Натюрморт в черном квадрате | Planet360.info
Вчера, 27 сентября, в частной галерее “La nuvola” (Облако) в Риме состоялась презентация персональной выставки работ русского художника Сергея Теплякова.
Italiano English«В искусстве есть одно понимание – это гармония»
Сергей Тепляков
Название экспозиции – “Natura morta” (“Натюрморт”) говорит само за себя. Все работы Теплякова выполнены маслом, очень добротно, по всем правилам и законам реалистической школы живописи. Это первая выставка художника такого масштаба не только в Италии, но и Европе в целом. Раньше в основном проводились показы на закрытых раутах.
В экспозицию вошло 17 работ, 14 из которых были написаны в крайне сжатые сроки – всего за 3 месяца. Все это время живописец практически не выходил из мастерской, порой приходилось работать более 10 часов в день. Причем, сюжеты подбирались специально в итальянском стиле. С одной стороны, мастер максимально приблизился к классическому парадному и банкетному натюрморту, с другой – сохранил живописность произведений.
Дело в том, что проект выставки родился случайно. По словам координатора вернисажа Натальи Зайцевой, владелец галереи “La nuvola” Фабио Фалсаперла (Fabio Falsaperla) увидел фото холстов и сразу ухватился за идею организовать в своей галерее показ картин.
«Я с первого взгляда оценил полотна Сергея Теплякова. В 60-70 годы сам активно занимался живописью, закончил художественную итальянскую школу, и прекрасно знаю, какой титанический труд за всем этим стоит. Я был просто очарован. Отличные работы, высокий профессионализм!», – сказал синьор Фабио.
Открытие экспозиции прошло в теплой дружеской атмосфере. На вернисаже присутствовали ценители живописи из Италии и России, друзья и почетные гости художника и галериста. Гости долго не расходились и с неподдельным восхищением подолгу созерцали полотна, на которых продуманные до мелочей композиции натюрмортов “оживали” за счет неповторимой и сложной световой режиссуры.
И вот результат – так и просятся в рот созревшая черешня, налитые соком груши, оливки, свежие устрицы… аппетитно “заигрывает” вино.
С изумительной тщательностью и игрой света переданы дорогие предметы – серебряные чайник и поднос филигранной работы, дорогой фарфор и стеклянные фужеры!
Полный восторг вызвал «Бокал с виноградом на стекле», где холодный свет, обволакивающий виноградную гроздь и мягко отражающийся на бокале с красным вином, несмотря на черный фон, придает картине объем, воздушность и романтичность!
Натюрморт “Лимоны на стекле”Ощущение невесомости возникает при виде “Лимонов на стекле”, где лишь лёгкие блики обозначают форму вещей.
Многие пытались раскрыть загадку техники мастера, которому удалось передать лимоны с мягко спадающей тонкой спиралью кожуры, натуральный ворс персидского ковра и ткани так, что невольно возникает иллюзия, будто они настоящие и их легко можно коснуться рукой.
На вопрос, какая из работ самая любимая, художник затруднился ответить: «Сложно сказать. В каждой из них есть что-то особенное. В натюрморте со скрипками дерево инструмента получилось роскошным, а в натюрморте с малым парадным кубком очень нравится ткань на переднем плане…»
Предметом всеобщего обсуждения стал черный фон, взятый художником за основу всех работ. Гости вернисажа сошлись во мнении, что, наконец, нашелся человек, который заполнил этот черный квадрат (имеется в виду “Черный квадрат” Малевича, – ред. ) чем-то необыкновенным, красивым, интересным.
По мнению самого виновника мероприятия, ”Черный квадрат” Малевича – не более, чем запугивание зрителя, обычная ирония. «За этим ничего не стоит, и перед этим тоже. И никакой глубокой мысли там нет. В искусстве есть одно понимание – это гармония, – сказал Сергей Тепляков, добавив, что “Сказка про новое платье короля” существует для всех.
Выставка будет работать до 27 октября 2017 г.
по адресу: La Nuvola, Via Margutta 51/a, Roma.
Художник Сергей Тепляков родился в Москве в семье, где к искусству было особое отношение. Его дедушка Михаил Тараев был видным деятелем искусств, народным художником СССР, секретарем союза художников СССР, лауреатом Репинской премии и отмечен другими государственными наградами.
Сергей любил бывать в мастерской своего деда, и наблюдать за его работой и творческим процессом. В их доме бывали многие именитые художники, имеющие мировую известность, и такое общество неизбежно повлияло на формирование творческого вкуса и художественного восприятия молодого художника.
Сергей Тепляков закончил МВХПУ (б. Строгановское), теперь это – Художественная Академия им. Строганова. Его дипломная работа была особо отмечена Государственной комиссией и напечатана в журнале «Изобразительное Искусство».
Его приглашают к работе над реставрацией мозаичных фронтонов и фризов здания отеля «Метрополь» в центре Москвы.
В 1992 году участвует в восстановлении комплекса народного промысла «Гжель».
В 1998 был принят в Союз художников России.
В начале 2000 Сергея Теплякова приглашают в Первую Российскую Галерею керамики и фарфора на должность главного художника.
Сегодня с его творчеством знакомы небольшой круг людей, интересующихся живописью, – творческая интеллигенция, бизнес элита, и люди, работающие в области арт-бизнеса.
Полотна Теплякова нечасто участвуют в официальных выставках, но их можно встретить в частных собраниях, в корпоративных коллекциях не только в России, но и в других странах. Изящество исполнения его работ оставляют приятное впечатление.
Елена Булдакова, Рим.
Фото на память с мастером.
цвет вдохновения чёрный: натюрморт — kuzzy_lien — LiveJournal
Особенно ярко роль чёрного во всех его оттенках проявляется в натюрморте. Представьте, что эти же физалисы и сосуды стоят на любом другом фоне — жёлтом, белом, синим.
Согласитесь, это будет совсем не то.Впервые превратили натюрморт в самостоятельный жанр живописи великие голландцы. в 17 веке. Художники хотели передать всю красоту обычных вещей, обычной жизни. И тёмный фон позволял сделать это особо выпукло.
Балтазар ван дер Аст
Натюрморт как отдельная отрасль выделился около 1600 года. Новый жанр получил в Голландии название «stilleven» (дословно «тихая жизнь»), хотя этот термин стал употребляться лишь в середине XVII века. Под stilleven голландцы подразумевали изображение натуры, неподвижной в момент изображения. Поэтому наряду с цветами, плодами, снедью, посудой, черепами, мёртвой рыбой и битой дичью в голландских натюрмортах XVII века можно увидеть и изображения насекомых, ящериц, и даже птиц и зверей.
Antonio de Pereda ‘Still Life with Fruits’ 1650 Натюрморт
Вслед за голландцами натюрморт пришёл и в живопись других европейских художников. И сегодня тёмный фон для натюрмортов любимый приём художников.
Рашит Талгатович Сафиуллин — Свияжские цветы на чёрном фоне
«Still life with lavender (Levendulás csendélet)» By Béla Tarcsay (Hungarian, 1952)
pastel on paper
Тёмный фон заставляет даже самый обычный предмет выглядеть значительней, ярче
Этот же приём используется и в народном искусстве.
Например, знаменитая жостовская росписьи ещё Жостово
Знаменитые павлопосадские платки. Среди них тоже немало именно с чёрным фоном
Да, платки и подносы — это не совсем натюрморт, но приёмы те же. И многие современные художники используют приёмы, заимствованные из народного искусства.
Так же любили чёрный фон и другие народы
Японская лаковая шкатулка
Древнегреческая краснофигурнуая ваза.
Антикварная китайская ваза
Вот такой он — чёрный цвет.
Натюрморт черно белый. Черно-белый натюрморт и его специфические особенности
Как и любой другой жанр фотографии, натюрморт невозможен без композиции. Более того, натюрморт — именно тот жанр, где композиция играет первостепенную роль и требует самого пристального внимания со стороны фотографа. Ведь репортажному кадру можно многое простить, если автор поймал действительно удачный момент. А домашние снимки — вы замечали, как умиляются мамочки, увидев на фотографии, пусть и бездарной, свое чадо? Вряд ли мы дождемся такого же снисхождения от зрителей, сфотографировав апельсинку с бутылочкой.
Чтобы был положительный эффект, придется постараться. И начинать, конечно же, следует с композиции задуманного кадра.
Условно говоря, композиция в натюрморте — это гармоничное сочетание и взаимодействие объектов в кадре. Посредством композиции можно последовательно показать зрителю все, что вы хотели, создать настроение, передать идею и даже рассказать историю.
Композицию в натюрморте условно можно разделить на несколько типов:
- геометрическая
- пространственная
- цветовая
Геометрическая композиция
Не секрет, что все объекты имеют геометрическую (или приближенную к геометрической) форму. Также не секрет, что человеку свойственно ассоциировать каждую фигуру с чем-то, характерным именно для нее. Так, например, углы подсознательно ассоциируются с указателями. Когда долго смотришь на квадрат или прямоугольник, возникает ощущение стабильности (может быть, потому что наше подсознание дорисовывает устойчивое здание).
А круг создает чувство уюта и успокаивает. Стоит помнить и о том, что горизонтальные линии (лежащий человек) гораздо спокойнее вертикальных (человек стоящий). Что же касается диагоналей, то восходящие линии — ведущие из левого нижнего угла в правый верхний — выглядят напряженнее нисходящих: читаем мы все-таки слева направо, и нашему взгляду приходится «вскарабкиваться» по картинке, чтобы добраться до самого верха. Но в этом скрыто и определенное чувство победы, не так ли?! Нисходящие же линии, идущие из левого верхнего угла к правому нижнему, наоборот, традиционно ассоциируются с расслабленностью, грустью или даже упадком.
Все эти маленькие хитрости можно и нужно использовать в своих целях — в целях передачи концепта, идеи снимка.
Выделение пространством
Если есть необходимость выделить некий предмет в натюрморте, отведя ему роль главного героя, здесь можно сыграть и на пространственной композиции.
Например, поставить главный объект на передний план, впереди всех остальных. Или настроить свет так, чтобы ведущий элемент был освещен ярче всех, а те объекты, которые оказались за и перед ним, были освещены слабее. А можно сделать хитрее — зажечь палочку благовоний или выпустить сигаретный дым, нарисовав таким образом в кадре воздушную перспективу: основное внимание будет акцентировано на передних объектах, поскольку дальние утонут в романтической дымке.
Также сыграть можно и на технических аспектах работы фотокамеры: если хочется детально показать каждый предмет, включая задник или драпировки, то съемка должна проводиться при закрытой диафрагме. Но если важно выделить какой-то один предмет, то диафрагму нужно раскрыть максимально. Не стоит игнорировать и возможности оптики: на кадрах, сделанных с помощью широкоугольных объективов, предметы сильно искажены, и чем ближе к камере объект, тем более крупным он будет казаться по отношению к отдаленным. И наоборот, большие фокусные расстояния «собирают» перспективу, пространство делается гораздо более плоским.
Цветовая композиция
Если фотосъемка ведется в ч/б, нам не пригодятся знания о свойствах цветового воздействия. Но в случае, если фоторабота запланирована в цвете — не стоит игнорировать эту сферу исследований. Обратив свой взгляд к психологии цвета, мы увидим, что каждый из цветов имеет, помимо своей оригинальной окраски, собственную смысловую нагрузку. Теплые цвета (оранжевый, желтый, красный, терракотовый) напоминают нам о лете, солнце, тепле. Это первая ассоциация, возникающая при взгляде на фотографию, решенную в этих тонах. Кроме этого, из курса живописи можно узнать, что такие предметы кажутся визуально ближе. Чего не скажешь о холодных цветах: синем, зеленом, розовом, фиолетовом — эти цвета немного отдаляют объект от зрителя, а ассоциируются как правило с зимой, холодом, водой.
Важно помнить и о контрасте, иногда на нем можно сыграть, но часто непродуманные цветовые сочетания отталкивают или искажают смысл всей постановки. Если вы решите фотографировать огурец на оранжевом фоне, подумайте, не будет ли фон перетягивать внимание на себя? И действительно ли этого вы хотели добиться? Также нужно помнить о том, что любой предмет обладает способностью отражения или поглощения цветовых оттенков предметов, находящихся рядом, и даже два одинаковых по цвету предмета на одном фоне могут выглядеть по-разному именно из-за различия их фактур.
Влияние на зрителя оказывает и насыщенность цвета: композиции в мягких пастельных тонах будут создавать ощущение покоя и ностальгии, а яркие, кричащие краски, наоборот, годятся для привлечения внимания, передачи экспрессии, напористости. Именно поэтому яркие цвета так любимы рекламными фотографами, в то время как арт-фотография нередко тяготеет к приглушенному, спокойному тону.
Конечно же, любая композиция целиком должна подчиняться общему колориту, закону внутри картины — иначе она будет разваливаться. Именно поэтому следует быть осторожным с цветовыми контрастами, они могут оказать серьезное влияние — как сделать работу интереснее, так и разрушить ее, расставив ненужные акценты.
Черное и белое
Несмотря на отсутствие цвета, в черно-белом натюрморте царствуют свои законы, и контраст тут также играет немаловажную роль. Сам же цвет в этом случае сменяется тоном — другая игра, но в ней тоже есть правила!
Наверняка вы замечали, что полные женщины очень редко ходят в белом.
Дело в том, что белый цвет кажется объемнее черного. На черно-белом снимке глаз в первую очередь схватывает самые светлые пятна и только потом перебирается к темным. На этом эффекте построено множество визуальных картинок-обманок: если посмотреть на лист в ровную черно-белую полоску, непременно будет казаться, что белые полосы шире. Нужно всегда принимать во внимание это правило при постановке композиции, а также учитывать, что ярко-белый предмет, будет он на переднем или заднем плане, обязательно покажется в этой композиции главным, и взгляд будет падать в первую очередь на него.
Контрасты
Как уже говорилось, контрасты играют особую роль. Существуя в рамках одной композиции в изображении, они могут как выделять предметы, так и, наоборот, скрывать их. Произведение, построенное на еле заметных колебаниях света и тени без акцентирующих внимание зрителя пятен, кажется однообразным, монотонным, невыразительным. Резкие же контрасты создают напряжение, динамику.
Правило третей
Конечно же, в разговоре о композиции нельзя не упомянуть и правило третей.
Проведя в уме через кадр четыре линии — две, делящие его на три равные части по горизонтали, и две, проведенные по вертикали, — можно вычислить наиболее эффективные зоны кадра: они находятся в точках пересечения четырех линий друг с другом. В этих зонах лучше всего размещать главный объект композиции.
В действительности правило третей — это упрощенное правило золотого сечения, получить которое будет несколько сложнее. Для этого кадр нужно разбить на восемь частей по горизонтали и вертикали. А затем провести справа и слева, а также снизу и сверху, линии на расстоянии 3/8. На пересечении этих линий и будут находиться точки золотого сечения. Но разбиение на три части гораздо удобнее, чем на восемь частей, поэтому оно используется в композиции чаще: разница зрителю не столь заметна, а гармония в кадре при соблюдении любого из этих правил — очевидна.
Ритм
Ритм, то есть повторение одинаковых или похожих линий — очень мощный композиционный инструмент, позволяющий манипулировать взглядом зрителя.
По «дорожке» из чередующихся объектов можно увести очень далеко. Но не стоит переигрывать — ритм может и убить всю композицию, лишив ее динамики и сделав монотонной.
Внутренние связи
При создании постановки для фотосъемки необходимо следить, чтобы между предметами в кадре обязательно была связь. Предметы могут быть связаны по форме (яйцо и луковица), по цвету (помидор и красный перец), по смыслу (яблоко и палочки корицы). Предметы должны обязательно сообщаться, увлекать зрителя, переводящего взгляд с одного предмета в натюрморте на другой. Такой подход придает целостность композиции, делает ее интересной, понятной и одновременно загадочной — вовсе не обязательно раскрывать все внутренние связи сразу, самое интересное можно спрятать внутри композиции или ненадолго скрыть от зрителя, например, светом.
О композиции можно говорить бесконечно долго, но главное, на чем строится натюрморт (как, впрочем, и фотография в любом другом жанре) — это идея, сюжет и душа снимка.
А композиция — такой же инструмент в руках фотографа, как и сам фотоаппарат. Помните о том, что вы хотите донести до зрителя! И используйте все имеющиеся композиционные приемы в своих целях.
Декоративный натюрморт в художественном училище студенты выполняют по следующей методике:
1. Компоновка предметов в листе.
2. Трансформация (стилизация формы).
3. Наложение или заплетение силуэтов между собой.
4. Заполнение силуэтов текстурой и декоративным решением.
Как известно, натюрморт — это постановка из неодушевлённых предметов. В станковой живописи натюрморты пишут традиционно: лепят объём предметов, передают светотень, линейную и воздушную перспективу, пространство… В декоративном же натюрморте это становится неважным. Форма изображаемых предметов становится плоской и условной. Светотень отсутствует. Вместо неё каждый силуэт прорабатывается декоративно.
На трансформации формы нужно остановиться отдельно. Её суть заключается в преобразовании изначальной формы предмета в условную.
Т. е. рисунок упрощается, лишается ненужных деталей. Форма приводится к условно-геометрической, т. е. основывается на простых геометрических фигурах (круг, прямоугольник, треугольник…). Например, кувшин можно составить из круга и цилиндра, а сверху и с низу завершить окружностями или эллипсами. Таким образом, остаётся лишь характер предмета. Он должен быть узнаваем. А контуры уже будут трансформированы и приведены к общему стилю.
Наложение или заплетение силуэтов — это прием в декоративном искусстве и дизайнерском деле. Наложение силуэтов друг на друга понятно по определению — это когда предметы заслоняют друг друга и изображение становится как бы многослойным. А вот заплетение сложнее. Например, когда часть кувшина загораживается яблоком, то пересекающиеся части кувшина и яблока могут быть отображены художником совершенно другим цветом. Предметы становятся как бы «прозрачными» и их пересекающиеся части видны зрителю. Силуэты предметов переплетаются настолько замысловатым образом, что в итоге, их порой бывает трудно различить.
И это придает декоративной работе особую привлекательность.
Заполнение контуров предметов текстурой — не представляет особой сложности. Можно делать набрызг краски, можно укладывать краску хаотичными мазками и т. д. Но заполнить силуэт декоративным решением сложнее. Художник придумывает некий «орнамент», хотя это слово здесь не совсем подходит. Этим «орнаментом» он заполняет силуэт. Создается же этот «орнамент» на основе образующей линии. Образующая линия — это линия, которая образует контур предмета. Например, контур греческой амфоры будет грациозно изогнутым. Поэтому и внутреннее декорирование силуэта будет основано на изогнутых подобным образом линиях. Отдельные части такого декорирования предметов, также как и сами предметы могут быть заплетены. Также, между ними можно пропустить буквальный орнамент. Поэтому, такое декорирование — это не просто заполнение силуэтов только текстурой или открашиванием. Это более сложный процесс. Но и более эффектный, на котором основана суть декоративного натюрморта.
Слово «натюрморт» происходит от французского словосочетания «nature morte» и означает умерщвленная или мертвая природа. Но мне кажется, что суть этого вида искусства лучше передает английское выражение «still life» — «неподвижная, застывшая жизнь». Ведь по своей сути натюрморт — ни что иное, как запечатленный кусочек жизни.
Собирая материал для этой статьи, я столкнулась с определенными трудностями. На первый взгляд снять натюрморт проще простого. Поставил на стол чашку, добавил к ней каких-нибудь деталей, установил свет и щелкай себе затвором. Фотомодели всегда под рукой, неограниченное время для съемки. Удобно и затраты минимальные. Потому так и любят этот жанр начинающие фотографы. И некоторые добиваются очень даже интересных результатов. Зайдите на любой фотографический сайт, выберите соответствующий раздел и любуйтесь действительно шикарными картинками. Но проходит время, и у многих возникают вопросы: «А зачем это снимать? Кому это нужно? Что я с этого буду иметь?» Не найдя ответов на эти вопросы, многие переключаются на свадебную, детскую или анималистическую фотографии, которые дают определенный доход.
Натюрморт не пользуется особым уважением и у мастеров фотографии. Не доходное это дело. Если что-то и может принести, так это только эстетическое удовлетворение. И снимают натюрморты время от времени, так сказать, для оттачивания своего мастерства.
Но остаются единицы, которые видят в натюрморте, нечто большее, чем просто красивую картинку. Вот этим мастерам натюрморта я и посвящаю свою статью.
Признаюсь, вначале я хотела сделать подборку работ фотографов, которые мне нравятся, и которые по праву занимают первые места в рейтингах на различных фотосайтах. А потом возник вопрос: «зачем?» Все умеют пользоваться интернетом, большинство ни один раз проштудировали фотосайты, с лучшими работами знакомы, а информацию про заинтересовавшего их фотографа всегда можно найти при помощи поисковика. Я решила рассказать об Особых фотографах, — тех, чье творчество переворачивает признанные каноны с ног на голову, кто действительно внес в фотографирование натюрморта нечто новое, кто сумел увидеть в обыденных вещах что-то необыкновенное.
По-разному можно относиться к их творчеству: восхищаться или, наоборот, не принимать. Но, однозначно, их работы не могут оставить равнодушным никого.
1. Кара Барер (Cara Barer)
Кара Барер (1956), фотограф из США, выбрала для съемок один предмет — книгу. Преобразовывая ее, она создает удивительные книжные скульптуры, которые и фотографирует. Рассматривать ее фотографии можно бесконечно. Ведь каждая такая книжная скульптура несет определенный смысл, причем неоднозначный.
2. Гвидо Мокафико (Guido Mocafico)
Швейцарский фотограф Гвидо Мокафико (1962) в своем творчестве не ограничивается одним предметом. Ему интересны разные объекты.
Но даже взяв какой-то единичный предмет, он получает удивительные работы. Знаменита его серия «Movement» («Движение»). Вроде бы просто взяты механизмы часов, а ведь у каждого, если вглядеться, свой характер.
В натюрмортах, как известно, снимается «неживая природа».
В своей серии «Змеи» Гвидо Мокафико нарушил это правило и за объект натюрморта взял живое существо. Змеи, свернутые калачиком, создают удивительную, яркую и неповторимую картинку.
Но фотограф создает и традиционные натюрморты, снимая их в голландском стиле, и используя в качестве реквизита по-настоящему «неживые предметы».
3. Карл Клейнер (Carl Kleiner)
Шведский фотограф Карл Клейнер (1983) для своих натюрмортов использует самые обычные предметы, составляя их в причудливые картинки. Фотографии Карла Клейнера красочны, графичны и экспериментальны. Фантазия его безгранична, он использует совершенно разные материалы, от бумаги до яиц. Все, как говорится, идет в дело.
4. Чарльз Грогг (Charles Grogg)
Натюрморты американца Чарльза Грогга выполнены в черно-белом варианте. Фотограф для съемок тоже использует обычные бытовые предметы, имеющиеся в каждом доме. Но экспериментируя с их расположением и сочетая в необычных комбинациях, фотограф создает поистине фантастические картины.
5. Чема Мадоз (Chema Madoz)
Уверена, что работы Чема Мадоза (1958), фотографа из Испании знакомы многим. Его черно-белые натюрморты, выполненные в сюрреалистическом стиле, никого не оставляют равнодушными. Уникальный взгляд фотографа на обычные вещи восхищает. Работы Мадозы полны не только юмора, но и глубокого философского смысла.
Сам фотограф говорит, что его фотографии выполнены без всякой цифровой обработки.
6. Мартин Климас (Martin Klimas)
В работах Мартина Климаса (1971), фотографа из Германии, тоже никакого фотошопа. Только короткая, вернее, суперкороткая, выдержка. Его специально разработанная методика позволяет запечатлеть уникальный момент, который человеческий взгляд даже не может увидеть. Снимает Мартин Климас свои натюрморты в полной темноте. При помощи специального приспособления в момент разбивания предмета на доли секунды включается вспышка. И камера фиксирует Чудо.
Вот вам и просто вазы с цветочками!
7. Джон Червински (John Chervinsky)
Американец Джон Червински (1961) — ученый, работающий в области прикладной физики. И его натюрморты представляют собой некую смесь науки и искусства. Тут и не поймешь: то ли натюрморт, то ли учебное пособие по физике. При создании своих натюрмортов Джон Червински использует законы физики, получая невероятно интересный результат.
8. Даниэль Гордон (Daniel Gordon)
Даниэль Гордон (1980), фотограф из Америки, научными проблемами не обеспокоен. При фотографировании натюрмортов он выбрал другой путь. Распечатывает на принтере цветные картинки, скачанные из интернета, мнет эти бумажки, а потом заворачивает в них разные предметы. Получается что-то наподобие бумажных скульптур. Ярко, красиво, оригинально.
9. Эндрю Майерс (Andrew B. Myers)
Натюрморты Эндрю Майерса (1987), фотографа из Канады, не спутаешь ни с какими другими — они всегда узнаваемы.
Простой нежный, спокойный фон, много пустого пространства, что создает ощущение наполненности изображения светом и воздухом. Чаще всего для создания натюрмортов использует предметы 70-80-х годов. Его работы графичны, стильны и вызывают определенную ностальгию.
10. Регина ДеЛуис (Regina DeLuise)
Для создания своих работ Регина ДеЛуис (1959), фотограф из США, не использует зеркальную фототехнику. Она выбрала другой способ — отпечатывает негативы с фотопленки на специальной тряпичной бумаге. Ее поэтические образы содержат большой диапазон тонов и множество текстур. Натюрморты очень нежны и поэтичны. Изумительная игра света и теней.
11. Бохчанг Ку (Bohnchang Koo)
Бохчанг Ку (1953), фотограф из Южной Кореи, предпочитает белый цвет. Созданные им натюрморты — белое на белом — просто поразительны. Они не только красивы, но и несут определенный смысл — сохранение древней корейской культуры.
Ведь фотограф специально путешествует по миру, выискивая в музеях предметы культурного наследия своей страны.
12. Чен Вей (Chen Wei)
Чен Вей (1980), фотограф из Китая, наоборот, находит вдохновение для своих работ вблизи от дома. Показывая странные пространства, сцены и объекты, он использует реквизит, выброшенный другими на свалки.
13. Алехандра Лавиада (Alejandra Laviada)
Алехандра Лавиада , фотограф из Мексики, для своих съемок использует разрушенные и заброшенные здания, создавая натюрморты из найденных там предметов. Ее натюрморты рассказывают настоящие истории о людях, что жили в этих зданиях и пользовались оставленными за ненадобностью вещами.
Шахматная стилизация натюрморта. Мастер-класс с фото
Елена Алексеевна Надеенская, учитель изобразительного искусства МОУ «Арсеньевская СОШ», п.Арсеньево, Тульская область.Описание : материал будет интересен учителям изобразительного искусства, воспитателям, педагогам дополнительного образования, творческим детям 10-12 лет.
Назначение : использование на уроках изобразительного искусства, работа может служить украшением интерьера, отличным подарком или выставочным экспонатом.
Цель: выполнение натюрморта с использованием членения изображения на части (клетки)
Задачи:
-знакомить с разнообразием техник декоративного изображения натюрморта;
— развить чувство композиции, воображения, развить творческие способности;
— совершенствовать навыки работы гуашью; упражнение в умении работать с кистью различного размера в соответствии с поставленной задачей,
— воспитывать интерес к основам изобразительной грамоты.
-воспитать аккуратность, любвь к изобразительному творчеству.
Материалы:
-гуашь черная (можно использовать тушь)
-кисти №2, №5
-карандаш
-линейка
-ластик
-лист А3
Натюрморт — это жанр изобразительного искусства, посвященный изображению предметов быта, фруктов, овощей, цветов и т.д.
Как самостоятельный жанр, натюрморт получил свое развитие в 17 в.
в творчестве голландских художников. И в настоящее время жанр довольно широко используется современными художниками и дизайнерами. Наряду с реалистичным изображением очень часто можно встретиться с понятием «декоративный натюрморт».Для декоративного натюрморта характерно условное, упрощенное изображение форм, стилизация.
Очень большое внимание уделяется цветовому решению, колориту –цветовому сочетанию, используемому в композиции. Частым является использование контрастных цветов. Самым гармоничным контрастным сочетанием является соотношение черного и белого цвета. Это сочетание активно используется в графике, одежде, интерьере и т.д.
Нашу сегодняшнюю композицию натюрморта мы попробуем выполнить используя сочетание черного и белого цвета, но к цвету, мы добавим еще и понятие членения плоскости на части – клетки. Вспомним расположение цветовых клеток-полей на шахматной доске, обратим внимание, что одноименные по цвету поля никогда не объединяются общей стороной, они касаются друг друга только в одной точке.
Эту особенность мы и попробуем использовать в работе над композицией натюрморта. Ход работы
1. Продумав композицию, выбираем расположение листа. Намечаем местоположение предметов. Если в данной технике вы работаете впервые — старайтесь не усложнять композицию наложением формы одного предмета на другую.
2. Намечаем конструкцию предметов ломаными линиями. Так как натюрморт будет декоративным — не нужно стремиться к передаче объема, достаточно будет плоскостного построения.
3. Уточняем контуры формы предметов. Более плавными линиями обводим контуры вазы, чашки, прорисовываем стебли цветов, фрукты. Удаляем линии построения.
4. Намечаем падающие тени. Разделяем плоскость листа на одинаковые по величине клетки с помощью линейки. Оптимальной величиной клетки для альбомного листа (А4) – 3 см, если лист большего размера (А3), то можно увеличить длину стороны клетки до 5 см. Если опыта в подобном изображении натюрморта нет — старайтесь не усложнять задачу уменьшая величину клеток.
5. Начинаем закрашивание клеток гуашью черного цвета. Краску стараемся брать густую, чтобы слой краски был достаточно плотным и однородным. Если в пределы клетки попадает форма предметов, то ее оставляем не окрашенной. Начинать вести работу лучше с крайних клеток, постепенно продвигаясь в середину композиции.
6. Переходим к закрашиванию клеток в середине композиции, не заходя за контуры предметов.
7. После завершения окрашивания фона, начинаем проработку цветом частей предметов, которые попали на белые клетки.
8. Продолжая работать над окрашиванием отдельных элементов подходим к завершению работы. Уточняем линии формы предметов, исправляем неточности и неаккуратные контуры клеток.
Работа готова.
Спасибо за внимание! Желаю всем творческих успехов!
Фотографии натюрмортов, как известно, встречаются довольно часто. Зачастую многие фотографы любят преподносить свои натюрморты в черно-белом варианте. Для этого необходимо найти объекты, сравнить повседневные объекты в своем окружении, а также усилить разницу в фактурах и тонах.
Преобразование в черно-белый вариант дает много возможностей при просмотре самой фотографии.
Черно-белый натюрморт позволяет сосредоточиться на линиях фотографии, фактурах и формах. В данном случае на этих элементах сосредоточиться гораздо легче, так как не нужно отвлекаться на цвета. Хорошее использование данного приема позволит не только получить более объективное изображение с точки зрения ее целостности, но и усилить напряжение между различными объектами и материалами. Такие комбинации можно найти везде, например, в парке, на берегу и т.д. Можно осуществлять фотосъемку любых объектов. Кроме того можно фотографировать объекты парами, либо в большем количестве. Необходимо отметить, что не рекомендуется применять одни и те же методы преобразование фотографии в черно-белый вариант.
Для создания черно-белого натюрморта необходимо обладать:
Забытый художник получает свой момент на солнце с выставкой «Натюрморт в реальной жизни» в Гарфилд-парке | Chicago News
«Натюрморт в реальной жизни», выставка в консерватории Гарфилд-Парк до 17 октября 2021 г.
(Пэтти Ветли / WTTW News)
Как художник, специализирующийся на натюрмортах и пейзажах, Чарльз Итан Портер, живописец конца 19 века, переносил сцены с натуры на холст.
Теперь Консерватория Гарфилд-Парк изменила процесс, используя лопаты вместо кистей и растения вместо красок, чтобы превратить свой Сад художника в живую интерпретацию работ Портера.
Получившаяся в результате выставка «Натюрморт в реальной жизни» продлится до 17 октября и представляет собой своего рода скачок вперед для консерватории. В то время как прошлогодняя выставка в саду «Цветы Моне» опиралась на некоторые из наиболее общепризнанных образов в каноне западного искусства (см. «Водяные лилии»), с Портером консерватория знакомит посетителей только с фигурой. недавно спас от анонимности.
«Я действительно хочу, чтобы люди знали его», — сказал Питер Вроцос, заместитель директора по садоводству Чикагского паркового района.«Он слишком талантлив, чтобы его не знали».
Чарльз Итан Портер был художником конца 19 века, специализирующимся на натюрмортах и пейзажах.
(Консерватория Гарфилд Парк / Facebook)
Портер родился в Коннектикуте в середине 1800-х годов в семье свободных афроамериканских родителей и стал первым афроамериканцем, поступившим в Национальную академию дизайна в Нью-Йорке. Любовь к природе побудила его писать натюрморты с цветами и фруктами, в частности с яблоками, а позже и пейзажи. По мнению ученых, в свое время он был единственным чернокожим художником, специализирующимся на этих жанрах.
Среди его отличительных черт: тонкое чувство цвета, менее напыщенные аранжировки и необычные сюжеты, в том числе насекомые и треснувшие арбузы.
«Его работа такая красивая», — сказал Вроцос. «Это как-то кажется более своевременным, более актуальным, чем некоторые из старых голландских мастеров».
Хотя Портер рано встретил похвалу и успех, его работы приобрел не меньший поклонник, чем Марк Твен, он продавал все меньше и меньше картин по мере того, как шли годы, а вкусы менялись. Как и многие художники до него, Портер умер в относительной безвестности в 1923 году.
Интерес к его творчеству начал возрождаться в 1980-х годах, и к 2008 году Портер стал героем своей первой музейной выставки. Небольшая часть его картин сейчас хранится в коллекциях таких учреждений, как Метрополитен-музей и Смитсоновский музей американского искусства, но подавляющее большинство остается неизвестным или находится в руках людей, которые могут не знать об их значении.
Возможно, выставка в консерватории побудит кого-нибудь присмотреться к картине, пылящейся на чердаке или в подвале, и, возможно, обнаружить давно потерянного Портера.По крайней мере, как сказал Вроцос, он надеется, что это заставит людей читать о Портере.
— Я просто хочу, чтобы люди были знакомы с его работами, — сказал Вроцос.
Парадная аллея Сада художника. (Пэтти Ветли / Новости WTTW)
Подобно фильму или телешоу, «навеянному реальными событиями», экспозиция консерватории не пытается рабски воссоздать сцены с картин Портера, а скорее предлагает интерпретацию его эстетики.
В некоторых случаях это означало группировку растений, найденных на определенных картинах Портера, например, повторяющееся сочетание овса, кукурузы и подсолнечника.
Среди наиболее уникальных элементов выставки — полукруглая часть сада, которая призвана имитировать творческий процесс Портера, трюк, выполненный с помощью серии цветочных клумб, которые превращаются из едва засаженных на одном конце в вечно полные и пышные на другом, последний патч приравнивается к законченной картине.
Узнайте больше о выставках:
Изображения картин Портера, в том числе «Осенний пейзаж», размещены по всей экспозиции консерватории.(Пэтти Ветли / Новости WTTW)
изображения картин Портера, в том числе «Осенний пейзаж», размещены по всей экспозиции консерватории.
Живая стена выставки отдает дань уважения «Осеннему пейзажу» Портера с травами и цветами различной текстуры и цвета, населяющими пейзаж картины. (Пэтти Ветли / Новости WTTW)
Яркая живая стена выставки отдает дань уважения «Осеннему пейзажу» с каскадом трав и цветов, вдохновленных различными текстурами и цветами, населяющими пейзаж картины.
Портер любил рисовать клубнику. На выставке представлены не только настоящие фрукты, но и цветок гомфрена (он же шаровидный амарант), выбранный потому, что он похож на клубнику. (Пэтти Ветли / Новости WTTW)
Портер любил рисовать клубнику. По словам Вроцоса, на выставке представлены не только настоящие фрукты, но и цветок гомфрена (он же шаровидный амарант), выбранный потому, что он похож на клубнику.
Среди экспонатов экспозиции — группы, «обрамленные» кружочками красного колеуса.(Пэтти Ветли / Новости WTTW)
Среди фокусов выставки — группы растений, «обрамленные» похожими картинами кружочками красного колеуса. Вроцес признал, что ставить тенелюбивый колеус на солнце было рискованно, но растения держались хорошо. Хотя группы должны были быть в основном идентичными, кролики досаждали насаждениям оранжереи и нарушали некоторые из самых продуманных планов.
Кукуруза редко встречается в декоративных садах, но Портер включил ее в одну из своих наиболее известных картин.
(Пэтти Ветли / Новости WTTW)
Кукуруза редко используется в декоративных садах, но Вроцес сказал, что консерватория выбрала ее для выставки, потому что Портер включил ее в одну из своих наиболее известных картин «Натюрморт с кукурузой».
Гвоздики впали в немилость, но Портер любил их рисовать. По счастливой случайности насаждения оранжереи сформировали намеченную добычу, потянувшись к солнцу. (Пэтти Ветли / Новости WTTW)
В последнее время гвоздики потеряли популярность у флористов, но они были среди цветов, которые Портер часто использовал в своих картинах.В счастливом садовом «несчастном случае» гвоздики в оранжерее образовали непреднамеренную хабарку, изгибаясь, чтобы дотянуться до солнца.
На выставке «Сад художника» представлено от 8 000 до 10 000 отдельных растений, в том числе привлекательный амарант. Многие растения были выращены из семян, начиная с февраля.
Связаться с Пэтти Ветли: @pattywetli | (773) 509-5623 | [электронная почта защищена]
черный — Натюрморт с фруктами
При нажатии на каждое изображение открывается увеличенный вид.
Натюрморт с фруктами Жаклин Блэк, Atelier d’Art Le Delmazou – офсетная литография, репродукция постера
НАЗВАНИЕ: Натюрморт с фруктами
СОЗДАНИЕ: Конец 20 века
ХУДОЖНИК: Жаклин Блэк (Великобритания, 1933-2000)
ЦЕНА: 65,00 $ (CAD)
НОМЕР НА АКЦИИ: BJ141pv
РАЗМЕР ИЗОБРАЖЕНИЯ (В x Ш): 31,5 x 23,25 дюймов | 80 x 59 см
РАЗМЕР ЛИСТА (В x Ш): 31.5 x 23,25 дюймов | 80 x 59 см
СОСТОЯНИЕ:
Изображение: отличное состояние; Поля: незначительные следы обработки по краям
АВТОРСКОЕ ПРАВО И ИЗДАТЕЛЬ: авторское право принадлежит художнику/художнику, если на произведении не указано иное.
ОБ ОРИГИНАЛЬНОЙ РАБОТЕ И ДРУГАЯ ИНФОРМАЦИЯ, НАПЕЧАТАННАЯ НА ПОЛЯХ:
ПРИМЕЧАНИЯ К ГАЛЕРЕЕ:
Жаклин Блэк была британской художницей, которая много лет жила и работала во Франции, а «Дельмазу» относится к дому, в котором жила она жила.
(Спасибо члену семьи г-жи Блэк, который отправил нам эту информацию по электронной почте.)
by Artist: 1900s, Black, Jacqueline, Jacqueline Black
by Collection: Contemporary, Flower Bouquet, Fruits & Vegetables, Impressionism, Modern, Still Life
900 Size80 by Shape: Vertical
Image by Collection: Большой
by Art Mediums: Цветное изображение на бумаге, Художественная графическая репродукция, Без рамы, Офсетная литография, Открытое издание, Плакат, Подписанная пластина
Эта запись была опубликована галереей Керрисдейл.Добавьте постоянную ссылку в закладки.
Искусство афроамериканцев в LACMA
Как упоминалось в предыдущем посте, в настоящее время мы готовимся представить онлайн-материалы из архива LACMA для его знаменательной выставки 1976 года Два века искусства афроамериканцев .
Чтобы сопровождать основные выставочные материалы, которые впервые будут доступны в цифровом виде, мы разработали сопутствующий контент, чтобы обеспечить дополнительный историко-художественный и институциональный контекст для этой исторической выставки. Одна особенность, которой я особенно взволнован, — это список работ афроамериканских художников в постоянной коллекции LACMA, а также тот факт, что те из них, которые общедоступны в онлайн-коллекциях, теперь можно найти на целевой странице американского искусства.Никогда прежде у посетителей не было возможности отправиться в одно место, чтобы увидеть динамичный диапазон афроамериканского искусства в коллекции – искусство, созданное в течение более 150 лет в бесчисленных художественных стилях. Самая ранняя работа в коллекции — поразительный натюрморт Роберта Дункансона 1849 года, а самая последняя — неоновый Rückenfigur Гленна Лигона, сделанный в 2009 году, который будет выставлен в рамках выставки Человеческая природа: современное искусство из коллекции BCAM 13 марта.
Лигон Америка
Glenn Ligon, Rückenfigur, 2009 г., подарок Комитета коллекционеров 2010 г.
Удивительно иметь возможность прокручивать изображения и находить такое количество шедевров, некоторые из которых выставлены в галереях — онлайн-запись объекта сообщит вам, находится ли произведение «в настоящее время в открытом доступе».«С кураторской точки зрения также интересно наблюдать за тем, как работы попадают в постоянную коллекцию музея. (Вы можете найти эту информацию, взглянув на инвентарные номера — первые числа, которые появляются отдельно или после начальной буквы (букв), указывают год, когда объект поступил в музейную коллекцию.) Некоторые из моих любимых — исторические приобретения. Например, первой работой афроамериканского художника, которую когда-либо приобрел музей, была картина Генри Оссавы Таннера «Даниэль в логове льва ».Мистер и миссис Уильям Харрисон, чья коллекция составляла основу коллекции американского искусства LACMA, приобрели эту прекрасную и элегическую картину непосредственно у художника в 1918 году и подарили ее музею в 1922 году.
коллекция произведений искусства с тех пор и сейчас выставлена на обозрение.
Таннер
Генри Оссава Таннер, Дэниел в логове львов, 1907–1918, коллекция мистера и миссис Уильяма Пресона Харрисона
Другие знаковые приобретения, безусловно, включают в себя « Дело о несправедливости » Дэвида Хэммонса (1970), которое также будет представлено в «Человеческая природа ».Хэммонс проделал эту мощную работу в ответ на приказ судьи Джулиуса Хоффмана связать и заткнуть рот соучредителю «Черной пантеры» Бобби Силу, который был ответчиком в 1969 году на процессе над Чикагской восьмеркой, группой, обвиненной в заговоре и подстрекательстве к беспорядкам в 1968 году. Национальный съезд Демократической партии. Хэммонс использовал свое собственное тело, покрытое маргарином и графитом и прижатое к бумаге, обрамленной настоящим американским флагом, чтобы создать этот уникальный «отпечаток тела». Музей выставил Дело о несправедливости на своей выставке 1971 года Три художника-графика: Чарльз Уайт, Тимоти Вашингтон, Дэвид Хэммонс и приобрел его на свой фонд через галерею Brockman Muse Gallery, основанную в Лос-Анджелесе в 1967 году братьями и художниками Алонзо и Дейлом.
Дэвис.
4×5 оригинал
Дэвид Хэммонс, Дело о несправедливости, 1970, Музейный фонд
Натюрморт | Young Magic
Начало работы над новым альбомом Young Magic «Still Life» совпало с тем, что певица Мелати Малай вновь посетила свою родину в Индонезии, где она родилась. Потеряв отца в прошлом году, она вернулась на остров Ява, чтобы воссоединиться со своей семьей, раскопать истории и начать работу над новым сборником музыки.«Мой отец был для меня загадкой, — говорит Мелати.«Как мальчик со Среднего Запада оказался в джунглях Борнео в 60-х годах, променяв свои часы и блок сигарет на надгробия местных охотников за головами?»
Поиски привели Мелати вглубь истории ее семьи. Она арендовала небольшую хижину у воды на месяц и, имея только рюкзак и микрофон, начала запись, раскрывая прошлое, полное суеверий, черной магии и связей с королевской семьей Явы.
«Меня всегда разрывало, словно какой-то гибрид, существующий между двумя мирами, — говорит Мелати.
«Родился у отца-католика и матери-мусульманки, вырос двуязычным, посещал международную школу в Джакарте, где все мои друзья были из разных стран… в городе с населением 30 миллионов человек, где столкновение между бедностью и изобилием крайне велико».
«Still Life» — это глубоко личная и своеобразная запись, где-то близкая к очарованным царствам электронной поп-музыки, занятым Björk и Broadcast, но уникальная для Young Magic. Найденные звуки и текстуры занимают видное место в «Натюрморте», в том числе яванский гамелан, расцветая восторженными взрывами во время кульминации «Люсьена.Мелати обосновывает текстурированный звуковой мир стрелами, направленными прямо в сердце, как в захватывающей песне How Wonderful, где певец переполняется сожалением по поводу «всего того, что я никогда не говорил». Это настолько личное, насколько когда-либо была группа.
«В некотором смысле «Натюрморт» стал своего рода антитезой миру, где люди говорят вам, кому молиться, на что покупать и кто должен быть вашими врагами.