День: 04.01.1982

Акварельные капли: разная база — разный эффект!

Акварельный бум захватил творческие умы, ведь с этой техникой рисунки получаются такими воздушными и невесомыми. Красками легко добиться эффекта наложения и размытия, не требуется специальных навыков и мастерства.

---

Акварельный бум захватил творческие умы, ведь с этой техникой рисунки получаются такими воздушными и невесомыми. Красками легко добиться эффекта наложения и размытия, не требуется специальных навыков и мастерства. Техник, как таковых, не существует, всё зависит от вашей фантазии и желания экспериментировать.

При работе  с каплями их преимуществом является мгновенное высыхание — это спиртовая основа, которая при выветривании доставляет пигмент глубоко в основу, благодаря своей летучести.

Давайте рассмотрим на примере видео — роликов в карусели, как можно получить разнообразные дизайны при помощи акварельных капель, нанося их на разную основу:

На видео номер 1 акварельные капли наносятся на заполимеризованный матовый топ без липкого слоя — получаются  довольно яркие и  контрастные рисунки, так как пигмент быстро проникает и оседает в пористой структуре матового топа. Рекомендуем набирать немного материала на кисть, чтобы не переборщить с размером рисунка и успеть быстро его размыть. Перед размытием капли кисть смочить в жидкости для снятия лака от Ингарден. Для размытия лучше  воспользоваться натуральной кистью, которой вы зададите необходимый дизайн, фигуру, рисунок (кисти подойдут разные: с тонким кончиком, для тонких линий, например, на видео использована кисть для подмалёвка 2Н-1130 от Ингарден). Используя матовый топ CosmoVelvet в качестве завершающего покрытия, вы получите ещё более объёмный и глубокий эффект.

На видео номер 2 показан дизайн в стиле узбекских узоров на запиленной/забафенной основе. Просушенный после топа без липкого слоя или после снятия дисперсии с топа с липким слоем,  полностью готовый ноготь обрабатываем пилкой или бафом так, чтобы появились борозды. Двигаться пилкой нужно в одном направлении, в том, в котором хотите задать направление каплям, таким образом, при работе, они проникают в микро бороздочки от пилки/бафа и оставляют неповторимый рисунок в технике штрихования. Кисть для нанесения рисунка рекомендуем использовать тонкую, на видео это кисть для вензелей и прорисовки 00Н-313К0 от Ингарден. Для размытия капель используем ту же кисть и жидкость для снятия лака от Ингарден. В качестве завершающего покрытия можно использовать как матовый, так и глянцевый топ, в зависимости от желаемого конечного результата, на видео дизайн покрыт топом без липкого слоя X-Top.

На видео номер 3 показана работа по остаточной липкости цвета/топа с липким слоем. Работать легко, размывая акварельные капли жидкостью для снятия лака от Ингарден. Хорошо выходят абстрактные дизайны, без четких границ, которые впоследствии можно прорисовать. Для более интенсивного контура рисунка его необходимо прокрасить тонкой кистью, на видео это кисть для вензелей и прорисовки 00Н-313К0 от Ингарден. Для эффекта наслоения оттенков или их смешения важно дать первому слою хорошо просохнуть. Можно использовать бондер «прицельно», для размытия отдельных элементов, если требуется получить выраженный контур детали. В линейке акварельных капель Ингарден №2, 4, 5 лучше поведут себя на остаточной липкости цвета или топа. Они быстро впитываются в подложку, менее податливы в технике размытия. № 1, 3, 6, 7, 8 – подойдут для матовой основы(матовый топ без липкости). Специальные ликвиды для капель больше маркетинг, поскольку, не зная соотношение раствора (жидкости со спиртовой основой и пигмента) можно промахнуться с концентрацией размывающего средства, и он не будет работать совсем. Интересные дизайны могут выходить при работе по жидкой(до полимеризации) поверхности топа(матового или глянцевого с липкостью и без) или цвета гель-лака. Границы фантазии задаете только вы!

Делитесь вашими техниками, фото и видео с каплями от Ингарден, желаем вам блестящих успехов!

Московский музей современного искусства — Отражения в цветной водеАкварели и рисунки Андрея Есионова

Правительство Москвы Департамент культуры города Москвы Российская академия художеств Московский музей современного искусства Отражения в цветной воде Акварели и рисунки Андрея Есионова Андрей Есионов. Елена. 2015. Бумага, акварель. Андрей Есионов. Ильинка. 2012. Бумага, акварель. Андрей Есионов. Лиза. 2015. Бумага, акварель. Андрей Есионов. Новая Афродита. 2012. Бумага, акварель. Андрей Есионов. Ода небу. 2015. Бумага, акварель. Дата проведения: 4 марта — 10 апреля, 2016 Адрес: ММОМА, Гоголевский б-р, 10, стр. 2 Кураторы: Андрей Егоров, Анна Арутюнян Московский музей современного искусства представляет персональную выставку Андрея Есионова — живописца, мастера акварели и рисовальщика, с успехом вернувшегося в искусство после более чем двадцатилетнего перерыва. Художнику, «перезапустившему» в начале 2010-х годов свою творческую жизнь, всего за несколько лет целеустремленной и кропотливой работы в уединенной подмосковной мастерской удалось создать обширную группу новых произведений. Опираясь на крепкую профессиональную выучку, Есионов ставит перед собой все более сложные пластические задачи, в известном смысле испытывает пределы академического изобразительного языка, и именно этот парадоксальный сплав самоограничения и внутренней свободы, дисциплины и беспокойной фантазии определяет его индивидуальный художественный почерк. Выставка во втором корпусе Московского музея современного искусства на Гоголевском бульваре впервые в полном объеме представит крупноформатные акварели Есионова: чрезвычайно важную для него художественную практику, справедливо приравниваемую им самим по значимости к живописи. Их дополнят специальные экспонаты, призванные расширить представление зрителей о частном пространстве художника — принадлежащие ему инструменты для рисования, фотографии, некоторые личные вещи, а также видеоматериалы. В экспозицию войдут различные акварельные серии Есионова. Это листы, посвященные отдельным странам и городам, запечатлевшие побережье Кипра, улицы Москвы, Парижа, Берлина и других европейских столиц, по которым он путешествовал. Будут показаны портретные работы, а также совсем новые жанровые сцены, в которых художник фокусирует внимание на отдельных мотивах, формирующих своеобразную картину жизни современного мегаполиса: манекенах в витринах магазинов, туристических повозках, «фактурных» городских персонажах — уличных музыкантах и обывателях. Фланируя вместе с толпой, художник будто разглядывает мир через воображаемую линзу, наводит резкость, отдаляет и приближает взгляд, присматриваясь к деталям. Он всегда сопоставляет фигуры людей с их архитектурным, природным или предметным окружением, предоставляя тем самым смысловой ключ к расшифровке, казалось бы, повседневных ситуаций, возводя их на уровень аллегорического высказывания. В работу с акварелью Есионов привносит свойственный ему аналитический подход, при этом он всегда сохраняет несколько дистанцированную позицию, словно лишь отстраненно наблюдает за отражениями, проявляющимися на поверхности «цветной воды». Художник создает не спонтанные натурные этюды, как можно решить на первый взгляд, а тщательно продуманные и выстроенные композиции, своего рода «бесшовные» коллажи из того богатого изобразительного материала, который собран в предварительных карандашных рисунках. Эти наброски также войдут в состав экспозиции, сопровождая акварельные листы и выявляя особенности персонального метода художника. О ХУДОЖНИКЕ: Андрей Кимович Есионов родился в 1963 году в Ташкенте. В 1990 году окончил живописное отделение Ташкентского государственного театрально-художественного института им. А.Н. Островского. Его первые самостоятельные работы привлекли внимание старших коллег и критиков. Однако, в непростые перестроечные годы, не желая выполнять официальные заказы, художник вынужден был посвятить себя предпринимательской деятельности. Спустя двадцать лет Андрей Есионов вновь заявил о себе, но уже как о зрелом художнике — к настоящему моменту он провел три персональные выставки, в Москве и Париже. Андрей Есионов состоит в Союзе художников России, Творческом союзе художников России, его работы отмечены наградами Российской академии художеств и ТСХР, он является членом-корреспондентом Российской академии художеств, а также лауреатом и победителем ряда престижных международных фестивалей искусств. Партнёр проекта Медиапартнеры

Отражение. Акварели и рисунки Андрея Есионова — Строгановский дворец

14 сентября 2016—15 ноября 2016

Русский музей приглашает на персональную выставку живописца и графика  Андрея Есионова. Это первая выставка художника в Санкт-Петербурге: он неоднократно показывал свои произведения в Европе,  москвичи помнят его выставки в залах Академии художеств и Московского музея современного искусства. Художник смело работает на стыке академического и современного искусства, но при этом его работы существуют как бы «вне истеблишмента», вне существующей сегодня формальной системы «продвижения искусства».

Андрей Кимович Есионов родился в 1963 году в Ташкенте. В 1990 году окончил живописное отделение Ташкентского государственного театрально-художественного института им. А.Н. Островского. В период 90-х – начала 2010 года художник начал заниматься предпринимательской деятельностью, не желая выполнять официальные заказы и следовать существовавшей тогда художественной конъюнктуре. Спустя 20 лет он осуществил свой «отложенный рывок» в искусство, с которым изначально связывал возможность самореализации, — рывок «к восторгу и свободе». Художник стремительно ворвался в современное выставочное пространство после длительного перерыва в занятиях живописной практикой и быстро завоевал любовь зрителей и массу положительных отзывов у профессионалов.

Именно «внесистемность» его творчества обусловила возможность столь масштабного замаха, который художник выказывает в своих тематических картинах и серии портретов. Масштабные многофигурные картины Есионова отличаются сложносочиненностью: повествовательность сочетается с иносказанием – аллегорией. Портреты художника так же композиционно активны, тяготеют к определенной драматургии. В Строгановском дворце Русского музея Есионов показывает свою графику – рисунок и акварели. Акварель художника обладает большим нарративным потенциалом – он, возрождая традиции жанризма, стремится к остроте реакций на действительность, к достоверной «ухваченности» натуры. Вместе с тем, наряду с непосредственностью, стихийностью, акварели художника обладают несомненной рефлексивностью: традиционная техника осмыслена как современная медиа.

Работы Андрея Есионова отмечены наградами Российской академии художеств и ТСХР, он является членом-корреспондентом Российской академии художеств, а также лауреатом и победителем ряда престижных международных фестивалей искусств.

В период работы выставки действует акция, в ходе которой буду разыграны памятные сувениры. Подробнее об условиях акции:  http://www. esionov.ru/esionov.ru/promo/?utm_source=fi_yandex&utm_medium=cpc&utm_campaign=poisk&yclid=5128465160306166915#.details-anchor

Акварели и рисунки А.П. Боголюбова. Новости Радищевского музея

Выставка из цикла «Графический альбом» представляет произведения графики А.П. Боголюбова из музейной коллекции после реставрации в ВХНРЦ имени академика И.Э. Грабаря (Москва).

В музейном собрании хранятся около полутора тысяч рисунков и акварелей русской школы XIX – начала XX веков. К наиболее ценным из них относятся графические работы основателя музея А. П. Боголюбова.

Алексей Боголюбов (1824–1896) – профессиональный моряк, профессор и действительный член Императорской Академии художеств, учредитель и председатель Общества русских художников в Париже, активный член Товарищества передвижных художественных выставок, главный живописец Военно-морского штаба, наставник многих художников (И. Е. Репина, В. Д. Поленова, К. А. Савицкого, А. К. Беггрова, И. П. Похитонова, А. А. Харламова, Н. Н. Гриценко и других) и, даже, «царской семьи учитель», обучавший искусству рисования Александра III и Марию Фёдоровну. Талантливый мемуарист, автор увлекательных «Записок моряка-художника». Знаковая фигура в истории художественной жизни Саратова, его Почётный гражданин. Создатель музея, и, при нём, знаменитого рисовального училища, открытого в 1897 году, носящего ныне, как и более ста лет назад, его имя.

Фонд графики Боголюбова составляет вместе с альбомными материалами примерно 1 000 листов и почти целиком относится к первоначальной коллекции музея, поступившей от его основателя при жизни и по его завещанию (1885–1899). Эта графика, преимущественно рисунки и акварели, составляет, наряду с живописными этюдами Боголюбова, наиболее поэтичную часть его творчества. Как художник, прошедший серьёзную академическую школу, он всегда уделял большое внимание рисунку. Ещё в молодости, когда он был, по собственному выражению, «художником-аматёром», то есть любителем, он обратил внимание на наставление, сделанное великим Карлом Брюлловым, – «рисовать построже». Вспоминая академические уроки, Боголюбов подчёркивал, что все учителя-профессора «были прекрасные рисовальщики, все они учили нас этому делу очень хорошо, преследуя классическое направление, что и давало прекрасные результаты, и шла в Риме даже добрая слава, что русские ежели не мастера писать, то все рисуют хорошо».

Экспонирующиеся графические листы Боголюбова, отреставрированные в ВХНРЦ в 2011–2012 годах, дают представление об особенностях авторской рисовальной манеры, владении различными техниками рисунка, о тонком колористическом вкусе, присущем не только его живописи, но и миниатюрным акварелям. Созданные в России и во многих европейских странах – Франции, Германии, Швейцарии, Голландии, Италии – они образуют своего рода огромный альбом, фиксирующий увлекательные путешествия художника. Некоторые листы отличаются не только красотой мимолётности акварели или сепии a la prima, виртуозным штрихом пера или карандаша, но и надёжной документальностью.

Особую страницу творчества в рисунке, как и в живописи, составляют вдохновлённые его первой профессией марины и морские баталии. «Первое морское сражение (Наум Сенявин)» – один из подготовительных рисунков к картине из цикла о славных петровских морских баталиях, посвящённой легендарной победе русского корабельного флота, одержанной над шведским флотом у острова Эзель. Несколько листов создано в 1860-е годы во время поездок по России: «Самара», «Астрахань», «Нижний Новгород (Петербургская пристань)». Путешествие 1861 года по Волге и Каспию вместе с братом Николаем Петровичем, моряком и писателем, было предпринято с целью составления путеводителя. Ещё одна памятная для Боголюбова поездка состоялась в 1863 году в свите наследника Николая Александровича, вскоре умершего. В 1866-м маршрут предыдущей поездки был частично повторён художником, сопровождавшим нового наследника – Александра Александровича, будущего российского императора. Точная датировка этих, как и многих других графических работ Боголюбова, затруднена в связи с тем, что он часто, даже в пределах нескольких ближайших лет, возвращался в одни и те же места.

По отзывам Боголюбова русские пейзажи не уступали по своей красоте прославленным видам Европы. «А когда я повидал нашу матушку Волгу с её разнообразием от Твери до Астрахани, то все Саксонские Швейцарии, Рейны и Дунай … всё это разом пало в моём воображении». С не меньшей теплотой художник запечатлевает родные для него мотивы Петербурга и его окрестностей («Набережная у Академии художеств. Санкт-Петербург», «Кронштадт»). Из излюбленных европейских мест представлены виды живописного нормандского побережья Франции («Вёль», «Закат солнца в Этрета»), пленительного Барбизона в окрестностях Парижа («Осень в Барбизоне»).

Особой страницей творчества Боголюбова стали венецианские пейзажи. По воспоминаниям художника, Венецию он начал писать ещё в молодости с гравюр, «горя нетерпением скорей туда отправиться». Первая незабываемая встреча состоялась во время пенсионерской поездки 1854 года – Боголюбов провёл там несколько осенних месяцев. Позднее возвращался в сказочную Венецию многократно. «Не буду описывать моих впечатлений и восторгов венецианских. Считаю это личным достоянием каждого, кто здесь побывает. Конечно, можно побывать везде чемоданом, а мои впечатления кто увидит в картинах, то пусть составит понятие, верно ли я глядел на красавицу морей и точно ли передавал её тонкий серебристо-серый колорит, её мутную, но очаровательную воду и разнообразнейшие строения перспективных линий. Краса её так глубоко меня поразила и врезалась в моей памяти, что я много раз её писал во всех видах в разнообразные времена, да и буду писать до конца моей жизни». Искреннее восхищение «красавицей морей» очевидно в работах «Венеция. Сан-Джорджио. Утро», «Венеция. Ночь», «Набережная рабов в Венеции».

Сегодня приобретение памятников классического искусства для музеев является большой редкостью, и подобные поступления относятся к числу особо ценных. В 2011 году коллекция Радищевского музея пополнилась двумя рисунками А. П. Боголюбова – «Венеция» и «Вид Константинополя», переданными по завещанию А. А. Ляпина (Франция). Александр Александрович Ляпин (1927–2011), внук известного художника В. Д. Поленова, всю свою жизнь бережно собирал раритеты русского искусства, часть которых была подарена в российские музеи им самим, остальные переданы его вдовой Николь Ляпин. Обе прекрасные работы попали в круг произведений, отреставрированных в Москве, и теперь, как и другие «обновлённые шедевры», смогут стать экспонатами многих выставок.

Имитация акварельного рисунка при помощи процедурной генерации / Хабр

В этой статье я объясню технику, используемую для создания «акварельных» генеративных изображений. Моё решение схоже с техниками, которые я описывал в статье

Generating Soft Textures

. Алгоритм не особо сложен. Концептуально он прост, но при этом хитро настроен.

Источник вдохновения

Я часто экспериментирую с акварелью в своём скетчбуке. Особенно мне нравятся безумно детализированные и разнообразные эффекты, которые способна создавать краска. Моё внимание привлёк один скетч, ставший источником вдохновения для разработки этой техники.

Моя задача не заключалась в реалистичном воспроизведении всех свойств акварели. Скорее, я хотел передать суть того, что мне в ней нравится.

Рекурсивный алгоритм деформации полигонов

Техника имитации акварели в генеративном искусстве заключается в наложении друг на друга множества почти прозрачных слоёв. Чтобы создать ощущение акварели с её плавным размытием, слои должны обладать большой вариативностью форм. Однако в областях с более чёткими границами слои должны обладать меньшей вариативностью.

Ядром техники имитации акварели является рекурсивный алгоритм деформации полигонов.

Он довольно прост, его смысл заключается примерно в следующем:

1. Для каждого отрезка A -> C в полигоне находим среднюю точку B. Из гауссова распределения, центрированного в точке B, выбираем новую точку B’.
2. Обновляем полигон, заменяя отрезок A -> C двумя отрезками: A -> B’ и B’ -> C
3. Если мы не достигли максимальной глубины рекурсии, то повторяем с шага 1, разделяя дочерние отрезки.

При определённых параметрах вариативности гауссова распределения и глубины рекурсии мы получим полигон с изломанными детализированными рёбрами.

Как работает техника деформации полигонов

Чтобы показать, как работает техника деформации полигонов, создающая эффект акварели, я применю её к простому правильному многоугольнику:

Базовая форма акварельного рисунка создаётся выполнением одного раунда деформации полигона. Берётся входящий полигон и несколько раз пропускается через функцию деформации (примерно 7 раз). Получившийся полигон становится «базовым полигоном» для всех слоёв, которые мы создадим.

Это выглядит примерно так:

Создание каждого слоя начинается с того, что мы берём «базовый полигон» и пропускаем его через функцию деформации ещё несколько раз (4-5 раз). При этом создаётся полигон, который похож на базовый, но отличается от него мелкими деталями. Отрисовываем полигон с высокой прозрачностью (opacity около 4%). Повторяем этот процесс для 30-100 слоёв.

Улучшаем форму благодаря областям с высокой и низкой вариативностью

Проделанные ранее шаги создали форму с довольно плавными краями. Чтобы придать границе чёткие края в некоторых областях и плавные в других, можно присвоить каждому отрезку свой уровень «вариативности». Отрезки с высокой вариативностью будут подвергаться большим изменениям в каждом раунде мутаций, а отрезки с низкой вариативностью — меньшим изменениям. Когда отрезок разделяется на два дочерних отрезка, эти дочерние отрезки наследуют вариативность родителя. Разумеется, вариативность должна немного уменьшаться, кроме того, неплохо немного рандомизировать эту вариативность при создании каждого дочернего отрезка.

После реализации этих изменений капли выглядят намного интереснее:

Улучшаем изображение текстурной маской

Настоящая акварель не идеально плавная, её прозрачность варьируется. Чтобы немного передать это, можно для каждого из 30-100 слоёв использовать свою текстурную маску. Маска сделает некоторые части слоя полностью прозрачными, создавая вариативность. В этом примере я случайным образом располагаю на изображении около 1000 маленьких кругов в качестве текстурной маски

; draw the watercolor blob shape
(with-graphics the-blob-mask
  (background 0 0 0)
  (stroke 0 0 layer-alpha)
  (fill 0 0 layer-alpha)
  (begin-shape)
  (doseq [[x y] final-poly]
    (vertex x y))
  (end-shape))

; draw the circles onto the texture mask
(with-graphics the-texture-mask
  (background 0 0 0)
  (no-stroke)

  (fill 0 0 layer-alpha)
  (doseq [j (range 900)]
    (let [x (random 0 (w))
          y (random 0 (h))
          len (abs-gauss (w 0.03) (w 0.02))
          [hue sat bright] (color-fn)]
      (fill hue sat bright)
      (ellipse x y len len)))

  ; Blend the watercolor blob shape layer into the current
  ; layer, only taking the darkest pixel from each. This
  ; effectively means we're taking the "intersection" of
  ; the two masks.
  (blend the-blob-mask 0 0 (w) (h) 0 0 (w) (h) :darkest))

(with-graphics the-overlay
  ; make the whole background red
  (background 5 80 80)

  ; apply the combination blob/texture mask
  (mask-image the-texture-mask))

; apply the masked layer
(image the-overlay 0 0)

Результат выглядит следующим образом:

Смешение цветов

Смешение нескольких цветов в этой технике хорошо работает, если использовать слои попеременно. Например, сначала накладываем пять слоёв красных пятен, потом пять слоёв жёлтых пятен, потом пять красных и т.д. Это не отражает то, что происходит с реальной акварелью, но выглядит красиво.

Если соединить эту технику с текстурными масками, то это будет выглядеть так:

Примеры работ

Вот пара работ, которые я создал на основе этих техник.

Создание 3D модели из акварельной картины | by Shahriar Shahrabi

Уже неплохо для 30 минут работы. Из которых 25 минут было моделирование более сложных волос, если бы это был лысый парень, вы бы дошли до него за 5 минут. Но теперь время для бонусных шагов по настройке сетки таким образом, чтобы вы могли исправить артефакты проекции.

Чтобы исправить артефакты, вам нужно пройтись по областям, где происходит смазывание, либо инструментом клонирования, либо кистью.Проблема с текущей настройкой и развертыванием заключается в том, что несколько островов могут находиться в одном и том же пространстве. Например, поскольку мы разворачиваем, проецируя лица на плоскость камеры в виде спереди, любое лицо, лежащее на одной оси в линии направления камеры (все, что перекрывается с точки зрения камеры), будет иметь такое же пространство. Вот почему лицо также проецируется на затылок:

Итак, если бы мы использовали текущую развертку для рисования текстур, все, что мы рисуем на затылке, также повлияет на само лицо, поскольку эти треугольники делят одно и то же пространство uv, где сохраняется текстура.

Нам нужен uv, ​​где каждая грань имеет свое уникальное пространство и не пересекается ни с какой другой. Тем не менее, мы также хотели бы использовать результаты отображения проекций в качестве основы. Решение состоит в том, чтобы запечь результаты отображения проекций в этом новом uv и просто использовать его для исправления текстуры. Итак, вот этот рабочий процесс шаг за шагом.

Первое, что я делаю, это дублирую объект. Хотя вы можете запекать на втором uv без этого, я продублировал объект, потому что я хотел пересоздать и уничтожить сетку, так как я все равно запекал.Повторное создание сетки помогает, потому что пересекающаяся геометрия заменяется на закрытую поверхность, и мы не тратим время на рендеринг полностью покрытых треугольников и децимацию из-за соображений производительности, как для рендеринга, так и для выполнения развертывания. Для предварительного просмотра здесь я помещаю оригинал и дубликат рядом, но в вашем случае они должны идеально перекрываться, поэтому не перемещайте дубликат.

В режиме редактирования выберите все ваши вершины и в раскрывающемся меню UV разверните с помощью проекта smart uv.Это автоматически создаст вашу развертку для вас. Хотя смарт-ультрафиолет не гарантирует, что лица имеют уникальные пробелы, по моему опыту, для более низкого порога угла, такого как 66 по умолчанию, это почти всегда происходит. Если проект smart uv не сможет создать уникальный uv (вы будете знать, что после запекания одни лица сливаются на больших расстояниях с другими), тогда вы можете попробовать развернуть карту освещения в раскрывающемся меню uv. Это займет больше времени, поэтому убедитесь, что ваша сетка низкополигональная.

Когда у вас будет уникальная развертка, избавьтесь от всех материалов в дублированном объекте, создайте новый и в нем создайте узел текстуры изображения.Там вы можете создать изображение, в котором будут сохранены результаты вашего запекания. Затем в разделе камеры переключитесь на циклы, перейдите к настройкам запекания, установите тип запекания на Diffuse и снимите галочки с вкладов Direct и Indirect. Затем активируйте раздел Selected to Active и установите небольшое значение экструзии.

Вы почти готовы к запеканию, но перед этим убедитесь, что исходный меш, из которого вы запекаете (меш, который вы продублировали и который имеет текстуру наложения проекции), имеет принципиальный шейдер BSDF между выходом и текстурой, где текстура подключил цвет.Blender берет только то, что подключено к основному шейдеру, для запекания диффузной карты Color. Как только это будет сделано, выберите исходную сетку и установите дублированную/децимированную сетку с уникальной разверткой как активную, выбрав ее с помощью CTRL. В материале дублированного меша убедитесь, что созданный вами узел текстуры изображения является выбранным узлом, и нажмите «Запечь». Как только вы это сделаете, у вас будет нормальное UV-пространство и текстура, которые вы можете исправить либо в самом блендере, либо в Substance Painter.

Вот и все.Я думаю, что заслуга этого эксперимента заключалась в том, как легко было передать этот живописный акварельный вид сетке без часов трюков и рисования. Одна вещь, которую стоит попробовать, это то, что вы можете снова нарисовать персонажа в той же позе, но сбоку акварелью, а затем создать еще одну проекцию uv сбоку и смешать их в блендере. Если вы сделаете это со всех сторон, вам не нужно будет текстурировать вещь, просто смешивая с каждой стороны, и вы получите красивую нарисованную вручную сетку.И я подозреваю, что рисование персонажа с 3-4 сторон и раскрашивание его акварелью все равно будет намного быстрее, чем получение того же уровня аутентичности в инструменте для рисования или с использованием шейдеров.

В 1886 году правительство США заказало 7500 акварельных рисунков всех известных фруктов в мире: загрузите их в высоком разрешении

Т.С. Элиот спрашивает в первых строфах своих « хоров со скалы »: «Где знание, которое мы потеряли в информации?» Этот отрывок был назван острым вопросом для нашего времени, когда мы, похоже, утратили способность учиться, устанавливать значимые связи и контекстуализировать события. Они пролетают мимо нас со сверхчеловеческой скоростью; достоверные источники скрыты между ложными ссылками. Истина и ложь стираются до неузнаваемости.

Но есть еще одна особенность 21-го века, на которую слишком часто не обращают внимания и которая стала возможной только благодаря быстрому распространению информационных технологий. Обширные цифровые архивы первоисточников открыты для обычных пользователей, архивы, которые когда-то были доступны только историкам, обещая, по крайней мере, возможность гораздо более эгалитарного распространения как информации, так и знаний.

Эти архивы включают коллекцию помологических акварелей Министерства сельского хозяйства США, «более 7500 картин, рисунков и восковых моделей, заказанных Министерством сельского хозяйства США в период с 1886 по 1942 год», — отмечает Хлоя Олевиц из Морселя. Слово «помология», «наука и практика выращивания фруктов», впервые появилось в 1818 году, и степень, в которой люди зависели от фруктовых деревьев и фруктовых запасов, сделала ее весьма популярной наукой, как и сельское хозяйство того времени.

Но садоводство из домашней науки превратилось в промышленную, принятую «фермерами по всей территории Соединенных Штатов», пишет Олевиц, который «сотрудничал с Министерством сельского хозяйства США над созданием садов для обслуживания развивающихся рынков» как «наиболее плодовитых фруктов в стране». начали формироваться производственные регионы.Центральное место в растущей помологической программе правительственного агентства занимала регистрация всех различных видов фруктов, выращиваемых, гибридизируемых, инспектируемых и продаваемых как внутри США, так и по всему миру.

До того, как и даже спустя долгое время после того, как фотография смогла выполнять эту работу, это означало использование талантов около 65 американских художников для «документирования тысяч и тысяч разновидностей семейных реликвий и экспериментальных сортов фруктов, прорастающих по всей стране». Министерство сельского хозяйства США обнародовало полную коллекцию после того, как активист Electronic Frontier Foundation Паркер Хиггинс подал запрос в соответствии с Законом о свободе информации в 2015 году.

Хиггинс рассматривал проект как пример того, «как вопросы свободы слова пересекаются с вопросами авторского права и общественного достояния», как он выразился. Исторические фруктовые акварели, выпущенные правительством, могут показаться не самым очевидным местом для начала, но они так же хороши, как и все остальные. Он наткнулся на коллекцию, либо случайным образом собирая информацию, либо приобретая знания, в зависимости от того, как вы на это смотрите, «ставя перед собой задачу каждый день в течение месяца открывать одну новую крутую общедоступную вещь.

Оказалось, что доступ к изображениям USDA был ограничен, «с версиями с высоким разрешением, скрытыми за практически нетронутым платным доступом». Вложив 300 000 долларов, они заработали 600 долларов за пять лет — проигрышное предложение, которое лучше послужило бы обществу, научному сообществу и тем, кто работает между ними, если бы оно стало бесплатным.

Вы можете изучить всю эту соблазнительную коллекцию фруктовых акварелей, качество которых варьируется от профессионального до почти возвышенного, а также от незамеченных художников, таких как Джеймс Марион Шулл, который нарисовал кубинский ананас выше, Эллен Ишам Шутт, которая приносит нам Aegle marmelos , обычно называемая «bael» в Индии, выше, и Deborah Griscom Passmore, чей 1899 Malus domesticus вверху описывает U. С. помологический архетип.

Легко понять, как Хиггинс мог увлечься этой коллекцией. Его утилитарное назначение противоречит его простой красоте, и с 3800 изображениями одних только яблок можно было бы потеряться, рассматривая визуальные нюансы — по мнению некоторых очень плодовитых художников-натуралистов — только одного фрукта. Хиггинс, конечно же, создал бота в Твиттере, чтобы рассылать случайные изображения из архива, интересное отвлечение, а также, для людей, склонных искать его, приманку для полной коллекции помологических акварелей Министерства сельского хозяйства США.

В какой момент исследование этих изображений переходит от информации к знанию? Трудно сказать, но маловероятно, что мы стали бы заниматься чем-то одним, если бы это стремление не включало в себя свою долю удовольствия. Войдите в Коллекцию помологических акварелей Министерства сельского хозяйства США здесь, чтобы получить новые и загрузить более 7500 цифровых изображений с высоким разрешением, подобных приведенным выше.

через Морселя.

Связанный контент:

Новый архив оцифровывает 80 000 исторических акварельных картин, средство, с помощью которого мы документировали мир до фотографии

Два миллиона чудесных иллюстраций природы размещены в Интернете Библиотекой наследия биоразнообразия

Возвышенные рисунки флоры и фауны Эрнста Геккеля: прекрасные научные рисунки, оказавшие влияние на европейское движение в стиле модерн (1889 г.)

Джош Джонс — писатель и музыкант из Дарема, Северная Каролина.Подпишитесь на него по адресу @jdmagness

.

Художник передает настроение городов красочными акварельными рисунками

Этот пост может содержать партнерские ссылки. Если вы совершите покупку, My Modern Met может получить партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочитайте наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Каждый город имеет свою уникальную индивидуальность, которая проявляется в зданиях вдоль улиц. Польская архитектор Майя Вронска передает дух разных городов Европы и других стран в своей продолжающейся серии ярких акварельных картин.

Родом из Жирардова, Польша, художник получил образование архитектора в Варшавском технологическом университете. После этого она объединила свою любовь и знание зданий со страстью к живописи. «Меня как архитектора очень вдохновляют города и здания, — объясняет Вроньска My Modern Met. «Я никогда не пытаюсь рисовать реалистичные произведения искусства, которые выглядят как фотографии. Вместо этого я выбрал несколько цветовых палитр. Я стараюсь передать настроение и климат места и делаю акцент на том, чтобы показать красоту городов и зданий.

Ее искусство изображает места по всей Европе, включая Болонью, Малагу и Париж, и это лишь некоторые из них. В то время как некоторые из этих мест нарисованы на месте, другие сделаны с использованием фотореференсов. Вроньска даже самостоятельно опубликовала в 2020 году книжку-раскраску под названием « городов Южной Европы », в которой исследуются некоторые из «самых популярных мест отдыха в Европе, до которых трудно добраться и полностью изучить из-за карантина COVID-19».

Вы можете приобрести оригинальные картины и гравюры Вронской на ее веб-сайте и быть в курсе ее последних творений, подписавшись на ее страницу в Instagram.

Польская художница Майя Вроньска (Maja Wrońska) создает изысканные акварельные картины городов и классической архитектуры.

Каждая картина — это взгляд на яркий город с богатой архитектурой, культурой и индивидуальностью.

Майя Вронска: Веб-сайт | Беханс | Инстаграм

My Modern Met разрешил публиковать фотографии Maja Wrońska .

Статьи по теме:

Художник оживляет страницы альбома с помощью ярких картин, снятых на пленэре

Воображаемые антиутопические изобретения воплощаются в жизнь в изящных акварельных картинах

Призматические картины сочетают реализм с фантазией, чтобы выразить внутренний мир этого художника

.