День: 20.08.1982

Учимся разбираться в искусстве

В данной публикации рассмотрим такие направления в искусстве, как Реализм, Импрессионизм, Фовизм, Моде́рн, Экспрессиони́зм, Куби́зм, Футури́зм, Абстракциони́зм, Дадаи́зм, Супремати́зм, Метафизическая живопись, Сюрреали́зм, Активная живопись, Поп-а́рт и Минимали́зм.

Но сначала коллаж:)

Нажмите на картинку для увеличения

Теперь кратко рассмотрим указанные направления искусства.

Реализм — (лат. вещественный, действительный) – направление в искусстве, ставящее целью правдивое воспроизведение действительности в её типических чертах.

Импрессионизм — направление в искусстве последней трети XIX — начала XX веков, представители которого стремились наиболее естественно и непредвзято запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления.

Фовизм — направление во французской живописи конца XIX — начала XX века, характеризуется яркостью цветов и упрощением формы.

Моде́рн — художественное направление в искусстве, наиболее популярное во второй половине XIX — начале XX века. Его отличительными особенностями является отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, «природных» линий.

Экспрессиони́зм — течение в европейском искусстве, получившее развитие примерно в начале 1905—1920 годов, характеризующееся тенденцией к выражению эмоциональной характеристики образов (обычно человека или группы людей) или эмоционального состояния самого художника.

Куби́зм — авангардистское направление в изобразительном искусстве, прежде всего в живописи, зародившееся в начале XX века и характеризующееся использованием подчеркнуто геометризованных условных форм, стремлением «раздробить» реальные объекты на стереометрические примитивы.

Футури́зм — общее название художественных авангардистских движений 1910-х — начала 1920-х годов, прежде всего в Италии и России. Главные художественные принципы — скорость, движение, энергия, которые некоторые футуристы пытались передать достаточно простыми приёмами. Для их живописи характерны энергические композиции, где фигуры раздроблены на фрагменты и пересекаются острыми углами, где преобладают мелькающие формы, зигзаги, спирали,скошенные конусы, где движение передаётся путём наложения последовательных фаз на одно изображение — так называемый принцип симультанности.

Абстракциони́зм — направление нефигуративного искусства, отказавшегося от приближённого к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма — достижение «гармонизации», создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации

Дадаи́зм, или дада — модернистское течение в литературе, изобразительном искусстве, театре и кино. В изобразительном искусстве наиболее распространенной формой творчества дадаистов был коллаж — технический приём создания произведения из определённым образом скомпонованных и наклеенных на плоскую основу (холст, картон, бумагу) кусочков разнообразных материалов: бумаги, ткани и т.  д.

Супремати́зм — направление в авангардистском искусстве, основанное в 1-й половине 1910-х гг. К. С. Малевичем. Являясь разновидностью абстракционизма, супрематизм выражался в комбинациях разноцветных плоскостей простейших геометрических очертаний (в геометрических формах прямой линии, квадрата, круга и прямоугольника). Сочетание разноцветных и разновеликих геометрических фигур образует пронизанные внутренним движением уравновешенные асимметричные супрематические композиции.

Метафизическая живопись – направление в итальянской живописи начала XX века. В метафизической живописи метафора и мечта становятся основой для выхода мысли за рамки обычной логики, а контраст между реалистически точно изображенным предметом и странной атмосферой, в которую он помещен, усиливал ирреальный эффект.

Сюрреали́зм — направление в искусстве, сформировавшееся к началу 1920-х во Франции. Отличается использованием аллюзий и парадоксальных сочетаний форм.

Активная живопись — ташизм (разновидность абстрактного искусства: нанесение красок по интуиции) — течение в западноевропейском абстракционизме 1950—60-х годов, наибольшее распространение получившее в США. Представляет собой живопись пятнами, которые не воссоздают образов реальности, а выражают бессознательную активность художника. Мазки, линии и пятна в ташизме наносятся на холст быстрыми движениями руки без заранее обдуманного плана.

Поп-а́рт (англ. pop-art, сокращение от popular art, этимологию также связывают с англ. рор — отрывистый удар, хлопок) — направление в изобразительном искусстве 1950—1960-х годов, возникшее как реакция на абстрактный экспрессионизм, использующее образы продуктов потребления.

Образ, заимствованный в массовой культуре, помещается в иной контекст:

• изменяются масштаб и материал;
• обнажается приём или технический метод;
• выявляются информационные помехи и др.

Минимали́зм — художественное течение, возникшее в Нью-Йорке в 1960-х годах. Искусство минимализма обычно включало в себя геометрические формы, повторяемость, нейтральные поверхности, промышленные материалы и способ изготовления.

%d0%bf%d0%be%d1%81%d1%82%d0%b5%d0%bb%d1%8c%d0%bd%d0%b0%d1%8f%20%d0%b6%d0%b8%d0%b2%d0%be%d0%bf%d0%b8%d1%81%d1%8c — с русского на все языки

Все языкиРусскийАнглийскийИспанский────────Айнский языкАканАлбанскийАлтайскийАрабскийАрагонскийАрмянскийАрумынскийАстурийскийАфрикаансБагобоБаскскийБашкирскийБелорусскийБолгарскийБурятскийВаллийскийВарайскийВенгерскийВепсскийВерхнелужицкийВьетнамскийГаитянскийГреческийГрузинскийГуараниГэльскийДатскийДолганскийДревнерусский языкИвритИдишИнгушскийИндонезийскийИнупиакИрландскийИсландскийИтальянскийЙорубаКазахскийКарачаевскийКаталанскийКвеньяКечуаКиргизскийКитайскийКлингонскийКомиКомиКорейскийКриКрымскотатарскийКумыкскийКурдскийКхмерскийЛатинскийЛатышскийЛингалаЛитовскийЛюксембургскийМайяМакедонскийМалайскийМаньчжурскийМаориМарийскийМикенскийМокшанскийМонгольскийНауатльНемецкийНидерландскийНогайскийНорвежскийОрокскийОсетинскийОсманскийПалиПапьяментоПенджабскийПерсидскийПольскийПортугальскийРумынский, МолдавскийСанскритСеверносаамскийСербскийСефардскийСилезскийСловацкийСловенскийСуахилиТагальскийТаджикскийТайскийТатарскийТвиТибетскийТофаларскийТувинскийТурецкийТуркменскийУдмуртскийУзбекскийУйгурскийУкраинскийУрдуУрумскийФарерскийФинскийФранцузскийХиндиХорватскийЦерковнославянский (Старославянский)ЧеркесскийЧерокиЧеченскийЧешскийЧувашскийШайенскогоШведскийШорскийШумерскийЭвенкийскийЭльзасскийЭрзянскийЭсперантоЭстонскийЮпийскийЯкутскийЯпонский

 

Все языкиРусскийАнглийскийИспанский────────АлтайскийАрабскийАрмянскийБаскскийБашкирскийБелорусскийВенгерскийВепсскийВодскийГреческийДатскийИвритИдишИжорскийИнгушскийИндонезийскийИсландскийИтальянскийКазахскийКарачаевскийКитайскийКорейскийКрымскотатарскийКумыкскийЛатинскийЛатышскийЛитовскийМарийскийМокшанскийМонгольскийНемецкийНидерландскийНорвежскийОсетинскийПерсидскийПольскийПортугальскийСловацкийСловенскийСуахилиТаджикскийТайскийТатарскийТурецкийТуркменскийУдмуртскийУзбекскийУйгурскийУкраинскийУрумскийФинскийФранцузскийЦерковнославянский (Старославянский)ЧеченскийЧешскийЧувашскийШведскийШорскийЭвенкийскийЭрзянскийЭсперантоЭстонскийЯкутскийЯпонский

Старинная английская живопись, английские художники 17 — начала 20 века

НАША КОЛЛЕКЦИЯ АНТИКВАРНОЙ ЖИВОПИСИ АНГЛИИ>>>>>

ИСТОРИЯ АНГЛИЙСКОЙ ГРАВЮРЫ >>>>

Коллекционеры антикварной живописи консервативны в своих пристрастиях. Наибольший интерес вызывают итальянские мастера Возрождения, старые голландские и немецкие живописцы, французские импрессионисты и некоторые другие. При этом зачастую художники других стран и эпох заслуживают не менее пристального внимания. Остановим свой взгляд на живописи Англии.

Мало кто назовёт английскую живопись одним из достояний страны, и напрасно. Среди художников Англии немало интереснейших самобытных мастеров, чьи творения украшают лучшие картинные галереи мира и богатейшие частные собрания предметов искусства.

Однако в широких кругах любителей живописи Англия незаслуженно отодвинута на второй план. Не каждый без заминки назовёт имя хотя бы трёх английских живописцев. Попытаемся устранить эту несправедливость, предложив краткий обзор старинной английской живописи с момента её формирования в отдельное, самостоятельное явление мирового искусства.
 

Истоки английской живописи.

До XVII века об английской живописи можно было говорить только условно. Миниатюры или фрески присутствовали, но на фоне итальянской или голландской школ англичане выглядели бледно. Живопись в стране не поощрялась – господствовавшие в идеологической сфере строгие и суровые пуритане всяческого «украшательства» не приветствовали.

Ван Дейк. Портрет короля Карла I

Неудивительно, что авторами первых английских живописных полотен были не англичане. Начинать историю английской живописи следует с трудов великих голландцев Рубенса и Ван Дейка, которые дали могучий толчок развитию английского изобразительного искусства. Но, если исполнение Рубенсом росписей для Уайтхоллского дворца в 1629 году стало для художника, по существу, лишь блестящим дополнением карьеры дипломата (он был главой посольства испанского короля на переговорах с Карлом I Английским), то Антонис Ван Дейк был придворным художником Карла, получил дворянство и похоронен в знаменитом лондонском соборе Святого Павла.

Ван Дейк и приехавшие после него в Англию голландцы Корнелис Кетель, Даниэль Митенс, немцы фон дер Фаэс (Питер Лели) и Готфрид Книллер (сэр Годфри Неллер, любимец Кромвеля) были портретистами. Их картины отличает блестящее мастерство и тонкость психологического наблюдения. Заслуги их были высоко оценены. Все они получили дворянство, а Неллер даже похоронен в Вестминстерском аббатстве.

Питер Лели. Девочка с вишнями

Господствующим жанром английской живописи был парадный портрет. Исторические и мифологические сюжеты занимали второстепенное место, а пейзажистов были единицы.

Англичане в XVII веке были вынуждены уступать первые роли блестящим иностранцам. Но и среди них появлялись самобытные мастера. Так, Уильям Добсон (1610-1646) начинал с копирования картин Тициана и Ван Дейка, но сейчас шотландские лорды с гордостью демонстрируют в своих замках старинные картины, многие из которых – портреты их предков кисти Добсона.

 

XVIII век – «золотой век» живописи Англии.

Настоящим прорывом в изобразительном искусстве, который снял с англичан клеймо «вечных учеников», стало творчество Уильяма Хогарта (1697-1764).

Уильяим Хогарт. После свадьбы

Он открыл «золотой» XVIII век английской живописи. Это был новатор и реалист во всех отношениях. Он писал моряков, нищих, собственных слуг, женщин лёгкого поведения. Его единичные полотна или циклы иногда остро сатиричны, иногда глубоко печальны, но всегда очень живы и реалистичны. А светлая жизнерадостность «Девушки с креветками» (1745) просто заставляет улыбнуться в ответ. Этот портрет и любители, и критики единодушно относят к числу самых интересных и жизненных портретов эпохи.

 

Писал Хогарт также исторические сюжеты, был мастером гравюры. Ему принадлежит авторство эссе «Анализ красоты», посвящённого вопросам целей и смысла изобразительного искусства (1753). 

Именно начиная с Хогарта просвещённое общество Европы стало отводить английской живописи достойное её место, английские картины становятся востребованными, а сам художник приобрёл общеконтинентальную славу.

Вторым крупнейшим мастером, на произведения которого следует обратить внимание ценителям антикварных картин, стал Джошуа Рейнольдс (1723-1792), первый президент Королевской академии художеств. Он учился в Англии, провёл три года в Италии, где кумиром его стал Микеланджело. Основным жанром, в котором работал художник, оставался портрет. 

Его творения отличает большое разнообразие — от наполненных совершенством и чопорностью парадных портретов знати до очаровательных изображений детей (взгляните хотя бы на чудесную «Девочку с земляникой», 1771).

Джошуа Рейнольдс Девочка с земляникой,1771

Отдал дар мастер и непременным мифологическим сюжетам, но персонажи его отнюдь не академичны. Достаточно взглянуть на шаловливую Венеру («Амур развязывает пояс Венеры», 1788) или младенчески серьёзного бутуза Геракла («Младенец Геракл, удушающий змей», 1786). 

Джошуа Рейнольдс. Амур развязывает пояс Венеры,1788

Рейнольдс был также выдающимся теоретиком искусства, оставившим много трудов, на которых учились поколения живописцев. В конце жизни художника постиг страшный удар – он потерял зрение.

Третьим великим мастером этого периода был Томас Гейнсборо (1727-1788), постоянный соперник Рейнольдса. Гейнсборо, уступая своему оппоненту в тщательности мазка и отточенности техники, превосходил его в оригинальности и непосредственности при передаче натуры.

Надо сказать, портретом Гейнсборо занимался лишь оттого, что этот жанр, в отличие от его любимого пейзажа, давал возможность жить безбедно. Однако портреты его разительно отличались от традиционных. Люди на них по-настоящему живут, они погружены в свой внутренний мир, а не позируют или «погружены в раздумья о великом». Поэтому у Гейнсборо так много семейных и детских портретов – заказчики предпочитали видеть своих близких такими, какие они есть.

Пожалуй, самый знаменитый шедевр Гейнсборо – «Мальчик в голубом» (1770). Тонкая передача внутреннего мира спокойного, полного достоинства юноши, великолепное цветовое решение — всё это ставит Гейнсборо в ряд величайших портретистов Европы XVIII века.  С годами живописная манера художника становится всё более свободной, лёгкой и широкой, навевая ассоциации с куда более поздним импрессионизмом.

Однако любимым жанром мастера всегда был пейзаж. Даже в его портретных работах большую, иногда почти равноправную роль играет фон. Кисти Гейнсборо принадлежит множество видов английской природы, наиболее известные из которых «Лес Корнар» раннего периода творчества (1748) и «Водопой» (около 1774-1777).

Томас Гейнсборо. Водопой (около 1774-1777)

Говоря об английском пейзаже, нельзя не упомянуть Ричарда Уилсона (1714-1782). Вполне традиционные по композиции и сюжеты картины он расцвечивал яркими живыми тонами. Поэтому современникам его холсты казались слишком естественными, и желающих купить его живопись было немного. Заслуженное признание мастер получил лишь век спустя после смерти. Из других пейзажистов выделим последователей Гейнсборо Джорджа Морленда (1763-1804) и Джона Крома (1768-1821), основателя прославившейся в XIX веке «норвичской» школы.

Во второй половине века в английской живописи выделилось историческое направление, однако по-настояшему выдающихся мастеров в историческом жанре работало немного. Купить историческую живопись считалось своего рода патриотической обязанностью.

 

Рубеж XVIII-XIX веков. Новые тенденции в английской живописи

Конец XVIII века ознаменовался большими потрясениями. Французская революция и эпоха Наполеона вывели на авансцену новых героев – военных, политиков, борцов. Портретная и историческая живопись приобретают исключительное значение. Но, если одни изображения государственных мужей традиционно исполнены достоинства и важности, то другие несут на себе отпечаток безудержного романтизма, господствовавшего в это время в литературе. Наиболее ярким представителем первого направления стал Томас Лоуренс, второго – Джордж Доу.

«Блестящее, но холодное» (по выражению искусствоведов) искусство Лоуренса (1769-1830) принесло ему огромную популярность на континенте. Признавала его заслуги и родина – долгие годы он был президентом Королевской академии художеств. Портреты его отличает тщательная прорисовка драпировок, одежд, многозначительность лиц персонажей, их чувство собственного достоинства и превосходства. Даже на портрете эпатажно знаменитой, взбалмошной и своенравной леди Каролины Лэм, возлюбленной Байрона, о проделках которой ходили легенды, мы видим спокойную, задумчивую женщину.

По этой причине среди заказчиков Лоуренса столь много особ из знатнейших семей Европы, короли и принцессы. Нередко в угоду клиенту художник переделывал портреты, придавая лицам надлежащую величественность.

Работы Джорджа Доу (1789-1829) наоборот отличала эмоциональность и живость. По словам А. Г. Венецианова, портреты Доу – не портреты, а живые лица. Лучшие свои полотна художник создал в России, где по приглашению Александра I писал портреты для Военной галереи Зимнего дворца. Кисти Доу принадлежит множество портретов виднейших военачальников России, а портрет Александра I его работы считается лучшим изображением императора.

Полотна его писались быстро, буквально в три сеанса, и имели потрясающее сходство с оригиналом. Заказчики оставались в полном восторге. В превосходных словах работу Доу описывал Пушкин. Авторитет мастера был столь велик, что его избрали своим членом академии художеств Петербурга, Лондона, Вены, Парижа, Флоренции, Дрездена, Мюнхена, Стокгольма.

Особое развитие на рубеже веков получает английская пейзажная живопись. Британские мастера этого жанра выходят на первые роли в Европе. Наибольшее влияние на позднейших художников оказал Джон Констебл (1776-1837). Он никогда не был за границей и писал только добрую старую Англию. Виды родины он изображал с предельной достоверностью. Мастер настолько виртуозно владел цветом и светотенью, что, по отзывам современников, в его картинах буквально ощущается свежесть ветра и слышен шум листьев в кронах деревьев.

Джон Констебл. Телега для сена

Конец XVIII века ознаменовался широким распространением акварели. Водяные краски и раньше нередко использовались в Англии, но именно сейчас акварель была оценена по достоинству. Великолепным акварелистом был Констебл, но истинного совершенства в акварели достиг другой корифей английского пейзажа – Джозеф Уильям Тёрнер (1775-1851). Его стихией были море и воздух, два наиболее благодарных предмета приложения усилий акварелиста, стихии стремительные, капризные и изменчивые.

Уильям Тёрнер.Ледник.

Множество работ Тёрнера написано маслом, однако своим любимым стихиям он не изменял никогда. Даже на вполне традиционных изображениях архитектурных памятников небо и вода – одни из главных действующих лиц. Все картины художника полны световых эффектов, и даже конкретные предметы столько же передают натуру, сколько служат носителями ярких цветовых решений и создают общее настроение картины. Одно из наиболее характерных в этом отношении и, может быть, самое выразительное из его полотен – «Пожар в море» (1834).

Уильям Тёрнер. Пожар в море 1834

Вклад Тёрнера в мировое изобразительное искусство не ограничивается его собственными полотнами. Во время франко-прусской войны знаменитые в будущем Клод Моне, Альфред Сислей и Камиль Писсарро оставили Францию и уехали в Лондон, чтобы изучить творчество английских пейзажистов. Наибольшее влияние на них оказали работы Тёрнера, чьё стремление зачастую жертвовать деталями, но игрой цвета и свободой мазка создать общий эмоциональный настрой картины, стало впоследствии одним из фундаментальных принципов импрессионизма. Поэтому Тёрнера по праву можно считать одним из предтеч этого великого течения.

 

Середина XIX века. Поиск нового в старом

Вторая половина XIX века рядом критиков характеризовалась как период застоя английской живописи. Того же мнения придерживалась очень популярная в своё время группа молодых художников, организовавшая в конце 40-х годов Братство прерафаэлитов. Члены его призывали к отказу от мёртвых традиций, условностей, академизма современного искусства и возврату к непосредственной и искренней живописи периода «до Рафаэля».

В творчестве членов Братства отчётливо заметно стремление следовать канонам раннего Возрождения. Это выражалось во всём, начиная от сюжета, манеры письма с особым вниманием к деталям и глубокой проработке цвета, и до требования писать только с натуры и сразу на холст. Даже холсты и краски они стремились готовить по средневековым рецептам.

Бунт молодых живописцев против канонов, их смелость скоро вызвали неприятие со стороны чопорного околохудожественного сообщества. Однако активная поддержка авторитетного критика Джона Рёскина изменила отношение любителей живописи к Братству.

Наиболее заметные фигуры Братства – Данте Габриэль Россетти (1828-1882) и Джон Эверетт Милле (1829-1896). Им принадлежит авторство наиболее характерных для Братства полотен – «Смерть Офелии» Милле и многочисленные портреты возлюбленной Россетти Джейн Моррис в виде мифических Прозерпины, Астарты и т. п.

Джон Эверетт Милле. Смерть Офелии

Общество прерафаэлитов распалось на рубеже 50-60-х годов, однако и в последующие десятилетия его влияние было очень ощутимым, причём не только в живописи или поэзии, но и в мебельном искусстве, дизайне книг и прочих прикладных сферах. Судьбы его членов сложились по-разному. Так, если Россетти совсем оставил живопись, то Милле, несколько отойдя от стилистики прерафаэлитизма, остался очень востребованным и сейчас является самым любимым в Англии художником 2-й половины XIX века.

К концу столетия в Англии всё больше ощущается влияние французских художников – реалистов и импрессионистов. Одним из наиболее интересных представителей английской школы этого периода был уроженец США Джеймс Мак-Нил Уистлер, портретист и пейзажист (1834-1903). Он писал в традиционной технике, однако любовь к тонким светотеневым эффектам, зыбким, неустойчивым состояниям природы роднит его с импрессионистами.

Джеймс Уистлер. Серое и золотое

Пейзаж и в конце XIX- начале XX вв. остался коньком английских живописцев. Из последователей импрессионизма можно назвать ученика Уистлера Ричарда Сиккерта (1860-1942), из традиционных пейзажистов – Джорджа Тёрнера и его сына Уильяма Лакина Тёрнера (1867-1936), Фредерика Такера (1860-1935) и других. Они в полной мере усвоили наследие своих знаменитых предшественников и достойно представляли английскую живописную традицию в европейском искусстве. Творчество последних двух мастеров представлено в нашей коллекции.

Даже беглый взгляд на творения мастеров, о которых говорилось в этой статье, позволяет понять притягательную силу старинной живописи. Не будем забывать, что купить картину – это не просто выгодно вложить капитал. Это в первую очередь принесёт в дом прекрасное, плод вдохновения мастера, частицу его бессмертия.

НАША КОЛЛЕКЦИЯ АНТИКВАРНОЙ ЖИВОПИСИ АНГЛИИ>>>>>

ИСТОРИЯ АНГЛИЙСКОЙ ГРАВЮРЫ >>>>

Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова

Московский государственный академический художественный институт имени В. И. Сурикова
при Российской академии художеств

Это самое крупное и авторитетное подразделение вуза пользуется особой популярностью среди абитуриентов из России и со всего мира. Здесь обучаются граждане Белоруссии, Украины, Грузии, Германии, Голландии, США, Японии, Китая, Южной Кореи и других стран ближнего и дальнего зарубежья. На протяжении всего существования факультета складывалась и оттачивалась уникальная методика преподавания живописи, рисунка и композиции, которая позволяет в пределах нескольких лет обучения приобрести глубокие знания в области изобразительного искусства и овладеть высотами профессионального мастерства. Образовательная система факультета, формировавшаяся в течение многих лет, продолжает развиваться с учетом актуальных потребностей нового времени. Уникальность сегодняшней академической школы заключается в объединении заветов великих мастеров русской классической живописи и современных технологий. Традиции обучения основаны на богатейшем наследии классиков русского искусства — А. К. Саврасова, В. Г. Перова, А. Е. Архипова, в. д. Поленова, А. М. Васнецова, В. А. Серова, К. А. Коровина, и. и. Левитана, К. Ф. Юона. На факультете преподавали такие видные живописцы, как И. Э. Грабарь, П. Д. Корин, А. А. Дейнека, С. В. Герасимов, Б. В. Иогансон, А. А. Осмеркин, К. Н. Истомин.

И сегодня практически все педагоги института — активно работающие художники, имена многих из них известны во всем мире. Они показывают свои произведения на российских и зарубежных выставках, принимают участие в реставрации памятников архитектуры, привлекая студентов.
Первый выпуск художников-живописцев состоялся в 1942 году в Самарканде, где в эвакуации, в тяжелейших условиях Великой Отечественной войны работал институт. Большинство выдающихся мастеров живописи второй половины ХХ века являются выпускниками факультета, среди них — Т. Т. Салахов, Т. Б. Назаренко, Н. И. Нестерова, П. Ф. Никонов, д. д. Жилинский, А. Д. Шмаринов, В. М. Сидоров, Б. М. Коржев, в. и. Иванов, С. Н. Андрияка, Э. В. Булатов, А. Б. Гросицкий и многие другие.

Основы академической школы предоставляют выпускникам института возможность работать в самых разнообразных направлениях и техниках. Картины выпускников факультета живописи можно встретить в галереях современного искусства, на престижных международных бьеннале, в частных собраниях и коллекциях музеев. Столь широкие возможности во многом обеспечиваются именно высоким авторитетом известного института, где молодые художники приобщились к классической школе.

Для всех мастерских разработаны учебные программы, включающие помимо основных занятий живописью, рисунком и композицией специальные и факультативные занятия. Основное внимание в мастерских уделяется работе с моделью.

Кроме мастерских станковой, монументальной и театрально-декорационной живописи нашего факультета с 2003 года в институте действует объединенная творческая мастерская под руководством выдающихся мастеров изобразительного искусства — З. К. Церетели, Президента Российской академии художеств, академика Французской академии изящных искусств, Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо (Испания), Т. Т. Салахова — вице-президента Российской академии художеств и Королевской академии изящных искусств Сан-Фернандо (Испания).

Первые два года обучение студентов проходит в мастерских рисунка и композиции, по окончании второго курса осуществляется переход в персональную мастерскую. Ядро факультета — несколько мастерских станковой живописи, их возглавляют В. М. Сидоров, Е. Н. Максимов, Т. Б. Назаренко, члены-корреспонденты РАХ Суховецкий А. Н. и Н. Н. Соломин. Каждый из мастеров наделен яркой творческой индивидуальностью, их работы представлены в крупнейших собраниях России, в том числе в Третьяковской галерее, Русском музее, зарубежных коллекциях. В мастерской монументального искусства студенты изучают технику фрески, мозаики, сграффито, витража, в театрально-декорационной — историю театра, костюма, сценографию, овладевают умением изготовления макетов. Руководитель монументальной мастерской, заведующий кафедрой живописи и композиции, академик Евгений Николаевич Максимов — создатель эскизов росписей купола и других элементов убранства храма Христа Спасителя в Москве. Работы над воссозданием величественного интерьера знаменитого храма были организованы и проводились Российской академией художеств во главе с президентом Академии З. К. Церетели. Над росписями трудились многие выпускники живописного факультета Суриковского института, что свидетельствуют о высоком уровне профессионализма, достигнутого ими в годы обучения. Творческий коллектив выпускников и студентов монументальной мастерской под руководством своего педагога осуществил также росписи кафедрального собора во имя Святителя Николая Чудотворца в Нью-Йорке (США). Обучаясь в мастерской монументальной живописи, студенты осваивают широкий спектр техник и технологий — от традиционных до самых новейших.

По итогам учебы выпускники готовят дипломные работы, в зависимости от интересов выбирая проекты оформления театров, гостиниц, ресторанов, банков, других общественных зданий или проекты росписей церковных сооружений.

Обучение в мастерской театрально-декорационной живописи под руководством действительного члена РАХ Чербаджи Дмитрия Афанасьевича начинается с 1 курса. В качестве диплома выпускники представляют оформление двух театральных постановок — эскизы декораций и костюмов, а также макет сцены. В процессе обучения студенты изучают историю театра, сценографии и театрального костюма.

Академик Валентин Михайлович Сидоров — выдающийся пейзажист и педагог, последователь классических традиций русской композиционной картины. Студенты его мастерской по итогам учебы представляют работы самых разных жанров — от пейзажа до большого сюжетного полотна.
Мастерская станковой живописи под руководством члена-корреспондента Российской академии художеств, народного художника РФ Алексея Николаевича Суховецкого продолжает традиции русского пленэрного искусства и станковой картины.

Приход в институт талантливого яркого живописца академика Татьяны Григорьевны Назаренко заметно раздвинул грани устоявшихся традиций. Самобытная творческая манера художницы, способности педагога-наставника оказали заметное влияние на активизацию образовательных процессов, повышение интереса студентов к освоению профессии.

Мастерская станковой живописи под руководством члена корреспондента РАХ Шишкова Юрия Алексеевича. Мастерская станковой живописи под руководством действительного члена РАХ, талантливого художника Салаховой Айдан Таировны.

На протяжении всех лет учебы студенты имеют возможность знакомиться и даже заниматься копированием в таких всемирно известных сокровищницах изобразительного искусства, как Государственная Третьяковская галерея и Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. В распоряжении молодых художников новые крупные музейно-выставочные комплексы — Московский музей современного искусства (Петровка, 25), его филиал в Ермолаевском переулке, 17, а также Галерея искусств Зураба Церетели (Пречистенка, 19), где помимо уникальных выставок в постоянной экспозиции находится множество слепков с прославленных античных скульптур. Это дает начинающим художникам возможность практиковаться в рисунке, без которого невозможно полноценное освоение мастерства.

Каждое лето студенты выезжают на практику в самые живописные уголки страны, где под руководством педагогов работают на пленэре.

В этом году на факультете открылась новая мастерская батальной живописи, которую возглавил член-корреспондент РАХ, опытный мастер Николай Николаевич Соломин. При формировании концепции мастерской в первую очередь учитывалась необходимость возрождения и развития традиций создания большой композиционной картины. Русская художественная школа имеет не только богатый опыт, связанный с этой формой изобразительного искусства, но и поистине уникальные методики обучения, открывающие художнику самые широкие возможности и перспективы.

Сегодня академическое художественное образование не только отвечает новым потребностям времени, но и обеспечивает каждому окончившему МГАХИ им. В. И. Сурикова широкий диапазон возможностей, необходимый для активной, уверенной жизни в большом искусстве и воплощение любых творческих идей.

Кандидат искусствоведения, консультант Научно-методического отдела
по вопросам художественного образования и эстетического воспитания
российской академии художеств М. В. Вяжевич

Мастерская реставрации станковой живописи

В 2004 году по инициативе Российской Академии художеств, для обучения молодых людей столь нужной, редкой и благородной профессии, как профессия реставратора, в составе факультета была создана мастерская реставрации станковой живописи. В настоящее время в мастерской, возглавляемой доцентом, художником-реставратором, искусствоведом А.А. Козьминым, собрана группа преподавателей — специалистов высокого уровня, представляющих научное и практическое направления реставрации произведений живописи.

Особенностью мастерской является углубленное и широкое изучение истории развития технологии и техники живописи. Кроме обучения по программе художника-живописца студенты мастерской осваивают мастерство реставрации произведений станковой масляной и темперной живописи, выполняют копии картин и икон в лучших музеях Москвы, получают знания в областях специальной химии, биологии, фотографии, изучают основы музееведения, палеографии, физических и химических исследований, более углубленно изучают иконографию произведений прошлого.

Студентам, также, дается курс теоретических и практических занятий по реставрации бумаги и картона.

Важным элементом обучения является проведение летних реставрационных практик в музеях Москвы и городов России, где будущим реставраторам под руководством педагогов доверяют выполнять ответственные реставрационные операции.

Студенты мастерской участвуют в различных творческих конкурсах, выставках и научных конференциях.

Во время обучения лучшие студенты отмечаются специальной стипендией имени основателя отечественной научной реставрации академика
И.Э. Грабаря.

Итогом обучения является защита дипломной работы: исследование и реставрация произведения станковой масляной и темперной живописи музейного уровня.

Студенты, показавшие особое трудолюбие, талант и освоенные навыки, рекомендуются руководством мастерской в лучшие музеи и реставрационные организации Москвы и других городов России.

Рафаэль Санти — 184 произведения

Рафаэ́ль Са́нти (итал.  Raffaello Santi, Raffaello Sanzio, Rafael, Raffael da Urbino, Rafaelo; 26 или 28 марта, или 6 апреля 1483, Урбино — 6 апреля 1520, Рим) — великий итальянский живописец, график и архитектор, представитель умбрийской школы.

Рафаэль рано потерял родителей. Мать, Марджи Чарла, умерла в 1491, а отец, Джованни Санти, умер в 1494.
Отец был художником и поэтом при дворе герцога Урбинского, и первый опыт художника Рафаэль получил в мастерской отца. Самая ранняя работа — фреска «Мадонна с младенцем», до сих пор находящаяся в доме-музее.

К числу первых работ относятся «Хоругвь с изображением Святой Троицы» (около 1499—1500) и алтарный образ «Коронование св. Николы из Толентино» (1500—1501) для церкви Сант-Агостино в Читта ди Кастелло.

В 1501 году Рафаэль приходит в мастерскую Пьетро Перуджино в Перудже, поэтому ранние работы выполнены в стиле Перуджино.

В это время он часто уезжает из Перуджи домой в Урбино, в Читта ди Кастелло, совместно с Пинтуриккьо посещает Сиену, выполняет ряд работ по заказам из Читта ди Кастелло и Перуджи.

В 1502 году появляется первая рафаэлевская мадонна — «Мадонна Солли», мадонн Рафаэль будет писать всю жизнь.

Первые картины, написанные не на религиозную тематику — «Сон рыцаря» и «Три грации» (обе — около 1504).

Постепенно Рафаэль вырабатывает свой стиль и создаёт первые шедевры — «Обручение Девы Марии Иосифу» (1504), «Коронование Марии» (около 1504) для алтаря Одди.

Помимо крупных алтарных полотен пишет небольшие картины: «Мадонна Конестабиле» (1502—1504), «Святой Георгий, поражающий дракона» (около 1504—1505) и портреты — «Портрет Пьетро Бембо» (1504—1506).

В 1504 году в Урбино знакомится с Бальдассаром Кастильоне.

В конце 1504 года переезжает во Флоренцию. Здесь он знакомится с Леонардо да Винчи, Микеланджело, Бартоломео делла Порта и многими другими флорентийскими мастерами. Тщательно изучает технику живописи Леонардо да Винчи, Микеланджело. Сохранился рисунок Рафаэля с утраченной картины Леонардо да Винчи «Леда и лебедь» и рисунок со «Св. Матфеем» Микеланджело. «…те приемы, которые он увидел в работах Леонардо и Микеланджело, заставили его работать ещё упорнее, чтобы извлекать из них невиданную пользу для своего искусства и своей манеры.»

Первый заказ во Флоренции поступает от Аньоло Дони на портреты его и жены, последний написан Рафаэлем под явным впечатлением от «Джоконды». Именно для Аньоло Дони Микела́нджело Буонарро́ти в это время создаёт тондо «Мадонна Дони».

Рафаэль пишет алтарные полотна «Мадонна на троне с Иоанном Крестителем и Николаем из Бари» (около 1505), «Положение во гроб» (1507) и портреты — «Дама с единорогом» (около 1506—1507).

В 1507 году знакомится с Браманте.

Популярность Рафаэля постоянно растёт, он получает много заказов на образы святых — «Святое семейство со св. Елизаветой и Иоанном Крестителем» (около 1506—1507). «Святое Семейство (Мадонна с безбородым Иосифом)» (1505—1507), «Св. Екатерина Александрийская» (около 1507—1508).

Во Флоренции Рафаэль создал около 20 Мадонн. Хотя сюжеты стандартны: Мадонна либо держит Младенца на руках, либо он играет рядом с Иоанном Крестителем, все мадонны индивидуальны и отличаются особой материнской прелестью (по-видимому, ранняя смерть матери оставила глубокий след в душе Рафаэля).

Растущая слава Рафаэля приводит к росту заказов на мадонн, он создаёт «Мадонну Грандука» (1505), «Мадонну с гвоздиками» (около 1506), «Мадонну под балдахином» (1506—1508). К лучшим произведениям этого периода относятся «Мадонна Террануова» (1504—1505), «Мадонна с щегленком» (1506), «Мадонна с Младенцем и Иоанном Крестителем („Прекрасная садовница“)» (1507—1508).

Во второй половине 1508 года Рафаэль переезжает в Рим (там он проведёт всю оставшуюся жизнь) и становится при содействии Браманте официальным художником папского двора. Ему поручено расписать фресками Станцу делла Сеньятура. Для этой станцы Рафаэль пишет фрески, отражающие четыре вида интеллектуальной деятельности человека: богословие, юриспруденцию, поэзию и философию — «Диспута» (1508—1509), «Мудрость, Умеренность и Сила» (1511), и самые выдающиеся «Парнас» (1509—1510) и «Афинскую школу» (1510—1511).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

Пьетро да Кортона — 28 произведений

Пьетро да Кортона (итал. Pietro da Cortona) (наст. имя Пьетро Берреттини, Berrettini) (1 ноября 1596, Кортона, Ареццо — 16 мая 1669, Рим) — итальянский живописец и архитектор.

Один из самых ярких мастеров эпохи барокко, создатель пышных театрализованных фресковых ансамблей во дворцах Рима и Флоренции. Его монументальные циклы росписей, алтарные образы для церквей, станковые живописные работы по заказам аристократии отличались высоким уровнем исполнения и вдохновением. Будучи уроженцем Тосканы, он начинал свою деятельность там, но уже с 1612 г. начал работать в Риме.

Его талант был замечен папой Урбаном VIII Барберини, ставшим его покровителем. В свою манеру, основанную на принципах классицизма мастеров болонской школы, подражание Карраччи, он привносил живые, полные фантазии детали, динамичные ракурсы, часто заимствованные из античной пластики, а также торжественную и нарядную праздничность.

В ряду лучших произведений художника картина — «Мадонна со святыми» (1626—1628, Кортона, Музей этрусской истории), в которой воплотилось все великолепие алтарного барочного образа. В залитом солнцем пространстве словно ощущается движение всех фигур. Пристрастие барокко к сложной символике указывает и богатое аллегорическое содержание. Картина была исполнена по заказу семейства Пассерини и содержит символику духовно-рыцарских орденов, принадлежностью к которой гордились представители этого знатного рода.

Полотно на мифологический сюжет «Похищение сабинянок» (1627—1629, Капитолийские музеи, Рим) было написано по заказу другого покровителя художника — римского мецената Саккетти. Классицистически чётко продуманная композиция сочетается в нём с бурной, театрализованной экспрессией. Неистовые повороты фигур, возможно, заимствованы из произведений Джованни Лоренцо Бернини, с которым художник сотрудничал и талант которого высоко ценил.

Не менее эффектно полотно «Нахождение Ромула и Рема» (1643, Лувр), полное динамики света и цвета. Сюжеты об основании Вечного города высоко ценились просвещённой аристократией, искавшей подтверждения древности своего происхождения. Реминисценции чувственной красоты античного искусства всегда играли большую роль в творчестве художника («Жертвоприношение Диане», Национальная галерея старого искусства, Рим).

Самой крупной работой Пьетро да Кортона в Риме стала его фреска «Триумф Божественного провидения» (1633—1639, Рим, Палаццо Барберини), написанная в плафоне Главного зала дворца папы Урбана VIII Барберини. Работа в апартаментах дворца была поручена ему совместно с Джованни Бернини.

После росписи Галереи Палаццо Фарнезе, исполненной Карраччи, Пьетро да Кортона стал создателем иного типа монументальной барочной росписи со словно прорывающим все преграды, устремлённым ввысь небесным пространством, врывающимися в зал облаками, парящими в опоре на них фигурами героев мифов, Священного писания, аллегорических персонажей. Все они словно плывут по небу в окружении рассеянного золотящегося от солнца света. Религиозный сюжет сочетается в них с идеей прославления папы Барберини как главы католической церкви и учёного, а также его славного рода. Поэтому в роспись введены элементы геральдической символики в виде изображения пчёл с расправленными крыльями. За эту грандиозную работу Пьетро да Кортона был удостоен звания князя римской Академии Сан Лука, почётного звания, утвердившего его в положении первого художника Рима. В эти годы он имел уже большую престижную мастерскую в Риме и в поздних картинах поручал доработку собственного замысла своим ученикам. Значительной работой художника стали и росписи анфилады парадных залов Палаццо Питти во Флоренции (1640-е), росписи Палаццо Памфили и церкви Кьеза Нуова в Риме.

В архитектуре талант Пьетро да Кортона проявился с не меньшей яркостью. В своих наиболее значительных постройках в Риме: вилле Саккетти (1625—1630), церквях Святых Луки и Мартины (1634—1650), Санта-Мария-ин-Виа-Лата (1658—1662), Санта-Мария-делла-Паче (1656) — он проявил себя как выдающийся зодчий барокко. Поклонник идей Браманте и Палладио, он творчески перерабатывал их наследие. Одним из примеров его большого дарования является, например, ансамбль площади с церковью Санта-Мария-делла-Паче, в котором наглядно воплощены градостроительные принципы римского барокко, органичное пластическое мышление талантливого мастера этой эпохи. Его скульптура богини Дианы завершила оформление ансамбля площади Четырёх фонтанов.

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

Тициан — 255 произведений — живопись

Тициа́н Вече́ллио (итал. Tiziano Vecellio, 1488/1490, Пьеве-ди-Кадоре — 27 августа 1576, Венеция) — итальянский живописец, крупнейший представитель венецианской школы эпохи Высокого и Позднего Возрождения. Имя Тициана стоит в одном ряду с такими художниками Возрождения, как Микеланджело, Леонардо да Винчи и Рафаэль. Тициан писал картины на библейские и мифологические сюжеты, прославился он и как портретист. Ему делали заказы короли и римские папы, кардиналы, герцоги и князья. Тициану не было и тридцати лет, когда его признали лучшим живописцем Венеции.

По месту рождения (Пьеве-ди-Кадоре в провинции Беллуно, Венецианская республика) его иногда называют да Кадоре; известен также как Тициан Божественный.

Тициан родился в семье Грегорио Вечеллио, государственного и военного деятеля. Точная дата его рождения неизвестна. Когда Тициан уже был в пожилом возрасте, он указал в своём письме к Филиппу II, что родился в 1474 году, но это маловероятно. Писатели-современники, жившие во времена уже пожилого Тициана, дают данные года рождения, варьирующиеся между 1473 и 1482 годами. Большинство современных исследователей считают, что наиболее вероятной датой рождения Тициана является 1490 год. Нью-Йоркский музей Метрополитен и Исследовательский институт Гетти придерживается даты 1488 года.

В возрасте 10 или 12 лет Тициан приехал в Венецию. Он работал в мастерской Себастьяно Цуккато, потом в мастерской Джентиле Беллини, затем у Джованни Беллини. Он знакомится с Лоренцо Лотто и другими художниками, представителями венецианской школы живописи. Но самые тесные отношения у него завязываются с Джорджоне. Первыми работами Тициана, выполнявшимися совместно с Джорджоне, были фрески в Фондако-деи-Тедески, от которых сохранились лишь фрагменты.

К ранним работам Тициана относятся: портрет Джероламо Барбариго (1509), впоследствии вдохновивший Рембрандта на «Автопортрет», и «Мадонна с младенцем и святыми Антонием Падуанским и Роком» (около 1511). Эти святые, как полагали современники Тициана, могут защитить от чумы, свирепствовавшей в это время в Венеции и унёсшей жизнь Джорджоне в 1510 году.

Стиль Тициана в это время очень похож на стиль Джорджоне, он дописывает за него те картины, которые остались незавершёнными.
В 1511 году он отправляется на несколько месяцев в Падую, где в Скуола дель Санто пишет фрески о чудесах святого Антония Падуанского.

Тициан пишет много мадонн и женских портретов. «Его образы в этот период спокойны и радостны, отмечены жизненным полнокровием, яркостью чувств, печатью внутренней просветлённости. Мажорный колорит построен на созвучии глубоких, чистых красок». Наиболее известными картинами этого периода являются «Цыганская мадонна» (около 1511), а также «Любовь земная и Любовь небесная» (1514) — картина, написанная по заказу Николо Аурелио, члена Совета десяти, и «Женщина с зеркалом» (около 1514).

В 1516 для Альфонсо д’Эсте он пишет «Динарий кесаря».

После смерти Джорджоне и отъезда Себастьяно дель Пьомбо в Рим, в Венеции не осталось художников, способных соревноваться с Тицианом. После смерти Джованни Беллини в 1517 году Тициану присвоен титул первого художника Венецианской республики.

Внимательно изучая работы Рафаэля и Микеланджело, Тициан постепенно вырабатывает свой стиль. «В этот период художник отдавал предпочтение монументальным композициям, исполненным пафоса и динамики. Он создавал образы, проникнутые яркими жизненными силами, строил композиции картин по диагонали, пронизывая их стремительным движением, пользовался интенсивными контрастами синих и красных цветовых пятен». Он создает эпические полотна на религиозные и мифологические темы. Характерными творениями являются:

«Андреане» (около 1523—1524) написаны под влиянием Микеланджело.

В портретах Тициан старается выразить максимально точно характер портретируемого — «Мужчина с перчаткой» (1523), «Портрет Томмазо Мости» (предположительно 1520).

Это часть статьи Википедии, используемая под лицензией CC-BY-SA. Полный текст статьи здесь →

ещё …

Услуги подрядчика по коммерческой окраске в Арлингтон-Хайтс

Active Painting — это коммерческий подрядчик по покраске в Арлингтон-Хайтс, которому можно доверять, когда придет время изменить внешний вид вашего здания изнутри. Если вам нужно перекрасить интерьер вашего ресторана или вашему офисному зданию нужно придать новый вид, обращайтесь к нашим местным экспертам.

Взгляните на некоторые коммерческие проекты, которые мы сделали в нашей фотогалерее, чтобы вы могли лично убедиться в качестве нашей работы.Вы заметите, что у нас есть художественные способности, чтобы сделать ваш интерьер или экстерьер потрясающим!

Наши услуги подрядчика по коммерческой покраске в Арлингтон-Хайтс включают обработку деталей, необходимых для завершения внешнего вида помещения:

• Внутренняя и наружная окраска
• Декоративная искусственная отделка
• Замена молдинга и отделки
• Снятие и установка обоев
• Зачистка и окрашивание древесины
• Ремонт гипсокартона и штукатурки
• Специальные напольные покрытия
• Отделка шкафа

Почему выбирают наших коммерческих подрядчиков по покраске

Наши подрядчики по коммерческой окраске хорошо оснащены лесами, инструментами и оборудованием, необходимыми для выполнения работы. Мы хорошо разбираемся в процедурах безопасности, связанных с коммерческими применениями окраски.

Мы — компания полного цикла с двадцатилетним опытом покраски офисов, розничных магазинов, ресторанов и многого другого.

Наши коммерческие подрядчики по покраске обслуживают районы Арлингтон-Хайтс, Баррингтон, Баффало-Гроув, Дес-Плейнс и Элк-Гроув-Виллидж, а также многие другие близлежащие населенные пункты. Независимо от того, рисуете ли вы, чтобы подготовить свою недвижимость к сдаче в аренду, или пришло время привлечь больше клиентов к вашему бизнесу, наши коммерческие маляры готовы помочь вам!

Некоторые проекты требуют немного больше подготовки поверхности, например, ремонт гипсокартона, замена отделки или мойка под давлением снаружи.Мы предоставим вам подробную смету, включающую все необходимое для достижения красивой отделки, а затем вместе с вами спланируем проект.

• Коммерческая живопись с 2000 г.
• Лицензия и залог в Иллинойсе
• Полный сервис от подготовки до отделки
• Оценки по конкурентоспособным ценам
• Высококачественное мастерство и краска
• Бесплатная консультация и оценка проекта

Активное негативное пространство в пейзажной живописи

Выдержки из главы 3 «Композиция в действии» в «Рабочей тетради художника-пейзажиста: основные исследования формы, композиции и цвета».

Негативное пространство обычно определяется как область между или вокруг «позитивных» элементов объекта. Например, в фигуративной или натюрмортной живописи негативное пространство обычно представляет собой пространство позади объекта, на заднем плане. В пейзаже небо ближе всего ведет себя таким образом, располагаясь как обширный фон за всеми наземными элементами. Однако в ландшафтной композиции есть и другие большие пространства, которые ведут себя аналогичным образом, например, большие водоемы, поля или пустые улицы, приближающиеся к зрителю.Это не негативные пространства в традиционном смысле — это «позитивные» формы, — но поскольку они такие большие и часто однородно окрашены, они фактически ведут себя как негативные пространства.

Если эти области не активированы должным образом — если они рассматриваются как «пустые» пространства — они не будут ощущаться как полностью интегрированная часть композиции. Мы никогда не хотим, чтобы одна часть картины была отделена от любой другой части. Негативное пространство можно активировать несколькими способами.

• Изменение цвета и/или значения в пределах отрицательного пространства
• Разделение негативного пространства на более мелкие части (закрытое негативное пространство)
• Добавление пространственных сигналов в негативное пространство, таких как облака в небе, борозды в поле или отражения в воде.

Активация неба с изменением цвета и тона

Mitchell Albala, Montegabbione, Umbria , бумага, масло, 5″ x 7″, 13 x 18 см

Как нам активировать безоблачное небо, чтобы оно стало больше, чем просто пустой синий фон? На оригинальной картине Montegabbione (вверху) небо имеет заметное изменение оттенка, температуры и яркости. Это активирует небо и придает ему больше размеров, чем если бы оно было равномерно тонировано — что мы и видим в модифицированной версии (ниже).Когда цветовые и тональные вариации исключены, изображение кажется плоским и менее интересным. Как правило, следует избегать рисования неба в виде плоского неизменного цвета.

Активация неба с закрытым отрицательным пространством

Небеса также можно активировать, используя закрытое отрицательное пространство. Когда части объекта — например, дерево, телефонный столб или крыша — касаются или почти касаются края картины, негативное пространство разбивается на сегменты.Два или три сегмента негативного пространства визуально более интересны, чем одно пространство. Здесь Кастанье позволяет самому верхнему углу здания касаться верхнего края, разделяя небо на два основных сегмента разного размера. Телефонные линии и уличные фонари еще больше разбивают большое негативное пространство.

Альваро Кастанье, Городская серия Монтевидео , акварель, 40″ x 26″, 101 x 67 см

Активация уровня земли в естественных условиях

Доминирующим событием в этом предмете является поле, но в нем отсутствуют визуальные подсказки, которые уводят взгляд через поле и вдаль. Выявляя тонкие линии земли и борозды и подчеркивая линейную перспективу, поле становится намного интереснее. В некоторых предметах необходимо брать существующие реплики и преувеличивать их. В других случаях вам, возможно, придется изобретать новые реплики. Хитрость заключается в том, чтобы не переусердствовать. Нескольких акцентов или пространственных сигналов может быть достаточно, чтобы оживить негативное пространство.

Активация наземной плоскости в городских условиях

Дороги, ведущие к зрителю, могут стать драматическим началом картины.В этой сцене, однако, негативное пространство дороги пусто и кажется, что нижний край опускается вниз, как вертикальная плоскость. Добавляя перспективные ориентиры — трещины, пешеходный переход и белые линии — дорога становится более активной. Он фактически становится такой же частью композиции, как и верхняя часть. Обратите внимание, как добавление пешеходного перехода поднимает ближайшую к нам часть дороги, так что она больше не кажется вертикальной плоскостью.

10 активных художественных проектов для детей в помещении

В настоящее время я преодолеваю презрение моего младшего сына ко всему, что связано с искусством, и я подумал, что сейчас самое время возродить некоторые активные художественные проекты, которые я делал с его братом.Отличительной особенностью этих арт-проектов, в отличие от многих активных творческих занятий, является то, что все они могут быть легко выполнены в помещении с минимальным беспорядком ( хотя вы, возможно, помните, что я не боюсь гигантского беспорядка. )

Эти идеи понравились моему сыну, потому что они вышли за рамки простой кисти и бумаги. Они помогли ему отказаться от традиционных представлений о том, что такое искусство, и я надеюсь, что они повлияют на его брата так же! Еще одно преимущество этих активных художественных проектов заключается в том, что они сосредотачивают внимание ребенка на процессе создания искусства, а не на создании идеального образца.Это так важно для детей, которые переживают, что «не умеют рисовать».

Вот список! Нажмите на ссылку, чтобы узнать больше о каждом проекте и увидеть наши результаты!

Картина с магнитами. Это такой интересный способ смешать науку и искусство!

Украсить окна . Это один из наших абсолютных фаворитов, и это отличный способ испытать штормовую погоду. Заставляет детей вставать и лазить в окно. Создайте эффект витража, используя целлофан, мыло и воду, или используйте смываемые краски и отпустите своих детей в город.

Нарисуйте на доске водой. Встаньте и двигайте этими руками. Если они немного сойдут с ума, ничего страшного, это просто вода!

Покраска встряхиваемого контейнера. Этот человек может стать действительно активным. Дети действительно могут сжечь немного энергии! Тряси и прыгай, или танцуй и качайся! Предостережение: плотно закройте крышку!!

Спиннер арт. Используйте любимый кухонный инструмент детей — салатницу, чтобы сделать искусство, похожее на фейерверк.

Мраморная роспись. Какой ребенок не любит поиграть с мячом? Детям нравится манипулировать объектами для создания дикого искусства.

Сглаживание цвета. Попробуйте эту забавную технику, которая особенно хороша для малышей и дошкольников. Весь беспорядок собран, и дети одновременно изучают теорию цвета!

Мраморная бумага с кремом для бритья. Этот не такой активный для всего тела, как некоторые другие активные арт-проекты в этом списке, но он включает в себя брызги и кружения, которые всегда пользуются большим успехом. Это также имеет большой WOW-фактор!

Легкий арт на большой бумаге. Если вы застелите пол плотной бумагой, вы сможете заставить детей двигаться в разных направлениях.Обязательно поощряйте творчество, предоставляя материалы для печати рук и ног ! Посмотрите, как мы это сделали!

Создайте боди-арт в натуральную величину. Дети встают со стульев, ложатся и двигаются по полу, используя большие движения руками. Вы можете этого не осознавать, но большие движения рук имеют решающее значение для развития мелкой моторики мышц.

Видите, искусство и физические нагрузки не являются несовместимыми. На самом деле, стать активным — это забавная альтернатива тому, чтобы сидеть с книжкой-раскраской! Эти художественные проекты посвящены процессу, так что пусть ваши дети исследуют его!

Другие идеи для игр в помещении, в том числе арт-проекты, см. в нашем огромном списке занятий для детей в помещении.

Хотите, чтобы ваши дети любили быть отключенными от сети?

Подпишитесь на нашу рассылку и в качестве благодарности получите 10 игр-ожиданий, в которые дети могут играть в любое время и в любом месте.

Ваша электронная почта *никогда* не будет передана или продана третьим лицам. Нажмите здесь, чтобы посмотреть нашу политику конфиденциальности.

Раскрашивание тела для содействия самостоятельному изучению анатомии рук студентами доклинических медицинских курсов

Med Educ Online. 2016; 21: 10.3402/meo.v21.30833.

Медицинский факультет Университета Валаилак, Накхонритхаммарат, Таиланд

^* Адрес для связи: Питчани Джарияпонг, Медицинский факультет Университета Валаилак, округ Тасала, Накхонритаммарат 80161, Таиланд, электронная почта: moc. liamtoh@eenahctipJ

Поступила в редакцию 27 декабря 2015 г.; Принято 11 февраля 2016 г.

Copyright © 2016 Pitchanee Jariyapong et al.

Это статья в открытом доступе, распространяемая в соответствии с условиями международной лицензии Creative Commons Attribution 4.0, позволяющей третьим сторонам копировать и распространять материал на любом носителе или в любом формате, а также микшировать, преобразовывать и использовать материал для любых целей, даже на коммерческой основе, при условии, что оригинальная работа правильно процитирована и указана ее лицензия.

Эта статья была процитирована другими статьями в PMC.

Abstract

Background

Целью данного исследования было использование метода бодиарта для обучения анатомии рук группе студентов доклинических медицинских курсов.

Методы

Учащиеся повторили анатомию рук, используя традиционный метод и упражнения по рисованию тела. Обратная связь и сохранение информации, связанной с анатомией, были изучены с помощью анкеты и вопросов с несколькими вариантами ответов, соответственно, сразу и через 1 месяц после упражнения по рисованию.

Результаты

Учащиеся согласились с тем, что это упражнение было полезным и помогло облегчить самостоятельное обучение после уроков анатомии в классе.Хотя не было существенной разницы в сохранении знаний между контрольной и экспериментальной группами, учащиеся оценили упражнение, в котором они наносили бодиарт на тело человека, чтобы изучить анатомию.

Заключение

Роспись тела была эффективным инструментом интерактивного обучения студентов-медиков и углубления понимания общей анатомии.

Ключевые слова: бодиарт, живая анатомия, медицинское образование, обучение и преподавание. учащиеся запоминают различные структуры.Однако у студентов-медиков, как правило, нет возможности напрямую перенести свои знания из лаборатории в живой организм (1), а клиницисту недостаточно оценить структуру или органы пациентов в клинической практике (2). Новая методология обучения и преподавания живой анатомии раскрывает телесные структуры живого человека. В настоящее время он приобретает все большее значение в современном обучении анатомии и считается заменой изучения анатомии на основе трупов (3). Благодаря трем основным модальностям живой анатомии — поверхностной анатомии, медицинской визуализации и хирургическим процедурам — учащиеся могут участвовать в самостоятельном обучении (SDL), что приводит к положительным результатам обучения анатомии (4).

Бодиарт, форма боди-арта, при которой раскрашивается кожа человека, считается полезным дополнением к живой анатомии, традиционным курсам анатомии и занятиям по клиническим навыкам (5). Чтобы использовать эту технику для обучения анатомии, несколько структур — мышцы, сосуды, кости, нервы и внутренние органы — рисуются на реальном живом человеческом теле, что позволяет легко пальпировать и исследовать. Сообщается, что студенты-медики участвовали во время сеанса бодиарта и веселились.Это также дает возможность приспособить учащихся с различными стилями обучения (6), помогая им сохранить анатомические знания (7). В настоящем исследовании мы использовали метод бодиарта для обучения анатомии рук группе студентов. Мы выбрали эту структуру, потому что легко наблюдать дистальный конец каждой руки и не содержит органов, специфичных для пола. После первоначального испытания участвующие студенты позже использовали бодиарт для изучения других анатомических областей человека.

Методы

Набор студентов и тест на цветовую чувствительность

К участию в этом проекте были приглашены студенты первого и второго курсов доклинической медицины Университета Валайлак ( N =96). Все участвовавшие студенты подписали индивидуальные формы согласия, а этическое одобрение было предоставлено Комитетом по этике Университета Валайлак. Для росписи тела использовались нетоксичные водосмываемые краски для тела различных цветов и кисти разных размеров.Перед началом занятия студенты проводили тесты на определение чувствительности к используемым краскам.

Вмешательство и сбор данных

Студенты прослушали примерно 30-минутную лекцию по анатомической терминологии и анатомии кисти. После лекции студенты были случайным образом разделены на контрольную и экспериментальную группы по 48 человек в каждой. В каждой группе студенты были дополнительно разделены на шесть подгрупп ( N = 8) для повторения анатомии кисти различными методами.У экспериментальных подгрупп было 20 минут на то, чтобы нарисовать только одну структуру — кости, мышцы, нервную иннервацию и дерматом или кровоснабжение — на руке партнера и еще 20 минут на то, чтобы нарисовать свою руку. Эти подгруппы имели дополнительные 20 минут для обсуждения. Между тем, студенты контрольной группы изучали анатомию кисти по раздаточному материалу и учебнику в течение 1 часа. Кратковременное запоминание студентами анатомической информации оценивалось как в экспериментальной, так и в контрольной группах с помощью набора вопросов с несколькими вариантами ответов.Обратная связь была получена от экспериментальной группы с помощью структурированного вопросника с использованием шестибалльной шкалы Лайкерта с категориями согласия/несогласия (6). Долгосрочное удержание оценивалось в обеих группах с использованием одних и тех же вопросов с несколькими вариантами ответов через 1 месяц после занятий по раскрашиванию тела.

Результаты

Раскрашивание тела способствовало активному обучению в классе анатомии

Раскрашивание тела является полезным инструментом для иллюстрации поверхностной проекции желаемых структур и их взаимоотношений, особенно для тесно связанных структур в руке (a–c).Студенты заполнили анкету обратной связи, и большинство из них заявили, что полностью согласны с тем, что они активно участвовали в сеансе бодиарта (92%). Кроме того, 83% студентов полностью согласились с тем, что использование бодиарта для изучения анатомии рук представляет интерес, и считают, что упражнение по рисованию тела способствует взаимному обучению. Примерно 79% студентов полностью согласны с тем, что метод бодиарта следует использовать для облегчения изучения анатомических структур других частей тела.В целом, 71% студентов полностью согласились с тем, что бодиарт помог им легко составить список структур руки и дал им представление о ориентирах в различных структурах. Процент согласия/несогласия с закрытыми вопросами для упражнения по рисованию тела показан на рис.

Рисунок дерматома (а) кости (б) и других родственных структур (в) в руке.

Процент согласия/несогласия с закрытыми вопросами по упражнению по росписи тела от студента.

Количественное сохранение знаний

Краткосрочное и долгосрочное сохранение знаний студентов оценивали с помощью набора вопросов с несколькими вариантами ответов сразу после упражнения по росписи тела и через 1 месяц после упражнения соответственно. Результаты показали, что средние баллы контрольной и экспериментальной групп сразу после сеанса бодиарта составили 12,2±2,4 и 11,3±2,3, а через 1 месяц после эксперимента — 8,0±2,5 и 7,4±2,8 соответственно.Достоверной разницы между баллами для каждой группы как сразу после, так и через 1 месяц после эксперимента не было. Кроме того, мы обнаружили, что для вопросов, связанных с анатомией нарисованной поверхности (например, вопросы 13–16), количество студентов в экспериментальной группе, выбравших правильный ответ, было выше, чем число студентов в контрольной группе сразу после сеанса росписи тела (вопросы 13–16). ). Та же тенденция была обнаружена при оценке через 1 месяц после эксперимента (б), что свидетельствует о влиянии росписи тела на запоминание информации.

Количество студентов контрольной и экспериментальной групп, выбравших правильный ответ сразу (а) и через 1 месяц (б) после сеанса бодиарта.

Обсуждение

В двадцать первом веке многие студенты становятся зависимыми от Интернета для получения информации и поиска дополнительных ресурсов. Поэтому отношение и средства обучения, используемые в процессе преподавания базовых медицинских наук, в том числе анатомии в медицинском вузе, должны модифицироваться в соответствии с изменением моделей поведения.Инновации, такие как SDL, проблемно-ориентированное обучение (PBL) и компьютерное обучение, обсуждались как средства для понимания живой и поверхностной анатомии и замены вскрытия человеческих трупов (3). В настоящем исследовании мы сообщаем о бодиарте как методологии обучения для изучения анатомии руки и содействия самостоятельному обучению.

Давно сообщалось о переходе от традиционных методов обучения к интегрированному подходу к обучению с использованием бодиарта (8, 9). Помимо расслабления учащихся от интенсивного чтения учебников визуальные стимулы с тактильным рисунком способствуют воспроизведению знаний (10).В этом исследовании, несмотря на отсутствие существенной разницы между сохранением знаний между двумя группами во время оценки сразу после эксперимента (краткосрочное удержание) или через 1 месяц после (долгосрочное удержание), экспериментальной группе был предоставлен более короткий период времени (20 мин) для исследования по сравнению с контрольной группой (1 ч). Таким образом, упражнение по рисованию тела в значительной степени способствует активному обучению, когда учащиеся ищут инструменты для достижения понимания предмета, а не просто повторяют то, что они узнали на уроках анатомии (11).Студентов поощряют быть активными учениками и менять свою позицию со слушателя на дидактического учителя, что находится в нижней части конуса опыта Дейлса (12) и может привести к сохранению до 90% знаний.

Здесь наши результаты согласуются с другими сообщениями о том, что раскраска тела является полезным инструментом для обучения анатомии (6, 13). С уменьшением количества трупов, доступных для медицинского образования, раскраска тела может стать реалистичным вариантом для изучения анатомии поверхности. По сравнению с другими методами живой анатомии, стоимость бодиарта невелика, и это приятное занятие может выполняться одновременно с большими размерами классов.

Благодарности

Авторы благодарят доц. Профессору Ваттане Вирачатянукулу за комментарии к этой рукописи и за готовность всех студентов-медиков первого и второго курсов Университета Валайлак принять участие в эксперименте.

Конфликт интересов и финансирование

Это исследование проводится при поддержке Института исследований и разработок Университета Валайлак. Авторы сообщают об отсутствии заявлений об интересе.

Каталожные номера

1.Барроуз Х.С., Патек П.Р., Абрахамсон С. Введение живого человеческого тела в общую анатомию первокурсника. мед. образования. 1968; 2: 33–5. [PubMed] [Google Scholar]2. Пабст Р. Гросс анатомия: устаревший предмет или неотъемлемая часть современной медицинской программы? Результаты опроса были распространены среди студентов-медиков последнего курса. Анат Рек. 1993; 237:431–3. [PubMed] [Google Scholar]3. Гангули ПК. Преподавание и изучение анатомии в 21 веке: направление и стратегии. Open Med Educ J. 2010; 3:5–10. [Google Академия]4.Гангули П.К., Чан Л.К. Живая анатомия в 21 веке: как далеко мы можем зайти? Юго-Восточная Азия J Med Educ. 2008; 2:52–7. [Google Академия]5. Финн GM, McLachlan JC. Качественное исследование реакции учащихся на бодиарт. АНАТ, образование. 2010;3:33–8. [PubMed] [Google Scholar]7. Финн Г.М., Уайт П.М., Абдельбаги И. Влияние цвета и его роли на сохранение знаний: исследование по рисованию тела в рамках бакалавриата медицины. АНАТ, образование. 2011;4:311–17. [PubMed] [Google Scholar]8. Боушер Д. Чему следует учить анатомию? мед. образования.1976; 10: 132–4. [PubMed] [Google Scholar]9. Финн ГМ. Двенадцать советов для успешного проведения учебного занятия по бодиарту. Мед Уч. 2010;32:887–90. [PubMed] [Google Scholar] 10. Маклахлан Дж. К., Блай Дж., Брэдли П., Сирл Дж. Преподавание анатомии без трупов. мед. образования. 2004; 38: 418–24. [PubMed] [Google Scholar] 11. Харден Р. Самостоятельное обучение. В: Дент Дж. А., Харден Р. М., редакторы. Практическое пособие для учителя медицины. 3-е изд. Лондон, Великобритания: Эльзевир Черчилль Ливингстон; 2009. С. 168–74. [Google Академия] 12.Дейл Э. Аудиовизуальные методы обучения. 3-е изд. Нью-Йорк: Холт, Райнхарт и Уинстон; 1969. с. 108. [Google Академия]13. Макменамин П.Г. Бодиарт как средство обучения клинической анатомии. АНАТ, образование. 2008; 1: 139–44. [PubMed] [Google Scholar]

Заставьте свое тело двигаться во время карантина с помощью проекта рисования

Когда , а не в разгар глобальной пандемии, весна и лето — это время, когда многие из нас тратят больше времени на то, чтобы привести себя в форму в тренажерном зале и активно проводят время на свежем воздухе. Тем не менее, приказы оставаться дома, изданные по всей стране, заставили больше людей оставаться дома, чтобы избежать потенциального заражения COVID-19.

К сожалению, нехватка оборудования для домашнего спортзала и снижение мотивации заставляют некоторых людей приостанавливать свои усилия по достижению целей в области здоровья и хорошего самочувствия. Тем не менее, есть творческие способы стать более активными во время карантина, в том числе покрасить свой дом и заняться другими проектами по благоустройству дома.

Рисование как форма упражнения

Если вы давно не рисовали по дому, вы удивитесь, какая это на самом деле тренировка! Рисование предлагает сердечно-сосудистую тренировку, заставляя ваше тело двигаться, ваше сердце качается, и ваша кровь течет.

Это также помогает укрепить ваши руки, когда они растягиваются, чтобы дотянуться до высоких точек на стенах, ваши ноги, когда вы приседаете, чтобы дотянуться до плинтуса, и ваш корпус, когда вы сохраняете равновесие от начала до конца. Некоторые из основных мышц, которые вы задействуете при покраске дома, включают бицепс, большую грудную мышцу, а также верхнюю и переднюю часть дельтовидной мышцы.

калорий, сожженных рисованием

Рисование — отличный пример домашнего дела, которое повышает частоту сердечных сокращений и сжигает калории.Хотя при этом сжигается не так много калорий, как при некоторых традиционных упражнениях, таких как бег на длинные дистанции, это все же отличный способ увеличить вашу ежедневную физическую активность и сохранить здоровье.

Подсчитано, что человек весом 155 фунтов сожжет около 167 калорий, раскрашивая стены дома в течение 30 минут. Между тем, тот, кто весит 185 фунтов, сжигает около 200 калорий за 30 минут. Отслеживание потребленных калорий по сравнению с калориями, сожженными в результате различных действий, которые вы выполняете в течение дня, — отличный способ придерживаться своих целей в отношении здоровья и не набирать лишний вес во время карантина.

Преимущества упражнений во время карантина

Помимо сжигания калорий и поддержания формы, упражнения при соблюдении режима самоизоляции во время пандемии COVID-19 приносят много других преимуществ. Упражнения могут помочь противодействовать последствиям слишком легкого доступа к холодильнику и чрезмерных перекусов в течение дня, когда вы работаете дома. Это также может помочь сохранить ваше психическое здоровье, предоставляя вам продуктивные цели и позитивные способы скоротать время.

Придерживаться режима домашних тренировок без внешней мотивации для многих людей непростая задача. Однако иметь осязаемую цель, где вы можете мгновенно увидеть результаты своего труда, например, покрасить стены, — это эффективный способ помочь вам быть более активным, несмотря на все, что происходит сегодня в мире.

Профессиональная помощь с вашим проектом рисования

Хотя рисование — отличное упражнение, оно также требует определенных навыков, терпения и времени.Если вы изо всех сил пытаетесь хорошо покрасить свои комнаты или просто хотите избежать хлопот и беспорядка, связанных с этим типом проекта «сделай сам», Paintzen может помочь. Не волнуйтесь, если рисование не является вашей областью знаний, потому что есть много других проектов по ремонту дома, которые вы можете реализовать, которые также дадут вашему телу и разуму отличную тренировку.

В Paintzen мы предлагаем профессиональные услуги по покраске интерьеров и экстерьеров и готовы принять все необходимые меры предосторожности, чтобы обеспечить безопасность и здоровье вашей семьи в это непростое время.Мы предоставляем бесплатные и точные онлайн-цены в течение нескольких минут и можем начать покраску вашего дома в течение нескольких дней или в любое время, когда это лучше всего подходит для вашего графика.

Чтобы узнать больше, свяжитесь с нами или просмотрите нашу страницу часто задаваемых вопросов.

Живопись — искусство и история искусства

Начальная программа рисования в UT Arlington фокусируется на навыках рисования/рендеринга, использовании традиционных материалов и методов рисования, а также на звуковых процессах рисования и вопросах безопасности со ссылками и признанием истории искусства.Особое внимание уделяется способности учащегося оценивать формальные аспекты картины во время работы в студии и в критическом анализе, когда учащимся предлагается активно участвовать в формулировании своих мыслей и идей.

По мере того, как учащийся продвигается по уровням учебной программы, появляется больше возможностей и ожиданий для личного самовыражения и исследования материалов и идей. Студентам, изучающим живопись, настоятельно рекомендуется подходить к рисованию в исследовательской манере, используя различные техники рисования и смешанные техники, уделяя особое внимание процессу как способу развития идей.Студенты знакомятся с работами современных художников посредством неформальных дискуссий в классе, групповых посещений местных музеев, где они могут увидеть международных и региональных художников, а также обязательных студенческих презентаций.

Некоторые задания на продвинутом уровне живописи требуют, чтобы учащиеся использовали альтернативные материалы или форматы в сочетании с живописью, чтобы изучить более современный подход к технике. Учащиеся продвинутого уровня также должны разработать связную работу, отражающую профессиональную презентацию и заявление художника, формулирующее эту работу. В сочетании со своими основными заданиями продвинутые студенты создают небольшие картины / исследования или журналы, которые исследуют и генерируют идеи, материалы и / или методы в более спонтанной и менее формальной презентации, а также исследуют современных художников, методы рисования и материалы для неформальные или формальные презентации.

Активная группа студентов-живописцев, обучающихся по программе, участвует в выставках в студенческой галерее и на выставочных площадках в регионе и за его пределами.Нынешние и недавние бывшие студенты выставлялись в следующих учреждениях, изданиях и галереях:

Франсиско Морено (бывший студент) был представлен в ежегодном выпуске New American Paitings # 99 MFA и выставлялся на персональной выставке «Las Notocias» в Curbs в Вестбери, штат Нью-Йорк.

Кори Госсетт (бывший студент и аспирант) был выставлен на персональной выставке «Солнце не светит» в феврале 2011 г., которую он выиграл на конкурсной основе как победитель предыдущей региональной выставки в галерее 76102 в Форт-Уэрте. , Техас.

Кейси Аргилес и Стюарт Хаусман (бывшие студенты) стали финалистами Охотничьей премии 2011 года.

Кендра Бриско (бывшая студентка, а ныне аспирантка СМУ) была приглашена для участия в выставке «Мост» весной 2012 года в Далласе. , TX

Алисса Хокинс и Элейн Торрибио (бывшая студентка) были приглашены для участия в выставке под названием «Контент» в Галерее 414 в октябре 2011 года, Форт-Уэрт, Техас.

Чайтра Линехан (бывшая студентка), выставленная на персональной выставке «Для птиц» в Mighty Fine Arts в сентябре.2011, Даллас, Техас.

Алан Сиггерс создал персональную инсталляцию под названием «Дом там, где искусство есть, было и может быть» в галерее West, UTA, октябрь 2011 г.

Алисса Хокинс, Мелисса Мейер и Аспен Полви создали выставку для Gallery West , UTA, под названием «Дорогая», октябрь 2011 г.

Хизер Браман и Селия Кортес были приглашены выставить свои работы на групповой выставке под названием «Это и то» в галерее Атриум в Центре медицинских наук ЕНТ в октябре . , 2011, Форт-Уэрт, Техас.

Капил Диксит, бывший студент, в настоящее время управляет галереей в Катманду, Непал. В феврале 2011 года он выставил свои скандальные картины «Выражение подавления» о гомосексуалистах в кафе «Коричневый сахар» в Джамшихеле, Непал, и они были рассмотрены в The Himalayan Times.

Алисса Хокинс и Селия Кортес представили свои картины на выставке под названием «Константа» в галерее West, UTA, в феврале 2012 года. из более чем 9000 заявок в Лос-Анджелесе, Калифорния, февраль., 2012

Селия Кортез была выбрана одним из победителей конкурса «Искусство и идеи» весной 2012 года.

Мария Лучано была представлена ​​на выставке для трех человек в галерее Kiva, колледж Маунтин-Вью, демонстрирующей достижения студентов летом 2012 года.

Сарабет Мэй была одной из двух студенток, выбранных в конкурсе на реконструкцию и переделку одной из скульптур лошади в кампусе летом 2012 года. Филадельфия, Художественный институт Бостона, Колледж искусств и дизайна Кендалла, Международный университет Флориды, Юго-Западная медицинская школа медицинской иллюстрации, штат Нью-Мексико в Лас-Крусесе, MICA, Южный методистский университет, Техасский христианский университет, Университет Северного Техаса и Техасский университет в Сан-Антонио.

Попробуйте рисовать дрелью и кистью!

Боевое искусство — это сочетание двух вещей, которые дети любят делать: ДВИЖЕНИЕ и ТВОРЕНИЕ. Попробуйте рисовать дрелью в качестве увлекательного занятия для детей

Многие из вас знают, как любима и влиятельна Мэри-Энн Коль и ее книги для меня. Она сыграла важную роль в моей жизни и искусном воспитании детей задолго до того, как я встретил ее или взял у нее интервью по номеру The Artful Parent  (и снова и снова)

Первое художественное занятие, которое я когда-либо делал с детьми, было связано с ее книгами.Ее позитивный подход, ободряющее отношение и волнение по поводу детского творчества заразительны.

«Процессное искусство жизненно важно для развития ребенка».

МэриЭнн Ф. Коль

Барбара Заборовски, возможно, не так широко известна в сфере детского творчества, но мы все хотели бы, чтобы она была воспитателем наших детей в дошкольных учреждениях. Тот, кто полон энтузиазма, любит экспериментировать и не боится небольшого беспорядка во имя веселья и обучения.

(Если вы хотите узнать больше о ее подходе к детскому творчеству и дошкольному образованию, вы можете прочитать мое интервью с Барбарой здесь.)

МэриЭнн Коль и Барбара Заборовски написали в соавторстве фантастическую книгу под названием Action Art: Hands-On Active Art Adventures , посвященную, ну, как вы, наверное, догадались, экшн-арту!

Вот видео, показывающее Action Art for Kids . И не забудьте прокрутить вниз, чтобы увидеть еще больше замечательных идей.

Экшн-арт для детей

В Artful Parent мы любим экшн-арт по многим причинам, и эта книга трещит по швам от забавных художественных идей для детей. Все, начиная от арт-хоккея и растирания красок и заканчивая снимками и танцующими пятнами. И большинство из них используют художественные материалы, которые уже есть у вас дома.

«Экшн-арт! Искусство в действии! Это лучшее из детства, прямо здесь — сочетание двух вещей, которые дети действительно любят делать: ДВИЖЕНИЕ и ТВОРЕНИЕ. Книги по искусству МэриЭнн направляют нас уже много лет, и эта книга с Барбарой Заборовски действительно вдохновляет. Я так взволнован этими активными художественными идеями!»

Жан Вант Хал

Эти идеи художественной деятельности будут очень интересными для детей, будь то дома, в школе или лагере, с одним ребенком, на художественной игре с другом или в качестве групповой вечеринки.

«Все мы знаем, что дети предпочитают быть активными, и искусство действия объединяет потребность ребенка в деятельности с всегда важной потребностью в творчестве. Художественный опыт основан на философии, которую дети узнают в процессе творчества, и что готовый продукт является результатом этого процесса, а не целью». – МэриЭнн Коль и Барбара Заборовски

Рисование дрелью для детей

Боже мой! Моим детям было НАСТОЛЬКО весело рисовать с помощью электродрели!

Я вставил малярную кисть в нашу электродрель, куда обычно входит сверло, и дети пошли в город, макая кисть в краску, затем сжимая ручку дрели и рисуя вращающейся малярной кистью.

Как и все идеи в книге, эта включала в себя варианты и дополнительные идеи для изучения, которые мы обязательно рассмотрим.

«Чаще повторяйте художественные занятия, чтобы развивать навыки, технику и уверенность».

Готовы попробовать это со своими детьми?

Я настоятельно рекомендую эту книгу родителям, учителям, опекунам и участникам лагерей. И определенно всем, кто собирается устроить художественную вечеринку.