Дополнительная общеразвивающая общеобразовательная программа в области изобразительное искусство «Графика»
Муниципальное бюджетное учреждение дополнительного образования «Детская художественная школа» (МБУДО «ДХШ»)
Дополнительная общеразвивающая общеобразовательная программа в области изобразительное искусство «Графика»
Автор — составитель Гирич А.В.
Автор Гирич Анна Владимировна — преподаватель ДХШ г.Железногорска, член Союза художников России, член Красноярской школы ксилографии Германа Паштова. Член Союза художников России Родилась в г.Красноярске 13 июня 1977г.
1987-1992г. Закончила ДХШ имени Сурикова №1 Красноярск.
1992г. Красноярское художественное училище им.Сурикова , педагогическое- живописное отделе- ние.1993- 1998г. Красноярское художественное училище им.Сурикова , театрально- декорацион- ное отделение. Диплом по пьесе Бернарда Шоу «Цезарь и Клеопатра».
2000-2006г. Красноярский государственный художественный институт, академическое отделение графики. Закончила по специальности художник- график (искусство книги) мастерскую профес- сора Г.С. Паштова. Диплом на тему «Рассказы. Алана Эдгара По» (16 обрезных ксилографий).
Является с 1998г. участником городских, региональных, краевых, всероссийских, международных, зарубежных выставок.
Содержание
Пояснительная записка
Оснавная цель. Задачи учебного процесса.
Основные средства художественной выразительности.
Содержание учебного предмета.
Практические занятия по предмету графика. 6 Вступительный урок
Эскиз композикионного натюрморта.
Декоративная композиция «Стилизация сказочного персонажа» в технике графика. 9«Натюрморт» в технике графики. (Линогравюра, ксилография)
«Ex Libris» или «Из книг»
Станковая композиция «Город».
12 Иллюстрации книги.
13 Практические задания в работах учеников.
ПОЯСНИТЕЛЬНАЯ ЗАПИСКА
Характеристика учебного предмета, его место и роль в образовательном процессе.
Графика – один из видов изобразительного искусства, в котором изображение делается в виде рисун- ка, нанесённого на какую –либо плоскость в форме линии пятна или фактуры. Слово графика прои- зошло от греческого grapho, что означает –«пишу, рисую». Рисунок выполняется карандашом, углём, тушью или краской одного цвета.
Рисунок является основой создания образа в других видах искусства – живописи, скульптуре, архи- тектуре.
В зависимости от назначения графика делиться на несколько видов: станковую, книжную, плакатную и прикладную.
К станковой графике относятся рисунки, имеющие самостоятельное значение, где художник сам вы- бирает тему, материалы и способы выполнения.
В рисунках для иллюстрирования литературных произведений художник должен создавать графиче- ский образ, соответствующий образу, созданному писателем.
Художник лишь обогащает этот образ деталями, изображением окружающей обстановки, о которых могло даже не упоминаться.
К прикладной или производственной графике относятся рисунки оформительского характера: эти- кетки, грамоты и т.п.
Гравюра- печатное воспроизведение рисунка, выполненного различными способами гравирования на доске. Есть три вида печатной графики: высокая печать, глубокая печать, плоская печать.
К высокой печати относятся линогравюра, ксилография и гравюра на картоне. К глубокой печати относятся все виды офорта.
К плоской печати относится литография, монотипия.
Программа «Графика» расщитана натрадиционногое художественне воспитание. Даёт твёрдую плат- форму будущему профессионалу, любителю искусства, формирует цельную творческую личность.
Развивает мышление, память, воображение, концентрацию внимания и закрепляет основы компози- ции.
Специфика изучение разных видов эстампа – линогравюры, ксилографии, гравюры на картоне и искусство оформления книги, экслибрис, буквица.
Вот эта особенность заставляет учеников искать средства выражения и мыслить внутри художественной формы. Сам материал, сами техники откры- вают новые возможности и заставляют действовать в рамках этих возможностей. Книжная иллю- страция требует, хорошего знания материала о том времени , о котором говориться в книге. Кроме того, специфика работы на бумаге, в книге или станковом листе отличается способами решения пространства и разными формальными приёмами.
Оснавная цель.
Программа «Графика» предусматривает практическую подготовку учеников.
В процессе практических занятий осуществляется развитие эстетического вкуса и художественных способностей, овладение изобразительными умениями и навыками в работе с графическими мате- риалами. В результате ученики должны приобрести умение самостоятельно и творчески использо- вать знания и навыки в дальнейшем обучении.
Из всего многообразия изобразительных графических средств по каждому виду отобраны в опреде- лённой системе основные, которые дают возможность грамотно изображать предметы и раскрывать свои темы в работах более выразительными способами.
В систему положены два принципа: учёт специфики данного вида искусства и постепенность услож- нения приёмов изображения.
Большое внимание на занятиях должно быть уделено овладению каждым учеником изобразительны- ми приёмами по графическим видам и развитию умений самостоятельно использовать эти навыки.
Практическое ознакомление подкрепляется из теории изобразительного искусства и различного наглядного материала: произведений искусства, примерных образцов выполнения работы и работ учеников.
Полученные умения ученики закрепляют в самостоятельной работе при выполнении сбора материа- ла и кратковременных упражнениях.
В течении года все работы проверяются и оцениваются преподавателем, на основании этого в конце года и по итогам просмотра ставиться оценка.
Задачи учебного процесса:
Познокомить с историей развития графического искусства.
Усвоить профессиональные понятия
3.Научить применять контрасты, в графической композиции
Дать понятие силуэт, линия, пятно, фактура.
Научить качественно работать с эскизами, форэскизами, последовательно, профессионально вести работу.
Научить техние печатной графики.
Воспитывать активное отношение к трудовой, исследовательской деятельности, интерес к искус- ству, понимание традиций реалистической школы.
Основные средства художественной выразительности.
Линия в рисунке – основное изобразительное средство. Линия может иметь значение как самостоя- тельное, так и совокупность нескольких линий, дающая изображение данного предмета.
Линия однородная и не меняющаяся по своей толщине в процессе всего изображения передаёт форму предмета, прорисовывает детали. Может работать как более выразительное средство в каче- стве штриха, который на одном и том же рисунке может быть тоньше, толлще, короче, длиннее, быть менее разряжённым или плотнее ложиться друг к другу.
Силуэт — наиболее выразительная форма предмета, общая обрисовка его контура.
В условно- пло- скостном рисунке предмет изображается в двух измерениях, без передачи объёма светотеневыми средствами. При таком типе изображения важно выбрать точку зрения, с которой лучше выделяется характерная форма предмета.
Фактура-состоит из линий, точек, множества пятен, различных штриховок и т.п. Являеться частью фона или предмета.
Практические занятия по предмету графика.
Занятие 1. Вступительный урок.
Познакомить учеников с техникой печатной художественной графики. Познакомить с историей раз- ных печатных техник.
Цель. Привить интерес к гравюре, к экспериментам над рисунком, фактурам, исследованию воспри- ятия натуры.
Материаллы и оборудование. Иллюстрации работ художников, и работ учеников.
Занятие 2. Техника безопасности и практичекое задание.
Цель. 2. Научить технике безопасности с инструментами и при печати на станке. 3.Материаллы и оборудование. Инструменты для гравюры, концелярский нож маленький, линолиум.
Практическое задание. Пробное упражнение приучает к правильному пользованию инструментами. Первое чему должен научиться ученик- дисциплина штриха. Задача- загравировать небольшую до- щечку разными фактурами: линия прямая, волнистая, спираль, точка, тон, растяжка от светлого к чёрному. Белые места вынимаються. Это задание воспитывает аккуратность и точность в работе.
Занятие 3. Эскиз композикионного натюрморта.
Цель. Научить построению графической композиции.
Материаллы и оборудование. Гуашь чёрная, белая. Тушь. Уголь. Гелевая ручка. Бумага. Практическое задание. Упражнение делаеться 2-3я ахроматическими цветами. В эскизе решаються массы чёрного, белого и серого. Их распределение по листу в количественном соотношении пятен. Выявить пропорции, светлое на тёмном и наоборот, организовать в листе компоновку форм и масс,
найти пластическое решение форэскиза.
Занятие 4. Декоративная композиция «Стилизация сказочного персонажа» в технике графика.
Цель. Познакомить с гравюрой на картоне.
Материаллы и оборудование. Картон, ткань, клей, концелярский нож маленький. Бумага , тушь для эскиза.
Практическое задание. Выполнить устойчивую композицию в прямоугольном формате по собствен- ному замыслу, используя абстракцию, стилизацию природных элементов. Подчинить второсте- пенные элементы главным, применить в работе ритм тона, формы, фактур. Перенести рисунок на картон, с учётом тональности наклеить силуэты фигур и ткани. Напечатать на офортном станке.
Занятие 5. «Натюрморт» в технике графики. (Линогравюра)
Цель. Познакомить с гравюрой на линолеуме.
Материаллы и оборудование. Инструменты для гравюры, концелярский нож маленький, линолиум. Практическое задание. 1. Эскиз тушью несложного натюрморта (Ваза, книги, драпировки, фрукты). 1/8 листа. Учить детей передавать материальность и пространство в натюрморте. 2.Передать в ри- сунке характерную форму плодов и предметов, составляющих натюрморт с учетом их освещенно- сти и пространственного положения за счёт разных фактур.
3.Развивать умение передавать большие тональные отношения, взаимодействие крупных масс. Развивать умение использовать графические средства для выразительности. 4. Перевести рисунок в зеркальном отображении на линолиум через кальку. Задача — решить графический этюд, композиция которого построена на контрасте чёрного и белого. Сначала гравируються белые места, затем серые.
На линолеуме можно применять чёрные и белае линии, чёрное и белое пятно, разнообразные точки и штрихи. Таким образом, можно разнообразить графические приёмы, выбирая наиболее подходящие для выбранной темы.
Печать работ на офортном станке.
Занятие 6. «Натюрморт» в технике графики. (Ксилография) 1-Гравюра на дереве.
Цель. Познакомить техникой обрезной ксилографии.
Материаллы и оборудование. Инструменты для гравюры, концелярский нож маленький, отшлифо- ванная доска.
Практическое задание. 1. Эскиз тушью натюрморта. 1/8 листа. Учить детей передавать материаль- ность и пространство в натюрморте.
2.Передать в рисунке характерную форму предметов, состав- ляющих натюрморт с учетом их освещенности и пространственного положения за счёт разных фак- тур. 3.Развивать умение передавать большие тональные отношения, взаимодействие крупных масс. Развивать умение использовать графические средства для выразительности. 4. Перевести рисунок в зеркальном отображении на доску через кальку. Задача — решить графический этюд, композиция которого построена на контрасте чёрного и белого. Сначала гравируються белые места методом под- резания линии под углом, затем серые. В ксилографии хорошо работает фактура дерева.
Печать работ на офортном станке.
Занятие 7. «Ex Libris» или «Из книг».
Цель. «Ex Libris» 1. Изучение обобщения знака и иллюстрации . Воспитывать трудолюбие и бе- режное отношение к работе.
Материаллы и оборудование.
Практическое задание. 1. Эскиз 1/8 листа, тушь. 2. Стилизация образа, и выражение характера. 3.Эмблема и символ графического произведения.
Темы от героических до шуточных, при этом изо- бражение в концентрированной символической форме рассказывает о круге интересов и вкусов вла- дельца. Перевод в материал.
Занятие 8. Станковая композиция «Город».
Цель. 1. Познакомить учащихся со способами выражения движения в станковой композиции.
Материаллы и оборудование. ¼ листа, тушь, образцы работ, инструменты для гравюры, концеляр- ский нож маленький, линолиум.
Практическое задание. 1. Эскиз 1/8 листа, тушь. Познакомить учащихся со способами выражения движения в станковой композиции. Можно использовать зарисовки из пленэра 2. Выполнить ком- позицию, выбрав сюжет с передачей динамики из окружающей жизни, основанный на собственных наблюдениях. 3.Развивать умение применять в композиции закон равновесия и организации плоско- сти. 4. Создать образ города, используя приемы стилизации и графические зарисовки.
5. Перевести рисунок в зеркальном отображении на линолиум через кальку. Приступить к грави- рованию, важно обдумывать каждую линию.
При сомнении лучше оставит больше чёрного. После предворительной печати пожно поправить оттиск белилами и продолжить гравировать до оконча- тельного желаемого результата.
Печать работ на офортном станке.
Занятие 7. Иллюстрации книги.
Цель. Для книги нужно уметь сделать обложку,2-5 иллюстраций, буквицу и заставку на заданную тему.
Материаллы и оборудование. Эскиз ¼ листа,, тушь, образцы работ, ¼ листа, тушь, илл-ции картин художников по теме. Линогравюра, картонография или ксилография по выбору.
Практическое задание. 1.Книжная иллюстрация требует, хорошего знания материала о том времени, о котором говориться в книге. Сделать сбор материалла (зарисовки костюмов, местности, архитек- туры и т.п.)
Добиваться от учащихся ясного выражения идеи в композиции и содержания литературного произведения.
Передать характер изображаемых лиц, обстановку и место действия.
Развивать умение применять законы композиции для большей выразительности.
Воспитывать интерес к литературным произведениям и прилежность в работе.
Перевести рисунок в зеркальном отображении на линолиум через кальку. Приступить к грави- рованию, важно обдумывать каждую линию. При сомнении лучше оставит больше чёрного. После предворительной печати пожно поправить оттиск белилами и продолжить гравировать до оконча- тельного желаемого результата.
Печать работ на офортном станке.
Практические задания в работах учеников.
Занятие 2. Техника безопасности и практичекое задание.
Упражнение — загравировать небольшую дощечку разными фактурами: линия прямая, волнистая, спираль, точка, тон, растяжка от светлого к чёрному.
Занятие 3. Эскиз композикионного натюрморта.
В эскизе решаються массы чёрного, белого и серого.
Форэскизы
Эскизы
Занятие 5. «Натюрморт» в технике графики. (Линогравюра)
Натюрморт.
Линогравюра.
Занятие 4. Декоративная композиция «Стилизация сказочного персонажа» в технике графика.
Занятие 7. «Ex Libris» или «Из книг».
Занятие 8. Станковая композиция «Город».
Зарисовка на пленэре Линогравюра
Станковая композиция .
Занятие 7. Иллюстрации книг
Шахматная стилизация натюрморта. Мастер-класс с фото. Нереальная реальность Натюрморт черно белый рисунок
Черно-белый натюрморт можно нарисовать различными способами. Он может выглядеть как стандартный карандашный эскиз, так и как интересная иллюстрация из пятен или букв. Сегодня мы расскажем о разных техниках, которые можно с легкостью повторить дома.
Рисунок пятнами
Черно-белый натюрморт чаще всего делают декоративным. Почему? Да потому что он так выигрышней смотрится. Реалистичное изображение, лишенное цвета, может смотреться уместно, если это портрет, иллюстрация или что-то подобное, многодетальное.
Реалистичный натюрморт рассматривать не очень интересно. Поэтому многие художники и отдают предпочтение работам декоративным. Натюрморт черно-белый рисуется очень просто. Сначала нужно выстроить композицию. Можно рисовать с натуры, что будет проще, или же придумать постановку в воображении. В нашем случае на столе стоит кувшин и миска с яблоками. На стене висят лук и драпировка. Когда всему этому найдено подходящее место на листе, и детали проработаны, можно переходить к разделению предметов на части. Причем делать это нужно не в хаотичном порядке, а четко продумывая, чтобы белые части соседствовали с черными и ни один из предметов не потерялся.
Линейный рисунок
Натюрморт черно-белый можно нарисовать в различных техниках. Одна из них — изображение рисунка с помощью линий. Чтобы нарисовать такую картинку, нужно взять предметы, которые имеют четко выраженную фактуру. Если это будет не так, то рельеф придется придумывать. Начать рисовать черно-белый натюрморт нужно с построения композиции.
Сначала намечаем все предметы. В нашем случае это кружка с цветами, яблоки и деревянный стол. После того как все предметы заняли свое место, начинаем прорабатывать форму, а затем детали. Финальное действие — это изображение фактуры. Кружка приобретает горизонтальные полосы, цветы и яблоки — светотеневую границу. Обязательно нужно показать фактуру стола. Желательно в натюрморте совмещать горизонтальные и вертикальные линии, чтобы предметы не сливались, а выгодно выделялись на фоне друг друга.
Рисунок из букв
Это изображение будет выглядеть как черно-белая графика. Натюрморт состоит из букв, которые плавно переходят в слова и даже в предложения. Как нарисовать такую оригинальную декоративную композицию? Сначала следует изобразить набросок. Наметить чашку и газету, которая будет лежать на заднем плане. После этого нужно разделить рисунок по тонам. Например, кофе в кружке должно быть самым насыщенным по тону, второе место занимает падающая тень, а третье — собственная.
Таким образом, можно разделить весь эскиз линиями. После этого, если вы уверены в своих силах, можно закрашивать рисунок гелевой ручкой, а если переживаете, что что-то не получится, сначала сделайте подмалевок букв карандашом. Правда, в этом случае обводить буквы придется тушью. Гелевая ручка плохо рисует по карандашу. Накладывать буквы следует по форме предметов. И обязательно нужно играть с высотой и шириной. Одно слово может быть очень узким, а другое в два-три раза больше. Можно шифровать в такой картине какие-нибудь фразы, а можно писать произвольные слова.
Фотографии натюрмортов, как известно, встречаются довольно часто. Зачастую многие фотографы любят преподносить свои натюрморты в черно-белом варианте. Для этого необходимо найти объекты, сравнить повседневные объекты в своем окружении, а также усилить разницу в фактурах и тонах. Преобразование в черно-белый вариант дает много возможностей при просмотре самой фотографии.
Черно-белый натюрморт позволяет сосредоточиться на линиях фотографии, фактурах и формах.
В данном случае на этих элементах сосредоточиться гораздо легче, так как не нужно отвлекаться на цвета. Хорошее использование данного приема позволит не только получить более объективное изображение с точки зрения ее целостности, но и усилить напряжение между различными объектами и материалами. Такие комбинации можно найти везде, например, в парке, на берегу и т.д. Можно осуществлять фотосъемку любых объектов. Кроме того можно фотографировать объекты парами, либо в большем количестве. Необходимо отметить, что не рекомендуется применять одни и те же методы преобразование фотографии в черно-белый вариант.
Для создания черно-белого натюрморта необходимо обладать:
Как и любой другой жанр фотографии, натюрморт невозможен без композиции. Более того, натюрморт — именно тот жанр, где композиция играет первостепенную роль и требует самого пристального внимания со стороны фотографа.
Ведь репортажному кадру можно многое простить, если автор поймал действительно удачный момент. А домашние снимки — вы замечали, как умиляются мамочки, увидев на фотографии, пусть и бездарной, свое чадо? Вряд ли мы дождемся такого же снисхождения от зрителей, сфотографировав апельсинку с бутылочкой. Чтобы был положительный эффект, придется постараться. И начинать, конечно же, следует с композиции задуманного кадра.
Условно говоря, композиция в натюрморте — это гармоничное сочетание и взаимодействие объектов в кадре. Посредством композиции можно последовательно показать зрителю все, что вы хотели, создать настроение, передать идею и даже рассказать историю.
Композицию в натюрморте условно можно разделить на несколько типов:
- геометрическая
- пространственная
- цветовая
Геометрическая композиция
Не секрет, что все объекты имеют геометрическую (или приближенную к геометрической) форму. Также не секрет, что человеку свойственно ассоциировать каждую фигуру с чем-то, характерным именно для нее.
Так, например, углы подсознательно ассоциируются с указателями. Когда долго смотришь на квадрат или прямоугольник, возникает ощущение стабильности (может быть, потому что наше подсознание дорисовывает устойчивое здание). А круг создает чувство уюта и успокаивает. Стоит помнить и о том, что горизонтальные линии (лежащий человек) гораздо спокойнее вертикальных (человек стоящий). Что же касается диагоналей, то восходящие линии — ведущие из левого нижнего угла в правый верхний — выглядят напряженнее нисходящих: читаем мы все-таки слева направо, и нашему взгляду приходится «вскарабкиваться» по картинке, чтобы добраться до самого верха. Но в этом скрыто и определенное чувство победы, не так ли?! Нисходящие же линии, идущие из левого верхнего угла к правому нижнему, наоборот, традиционно ассоциируются с расслабленностью, грустью или даже упадком.
Все эти маленькие хитрости можно и нужно использовать в своих целях — в целях передачи концепта, идеи снимка.
Выделение пространством
Если есть необходимость выделить некий предмет в натюрморте, отведя ему роль главного героя, здесь можно сыграть и на пространственной композиции. Например, поставить главный объект на передний план, впереди всех остальных. Или настроить свет так, чтобы ведущий элемент был освещен ярче всех, а те объекты, которые оказались за и перед ним, были освещены слабее. А можно сделать хитрее — зажечь палочку благовоний или выпустить сигаретный дым, нарисовав таким образом в кадре воздушную перспективу: основное внимание будет акцентировано на передних объектах, поскольку дальние утонут в романтической дымке.
Также сыграть можно и на технических аспектах работы фотокамеры: если хочется детально показать каждый предмет, включая задник или драпировки, то съемка должна проводиться при закрытой диафрагме. Но если важно выделить какой-то один предмет, то диафрагму нужно раскрыть максимально. Не стоит игнорировать и возможности оптики: на кадрах, сделанных с помощью широкоугольных объективов, предметы сильно искажены, и чем ближе к камере объект, тем более крупным он будет казаться по отношению к отдаленным.
И наоборот, большие фокусные расстояния «собирают» перспективу, пространство делается гораздо более плоским.
Цветовая композиция
Если фотосъемка ведется в ч/б, нам не пригодятся знания о свойствах цветового воздействия. Но в случае, если фоторабота запланирована в цвете — не стоит игнорировать эту сферу исследований. Обратив свой взгляд к психологии цвета, мы увидим, что каждый из цветов имеет, помимо своей оригинальной окраски, собственную смысловую нагрузку. Теплые цвета (оранжевый, желтый, красный, терракотовый) напоминают нам о лете, солнце, тепле. Это первая ассоциация, возникающая при взгляде на фотографию, решенную в этих тонах. Кроме этого, из курса живописи можно узнать, что такие предметы кажутся визуально ближе. Чего не скажешь о холодных цветах: синем, зеленом, розовом, фиолетовом — эти цвета немного отдаляют объект от зрителя, а ассоциируются как правило с зимой, холодом, водой.
Важно помнить и о контрасте, иногда на нем можно сыграть, но часто непродуманные цветовые сочетания отталкивают или искажают смысл всей постановки.
Если вы решите фотографировать огурец на оранжевом фоне, подумайте, не будет ли фон перетягивать внимание на себя? И действительно ли этого вы хотели добиться? Также нужно помнить о том, что любой предмет обладает способностью отражения или поглощения цветовых оттенков предметов, находящихся рядом, и даже два одинаковых по цвету предмета на одном фоне могут выглядеть по-разному именно из-за различия их фактур.
Влияние на зрителя оказывает и насыщенность цвета: композиции в мягких пастельных тонах будут создавать ощущение покоя и ностальгии, а яркие, кричащие краски, наоборот, годятся для привлечения внимания, передачи экспрессии, напористости. Именно поэтому яркие цвета так любимы рекламными фотографами, в то время как арт-фотография нередко тяготеет к приглушенному, спокойному тону.
Конечно же, любая композиция целиком должна подчиняться общему колориту, закону внутри картины — иначе она будет разваливаться. Именно поэтому следует быть осторожным с цветовыми контрастами, они могут оказать серьезное влияние — как сделать работу интереснее, так и разрушить ее, расставив ненужные акценты.
Черное и белое
Несмотря на отсутствие цвета, в черно-белом натюрморте царствуют свои законы, и контраст тут также играет немаловажную роль. Сам же цвет в этом случае сменяется тоном — другая игра, но в ней тоже есть правила!
Наверняка вы замечали, что полные женщины очень редко ходят в белом. Дело в том, что белый цвет кажется объемнее черного. На черно-белом снимке глаз в первую очередь схватывает самые светлые пятна и только потом перебирается к темным. На этом эффекте построено множество визуальных картинок-обманок: если посмотреть на лист в ровную черно-белую полоску, непременно будет казаться, что белые полосы шире. Нужно всегда принимать во внимание это правило при постановке композиции, а также учитывать, что ярко-белый предмет, будет он на переднем или заднем плане, обязательно покажется в этой композиции главным, и взгляд будет падать в первую очередь на него.
Контрасты
Как уже говорилось, контрасты играют особую роль. Существуя в рамках одной композиции в изображении, они могут как выделять предметы, так и, наоборот, скрывать их.
Произведение, построенное на еле заметных колебаниях света и тени без акцентирующих внимание зрителя пятен, кажется однообразным, монотонным, невыразительным. Резкие же контрасты создают напряжение, динамику.
Правило третей
Конечно же, в разговоре о композиции нельзя не упомянуть и правило третей. Проведя в уме через кадр четыре линии — две, делящие его на три равные части по горизонтали, и две, проведенные по вертикали, — можно вычислить наиболее эффективные зоны кадра: они находятся в точках пересечения четырех линий друг с другом. В этих зонах лучше всего размещать главный объект композиции.
В действительности правило третей — это упрощенное правило золотого сечения, получить которое будет несколько сложнее. Для этого кадр нужно разбить на восемь частей по горизонтали и вертикали. А затем провести справа и слева, а также снизу и сверху, линии на расстоянии 3/8. На пересечении этих линий и будут находиться точки золотого сечения. Но разбиение на три части гораздо удобнее, чем на восемь частей, поэтому оно используется в композиции чаще: разница зрителю не столь заметна, а гармония в кадре при соблюдении любого из этих правил — очевидна.
Ритм
Ритм, то есть повторение одинаковых или похожих линий — очень мощный композиционный инструмент, позволяющий манипулировать взглядом зрителя. По «дорожке» из чередующихся объектов можно увести очень далеко. Но не стоит переигрывать — ритм может и убить всю композицию, лишив ее динамики и сделав монотонной.
Внутренние связи
При создании постановки для фотосъемки необходимо следить, чтобы между предметами в кадре обязательно была связь. Предметы могут быть связаны по форме (яйцо и луковица), по цвету (помидор и красный перец), по смыслу (яблоко и палочки корицы). Предметы должны обязательно сообщаться, увлекать зрителя, переводящего взгляд с одного предмета в натюрморте на другой. Такой подход придает целостность композиции, делает ее интересной, понятной и одновременно загадочной — вовсе не обязательно раскрывать все внутренние связи сразу, самое интересное можно спрятать внутри композиции или ненадолго скрыть от зрителя, например, светом.
О композиции можно говорить бесконечно долго, но главное, на чем строится натюрморт (как, впрочем, и фотография в любом другом жанре) — это идея, сюжет и душа снимка. А композиция — такой же инструмент в руках фотографа, как и сам фотоаппарат. Помните о том, что вы хотите донести до зрителя! И используйте все имеющиеся композиционные приемы в своих целях.
Декоративный натюрморт в художественном училище студенты выполняют по следующей методике:
1. Компоновка предметов в листе.
2. Трансформация (стилизация формы).
3. Наложение или заплетение силуэтов между собой.
4. Заполнение силуэтов текстурой и декоративным решением.
Как известно, натюрморт — это постановка из неодушевлённых предметов. В станковой живописи натюрморты пишут традиционно: лепят объём предметов, передают светотень, линейную и воздушную перспективу, пространство… В декоративном же натюрморте это становится неважным. Форма изображаемых предметов становится плоской и условной.
Светотень отсутствует. Вместо неё каждый силуэт прорабатывается декоративно.
На трансформации формы нужно остановиться отдельно. Её суть заключается в преобразовании изначальной формы предмета в условную. Т. е. рисунок упрощается, лишается ненужных деталей. Форма приводится к условно-геометрической, т. е. основывается на простых геометрических фигурах (круг, прямоугольник, треугольник…). Например, кувшин можно составить из круга и цилиндра, а сверху и с низу завершить окружностями или эллипсами. Таким образом, остаётся лишь характер предмета. Он должен быть узнаваем. А контуры уже будут трансформированы и приведены к общему стилю.
Наложение или заплетение силуэтов — это прием в декоративном искусстве и дизайнерском деле. Наложение силуэтов друг на друга понятно по определению — это когда предметы заслоняют друг друга и изображение становится как бы многослойным. А вот заплетение сложнее. Например, когда часть кувшина загораживается яблоком, то пересекающиеся части кувшина и яблока могут быть отображены художником совершенно другим цветом.
Предметы становятся как бы «прозрачными» и их пересекающиеся части видны зрителю. Силуэты предметов переплетаются настолько замысловатым образом, что в итоге, их порой бывает трудно различить. И это придает декоративной работе особую привлекательность.
Заполнение контуров предметов текстурой — не представляет особой сложности. Можно делать набрызг краски, можно укладывать краску хаотичными мазками и т. д. Но заполнить силуэт декоративным решением сложнее. Художник придумывает некий «орнамент», хотя это слово здесь не совсем подходит. Этим «орнаментом» он заполняет силуэт. Создается же этот «орнамент» на основе образующей линии. Образующая линия — это линия, которая образует контур предмета. Например, контур греческой амфоры будет грациозно изогнутым. Поэтому и внутреннее декорирование силуэта будет основано на изогнутых подобным образом линиях. Отдельные части такого декорирования предметов, также как и сами предметы могут быть заплетены. Также, между ними можно пропустить буквальный орнамент.
Поэтому, такое декорирование — это не просто заполнение силуэтов только текстурой или открашиванием. Это более сложный процесс. Но и более эффектный, на котором основана суть декоративного натюрморта.
Шахматная стилизация натюрморта. Мастер-класс с фото
Елена Алексеевна Надеенская, учитель изобразительного искусства МОУ «Арсеньевская СОШ», п.Арсеньево, Тульская область.Описание : материал будет интересен учителям изобразительного искусства, воспитателям, педагогам дополнительного образования, творческим детям 10-12 лет.
Назначение : использование на уроках изобразительного искусства, работа может служить украшением интерьера, отличным подарком или выставочным экспонатом.
Цель: выполнение натюрморта с использованием членения изображения на части (клетки)
Задачи:
-знакомить с разнообразием техник декоративного изображения натюрморта;
— развить чувство композиции, воображения, развить творческие способности;
— совершенствовать навыки работы гуашью; упражнение в умении работать с кистью различного размера в соответствии с поставленной задачей,
— воспитывать интерес к основам изобразительной грамоты.
-воспитать аккуратность, любвь к изобразительному творчеству.
Материалы:
-гуашь черная (можно использовать тушь)
-кисти №2, №5
-карандаш
-линейка
-ластик
-лист А3
Натюрморт — это жанр изобразительного искусства, посвященный изображению предметов быта, фруктов, овощей, цветов и т.д.
Как самостоятельный жанр, натюрморт получил свое развитие в 17 в. в творчестве голландских художников. И в настоящее время жанр довольно широко используется современными художниками и дизайнерами. Наряду с реалистичным изображением очень часто можно встретиться с понятием «декоративный натюрморт».
Для декоративного натюрморта характерно условное, упрощенное изображение форм, стилизация.
Очень большое внимание уделяется цветовому решению, колориту –цветовому сочетанию, используемому в композиции. Частым является использование контрастных цветов. Самым гармоничным контрастным сочетанием является соотношение черного и белого цвета.
Это сочетание активно используется в графике, одежде, интерьере и т.д.Нашу сегодняшнюю композицию натюрморта мы попробуем выполнить используя сочетание черного и белого цвета, но к цвету, мы добавим еще и понятие членения плоскости на части – клетки. Вспомним расположение цветовых клеток-полей на шахматной доске, обратим внимание, что одноименные по цвету поля никогда не объединяются общей стороной, они касаются друг друга только в одной точке. Эту особенность мы и попробуем использовать в работе над композицией натюрморта.
Ход работы
1. Продумав композицию, выбираем расположение листа. Намечаем местоположение предметов. Если в данной технике вы работаете впервые — старайтесь не усложнять композицию наложением формы одного предмета на другую.
2. Намечаем конструкцию предметов ломаными линиями. Так как натюрморт будет декоративным — не нужно стремиться к передаче объема, достаточно будет плоскостного построения.
3. Уточняем контуры формы предметов.
Более плавными линиями обводим контуры вазы, чашки, прорисовываем стебли цветов, фрукты. Удаляем линии построения. 4. Намечаем падающие тени. Разделяем плоскость листа на одинаковые по величине клетки с помощью линейки. Оптимальной величиной клетки для альбомного листа (А4) – 3 см, если лист большего размера (А3), то можно увеличить длину стороны клетки до 5 см. Если опыта в подобном изображении натюрморта нет — старайтесь не усложнять задачу уменьшая величину клеток.
5. Начинаем закрашивание клеток гуашью черного цвета. Краску стараемся брать густую, чтобы слой краски был достаточно плотным и однородным. Если в пределы клетки попадает форма предметов, то ее оставляем не окрашенной. Начинать вести работу лучше с крайних клеток, постепенно продвигаясь в середину композиции.
6. Переходим к закрашиванию клеток в середине композиции, не заходя за контуры предметов.
7. После завершения окрашивания фона, начинаем проработку цветом частей предметов, которые попали на белые клетки.
8. Продолжая работать над окрашиванием отдельных элементов подходим к завершению работы. Уточняем линии формы предметов, исправляем неточности и неаккуратные контуры клеток.
Работа готова.
Спасибо за внимание! Желаю всем творческих успехов!
три выставки откроются в Воронежском музее имени Крамского
В Воронежском музее имени Крамского активно готовятся к открытию сразу нескольких выставок. Одна из них посвящена арт-географии Воронежа и области; другая, под названием «Fish-аrt», осмысливает образ рыбы в искусстве. Подробности — у наших корреспондентов.
«Вы рыбов продаете? — Нет, просто показываем. — Красивое». А если серьезно, то ещё задолго до появления этой популярной интернет-шутки в Воронежском музее имени Крамского запланировали выставку, посвященную рыбной тематике. Инициатором и куратором выставки стал сотрудник Владислав Макаров. Идея возникла по аналогии с тематическими выставками, которые проводятся в разных музеях мира.
На самом деле символика образа рыбы многогранна и занимает особое место в истории развития натюрморта.
Владислав Макаров, старший научный сотрудник Воронежского художественного музея имени Крамского:
— Рыбы — это христанский символ, и в частности для советских художников. Когда напрямую невозможно было не то что пропагандировать, а даже касаться христианской символики или вообще христианской тематики, они таким образом всё-таки эту тему развивали. Рыбы — как существо, причастное к мировому океану, из которого произошёл весь видимый мир. В разных мифах варианты различные, но тем не менее… Конечно, символ многозначный, я уже не говорю про исследования психоанализа.
Конечно, не все художники разбирали символику настолько глубоко, но в музее имени Крамского постарались выстроить временную линию и проследить эволюцию образа рыбы от XVII столетия к ХХ веку. Венчает его экологический плакат 1980-х годов Бориса Янина. Наиболее значимые работы в экспозиции — натюрморт XVII века Александра Адрианссена и знаменитая работа «Рыбы Каспия» Василия Яковлева.
Он известен не только как реставратор в Эрмитаже, но и главный художник ВДНХ в 1930-е годы. Ему удалось, казалось бы, совместить несовместимые вещи: традиции фламандских и голландских мастеров XVI-XVII веков со сталинским классицизмом, символизирующим изобилие в максимальной форме природных богатств советской страны. Это стилизация с подчёркиванием масштаба, потому что зачастую на картинах голландских мастеров план берётся более дальний.
Если экспозиция «Fish-аrt» полностью готова к встрече со зрителем, то на первом этаже вовсю кипит монтаж другой — под названием «Арт-география Воронежской области и города Воронежа». При отборе работ выставком, в первую очередь, смотрел на раскрытие темы и мастерство живописца. Далее работы расставляли по залу, чтобы подобрать наилучшее сочетание.
Валерий Семёнов, художник-график, член Союза художников России:
— Колорит играет роль, но дело в том, что если тематика не подходит, то работы как бы мешают друг другу. Поэтому мы стараемся, чтобы они в гармонии были.
Обычно смотрим, чтобы действительно раскрывалась тема, самое основное, и чтобы в экспозиции всё было уравновешено и смотрелось для зрителя добротно.
В выставке принимают участие художники из Воронежа, Бутурлиновки, Острогожска, Россоши, Лисок и Нововоронежа. Экспозиция объединяет несколько тем: архитектуру, природу, историю и известных личностей Воронежской области. Так что посетители смогут не только вспомнить исторические события и красоты родного края, но и увидеть особый взгляд художника на хрестоматийные сюжеты.
Владимир Шуляпин, куратор выставки «Арт-география Воронежской области и города Воронежа», ведущий советник Воронежской областной Думы:
— Новый взгляд на те места, которые мы проходим, не замечая, на сегодняшний момент. А художник по-своему взглянул, с другой стороны, на ту же церковь, на какую-то улочку Воронежа. Или свое село отобразил. Проект призывает к тому, чтобы люди обратили внимание на уходящую старину, культуру, на то, что у нас осталось, на достопримечательности, памятники, культурные объекты, которые сохранились у нас в Воронежской области.
Выставка стала частью всероссийского историко-краеведческого проекта «Арт-география России», который проходит в 85 регионах страны. Воронежская область — одна из первых. Кстати, юные поклонники искусства на обе выставки смогут попасть по «Пушкинской карте»: действует единый билет. А следом за этими экспозициями откроется ещё одна, с интригующим названием «0,8», посвящённая юбилею Василия Кандинского.
натюрмортов Анри Матисса
«Египетский занавес» — прекрасный пример натюрморта Матисса в период расцвета его сил. Это работа, цвет которой излучает солнечный свет. Матисс понимал, что чем больше вы уменьшаете и упрощаете рисунок изображения, тем больше вы можете увеличить выразительную силу его цвета. Он извлекал из сцены несколько ключевых цветов и использовал их, чтобы усилить наше восприятие предмета. Матисс также понял, что упрощение его рисунка и расплывчатость его кисти добавляют радости и жизненной силы работе.
Хотя «Египетский занавес» представляет собой упрощенный и стилизованный фовистский образ, он все же является точным отражением нашего взгляда на вещи.
Если вы стоите в комнате в солнечный день и смотрите через окно на что-то снаружи, ваши глаза привыкают к яркости солнечного света. Затем, когда вы поворачиваетесь, чтобы посмотреть на что-то внутри комнаты, вы частично ослепляете, пока ваши глаза приспосабливаются к изменению освещения. Сопоставляя залитые солнцем предметы в «Египетском занавесе» с его темным интерьером, Матисс использует то же оптическое явление, чтобы максимально увеличить яркость своего цвета.Пальма снаружи взрывается солнечными лучами на фоне черной оконной рамы, а живость ее мазков подчеркивает энергию ее света. Эта красочная драма продолжается внутри комнаты благодаря контрасту вазы с фруктами и занавески с темным интерьером.
Тон и цвет картины, элементы, традиционно используемые художниками для описания формы и глубины, упрощены и сглажены, чтобы усилить их выразительную силу. Чтобы уравновесить эту абстракцию, Матисс возвращается к традиционным методам, чтобы определить организацию пространства в картине.
Иллюзия глубины передается формой стола, эллипсом на вазе с фруктами и намеком на стену слева от окна, все углы которой примерно соответствуют правилам перспективного рисунка.
Глубина определяется масштабом и положением объектов по отношению друг к другу. Занавес, который является самым большим объектом и украшен самыми смелыми формами, заполняет передний план картины. Он перекрывает и стол, и окно, указывая на то, что это ближайший к зрителю объект.Положение окна как самого высокого объекта на картине предполагает, что оно находится на заднем плане, а впоследствии ваза с фруктами и стол занимают среднее место. Тон и цвет картины, возможно, были сглажены для выразительного эффекта, но ее формы расположены в иерархическом порядке, чтобы обеспечить пространственное прочтение произведения.
Натюрморты Поля Сезанна
Стиль Сезанна
Итак, какое место в истории искусства занимает Поль Сезанн? Сезанн считается величайшим мастером движения постимпрессионистов , которое выросло из стиля и методов французского импрессионизма и отвергло их.
Импрессионисты считали, что искусство может уловить ощущение восприятия, заморозив время в одном мгновении. Эта идея и сама природа оптики интересовали и Сезанна, экспериментировавшего с импрессионизмом. Однако он постепенно отошел от этого стиля. Размытая абстракция не была тем восприятием, которое он хотел исследовать.
Сезанн разработал свой собственный стиль, который называют архитектурным или скульптурным. Это означает, что Сезанн был чрезвычайно аналитичен в своих картинах, сознательно и методично применяя каждый отдельный мазок так, чтобы каждый из них влиял на структурную целостность общего изображения.
В то же время Сезанна не интересовало запечатление в живописи зримой сущности природы, как это делали импрессионисты. Он хотел запечатлеть природу такой, какой ее понимали люди. На практике это означало, что Сезанн начал отрываться от реальности, абстрагировать свои картины и обращать внимание на присутствие холста. Как он это сделал? Во-первых, он начал уменьшать объекты до их простейших форм (кубов, сфер, призм и т.
д.). В то же время он начал разбивать цвета из сложных градиентов на их простейшие формы, располагая их рядом друг с другом, а не смешивая вместе.Наконец, он отказался от классической перспективы, позволив ей основываться больше на отношениях между объектами, чем на одной точке. В целом это создавало впечатление, что он рассматривает объект сразу с нескольких сторон.
То, что делал Сезанн, подготовило почву для кубистов, фовистов и авангардных течений в искусстве, которые охватят следующие несколько десятилетий.Он был одним из самых влиятельных художников всех времен, и его характерный стиль отразился в десятках натюрмортов, созданных с 1870-х по 1890-е годы. Опять же, важно помнить, что натюрморты не пользовались большим уважением в то время, но стиль Сезанна бросал вызов самому смыслу искусства, придавая новый смысл этому выбору жанра.
Известные картины
Именно через эти натюрморты Сезанн определил свои методы и стиль, так что давайте познакомимся с некоторыми из них.
Мы начнем с более раннего натюрморта, Блюдо с яблоками , завершенного примерно в 1877 году. В этой картине (на которой изображено блюдо с яблоками) мы видим много отличительных черт зарождающегося стиля Сезанна. Яблоки менее очерчены по форме, но вместо этого в значительной степени сведены к простым формам; сферы, состоящие из цветовых шкал. Картина подчеркивает мазки живописца, создавая фактуру, привлекающую внимание к самому полотну, напоминая зрителю, что это не блюдо из яблок.Это картина блюда с яблоками.
Теперь давайте немного перенесемся в 1880-е годы. Натюрморт с вишней и персиками (1885-87) показывает такое же разбиение предметов на основные геометрические формы и цветовые гаммы, но здесь что-то другое. То ли стол был кривым, то ли Сезанн экспериментировал с перспективой. Чаша с вишнями и чаша с персиками выглядят так, будто на них смотрят под разными углами, что, по сути, так и есть.
По мере того, как Сезанн посвятил себя изучению человеческого восприятия как того, как мы понимаем природу, а не только то, как мы ее видим, он еще больше отошел от правил классической точки зрения.
Наконец, мы добрались до одной из поздних работ Сезанна, «Корзина яблок» (ок. 1895 г.). Это самая абстрактная картина из трех, которые мы рассмотрели. Сезанн еще больше упростил яблоки, превратив их из сфер в круги. Текстура и мазки стали толще, а цвета разделены более отчетливо.Стоит также отметить, как много внимания Сезанн уделяет линиям этой картины. Яблоки четко очерчены, а скатерть сложена, как бумага. Это было то, что мы видим на протяжении всей карьеры Сезанна, отражающее одержимость французов 19-го века японской гравюрой на дереве и эстетикой. Здесь он служит для того, чтобы еще больше отличить сцену и холст от чистой природы. Картина Сезанна — это не исследование яблок, а исследование человеческого восприятия и природы искусства. Это был его зрелый стиль, и для натюрморта он, безусловно, произвел настоящий фурор.
Краткий обзор урока
Поль Сезанн (1839-1906) был французским постимпрессионистом художником, особенно известным своими натюрмортами. В этих картинах он освоил свой скульптурно-архитектурный метод толстых мазков, упрощенных форм, разбивки цвета и ломаной перспективы. Стиль Сезанна заложил основы кубизма, фовизма и других авангардных художественных движений 20-го века.Мы можем назвать эти сцены натюрмортами, но они активно перекраивали западное искусство.
Наблюдать — значит учиться: от натюрморта к поиску своего стиля | Ди Ужди
Стенограммы 1. Введение. Практика делает совершенным. Они говорят, что если вы проводите достаточное количество часов, если вы появляетесь каждый день, если вы последовательны, ваши навыки должны улучшаться. Но на самом деле это не совсем так. Не поймите меня неправильно, все это хорошо и важно, но есть одна часть, которой не хватает, а без нее вы можете напрасно заниматься часами, месяцами или годами, и, конечно же, я говорю о наблюдении.
.По сути, практика достигает совершенства, когда вы знаете, как наблюдать и совершенствоваться. Кстати, я Нина, хотя все знают меня как Ди Ужди. Я художник, иллюстратор и модельер. В этом классе я хочу показать вам один очень полезный метод обучения, который поможет вам улучшить вашу повседневную творческую практику. Независимо от того, что вас конкретно интересует, когда речь идет об изобразительном искусстве, будь то иллюстрация, живопись, дизайн узоров или что-то еще, этот класс создан таким образом, что вы можете изменить его форму в соответствии со своими предпочтениями.Это учебное приключение будет разделено на три основные главы. Прежде всего, я хочу показать вам настоящие основы наблюдения за предметами, которые вы рисуете. Мы будем работать над натюрмортом и научимся измерять и рисовать то, что видим. В следующей главе мы узнаем, что нас вдохновляет, что на нас влияет, и углубимся в поиск и понимание собственного художественного стиля. Кроме того, мы увидим, как мы можем учиться и совершенствоваться, наблюдая за произведениями искусства, которые нам нравятся больше всего.
В конце мы возьмем то, что узнали, и сделаем натюрмортную иллюстрацию, но на этот раз в своем собственном стиле.Этот класс абсолютно удобен для новичков, но в то же время подходит для всех уровней. Поэтому независимо от того, на каком уровне вы находитесь, всегда полезно освежить эти навыки и открыть для себя что-то новое. Кроме того, как только вы поймете, как работает наблюдение во время обучения, вы увидите, что вы абсолютно самодостаточны, когда дело доходит до преодоления препятствий, и как легко добиться прогресса в своем собственном темпе и стиле. Кстати, для этого класса вы можете использовать любой носитель, с которым вам нравится работать, будь то традиционный или цифровой, это ваш выбор.Если все это звучит весело, то давайте начнем. 2. Проект: проект для этого класса будет разделен на три разные части, как и сам класс. Первая часть проекта будет заключаться в наброске натюрморта. Вы можете сделать это, составив собственную композицию натюрморта, или вы также можете использовать мои фотографии натюрморта.
Я добавлю их в раздел ресурсов проекта и предоставлю различные варианты от простых до более сложных, чтобы вы могли выбрать тот, который подходит вам лучше всего.Вторая часть проекта — поиск вдохновения и понимание того, что нам в нем нравится и чему мы можем у него научиться. В то же время мы узнаем больше о себе и своем собственном художественном стиле. Как вы увидите, мы будем искать вдохновение в более подлинных местах, которые верны нам, например, наши собственные книжные полки, и третья часть проекта в основном берет все, что мы узнали, и создает натюрморт, иллюстрацию, рисунок или картину. , но на этот раз в нашем собственном стиле. Вы можете закончить этот проект за один день, три дня или больше.Это не имеет значения. Все, что имеет значение, — это копнуть глубже и наблюдать. Когда вы закончите, нажмите кнопку «Создать проект». Добавьте все три части вашего пути наблюдения и расскажите нам что-нибудь о своем процессе и о том, что вы узнали. Вы не только вдохновите всех нас, но вы также будете горды и вдохновлены, увидев свою собственную коллекцию работ, и вы увидите удивительный прогресс в одном месте и помните, самое ценное — это прогресс, а не совершенство.
Я не могу дождаться, чтобы увидеть, что вы сделаете. Приступаем к наблюдению.3. Почему наблюдаю?: Я не закончил Академию художеств. Я пошел изучать языки и литературу, но я изучил основы искусства, учась в средней школе искусств и графического дизайна, и самым важным навыком, который я приобрел, было наблюдение. Этот навык не только помог мне продвинуться в моей карьере в изобразительное искусство, но и другие сферы моей деятельности, такие как написание книги. Возьмите это в качестве примера. Если вы читаете книги только потому, что вам нравится история, и вы взволнованы тем, что произойдет или чем она закончится, но вы не обращаете внимания на то, что писатель намеренно делает, чтобы все что случилось.То есть вы читаете книги для удовольствия, для того, чтобы узнать больше об эпохе, чтобы вдохновиться, чтобы растрогаться, но вы не наблюдаете их суть, и это нормально. Если вы не начинающий писатель, зачем вам беспокоиться обо всех этих деталях? Но на случай, если вы прочитали много книг таким образом, не заметили, а теперь хотите написать свою книгу.
Как бы вы это сделали? Как бы вы начали? Как бы вы представили персонажей? Это сложно, как бы вы отвлекли своих умных читателей, а затем удивили их? Вы в основном не имеете ни малейшего представления, потому что вы не обращали внимания, читая работы других людей, вы не наблюдали.То же самое происходит и с изобразительным искусством. Чем больше вы будете смотреть в нужные места, чем больше вы будете наблюдать, чем больше вы переосмыслите то, что видите, тем лучше вы станете делать то, что делаете. По сути, при создании искусства наш процесс в основном заключается в творческом подходе к решению проблем. Возможно, это звучит как математика, но это правда, что мы решаем проблемы визуализации наших идей. Если вы новичок и не имеете опыта, вы можете пойти на занятия и попросить своих наставников предложить решения, и как только это будет сделано, вы будете выглядеть так, как будто вы сами с новыми идеями и новыми проблемами.К счастью, на самом деле это не так, потому что многие люди до вас и вокруг вас решают одни и те же проблемы.
Просто нужно знать, где искать ответы. Научиться наблюдать — это самый устойчивый навык, который вам нужно развивать как художнику. Но наблюдение начинается не с того, что сделали другие художники. Все начинается с вас и мира вокруг вас. Если вы последуете примеру написания книги, первый шаг к тому, чтобы стать писателем, — это жить и ощущать мир и его отношения. Чтобы стать хорошим художником, сначала нужно научиться наблюдать формы и формы.Поймите их отношение друг к другу и воплотите все, что видите, в рисунок. Именно с этого мы и начнем. Берите бумагу и ручку, увидимся в следующем видео. 4. Натюрморт — Рисуй то, что видишь: Как видите, я собрал некоторые предметы, которые нашел дома, и сделал разнообразный выбор. Я подбираю их разных размеров и интересной формы. Теперь, когда у меня есть стол, полный всяких домашних сокровищ, я могу начать играть с ними и составлять композиции, которые мы будем рисовать.Создание композиции натюрморта так же увлекательно, как и ее рисование. Потому что на самом деле кажется, что вы создаете мир физического искусства, просто собирая эти объекты вместе и помещая их относительно друг друга.
На этом этапе вы можете составить свою натюрмортную композицию из предметов, которые есть у вас дома, или можете использовать мою. Я создаю несколько разных аранжировок натюрмортов, разной сложности от простых до более сложных. Я сфотографирую их для вас, и вы найдете их в разделе ресурсов третьего класса, где вы сможете скачать их и использовать для рисования натюрморта.Конечно, выберите тот, который подходит вам лучше всего. Если вы новичок, выбирайте самые простые, а если вы опытный, то начинайте с более сложных. При этом я настоятельно рекомендую вам создать свою собственную композицию натюрморта. Потому что это будет совершенно другой опыт — сидеть перед ним, наблюдать за ним на расстоянии, измерять его, а затем создавать окончательный рисунок. Натюрморт, который я буду рисовать для этого урока, будет простым, потому что я хочу охватить все важные основы.Теперь, когда я организовал композицию, с которой буду работать, я могу настроить рисунок. Так как у меня нет мольберта, я могу использовать только два стула.
Один для того, чтобы сидеть, а другой для того, чтобы держать мою чертежную доску. Мне понадобится ластик, линейка и простая палочка для измерения. Я объясню больше об этом позже. Кстати, в этой доске нет ничего необычного, это просто кусок дерева, который будет удерживать мою бумагу в верхнем положении. Основная причина всей этой настройки заключается в том, чтобы иметь возможность создать более точный рисунок, иметь лучшую точку обзора, а также иметь возможность правильно измерять, когда моя рука находится в прямом положении.Кроме того, в качестве дополнения я буду использовать фотографию этой композиции, сделанную с того же ракурса. Это будет моим руководством на первых этапах рисования, потому что оно поможет мне лучше визуализировать, где разместить объекты на бумаге. Я нарисовал сетку на своей фотографии, разделив ее пополам по горизонтали и вертикали, а затем еще раз разделив эти четыре части пополам. Теперь я собираюсь сделать то же самое на бумаге. Совсем не обязательно все это делать, использовать фотографию и сетку.
Но если вы новичок, это может очень помочь вам на этих первых этапах, когда вы не уверены, как и с чего начать с совершенно чистого листа бумаги. Хорошо, мы все можем начать наблюдать, измерять и рисовать. 5. Натюрморт — осмотр и измерение. Прежде чем начать что-либо рисовать, лучше всего уделить несколько минут наблюдению за композицией натюрморта. Наблюдайте его в целом и наблюдайте объекты один за другим. Там может быть много всего, но на данном этапе лучше визуально упростить то, что вы видите.Давайте понаблюдаем за этими объектами, выделим некоторые основные характеристики и попробуем преобразовать их в простые геометрические формы. Например, мы можем видеть яблоко как эллипс или круг. Эта ваза очень проста, она состоит из двух прямых линий, расположенных под определенным углом, а ее верх немного шире и закруглен. Из всех этих объектов этот горшок рисовать сложнее всего. У него есть разные точки ширины, которые нам нужно измерить: верхняя, нижняя и самая широкая точка. У него закругленная ручка под углом, а также слегка закругленное верхнее отверстие.
Мне действительно нужно быть деликатным, рисуя это, не преувеличивая. Только знайте, для начала я упрощу эти объекты в уме, как я показываю вам в этом примере. Я также наблюдаю, как они расположены по отношению друг к другу. Кажется, что яблоко и горшок стоят на одной нижней линии, а ваза чуть дальше от них, и я также слежу за их высотой. Кстати, на этом уроке мы рисуем только штриховой рисунок этого натюрморта, поэтому я сосредоточусь и буду фокусироваться на формах, а теперь на материале этих объектов, текстурах или оттенках.Прежде чем начать все измерять и правильно рисовать, я начну с наброска от руки. Я просто набросаю эту композицию, глядя на натюрморт передо мной, а также глядя на фотографию с сеткой. Возможно, вам захочется сразу приступить к рисованию, но поверьте мне, этот первоначальный набросок от руки, как бы он ни получился, очень полезен для начала. Некоторые из причин заключаются в том, чтобы тренировать свой глаз, чтобы наблюдать и лучше чувствовать пространство на бумаге, а также видеть, где и как вы можете расположить все.
Другая причина также заключается в том, чтобы быть более расслабленным, начиная эту задачу рисования. Суть не в том, чтобы взять карандаш, начать рисовать и довести его до совершенства. Смысл в том, чтобы его искать. Вот почему мы начинаем с очень свободного поиска форм, или более известного как очень свободный набросок, и оттуда, шаг за шагом, мы будем определять их все больше и больше. Как видите, я не вдаюсь в детали, я просто делаю очень грубый набросок упрощенных объектов и сосредотачиваюсь на их размещении и общем виде.Причина, по которой фотография с сеткой сейчас является отличным ориентиром, заключается в том, что она визуально помогает мне наблюдать, где находятся эти объекты и где я могу разместить их на бумаге. Эскиз закончен, у меня есть база, начальная точка, и теперь я могу приступить к измерениям. Когда дело доходит до измерения, я буду использовать обычную палочку для еды. Также для этого можно использовать карандаш. Палочки для еды мне больше подходят, потому что они немного тоньше и на них нет отметин, и я позаботился о том, чтобы найти прямую.
В любом случае, это традиционный метод измерения, который использовался на протяжении всей истории искусства.Что мы собираемся сделать, так это измерить путем сравнения, поэтому я выберу яблоко в качестве основного объекта, или давайте назовем его эталонным объектом, потому что оно не слишком большое и не слишком маленькое, и я могу сравнивать с ним все остальное. . Я буду держать руки прямо перед собой, а также держать палочку для еды в прямом верхнем положении, и я могу провести пальцем, чтобы определить ширину яблока. Пока я держу пальцем на палочке ширину, я могу определить высоту яблока, ширину всей композиции, высоту горшка и вообще все остальное, что я вижу, чтобы я мог рисовать этот состав точно.Теперь, когда я определил, что ширина яблока является моим эталоном измерения, я могу отметить его на бумаге, чтобы создать отправную точку. Я просто отмечу это еще раз немного ниже, чтобы вам было легче видеть, и я также разделю его на трети, чтобы вы могли показать, как я измеряю. Вы можете думать об этом как о создании вашей линейки.
Давайте посмотрим, как мы можем начать строить все остальное, только используя эту меру, так что давайте измерим еще раз. Я вижу, что ширина яблока более или менее равна высоте яблока.Если бы вы спросили меня до того, как я это измерил, я бы не догадался. Вот почему эта практика так важна. Следующее, что я хочу определить, это ширина всей композиции, и я вижу, что в общей сложности это три яблока и около двух третей яблока. Обратите внимание, что, поскольку мы измеряем на расстоянии с помощью измерительной линейки, это не будет абсолютно точно, как если бы мы делали это с помощью линейки на фотографии, и это совершенно нормально, потому что мы наблюдаем и рисуем, а не делаем. идеальная реплика.Теперь я могу отметить все это на бумаге. Прежде всего, я измерю ширину, которую я создал, и, поскольку высота яблока такая же, я могу просто поставить палочку для еды вертикально и сделать отметки, и эта маленькая линейка, которую я сделал, входит в путь, так что я просто быстро двигаться вниз. Теперь я таким же образом отмечу ширину композиции, используя палочку для еды и придерживая мерку ширины яблока, которая у меня есть на бумаге.
Теперь я могу просто измерить еще два яблока и две трети яблока, отметить это, и все.Теперь у меня есть полная мера всей ширины этого натюрморта. Следующее, что я собираюсь измерить, это самая широкая точка горшка и высота горшка. Как видите, нижняя позиция уже определена, поскольку она совпадает с позицией яблока, поэтому ширина меньше двух яблок, а высота больше двух яблок. Опять же, я собираюсь отметить это на бумаге. Я также нарисую вертикальную линию в центре горшка, чтобы потом правильно разместить нижнюю и верхнюю части.Теперь давайте измерим верхнюю и нижнюю части, и, как вы видите, нижняя часть чуть больше верхней. Я отмечу верхнюю часть и соединим ее с самыми широкими точками, а затем я могу просто провести две вертикальные линии. Теперь я могу отметить нижнюю часть, которая немного больше, и все соединить, и вот у нас есть измеренный горшок. Единственное, что осталось, это ручка, и вот как я ее измеряю. Я посмотрю на общую ширину и высоту, отмечу это на бумаге и сделаю свободный набросок.
Теперь измерим высоту вазы. Это немного сложно, потому что мы еще не определили, где находится нижняя часть, но я могу измерить высоту вазы с другой начальной точкой, которая уже определена, и это верхняя часть горшка, и теперь у нас есть Общая высота. Это отличный пример, потому что, измеряя композицию натюрморта, мы не просто фокусируемся на объектах по отдельности, но сравниваем их и наблюдаем за ними вместе. Теперь я могу продолжить измерение всей высоты вазы и ширины верхней крышки.Я просто отмечу все это, и ваза будет почти готова. Как видите, мне не хватает боков и нижней части. Поскольку я не могу видеть этот объект полностью, потому что одна его часть скрыта, я не уверен в измерении нижней части, поэтому для этого я воспользуюсь измерительной линейкой, но на этот раз для определения углов. Точно так же, как я делал это при измерении объектов, я возьму палочку для еды и теперь, чтобы определить углы, буду перемещать ее так, чтобы она соответствовала точному углу объекта. Я могу определить углы с обеих сторон вазы, также я могу определить углы ручки горшка.
Но не только это, я могу использовать эту технику, чтобы проверить, точен ли мой рисунок и все ли размещено правильно. Для этого я могу использовать углы, чтобы найти точки соприкосновения объектов. Способ, которым вы собираетесь отметить угол, который вы определили с помощью измерительной линейки, очень прост. Просто держите руку прямо, держите палочку в положении под этим углом и двигайте рукой к бумаге, не сгибая руку и не перемещая мерную палочку, когда кладете ее на бумагу. Теперь, когда я определил углы вазы, я могу отметить их, и, как видите, таким образом я определил ширину нижней части вазы.Я просто продолжу делать то же самое для ручки горшка, а также проверяю все остальное, что нарисовал, используя углы и находя точки соприкосновения объектов. Сейчас самое время взглянуть на все получше и посмотреть, могу ли я что-то исправить. Например, я заметил, что вертикальная линия, разделяющая горшок, расположена неправильно в центре, поэтому горшок не выглядит симметричным, и мне нужно это исправить.
Просто не торопитесь и сделайте некоторые уточнения. Эскиз измерений закончен, так как я нарисовал жирными линиями, чтобы сделать его видимым во время съемки, а также потому, что я тот человек, который до сих пор не может сделать хороший световой набросок.Я просто обведу этот рисунок на другой бумаге. Будет намного проще продолжить окончательный рисунок без всех этих отвлекающих факторов. У меня нет подставки для освещения, которая была бы полезна в этой ситуации. Вместо этого я просто использую окно. Я думаю, что всю мою композицию можно сдвинуть немного вправо, поэтому я исправлю это на данном этапе, поместив верхнюю бумагу туда, где я хочу. Это определенно намного проще, чем стирать все и рисовать снова. Я закончу это и увидимся в следующем видео, где я начну свой последний рисунок.6. Натюрморт — Финальный рисунок: Прорисовывается эскиз. Я могу начать дорабатывать его и создавать окончательный рисунок. Самое главное на этом этапе — перестать пытаться сразу найти точные формы этих объектов.
Очень сложно нарисовать три линии и ожидать, что вы создадите правильную форму вашего объекта. Я говорю это, потому что помню себя новичком, у которого были нереалистичные ожидания. Думаю, это возможно для тех, кто занимается этим последние 30 лет каждый день.Может быть, я преувеличиваю, но вы поняли, что это нереально. В этот момент наблюдайте за объектами, которые вы рисуете, и проведите столько мягких линий, сколько вам нужно, ища точную форму. Чем больше этих линий вы нарисуете, тем ближе вы будете к его нахождению. Как только объект приближается к тому, что вы наблюдаете, вы поднимаете части, которые не ведут вас в правильном направлении. В общем, повторяйте это по пути. Нарисуйте мягкие линии и сотрите те, которые неверны.Еще одна важная вещь — попытаться сфокусироваться на всех объектах с одинаковой тщательностью и вниманием и рисовать их в примерно одинаковом темпе. Таким образом, вы лучше прочувствуете все, что сушите в целом. Поработайте немного над одним объектом, затем переключитесь на другой, а затем можно вернуться к предыдущему.
Это действительно помогает, потому что, как только вы оставите его на некоторое время и вернетесь к нему, вы сможете понаблюдать за ним свежим взглядом и определить, что неправильно, а что правильно. Это также подводит нас к еще одному важному моменту, а именно к тому, что я зацикливаюсь на каких-то частях рисунка или каких-то конкретных деталях, и в этом я абсолютно виноват.Это случается со мной, когда я рисую какие-то сложные детали и у меня просто не получается нарисовать их правильно. В данном случае это крышка от кастрюли. В этот момент я делаю рейз и пробую снова и снова, но лучше всего оторваться от этого, переключить свое внимание на что-то другое и вернуться к этому позже. Если вы не знаете, как исправить некоторые части вашего рисунка, также хорошо прекратить рисовать, сделать небольшой перерыв, а затем начать снова. Когда наш взгляд сосредотачивается на какой-то одной маленькой детали, мы настолько погружаемся в нее, что начинаем рисовать ее по памяти, а не по наблюдению за натюрмортной композицией перед собой.
Между прочим, я думаю, крышки — самая сложная часть в этой композиции натюрморта, потому что с этой точки зрения они сделаны из очень слегка изогнутых линий. Я помню, что рисование их в виде широкого многоточия было самой распространенной ошибкой, когда я учился в художественной школе. Я делаю последние штрихи к рисунку, стираю некоторые части и просто дорабатываю его. В этот момент неразумная часть моего мозга говорит мне, что я должен поработать над этим еще 2-3 часа, чтобы сделать его идеальным. Но моя более разумная часть мозга говорит мне, что пока все в порядке.Я ценю прогресс гораздо больше, чем общее совершенство. Чтобы подвести итог, вот несколько критических мыслей об этом рисунке, когда я смотрю на него через некоторое время и сравниваю его с композицией натюрморта. Все формы в значительной степени правильные, но верхние крышки горшка не прямые. Вы можете видеть, что правая его часть немного смещена. Кроме того, весь горшок может быть немного шире, а ваза может быть чуть уже.
Но в целом все выглядит отлично, и я очень доволен ручкой порта.Да, это все, что касается практики рисования натюрморта, а теперь давайте начнем с поиска вещей, которые нас вдохновляют. 7. Найдите свой стиль — вдохновение. В предыдущих частях мы рассмотрели основы и наблюдали за реальными объектами, а также научились точно визуализировать их в нашем эскизе — это самый простой и самый важный первый шаг в нашем приключении наблюдения. Теперь мы можем начать вторую часть урока и провести забавное исследование того, что нам нравится. Давайте узнаем, что нас вдохновляет и почему.Я знаю, что большинство из вас, как и я, ищут вдохновение в Pinterest, и я очень люблю Pinterest. Но я также понял, что Pinterest, как и любая поисковая система в Интернете, основан на алгоритме, и он естественным образом показывает и сопоставляет вещи, связанные с тем, что вы уже закрепили. Это означает, что некоторые изображения вам не показываются, потому что вы не искали их намеренно или не закрепили в правильном направлении и, следовательно, не обнаружили их.
С другой стороны, Pinterest может быть даже немного подавляющим.Я предполагаю, что вы, как и я, потратили больше, чем несколько часов, теряясь во всех этих изображениях. Один образ тянулся к другому, и в итоге вы забыли, что искали в начале. Для этого прекрасного исследования мы будем использовать вещи, которыми мы владеем, вещи, которые мы храним и любим, вещи, которые есть у нас дома. Я чувствую, что есть причина для каждой книги, которую вы хранили, потому что вам нравилась обложка или каждая детская книга, которую вы любили, когда были маленькими, и вы до сих пор чувствуете привязанность к ней из-за ее иллюстраций. Может быть, вы похожи на меня, и вам нравится покупать и перемещать книги, наполненные художественными изображениями.С другой стороны, возможно, вы храните кусок ткани или предмет одежды из-за его рисунка. По сути, для этой части проекта мы собираемся собрать все те вещи, которые нам нравятся, потому что мы визуально к ним привязаны. Это могут быть книги, ткани, одежда, канцтовары, принты, произведения искусства любимых художников.
Вы называете это, но помните, что это должно быть что-то, что вам очень-очень нравится и к чему вы чувствуете привязанность, но это не обязательно должно соответствовать вашему художественному стилю. По сути, мы собираемся создать собственный вдохновляющий алгоритм и внимательно изучить нашу коллекцию, чтобы увидеть, что мы можем наблюдать.Кстати, если вы не дома и у вас нет этих вещей или ваше вдохновение собрано на вашей любимой доске Pinterest. Использование Интернета для поиска вдохновения будет абсолютно нормальным. Начните свою маленькую охоту за сокровищами, и увидимся в следующем видео, где мы собираемся получше рассмотреть то, что у нас есть, понаблюдать за этим, разложить на части и узнать больше о себе и стилях, к которым нас привлекли. 8. Найдите свой стиль — обратите внимание: позвольте мне начать эту часть со слов: «Хорошие художники копируют, великие художники воруют.Вы, наверное, уже слышали эту фразу. Это знаменитая цитата Пабло Пикассо, но он был не единственным, кто ее озвучил.
Т. С. Элиот, Игорь Стравинский и Уильям Фолкнер говорили то же самое в своих собственных версиях и многие другие. после того, как они повторили это. Что это на самом деле означает? Мне потребовалось довольно много времени, чтобы понять его более глубокий смысл. Когда вы копируете чье-то художественное произведение, вы делаете это слово за словом, штрих за штрихом, цвет за цветом. Некоторые люди делают это преднамеренно, что является очень плохой практикой, а некоторые люди, в основном новички, склонны делать это непреднамеренно, потому что они неопытны.Когда говорят украсть, они не имеют в виду кражу всего произведения искусства. Они говорят о краже идей, стоящих за этим. Видите ли, чтобы быть великим художником, вам нужно достичь такого уровня понимания идей, чтобы быть в состоянии даже украсть их или, скажем, применить их в своей работе и по-своему, любой художник в истории искусства или любой нынешний художник научился у других до них и у других вокруг них. Мы никогда не были и никогда не будем абсолютно уникальны в этом смысле.
Что делает нас оригинальными, так это то, что мы получаем вдохновение и информацию из всех этих различных источников, уникальных для наших собственных предпочтений.Мы протягиваем их через собственный жизненный опыт и создаем что-то новое и истинное для себя. Если вы помните, в начале я сказал, что искусство — это в основном решение визуальных проблем, а кража идей — это наблюдение и понимание того, как другие преодолевали те же проблемы, чтобы вы могли использовать их знания для обучения и совершенствования. Давайте применим эту концепцию на практике. Теперь, когда вы собрали свою коллекцию вдохновения, возьмите блокнот и ручку, чтобы делать заметки. Это будет отличным напоминанием на потом.Вот основные вещи, которые мы рассмотрим, глядя на наше вдохновение. Перспектива, цветная коллекция, затенение или отсутствие затенения, работа с линиями или без работы с линиями, простота или сложность, решение проблем и общие наблюдения. В зависимости от того, что у вас есть, какие-то вещи будут применяться, а какие-то нужны.
Просто примите это как общее руководство и посмотрите, что вы можете наблюдать в том, что у вас есть. Начнем с этой книги, называемой шагом в мир современного искусства, это книга для детей, наполненная в основном искусством первой половины 20-го века.Я думаю, что иногда полезно отойти от компьютера и [неразборчиво] некоторых книг или посетить кураторские выставки, потому что никогда не знаешь, что найдешь, это то, что найдет тебя. В этой книге я нашел картину Джорджо де Кирико, которая меня очень привлекала, когда я учился в старшей школе. Помню, я выбрал его для проекта и класса визуального наблюдения. Эта картина здесь черно-белая, по оригиналу она цветная. Когда я смотрю на эту картину, я хочу понять, почему она мне так нравится.Я думаю, что главное, что делает его очень интересным для меня, — это эта нелогичная перспектива и то, как художник играет с ней. Вот что я запишу в свой блокнот. Реалистичные иллюстрации или картины — это не совсем мое. Я всегда предпочитаю видеть что-то немного необычное, и это то, что я старался делать в своей работе, насколько это было возможно.
Теперь давайте перейдем к следующему. Такого я впервые увидел в этой книге. Работа называется «Американский город по [неразборчиво] модели».Это желание выделилось для меня в одно мгновение. Прежде всего, меня больше всего вдохновляют цвета, особенно этот красно-оранжевый цвет в сочетании с розовым цветом. Оба очень яркие, а напротив — светло-голубой и серовато-зеленый. Кроме того, мне нравится смелость черных окон, которые не идеальны, и использование контуров. Наконец, перспектива плоская. Нет тени и нет размерности. Вы можете видеть, что хотя эта картина и предыдущая выглядят совершенно по-разному, у них есть что-то общее, что меня вдохновляет, и, рассматривая их поближе, я могу понять почему.Ребята, это моя любимая книга по искусству. Речь идет о мексиканском уличном искусстве. Что мне в нем нравится, так это то, что в нем нет коллекции работ известных художников. Это коллекция всех произведений искусства со стен Мексики, независимо от того, задумывались они как произведение искусства или нет.
Но мой собственный интерес к искусству на самом деле начался с уличного искусства, и я занимался им почти 10 лет здесь, в Белграде, где я живу. Большая часть произведений искусства, представленных в этой книге, — это нарисованные витрины магазинов, вывески магазинов на стенах или дизайнерские рекламные упаковки.Что мне нравится в этом искусстве, так это то, что оно может рассказать ему более правдивую визуальную историю о людях и их культуре. Гораздо больше, чем любая отполированная реклама, которую мы видим ежедневно. Это для фруктового магазина. Я знаю, что большинство людей могут быть шокированы моим увлечением этим, но я считаю его абсолютно гениальным. Когда я это увидел, мне просто понравилась эта идея. Мне понравилось, как художник придумал это визуальное представление вырезанного арбуза. Выглядит очень свободно, необычно. Это совсем не то, к чему мы привыкли, когда представляем себе или иллюстрируем разрезанный арбуз.Кроме того, я считаю, что разница в размерах большого арбуза и маленького вырезанного кусочка делает всю эту картину очень игривой.
Я думаю, что есть чему поучиться у любительских или наивных произведений искусства. Иногда, когда мы начинаем создавать произведения искусства и хотим, чтобы вы стали нашей профессией, мы склонны устанавливать много границ в том, что мы делаем. В школе нас учат, что правильно и что неправильно, что желательно, а что нет. Я абсолютно за изучение основ, но также здорово нарушать эти правила.Вот почему я люблю любое художественное выражение. Мне нравится, как рисуют дети, потому что они не знают, как сделать это реалистично, но используют свое воображение, чтобы воссоздать реальность по-своему. То же самое и с этими удивительными произведениями уличного искусства в Мексике. Следующий, тоже из этой книги, — нарисованная вывеска обивочного магазина. Я был поражен его простотой и линейной работой. Что делает эту линию замечательной, так это то, что в первую очередь меняется смелость контура. Он не унифицирован и имеет очень тяжелую текстуру.Мне нравится видеть все эти грязные текстурированные части.
Некоторые из них действуют как затенение, а некоторые просто так. Также перспектива совсем не правильная, и мне нравится игривость этого. Когда я рисую, мне нравится играть с изменением перспективы и переключением точек обзора. Вы можете заметить это здесь, взглянув на левый подлокотник, который не должен быть так виден нам, а также взглянув на этот прекрасный столик. Вот моя любимая книга с детскими иллюстрациями. Это очень старая азбука из моей страны, Сербии, но она была сделана во времена Югославии.Я думаю, что это из 60-х годов. Мне очень нравится стиль художника Марко Кузмановича. Я думаю, что он использует смывку и чернила. Этот стиль настолько прост и наполнен красивейшими наклонными работами. Что делает все таким особенным для меня, так это то, как он очень свободно и в нужных местах добавляет чернильные детали. Давайте посмотрим на это. Первое, что бросилось мне в глаза, — это иллюстрация фруктов и овощей, а также линия, которая их определяет. Он кажется очень естественным, но в то же время имеет некоторые скульптурные геометрические качества.
Вы можете заметить это на иллюстрации с капустой, и вы также можете ясно увидеть эту характеристику на миске рядом с капустой. У него острые и сильные коронерские черты, это напоминает мне то, чего я люблю, когда вырезаю из бумаги. Кроме того, еще одна вещь, которую я люблю, как и в предыдущих примерах, это снова невозможная перспектива, которую вы можете видеть на чаше. Если бы это было реалистично, нижняя часть, конечно, никогда не была бы видна. Прежде чем мы перейдем к следующей странице, просто взгляните на эту маленькую, но важную деталь, которую я нахожу совершенно гениальной.Это игра с негативным пространством. В данном случае белое небо, которое соединяется с белой стеной дома. Это отличная техника для визуального соединения элементов без прерывания общего потока, особенно если у вас большая плоская поверхность. Он оставил небольшую дыру между забором и концом стены, и теперь, когда мы ее видим, мы знаем, что это место, где кончается стена дома, но все же это похоже на деликатную часть неба.
Как вы можете видеть на следующей странице в правом верхнем углу, есть тот же пример того, как вы можете играть с негативным пространством или любой большей частью некоторой поверхности.В данном случае художник соединил небо с дорогой, проходящей через поля. Это очень умно визуально отделяет зеленые поля, большую зеленую поверхность и соединяет небо с остальной частью иллюстрации. Прежде чем мы закончим с этой книгой, позвольте мне упомянуть, как весело выглядит этот город. Он выполнен в, казалось бы, плоской перспективе, но в отличие от картины, американского города, который я вам показывал, где все было плоским, здесь вы можете видеть, что он добавляет размерности очень необычными смещающимися точками зрения, он делает это формами, разными цветами и определяя его чернилами.Все это очень хорошо видно на зданиях, на мосту и на этом троллейбусе. В заключение, я не могу нарадоваться этой книгой, но пришло время перейти к следующей. Большая часть моей работы в последнее время очень сильно сосредоточена на узорах, особенно на цветочных узорах.
В отличие от многих из вас, меня очень вдохновляют работы по текстильному дизайну конца 19 века. В этой книге есть произведения самого известного Уильяма Морриса и многие другие, созданные в эпоху искусств и ремесел.Моя цель не в том, чтобы творить именно в этом стиле, но я знаю, что могу многому научиться у них и включить в свои более винтажные современные узоры. Что меня больше всего вдохновляет, когда дело доходит до этих узоров, помимо потрясающе красивых, замысловатых цветочных мотивов, так это ограниченное использование цветов. В то время они, очевидно, не могли печатать в цифровом виде, поэтому их дизайн зависел от техники печати. Техника, которую они использовали, будь то валиковая печать или ксилография, имела свои ограничения, и не только это, чем больше цветов было в печати, тем она была дороже.В обоих этих примерах я вижу, что художник использовал один и тот же цвет фона для основного контура цветов и листьев. Вы можете видеть, что там, где клетки соприкасаются с листьями или цветами, они разделены белыми контурами.
Иногда мне трудно найти лучший способ разделить элементы одного цвета, когда они перекрываются или соприкасаются друг с другом. Это одно из возможных решений этой проблемы. Кроме того, также здорово поближе взглянуть на то, как художник использовал цвет.На левой странице я вижу, что он использовал тот же серовато-синий цвет для второго меньшего цветка, а также для другой стороны основного зеленого листа. Я считаю, что это очень тонкий и деликатный выбор. Вот последняя книга, которую я покажу вам. Это не вся книга, а просто рисунок на странице, которым я одержим. Я знаю, что вы, вероятно, уже заметили всю схему моего вдохновения и то, что я люблю видеть. Это произведение не вызывает удивления. Это простая иллюстрация в двух цветах.В настоящее время я влюблена в светло-розовые и красные или оранжевые цветовые комбинации. Когда я увидел это, я не мог налюбоваться. Мне очень нравится этот ретро-стиль иллюстрации и техника печати, которую они использовали. Как и в предыдущем примере узоров, элементы выглядели как вырезанные штампы.
Контур, который мы видим, имеет тот же цвет, что и фон, и это очень эффектно. Надеюсь, вам понравится моя избранная коллекция вдохновения. Вы можете использовать это как пример того, как наблюдать собственное вдохновение и как видеть и понимать то, что вам нравится, когда речь идет о чужом произведении искусства.Я также надеюсь, что вы будете делать заметки, потому что я хочу услышать все об этом. Кстати, если вы посмотрите на мои работы в Instagram, я уверен, вы найдете некоторое сходство с тем, о чем я говорил здесь, и если вы это сделаете, я хотел бы услышать, что вы заметили. Хорошо. Теперь приступим к созданию натюрморта в собственном стиле. 9. Натюрморт — в вашем стиле: все, что вы наблюдали и записывали, верно для вас, и это поможет вам в качестве руководства для создания этой иллюстрации. Если вы не знаете, с чего начать, или думаете, что теперь у вас должно быть совершенно четкое представление о вашем собственном художественном стиле, особенно если вы новичок, пожалуйста, не обманывайтесь этой идеей.
Это так не работает. Просто позвольте себе экспериментировать, будьте свободны, делайте то, что вы лично хотели бы увидеть в данный момент, и не возлагайте никаких ожиданий. Просто попробуйте разные вещи и посмотрите, к чему это вас приведет. Еще раз просмотрите свои заметки, разместите их там, где вы сможете их прочитать, и давайте начнем создавать этот натюрморт в нашем собственном стиле. На этом этапе вы можете использовать любой носитель, с которым вам нравится работать. Я создам эту иллюстрацию в цифровом виде с помощью iPad и приложения Procreate.Я буду говорить в основном о своем мыслительном процессе и не буду вдаваться в подробности того, как я использую это приложение. Как видите, я начинаю с наброска объектов. На самом деле я ни на что не смотрю как на образец для рисования, но меня вдохновляют объекты, которые я показывал вам раньше, особенно синий металлический горшок. На чем я сейчас действительно сосредоточен, так это на формах и на том, как они работают вместе. Я хочу, чтобы вся композиция была сбалансированной, но я также хочу создать разницу в размерах между этими фигурами.
Я возьму самый большой, это бутылка, чайник посередине, а также тот, у которого больше деталей. Есть ручка, крышка. Затем, в центре, у меня будет более сложная подставка для фруктов с яблоками. Вы также можете видеть, что мои объекты преувеличены и не идеальны или симметричны, и мне нравится играть с этим, потому что это делает их немного наивными. Теперь, когда я закончил первый этап уточнения наброска и создал свои объекты в виде однотонных фигур, я могу еще раз внимательно рассмотреть всю композицию и посмотреть, что я могу сделать дальше.Я их немного переставлю, потому что я думаю, что эффектнее будет смотреться, если чайник и бутылка будут ближе друг к другу, и за счет этого наложения я смогу сделать ручку чайника более заметной, при этом сделав плоскую поверхность. из бутылки интереснее. В этот момент у меня также возникла идея сделать подставку для фруктов того же цвета, что и фон, и соединить их. Подставка для фруктов имеет идеальную форму для этого. Как вы помните, мы что-то видели в той иллюстрированной азбуке, и теперь, вдохновившись этим, я применяю это к своей иллюстрации совершенно по-другому.
Я мог бы оставить весь фон одного цвета, но я думаю, что будет выглядеть более динамично, если добавить другой цвет, и таким образом я также могу создать визуальное пространство, в котором существуют эти объекты. Теперь у меня есть стол и стена, и я все еще придерживаюсь предыдущей идеи соединения подставки для фруктов с фоном. Вы также можете видеть, что я не идеально отцентрировал всю композицию, вместо этого я оставил немного больше пустого места справа. Я чувствую, что небольшое нарушение правил может сделать иллюстрацию немного необычной и интересной.Пришло время снова все уточнить. Я добавлю немного текстурных линий, но только в тех местах, где это действительно необходимо. Здесь меня больше всего вдохновляет последняя книга, которую я показал вам, с обложкой на странице в светло-розовом и красном цветах. Я также держу все в очень ограниченной цветовой палитре и использую только четыре цвета. Всегда интересно поиграть с небольшим количеством цветов и выяснить, как они могут соотноситься друг с другом, создавать контраст или определять пространство между ними.
В конце концов, пришло время еще раз критически взглянуть на все, что я сделал, и начать вносить последние коррективы и изменения.Ручка чайника выглядит немного странно, когда я присмотрюсь получше, поэтому я перерисую ее, а также расположим немного ниже, чтобы она находилась в балансе с началом нижней части крышки чайника. Наконец, я выберу окончательную цветовую палитру и добавлю дополнительную текстуру сверху. В конце концов, я решил перекрасить яблоки в более красно-оранжевые тона, потому что оранжевый цвет, который я использовал в качестве фона, был для меня не таким эффектным. С этим изменением я вижу, что они действительно выделялись на переднем плане.Это законченная иллюстрация натюрморта в моем стиле. Мне очень понравилось его создавать, и я не могу дождаться, чтобы увидеть, что вы сделаете. 10. Спасибо: Привет, еще раз. Я просто хотел сказать большое спасибо за то, что вы все это время провели со мной и смотрели урок. Надеюсь, вам понравился этот урок, и вы узнали что-то ценное, что сможете применить в повседневной творческой практике.
Мы прошли через набросок натюрморта, чтобы углубиться в то, что нас вдохновляет и как мы можем извлечь из этого уроки. В итоге мы сделали окончательный натюрморт в нашем стиле.Как только вы закончите все три части этого проекта, поделитесь им. Создайте небольшую головоломку проекта, чтобы показать весь процесс. Я очень жду этого. Это действительно здорово, что мы можем поддерживать и вдохновлять друг друга здесь. Кстати, не забудьте оценить и просмотреть этот класс, я хотел бы услышать, что вы думаете. Как всегда, если у вас есть какие-либо вопросы или что-то, что я показывал, было неясным, не стесняйтесь спрашивать что-либо в разделе обсуждения этого класса, и я свяжусь с вами, как только смогу.Чтобы получать уведомления о моих следующих занятиях, подпишитесь на меня здесь, на Skillshare, и вы также можете поддерживать связь со мной в Instagram в Diujdi. Я посылаю вам много любви и хорошего настроения, и увидимся в следующем.
Онлайн-курс — Моделирование натюрморта в мультяшном стиле с Майей (Альберт Валлс Пансич)
Если вы хотите перейти от воображения к созданию фантастических миров, трехмерных сцен и декораций в мультяшном стиле, этот курс для вас.
Альберт Валлс, работавший в Framestore над такими крупными постановками, как «Мстители: Война бесконечности», «Тор: Рагнарёк» и «Фантастические твари: Преступления Грин-де-Вальда», будет вашим гидом на протяжении всего курса.
Изучите все этапы создания собственной 3D-сцены с нуля: от идеи до создания блоков и композиции сцены до окончательного рендеринга для вашего портфолио. Попутно Альберт показывает вам методы и инструменты, которые помогут вам воплотить свое воображение в реальность, изучая методологию работы, используемую профессиональными студиями. Наконец, пройдите текстурирование. Конечная цель состоит в том, что вы можете научиться рассказывать свою собственную историю, создавая сцену.
Это второй курс Альберта Валлса на Доместике.Если вы хотите начать с более вводного курса, вас может заинтересовать «Создание 3D-сцен с нуля в Maya».
Альберт рассказывает вам о своей карьере 3D-художника для телевидения, анимации и визуальных эффектов, а также рассказывает о некоторых своих влияниях в мире комиксов, кино и анимации.
Начните с того, что сосредоточьтесь на чем-то основном, на идее. Альберт показывает вам свои справочные источники и рассказывает, как их систематизировать перед началом проекта. Ознакомьтесь с основами композиции, чтобы помочь зрителю ориентироваться в окружающей среде.Затем перейдите к наброску вашей сцены.
Узнайте об инструментах для создания блоков (или моделирования) в Maya и о том, как перевести свой 2D-эскиз в 3D-среду. Выполните блокировку, регулируя масштаб, объемы и пропорции. Затем узнайте, как раскрасить прокси-объекты, чтобы сделать сцену более заметной для команды Previs и Layout.
Познакомьтесь с Set Dressing и ознакомьтесь с ключевыми моментами при моделировании библиотеки активов. Затем узнайте, как повторно использовать смоделированные объекты для создания новых активов.
Приступаем к работе! Создайте свою сцену, используя свою библиотеку, и выполняйте блокировку профессионально. Альберт покажет вам, как добавить в сцену реквизит и визуализировать своего персонажа для идеального одевания; также как организовать аутлайнер, чтобы оставить файлы готовыми для применения текстур.
Наконец, Альберт научит вас основам освещения и рендеринга, а также тому, как получить качественный каркас для ваших моделей. С помощью Adobe Photoshop доработайте изображение, чтобы добавить его в свое портфолио.
Создайте 3D-сцену, следуя рекомендациям по мультяшному стилю, с помощью Maya.
Этот курс предназначен для всех, кто знаком с Maya и хочет выйти за рамки создания ресурсов и научиться управлять полной 3D-сценой, а также для тех, кто интересуется созданием настроек для фильмов.
Чтобы пройти этот курс, вам потребуются предварительные знания по моделированию в Maya и большое воображение. Что касается материалов, то вам понадобится только компьютер с установленным Autodesk Maya.
Анализ 100 известных картин, полное собрание сочинений и биография
Анри Матисс (31 декабря 1869 — 3 ноября 1954), один из бесспорных мастеров искусства 20-го века, был французским художником, известным своим использованием цвета и своим плавным и оригинальным рисунком.
Он был рисовальщиком, гравером и скульптором, но известен прежде всего как живописец. Матисс обычно считается, наряду с Пикассо и Марселем Дюшаном, одним из трех художников
которые помогли определить революционные события в пластическом искусстве в первые десятилетия 20-го века, ответственные за значительные достижения в живописи и скульптуре.
Хотя изначально его называли фовистом (диким зверем), к 1920-м годам его все чаще провозглашали сторонником классической традиции французской живописи.Его мастерство выразительного
язык цвета и рисунка, представленный в работах, охватывающих более полувека, принес ему признание как ведущей фигуре в современном искусстве.
Молодость и образование
Анри Матисс родился в Ле-Като-Камбрези, Норд, Франция. Он вырос в Боэн-ан-Вермандуа, Пикардия, Франция, где его родители владели цветочным бизнесом; он был их первым сыном. В 1887 г.
он отправился в Париж, чтобы изучать право, после получения квалификации работал судебным администратором в Le Cateau-Cambrésis.Впервые он начал рисовать в 1889 году, после того как его мать принесла ему искусство.
запасы в период выздоровления после приступа аппендицита. Он открыл для себя «своего рода рай», как он позже описал его, и решил стать художником, что глубоко разочаровало его.
его отец. В 1891 году он вернулся в Париж, чтобы изучать искусство в Академии Жюлиана и стал учеником Вильяма-Адольфа Бугро и Гюстава Моро. Сначала он писал натюрморты и
пейзажи в традиционном стиле, в которых он достиг достаточного мастерства.На Матисса повлияли работы более ранних мастеров, таких как Жан-Батист-Симеон Шарден, Николя Пуссен,
и Антуана Ватто, а также современных художников, таких как Эдуард Мане, и японского искусства. Шарден был одним из самых почитаемых художников Матисса; как студент художественного факультета
он сделал копии четырех картин Шардена в Лувре.
От модели Каролин Жобло у него родилась дочь Маргарита, родившаяся в 1894 году. В 1898 году он женился на Амели Ноэлли Парайр; они вместе воспитывали Маргариту и родили двух сыновей, Жана (1899 г.р.) и Пьер (род. 1900).Маргарита и Амели часто служили моделями для Матисса.
В 1896 году Матисс, неизвестный в то время студент-искусствовед, посетил австралийского художника Джона Рассела на острове Бель-Иль у берегов Бретани. Рассел познакомил его с импрессионизмом и картины Винсента Ван Гога, который был другом Рассела, и подарил ему одну из Рисунки Винсента Ван Гога. Стиль Матисса полностью изменился; отказываясь от своей землистой палитры в пользу ярких цветов.Позже он сказал «Рассел был моим учителем, и Рассел объяснил мне теорию цвета».
В 1898 году по совету Камиля Писсарро он отправился в Лондон изучать картины Дж.
М. У. Тернера, а затем отправился в путешествие на Корсику. По возвращении в
В феврале 1899 года в Париже он работал вместе с Альбером Марке и познакомился с Андре Дереном, Жаном Пюи и Жюлем Фландреном. Матисс погрузился в работу других и влез в долги, покупая работы у
художники, которыми он восхищался.Работы, которые он повесил и выставил у себя дома, включали гипсовый бюст Родена, картину Гогена, рисунок
Ван Гог и «Три купальщицы» Поля Сезанна.
В чувстве живописной структуры и цвета Сезанна Матисс нашел свое главное вдохновение.
Во многих картинах Матисса с 1898 по 1901 год используется техника дивизионизма, которую он перенял после прочтения эссе Поля Синьяка «Эжен Делакруа и неоимпрессионизм».
Его картины 1902-03 годов, периода материальных лишений художника, сравнительно мрачны и обнаруживают озабоченность формой.Сделав свою первую попытку скульптуры, копию Антуана-Луи Барье,
в 1899 году он посвятил большую часть своей энергии работе с глиной, завершив «Раба» в 1903 году.
Фовизм
Его первая персональная выставка прошла в галерее Амбруаза Воллара в 1904 году, но без особого успеха. Его пристрастие к яркому и выразительному цвету стало более выраженным после того, как он провел лето 1904 г. роспись в св.Тропе с неоимпрессионистами Синьяком и Анри Эдмоном Кроссом. В том же году он написал самые важные из своих работ в неоимпрессионистском стиле «Luxe, Calme et Volupté». В 1905 году он снова отправился на юг, чтобы работать с Андре Дереном в Коллиуре. Его картины этого периода характеризуются плоскими формами и контролируемыми линиями, а также менее строгим использованием пуантилизма. путь, чем раньше.
В 1905 году Матисс и группа художников, ныне известных как «фовисты», вместе выставлялись в зале Осеннего салона.Картины выражали эмоции дикими, часто диссонирующими красками, без оглядки на
для естественных цветов объекта.
Матисс показал «Открытое окно» и «Женщину в шляпе» в Салоне. Критик Луи Воксель описал произведение фразой «Донателло в среде фовистов!» (Донателло
среди диких зверей), имея в виду скульптуру эпохи Возрождения, которая делила с ними комнату. Его комментарий был напечатан 17 октября 1905 года в ежедневной газете Gil Blas и стал широко использоваться.Выставка вызвала резкую критику: «В лицо публики бросили горшок с краской», — сказала критик Камилла Моклер, но также и некоторое положительное внимание. Когда картина, которая была выделена
«Женщина в шляпе» Матисса, выставленная на особый суд, была куплена Гертрудой и Лео Стайн, боевой дух художника значительно улучшился.
Матисс был признан лидером фовистов, наряду с Андре Дереном; эти двое были дружественными соперниками, каждый со своими последователями.Другими членами были Жорж Брак, Рауль Дюфи и Морис де Вламинк.
Художник-символист Гюстав Моро (1826–1898) был вдохновителем движения; будучи профессором Школы изящных искусств в Париже, он побуждал своих студентов мыслить нестандартно. формальности и следовать их видению.
Я мечтаю об искусстве баланса, чистоты и безмятежности, лишенном беспокоящих или угнетающих тем… умиротворяющее, умиротворяющее воздействие на ум, что-то вроде хорошего кресла, которое обеспечивает расслабление от физической усталости.
— Анри Матисс
В 1907 году Аполлинер, комментируя Матисса в статье, опубликованной в «Ла Фаланж», сказал: «Мы здесь не сталкиваемся с экстравагантным или экстремистским предприятием: искусство Матисса в высшей степени разумно». Но работы Матисса того времени также встречали яростную критику, и ему было трудно обеспечивать семью.Его скандальная картина 1907 года Nu bleu была сожжена как чучело на Оружейной выставке в Нью-Йорке. Чикаго в 1913 году.
Упадок фовистского движения после 1906 года никак не повлиял на возвышение Матисса; многие из его лучших работ были созданы между 1906 и 1917 годами, когда он был активным участником великого собрания художественных
талант на Монпарнасе, хотя он и не совсем вписывался, с его консервативной внешностью и строгими буржуазными рабочими привычками.
Он продолжал впитывать новые влияния: после просмотра большой выставки исламских
искусства в Мюнхене в 1910 году, он провел два месяца в Испании, изучая мавританское искусство.На искусство Матисса повлияла новая смелость в использовании интенсивных, немодулированных цветов, как в L’Atelier Rouge (1911).
Матисс долгое время был знаком с русским коллекционером произведений искусства Сергеем Щукиным. Одну из своих главных работ «Танец» он создал специально для Щукина в рамках комиссии из двух картин, вторая картина была Музыка, 1910 г. Более ранняя версия «Танца» (1909 г.) находится в коллекции Музея современного искусства в Нью-Йорке.
Гертруда Стайн, Академия Матисс и сестры Конус
Около 1904 года он познакомился с Пабло Пикассо, который был на 12 лет моложе Матисса.
Эти двое стали друзьями на всю жизнь, а также соперниками, и их часто сравнивают; одно ключевое различие между ними состоит в том, что Матисс рисовал и рисовал
с натуры, в то время как Пикассо был гораздо более склонен работать с воображением.Оба художника чаще всего изображали женщин и натюрморты, причем Матисс чаще помещал свои фигуры в полном объеме.
реализованные интерьеры. Матисс и Пикассо впервые встретились в парижском салоне Гертруды Стайн и ее спутницы Алисы Б. Токлас. В течение первого десятилетия 20-го века американцы в Париже, Гертруда
Штейн, ее братья Лео Штейн, Майкл Штейн и жена Майкла Сара были важными коллекционерами и сторонниками картин Матисса.Кроме того, две американские подруги Гертруды Стайн из Балтимора, сестры Коун
Кларабель и Этта стали главными покровителями Матисса и Пикассо, собрав сотни их картин. Коллекция Конуса сейчас выставлена в Художественном музее Балтимора.
В то время как многие художники посещали салон Штейна, многие из этих художников не были представлены среди картин на стенах на улице Рю де Флерюс, 27.
Где Моне, Сезанн,
Работы Матисса и Пикассо доминировали в коллекции Лео и Гертруды Стайн, коллекция Сары Стайн делала упор на Матисса.
Среди знакомых Пабло Пикассо, которые также часто посещали субботние вечера, были: Фернанда Оливье (любовница Пикассо), Жорж Брак, Андре Дерен, поэты Макс Жакоб и Гийом Аполлинер, Мари Лорансен. (любовница Аполлинера и самостоятельная художница) и Анри Руссо.
Его друзья организовали и финансировали Академию Матисса в Париже, частную некоммерческую школу, в которой Матисс обучал молодых художников.Он работал с 1907 по 1911 год. Ханс Пуррманн и Сара Штайн были среди нескольких его самых преданных учеников.
Всегда найдутся цветы для тех, кто хочет их увидеть. ” — Анри Матисс
После Парижа
В 1917 году Матисс переехал в Симье на Французской Ривьере, в пригороде города Ниццы.
Его работы примерно десяти лет после этого переезда показывают расслабление и смягчение его подхода. Это «возвращение к порядку»
характерен для большей части искусства периода после Первой мировой войны, и его можно сравнить с неоклассицизмом Пикассо и Стравинского и возвратом к традиционализму Дерена. Его ориенталистские картины-одалиски
характеристика периода; несмотря на популярность, некоторые современные критики сочли эту работу поверхностной и декоративной.
В конце 1920-х годов Матисс заметно вновь занялся активным сотрудничеством с другими художниками. Он работал не только с французами, голландцами, немцами и испанцами, но также с несколькими американцами и недавними американскими иммигрантами.
После 1930 года в его работах появилась новая энергия и более смелое упрощение. Американский коллекционер произведений искусства Альберт С. Барнс убедил его создать для Фонда Барнса большую фреску «Танец II», которая была завершена в 1932 году.
Фонду принадлежит еще несколько десятков картин Матисса.
Он и его 41-летняя жена расстались в 1939 году. В 1941 году он перенес операцию по колостомии. После этого он стал передвигаться в инвалидной коляске, и до самой смерти за ним ухаживала русская женщина Лидия. Делекторская, в прошлом одна из его моделей. С помощью помощников он приступил к созданию вырезанных из бумаги коллажей, часто в больших масштабах, называемых гуашью декупе. В его серии Blue Nudes представлены яркие примеры этого. технику он называл «живопись ножницами»; они демонстрируют способность привносить его взгляд на цвет и геометрию в новую среду предельной простоты, но с игривой и восхитительной силой.
В 1947 году он опубликовал ограниченным тиражом книгу «Джаз», содержащую репродукции цветных коллажей, вырезанных из бумаги, сопровождаемых его письменными мыслями. В 1940-х годах он также работал художником-графиком и создавал черно-белые
иллюстрации к нескольким книгам и более ста оригинальных литографий в Mourlot Studios в Париже.
Матисс, совершенно аполитичный человек, был потрясен, когда узнал, что его дочь Маргарита, активно участвовавшая в Сопротивлении во время войны, была замучена (почти до смерти) в тюрьме Ренна и приговорена к тюремному заключению. Концентрационный лагерь Равенсбрюк.
По словам Дэвида Рокфеллера, последней работой Матисса был дизайн витража, установленного в церкви Юнион в Покантико-Хиллз, недалеко от поместья Рокфеллеров к северу от Нью-Йорка. «Это был его последний художественное творчество; макет был на стене его спальни, когда он умер в ноябре 1954 года», — пишет Рокфеллер. Установка была завершена в 1956 году.
Если бы мою историю когда-нибудь написали правдиво от начала до конца, она бы всех поразила.
— Анри Матисс
Наследие
В 1951 году Матисс завершил четырехлетний проект по проектированию интерьера, стеклянных окон и украшений Часовни дю Розер-де-Ванс, которую часто называют Капеллой Матисса.
Этот проект стал результатом
тесная дружба между Матиссом и сестрой Жак-Мари. Он нанял ее в качестве медсестры и модели в 1941 году, прежде чем она стала доминиканской монахиней, и они снова встретились в Вансе и начали сотрудничество.
в ее книге 1992 года «Анри Матисс: Ла Шапель де Ванс» и в документальном фильме 2003 года «Модель для Матисса».
В 1952 году в городе, где он родился, он основал музей, посвященный его творчеству, и сейчас этот музей является третьим по величине собранием произведений Матисса во Франции.
Матисс умер от сердечного приступа в возрасте 84 лет в 1954 году. Он похоронен на кладбище монастыря Нотр-Дам-де-Симье, недалеко от Ниццы. Так же, как Уильям Шекспир
в литературе и Зигмунда Фрейда в психологии, влияние Анри Матисса на движение фовизма огромно.
Благодаря влиянию, которое он оказал на живопись после Второй мировой войны,
Репутация Анри Матисса выше, чем когда-либо прежде. Следуя принципу, обсуждаемому Гансом Хофманном, согласно которому цвет отвечал за структурные конфигурации, лежащие в основе изображения, был продемонстрирован в американском
абстрактное искусство. Работы Джексона Поллока, Марка Ротко и других художников цветового поля продемонстрировали этот стиль в своих произведениях.
Следуя этой концепции, Матисс является влиятельной фигурой 20-го века и решающей фигурой своего времени.Определяя четко изобразительный язык цветов и арабесковых линий, а не рассматривая живопись как
средство для достижения цели, Матисс оказал большое влияние на будущие движения и произведения, созданные художниками в 20 веке.
Хуан Грис Картины, биография, идеи
Краткое изложение Хуана Гриса
Один из любимых художников Гертруды Стайн и единственный кубист, достаточно талантливый, чтобы поставить Пикассо в неудобное положение, Хуан Грис построил фундамент раннего кубизма и направил движение в новых направлениях .
Член узкого круга художников-авангардистов, работающих в Париже, Грис воспринял радикально фрагментированные живописные пространства Пабло Пикассо и Жоржа Брака, придав своим работам смелый, графичный вид. Картины Гриса сразу отличить от их, благодаря его опыту иллюстратора, с гладким, почти коммерческим внешним видом и четкими элементами дизайна повсюду.
Достижения
- В то время как Пикассо и Брак наслаждались разрушением условностей живописи, главная цель Гриса заключалась в том, чтобы радовать глаз.Как выразился сам художник, «я предпочитаю эмоцию, которая корректирует правило». Несмотря на его радикальную трактовку изобразительного пространства, его хорошо сбалансированные композиции, насыщенные цвета и традиционные сюжеты популяризировали авангардное движение.
- Подобно Пикассо и Браку, он использовал газетную бумагу и рекламу в своих работах. Однако, хотя они, как правило, разбивали эти элементы на мелкие кусочки, он оставляет нетронутыми больше оригинальных фрагментов рекламы и газетной бумаги, как будто для сохранения целостности оригиналов.
Подняв популярную культуру в область высокого искусства, он стал важным предшественником художников дадаизма и поп-музыки, среди которых были Марсель Дюшан, Стюарт Дэвис и Энди Уорхол. - Он был одним из провидцев (поэтов, хореографов, музыкантов и художников), проложивших дорогу в искусстве. Его костюмы для Русского балета демонстрируют его приверженность междисциплинарному сотрудничеству, идее, которая набрала обороты и стала центральной в современном искусстве.
Подняв популярную культуру в область высокого искусства, он стал важным предшественником художников дадаизма и поп-музыки, среди которых были Марсель Дюшан, Стюарт Дэвис и Энди Уорхол.Биография Хуана Гриса
Человек, который станет Хуаном Грисом, одной из ведущих фигур кубистской живописи, родился Хосе Викториано Кармело Карлос Гонсалес-Перес в Мадриде в 1887 году.Тринадцатый из четырнадцати детей, он посещал Мадридскую школу искусств и мануфактур с 1902 по 1904 год, где изучал математику, физику и механическое рисование. Хотя он был сильным учеником, строгость академической жизни не привлекала его, а его врожденные способности к рисованию побудили его переключить свое внимание на изучение искусства.
Техники постпродакшна: Джулия Стоц о том, как она добивается своего стиля в еде и натюрморте
Хотя Джулия Штотц говорит, что не увлекается постобработкой, она использует ретушь для достижения насыщенных цветов и стиля «запланированного беспорядка», которые определяют ее фотографии еды и натюрмортов.Она хочет, чтобы ее фотографии «ощущались пережитыми моментами, и чтобы в них было немного ощущения реальности», что противоречит тщательному освещению и тщательной композиции. «Я работаю с клиентами, которые понимают этот беспорядок, — объясняет Стоц.
Недавно Калифорнийская комиссия по авокадо и их агентство MullenLowe запросили серию изображений, которые они использовали на своем веб-сайте и в социальных сетях в рамках усилий по ребрендингу. Съемка была «чуть более организованной», чем обычно для нее, говорит Стоц, но ее клиенты все еще были заинтересованы в живых, графических изображениях, которые включали некоторые из «преднамеренных беспорядков», которые передают ощущение реальности.
На большинстве изображений авокадо размещены рядом с другими продуктами. Одна композиция включает в себя множество фруктов на белом фоне. Пятна клубники, граната, грейпфрута и черничного сока усеивают сцену. Другая, более чистая композиция показывает множество тех же фруктов и овощей на бирюзовом бесшовном фоне.
Стотц говорит, что ее освещение помогает ей контролировать, как выглядят цвета при постобработке. Она часто использует направленный свет с заполняющим светом, чтобы сделать цвета «чуть тоньше и насыщеннее, менее резкими и контрастными», — говорит она.© Юлия Стоц
Стотц говорит, что клиент хотел, чтобы фотографии были немного более графичными, чем в предыдущих кампаниях, но не привносили совершенно новый вид. «Мы пытались показать авокадо как графический объект, но убедились, что освещение также может быть мягким и тонким, а не слишком насыщенным, чтобы оно сочеталось с их предыдущими фотографиями», — говорит она. Она работала с нью-йоркской студией ретуши Smooch NYC.
Ретуширует ли она свои собственные изображения или работает с ретушером, постобработка Стотц в основном включает в себя удаление пятен, чтобы очистить некоторые брызги, разливы и преднамеренный беспорядок, к которым она привлечена, и цифровой эквивалент осветления и затемнения, чтобы получить цвет именно такой.«Мои работы насыщены и красочны, но по-своему, — объясняет она, — поэтому они не слишком интенсивны». Ее освещение помогает ей контролировать, как будет выглядеть цвет, когда он корректируется при постобработке. Она часто комбинирует направленный свет с заполняющим, чтобы «сгладить цвета», делая их «немного тоньше и насыщеннее, менее резкими и контрастными», — говорит она. Цвет очарователен для нее отчасти потому, что это «еще один способ контролировать беспорядок».
Ограничение количества цветов, с которыми она работает в данном кадре, а также конкретизация декораций и постановок помогают сохранить чистоту и простоту ее палитры и ограничивают объем необходимой ретуши.
Когда она работает с ретушером, Стоц заранее присылает примеры своей работы, чтобы показать, «насколько мои работы выглядят чистыми, свежими, яркими и открытыми, но при этом не переборщить с тем, что вы удаляете». В тех случаях, когда ей приходится передавать клиенту жесткий диск или папку, она вносит небольшие коррективы в яркость, тон и контраст файлов RAW, чтобы клиент и его ретушер имели представление о том, как она будет работать. как изображения, чтобы выглядеть. «Я надеюсь, что это направит их в этом направлении, потому что он уже введен [в файл], когда они его открывают», — говорит она.По словам Стоц, трудно не участвовать в принятии решений по ретуши, но чаще она сама участвует в принятии решений. «Люди, по крайней мере, хотят знать ваше мнение о том, с кем вы идете на ретушь, и это приятно».
Для съемки калифорнийского авокадо большая часть ретуши заключалась в очистке пятен и мелких капель, сглаживании света на бесшовном фоне и сглаживании авокадо, чтобы они выглядели идеально.
Она говорит, что много споров с ретушером и клиентом было о том, сколько беспорядка нужно оставить.Стоц всегда говорит своему клиенту, что она и ее стилисты снимут «чистую пластину» фона и «построят нашу сцену по ходу дела». Мы начинаем с чистого листа и по ходу дела все запутываем, так что у нас всегда есть тарелка, к которой мы можем вернуться и взять с нее ретушера».
По словам Стотца, съемка стала для нас опытом совместной работы. «Вы должны научиться делать комплименты клиенту и давать и брать вместе с клиентом, но при этом быть в состоянии сделать свою собственную работу в конце». Ключом к этому процессу является хороший творческий разговор с клиентом.«У них есть визуальные отсылки, которые они показывают, у меня есть отсылки, которые я показываю, и, надеюсь, мы сможем встретиться посередине, и они склонятся к моему творческому направлению». Хотя отретушированные изображения были отредактированы при публикации, ее изображения калифорнийских авокадо соответствуют тому, что Стотц запечатлела на камеру, говорит она.
«Я могу поставить две фотографии рядом, и они будут иметь одинаковую чувствительность к ним».
Хотите больше PDN ? Нажмите здесь, чтобы подписаться на нашу рассылку по электронной почте и получать главные новости недели прямо к вам.
Связанный:
Техники постпродакшна, от тонкого до фантастического
Дальновидные фуд-фотографы
Что делает сотрудничество успешным: ретушер Анна Глен, Wet Noodles
Как сделать вашего ретушера счастливым
Связанные статьи
© Алиса Пруджански
Интервью фотографа 7 января 2020 г.
Фоторедактор Леонор Маманна берет интервью у Элис Пруджански о практических сложностях съемки и публикации личного проекта.
Подробнее »
© Мерон Менгистаб
Интервью фотографа 10 декабря 2019 г.
Мерон Менгистаб на съемках фильма «День из жизни Тревора Ноя» для Vice.ком, и его стратегия оставаться занятым.
Подробнее »
© Бенджамин МакМахон
Редакционная фотография 6 декабря 2019 г.