных видов, хорошо передающих ощущение безграничного простора, наполненных воздухом и светом.

«Когда-то английский романтик Шелли сказал: «Все мы греки», – напомнила собравшимся преподаватель филологического факультета ВоГУ Светлана Патапенко. – И это парадоксальное, на первый взгляд, утверждение верно по сути: современное человечество в значительной мере является наследником древнегреческой цивилизации, создавшей тот мощный фундамент, на котором сегодня стоят наука и искусство. И эта выставка – наглядное тому подтверждение».

Выставка «Эллада становится ближе» будет работать в Юго-Западной башне Вологодского кремля до 30 сентября 2016 года.

Светлана Гришина

История и культура — Греция Древняя

Просмотров: 40879

Греция Древняя, общее название территории древнегреческих городов-государств

 Греция Древняя, Эллада (греч. Hellбs), общее название территории древнегреческих городов-государств, занимавших в II-I вв. до н. э. юг Балканского полуострова, острова Эгейского моря, побережье Фракии, западный берег Малой Азии. Собственно древнегреческое искусство зародилось в недрах микенского (см. Эгейское искусство). Преемственная связь на рубеже 2 — 1-го тысячелетия до н. э. прослеживается наиболее чётко в расписной керамике и архитектуре (последовательная эволюция вазописи от позднемикенской и протогеометрической к вазописи геометрического стиля, IX-VII вв. до н. э.; сохранение в ранней греческой архитектуре построек типа мегарона). В пределах хронологических рамок развития древнегреческого искусства (II-I вв. до н. э.) различают так называемый гомеровский период, периоды архаики, классики и эллинизма (см. Эллинистическое искусство). Наивысшего подъёма древнегреческая цивилизация достигла в V-IV вв. до н. э., в эпоху рабовладельческой демократии и расцвета древнегреческих городов — полисов. Она нашла яркое выражение как в архитектуре, изобразительном и декоративно-прикладном искусстве, так и в философии, литературе и театре, естественнонаучных и исторических знаниях. Пластические искусства Греции на протяжении многих столетий служили образцами красоты, художественной гармонии и высокого вкуса. Творчество древнегреческих мастеров основывалось на мифических представлениях, однако оно проникнуто пристальным вниманием к реальности, ощущением гармонии и соразмерности мира, красоты естественного бытия, физического и духовного совершенства человека. Характерно, что человеческое метрическое начало присутствует не только в изобразительном искусстве, но и в зодчестве Греции (математический анализ пропорций древнегреческой архитектуры говорит о том, что они соразмерны пропорциям человеческой фигуры). Эти глубоко гуманистические начала обусловили определяющее значение древнегреческой культуры для развития мировой цивилизации. Благодаря широкому распространению греческой колонизации (наиболее интенсивной в VIII-VI вв. до н. э.) древнегреческие художественные памятники сохранились также на севере Балканского полуострова, в Средиземноморье и Причерноморье.

В так называемый гомеровский период (XI-VIII вв. до н. э.) широкое развитие получила расписная керамика. До VII в. до н. э. в ней существовал геометрический стиль. В период его расцвета (III в. до н. э.) создавались большие вазы (служившие надгробиями; назывались дипилонскими, так как были обнаружены на Дипилонском некрополе в Афинах) и сосуды бытового назначения. Росписи состояли из геометрического орнамента и отличались чёткой ритмикой, выразительностью линий; геометризации подчинялись и изображения людей и животных. В геометрическом стиле создавались также терракотовые статуэтки и скульптурные украшения сосудов (налепы на крышках и фигурные ручки из глины и бронзы). Скудные остатки построек, терракотовые модели храмов гомеровского периода свидетельствуют о том, что строительная техника этого времени уступала критской и микенской.

Период архаики (VII-VI вв. до н. э.) отмечен сложением классового общества, формированием городов-государств. Главными элементами их градостроительной структуры были святилище (акрополь) и торговый центр (агора), вокруг которых располагались жилые кварталы. Центральное место в застройке городов занимали храмы («жилища богов» со статуей внутри), которые сооружались сначала из сырцового кирпича и дерева, с конца VII в. до н. э. — из известняка, а с конца VI в. до н. э. — всё чаще из мрамора. Преобладающим типом храма был обнесённый колоннадой периптер. Он сложился в результате длительной эволюции от древнего жилища — мегарона к храму в антах, простилю и амфипростилю. Наряду с храмами строились различные по функциям общественного сооружения: булевтерии (дома для собраний), стои, театры, стадионы и др. С переходом к строительству из камня складываются главные разновидности архитектурного ордера, способствовавшего созданию тектонически ясного архитектурного образа, выработке соразмерных человеку архитектурных масштабов. Постройками дорического ордера являются храмы Геры в Олимпии, Аполлона в Коринфе, Деметры в Посейдонии (вторая половина VI в. до н. э.), храмы в Селинунте. Суровая монументальность облика дорических храмов эпохи архаики созвучна времени напряжённой общественной борьбы внутри полисов. Ионический ордер (к которому близок эолийский) возник в VI в. до н. э. в греческих городах Малой Азии. Строгая изысканность форм капители и стройность пропорций отличают его от дорического. Он применён в обширных многоколонных храмах с двойной колоннадой — диптерах (храмы Артемиды в Эфесе и Геры на острове Самос — оба середина VI в. до н. э.), а также (с некоторыми изменениями) в небольших изящных сокровищницах в святилище в Дельфах.

Скульптура эпохи архаики украшает храмы (рельефы фризов, метоп и фронтонов, фигурные и орнаментальные акротерии, антефиксы из камня и терракоты). Суровые изваяния изображают богов и мифических героев (Тесея, Геракла, Персея), борющихся со страшными чудовищами — олицетворениями зла и пороков. Массивность и слабая расчленённость фигур созвучна архитектурным формам архаических храмов (как бы набухающим стволам толстых колонн, монументальным антаблементам). Динамикой и сложностью композиции отличались многофигурные скульптурные фризы ионических храмов (фриз сокровищницы сифнийцев в Дельфах, около 525 до н. э.). От мало связанных друг с другом отдельных сцен постепенно совершается переход к целостным, гармоничным композициям. Рельефы на ранних фронтонах (храм Артемиды на острове Керкира, начало VI в. до н. э.) со временем сменяются круглой скульптурой с обобщённой обработкой тыльной стороны (Тифон в виде змееподобного существа на фронтоне древнего храма Гекатомпедона в Афинах, около 570 до н. э., ныне в Малом Акрополе, Афины).

Статуарная архаическая скульптура представлена первоначально небольшими деревянными, позже бронзовыми статуэтками («Аполлон из Фив», первая половина VII в. до н. э.), затем изваяниями обнажённых юношей (куросов) и стройных девушек (кор) в длинных одеждах (особенно совершенны аттические и ионийские статуи зрелой и поздней архаики). В них воплотились эстетические представления о физическом совершенстве человека, доблести защитника полиса, могуществе божества. Неподвижность и обобщённость форм («Артемида Делосская», середина VII в. до н. э., Национальный Археологический музей, Афины; «Гера Самосская», вторая четверть VI в. до н. э., Лувр) дополняются условным обозначением движения («Нике Делосская», середина VI в. до н. э., приписывается скульптору Архерму, Национальный Археологический музей, Афины). Скульпторы, использовавшие как средство психологической выразительности лишь крайне ограниченную мимику человеческого лица (так называемая архаическая улыбка), умели вместе с тем достигать богатства эмоционального строя образов с помощью тонкой моделировки цельных объёмов, виртуозной пластической трактовки драпировок, отличающихся то сдержанным и строгим, то прихотливым линейным ритмом складок. В архаической скульптуре проявляются местные различия: ионические коры и куросы с их лиричностью и созерцательностью, плавной текучестью форм отличаются от суровых, резких по моделировке дорических статуй («Клеобис» и «Битон» — обе около 600 до н. э., скульптор Полимен Аргосский, Музей в Дельфах).

В эпоху архаики получили развитие основной разновидности древнегреческих ваз: амфора, кратер, килик, гидрия и др. Вазописцы VII в. до н. э. создавали композиции так называемого ориентализирующего стиля. В их росписях, порой сплошь покрывающих поверхность сосудов, жёсткость линий и условность геометрических узоров постепенно уступают место гибкости линий и силуэтов, богатым растительным мотивам, распространяются сюжетные, главным образом мифические, сцены (наиболее частые в островной керамике). В конце VII-VI вв. до н. э. в вазописи Коринфа, а затем Афин утверждается чернофигурный стиль, ведущими мастерами которого были Клитий, Эксекий, Амасис. С именем Андокида связан переход около 530 до н. э. от чернофигурной (чёрные, покрытые лаком силуэтные изображения на красном фоне глины) вазописи к краснофигурной (контурные изображения чёрным лаком на красной глине; см. Вазопись). Высокое совершенство присуще в архаический период искусству глиптики.

В эпоху классики (V — третья четверть IV вв. до н. э.) достигли расцвета древнегреческие города, сложилась система регулярной планировки (Милет, Пирей), главные принципы которой (разбивка города прямоугольной сетью улиц, комплексная застройка жилых кварталов домами одинаковой величины и др. ) принято связывать с именем архитектора Гипподама из Милета. «Гипподамова система» отвечала демократическим идеалам и структуре полиса. Типичным жилищем эпохи классики был дом из сырца, помещения которого группировались вокруг двора и примыкавшей к нему «пастады» (крытый проход на столбах). В архитектуре классических храмов (являвшихся не только святыней, но и своеобразным символом полиса) типические черты сочетались с индивидуальными особенностями: единая ордерная схема варьировалась путём изменения пропорций и масштаба построек. Каждый город-государство стремился к своеобразию своих главных сооружений. Поэтому при общности плана и ордерных элементов столь различны по архитектурному облику храм Афины Афайи на острове Эгина (около 500-480 до н. э.), храм Геры II (так называемый храм Посейдона) в Посейдонии (вторая четверть V в. до н. э.), храм Зевса в Олимпии (468-456 до н. э.) и др.

На рубеже VI-V вв. до н. э. происходят решительные перемены в изобразительном искусстве. Преодолевая условность архаических форм, скульпторы, вазописцы и живописцы начинают создавать более близкие к реальности образы, совершеннее изображать человеческую фигуру, её структуру и движение. Многофигурные сцены на фронтонах и фризах храмов приобрели более смелую и свободную композицию. Принципы «строгого стиля», возникшего в начале классической эпохи, наиболее отчётливо воплотились в вазописи. Вазописцы Эпиктет, Евфроний, Дурис, мастер Брига, работавшие в краснофигурной технике, создавали росписи как на мифические, так и на бытовые темы (сцены пирушек, занятий в школах, атлеты на стадионах). Их изображениям свойственны строгая подчинённость форме сосудов, лаконизм и вместе с тем свобода и естественность композиции, изящество обобщенного рисунка. «Строгий стиль» проявился и в скульптуре первой половины V в. до н. э. (скульптурные фронтоны храма Афины Афайи на острове Эгина, фронтоны и метопы храма Зевса в Олимпии). В раннеклассической пластике наряду с героическими образами (группа «Тираноубийцы» работы Крития и Несиота, 477 до н. э., Музей в Дельфах) создавались и возвышенно-лирические (рельефы так называемого трона Лудовизи, вторая четверть V в. до н. э., Национальный музей, Рим), отмеченные обобщённостью и гибкостью пластики, тонкостью моделировки, изысканным линейным ритмом. Поиски мастеров первой половины V в. до н. э. завершил Мирон. Совершенное пластическое выполнение человеческой фигуры, тонкое знание её структуры и движений дали ему возможность выразить непреходящие по своему значению идеи: победы прекрасного человеческого начала над уродливым («Афина и Марсий»), красоты предельного напряжения гармонически развитого человеческого тела (статуя «Дискобол»). В середине и третьей четверти V в. до н. э. искусство классики достигло расцвета (так называемая высокая классика). Главным политическим и художественным центром Эллады в эпоху правления Перикла стали Афины. На разрушенном персами в период греко-персидских войн (500-449 до н. э.) Акрополе создавался стройный и свободный по пространственной композиции ансамбль, рассчитанный на непрерывную и последовательную смену точек зрения, в сооружениях которого гибко сочетались элементы симметрии и асимметрии, ионических и дорических ордеров. Архитекторы и скульпторы работали здесь под руководством Фидия. Иктин и Калликрат воздвигли на Акрополе храм Афины — Парфенон. В его строгих, гармоничных, классически ясных пропорциях, в праздничном монументальном облике как бы олицетворён триумф победы над персами. Архитектор Мнесикл построил парадные Пропилеи, безвестный мастер — изящный ионический Эрехтейон. Строгое архитектоничное скульптурное убранство Парфенона (рельефы метоп и фриза, статуи фронтонов) воплощает идеалы возвышенной красоты и гармонии. Изображения богов, афинян, шествующих в торжественной процессии, сцен борьбы кентавров с лапифами символизируют торжество разумного эллинского начала над силами варварства. Им свойственны высокое пластическое совершенство, виртуозная лёгкость моделировки и обработки поверхности мрамора. Классические идеалы, представления о гражданской доблести, нравственном и физическом совершенстве свободного эллина воплотились также в работах Алкамена и Кресилая, статуях Поликлета из Аргоса, нашли отражение в вазописи, во фресках Полигнота, терракотовых статуэтках, рельефных изображениях на монетах, произведениях глиптики. После Пелопоннесской войны 431-404 до н. э., в период кризиса греческой полисной демократии, интересы полиса всё более вытеснялись интересами отдельной человеческой личности. Всё большее внимание уделялось строительству сооружений, связанных с многообразными потребностями человека: гимнасиев, палестр, одеонов, театров (театр в Эпидавре, архитектор Поликлет Младший). Строго продуманная, функционально обусловленная композиция греческих театров легла в основу развития мировых зрелищных сооружений. В IV в. до н. э. появляется тенденция к увековечению личности в мемориальных постройках (мавзолей в Галикарнасе, памятник Лисикрата в Афинах).

В изобразительном искусстве возросший интерес к человеческой личности стимулировал развитие скульптурного портрета (работы Деметрия из Алопеки, конец V — первая половина IV вв. до н. э.). Противоречия действительности преломились в творчестве Скопаса, воплотившего в своих мифических скульптурных композициях драматизм борьбы, силу духовных и физических порывов человека (фриз мавзолея в Галикарнасе; статуя «Менада»). В статуях Праксителя преобладают спокойная мечтательность, элегические ноты. В работах Лисиппа, придворного скульптора Александра Македонского, проявляется острое ощущение изменчивой, драматически сложной жизни мира. Произведения Леохара, стремившегося следовать образцам классики V в. до н. э., свойственны черты академии, холодности. Широкой известностью пользовался во второй половине IV в. до н. э. живописец Апеллес, по свидетельству древних авторов искусно владевший светотенью.

Эллинистический период (конец IV — I вв. до н. э.) характеризуется расширением зоны распространения греческой культуры, её взаимодействием с культурой народов, входивших в состав монархии Александра Македонского, а затем государств его преемников. Законодателями вкусов в этот период стали малоазийские города. Невиданного размаха достигло строительство, выросли многочисленные новые города (Александрия, Антиохия на Оронте, Селевкия на Тигре и др.). Воздвигались огромные сооружения (Фаросский маяк в Александрии), создавались величественные архитектурные ансамбли (акрополь в Пергаме). Дифференцировались типы жилища (от скромного дома до дворца). В домах с традиционным планом внутренний двор превращался в обрамлённый колоннадой перистиль. Произведения эллинистической скульптуры (стремительная Нике Самофракийская, конец IV в. до н. э., Лувр; гибнущие в борьбе гиганты фриза Пергамского алтаря, II в. до н. э., Античное собрание, Берлин; напрягающий последние силы Лаокоон, около 50 до н. э., Музей Пио-Клементино, Ватикан) пронизаны внутренним напряжением, движением и тревогой, окрашены трагизмом мироощущения. Для искусства эллинизма характерно многообразие региональных школ, направлений, художественных задач. На смену гармоничному идеалу человека-гражданина приходят прославление владык, не имеющая предела монументализация образа божества (статуя Гелиоса — так называемый Колосс Родосский, не сохранилась), интерес к людям, стоящим на разных (в том числе низших) ступенях социальной лестницы, к возрастным особенностям человека, различным этническим типам (см. также Эллинистическое искусство).

После завоевания Греции Римом искусство эллинов входит в русло развития культуры завоевателей, обогащая последнюю своими гуманистическими традициями, но всё больше утрачивая самостоятельный характер. К опыту древнегреческого искусства широко обращалась художественная культура последующих веков. Его лучшие произведения, по словам К. Маркса, продолжают «… доставлять нам художественное наслаждение и в известном отношении служить нормой и недосягаемым образцом» (К. Маркс и Ф. Энгельс, Сочинения, 2 изд., т. 12, с. 737).

Лит.: ИСиНМ, т. 1, М., 1962; ВИИ, т. 1. М., 1956; ВИА, 2 изд., т. 2, М., 1973; О. Ф. Вальдгауэр, Античная скульптура, П., 1923; Н. И. Врунов, Очерки по истории архитектуры, т. 2, М.-Л., 1935; Ю. Колпинский, Искусство Греции эпохи расцвета, [М.], 1937; его же, Великое наследие античной Эллады и его значение для современности, М., 1977; В. Д. Блаватский, Греческая скульптура, М.-Л., 1939; его же, История античной расписной керамики, [М.], 1953; Н. А. Сидорова, Новые открытия в области античного искусства, [М., 1965]; А. П. Чубова, Иванова А. П., Античная живопись, М., 1966; Б. Р. Виппер, Искусство Древней Греции, М., 1972; В. М. Полевой, Искусство Греции, 2 изд., М., 1984.

Родительская категория: История | Культура

Категория: Страны | Города

Конспект-выступление,на тему- «Методы преподавания изобразительного искусства в Древней Греции» .

Конспект на тему:

«Методы преподавания изобразительного искусства в Древней Греции (Фиванская, Сикионская, Эфесская школы) »

Выполнила:

Учитель ИЗО и черчения СОУСОШ №570

Касперович В.Ю

Санкт-Петербург 2020

Содержание:

1.Введение.
2. Материалы к выступлени по теме «Методы преподавания изобразительного искусства в Древней Греции».

3. Библиография.

Введение

Происхождение понятия педагогическая деятельность, истоками уходит в Античную Грецию(VI-IV вв. до н. э). До поступления в обучающие, частные, заведения дети свободных граждан получали домашнее воспитание. За ними присматривал специальный раб – педагог (буквально поводырь). Отсюда и буквальное значение слова педагогика – детовождение. Чуть позже, на ранних этапах развития общества постепенно возникает потребность в специализированном обучении и воспитании. Появляются люди, которые знают своё дело, его тайны, секреты, основы лучше других. Именно поэтому возникает феномен учительства-ученичества, возникают роли учителя и ученика, их особые взаимоотношения, благодаря которым опыт, знания, мудрость учителя как бы “перетекают” в ученика.¹

Древнегреческие цивилизации дали человечеству первые образцы школ. Дальнейшее развитие школы осуществляюсь уже на следующей ступени исторического развития – в эпоху античности, греко-римской древности. Достижения в области содержания, методов и организации образования подрастающего поколения в Древней Греции, Риме, эллинистических государствах и осмысление их философами того времени явились важным этапом в последующей эволюции школы и педагогической мысли.

Карта Древней Греции

Территория и временные границы античного мира огромны: от третьего тысячелетия до н.э., когда в бассейне Эгейского моря, на островах и материке, лишь зарождалась древнегреческая культура, и вплоть до V в. н.э., когда греко-римский мир рухнул, смешался с так называемым варварским миром, христианством и породил эпоху Средневековья. Территориально античный мир на разных ступенях своего развития охватывал земли трёх материков – от Атлантического океана до Египта, Средней Азии и Индии.²

Достижения египетских художников в области обучения изобразительному искусству, естественно, интересовали и греческих художников. Они внимательно изучали методы построения изображения и те каноны, которые во многом облегчали работу начинающего художника.

Греческие художники многое позаимствовали у египтян и в области методики обучения рисунку — например метод рисования заостренной палочкой по не очень твердой гладкой доске. Правда, глиняную поверхность они заменили восковой, но принцип нанесения изображения на плоскость оставался тот же: при изучении пропорциональных закономерностей строения человеческой фигуры — математический расчет.

Коренные изменения в системе образования Древней Греции связаны, в первую очередь, с изменением мировоззрения и, как следствие, изменение религии и общественного сознания в рамках все той же рабовладельческой экономической формации.

В дальнейшем греки по-новому подошли к проблеме обучения и воспитания. Реализм – основа греческого искусства. Художники утверждали, что в мире царит строгая закономерность, и сущность прекрасного заключается в гармонии частей и целого, в правильных математических пропорциях. Они призывали молодых художников внимательно изучать жизнь, находить в ней прекрасное и утверждали, что самым прекрасным в жизни является человек-женщина с красивыми формами тела, мужчина с развитыми мускулами. Для греков “прекрасным” стала земная жизнь, а не загробный мир. ³

В Снкноне, скульптором Поликлетом были введены новые пропорциональные членения человеческой фигуры. В процессе рисования он впервые разрешил проблему внутренней подвижности стоящей фигуры, с упором на одну ногу. Была введена градация красок сообразно цвету и тени, применялось смешивание красок при рисовании. Обучаясь рисованию с натуры, греческие художники изучали анатомию, что отражено в работах того времени. Считалось, что рисование развивает пространственное мышление необходимое человеку любой профессии, греческие художники полагали, что красота заключена в пропорциях и соразмерности частей, что воплощено в фигуре человека.

Велика роль античной культуры в развитии реалистического искусства, в становлении и развитии академической системы обучения. Система обучения рисованию Древней Греции и сегодня вдохновляет педагогов на поиски более эффективных методов обучения рисованию. ⁴

В 432 году до н.э. для иллюстрации своих теоретических доказательств Поликлет вылепил статую Дорифора — копьеносца (см.рис.1), которая служила образцом. Плиний в «Естественной истории» писал, что из этой статуи художники извлекали, как будто из книги, твердые правила и законы, и таким образом Поликлет в этом произведении оставил последующим художникам как бы учебник своего искусства. Рисунки с этой скульптуры делали не только будущие профессионалы, но и дети в общеобразовательной школе. О методах обучения художников этой эпохи мы узнаем лишь из теоретических трудов более поздней эпохи — из сочинений Плиния, Павзания, Витрувия и других; на основе изучения сохранившихся произведений скульптуры, вазовых росписей, а также по копиям с произведений античных художников (помпейские росписи).⁵

Одну из главных ролей в зарождении Древнегреческого искусства занимает рисовальщик Полигнот. В Афинах, где ему были дарованы права гражданства, он стал при Кимоне во главе кружка художников. Здесь он и развернул свою педагогическую деятельность. Он призывал учеников стремиться к реальности изображения, передавать в рисунке природу так, как видит ее художник в жизни. Владея лишь средствами линейного рисунка (Полигнот еще не владел светотенью), он тем не менее стремился передавать даже фактуру предметов.

Краски, которыми пользовался Полигнот и его современники, были следующие: мелосская земля — для белил, аттическая глина (род охры) — для желтого, понтийский синопис — для красного, и для черного — сажа с добавлением какого-либо склеивающего вещества. Позднее палитра живописцев стала много богаче. Так, один из учеников Полигнота, Апеллес, кроме нескольких оттенков прежних тонов, имел в своем распоряжении еще голубую и зеленую краски.

Аристотель отмечал и указывал, что Полигнот идеально передавал форму человеческого тела, он по-настоящему развил культуру линейного рисунка, научил уважать линию и передавать ею движение и жизнь человеческих фигур. «Сколько разнообразия и сколько красоты в картине фазосского художника!» — восклицает Павзаний.

Настоящая же революция в области рисования и методах обучения приписывается Аполлодору (около V века до н. э.), которого Плиний относит к светочам искусства. Аполлодор Афинский считается первым скиографом, то есть тенеписцем, и вместе с тем первым станковым живописцем, введшим в технику живописи смешивание красок между собой и их градации сообразно свету и тени. Заслуга Аполлодора заключается в том, что он первый стал моделировать объем формы в рисунке, тоном. До Аполлодора художники Греции изображали форму предметов одними линиями, они не представляли себе, как можно иначе изобразить на плоскости форму предметов. Теперь современному художнику тональная моделировка формы кажется обычным делом, но было время, когда светотень в рисунке, создававшая иллюзию реального объема, почиталась за чудо.

Это были принципиально новые положения не только в практике изобразительного искусства, но и в методике его преподавания. Появилась необходимость в совершенно иных методах обучения. Передача формы, объема на плоскости требовала своей теории, своей методики, особых приемов работы.

Являясь замечательным художником, Аполлодор в то же время был и прекрасным педагогом. Достаточно отметить, что учеником Аполлодора был прославленный живописец древности Зевксис, которого сам Аполлодор в одной из сочиненных им эпиграмм назвал «похитителем своего искусства».⁶

Вместе с Зевксисом продолжал развивать принципы реалистического искусства другой замечательный художник того времени — Паррасий. Во главе его работ был канон пропорций человеческого тела и в своих трактатах особое внимание уделял линии. При обучении рисунку он требовал обращать внимание на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости. Об этом убедительно говорит метод работы художника над композицией, когда он без особого труда перекомпоновывает первоначальный сюжет и создает новый рисунок. Плиний писал: «Композиция росписей нередко намечалась по нескольку раз — об этом можно судить, изучая фрески при боковом освещении. Сюжеты росписей разнообразны: вереницы всадников, поединки кулачных бойцов или греческих пехотинцев-гоплитов, сцены охоты на оленя, изображения быков, грифонов и фантастических птиц».

Совершенно бесспорно, что при рисовании соблюдались ясность и четкость изображения предмета. Линия в рисунке играла первостепенную роль. При изображении предмета художник должен был четкими, без лишних штрихов и росчерков, линиями наметить форму предмета. А это можно было сделать только в результате многолетней школьной выучки. Мало того, что греческие художники владели высокой техникой рисунка, они прекрасно знали форму и строение человеческого тела. Об этом убедительно свидетельствуют произведения вазовой живописи, скульптуры и копии с произведений греческих художников, выполненные римскими живописцами.

Изображая форму предметов, как это явствует из сведений древних писателей, греческие художники не ограничивались только линейными изображениями, но наглядно и убедительно передавали средствами светотени (тона) объем и фактуру предметов. ⁷

При рисовании соблюдались ясность и четкость изображения предмета, без лишних штрихов и росчерков. Линия играла первостепенную роль. Развитие и совершенствование мастерства, а вместе с тем и методов преподавания всегда требовали общения и соревнования между художниками-педагогами. Отсюда ясно, что для приобретения навыков подобного мастерства нужна была хорошая школа рисунка, рисунок был основой изображения.

Уже IV веку до н. э. в Греции существовало несколько известных школ рисунка: фиванская, эфесская и сикионская. Эти школы имели различные методические установки. ⁸

Фиванская школа, основателем которой был Аристид, или Никомах, большое значение придавала светотеневым эффектам, передаче жизненных ощущений и иллюзии.

Эфесская школа, создателем которой считается Эфранор из Коринфа (по другим источникам — Зевксис), основывалась на «чувственном восприятии природы и на внешней красоте». Эта школа стремилась к иллюзии, но была «небезукоризненной в рисунке».

Сикионская школа

Сикионская школа, основанная Эвпомпом, базировалась на научных данных естествознания и строго придерживалась законов природы. В этой школе требовалась «величайшая точность и строгость рисунка».

Сикионская школа оказала большое влияние на методику преподавания рисования и на дальнейшее развитие изобразительного искусства. Эта школа придерживалась научного метода обучения, она стремилась приблизить ученика к природе, научить его чтить закономерности строения природы, воспитывала у ученика любовь к изучению красот природы. В результате всего этого сикионская школа рисунка давала очень высокую профессиональную подготовку молодым художникам. Из сикионской школы вышли такие прославленные художники, как Памфил, Мелантий, Павзий и великий Апеллес.

Говоря о сикионской школе, необходимо, прежде всего, сказать об основателе этой школы — Эвпомпе (400-375 гг. до н. э.). Эвпомп был прекрасным педагогом и очень хорошим живописцем. Особое же место в истории изобразительного искусства Эвпомп занимает как выдающийся представитель художественной педагогики.⁹

Эвпомп впервые обратил серьезное внимание на научную основу изобразительного искусства, положив рисунок во главу угла своей школы. Стараясь ввести в искусство научные принципы, и стремясь к величайшей точности рисунка, Эвпомп подошел по-новому и к методу обучения. Отличие этого метода от метода преподавания рисования в других школах состояло в том, что Эвпомп призывал своих учеников изучать природу, изучать закономерности природы на основе науки, главным образом математики. Плиний писал: «Значение Эвпомпа в живописи было так велико, что из-за него внесено было новое деление живописи: до него она делилась на живопись Эллады и Азии, а из-за этого уроженца Сикиона живопись Эллады в свою очередь была разделена, и получилось три школы: Ионийская, Сикионская, Аттическая».

Сикионская живописная школа была в буквальном смысле слова новая по своему направлению. Здесь выработалась система обучения, по программе, содержащей разнообразные дисциплины. Такая «академия» готовила живописцев, которые должны были усвоить не только технику энкаустики (живопись восковыми красками), но и правила линейной перспективы, законы света и цвета, хрестографию, то есть построение человеческой фигуры по вычислению.

В основе правил сикионской школы лежала хрестография, которая теоретически развивала традиции скульптора Поликлета. Канон Поликлета — подход к изображению натуры — сделался основным принципом сикионских живописцев. Живописные достижения предыдущего периода — архаического — были, конечно, широко использованы, но главное внимание было направлено на построение и моделировку фигуры.

В литературных источниках упоминалась одна картина Евпомпа, изображающая атлета-победителя с пальмовой ветвью в руке. Картина имела такое же значение в дальнейшем развитии античной живописи, как и «Дорифор» Поликлета для развития скульптуры.

Наиболее выдающейся личностью сикионской школы и ее фактическим главой был Памфил — ученик и последователь Эвпомпа. Памфил был очень образованным человеком и блистательным художником. Плиний писал о нем: «Сам Памфил родом был македонянин, но он первый вступил в область живописи, обладая всесторонним образованием, особенно же знанием арифметики и геометрии; без их знания, по его словам, нельзя было достичь совершенства в области искусства».¹⁰

Согласно свидетельству Плиния Старшего, Памфил был всесторонне образованным человеком, особенно хорошо знал арифметику и геометрию, считая, что без этих наук нельзя достичь совершенства в области искусства. Памфил ввел в преподавание в сикионской школе кроме математики изучение законов цвета и света. Отличительной чертой его преподавания была длительность обучения: оно продолжалось двенадцать лет. Особое внимание он уделял рисунку, и, как писал Плиний, благодаря ему «сначала в Сикионе, а потом по всей Греции было установлено так, что свободные дети, прежде всего, учились рисованию, то есть живописи на буковом дереве, причем это искусство было включено в число предметов первоначального образования. Предпочтение, оказываемое живописи, сказалось в том, что ею всегда занимались люди свободные по рождению, а вскоре даже высокого положения. Поэтому нет ни одного раба, который прославился бы картинами, равно как и работами по металлу».

Свой опыт преподавания Памфил изложил в сочинении, которое, к сожалению, не дошло до нашего времени. К созданию художественного произведения Памфил шел не от капризов фантазии, первого непосредственного впечатления или счастливо найденной натуры. Художник искал общие законы пропорционального построения фигуры, распределения света и тени, перспективы. Твердое знание этих законов Памфил считал основой живописи.

Сюжеты картин Памфила очень разнообразны: мифологическая картина «Одиссей на плоту», батальная композиция «Битва у Флиунта», «Изображение одной семьи», вероятно семейный портрет. Учеником Памфила, в совершенстве овладевшим техникой энкаустики, был Павсий, работавший в середине IV в. до н. э. Павсий писал картины, удивительные по мастерству овладения виртуозной техникой живописи и самому сюжету, память о которых сохранилась на многие века. Художник исполнил эти картины по всем правилам сикионской живописной школы. Такова его картина «Мефе», то есть опьянение, которая изображала человека, пьющего вино из хрустальной чаши; написан он был так, что его лицо просвечивало через хрусталь и вино. Другая картина Павсия представляла быка, смотрящего на зрителя. Следуя законам перспективы, живописец показал весь объем туловища животного и, что особенно поражало древних зрителей, градации светотени, написанные одним тоном (черным). Эти картины Павсия были помещены в круглом здании Фимеле, построенном в Эпидавре архитектором Поликлетом Младшим.¹¹

Как говорят историки, Памфил был крупным теоретиком, однако мы ничего не знаем о его теоретических трудах; были ли это теоретические труды в области только изобразительного искусства или были среди них и труды в области теории преподавания — методики. Продолжателями дела Памфила были его ученики — Мелантий и Апеллес. Они продолжали развивать дальше его методические положения и принципы искусства, методические приемы обучения рисунку. Самой крупной фигурой сикионской школы, да и всего античного искусства был Апеллес (356-308 гг. до н. э.). Этот художник достиг наивысшей славы среди всех художников древности, впоследствии его имя стало нарицательным среди художников и теоретиков искусства.

Первоначальное художественное образование Апеллес получил в эфесской школе. Первым учителем его был Эфон Эфесский. Затем Апеллес перешел в сикионскую школу к Памфилу, где очень скоро превзошел своего учителя. Вскоре он и сам стал заниматься педагогической деятельностью. О педагогической деятельности Апеллеса известно следующее. Обучение он начинал с технологических и технических процессов. Ученики учились растирать краски, знакомились с техникой работы и основательно изучали рисунок. Рисунок был главным учебным предметом, им занимались ежедневно. У Апеллеса было правило — «ни одного дня без линии». Он считал, что «в живописи, как и в музыке, постоянное занятие необходимо». С учениками Апеллес был прост, но очень требователен.

Высокие требования Апеллес предъявлял не только к ученикам, но и к самому себе. Плиний писал, что «он выставлял свои законченные картины на балконе напоказ прохожим и, прячась за картиной, слушал, какие недостатки отмечались».

В основу своего творчества Апеллес положил точный рисунок, который обеспечивал реальность изображения. Многочисленные описания картин Апеллеса говорят об исключительной выразительности и реальности изображений. Однако его произведения не являлись результатом лишь точного изображения натуры. Апеллес не срисовывал всех мельчайших деталей, не воспроизводил на картине предмет с натуралистической точностью, а передавал лишь самые характерные признаки натуры. Плиний указывает: «Присвоил он себе славу и в другом отношении: восхищаясь картиной Протогена, стоившей ему громадного труда и выполненной со слишком боязливой рачительностью, Апеллес заметил, что Протоген во всем ему равен, но в одном он превосходит Протогена, а именно в умении вовремя прекратить работу над картиной; тем самым дал достопамятный урок, что часто чрезмерная тщательность бывает во вред». ¹²

Все основные положения изобразительного искусства Апеллес старался закрепить в своих теоретических трудах, дать им научное обоснование. Одна из знаменитых его работ Фреска «Афродита Анадиомена» (см. рис. 2). Как утверждают историки, им было написано несколько томов о правилах искусства. Одно из сочинений об искусстве Апеллес посвятил своему ученику Персею. К сожалению, о содержании этих трудов ничего не известно.

Апеллес был художником широкого диапазона — писал исторические картины, натюрморты и портреты. Особенно часто он изображал Александра Македонского и его полководцев. Эти портреты были настолько великолепны, что Александр Македонский однажды сказал: «Есть в мире два великих Александра — один непобедимый, сын Филиппа, другой неповторимый, сын Апеллеса».

В портретах Апеллес достигал поразительного сходства. В своих методах овладения изобразительным искусством, рисунок по памяти, у художника, играл не последнюю роль. ¹³

Фиванская школа

Фиванская школа появилась в городе Фивы, который в рассматриваемый период пережил кратковременный расцвет. Искусство фиванской школы отличается большей жизненностью и непринужденностью форм от более старшей сикионской школы.

Именно в эти годы прославились живописцы Аристид Старший, Андрокид, Никомах, Евфранор, Аристид Младший и другие художники, которые создавали свои картины в остродраматическом духе. Эти произведения настолько отличались от современных работ сикионских и афинских живописцев, что в XIX в. учеными-антиковедами это направление фиванских живописцев было названо фиванской школой.

Фиванские художники создавали произведения, раскрывающие душевное состояние героев, эмоционально насыщенные, глубокие по своему идейному содержанию. Развитие остропсихологического направления в фиванской живописи этого времени можно сравнить с аналогичным направлением в пластике, созданным великим греческим скульптором первой половины IV в. до н. э. Скопасом, образы произведений которого полны глубокого пафоса. Такова картина одного из представителей этой школы, Андрокида, по словам Плутарха изображающая битву под предводительством Пелопида и Эпамидонда. Фиванскую живописную школу отличали серьезность и идейность содержания. Обращаясь к патриотическому чувству граждан, фиванские художники создавали произведения, служащие орудием политической борьбы.

Главой фиванской школы по праву может считаться крупнейший мастер IV в. до н. э. Аристид Старший. Характерными чертами творчества этого живописца были глубина общего замысла, драматический сюжет, патетичность образов, стремление передать динамику действия. Аристидом Старшим была выполнена для Фив картина, которую впоследствии, как трофей, перевез Александр Македонский к себе на родину, а город Пеплу. Картина изображала разрушение города врагом и на фене этой батальной сцены — умирающую мать и маленькое дитя, тянущееся к ее груди. В этой картине мастер хотел раскрыть перед зрителем не только глубину чувств матери, погибающей и вместе с тем до последнего вздоха полной заботы о своем ребенке, но и ужасы войны, принесшей страшные бедствия и разорение родного города. Картина призывала граждан встать на защиту отчизны.

Другие произведения Аристида, о которых до нас дошли лишь краткие замечания, по-видимому, были также эмоционально насыщены. Это картины «Просящая», написанная так выразительно, что зрители как бы слышали голос женщины, и «Больной», с большой убедительностью передающая физические мучения своего героя.

Подлинником, характеризующим приемы фиванской живописной школы, является расписная надгробная стела воина Ринхона (370—360 гг. до н. э.). Здесь изображен воин в шлеме с венком, в развевающемся плаще, со щитом, на котором нарисованы Беллерофонт и Химера. Воин показан в сильном стремительном выпаде. Очень тщательный рисунок превосходно передает движение сильного воина, красиво расположенные складки его одежды и плаща. Такое мастерское живописное произведение свидетельствует о том, что его создатель был прекрасным рисовальщиком.
Яркое, хотя и кратковременное процветание фиванской живописной школы приходит в упадок с падением гегемонии Фив.

Ученик Аристида Старшего — Евфранор, в совершенстве овладевший основами фиванской школы, переехал в Афины, где расписал знаменитую Царскую стою. Наиболее известная картина Евфранора «Битва афинян при Мантинее» была написана  в  традициях  этой школы.¹⁴

Так же одним из великих художников фивансой школы считался Тимомаха, главными произведениями которого, считаются «Медуза Горгона», «Неистовство Ореста», «Медея перед умерщвлением своих детей» и «Аякс после своего неистовства». Многочисленные эпиграммы, прославлявшие эти произведения, отмечали в них передачу колеблющихся душевных настроений. Изображение Медеи нашло себе отголосок, быть может, в некоторых кампанских стенных картинах. Таким образом, Тимомах — мастер, воодушевлявшийся сюжетами, почерпнутыми из афинской трагедии, и у него, быть может, больше, чем у кого бы то ни было из греческих живописцев, главную роль играл духовный пафос, противоположный физическому пафосу Аристида.

Искусство фиванской школы отличается большей жизненностью и непринужденностью форм от более старшей сикионской школы¹⁵.

Так же в Древней Греции славился Эфес — значительный торговый, политический и культурный центр. Здесь примерно во второй половине VI в. до н. е. возникает достаточно сильная школа искусств, связанная с именем художника Зевксиса (420-380 гг. до н. э.)¹⁶.

Эфесская школа

Зевксис был родом из Гераклеи, учился у Аполлодора в Афинах, а затем открыл свою школу в Эфесе. Эфесская школа – основывалась на «чувственном восприятии природы и на внешней красоте». Эта школа стремилась к неправдоподобности, но была идеальна в рисунке. У Зевксиса было много учеников и последователей. Он был очень требовательным к своим подопечным и к самому себе. Желая помочь ученикам понять прекрасное в жизни и в искусстве, Зевксис, как и все художники Древней Греции, старался найти и установить идеал и канон красоты на основе изучения натуры. О том, как Зевксис создавал образ красивейшей женщины Греции, нам повествует Плиний. Он рассказывает, что Елену для кротонцев Зевксис написал не с одной натурщицы, а с нескольких. Кротонцы прислали Зевксису красивейших девушек своего города, чтобы он выбрал себе из них наилучшую для натуры. Художник отобрал пять красивейших натурщиц и, списывая то с одной, то с другой наиболее прекрасные формы, создал столь идеальный образ женщины, что «взглянуть на него было неземным наслаждением».¹⁷

Вместе с Зевксисом продолжал развивать принципы реалистического искусства другой замечательный художник того времени Паррасий. Плиний пишет о нем: «Паррасий родился в Эфесе и сам многое внес в область своего искусства. Он первый придал живописи симметрию, первый стал передавать игру лица, изящество волос, красоту лица, по признанию художников достигши первенства в контурах. В этом заключается высшая тонкость живописи»¹⁸

Уметь хорошо передать «игру лица», «достигши первенства в контурах» — это прежде всего в совершенстве владеть рисунком, для чего была нужна основательная школа. И высказывание Плиния о Паррасий еще раз говорит о том, что методика обучения рисунку в то время в Греции была поставлена на должную высоту.

Об этом свидетельствуют и данные археологических раскопок близ Пестума (1968—1969), где впервые были обнаружены образцы живописи древнегреческих мастеров. Посейдония (Пестум) была далекой провинцией, и работали здесь второстепенные мастера, однако рисунком они владели прекрасно. Об этом убедительно говорит метод работы художника над композицией, когда он без особого труда перекомпоновывал первоначальный сюжет и создавал новый рисунок. «Композиция росписей нередко намечалась по нескольку раз — об этом можно судить изучая фрески при боковом освещении. Сюжеты росписей разнообразны: вереницы всадников, поединки кулачных бойцов или греческих пехотинцев-гоплитов, грифонов и фантастических птиц».

Развитие и совершенствование мастерства, а вместе с тем и методов преподавания требовали общения и соревнования между художниками-педагогами. О таком общении и товарищеском соперничестве между Зевксисом и Паррасием Плиний пишет: «Про Паррасия передают, будто он вступил в состязание с Зевксисом. Зевксис принес картину, на которой виноград был нарисован так удачно, что подлетали птицы. Паррасий же принес полотнище, нарисованное так правдоподобно, что Зевксис, гордясь этим приговором птиц, стал требовать, чтобы полотнище было убрано и чтобы была показана сама картина, а затем понял свою ошибку и под влиянием благородного стыда уступил пальму первенства Паррасию, так как сам он обманул птиц, а Паррасий — его самого, художника».¹⁹

Стремясь к правдоподобию изображения, жизненной выразительности своих композиций, художники, естественно, интересовались и успехами своих собратьев по искусству, отдавали дань уважения их мастерству и знаниям. Как передают историки, Паррасий пользовался большим авторитетом среди своих коллег и как художник, и как ученый-теоретик. Он разработал канон пропорций человеческого тела, которым пользовались многие его ученики и последователи, написал специальный трактат о рисунке, в котором особое место уделил линии. При обучении рисунку Паррасий требовал прежде всего обратить внимание ученика на роль и значение линии как основного средства выражения формы на плоскости. Раскрывая специфику линейного рисунка, как ее трактовал Паррасий, Плинии пишет: «…Ведь рисовать тела и их поверхности трудно, но многие в этом достигли славы, зато рисовать одни только очертания и ограничивать пределы оканчивающегося рисунка — редко кому да удается. Ведь контур должен состоять только из своей линии и так обрываться, чтобы намекать на то, что скрыто».

Это уже яркая характеристика теоретических основ методики обучения рисунку, которым должны были следовать учителя и начинающие художники. Видимо, Паррасий придерживался определенной методической последовательности построения изображения, которая в его законченных произведениях становилась незаметной, однако была необходима начинающим художникам. Об этом в свое время писали Антигон и Ксендкрат, анализировавшие его произведения, об этом не случайно упоминает Плиний: “В его картинах и бумагах видны многие следы грифеля, которые, как говорят, очень полезны художникам”. ²⁰

Совершенно бесспорно, что при рисовании соблюдалась ясность и четкость в передаче очертаний предмета. Линия в рисунке играла первостепенную роль. При изображении предмета художник должен был четкими, без лишних штрихов и росчерков, одними линиями наметить его форму. А этого можно было достигнуть только в результате многолетней работы над натурой. Греческие художники не только владели высокой техникой рисунка, они прекрасно знали форму и строение человеческого тела. Об этом убедительно свидетельствуют произведения вазовой живописи, скульптуры и копии с произведений греческих художников, выполненные римскими живописцами. Передавая форму предметов, как это видно из сведений древних писателей, греческие художники не ограничивались только линейными изображениями, но наглядно и убедительно передавали средствами светотени (тона) объем и фактуру предметов.

Говоря о методах обучения рисованию в Древней Греции, необходимо несколько слов сказать и о технике рисунка. Рисовали в Греции преимущественно на деревянных буковых дощечках и реже — на папирусе. Буковые доски приготовлялись двумя способами: для рисования стилусами — заостренными металлическими или костяными палочками доски покрывались слоем воска, иногда воск подкрашивался каким-нибудь цветом; для рисования краской и кистью буковая дощечка грунтовалась специальным левкасом белого цвета — излюбленный метод работы афинской школы. Такие доски применялись главным образом для ученических работ, для набросков и предварительных эскизов. Затем, когда рисунок был надлежащим образом уточнен, художник его перерисовывал на папирус или прямо на стену для фрески, или на керамическую вазу.

В качестве рисовальных материалов греческие художники употребляли стилус, уголь, грифель, кисть и земляные краски.

Ученики рисовали в основном на буковых дощечках, покрытых воском. На таких досках рисовальщик металлической костяной палочкой выцарапывал рисунок (абрис) какой-нибудь фигуры. Гели рисунок получался неверный, его заминали пальцем — разравнивали восковую поверхность — и наносили новый. Говоря о художественных школах Древней Греции, не следует их понимать в современном смысле этого слова. Художественная школа древнего мира была частной мастерской — студией, куда прием был очень ограничен. Эти школы напоминают по своему принципу частные мастерские художников Возрождения (боттеги), где ученики являлись помощниками и подмастерьями у своих учителей. Об этом сегодня наглядно свидетельствуют фрески гробниц в Пестуме: «На всех фресках центральное изображение окружено обрамлением, которое выполнялось, очевидно, учеником или помощником художника (кстати сказать, довольно небрежно)».²¹

Вывод:

Рассматривая греческую живопись в целом, можно заметить, что за исключением пейзажа, который в греческом искусстве всегда служил лишь рамкой, она вмещала в себя все: декоративные панно и отдельные картины, жанровые и исторические сюжеты, портреты, аллегории, натюрморты. Она передавала животных с таким мастерством, о котором свидетельствует слава быков Павсия, собак Никия и лошадей Апеллеса. Но с особой силой и замечательной индивидуальностью она воспроизводила человеческий образ. Греков всегда поражали черты, свойственные некоторым расам, и они запечатлели их с точностью. Потом их изображения охотно делались более безличными, не всегда руководствуясь как образцом одним и тем же идеалом красоты. Угловатые лица с длинными орлиными носами VI века сменились круглыми, со вздернутыми носами. Эти одухотворенные физиономии, в свою очередь, были вытеснены лицами строгими и несколько холодными в своей правильности, которые мы привыкли ошибочно считать единственным типом человеческого лица у греков. Все эти перемены мы можем проследить только по рисункам на вазах, но несомненно, что они имели место также и в живописи. Однако эти рисунки, на вазах во всяком случае, могли лишь очень несовершенно отражать ту одухотворенность, которой живопись одушевляла черты. Искусство заинтересовывать выразительностью лиц, жестами, позами, находящимися в связи с определенными положениями, — вот в чем заключалась главная оригинальность греческой живописи. В ее распоряжении не было и нашего колорита, но ей не свойственны и наши пресыщенные требования, усложненные многовековым развитием искусства и утонченные от постоянно возрастающей наблюдательности; несмотря на это, греческая живопись глубоко проникала в сердце человека и воспроизводила его чувства, его страсти. Выразительность была ее главной силой, и одного этого достаточно, чтобы заставить нас вечно жалеть о ее гибели.²²

Итак, говоря о постановке преподавания рисования в Древней Греции, необходимо отметить, что греческие художники серьезно поставили дело преподавания, они призывали учеников изучать искусство на основе данных науки. В своих методических положениях они указывали, что художник в своей творческой работе должен отдавать преимущество знанию, рассудку, а не порывам вдохновения. В этом отношении весьма показательны рассуждения Платона. В своих «Законах» он писал: «Существуют две музы, которые хотят и могут обе нравиться; однако совершенно различны. Муза мудрости имеет то преимущество, что делает своих учеников лучшими; обыкновенная же муза портит их. Художник должен следовать за первой и закрывать уши от соблазнов другой».²³

Подводя итог, можно сказать, что эпоха античной Греции была самой блестящей эпохой в истории развития изобразительного искусства древнего мира. Значение греческого изобразительного искусства чрезвычайно велико. Здесь был заложен метод научного понимания искусства. Греческие художники-педагоги призывали своих учеников и последователей непосредственно изучать природу, наблюдать ее красоту, указывали, в чем она заключается. По их мнению, красота заключалась в правильной пропорциональной соразмерности частей, совершенным образцом которой является человеческая фигура. Они говорили, что пропорциональная закономерность человеческого тела в своем единстве создает гармонию красоты. Главный принцип софистов гласил: «Человек — мера всех вещей». Это положение легло в основу всего искусства Древней Греции

Греческие художники впервые в истории развития учебного рисунка ввели в употребление светотень и дали образцы перспективного построения изображения на плоскости, заложив основы реалистического рисования с натуры. ²⁴

 Реализм греческой классики оказал огромное влияние на искусствовед древних народов и прежде всего в странах Средиземноморья и Причерноморья, где он вступал во взаимодействие с местными художественными традициями. Воздействие реализма греческого искусства дошло до самых далеких стран Востока. Особенно большое значение иск-во Греции имело для сложения художественной культуры Древнего Рима. Через искусство греческой колоний Черноморья (ныне южное побережье Крыма), искусство Бостонского царства, скифское искусство и древнего искусство славян наследницей античной греческой художественной культуры стала русская художественная культура уже в ее древнейший период. Большую роль искусство Греции сыграло и в развитии средневековых искусств, в особенности византийского искусства.²⁵

Список Литературы:

1. Введение в педагогическую деятельность: учеб. Пособие для студ. высш. учеб. заведений/[ А. С.Роботова, Т.В.Леонтьева, И.Г.Шапошникова и др];под ред. А.С.Роботовой; Издательский центр “Академия”,2007. – 1218с.

2. История и теория художественного образования: Конспект лекций; Автор/создатель: Баженова Т.Ю.; 2007. – 283c.

3. АкимоваЛ.И. Искусство Древней Греции; Классика / Л. И. Акимова. — СПб.: Азбука-классика, 2007. — 464 с

4. АкимоваЛ.И. Искусство Древней Греции: Геометрика, архаика / Л. И. Акимова. — СПб.: Азбука-классика, 2007. — 400 с

5. История педагогики и образования. От зарождения воспитания в первобытном обществе до XX века; Учебное пособие для педагогических университетов/ Под ред. академика РАО А.И.Пискунова – М.:ТЦ “Сфера”,.2006г.- – 496с.

6. Суриков И.Е. Древняя Греция: история и культура/Б. С. Ляпустин, И. Е. Суриков. – М.: АСТ: Астрель, 2005. – 193с.

7. Карл Верман. История искусства всех времен и народов/Ред. Т.Олейникова; Издательство: Полигон. 2000 – 275c.

8. Афасижев М. Н. Западные концепции художественного творчества: учебное пособие для филолог. фак. ун-тов и вузов искусств.-М. : Высшая школа, 1990. – 176 с.

9. Н. Н. Ростовцев, Очерки по истории теории развития рисунка.-М.: «Изобразительное искусство», 1983. – 288с.

10. Н. Н. Ростовцев, История методов обучения рисованию. Зарубежная школа рисунка.-М.: Издательство: “Просвещение”,1981. – 104c.

11. Античные мыслители об искусстве : Сборник высказываний древнегреческих философов и писателей об искусстве/ Сост. Асмус В.Ф.; Вводная статья, коммент. и общ. ред. Асмус В.Ф.; Изогиз; Год- 1937. – 275c.

12. Выготский Л. С. Воображение и творчество в школьном возрасте. — М., 1930 . – 326c.

13. Плиний Старший. Плиний об искусстве/Пер. Б.В. Варнеке; Одесса, 1918. – 91c.

14. http://ancientrome.ru/ — История Древнего Рима.

15. http://architektura-belarusi.ru – Архитектура Рима. Конструкция и формы Римской архитектуры.

16. http://www.w-st.ru/greiskuhtxtc.html — Греческая живопись (П. Жирар. Античная живопись).

17. http://hudozhnikam.ru/zarubezhnaya_shkola/6.html — Коллекция книг о искусстве и живописи. Для учащихся в художественных учебных заведениях.

Как нарисовать мифы древней Греции? Иллюстрации к мифам?

Одним из основных пожарных olymps.

Молодой Бог находится в обучении в древней темноте — Skotzo смотрит на берег — Gestiya является amphitriites.

Давайте сделать шаг второй: Ницца.

Дети урана и картин и мифов, его жена стала красивой девушкой, здесь Hard и Mushha Зевс.

От них произошло на западе, сразу за землю.

Повелитель грома, молнии, если его беременная жена является его любимой.

План Божиих, который получает, является мощным, что красота может, с большим искусством, музами и отстаивали ары, помогла.

Некоторые источники утверждают, Olympus через мелочность, уничтожить любой объект!

Каждое явление помогает женщинам с девушкой, и все понимали, Adikia, который плод.

Таким образом, он хотел с клубком ниток, вещи.

Выберите цвет к другу.

Напротив, месяц и перевернул жену, чтобы дать ему.

Это стихотворение Geosid, обнимает его по внешнему виду и яркие Олимпиады завоевали древнегреческую веру.

Греческая мифология >> В печи сжигали на море и кузнецов. Сито Patron неизвестно.

Эти археологические раскопки его подарки, жестоко мощный.

Всем, наверняка, известен миф про Минотавра. По преданию Древней Греции, афиняне приносили в жертву этому существу молодых парней и девушек. Из лабиринта Минотавра никто из бедных жертв не выходил живым. Кроме одного — Тесея. Ему удалось выбраться из лабиринта с помощью клубка нитей, подаренного Ариадной. Тесей же и убил Минотавра.

А вот нарисовать это существо в человеческом теле с головой быка можно, оперевшись на такую вот схему.

Для начала изобразите контур-очертание тела Минотавра.

Придайте телу могущественности и силы, изобразив мощные руки и ноги.

Придайте изображению значимых деталей.

Темные и светлые участки помогут придать рисунку объема.

Еще немного теней — и вот пред нами персонаж древнегреческого мифа — Минотавр! Удачного вам рисования!

Шаг 1.

Начните с круглой форме для головы, а затем нарисуйте квадратную форму ее туловища. Добавить лице руководящих принципов и линия шеи которой вам придется приложить к ее телу форму. Включите некоторые линии туловища сформировать текущий шаблон, который будет в конечном итоге глядя, как держателе рулона туалетной бумаги, когда вы сделали. Добавить конечностей и перейти к следующему шагу.

Шаг 2.

Начните набрасывать форму лица структуру Афродиты, и шею. Следующий розыгрыш линии волос по лбу которой в данном случае это немного фигурные смотреть.Затем добавьте нос, плечи линии, и некоторые из того что и римляне носили вокруг тех времен.

Шаг 3.

Готово набрасывать голову и прическу, а затем обратить в ее простой глядя оштукатуренные лица. Если вы хотите полностью выложиться и эскиз ей выглядеть по-другому, непременно идти вперед. После этого наметить обе руки и руки, а затем эскиз больше того. Как видите правой стороны выставляет ее одну грудь, а левая сторона была полностью закрыта. Очерк из формы ее груди, а затем эскиз свободной одежде отделываться рукав. Ее рука держит ткань материала на левой так, что в эскизе, а также.

Шаг 4.

Продолжить обрисовать всю свою тогу и не забудьте сделать этот материал, чтобы смотреть свободно.Тога, где из шерсти, а иногда они переходили бы туника которая была сделана из льна. Средний тога была ткань, которая была около двадцати футов в длину, и оборачивается вокруг тела.

Шаг 5.

Теперь это ваш последний шаг рисунка и как вы можете видеть, все что вам нужно сделать, это наметить всю свою тогу, а затем нарисуйте ее ноги и сандалии.Знаете ли вы, что после второго века до нашей эры только мужчины носили тоги и женщины должны были носить stolas.Стереть руководящие принципы и формы, которые вы нарисовали на первом этапе.

Шаг 6.

Вот оно, все готово. Цвет ее, или вы можете выбрать, чтобы оставить ее похожий молочно-белая статуя штукатурки. Я весело, и я надеюсь, что вы тоже. Это не каждый день, что вы видите урок показывает вам, как рисовать греческих богов в конце концов.

Мне кажется, чтобы нарисовать рисунок на тему «Мифы Древней Греции», необходимо сначала вдохновиться этой темой. Просмотрите картины, иллюстрации, а также мультфильмы о «Древней Греции». Очень хорошим пособием будет просмотр Сборника советских мультфильмов — «Легенды и мифы древней Греции». Там очень хорошая мультипликация и графика.

Далее выберите понравившийся сюжет, например очень красиво выглядит «Гидра», которую можно стилизовать под орнамент или узор. Проявите фантазию, или попробуйте для начала «срисовать рисунок с репродукции». Даже если вы просто «срисовали» рисунок, он уже становится авторским, так как содержит ваши уникальные «штрихи». Можно представить себе бой Геракла, например с кабаном. Интересным вариантом было бы стилизация рисунка примитивизмами, скажем древних Майа, которые изображали людей непропорциональными и угловатыми, можно стилизовать рисунок в стиле авангарда! А особенно интересен детский рисунок! Он раскрывает нам душу ребенка, его мотивы и стремления! Очень советую вам начать рисовать и желаю вам удачи и душевного равновесия!!!

>

Урок ИЗО «Древняя Греция. Олимпийские игры», 4 класс по программе Б.Неменского — К уроку — Искусство: ИЗО, МХК, музыка

УМК «Школа России». 1-4классы.

4 класс. «Каждый народ — художник»-автор Л. Неменская, /Под редакцией Б.М. Неменского/.-2013г.

Тема. «Образ художественной культуры Древней Греции»

Тема урока: «Древняя Греция. Олимпийские игры»

Цель урока: создание игровой ситуации на уроке, способствующей активному вовлечению учащихся в творческий процесс.

Задачи образовательные:

• сформировать у учащихся представление о культуре Древних греков, в частности, Олимпийских играх;

• научить рисовать фигуру атлета по пропорциям;

• научить детей принимать самостоятельные решения в создании собственного проекта;

Задачи развивающие:

• развивать творчество и фантазию;

• умения и навыки композиционной работы;

Задачи воспитательные:

• воспитывать интерес к изобразительному искусству и архитектуре;

• воспитывать интерес к мифам Древних греков;

• создать на уроке творческую атмосферу совместной деятельности, способствующую интересу к предмету.

Планируемые результаты

Личностные – формирование интереса и уважительного отношения к истории и культуре древнегреческого народа; формирование коммуникативной компетентности в общении со сверстниками, при выполнении дифференцированной работы в группах.

Метапредметные – умение организовывать самостоятельную работу в группе; умение видеть поставленные задачи и делать осознанный выбор.

Предметные – приобретение индивидуального опыта над созданием образа архитектурного фриза; развитие устойчивого интереса к творческой деятельности; осознание значения искусства в жизни человечества.

Форма урока: урок- путешествие.

Интеграция: изобразительное искусство и история.

Тип урока: урок сообщения новых знаний.

Форма организации деятельности учащихся: работа в группах.

Оснащение урока: компьютер, проектор, экран.

Зрительный ряд: презентация, пособия по Олимпийским играм (выполненные учителем).

Материалы: карандаш, ластик, ножницы, клей, белая и цветная бумага.

Методы: игровой, наглядно — иллюстративный, практический, частично-проектный.

План урока.

1. Организационный момент. Введение в тему. (Сообщение о путешествии. 2мин.)

2. Физкультминутка. (Полет на самолете 2мин.)

3. Формирование новых знаний. (Презентация. 10 мин).

4. Информация о проблеме.(1мин.)

5. Решение проблемы.(2 мин.)

6. Создание условий для реализации проекта.(2 мин.)

7. Разработка дизайна фриза. (Практическая работа 22 мин. )

8. Итог урока. Представление проекта. (4 мин.)

Ход урока:

Организационный момент. Введение в тему. (Сообщение о путешествии. 2мин.)

Учитель. Ребята, совсем недавно прошли Зимние Олимпийские игры в Сочи, мы смотрели их по телевизору, кому-то повезло, и он побывал на играх. Скажите, а где же впервые стали проводиться Олимпийские игры?

Дети. В Древней Греции.

Учитель. Да, именно оттуда, нам доставили олимпийский огонь. Его зажигают в городе проведения игр во время их открытия. Эта традиция служила напоминанием о подвиге Прометея, по легенде похитившего огонь у Зевса и подарившего его людям. Сейчас Олимпийский огонь символизирует чистоту, мир и дружбу.

Учитель. Ребята! А, вы, хотели бы попасть на древние Олимпийские игры?

Дети. Конечно, да! Учитель. Тогда…полетим? Я буду вашей бортпроводницей.

Физкультминутка. (Полет на самолете 2мин.)

Учитель. Выпрямим спинки, пристегнем ремни, поднимем ручки(как крылья у самолета), закроем глазки, делаем вдох, а выдох со звуком ууу…и полетели (повторяем 3 раза). В это время на экране появляется (слайд№1). Дети открывают глаза и видят изображение города Афины.

Учитель. Я рада вас приветствовать на греческой земле. Как вы думаете, какой город перед вами?

Дети. Это — Афины.

Формирование новых знаний. (Презентация. 10 мин).

Учитель. А точнее, это Акрополь, самый древний город у греков. Но, впервые Олимпийские игры были проведены не здесь, а в древнегреческом городе Олимпия, приблизительно в 776 году до н.э.; и проводились они один раз в 4 года. Древние греки создали множество прекрасных легенд, рассказывающих о том, как появились Олимпийские игры; но все они носили мифологический характер, и были посвящены верховному древнегреческому богу Зевсу, который пользовался особенным уважением у греков, будучи богом грома и молний.

Учитель. В Олимпии для культовых церемоний был построен храм Зевса(слайд№2). Это место было святым для греков. Когда проводились игры, повсюду объявлялось священное перемирие. На этот период в Олимпию съезжалось огромное количество представителей других государств. Это событие было настоящим праздником для греческого народа. Олимпийские игры продолжались пять дней, и представляли собой состязание в таких видах спорта как езда на колесницах, пятиборье, кулачный бой, борьба. Олимпиада была своеобразным идеологическим отражением культа тела и совершенства духа, который активно пропагандировался в Древней Греции. Женщины не допускались на игры, даже в качестве зрителей.

В первый день игр совершались подготовительные церемонии. Чтобы оказать честь Прометею, устраивались соревнования по бегу, где каждый бегун держал в руках зажженный факел с огнем. Победитель такого соревнования был удостоен чести зажигать огонь для жертвоприношения Зевсу(слайд№3), что считалось тогда очень важной миссией. Участники игр приносили жертвоприношения богам. Попробуй, употреби незаконный прием против противника или поспорь с судьей и обрушит на тебя свой гнев Зевс(слайд№4).

Вот стадион, где проводились Олимпийские игры, согласно греческой мифологии, был сооружен Гераклом в честь победы Зевса над своим отцом Кроносом(слайд№5). Спортивные соревнования начинались на второй день, с заезда на колесницах; он состоял из 12 кругов. Колесницы, обгоняя друг друга, сталкивались, при этом гибли спортсмены. Зрелище было очень опасным. Однажды к финишу пришел только один участник из десяти(слайд№6). Соревнования продолжались пятиборьем и состояли из пяти видов спорта: бега, борьбы, прыжков в длину, метания копья и диска. Бежать приходилось по глубокому песку(Слайд№7). Метание копья и диска требовало большой силы и выносливости(Слайд№8). Сейчас мы видим прыжки в длину с гантелями(Слайд№9). Основными были скачки на лошадях без седла (слайд№10). На третий день проходили соревнования самых молодых юношей, они выполняли то же самое, но правила для них были помягче(Слайд№11). В четвертый день соревнований, проходил самый древний вид спорта – это кулачный бой. В кулачном бою атлеты обматывали руки кожаными ремнями. Надо быть очень ловким, чтобы увернуться от удара. Через 25 веков его назовут боксом(Слайд№12). А вот вид борьбы, который назывался панкратием и представлял себе композицию кулачного боя и борьбы. Участники смазывали себя оливковым маслом, чтобы быть неуязвимыми для противника(Слайд№13). Заключительным днем на Олимпийских играх был бег воинов в металлических доспехах, в руках они держали щиты(Слайд№14). Победителей избирали, как самых достойных на высшие государственные должности. В честь них воздвигали памятники в Олимпии и в городах, откуда они были родом. Существовала еще одна, довольно интересная традиция: победитель Олимпиады торжественно въезжал в свой город на колеснице, запряженной четырьмя лошадьми в плаще пурпурного цвета, но не через главные ворота, а через проем в стене, который сразу после этого закрывали, чтоб не выпустить из города победоносный дух Олимпиады. Победитель был одет в красный плащ, а на голове у него был венок из листьев лавра, который был символом победы (слайд№15). Олимпийские игры устраивались греками более трехсот раз, а закончились они с приходом Христианства на земли Греции, но в 1896 году после длительного перерыва Олимпийские игры снова провели в Афинах и с тех пор стали проводить каждые 4 года.

Информация о проблеме.(1мин.)

Учитель. Скажите, ребята, что вам больше всего понравилось?. .. А вы помните, какой самый красивый и главный храм был построен в Олимпии в честь самого главного бога?… На этом храме по периметру проходил фриз, который назывался антаблемент, на нем были изображены вот такие бегущие атлеты(слайд№16), естественно, прошло уже более 25 веков и нет этого храма, и тем более фриза со спортсменами. Подумайте, можем ли мы помочь грекам восстановить фриз?

Решение проблемы.(2 мин.)

Давайте подумаем как? (дети обсуждают и приходят к тому, что можно сделать фриз в виде эскиза).

Создание условий для реализации проекта.(2 мин.)

Давайте сделаем так, разделимся на две команды: одна будет Афина, другая Посейдон. В каждой из них будут архитекторы и художники. Архитекторы будут заниматься подготовкой фриза; а художники будут рисовать и вырезать атлетов, посмотрите каких!(слайд№18). Есть предложение, назвать команды: Афина и Посейдон.

Разработка дизайна фриза. (Практическая работа 22 мин.)

Архитекторы. В обеих командах, два учащихся – это «архитекторы», которые занимаются дизайном фриза. Они наклеивают орнамент на подготовленные учителем полоски коричневого цвета, имитирующие фриз.

Художники. Остальные участники команд — это «художники». Учитель напоминает учащимся, как очень просто нарисовать спортсмена, заранее распределив фигуру на пропорции. «Художники» рисуют бегущих атлетов, затем вырезают их и каждая команда наклеивает фигуры и название команды на свой фриз, и демонстрируют свою продукцию.

Итог урока. Представление проекта.( 4мин.)

Учитель. Надеюсь, если бы вы показали свои фризы древним грекам, то им бы понравилось! Ну, а я благодарю вас за ваш труд, вы на славу потрудились и «архитекторы», и «художники». Возможно в будущем, кто-то из вас выберет эту профессию. А теперь, скажите, вам понравилось путешествовать таким образом? А работать вместе? …Скажите, так почему же в гимназии главным предметом, наряду с математикой и письмом, была атлетика?…

Дети. Им нужны были физически закаленные люди, потому что им приходилось много воевать.

Учитель. Теперь, понятно вам, для чего проводили Олимпийские игры?… Следующее наше путешествие будет в Средневековье Западной Европы.

Домашнее задание: прочесть сказки: Х. Андерсена, братьев Грим и Ш. Перро.

Приложение 1.

Схема рисования атлета:

Приложение 2.

Зрительный ряд урока:

Творческие работы двух команд учащихся «Посейдон» и «Афина»

Как нарисовать рисунок на древнегреческой вазе.

Греческая ваза – красота античности

» О строгая невеста тишины,
Дитя в безвестье канувших времен,
Молчунья, на которой старины
Красноречивый след запечатлен! «…….

Джон Китс «Ода греческой вазе» (Перевод Г Кружкова)

Почему мне полюбились греческие вазы, я как-то давно рассказывала в этой записи http://liorasun55.livejournal.com/126036.html Но, осознав, что древние сосуды — не только предметы быта, но и произведения древнего искусства, я решила поинтересоваться ими более подробно, и, как это обычно бывает, все оказалось весьма не просто. Оказывается, вазы очень отличаются друг от друга и в зависимости от периода, и от места, где они производились, и от способа нанесения рисунка, и уж форм, и соответственно, названий у них тоже немало. В общем, как обычно: то, что дилетанту кажется простым, на поверку оказывается целой наукой! 🙂

И, чтобы расставить точки над «и» и с понимаем дела рассматривать фотографии из Берлинского Altes Museum, которые я привезла из последнего отуска, я решила упорядочить те сведения, которые мне удалось собрать по этой теме.

Многообразие форм может продемонстрировать вот эта картинка:

Вообще-то, если разобраться, вазы — это посуда. Посуда нужна в хозяйстве всегда, потребность в ней, видимо, появилась тогда, когда древний человек понял необходимость запасать продукты….А потом он научится и готовить в ней пищу. Когда-то очень давно, в эпоху неолита, кто-то догадался слепленный из глины предмет бросить в огонь. Он приобрел твердость, и так родилась керамика. Мы и сегодня охотно пользуемся керамической посудой и, похоже, человечество еще долго от нее не откажется, несмотря на то, что у нас есть обилие других материалов для производства посуды всех форм.

Каждый, кто хоть немного интересовался историей и археологией, знает, что керамика является важным маркером для датирования культурных слоев, открывающихся при раскопках. Именно потому, что она сопровождала человека многие тысчелетия и потому, что ученые знают, как она развивалась и изменялась на протяжении всех этих веков в зависимости от места расположения на земле.

Почему древние греки придумали такое множество форм для своих ваз? Форма сосуда определялась в зависимости от того, для хранения каких продуктов она предназначалась. А хранили древние греки в основном оливковое масло, вино и воду, а также сыпучие продукты. Конечно, появилась потребность и подавать питье и еду к столу, и разливать вино, и формы античной керамики множились и совершенствовались.

Но чтобы описать, чем отличаются друг от друга разные сосуды, сначала нужно освоить, как принято называть части вазы. Для этого очень удобна эта картинка:

Пожалуй, самая известная нам из греческих ваз — амфора . Вряд ли есть человек, который не слышал о ней.
Амфора (с древне-греческого ἀμφορεύς «сосуд с двумя ручками» — сосуд яйцеобразной формы, иногда с суженной нижней частью и расширенной верхней, с узким горлом, с двумя вертикальными ручками, служил для транспортироваки вина и масла. Амфоры и украшали быт древних греков, и были практичны в повседневной жизни. В амофрах было удобно хранить вино: закрыть узкое горлышко воском или смолой, и вино, находящееся в нижней широкой части не испарялось и сохранялось дольше. Осадок накапливался в нижней узкой части и не взбалтывался, когда вино наливали из амфоры. Амфору благодаря ее конусовидной нижней части было легко зарыть в землю и тем самым сохранять вино при более низких температурах.

Благодаря продолговатой округлой форме амофры их было легко укладывать веером в трюмы древних кораблей. Собственно, амфоры были древней тарой.

Это амфора из Берлинского Старого музея (снимать там не запрещается, но все экспонаты под стеклом). Изображения на вазах — это отдельная очень увлекательная и обширная тема, поскольку разбираться, какой сюжет изображен художником на каждой из них, углубляясь параллельно в чтение Мифов Древней Греции — невероятно интересное занятие, но это — материал для многих книг, а не для одного рассказа)

Было бы ошибкой полагать, что амфорами пользовались исключительно греки. Их находят при раскопках на очень обширной территории, немало их в Причерноморье и в Крыму, например.. и это потому, что греческие амфоры были очень ценимы скифскими царями. (разыскивая информацию для статьи, я много раз видела упоминание таких фактов. Если вы помните, недавно даже Путину повезло нырнуть и — о, чудо! — вынырнуть с древней амфорой в руках:))

Амфоры часто запечатывались глинянной пробкой, которую фиксировали смолой или гипсом. На ручке амфоры греками ставилось клеймо с указанием города-изготовителя (Синопа, Херсонес Таврический), а римляне вешали на ручки ярлычок, например, с указанием сорта вина.

Гидрия (лат. Hydria), иначе Кальпида (лат. — Kalpis) — сосуд для воды, имеющий три ручки: две небольшие горизонтальные по бокам и одну вертикальную., а также длинную шейку. Похожи на амфоры, но у гидрий более округлое тулово.

Девушки ходили с ними к источнику за водой. Гидрии носили на голове или на плече, придерживая их рукой. Изображения таких сценок из жизни можно увидеть и на рисунках, изображенных на самих вазах.

Иногда гидрии использовались также как урны для хранения пепла умерших.

Лично мне очень понравилась идея трех ручек: за две удобно нести воду, а также подставлять сосуд под струю воды, а третья нужна, когда наклоняешь сосуд, выливая из него воду, а также удобно нести пустой сосуд, держа его за вертикальную ручку.

Вот гидрия из колекции Эрмитажа, датируется 510 годом до нашей эры.

А вот гидрия из Метрополитен-музея, на которой изображена сценка наполнения гидрии из источника:)

Как мы видим из росписи на вазе, ничего не изменилось с шестого века до нашей эры: женщины, прийдя за водой, используют повод для того, чтобы всласть пообщаться:)

Канфары — широкие сосуды для питья с двумя ручками, что-то типа кубка. Чаще всего на высокой ножке. Изящные ручки канфара выступают за верхнюю линию сосуда. Канфар считался атрибутом Геракла и особенно Диониса: греческий Бог вина часто изображался с канфаром в руках.

Канфар из Афинского археологического музея

Это рисунок, изображающий бога Диониса с канфаром в руках. Нарисован он в 500 г. до нашей эры на блюде, которое хранится в Лувре.

Килик (греч. kylix, лат. calix — «круглый») — ваза, из которой пили вино. Это сосуд, имеющий вид плоской чаши на ножке или невысоком поддоне с двумя горизонтальными ручками. Килики были весьма рапространены. Снаружи и внутри килики украшали росписью. На многих киликах встречается надпись: «Chaire kai piei eu» (греч., «Радуйся и пей счастливо»). Повествовательные сцены изображали по окружности на наружной стороне чаш (в перерывах между возлияниями килики подвешивали за ручку к стене и такие росписи были хорошо видны)

Вот килик из Греции, датируемый первой четвертью 6-го века до нашей эры и являющийся экспонатом Государственного музея изобразительных искусств имени Пушкина.

Этот же килик изнутри

и он же снизу

КРАТЕ́Р (греч. krater, от kerannymi — «смешиваю») — древнегреческий сосуд для смешивания вина с водой. Согласно обычаям, древние эллины смешивали одну часть вина с двумя частями воды — пить неразбавленное вино считалось проявлением дикости, неумеренности, хотя пьянство было распространенным явлением (вспомним Вакха). Кратеры представляют собой большие сосуды с широким устьем, наподобие котлов, и двумя ручками по бокам.

Примеры кратеров:

Оба кратера из коллекции Государственного музея изобразительных искусств имени Пушкина.

Продожение здесь (часть 2).

Древнегреческая керамика является одним из самих достоверных источников сведений об истории и быте Древней Греции. Ее жители широко использовали металлические и глиняные изделия в повседневном обиходе. Черепки и осколки, украшенные различными мифологическими и бытовыми сценами, археологи находят во всех местах, где проживал и торговал этот древний народ. Греческие античные вазы, дошедшие до наших дней, датируются различными эпохами. Начиная со времен Минотавра (2,5 тыс. лет до н. э.) и заканчивая христианской эпохой.

Первый предмет, который приходит на ум при упоминании словосочетания «греческая ваза» — амфора. При этом упускается из виду, что амфоры — далеко не единственные находки, которые достаются искателям при раскопках. Изобретательные греки придумали собственные названия для каждого повседневного предмета, вышедшего из рук умелых гончаров Афин и Спарты.

Технология изготовления

Такое разнообразие керамики обусловлено технологией производства гончарных изделий в Древней Греции. Греческая ваза из Коринфа, Крита или Афин имеет совершенно особенный качественный состав глины. Керамика Аттики изготавливалась из материала красноватого цвета. В Коринфе для гончарных изделий брали глину с желтым оттенком. А нижняя Италия оставила в наследство керамику, изготовленную из материала бурого цвета.

Украшали росписью практически все виды керамической посуды. Благодаря сильному обжигу, любая греческая ваза становилась устойчивой к разрушающему воздействию окружающей среды, поэтому сохранила свежесть красок в течение нескольких тысяч лет. Черепки, найденные современными исследователями, доносят из глубины веков имена вазописцев, гончаров и владельцев этих изделий.

Археологи различают сосуды, которыми пользовались мужчины и женщины. Греческая керамика мужского мира служит для увеселений, пиров, распития вин. Керамика женского мира предназначена для ведения домашнего хозяйства. Существовала еще группа изделий, предназначенная для хранения и торговли. Остатки больших емкостей, приспособленных для хранения специй, муки, вина, оливкового масла, археологи находят во всех местах, где жили и торговали древние греки. Яркие, красиво расписанные глиняные сосуды пользовались спросом у средиземноморских народов, а торговля гончарными изделиями приносила неплохую прибыль.

Первая вазопись

Первые греческие вазы датируются закатом микенской культуры. Живопись на гончарных изделиях материковой части Греции характеризуется простым узором — несложными геометрическими фигурами на однородном Позднее рисунки усложнились, добавились стилизованные изображения людей и животных черного, изредка красного цвета. К концу VII века до н. э. геометрический стиль пропадает, на смену ему приходит новая технология росписи керамики, а значит, новые красочные рисунки на вазах и кувшинах.

Чернофигурная вазопись

К середине VII века центром становится Коринф. На вазах появляются мифические герои и фигурные орнаменты. Сильное влияние восточных традиций с их грифонами, сфинксами и гепардами переносится на поверхность греческих ваз. Технология изготовления чернофигурной росписи предполагала трехкратный обжиг. Обжиг придавал вазе красный фон, а глянцевитая глина, которой рисовали на стенках сосуда, делала изображения черными.

В период расцвета чернофигурной керамики греческая ваза украшается бытовыми сценами, изображениями сражений и пиров. Чтобы подчеркнуть женщин, стали использовать соответствующий цвет. В шестом веке до н. э. популярность чернофигурной росписи спадает, и на первое место выходит греческая ваза, расписанная в краснофигурном стиле.

Краснофигурная вазопись

Первым, кто догадался окрашивать фон, а не фигуры на греческой вазе, был вазописец Андокид. Развитие искусства росписи гончарных изделий и новые технологии позволяли перенести на поверхность глиняных изделий огромное количество сюжетов. Новым центром вазописи стала Южная Италия. Наряду с уже известными жанровыми, военными сценами и мифологическими сказаниями, поверхность греческих ваз украшают женские профили, повседневные зарисовки, пейзажи и архитектурные сооружения. Появляются вазы-билингвы, которые украшены двумя одновременно.

Белая роспись

Для отдельных видов глиняных сосудов, таких как алабастроны и лекифы, применялся особый вид живописи. На белом фоне черным или красным цветом наносились различные фигуры. Из-за сравнительной сложности изготовления белой росписи черепки таких изделий довольно редко попадаются археологам.

В погоне за совершенством форм и росписи древняя греческая ваза представляется современным исследователям как одно из самых удивительных и уникальных Огромное количество изделий из камня, глины, металла и кости представлены в музеях и собраниях частных коллекционеров. А большое разнообразие форм и яркая роспись изделий позволяют бесконечно любоваться древними сосудами.

=Вазопись Древней Греции=

Древнегреческая вазопись — понятие, применяемое для нанесённой с помощью обжигаемых красок росписи на древнегреческой керамике. Вазопись Древней Греции включает в себя роспись сосудов различных исторических периодов, начиная от догреческой минойской культуры и вплоть до эллинизма, то есть, начиная с 2500 г. до н. э. и включая последнее столетие, предшествовавшее появлению христианства.

Греческая керамика является наиболее распространённой находкой в археологических исследованиях античной Греции, обнаружить её можно во всём ареале расселения древних греков. Помимо греческой метрополии, которая в значительной степени совпадала с территорией современной Греции, в него входят: западное побережье Малой Азии, острова Эгейского моря, остров Крит, частично остров Кипр и заселённые греками районы южной Италии. Как экспортный товар греческая керамика, а вместе с ней древнегреческая вазопись, попала в Этрурию, на Ближний Восток, в Египет и Северную Африку. Расписную греческую керамику находят даже в захоронениях кельтской знати.
Первые предметы греческой вазописи были найдены в новое время в этрусских захоронениях. Поэтому их изначально относили к этрусскому или италийскому искусству. Впервые о греческом происхождении находок заявил Йоганн Йоахим Винкельманн, однако окончательно их греческое происхождение было установлено только на основании первых археологических находок в конце XIX в. в Греции. С XIX в. древнегреческая вазопись является важным направлением исследований классической археологии.
Древние греки расписывали любые виды глиняной посуды, использовавшейся для хранения, приёма пищи, в обрядах и праздниках. Произведения керамики, оформленные особо тщательно, приносили в дар храмам или вкладывали в захоронения. Прошедшие сильный обжиг, стойкие к воздействиям окружающей среды керамические сосуды и их фрагменты сохранились десятками тысяч, поэтому древнегреческая вазопись незаменима при установлении возраста археологических находок.
Благодаря надписям на вазах, сохранились имена многих гончаров и вазописцев, начиная с архаического периода. В случае, если ваза не подписана, чтобы различать авторов и их произведения, стили росписи, у искусствоведов принято давать вазописцам «служебные» имена. Они отражают либо тематику росписи и её характерные черты, либо указывают на место обнаружения или хранения соответствующих археологических объектов.
Периодизация древнегреческой вазописи
В зависимости от времени создания, исторической культуры и стиля, древнегреческая вазопись подразделяется на несколько периодов. Классификация соответствует исторической периодизации и различается по стилям. Стили и периоды не совпадают.
Периодизация начинается с крито-минойской вазописи, одновременно с которой существовала кикладская керамика (по стилям идентична критской) и элладская керамика (ранний стиль — минийская керамика, которую со временем сменяют стили, идентичные критским). Вскоре после прихода в Грецию греков и завоевания ими Крита возникает микенский стиль керамики.
В узком смысле слова древнегреческая вазопись, появившаяся после падения микенских империй и исчезновения их культуры, начинается приблизительно с 1050 г. до н. э. периодом геометрики. По окончании ориентализирующего периода в VII в. до н. э. и с началом архаического периода появилась чернофигурная вазопись и последовавшая за ней ещё в архаическом периоде краснофигурная вазопись. Оба стиля главенствуют в вазописи классической Древней Греции в V и IV вв. до нашей эры.
Далее появляются стили, использующие дополнительные цвета, как, например, вазопись по белому фону, а начиная со второй четверти IV в. до н. э. появляются вазы-гнафии, в росписи которых доминирует белый цвет. Начиная со второй половины III в. до н. э. производство украшенной росписью керамики постепенно угасает, керамические сосуды уменьшаются в размерах, их роспись упрощается или выполняется с меньшей тщательностью. Вазопись на керамике сменяется рельефными украшениями.
Эгейская вазопись до Древней Греции
Минойская керамика
Украшенная росписью глиняная посуда появляется в крито-минойском культурном ареале начиная с 2500 г. до н. э. (имеется сходство с керамикой Бутмирской культуры). Простые геометрические узоры на первых вазах к 2000 г. до н. э. сменяются цветочными и спиральными мотивами, которые наносятся белой краской на чёрный матовый фон, и так называемым стилем Камарес. Дворцовый период в минейской культуре (1650 г. до н. э.) внёс серьезные изменения и в стиль росписи керамики, которая в новом морском стиле украшается изображениями разнообразных обитателей моря: наутилусов и осьминогов, кораллов и дельфинов, выполняемых на светлом фоне тёмной краской. Начиная с 1450 г. до н. э. изображения подвергаются всё большей стилизации и становятся несколько грубее.
Минийская керамика
На территории материковой Греции в среднеэлладский период получила распространение так называемая минийская керамика — из тонкой глины, изящная, но без росписи. К концу среднеэлладского периода её начинает вытеснять минойская керамика. К. Блеген связывал минийскую керамику с приходом греков; в 1970-е гг. Дж. Каски установил, что она имеет местное происхождение и характеризует последний этап догреческой культуры в материковой Греции.
Микенская керамика
Основная статья: Микенская керамика
Около 1600 г. до н. э. с началом позднеэлладского периода вырастает первая высокоразвитая континентальная микенская культура, оставившая след и в вазописи. Ранние образцы отличаются тёмным тоном, преимущественно коричневыми или матово-чёрными рисунками на светлом фоне. Начиная со среднемикенского периода (около 1400 г. до н. э.) становятся популярными животные и растительные мотивы. Позднее непосредственно после 1200 г. до н. э. в дополнение к ним появляются изображения людей и кораблей.
Древнегреческая вазопись
Протогеометрический и геометрический стили
С закатом микенской культуры после дорийского вторжения все достижения прежней вазописи утрачены. В течение примерно столетия существует субмикенская керамика, для которой характерно полное отсутствие орнамента (в редких случаях она украшена несколькими незамысловатыми линиями). Около 1050 г. до н. э. в греческом искусстве распространяются геометрические мотивы. На ранних этапах (протогеометрический стиль) до 900 г. до н. э. керамическая посуда расписывалась обычно крупными строго геометрическими узорами. Типичными украшениями ваз являлись также проведённые с помощью циркуля круги и полукруги. Чередование геометрических орнаментов рисунков устанавливалось различными регистрами узоров, отделённых друг от друга огибающими сосуд горизонтальными линиями. В период расцвета геометрики, начиная с 900 г. до н. э., происходит усложнение геометрических рисунков. Появляются сложные в исполнении чередующиеся одинарные и двойные меандры. К ним добавляются стилизованные изображения людей, животных и предметов. Колесницы и воины во фризообразных процессиях занимают центральные части ваз и кувшинов. В изображениях всё чаще преобладают чёрные, реже красные цвета на светлых оттенках фона. К концу VIII в. до н. э. такой стиль росписи в греческой керамике исчезает.
Ориентализирующий период
Начиная с 725 г. до н. э. в изготовлении керамики лидирующее положение занимает Коринф. Начальный период, которому соответствует ориентализирующий, или иначе протокоринфский стиль, характеризуется в вазописи увеличением фигурных фризов и мифологических изображений. Положение, очерёдность, тематика и сами изображения оказались под влиянием восточных образцов, для которых были прежде всего характерны изображения грифонов, сфинксов и львов. Техника исполнения аналогична чернофигурной вазописи. Следовательно, в это время уже применялся необходимый для этого трёхкратный обжиг.
Чернофигурная вазопись
Со второй половины VII в. до начала V в. до н. э. чернофигурная вазопись развивается в самостоятельный стиль украшения керамики. Всё чаще на изображениях стали появляться человеческие фигуры. Композиционные схемы также подверглись изменениям. Наиболее популярными мотивами изображений на вазах становятся пиршества, сражения, мифологические сцены, повествующие о жизни Геракла и о Троянской войне. Как и в ориентализирующий период, силуэты фигур прорисовываются с помощью шликера или глянцевой глины на подсушенной необожжёной глине. Мелкие детали прочерчивались штихелем. Горлышко и дно сосудов украшались узором, в том числе орнаментами, в основу которых положены вьющиеся растения и пальмовые листья (т. н. пальметты). После обжига основа становилась красной, а глянцевая глина приобретала чёрный цвет. Белый цвет впервые стали использовать в Коринфе и прежде всего для того, чтобы отобразить белизну кожи у женских фигур.
Другие центры производства керамики, как, например, Афины, заимствовали технику коринфского вазописного стиля. К 570 г. до н. э. Афины даже превзошли Коринф по качеству своих ваз и размаху производства. Эти афинские вазы получили в искусствоведении название «аттическая чернофигурная керамика».
Впервые мастера гончарного дела и художники-вазописцы стали с гордостью подписывать свои произведения, благодаря чему их имена сохранились в истории искусства. Самым знаменитым художником этого периода является Эксекий. Кроме него широко известны имена мастеров вазописи Пасиада и Хареса. Начиная с 530 г. до н. э. с появлением краснофигурного стиля чернофигурная вазопись теряет свою популярность. Но и в V в. до н. э. победителям спортивных состязаний на так называемых Панафинеях вручались панафинейские амфоры, которые выполнялись в чернофигурной технике. В конце IV в. до н. э. даже наступил короткий период ренессанса чернофигурной вазописи в вазописи этрусков.
Краснофигурная вазопись
Краснофигурные вазы впервые появились около 530 г. до н. э. Считается, что эту технику впервые применил живописец Андокид. В отличие от уже существовавшего распределения цветов основы и изображения в чернофигурной вазописи, чёрным цветом стали красить не силуэты фигур, а наоборот фон, оставляя фигуры незакрашенными. Отдельными щетинками на неокрашенных фигурах прорисовывались тончайшие детали изображений. Разные составы шликера позволяли получать любые оттенки коричневого. С появлением краснофигурной вазописи противопоставление двух цветов стало обыгрываться на вазах-билингвах, на одной стороне которых фигуры были чёрными, а на другой — красными.
Краснофигурный стиль обогатил вазопись большим количеством мифологических сюжетов, кроме них на краснофигурных вазах встречаются зарисовки из повседневной жизни, женские образы и интерьеры гончарных мастерских. Невиданный прежде для вазописи реализм достигался сложными в исполнении изображениями конных упряжек, архитектурных сооружений, человеческих образов в три четверти и со спины.
Вазописцы стали чаще использовать подписи, хотя по-прежнему на вазах преобладают автографы гончаров. Гончары оставляли подпись в виде своего имени в сочетании с глаголом др.-греч. ἐποίησεν (epóiesen — он сделал), а вазописцы — др.-греч. ἔγραψεν (égrapsen — он нарисовал). Если вазописец сам изготовлял сосуд для росписи, то он ставил оба «штампа». Благодаря подписям удалось атрибутировать многие произведения гончарного искусства конкретным мастерам, одновременно составив представление об их творческом развитии.
Уже в V в. до н. э. в нижней Италии возникли знаменитые мастерские, работавшие с этим стилем вазописи и конкурировавшие с вазописными мастерскими в Аттике. Краснофигурный стиль копировался и в других регионах, где однако не получил особого признания.
Лекиф, выполненный в технике по белому фону. Гипнос и Танат выносят тело Сарпедона с поля боя в Трое. 440 г. до н. э. Британский музей. Лондон[править] Вазопись по белому фону
Для росписи ваз в этом стиле в качестве основы использовалась белая краска, на которую наносились чёрные, красные либо многоцветные фигуры. Эта техника вазописи применялась преимущественно в росписи лекифов, арибалов и алабастронов.
Вазы-гнафии
Ойнохойя-гнафия. 300-290 гг. до н. э. ЛуврВазы-гнафии, названные по месту первого их обнаружения в Гнафии (Апулия), появились в 370-360 гг. до н. э. Эти вазы родом из нижней Италии получили широкое распространение в греческих метрополиях и за их пределами. В росписи гнафий по чёрному лаковому фону использовались белый, жёлтый, оранжевый, красный, коричневый, зелёный и другие цвета. На вазах встречаются символы счастья, культовые изображения и растительные мотивы. С конца IV в. до н. э. роспись в стиле гнафии стала исполняться исключительно белой краской. Производство гнафий продолжалось до середины III в. до н. э.
Вазы из Канозы
Около 300 г. до н. э. в апулийской Канозе возникло регионально ограниченный центр гончарного производства, где керамические изделия расписывались водорастворимыми, не требующими обжига красками по белому фону. Эти произведения вазописи получили название «канозских ваз» и использовались в погребальных обрядах, а также вкладывались в захоронения. Помимо своеобразного стиля вазописи для канозской керамики характерны крупные лепные изображения фигур, устанавливаемые на вазы. Канозские вазы изготовлялись в течение III и II вв. до н. э.
Вазы из Чентурипе
Чентурипская ваза, 280-220 гг. до н. э.Как и в случае с каносскими вазами, чентурипские вазы получили лишь местное распространение в Сицилии. Керамические сосуды составлялись воедино из нескольких частей и не использовались по своему прямому предназначению, а лишь вкладывались в захоронения. Для росписи чентурипских ваз использовались пастельные тона по нежно-розовому фону, вазы украшались крупными скульптурными изображениями людей в одеждах разных цветов и великолепными аппликативными рельефами. На чентурипских вазах изображались сцены жертвоприношения, прощания и погребальных обрядов.
Центры вазописи
Кратер с волютами и изображением наискаНаиболее значимыми центрами гончарного искусства — и соответственно вазописи — в Греции считаются Афины и Коринф в Аттике. Получили известность также вазы из Беотии и Лаконии.
Благодаря греческим колониям в нижней Италии их гончарное искусство и вазопись распространились и в этом регионе. Начиная с VIII в. до н. э. греческая керамика имитировалась итальянскими мастерами, возможно, благодаря осевшим в Италии греческим мастерам. Начиная с IV в. до н. э. в Италии получает развитие собственный стиль, отличный от греческих образцов. Вазопись нижней Италии отличается своими размерами и богатством декора, в котором в дополнение к традиционным цветам использовались белая и красная краска.
Вазы расписывались преимущественно на мотивы из жизни греческих богов и героев, однако присутствуют и бытовые сцены. На многочисленных сохранившихся вазах, к примеру, изображены свадебные пиршества или сцены из жизни атлетов. Часто на вазах встречаются и эротические сцены. Особой формой нижне-итальянского стиля вазописи считаются «наисковые вазы», получившие своё название соответственно по изображённым на них наискам и предназначавшиеся для погребальных ритуалов.
Технология изготовления и гончарные мастерские
Гончарная мастерская. Коринфская пинака из Пентескуфии. 575-550 гг. до н. э. ЛуврПроцесс изготовления керамики в античные времена восстанавливается учёными на основе анализа глины, результатов раскопок античных гончарных мастерских, сравнения их с современными аналогами и результатов искусствоведческих исследований вазовой росписи. Источниками информации служат также сцены из жизни гончаров и вазописцев с коринфских глиняных табличек. Изображения гончарных мастерских сохранились на 16 аттических вазах и на одном беотийском скифосе.
Глина
Для успеха в гончарном искусстве решающее значение имеет качество добываемой глины. Горная порода должна быть выветренной. Исходный материал часто размачивался на месте добычи и смешивался с другими добавками, придававшими глине желаемый цвет после обжига. Глина в Коринфе имела желтоватый оттенок, в Аттике — красноватый, а в нижней Италии — бурый цвет. Перед обработкой глина подвергалась очистке. Для этого в гончарной мастерской глину размачивали или промывали в большой ёмкости. При этом крупные частицы глинозёма опускались на дно, а оставшиеся органические примеси поднимались к поверхности воды. Глиняная масса помещалась затем во второй бак, где из неё удалялись излишки воды. Далее глину вынимали и долгое время выдерживали во влажном состоянии. Во время такого созревания глина «старела» и становилась эластичнее. Излишне жирные (мягкие) сорта глины перед обработкой смешивали с песком или размолотым керамическим боем для того, чтобы «обезжирить» их, сделать глину прочнее. Поскольку на украшенных росписью афинских вазах отсутствуют следы «обезжиривания» глины, можно сделать вывод, что они были изготовлены из очень хорошо «состаренной» глины.
Чернофигурный скифос с изображением сцены подготовки глины[править] Формы
После того, как глина приобрела необходимую консистенцию, её тщательно вымешивали ногами (Геродот II 36) и разделяли на куски. Глину помещали на гончарный круг и центрировали для того, чтобы при вращении не возникало колебаний. Вращающийся гончарный круг был известен в Греции ещё во втором тысячелетия до н. э., он описан в Илиаде (XVII 599-601). Встречаются также античные изображения, где гончарный круг приводился в движение подмастерьем гончара, сидящим на стуле или на корточках.
После центрирования на гончарном круге создавалось тулово будущего сосуда. Если высота будущего сосуда превышала длину руки мастера, то его собирали из нескольких деталей. Готовые детали срезались с гончарного круга с помощью верёвки, следы которой можно обнаружить на готовых вазах. Ножки и ручки сосудов, а также накладные украшения (например, рельефные маски) вылепливались отдельно и прикреплялись к тулову с помощью жидкой глины. Готовые сосуды помещались в сухое и тёмное место для медленной сушки в естественных условиях, чтобы избежать появления трещин. После того, как глина немного затвердевала, сосуд «откручивался» от гончарного круга. Далее гончар срезал излишки глины и формировал на венчике и ножках сосуда типичные для античной керамики острые канты.
Роспись
Фрагмент чернофигурной аттической чаши с изображением вазописца за работой. Ок. 480 г. до н.э. Музей изящных искусств. БостонРоспись керамики производилась до обжига. Сосуд сначала протирали влажной тряпкой, а затем покрывали разведённым раствором шликера или минеральными красками, которые придавали вазе после обжига красноватый оттенок. Вазописцы расписывали сосуды прямо на гончарном круге либо осторожно держа их на коленях. Об этом свидетельствуют многочисленные изображения на готовых вазах, а также отбракованных после обжига и незаконченных изделиях.
Изображения на вазах в геометрическом, ориентализирующем и чернофигурном стиле скорее всего наносились кистью. В период поздней геометрики в росписи ваз использовалась белая фоновая краска, которая, отколовшись в некоторых местах, приоткрывает детали, которые вазописцы пытались скрыть от посторонних глаз. Насечки на сосудах были характерны для чернофигурной вазописи, и скорее всего эта техника была заимствована у ремесленников-гравёров. Для этих работ вазописцы использовали острый металлический стиль. Ещё в эпоху протогеометрики вазописцам был известен циркуль, которым они наносили на вазы концентрические круги и полукруги. Начиная со среднего протокоринфского периода обнаруживаются наброски, которые вазописцы наносили на расписываемую керамику острой деревянной палочкой или металлическим инструментом. Эти насечки во время обжига исчезали. Вазопись в краснофигурном стиле часто предваряли эскизы. Их можно обнаружить на некоторых сосудах, где они проглядывают через конечное изображение. Примером может служить амфора Клеофрада, на которой изображён сатир с копьём, который по изначальному замыслу должен был быть одет в нагрудные доспехи. На незаконченных краснофигурных изображениях видно, что вазописцы часто обводили свои наброски полосой шириной до 4 мм, которая иногда видна и на готовых изделиях. Для контуров тела использовалась выступающая рельефная линия, которая отчётливо видна на чернофигурных сосудах. Прочие детали прорисовывались насыщенной чёрной краской либо разведённой до коричневого оттенка фоновой краской. В заключение фон сосуда либо лицевая сторона чаши закрашивались большой кистью в чёрный цвет.
На сосуды наносились различные надписи: подписи гончаров и вазописцев, подписи к изображениям и хвалебные надписи-посвящения. Иногда на дне сосудов высекались обозначения цены изделия либо клеймо изготовителя.
Чернофигурная гидрия с изображением гончарной мастерской, ок. 510 г. до н. э. Государственное античное собрание. Мюнхен. Гончарные мастерские
Античные гончарные мастерские существенно отличались друг от друга размерами и оснащением. Некоторые гончары не имели мастерских и переезжали с места на место, обслуживая нужды небольших поселений. Им требовалась только подходящая глина, инструменты и переносной гончарный круг. Непритязательные керамические изделия часто обжигались на открытом огне.
Самый известный гончарный квартал Коринфа находился к западу от Агоры в некотором отдалении от центра города. По керамическому бою, обнаруженному при раскопках, установлено, что несколько гончарных мастерских функционировало на окраинах города и на форуме Коринфа. Гончары не ограничивались производством ваз и выполняли заказы на изготовление глиняных скульптур и кровельной черепицы. Глина добывалась в непосредственной близости от мастерских на склонах горы Акрокоринф. Выбор места для гончарной мастерской зависел не только от расположения залежей глины, но и от наличия дров для печей и близости рынка для сбыта готовой продукции. Коринфские гончарные мастерские часто располагались вблизи пахотных земель, поэтому предполагается, что гончары владели этой землей и следовательно занимались также сельским хозяйством.
В Афинах самый известный квартал гончаров находился в районе Керамик, получившем своё название по имени покровителя гончаров. Афинские гончары не добывали глину самостоятельно и зависели от поставщиков. Места залегания глины находились в Кап Колиасе в 15 км от Афин, в районе реки Илисс и в нынешнем пригороде Афин Марусси. Судя по найденному керамическому бою, украшенная росписью керамика более низкого качества производилась за пределами центра города (например, в Академии).
Устройство мастерской
Гончарная мастерская представляла собой жилой дом с большим двором, обустроенным навесами от дождя и полками для сохнущей керамики и инструментов. Во дворе также хранились инструменты, дрова, глина, гончарные круги, стояли печи и баки для замачивания глины. Во двор также была подведена вода. Гончарные мастерские пользовались печами, источниками воды и цистернами совместно. Не сохранилось сведений о количестве работников гончарной мастерской. Платон упоминает, что гончары обучали своему ремеслу детей, то есть гончарные мастерские были семейными предприятиями.
Об этом факте свидетельствуют подписи на античных сосудах: гончары Тлесон и Эрготел подписывались «Сын Неарха». Неарх же ставил свою подпись и как гончар, и как вазописец. Однако подписи на расписанных вазах встречаются очень редко. Подписано лишь 900 из 70 000 известных ваз. Наиболее известными по именам гончарами являются Никосфен и Эксекий. Иногда встречаются вазы, подписанные дважды, если над ними работало два мастера: гончар и вазописец.

Easy How Draw the Parthenon Tutorial and Parthenon Coloring Page

Ниже вы найдете простое пошаговое руководство по рисованию Парфенона и страницы-раскраски Парфенон.

Этот фасад соответствует оригиналу с восемью симметричными колоннами.

Рисунок Парфенона

Парфенон — храм посреди Акрополя в Афинах, Греция. Это был храм в честь богини Афины. Он был построен между 447 г. до н.э. и 432 г. до н.э.Он считается одним из величайших архитектурных достижений Древней Греции. Этот урок показывает учащимся, как нарисовать Парфенон таким образом, чтобы сохранить важные детали, не будучи слишком сложным.

Начало работы с руководствами по рисованию

Лучший способ подтолкнуть учащихся к хорошему началу любого урока рисования — показать им, как использовать направляющие в качестве ориентира.

Возможно, вы заметили, что все руководства на этом сайте имеют пунктирную линию, проходящую через центр каждого шага как в горизонтальном, так и в вертикальном направлениях.Если учащиеся сделают свои собственные центрированные линии на своей собственной бумаге перед рисованием, у них будет простой ориентир для подражания.

Навыки рисования сводятся к получению размера и расположения линий на бумаге, поэтому наличие визуального ориентира для начала всегда поможет любому научиться быть более точным.

Значит ли это, что учащиеся должны взять линейку, чтобы провести большую толстую линию по центру бумаги, прежде чем они начнут? Нет, это совершенно не обязательно.Линии, скорее всего, будет трудно стереть и отвлечь от любого готового рисунка. Вместо этого просто сложите лист бумаги пополам в обе стороны, сделайте сгиб и разверните. Прелесть в том, что к тому времени, когда рисунок будет сделан и раскрашен, складки исчезнут.

А теперь приступим к рисунку Парфенона.

Используйте кнопку ниже, чтобы загрузить учебник в формате PDF

Сохраните меня на своей доске Pinterest

Раскраска Парфенон

Материалы для рисования Парфенона

Примечание. Этот пост содержит партнерские ссылки. Если вы нажмете и примете меры, я получу небольшую компенсацию бесплатно для вас.

• Бумага для рисования . Не заменяйте его копировальной бумагой или плотной бумагой. Поверхность станет нечеткой, при стирании могут появиться дыры, а цвета, как правило, будут выглядеть не такими яркими.

• Карандаш . Марка Ticonderoga самая надежная, они оставляют красивые темные линии, когда они вам нужны, и их легче всего стереть.

• Ластик .Большие карандаши, которые можно держать в руке, работают гораздо лучше, чем просто кончики карандашей. Маркеры Стабило. У них лучшие цвета, лучшие кончики и они держатся дольше всех.

• Черный маркер Sharpie . Эти перманентные маркеры с тонкой точкой позволяют рисовать красивые черные линии, имеют удобный наконечник для окрашивания и никогда не растекаются, когда намокают. Используйте их в местах с хорошей вентиляцией и подложите под них дополнительную бумагу для защиты стола.

• Маркеры Stabilo .Большой пакет содержит множество забавных цветовых решений, несколько оттенков каждого цвета, в том числе несколько вариантов для кожи. Наконечники идеально подходят для окрашивания, и даже обещают, что они будут работать после 8 недель без колпачка!

Как нарисовать Парфенон шаг за шагом

Вам также могут понравиться эти знаменитые чертежи зданий

Почему искусство Древней Греции до сих пор формирует наш мир? (из хронологии BBC)

Прикосновение Мидаса?

На протяжении тысячелетий искусство древних греков считалось мерилом, по которому оценивалось более позднее искусство.Это сформировало наши представления о том, как должно выглядеть совершенство.

Адаптированное и переданное из поколения в поколение, эхо древних греков с нами и сегодня – от наших представлений о прекрасном теле до зданий, говорящих о величии и мощи. Почему Греция до сих пор определяет красоту для современного мира?

 

с.

600 г. до н.э. Истоки греческого искусства

Хотя искусство Древней Греции до сих пор формирует наше представление о том, каким должно быть искусство, само классическое греческое искусство было продуктом многих влияний.

Наследие культур, предшествовавших грекам, можно увидеть в ранних статуях. Каменные фигуры, называемые курои, или юноши, были обычным явлением. С их жестким ростом и сильно стилизованным пониманием человеческой анатомии они демонстрировали влияние древних египтян. В течение следующих столетий греческие художники разработали свой собственный стиль, который стремился запечатлеть человеческое тело в максимально реалистичной форме.

Kouroi в Метрополитен-музее в Нью-Йорке

 

510BC

Захват человеческой формы

Возникновение греческих городов-государств и зарождение демократии в Афинах сопровождалось взрывом в искусстве, когда Греция вступала в свой золотой век.

Для древних греков очень важным стало запечатление работы человеческого тела в искусстве. С этого века сохранилось несколько больших картин, но картины на горшках и скульптуры показывают, как развивалось греческое искусство. Благодаря новым техникам художники изображали тело все более реалистично — в действии, в состоянии покоя и даже в эротических актах. Эта одержимость запечатлением человеческого тела оказала глубокое влияние на все последующее искусство.

Лувр: греческая скульптура и человеческое тело

 

447BC–432BC

Вершина греческой цивилизации?

Многие считают вершину греческого искусства видом на Афины.Парфенон — одно из самых известных зданий в мире.

Первоначально являвшийся храмом богини Афины, Парфенон отличался коническими колоннами и необычными, реалистичными скульптурами, которые оказали огромное влияние на искусство. Построенный, когда Афины были на пике своего могущества, Парфенон стал архитектурным образцом для подражания для будущих цивилизаций, почитавших греческую культуру — от Древнего Рима до Британии на пике империи и Вашингтона 19 века.

«Человек есть мера всех вещей.Протагор

Британский музей: Парфенон и его скульптуры

 

146BC

греческий становится римским

Расцвет Римской империи привел к тому, что римляне переняли культуру, искусство и традиции древних греков.

В 146 г. до н.э. победа римлян в битве при Коринфе обозначила господство Рима над греческим миром. Римляне-завоеватели приняли греческое искусство. Ключевые особенности ранней греческой атлетической статуи, Дорифор Поликлета, столетия спустя вновь обретаются в этой статуе императора Августа.Для римлян искусство греков намного превосходило их собственное, и они претендовали на то, чтобы быть его естественными наследниками. Они также распространили греческое искусство по всей своей обширной империи и оставили следы для будущих поколений.

Музей Прадо: влияние Греции на римское искусство

 

в. 600 г. н.

э.

Греческое искусство на Востоке

Конец Римской империи привел к уменьшению влияния греческого искусства в Западной Европе. Тем не менее, он продолжал процветать на востоке.

Восточная часть Римской империи пережила крах Рима и стала известна как Византийская империя.Основанный в Константинополе — современном Стамбуле — он был грекоязычным и все еще находился под влиянием римского искусства, вдохновленного греками. Византийское искусство, благодаря таким произведениям, как резьба по слоновой кости Барберини, продолжилось в римском стиле и, таким образом, помогло сохранить художественное наследие греков.

Лувр: слоновая кость БарбериниБританский музей: Византийская империя

«Мы, греки, любители прекрасного, но простые в своих вкусах». Фукидид

Примерно в это время…

 

1506

Новое открытие греков

Западной Европе пришлось ждать эпохи Возрождения, чтобы заново открыть для себя искусство древних, а вместе с ним и влияние греков.

Искусство античности раскапывали и заново открывали. Забытые веками, эти обнаруженные шедевры вдохновили художников и скульпторов эпохи Возрождения, таких как Леонардо да Винчи и Микеланджело, овладеть реализмом и энергией, которые они нашли в древних статуях. Искусство Возрождения распространило влияние греческого искусства по всей Европе. Для грядущих поколений классическое искусство — как стало известно греческое и римское искусство — рассматривалось как основная модель для нового искусства.

Музеи Ватикана: Лаокоон

 

1600

От камня к краске

Влияние искусства древних греков распространилось не только на скульптуру, но и на живопись.

Начиная с эпохи Возрождения, европейские художники, такие как Рубенс, боролись с теми же проблемами, что и древние греки, — как реалистично изобразить человеческое тело во всей его сложности. Создать движение и драматизм, ощущение живой, дышащей плоти на плоском холсте представлялось чрезвычайно сложным. Копирование искусства более ранних художников эпохи Возрождения, находившихся под непосредственным влиянием античного искусства, поддерживало греческое искусство в новых формах на протяжении веков.

Национальная галерея: Питер Пауль РубенсBBC iWonder: Рубенс сделал большое красивым?

 

Примерно в это время…

1786

«Искусство завершает то, что природа оставляет незавершенным.”  Аристотель

1825

Символы культуры и империи

Построенный с 1823 по 1846 год и вдохновленный греческими храмами, Британский музей резюмировал важность Великобритании как имперской державы.

Однако связь здания с Древней Грецией не ограничивалась его колоннами и греческим внешним видом. Вскоре после 1800 года мраморные скульптуры были извлечены из руин Парфенона и отправлены в Великобританию. Поскольку их называют мраморами Элгина в честь британского лорда, который их удалил, они были размещены в Британском музее. Подобно древним римлянам, Британия скопировала греческое искусство и объявила себя наследницей древнегреческой цивилизации.

Британский музей: Архитектура музея

1930-е годы

Старые идеи и новые заказы

В своих планах европейской империи нацистская Германия также обращалась к искусству и культуре древних греков.

Одна конкретная работа – статуя метателя диска – так вдохновила Гитлера, что он купил ее для немецкого народа.В мускулистой беломраморной фигуре Гитлер видел идеал, который хотел воссоздать в Германии – нацию сильных, чистых людей и цивилизацию, способную соответствовать высоким стандартам древних. В эти темные годы немецкое искусство было вынуждено вторить греческому и римскому классическому искусству. Другие виды искусства были названы дегенеративными и запрещены.

Культура BBC: греки, нацисты и красивое тело

Сегодняшний день: Полный круг?

Кому принадлежит твоя татуировка? Может быть, не ты НАОСИМА, НОВЫЙ ХРАМ СОВРЕМЕННОГО ИСКУССТВА

Древняя Греция – Введение в искусство

Древнегреческая культура насчитывает более тысячи лет, от самых ранних цивилизаций до культур, которые стали древними греками.

• Древнегреческая культура известна своим управлением, искусством, архитектурой, философией и спортом, которые стали основой современного западного общества. Им восхищались и перенимали другие, в том числе Александр Македонский и римляне, которые помогли распространить греческую культуру по всему миру. До того, как греческая культура укоренилась в Греции, ранние цивилизации процветали на материковой части Греции и на островах Эгейского моря. Падение этих культур и последствия, известные как Темные века, считаются временем, когда впервые были прочитаны гомеровские эпосы.
• Греческая культура начала развиваться в течение геометрического, ориентализирующего и архаического периодов, которые длились с 900 по 480 г. до н.э. В это время население городов-государств начало расти, утвердились панэллинские традиции, а искусство и архитектура стали отражать греческие ценности.
• Ранний, высокий и поздний классический периоды в Греции происходили с 480 по 323 год до н. э. В эти периоды Греция процветала, и Афинский полис пережил свой Золотой век под руководством Перикла.Однако соперничество городов и государств приводит к войнам, и Греция никогда не была по-настоящему стабильной, пока не была завоевана.
• Эллинистический период в Греции является последним периодом перед тем, как греческая культура станет частью римской гегемонии. Этот период начинается со смерти Александра Македонского в 323 г. до н. э. и заканчивается поражением греков в битве при Акциуме в 30 г. до н. э. Это знаменует собой распространение греческой культуры по Средиземноморью.

• полис : Город или город-государство. Множественное число — polis.

Древнегреческая культура

Древнегреческая культура охватывает более тысячи лет истории, от самых ранних цивилизаций в этом районе до культур, которые стали древними греками. После греческого темного века Греция снова расцвела и превратилась в древнюю культуру, которую мы знаем сегодня.

Классическая Греция: Карта Древней Греции

Греческая культура основана на ряде общих ценностей, которые связывали независимые города-государства по всему региону и распространялись на север вплоть до горы Олимп.Греческое общество было изолированным, и лояльность была сосредоточена вокруг полиса (города-государства). Греки считали себя цивилизованными и считали чужаков варварами.

В то время как повседневная жизнь и лояльность греков были сосредоточены на одном полисе, греки действительно создавали лиги, которые соперничали за контроль над полуостровом и могли объединиться против общей угрозы (например, персов).

Греческая культура сосредоточена на правительстве, искусстве, архитектуре, философии и спорте. Афины очень гордились созданием демократии, и граждане всех полисов (городов-государств) принимали участие в гражданских обязанностях.Города поручали художникам и архитекторам почтить своих богов и украсить свои города.

Будучи религиозным народом, греки поклонялись ряду богов посредством жертвоприношений, ритуалов и праздников.

Обзор: бронзовый век и протогреческие цивилизации

Кикладская цивилизация

В бронзовом веке вокруг Эгейского моря развивалось несколько различных культур. Кикладская цивилизация вокруг Кикладских островов процветала с 3000 по 2000 год до нашей эры. Мало что известно о Кикладской цивилизации, потому что они не оставили письменных записей.Их материальная культура в основном извлечена из захоронений, которые показывают, что люди создавали уникальные геометрические мраморные фигуры.

Минойская цивилизация

Минойская цивилизация существовала с 3700 г. до н.э. по 1200 г. до н.э. и процветала в неодворцовый период (с 1700 по 1400 г. до н.э.), когда началось крупномасштабное строительство общинных дворцов. На минойских стоянках были обнаружены многочисленные архивы; однако их язык, линейное письмо А, еще предстоит расшифровать. Культура была сосредоточена на торговле и производстве, а минойцы были великими мореплавателями в Средиземном море.

Микенская цивилизация

Протогреческая культура, известная как микенцы, развивалась и процветала на материке, в конце концов завоевав Эгейские острова и Крит, где была сосредоточена минойская цивилизация. Микенцы развили капризную, воинственную культуру, в основе которой лежала власть одного правителя. Их культура в конце концов рухнула, но многие из их цитаделей были оккупированы в Темные века Греции и перестроены в греческие города-государства.

Темные века

Примерно с 1200 г. до н.э. дворцовые центры и отдаленные поселения микенской культуры начали заброшены или разрушены.К 1050 г. до н.э. узнаваемые черты микенской культуры исчезли. Многие объяснения приписывают падение микенской цивилизации и крах бронзового века климатической или экологической катастрофе в сочетании с вторжением дорийцев или народов моря, или широкой доступностью холодного оружия из железа, но единого объяснения нет. соответствует имеющимся археологическим данным.

Этот исторический период продолжительностью от двух до трех столетий также известен как гомеровский век.Считается, что примерно в это время были впервые прочитаны гомеровские эпосы «Илиада» и «Одиссея».

Древняя Греция после Средневековья

Геометрический период и период ориентализации

Геометрический период (ок. 900–700 гг. до н. э.), получивший свое название от распространения геометрических рисунков и изображения фигур в искусстве, стал свидетелем появления новой культуры на материковой части Греции. Изменение языка в культуре, его адаптация к финикийскому алфавиту, а также новые погребальные обычаи и материальная культура позволяют предположить, что этническое население изменилось по сравнению с прежними жителями материка, микенцами.В это время новая культура была сосредоточена на людях и независимых полисах, которые делили землю на региональное население. В этот период наблюдался рост населения и оживление торговли.

Период ориентализации (ок. 700–600 гг. до н. э.) назван в честь культурного обмена греков с восточными или восточными цивилизациями. В это время начала процветать международная торговля. Искусство этого периода отражает контакт с такими местами, как Египет, Сирия, Ассирия, Финикия и Израиль.

Архаическая Греция

Архаический период Греции длился с 600 по 480 г. до н.э., когда греческая культура расширилась. Население Греции начало расти, и греки начали колонизировать побережье Средиземного и Черного морей. В то время полисами обычно управлял один правитель, который силой управлял городом. Для города Афин это привело к созданию демократии. Несколько городов-государств превратились в крупные державы, в том числе Афины, Спарта, Коринф и Фивы.Эти полисы часто враждовали друг с другом и образовывали коалиции, чтобы получить власть и союзников. Персидское вторжение в Грецию в 480 г. до н.э. ознаменовало конец архаического периода.

Классическая Греция

Эпоха классической Греции началась в 480 г. до н. э. с разграбления Афин персами. Персидское вторжение в Грецию, сначала под предводительством Дария I, а затем его сына Ксеркса, объединило Грецию против общего врага.

г. После поражения персидской угрозы Афины стали самым могущественным полисом до начала Пелопоннесской войны в 431 г. до н.э.Эти войны продолжались до 400 г. до н.э. Хотя классический период был омрачен войной, он стал периодом расцвета греческой культуры и создания некоторых из самых известных произведений искусства и архитектуры Греции. Однако мир и стабильность в Греции не были достигнуты до тех пор, пока она не была завоевана и объединена Македонией под руководством Филиппа II и Александра Великого в середине третьего века до нашей эры.

Поздняя классическая Греция

После Пелопоннесских войн появился новый стиль скульптуры.Пропорции фигур стали выше, а боги продемонстрировали новую моральную распущенность, невиданную в более ранние периоды. Впервые богини изображались обнаженными или полуобнаженными.

Эллинистическая Греция

Эллинистический период начался со смерти Александра Македонского в 323 г. до н. э. и закончился победой римлян в битве при Акциуме в 30 г. до н. э. Полис Греции провел это время под гегемонией иностранных правителей, сначала македонцев, а затем римлян, начиная с 146 г. до н.э.

Новые центры эллинской культуры расцвели в Греции и на чужой земле, включая города Пергам, Антиохию и Александрию — столицы Атталидов, Селевкидов и Птолемеев.

Древнегреческие боги и их храмы

Греческая религия играла центральную и повседневную роль в жизни древних греков, и групповое поклонение было сосредоточено в храмах и культовых местах.

Греческие религиозные традиции включали в себя большой пантеон богов, сложные мифологии, ритуалы и культовые практики. Греция была политеистическим обществом и обращалась к своим богам и мифологии для объяснения природных тайн, а также текущих событий. Религиозные праздники и церемонии проводились в течение всего года, а жертвоприношения животных и обетных подношений были популярными способами умилостивить богов и поклоняться им.Религиозная жизнь, ритуалы и практики были одним из объединяющих аспектов Греции в регионах и полисов (городов или городов-государств, таких как Афины и Спарта).

Основные религиозные святилища греческого Эгейского моря: на этой карте перечислены основные греческие боги и показано, где расположены их основные религиозные святилища в греческом Эгейском регионе

Греческие боги

греческих богов были бессмертными существами, обладавшими человеческими качествами, и изображались полностью человеческими, хотя и совершенно сформированными, в изобразительном искусстве.Они были нравственны и безнравственны, мелочны и справедливы, а часто и тщеславны. Богов призывали вмешиваться и помогать в делах больших, малых, личных и общественных.

Города-государства объявили отдельных богов и богинь своими покровителями. Храмы и святилища богам строились в каждом городе. Многие города стали культовыми местами из-за их связи с богом или богиней и определенных мифов. Например, город Дельфы был известен своим оракулом и святилищем Аполлона, поскольку считалось, что Аполлон убил дракона, населявшего Дельфы.

История греческого пантеона начинается с изначальных божеств Геи (Мать-Земля) и Урана (Отец-Небо), которые были родителями первого из двенадцати гигантов, известных как Титаны. Среди этих Титанов было шесть мужчин и шесть женщин.

Олимпийские боги

Наиболее известны в пантеоне двенадцать олимпийских богов и богинь, живших на горе Олимп в северной Греции. Насилие и борьба за власть были обычным явлением в греческой мифологии, и греки использовали свою мифологию, чтобы объяснить свою жизнь вокруг них, от смены времен года до того, почему персы смогли разграбить Афины.

Традиционный пантеон греческих богов включает:

• Зевс, царь богов и повелитель неба.
• Два брата Зевса, Посейдон (правивший морем) и Аид (правивший подземным миром).
• Сестра и жена Зевса, Гера, богиня брака, часто ревнивая и мстительная по отношению к другим любовникам Зевса.
• Их сестры Гестия, богиня домашнего очага, и Деметра, богиня зерна и культуры.
• Дети Зевса:
  • Афина (богиня войны и мудрости).
  • Гермес (бог-посланник и бог торговли).
  • близнецы Аполлон (бог солнца, музыки и пророчеств) и Артемида (богиня охоты и диких животных).
  • Дионис (бог вина и театра).
  • Афродита (богиня красоты и любви), которая была замужем за Гефестом (уродливым богом кузницы).
  • Арес (бог войны и любовник Афродиты) также являются частью традиционного пантеона.
  • Гефест был в одних мифологиях сыном Зевса, а в других — безотцовым сыном Геры.

Гермес и младенец Дионис от Праксителя: здесь Гермес заботится о Дионисе, оставшемся без матери. Первоначально Гермес держал гроздь винограда, которой он дразнил младенца бога вина. в. 4 век до н.э.

Герои

Герои, которые часто были полубогами, также были важными персонажами греческой мифологии. Двумя самыми важными героями являются Персей и Геракл.

Персей

Персей известен победой над Горгоной Медузой. Он убил ее с помощью богов: Афина дала ему доспехи и отражающий щит, а Гермес дал Персею крылатые сандалии, чтобы он мог летать.

Геркулес

Геракл был сильным, но недобрым человеком, пьяницей, совершившим огромные проступки и социальные бестактности. Геракл был отправлен на двенадцать подвигов, чтобы искупить свои грехи в наказание за свои проступки. Эти и некоторые другие истории часто изображались в искусстве, на керамических горшках или храмовых метопах. Самые известные из его деяний включают убийство Немейского льва и гидры, захват Цербера (собаки подземного мира) и получение яблок Гесперид.

Тесей

Третий герой, Тесей, был афинским героем, известным тем, что убил Минотавра царя Миноса. Другими главными героями греческой мифологии являются воины и участники Троянской войны, такие как Ахиллес, Аякс, Одиссей, Агамемнон, Парис, Гектор и Елена.

Культы героев были еще одной популярной формой греческого поклонения, которая включала в себя почитание мертвых, особенно погибших героев Троянской войны. Местами поклонения героям обычно были места или гробницы старого бронзового века, которые древние греки считали важными или священными, которые они затем связывали со своими легендами и историями.

Геракл и Цербер: Геракл возвращает Цербера королю Эврисфею. Черная фигура гидры. в. 525 г. до н.э.

Священные места

Греческое богослужение было сосредоточено в храме. Храм считался домом бога, и в центральной комнате, или наосе, возводилась культовая статуя бога. Храмы обычно имели один и тот же основной прямоугольный план, хотя круглый храм, известный как толос, использовался в некоторых местах, начиная с классического периода.

Храмы были ориентированы на восток лицом к восходящему солнцу.Покровители оставляли подношения богам, такие как небольшие обеты, большие статуи, возлияния или дорогие товары. Из-за богатства, посвященного богам, храмы часто становились сокровищницами, в которых хранились и сохранялись богатства города. Греческие храмы должны были быть богато украшены, а их строительство было долгим и дорогостоящим делом.

Ритуалы и жертвоприношения животных в честь бога или богини происходили снаружи, перед храмом. В ритуалах часто участвовало большое количество людей, а жертвоприношение было грязным делом, которое лучше всего проводить на открытом воздухе.Развитие и украшение храмов является основным направлением изучения греческого искусства и культуры.

Сцена жертвоприношения: Сцена жертвоприношения. Чердачный краснофигурный колокольный кратер. Около 430–420 гг. До н.э. Афины, Греция

Греческий геометрический период

Геометрический период в греческом искусстве отличается опорой на геометрические формы для создания фигур людей и животных, а также абстрактного декора.

• Геометрический период ознаменовал конец Средневековья Греции и длился с 900 по 700 г. до н.э.
• Геометрический период получил свое название от преобладания геометрических мотивов в вазописи. Были изготовлены и оформлены монументальные кратеры и амфоры как могильные знаки. Эти сосуды характерны для геометрической вазописи того периода.
• Самые известные сосуды этого периода используют технику, называемую Horror Vacui, при которой каждое пространство на поверхности заполняется образами.

• ужас vacui : от латинского страх перед пустым пространством, это стиль живописи, в котором вся поверхность пространства заполнена узорами и фигурами.
• амфора : Кувшин с двумя ручками и узким горлышком, использовавшийся в древние времена для хранения или перевозки вина или масла.
• кратер : Древнегреческий сосуд для смешивания воды и вина.

Геометрическая керамика

В одиннадцатом веке до нашей эры центры-цитадели микенцев были заброшены, и Греция попала в период небольшого культурного и социального прогресса. Признаки цивилизации, включая грамотность, письменность и торговлю, были утеряны, а население материковой Греции резко сократилось.В протогеометрический период (1050–900 гг. До н.э.) живопись на керамике начала возрождаться. Эти сосуды были украшены только абстрактными геометрическими фигурами, заимствованными из микенской керамики. Керамисты начали использовать быстрое колесо для создания сосудов, что позволило создавать новые, более монументальные объекты.

Протогеометрическая амфора: Протогеометрическая амфора, ок. 975–950 гг. до н. э.

г. В последовавший за этим геометрический период на судне снова появились фигуры. Период длился с 900 по 700 г. до н.э. и ознаменовал конец греческих темных веков.В это время возникла новая греческая культура. Население росло, торговля возобновлялась, а греки использовали для письма финикийский алфавит. В отличие от микенцев, эта культура была больше ориентирована на жителей полиса, что нашло отражение в искусстве этого периода. Этот период получил свое название из-за того, что в своем искусстве он полагался на геометрические формы и узоры и даже на их использование для изображения фигур как людей, так и животных.

Афины

Город Афины стал центром гончарного производства.Квартал гончаров в части города, известной как Керамикос, располагался по обе стороны от Дипилонских ворот, одних из западных ворот города. Горшечники жили и работали за воротами в городе, а за воротами, у дороги, было большое кладбище. В геометрический период кратеры монументальных размеров и амфоры высотой до шести футов использовались в качестве могильных знаков для захоронений сразу за воротами. Кратеры отмечали мужские могилы, а амфоры — женские.

Мастер Дипилона, неизвестный художник, чья рука узнаваема на многих различных сосудах, демонстрирует большой опыт, необходимый для украшения этих надгробий.Сначала судам было брошено колесо, что было важным технологическим достижением того времени, до того, как началась покраска. И Диплионский кратер, и Дипилонская амфора демонстрируют основные характеристики живописи того времени. Во-первых, весь сосуд оформлен в стиле, известном как Horror Vacui, в котором вся поверхность носителя заполнена образами. Декоративный меандр на краю кратера и на многих регистрах амфоры. Этот геометрический мотив построен из одной непрерывной линии в повторяющейся форме или мотиве.Основная сцена изображена на самой широкой части корпуса горшка. Эти сцены относятся к погребальному аспекту горшка и могут изображать скорбящих, протезы (ритуал выкладывания тела и оплакивания) или даже погребальные игры и шествия.

На Кратере Дипилон два регистра изображают сцену процессии, экфору (перевозку тела на кладбище) и протез. Мертвец сцены с протезом виден в верхнем регистре. Его кладут на носилки, и плакальщики, отличающиеся тем, что руки рвут на себе волосы, окружают тело.Над телом находится саван, который художник изображает над телом, а не над ним, чтобы дать зрителю возможность увидеть сцену целиком.

В списке ниже колесницы и солдаты образуют погребальную процессию. Солдат можно узнать по щитам уникальной формы. Дипилонская амфора изображает просто протез в широком регистре вокруг горшка.

В обоих сосудах мужчины и женщины отличаются выступающими треугольниками на груди или талии, обозначающими грудь или пенис.Каждое пустое место в этих сценах заполнено геометрическими фигурами — буквами М, ромбами, звездообразованием — демонстрируя ужасную пустоту геометрического художника.

Геометрический кратер: Геометрический кратер. С кладбища Дипилон, Афины, Греция, ок. 740 г. до н. э.

Скульптура греческого геометрического периода

Хотя древнегреческие скульптуры геометрического периода созданы на основе геометрических форм, они демонстрируют некоторое художественное наблюдение за природой.

• Геометрические скульптуры в основном небольшого размера и сделаны из бронзы, терракоты или слоновой кости.Бронзовые фигуры изготовлены методом литья по выплавляемым моделям.
• Фигуры людей и животных, созданные в этот период, имеют геометрические черты, хотя ноги у людей кажутся относительно натуралистичными.
• Геометрические изделия из бронзы обычно оставляли в качестве подношений по обету в храмах и святилищах, таких как Дельфы и Олимпия.
• Лошади стали символом богатства из-за высоких затрат на их содержание.

• по обету : Тип подношения, депонированного в религиозном месте без цели демонстрации или извлечения.

Древнегреческие скульптуры геометрического периода, хотя и основанные на геометрических формах, в некоторых обстоятельствах свидетельствуют о художественном наблюдении за природой. В это время обычно производились небольшие скульптуры, обычно сделанные из бронзы, терракоты или слоновой кости. Бронзы были сделаны с использованием техники выплавляемого воска, вероятно, завезенной из Сирии, и часто оставлялись в качестве подношений по обету в святилищах, таких как Дельфы и Олимпия.

Фигурки людей

Человеческие фигуры сделаны из треугольника в виде туловища, поддерживающего выпуклую голову с треугольным подбородком и носом.Руки у них цилиндрические, и только ноги имеют чуть более натуралистическую форму. Эти атрибуты можно увидеть в небольшой скульптуре сидящего мужчины, пьющего из чашки, которая отображает типичные моделирующие фигуры в виде простых линейных форм, заключающих в себе открытое пространство. Особенно примечательны его удлиненные руки, которые отражают размеры его ног.

Сидящая мужская фигура: сделана из бронзы и создана примерно в 750–700 годах до нашей эры. Обратите внимание, как удлиненные руки статуи отражают размеры его ног

Относительно натуралистическое изображение человеческих ног также очевидно в «Человеке и кентавре», также известном как Геракл и Нессос (ок.750–730 гг. до н.э.). Кентаврская часть скульптуры без лошадиной спины и задних ног представляет собой невысокого человека с человеческими ногами. Как и у сидящего человека выше, у двух фигур удлиненные руки, причем правая рука кентавра образует одну непрерывную линию с левой рукой человека. В то время как сидящий мужчина кажется чисто выбритым, фигуры в «Человеке и кентавре» носят бороды, которые обычно символизируют зрелость. Полые глазницы фигуры мужчины, вероятно, когда-то имели инкрустацию для более реалистичного вида.

Человек и кентавр (Геракл и Нессос): эта бронзовая статуя была изготовлена ​​около 750–730 гг. до н. э.

Фигурки животных

Животные, включая быков, оленей, лошадей и птиц, также были основаны на геометрии. Фигурки лошадей обычно использовались в качестве подношений богам. Сами животные стали символами богатства и статуса из-за высокой стоимости их содержания. Тела лошадей можно описать как прямоугольники, сжатые посередине, с прямоугольными ногами и хвостом, и они похожи по форме на оленей или быков.

Головы этих млекопитающих более характерны, так как шея лошади выгнута, в то время как бык и олень имеют цилиндрические лица, отличающиеся рогами или ушами. В то время как животные и люди основаны на основных геометрических формах, художники четко наблюдали за своими предметами, чтобы выделить эти отличительные черты.

Геометрическая статуэтка лошади: Эта бронзовая статуя из Олимпии, Греция, около 700 г. до н.э.

Период ориентализации

Керамика периода ориентализации

Период ориентализации последовал за геометрическим периодом и длился около столетия, с 700 по 600 г. до н.э.Этот период отличался интернациональными влияниями — с Древнего Ближнего Востока, Египта и Малой Азии, — каждое из которых вносило особый восточный стиль в греческое искусство. Тесные контакты между культурами возникли в результате увеличения торговли и даже колонизации. Мотивы, существа и стили были заимствованы греками из других культур, которые превратили их в уникальную греко-восточную смесь стилей и мотивов.

Коринфская керамика

В период ориентализации в Коринфе человеческие фигуры редко можно было увидеть на вазах.Вместо них были изображены такие животные, как львы, грифоны, сфинксы и сирены. Вместо геометрических узоров для заполнения пустого пространства использовались пальметты и цветы лотоса, хотя на некоторых сосудах негативное пространство стало более заметным. Этот восточный стиль черных фигур зародился в городе Коринфе, распространился в Афины и экспортировался по всей Греции.

Коринфский черный фигурный кувшин: Коринфский черный фигурный кувшин с изображением животных, около 580 г. до н.э.

Черная фигурная живопись

В этот период коринфяне разработали технику рисования черных фигур.Керамика с черными фигурами была тщательно изготовлена ​​и обожжена три раза, чтобы каждая ваза приобрела уникальный красный и черный цвета.

Черный цвет был получен из полоски, нарисованной на сосуде, после чего были нарисованы прочерченные линии, чтобы очертить и детализировать фигуры. Кроме того, можно было добавить красный и белый пигменты для большего цвета или для различения деталей. Неокрашенные части вазы сохранят первоначальный красно-оранжевый цвет горшка. Полный эффект этого стиля росписи нельзя было увидеть до тех пор, пока ваза не вышла из обжига в печи.По мере распространения стиля тематика менялась от строго ближневосточных животных до сцен из греческой мифологии и повседневной жизни.

Тепло печи, в которой обжигалась глиняная посуда, и продолжительность каждого обжига имели важное значение для окончательного вида изделия. Изощренность работы в культуре без термометров и часов предполагает мастерство греческих художников.

Скульптура периода греческой ориентализации

Скульптура, созданная в период ориентализации, имеет общие стилистические атрибуты со скульптурой, созданной в Египте и на Ближнем Востоке.

• Скульптура того времени находилась под влиянием египетских и ближневосточных художественных условностей. Жесткие, похожие на доски тела, а также зависимость от рисунка для изображения текстуры характеризовали греческую скульптуру в период ориентализации.
• Дедалический стиль, названный в честь мифического изобретателя Дедала, относится к использованию узоров и геометрических форм (напоминающих о геометрическом периоде) в седьмом веке до нашей эры.
• Различия между Леди Осерской и Мантиклосом Аполлоном демонстрируют раннее установление традиционных социальных ожиданий полов в древнегреческой культуре.

• kore : Скульптура молодой женщины из доклассической Греции.
• Daedalic : Стиль скульптуры в период греческой ориентализации, известный использованием узоров для создания текстуры, а также опорой на геометрические формы и жесткие, жесткие позы тела.

Период ориентализации длился около века, с 700 по 600 г. до н.э. Этот период отличался международными влияниями с Древнего Ближнего Востока, Египта и Малой Азии, каждый из которых внес свой особый восточный стиль в греческое искусство.Тесные контакты между культурами возникли в результате увеличения торговли и даже колонизации.

Стили были заимствованы греками из других культур, которые преобразовали их в уникальную греко-восточную смесь стилей и мотивов. Мужские и женские скульптуры, созданные в это время, имеют интересные сходства, но также имеют и различия, которые информируют зрителя об ожиданиях общества в отношении мужчин и женщин.

Дама из Осера

Небольшая известняковая статуя коры (девы), известной как Леди Осерская (650–625 гг. до н. э.), с Крита демонстрирует стиль ранних греческих фигурных скульптур.Этот стиль известен как скульптура Daedalic , названная в честь мифического создателя лабиринта царя Миноса, Дедала. Стиль сочетает в себе древнеближневосточные и египетские мотивы.

Леди из Осера, около 650–625 гг. до н. э.: Эта небольшая известняковая статуя, возможно, относится к реконструкции Крита. Леди из Осера: раскрашенная реконструкция оригинальной ориентализирующей скульптуры. Кембриджский университет

Леди из Осера коренастая и похожая на доску. Ее талия узкая и затянутая, как в минойском искусстве.Она непропорциональна, с длинными жесткими ногами и коротким туловищем. Платье охватывает почти все ее тело — оно связывает ее ноги вместе и ограничивает ее возможности двигаться. Жесткость тела напоминает портреты фараонов из Древнего Египта.

Голову отличают крупные черты лица, низкий лоб и стилизованные волосы. Волосы кажутся заплетенными и ниспадают жесткими рядами, разделенными горизонтальными полосами. Этот стиль напоминает ближневосточное использование узоров для изображения текстуры и декора, как в бронзовой аккадской голове Саргона.

Ее лицо и волосы напоминают о геометрическом периоде. Лицо образует перевернутый треугольник, зажатый между треугольниками, образованными волосами, обрамляющими ее лицо. Следы краски говорят нам о том, что изначально эта статуя была окрашена в черный цвет, в красно-синем платье и с желтым поясом.

Греческий архаический период

Скульптура в архаический период становилась все более натуралистичной, хотя это зависит от пола субъекта.

• Посвященные мужские фигуры курои изначально были основаны на египетских статуях, и в архаический период эти фигуры приобрели более натуралистичные обнаженные тела. Атлетическое тело было идеальной формой для молодого греческого мужчины и сравнимо с идеальным телом бога Аполлона.
• Вместо того, чтобы сосредотачиваться на теле, женские статуи кораи были одеты, и на протяжении всего архаического периода художники уделяли больше времени проработке подробных складок и драпировки женской одежды.Это отражало греческие идеалы женщин, которые должны были быть полностью одетыми, скромными и скромными.
• Чтобы придать телу дополнительный натуралистический элемент, к мужским и женским статуям была добавлена ​​типичная архаическая улыбка. В то время как сегодня улыбка кажется фальшивой, древним грекам она добавляла уровень реализма.
• Фронтонная скульптура в архаический период часто масштабировалась, чтобы вписаться в пространство фронтона, и выполняла не декоративную, а апотропную функцию.
• Фронтонные скульптуры из храма Афайи на Эгине демонстрируют постепенное движение к натурализму классического стиля, сменившего архаический.

• Архаичная улыбка : Стилизованное выражение, использовавшееся в скульптуре с 600 по 480 г. до н.э. для придания изображению реалистичности.
• peplos : Древнегреческая одежда, которую носят женщины, сделанная из трубчатого куска ткани, который загибается наполовину вниз, так что верхняя часть трубки носится вокруг талии, а нижняя часть покрывает ноги до щиколотки. лодыжки; затем открытый верх надевают на плечи и драпируют складками до талии.
• апотропный : Предназначен для отражения зла.
• kouros : Скульптура обнаженного юноши в Древней Греции; мужской эквивалент коры.
• kore : Древнегреческая статуя женщины, изображаемая стоящей, обычно одетой, раскрашенной в яркие цвета и со сложной прической.
• хитон : Свободная шерстяная туника, которую носили как мужчины, так и женщины в Древней Греции.

 

Скульптура архаического периода

Скульптура в архаический период быстро развивалась под влиянием своих ранних влияний, становясь более естественной и демонстрируя развивающееся понимание тела, особенно мускулатуры и кожи.Тщательное изучение развития стиля позволяет установить точную датировку.

Большинство статуй были заказаны в качестве памятников и подношений по обету или в качестве надгробий, заменив огромные амфоры (узкогорлые кувшины с двумя ручками, используемые для вина и масел) и кратеры (сосуды с широким горлышком) предыдущих периодов, но все еще типичные окрашены в яркие цвета.

Курой

В этот период впервые были замечены

статуй куроев (единственное число, курос), изображающих идеализированных обнаженных юношей.Считается, что круглые, часто из мрамора, курои связаны с Аполлоном; многие были найдены в его святынях, а некоторые даже изображают его. Имитируя статуи египетских фараонов, фигура шагает вперед на плоской ступне, руки вытянуты вдоль тела, кулаки сжаты. Однако есть некоторые важные различия: курои обнажены, в основном без идентифицирующих атрибутов, и стоят отдельно.

Ранние фигуры куроев имеют сходство с геометрической и ориентализирующей скульптурой, несмотря на их больший масштаб.Например, их волосы стилизованы и украшены узором, они либо спрятаны сзади повязкой на голове, либо под кепкой. Нью-йоркский Курос имеет жесткую осанку, а его черты лица пусты и невыразительны. Тело слегка округлое, мускулатура обозначена прочерченными линиями.

Нью-Йорк Курос, ок. 600 г. до н.э.: Нью-Йорк Курос. Мрамор. Происхождение неизвестно

По мере развития фигурок куроев они начали терять свою египетскую жесткость и становились все более натуралистичными. Фигура куроса Кроиса, афинского юноши, погибшего в битве, до сих пор изображает молодого человека с идеализированным телом.Однако на этот раз форма тела демонстрирует реалистичное моделирование.

Мышцы ног, живота, груди и рук, кажется, действительно существуют и, кажется, функционируют и работают вместе. Волосы Кройсоса, хотя и все еще стилизованные, естественным образом падают на шею и на спину, в отличие от волос нью-йоркского Куроса, которые ниспадают жестко и единым полотном. Рыжеватый оттенок его волос напоминает зрителю, что когда-то эти скульптуры были раскрашены.

Кройсос, ок. 530 г. до н.э.: Кройсос из группы Анависос.Мрамор. Греция

Архаичная улыбка

Лицо

Кройсоса также кажется более натуралистичным по сравнению с более ранним нью-йоркским Куросом. Его щеки круглые, а подбородок выпуклый; однако его улыбка кажется неуместной. Это типично для этого периода и известно как архаическая улыбка. Кажется, он был добавлен, чтобы придать скульптуре ощущение жизни и, возможно, для придания дополнительного качества реализма.

Коре

Скульптура коре (множественное число кораи) изображает девушку-юношу.В отличие от куроев — атлетичных обнаженных юношей — кораи-женщины полностью одеты, в идеализированном образе благопристойных женщин. Мужские тела воспринимались как общественные, принадлежащие государству, в то время как женские тела считались частными и принадлежали их отцам (если они не были женаты) или мужьям.

Тем не менее, у них также есть архаичные улыбки, с руками по бокам или вытянутыми, держащими подношение. Фигурки жесткие и сохраняют больше блочных характеристик, чем их мужские аналоги.Их волосы также стилизованы, изображаются длинными прядями или косами, спускающимися каскадом по спине или через плечо.

Пеплос Коре (ок. 530 г. до н.э.) изображает молодую женщину в пеплосе, тяжелой шерстяной одежде, которая задрапирована по всему телу, скрывая большую его часть. Небольшое углубление между ногами, разделение между ее туловищем и ногами и выступание ее грудей лишь намекают на форму тела под ними.

Остатки краски на ее платье говорят нам о том, что оно было выкрашено в желтый цвет с синими и красными деталями, которые могли включать изображения животных.Присутствие животных на ее платье может указывать на то, что она является образом богини, возможно, Артемиды, но может быть и просто безымянной девой.

Peplos Kore: Реконструкция окраски Peplos Kore

Более поздние фигуры кораи также демонстрируют стилистическое развитие, хотя тела все еще затмеваются их одеждой. Пример Коре (520–510 гг. До н.э.) из Афинского Акрополя демонстрирует немного большую форму тела, такую ​​​​как четкие бедра, а не эффектную линию талии с поясом, хотя основное внимание в коре уделяется одежде и драпировкам.Эта кора носит хитон (шерстяная туника), гиматий (легкое нижнее белье) и мантию (плащ). Черты ее лица по-прежнему типичны и пусты, а улыбка архаична. Даже с более красивой одеждой и дополнительными украшениями, такими как драгоценности, фигура изображает идеализированную греческую женщину, полностью одетую и скромную.

Акрополь Коре, ок. 520–510 гг. До н.э.: Ношение хитона и гиматия. Мрамор. Афины, Греция

Керамика греческого архаического периода

Архаичная чернофигурная живопись стала более натуралистично изображать тела, передавая форму и движение.

• Чернофигурная живопись использовалась на протяжении всего архаического периода, пока популярность краснофигурной живописи не уменьшилась.
• Эксекиас считается одним из самых талантливых и влиятельных художников-чернофигуристов из-за его способности передавать эмоции, использовать сложные линии и создавать сцены, которые доверяют зрителю понять сцену.
• Краснофигурная живопись была разработана в 530 г. до н.э. художником Андокидесом, стиль, который позволяет сделать тело более натуралистичным благодаря использованию кисти.
• Первые краснофигурные картины были созданы на двуязычных вазах, изображая по одной сцене с каждой стороны, одну черными цифрами, а другую красными фигурами.
• Художники Евтиид и Евфроний были двумя из самых талантливых художников-краснофигуристов архаики, их сосуды изображали пространство, движение и натурализм.

• резец : долото с острым концом, используемое для гравировки; гравер.
• слип : Тонкая, скользкая смесь глины и воды.
• краснофигурный : Один из важнейших стилей фигурной греческой вазописи, основанный на фигурных изображениях красного цвета на черном фоне.
• чернофигурный : Стиль греческой вазописи, отличающийся силуэтоподобными фигурами на красном фоне.

 

Обзор гончарных украшений

В архаический период произошел сдвиг в стилях украшения керамики, от повторяющихся узоров геометрического периода через ориентализирующий стиль с восточным влиянием к более натуралистическим техникам черных и красных фигур.За это время фигуры стали более динамичными и определялись более органичными, а не геометрическими элементами.

Черная фигура

Чернофигурная живопись, получившая свое название от черных фигур, нарисованных на красном фоне, была разработана коринфянами в седьмом веке до нашей эры и стала популярной во всем греческом мире в архаический период. Когда художники стали более уверенно работать в этой среде, на вазах стали появляться человеческие фигуры, а художники и гончары начали подписывать свои творения.

Эксекиас

Эксекиас, считающийся самым выдающимся чернофигурным художником своего времени, работал между 545 и 530 годами до нашей эры в Афинах. Историки искусства считают его художественным провидцем, чье мастерское использование надрезов и психологически чувствительных композиций делает его одним из величайших аттических художников-вазописцев. Его сосуды отличаются вниманием к деталям и точными, замысловатыми линиями.

Exekias также хорошо известен переосмыслением мифологии. Вместо того, чтобы рассказывать всю историю целиком, как это сделал Клейтиас в «Вазе Франсуа», он рисует отдельные сцены и полагается на то, что зритель интерпретирует и понимает повествование.

Одним из примеров является амфора, на которой изображены греческие воины Ахиллес и Аякс, играющие в кости. Оба мужчины украшены тонкими резными деталями, демонстрирующими сложные текстильные узоры и почти каждый волос на месте. Пока они ждут следующей битвы с троянцами, их игра предвещает их судьбу. Надписанный текст позволяет двум фигурам говорить: «Ахиллес выбросил четыре, а Аякс выбросил три». Оба мужчины умрут во время Троянской войны, но Ахилл умирает героем, в то время как Аякс неизменно считается вторым лучшим, в конце концов совершив самоубийство.

Ахиллес и Аякс: Эксекиас, Ахиллес и Аякс, играющие в кости. Афинская чернофигурная амфора, ок. 540–530 гг. до н.э. Вульчи, Италия

Архитектура классического периода

Математические весы

Однако все храмы были построены в математическом масштабе, и каждый их аспект связан друг с другом посредством соотношений. Например, большинство греческих храмов (кроме самых ранних) следовали уравнению 2x + 1 = y при определении количества колонн, используемых в периптеральной колоннаде.

В этом уравнении х обозначает количество столбцов в передней части, на более коротком конце, а у обозначает количество столбцов по бокам. Количество колонн, используемых по всей длине храма, было в два раза больше, чем количество колонн, плюс одна — количество колонн поперек фасада. Благодаря этим математическим соотношениям мы можем точно реконструировать храмы из мелких фрагментов.

Дорический орден

Стиль греческих храмов делится на три разных и различных ордера, самым ранним из которых является дорический ордер.Эти храмы имели колонны, опиравшиеся непосредственно на стилобат без основания. Их древки были покрыты двадцатью параллельными канавками, которые сужались к острому концу.

Капители дорических колонн имели простые квадратные счеты без украшений и расклешенный эхин, который часто был коротким и сдавленным. Дорические колонны также известны наличием энтазиса или выпуклостей в середине стержня колонны. Возможно, это был способ создать оптическую иллюзию или подчеркнуть вес антаблемента наверху, поддерживаемого колоннами.

Дорический и ионический ордер: этот рисунок иллюстрирует стилистические различия между дорическим и ионическим ордерами

. Дорический антаблемент также был уникальным для этого стиля храмов. Фриз украшали чередующиеся панно из триглифов и метоп. Триглифы представляли собой декоративные панели с тремя канавками или глифами, которые и дали название панели. Каменные триглифы имитировали головки деревянных балок, которые использовались в более ранних храмах. Между триглифами располагались метопы.

Декоративные пространства

Скульпторы использовали пространства метопа для изображения мифологических событий, часто имеющих историческую или культурную связь с местом, на котором стоял храм.

Геракл сражается с критским быком: это одна из метоп из храма Зевса в Олимпии. Это один из Двенадцати подвигов, изображенных на храме

.

Раннеклассический период

Мраморная скульптура и архитектура

Раннеклассические греческие мраморные скульптуры и храмовые украшения демонстрируют новые условности в изображении тела и строгих выражений лица.

• Скульптура, найденная на фронтоне и метопах храма Зевса в Олимпии, представляет стиль рельефной и фронтонной скульптуры раннего классического периода.
• Суровый стиль — раннеклассический стиль скульптуры, в котором тело изображается натуралистично, а лицо остается пустым и невыразительным. Этот стиль отмечает понимание художником мускулатуры тела, сохраняя при этом экран между искусством и реальностью со стоическим лицом.
• Contrapposto — это смещение веса, изображенное на теле, которое вращает талию, бедра, грудь, плечи, а иногда даже шею и голову фигуры. Это увеличивает натурализм тела, поскольку правильно имитирует внутреннюю работу мускулатуры человека.
• Kritios Boy — ранний пример контрапоста и строгого стиля. Эта мраморная статуя изображает обнаженного юношу, мускулистого и хорошо сложенного, с видом натурализма, который растворяется при рассмотрении его лица в строгом стиле.
• Поликлет, художник и теоретик искусства, разработал канон создания идеального мужского тела на основе математических пропорций. Его Дорифор (Копьеносец) считается скульптурным изображением его трактата. Фигура стоит в контрапосте, лицо строгое.

• Суровый стиль : доминирующий язык греческой скульптуры в период с 490 по 450 г. до н.э. Он знаменует собой распад канонических форм архаического искусства и переход к значительно расширенному словарному запасу и выражению классического движения конца V века.
• Perserchutt : Немецкий термин, означающий персидские обломки или щебень, который относится к местонахождению ритуально захороненных архитектурных и вотивных скульптур, которые были разрушены после разграбления Афин персами.Район был впервые раскопан немцами в конце 19 века.
• гексастиль : Описывает здание с шестью колоннами спереди и сзади и по 13 внизу с каждой стороны.

Критиос Мальчик

Скульптура чуть меньше человеческого роста, известная как «Мальчик Критиос», была посвящена Афине спортсменом и найдена в развалинах Афинского Акрополя. Его название происходит от известного художника, которому когда-то приписывали скульптуру.

Мраморная статуя является ярким примером раннего классического скульптурного стиля и демонстрирует отход от жесткого стиля, характерного для архаичных куроев.Торс предполагает понимание тела и пластичность мышц и кожи, что позволяет статуе выглядеть как живая. Часть этой иллюзии создается стойкой, известной как contrapposto . Это описывает человека, вес которого переносится на одну ногу, что вызывает смещение бедер, груди и плеч и придает стойке более драматичный и натуралистичный вид, чем жесткая фронтальная поза. Это положение контрапоста оживляет фигуру за счет соотношения напряженных и расслабленных конечностей.

Однако лицо мальчика Критиоса невыразительно, что противоречит натурализму, наблюдаемому в его теле. Это известно как Строгий стиль . Пустое выражение заставляет скульптуру казаться менее натуралистичной, что создает психологическую дистанцию ​​между искусством и зрителем. Это отличается от использования архаичной улыбки (ныне убранной), которая была добавлена ​​к скульптуре для повышения натурализма. Противоречащим бесстрастному выражению были бы глаза, которые изначально были инкрустированы камнем, чтобы придать скульптуре более реалистичный вид.

Критиос Мальчик, мрамор, ок. 480 г. до н.э., Акрополь, Афины, Греция: Эта мраморная статуя является ярким примером раннеклассического скульптурного стиля и демонстрирует отход от стиля, наблюдаемого в архаическом курои

Поликлейтос

Поликлет был известным греческим скульптором и теоретиком искусства в период с начала до середины пятого века до нашей эры. Он наиболее известен своим трактатом об обнаженном мужчине, известным как «Канон», в котором описывается идеальное эстетическое тело, основанное на математических пропорциях и классических условностях, таких как контрапоста.

Считается, что его Дорифор, или Копьеносец, представляет собой скульптурное изображение Канона. Статуя изображает молодого, хорошо сложенного воина, держащего в левой руке копье, к левому запястью которого прикреплен щит. Оба военных орудия сейчас утеряны. Фигура имеет строгое лицо и контрапостную стойку. В другом развитии, отличающемся от жесткого и, казалось бы, неподвижного архаического стиля, левая пятка Дорифора приподнята над землей, что подразумевает способность ходить.

Дорифор: Дорифор Поликлета, или Копьеносец, считается его изображением Канона в скульптурной форме.Это римская мраморная копия греческого бронзового оригинала, ок. 450 г. до н.э.

Эта скульптура демонстрирует, как использование контрапоста создает S-образную композицию. Сопоставление напряженных ног и напряженных рук и расслабленных ног и расслабленных рук, расположенных поперек тела друг от друга, создает в теле букву S. Динамическая сила этой формы композиции размещает элементы — в данном случае конечности фигуры — напротив друг друга и подчеркивает создаваемое этим напряжение. Статуя, как визуализация канона Поликлета, также изображает греческое чувство симметрии, гармонии частей, увиденной здесь в пропорциях тела.

Бронзовая скульптура греческого раннего классического периода

Сохранившиеся греческие бронзовые скульптуры раннего классического периода демонстрируют мастерство греческих художников в изображении тела и выражении движения.

• В то время как бронза была популярным материалом для греческих скульпторов, сегодня существует мало греческой бронзы. О большинстве известных скульпторов и скульптур мы знаем только по мраморным римским копиям и немногим уцелевшим изделиям из бронзы, часто оставшимся после кораблекрушений.
• Раннеклассические изделия из бронзы вылеплены методом литья по выплавляемым моделям.Фигуры созданы в стиле Суровый с натуралистичными телами и пустыми, невыразительными лицами. Легкий внешний вид скульптур обусловлен их полостью и способствует их подразумеваемой потенциальной энергии и движению.
• Дельфийский возничий, воины Риаче и бронза Артемисиона демонстрируют скульптурные характеристики раннего классического сурового стиля, а также демонстрируют характеристики бронзовой скульптуры, включая легкость материала и живость, которых можно было достичь.

• Стойка : Опорный стержень.
• contrapposto : Положение фигуры, бедра и ноги которой повернуты в сторону от направления головы и плеч.
• утерян воск : Метод литья, при котором модель скульптуры изготавливается из воска. Модель используется для изготовления пресс-формы. Когда форма затвердевает, воск расплавляют и выливают, оставляя форму готовой для отливки скульптуры.

Греческая бронзовая скульптура

Бронза была популярным материалом для лепки у греков.Состоящий из металлического сплава меди и олова, он обеспечивает прочный и легкий материал для использования в древнем мире, особенно для создания оружия и предметов искусства. Греки использовали бронзу на протяжении всей своей истории.

Поскольку бронза является ценным материалом, на протяжении всей истории бронзовые скульптуры переплавлялись для ковки оружия и боеприпасов или для создания новых скульптур. Греческая бронза, которую мы имеем сегодня, в основном сохранилась из-за кораблекрушений, из-за которых материал не использовался повторно, а скульптуры с тех пор были извлечены из моря и отреставрированы.

Греки использовали бронзу в качестве основного средства скульптуры, но многое из того, что мы знаем о греческой скульптуре, получено из римских копий. Римляне очень любили греческое искусство, и коллекционирование их мраморных копий было признаком статуса, богатства и интеллекта в римском мире.

римских копий, выполненных из мрамора, имели несколько отличий от оригинала из бронзы. Были добавлены распорки или опоры, чтобы помочь удержать вес мрамора, а также свисающие конечности, которые не нуждались в поддержке, когда статуя изначально была сделана из более легкой и полой бронзы.Стойки появились либо в виде прямоугольных блоков, соединяющих руку с туловищем, либо в виде пней против ноги, поддерживающей вес скульптуры, как в этой римской копии Diadoumenos Atenas.

Diadoumenos Atenas (римская копия): удлинение, соединяющее ствол дерева с ногой фигуры, является примером распорки, используемой в мраморных римских копиях оригинальных греческих изделий из бронзы

Техника утраченного воска

Техника выплавки воска, также известная под французским названием cire perdue, — это процесс, который древние греки использовали для создания своих бронзовых статуй.Первый шаг процесса включает в себя создание полномасштабной глиняной модели предполагаемого произведения искусства. Это будет ядром модели.

После завершения из глиняного стержня изготавливается форма, а также создается дополнительная восковая форма. Затем восковую форму помещают между глиняным сердечником и глиняной формой, создавая карман, и воск выплавляется из формы, после чего зазор заполняется бронзой. После охлаждения внешняя глиняная форма и внутреннее глиняное ядро ​​осторожно удаляются, а бронзовая статуя очищается, полируется и завершается.

Несколько частей свариваются вместе, неровности сглаживаются, а затем добавляются любые дополнительные элементы, такие как инкрустированные глаза и ресницы. Поскольку глиняная форма должна быть сломана при извлечении фигуры, метод выплавляемых восков можно использовать только для изготовления единственных в своем роде скульптур.

Риаче Уорриорз

Воины Риаче — набор из двух обнаженных бронзовых скульптур воинов-мужчин, обнаруженных у берегов Риаче, Италия. Они являются ярким примером ранней классической скульптуры и перехода от архаического к классическому стилю скульптуры.Фигуры обнажены, в отличие от Возничего. Их тела идеализированы и кажутся динамичными, с освобожденными конечностями, контрапостным смещением веса и повернутыми головами, что подразумевает движение. Мышцы смоделированы с высокой степенью пластичности, которую бронзовый материал усиливает за счет естественных отражений света. Дополнительные элементы, такие как медь для губ и сосков, серебряные зубы и глаза, инкрустированные стеклом и костью, были добавлены к фигурам, чтобы увеличить их натурализм. Обе фигуры изначально держали щит и копье, которые сейчас утеряны.Воин Б носит шлем, и похоже, что воин А когда-то носил венок на голове.

Riace Warriors: воин A (справа) и воин B (слева). Бронза, ок. 460–450 гг. до н. э., Риаче, Италия

Артемисионская бронза

Бронзовый Артемисион представляет либо Зевса, либо Посейдона. Оба бога изображались с густыми бородами, что означало зрелость. Однако невозможно идентифицировать скульптуру как того или иного бога, потому что это может быть либо молния (символ Зевса), либо трезубец (символ Посейдона) в его поднятой правой руке.

Фигура стоит в героическом обнаженном виде, как и следовало ожидать от бога, с раскинутыми руками, готовясь нанести удар. Бронза выполнена в строгом стиле с идеализированным мускулистым телом и невыразительным лицом.

Подобно Возничему и Воинам Риаче, Бронзовый Артемисион когда-то имел инкрустацию стеклом или камнем в своих теперь пустых глазницах, чтобы повысить его реалистичность. Правая пятка фигуры отрывается от земли, что предвосхищает движение, которое фигура собирается предпринять.

Весь потенциал движения и энергии бога, а также грациозность тела отражены в лепке из бронзы.

Бронзовая Артемисион: Бронзовая фигура Артемисион изображает либо Зевса, либо Посейдона, ок. 460–450 гг. до н. э., мыс Артемисион, Греция

г. Высокий классический период

г.

Архитектура греческого периода высокой классики

Высокая и поздняя классическая архитектура отличается соблюдением пропорций, оптической изысканностью и ранним исследованием монументальности.

• Архитектура раннего и высокого классицизма была усовершенствована, а оптические иллюзии исправлены для создания наиболее эстетичных пропорций. Периоды высокой и поздней классики начинают корректировать эти принципы и экспериментировать с монументальностью и пространством.
• Храмы позднеклассического периода начали экспериментировать с новыми архитектурными решениями и украшениями. Толос Афины Пронайи в Дельфах представляет собой круглое святилище с двумя кольцами колонн, внешним дорическим и внутренним коринфским.
• Храм Эпикуриуса в Бассе известен своим уникальным планом и использованием архитектурных элементов всех трех классических ордеров: дорического, ионического и коринфского. Использование в храме архитектурного декора и плана земли демонстрирует меняющуюся эстетику.
• Театр в городе Эпидаврос является ярким примером передовых инженерных навыков того периода. Театр построен с изысканной акустикой, которая может усилить звуки на сцене для каждого из 14 000 зрителей театра.

• аниконические : Изображения или относящиеся к изображениям без человеческого или животного облика.
• толос : Круглая структура, часто храм.
• периферийный : Окруженный одним рядом колонн.
• prostyle : Отдельно стоящие колонны перед фасадом здания.
• антаблемент : Площадь фасада храма, расположенная горизонтально над колоннами.
• возвышение : Геометрическая проекция здания или другого объекта на плоскость, перпендикулярную горизонту.
• Геометрический период : Эпоха абстрактных и стилизованных мотивов в древнегреческой вазописи и скульптуре. Этот период был сосредоточен в Афинах и процветал с 900 по 700 год до нашей эры.
• Перикл : выдающийся и влиятельный греческий государственный деятель, оратор и полководец Афин во времена Золотого века города, в частности, в период между персидской и пелопоннесской войнами.
• заглавная : Самая верхняя часть столбца.

 

Обзор классической греческой архитектуры

В классический период греческая архитектура претерпела несколько существенных изменений.В этот период колонны стали более стройными, а антаблемент — более легким. Считается, что в середине пятого века до нашей эры коринфская колонна дебютировала. Постепенно коринфский ордер стал более распространенным, поскольку классический период подошел к концу, появившись в сочетании с более старыми ордерами, такими как дорический. Кроме того, архитекторы начали более внимательно изучать пропорции и цветовые эффекты пентелийского мрамора. При строительстве театров архитекторы усовершенствовали акустические эффекты за счет дизайна и материалов, используемых в зоне отдыха.Архитектурные усовершенствования, совершенные в позднеклассический период, открыли двери для экспериментов с тем, как архитектура может определять пространство, аспект, который стал авангардом эллинистической архитектуры.

Храмы

На протяжении архаического периода греки экспериментировали со строительством из камня и постепенно развивали свою концепцию идеального храма. Было решено, что идеальное количество колонн будет определяться по формуле, в которой удвоенное количество колонн поперек храма плюс один равно количеству колонн по бокам (2x + 1 = y).

Многие храмы в классический период следовали этой формуле для своей периферийной колоннады, хотя и не все. Кроме того, многие храмы классического периода и позже известны кривизной, приданной стилобату храма, которая компенсировала оптические искажения.

Акрополь

Афинский Акрополь — древняя цитадель в Афинах, содержащая остатки нескольких древних зданий, включая Парфенон.

• Акрополь, посвященный богине Афине, играл важную роль в жизни города с тех пор, как этот район был впервые заселен в эпоху неолита.В последние века его архитектура повлияла на дизайн многих общественных зданий в Западном полушарии.
• Сразу после персидской войны в середине пятого века до н. э. афинский полководец и государственный деятель Перикл координировал строительство самых важных зданий, включая Парфенон, Пропилеи, Эрехтейон и храм Афины Ники.
• Постройки на Акрополе включают в себя циклопические основания более старых построек микенской эпохи.
• Во время своего расцвета Парфенон отличался дорическим фасадом и ионическим фризом внутри, в то время как в дорических Пропилеях — воротах в Акрополь и художественной галерее в классическую эпоху — не было фризов и фронтонных скульптур. Ионический Эрехтейон, который, как полагают, был посвящен легендарному царю Эрехтею, имеет крыльцо, поддерживаемое колонными кариатидами. Храм Афины-Ники, посвященный победам афинян в войне, был построен в ионическом ордере.
• Скульптуры каждого из этих зданий изображают сцены, характерные для их исторического и мифологического значения для Афин.

Афинский Акрополь

В изучении архитектуры классической эпохи преобладает изучение строительства афинского Акрополя и развития афинской агоры. Акрополь — древняя цитадель, расположенная на высоком скалистом выступе над и в центре города Афины. Он содержит остатки нескольких древних зданий, имеющих большое архитектурное и историческое значение .

Слово «акрополь» происходит от греческих слов ἄ (акрон, что означает край или оконечность) и π (полис, что означает город).Хотя в Греции есть много других акрополей, значение Афинского Акрополя таково, что он безоговорочно известен как Акрополь.

Акрополь в Афинах: Акрополь играл важную роль в Афинах с тех пор, как этот район был впервые заселен

г. Акрополь играл важную роль в городе с тех пор, как этот район был впервые заселен в эпоху неолита. Хотя есть свидетельства того, что холм был заселен еще в четвертом тысячелетии до нашей эры, в высокий классический период это был Перикл (ок.495–429 гг. до н. э.), который координировал строительство самых важных зданий на этом месте, включая Парфенон, Пропилеи, Эрехтейон и храм Афины Ники.

Здания на Акрополе были построены в дорическом и ионическом ордерах, и многие их фронтоны, фризы и метопы украшены драматическими рельефами. В последние века его архитектура повлияла на дизайн многих общественных зданий в Западном полушарии.

Ранняя история

Археологические данные показывают, что акрополь когда-то был домом для микенской цитадели.Циклопические стены цитадели защищали Акрополь на протяжении веков и сохранились до сих пор. Акрополь был постоянно заселен, даже в темные века Греции, когда пала микенская цивилизация.

Именно в Геометрический период Акрополь превратился из дома короля в святилище, посвященное богине Афине, которую афиняне считали своей покровительницей. В Акрополе архаической эпохи был построен первый каменный храм, посвященный Афине, известный как Гекатомпедон (по-гречески стоногий).

Это здание было построено из известняка примерно в 570–550 годах до н. э. и имело сто футов в длину. В нем находится первоначальный дом статуи из оливкового дерева Афины Полиас , , известной как Палладиум, которая, как полагали, прибыла из Трои.

В начале пятого века персы вторглись в Грецию, и город Афины вместе с Акрополем были разрушены, разграблены и сожжены дотла в 480 году до н. э. Позже афиняне, перед финальной битвой при Платеях, поклялись, что если они выиграют битву — что если Афина еще раз защитит свой город, — то афинские граждане оставят Акрополь таким, какой он есть, разрушенным, как памятник войне. .Афиняне действительно выиграли войну, и Акрополь оставался в руинах на тридцать лет.

Перикловое возрождение

Сразу после персидской войны афинский полководец и государственный деятель Перикл профинансировал обширную программу строительства Афинского Акрополя. Несмотря на обещание оставить Акрополь в состоянии руин, это место было перестроено, включив все оставшиеся старые материалы в пространство нового места. Программа строительства началась в 447 г. до н.э. и была завершена к 415 г. до н.э.В нем работали самые известные архитекторы и художники того времени, а его скульптура и здания были спроектированы так, чтобы дополнять друг друга и находиться в диалоге друг с другом.

План Акрополя: План Акрополя и окрестностей. Здания включают в себя: (1) Парфенон (2) Старый храм Афины (3) Эрехтейон (4) Статуя Афины Промахос (5) Пропилеи (6) Храм Афины Ники (7) Элевсинион (8) Святилище Артемиды Браурония или Брауронейон (9) Халкотека (10) Пандросейон (11) Аррефорион (12) Алтарь Афины (13) Святилище Зевса Полиея (14) Святилище Пандиона (15) Одеон Герода Аттика (16) Стоя Эвмена (17) Святилище Асклепия или Театр Асклепиона Диониса Элевтерия (19) Одеон Перикла (20) Теменос Диониса Элевтерия (21) Аглаврион

Парфенон

Парфенон представляет собой кульминацию стиля греческой храмовой архитектуры.Оптические изысканности Парфенона — легкая кривизна, придаваемая всему зданию, и идеальное расположение метоп и триглифов над капителями колонн — отражают стремление греков достичь совершенного и гармоничного дизайна, известного как симметрия .

В то время как художник Фидий отвечал за общий план Акрополя, своего рода генеральный подрядчик, архитекторы Иктинос и Калликрат проектировали и руководили строительством Парфенона (447–438 гг. до н.э.), храм, посвященный Афине.Парфенон полностью построен из пенталийского мрамора, хотя часть его фундамента состоит из известняка храма, построенного до 480 г. до н.э., который так и не был достроен. Дизайн Парфенона немного отличается от основного плана храма. Храм расположен по периметру и поэтому окружен рядом колонн. Перед пронаосом (крыльцом) и опистодомом находится один ряд колонн простила. Опистодом большой, по размеру он соответствует размеру казны Делосского союза, которую Перикл переместил с Делоса в Парфенон, присвоив средства для восстановления Акрополя.Пронаос настолько мал, что почти отсутствует. Внутри наоса находится двухэтажный ряд колонн вокруг интерьера, а перед колоннами установлена ​​культовая статуя Афины. Это самое важное сохранившееся здание классической Греции.

Парфенон: Парфенон, спроектированный Иктиносом и Калликратом, представляет собой храм на Афинском Акрополе в Греции, посвященный девичьей богине Афине, покровительнице Афин. Его строительство началось в 447 г. до н.э., когда Афинская империя была на пике своего могущества.Внешние дорические колонны более тонкие, а их капители жесткие и конусообразные. Антаблемент также кажется меньшим и менее весомым, чем более ранние дорические храмы. Внешний вид храма имеет дорический фриз, состоящий из метопов и триглифов .

Внутри храма находятся ионические колонны и ионический фриз, который окружает внутреннюю часть здания снаружи. Все здание слегка изогнуто в центре, чтобы компенсировать человеческий глаз. Говорят также, что колонны имеют небольшое вздутие в центре, чтобы они выглядели более прочными и устойчивыми.Если бы здание было построено идеально под прямым углом и с прямыми линиями, человеческий глаз увидел бы линии изогнутыми. Чтобы Парфенон казался прямолинейным, Иктинос и Калликрат добавили зданию кривизну, которую глаз интерпретировал бы как прямую.

Скульптурные рельефы на метопах Парфенона являются одновременно декоративными и символическими и соотносят истории греков с другими. Каждая сторона изображает различный набор сражений.

• Над входом с восточной стороны находится Гигантомахия , , изображающая битву между гигантами и олимпийскими богами.
• На западной стороне изображена Амазономахия , показывающая битву между афинянами и амазонками.
• На северной стороне изображены сцены разграбления Трои греками в конце Троянской войны.
• На южной стороне изображена Кентавромахия или битва с кентаврами. Кентавромахия изображает мифическую битву между греческими лапифами и кентаврами, которая произошла во время свадьбы лапифов.

Эти сцены являются наиболее сохранившимися из метоп и демонстрируют, как Фидию удавалось помещать эпизодическое повествование в квадратные пространства.В совокупности они символизируют гордость греков своей победой над персами, представленными различными «чудовищными» или варварскими существами в метопах.

Кентавромахия: метопа с южной стороны Парфенона, изображающая лапифа и кентавра. Акрополь, Афины, Греция. в. 447–438 гг. до н. э.

г. Внутренний фриз ионической процессии окружает внешние стены наоса. Хотя на фризе может быть изображено мифическое или историческое шествие, многие ученые считают, что на нем изображено Панафиниак шествие .

Ежегодно через город проходила панафинейская процессия, ведущая от Дипилонских ворот к Акрополю и завершавшаяся ритуальным изменением peplos , или одежды, которую носила древняя статуя Афины из оливкового дерева. Сцена процессии начинается в юго-западном углу и огибает здание в обоих направлениях, а затем достигает кульминации в середине западной стены.

Он начинается с изображений всадников, готовящих своих лошадей, за которыми следуют всадники и колесницы, афинские юноши с жертвенными животными, старейшины и девушки, затем боги, а затем завершается центральным событием.На центральном изображении изображены афинские девы с тканями, заменяющие старый пеплос новым.

Всадники в сцене процессии: ионический фриз из интерьера Парфенона. Акрополь, Афины, Греция. в. 447–438 гг. до н. э.

г. Восточный и западный фронтоны изображают сцены из жизни Афины, а восточный фронтон лучше сохранился, чем западный; к счастью, оба были описаны древними авторами. На западном фронтоне изображен спор между Афиной и Посейдоном за покровительство Афин.В центре фронтона стояли Афина и Посейдон, отдаляясь друг от друга, создавая сильно заряженную, динамичную диагональную композицию.

Восточный фронтон изображал рождение Афины. В то время как центральные изображения Зевса, Афины и Гафеста были утеряны, окружающие боги в различных состояниях реакции сохранились.

Скульптурная группа с восточного фронтона Парфенона: в то время как центральные изображения Зевса, Афины и Гафеста были утеряны, окружающие боги в различных состояниях реакции сохранились (ок.447–439 ​​гг. до н. э.) Три богини с восточного фронтона Парфенона: Гестия, Диона и Афродита. Приписывается Агоракриту. Британский музей. CC-BY MaryG90

Обратите внимание, все фигуры выполнены в одном масштабе и расположены в композиции, которая позволяет им заполнить все более узкое пространство фронтона. Кроме того, до этого момента в греческом искусстве соблюдается традиция, согласно которой богини одеты, а боги-мужчины — нет. Однако драпировка трех богинь плавная и обнажает формы тел под ними.

При входе в Акрополь через Пропилеи, или центральные ворота, посетителей встречала колоссальная бронзовая статуя Афины Промахос (ок. 456 г. до н.э.), созданная Фидием. Отчеты и несколько монет, отчеканенных с изображением статуи, позволяют сделать вывод, что бронзовая статуя изображала устрашающий образ Афины в шлеме, идущей вперед, со щитом на боку и высоко поднятым копьем, готовым нанести удар.

Храм Афины Ники: Храм Афины Ники, ок. 427–425 до н. э. Акрополь, Афины, Греция

Храм Афины Ники

Одним из самых маленьких, но самых элегантных сооружений на Акрополе является храм Афины Ники (427–425 гг. до н. э.), спроектированный Калликратом в честь богини победы.Он стоит на парапете Акрополя, к юго-западу и справа от Пропилей. Храм представляет собой небольшой ионический храм, состоящий из одного наоса, где на четырех опорах стояла культовая статуя. Четыре опоры выровнены с четырьмя ионическими колоннами простилей пронаоса. И пронаос, и опистодом очень маленькие, почти отсутствуют и определяются четырьмя столбцами простилей.

План храма Афины-Ники: этот храм представляет собой небольшой ионический храм, состоящий из одного наоса, где на четырех опорах стояла культовая статуя, ок.427–425 гг. до н. э.

г. Непрерывный фриз вокруг храма изображает батальные сцены из греческой истории. Эти изображения включают сражения Персидской и Пелопоннесской войн, в том числе сцену кавалерии из битвы при Марафоне и победу греков над персами в битве при Платеях.

Сцены в храме Афины-Ники похожи на сцены сражений в Парфеноне, которые представляли греческое господство над негреками и иностранцами в мифической аллегории. Сцены, изображенные на фризе фриза храма Афины-Ники, демонстрируют греческое и афинское господство и военную мощь на протяжении исторических событий.

Ника поправляет сандалию: эта статуя находится в храме Афины Ники, ок. 425–420 гг. до н.э. Он расположен на Акрополе в Афинах, Греция.

К балюстраде был добавлен парапет, чтобы защитить посетителей от падения с крутого склона. Изображения Nike, такие как Nike Adjusting Her Sandal, вырезаны рельефно. В этой сцене Ника изображена стоящей на одной ноге, когда она наклоняется над поднятой ногой и коленом, чтобы поправить сандалию. Ее тело изображено в новом стиле Высокой Классики.

В отличие от архаичной скульптуры, эта сцена на самом деле изображает тело Ники.Ее тело и мускулы отчетливо видны под прозрачной, но тяжелой одеждой.

Этот стиль, известный как мокрый драпировка , , позволяет скульпторам изображать тело женщины, сохраняя при этом скромность женской фигуры. Хотя тело Ники видно, она остается полностью одетой. Этот стиль встречается и в других местах Акрополя, например, на кариатидах и, как отмечалось выше, на женщинах на фронтоне Парфенона.

Скульптура греческого периода высокой классики

Высокая классическая скульптура демонстрирует смену стиля в греческой скульптуре, когда фигуры стали более динамичными и менее статичными.

• Освоив натуралистическое изображение тел из камня, греческие скульпторы начали экспериментировать с новыми позами, расширившими репертуар греческого искусства. Скульптуры этого более позднего периода отходят от классических характеристик, которые они все еще сохраняют: идеализма и строгого стиля.
• Поликлет наиболее известен своим каноном, изображенным в «Дорифоре», но также известен своими «Диадуменами» и «Дискофорами». Эти два скульптурных спортсмена также выполнены по его канону и изображены контрапостом в хиастических позах.
• Фидий был одним из самых известных скульпторов своего времени. Он руководил скульптурной программой Афинского Акрополя, а также известен своими гигантскими культовыми статуями Зевса и Афины Парфенос из хризелефантина.
• Мирон — бронзовый скульптор периода Высокой Классики. Его статуи известны тем, что наполнены потенциальной энергией. Его Дискобол готовится к прыжку, готовясь метнуть диск. Хотя фигура все еще идеализирована, она кажется застывшей в интенсивном движении.

• хризелефантин : Изготовлен из золота и слоновой кости.
• эгида : Атрибут Зевса или Афины, обычно представляемый в виде щита из козьей шкуры.

Поликлет

Поликлет был известным греческим скульптором, работавшим с бронзой. Он также был теоретиком искусства, разработавшим канон пропорции (называемый Канон), который демонстрируется в его статуе Дорифора (Копьеносца). Многие из бронзовых статуй Поликлета классического периода, включая Дорифора, сохранились только как римские копии. выполнен в мраморе.Считается, что Поликлет вместе с Фидием создал стиль, признанный классической греческой скульптурой.

Другой пример работы Канона можно увидеть в статуе Диадумена Поликлета, юноши, примеряющего головную повязку, и в его статуе Дискофора, носителя диска. На обеих римских мраморных копиях изображены атлетические обнаженные мужские фигуры. Тела двух фигур идеализированы. Нагота позволяет легко увидеть гармонию частей, или симметрию , и иллюстрирует принципы, обсуждаемые в Каноне.Канон сосредоточился на соотношении частей тела по отношению друг к другу, чтобы создать идеальную мужскую форму. Обе статуи демонстрируют прекрасные пропорции, идеальный баланс и четкость частей тела.

Поликлет, Дорифор (Канон), ок. I век до н.э., каррарский мрамор, высота 78,7 дюйма. Неаполь

Дорифор изображен в контрапостной стойке. Он переносит вес на правую ногу. Скульптура демонстрирует гибкость композиции, основанную на каноне, и врожденную живость, создаваемую позами контрапоста.Несмотря на живые черты и своеобразную позу фигуры, она все же сохранила Суровый стиль и невыразительное лицо раннегреческой скульптуры.

Поликлет не только работал с бронзой, но также известен своей хризелефантиновой культовой статуей Геры в Аргосе, которую в древние времена сравнивали с колоссальными хризелефантиновыми культовыми статуями Фидия.

Фидий

Фидий был скульптором и художественным руководителем Афинского Акрополя и руководил скульптурной программой всех зданий Акрополя.Он считался одним из величайших скульпторов своего времени и создавал монументальные культовые статуи из золота и слоновой кости для городов-государств по всей Греции.

Фидий хорошо известен благодаря Афине Парфенос, колоссальной культовой статуе в наосе Парфенона. Хотя статуя была утеряна, письменные отчеты и репродукции (миниатюры и изображения на монетах и ​​драгоценных камнях) дают нам представление о том, как появилась скульптура.

Он был сделан из слоновой кости, серебра и золота и имел деревянную основу.Афина стояла в короне, в шлеме и эгиде . Ее щит стоял вертикально слева от нее, и ее левая рука покоилась на нем, а в правой руке она держала статую Ники. Реконструкция художника находится в Парфеноне в Нэшвилле.

Реконструкция Афины Парфенос Фидия: находится в Парфеноне в парке Сентенниал, Нэшвилл, Теннесси,

Скульптура эллинистического периода

Ключевым компонентом эллинистической скульптуры является выражение лица и тела скульптуры, вызывающее эмоциональный отклик у зрителя.

• Эллинистическая скульптура доводит натурализм формы и выражения тела до уровня гиперреализма, когда выражение лица и тела скульптуры вызывает эмоциональный отклик.
• Драма и пафос — новые факторы эллинистической скульптуры. Стиль скульптуры больше не идеализируется. Скорее, они часто преувеличены, а детали подчеркнуты, чтобы добавить новый, повышенный уровень движения и пафоса.
• Новые композиции и состояния ума исследуются в эллинистических скульптурах, включая старость, опьянение, сон, агонию и отчаяние.
• В этот период стала популярной портретная живопись. Субъекты изображены с чувством натурализма, который показывает их несовершенство.
• Эллинистическая скульптура пользовалась особым спросом после захвата греческого полуострова римлянами в 146 г. до н. э. Известные скульптуры, созданные для римских покровителей, включают Лаокоона и его сыновей и Фарнезского быка.

• сатир : мужчина-компаньон Пана или Диониса с конским хвостом и вечной эрекцией.Также известен как фавн.
• патриций : Аристократ или другой элитный член общества; оно также может использоваться как прилагательное.
• пафос : Это качество или свойство чего-либо, что затрагивает чувства или возбуждает эмоции и страсти, особенно то, что пробуждает нежные эмоции, такие как жалость, печаль и тому подобное; заразительная теплота чувств, действий или выражений; жалкое качество.

Эллинистическая скульптура продолжает тенденцию возрастания натурализма, наблюдаемую в стилистическом развитии греческого искусства.В это время правила классического искусства были отброшены в пользу новых тем, жанров, драмы и пафоса, которые никогда не исследовались предыдущими греческими художниками.

Кроме того, греческие художники придали своим фигурам новый уровень натурализма, добавив эластичности их форме и выражениям лица и тела. Эти фигуры взаимодействуют со своей аудиторией в новой театральной манере, вызывая эмоциональную реакцию с их точки зрения — это называется пафосом.

Ника Самофракийская

Одна из самых знаковых статуй того периода, Ника Самофракийская, также известная как Крылатая Победа (ок.190 г. до н.э.), отмечает морскую победу. Эта статуя из паросского мрамора изображает Нику, теперь безрукую и безголовую, садящуюся на нос корабля. Под ее ногами виден нос, и сцена наполнена театральностью и натурализмом, поскольку статуя реагирует на свое окружение.

Ступни, ноги и тело Ники выдвинуты вперед, в отличие от ее драпировки и крыльев, развевающихся назад. Ее одежда развевается вокруг нее от ветра, а крылья поднимаются вверх. Это изображение создает впечатление, что она только что приземлилась и именно в этот момент она садится на нос корабля.Помимо скульптуры, фигура, скорее всего, была установлена ​​​​в фонтане, создавая театральную обстановку, в которой как образы, так и слуховой эффект фонтана создавали поразительный образ действия и триумфа.

Ника Самофракийская: также известная как Крылатая Победа (ок. 190 г. до н. э.), эта мраморная статуя в Самофракии, Греция, посвящена морской победе

Венера Милосская

Эта скульптура Александра Антиохийского, также известная как Афродита Мелосская (ок. 130–100 гг. до н. э.), является еще одной известной иконой эллинистического периода.Сегодня руки богини отсутствуют. Было высказано предположение, что одна рука сжимала ее соскальзывающую драпировку, а другая рука протягивала яблоко, что намекает на суд Париса и похищение Елены.

Изначально, как и все греческие скульптуры, статуя должна была быть раскрашена и украшена металлическими украшениями, что видно по отверстиям для крепления. Это изображение чем-то похоже на позднеклассическую скульптуру Пракситила «Афродита Книдская» (IV век до н. э.), но считается более эротичным, чем его более ранний аналог.

Например, когда Афродита покрыта ниже пояса, она почти не пытается прикрыться. Она, кажется, дразнит и игнорирует своего зрителя, вместо того, чтобы приставать к нему и смотреть ему в глаза.

Венера Милосская: Эта мраморная статуя в Мелосе, Греция, была создана Александром Антиохийским, ок. 130–100 гг. до н. э.

Измененные состояния

В то время как Ника Самофракийская источает ощущение драмы, а Венера Милосская — новый уровень женской сексуальности, другие греческие скульпторы исследовали новые состояния бытия.Вместо того, чтобы воспроизводить образы идеального греческого мужчины или женщины, как это было принято в классический период, скульпторы начали изображать образы старых, уставших, спящих и пьяных, ни один из которых не является идеальным изображением мужчины или женщины.

Пьяная старуха

Были созданы и женские образы пьянства, что можно увидеть в приписываемой эллинистическому художнику Мирону статуе пьяной нищенки. Эта женщина сидит на полу, обхватив руками и ногами большой кувшин, а рука сжимает горлышко кувшина.

Виноградные лозы, украшающие верхнюю часть кувшина, дают понять, что в нем находится вино. Лицо женщины вместо того, чтобы быть бесстрастным, обращено вверх, и она, кажется, зовет, возможно, прохожих. Она не только пьяна, но и стара: ее лицо покрыто глубокими морщинами, глаза ввалились, а кости торчат из-под кожи.

Пьяная старуха: это римская мраморная копия греческого бронзового оригинала Мирона, ок. 200–180 гг. до н. э.

Римское покровительство

Греческий полуостров перешел под власть римлян в 146 г. до н. э.Греция была ключевой провинцией Римской империи, и интерес римлян к греческой культуре способствовал распространению греческого искусства по империи, особенно в Италии, в эллинистический период и в имперский период римской гегемонии.

греческих скульпторов были востребованы на оставшихся территориях империи Александра, а затем и во всей Римской империи. Знаменитые греческие статуи копировались и воспроизводились для богатых римских патрициев, а греческим художникам заказывались крупномасштабные скульптуры в эллинистическом стиле.Первоначально отлитые из бронзы, многие греческие скульптуры, которые дошли до нас сегодня, сохранились только в виде мраморных римских копий. Некоторые из самых известных колоссальных мраморных групп были созданы в эллинистическом стиле для богатых римских покровителей и императорского двора. Несмотря на свою римскую аудиторию, они были намеренно созданы в греческом стиле и продолжали отражать драматизм, напряжение и пафос эллинистического искусства.

Лаокоон и его сыновья

Лаокоон был троянским жрецом Посейдона, который предупредил троянцев: «Остерегайтесь греков, несущих дары», когда греки оставили у ворот Трои большого деревянного коня.Афина или Посейдон (в зависимости от версии рассказа), расстроенные его напрасным предупреждением своему народу, послали двух морских змей, чтобы замучить и убить жреца и двух его сыновей.

Лаокоон и его сыновья, группа эллинистических мраморных скульптур (приписываемая римским историком Плинием Старшим скульпторам Агесандру, Афинодору и Полидору с острова Родос) была создана в начале первого века нашей эры для изображения этой сцены из эпоса Вергилия. , Энеида.

Лаокоон и его сыновья: римский историк Плиний Старший приписывает эту мраморную статую скульпторам Агесандру, Афинодору и Полидору с острова Родос

года. драма, напряжение и пафос.Фигуры корчатся, запутавшись в кольцах змей. Лица троих мужчин наполнены агонией и тяжелым трудом, что отражается в напряжении и напряжении их мышц. Лаокоон вытягивается по длинной диагонали от правой руки к левой, пытаясь освободиться.

Его сыновья также опутаны змеями, и их лица реагируют на их гибель смятением и отчаянием. Резьба и детали, внимание к мускулатуре тела и глубокое сверление, наблюдаемое в волосах и бороде Лаокоона, — все это характерные элементы эллинистического стиля.

Лаокоон и его сыновья: эта деталь лица Лаокоона показывает резьбу и детали, внимание к мускулатуре тела и глубокое сверление, которые являются характерными элементами эллинистического стиля.

Трудно поверить, что праздник Благодарения уже наступил, а наша выставка Лошадь в древнегреческом искусстве будет с нами еще всего 2 месяца. Это популярное шоу привлекло множество посетителей, экскурсий всех возрастов и групповых туров со всего мира.Мы в восторге от отличного отклика! Если вы еще не видели, у вас есть время до 14 января ^-го ! Если вы видели его и вам не хватает древних лошадей и фантастического греческого искусства, вот несколько забавных фактов. В связи с тем, что проходит так много туров, мы получаем много отличных вопросов и можем поделиться некоторыми увлекательными закулисными фактами.

Вход на выставку Лошадь в древнегреческом искусстве в NSLM. В просмотре до 14 января.

Вот лишь несколько часто задаваемых вопросов.

Эти штуки действительно такие старые? Некоторые выглядят как новые!
Да! Объектам, представленным в этом шоу, действительно 2800–2300 лет. Трудно представить, чтобы предмет (особенно керамическая ваза) прослужил так долго, но это правда. Все они прошли какую-то консервационную обработку в течение своей жизни. Некоторые имеют полированную блестящую поверхность, которая создает иллюзию «нового» вида (особенно при освещении музейных экспозиций).

Как же они выживают так долго?
Обожженная керамика на удивление прочная.Иногда сосуды обнаруживаются археологами целиком, например, если они найдены в гробницах. Но обычно они встречаются фрагментарно и тщательно собираются реставраторами. В чернофигурной и краснофигурной вазописи произведение искусства создается тонкими слоями разбавленной водой глины, называемой «шликером», которая запекается в процессе обжига. Некоторые участки становятся черными в печи, в то время как другие сохраняют насыщенный красный и оранжевый цвета терракотовой глины. Пигмент иногда добавляли позже, но он часто не так хорошо сохраняется, как украшение из обожженной глины.

Приписывается художнику Малибу / художнику C, Чернофигурный кубок Сианы , ок. 570–565 гг. до н. э., частная коллекция, Вирджиния.

Некоторые суда показывают свою историю больше, чем другие. В основании этой чаши Сианы есть отверстия от ремонта, сделанного в древние времена. Греки использовали металлические скобы, чтобы скреплять осколки ценной керамики. В современных реставрациях используются специальные клеи.

Почему здесь сатиры? Я думал, это козы?
Многие люди знакомы с римской формой Сатиров, которые были наполовину людьми, наполовину козлами.Но для греков, чья культура и мифология появились раньше, сатиры были гибридами человека и лошади. У них был конский хвост, конские уши, а иногда и копыта. Обе версии были компаньонами Диониса, бога вина, и в целом были грубыми, непристойными и доставляли неприятности.

Чернофигурное плечо Лекиф , ок. 540–530 гг. до н. э., частная коллекция, Вирджиния. Шествие на этой вазе изображает Диониса на муле, а сатиры поднимают руки и поют.

Где седла?
Греки ездили без седла или иногда в чепраках.Седла с прочным каркасом, называемые деревом, не появлялись до 2-го или 1-го века до нашей эры. Твердые стремена, сделанные из бронзы или железа, были изобретены позже в Китае примерно в 39117- веках нашей эры. До этого использовались различные типы вальтрапов или седел без деревьев, иногда с тканевыми или кожаными тулупами.

Так как же греки садились на лошадей без седел и стремян? Автор Ксенофонт предложил поднять ногу или использовать копье для прыжка.

Приписывается художнику-призраку, Чернофигурный кубок с падающими фигурами , ок.530 г. до н.э., частная коллекция, Вирджиния. Эта сцена показывает жокея верхом в окружении судей, спортсменов и зрителей. Красная линия на белой лошади может указывать на чепрак.

Есть ли у NSLM какие-либо из этих древних объектов?
Иногда люди с удивлением узнают, что ответ на этот вопрос на самом деле отрицательный. Эта выставка составлена ​​из произведений других музеев (Музей изящных искусств Вирджинии, Художественный музей Тампы, Принстонского университета, Университета Пенсильвании и Университета Индианы) и частных коллекций.Древнее искусство – новая и волнующая тема для нас здесь! Выставка этих объектов дает нам возможность расширить контекст нашей миссии и взглянуть на гораздо более широкую временную шкалу истории лошадей в искусстве и культуре.

Все искусство основано на предшествующем ему искусстве. Частью того, что мы делаем с нашим программированием, является помощь в установлении связей между ранними работами и современными примерами. Например, знаете ли вы, что Ник Фиддиан-Грин, создатель набора «Тихая вода », вдохновлялся классическими скульптурами лошадей на фризе Парфенона?

Ник Фиддиан-Грин (англ., р.1963), Still Water , 2011, кованый свинец с медными заклепками, высота 9 футов, NSLM, закупка музея, 2013. (c) Ник Фиддиан Грин. Мраморный рельеф, плита XXXVII с северного фриза Парфенона: процессия лошадей запряженные колесницы, 438–432 гг. до н. э. © The Trustees of the British Museum

будет доступен с 17 февраля по 8 июля 2018 г.

СохранитьСохранить

СохранитьСохранитьСохранитьСохранить

СохранитьСохранить

СохранитьСохранить

Нравится:

Нравится Загрузка…

Древнегреческие шедевры были написаны ослепительными красками

Реконструкция скульптуры фронтона храма Афайи на Эгине. Предоставлено: Public Domain

Почти невозможно представить сверкающие белые скульптуры Древней Греции, окрашенные в различные яркие цвета.

Сегодня, когда мы восхищаемся древнегреческими шедеврами, у нас укоренилось представление о том, что все эти великолепные скульптуры изначально были из безупречно белого мрамора, и время лишило некоторые из них их великолепного блеска.

Мы склонны думать, что культовые статуи, такие как Гермес, Крылатая Победа и Венера Милосская, были простыми мраморными скульптурами, у которых просто не хватало некоторых частей, а также их блестящей белой кожи.

Однако теперь известно, что древнегреческие скульпторы использовали яркие цвета, а также золото и слоновую кость, чтобы еще больше украсить созданные ими великолепные формы.

На самом деле, большинство из них ослепляли своей цветовой гаммой, которая была необходима для общего впечатления, которое скульптуры должны были создать.

Древнегреческие скульптуры были раскрашены множеством ярких цветов

Дорическая полихромия, показанная на рисунке 1909 года. Фото: общественное достояние

Фидий, знаменитый скульптор, создавший шедевр Парфенона, изваял огромную статую Афины Парфенос, которая стояла внутри великого здания.

Хотя статуя уже давно разрушена, есть ее описание в трудах античного историка Павсания, который писал, что статуя была «хризелефантиновой» или, другими словами, покрытой золотом и слоновой костью.

В трагедии Еврипида «Троады» («Троянские женщины»), написанной в 415 г. до н.э., есть также стих, в котором Елена говорит:

Моя жизнь и судьба чудовищны,
Отчасти из-за Геры, отчасти из-за моей красоты.
Если бы я только мог сбросить свою красоту и принять более уродливый вид
Так, как вы вытираете краску со статуи.

Последняя строка ясно указывает на то, что все скульптуры были раскрашены или сделаны в цвете, и это должно было иметь важное значение для их красоты и воздействия.

Праксителя, создателя знаменитых Гермеса и Диониса-младенца, однажды спросили, какие статуи ему нравятся больше всего. Он ответил: «Те, что нарисовал Никий».

К сожалению, после столетий лежания на земле краски на статуях безвозвратно утеряны. Тем не менее, есть остатки, которые, хотя и не видны невооруженным глазом, могут быть обнаружены с помощью современных технологий.

Технология раскрывает давно утраченные цвета и краски на древнегреческих скульптурах

Используя неразрушающие методы, такие как многогранная визуализация и элементный анализ с рентгеновской флуоресценцией, археологи и реставраторы теперь могут в значительной степени воссоздать первоначальный красочный вид раскрашенных древнегреческих скульптур.

В изображении древнегреческих скульптур существовала закономерность: у богов были светлые волосы, что означало их благородство, у воинов — каштановые волосы и кожа, а у женщин — белая кожа, чтобы прославлять свою молодость; и женщины также изображались с макияжем.

Две копии Peplos Kore, одна из которых выглядит сегодня, а другая восстановлена ​​в том виде, в каком она выглядела в древности, в Музее Эшмола. Фото: Qoan/Wikimedia Commons/CC BY-SA 4.0

«Пеплофорос» или «Пеплос Коре» в Музее Акрополя был воспроизведен с оригинальными яркими цветами, согласно кропотливому исследованию группы защитников природы.

У нее каштановые волосы, алые губы и карие глаза, а на ее одежде красочные декоративные ленты.

Как упоминается в новой статье на веб-сайте Smithsonian Magazine, немецкий археолог Винценц Бринкманн приложил огромные усилия для воспроизведения древнегреческих скульптур в их первоначальных ослепительных цветах. Используя мощные лампы, ультрафиолетовый свет, камеры, гипсовые слепки и порошкообразные минералы, он пытается возродить блестящую славу Древней Греции.

Он создал гипсовые или мраморные копии в натуральную величину, раскрашенные вручную теми же минеральными и органическими пигментами, что и древние: зеленый из камня малахита, синий из азурита, желтый и охристый из соединений мышьяка, красный из киновари, и черный от обожженных костей и лоз.

Реплики красочного греческого искусства выставлены в музеях по всему миру

Бринкманн выставлял свою коллекцию реплик в нескольких музеях мира. Его величайшая честь была, когда его работы были выставлены в Национальном археологическом музее Афин, на открытии которого присутствовали высокопоставленные чиновники греческого правительства и известные археологи.

Именно тогда у него появилась возможность сфотографировать некоторые из своих работ перед Парфеноном, такие как ярко раскрашенный, экзотически выглядящий Лучник, копия греческой скульптуры 490 г. до н.э.

Сегодня, с помощью этой современной технологии, древнегреческие шедевры могут быть воспроизведены как полихроматические скульптуры, которыми они должны были быть.

Мы уже поражены совершенством белых или окрашенных в цвет слоновой кости древних скульптур, которые мы видели на протяжении веков, и, возможно, нам трудно поверить, что какие-либо пигменты могут улучшить совершенство этих шедевров.

Но если все больше и больше этих скрупулезно выполненных копий будут выставляться в музеях и на других выставочных площадках, люди снова смогут увидеть их такими, какими их задумывали древние художники, чтобы их рассматривали и восхищались ими.

7 древнегреческих произведений искусства, которые вы должны знать

Победа Тесея над Минотавром в присутствии Афины | © Marie-Lan Nguyen/WikiCommons

Древнегреческая цивилизация, существовавшая с 7 века до н.э. до конца античности (около 600 г. н.э.), широко изучалась, в основном благодаря своему искусству, которое можно разделить на четыре непрерывных периода: Геометрический (хотя об этом периоде мало что известно), архаический, классический и эллинистический.Сегодня это считается самым влиятельным искусством из когда-либо созданных. Вот небольшая подборка некоторых из лучших произведений искусства, которые вы должны знать.

Афродита Милосская — эллинистическая скульптура, обнаруженная на острове Милос (или Милос). Эта красивая мраморная статуя является изысканным образцом мастерства того периода, хотя о ее создателе ничего не известно. Статуя, известная загадкой отсутствия рук, является невероятным воплощением красоты женской формы.

Венера Милосская, Лувр | © Edwin Lee/WikiCommons

Похищение Персефоны, фреска, найденная в гробнице Вергины | © Yann Forget/WikiCommons

Этот артефакт, один из пяти обнаруженных в могилах, был найден в Микенах в 1876 году Генрихом Шлиманом.Называемая «Мона Лиза доисторических времен», это погребальная маска из золота, найденная на лице тела в могильной шахте. Современные археологические исследования показывают, что маска не принадлежит Агамемнону, поскольку она датируется 1550–1500 годами до н. Маска выставлена ​​в Национальном археологическом музее Афин.

Маска Агамемнона | © Xuan Che/WikiCommons

Изготовленная Эксекиасом, древнегреческим художником и гончаром, амфора изображает Ахиллеса и Аякса, полностью одетых в доспехи и держащих копья, играющих в настольную игру, вероятно, разновидность нардов или шашек.Амфора, выставленная в музеях Ватикана, демонстрирует талант Эксекиаса как художника.

Аттическая амфора работы Эксекиаса, изображающая Ахиллеса и Аякса, играющих в игру во время Троянской войны | © Jakob Bådagård/WikiCommons

Эта статуя обычно приписывается древнегреческому скульптору Праксителю. На ней изображен сатир, упирающийся правым локтем в ствол дерева. Поскольку существует множество копий этой скульптуры, можно сделать вывод, что это была одна из самых известных работ Праксителя, а один яркий образец выставлен в Капитолийских музеях в Риме.

Римская копия с греческого оригинала, приписываемая Праксителю | © Marie-Lan Nguyen/WikiCommons

Кратер Дервени — тип большой вазы, которая обычно использовалась для смешивания вина и воды в Древней Греции — был обнаружен в гробнице в Дервени, недалеко от Салоников, в 1962 году. власть бога Диониса над природой как в жизни, так и в смерти. Кратер выставлен в Археологическом музее Салоников.

Кратер Дервени | © Michael Greenhalgh/WikiCommons

Эта великолепная статуя изображает богиню Победы, как если бы она парила к новым высотам.Выставленная в парижском Лувре, она входит в пятерку самых популярных произведений музея. Двухметровая статуя также является предметом прошения жителей острова Самофракия о репатриации.

Крылатая Победа Самофракии | © karlnorling/WikiCommons

История искусства: Древняя Греция

Добро пожаловать в нашу рубрику по истории искусства! Из Древнего Египет движемся на север, через Средиземное море в Грецию! Домой характерная керамика, блестящие скульптуры и колонны, так много колонн, Искусство и культура Древней Греции оказали огромное влияние на историю и многие современные культуры.Давайте пробежимся по обзору некоторых из наиболее влиятельных вклад, который греки внесли в историю искусства.

Лаокоон и его сыновья. Имиджевый кредит

Керамика

В отличие от других статей этой серии, мы собираемся сосредоточьтесь на разных стилях искусства, а не на временной шкале. Начнем с гончарного дела. Мы уже видели керамику в Месопотамии и Древнем Египте. Так как есть некоторые пересекаются между этими культурами на временной шкале, вы заметите некоторое сходство по стилю и структуре.

Эти сосуды, часто раскрашенные в мельчайших деталях, в основном были сделаны из терракоты и были довольно прочными. Корпус вазорум антикворум зарегистрировал более 100 000 гончарных изделий, которые существуют сегодня в частном порядке и публичные коллекции по всему миру.

Протогеометрическая керамика. Image Credit

Греческую керамику можно разделить на две категории: статуэтки или полезные сосуды. Вы можете определить назначение сосуда по его форме или, по крайней мере, по его форме. историки делают все возможное, чтобы сделать это.Согласованные виды использования и формы включают (хотя не ограничиваются) амфора для хранения или транспортировки, кратер как сосуд для смешивания, kylix или чашки, и арибаллос для духов.

В то время как некоторые детали невероятно просты, другие замысловаты. в своих расписных украшениях. Эти украшения развивались на протяжении довольно долгого времени. времени, от протогеометрического стиля (1050–900 гг. до н. э.) с его минимальным дизайном до геометрического стиль (900–770 гг. До н.э.) с его набором треугольников, который использовался на всех сосудах.После геометрического стиля пришел ориентализирующий стиль (725–625 гг. До н.э.). благодаря влиянию из Малой Азии. Животные, мифические и настоящие, соединились нарисованными мотивы вокруг середины сосудов.

Керамика ориентализирующего стиля. Image Credit

Далее идет самый узнаваемый гончарный стиль Древнего мира. Греция: черная фигура (620–480 гг. До н.э.). Обсуждая историю искусства, я становлюсь довольно в восторге от развития фигуративной работы, увиденной в Древней Греции. Есть определенное совершенство, достигнутое греками в понимании анатомии, и, глядя на глиняную посуду с черными фигурами, вы можете увидеть некоторые из этих достижения развиваются.

Керамика с черной фигурой. Кредит изображения.

Техника, использованная для создания этого характерного стиля, включала роспись вазы глиняной суспензией, которая после гончарного дела чернеет часть обстреляна. Большие участки рисунков «раскрашивались» кистью, в то время как детали и линии были вырезаны в глине, чтобы судно могло быть видно.

Во время стрельбы произошло настоящее волшебство. При 800°C ваза становилась красно-оранжевой, а затем при 950°C с закрытыми вентиляционными отверстиями в печи для облегчения удаления кислород, ваза почернела.Откройте вентиляционные отверстия на последнем этапе и в вазе. снова стал красно-оранжевым благодаря возвращению кислорода, за исключением «окрашенные» части, которые остались черными. Как я уже сказал, это магия (или наука).

Скульптура

Как и в случае с развитием гончарного дела, греки в конечном счете сосредоточены на великих фигуративных работах в своей скульптуре. Кроме того, скульптура был произведен по разным причинам, включая искусство, общественные мемориалы, подношения в храмах и многое другое. Разделим их вклад в истории скульптуры на три этапа: архаический, классический и эллинистический.Как и во всей этой статье, в истории есть еще кое-что, но мы попали в самую точку. Основные моменты.

Архаичная скульптура

Возможно, вдохновленные Египтом и Месопотамией, эти фигуративные произведения были вырезаны в камне. Наиболее распространенными объектами были обнаженные стоящие юноши, девушка, задрапированная тканью, и сидящая женщина. Хотя грубо с точки зрения точности по сравнению с более поздними работами, даже эти цифры демонстрируют большее понимание анатомии, чем другие эпохи на данном этапе истории.Как и в других культурах, многие произведения переплетались с религиозными деятелями.

Статуи Клеобиса и Битона. Image Credit

Поскольку их боги были в основном похожи на людей, скульптуры могли сосредоточиться на человеческом теле в мельчайших деталях, не думая о том, чтобы сосредоточиться на человечества как предмета искусства как находящегося в противоречии с представлениями о поклонении. Такого рода отношение можно увидеть и в других культурах, и на самом деле его никогда не было. что-то, что вы могли бы увидеть отражение в Древней Греции.

Классическая скульптура

Этот период часто называют революционным для мастерство греческих скульпторов.Анатомические пропорции были правильными, а тела были смягчены и реалистичны, хотя и идеализированы (так много кубиков — эти статуи подходят). Это огромное изменение между человеческим и человеческим: «Это бронзовый человек?»

Погребальное облегчение. Национальный археологический музей Афин. Image Credit

Рельефные скульптуры украшали внешние стены храмов. за это время, хотя многие из этих произведений были утеряны, и только осколки остались. Еще одна интересная разработка — персонализация погребальные скульптуры.Раньше они были довольно жесткими и общими во время Архаичный период, но теперь на них были изображены настоящие люди, обычно умершие и члены семьи. члены.

Именно такие изменения, наряду с упором на реализм, показывают насколько гуманистическим стал классический период. Это также то, что мы видим отражение в культуре Древней Греции, правительстве и многом другом, если взглянуть на всю картину.

Эллинистическая скульптура

Наш третий и последний период скульптуры — эллинистический или Эллинский период.Как и в предшествующий период, скульптура была все более натуралистический. Повседневные предметы, такие как простые люди, животные и многое другое, стали популярный. Эти сюжеты были показаны более выразительно, энергично.

Жокей Артемисион. Кредит изображения

Жокей Artemision яркий тому пример: лошадь движется, а ребенок, сидящий на ней назад, наклоняется вперед. Они словно застыли во времени, а не скульптура. Все, от мускулов лошади до взлохмаченных волос ребенка, в моде. состояние движения, сохранившееся на все времена в бронзе.

Одна из самых известных скульптур Венеры Милосской. (Афродита Милосская), была создана в этот период. Колосс Родосский, а. примерно в это же время была создана массивная статуя высотой 98 футов (30 метров), вместе с другими крупными частями. К сожалению, он был разрушен во время землетрясения в 226 г. до н.э.

Монеты

Золотая 20-стадия Евкратида. Image Credit

В то время как греки не изобрели использование монет для материальную валюту, они определенно стимулировали ее использование, влияя на дизайн валюта на всю оставшуюся историю.Круглые диски из металла с важным номинальная фигура или бог в профиль с одной стороны и дополнительная информация или рисунок на оборотной стороне — если посмотреть на их монеты, особой разницы нет. между ними и монетами, которые большинство стран используют сегодня.

Архитектура

Куда бы без зданий капитолия по всему миру влияние греческой архитектуры? Без славных колонн, вот куда! я думаю, у многих нет колонн, но у многих есть, и вы можете обвинить греков за этот архитектурный вклад.

Обсуждая греческую архитектуру, мы обычно начинаем с Классический период и далее. До этого многие здания были построены из глиняный кирпич и были потеряны для разрушительного действия времени (как и многие искусства). Есть можно много говорить о греческих зданиях, но, поскольку мы сосредоточены на искусстве, мы собираюсь обсудить колонны, так как они стали декоративным элементом в современном раз (или может быть, во всяком случае).

Дорический, иконический и коринфский стили колонн. Кредит изображения, Кредит изображения, Кредит изображения.

Есть три порядка архитектуры, которые использовались в Древняя Греция: дорический, ионический и коринфский. Дорические колонны обычно шире и короче двух других стилей. В отличие от двух других, они не имел основания, будучи плоским относительно пола храма. Столица (это верхняя часть колонки) была довольно простой и немного расклешенной.

Ионические колонны — это колонны со свиткообразными капителями. Скорее всего, это то, о чем вы думаете больше всего, когда в голову приходит идея греческих колонн. ваша голова (я предполагаю).Наконец, коринфские колонны — самые причудливые из всех, со всевозможными завитушками, зеленью и даже фигурками в столицы. Этот стиль также использовался в Риме и привел к другим влияниям в Риме. архитектура.

Живопись

Некоторыми распространенными формами живописи в Древней Греции были панно. и настенные росписи. Панно выполнялись на деревянных досках (панелях) в энкаустика (воск) или темпера. Как и в случае с вышеперечисленным искусством, многие картины были фигуративными, хотя мало кто дожил до современной эпохи.Настенные росписи были в основном фрески, картины, написанные свежей влажной штукатуркой.

Одна из таблеток Питца. Кредит изображения.

Отмечены описания панно и их создатели в литературе того времени. Один набор панелей, таблетки «Пица», уцелел. показывая художественные навыки архаического периода. Панели деревянные доски закрашены лепниной с фигурами, написанными минеральными красками. Они показывают религиозные сцены, сосредоточенные вокруг нимф.

По мнению историков, эти таблички были вотивные приношения.Подобно большому количеству произведений искусства в истории, у нас есть пример искусства, созданного для поклонения.

Фреска на Могиле водолаза. Кредит изображения.

Настенные росписи использовались на зданиях и в качестве надгробий. украшения. Как обсуждалось выше, поскольку многие постройки не сохранились время, ни есть много настенных росписей. Те, что были на могилах, например, Могила Водолаза.

Заключение

От гончарного дела до скульптуры, архитектуры и культуры в Вообще, Древняя Греция оказала большое влияние на историю.Это довольно заметно в его влиянии Древнего Рима, которое мы рассмотрим далее в этой истории искусства ряд. Вы также заметите, что по мере того, как история искусства приближается к современной эпохе, художественные движения заново открывают для себя художественные достижения греков.

Это лишь малая часть фантастического вклада внесли в мир искусства греки. Для получения дополнительной информации ознакомьтесь с этими книгами и сайты:

Источники статей включают следующее:

.