Книга «Цветы — птицы в живописи Китая»
Цветы — птицы в живописи Китая
Книга посвящена одному из древнейших жанров китайской живописи в технике «гохуа» — тушью и минеральными красками. Книга продолжает серию «Мастера живописи». В отличие от других книг серии эта посвящена не творчеству отдельного мастера или художественного объединения, но рассматривает историю и эволюцию одного из важнейших жанров китайской живописи. Именно «цветы — птицы» ярче других жанров отражает любовь и уважение китайского народа к природе, своеобразие его мировосприятия. Изысканный жанр сохранял свою актуальность на протяжении столетий — от мастеров XI–XII веков до наших дней. Книга продолжает серию «Мастера живописи».
Поделись с друзьями:- Издательство:
- Белый город
- Год издания:
- 2009
- Место издания:
- Москва
- Язык текста:
- русский
- Редактор/составитель:
-
Виноградова Н.
А.
А.
- Тип обложки:
- Твердый переплет
- Формат:
- 230х310 мм
- Размеры в мм (ДхШхВ):
- 310×230
- Вес:
-
645 гр.
- Страниц:
- 48
- Тираж:
- 3000 экз.
- Код товара:
- 483835
- Артикул:
- 00104057006
- ISBN:
- 978-5-7793-1620-0
- В продаже с:
-
13. 11.2009
11.2009
Книга посвящена одному из древнейших жанров китайской живописи в технике «гохуа» — тушью и минеральными красками. Книга продолжает серию «Мастера живописи». В отличие от других книг серии эта посвящена не творчеству отдельного мастера или художественного объединения, но рассматривает историю и эволюцию одного из важнейших жанров китайской живописи. Именно «цветы — птицы» ярче других жанров отражает любовь и уважение китайского народа к природе, своеобразие его мировосприятия. Изысканный жанр сохранял свою актуальность на протяжении столетий — от мастеров XI–XII веков до наших дней. Книга продолжает серию «Мастера живописи». Читать дальше…
«Цветы-птицы» в китайском искусстве
С 14 июля в музее истории Бурятии им.
М.Н. Хангалова начнет работу выставка «Цветы-птицы» в китайском искусстве».Жанр китайской живописи цветы-птицы «хуа-няо» появился в древнем Китае. Изображения цветов и птиц на керамике, бронзовых сосудах и шелке известны с периода Сражающихся царств (7-4 вв. до н. э.). Первые узоры и изображения были достаточно простыми, но со временем они превратились в детализированный и важный жанр живописи, представленный разными методами, школами, солидной теоретической базой.
Согласно китайской традиции, жанр «хуа-няо» имеет дело с широким диапазоном природных мотивов, включая цветы, птиц, рыбу, насекомых и животных.
Птицы и цветы в картинах с человеческими фигурами символизировали настроение, эмоции, темперамент изображенных людей. Персонажи редко смотрят друг на друга, в изображениях присутствует связь человека с цветком, деревом, птицами. Несмотря на то, что Цветы-Птицы стали самостоятельным жанром, мотивы сохранили свои символические функции и всегда использовались в последующие времена в таком контексте.
Зрелости и расцвета жанр достиг при династии Северная Сун (960-1279). Пионером жанра «Цветы-птицы» является анималист Хуан Цюань. Современные китайские художники дикой природы, принадлежащие к китайской школе «Гохуа», продолжают традиции своих великих учителей. Однако, стоит отдать должное именно периоду Пяти династий, который явился решающим этапом в формировании жанра.
Традиции китайских художников не обошло вниманием и Японское изобразительное искусство. Кате-га — «картины о цветах и птицах» — поджанр японской гравюры укиё-э, ведет свое происхождение из традиционного жанра китайской живописи, посвященного тому же предмету. Существовали мастера, специализирующиеся исключительно на этом жанре. Одним из них является Шень Нанпин (1682-1762) — японский художник китайского происхождения. В 1731 году переехал в Нагасаки по приглашению преподавать традиционную китайскую живопись японским студентам, в результате чего образовалась новая художественная школа, повлиявшая на всю культуру Японии конца периода Эдо (1603—1868).
На выставке посетители увидят живопись на шелке, фарфоре, декоративно-прикладном искусстве, также выставку дополнят разнообразные чучела птиц из Музея природы Бурятии.
Музей истории Бурятии им. М.Н. Хангалова
Тел. для справок 21-40-08
Три друга зимы
Расписание мероприятий выставки
Со 2 февраля в Центре восточной литературы Российской государственной библиотеки проходит выставка «Три друга зимы». Художественная часть выставки, посвящённой традициям празднования Нового года по восточному календарю, подготовлена Творческим Союзом художников японской живописи. Экспозицию художественных работ дополняют уникальные книжные издания из фондов ЦВЛ и коллекция новогодних открыток, предоставленных отделом изоизданий РГБ.
Три друга зимы. Открытка. Фото: Мария Говтвань, РГБ
«Три друга зимы» — слива, бамбук и сосна — ещё с древних времён входят у народов Китая, Кореи и Японии в благопожелательную систему, символизируя долголетие, стойкость, силу духа.
Эти растения, в отличие от других, начинают цвести именно зимой, под снегом. В живописи сюжет «Три друга зимы» очень популярен и входит в историю искусства Восточной Азии под этим названием.
Многим из сохранившихся примет и правил этого самого главного и продолжительного праздника более тысячи лет. На выставке будут представлены как монохромные работы российских художников в традиционных стилях японской и китайской живописи, так и работы с использованием цветной туши. В экспозицию входят и предметы декоративно-прикладного творчества, связанные с новогодними традициями Японии, Китая и Кореи: открытки, каллиграфия, фонари и другие традиционные предметы, выражающие образы процветания в наступающий год Земляного Кабана.
Куклы кокэси. Фото: Мария Говтвань, РГБ
В книжном разделе выставки представлены уникальные издания с иллюстрациями китайских, корейских и японских художников. Среди них замечательный образец китайского книжного искусства — классический трактат по традиционной китайской живописи «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно».
В основу многотомного трактата, задуманного как учебное пособие, вошли рисунки художника эпохи Мин Ли Люфана (1575—1629). В создании «Слова о живописи…» приняли участие несколько человек. Шэнь Синью, написавший один из разделов и расширивший иллюстративную часть «Слова о живописи…», включив в неё рисунки периода династий Тан, Сун и Юань, привлёк к работе высококлассных мастеров, прекрасно владевших техникой многоцветной гравюры. Художник, поэт и каллиграф Ван Гай составил трактат о технике, теории и истории живописи. Художники Ван Юньань, Ван Ши и Ван Ни создали рисунки специально для этого издания. Все иллюстрации выполнены в технике ксилографии.
Ещё одно многотомное издание — «Образцы каллиграфии и живописи из мастерской „Десяти бамбуков“» — шедевр Ху Чжэнъяна (1584—1662), выдающегося гравёра и книгоиздателя, высокопоставленного чиновника, занимавшего пост секретаря императорской канцелярии. Первое издание вышло в 1627 году в Нанкине и стало важной вехой в истории китайского книгопечатания: это первый памятник развитой многоцветной ксилографии.
В «Образцах каллиграфии…» собраны работы более тридцати художников и каллиграфов, включая самого Ху Чжэнъяна. Эта книга предназначалась для обучения каллиграфии и живописи, поэтому в неё были включены несколько «учебных» рисунков для копирования, а также давались советы по технике рисования.
Японскую живопись представляют преимущественно издания XIX века с иллюстрациями гравюр известных художников, выполненных в жанре «Цветы и птицы». «Картины о цветах и птицах» (катё-э) — поджанр японской гравюры укиё-э. Живопись катё-э ведёт своё происхождение из традиционного жанра китайской живописи «Цветы и птицы» (хуаняо), основным предметом которого являются растения, птицы, насекомые.
Представляют интерес книга работ художника Татибана Унга в жанре катё-э, изданная в 1882 году в Токио, альбом Сэнрюдо гафу, выполненный Такидзава Киёси, опубликованный в 1881 году, а также четырёхтомное издание Рансай гафу — собрание чёрно-белых рисунков хризантем, сливовых деревьев, растений и морских видов, выполненных тушью Мори Рансай.
Издание опубликовано в 1801 году одним из учеников художника.
На выставке можно увидеть книги с гравюрами знаменитого мастера цветной ксилографии Утагавы Хиросигэ (1797—1858), выдающегося представителя направления укиё-э. Среди самых известных серий его работ — «53 станции Токайдо». Работая в жанре фукэй-га (пейзаж), художник передавал зыбкие состояния природы, атмосферные эффекты снега и тумана, особенности ландшафта в разные времена года. Под влиянием творчества Хокусая создал цикл «36 видов горы Фудзи». Помимо пейзажных мотивов Утагава Хиросигэ великолепно создавал гравюры с изображением цветов и птиц.
Экспозиция продолжается современными иллюстрированными корейскими изданиями, посвящёнными истории живописи в Корее и развитию национальных стилей и жанров. Считается, что живопись зародилась в Корее не позднее IV века нашей эры и развивалась на протяжении всей долгой истории страны. Большое развитие получили портретная, пейзажная и буддийская живопись, например, изображения 12 животных восточного зодиака.
Тематика картин была разнообразной — религиозные сюжеты, люди и животные, пейзажи, портреты, цветы и птицы, бамбук, слива и другие растения.
В поздний период государства Чосон, начиная с XVIII века, получила широкое распространение так называемая народная живопись «минхва», произведения которой имели декоративную функцию. Одним из ярких примеров является обычай в первые дни Нового года по лунному календарю помещать на ворота или входную дверь новогоднюю картину «сехва» с целью защитить жилище от злых духов и привлечь в дом счастье. Чрезвычайной популярностью и особой любовью пользовался образ животного-охранителя тигра, которому корейцы поклонялись с древности. Подтверждением популярности этого образа служат живописные композиции на сюжет «Сорока и тигр». Считалось, что сорока — вестница добрых известий, а тигр своей силой отгоняет злых духов.
Отдельный раздел выставки — новогодние открытки. В основе этой экспозиции — небольшая часть замечательной коллекции японских новогодних открыток из фондов отдела изоизданий РГБ.
Открытки разнообразны по сюжетам, материалу и технике исполнения. Кроме того представлены китайские, корейские и японские открытки из частных собраний.
Мероприятия выставки
Лекция
В ходе лекции посетители узнают о восточном календаре в целом и предстоящем годе в частности, к чему стоит быть готовым, а что делать не следует, о традиционных особенностях встречи Нового года, или Праздника весны в Китае, Корее и Вьетнаме.
4 февраля в 18:00 — лекция «Традиции празднования Нового года по восточному календарю» Наталии Чесноковой, преподавателя Института классического Востока и античности Высшей школы экономики.
Мастер-классы
Художники Творческого Союза японской живописи суми-э проведут бесплатные мастер-классы по монохромной живописи тушью суми-э и искусству кусудамы (разновидность изделий, выполненных в технике оригами) для всех желающих без возрастных ограничений. Единственное условие — предварительная регистрация.
9 февраля с 14:00 до 16:00 — суми-э
14 февраля с 16:00 до 18:00 — кусудама (открыта предварительная регистрация)
15 февраля с 17:00 до 19:00 — суми-э (открыта предварительная регистрация)
Новогодние открытки на выставке. Фото: Мария Говтвань, РГБ
КАРТИНЫ СОВРЕМЕННЫХ КИТАЙСКИХ ХУДОЖНИКОВ В ЖАНРЕ «ЦВЕТЫ и ПТИЦЫ» — Искусство — 18 июня — 43188740888
«Перефразируя Евгения Евтушенко о том, что «поэт в России больше, чем поэт», можно сказать, что художник в Китае больше, чем художник. И не спроста, так как идеально выполненная картина содержит в себе несколько отдельно взятых видов искусства, а именно:
— живопись на бумаге или шелке тушью и минеральными красками;
— каллиграфически выполненную надпись, по смыслу подходящая к изображенному;
— стихи, сочиненные для данной картины;
— оттиски личной или свободного стиля печатей, гравировку которых желательно, чтобы сделал сам автор;
Художники прошлого разбирались в красках и могли сами их приготовить, сейчас от этого прошлого осталась традиция растирания брусочков туши для работы.
Кроме этого, когда картина на рисовой бумаге закончена, её необходимо наклеить на более плотную бумажную основу, чтобы в дальнейшем сделать свиток или оформить работу в багетной мастерской.
Хотелось бы отметить трепетное отношение художника к «четырем сокровищам кабинета ученого мужа» — кисть, тушь, бумага и тушечница, каждое из которых является не только отличным инструментом или материалом, но и несет эстетическую нагрузку.
Работа на рисовой бумаге требует от автора особого настроя, сосредоточенности и внимания, так как неверно нанесенный штрих невозможно исправить или затереть. Необычно для европейского понимания например то, что копирование старых мастеров является необходимым для художника, причем Ваша работа становится самостоятельным произведением, так как Вы прошли тем же самым путем, теми же линиями, такими же цветовыми вариациями. Все равно точную копию сделать невозможно – не позволят свойства бумаги.
На картинах отсутствует переход от одной природной среды к другой – например воздух-вода.
Нет линейной перспективы. Нет линии горизонта в пейзажах. Лаконичность образов порой достигает предела. Нет понятия «фон». Наоборот, есть обязательное условие оставлять часть картины вообще незаполненной – это придает недосказанность и легкость восприятия. В традиционной китайской живописи линия – основа основ. Каллиграфия была матерью живописи на Востоке.
Цвет вторичен. Он есть, но цвета не кричащие, приглушенные.
Возможность сделать полностью работу за один сеанс, в один прием весьма привлекательно, так как в следующий раз сам художник будет находиться уже в другом душевном состоянии и это не замедлит сказаться и на картине.
По традиции изображенные образы символичны, и несут дополнительную информацию, так, например, лотос у китайцев — символ чистоты; павлин — красоты и достоинства; бамбук — сдержанности, силы; журавль — бессмертия; хризантема — мудрости, и т.д.
Существуют два не противоречащих друг другу стиля в китайской живописи – так называемая «тщательная кисть», когда делается предварительный рисунок, переносится на рабочую поверхность, многослойные заливки, контуры; и второй стиль – «живопись идей» — где от художника требуется передать сущность предмета.
Здесь, как правило, отсутствуют четкие контурные линии, картины написаны непосредственно нанесением тушью «фактуры» изображаемого предмета, художник больше заботится о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей.
Часто в одной и той же работе можно увидеть смешение стилей.
Основные направления в китайской живописи это: пейзаж, жанр «цветы-птицы», портретная живопись, мифология. За последнее столетие сильное влияние оказала и европейскоеизобразительное искусство, ее новые течения.» Николай Мишуков
Художник ZouChuanAn родился в Синьхуа (провинция Хунань) в 1941 году. В настоящее время он член Китайской Ассоциации Художников, член совета провинции Хунань и президент Института живописи области Loudi.
Zou ChuanAn начал интересоваться живописью с детства. В процессе освоения традиционной теории Восточной живописи, он также стремился изучить основы творческого мастерства различных современных художников.
Его работы имеют возвышенный стиль. Картины художника выставлялись в Китае, Франции, Индии, Японии, США, Сингапуре, Тайвань и Гонконг. Его работы собраны в Национальном музее Китая . Книга художника » Techniques of Meticulous Flowers-and-Bird Paintings» является всеобъемлющим и убедительным резюме его творчества.
1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
21
22
23
24
25
Чжин Хонгджун родился в 1937 году. Его семья — потомки Императоров Кинга Динэсти (Qing Dynasty). Китайскую живопись начал изучать в Центральном Художественном Колледже Китая, обучался в Пекинском Институте Живописи.
Его картины собраны в китайском Национальном Художественном музее. Участвовал в художественных выставках в США, Сингапуре, Корее, Канаде, Таиланде и других странах.
1
2
3
4
5
6
7
8
9
10
11
12
13
14
15
16
17
18
19
20
BAO PING
1
2
CHEN JANG YU
CUNZHANG
HAO FENG
LEE Z
I CHYANG
LOU DAHUA
1
2
3
MA DER BEING
SHR HAN
YUN TAO
WEI ZAR
СЮЙ БЕЙХУН
В пору, когда еще тихо
Дремлет природа под снегом,
Вести приходят из сада,
Первые вести весны.
Там мэйхуа пробудилась:
По воскрешенным побегам –
Россыпи розовой яшмы
С солнечной стороны.
Полураскрыты, воздушны,
Нежно цветы засияли,
Нежно цветы засияли,
Тонкий, едва уловимый,
Льется вокруг аромат.
Словно красавица вышла
И без забот, без печали
Тут же, в саду, примеряет
Новый весенний наряд.
Ли Цинчжао
www.liveinternet.ru/users/meb-master/post200502323
my.mail.ru/community/artpainting/49D27B98637F63E0.html
blogs.privet.ru/user/petra_583/118850842
blogs.privet.ru/user/petra_583/118849434
Понравилась статья? Подпишитесь на канал, чтобы быть в курсе самых интересных материалов
Подписаться«Цветы и птицы» Ольги Горяевой
Горяева Ольга Робертовна
В середине 17 века в Японии сложилось уникальное художественное явление, которое вошло в историю под названием укиё-э («образы изменчивого мира»).
В центре внимания художников укиё-э было несколько тем и сюжетов: прекрасные дамы, актеры театра кабуки, легендарные самураи, пейзажные виды, представители флоры и фауны…
Цветы и птицы («катё-э») – это отдельный поджанр укиё-э, но это не просто предмет любования для японских художников, но и аллегорические символы. Растения и живые существа здесь изображаются парами – цветы, травы и деревья вместе с различными животными, насекомыми, морскими обитателями. Каждый представитель флоры и фауны имеет свое значение: сосна олицетворяет долголетие, цветы сливы — умение стойко переносить невзгоды и чистоту помыслов, пышные цветы пионов — богатство и роскошь, бамбук — непреклонность и моральную стойкость, орхидея — весну, чистоту помыслов, женскую красоту и т.д. Причем, определенному цветку соответствует конкретная птица. Феникс, павлин, петух и фазан, изображаются вместе с пионом; утка — с лотосом; ласточка — с ивой; перепела и куропатки с просом; аист вместе с сосной…
Художники, работавшие в жанре катё-э, стремились через изображение отдельных элементов природы добиться выражения столь же значительных идей, что и создатели монументальных пейзажных композиций.
Птицы, звери, насекомые и цветы, переданные с большой правдивостью на картинах японских живописцев, приближали природу к человеку, связывая его с тайнами мира тонкими поэтическими переживаниями. Нередко парные изображения растений и животных сопровождались стихами.
Перейти в галерею
Рекомендуем прочитать:
Японская гравюра : иллюстрир. энцикл. / сост. А. Савельева. — Вильнюс : UAB «Bestiary», 2012. — 240 с. : ил.
Книга посвящена одному из ярких и самобытных явлений мирового искусства — японской гравюре на дереве укие-э. Просуществовав около двух столетий, этот вид ксилографии оказал огромное влияние на французскую живопись XIX века и через нее на живопись всех европейских стран. Предлагаемое справочное издание в популярной форме рассказывает о мастерах, работавших в жанре укие-э («образы изменчивого мира»), художественных школах и династиях. Оно знакомит читателя, как с выдающимися представителями направления, так и с менее известными художниками.
Книга богато иллюстрирована, снабжена пояснительной статьей и кратким глоссарием, которые помогут читателю понять роль японского искусства в контексте мировой художественной культуры. По объему, полноте и разнообразию представленного материала она не имеет аналогов среди изданий на русском языке.
Японская гравюра / худож.-оформ. А. Киричёк. – Ростов н/Д. : Феникс, 2006. — 160 с.: ил. — (Мировое искусство).
В книге представлен обзор и высококачественные репродукции гравюр укие-э известных японских мастеров. Кратко описаны история развития жанров и теоретические принципы традиционного изобразительного искусства Японии, сформировавшегося в середине XVII века. Книга может быть использована в качестве учебного и наглядного пособия для учащихся художественных школ, училищ, средних специальных и высших учреждений профессионального образования художественного и культурно-просветительного профиля.
Стэнли-Бейкер, Д.
Искусство Японии / Стэнли-Бейкер Д.; Джоан Стэнли-Бейкер; Пер. с англ. — М. : Слово, 2002. — 240 с. — (Большая библиотека «Слова»).
Книга знакомит со своеобразной и загадочной культурой далекого островного государства с доисторических времен до наших дней. Рассказ об особом мировосприятии японцев, об их живописи, каллиграфии, декоративном искусстве и архитектуре представит интерес для всех, кто хочет познакомиться с культурой Востока — далекого и современного.
Искусство Японии, Китая и Кореи / Автор-сост. И. Новикова. – М. : Эксмо, 2013. – 384 с.: ил.
В этом издании собраны лучшие произведения искусства Востока, а именно Японии, Китая и Кореи. Книга подробно рассказывает о хронологии развития живописи в каждой из этих стран, о сходстве и различиях в их восприятии искусства, об особенностях менталитета, отличного от нашего. Каждую работу сопровождают рассказ о творческой манере автора, интересные факты, сопутствующие истории ее создания, период создания и название музея, где вы можете ее увидеть.
Мэйхолл, И. Техника японской живописи суми-ё / И. Мэйхолл ; пер. с англ. В. А. Басько. – 2-е изд. – Мн : «Попурри», 2007. – 128 с.: ил.
Суми-е — это классический художественный японский стиль. Его изящной простотой восхищается весь мир. Данная книга служит идеальным введением в суми-е и заинтересует всех любителей живописи. Техника каждого нового мазка объясняется поэтапно и сопровождается иллюстрациями. Мазки в живописи суми-е накладываются друг на друга, поэтому, освоив всего несколько из них, вы сможете рисовать прекрасные деревья, цветы и животных. Книга поможет широкому кругу читателей познакомиться, изучить и освоить старинный вид изобразительного искусства, вплетающийся в религию, фольклор, философию и этику Востока, а также оказавший влияние на взгляды и творчество многих западных художников.
Искусство Японии / авт.-сост. Н. А. Виноградова. – М. : «Изобразительное искусство», 1985.
– (Искусство стран и народов мира).
Японский народ создал неповторимые памятники, вошедшие в сокровищницу мировой художественной культуры. В искусстве Японии многогранно и полно отразились ее история, духовная жизнь, быт. Альбом знакомит с архитектурным искусством древности и средневековья. Вступительная статья, пояснения к репродукциям, словарь терминов и синхронистическая таблица помогут читателю глубже понять содержание произведений.
Китайская живопись / худож.-оформ. А. Киричёк. – Ростов н/Д. : Феникс, 2006. – 160 с.: ил. – (Мировое искусство).
В книге представлен обзор и высококачественные репродукции произведений живописи известных китайских мастеров. Кратко описаны история развития жанров и теоретические принципы традиционной китайской живописи от древности до наших дней. Книга может быть использована в качестве учебного и наглядного пособия для учащихся художественных школ, училищ, средних специальных и высших учреждений профессионального образования художественного и культурно-просветительного профиля.
Искусство Китая / авт.-сост. Н. А. Виноградова. – М. : «Изобразительное искусство», 1988. – (Искусство стран и народов мира).
Данный альбом «Искусство Китая» посвящен целостному явлению культуры, в комплексе показывает архитектуру, изобразительное и декоративно-прикладное искусство.
Учимся рисовать в китайском стиле. Все о рисовании в китайском стиле / пер. с англ. Е. В. Романычевой. – М. : АСТ: Астрель, 2011. – 143 с.: ил.
Это одновременно и энциклопедия китайского изобразительного искусства и самоучитель китайской живописи для тех, кто считает это искусство своим хобби и хочет научиться рисовать для собственного удовольствия. Множество цветных иллюстраций, рисунков и фотографий демонстрируют различные методы рисования и учат правильно пользоваться живописными средствами и материалами.
«Цветы — птицы» в живописи Китая / авт.
текста Н. Виноградова. – М. : Белый город, 2006. – 48 с. – (Эпохи. Стили. Направления).
Книга посвящена одному из древнейших жанров китайской живописи в технике «гохуа» — тушью и минеральными красками. Книга продолжает серию «Мастера живописи». В отличие от других книг серии эта посвящена не творчеству отдельного мастера или художественного объединения, но рассматривает историю и эволюцию одного из важнейших жанров китайской живописи. Именно, «цветы – птицы» ярче других жанров отражает любовь и уважение китайского народа к природе, своеобразие его мировосприятия.
| Картины с изображением цветов и птиц Цветы и птицы были излюбленными сюжетами на картинах в Древнем Китае,
вызывающий особый эстетический интерес. Как независимая школа
картины, работы с цветами и птицами возникли во времена династии Тан (618-907) и
созрел в конце периода Тан и пяти династий.
 Хуан и Сюй
представляли совершенно разные стили живописи, и люди более позднего
поколения называли их «Роскошный Хуан Цюань» и «Спокойный Сюй Си». Оба
позже художники оказали большое влияние на создание цветочно-птичьих
картины.
 Его
Картины с изображением цветов и птиц были наиболее известны своим тонким стилем и
характеристики смывки-окраски. Лотос и золотой фазан и Зима
«Закат» и «Дикая птица » были его репрезентативными работами.Сюй Вэй, живший во времена поздней династии Мин (1368–1644), был интеллектуалом. потерялся в мире политики.Поскольку вся его жизнь была наполнена разочарованием бедности, внутреннее негодование Сюй Вэя выражалось в его стихах и картины. Он преуспел в картинах с изображением цветов и птиц, используя лаконичные мазки. Сюй Простой стиль Вэя был весьма успешным и имел богатую связь, подчеркивая художественные эффекты мытья живописи. Он часто использовал стихи, которые сопровождали его картины, чтобы выразить свои внутренние чувства, тем самым совершенствуя картины. Сюй Вэй достиг больших успехов и в каллиграфии.Его стихи, почерк и картины были объединены в единое целое.
 Такие картины символизировали литераторов.
нестандартность. Хотя чашечка кантуса и бамбук входили в состав
картины с изображением цветов и птиц после династий Сун и Юань, когда количество
художников росло день ото дня, сюжеты отделялись от цветочно-птичьих
живописи, чтобы стать собственной школой.Во времена династий Сун и Юань
Вэнь Тун, Ян Уцзю, Ли Янь, Ван Мянь и другие были художниками, известными своими
рисование чашечки кантуса и бамбука. Из-за введения Stories
Ученых , Ван стал знаком каждому китайцу. На самом деле Ванга
достижения в живописи не были тем лотосом, о котором упоминалось в Истории ученых , но его чашечка кантуса и бамбук работает. «Не для похвалы красоте, а для распространения свежести: «От этих
две строчки стихотворения, мы ясно видим, почему художник выбрал кантус чашечки
как его предмет — выражать чувство.Чжэн Баньцяо отказался от чести как местный житель
чиновник, но жил за счет продажи картин в Янчжоу. Он хорошо рисовал
орхидеи, бамбук, чашечки сантуса и камни. |
Многие праздновали
в то время появились художники, представителями которых были Хуан Цюань и Сюй Си.
фигуры среди них.
И его почерк, и живопись были
уникальный стиль: «Я рисовал орхидею, бамбук и камень, чтобы утешить трудящихся
но не искать удовольствия», — сказал Чжэн, что также предполагает, что чашечка
Кантус и бамбук под его кистью заключали в себе исключительную мысль
государство.Традиционное китайское искусство птиц и цветов в современной интерпретации
На протяжении всей истории китайские картины с изображением птиц и цветов изображали птиц, отдыхающих или летающих среди цветов, листьев, ветвей, а иногда и скал и журчащей воды.Излучающие красоту и живость, эти картины отражают стремление китайцев к счастью и гармонии.
Красочная райская мухоловка, появляющаяся с персиками, символизирует долголетие. Сороки, отдыхающие на цветущих ветвях сливы, предвещают будущее счастье, удачу или удачу. Грациозная белая цапля, резвящаяся среди цветов лотоса в пруду, предвещает большие успехи в карьере.
«Я хотела проложить свой собственный путь в глуши», — сказала 61-летняя художница Ван Фу на церемонии открытия своей выставки в начале этого месяца в Jin Space Gallery в Шанхае.
Профессор Шанхайской академии искусства и дизайна десятилетиями работала над традиционными китайскими изображениями птиц и цветов, но ее цель — создать совершенно новый стиль.
Названная коллекционерами и искусствоведами «современной городской гунби картиной с птицами и цветами», ее недавние картины изобилуют искусными китайскими техниками мазка и тушью. Тем не менее, они выглядят современно и современно, в отличие от обычных китайских картин.
Птицы крошечные и реалистичные, как на традиционной китайской гунби (тонкие, точные линии).Тем не менее, цветы и листья разбросаны по рисовой бумаге, как будто парят в воздухе.
Фоны состоят из размытых квадратов и прямоугольников, абстрактных и неописуемых, со смесью белого и различных оттенков серого и черного или цветов, напоминающих как городской пейзаж, так и отражения зданий в пруду.
Включив конструктивизм с Запада, Ван разобрала неотъемлемые части традиционных китайских картин с изображением птиц и цветов и создала свой собственный уникальный стиль, эфирное царство флоры и фауны.
Предоставлено художником и Jin Space Gallery
Картина Ван Фу с птицами и цветами на выставке в Jin Space Gallery
«Я очень люблю этих милых птичек и цветов», — сказала она. «В каждой картине я хочу создать сюрреалистическое, но естественное царство, безмятежное, гармоничное, безопасное и красивое».
Искусствоведы говорят, что картины Ван отражают ее мировоззрение и стремление к миру, любви и красоте в современной жизни.
Цветы расположены в независимом, но интерактивном стиле, а птицы изображены в беззаботной, безопасной, сказочной обстановке с размытым фоном, добавляющим нотку современности и изысканности.
Чтобы запечатлеть наиболее реалистичные и яркие позы птиц, Ван однажды вырастил пару зябликов и даже стал свидетелем того, как один из них вылупился из яйца.
Через десять дней она начала кормить птенца по рецепту из книги.
У нее все еще есть зяблик, который летает по ее студии, когда она рисует. Иногда он окунает когти в краску и оставляет отпечатки когтей на бумаге.
«Мои картины взяты из реальной жизни», — сказала она. «Я живу и работаю в Шанхае на протяжении десятилетий, поэтому, естественно, я вложил свою любовь и понимание городского пейзажа в свои картины.
Помимо нескольких крупных картин, большинство ее работ небольшого размера. Их нужно внимательно осматривать, чтобы правильно увидеть птиц, предлагая посетителям интимный опыт.
Информация о выставке
Дата: до 25 сентября, с 9:30 до 18:30
Место проведения: Jin Space Gallery
Тел.: 186 1681 6519
Адрес: 2F, 1191 Nanjing Road W.
Как создать традиционную китайскую картину с изображением птиц и цветов с помощью градиентной сетки
Примечание редактора: Этот урок немного особенный.
Впервые за более чем десять лет истории Envato Tuts+ учебник, созданный не на английском языке, в данном случае на китайском, был переведен для нашей англоязычной аудитории. Мы считаем, что это один маленький шаг для Envato Tuts+, но огромный скачок для межкультурного диалога о дизайне. Автор Дао Лиан — отличный векторный художник и активен в сообществе пользователей китайского контент-партнера Envato, ZCOOL .
В сегодняшнем уроке я покажу вам, как создать пион — национальный цветок Китая — в Adobe Illustrator с помощью инструмента «Сетка градиента».
Вдохновись! Найдите больше потрясающих векторных цветов на Envato Elements.
Символизм за иллюстрацией
Китайская живопись имеет чрезвычайно долгую историю, отличительные черты и стиль, которые отличают ее от других художественных школ. В то время как старые европейские мастера особенно любили изображать вазы с фруктами и позировать модели в мельчайших деталях, китайские мастера сосредоточились на темах, которые в основном попадали в одну из трех категорий: люди ( renwu ), декорации ( shanshui — буквально «горы»).
и воды»), или «птицы и цветы» ( huaniao ).Сегодня мы займемся последним.
Вы заметите, что в этом фрагменте нет фонового цвета, и это потому, что пробелы в китайском искусстве также имеют большое значение. Ожидалось, что великие китайские художники на протяжении веков освоят принципы 虚实 ( xushi) и 藏露 ( canglu ), или «моделирование и реальность, скрытое и явное». Другими словами, что нужно рисовать сразу, а что оставить на волю воображения зрителя? Что показать, а что предложить?
Сегодня мы поговорим о пионе — национальном цветке Китая, который символизирует процветание и удачу.Это довольно распространенная тема в китайском искусстве, которую художники и литераторы часто включают в поэзию и визуальный дизайн. Вот что мы будем создавать:
Это векторизованная версия кисти, например:
Источник: Shen Zhihua Традиционная живопись обычно выполняется на шелке или пергаменте кистью, смоченной в чернилах или пигменте. Мы будем использовать векторное программное обеспечение (Adobe Illustrator CC 2015), чтобы изучить, как воссоздать этот стиль в векторном формате.
Удивительно, как одна простая команда — «Перо» — может имитировать китайскую тушью с таким превосходным эффектом.
1. Как настроить монтажную область
Откройте Adobe Illustrator и выберите File > New . В диалоговом окне Новый документ установите ширину документа на 240 мм , высоту на 280 мм , разрешение на 300 (чтобы его было легче использовать при печати) и цвет режим до CMYK . После того, как вы настроите его, как показано на рисунке ниже, нажмите OK , чтобы создать новый документ.
2.Как рисовать цветы
Шаг 1
Мы будем использовать повторяющуюся технику для создания каждого пиона: нарисуйте форму каждого лепестка с помощью инструмента «Перо» , затем нанесите цвет с помощью инструмента «Сетка» и, наконец, поместите лепесток в слои, чтобы сформировать окончательный вид.
цветок. Давайте попрактикуемся с одной из наших более простых форм лепестков. Используя Pen Tool , нарисуйте контур лепестка.
Шаг 2
Используя инструмент Mesh , постепенно добавляйте цвет лепестку, следуя шагам и образцу палитры ниже:
ТехникаMesh Tool: при добавлении сетки мы достигаем сложности за счет простоты.Иногда, когда сетка кажется сложной, это происходит только потому, что Illustrator автоматически добавляет дополнительные опорные точки при создании сетки. По моему опыту, лучший метод построения сетки — начать с одной горизонтальной и вертикальной линий сетки. Таким образом, мы закладываем хорошую основу для структурной ясности в будущем.
Добавление цвета к сетке: Смешивание цветов на сетке управляется расстоянием между каждой точкой привязки. Если вы хотите, чтобы цвета смешивались более плавно, переместите опорные точки дальше друг от друга.Если вы сдвинете точки ближе друг к другу, переход цвета произойдет быстрее.
Столкнувшись со сложной формой, многие люди задаются вопросом, не стоит ли просто использовать одну сетку для всего объекта. Это, конечно, вряд ли будет хорошо работать. Я считаю, что лучший способ продолжить — разбить ваш объект на несколько мешей — таким образом, линиями сетки будет легче управлять.
Этап 3
Цветок разделен на три слоя, благодаря чему передние и задние лепестки соединяются в логической последовательности.Первый слой — это самая внешняя группа лепестков; второй слой – центральная часть цветка, включающая бутон и тычинку; третий слой — это фоновые лепестки, окружающие остальную часть цветка.
Три уровня Мы будем рисовать тычинку (желтый кусочек в центре цветка) на следующем шаге, а пока начнем с первого слоя. С помощью инструмента «Перо» нарисуйте каждый из пяти лепестков, как показано на изображении ниже, а затем раскрасьте их с помощью инструмента «Сетка» и расположите их, как показано слева.
Когда закончите, выберите все лепестки и сгруппируйте их (Control-G) .
Шаг 4
Второй слой состоит из десяти лепестков. Используя Pen Tool , нарисуйте каждую из форм лепестков. Затем раскрасьте каждую из них с помощью инструмента Mesh Tool и расположите их, как показано на рисунке. Выделите все лепестки в слое, Сгруппируйте их (Control-G) , а затем нажмите Упорядочить > Отправить на задний план (Shift-Control-[) , чтобы переместить его за первый слой.
Уровень 2Шаг 5
Третий и последний слой состоит из пяти лепестков, самый простой из которых мы уже нарисовали на разминке. Повторите вышеописанный процесс для третьего слоя: с помощью Pen Tool нарисуйте каждую форму лепестка. Затем раскрасьте каждую из них с помощью инструмента Mesh Tool и расположите их, как показано на рисунке.
Сгруппируйте этот слой и нажмите Упорядочить > Отправить на задний план ( Shift-Control-[ ) , чтобы переместить его за первый слой.
Шаг 6
Теперь нарисуем тычинку.Центральная часть цветка разделена на фоновый цвет, с тычиночными нитями на переднем плане. Синий фоновый цвет создается с помощью инструмента Pen Tool и окрашивается с помощью инструмента Mesh Tool , как наши лепестки. Желтые нити окрашены самоопределяющейся кистью.
Сравните очертания двух цветов ниже, и вы увидите, что тычинка представляет собой контур Pen Tool от толстого к тонкому, а синий фон представляет собой заполненную сетку.
Шаг 7
Используйте инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать замкнутый контур в форме одной тычиночной нити.Откройте панель Colors и в селекторе цвета измените цвет заливки на желтый ( C=0, M=0, Y=100, K=0 ).
Шаг 8
Затем убедитесь, что выбрана желтая тычинка. Откройте панель Кисти (F5) и щелкните значок Новая кисть . Выберите Художественная кисть и подтвердите.
Значок «Новая кисть» находится внизу справа. Выберите «художественную кисть». Шаг 9
.Установите имя кисти «Цветочная тычиночная кисть», а все остальные параметры можно оставить по умолчанию.После того, как вы закончите, вы увидите, что новая кисть появится на панели Кисти .
Назовите свою кисть. Все остальные настройки можно оставить по умолчанию.Шаг 10
Чтобы создать тычинку с визуальной глубиной, нам понадобятся различные мазки нитями. Повторяя вышеописанный процесс (начиная с шага 5), создайте еще три кисти из тычинок, слегка различающихся по форме и цвету.
Цвета:
- Первая кисть: 26 раз на тычинку, цвет: C=0, M=0, Y=100, K=0 (вы уже создали эту)
- Вторая кисть: C=31, M=58, Y=95, K=0
- Третья кисть: C=12, M=11, Y=78, K=0
- Четвертая кисть: C=5, M=1, Y=52, K=0
Этап 11
Используйте инструмент Pen Tool , чтобы создать серию из примерно 40 контуров в виде слегка изогнутых линий, и примените кисти, которые вы создали на последнем шаге, к этим контурам.
Частота хода Я использовал:
- Первая кисть: 26 раз на тычинку
- Вторая кисть: 6 раз на тычинку
- Третья кисть: 6 раз на тычинку
- Четвертая кисть: 3 раза на тычинку
Этап 12
Наконец, используйте инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать формы фона, и инструмент Mesh Tool , чтобы создать цветной фон. Теперь мы закончили с этим битом.
3. Как нарисовать оставшиеся цветы
Мы будем использовать тот же метод, что и выше, чтобы нарисовать оставшиеся пионы: набросать контуры лепестков с помощью Pen Tool , раскрасить лепестки с помощью Mesh Tool , а затем расположить их слоями вокруг центральной тычинки.
Шаг 1
Этот более темный пион также состоит из трех слоев, расположенных спереди назад. Вот обзор слоев:
Первый слой содержит нижний кластер из трех лепестков, а также основную группу, состоящую из 13 лепестков.
Используя Pen Tool , нарисуйте базовые формы каждого лепестка. Используя Mesh Tool , заштрихуйте их палитрой более темных розовых тонов.
Шаг 2
Второй и третий слои имеют по пять лепестков.С помощью Pen Tool нарисуйте базовые формы каждого из них. С помощью инструмента Mesh Tool затените их, расположите, как показано, и сгруппируйте их вместе.
Этап 3
Далее мы нарисуем центральный цветок, состоящий из двух соединенных вместе пионов. Поскольку это основная часть нашей картины, эта группа цветов должна выглядеть пышной и иметь четкую глубину. Вот обзор слоя:
Палитра такая же, как мы использовали для предыдущего розового пиона.Шаг 4
Наконец, расположите цветы на монтажной области, и мы перейдем к рисованию листьев.
4. Как рисовать листья
Шаг 1
Используйте инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать контур листа.
Заполните центральную часть Обводки более темным черным цветом и Заполните самую крайнюю Обводку серым Градиентом . Обратите внимание, что средний серый имеет Непрозрачность из 80% .
Шаг 2
Выберите все пути в листе, а затем выберите Эффект > Стилизация > Растушевка и установите Радиус растушевки на 0.3 мм (0,1 дюйма) .
Этап 3
С помощью Pen Tool нарисуйте фон листа, а затем с помощью Mesh Tool примените цвет. Приклейте цвет на слой позади контура.
Шаг 4
Установите для контура листа Цветовой режим на Умножение и Непрозрачность на 90% , и все готово с листом. Эта техника создает традиционный китайский эффект мазка кистью.
Шаг 5
Используя тот же метод, нарисуйте больше листьев разных форм и размеров. Поскольку настоящие листья прорастают в разное время в течение жизненного цикла растения и поскольку листья составляют значительную часть изображения, нам нужно создать несколько видов листьев, чтобы придать нашей картине некоторую глубину; достаточно от четырех до шести типов. Вот несколько листьев, которые я создал.
Цветовые палитры, которые я использовал.Шаг 6
Разместите готовые листья на монтажной области.
5. Как нарисовать веточку синего листа
Этап 1
Голубая весна состоит из семи разных листьев, собранных в один пучок. Начнем с первого. Используя Pen Tool , нарисуйте контур листа и Залейте его синим цветом ( C=94, M=87, Y=98, K=61 ).
Шаг 2
С помощью инструмента Mesh Tool щелкните по краю листа, чтобы добавить опорные точки, и настройте цвета опорных точек.
Этап 3
С помощью инструмента Pen Tool нарисуйте остальные листья в форме ниже.
Шаг 4
Используя инструмент Mesh Tool , раскрасьте листья, как показано на рисунке.
Шаг 5
Расположите листья в виде веточки, выделите их все и сгруппируйте (Control-G) их.
6. Как рисовать ветки
Этап 1
В этой части есть три типа ответвлений: первичные ответвления, тонкие ответвления и вспомогательные ответвления. Мы начнем с основных ветвей, которые, как и листья, которые мы нарисовали в разделе 4, состоят из контура, соединенного с фоновой сеткой.
С помощью Pen Tool нарисуйте контур толстой ветки. Помните, здесь мы имитируем каллиграфические мазки, поэтому мазки должны быть немного неровными.
Шаг 2
Используя Pen Tool , нарисуйте фоновую форму ветки и залейте ее коричневым цветом.
Этап 3
Используя инструмент Mesh Tool , добавьте цвет к ветке.
Что касается добавления цвета с помощью сетки, вам не нужно придирчиво структурировать форму сетки.Ничего страшного, если опорная точка будет немного смещена — таким образом цвета смешиваются более естественно, а стиль сочетается с традиционной китайской живописью.
Шаг 4
Поместите цвет под контур и Сгруппируйте (Control-G) .
Шаг 5
В произведении пять основных ответвлений. Продолжайте рисовать остальные основные ветви, следуя описанному выше процессу. Те, что расположены сзади, должны быть светлее и ненасыщеннее.Передние должны быть темнее, с более насыщенным цветом.
Палитра для задних основных ветвей.Шаг 6
Теперь займемся более тонкими ветвями в левом верхнем углу картинки. С помощью Pen Tool нарисуйте контур ветки, Залейте средне-серым цветом и установите Opacity на 80% .
Шаг 7
Используйте инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать форму заливки, а затем сделайте цвет Fill более светлым серым, чем контур ветви.
Шаг 8
С помощью Pen Tool нарисуйте контур второй тонкой ветки, затем создайте фоновую форму и залейте ее серым цветом.
Шаг 9
Используйте инструмент Mesh Tool , чтобы заштриховать обе тонкие ветки для создания эффекта акварели. Вы будете использовать те же цвета, что и на задних толстых ветвях.
Цветовая палитра градиентной сетки для тонких веток.Шаг 10
В моей последней работе всего 11 цветочных бутонов, но, конечно, вы можете добавить столько, сколько хотите.Используйте инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать формы цветочных бутонов.
Шаг 11
Используйте инструмент Mesh Tool , чтобы заштриховать каждый бутон. Для этих бутонов вам не нужно добавлять сложные опорные точки сетки; просто добавление одного на каждый бутон в порядке. Используйте более светлый красный цвет, переходя к более темному красному фону.
Шаг 12
Расположите бутоны вдоль тонких ветвей.
Шаг 13
Расположите толстые и тонкие ветки на монтажной области.
Шаг 14
Структура все еще немного расшатана, поэтому мы добавим несколько дополнительных ветвей, чтобы заполнить ее.Мы создадим около десяти таких маленьких ветвей, чтобы заполнить несвязанные пространства между листьями. Итак, давайте сделаем первый: с помощью Pen Tool нарисуйте форму ветки.
Шаг 15
Перейдите к Эффект > Стилизация > Растушевка и установите Радиус растушевки на 0,3 мм (0,1 дюйма).
Шаг 16
На панели Transparency измените Режим наложения на Умножение .
. Шаг 17.
. Повторите описанные выше шаги, заполняя пробелы между листами.
Основная часть картины готова! Мы закончим, добавив несколько последних штрихов для контраста: бабочку и камень.
7. Как нарисовать бабочку
Шаг 1
Поскольку бабочка служит контрастом основной части картины, нам не нужно делать ее чрезмерно сложной.
С помощью Pen Tool нарисуйте контур бабочки и залейте его черным цветом.
Шаг 2
Выберите весь контур и перейдите к Эффект > Стилизация > Растушевка . Установите радиус растушевки на 0,3 мм (0,1 дюйма) . Затем в панели Transparency установите Blending Mode на Multiply .
Этап 3
С помощью Pen Tool нарисуйте форму заливки фона для тела.
Шаг 4
Используя инструмент Mesh Tool , закрасьте тело. Я использую всплески ярких цветов, переходящих в серый, для создания переливающегося эффекта.
Шаг 5
Расположите тело на слое над крыльями, но под руками и ногами.
Шаг 6
С помощью инструмента Pen Tool нарисуйте форму заливки фона для крыльев.
Шаг 7
Используя инструмент Mesh Tool , закрасьте фоновую форму крыльев и расположите их под контурами крыльев.
8. Как нарисовать камень
Шаг 1
Теперь последний штрих: камень. В картинах «Птицы и цветы» вы часто увидите этот тип скалистых горок, используемых в качестве контраста, чтобы картина казалась более полной. При рисовании камня контурные штрихи выполняются с помощью собственных кистей Illustrator, чтобы имитировать эффект каллиграфической сухой кисти. Для цвета мы будем использовать нашего старого знакомого Mesh Tool .
Давайте вместе разберемся с этой последней деталью.
Я использую три разных метода для создания разных штрихов контура скалы. Для выбранных штрихов ниже я использовал Pen Tool , чтобы нарисовать путь и применил кисть к этому пути.
С помощью Pen Tool нарисуйте три отдельных пути.
Шаг 2
Откройте панель Brushes (F5) и выберите Vector Packs > Grunge Brush Vector Pack > Grunge Brush Vector Pack 06 и примените эту кисть к контурам.
Этап 3
Для верхней и нижней обводки мы будем использовать инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать форму обводки, и инструмент Mesh Tool , чтобы добавить цвет. С помощью Pen Tool нарисуйте фигуры, как показано ниже.
Шаг 4
Используя инструмент Mesh Tool , примените темный цвет к верхней и нижней обводке.
Шаг 5
Теперь о центральных штрихах. С помощью инструмента Pen Tool нарисуйте форму пути, раскрасьте его, а затем примените эффект Feather ( Effect > Stylize > Feather > Feather Radius 0.3 мм / 0,1 дюйма )..jpg)
Шаг 6
Используйте инструмент Pen Tool , чтобы нарисовать фигуры серого фона и поместить их за штрихами.
Шаг 7
Используйте инструмент Mesh Tool , чтобы применить цвет к фоновым формам в оттенках зеленого и серого.
Хорошая работа!
Наконец, поместите камень и бабочку в композицию, и все готово!
Методы, использованные в этом уроке, — в частности, сочетание растушеванных верхних штрихов со слоями формы цвета сетки — можно использовать для воссоздания целой школы традиционного восточноазиатского искусства в векторном формате.
Хотите узнать больше о традиционных изображениях птиц и цветов? Ознакомьтесь с этими ресурсами, чтобы узнать о некоторых великих мастерах:
- У Чаншо (1844–1927): возродитель птиц и цветов
- Сюй Вэй (1521–1593): картины Ван Гога с изображением птиц и цветов и немного раннего защитника прав женщин
- Император Сун Хуйцзун (1082–1135): плохой стратег, великий художник
Давайте в последний раз взглянем на нашу законченную деталь и контуры сетки:
Векторные цветы от Envato Elements
Мало времени? Затем оформите подписку на Envato Elements и получите доступ к неограниченным высококачественным дизайнерским ресурсам.
Векторные акварельные цветы
Наслаждайтесь прекрасным качеством этих акварельных векторных цветов. Этот набор включает в себя 10 отдельных цветов с двумя прекрасными цветочными композициями. Смешивайте и сочетайте цвета, чтобы создать нужный вам стиль за меньшее время!
Искусство голубой цапли
Часто рисуется на шелке или рисовой бумаге размера Xuan, могу или живопись без костей находится между сеи и гунби, или свободным стилем и стилем тонкой линии. Акцент делается на цветах, а не на контурах чернил, которые считаются «костью» в китайской живописи кистью.
Этот урок проводится в рамках недавнего живого семинара с тремя заслуженными учениками этого онлайн-класса: Алексом, Крисом и Лишей. Их вклад бесценен, и я очень ценю их помощь в том, чтобы сделать этот урок доступным для других студентов в Интернете. (*Чтобы присоединиться к онлайн-классу Генри Ли по китайской живописи кистью, пожалуйста, нажмите здесь . )
Этот урок включает в себя две картины на шелке и несколько картин с цветами и птицами на бумаге размера Xuan.
Назначения:
1.Подробная практика бескостного стиля: Посмотрите видео, часть 2 (1-4), и попробуйте использовать контурный рисунок под куском рисовой бумаги или шелка размера сюань, чтобы нарисовать бескостный стиль. Вы можете использовать раздаточный материал № 1 в качестве справочного материала или создать свой собственный предварительный рисунок.
2. Практика свободного стиля без костей: Посмотрите видео, части 3 и 4. Используйте бумагу размера Xuan (одинарная или двойная плотность), Stonebridge Xuan (размер 80%), шелк (если у вас нет тех, которые вы можете попробовать использовать). белую бумагу для рисования или акварельную бумагу), чтобы создать рыхлый могу или рисунок без костей в стиле Ши Цяо, применяя водные/светлые чернила, чтобы течь по мокрому мазку, или белые акварели, капающие на красный цвет, чтобы создать темные водяные знаки на краю удары.
3. Практика сухого монтажа: Попробуйте творчески использовать силиконовую бумагу для сухого монтажа, которая поможет выполнить вышеуказанные задачи покраски и смонтировать готовую картину.
Все образцы копий и готовые картины, показанные на видео, включены в раздаточные материалы.
Это версия DVD. Нажмите здесь, чтобы заказать версию для загрузки.
Это введение к Уроку 18. Приятного просмотра!
Птицы в четыре сезона – Коллекция китайских картин с изображением цветов и птиц
Цветы и птицы были излюбленными сюжетами картин в древнем Китае, представляя своего рода особый эстетический интерес.Живопись цветов и птиц возникла во времена династии Тан (618-907). Эта форма искусства медленно развивалась от первоначального использования в качестве орнамента для повседневной посуды, а затем в качестве символических, метафорических и аллегорических элементов на фоне фигурной живописи. Наконец, цветы и птицы встречаются в независимых темах.
Картина цветов и птиц получила дальнейшее развитие в период пяти династий (907-960) и достигла зрелости во времена династии Сун. (960-1279).Период пяти династий был решающей эпохой формирования этого стиля как одного из трех основных направлений китайской традиционной живописи, наряду с пейзажной живописью и фигурной живописью.
Живопись с изображением цветов и птиц характерна для Китая. Цветы и птицы могут ассоциироваться практически со всеми мыслями и чувствами человека. Они могут символизировать женскую красоту, добродетель, политическую власть, предзнаменования и удачливость.Однажды установленная, эта традиция стала популярной во всех династиях. Поэтому их символическое значение становилось все более богатым и конкретным.
«Четыре джентльмена» и «Три друга зимы» — представители цветочно-птичьей живописи.
Цветы сливы, орхидеи, бамбук и хризантемы были известны как четыре джентльмена. Их общими чертами являются благородство, скромность и принципиальность. И как три друга зимы, сосна, бамбук и цветущая слива часто ассоциируются с человеком великой добродетели.За свои природные качества этим пяти растениям придается соответствующее символическое значение, и они часто появляются на картинах с изображением цветов и птиц.
Живопись цветов и птиц превратилась в две основные тенденции, а именно традицию Гун Би, где художники сосредоточились на мелких деталях, тщательном применении цвета и тщательной технике, придавая их искусству реалистичность и ощущение орнамента, в то время как другая тенденция Се И более экспрессионистский и импульсивный.
Сяо Сяо [email protected]
Об Interact China
———————————- ————————————————— ———————————————————
«Социальное предприятие в Электронная коммерция, продвигающая восточную эстетику во всем мире»
Эйлин и Норман стали соучредителями Interact China в 2004 году со специализацией на изысканных продуктах восточной эстетики, изготовленных вручную этническими меньшинствами и китайцами хань.Имея прямые партнерские отношения с ремесленниками, дизайнерами, ремесленниками и портными, а также 10-летний солидный опыт электронной коммерции через InteractChina.com, мы занимаем хорошие позиции, чтобы связать талантливых ремесленников Востока с остальным миром и предложить вам прямые поставки. отборные продукты хорошего качества и эстетического вкуса.
На данный момент мы предлагаем более 2000 товаров, включая женскую моду, ателье, товары для дома, товары для детей и детей, живопись, текстильное искусство, резьбу по дереву, племенное ювелирное искусство, настенные маски и музыкальные инструменты.
Наша команда говорит на английском, французском, немецком, испанском и итальянском языках и с энтузиазмом и сердцем обслуживает клиентов по всему миру.
———————————————— ————————————————— —————————
PS Нам нужны люди с такой же страстью, чтобы присоединиться к нашей команде блогеров!
Если у вас есть страсть писать о восточной эстетике в моде, домашнем декоре, искусстве и ремеслах, культуре, музыке, книгах и благотворительности, свяжитесь с нами по адресу bloggers@interactchina.ком, мы будем рады услышать от вас!
Дальневосточная живопись – Хуа Няо – Древний китайский стиль живописи
Хуа Няо – Концепция
Китайская живопись с изображением птиц и цветов, известная как Хуа Няо, представляет собой разновидность живописи, названной в честь тем, на которых изображены цветы, птицы, насекомые и рыбы. У художников есть свобода действий, чтобы понимать цветы как растения и включать домашних животных в свои произведения искусства.
История
Хуа Няо Живопись существовала с довольно ранних китайских эпох.Он украшал бронзовые сосуды, гончарные изделия и произведения искусства в виде фениксов на шелке в период Воюющих царств (7-4 века до н.э.). Изображенные изображения подтверждают, что древние китайские цветы и птицы были любимыми темами художников Хуа Няо. Первоначально простой и простой, этот стиль китайской живописи в конечном итоге превратился в зрелую и значительную форму искусства с помощью развитых школ, методов и хорошо зарекомендовавшей себя теоретической базы. Работы Хуа Няо стали абсолютным исследованием искусства во времена династии Тан (618–907), развиваясь до конца периода пяти династий (907–60).
Детали
В период до Тан и династии Тан эмоции, настроения, чувства и темперамент человеческих фигур были отличительными чертами живописи птиц и цветов. Герои редко смотрели друг на друга. «Цветы», которые они держали в руках, «деревья», рядом с которыми они сидели, или «птицы», летающие вокруг них, символизировали отношения, существующие между ними.
Это символическое изображение человеческих чувств стало важным поворотным моментом в истории китайского искусства. Вскоре Хуа Няо стал независимой формой изобразительного искусства в середине и конце династии Тан.
Разнообразие
– Тушь и заливка
– Тонкая кисть
– Тонкая кисть с тушью и заливка
– Тонкая кисть с насыщенным цветом
– Тонкая кисть с легким цветом
– Тонкая кисть с стилем от руки
– Свободная форма
– Великолепная свободная форма
– Легкая свободная форма
Художники
Многие известные художники появились в 618-960 гг., среди них Хуан Цюань и Сюй Си.Цюань Хуанг был придворным художником, и его картины были посвящены редким придворным цветам и птицам. Его изображения были живы и выглядели вполне роскошно и красиво. «Эскиз свитка редких птиц», изображающий множество видов птиц, был шедевром Хуанга.
Художник Сюй Си тоже принадлежал к той же династии и не был вовлечен ни в какую политику.
Сюй использовал чернила для своих работ. Густые мазки, дикие темы, ветки и листья были парой ключевых особенностей его картин.Сюй использовал небольшое количество цветов, чтобы предотвратить ухудшение чернил. «Снежный покров бамбука» — одна из уникальных работ Сюй Си.
Источник Аннет Лабедски
You Wonderful Hot-Cold Thing Люси Айвз
После ее смерти в мае 1944 года художница, поэтесса и дизайнер Флорина Штетхаймер была воспета коллегой-художницей Джорджией О’Киф. Хотя эти двое не всегда были в теплых отношениях, ни одна другая художница в Соединенных Штатах не могла сравниться со Стетхаймер по оригинальности, чувству цвета или национальной известности.Действительно, учитывая, что в Нью-Йорке или в Соединенных Штатах было так мало женщин-художников, которые сделали значительные работы в 1920-х и 30-х годах, О’Киф была как подходящим, так и, возможно, необходимым выбором. Однако если оратор был предсказуем, то речь – нет.
В отличие от многих восхвалений, склонных к глянцевой ретроспективе, замечания О’Киф были целеустремленными и острыми. Это была возможность откровенно поговорить о вещах, которые сама Штеттхаймер могла бы не высказывать так прямо. «Флорин не делал никаких уступок ни одному человеку или ситуации», — сказал О’Киф.«[Она] воплотила в видимую форму… образ жизни, который проходит и не может повториться снова, что-то, что было живым в нашем городе».
Характерно безошибочно, О’Киф заметила, что Стеттхаймер преуспела, отказавшись подчиняться условностям, будь то женщина или художник, при этом создавая себя как существо межвоенного периода, когда она была на своем творческом пике. Этот выбор не остался без последствий: после ее смерти репутация Стетхаймер изменилась.Посмертная ретроспектива в Музее современного искусства в 1946 году, которую курировал Марсель Дюшан, стала первой персональной выставкой Штеттхаймера с 1916 года и стала блокбастером. Он побывал в Мемориальном музее де Янга в Сан-Франциско, а также в Художественном клубе Чикаго и привлек десятки тысяч посетителей.
Но быстро меняющиеся вкусы и образ жизни, наряду с недавно завоеванным мировым могуществом Соединенных Штатов, создали эстетический режим, враждебный фейри Штеттхаймеру; предпочтение кружевным деталям; и сложные системы социальных, исторических и аллегорических ссылок.Доминировал абстрактный экспрессионизм: Нью-Йорк «украл» мир искусства у Парижа, а группа молодых людей, усердно живших на манхэттенских лофтах, создавала большие нерепрезентативные полотна, на которые можно было спроецировать практически все что угодно.
Стетхаймер, несколько замкнутый художник, чьи полотна искусно изображали местную жизнь и политику большого Нью-Йорка, на несколько десятилетий был потерян для институционального хранения. Ее реабилитация началась только в конце 1960-х годов, когда Энди Уорхол, которому было поручено курировать выставку в Музее школы дизайна Род-Айленда, представил картину Стетхаймера 1927 года « Букет для Этти ».В этом натюрморте невероятно тонкая ваза в форме трубы поддерживает буйное скопление того, что кажется маками, анютиными глазками, мамами, наперстянками и пионами — цветами несколько разных сезонов, цветущими вместе.
Можно себе представить, что Уорхол, который когда-то называл Штеттхаймера своим «любимым художником», обожал бы изобилие и манерные, юмористические пропорции произведения. Букет и его сосуд кажутся странно живыми, как будто они слились, чтобы сформировать ранее неизвестный вид домашнего животного, который теперь вот-вот спрыгнет со своего стола.Конечно, трудно сказать, «спас» ли Уорхол Штеттхаймера или же времена снова изменились, потребовав новых и иных образов. Еще одной важной вехой является эссе искусствоведа Линды Ночлин 1980 года «Флорина Стеттхаймер: ниспровержение рококо», опубликованное издательством Art in America . Как и более поздняя и глубоко личная кураторская работа художника Ника Мосса; и Нохлин, и Мосс помогли создать культ последователей Штеттхаймера среди своих поколений.
Но в чем именно заключается художественный вклад Штеттхаймер и как ее творчество читается сегодня? Где зрители в более длительном процессе получения мультимедийной продукции Штеттхаймера — работы, которую искусствовед Роберта Смит описала как цикл подъема-спада, который «каждые 20 лет или около того.
… . встряхивает упорядоченные иерархии модернизма»? Помимо того, что он был визуальным художником, Штеттхаймер был чрезвычайно способным автором дневников и исключительным поэтом. За свою жизнь она написала безымянных стихов, возможно, как часть своей дневниковой практики, отличающейся ловким вниманием к ритму. Возможно, даже больше, чем картины, они помогают выявить тревожные противоречия жизни, прожитой в условиях вежливого принуждения и широкого спектра интеллектуальных и эстетических дарований. Они одновременно комичны, философичны и страстны.Однако, несмотря на их оригинальные образы и острое чувство американской идиомы времен Стетхаймера, сегодня их редко читают.
Глядя на это замечательное письмо вместе с полотнами Штеттхаймер, вопрос о том, почему к ней продолжают относиться как к маргинальной фигуре, становится еще более актуальным. Барбара Блуминк, искусствовед, получившая образование в Йельском университете, предлагает некоторые ответы в книге Florine Stettheimer: A Biography (Hirmer Publishers, 2022).
Таким образом, это еще раз хорошее время, чтобы вернуться к изображениям и текстам Штеттхаймера.Однако книга Блуминк, далекая от прояснения того, что касается Штеттхаймера, — то захватывающая, то разочаровывающая, весьма оригинальная и противоречивая, как и сама художница, — увеличивает неуверенность читателя. Хотя я читал ее, ожидая разъяснения места Штеттхаймера в американском искусстве, у меня возникли новые вопросы.
***
Стетхаймер родилась в Рочестере, штат Нью-Йорк, в 1871 году. Она была дочерью богатых американских родителей-евреев, чьи семьи разбогатели на производстве одежды и галантерейных товаров и были связаны браком с некоторыми из самых влиятельных семей Манхэттена, включая Бернхеймеров. и Селигманы.В раннем примере сочетания элитного статуса и социальной неопределенности, которые определили ее жизнь, Стеттхаймер в компании своих четырех братьев и сестер пересекла Атлантику еще девочкой после того, как ее отец бросил семью. Неизвестно, пыталась ли ее мать избежать позора неудачного брака, сэкономить как мать-одиночка или и то, и другое.
В результате детство превратилось в продолжительные каникулы.
Штеттхаймер ненадолго переселилась на Восточное побережье в 1890-х годах, где она училась в Лиге студентов-гуманитариев, первой школе в Нью-Йорке, которая разрешила женщинам рисовать с обнаженных моделей.В других случаях она курсировала между Веной, Парижем и другими европейскими городами, часто в компании своих шикарных сестер Этти и Кэрри. Они посещали представления Русских балетов, внимательно относились к феноменологии Анри Бергсона и внимательно изучали каноническое континентальное искусство. С началом Великой войны в 1914 году Стетхаймеры переехали в Нью-Йорк, который стал их постоянным домом. Впоследствии Стеттхаймер только один раз покинул Соединенные Штаты, чтобы посетить Канаду.
Большая часть значительных работ Штетхаймер была создана, когда ей было от 45 до 70 лет, что свидетельствует об общих психологических и социальных проблемах, с которыми женщины сталкивались в этот период, а также о дискомфорте семьи Штетхаймер из-за художественного призвания.
Хотя мать Стетхаймер поощряла и Флорину, и Этти получать образование, необычное для женщин того времени (Этти получила докторскую степень), она, похоже, разделяла мнение, что достижения женщин из высшего общества лучше держать в тайне. Несмотря на относительно просвещенные взгляды семьи на роль женщин, Штетхаймер чувствовала давление, заставляя ценить гостеприимство и уход за домом выше других занятий, особенно своей собственной студийной практики. У нее было академическое образование в области живописи, и она создала несколько точных ранних этюдов в духе Джона Сингера Сарджента, однако она намеренно разучилась и занялась плоским стилем, который имел больше общего с американским народным искусством, персидскими миниатюрами, средневековыми европейскими гобеленами. , укиё-э и китайская пейзажная живопись.Почему она это сделала, неясно, поскольку такой выбор часто делается со стороны. Возможно, работа дизайнеров Леона Бакста, создававшего декорации и костюмы для Русского балета, и Поля Пуаре, знаменитого кутюрье, устроившего в 1911 году костюмированный вечер «Тысяча и вторая ночь» в Париже, вдохновила Штетхаймера на собственный взгляд на то, что сегодня можно рассматривать как форму стилизации, основанную на ориентализме.
Как я утверждал в Art in America по случаю ретроспективы работ Стетхаймера в 2017 году в Еврейском музее в Нью-Йорке, важно учитывать двойной интерес Стеттхаймера к аллегории и присвоению.В противном случае трудно примирить такие явно противоречивые импульсы, как ее пожизненное увлечение фигурой фавна, изображенной Вацлавом Нижинским в его знаменитой хореографии для L’Après-midi d’un faune, , и ее не менее мощное одержимость Джорджем Вашингтоном, которому она посвятила похожую на святыню комнату в своей студии в Брайант-парке и который неоднократно появляется на ее картинах. Я написал тогда, что Штеттхаймер, похоже, приняла свою национальность как своего рода декоративный стиль, борясь с вопросами, связанными с властью и ассимиляцией — и нормализацией различных видов сегрегации в Соединенных Штатах — на протяжении всей своей карьеры.Масляная живопись, доминирующая в экономическом и культурном отношении форма искусства, в руках Штеттхаймер подрывно примирилась с второстепенными стилями, даже когда она взялась за основные темы.
Однако это не просто эссе о картинах Штеттхаймера, как «сочных», по выражению Дюшана, или как вызывающих воспоминания об их времени. Штетхаймер также был писателем, и этот факт хорошо иллюстрирует биографию Блуминка. Она вдумчиво и щедро использует отрывки из пикантной поэзии Штетхаймера, а также неопубликованные дневники художника, которые в настоящее время хранятся в Йельской библиотеке Бейнеке.На протяжении всей своей жизни Штетхаймер писала стихи почти небрежно, и хотя она, кажется, никогда не предназначала их для публикации, они очень хороши. Ее стихи, в основном недатированные, никогда не печатались художницей и только позже были переписаны Этти, которая затем отредактировала « Хрустальные цветы » (1949), сборник стихов своей сестры, который она в частном порядке опубликовала в небольшом и теперь… редкий пробег.
В Йельском университете стихи организованы в папки с названиями глав, придуманными Флориной и Этти, которые дают некоторое представление о содержании и темах: «Детские стишки»; «Природа, фауна, флора»; «Американа»; «Настроения»; «Люди»; «Записки друзьям»; и «As Tho’ From a Diary.
Последнее название особенно красноречиво: представьте, что Эмили Дикинсон встречается с Лэнгстоном Хьюзом — или Дороти Паркер, Мина Лой и Лорин Нидекер вместе создают перспективный, арочный и ясный стиль. (Одним из моих любимых является двустишие: «Ты обманул меня, маленький парящий / червь». Блуминк цитирует стихотворение, чтобы проиллюстрировать, как Штеттхаймер мог воспринять неудачу в любовной связи.) Талант Штеттхаймера к яркому языку также очевиден в ряде стихов, в которых используются расширенные кулинарные метафоры для описания романтической страсти, как в этой фантастической строфе:
Ты победил меня
Я вспенил
Твоя самая сладкая, ты чуть не утопила меня в
Ты разделил меня на части
Ты бросил меня во тьму
Ты сделал меня горячей-горячей-горячей
Я рассыпался в «поцелуях»
Здесь есть что-то от застенчивой эвфемистичности популярной музыки в сочетании с отчетливой экономией словесного образа, который кажется современным, если не строго модернистским, по своему характеру.
В моем прочтении эта сцена выпечки заменяет секс и оргазм. Здесь и в других местах Штеттхаймер умело описывает раздражение плоти и духа в терминах, которые читаются как безумные — и тем самым улучшенные — коммерческие джинглы. Обманчиво простые на первый взгляд, ее стихи указывают на возможный незаконный опыт, который ее сестра Этти, кажется, вырезала ножницами из дневника Штеттхаймера после смерти художника. [1]
Хотя использование литературного произведения для раскрытия жизни, как она была прожита, часто является ненадежной стратегией, Блуминк весьма убедительна в сопоставлении стихов Штеттхаймера со своим собственным диегезисом.В иллюстрирующих чтениях стихи иногда помещаются рядом с цветными репродукциями картин Штеттхаймер, что позволяет увидеть, насколько сочинение Штеттхаймер сочетается с ее визуальными работами — как, например, амбивалентные фразы, такие как «Я злорадствую над твоими совершенствами» и «Ты чудесный горячий — холодная вещь» отражаются в той одновременно слащавой, ироничной, лукавой и серьезной манере, в которой художник рисовал.
Точно так же выдержки из журналов Штеттхаймер дают новое представление о ее мнении и амбициях.Фразы Штеттхаймера часто афористичны: «Конкурсы красоты — это Б.Л.О.Т. на что-то американское — я верю в жизнь — или в цивилизацию», — шутит она, выравнивая комментарий, который расширен в ее картине 1924 года «Конкурс красоты : памяти П.Т. Barnum , на котором изображен конкурс красоты, переосмысленный как гибридное мероприятие с участием цирка. Дневники также дают представление о бурной общественной жизни художника, включая совместную дружбу с художниками и писателями, такими как Дюшан, Шервуд Андерсон и Альфред Штиглиц, и более прохладные взаимодействия с другими, такими как Гертруда Стайн, чья слава и неизгладимый синтаксис, кажется, беспокоили. Штетхаймер.
Все становится более запутанным и менее удачным в раскрытии некоторых исторических и критических тем биографии. Блуминк утверждает, что на репутацию Стеттхаймера негативно повлияла ранняя биография Паркера Тайлера, которую адвокат семьи Стеттхаймер заказал через 15 лет после смерти художника.
Тайлер описывает Штеттхаймер как «робкую» и «сверхчувствительную», утверждая, что отсутствие коммерческого успеха ее дебютной выставки 1916 года преследовало ее всю оставшуюся жизнь, так что «она никогда (или редко) снова не выставлялась публично, кроме как перед друзьями в общественный салон.Напротив, Блуминк подчеркивает статус Стеттхаймер как убежденной феминистки и независимого мыслителя, который мало нуждался в широком одобрении. Однако, учитывая исторические записи, в которых Блуминк подробно описывает себя, Штетхаймер действительно показывалась гораздо реже, чем могла бы, если бы она была мужчиной или если бы она, например, отделилась — эмоционально, социально, физически, экономически — от своей семьи.
Известные галереи часто предлагали Штеттхаймер персональные выставки, но она неизменно отказывалась.Она также оценила свою работу запредельно дорого. Был ли это остроумный ответ на женоненавистничество или упреждающая защита? Эти действия, подробно описанные в повествовании Блуминка, не вяжутся с изображением Тайлером сжимающейся фиалки или «уединенной старой девы», но они также не предполагают уверенного или даже нейтрального отношения Стетхаймера к сцене современного искусства.
Скорее, они, кажется, указывают на талантливую женщину, которую осаждают гендерные предрассудки на публике и более или менее скрытое газлайтинг дома.Заключение о том, что она зашла в тупик, не противоречит достижениям художницы. Как могла так называемая «Новая женщина» быть в высшей степени уверенной в себе, когда симулирующее присутствие викторианского ангела в доме преследовало все ее усилия? [2]
Еще одно место, где Блуминк спотыкается, — это, тем не менее, интригующая и полезная глава о картинах Штеттхаймера 1920-х годов «Спор о ухаживании: 1919–1927». Блуминк представляет странным образом обтекаемое описание американского нативизма и подъема идеологии превосходства белой расы между войнами.Стремясь защитить Штетхаймера от предполагаемых обвинений в расизме, Блуминк опирается на исторический релятивизм. Хотя я согласен с тем, что Штеттхаймер была «необычайно прогрессивной», она по-прежнему использовала стандартные расовые образы в своих картинах и декорациях; важно смотреть откровенно на этот факт.
Хотя Блуминк рассказывает краткую историю неудач Реконструкции и отмечает Великую миграцию, она не вникает более глубоко в то, как концепция белизны была юридически и социально спроектирована в этот период.Без учета современных академических исследований евгеники, иммиграционных ограничений или юридических прецедентов, таких как дело Верховного суда США против Бхагата Сингха Тинда (1923 г.), в котором индийскому сикху, идентифицировавшему себя как арийца, было отказано в натурализованном гражданстве, это невозможно. чтобы точно оценить изображения американской идентичности Стетхаймером — или, если уж на то пошло, довольно чрезмерную одержимость художницы белым цветом в ее картинах. [3]
Тем не менее, «Спор о ухаживаниях» содержит то, что также, возможно, является основным вкладом книги в исследования Стетхаймера: Блуминк находит трудно различимую деталь девушки в платье со свастикой на обратной стороне «Конкурса красоты » Стеттхаймера (на мой взгляд).
деньги, пожалуй, самая сложная картина художника).Обнаружение этой ссылки на подъем крайне правых в Европе является значительным вкладом в любое прочтение художницы, поскольку оно указывает на ее чувство коварной природы авторитаризма, а также его связь с монолитными идеалами красоты. [4] Девушка в платье со свастикой, рыхлая розовая фигура с точками вместо черт лица, держит букет цветов, предположительно награду для победителя, который обязательно будет выбран из множества бледных типов. Как пишет Блуминк, «в Америке 1920-х годов с ее различными сегрегированными еврейскими общинами было немыслимо, чтобы еврейка, какой бы красивой она ни была, выиграла конкурс красоты.
В конце концов, стремление Блюминка обеспечить Штетхаймеру каноническое место оказывается дестабилизирующим. В этой биографии Штеттхаймеру не разрешается быть противоречивой, не всегда героической фигурой, и этот пуризм мешает тому, что в остальном представляет собой впечатляющее досье, сочетающее несколько способов исследования и взглядов.
Кроме того, беспокоит огромное количество опечаток в тексте; их так много и они широко распространены, что крайне маловероятно, чтобы файл, использованный для готовой книги, был должным образом проверен в качестве окончательных корректур. [5]
Это обескураживает по многим причинам, но больше всего из-за собственной исключительной точности и внимательности Штеттхаймера. Тогда у меня возникают вопросы: кто будет выполнять эту работу? Кто будет платить за это? Иными словами, работа по выяснению связей между личным письмом, литературным письмом, визуальным производством и более крупными социальными и национальными историями, а затем вдумчивая публикация этих утверждений и наблюдений — работа, которая остается тревожно незавершенной в Florine. Штеттхаймер: биография .Мне все это очень грустно, пока я не просматриваю одно из неугомонных стихотворений Штеттхаймера:
.ТЫ УСТОЙЧИВЫЙ ДОЖДЬ
В поисках
Обязательные
понятное дело
Неотличимые
Неизбежность
Увлажнители земли
Великие производители грязи
Мы солнечные лучи
Мы превращаем дождь
В алмазную бахрому
Черные облака
В розовый тюль
И воробьи
В райских птиц
[1] Хотя Этти Стетхаймер, кажется, подвергла цензуре дневники своей сестры, содержащие все откровенно романтическое содержание, а также другие материалы, которые Этти считала скандальными, она все же собрала довольно чувственные стихи Флорины для публикации в томе 1949 года под названием Хрустальные цветы .
В 2010 году эта коллекция была расширена и переиздана под тем же названием редакторами Ирен Гаммель и Сюзанной Зелазо, двумя учеными, которые много сделали для привлечения серьезного внимания к «мультимодальному модернизму» Штетхаймера.
[2] Я имею в виду серию стихов Ковентри Патмор, воспевающих «ангела в доме», впервые опубликованных в Англии в 1854 году, популярных в Соединенных Штатах в конце 19-го века и впоследствии высмеянных Вирджинией Вулф, написавшей об этом рисунок: «Она ежедневно приносила жертвы.Если была курица, она брала ногу; если был сквозняк, она сидела в нем».
[3] Подробнее об этой истории и ее связи с американским декоративно-прикладным искусством см. в моем эссе «Наследственные силы», опубликованном в Lapham’s Quarterly в феврале 2017 г.
[4] Блуминк отмечает, что христианская националистическая партия Germanenorden действовала в Германии еще в 1912 году, когда Штеттхаймер еще жил в Европе. К 1920 году Гитлер и его союзники использовали свастику в качестве фирменного символа.
[5] Я не являюсь профессиональным копирайтером или фактчекером, но, прочитав текст книги дважды, я заметил в среднем две-три опечатки на странице. Проверка фактов, конечно, сложнее; однако небольшие ошибки, такие как неправильная дата выставки работ Штеттхаймера в Еврейском музее (Блуминк ссылается на 2018 год, хотя на самом деле она состоялась в 2017 году), позволяют предположить, что текст не привлек такого внимания. Чтобы было ясно, обычно авторы не несут ответственности за редактирование собственного письма; это роль издателя.
.