День: 06.12.1981

Стили и направления живописи

Существует огромное разнообразие стилей и направлений в изобразительном искусстве. Часто они не имеют четко выраженных границ и плавно переходят из одного в другой, находясь в непрерывном развитии, смешении и противодействии. В рамках одного исторического художественного стиля всегда зарождается новый, а тот, в свою очередь, переходит в следующий и т.д. Многие стили сосуществуют одновременно и поэтому «чистых стилей» вообще не бывает. У нас вы можете заказать портрет по фотографии на холсте.

Абстракционизм

(произошло от лат. abstractio – удаление, отвлечение) – направление искусства, отказавшееся от приближенного к действительности изображения форм в живописи и скульптуре. Одна из целей абстракционизма – достижение гармонии, создание определённых цветовых сочетаний и геометрических форм, чтобы вызвать у созерцателя разнообразные ассоциации. Главными представителями абстракционизма были: Василий Кандинский (1866-1944), Пабло Пикассо (1881-1973).

Авангардизм

(произошло от фр. avant-garde – передовой отряд) – совокупность экспериментальных, модернистских, подчеркнуто необычных, поисковых начинаний в искусстве 20 века. Авангардными направлениями являются: фовизм, кубизм, футуризм, экспрессионизм, абстракционизм, сюрреализм, акционизм, поп-арт, концептуальное искусство.

Академизм

(от фр. academisme) – направление в европейской живописи XVI-XIX веков. Основывалось на догматическом следовании внешним формам классического искусства. Последователи характеризовали этот стиль как рассуждение над формой искусства древнего античного мира и эпохи Возрождения. Академизм восполнял в себе традиции античного искусства, в которых идеализирован образ натуры, компенсируя при этом норму красоты. В этом стиле писали Аннибале, Агостино и Лодовико Карраччи.

Акционизм

(от англ. action art – искусство действия) – хэппенинг, перформанс, эвент, искусство процесса, искусство демонстрации и ряд других форм возникших в авангардистском искусстве 1960-х годов. В соответствии с идеологией акционизма художник должен заниматься организацией событий, процессов. Акционизм стремится стереть грань между искусством и действительностью. Наиболее известный представитель акционизма – Джексон Поллок.

Алла прима

(аля прим) (произошло от итал. alla prima – в первый момент) – разновидность техники масляной живописи, предусматривающая выполнение картины (или её фрагмента) за один сеанс, без предварительных прописок и подмалевка.

Ампир

(произошло от франц. empire – империя) – стиль в архитектуре и декоративном искусстве возникший во Франции в начале XIX в., в период Первой Империи Наполеона Бонапарта. Ампир – финал развития классицизма. Для воплощения величества, изысканности, роскоши, мощи и воинской силы Ампиру характерно обращение к античному искусству: древнеегипетским декоративным формам (военные трофеи, крылатые сфинксы…), этрусским вазам, помпейской росписи, греческому и римскому декору, ренессансных фрескам и орнаментам. Главным представителем этого стиля был Ж.Л.Давид (картины “Клятва Горациев” (1784), “Брут” (1789))

Анималистика

(произошло от лат. animal – животное) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются животные.

Аппликация

(произошло от лат. applicatio – прикладывание) – способ создания орнаментов, изображений путём наклеивания на холст разноцветных кусочков какого-либо материала.

Анахронизм

(от греч. ana – обратно и hronos – время), другое название – гиперманьеризм – одно из направлений постмодернизма, предлагающее авторскую интерпретацию искусства прошлого. Анахронизм возник в конце 1970-х гг. в Италии, позднее и во Франции. Мастера анахронизма: Карло Мария Мариани, Омар Галлиани, Луиджи Онтани, Стефано ди Стасио, Убальдо Бартолини, Антонио Аббате, Жан Гаруй.

Андеграунд

(от англ. underground – подполье, подземелье) – ряд художественных направлений в современном искусстве, противопоставляющих себя массовой культуре, мейнстриму. Андеграунд отвергает и нарушает принятые в обществе политические, моральные и этические ориентации и типы поведения, внедряя в повседневность асоциальное поведение. В советский период в силу строгости режима почти всякое неофициальное, т.е. не признанное властями, искусство оказывалось андеграундом.

Арте повера

(от ит. arte povera – бедное искусство) – художественное направление, объединившее художников из Рима, Турина, Милана и Генуи во второй половине XXв. Художники арте повера визуализировали диалог между природой и индустрией, используя промышленные или нехудожественные материалы, хотели освободить творчество от ограничений традиционных форм искусства и художественного пространства, а также играли с политическим измерением индустриальных материалов. Движение стало заметным явлением на международной арт-сцене, находясь в противостоянии и диалоге с минимализмом в Америке, который также использовал индустриальные материалы. С точки зрения художников арте повера, минимализм занимался аспектами формы и не затрагивал поэтические, политические и исторические проблемы, которые были важны для арте повера. Арте повера не было объединением художников, имеющим свой манифест. Это было прежде всего движение, которое при помощи куратора и критика было признано и классифицировано в своей совокупности.

Ар нуво

(от фр. art nouveau, буквально – новое искусство) – распространённое во многих странах (Бельгия, Франция, Англия, США и др.) название стиля модерн. Самый известный художник этого направления живописи: Альфонс Муха.

Арт деко

(от фр. art deco, сокр. от decoratif)- направление в искусстве в середине 20 века, обозначившее синтез авангарда и неоклассицизма, пришло на смену конструктивизму. Отличительные признаки этого направления: усталость, геометрические линии, роскошь, шик, дорогие материалы (слоновая кость, крокодиловая кожа). Самым известным художником этого направления является Тамара де Лемпицка(1898-1980).

Аэрография

Техника живописного письма аэрографом (в переводе воздушная кисть – прибор для тонкого распыления краски сжатым воздухом) по трафарету.

Барокко

(произошло от итал. barocco – странный, причудливый или от порт. perola barroca – жемчужина неправильной формы, существуют и другие предположения о происхождении этого слова) – художественный стиль в искусстве позднего Возрождения. Отличительные признаки этого стиля: преувеличенность размеров, изломанность линий, обилие декоративных подробностей, тяжесть и колоссальность.

Бидермейер

(от нем. biedermeier – простодушный, обывательский) – направление в немецком и австрийском искусстве, распространённое в 1815-1848 годах. Стиль является ответвлением романтизма, пришедшего на смену ампиру, поэтому его иногда называют смесь ампира с романтизмом. В бидермейере формы стиля ампир преобразовывались в духе интимности и домашнего уюта. Для стиля характерно тонкое, тщательное изображение интерьера, природы и бытовых деталей. Представители бидермейера в живописи: Г. Ф. Керстинг, Людвиг Рихтер, Карл Шпицвег, Мориц фон Швинд и Фердинанд Вальдмюллер.

Батальный жанр

(произошло от фр. bataille – битва) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются темы войны: сражения, военные походы.

Бытовой жанр

(жанровая живопись) – жанр изобразительного искусства, в котором изображаются обыденные сцены из повседневной жизни человека без прикрас.

Ванитас

(от лат. vanitas, букв. – «суета, тщеславие») – жанр живописи эпохи барокко, аллегорический натюрморт, композиционным центром которого традиционно является человеческий череп. Подобные картины, ранняя стадия развития натюрморта, предназначались для напоминания о быстротечности жизни, тщетности удовольствий и неизбежности смерти. Наибольшее распространение получил во Фландрии и Нидерландах в XVI и XVII веках, отдельные примеры жанра встречаются во Франции и Испании.

Ведута 

жанр Венецианской живописи 18 века, в котором изображается городской пейзаж в виде панорамы, с соблюдением масштаба и пропорций. Великий представитель этого стиля в живописи – венецианский художник Каналетто (1697-1768). В России родоначальником архитектурной ведуты были живописцыФ.Я.Алексеев, М.Н.Воробьёв, С.Ф.Щедрин.

Веризм

(от итал. il verismo, от слова vero – истинный, правдивый) – реалистическое направление в итальянском изобразительном искусстве конца XIX века. Термин возник в XVII веке, употреблялся в изобразительном искусстве и обозначал реалистическую струю в живописи барокко. Затем термин возрождается во второй половине XIX века, являясь обозначением (весьма неопределёнными расплывчатым) реалистического и натуралистического направления в итальянском искусстве. Самыми известными художниками этого направления являютсяДж. Фаттори, С. Лега, Т. Синьрини, О. Боррани, В. Кабьянка,Дж. Аббати и др.

Возрождение

 или РЕНЕССАНС (от фр. renaissance, итал.rinascimento) – эпоха в истории культуры Европы, пришедшая на смену культуре Средних веков и предшествующая культуре нового времени. Примерные хронологические рамки эпохи – XIV-XVI века. Отличительная черта эпохи возрождения – светский характер культуры и её антропоцентризм (то есть интерес, в первую очередь, к человеку и его деятельности). Появляется интерес к античной культуре, происходит как бы её «возрождение» – так и появился термин. Рисуя картины традиционной религиозной тематики, художники начали использовать новые художественные приёмы: построение объемной композиции, использование пейзажа на заднем плане, что позволило им сделать изображения более реалистичными, оживленными. Это резко отличало их творчество от предыдущей иконографической традиции, изобилующей условностями в изображении. Наиболее известные художники этого периода: Сандро Боттичелли (1447-1515),Леонардо да Винчи (1452-1519), Рафаэль Санти (1483-1520),Микеланджело Буонарроти (1475-1564), Тициан (1477-1576),Антонио Корреджо (1489-1534), Иероним Босх (1450-1516),Альбрехт Дюрер (1471-1528).

Геометрический абстракционизм

вид абстрактного искусства, композиции которого построены из ограниченного набора правильных форм и основных цветов.

Гиперреализм

ФОТОРЕАЛИЗМ, СУПЕРРЕАЛИЗМ – стиль в живописи и скульптуре, основанный на фотореализации объекта. Гиперреализм возник в США в середине 20 века. Главная цель гиперреализма показать действительность.

Городской пейзаж

(архитектурный пейзаж) – жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения являются городские улицы, здания.

Готика

(произошло от итал. gotico – непривычный, варварский) – период в развитии средневекового искусства, охватывавший почти все области культуры и развивавшийся на территории Западной, Центральной и отчасти Восточной Европы с XII по XV век. Готика завершила развитие европейского средневекового искусства, возникнув на основе достижений романской культуры, а в эпоху Возрождения искусство средневековья считалось «варварским». Готическое искусство было культовым по назначению и религиозным по тематике. Оно обращалось к высшим божественным силам, вечности, христианскому мировоззрению. Готика в своем развитии подразделяется на Раннюю готику, Период расцвета, Позднюю готику.

Графика

 искусство изображения предметов контурными линиями и штрихами. Иногда в графике допускается применение цветных пятен, но здесь они играют вспомогательную роль.

Гризайль

(произошло от фр. grisaille, от gris – серый) – вид декоративной живописи, выполняемой в разных оттенках какого-либо одного цвета (чаще серого). Гризайль применяется с 17 века, широко распространена в росписях интерьеров классицизма, главным образом как имитация скульптурного рельефа.

Дадаизм

(произошло от фр. dadaisme, dada – деревянная лошадка; в переносном смысле – бессвязный детский лепет) – модернистское литературно-художественное течение 1916-1922 годов, для которого характерны сознательный иррационализм и демонстративный антиэстетизм. Зародился во время Первой мировой войны в Цюрихе (Швейцария), как реакция на последствия войны, жестокость которой, по мнению дадаистов, подчеркнула бессмысленность существования. Рационализм и логика объявлялись одними из главных виновников опустошающих войн и конфликтов. Исходя из этого, дадаисты считали, что современную европейскую культуру необходимо уничтожить через разложение искусства. Самые известные дадаисты: Ханс Арп (1886-1966), Марсель Дюшан (1887-1968),Макс Эрнст (1891-1976), Филипп Супо (1897-1990), Тристан Тцара (1896-1963).

Декоративная живопись

живопись, созданная с целью украшения интерьера или дополнения к дизайну помещения.

Дивизионизм

(от франц. division – разделение), пуантилизм – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле:Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954), Камиль Писсарро, Люсьен Писсарро, Анри Эдмон Кросс, Шарль Теофил Ангран, Максимилиан Люс, Ипполит Птижан, Жорж Леммен, Тео Ван Риссельберге, Джованни Сегантини, Николай Мещеряков.

Импрессионизм

(от фр. impression – впечатление) – направление в европейской живописи, зародившееся во Франции в середине 19 века. Импрессионисты избегали всяких подробностей в рисунке и пытались уловить общее впечатление от того, что видит глаз в конкретный момент. Этого эффекта они достигали при помощи цвета и фактуры. Самые известные художники этого направления живописи: Мане, Ренуар, Сезанн, Дега, Моне, Писсарро.

Караваджизм

стиль европейской живописи эпохи барокко, появившийся в Риме в конце XVI века. Основоположником этого стиля считается Караваджо. Караваджо оказал огромное влияние на развитие европейской реалистической живописи.
Революция Караваджо в области формы и иконографии живописи явилась результатом радикального изменения отношений между художником и внешним миром. Для караваджизма характерны: демократизм художественных идеалов; интерес к непосредственному воспроизведению натуры; драматизация изображения с помощью контрастов света и тени; стремление передать ощущение осязаемой материальности предметов; крупные планы; монументализация жанровых мотивов; бытовая трактовка религиозных и мифологических сюжетов.

Китч

 кич (от нем. kitsch – безвкусица) – термин, обозначающий одно из наиболее одиозных явлений массовой культуры, синоним псевдоискусства, в котором основное внимание уделяется экстравагантности внешнего облика, крикливости его элементов. По сути, китч – разновидность постмодернизма. Китч – это массовое искусство для избранных. Произведение, принадлежащее к китчу, должно быть сделано на высоком художественном уровне, в нем должен быть увлекательный сюжет, но это не настоящее произведение искусства в высоком смысле, а искусная подделка под него. В китче могут быть глубокие психологические коллизии, но там нет подлинных художественных открытий и откровений.

Классицизм

(произошло от лат. classicus – образцовый) – художественный стиль и эстетическое направление в европейской литературе и искусстве 17 – начала 19 вв., одной из важных черт которых являлось обращение к образам и формам античной литературы и искусства, как идеальному эстетическому эталону. Художественное произведение, с точки зрения классицизма, должно строиться на основании строгих канонов, тем самым, обнаруживая стройность и логичность самого мироздания. Интерес для классицизма представляет только вечное и неизменное. В каждом явлении он стремится распознать только существенные, типологические черты, отбрасывая случайные индивидуальные признаки. Эстетика классицизма придаёт огромное значение общественно-воспитательной функции искусства. Многие правила и каноны классицизм берет из античного искусства.

Клуазонизм

(от фр. cloison – перегородка) – термин, перенесенный в живопись из прикладного искусства. Суть данной системы заключается в том, что все полотно разделяется на несколько плоскостей разного цвета в соответствии с изображаемыми фигурами или предметами. Каждая из этих плоскостей очерчивается причудливо изгибающейся широкой контурной линией, как в  витражах свинцовыми перегородками. Главная роль в клуазонизме отводится чистым контрастным цветам, которые придают живописной плоскости особый декоративный эффект, поднимая линию горизонта и разрушая привычную перспективу натурного пространства. Фигуры уплощаются и становятся похожими на тени. Эта манера письма разработана Эмиль Бернаром и Л.Анкетеном в 1887 г.

Конструктивизм

направление в советском искусстве 20-х гг. ХХ в. Сторонники конструктивизма, выдвинув задачу конструирования окружающей среды, активно направляющей жизненные процессы, стремились осмыслить формообразующие возможности новой техники, ее логичных, целесообразных конструкций, а также эстетические возможности таких материалов, как металл, стекло, дерево. Показной роскоши конструктивисты стремились противопоставить простоту и подчеркнутый утилитаризм новых предметных форм, в чем они видели овеществление демократичности и новых отношений между людьми.

Космизм

(от греч. kosmos – организованный мир, kosma – украшение) – художественно-философское мировоззрение, в основе которого располагается знание о Космосе и представление о человеке как о гражданине Мира, а также о микрокосмосе, подобном Макрокосмосу. Космизм связан с астрономическими знаниями о Вселенной.

Кубизм

(от фр. cubisme, произошло от cube – куб) – модернистское направление в живописи начала ХХ века, которое выдвинуло на первый план формальную задачу конструирования объёмной формы на плоскости, сведя к минимуму изобразительно-познавательные функции искусства. Слово “кубисты” было употреблено в 1908 и 1909 французским критиком Л. Воселем как насмешливое прозвище группы художников, изображавших предметный мир в виде комбинации геометрических тел или фигур. Самый известный художник этого направления живописи: Пабло Пикассо (1881-1973).

Кубофутуризм

направление в искусстве авангарда в начале ХХ века, соединившее в себе наработки итальянских футуристов и французских кубистов.
Самые известные художники кубофутуризма: Казимир Малевич,Давид Бурлюк, Иван Клюин, Александра Экстер, Наталья Гончарова, Надежда Удальцова, Любовь Попова, Ольга Розанова, Иван Пуни.

Лоуброу арт

ПОП-СЮРРЕАЛИЗМ (от англ. lowbrow – малообразованный, непритязательный) – направление в изобразительном искусстве, возникшее в Лос-Анджелесе в конце 1970-х годов. На становление лоуброу арта повлияли панк-музыка, поп-искусство и другие субкультуры. У истоков движения стояли подземные карикатуристы Роберт Уильямс и Гэри Пэнтер, и художники Гэри Байсмэн и Тим Бискуп.)

Лучизм

живописное направление в русском искусстве 1910-х гг. Придумали этот стиль М. Ф. Ларионов и Н.С. Гончарова.
Лучизм это абстрактное искусство, основанное на вмещение световых спектров и светопередачи.

Маньеризм

(от итал. manierismo, от maniera – манера, стиль) – стиль в искусстве, основанный на усвоении манеры какого-нибудь большого мастера или определенной художественной школы.

Метареализм

(произошло от греч. meta – между, после, через и геalis – вещественный, действительный) – реализм многих реальностей, связанных непрерывностью метаболических превращений и перемен состояний. Есть реальность, открытая зрению муравья, и реальность, открытая блужданию электрона, и реальность, свёрнутая в математическую формулу. Метареальный образ, метаморфоза, метабола – способ взаимосвязи всех этих реальностей, утверждение их растущего единства.

Мизерабилизм

(от фр. miserable – несчастный) – направление изобразительного искусства, зародившееся во Франции после 1940-х годов. В рамках данного направления, на первое место выносятся принципы фигуративности, сюжетно-драматическое начало в живописи и графике, с подчеркиванием трагической обреченности, «покинутости» человека в мире. Основоположником мизерабилизма считается Франсис Грюбер.

Минимализм

(произошло от англ. minimal art – минимальное искусство) – художественное течение, исходящее из минимальной трансформации используемых в процессе творчества материалов, простоты и единообразия форм, монохромности, творческого самоограничения художника. Для минимализма характерен отказ от субъективности, репрезентации, иллюзионизма. Отвергая классические приемы и традиционные художественные материалы, минималисты используют промышленные и природные материалы простых геометрических форм и нейтральных цветов (черный, серый), малых объемов, применяют серийные, конвейерные методы индустриального производства. Минимализм возник в США в первой половине 60-х гг. Среди наиболее репрезентативных минималистов: К. Андре, М. Бочнер,У. Де Мариа, Д. Флэвин, С. Ле Витт, Р. Мэнголд, Б. Мэрден, Р. Моррис, Р. Раймэн.

Модерн

(произошло от фр. moderne – новейший, современный) – cтиль в европейском и американском иcкyccтвe нa pyбeжe XIX-XX вeкoв. Модерн переосмысливал и стилизовал черты искусства разных эпox, и выpaбoтaл coбcтвeнныe xyдoжecтвeнныe пpиeмы, ocнoвaнныe нa пpинципax асимметрии, орнаментальности и декоративности. Его отличительными особенностями являются: отказ от прямых линий и углов в пользу более естественных, природных линий. Этим oбъяcняeтcя нe тoлькo интepec к pacтитeльным opнaмeнтaм в пpoизвeдeнияx мoдepнa, нo и caмa иx кoмпoзициoннaя и плacтичecкaя cтpyктypa – oбилиe кpивoлинeйныx oчepтaний, oплывaющиx, нepoвныx кoнтypoв, напоминающих pacтитeльныe фopмы. Художники, писавшие в стиле модерн: Поль Гоген (1848-1903), Густав Климт (1862-1918).

Модернизм

(произошло от итал. modernismo – «современное течение») – общее название направлений искусства и литературы конца 19-20 века: кубизм, дадаизм, сюрреализм, модерн, футуризм, экспрессионизм, абстрактное искусство, функционализм, неоимпрессионизм, постимпрессионизм и т. п.

Натюрморт

(в переводе с фр. – мертвая, неодушевленная натура) – это художественное изображение различных предметов быта. Ими могут быть: посуда, домашняя утварь, фрукты, овощи, цветы, дичь или любое их сочетание. Самые известные школы в написание натюрморта – фламандская и голландская, в которых по-своему решили задачу передачи цвета и композиции.

Наив, наивное искусство

изобразительные виды народного искусства; творчество художников-самоучек; а также самодеятельное искусство.

Натурализм

(произошло от лат. naturalis – природный) – направление в литературе и искусстве последней трети 19 века, стремившееся к объективно точному и бесстрастному воспроизведению наблюдаемой реальности. Считается, что натурализм воспроизводит реальность без ее идейного осмысления, художественного обобщения, критической оценки и отбора.

Неоклассицизм

Де Стиль – термин, обозначающий художественные явления последней трети XIX-XX вв. , которым присуще обращение к традициям античного искусства, искусства эпохи Возрождения или классицизма. Возникновение неоклассицизма обусловлено стремлением противопоставить некие “вечные” эстетические ценности тревожной и противоречивой реальности. Самый известный художник этого направления живописи: Адольф Вильям Бугро (1825-1905)

Неопластицизм

одна из ранних разновидностей абстрактного искусства. Создан к 1917 году нидерландским живописцем П. Мондрианом и др. художниками входившими в объединение “Стиль”. Для неопластицизма характерно, по словам его создателей, стремление к “универсальной гармонии”, выразившееся в строго уравновешенных комбинациях крупных прямоугольных фигур, четко разделенных перпендикулярными линиями черного цвета и окрашенных в локальные цвета основного спектра (с добавлением белого и серого тонов).

Неореализм

Неореализм

художественное направление, получившее развитие в изобразительном искусстве в середине XX века в ряде стран Европы и в США, представители которого на фоне модернистского искусства провозгласили возврат к реалистическим ценностям традиционных изобразительных форм.

Неоэкспрессионизм

направление в современной живописи, которое возникло в конце 1970-х и доминировало на арт-рынке до середины 1980-х. Неоэкспрессионизм возник в Европе как реакция на концептуальное и минималистическое искусство 1970-х. Неоэкспрессионисты вернулись к образности, фигуративности, живой и эмоциональной манере, ярким насыщенным цветам.

Ню

 (произошло от фр. nu – нагой, раздетый) – один из жанров изобразительного искусства, посвященный изображению нагого тела, преимущественно женского. В своём развитии ню тесно связан с изображением обнажённого человеческого тела и воплощает идеал красоты данной страны и эпохи. Ню зарождается в эпоху Возрождения в рамках мифологического, аллегорического, исторического и бытового жанров. Формирование ню как жанра происходит в 17 веке с распространением идей сенсуализма: изображения нагого тела проникаются откровенно чувственным началом.

Оп-Арт

(от англ. ор art, сокращение от optical art – оптическое искусство) – неоавангардистское течение в изобразительном искусстве, одна из поздних модификаций абстрактного искусства. В оп-арте эффекты пространственного перемещения, слияния и “парения” форм достигались введением резких цветовых и тональных контрастов, ритмических повторов, пересечения спиралевидных и решетчатых конфигураций, извивающихся линий.

Орфизм

(от фр. orphisme, от Orpһée – Орфей) – направление во французской живописи 1910-х гг. Название дано в 1912 французским поэтом Аполлинером живописи художника Робер Делоне. Орфизм связан с кубизмом, футуризмом и экспрессионизмом. Основные особенности живописи этого стиля эстетизм, пластичность, ритмичность, изящество силуэтов и линий.
Мастера орфизма: Робер Делоне, Соня Терк-Делоне,Франтишек Купка, Франсис Пикабиа, Владимир Баранов-Россине, Фернан Леже, Морган Рассел.

Парсуна

(искаженное лат. persona – личность, особа) – первоначально синоним современного понятия портрет вне зависимости от стиля, техники изображения, места и времени написания. Понятие парсуна в значении произведения переходного периода от иконописи к светской портретной живописи предложено И.М. Снегирёвым в 1854 году.

Пастораль

(произошло от фр. pastorale, пастушеский, сельский) – жанр поэтизирующий мирную и простую сельскую жизнь.

Примитивизм

стиль живописи, зародившийся в XIX-XX веках. Примитивисты намеренно упрощали картину, делая её формы примитивными, как народное искусство, творчество ребенка или первобытного человека. Основное отличие от наивного искусства: наив – живопись непрофессионалов, а примитивизм – стилизованная живопись профессионалов. Самыми известными художниками этого направления являются Марк Шагал, Нико Пиросмани.

Поп-арт

(произошло от англ. popular art – популярное, общедоступное искусство или от pop – отрывистый звук, лёгкий хлопок) – буквально: искусство, производящее взрывной, шокирующий эффект – неоавангардистское направление в изобразительном искусстве. Поп арт получил распространение со 2-й половины 1950-х гг. в США. Художники этого направления воспроизводят буквально типичные предметы современного быта (вещи домашнего обихода, упаковку товаров, фрагменты интерьеров, детали машин…), популярные печатные изображения известных личностей, вырезки из газет или включают эти предметы и изображения в композиции. Отличительная черта поп-арта – сочетание вызова с безразличием. Все одинаково ценно или бесценно, одинаково красиво или безобразно, одинаково достойно или недостойно. Самые известные художники поп арта: Джаспер Джонс, Роберт Раушенберг и Энди Уорхол.

(произошло от фр. слова portrait) – это художественное изображение человека с передачей его внутреннего мира. Делится на индивидуальный, групповой, парадный, автопортрет.

Постимпрессионизм

(произошло от фр. postimpressionisme, от лат. post – после и импрессионизм) – совокупность направлений, возникших во французском искусстве во второй половине 1980-х годов и пришедших на смену импрессионизму. Началом постимпрессионизма принято считать середину 1880-х, когда состоялась последняя выставка импрессионистов и был опубликован Манифест символизма (1886) поэта Жана Мореаса. Новые течения декларировали неприятие эстетики импрессионизма и реализма. Их объединяла готовность передавать в картинах не сиюминутные, но длительные, сущностные состояния жизни, как материальные, так и духовные. Поиски шли различными путями: это и пуантилизм (Жорж Сёра,Поль Синьяк), и символизм Поля Гогена.

Постмодернизм

(произошло от фр. postmodernisme – после модернизма) – новый художественный стиль, отличающийся от модернизма возвратом к красоте вторичной реальности, повествовательности, обращением к сюжету, мелодии, гармонии вторичных форм. Для постмодернизма характерно заимствование из разных эпох, регионов и субкультур стилей, образных мотивов и художественных приемов.

Прерафаэлитизм

(произошло от англ. pre перед и raphaelitism – Рафаэль) – эстетико-мистическое направление в английской поэзии и живописи во второй половине XIX в, образовавшееся в начале 50-х годов с целью борьбы против условности в английском искусстве викторианской эпохи, против академических традиций и слепого подражания классическим образцам.

Проторенессанс

(произошло (от греч. protos – первый и фр.Renaissance – Возрождение) – переходное направление в итальянском искусстве от эпохи Средневековья к эпохе Возрождения.

Пуантилизм

(дивизионизм) (произошло от фр. pointiller – писать точками) – направление неоимпрессионизма, письмо раздельными четкими мазками в виде точек или мелких квадратов. Смешение цветов с образованием оттенков происходит на этапе восприятия картины зрителем. Самые известные художники, писавшие в этом стиле: Жорж Сёра (1859 – 1891), Поль Синьяк (1863-1935), Анри Матисс (1869-1954).

Пуризм

(от фр. pur – чистый) – направление в живописи и архитектуре XX века, ищущее при создании своих произведений эстетической ясности, точности, подлинности в изображении. Это течение было создано французским художником Амеде Озенфаном и архитектором Ле Корбюзье в 1918 году с написанием ими художественного манифеста «После кубизма». Идеальной пропорцией в пуризме рассматривается золотое сечение и отвергается декоративность и манерность.

Реализм

(произошло от лат. геalis – вещественный, действительный) – направление в искусстве, характеризующееся изображением социальных, психологических и прочих явлений, максимально соответствующим действительности. Самые известные реалисты: Илья Репин, Иван Шишкин, Василий Поленов, Василий Суриков, Исаак Левитан.

Рококо

(происходит от фр. rococo, rocaille) – стиль в искусстве и архитектуре, зародившийся во Франции в начале 18 века. Отличался грациозностью, легкостью, интимно-кокетливым характером. Придя на смену тяжеловесному барокко, рококо явился одновременно и логическим результатом его развития, и его художественным антиподом. Со стилем барокко рококо объединяет стремление к завершённости форм, однако если барокко тяготеет к монументальной торжественности, то рококо предпочитает изящество и лёгкость.

Романтизм

(произошло от фр. romantisme) – идейное и художественное направление в европейской и американской живописи конца 18 – начала 19 веков, выдвигавшее на первый план индивидуальность, наделяя ее идеальными устремлениями. Романтизм выделял главенство воображения и чувств. Его основная социально-идеологическая предпосылка – разочарование в буржуазной цивилизации, в социальном, промышленном, политическом и научном прогрессе. Самые известные живописцы этого жанра: Э. Делакруа, И.К. Айвазовский (1817-1900).

Иппический жанр

(произошло от греч. hippos – лошадь) – жанр изобразительного искусства, в котором главным мотивом является изображение лошади.

Исторический жанр

 жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, а также социально значимым явлениям в истории общества.

Каприччо

(произошло от итал. capriccio, буквально – каприз, прихоть) – архитектурный пейзаж-фантазия. Самые известные художники писавшие каприччо: Франческо Гварди, Антонио Каналетто.

Марина

МОРСКОЙ ПЕЙЗАЖ  (произошло от фр. marine, итал.marina, от лат. marinus – морской) – жанр изобразительного искусства, изображающий морской вид. Яркий представитель этого жанра – И. К.Айвазовский (1817-1900).

Сентиментализм

(произошло от лат. sentiment – чувство) – направление западного искусства второй половины XVIII., выражающее разочарование в цивилизации, основанной на идеалах разума. Сентиментализм провозглашает чувство, уединенное размышление, простоту сельской жизни “маленького человека”. Идеологом сентиментализма считается Ж.Ж.Руссо. Художники, писавшие в этом жанре: Я.Ф. Хаккерт, Р.Уилсон, Т.Джонс, Дж.Форрестер, С.Дэлон.

Символизм

(происходит от фр. symbolisme) – одно из крупнейших направлений в искусстве (в литературе, музыке и живописи), возникшее во Франции в 1870-80-х гг. и достигшее наибольшего развития на рубеже XIX и XX веков, прежде всего в самой Франции, Бельгии и России. Символисты радикально изменили не только различные виды искусства, но и само отношение к нему. Их экспериментаторский характер, стремление новаторству, космополитизм и обширный диапазон влияний стали образцом для большинства современных направлений искусства. Художники символисты: Обри Бердслей, Михаил Врубель.

Стрит-арт

(от англ. street art – уличное искусство) – искусство, получившее развитие на улицах и в городских публичных местах. Включает в себя граффити, тэги, трафаретное граффити, стикер-арт, постеры, видео проекции, флэш-мобы и уличные инсталляции.

Материал подготовлен студией Art-Spb

Сочинение-описание картины «Натюрморт. Полевые цветы» Герасимова А.М.

Описание полевых цветов в натюрморте Простоватые и незатейливые, скромные и изящные полевые цветы собраны в композицию летнего, буйного, свежего разнотравья. На белой, с голубыми узорами скатерти букеты размещены в обыденных стеклянных емкостях. Они наполнены чистой, прозрачной, кристальной, родниковой водой, сквозь которую хорошо видны стебельки. В этом натюрморте неуместны роскошные, «богатые», инкрустированные дорогими украшениями вазы. На их фоне потускнеет красота деликатных красавиц полей. Хотя на заднем плане виднеются позолоченные, дорогие, старинные предметы интерьера. Это широкое зеркало в золотистой, рельефной, массивной, блестящей, шикарной раме. И красивый, «под старину» подсвечник ручной работы в виде античной, полуобнаженной, реалистичной человеческой фигуры, которая держит свечу. На переднем плане размещен самый маленький, небольшой, миниатюрный букетик клевера с салатовыми, густо расположенными листочками. Его круглые, шарообразные, пушистые, сиреневые с белыми кончиками цветки тщательно прорисованы легкими мазками. Немного левее мы видим яркий букет из маленьких, вытянутых, темно-синих и ярко-желтых цветочков. Возможно, это иван-да-марья – эффектная, двухцветная, «колдовская», лекарственная трава. Справа от банки, почти на краю стола, художник поместил темный, продолговатый, прозрачный кувшин или вазу. В нем – большой, роскошный, пышный, красивый, живописный букет ромашек. Белоснежные, яркие, полевые, милые красавицы украшены зонтиками-лепестками и ярко-желтой, солнечной, жизнерадостной серединкой. Она напоминает миниатюрное, покрытое пыльцой солнышко. В букетах можно увидеть продолговатые, точеные, ярко-синие, как небо, васильки. Выделяются зонтикообразные, нарядные, легкие, как облако, соцветия тысячелистника. Возле ромашек скромно склонили голову сказочные, звонкие, нежно-голубые колокольчики. Неординарным, оригинальным, нестандартным, интригующим дополнением стала веточка дуба, которая ярким пятном выделяется на темном фоне. Изображение дивных, причудливых, колоритных, разнообразных полевых растений передает теплую и красочную палитру летнего царства полей. И дарит радостное, позитивное, вдохновляющее настроение.

Почему картины так дорого стоят и еще 9 важных вопросов об искусстве: конспект книги «Почему в искусстве так много голых людей»

Для чего художникам рамы, нужно ли понимать сюжет картин и как отличить шедевр от дешевки — «Афиша Daily» разбирает книгу Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей», вышедшую в рамках совместной издательской программы музея современного искусства «Гараж» и Ad Marginem.

Bсе ли картины вставляют в рамы?

Пит Мондриан. Композиция с желтым, красным, синим, черным и серым. 1920

1 из 2

Жорж Сёра. Воскресный день на озере Гранд-Жатт. 1884

2 из 2

Цитата из книги

«Обычно картины вставляют в рамы, выставляя их напоказ. Рамы привлекают внимание к картине и защищают ее края. Некоторые рамы отличаются вычурностью, особенно у старинных работ, которые когда-то висели в особняках. Другие рамы совсем простые, они не отвлекают от созерцания искусства. Предназначение рам — дополнять картины, заключенные внутри, показывать их с лучшей стороны.

Пит Мондриан считал, что рамы подобны стенам. Иногда кажется, будто они встают между зрителями и искусством, словно создавая препятствие, отделяя живопись от всего остального мира. Мондриану хотелось, чтобы все получали удовольствие от его работ и никто не чувствовал себя отделенным от них. Он писал на краях холста. А иногда даже на боковинах.

Он разрушил эти стены!

Жоржу Сёра не нравилось, что рамы отбрасывают тень на края картины. И он сам изобразил раму. Она состоит из тысячи крохотных точек более чем 25 разных цветов.

Знаешь ли ты, что изображение на телеэкране складывается из точек, которые называются пиксели? Эта картина была написана более чем за 50 лет до того, как изобрели цветной телевизор!»

Комментарий

Может показаться смешным отдавать целую главу рамам, тем более — практически начинать с этого книгу. Но в этом есть свои резоны. Во-первых, мы никогда не смотрим на картину в пустоте. Свет, высота, на которой она расположена, соседние работы, аннотации — все это создает пространство вокруг нее. Рассуждая о современной скульптуре, непременно говорят об окружающем ее «поэтическом пространстве»: смысл какой-нибудь абстрактной скульптуры рождается только тогда, когда на нее смотрит зритель. Во-вторых, действительно, рама часто становится сюжетом самой картины — как доказано на забавных примерах выше. Наконец, рама — обязательное звено цепочки вопросов и ответов, которое поможет лучше понять произведение. После того как разберешься с тем, кто автор и повлиял ли он на историю искусства, можно мимоходом взглянуть на раму. Кстати, в 1990 году в нью-йоркском Метрополитене была своего рода выставка наоборот: музей выставил множество пустых рам, чтобы обратить внимание на часто игнорируемую реальность.

Почему все плоское?

Небамон охотится на болотах. Гробница Небамона, ок. 1350 г. до н. э.

1 из 2

Жан Метценже. Стол у окна. 1917

2 из 2

Цитата из книги

«Не все предметы искусства выглядят объемными.

Двухмерные, или 2D, изображения плоские, как эта страница. Трехмерные, или 3D, — имеют высоту, ширину и глубину, как мяч.

В разные времена искусство было либо таким же плоским, как поверхность, на которой писали художники, либо объемным, как реальные вещи.

Многое древнее искусство, как, например, египетская роспись на стенах, выглядит плоским. Она больше напоминает диаграммы и совершенно не похожа на жизнь.

Еще в древние времена художники умели передавать объем, и плоские изображения они рисовали специально.

В Древнем Египте знатных людей хоронили в расписанных гробницах вместе с их сокровищами. Стены гробницы украшали рисунками, не предназначавшимися живым. Они показывали богам, чем люди занимались при жизни.

Изображение выглядит плоским, чтобы быть понятнее богам.

<…> Что стоит на столе? Видишь ли ты вазу с цветами, стакан, игральную карту и окно рядом?

Жан Метценже не соблюдает законы перспективы, но все равно хочет показать, что предметы на картине трехмерные. Поэтому он изображает их одновременно под разными углами. Такая техника называется кубизмом».

Комментарий

Этот пункт отражает общий скепсис о том, что художники разучились достоверно изображать трехмерную действительность — грубо говоря, «рисовать похоже». Автор «Голых людей» Сьюзи Ходж заручается поддержкой древних мастеров, абстракционистов и кубистов. Собирать их вместе под маркером «плоское» довольно смешно — кубисты как минимум создают больше трех плоскостей в своей картине, а иногда даже изображают один и тот же объект в разные моменты времени, так что плоскими их работы назвать нельзя. Тем не менее на этот детский вопрос нет однозначного ответа, и каждый раз нужно думать, почему художник решил сделать все плоским. Ходж забывает о культурной специфике: перспектива — европейское изобретение, и в искусстве многих стран она может в принципе не встречаться. Рассуждение о том, что плоское изображение становится более декоративным и абстрактным, вполне резонно — как и ассоциация «плоского» и «древнего». Но при этом Ходж почему-то избегает очень простого и очевидного вывода: убирая одни детали из изображения, автор акцентирует внимание на других. Грубо говоря, упрощая (и уплощая) изображение, художник может сделать его более выразительным, и во многих случаях за счет упрощения ему будет легче этой выразительностью управлять.

Почему в искусстве так много голых людей?

Сандро Боттичелли. Рождение Венеры. 1486

1 из 2

Ив Кляйн. Антропометрия без названия. 1960

2 из 2

Цитата из книги

«В живописи, скульптуре и фотографии обнаженные люди встречаются очень часто.

Все пошло от древних греков, считавших, что обнаженное тело прекрасно и достойно изучения. Даже сегодня художники учатся рисовать голых людей, чтобы лучше понять форму тела. Это называется рисованием с живой натуры.

Обнаженная Венера, римская богиня любви и красоты, плывет, стоя в створке раковины. Согласно древней легенде, Венера родилась уже взрослой и перемещалась по морю. Боттичелли написал свою картину через много лет после возникновения этой легенды.

В искусстве нагота часто обозначает новую жизнь. Во времена Боттичелли женщины тщательно укрывали свои тела. Но Венера обнажена, так как она богиня, а не обычная женщина!

Многие художники считают, что женское тело красивее мужского, поэтому в искусстве обнаженные женщины встречаются чаще обнаженных мужчин.

В 1960 году Ив Кляйн придумал новый способ изображать женские тела. Он обмазывал обнаженных женщин синей краской и укладывал их на гигантский холст на полу. Они служили «живыми кистями».

Комментарий

Самая интригующая глава книги вынесена в заголовок — что, в общем-то, довольно понятно. Но ясного ответа на вопрос мы здесь тоже не найдем — среди предложенных вариантов собрано сразу несколько: изучение пластики тела и его красоты, символ жизни и пощечина общественному мнению. Тут, впрочем, нет никакой загадки: мало вещей на свете вызывают у человека такую же сильную реакцию — интерес и неловкость, стыд и желание, восхищение или, напротив, отвращение, — как нагота. Обнаженное человеческое тело в искусстве — и, по разным причинам, именно женское — самый сильный символ жизни и смерти. В этом смысле голое тело — это инструмент художника, который он может либо изобразить на картине, либо показать в жизни. В последнем случае речь идет о перформансе. Обнаженный перформанс будет более волнующим, иногда хрупким, иногда неприятным. Кроме того, нагое тело — это еще и обязательный символ искренности, который любил использовать Люсьен Фрейд, показывая беспомощность человеческого существа. При этом обнаженное тело в европейской традиции настолько тесно увязано с идеей красоты, что демонстрация излишне неприятного тела, как это любил делать Фрейд, шокирует не меньше и заставляет задуматься о старении и увядании. С рассуждением о преобладании обнаженных женщин над мужчинами все тоже не так просто: в царской России, например, можно было рисовать только обнаженную мужскую натуру, а за женской художники традиционно отправлялись в Италию.

Нужно ли знать сюжет картин?

Джон Эверетт Милле. Офелия. 1851–1852

1 из 2

Корнелия Паркер. Холодная темная материя: наблюдение за разрушением. 1991

2 из 2

Цитата из книги

«Истории рассказываются во всех видах искусства — от живописи и скульптуры до кино.

Произведение искусства — это окно в воображение другого человека. Мы видим факты и истории чужими глазами.

Примерно 160 лет назад существовало движение под названием «Братство прерафаэлитов». Художники этого течения писали сюжеты, часто почерпнутые из истории. Их картины иногда называли «романами в рамах». Милле был прерафаэлитом.

<…> Красавица Офелия утопилась, и художник воображает, как это могло произойти. Чтобы картина была интереснее, он украшает ее многочисленной символикой. Например, красные маки и голубые незабудки означают память или поминовение мертвых.

Это хорошо известный сюжет, и люди повалили толпой в Королевскую академию в Лондоне, где картина была впервые выставлена в 1852 году.

За этим произведением искусства стоит своя история. Корнелия Паркер хотела создать настроение, атмосферу, заставить нас задуматься о нашей жизни и о том, что мы оставим после себя.

Мы мало думаем о сарае в саду. Мы храним в нем ненужные вещи, о которых быстро забываем. Паркер решила его взорвать!

Затем она собрала куски обугленного дерева и покоробившегося металла и на леске подвесила их к потолку. В середине она расположила лампу, чтобы на стены отбрасывались зловещие тени».

Комментарий

В этой главе автор делает хитрый ход и пытается приравнять историю создания картины к ее сюжету. Зачем это нужно? В XX веке искусство во многом стало бессюжетным, и если раньше без понимания истории было невозможно разбираться в искусстве (например, считывать классические иконописные сюжеты — и благодаря этому осознавать, совершил или не совершил художник революцию в данной работе), то теперь куда большую важность приобрели история художника и история создания конкретной картины. Следить за биографией автора стало так же увлекательно, как за сезонами сериалов-долгожителей: Ай Вэйвэй перебрался в Европу, стал больше радеть за мигрантов, но оттого вдруг стал менее интересным, или, скажем, Цай Гоцян — переквалифицировался в мастера больших технологических фейерверков и растерял все свое концептуальное обаяние. А вот Ричард Лонг: всю жизнь топтал тропинки по всему миру, не предал свои идеи, за что и вошел во все учебники по ленд-арту.

Кто все эти люди?

Эдвард Хоппер. Китайское рагу. 1929

1 из 2

Марк Куинн. Я. 2006

2 из 2

Цитата из книги

«Многие картины заполнены людьми, но кто они такие?

В прошлом, еще до изобретения фотографии, знатные люди заказывали свои портреты. Художники должны были показать, насколько заказчики могущественны, красивы и богаты. Часто художнику для групповых портретов позировали целые семейства.

<…> На портрете Эдварда Хоппера изображены две модницы за столом в ресторане. В отличие от портретов прошлого, эти женщины не являются важными персонами. Они самые обыкновенные и не отличаются от случайных посетителей. В толпе мы видим множество неизвестных нам людей, и именно их хотел изобразить Хоппер.

И хотя он показывает двух незнакомок, моделью для обеих послужила жена Хоппера!

<…> Для слепка головы Марк Куинн использовал собственную кровь. Скульптура хранится в холоде, иначе она растает.

По словам Куинна, это напоминание о том, как хрупка жизнь. Каждые пять лет скульптор изготовляет новую голову, так что можно увидеть, как он стареет».

Комментарий

Действительно, размышляя о том, кто же изображен на картине, нужно прежде всего подумать о заказчике работы. Сопоставив время написания и главного героя, можно выдвинуть гипотезу даже о том, насколько художник был успешным. Библейские сюжеты часто писались по заказам церкви, хотя были, конечно, и частные поручения. До импрессионистов портреты писались в основном на заказ для богатых людей, поэтому французские художники совершили революцию, когда начали рисовать обывателей, — правда, потом им пришлось думать о том, как продать все эти картины. А по работе Марка Куинна легко сделать вывод о том, что художник не голодает и проблем импрессионистов не испытывает: для его работ нужна не столько храбрость, сколько солидные бюджеты.

Зачем на картинах фрукты?

Поль Сезанн. Яблоки и апельсины. 1899

1 из 3

Ян ван Кессель. Натюрморт «Ванитас». 1665–1670

2 из 3

Джон Лорбир. Тарзан/Стоящая нога. 2002

3 из 3

Цитата из книги

«Художники часто рисуют яблоки и апельсины, но зачем?

В первую очередь фрукты надежны. В отличие от моделей-людей, они не моргают, не дергаются и не требуют чая.

Изображение фруктов помогает художникам изучить формы, цвета и тона природы.

Такая живопись называется натюрмортами. До изобретения фотографии художники демонстрировали свои таланты, создавая реалистичные натюрморты. Но затем все изменилось…

Поль Сезанн написал эту картину уже после изобретения фотоаппарата, и он не чувствовал, что его задача — копировать действительность. Это мог сделать и фотограф!

Он написал круглые фрукты на плоском холсте, но в новой манере. Чтобы показать формы фруктов, он изобразил каждое яблоко одновременно под многими углами, в разных ракурсах. Кажется, что яблоки вот-вот упадут со стола.

<…> Эта картина имеет двойное значение. Рядом с цветами Ян ван Кессель изобразил череп — символ смерти. Это предупреждение, напоминающее о бренности жизни. Мы не должны забывать, что в конце концов умрем!

Натюрморт — это французское слово, означающее «мертвая природа». На полотне цветы выглядят как живые, но в реальной жизни они обращаются в гной.

<…> Джон Лорбир — оптический иллюзионист, прославившийся своими застывшими фигурами.

Тут все довольно путано. Он такой же объект, как фрукт, запечатленный на натюрморте, но при этом живой и не нарисованный. Время идет, а он остается неподвижным и висит на стене, как картина.

Комментарий

Хороший ответ на вопрос, но не хватает важного акцента. Натюрморт — это прежде всего исследование чистой формы. И если художник редко пишет натюрморт — как это, например, делали многие импрессионисты, — это значит, что его волнуют не формальные качества картины, а сиюминутное ощущение, которое она передает. В натюрморты действительно закладывается мысль о бренности бытия — но нельзя принимать ее как абсолют: в конце концов, многие герои на портретах тоже смертны. Идея о том, что перформанс иногда может оказаться натюрмортом, также весьма забавна — но при этом нужно помнить, что это большая редкость.

Почему художники так любят пейзажи?

Каспар Давид Фридрих. Странник над морем тумана. 1818

1 из 3

Христо и Жан-­Клод. Окруженные острова, Бискайский залив, Майами, Флорида. 1980–1983

2 из 3

Цитата из книги

«Веками люди изображали поля, города и горы.

Но только 300 лет назад пейзаж занял важное место в искусстве. Это произошло благодаря простому изобретению — оловянному тюбику с краской! Живописцы больше не были привязаны к своим мастерским, и работа на пленэре стала реальностью.

Мужчина созерцает расстилающееся перед ним море. На этом полотне человек занимает такое же важное место, как и пейзаж.

Картина Каспара Давида Фридриха показывает власть природы. Мужчина стоит к нам спиной, так что мы видим тот же вид, что и он. Перед ним раскинулась стихия. Пейзаж выглядит таинственным и чуть тревожным.

<…> Искусство, связанное с пейзажем, не всегда бывает двухмерным. Христо и Жан-Клод укрыли 11 островов близ Майами 603 870 квадратными метрами розовой ткани. Ткань была сшита из 79 кусков, повторяющих контуры или очертания островов.

На фоне голубой воды и изумрудной зелени розовая упаковка выглядит яркой и броской.

Не всегда пейзаж обращен к природе. Иногда, как на этой картине, он несет другой смысл.

Произведение Агнес Денес говорит о том, как пейзаж может всех накормить. Долгие месяцы художница засаживала пшеницей пустырь посреди Нью-Йорка. Когда колосья были скошены, она послала зерно в 28 разных городов, где оно было посеяно, чтобы напомнить людям о существующем в мире голоде».

Комментарий

Ответ засчитан: пейзаж действительно долгое время считался второсортным сюжетом искусства. Сегодня он может быть как упражнением в форме, так и способом рассказать какую-нибудь сложную историю. Здорово, что автору удается доказать: эксперименты с ленд-артом, по сути, тот же самый пейзаж — такой, в который зритель может войти. Это соображение можно использовать и тогда, когда вы в замешательстве смотрите на объекты Николая Полисского в Никола-Ленивце: просто представьте, что этот художник тоже рисует природу — но немного другими средствами.

Как понимать абстрактное искусство?

Жоан Миро. Карнавал Арлекина. 1924–1925

1 из 2

Барбара Хепуорт. Три формы. 1935

2 из 2

Цитата из книги

«Художники меняют вид предметов и людей, делая их неузнаваемыми. Или сами выдумывают объекты, которые не имеют отношения к окружающему миру. Это называется абстрактным искусством. Тут даже специалисты могут сесть в лужу. Некоторые абстрактные произведения выставлялись вверх ногами десятилетиями, и никто не замечал ошибку. Художники-абстракционисты не копируют жизнь, а изобретают то, что им нравится.

Первые художники-абстракционисты решили изображать фигуры и цвета, не представляющие ничего в реальном мире. Художники вроде Жоана Миро писали бессознательно, автоматически. Во время написания картины Миро впадал в подобие транса. Он понимал, что делает, но был точно во сне. Это абстрактное произведение, но эти странные фигуры обладали для него смыслом.

<…> Барбара Хепуорт любила создавать фигуры, напоминающие ее родной корнуэльский пейзаж. Хотя эти сферы мало похожи на семью, Хепуорт внесла в них именно этот смысл.

Кто из них мама? Видишь, ты знаешь ответ! Именно таким свойством обладает абстрактное искусство. Оно изображает то, что мы все понимаем, даже не видя этого».

Комментарий

Есть ли смысл в абстракции? Нужно ли пытаться угадывать сюжет, который стоит за ней? Если действительно хочется разобраться с этим, существует много хитростей. Самая простая — прочитать аннотацию к работе. Она может быть либо предельно абстрактна, либо, как у Барбары Хепуорт, дать подсказку, указывая на конкретные предметы. Глядя на абстракцию, важно помнить, что она убедительно передает сложные чувства, которые невозможно выразить с помощью более конкретного изображения, — как «Биркенау», цикл Герхарда Рихтера о концлагерях.

Почему искусство так дорого стоит?

Винсент Ван Гог. Подсолнухи. 1888

1 из 3

Бэнкси. Служанка в Лондоне. 2006

2 из 3

Ян Вермеер. Девушка с жемчужной сережкой. 1665

3 из 3

Цитата из книги

«Это безумие! Одни произведения искусства стоят миллионы, а другие — копейки.

Почему? Все дело в востребованности. Художники и стили могут входить в моду и выходить из нее.

Сегодня все знают Винсента Ван Гога и его картины продаются за миллионы. Но при жизни он продал всего одну картину! Слава пришла к нему только после смерти. Часто смерть художника помогает ему приобрести известность.

Винсент Ван Гог часто писал подсолнухи. Он работал над этой картиной — она предназначалась для гостиной, — когда у него гостил Поль Гоген. Посещение закончилось ссорой, Гоген уехал, а Ван Гог отрезал себе часть уха. Из-за этой знаменитой истории картина поднялась в цене.

Слышал ли ты о Бэнкси? Он рисует граффити на стенах и мостовых, когда никого нет рядом. Его творчество заставляет людей думать о том, что происходит в мире. Оно глубоко по смыслу, реалистично и привлекает много поклонников. Многие хотели бы иметь работы Бэнкси дома и готовы платить за них кучу денег. Но как можно владеть картиной, которая нарисована на здании или на асфальте?

Бэнкси иногда продает свои работы и выставляет их в галереях, но это случается не часто — и стоят они очень дорого.

Иногда искусство столь значимо, что не имеет цены. Оно бесценно! Пример — картины Яна Вермеера.

За свою жизнь Вермеер создал всего несколько картин. Он писал очень медленно, экономно расходуя дорогие краски. Этот портрет иногда называют «голландской Моной Лизой».

Неизвестно, кем была девушка на портрете, но ее широко открытые глаза и большая жемчужная сережка показывают, что Вермеер пользовался специальным методом для передачи цвета и светотени».

Комментарий

Цена искусства — отдельная и ужасно интересная тема. Ни один арт-дилер в этом не признается, но всем известно, что, к примеру, проблемы глобальной экономики могут повлиять на то, будет ли та или иная картина Рембрандта признана подлинником. Успешная продажа картины на торгах приводит к тому, что стоимость всех работ автора повышается, — и наоборот. Одни периоды жизни художника стоят дороже, чем другие. Искусство — такая же валюта, как доллар и евро, а главные музеи мира работают примерно по тому же принципу, что и центральные банки, — и неплохо эксплуатируют свой капитал, выпуская сувениры, авторизованные каталоги и репродукции.

Как отличить хорошее искусство от плохого?

Джеймс Эббот Макнил Уистлер. Ноктюрн в черном и золотом (Падающая ракета). 1875

1 из 4

Анри Руссо. Нападение в джунглях. 1891

2 из 4

Поль Гоген. Видение после проповеди. 1888

3 из 4

Марсель Дюшан. Фонтан. 1917

4 из 4

Цитата из книги

«Искусство бывает путаным, особенно когда оно не похоже на жизнь.

В конце XIX века появилось абстрактное искусство, мало напоминающее окружающий мир. Художники стали пользоваться необычными материалами, цветами и формами. Они экспериментировали, проверяя реакцию зрителей.

Так изменилось понимание того, что хорошо и что плохо в искусстве.

Изобразив фейерверк туманной ночью, Джеймс Эббот Макнил Уистлер хотел скорее передать атмосферу, чем узнаваемые детали.

Художественный критик Джон Рёскин был в ужасе. Он сказал, что это не искусство, и обвинил Уистлера в том, что он «запустил краской прямо в лицо публике».

Слова Рёскина имели большой резонанс. Но с тех пор мнения изменились. Сегодня Уистлер считается великим художником.

Джунгли Руссо не выглядят реалистичными. Значит ли это, что перед нами плохая работа?

Чтобы научиться рисовать, Руссо копировал книжные иллюстрации. Дикие деревья и растительность — это увеличенные до гигантских размеров растения в горшках. Тщательно нарисовав каждый листок и упростив тигра, Руссо сделал свою картину похожей на коллаж. Богатые краски, темные и яркие тона добавляют ей нереальности.

Пикассо очень нравился этот примитивный стиль, он назвал его «наивным искусством».

Поль Гоген считал, что его искусство не требует глубоких размышлений. Он пользовался насыщенными красками и четкими формами, создавая атмосферу. Живопись Гогена походит на разноцветные витражи. Сначала она не нравилась публике из-за своей нереалистичности, но теперь у его работ множество поклонников.

Как можно выставить писсуар и сказать, что это произведение искусства? В 1917 году именно так поступил Марсель Дюшан. Все, кто это видел, были потрясены.

Дюшан заявил, что художник может пользоваться готовыми вещами и что искусством правят идеи. Он хотел, чтобы люди по-новому смотрели на предметы и ценили оригинальные идеи больше, чем мастерство».

Комментарий

Автор вспоминает курьезный случай, когда критик Джон Рёскин решил, что современное ему искусство перестало быть искусством. В частности, он написал следующее: «Я никогда не ожидал увидеть шута, который просит двести гиней за то, что он плеснул ведро краски в лицо публике». Кстати, в ответ Уистлер подал на него в суд — и выиграл, хотя и вконец разорился. На дворе был 1877 год.

Сегодня этот вопрос стал еще более острым. Со времен Дюшана определение искусства только расширилось и фактически включает в себя все то, что художник создает, а музеи и галереи готовы показывать. Это значит, что в оценке качества искусства мы должны полагаться на тех самых экспертов из музеев и галерей, то есть в конечном счете — на вкус отдельных людей. Что же делать с нашим собственным вкусом? Главная задача современного искусства — быть актуальным, то есть говорить на языке сегодняшнего дня и о волнующих всех проблемах. Хорошее искусство должно задеть каждого вдумчивого зрителя, потому что оно рассказывает о нем — времени, в котором он живет, страхах и надеждах, неуверенности в будущем, любви и ненависти. Как быть, если оно оставляет вас равнодушным? Единственный разумный выход, который остается и именитым критикам, и простым посетителям музеев, — внимательно изучить жизнь художника, разобраться с тем, отчего его показывают в музее. И тогда мы получим ответ на вопрос, почему этот художник хороший: потому что он изменил мир.

Издательство «Ад Маргинем Пресс», Москва, 2017, перевод А.Соколинской

История развития голландского и фламандского натюрморта

Цветочный натюрморт стал развиваться в Южных Нидерландах немного раньше, чем на Севере, и северонидерландские мастера были фламандского происхождения или формировались под прямым или косвенным влиянием фламандцев. В дальнейшем развитие шло параллельно, более того, на Севере страны этот жанр получил большее распространение, чем на Юге, что было отчасти связано с огромным значением, которое имели в Голландии конца ХVI — начала ХVII века естественные науки.
Сохранились документы, свидетельствующие о непосредственных контактах между ботаниками-садоводами и живописцами. Композиция как фламандских, так и голландских произведений довольно стереотипна: плотный букет, собранный в вазу или корзину, сочетается с несколькими цветами, разбросанными врозь. Проявляя столь характерный для времени интерес к многообразию форм природы, художники вводили в свои цветочные натюрморты изображения кузнечиков, бабочек, мух, ящериц, лягушек, раковин, даже редкостных птиц.
В наиболее пышных букетах можно насчитать до тридцати сортов цветов, притом цветущих в разное время года. Эти картины создавались, естественно не с натуры, а на основании предварительных штудий, и целью художника было показать богатство и красоту царства Флоры, независимо от времени года.
Особенный интерес вызывали экзотические привозные растения: сорта тюльпанов из Ирана, «царские кудри» из Афганистана, бархатцы из Мексики, настурции из Перу. Возможно, что в этих натюрмортах некоторую роль играло также символическое значение цветка: в нижних частях букета очень часто изображались ландыши (девственность) и фиалки (скромность).
Буквальное повторение отдельных мотивов облегчалось существованием штудий с растений. Так, штудии Яна Брейгеля Бархатного имел возможность использовать Амброзиус Босхарт Старший. Это явствует из его произведений: белый ирис на верхушке букета в картине Амброзиуса Босхарта «Цветы в металлической вазе» абсолютно схож с цветком на том же месте в цветочном натюрморте Яна Брейгеля Бархатного. Белый нарцисс в натюрморте «Цветы в деревянной кадке» Яна Брейгеля повторен в «Цветах в китайской вазе» Амброзиуса Босхарта.
Заимствуют друг друга другие живописцы цветов. Например, у Балтазара ван дер Аста в его картине «Тюльпан, коломбина, раковины и насекомые» (1636) изображена та же бабочка, что в натюрморте «Блюдо с фруктами и кувшин» Амброзиуса Босхарта Старшего. Балтазар ван дер Аст повторяет не только отдельные детали, но и композиции Амброзиуса Босхарта Старшего: в «Букете и хрустальном бокале», в «Букете в металлической вазе».
Много заимствует у отца Иоханнес Босхарт, а в картине «Корзина с фруктами» он берет композицию Б. ван дер Аста.
Подобные примеры можно было бы продолжить. Мы видим здесь и взаимовлияние, и тесный контакт современников.
Таким образом, в живописи цветов данного периода весьма трудно разграничить фламандские и голландские компоненты, так и работу отдельных мастеров.
Что касается других видов натюрморта, следует вспомнить картины круга Яна Давидса де Хема, одного из крупнейших голландских мастеров натюрморта, долгое время работавшего в Антверпене.
Вначале Ян Давидс де Хем пишет фрукты в духе Балтазара ван дер Аста, а также типичные для лейденской школы (Голландия) натюрморты » vanitas» с изображением книг и закуски, все в русле национального монохромного стиля: простая, уравновешенная композиция, мягкая серо-коричневая гамма, богатство рефлексов. Затем, в Антверпене, он оставляет спокойную упорядоченность форм, композиция становится шире, тона богаче, разнообразнее, в них нередко встречается сочетание красного с зеленым. Поздние работы художника, большие декоративные холсты, заполнены множеством предметов, поражающих разнообразием форм. В третьей четверти ХVII века Ян Давидс де Хем является центральной фигурой в живописи фруктов и цветов.
Однако, если натюрморты де Хема приобрели большую, чем у голландцев, декоративность и динамичность композиции и цвета, в тщательности выполнения, в подробной детализации, в общей теплоте тона он остался голландцем и создал свой особый стиль, нашедший подражателей в обеих частях страны, на Севере и на Юге.
Голландское искусство ХVII века не оставалось безразличным к достижениям живописи крупнейших фламандских мастеров. Однако это воздействие (бывшее к тому же взаимным) не могло стать определяющим для живописной школы, установившейся, окрепшей и достигшей расцвета. Сказанное относится даже к монументальной живописи, которая не являлась сильной стороной голландского искусства и где, казалось бы, больше был открыт доступ иностранным влияниям. Напротив, голландское искусство 1620 – 1660 годов само оказало воздействие на искусство стран Западной Европы, и в частности на Южные Нидерланды.
Натюрморт – один из жанров, в котором голландские национальные черты проявились особенно четко.
Возьмем ли мы натюрморты, изображающие утварь скромного обихода, столь обычные в голландской живописи и очень редко встречающиеся во фламандской, или натюрморты с предметами быта зажиточных слоев общества, натюрморты Питера Класа и Виллема Хеды, окутанные холодным рассеянным светом, с почти монохромной красочной гаммой, или написанные позднее натюрморты Виллема Кальфа и Юриана ван Стрека, где по воле художника золотистое освещение вызывает к жизни из полумрака формы и живые краски предметов, — им всем свойственны общие национальные черты, которые не позволят смешать их с картинами другой школы, в том числе и родственной фламандской.
В натюрморте «Битая дичь и омар» крупнейшего фламандского мастера этого вида живописи Франса Снейдерса все подчинено задаче создания декоративного зрелища, поражающего взгляд своей динамичностью. Предметы грудой навалены и находятся в неустойчивом равновесии, формы извиваются и круглятся, не давая спокойных линий. Сверкают большие красочные пятна (у Снейдерса, например, одним из излюбленных мотивов была ярко-красная скатерть на столе).
В голландском натюрморте всегда ощущается спокойная созерцательность и особая любовь к передаче реальных форм осязаемо материального мира.
В «Завтраке с омаром» Виллема Класа Хеды (1648) шелковистая поверхность скатерти, пористая шероховатая корочка лимона, тихое мерцание металла и стекла затягивают зрителя в «интимную» жизнь вещей, столь дорогих сердцу художников.
Стремясь к динамичности форм, фламандские мастера очень часто вводили в натюрморт изображения людей и животных (обычно дерущихся или преследующих друг друга). Спокойствие голландских натюрмортов, за редким исключением, не нарушается присутствием живых существ, но изображение вещей так проникнуто личным отношением, что в натюрморте всегда ощущается близость человека и предметы как бы сохраняют следы его прикосновения.
Белая скатерть у Снейдерса – необходимое цветовое пятно. Трудно сказать, из какого материала она сделана, какова она на ощупь, — эти вопросы мало интересовали художника.
На картине Хеды тоже белая скатерть, но для голландского мастера едва ли не большее значение, чем роль этой детали в общем композиционно-цветовом построении, имело изображение самой вещи. Для него передать характерное было так же важно, как показать красивое. Скатерть написана с благоговейной тщательностью. Тонкие светотеневые переходы позволяют с поразительной тонкостью передать все особенности ткани — плотного, шелковистого полотна, гордости голландской хозяйки. Мы знаем, что скатерть была накрахмалена и аккуратно выглажена – она сохраняет еще ровные, острые складки.
В обеих картинах белая скатерть лежит поверх другой, более темной, на фоне которой выделяются ее края. Но если у Снейдерса плавные, круглящиеся мазки создают на краю скатерти впечатление подвижности в картине, то в голландском натюрморте четкий, застывший контур образует кое-где прямые углы и подчеркивает объем складок – бурной динамике фламандца у Хеды противостоит спокойный, «солидный», замедленный жизненный темп.

Натюрморт в древние и средние века — HiSoUR История культуры

Натюрморт — это произведение искусства, изображающее преимущественно неодушевленные предметы, обычно обычные предметы, которые являются естественными (еда, цветы, мертвые животные, растения, камни, ракушки и т. Д.) Или искусственные (очки для питья, книги, вазы, ювелирные изделия, монеты, трубы и т. д.).

С истоками средневековья и древним греко-римским искусством живопись натюрмортов возникла как особый жанр и профессиональная специализация в западной живописи к концу XVI века и с тех пор осталась значительной. Форма натюрморта дает художнику больше свободы в расположении элементов внутри композиции, чем картины других предметов, таких как пейзаж или портреты. Натюрморт, как особый жанр, начинался с нидерландской живописи XVI и XVII веков, а английский термин «натюрморт» происходит от голландского слова stilleven. Ранние картины натюрморта, особенно до 1700 года, часто содержали религиозную и аллегорическую символику, связанную с изображенными объектами.  Некоторые современные натюрморты ломают двумерный барьер и используют трехмерные смешанные среды и используют найденные объекты, фотографии, компьютерную графику, а также видео и звук.

Термин включает в себя живопись мертвых животных, особенно игру. Живые считаются животным искусством, хотя на практике их часто рисуют из мертвых моделей. Категория натюрморта также разделяет общие черты с зоологической и особенно ботанической иллюстрацией, где между художниками наблюдается значительное совпадение. Как правило, натюрморт включает в себя полностью изображенный фон и ставит эстетические, а не иллюстративные проблемы как первичные.

Натюрморт занял самую низкую ступень иерархии жанров, но был чрезвычайно популярен среди покупателей. Помимо самостоятельного предмета натюрморта, живопись натюрморта включает в себя другие виды живописи с видными элементами натюрморта, обычно символическими, и «изображениями, которые полагаются на множество элементов натюрморта, якобы для воспроизведения« кусочка жизни » «».  Картина тромпе-л’иля, которая намеревается обмануть зрителя, считая реальную сцену, является специализированным типом натюрморта, обычно показывающим неодушевленные и относительно плоские объекты.

Антецеденты и разработка

Натюрморты часто украшают интерьер древних египетских гробниц. Считалось, что предметы пищи и другие предметы, изображенные там, в загробной жизни станут реальными и доступными для использования умершим. Древнегреческая ваза также демонстрирует большое умение изображать повседневные предметы и животных. Пейникос упоминается Плинием Старшим как художник-панно из «низких» предметов, таких как выживание в мозаичных версиях и провинциальных настенных росписях в Помпеях: «парикмахерские магазины, сапожники, ослы, съедобные предметы и тому подобные предметы».

Стеклянная миска с фруктами и вазами. Римская настенная роспись в Помпеях (около 70 г. н.э.), Национальный археологический музей Неаполя, Неаполь, Италия

Подобный натюрморт, более просто декоративный по смыслу, но с реалистичной перспективой, также был найден в римских настенных росписях и мозаиках на полу, обнаруженных в Помпеях, Геркулануме и вилле Боскореале, включая более поздний знакомый мотив стеклянной чаши с фруктами. Декоративные мозаики, названные «emblema», найденные в домах богатых римлян, продемонстрировали ассортимент продуктов, которыми наслаждались высшие классы, а также служили признаками гостеприимства и празднования времен года и жизни.

К 16 веку еда и цветы снова появятся в виде символов времен года и пяти чувств. Также, начиная с римских времен, традиция использования черепа в картинах как символ смертности и земных останков, часто с сопровождающей фразой Omnia mors aequat (Смерть делает все равным). Эти изображения ванитов были пересмотрены за последние 400 лет истории искусств, начиная с голландских художников около 1600 года.

Натюрморт на мозаике 2 века, с рыбой, птицей, финиками и овощами из Ватиканского музея

Популярная оценка реализма живописи натюрморта связана с древнегреческой легендой о Цуисисе и Паррасиусе, которые, как говорят, когда-то соревновались, чтобы создать самые реалистичные объекты, самые ранние описания истории тромпе-л’иля. Как Плиний Старший, записанный в древнеримские времена, греческие художники столетий назад были уже продвинуты в искусстве портретной живописи, жанровой живописи и натюрморта.  Он выделил Пейрайкос, «чья артистичность превзойдена лишь немногими … Он рисовал парикмахерские и сапожники, ослы, овощи и т. Д., И по этой причине стал называться« художником пошлых предметов »; все же эти работы совершенно восхитительны, и они были проданы по более высоким ценам, чем самые большие [картины] многих других художников ».

Средневековье и раннее возрождение
К 1300 году, начиная с Джотто и его учеников, живопись натюрморта была возрождена в виде выдуманных ниш на религиозных настенных росписях, в которых изображались предметы повседневности. Через средневековье и эпоху Возрождения натюрморт в западном искусстве оставался главным образом дополнением к христианским религиозным предметам и созывал религиозный и аллегорический смысл. Это было особенно актуально в работе художников Северной Европы, чье увлечение высоко детализированным оптическим реализмом и символизмом привело их к тому, что они обратили большое внимание на общее послание их картин. Художники, такие как Ян ван Эйк, часто использовали элементы натюрморта как часть иконографической программы.

Ганс Мемлинг (1430-1494), Ваза цветов (1480), Музей Тиссен-Борнемиса, Мадрид. По мнению некоторых ученых, Ваза цветов наполнена религиозной символикой.

В позднем средневековье элементы натюрморта, в основном цветы, а также животные, а иногда и неодушевленные предметы, были нарисованы с растущим реализмом в границах освещенных манускриптов, разрабатывая модели и технические достижения, которые использовали художники более крупных изображений. Между художниками, создающими миниатюры для манускриптов и панелей для рисования, было значительное совпадение, особенно в ранней нидерландской живописи. Часы Кэтрин Клевес, вероятно, сделанные в Утрехте около 1440 года, являются одним из выдающихся примеров этой тенденции, с границами, имеющими необычный диапазон объектов, включая монеты и рыболовные сети, выбранные для дополнения текста или основного изображения при этом конкретный момент. Фламандские мастерские в конце столетия еще больше укрепили натурализм пограничных элементов.  Готические майлефлевские гобелены — еще один пример общего возрастающего интереса к точным изображениям растений и животных. Набор «Леди и единорог» — самый известный пример, спроектированный в Париже около 1500 года, а затем сплетенный во Фландрии.

Разработка техники масляной живописи Яна ван Эйка и других художников Северной Европы позволила покрасить повседневные предметы в эту гиперреалистичную манеру из-за медленных сушки, смешивания и наслаивания масел. Среди первых, кто освободился от религиозного значения, Леонардо да Винчи, который создал акварельные исследования фруктов (около 1495 года) в рамках своего неугомонного изучения природы, и Альбрехта Дюрера, который также сделал точные цветные рисунки флоры и фауны.

Портрет невесты и жениха Петра Христоса, посещающий ювелира, является типичным примером переходного натюрморта, изображающего как религиозный, так и светский контент. Хотя в основном это аллегорическое в сообщении, фигуры пары реалистичны, а показанные предметы (монеты, сосуды и т. Д.) Точно нарисованы, но ювелир на самом деле является изображением святого Элигия и объектов, сильно символических. Другой подобный вид живописи — семейный портрет, сочетающий фигуры с хорошо поставленным столом пищи, который символизирует как благочестие людей, так и их благодарность за обилие Бога. Примерно в это же время простые натюрморты, развевшиеся с фигурами (но не аллегорическим смыслом), начали расписываться снаружи ставней частных преданных картин. Еще одним шагом к автономному натюрморту была картина символических цветов в вазах на светских портретах около 1475 года. Якопо де Барбари сделал еще один шаг вперед с его Натюрморт с Партридж, Железными перчатками и Арбалетными стрелами (1504), среди самые ранние подписанные и датированные натюрмортные картины тромпе-л’иля, в которых содержится минимальный религиозный контент.

Поделиться ссылкой:

• Нажмите, чтобы поделиться на Twitter (Открывается в новом окне)
• Нажмите здесь, чтобы поделиться контентом на Facebook. (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pinterest (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Tumblr (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на LinkedIn (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в WhatsApp (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Skype (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться в Telegram (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться на Reddit (Открывается в новом окне)
• Нажмите, чтобы поделиться записями на Pocket (Открывается в новом окне)

Related

Урок 46. описание картины (натюрморта) — Русский язык — 5 класс

Русский язык

5 класс

Урок № 46

Описание картины (натюрморта)

Перечень вопросов, рассматриваемых на уроке

1. Особенности описания картины (натюрморта)

Тезаурус

Сочинение-описание – это сочинение, в котором описывается какой-то предмет, человек, животное или явление.

Натюрморт – картина, изображающая ягоды, фрукты, сорванные цветы, продукты и т.д.

Композиция картины – расположение предметов в пространстве, выделение главного в изображении.

Обязательная литература:

1. Ладыженская Т. А., Баранов М. Т., Тростенцова Л. А. и др. Русский язык. Учебник. 5 класс. В 2 ч. Ч. 1 – М.: Просвещение, 2012. – 193 с.

2. Ефремова Е. А. Русский язык. Рабочая тетрадь. 5 класс. – М.: Просвещение, 2012.

Дополнительная литература:

1. Янченко В. Д., Латфуллина Л. Г., Михайлова С. Ю. Скорая помощь по русскому языку. Рабочая тетрадь. 5 класс. В 2 ч. Ч. 2. – М.: Просвещение, 2019 – 80 с.

Материал для самостоятельного изучения

Рассмотрим произведения разных авторов. «Натюрморт с цветами и фруктами» Анри Фантен-Латура, «Яблоки и листья» Ильи Репина, «Цветы и плоды» Ивана Хруцкого. Обратите внимание на количество предметов на картинах и цветовую гамму.

Натюрморт – художественные картины, изображающие ягоды, фрукты, цветы, продукты и так далее.

При описании картины важно правильно описать композицию картины. Композиция картины – расположение предметов в пространстве, выделение главного в изображении.

Перед нами натюрморт «Цветы, фрукты, птица». Фёдор Толстой, автор данной картины – акварелист, скульптор, медальер, человек, чьими работами любуется сегодня весь мир. Толстой подарил нам множество картин, которые чаруют своим совершенством, разнообразием красок и сюжетом.

Рассмотрим подробнее натюрморт «Цветы, фрукты, птица». Какие предметы изобразил художник? Это цветы, яблоки, виноград, смородина, птица и бабочка. Что поместил художник в центре своей картины?

В центре картины – стеклянная ваза с красивыми белыми и нежно-розовыми цветами на длинных стеблях. Узкие тёмно-зеленые листья. Оранжевая настурция дополняет этот букет. Тщательно выписаны красные тычинки цветов и тонкие прожилки листьев. Как художник показывает прозрачность воды в вазе? Прозрачность воды показана через прорисовку стеблей, отчётливо виден каждый стебель цветка, сквозь стекло просвечивает фон картины. Все предметы расположены на столе. Что мы видим на самом краешке стола, перед вазой? На самом краешке стола лежат веточки красной и белой смородины. Ягоды кажутся подсвеченными. Они свежие и прозрачные, внутри видны зёрнышки. Что изобразил художник на картине слева от вазы? Слева от вазы изображены два спелых красных яблока. От третьего осталась половинка. На бело-розовой мякоти видно темно-коричневое семечко. Что мы видим справа от вазы? Рядом с вазой лежит румяное яблоко. За ним – большая кисть спелого винограда. Крупные ягоды, тёмно-синие в тени и голубоватые на свету. Кажется, брызнут сейчас сладким соком.

Как художник изобразил птичку? Какая она?

На верхней части виноградной кисти сидит изящная птичка с необычным оперением. Она наклонила свою голубую головку к яблоку и что-то высматривает на его блестящей кожице.

Какой фон выбрал для своего натюрморта художник? Почему?

Художник выбрал для своего натюрморта жёлтый фон, который создаёт впечатление, как будто все предметы освещены тёплым летним солнцем, согреты его яркими лучами.

Определите основную мысль автора натюрморта. Ф. Толстой прославляет красоту мира вещей, предметов, которые окружают человека и украшают его жизнь. Какова же будет основная мысль нашего описания? Мир, окружающий человека, прекрасен, только надо уметь видеть эту красоту.

Составим план описания картины.

I. Описание краткой информации о художнике.

II. Композиция натюрморта:

а) цветы;

б) фрукты;

в) бабочка;

г) птичка.

III. Описать мысли и чувства, которые вызывает натюрморт.

В описании картины Вы можете использовать следующую опорную лексику:

Передо мной картина …

На переднем плане замечательного полотна …

В центре картины художник изобразил …

Цветовая гамма очень разнообразна: …

При создании картины мастер использовал …

Художнику удалось …

Обратите внимание также на опорные фразы и словосочетания:

стеклянная ваза,

морковно-красный с жёлтыми полосками бархатец,

веточка душистого горошка,

пушистая головка ало-красного мака с белой каёмочкой на кончиках лепестков,

сине-голубой с золотыми серединками дельфиниум,

разноцветная птичка,

лимонно-жёлтая бабочка.

Эти опорные слова помогут составить описание картины.

Примеры задания из Тренировочного модуля

Выбор элемента из выпадающего списка.

К какому виду относится данный текст.

У девочки нежная кожа, тёмные, с синеватыми белками глаза и такие же тёмные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, смотрит она на нас. В руке у неё персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи, проникая в комнату, мягко ложатся и на стол, и на руки девочки, и на старинную мебель зимней столовой…

описание картины

рассуждение

описание предмета

Правильный ответ: описание картины

Ввод с клавиатуры пропущенных элементов в тексте.

Впишите в текст синонимы.

У девочки нежная кожа, тёмные, с синеватыми белками глаза и такие же тёмные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, девочка _______ смотрит на нас. В руке у девочки _______ персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи мягко ложатся и на стол, ложатся и на руки девочки, ложатся и на старинную мебель зимней столовой…

Правильный ответ:

У девочки нежная кожа, тёмные, с синеватыми белками глаза и такие же тёмные волосы. Просто, с едва заметной улыбкой, она смотрит на нас. В руке у неё персик, на скатерти рядом – персики, нож, кленовые листья… Комната залита солнечным светом. Солнечные лучи, проникая в комнату, мягко ложатся и на стол, и на руки девочки, и на старинную мебель зимней столовой…

Странности картин | Наука и жизнь

Порой мы видим на картинах то, чего не может быть в действительности, каким бы правдоподобным ни казалось изображение. Это происходит, когда художники допускают ошибки, связанные с нарушением законов геометрии. В одних случаях несоответствия бросаются в глаза, в других вовсе незаметны, но вызывают у нас ощущение чего-то необычного и даже странного. Подобные неточности бывают как случайными, так и допущенными намеренно — с целью привлечь внимание или поразить воображение зрителя.

Леонардо да Винчи. Поклонение волхвов. Эскиз. 1481 год.

Мауриц Эшер. Бельведер. Литография. 1958 год.

Леонардо да Винчи. Благовещение. Около 1472—1475 годов.

Жос де Мэй. Натюрморт в окне. 1997 год.

Ван Дейк. Портрет знатной генуэзской дамы и её сына. 1626 год.

Джованни Беллини. Ужин в Эммаусе. 1490-е годы.

Джорджо де Кирико. Пророк. 1915 год.

Рене Магритт. Портрет Эдварда Джеймса. 1937 год.

Сальвадор Дали. Лебеди, отражённые в слонах. 1937 год.

Дирк Баутс. Христос в доме Симона. 1440 год.

‹

›

Загадка Леонардо

Перед вами эскиз картины «Покло-нение волхвов» Леонардо да Винчи (1452—1519). Как признают специалисты в области живописи, знаменитый итальянский художник эпохи Возрождения превосходно владел приёмами построения линейной перспективы. В самом деле, набросок заднего плана выверен с математической точностью — взгляд скользит по прямым линиям, устремляющимся к центральной точке схода*, и фиксируется на ней. Но приглядитесь к колоннам у левого края рисунка. Ничего странного не замечаете? Колонны изображены с нарушением той самой перспективы, которая так восхищает в рисунке Леонардо. Колонна, что опирается на ступеньку, изображена сразу на двух планах: переднем (у основания) и зад-нем (на уровне капители). Да и вторая колонна стоит явно не на месте.

Истинная причина «ошибки», допущенной художником, так и останется для нас загадкой. В то время уже сложившийся мастер, Леонардо вряд ли допустил просчёт по неведению, тем более что налицо «отвлекающий манёвр» — взгляд зрителя волей-неволей сосредотачивается в центре картины.

Другое дело — работа начинающего художника, вчерашнего ученика. Взгляните на «Благовещение», самую раннюю из известных картин Леонардо да Винчи. На ней допущено несколько ошибок. Наиболее явная — рука Девы Марии не может достать книгу, лежащую на аналое: он стоит ближе к зрителю, чем к самой Деве. Как следствие — её правая рука длиннее левой, пропорции фигуры нарушены.

Нереальные объекты

Невозможную фигуру, или геометрически противоречивое изображение, подобное колоннам на эскизе Леонардо, представляет собой конструкция на знаменитой литографии «Бельведер» голландского художника-графика Маурица Эшера (1898—1972). По этой картине, написанной почти через 500 лет после «Поклонения волхвов», можно судить о направлении имп-арт (от английского impossible — невозможный и art — искусство) в так называемом оптическом искусстве — оп-арте, которое представляет её автор. Вариации на эту же тему встречаются в работах и других современных художников, создающих парадоксальные объекты, которые кажутся реальными, однако не могут существовать в действительности. Изображая различные предметы, авторы намеренно нарушают законы геометрии и добиваются тем самым неожиданных визуальных эффектов — создают поразительные оптические иллюзии. Вот лишь один пример — «Натюрморт в окне» бельгийского художника и дизайнера Жоса де Мэя (1928—2007). На картине верхняя и нижняя половины «оконной рамы», если рассматривать их по отдельности, выглядят как нормальные, но соединённые вместе образуют невозможный объект. Дело в том, что они показаны с различных точек, в разной перспективе, и это приводит к неверному расположению одной части относительно другой.

Нарушая соразмерность

А вот «Портрет знатной генуэзской дамы и её сына» кисти знаменитого фламандского портретиста Антониса ван Дейка (1599—1641). Герои картины производят совершенно разное впечатление. Из-за сильной диспропорции женщина выглядит нереально. У неё огромный для человека рост, несоразмерно маленькая голова и, судя по положению рук и ног, проблемы с телосложением. Кажется, что портрет дамы собран по частям, и они плохо подогнаны одна к другой. В фигуре мальчика ничего подобного не наблюдается, она воспринимается совершенно естественно.

Стоит или падает?

Наиболее частые ошибки в произведениях живописи — нарушение перспективы и пропорций. Но глаз замечает и другие неточности. Например, на картине «Ужин в Эммаусе», написанной предположительно итальянцем Джованни Беллини (около 1430—1516), сцена трапезы выглядит очень реалистично. Тщательно прорисованы позы, лица и одеяния людей, детали интерьера, еда и посуда. А вот ножки стола явно не на месте. Через их концы, как верхние — со стороны столешницы, так и нижние — упирающиеся в пол, можно мысленно провести прямые линии, которые окажутся параллельны одна другой. Это значит, что все ножки расположены в одной плоскости. Такой стол крайне неустойчив, он упадёт при первой же попытке поставить его на пол. Следовало бы развернуть пары ножек (достаточно одну, а лучше сразу обе — из соображений симметрии конструкции) в пространстве, скажем на 90о, чтобы они располагались в параллельных плоскостях.

Любопытно, что эта ошибка встречается и на полотнах других живописцев, например в картине «Пророк» Джорджо де Кирико (1888—1978), одного из предшественников сюрреалистов. Хотя тут всё зависит от нашей договорённости. Если сочтём, что мольберт падает, то художник не ошибся, а если решим, что мольберт твёрдо стоит на полу, то это такой же вымысел автора, как и всё изображение.

Запрещённое изображение

Пример «ошибки» иного рода, свидетельствующий об оригинальном авторском замысле, — знаменитая картина-загадка «Портрет Эдварда Джеймса» бельгийского художника-сюрреалиста Рене Магритта (1898—1967). У полотна есть и другое название — «Воспроизведение запрещено». Герой картины — известный в своё время английский коллекционер и меценат, друг и покровитель Магритта — смотрит на себя в зеркало, но, вопреки закону отражения (симметрии относительно плоскости), вместо лица видит свой затылок. С точки зрения геометрии это невозможно, значит, такое «воспроизведение» действительно запрещено. Правда, это касается только героя портрета: и каминная полка, и лежащая на ней книга отражаются в зеркале правильно. Ошибка допущена Магриттом, конечно, намеренно. Это в его стиле — сочетать в своих работах вещи, в реальности не сочетаемые, изображать персонажей со спины, закрывать или заменять их лица различными предметами.

Два в одном

Интересна для изучения и картина-перевёртыш Сальвадора Дали (1904—1989) «Лебеди, отражённые в слонах», в которой мы также сталкиваемся с нарушениями законов симметрии. С одной стороны, лебеди на воде — самостоятельная часть картины, а с другой — они словно срослись с деревьями. Самое удивительное, что их отражение в воде — это не лебеди, а фигуры слонов, стоящих на земле. Перевернём картину «вверх ногами» и увидим лебедей, которые, отразившись «в обратную сторону», вновь превращаются в слонов. С точки зрения геометрии такое взаимно обратное превращение объектов объясняется проявлением закона зеркальной симметрии. Но присмотритесь к группе лебедей. Три птицы отражаются в воде правильно, а четвёртая, будто завалившаяся набок, нет. Не потому ли, что по замыслу автора этот лебедь отражается в другой зеркальной плоскости и она расположена под углом к первой? В реальности такое, конечно, было бы невозможно, а в воображении художника-сюрреалиста вполне.

Напоследок ещё одна картина-загадка. Перед вами полотно «Христос в доме Симона» нидерландского живописца Дирка Баутса (около 1410—1475). Она написана на библейский сюжет — помазание Христа женщиной при посещении им дома Симона**. На полотне есть несколько заметных глазу ошибок и несоответствий. Попробуйте отыскать нарушения в изображении фигур и предметов, делающие картину больше похожей на коллаж. На ней также есть деталь, лишняя с точки зрения геометрии. Какая именно?

(Ответ в следующем номере.)

Комментарии к статье

* Центральная (главная) точка схода — точка на горизонте, расположенная прямо против глаз наблюдателя, в которой сходятся все прямые линии, перпендикулярные плоскости изображения.

** В Евангелии от Луки Симон — фарисей («отлучённый» член иудейской секты), в дом которого был приглашён на трапезу Иисус Христос во время его странствий по Галилее.

Репродукции Натюрморта | ТОРофАРТ

Натюрморт — история искусства жанра

Натюрморт — произведение искусства, представляющее собой предмет, составленный из неодушевленных предметов. Популярные в западном искусстве с 17 века натюрморты, например, с изображением цветов или фруктов, дают художнику больше свободы действий в расположении элементов дизайна в композиции, чем картины других типов предметов, таких как пейзаж или портрет.

Натюрморты часто украшают стены древнеегипетских гробниц.Считалось, что продукты питания и другие предметы, изображенные там, в загробной жизни станут реальными и доступными для использования умершим. Подобные картины, более просто декоративные по замыслу, также были найдены на римских фресках, обнаруженных в Помпеях и Геркулануме. Популярное признание натюрморта как демонстрации мастерства художника связано с древнегреческой легендой о Зевксисе и Парразии.

В средние века и в эпоху Возрождения натюрморт в западном искусстве в основном использовался как дополнение к христианским религиозным сюжетам.Это особенно верно в отношении работ североевропейских художников, чье увлечение детализированным оптическим реализмом и замаскированным символизмом заставило их уделять большое внимание значениям различных реквизитов и декораций в рамках общего сообщения их картин. Такие художники, как Ян ван Эйк, часто использовали элементы натюрморта как часть иконографической программы, настолько плотной, что ученые до сих пор спорят о возможном символическом значении каждого цветка, свечи или камня.

Натюрморт занял свое место в новом художественном климате Нидерландов XVII века.В то время как художники обнаружили ограниченные возможности для создания религиозного искусства, которое долгое время было их основным продуктом (изображения на религиозные темы были запрещены в голландской реформатской протестантской церкви), продолжающаяся северная традиция детального реализма и скрытых символов привлекала растущий голландский средний класс, который заменяли церковь и государство в качестве основных покровителей искусства в Нидерландах.

Особенно популярны в этот период были картины vanitas, на которых роскошные композиции из фруктов и цветов или щедрые банкетные столы из чистого серебра и хрусталя сопровождались символическими напоминаниями о непостоянстве жизни. Череп, песочные или карманные часы, догоревшая свеча или книга с переворачивающимися страницами служили бы нравоучительным посланием об эфемерности чувственных удовольствий. Часто некоторые из сочных фруктов и цветов сами начинают портиться или увядать. Популярность картин vanitas и натюрморта в целом вскоре распространилась из Голландии во Фландрию, Испанию и Францию.

Французская аристократия 18-го века также нанимала художников для создания картин с богатыми и экстравагантными натюрмортами, на этот раз без моралистического vanitas послания их голландских предшественников.Любовь рококо к искусству привела к росту популярности живописи trompe l’oeil (франц.: «обмануть глаза»), типа натюрморта, в котором объекты показаны в натуральную величину на плоском фоне в попытке создают иллюзию реальных трехмерных объектов в пространстве зрителя.

С появлением европейских академий, прежде всего Французской академии, которая играла центральную роль в академическом искусстве, и их формализованного подхода к художественному обучению, натюрморт начал терять популярность. В академиях преподавалась доктрина «иерархии жанров» (или «иерархии предмета»), согласно которой художественная ценность картины основывалась прежде всего на ее предмете. В академической системе высшая форма живописи состояла из изображений исторического, библейского или мифологического значения, а натюрморты относились к самому низкому уровню художественного признания.

Только после упадка академической иерархии в Европе и подъема художников-импрессионистов и постимпрессионистов, которые делали упор на технику и дизайн, а не на предмет, натюрморт снова жадно практиковался художниками.Анри Фантен-Латур известен почти исключительно своими натюрмортами. «Подсолнухи» Винсента Ван Гога являются одними из самых известных натюрмортов 19-го века, и Поль Сезанн нашел в натюрморте идеальное средство для своих революционных исследований в области геометрической пространственной организации.

Действительно, можно считать, что эксперименты Сезанна привели непосредственно к развитию кубистского натюрморта в начале 20-го века. Между 1910 и 1920 годами художники-кубисты, такие как Пабло Пикассо, Жорж Брак и Хуан Грис, написали множество натюрмортов, часто с музыкальными инструментами, а также создали первые синтетические кубистские коллажи, такие как «Натюрморт со стулом» Пикассо ( 1912).

Художники в Соединенных Штатах, в значительной степени не обремененные академической критикой предмета, уже давно нашли готовый рынок для натюрморта. Рафаэль Пил (1774–1825), старший сын художника эпохи революции Чарльза Уилсона Пила, был первым американским специалистом по натюрмортам и основал традицию рисования натюрмортов в Филадельфии, которая продолжалась до начала 20 века, когда такие художники, как Уильям Харнетт а Джон Фредерик Пето прославился своими изображениями в стиле trompe l’oeil коллекций изношенных предметов и клочков бумаги, которые обычно изображают висящими на стене или двери.

Когда американские художники 20-го века узнали о европейском модернизме, они начали интерпретировать натюрморты, сочетая американский реализм и кубистскую абстракцию. Типичными для американских натюрмортов этого периода являются картины Джорджии О’Киф, Стюарта Дэвиса и Марсдена Хартли, а также фотографии Эдварда Уэстона.

Большая часть поп-арта (например, «Банки с супом Кэмпбелл» Энди Уорхола) основана на натюрморте, но его истинным предметом чаще всего является товарный образ представленного коммерческого продукта, а не сам физический объект натюрморта.Подъем фотореализма в 1970-х годах подтвердил иллюзионистское представление, сохранив при этом часть идеи Попа о слиянии объекта, изображения и коммерческого продукта. Типичными в этом отношении являются картины Дона Эдди и Ральфа Гоингса. Работы Одри Флэк добавляют к этой смеси автобиографическое феминистское послание, касающееся культурных стандартов женской красоты. Хотя они обращаются к современным темам, картины Флэка часто также включают элементы trompe l’oeil и vanitas, тем самым отсылая ко всей традиции натюрморта западного искусства.

автобиографических натюрмортов: все дело в идее

«Строительный инвентарь», масло, 5 х 7 дюймов.

Художник маслом Стюарт Дункель рассказывает о моменте своего прорыва в искусстве, своем процессе, своей палитре и пошаговой демонстрации натюрморта.

Все дело в идее: творчество против рационального заговора

СТЮАРТ ДАНКЕЛЬ

Мои натюрморты автобиографичны. Они отражают и исследуют проблемы в моей жизни.Мне нравится воплощать мои философские идеи в создании натюрмортов, анималистических и пейзажных картин. Я дорожу учениями и приемами старых мастеров, особенно голландских художников, и призываю своих учеников исследовать и продолжать эти богатые традиции. Я стремлюсь создавать сильные, сбалансированные и интересные композиции, используя движение, чтобы вести зрителя через свою работу. Глядя на мое искусство, я хотел бы, чтобы коллекционер нашел в них тайное место, где он откроет для себя знание и истину радости, оптимизма, юмора и игривости, а также чувство классического баланса и красоты.

Будучи художником, музыкантом и писателем, я использую зрение, звук и слова для самовыражения. Я начал рисовать в пять лет, а в семь начал заниматься музыкой. Меня всегда привлекала сама дисциплина формального обучения, и я посвятил свою жизнь их глубокому изучению. Я изучал музыку и искусство в Бостонском университете, Музыкальном колледже Маннеса, Джульярдской школе (докторская степень) и искусство в Бостонской музейной школе штата Кент и Сиэтлской академии реалистического искусства, а также в частном порядке с уважаемыми учителями.

«Fry Feast», масло, 6 x 8 дюймов.

Моим прорывом в искусстве стало открытие, что музыка и искусство состоят из одних и тех же идей. Концептуальное сопоставление всегда было моим даром. (Я пытаюсь сбалансировать левое и правое полушария, но правое полушарие всегда побеждает!). Ритм, гармония, контрапункт, баланс, контраст, гаммы, хроматизм, тональности, высокие и низкие, темные и яркие, громкие и тихие, красочные и тусклые, смешались в моем воображении — все полярности в искусстве, да и в самой жизни! У меня есть способность думать о сцене или объекте и проецировать его на экран моего разума, а затем рисовать и раскрашивать его.

Большое влияние оказали нидерландские художники между 1550 и 1720 годами. Их ясность образа и красота вдохновляли меня всю мою жизнь, в частности, Кальф, Де Хем, Хеда и Клас. Мои ранние работы были вдохновлены Дали и научили меня тому, что творчество — это место внутри, где идеи смешиваются, сталкиваются и создают новые. Прошлое встречается с будущим на внутреннем экране между глазами, где сталкиваются реальность и фантазия

Мне обычно нравится самый темный фон в моих натюрмортах, поскольку он дает глазу наиболее удобное место для восприятия реальности в ее начале.Это знал великий нидерландский художник 16 века, и многие из прекраснейших изображений созданы на черноватом фоне. Это восприятие подкрепляет мою веру в то, что ничто не существует, пока на него не наложен свет. Из небытия черного мы строим воспринимаемые объекты. Как и в любви, мы создаем чувство, которое внушает нам другой. Как и в искусстве, мы создаем чувство, чтобы вдохновлять других внутри себя. Другими словами, мы должны думать о последствиях наших действий и о том, какие результаты сообщает каждый мазок и изображение.

«Семейный портрет», масло

Моя работа и процесс

Когда я родился, мой мозг был разделен пополам. Половина моей матери творческая, интуитивная и с богатым воображением. Папина половина логична, находчива и целеустремленна. Я унаследовал обе стороны, и каждая сторона предлагает другую точку зрения. Когда меня подводит творческая сторона, я обращаюсь к логической стороне. Когда я не могу что-то понять, я полагаюсь на свое воображение.

Идеи приходят либо через интуицию, либо через внутренний диалог. Я уступаю Стью, Стюарту и моему наблюдателю.Стью — это мой интуитивный, творческий, фантастический, нелинейный процесс. Стюарт — мой линейный, логический решатель задач. Наблюдатель — это глаз, который получает и отмечает наблюдаемое. У меня есть блокноты, полные идей и композиций, и «навязчивый мотив», предмет, который я продолжаю исследовать. Этот предмет — мышь, хотя я также пишу пейзажи, натюрморты и других животных.

На протяжении многих лет я собирал предметы, которые мне нравились — весы, шарики, контейнеры для кофе, шахматные фигуры, искусственные цветы, искусственные фрукты, искусственные овощи, предметы военного времени, странные коробки, игрушки, конфеты, печенье, мраморные яйца, трубы, плюшевые мишки, пингвины и странные музыкальные инструменты. Найдя объект, который мне нравится или который я хочу исследовать, я выясняю, как мышь вписывается в историю. Для этого я проскальзываю в свои два режима: либо я ухожу в «бессознательное», либо в «сознательное».

«Левити», масло

Вот как это работает у меня.

У меня перед мысленным взором возникает темный экран, на который я проецирую изображение, делаю его трехмерным и удерживаю его там, чтобы раскрасить. С моей интуитивной стороны сначала появляется изображение, затем слова, а затем изображение на экране. С логической стороны сначала идут мысли, потом картинки, потом изображение на экране.

Вопрос: Как понять, что рисовать для «Стю», у которого правое полушарие, и «Стюарт», у которого левое полушарие?

Ответ «Стю»: В своем бессознательном выберите картину, которая вас интригует; держите его ясным и ярким, откройте сенсориум. Пусть нахлынут надежды, неудачи и мечты. Это фильм о предмете, который показывается на экране. Это история, сцена, наполненная намерением. Направляйте объект к своим проблемам, навязчивым идеям; затем соедините и перемешайте их с эмоцией, желанием или желанием.Откройте пустоту и позвольте информации или изображениям упасть внутрь.

Ответ «Стюарта». Сопоставьте понятия, выбирая несвязанные объекты, а затем определяя ядро ​​общности.

«Посредник», масло

Я могу придумать разные способы проецирования изображения на экран. Вот несколько моих личных техник.

• Фибоначчи. Я использую золотое сечение, чтобы сбалансировать цветовую схему, значения, различные размеры фигур и размещение положительных и отрицательных форм. Принятие математических моделей трех дает мне перспективу, которая может предсказать неопределенность жизни.Философия тезиса, антитезиса и синтеза находила во мне отклик на протяжении всей моей зрелой жизни. Отношения между объектом и субъектом составляют кульминацию эмоциональной основы картины.
• Музыкальная композиция. Моя первая карьера была классическим гобоистом, когда я играл в симфонических оркестрах. Играя одни и те же произведения из года в год, я стремился вводить новые интерпретации для каждого концерта. В живописи я думаю о том, как я могу варьировать определенные элементы в похожей картине и создавать новую.В музыке есть форма, называемая темой и вариациями, где основной мотив подвергается изменению ритма, размера, тональности и дополнительных композиционных приемов. Это работает и для создания искусства. Все компоненты музыки могут быть перенесены в искусство.
• Актерский метод Станиславского (Я изучал актерское мастерство во время получения докторской степени в Джульярде). Я нахожу подтекст или эмоциональную подоплеку, чтобы связать ситуацию и тему. Я актер, который оживляет персонажей.
• Кинопроизводство. Я притворяюсь режиссером, который пытается сделать заявление по проблеме. Я начинаю фильм о том, что хочу нарисовать, и когда нахожусь в определенной сцене, я рисую ее.

Случайное вращение трех колес. Когда ничего не помогает, я думаю о колесе со всеми предметами, которые мне нравится рисовать. Я вращаю колесо, и все, что появляется, я использую как объект в картине. Второе колесо — это жест мыши. Последнее колесо — это ощущение, которое я хочу привнести в сцену.Я соединяю их все вместе и создаю картину.

Начало работы над натюрмортом

Я начинаю свои картины одним из трех способов:

1. Плитка. Я помещаю одну форму, тон и цвет рядом друг с другом, а затем смешиваю тона вместе.
2. Средний тон. Я массирую объект в цветном полутоне, а затем добавляю свет и тени.
3. Гризайль. Я покрываю панель необработанной умброй, а затем стираю свет и добавляю темные оттенки, чтобы создать насыщенный подмалевок.

«Муза Поллока», масло

Моя палитра

Мне нравится использовать самые непрозрачные цвета, которые позволяют масляные краски. Таким образом, я могу рисовать в один слой и переходить к следующей идее и рисованию.

Я создаю свои собственные цвета на основе сочетания всех цветов, которые я вижу в природе, на основе основных цветов.

Красный. Я использую комбинацию caput mortuum и ализарина малинового. Непрозрачная природа капута делает ализарин более управляемым. Я называю этот цвет Dunkel alizarin и набираю его в трубку.
Желтый. Я использую желтый марс в качестве основы и добавляю бледно-желтый кадмий, как средний желтый цвет, который я вижу в природе.
Синий. Я использую комбинацию синего майя (масляная краска на основе глины) и прусского и ультрамарина.
Белый. Я использую алкидный про титан, самый непрозрачный белый, который я могу найти. Я иногда смешиваю его с титановым белилом mussini и заливаю в трубку. Оба очень непрозрачные.

Я создаю материнский цвет, называемый моим божественным цветом, на основе синтеза всех цветов, встречающихся в природе, и использую его в сочетании с используемыми фонами. Кроме того, я буду использовать прозрачный оксидный коричневый, марсовый черный, кадмий красный светлый и зеленый Корбетт (краски Вильямсбурга), если это необходимо.

В качестве медиума я использую liquin и итальянский воск. Мне нравятся золотые круглые щетки Scepter и плоские щетки Utrecht и щетки для швабры от Trekell.

В заключение отметим, что процесс изобретения нового образа для картины многомерен. У каждого художника свой процесс создания искусства. Мой процесс включает в себя интроспективный тур по моему мозгу, когда он создает образы.Это то, что мне больше всего нравится в моих приключениях с рисованием.

«Жонглер», натюрморт, шаг за шагом

Идея МассаБольше массыНачало добавлять ценностиМоделированиеРастушевка«Жонглер», масло, 5 x 4 дюйма

О художнике

Стюарт Данкель (www.stuart-dunkel.com) родился в Fair Lawn New Jersey в 1952 году и в настоящее время живет в Бостоне. Он начал рисовать и играть классическую музыку в возрасте пяти лет и продолжил долгую карьеру в лучших оркестрах Бостона, Нью-Йорка и Гонконга. В 1994 году он перешел от музыки к изобразительному искусству, где получил классическое образование в Бостонской музейной школе, Академии реалистического искусства в Сиэтле и в частном кабинете у выпускника Ани Джоэла К. Джонса.

Как современный реалист, Стюарт любит рисовать натюрморты, пейзажи и животных. Особенно ему нравится рисовать комичные натюрморты с мышью, взаимодействующей с объектом. Он надеется, что зритель найдет в его работах радость, оптимизм, юмор и игривость, а также чувство классического баланса и красоты.

Его картины показывают, что музыка и искусство состоят из одних и тех же идей. Ритм, гармония, контрапункт, баланс, контраст, гаммы, хроматизм, тональности, высокие и низкие, темные и яркие, громкие и тихие, красочные и тусклые можно найти в его композициях.

Стюарт — директор и преподаватель ШКОЛЫ РЕАЛИСТИЧЕСКОГО ИСКУССТВА НАУТИЛУС в Уотертауне, Массачусетс, и его приглашают на множество демонстраций и семинаров. Он является членом Международной гильдии реализма, Центра обновления искусства и Бостонского общества Копли, получил награды и был приглашен выступить в Гильдии Бостонских художников, Бостонском обществе Копли, Клубе Салмагунди, а также другие группы и галереи. Каждый день он рисует со своей собакой, кошкой и тремя белыми мышами в своей студии.

---

> Посетите EricRhoads.com (издатель Realism Today) , чтобы узнать о возможностях для художников и коллекционеров произведений искусства, в том числе:

• Художественные ретриты
• Международные творческие поездки
• Художественные конвенции
• Художественные мастерские (очно и онлайн)
• И многое другое!

Натюрморт — 10 лучших художников и их работы

Джорджио Моранди

Джорджо Моранди, Натюрморт с флягой , 1953

Итальянский художник Моранди обращается со своими натюрмортами как с портретами, а избранные им бытовые предметы переосмысливаются как композиция фигурных элементов, собрание.В большинстве его натюрмортов используется его знаменитая приглушенная и землистая палитра, придающая его объектам и композиции ощущение тепла и смирения. Нарисованные предметы, часто кувшины и разнообразные горшки, сидят в диалоговых кластерах, осязаемо человечны в их взаимодействии и в их разделении на поверхности холста. В этом примере композиционное напряжение, создаваемое этими демаркациями, усиливается кувшином, который отворачивается от первого ряда предметов, усложняя ожидаемое от натюрморта ощущение гармонии.Моранди ловко скрывает эти конфликты за кажущейся упрощенной композицией. Эти мощные тонкости позволили Моранди считаться одним из самых известных художников двадцатого века и художником, почти полностью связанным с жанром натюрморта, охватывающим его, развивающим и делающим его своим.

Джаспер Джонс

Джаспер Джонс, , окрашенная бронза, , 1960 г.

В середине ХХ века американский художник Джаспер Джонс вдохнул жизнь в натюрморт, предвещая появление поп-арта.Хотя Джонс известен в первую очередь своей живописью, этот скульптурный взгляд на натюрморт стоичен в своей простоте. Отходя от живописных условностей, более тесно связанных с натюрмортом, самобытность этой работы в ее жанровой принадлежности отчетливо угадывается в честном изображении предмета быта. Джонс хорошо известен своим вниманием к американской культуре, как предшествовавшей движению поп-арта 60-х, так и перекрывающему его, самыми известными примерами, возможно, являются его версии американского флага.Эта скульптура отдает дань уважения культовому предмету, как и традиционный натюрморт, но также и фирменному предмету, характерному для поп-музыки. Натюрморт — это средство с большой антропологической проницательностью, то, что находится на кухонном столе, дает красноречивый отчет о тех, кто будет сидеть вокруг него. Джонс в этом смысле немного юмористичен, скудное предложение двух сортов пива, юмористический портрет — Джонс модернизирует жанр, который до сих пор имеет большую актуальность в наши дни.

Уэйн Тибо

Уэйн Тибо, Буфет , 1972-75

Мы на званом обеде в стиле 1970-х, еда холодная, но всем наплевать, потому что она безвкусная, китчевая и нелепо оформленная.Это мир, в который закинул нас Уэйн Тибо своим энергичным и жизнерадостным натюрмортом, портретом семидесятых. Аперитивы принимают форму синхронного плавания, симметрия и яркость которого оживляют насыщенную композицию картины. В отличие от классического происхождения натюрморта, который обрамлял его избранные объекты, композиция Тибо выходит за пределы живописной рамки, сообщая нам, что это кадрированный вид расширенного стола с едой. Тени, отбрасывающие голубоватые лужи на белую скатерть, внушают чувство предвкушения, будто приход гостей неизбежен.Этот снимок времени, момент ожидания заключает в себе роль натюрморта, чтобы не только изобразить момент, но и наполнить его тихим чувством важности. В работах Тибо есть правдивость, которая предвещает изобретательную яркость домашнего повара и полезное излишество дома той эпохи. Тибо использует натюрморт как средство поп-арта для своего повествования о современной жизни, укрепляя его актуальность.

Марк Куинн

Марк Куинн, Self , 1991 — настоящее время

Созданное из десяти пинт крови художника, «Я » Марка Куинна противостоит постепенному процессу старения и его опасному пути к смерти. Затем работа Куинн занимает место среди великих vanitas произведений истории искусства. Скульптура отсылает к периоду алкоголизма в жизни художника и связанной с ним всепоглощающей зависимости. Требуется постоянное электричество, чтобы поддерживать правильную температуру, иначе она растает, голова Куинна прямо имитирует его зависимость от алкоголя. Голова, хотя и отделенная от тела, превращает пространство галереи в морг и тем самым способствует темному и безмолвному отражению картины.Лишенный анекдотичного сопровождения фруктов или столовой посуды, Куинн изображает суть и неизбежное присутствие смерти с абсолютной прямотой. В работе есть тишина, которая кажется мирной и спокойной, а не расстраивающей и кровавой. Голова Куинна — современная ода жанру — концептуальная, безмятежная и шокирующая в равной мере. Подобно традиционным художникам-натюрмортистам, которые раньше делали несколько версий одной и той же сцены, Куинн каждые пять лет создает голову, честно отражая процесс старения в своем использовании материалов и процессов.

Джозайя МакИлени

Джозайя МакИлени, Модернизм двадцатого века , Зеркальное и бесконечное отражение, 2006, Зеркальное стекло ручной выдувки, структура дисплея, прозрачное зеркало и электрическое освещение
31 1/4 x 188 x 18 3/4 дюйма

Американский скульптор Джозайя МакИлэни придает новую глубину натюрмортам с бесконечными извилистыми отражениями, возникающими в его зеркальных шкафах. Его выдутые вручную объекты гордо стоят строго регламентированными рядами, каждый из которых формируется и поглощается бесконечными фабричными линиями, исчезающими в бесконечности.Маклени хорошо известен своим выдуванием стекла, практика, редкость которой придает каждому из его предметов ощущение драгоценности. Зеркальная поверхность каждого из флаконов поражает своим сияющим совершенством. Они сидят как нетронутая щедрость серебра, которую можно использовать для лучшего случая, который никогда не возникает, играя на родственности и домашности натюрморта, с которым мы знакомы. Несмотря на скульптурность, в футуристической привлекательности работы есть что-то цифровое, механизированное или потустороннее.Затем Маклени обнаруживает сдвиг в том, что ценится. Изысканные демонстрации богатства, когда-то состоявшие из омаров и богато украшенных графинов с вином, теперь демонстрируют технологии и футуристические амбиции. Это современный натюрморт для цифровой эпохи.

Ори Гершт

Ори Гершт, New Orders, Evertime 01 , 2018 г. и Ори Гершт, Lilium Candidum D01 , 2018 г.

Традиционный натюрморт был предназначен для того, чтобы запечатлеть момент времени, незамеченный или отвергнутый в его обыденности, Гершт переворачивает это с ног на голову, используя камеру, чтобы запечатлеть моменты настолько динамичные и взрывные, что они просто размыты для невооруженного глаза.Используя пневматическую винтовку, Гершт стреляет в свои фотографические объекты, ловя момент, когда они разлетаются на мелкие кусочки. Использование цветов Герштом восходит к классическому натюрморту, а также к исчезающим цветам его родной страны Израиля, материалу для его исследования идеологических и мифологических нарративов, сосредоточенных вокруг идеи родины. Гершт использует традиционную пассивность и застой натюрморта как стиль, из которого вырастает политическая и рефлексивная мысль. Используя историю искусства для подкрепления своих современных представлений о том, что такое натюрморт и чем он может быть, Гершт отдает дань уважения великим мастерам, создавшим такой почитаемый стиль, с поразительным эффектом перенося их работы в двадцать первый век.

Мэт Коллишоу

Мэт Коллишоу, Последняя трапеза в камере смертников, Велма Барфилд, , 2012 г. Мрачный, но интимный взгляд Мэта Коллишоу на натюрморт

отдает дань уважения жанру vanitas с черным юмором. Снимая последнюю трапезу заключенных, приговоренных к смертной казни, перед казнью, Коллишоу использует способность натюрморта передать отсутствующий предмет каким-то образом присутствующим, формируя портрет через историю, рассказанную снаряжением. В их нежной честности есть что-то почти навязчивое в работах, почти портрет человека, так болезненно и заведомо близкого к концу своей жизни. Подделка традиционных фламандских или испанских образцов старых мастеров на первый взгляд забавна, но размышление о жалких обстоятельствах вызывает у зрителя чувство рефлексивной вины. Из трех аспектов, составляющих vanitas, наиболее ярко выделяется тщетность удовольствия; бессмысленность возможности выбрать последнюю трапезу против символического жеста, который она представляет; конфликт, который Коллишоу мало что делает для разрешения в своей призрачной серии. Вся жизнь заключенных сводится к этому последнему банальному унижению — безнадежный пафос, присутствующий в этих натюрмортах, неизбежен и преследует.

Эдмунд де Вааль

Эдмунд де Ваал, поворота дыхания, II , 2013 г. 416 фарфоровых сосудов в корпусе из алюминия и плексигласа.

Искусство Эдмунда де Вааля наполнено его культовыми фарфоровыми сосудами, изысканность которых подтверждает его титул мастера-гончара. Его работы напоминают Мондриана и многих других образцов модернистской сетки, но одновременно отдают дань уважения натюрморту скромного предмета. Чистая, приглушенная цветовая палитра также напоминает Morandi. Художественная чувствительность де Вааля наполняет его сосуды иллюзорной невесомостью, нежной в их уверенном и успокаивающем присутствии.Прохладный белый цвет и приглушенные тона фарфоровых горшков придают такое же значение пространству между каждым предметом, как и сами предметы ручной работы. Этот акцент на отсутствии напоминает Рэйчел Уайтрид, чьи работы привлекают внимание к невостребованному пространству с помощью больших и необычных слепков. С тем же эффектом работает поворот дыхания Де Ваала . Пробелы действуют как паузы, делая его полки с горшками аналогом пунктирной страницы текста. Де Вааль трансформирует натюрморт и знакомые предметы, которые он использует, в большую линейную композицию, предвещающую художественные влияния гаммы модернизма с особыми отсылками к минимализму.

Соответствующие  источники, чтобы узнать больше

10 лучших современных натюрмортов
MoMA на натюрморте

.