День: 12.09.1979

Современные китайские художники. Часть 2

09 февраля 2020

 Юэ Миньцзюнь

«Без названия»

40 х 40 см

1997

1. Юэ Миньцзюнь

Юэ Миньцзюнь — современный китайский художник, базирующийся в Пекине. Миньцзюнь получил известность благодаря своим автопортретам, на которых он застыл с неестественной, натужной улыбкой. Бытует мнение, что Юэ Миньцзюня можно отнести к школе «циничного реализма». Однако, сам художник не относит себя ни к одной школе и не считает свое искусство циничным.   

Юношеские годы Миньцзюня, родившегося в 1962 году в городском округе Дацине, пришлись на период Культурной революции.  По окончании школы Юэ работает инженером-электриком в нефтедобывающей компании. В середине 1980-х годов молодой человек поступает в Хэбэйский педагогический университет с целью изучить масляную живопись. А в 1987 году Юэ уже выставляет свои первые работы.

В 1980-х годах, когда он занимался глубоководным бурением нефтяных скважин, Юэ начал писать портреты своих коллег и марины. В 1989 году он был вдохновлен картиной Гэн Цзяньи, представленной на художественной выставке в Пекине, на которой было изображено собственное смеющееся лицо Гэна. Важно отметить, что Юэ большую часть своей жизни вел «кочевой» образ жизни, поскольку его семья часто переезжала, чтобы найти работу на различных нефтяных месторождениях.

Вернувшись с буровой вышки, Юэ стал одним из первых художников, поселившихся в деревне художников Юаньминъюань в конце 1980-х годов, когда многие молодые китайские художники начали обретать свой голос. Свежие воспоминания о культурной революции заставили их переключить свое внимание на темы, имеющие отношение к их жизни и обществу, в то время как своевременная политика открытых дверей позволила им изучать западное искусство. Что касается Юэ, он обязан своим особым стилем таким живописцам, как Да Винчи, Гойя, Мане и Уорхол.

С момента дебюта, работы Юэ Миньцзюня была показаны в многочисленных галереях Сингапура, Гонконга и Пекина. Художник часто обращается к европейскому искусству, создавая пародии не только на Гойю («Execution», 1995), но и на Делукруа («Freedom Leading the People», 1995-1996). «Резня на Хиосе» — отсылка к произведению Эжена Делакруа, состоящая из 11 автопортретов Миньцзюня, была продана за 5,9 миллионов долларов на Лондонском аукционе Sotheby’s.

Первая крупная выставка в Европе, посвященная художнику, проходила с 14 ноября 2012 года по 17 марта 2013 года в Париже при поддержке фонда Cartier pour l’Art Contemporain.

Яркие цветные изображения маниакально смеющихся фигур Юэ создаются как под влиянием поп-арта (резкие очертания, яркие поля цвета), так и сюрреализма. Его произведения выступают как молчаливая форма общественно-политической критики, которая имеет дело как с китайской историей, так и с западным каноном искусства. «На самом деле я пытаюсь понять мир», — сказал он о своей работе. «В том, что я делаю, нет ничего циничного или абсурдного».

Художник упрощенно изображает человеческие фигуры, как правило, портретируемые одеты одинаково. Цветовая палитра достаточно ограничена: ярко-розовая кожа, красные губы, черный непропорционально большой рот, в котором видны все зубы.

2. Цзэн Фаньчжи

Цзэн Фаньчжи – один из самых финансово успешных китайских художников, в настоящее время живет и работает в Пекине.  В отличие от многих современных китайских художников, уехавших жить и работать за рубеж, Цзэн предпочел остаться на родине.  

Цзэн бросил среднюю школу в возрасте 16 лет, чтобы работать на полиграфической фабрике, как и его родители. В свободное время он брал уроки живописи. Цзэн проваливал вступительные экзамены в университет пять раз подряд, прежде чем, наконец, поступил. Цзэн посещал Академию Изящных Искусств Хубэй, где он изучал живопись маслом и развил сильный интерес к немецкому экспрессионизму, особенно к творчеству Макса Бекмана и Виллема де Кунинга, с 1987 по 1991 год.

Темой первой серии успешных работ была больница. «Hospital Series» передает суровый быт в стенах лечебного заведения, запечатленный в экспрессивной манере. Художник уделил особое внимание психологическому настроения персонажа и выразительности изображения, которая достигнута при помощи различных мазков.

Серия «Маски», начатая в 1993 году (год переезда художника из Уханя в Пекин), принесла художнику мировую славу. В поисках нового стиля, Цзэн достаточно неожиданно для себя написал человека в маске. Несомненно, на него повлияло чувство изоляции ввиду переезда в другой, новый для себя город, где Фаньчжи никого не знал. Жестокость первой серии сменилась циничностью, холодной отстраненностью «Масок». Легкая затуманенностью фигур достигается использованием мастихина, создающего более сглаженные мазки.

Начиная с 2000 года Цзэн стал все больше интересоваться традиционным китайским искусством и культурой, особенно картинами и скульптурами северных династий Вэй, Юань и Сун. Под влиянием философий Лао-Цзы и Чжуан-Цзы, которые являются неотъемлемой частью традиционного китайского искусства, тематика Цзэн постепенно смещается от общества к природе. Некоторые пейзажи он пишет двумя руками одновременно.  

В настоящее время Цзэн живет со своей женой Хэ Лижун, бывшей студенткой, на которой он женился в 1995 году, и их дочерью Хоу Кер. Обычно его можно застать в скромных джинсах и кроссовках, с кубинской сигарой под рукой. Цзэн Фаньчжи работает в огромной двухэтажной студии в Цаочанди, районе на северо-восточной окраине Пекина, с видом на ухоженный сад, полный деревьев, две стальные скульптуры Гарри Бертойи и пруд с золотыми рыбками.

 

Цзэн Фаньчжи

Серия «Маски»

60 х 50 см

1997

3. Чжан Хуан

Чжан Хуань — один из самых важных китайских художников-экспериментаторов. Он начал свою карьеру как художник, а затем перешел к перформансу, фотографии, скульптуре. Работа Чжан Хуаня порой носит конфронтационный, интуитивный и опасный характер, и в ней имплицитно и эксплицитно затрагиваются проблемы перенаселения, стирания культурных традиций, политических репрессий, нищеты, голода и нужды.

Чжан Хуань родился в фермерской семье в городе Аньян провинции Хэнань (Южный Центральный Китай). После частных уроков живописи в четырнадцать лет он получил место в Академии Изящных Искусств Хэнань в Кайфэне, где в 1988 году получил степень бакалавра. В годы студенчества он был наиболее увлечен и вдохновлен Жан-Франсуа Милле и Рембрандтом Ван Рейном. Дипломной работой Хуаня стала картина под названием «Красные вишни» (1988) – мать, мирно кормящая своего ребенка рядом с вазой с вишнями.

Он оставался в Университете Хэнань в качестве преподавателя на художественном факультете в течение следующих трех лет, прежде чем переехать в Пекин. В 1993 году он получил степень магистра живописи в китайской Центральной Академии Изящных Искусств в Пекине, которая привлекла его своим вниманием к европейской классической традиции.

После окончания университета он в течение месяца работал в пекинской коммерческой компании, где ему было поручено делать копии работ Дега. Его репродукции были превосходны и приносили много денег работодателям.

Однако он получал небольшую зарплату в 250 юаней, что его сильно удручало. Просьба о повышении зарплаты были проигнорированы, на него попросту накричали. По дороге домой он был так расстроен, что ударил кулаком автобус, который теперь Чжан считает своим первым сознательным актом самоистязания.

Примерно в это же время Чжан почувствовал неуверенность в том, что делать дальше, поскольку он не чувствовал себя столь политически настроенным, как его китайские современники-художники, и надеялся найти альтернативу живописи. Кроме того, он был крайне беден. Он переехал в грязное, захудалое сообщество художников на окраине Пекина, ранее известное как Дашаньчжуан, но переименованное его жителями-художниками в Ист-Виллидж (в честь Нью-Йоркского Ист-Виллиджа, который, по мнению жителей, был связан с их экспериментальной и совместной эстетикой). Решение было найдено — при создании произведений искусства Чжан начал использовать свое собственное тело.

Чжан Хуань впервые получил известность в начале 1990-х годов за свои перформансы, которые были основаны на боли, выносливости. Так, во время перформанса «12 м²», проходившего в Ист-Виллажд, Чжан покрыл свое тело рыбьим жиром и медом, а затем неподвижно сидел в общественном туалете в течение часа, позволяя мухам и насекомым покрывать тело в знак протеста против невыносимых условий жизни.

В 1998 году он переехал в Нью-Йорк после выставки «Inside Out: New Chinese Art». У Чжана появилась возможность показывать перформансы на публике и в музее. В США Хуанем были показаны «Странствие – ветер и вода в Нью-Йорке» (1998), «Моя Америка» (1999).

Чжан вернулся в Китай в 2006 году и занялся скульптурой после обращения в буддизм. Самыми ранними скульптурами были гигантские медные руки и ноги, увеличенные версии фрагментов разбитых буддийских фигур, которые он нашел в Тибете.

Он открыл огромную студию в южном районе Шанхая Минханг, где его команда из более чем 100 ассистентов производит скульптуру и масляную живопись. Среди новых работ художника — картины и скульптуры, выполненные из пепла благовоний, собранных в буддийских храмах, а также огромные бронзовые статуи многоногих Будд. Погруженный в буддийскую философию, Чжан Хуань исследует темы, связанные со связью ума и тела и циклами жизни и смерти.

Чжан с успехом провел ретроспективные выставки, охватывающие все периоды его карьеры в азиатском обществе в Нью-Йорке (2007), в миланском РАС — Padiglione d’Arte Contemporanea (2010). Художник был представлен на Венецианской биеннале в 1999 году и на Биеннале Уитни в 2002 году. Его работы были включены в сольные и групповые выставки, проходившие в престижных выставочных пространствах по всему миру.

 

Чжан Хуань

«Семейное древо»

2000

Теги

Юэ Миньцзюнь, Цзэн Фаньчжи, Чжан Хуань.

Рекомендуем почитать

XX век в китайской пейзажной живописи « Школа живописи У-Cин

Последние 60 лет правления династии Цин были настоящей катастрофой для Китая. Многочисленные войны с европейскими колонизаторами и Японией были проиграны. Большая часть населения Китая пристрастилась к курению опиума, завозимому в Китай Британией. Разделённый между европейскими странами на зоны влияния, Китай превратился в полуколонию. Голод и нищета стали повсеместной реальностью для крестьян. Страна была унижена и разорена. Многие люди были недовольны, близилась Синхайская революция 1911 года, принёсшая конец китайской империи и старым порядкам, просуществовавшей много тысячелетий.

С Синхайской революции, надломленная китайская культура начинает период активного поиска новой опоры, новых решений, новых образов. Революция была кризисом для культуры срединного царства, но именно благодаря ей многие талантливые выходцы из низов получили известность.

Таковым был самый известный китайский художник XX века Ци Бай Ши 齐百石1864 – 1957. Он был выходцем из бедной семьи, достаточно долго пас скот, помогая своей семье по хозяйству, но упорная работа и талант сделали его неординарный подход к китайской живописи известным и популярным. Ци Бай Ши часто называют китайским Пикассо за его интереснейший стиль, связанный с характерным для эпохи модерна упрощением формы и богатством колористической палитры. Ци Бай ши работал во всех жанрах, известных в китайской традиционной живописи. Его кисти принадлежит немало пейзажей.

Символом новой эпохи в истории Китая стал новый бурно растущий город на юге Китая. Это был Шанхай, порт-детище победы западных держав над Китаем в первой Опиумной войне в 1844. В конце XIX – начале XX века именно Шанхай стал основным торговым портом Китая, местом встречи Востока и Запада. Влияние западных держав росло и Шанхай всё расширялся. Расположенный недалеко от традиционных центров культуры Китая на юге – Сучжоу и Ханчжоу, Шанхай очень быстро стал центром притяжения китайских художников и деятелей культуры желающих как познакомиться с ценностями западной культуры, так и просто преуспеть. Множество именитых китайских художников конца XIX – начала XX века жили и работали в Шанхае. Одним из самых известных представителей шанхайской школы был徐悲鸿 Сюй Бэйхун 1895-1953.

Господин Сюй работал во многих жанрах. В жанре китайского пейзажа он известен благодаря его технике монохромных пейзажей «от пятна», но в его творчестве присутствуют и несколько колористических пейзажей.

Сюй Бэйхун учился не только в Китае. Значительная часть его жизни связана с изучением европейской живописи во Франции. Ниже приведены несколько его пейзажей в европейском стиле.

Многие известные китайские художники XX века учились живописи заграницей, пытаясь в своём творчестве сочетать дальневосточное и европейское искусство. Одним из самых ярких представителей таких художников стал关良 Гуань Лян 1900–1986, учившийся европейской живописи в Японии и воспринявший новейшие веяния модерна.

Другим известным китайским мастером XX века, который провёл значительную часть жизни, изучая европейскую традицию стал 張大千 Чжан Да Цянь 1899-1983. Он известен благодаря своему неповторимому стилю, совмещающему традиционный китайский сине-зеленый пейзаж с техникой европейского модерна. Сегодня картины Чжан Да Цяня крайне востребованы и конкурируют по стоимости с картинами Пикассо.

XX век китайского искусства знал и других мастеров, нашедших себя модерновой часто колористической интерпретации традиционного пейзажного жанра гор и вод. Одним из самых замечательных примеров такого творчества являются наполненные яркими смелыми цветовыми решениями картины 朱屺瞻 Чжу Ци Чжаня 1892-1996

Ещё одним важным веянием XX века стало стремление многих художников рисовать пейзаж от пятна, без контурного наброска, предпочитая экспрессию мазка более традиционной для традиционного пейзажа проработанности деталей. Таковым является один из самых ярких представителей шанхайской живописной школы, художник 林曦明 Лин Си Мин, родившийся в 1926 году.

Ещё одним ярким представителем данного стиля живописи является китайско-японский художник 王農 Ван Нун, 1953 года рождения. Если раньше мы говорили о совмещении европейского и китайского подхода к изображению пейзажа, то Ван Нун примирил в своём творчестве две традиции, вышедшие из одного источника – японскую и китайскую.

История Китая в XX века крайне непроста и трагична. Это и падение тысячелетних устоев с Синхайской революцией 1911 года, и анархия, и голод, и наркомания, и гражданская война 20-30-х годов, закончившаяся адом кровавой 12-и летней войны с Японией, ставшей частью Второй Мировой Войны и ещё более сложные события, времён установления господства Китайской Народной Республики, правления Мао Цзэдуна и культурной революции.

Многие художники были вынуждены иммигрировать, как поступили Чжан Да Цянь и Ван Нун, другим пришлось смиряться с реалиями социалистической культурной революции, стремящейся поставить аристократическое, по своему происхождению, искусство китайского пейзажа на службу народу. Именно так в китайский пейзаж 70-х годов XX века пришли электростанции, плотины, линии высоковольтного напряжения, рабочие, пионеры и красноармейцы с красными флагами и даже сам великий кормчий Мао. Приведём картины:

Многие представители китайской интеллигенции, во время культурной революции, окончательно и бесповоротно иммигрировали в другие, “некитайские” страны мира. Особенно много таких китайцев «осело» в США. Среди гигантской по численности китайской иммиграции в США есть и художники, которые уже при помощи средств, которые им даёт европейская традиция живописи, могут выразить идею китайского пейзажа гор и вод. Одним из самых ярких представителей таких художников можно назвать известного американского художника китайского происхождения, известного в США под своим кантонским именем как Hong leung Хун Леун.

Если Хун Леун попытался осмыслить китайский пейзаж при помощи масляной техники и яркой колористики, то вот художник Лю Маошань Liu Maoshan известен своим «китайским акцентом» в европейском городском пейзаже.

К концу XX века пейзажный жанр гор и вод начал обретать и переосмысливаться во всё больших формах. Одну из самых интересных форм китайскому классическому «снежному» пейзажу дал художник Ван Цзы Сю в своих замечательных монохромных снежных пейзажах:

XX века принёс в китайскую живопись также и новые технологии. Речь, прежде всего, идёт о мультипликации. Именно в XX веке китайский пейзаж впервые ожил благодаря мультипликации. Приведём здесь мультик 山水请 – «пейзажные чувства».

Ещё одним замечательным изобретением XX века была фотография и фотомонтаж. И опять же, жанр пейзажа гор и вод не остался без внимания китайских фотохудожников. Наиболее известны стали работы двух из южного Китая, перебравшихся во времена политических потрясений в
Лан Цзинь Шань 郎靜山 (1891-1995):

И его ученик китайско–вьетнамского происхождения, известный под своим вьетнамским именем – Don Hong Oai:

XX век в истории Китая выглядит как контрастный душ перемен, за эпохой нищеты и потрясений времён культурной революции проследовала эпоха экономического развития Китая, сделавшая его самой динамично развивающейся страной мира. В китайских городах выросли небоскрёбы, Китай стал одной из самых компьютеризированных стран мира. И опять же, традиционный пейзаж с горами и водами перевоплотился ещё раз. На сей раз в пейзаже выросли небоскрёбы. Приведём творчество китайского современного фотохудожника Ян Йонглиан 杨永良 Yang YongLian

За полтора тысячелетия своего существования, китайская пейзажная живопись гор и вод эволюционировала не раз, каждый раз отражая те перемены, которые происходили внутри китайской культуры.

К концу XX века мировая глобализация и рост популярности китайской традиционной культуры привёл к тому, что многие люди за пределами Китая и Японии прониклись философией пейзажа гор и вод. Это привело к огромному числу вариаций на тему. К переосмыслению китайского шань шуй подключились и многие некитайцы.

Огромное число вариаций на тему горного пейзажа в тумане, родившееся в мировом искусстве за последние несколько веков, немного «замылило глаз» и отвлекло от изначальной смысловой наполненности жанра шань шуй, пропитанного языком взаимодействия базовых категорий даосской натурфилософии: инь и ян, пять элементов у-син и т.д.

Вернуться к изначальному, вновь увидеть пейзаж через призму понятий даосской натурфилософии и призывает живопись у-син, которой мы занимаемся в нашей школе.

Этой живописи посвящён нижеследующий видео ролик:

Метки:

горы-воды    живопись У-син    Китай    китайская живопись    мастер-класс    московская школа живописи У-син    пейзажная живопись у-син    У-син    шань-шуй

Учёные объяснили, как произведения китайских художников стали понятны массовому зрителю в XXI веке

Красноярские искусствоведы проанализировали способы, которыми современные китайские художники популяризировали национальное изобразительное искусство и сделали его доступным для понимания мировой публики в эпоху постмодернизма.

Изучив работы «Одиссей» Цай Гоцяна, «Цветные вазы» Ай Вэйвэя и «Тайная вечеря» Цзэн Фаньчжи, учёные определили художественные методы, раскрывающие национально-культурные «тайны» Китая мировому сообществу и помогающие вписать китайское искусство в контекст глобальной художественной парадигмы.

«Я исходила из гипотезы, что современное постмодернистское искусство конца ХХ – начала ХХI веков и зародившийся в этот период визуальный язык изобразительного искусства, насыщенный „общеупотребимыми“ универсальными символами, способствовали тому, что ранее загадочные и непонятные основы национальной культуры Востока стали доступными и открытыми на международном уровне. Эта тенденция ярко проявилась в китайском искусстве, которое на протяжении веков считалось загадочным и экзотичным, не слишком доступным для представителей западной культуры», — сообщила доцент кафедры культурологии и искусствоведения СФУ Александра Ситникова.

С 90-х годов ХХ века и до настоящего времени азиатское искусство — китайское, корейское и японское начало занимать лидирующие позиции на международной арт-сцене. Южная Корея вышла в авангард кинематографа (например, приз «Золотая пальма» 2019 года достался фильму «Паразиты» корейского режиссёра Бон Джун Хо). Япония известна как родина манги — комиксов, имеющих фанатов по всему миру, а также своими художниками и писателями. Самая дорогая художница в мире — японка Яёи Кусама — обрела массовую известность в 2000-х годах: крупнейшие музеи мира захотели получить её работы. Такаси Мураками сумел превратить коллективную трагедию Японии, спровоцированную ядерной бомбардировкой Хиросимы и Нагасаки, в поп-бренд. Китай, в свою очередь, может похвастаться значительным количеством мастеров, входящих в элиту современного изобразительного искусства — среди них выделяются имена Цай Гоцян, Ай Вэйвэй, Цзэн Фаньчжи.

«Проанализировав и интерпретировав художественные образы трёх произведений, созданных этими мастерами, работающими в русле постмодерна, могу перечислить пять основных методов, с помощью которых художники делают уникальные культурные коды Китая понятными и доступными для глобального мира и массового зрителя. Первый метод подразумевает эффективность, зрелищность и масштабность произведений. Картина должна магнетически притягивать публику. Второй метод заключается в использовании уникальных художественных приёмов и материалов (например, пороха) — это „фишка“ каждого художника, придающая его работам эксклюзивность. Третий — провокация (например, разрушение), заставляющая зрителя эмоционально реагировать на произведение (возмущаться вандализмом художника или поддерживать его революционный жест). Всем трём работам свойственен синтез традиционной культуры прошлого и современных культурных технологий и соединение двух национально-культурных кодов (например, соединение западных и восточных визуальных образов). Благодаря этим приёмам человек одной национальной культуры способен понимать человека другой национальной культуры, ведь неизвестное и непонятное „переведено“ на его родной визуальный язык», — подвела итог исследователь.

На главном фото: «Ваза Кока-кола» Ай Вэйвэя, 2014. Роспись на обратной стороне вазы эпохи династии Хань (206 г. до н. э. – 220 г.  н. э.). Частная коллекция.

Китайские художники — Магазета

В таком городе как Макао, с его уникальной историей, архитектурным и культурным наследием, обязательно должно найтись место искусству. Культурный микс Азии и Европы вдохновляет не только местных, но и приезжих художников. Атмосфера свободы мысли и творчества чувствуется здесь везде: в многочисленных галереях, которые прячутся в узких переулках между высотными жилыми домами, в стрит-арте, который в этом городе можно встретить повсюду. А уж если вы попали сюда во время фестиваля искусств, то кажется, что весь город превращается в гигантский театр, а самые живописные его уголки – в сцену.

Фестивали

Macao Arts Festival

время проведения: 4 мая – 2 июня

Макао хорош в любое время года, однако, если вы любите искусство и уже давно хотите посетить этот ни на что не похожий город, то запланируйте поездку на конец мая – начало июля – время проведения Фестиваля искусств в Макао. Художники из Германии, кукольный театр из Израиля, театральная постановка из Британии, а еще перфомансы и спектакли, музыка, танцы, цирковые представления, визуальное и мультимедийное искусство заполняет город. Причем, в прямом смысле – у фестиваля множество площадок, и большая часть из них находится в историческом центре города.

Многочисленные афиши событий в сфере искусства на улицах Макао. Фото: Алина Кочетова

В это время в Макао съезжаются художники, музыканты, артисты и танцоры из разных стран, проходят лекции и мастер-классы. Большое внимание уделяют и местным деятелям искусства, главная цель фестиваля – кооперация художников со всего мира, а после каждого фестиваля городу остается множество подарков в виде стрит-арта. В прошлом году одним из самых популярных мероприятий был мастер-класс по граффити от местной арт-группы.

Fringe Festival

время проведения: 11-27 января

Fringe Festival – еще один арт-фестиваль в Макао, который проводится в начале января. Он менее масштабный, чем Фестиваль искусств, но не менее интересный. Главная цель фестиваля, как рассказывают организаторы, – перенести искусство со сцен театров и галерей в повседневную жизнь горожан. Поэтому проводятся выступления обычно в «естественных декорациях» – на улицах города, в садах, библиотеках или в других общественных местах, а зрители становятся их участниками.

Фото: Алина Кочетова

Музеи и галереи

Но даже если у вас не получается попасть на фестиваль, не беда — Макао найдет чем вас удивить. В городе есть немало мест, куда стоит наведаться любителям искусства. Перечислить их все не выйдет, но мы выбрали те, которые нельзя пропустить.

Macau Museum of Art

адрес: Xian Xing Hai Avenue
время работы: 10:00-19:00, понедельник выходной

В музее много интерактивных экспонатов, в том числе и для детей. Фото: Алина Кочетова

Самый большой музей искусств в Макао: пять этажей различных экспозиций, от китайского традиционного искусства до временных выставок из музеев всего мира (этой весной здесь выставляется коллекция из Третьяковской галереи). Здесь также есть неплохой магазин сувениров и много интерактивных занятий для детей. Музей находится в центре города, неподалеку от казино.

Арт-пространство казино MGM. Источник: dalitdurst.com

MGM Art Space

адрес: Av Dr Sun Yat Sen, MGM Macau, 2 уровень
время работы: 12:00-21:00, понедельник выходной

Нет никаких сомнений, что Макао – это не только казино. Но иногда здесь даже казино – не только казино, например, MGM. Даже внешний вид этого здания будет интересен любителям современного искусства и архитектуры, но это еще не все, внутри казино располагается большое арт-пространство, где проходят выставки мирового уровня от классического ренессанса до актуальных художников.

Фото: Алина Кочетова

Macau Art Garden

адрес: Av. Do Dr. Rodrigo Rodrigues N. 265
время работы: 11:00-19:00, понедельник выходной

В этом пятиэтажном здании выставляются работы местных и зарубежных художников. Здесь есть уютное кафе с книжными полками и небольшим магазином сувениров, которые также созданы местными художниками. Вы найдете здесь картины маслом, традиционные китайские свитки, гравюры, керамику, скульптуры и фотографии.

Macau Art Garden – галерея, где местные художники продают свои работы и знакомят посетителей с миром искусства Макао. Это место подойдет тем, кто устал от блеска и китча казино и хочет насладиться тишиной, спокойствием и чашечкой кофе в арт-обстановке.

Фото: Алина Кочетова

Tap Seac Gallery Cultural Affairs Bureau

адрес: Praco do Tap Seac
время работы: ежедневно, 10:00-21:00

Галерея Tap Seac находится в историческом здании на одноименной площади в центре старой части города. Такая «историчность» места при этом отлично гармонирует с современностью экспозиций. Здесь выставляются картины и инсталляции местных художников, а сама галерея стала одним из центров культурной жизни Макао. Несмотря на то, что Tap Seac Gallery – государственная, здесь выставляются смелые и иногда даже провокационные работы, проводятся различные культурные мероприятия, лекции и мастер-классы.

Кроме перечисленных, в Макао есть множество частных галерей, многие из которых находятся в жилых домах. Фото: Алина Кочетова

Ox Warehouse

адрес: Rua do Volong, No.15
время работы: 12:00-19:00, понедельник выходной

Основанная в 2003 году галерея Ox Warehouse (прежнее название «Old Ladies’ House Art Space») – проект некоммерческой ассоциации художников Макао. Он создан художниками для художников и стал альтернативной платформой для местной арт-сцены. Здесь проходят выставки и спектакли, мастер-классы и другие мероприятия. Создатели арт-пространства часто приглашают иностранных художников, и позиционируют его, как экспериментальную площадку для самобытного искусства Макао.

В данный момент главное пространство закрыто на ремонт, поэтому лучше следить за обновлениями на официальном сайте, где анонсируются все мероприятия, выставки и фестивали.

Здания острова Тайпа не только архитектурный памятник, но и арт-пространство. Фото: Алина Кочетова

Taipa Village Art Space

адрес: 10 Rua dos Clerigos, Taipa
время работы: 12:00-20:00, вторник выходной

Зеленые дома острова Тайпа интересны не только своей архитектурой и историческим наследием. Они еще и арт-пространство: в каждом из домов располагается галереи, где выставляются работы художников из Макао или других португалоязычных стран. Добавьте к этому очарование деревни Тайпа самой по себе, и посещение галерей становится обязательным пунктом в программе путешественника.

Галерея в бывшем здании суда. Фото: Алина Кочетова

Old Court

адрес: 459 Av. da Praia Grande
время работы: 10:00-19:00, понедельник выходной

Вот уж где не ожидаешь увидеть галерею современного искусства, так это в бывшем здании суда. Но за тяжелыми дверями монументального здания с серыми колоннами, которое одним своим видом вызывает ассоциации с серьезными людьми в мантиях и париках, вас ждут картины современных художников из Макао. Туда стоит зайти хотя бы ради этого ощущения диссонанса.

Фото: Алина Кочетова

Стрит-арт

Макао, кажется, создан для стрит-арта. Смесь культур и архитектурных стилей, естественность его улиц привлекает художников, которые делают этот фантастический город еще более невероятным своими рисунками.

Фото: Алина Кочетова

Taipa Village

Если вы интересуетесь стрит-артом, то деревня острова Тайпа – для вас. Когда-то это была маленькая рыбацкая деревушка, а сейчас оживленное туристическое место. Рисунки местных художников встречают вас со входа – на желтой стене высокого колониального здания.

Деревня Тайпа. Фото: Алина Кочетова

Зайдите внутрь, вас ждет магазинчик сувениров от местных художников. И продолжайте гулять по узким улицам, между португальских зданий. В этом лабиринте вас ждет много сюрпризов в виде восхитительного стрит-арта, без которого деревню Тайпа представить уже нельзя.

Coloane Village

Колоан, пожалуй,- единственное место в Макао, которое сохранилось в своем оригинальном виде: здания с европейской архитектурой, почта и церковь, и тут же рыбацкая деревня, где китайские рыбаки до сих пор сушат рыбу под солнцем. Колоан казался бы застрявшим в прошлом столетии, если бы не стрит-арт, который смотрит со стен зданий и трансформаторных будок, придавая ярких красок этому спокойному и немного сонному месту.

Скульптура мультяшного желтка стоит на берегу озера Nan Vam. Фото: Алина Кочетова

Nam Van Lake Square

На площади на берегу искусственно созданного озера Nam Van, окруженной сверкающими небоскребами казино, проводится большинство фестивалей и праздников в Макао. А Anim’Arte, которое располагается там же, – это творческое пространство для художников всех направлений. Здесь есть и художественные выставки, и ремесленные мастерские круглый год, а граффити-художники расписывают стены этого места. Anim’Arte – это мультяшный желток, который нередко появляется в работах местных художников.

Стрит-арт в историческом центре Макао. Фото: Алина Кочетова

Portuguese Street

Португальская улица – это не только улица, по которой «дворами» можно срезать путь от между двумя главными достопримечательностями Макао – площадью Сенадо и руинами собора святого Павла. Она сама по себе достопримечательность, особенно, для любителей стрит-арта. Здесь расписано все: стены кафе, ресторанов, магазинчиков. Время от времени можно случайно встретить скульптурные композиции и инсталляции. Поэтому путь до достопримечательностей едва ли получится быстрее – мимо этих картин сложно пройти, не сделав фото.

Стрит-арт на острове Тайпа. Фото: Алина Кочетова

Для заглавной иллюстрации использовано фото стрит-арта с улиц Макао Алины Кочетовой.

Материал подготовлен при участии Управления по туризму правительства Макао в России.

Еще больше публикаций о Макао

Вам понравилась наша статья? Поделитесь ею в соцсетях (достаточно кликнуть на иконку внизу страницы).

Если вы хотите быть в курсе наших публикаций, подписывайтесь на страницу Магазеты в facebook, vk, instagram, telegram и наш аккаунт в WeChat — magazeta_com

Китайские Пикассо Художники из КНР приносят все больше прибыли аукционам: Культура: Lenta.ru

В начале 2012 года аукционные дома и арт-эксперты начали по очереди подводить итоги и анализировать события прошедшего года, который подтвердил тенденции, наметившиеся еще в 2010-м. Арт-рынок восстанавливается, вновь возвращается интерес к современному искусству, коллекционеры (и не только) все так же ценят Пикассо, а китайский рынок растет с дикой скоростью. Первые официальные данные, по которым можно судить о рынке, 1 февраля обнародовал крупнейший в мире аукционный дом Christie’s.

По итогам 2011 года Christie’s заявил о рекордных продажах, выросших по сравнению с показателем 2010-го на 14 процентов (в долларах) — на открытых и частных торгах аукциону удалось продать произведений искусства и предметов антиквариата на 5,7 миллиарда долларов. Одним же из наиболее растущих сегментов, который сыграл ключевую роль в увеличении выручки, стало послевоенное и современное искусство.

Еще в конце прошлого года аналитики Bloomberg подсчитали, что суммарно Christie’s и Sotheby’s на вечерних сессиях наторговали современным искусством на 1,7 миллиарда долларов — рынок за год вырос практически на треть. Из отчета агентства также следовало, что у коллекционеров, хоть и начавших относиться к современным течениям более благосклонно, особой популярностью все равно пользуются художники известные, проверенные и уже ставшие частью истории искусства.

Энди Уорхол, Рой Лихтенштейн, Марк Ротко, Герхард Рихтер — произведения этих мастеров считаются более или менее надежными инвестициями. Сам же факт инвестирования в современное искусство — вещь, конечно, спорная, но явно волнующая как экспертов, так и коллекционеров. Из-за того, что во время кризиса сильнее всего просел именно этот сегмент, говорить о надежности здесь вряд ли возможно, однако о динамичности и перспективности рынка, правда, зарубежного, — стоит.

Фрагмент картины «Сидящая женщина в синем платье» Пабло Пикассо. Изображение christies.com

Lenta.ru

Насколько улучшил свои показатели Sotheby’s, станет ясно в конце февраля, когда аукционный дом опубликует данные финансовой отчетности. Пока же ясно, что Christie’s, как и раньше, опережает своего главного конкурента по выручке — из 1,7 миллиарда Christie’s заработал на современном искусстве 1,15. Топ-лотами же стали работы представителей поп-арта Лихтенштейна и Уорхола — самой дорогой картиной по итогам года Christie’s оказалась «Я вижу всю комнату. .. Но в ней никого нет!» (I Can See the Whole Room! … and There’s Nobody in It!) Лихтенштейна, которую выкупили за 43,2 миллиона долларов. Современному искусству лишь второй раз в истории удалось стать лидером по выручке аукциона — впервые это произошло незадолго до кризиса, в 2007 году. Тогда произведения Уорхола, Херста и Кунса на пике активности рынка позволили собрать около 1,2 миллиарда.

Интересно, что в 2011 году Christie’s зафиксировал падение продаж одного из самых стойких сегментов — искусства импрессионистов и модернистов, в которое эксперты как раз из года в год и советуют вкладываться. Обычно вместе с ним выделяют еще старых мастеров, например, Брейгеля, чью ценность ни финансовый кризис, ни любой другой снизить не в состоянии. Тем не менее, у импрессионистов и модернистов есть неприкасаемый лидер, удерживающий первенство в разнообразных рейтингах, — Пабло Пикассо.

Именно произведение Пикассо на данный момент установило рекорд стоимости на открытых торгах — в 2010 году его картина «Обнаженная на фоне бюста и зеленых листьев» ушла с молотка за сумму в 106,4 миллиона долларов. Для общей характеристики рынка важно и то, что в 2011 году на аукционах ни у одного произведения искусства преодолеть барьер в 100 миллионов не получилось — Пикассо же, как всегда, оказался самым дорогостоящим в своей категории. За его «Сидящую женщину в синем платье» в июне прошлого года отдали 28,9 миллиона долларов.

Любопытно, что популярность испанца, как выяснилось в конце января 2012-го, выходит далеко за рамки аукционной деятельности. Согласно исследованию британской организации The Art Loss Register, именно у этого художника украдено или числится пропавшими больше всего работ, а точнее — 1147. Поскольку Пикассо был очень плодовитым мастером, то такая цифра, учитывая интерес к одному их крупнейших художников XX века, кажется даже не очень высокой. Вместе с Пикассо активно «воруют» американца Ника Лоуренса (557) и Марка Шагала (516).

Тем временем в Китае

Как бы странно это ни звучало, но крайне опасными соперниками основоположника кубизма оказались китайцы. Пикассо исправно с 1997 по 2010 годы (с перерывом только на 2007-й) суммарно приносил самую большую прибыль аукционным домам, однако в 2011 году его подвинули два китайских мастера XX века — Чжан Дацянь (1899-1983), пейзажист, привнесший в китайскую живопись импрессионистическую технику, и Ци Байши (1864-1957), художник и каллиграф, в основном писавший животных и растения. В 2011 произведений первого продали на 506,7 миллиона долларов, а второго — на 445,1 миллиона.

Картина «Вечерний пейзаж» Чжан Дацяня. Фото (c)AFP

Lenta.ru

Кто такие Чжан Дацянь и Ци Байши, среди людей, далеких от искусства, а главное от Китая, знают очень немногие. И в этом, собственно, заключается главный феномен китайского арт-рынка, который формируется преимущественно внутри страны. Произведения китайских художников покупают китайцы, доля же их в Европе или Америке существенно ниже. Тем не менее это не помешало Китаю в 2010 году по объему открытых продаж на аукционах обогнать США, а в 2011-м, по данным Аrtprice. com, и вовсе занять 40 процентов от рынка.

Китайские аукционные дома, которых попросту не было еще 20 лет назад, сейчас приближаются к Christie’s и Sotheby’s. Крупнейший аукцион в Китае Beijing Poly появился в 2006 году, но уже сейчас является третьим в мире. Популярность китайского искусства, обладающего богатой историей и характерными национальными чертами, отчасти обусловлена политикой самого государства, которое проводит программы по популяризации авторов, выдает гранты художникам и всячески способствует развитию искусства.

С одной стороны, Китай демонстрирует идеальный механизм формирования рынка (который, например, совершенно отсутствует в России). С другой же — ориентированность китайцев на внутренний продукт рано или поздно исчерпает себя, и им все равно придется искать новые сферы интересов.

По итогам прошлого года стоимость классической китайской живописи выросла в среднем на 20 процентов. Среди современных художников одним из самых дорогих стал Цуй Жучжоу (Cui Ruzhuo) (родился в 1944-м), чья работа «Лотус» на гонконгских торгах Christie’s была продана за 15,8 миллиона долларов. Само же отделение в Гонконге тоже установило рекорд по общему объему продаж в размере 835,7 миллиона долларов.

Все большего влияния китайскому искусству придает и тот факт, что европейцы и американцы, в отличие от китайцев, ориентированных на своих классических художников, как раз не боятся отходить от национального искусства и все охотнее покупают современных азиатских мастеров, в частности из КНР.

Объем всего аукционного арт-рынка в прошлом году достиг отметки в 11,25 миллиарда долларов. Исходя же из тенденций и результатов прошлого года, когда из 15 самых прибыльных художников десять оказались родом из Китая, можно утверждать, что доля азиатского рынка будет только расти. Возможно, уже в ближайшее время Чжан Дацянь и Ци Байши будут у всех на слуху, но несмотря на дороговизну в популярности с Ай Вэйвэем им удастся сравниться нескоро.

Современное искусство Китая показывают в Германии без диссидентов | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

8 музеев, 9 городов, 120 художников, 500 артефактов, — в федеральной земле Северный Рейн-Вестфалия с 14 мая до середины сентября проходит фестиваль современного искусства Китая. Посетители увидят, что китайские художники работают над созданием «своего собственного языка» и больше не копируют западные стили, заявил на презентации «China 8» в Эссене представитель организационного комитета Вальтер Шмерлинг (Walter Smerling). Организатор фестиваля, Фонд искусства и культуры в Бонне, подчеркивает, что это крупнейшая в Германии презентация современного искусства из Китая.

В преддверии фестиваля, сообщает информационное агентство dpa, высказывалась также опасения, что китайские власти могли повлиять на отбор участников. В частности, недоумение вызывало отсутствие в программе работ самого известного китайского художника, диссидента Ай Вэйвэя. Организаторы, в свою очередь, указывают, что все приглашенные ими художники получили разрешение от официальных властей, а художник-концептуалист отказался от участия по неизвестным им причинам.

Каждый из участвующих в фестивале немецких музеев представляет определенное художественное направление в общей презентации китайского искусства. В Дуйсбурге показывают скульптуру и живопись, в Реклингхаузене — работы начинающих художников, в Мюльхайме-на-Руре — инсталляции, в Гельзенкирхене — искусство росписи по шелку и каллиграфию, в Эссене — фотографию, в Марле — фильм и видеоарт, в Хагене — прикладное искусство. Для тех, у кого нет времени на посещение всех музеев, в Дюссельдорфе будет представлена компиляция из всех жанров.

Смотрите также:

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Статика отдыхает

  Две косо поставленные башни из стали и стекла, соединенные друг с другом на головокружительной высоте, да еще под углом, — это новая штаб-квартира центрального телевидения КНР CCTV-Tower. Оле Шеерен много строит в Пекине. Этот проект восходящей звезды мировой архитектуры был удостоен звания «лучшего небоскреба года».

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Безнравственная архитектура?

  42-летний немец Оле Шеерен учился в Лондоне и потом вскоре начал работать в мастерской знаменитого архитектора Рема Колхаса. Сегодня Шеерен возглавляет собственную архитектурную «империю». Порой его упрекают, что он строит чаще всего по заказам официального Пекина, являясь, тем самым, «придворным зодчим» режима, нарушающего права человека. Но можно ли применять критерии морали к архитектуре?

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Символы перемен

  Сам Оле Шеерен считает свои проекты символами перемен, которые воплощают изменения, происходящие в КНР, медленный переход к демократии. Так, стеклянный фасад CCTV-Tower, по его словам, подчеркивает транспарентность, открытость. Кроме того, добавляет он, в самом большом медийном комплексе в мире (здесь работают 14 тысяч человек) есть доступные для всех галереи.

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Монументальный минимализм

  Несмотря на их размеры и высоту, здания, спроектированные Оле Шеереном, считаются образцами минимализма. В столице Малайзии архитектор строит рядом со знаменитыми башнями-близнецами Petronas небоскреб Angkasa Raya. В нем будут размещены офисы и отель. Он устремлен в небо, как скульптура. И никакого чванства: все строго и лаконично.

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Сады в небе

  «Хорошая архитектура должна отражать окружающий мир», — таково кредо Оле Шеерена. Поэтому на некоторых этажах его небоскреба Angkasa Raya будут разбиты тропические сады, копирующие флору Малайзии. В здании запланированы и роскошные бары, и современный молельный зал для мусульман. Это тоже дань стране, где живут вместе малайцы, китайцы и европейцы.

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Надкусанный небоскреб

  Эта стеклянная башня должна быть сдана в эксплуатацию в 2016 году. Maha Nakhon высотой в 77 этажей будет выше всех других небоскребов Бангкока. Оле Шеерен по-новому интерпретировал традиционную архитектуру высотных зданий. В некоторых местах его небоскреб как будто «надкусан». Это весьма оригинальное решение, с точки зрения статики — очень смелое.

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Невесомость для богачей

  Maha Nakhon будет гигантским комплексом больших частных квартир. Отдельные апартаменты как бы сдвинуты относительно друг друга, причем ассиметрично. Некоторые буквально висят в воздухе, словно парят над столицей Таиланда. Это — роскошное жилье для богатых. Впрочем, Оле Шеерен строит не только такое.

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Социальный проект

  Interlace представляет собой гигантский микрорайон для людей с низкими доходами, построенный на окраине Сингапура. 31 здание. Соединены постройки друг с другом довольно причудливым образом, образуя оригинальный жилой массив. Цены здесь существенно отличаются от арендной платы в городе, который считается одним из самых дорогих в мире.

• «Придворный архитектор Китая»: Оле Шеерен — немец, застраивающий Азию

  Единственный провал

  Вообще-то Оле Шеерен знает только успех. Проект Beijing Books Building — исключение. Шеерен должен был построить в Пекине самый большой в мире книжный центр площадью в 15 футбольных полей, в котором предполагалось разместить издательства, редакции, магазины… Но китайским властям все это не понравилось — и от проекта отказались.

  Автор: Айгуль Чисмециоглу, Ефим Шуман

Китайская традиционная живопись — Художники

Принципы традиционной живописи Китая происходят от философии даосизма, которая подчеркивает единство человека c природой, раскрывает подлинное значения понятий пустого пространства, пустности бытия.

Пустое пространство — это философская концепция, одновременно являющаяся синонимом пустоты (ничто) и нет. Даосизм учит «достижению предела пустоты, сохраняя неподвижность» (Лао Цзы). Пустота — начало всей бесконечности вещей, потому ее можно рассматривать как основу даосской философии. Традиция Чань (Дзэн) также подчеркивает: «форма есть пустота, пустота и есть форма» (Сутра Сердца Праджняпарамиты). Китайская живопись всегда находилась под непосредственным влиянием двух этих школ, чьи философские доктрины распространились на образ жизни, включая предметы творчества.

Яркой особенностью китайской живописи является ее благоговейное отношение к чистому пространству листа. Лао-цзы говорил: «Зная белый, сохраняем черный. Это форма Вселенной.» Белизна предполагает пустотность, черный — прочность. В каллиграфии пустое пространство называется «сотворением белого»; очарование китайской литературы пребывает там, где нет слов, где отсутствие звука передает больше, чем тысяча звуков, а красота проявляется там, где нет необходимости рисовать, а «бесформенное становится образом Великого».

Пустые участки живописных композиций понять особенно трудно, ведь отсутствие изображения практически призвано передавать больше информации, чем все изображенное кистью. Если заполнить краской всю картинную плоскость, то она не оставит впечатления настолько же, насколько недосказанность «протяженности за облаками». Ведь классическая пейзажная живопись чаще всего использует пробелы для изображения облаков, тумана, далей, воды. Однако подлинный смысл, реальная тайна чистого листа относится к концепции Ци — энергии, пронизывающей все и дарующей жизненные силы.

Без Ци ничто не может существовать. Первый канон китайского искусства говорит о ритмической жизненной силе, метафизического воплощения космической энергии. Первоначально Ци распространяется на воздух, которым мы дышим, и, поскольку воздух нам жизненно необходим, Ци рассматривается точно также для изображаемого кистью: если Ци не хватает, картина становится безжизненной. Ци приходит из внутренней сущности художника как результат его взаимодействия с окружающим миром. Когда Ци пребывает в покое, картина представляется спокойной, когда Ци движется, картина представляется динамичной и полной жизни.

Тэг:

За пределами Ай Вэйвэя: как китайские художники справляются с политикой (или избегают ее)

В галерее в районе Чай Ван в Гонконге на прошлой неделе, во время третьей ежегодной городской выставки международной ярмарки Art Basel, художник из Пекина Хуанг Руи представил новая концертная работа под названием «Red Black White Grey». В начале выступления четыре безразличных женщины вышли на сцену в плащах, а затем раздели одну за другой, когда Хуан, которому шестьдесят три года, намазал их тела черной, а затем белой краской.Он велел им лечь на холст, который выглядел как четыре флага Гонконга, в конфигурациях которых к концу было написано «1997», год, когда суверенитет над территорией перешел от Великобритании к Китаю, и «2047», год, когда Гонконг должен полностью слиться с материком. В то время как барабаны и электрическая скрипка саундтрека достигли яростного апогея, женщины снова надели пальто, а артист нарисовал однозначные цифры на передней части каждого жакета, чтобы сформировать 2015 год. Музыка остановилась, публика зааплодировала.

Выступление Хуана выделялось на неделе безостановочного искусства, если не своей тонкостью, то определенно своим политическим замыслом. Я приехал в Art Basel, ожидая увидеть политические сообщения, особенно с учетом того, что прошло всего несколько месяцев с тех пор, как продемократические протесты Occupy Central охватили Гонконг. Но, за исключением Хуана и пекинского художника Сюй Цюй, чья инсталляция из рваных желтых зонтов под названием «Occupy Art Central» была показана на соседней ярмарке Art Central, немногие китайские художники, чьи работы я видел, казалось, открыто боролись с недавняя травма города или коммунистическая политическая система, которая ее породила.В то время как многие художники поколения Хуана, от скульптора Ван Кэпина до художника Ма Дешэна, сделали себе имя, бросив вызов правительству, молодые китайские творцы, похоже, меньше интересовались активизмом.

Жителей Запада часто критикуют за то, что они смотрят на китайское искусство через узкую политическую линзу. Попросите американца назвать китайского художника, и ответом, скорее всего, будет Ай Вэйвэй, чья разновидность политической провокации варьируется от насмешек над правительством в его блоге до сбора имен более пяти тысяч детей, погибших во время землетрясения в Сычуани в 2008 году. результат некачественного строительства.Он стал почти синонимом китайского искусства. (Эван Оснос представил Ай Вэйвэй в 2010 году.)

Этот фокус на политическом сохранялся на Западе в течение десятилетий, чему способствовали отчасти журналисты, писавшие о Китае в 1970-х и 1980-х годах, когда было относительно мало международного искусства. критики посетили страну. Тогда китайские художники, которые привлекли мировое внимание, были теми, кто критиковал Коммунистическую партию, в том числе Хуан, который организовал одну из основополагающих независимых художественных выставок той эпохи, несанкционированную выставку «Звезды» в Пекине в 1979 году.Эта журналистская предвзятость сохранялась до девяностых годов, когда несколько китайских художников-авангардистов, в том числе Фан Лицзюнь, Юэ Миньцзюнь и Ван Гуаньи, приобрели международную известность после того, как их искусство было названо «циничным реализмом» или «политической поп-музыкой» и описано в западных СМИ. как выражение разочарования в китайском обществе после резни 1989 года на площади Тяньаньмэнь. К середине нулевых их картины продавались за миллионы. Совсем недавно эта мантия перешла к Ай, чей успех был обусловлен многими факторами: его цитируемостью, его способностью взаимодействовать с социальными сетями, его семейным прошлым, его внешностью, его юмором, его отличным английским языком и его уважаемым телом. Работа.Но его неповиновение правительству сделало его иконой — по крайней мере, за пределами Китая.

Внутри Китая люди имеют более сложные взгляды на Гай и на отношения между политикой и искусством. После того, как выступление Хуана было закончено, я встретил Ван Кэпинга, талантливого скульптора по дереву, который впервые сделал себе имя на выставке Хуана «Звезды» в Пекине. На этом мероприятии Ван был даже более радикален, чем Хуан, он агитировал за марш и, согласно описанию, которое он написал позже, кричал: «Я бунтарь!» в присутствии государственных СМИ.Среди скульптур, которые Ван повесил в тот день на воротах Национального художественного музея, была «Тишина», раздувшееся лицо с пробкой во рту. Однако с тех пор он отошел от политики, создав абстрактные изображения мужских и женских тел; две из этих скульптур занимали видные места на ярмарке. «Когда вы смотрите на арт-сцену, работы, которые действительно имеют вес и влияние в политике и обществе, очень редки», — сказал он.

Картины Сюй Лонгсена и скульптуры Ван Кепинга в Art Basel в Гонконге.Фотография Филиппа Лопеса / AFP / Getty

Я спросил Вана, почему молодые художники не решаются обращаться к политике так, как он это делал в 1979 году. «Я думаю, все дело в деньгах», — сказал он. «Если вы не сосредотачиваетесь на политике и просто занимаетесь коммерческой работой, ваша жизнь будет хорошей». Ван, живущий в Париже с 1984 года, также утверждал, что сейчас репрессий больше, чем в начале восьмидесятых, когда казалось, что экономические реформы Китая могут привести к политической либерализации. «Это было особенное время, — сказал он, — но теперь, если китайские художники критикуют или создают проблемы, их заберут.

Хуан подошел с краской под ногтями, и мы сели поговорить. Он отметил, что молодые китайские художники просто выросли в другой среде. Он и Ван на собственном опыте испытали Культурную революцию как красные гвардейцы и ощетинились лозунгами Мао. Художники, выросшие в восьмидесятые и девяностые годы, после того как Китай открыл свои двери для притока иностранных денег, столкнулись с другим набором вопросов. «Они выросли в экономический период», — сказал он. «Они думают, что экономика влияет на их жизнь.Они не понимают, что политика может еще больше повлиять на их жизнь ».

Я встретил одного из этих молодых художников, Цао Фэй, художника из Гуанчжоу, которому за тридцать, однажды вечером во время Art Basel. Толпа собралась на балконе выставочного центра, чтобы посмотреть ее световое шоу «Тот же старый, новый», которое разыгрывается на стороне башни ICC, напротив гавани. Для Цао политика не является частью повседневной жизни, как для ее родителей. «Критика общества — это эстетика последнего поколения», — сказала она.«Когда я начал заниматься искусством, я не хотел заниматься политикой. Меня больше интересовали субкультуры, поп-культура ». По ее словам, идеологическое искусство было создано. «Это все было выражено».

Работа Цао связана с темами фэнтези и побега, от видео о детях, которые одеваются как персонажи японской манги («Косплееры»), до фото- и видеопроекта, в котором фабричные рабочие воплощают в жизнь свои мечты («Чья утопия») и виртуальный город, который она создала в Second Life («RMB City»). Однако возникает вопрос: от чего убежать? Вместо угроз со стороны правительства, ее работа чаще связана со скукой или с финансовым и социальным давлением.Возникают ли эти проблемы из-за политических обстоятельств, решать зрителю. «Я хочу создать пространство, чтобы люди могли говорить об этом, а не говорить об этом прямо», — сказала она.

Толпа повернулась и увидела, как башня ICC загорается пятиминутной анимацией, вдохновленной аркадными играми восьмидесятых годов. При первом просмотре я зарегистрировал только знакомые символы: Pac-Man, гору блоков тетриса. Но когда я позже пересмотрел видео в Интернете, сообщение проникло в меня. В одном эпизоде ​​оживленный кулак ударяет вверх по блоку, из которого исходят весенние символы стремлений среднего класса — дом, бриллиант, счастливая пара — только для того, чтобы пусть блок рухнет.Море черепов танцует на фасаде, а потом все здание мигает надписью «Игра окончена». Это напомнило мне Unfair Mario, созданную фанатами версию игры для Nintendo, которая оснащена ужасающими ловушками. В статье Цао казалось, что даже если вы много работаете и играете по правилам, результат тот же.

Критика Цао, какой бы сдержанной она ни была, временами вызывала тревогу у цензоров. Когда официальные лица возражали против имитации площади Тяньаньмэнь и статуи председателя Мао, плавающей в море в «Городе юаней», она создала «чистую версию» для демонстрации в материковом Китае.По ее словам, она готова внести изменения, если выставка достаточно важна, но это зависит от характера требований. Когда китайский куратор услышал, что ее произведение «La Town» появится на Венецианской биеннале в этом году, куратор посоветовал ей отнести его в Шанхай. «Я сказал:« Почему бы тебе сначала не увидеть это, а потом мы поговорим »».

10 лучших молодых китайских художников: молодой дизайн из Китая

Ян Дунсюэ, Полуфункциональные утраченные фрагменты J, 2013, акварель, 80 x 110 см без рамы | Предоставлено художником и Pékin Fine Arts

Ван Сишунь объединяет широкий спектр средств массовой информации, включая скульптуру и инсталляцию. Выпускник Пекинской Центральной академии художеств (CAFA) в 2008 году, Ван вдохновлен неопределенностью будущего и постоянным движением времени и пространства. Его работа посвящена взаимосвязи между различными формами материи и социальной концепцией «обращения». Художник дебютировал с Liminal Space в Long March Space (2012), где были представлены инсталляции и видеоработы, которые исследовали его интерес к многомерному миру опыта и возможному существованию форм в параллельных мирах, что в конечном итоге бросило вызов нашему восприятию природы бытия. .Ван трансформирует повседневные готовые материалы, подрывая их свойства, функции и ценность, что приводит к перестройке нашего сенсорного восприятия когда-то знакомых объектов. Alloy II , один из первых проектов, который привлек к нему внимание пекинского мира искусства, представляет собой винт, сделанный из расплавленных, отформованных монет, просверленный на полпути сквозь стену галереи. Необходимое рабочее время (2008) также использует монеты, отлитые в арматурный пруток, опиленные в пыль до тех пор, пока не останется только игла. Пыль собирается в песочные часы, как метафорический способ взвешивания стоимости труда.

Ван Юян использует технологии в качестве основного носителя, питая его любопытство по поводу того, как создаются машины. Ван также вдохновлен древнекитайской философией и ее концепциями первичных дихотомий — таких как 0 и 1, включение и выключение, черное и белое — и особенно интересуется тем, что он называет « нулевым состоянием » — состоянием покоя, тишины и пустота. Его фото- и видеоработы исследуют связь между противоположностями и отношения между телом, опытом и познанием, иногда включая моторы, свет и электричество в концептуальные инсталляции.В его серии Breathe представлены гиперреалистичные кинетические скульптуры обычных устройств из кремния. Благодаря ритмичным движениям и звукам скульптуры вдыхают и выдыхают, как живые существа. Breathe – ATM (2011) исследует наши неразрывные отношения с банкоматами. Ван говорит: «Я не могу жить без банкоматов. Они как наши волшебники — превращают числа в наличные, а наличные — в числа ». Финансовый отдел (2013 г.) представляет собой инсталляцию, представляющую современную офисную среду в Китае, с точными копиями настольных компьютеров, офисных картотек, копировальных аппаратов и другой офисной мебели в натуральную величину, как «символы современной бюрократии», дышащие, как если бы они впитали в себя жизнь отсутствующих рабочих.В «Гармоничном обществе» в CFCCA, Манчестер, он представил книг о дыхании, — инсталляцию в библиотеке Джона Риландса.

Се Молин, Оверлей № 056, 2014 г., акрил и акрил, холст, среда, 175 x 175 см | С любезного разрешения художника и Пекинской коммуны

Се Молин ставит под сомнение сущность и традиции живописи, создавая машины, создающие абстрактные картины со сложными и организованными узорами. Используя осевой режущий плоттер, который традиционно вырезает формы в виниле, он заменяет лезвия или режущие детали инструментами для рисования и рисования, такими как карандаши, ручки, кисти для каллиграфии, скребки. Се создает оригинальные рисунки в виде векторной графики, а затем программирует машины для их раскрашивания. Таким образом, «машина для рисования трехосных рычагов XYZ» перемещается по покрытому акрилом холсту и воплощает в жизнь запрограммированные конструкции Се. Се заинтересован в присвоении промышленных инструментов и их перепрофилировании для создания произведений искусства. Се писал, что «в Великобритании и Европе из-за долгосрочной научно-технической среды многие художники применяли технические приложения из других областей для создания искусства.«Его практика — это исследование возможностей использования других дисциплин в художественном творчестве. Его картины обладают индустриальным качеством, с продуманными деталями и механическими штрихами, просчитанными до совершенства. Минималистичные и абстрактные, они демонстрируют теорию Се о том, что в вековой традиционной среде, такой как живопись, все еще есть много места для экспериментов.

Ян Син, Ленин 1918, 2013, инсталляция, скульптуры, фотографии, картины, пространство: 580 x 700 x 526 см | Предоставлено Galerie Urs Meile, Пекин-Люцерн

Ян Син работает с перформансами, инсталляциями, видео и фотографиями. Он стал лауреатом премии «Лучший молодой художник» Китайской премии в области современного искусства (CCA) 2012 года и стал финалистом премии Future Generation Art Prize 2012 года, учрежденной Фондом Виктора Пинчука. Ян Син — открытый гей-художник, исследующий личную и сексуальную политику в своей стране, а также решающий формальные проблемы, связанные с процессом. Ян занимается концепциями отсутствия и присвоения присутствия и проводит риторический опрос природы и тела. Его работы являются посредником между международными художественными течениями и современными реалиями Китая, создавая реальность из иллюзий и наоборот.Проект DADDY (2011) способствовал его возможному появлению на международной арт-сцене — часовой перформанс, в котором художник, стоя лицом к стене, рассказывает о своем отсутствующем отце во время съемок. Его недавняя картина Dirty Art (2013) была вдохновлена ​​культовой картиной Эдварда Хоппера (1882–1967) « Аптека » (1927). Инсталляция состоит из девяти мониторов, на которых воспроизводятся видеоролики, связанные с китайским выражением диареи («xie»), и воплощает его понимание «переосмысления». Творческие акты присвоения, имитации, воспроизведения, реконструкции и изменения положения являются стержневыми в практике Яна.

Ян Сингуан работает с деревом в качестве основного носителя: «Я точу топор и тащу ветки в свою мастерскую, а затем рублю их, как мясник». В последнее время он начал работать с другими натуральными материалами, такими как камень и земля. Ян внимательно изучает свои материалы и стремится высвободить присущие им формы, а не навязывать им запланированное видение. Его практика сосредоточена на исследовании отношений между цивилизацией и природой и, в конечном итоге, направлена ​​на понимание человека через природу.Под влиянием таких движений, как Mono-Ha и Arte Povera, Ян работает со своими простыми материалами, ничего не добавляя к ним. Насилие без милосердия (2012), его третья выставка в галерее Боерс-Ли, берет свое название от Путешествие на Запад : «Как говорится, воин избегает ненужных сражений; но как только я начну, пощады не будет ». Суть минималистичных деревянных форм сливается с обновленным функциональным элементом, таким как Sharp Point 3, 315 деревянных кусков с острыми как бритва коническими остриями, разбросанными по полу галереи.Предполагая войну и акты насилия, работа, кажется, передает чувство беспомощности перед смертью и разрушением, как неизбежными аспектами нашего существования.

Ян Дунсюэ, Полуфункциональные утраченные фрагменты J, 2013 г., акварель, 80 x 110 см без рамы | Предоставлено художником и Pékin Fine Arts

Ян Дунсюэ считает себя «преданным» и «серьезным» художником, осознающим тщетность такого расположения: его практика основана на двойственном отношении к производству произведений искусства и его роли как игрока в сцена современного искусства.Для него фокус его работы — это взаимодействие между сознательными и подсознательными актами создания произведения искусства. Создавая скульптурные и звуковые инсталляции и акварельные рисунки, Ян подчеркивает постоянную борьбу за честное выражение себя перед зрителем и неизбежную неудачу в этом. Ян стремится сместить фокус с результата на процесс творения. Мы привыкли строить мечты в ничтожестве. Обычно (2013) — это надпись на стене красными, желтыми и зелеными деревянными буквами, которая гласит: МЫ НИКОГДА НЕ ЛЮБИЛИ ИСКУССТВО, И ИСКУССТВО НИКОГДА НЕ ЛЮБИЛО НАС. In О молчаливом большинстве (2014) Ян говорил о «реалиях, которые мы не можем или не хотим менять; это о том, какую «зависимость» люди развивают от ужасной и несправедливой реальности ». Опираясь на «структурный недостаток и беспорядок», художник показывает, как «художники преуспевают в хаосе», чтобы творить.

Zhang Ding, Звукопоглотитель — 1, 2014 г., инсталляция, минеральная вата, алюминиевая пластина, краска, 295 x 242 x 8 см | Предоставлено ShanghART Gallery

Чжан Дин — мультимедийный художник, создающий крупномасштабные инсталляции, которые ставят под сомнение наше восприятие реальности и отношение к нашему окружению.Чжан особенно интересуется отношениями между зрителем и наблюдаемым, а также интерпретацией и взаимодействием аудитории. «Прай» — это инсталляция, состоящая из серии из семи документальных фильмов — пока три из них завершены — о жизни людей, находящихся на периферии общества, таких как трансвеститы средних лет. Истории рассказываются в искренних тонах, без стереотипных или снисходительных комментариев и представляют людей, которым удалось сохранить самоуважение и достоинство в жизни, наполненной борьбой.Интерес Чжана к историям анонимных людей переходит в архивный проект о пропавших без вести, в котором он фотографирует листовки о пропавших без вести. «Открытие» (2011) вовлекло публику в ночной клуб в галерее, который колебался между реальностью и воображением. Зрителей снимали всю ночь открытия, видео, которое впоследствии стало частью художественного произведения. Две реальности — танцоры и ди-джей против публики — пересекались как зритель и наблюдаемый, но в то же время были полностью разделены.

Чжан Сяо, Шаньси № 138, 2007 г., пигментная печать, 40 x 40 см / 80 x 80 см, 12 + 2AP / 6 + 2 AP | Предоставлено художником и Pékin Fine Arts

Чжан Сяо окончил факультет искусства и дизайна архитектурного факультета Яньтайского университета, но вскоре увлекся фотографией. Он работал фотографом в Chongqing Morning Post в течение трех лет до 2009 года, одновременно развивая собственную художественную практику. Чжан запечатлел сцены повседневной жизни своих соотечественников, которые кажутся происходящими из воображаемой реальности.На своей персональной выставке в Pékin Fine Arts (2013) он представил свою серию 2009 года «Шаньси», снятую дешевой пластиковой камерой Holga, произведенной в Гонконге. Выбор Holga проистекает из убеждения художника, что низкие технологии помогают запечатлеть естественные эмоции и спонтанные кадры, позволяя уделять больше внимания композиции. Шаньси был сделан в первый лунный месяц после Праздника Весны (китайский Новый год) в Шаньси, где проходят Шехуо (Праздник огня сообщества) и Храмовая ярмарка. Люди наряжаются в старинные костюмы для фестивалей и представлений, и, как говорит Чжан, «иллюзия и абсурд наконец встречаются в реальной жизни. Конверты (2011 г.) — это серия из 100 портретов реальных людей, напечатанных на корпоративных и государственных деловых конвертах.

Чжан Сяо, Шаньси № 2, 2007 г., пигментная печать, 40 x 40 см / 80 x 80 см, 12 + 2AP / 6 + 2 AP | Предоставлено художником и Pékin Fine Arts

Чжао Яо окончила факультет дизайна Сычуаньского института изящных искусств. Его дизайнерский опыт проявляется в его упорядоченных абстрактных, геометрических композициях и концептуальных инсталляциях, которые сливаются с архитектурной средой выставочного пространства, примером чего является его первая персональная выставка в UK Spirit Above All (2013) в галерее Pace, Лондон.Художник впервые контекстуализировал свои джинсовые картины, благословленные живым тибетским Буддой, на фоне фотографических фонов тибетского пейзажа. В основе практики Чжао лежат отношения между искусством и аудиторией, которые создают цикл самооценки и реконструкции старого для создания нового — как художник называет это «самопотреблением». Чжао занимается множеством вопросов, относящихся к современному Китаю и к жизни в разгар его стремительного развития.На выставке Harmonious Society (2014) в Центре современного китайского искусства в Манчестере он представил Wonder , отражение быстрой урбанизации Китая с помощью контурных ковров, на которых изображены виды с воздуха на китайские аэропорты, находящиеся в стадии строительства и расширения.

Чжао Яо, Я твоя ночь № 10,2011, инсталляция, сталь, пенополистирол, лак, акрил, нейлоновая пудра, 160 x 290 x 170 см | Предоставлено художником и Пекинской коммуной

Как китайские художники прошли путь от диссидентов до органов государства

Большой проблемой для меня и моего отца было то, что у нас никогда не было денег на покупку некоторых вещей, которые мы видели во время покупательских поездок в нулевые .Мы посещали студии, где нам предлагали работы за 10 000 долларов, которые впоследствии можно было продать за миллионы в разгар бума современного искусства в Китае.

В начале 2002 года, я помню, мы с трудом могли позволить себе прекрасные картины Ци Чжилуна « революционерки» . Мы купили их по цене из студии Чжана Сяогана по соседству (работы в его серии Bloodline проданы за 7,2 миллиона долларов в 2011 году).

Художник Ци Чжилун в галерее Рэя Хьюза в 2006 году. Брендан Эспозито

В тот же день в том же комплексе мы купили три картины танцующих девушек и два портрета Мао у Фэн Чжэнцзе. Эти картины были чрезмерно непочтительными: лагерные, красочные, полные юмора и пронизанные едкой иронией, которую использовали некоторые из тех художников, которые пережили культурную революцию Китая.

На обратном пути в Сидней их конфисковали на границе — даже при тогдашнем президенте Цзян Цзэмине некоторые вещи были табу. Однако эти проблемы можно было обойти, и благодаря небольшой взятке нам с отцом в конце концов удалось вывезти их из страны.Один был продан актеру Сэму Нилу, второй остался у нас.

Когда в Китае разразился арт-бум, как раз перед мировым финансовым кризисом в 2007 году, мне позвонила Люси, которая теперь устроилась в популярном аукционном доме (принадлежащем гигантскому китайскому государственному производителю оружия). очень хочу знать, какие интересные работы у меня есть в наличии для продажи.

В то время китайское правительство ввело в действие контроль за движением капитала, и было практически невозможно продать произведения стоимостью более 50 000 долларов любому из моих покупателей на материке или их брокерам.

Чистка взяток Си сильно повлияла на торговлю произведениями искусства, а также на свободу многих из тех, кто финансировал арт-бум в Китае.

Однако мой историк искусства государственной безопасности без труда купил три картины танцующей девушки Фэн Чжэнцзе за сумму, которая принесла нам возврат в 350 раз больше, чем мы заплатили за них. Однако ее начальство отказалось от непристойной суммы, которую мы с отцом попросили предоставить Фэну Mao . (Мы никогда не продавали его; я хотел бы повесить его над воротами в свой сад, хотя подозреваю, что моя жена и местный совет воспримут этот вопрос.)

Вскоре после этого безумия цены продолжили невероятно быстро расти, и мы внезапно были исключены из рынка. Художники, которых мы посещали в течение многих лет, все еще ели с нами, но мы больше не могли позволить себе их работы — магнаты, занимающиеся недвижимостью на материке, платили выше рыночной цены еще до того, как работы были нарисованы.

Затем, в 2012 году, к власти пришел Си Цзиньпин, и рынок стабилизировался. Большая часть торговли произведениями искусства уже начала ассоциироваться с отмыванием денег и выводом капитала из Китая через аукционные дома и дилеров в Гонконге.

Рэй Хьюз в 1999 году с работами Го Цзяня. Майкл Рейнер

Чистка взяток Си сильно повлияла на торговлю произведениями искусства, а также на свободу многих из тех, кто финансировал арт-бум в Китае. Я чувствовал себя менее безопасным при посещении, и некоторые художники отказывались обсуждать политику в своих собственных студиях.

В 2016 году я вернулся в Китай в составе торговой делегации и не нашел практически ничего интересного по цене. Пару лет спустя, на крыше отеля Bulgari после мероприятия Wine Australia, я, несколько торговцев вином, дипломат и обязательные прихлебатели Австралийской секретной разведывательной службы чокнулись бокалами австралийского красного и согласились, что это может быть последняя выпивка за какое-то время.

Я не вернулся в Китай, но очень хочу вернуться в страну, которую обожаю. Творчество знакомых мне художников переместилось в безобидные мотивы абстракции и красиво лиричные, но в конечном итоге политически пустые пейзажи.

Недавние работы китайца Ян Цзиньсуна, например, были построены вокруг поэтических изображений гор и ручьев, что является резким отходом от жестоких взрывных полотен десятилетней давности, в которых сочетаются потрошенная рыба и гниющие фрукты, усеянные символами коррупции. и хаос вроде бульдозеров и танцующих девушек.

Го Цзянь из Сиднея, который до 1989 года был пропагандистом Народно-освободительной армии, провел некоторое время в заключении после того, как в газете Financial Times сообщалось, что в его пекинской студии у него была гигантская художественная диорама площади Тяньаньмэнь. Сейчас он вернулся в Австралию, но его недавняя работа отошла от откровенно, хотя и сильно юмористической, политической.

Одна из его ярких и диких работ, которая, как известно, висела в офисе Малкольма Тернбулла, вызывая головную боль у дипломатов во время государственных визитов в Китай.

Разумно сказать, что во многих произведениях современного китайского искусства в последнее время присутствует элемент «усталости от возмущения».

Ай Вэйвэй был задержан и освобожден, он путешествовал по миру, критикуя Запад, включая Австралию, со своей работой для Сиднейской биеннале в 2018 году, в которой (справедливо) осуждается наше заключение под стражу просителей убежища. Диссидент стал органом государства.

Искусство времен Си Цзиньпина однажды станет увлекательным предметом для обзора. Он по-прежнему отлично выполняется настоящей армией невероятно талантливых мастеров, но он возвращается к образам социалистического реализма.Действительно, большая выставка в музее на площади Тяньаньмэнь вскоре после того, как прошла самая страшная пандемия COVID-19, представляла собой героические картины врачей и медсестер, написанные маслом.

Самая последняя работа Чжан Сяогана — это возвращение к серии Bloodline : есть маски для лица, но нет явных ссылок на Культурную революцию.

В нулевые мы с отцом оказались в нужном месте в нужное время. Возможно, что в истории современного Китая никогда не будет времени более открытого, либерального и захватывающего.

У китайцев лучшее чувство юмора на планете: иногда оно сухое и тонкое, иногда — закодированное. Оглядываясь назад, я понимаю, что в Пекине мне было веселее с художниками, писателями, музыкантами, дипломатами и бизнесменами, чем где-либо еще в мире.

Яркость художественных сцен в Пекине, Шанхае и Чунцине, вероятно, была ближе всего историку современного искусства к хаосу и славе, которые, должно быть, были в Веймарской Германии в 1920-х годах.

Было очень приятно посетить эти студии, и то, что мы извлекли из них, запечатлело замечательный момент времени.

26 мая 82 произведения из коллекции современного китайского искусства Рэя Хьюза будут проданы на аукционе Шапиро в Сиднее.

Новое определение молодых китайских художников поколения миллениалов Китая

Одна из таких выставок: «Раз уж мы говорим об искусстве, о чем мы говорим?» была проведена в 2010 году в ныне несуществующем пространстве BizArt в Шанхае. Там коллектив создал гостиную искусства, приглашая публику неортодоксальным образом познакомиться с мультимедийными проектами. Диваны были разбросаны по всему пространству, чтобы зрители могли сидеть и читать специально разработанные книги, которые заполняли полки в комнате.Видео показывали на традиционных телеэкранах, а также проецировали в крошечные бумажные коробки на белых постаментах. Скетчбуки были оставлены для аудитории, чтобы добавить свои собственные кусочки вдохновения. Вазы с цветами, старинные пишущие машинки и, казалось бы, случайные фотографии разделяли пространство, добавляя хаотичности инсталляции и нарушая любое четкое различие между произведениями искусства и декоративными предметами. Зрители задавались вопросом, было ли то, на что они смотрели, сидели и листали, произведением искусства или нет — опыт, который требовал активного участия, а не просто пассивного просмотра.Инсталляция воплотила в жизнь идею «социальной скульптуры», широкой, междисциплинарной концепции искусства, разработанной харизматичным немецким художником Йозефом Бойсом, на которого несколько художников в коллективе считают наибольшее влияние. Более того, вместо создания чисто виртуального опыта, которого можно было бы ожидать от молодых художников пост-80-х, «Раз уж мы говорим об искусстве, о чем мы говорим?» связывают членов аудитории друг с другом и произведениями искусства в физической среде.

В дополнение к изучению параметров арт-объекта и художественного опыта, на пекинской фабрике стрел музей неизвестного занялся не менее неприятной темой о том, как определять ценность произведений искусства.Для своей инсталляции Décor , которая была выставлена ​​в мае, группа превратила крошечное пространство витрины в библиотеку, из которой зрители могли брать картины в соответствии с инструкциями, установленными каждым художником. В некоторых случаях художники требовали депозитов наличными или устанавливали возрастные ограничения — условия, которые позволяли художникам играть с понятием ценности и определять свою целевую аудиторию. Какие произведения посетители предпочли позаимствовать, было задокументировано, что дало представление о том, ценится ли общественная концепция важнее исполнения, эстетики над идеями, и рассматривали ли они произведение искусства как простое украшение или как объект, который мог бы добавить смысла в их повседневную жизнь.

Выставка также функционировала как критика умозрительной оценки искусства, процесса, в котором художники не всегда принимают непосредственное участие, особенно на текущем рынке, на котором стоимость в основном определяется галеристами и аукционными домами. Ляо Фэй, постоянный член коллектива, считает, что ценить искусство в настоящем, по сути, бесполезно. «Мы не можем знать истинную ценность искусства», — сказал он мне. «Кто должен сказать, чего я стою как художник? Кто действительно может сказать, какое искусство выдержит испытание временем, что останется актуальным в ближайшие сто лет? Это такая нематериальная вещь.” Исследования «Музея неизвестного» внутренних свойств и ценностей предметов искусства — или их отсутствия — способствуют их мультидисциплинарному подходу. Об этом свидетельствует сотрудничество Музея неизвестных с 40 художниками, музыкантами, писателями и дизайнерами в рамках исследования «+ Follow» (2011), проведенного Шанхайским музеем современного искусства среди молодых художников, выбранного куратором Ван Вэйвэем. Начиная с идеи географии, каждого художника просили медитировать на идее «места» — своего собственного и своего отношения к другим.Проекты объединились, как «Телефонная игра», в которой один художник представлял свою идею другому, и этот художник, в свою очередь, создавал работы, вольно вдохновленные идеей первого художника. Так продолжалось до тех пор, пока все 40 художников не были объединены, и проект не превратился в сложную сеть. Полосы ленты были размещены по всему пространству, показывая взаимосвязи и кто кого познакомил с проектом. Сами работы представляли собой беспорядочный ассортимент, и в результате инсталляция представляла собой, казалось бы, беспорядочную коллекцию с большим транспортным контейнером на переполненном основном этаже, разделяющим пространство со звуковой инсталляцией, керамическим набором и абстрактными скульптурами.Картины висели рядом с картами, фотографиями и инсталляциями, а рисунки подвешивались к потолку. Ни одно произведение не выделялось среди остальных, и произведения функционировали вместе как одно целое.

Дух сотрудничества был сделан на шаг вперед благодаря участнику Музея неизвестных Ляо Фэй, чей вклад в «+ Follow» был частью мультихудожественного проекта, объединяющего литературу и рисунок и фокусирующегося на истории неопознанного мертвого человека, найденного в снегу. . Участвующие художники, в том числе Сюй Шэн (р.1983), Ли Сяохуа (1978 г.р.), Е Линхан (1985 г.р.) и бельгийский художник Лоре Ванелсланд (род. 1983 г.), каждый из них представляет свою версию рассказа под простым названием М.Каждая работа, будь то рисунок, картина или Написанная часть романа дает ключи к разгадке личности покойника. В отдельности работы намеренно фрагментированы и загадочны. Ни одна работа не дает всей истории, оставляя зрителя собирать воедино повествование, используя элементы в каждом произведении, как детектив в детективе. С несколькими точками зрения, необходимыми для того, чтобы увидеть более широкую картину, М показывает, что группа более важна, чем отдельная личность.

Коллективный подход Museum of Unknown к курированию и созданию произведений искусства не нов для Китая. Неформальные группы художников устраивают совместные шоу с 1980-х годов. Например, Общество прудов, основанное в 1986 году, занималось проблемами экспонирования искусства в узких рамках нового открытого общества. В частности, Чжан Пейли, который вместе с несколькими художниками, включая Гэн Цзяньи и Сун Линь, основал Общество прудов, создал бумажные силуэты людей, практикующих тай-чи, и наклеил их на стены по всему Ханчжоу.Спустя более 20 лет эти же темы остаются актуальными для молодых художников. Сам Музей Неизвестного является преемником сплоченной группы шанхайских художников, в которую входят Ян Чжэньчжун, Сюй Чжэнь (ныне работающий под именем MadeIn) и Ян Фудун.

Живя в более открытом обществе, в сочетании с растущим контактом с внешним миром, в основном через Интернет, молодые художники все чаще используют междисциплинарные практики, которые позволяют им раздвигать границы того, что является социально приемлемым.Наиболее ярко это проявляется в проектах Лу Яна (род. 1984), участника «+ Follow», чья работа объединяет медицину, биологию, музыку и научную фантастику. В ее долгосрочной многосерийной серии «Проект по поиску сотрудничества с научными коллективами» (2011–) формат лабораторных экспериментов используется в садистских целях. Например, в фильме Zombie Music Box — Underwater Frog Ballet (2010) Лу прикреплял обезглавленных лягушек к музыкальным шкатулкам, ноты которых при воспроизведении вызывают подергивание ног в болезненном балете.В «+ Follow» были выставлены ее подробные распечатки инструкций для каждого эксперимента — похожие на страницы в медицинских учебниках — вместе с небольшим видео, показывающим всю процедуру. Отстраненный тон технических терминов в инструкциях и видео перемежается жестокими изображениями лягушек, обезглавленных ножницами, мышей, пронзенных черепом, и сухожилий человеческой руки, оторванной от костей — все это нигилистические изображения человека любопытство и желание управлять природой.

Спорная работа Лу с живыми животными началась еще до Zombie Music Box, с Happy Tree (2009), в котором художник пропустил электрический ток через небольшие резервуары с живыми лягушками, саламандрами и рыбами, заставляя существ подпрыгивать и конвульсировать. Лу снимал и записывал действие и транслировал его в реальном времени на небольших видеоэкранах, размещенных вокруг инсталляции. Когда в 2009 году она выставляла произведение на выставке BizArt Shanghai, реакция аудитории на то, как животные причиняли вред из-за искусства, была чрезвычайно поляризованной.В ответ художница заявила, что больше не будет показывать это произведение, признав, что была слишком поглощена экспериментальными возможностями, чтобы взвесить этические проблемы.

Лу снова заиграла спор с Krafttremor (2011), ее исследованием болезни Паркинсона. Пациентам, у которых тяжелые симптомы — дрожание рук, тремор и ригидность мышц — невозможно контролировать с помощью лекарств, проводится хирургическая процедура, называемая глубокой стимуляцией мозга, при которой нейростимулятор имплантируется в мозг.Устройство подает электрические импульсы, чтобы блокировать аномальные нервные сигналы, вызывающие симптомы. В Krafttremor, представленном в виде больших печатных диаграмм, Лу синтезировал эти симптомы с музыкой, используя нейростимулятор совершенно новым способом: Лу записал электрические импульсы, которые проходят через мозг, когда пациент трясется, и преобразовал их в клип электронной Музыка. В музыкальном видео Лу заснял реальных пациентов, страдающих от симптомов, в сопровождении диссонирующего электронного саундтрека.Пациенты дали разрешение на съемку, и им заплатили за свое время, но вид мужчин, бесконтрольно трясущихся и одетых в полосатую пижамную одежду, напоминающую форму убежища, вызывает тревогу.

Художница заявляет, что мало заботится о политике и вместо этого подчеркивает свою фанатичную преданность научной теории. Тем не менее, живя в жестких рамках могущественного государства, такого как Китай, кажется более чем случайным, что идея контроля занимает центральное место в ее работе. Все ее субъекты — будь то животные или люди — по существу бессильны и реагируют или двигаются способами, предписанными для них экспериментальными сценариями.Ее работы могут вызывать беспокойство, но Лу прекрасно понимает метафорическую силу языка науки. Их крайняя жестокость и детское увлечение болезненным порождены умом, который ставит под сомнение установленные полномочия и пассивную роль человека в авторитарном обществе.

Включение животных Лу связывает ее практику с предыдущими поколениями китайских экспериментаторов, особенно с неоднозначным дуэтом Пэн Юй (1974 г.р.) и Сунь Юань (род.1972 г.). В фильме Пэн и Сунь « Собаки, которые не могут касаться друг друга » (2003) они поместили двух клыков на беговые дорожки и поставили их лицом к лицу, так что они рычали и бежали навстречу друг другу, но никогда не могли встретиться. Точно так же набеги Лу на биоискусство имеют прецеденты в проектах Ли Шаня (род. 1942), чье долгое увлечение ДНК и генной инженерией привело к сотрудничеству с местной тыквенной фермой и инженерами-биологами для создания новых сортов путем скрещивания. Ли продемонстрировал полученные в результате тыквы-мутанты в галерее ShanghArt в 2007 году и позволил своим творениям расти в выставочном пространстве, предлагая доказательства потенциального воздействия человека на экологическую систему.Подобно Пэн, Сун и Ли до нее, Лу использует атрибуты науки, чтобы расширить эстетические условности и прокомментировать отношения человека с природой, и тем самым продолжает устоявшийся в китайском искусстве дискурс о положении художника как создателя искусства. неестественные встречи.

В то время как Лу Ян и Музей неизвестного представляют собой лишь горстку молодых художников в Китае, их практика бросает вызов устоявшимся ожиданиям мира искусства, который быстро определяет поколение, все еще находящееся в зачаточном состоянии.Далекие от апатии и изоляции, как первоначально опасались, художники после 80-х демонстрируют, что они интересуются политикой и критическими идеями, хотят сотрудничать и хорошо осведомлены о традициях, заложенных как их предшественниками, так и зарубежными художниками. И по мере взросления их поколения они будут канонизировать новые тактики и стратегии для будущих поколений, чтобы черпать вдохновение в них.

Подписаться, чтобы прочитать | Файнэншл Таймс

Разумный взгляд на мировой образ жизни, искусство и культуру

• Полезные чтения
• Интервью и отзывы
• Кроссворд FT
• Путешествия, дома, развлечения и стиль

Выберите вашу подписку

Испытание

Попробуйте полный цифровой доступ и узнайте, почему более 1 миллиона читателей подписались на FT

• В течение 4 недель получите неограниченный цифровой доступ премиум-класса к надежным, отмеченным наградами бизнес-новостям FT

Подробнее

Цифровой

Будьте в курсе важных новостей
и мнений

• MyFT — отслеживайте самые важные для вас темы
• FT Weekend — полный доступ к материалам выходных дней
• Приложения для мобильных устройств и планшетов — загрузите, чтобы читать на ходу
• Подарочная статья — делитесь до 10 статьями в месяц с семьей, друзьями и коллегами

Подробнее

ePaper

Цифровая копия печатного издания

с простой навигацией.

• Прочтите печатное издание на любом цифровом устройстве, можно прочитать в любое время или загрузить на ходу
• Доступно 5 международных изданий с переводом на более чем 100 языков
• FT Magazine, журнал How to Spend It и информационные приложения включены
• Доступ к предыдущим выпускам за 10 лет и к архивам с возможностью поиска

Подробнее

Команда или предприятие

Премиум FT.com доступ для нескольких пользователей, с интеграцией и инструментами администрирования

Премиум цифровой доступ, плюс:

• Удобный доступ для групп пользователей
• Интеграция со сторонними платформами и CRM-системами
• Цены на основе использования и оптовые скидки для нескольких пользователей
• Инструменты управления подпиской и отчеты об использовании
• Система единого входа (SSO) на основе SAML
• Специализированный аккаунт и команды по работе с клиентами

Подробнее

Узнайте больше и сравните подписки содержание раскрывается выше

Или, если вы уже являетесь подписчиком

Войти

Films Media Group — Китай, миллион художников

Современное китайское искусство: Введение (04:08)

БЕСПЛАТНЫЙ ПРОСМОТР

Китайское современное искусство обогнало Соединенные Штаты в качестве основного продавца картин. Тьерри Эрманн описывает, как китайцы персонализировали западные влияния. Изучите картины Чжэнь Фаньцзы, Хуан Чжиян и Ян Юнлян.

Любить коммунистическую партию (03:35)

Китайский народ сжал Средневековье, приход коммунизма и рыночной экономики в течение нескольких десятилетий. Социализм не повлиял на художников из Тайваня и Гонконга. После трехлетнего голода, вызванного массовой мобилизацией рабочей силы, Мао Цзэдун объявил культурную революцию, которая уничтожила многие произведения искусства.

Изучение западного искусства (03:56)

Дэн Сяопин призвал искусство снова процветать. Гуо Цзинь сразу объяснил реакцию китайского художника на интерпретацию таких движений, как дадаизм, импрессионизм и современное искусство. Художники описывают культурный ренессанс 1980-х годов.

Китай авангардной выставки (03:16)

В 1989 году тысячи людей собрались посмотреть на работы 185 китайских художников; выставка закрывалась трижды по соображениям безопасности.Художники описывают, как протесты на площади Тяньаньмэнь повлияли на их произведения искусства.

После площади Тяньаньмэнь (02:48)

Художники тайно создавали современное искусство и описывали, как они чувствовали себя неуравновешенно, потеряв свою индивидуальность.

Китайская идентичность (06:59)

Чжан Сяоган начал использовать китайские лица в своем искусстве.Чжан Дали вернулся из Италии и начал рисовать силуэт через Пекин. Художники объясняют, как они нашли новый путь после изучения прошлого Китая.

Противостояние властям (04:49)

Ай Вэйвэй описывает, как он стал символом борьбы Китая за демократию. Чжао Чжао создал скульптуру после ареста художника; Служба государственной безопасности Пекина конфисковала его работы, которые направлялись в Нью-Йорк.Другие художники обсуждают другие формы протеста.

На рубеже веков (06:15)

китайских артистов фиксируют скандалы, связанные с эксплуатацией рабочих, а также финансовые, экологические и общественные скандалы в области здравоохранения. Художники описывают современные влияния, которые вдохновляют искусство. Китай принят во Всемирную торговую организацию. Растущий средний класс создал более крупный рынок для художников.

Продолжение карьеры изобразительного искусства (03:45)

Ежегодно 150 000 китайских студентов сдают вступительные экзамены в школу изящных искусств.Кино и литература подвергаются жесткой цензуре. Чжан Сято описывает, почему ему трудно преподавать искусство в Китае.

Возвращение к основам (04:49)

Художники возвращаются к традиционным формам искусства, чтобы создать современное выражение. Китайская культура основана на безмятежности, которая противоречит технологическому миру.

Китайские художники (06:19)

Эксперты описывают, как Китай ставит своих художников на передний план в мире, создающих новую эстетику.Хэ Юнчан объясняет, на что оказал влияние его последняя инсталляция «Один метр для демократии».

Кредиты: Китай, миллион художников (00:44)

Кредиты: Китай, миллион художников

Чтобы узнать о дополнительных возможностях аренды и покупки цифровых материалов, обратитесь к консультанту по СМИ по телефону 800-257-5126
(нажмите вариант 3) или в sales @ movies.com.

Китайский активист Ай Вэйвэй говорит, что Credit Suisse закрывает банковский счет его фонда

7 сентября (Рейтер) — Китайский диссидент и художник Ай Вэйвэй сказал ему, что Credit Suisse сказал ему, что закрывает банковский счет его фонда в Швейцарии в начале этого года, сославшись на его «преступника». рекорд »в Китае, несмотря на то, что активист никогда не был осужден за преступление.

Один из самых известных китайских художников и политических активистов, Ай, который сейчас живет в Португалии, написал в авторской статье для веб-сайта Artnet, как швейцарский банк впервые сказал ему, что он закроет счет весной этого года. год.

«Credit Suisse изначально проинформировал меня, что у них есть новая политика по закрытию всех банковских счетов, связанных с людьми с криминальным прошлым», — сказал Ай Рейтер в заявлении по электронной почте, добавив, что в то время фонду было предложено перевести средства. до сентября.

В банке от комментариев отказались.

Ай помогал спроектировать знаменитый стадион «Птичье гнездо» на Олимпийских играх 2008 года в Пекине, прежде чем он попал в сговор с коммунистическим правительством, которое в 2011 году задержало его на 81 день.Он сказал, что ему никогда не предъявлялись официальные обвинения и он не был осужден за совершение преступления.

Ай сказал, что Credit Suisse позвонил ему 24 июня и сообщил, что банк хотел бы закрыть счет, принадлежащий фонду свободы слова и искусства, который он основал в 2016 году, «как можно скорее». Он сказал, что менеджеры затем сослались на интервью, которое он дал швейцарской газете за несколько дней до этого, в котором он критиковал швейцарцев за голосование за более жесткую «антииммигрантскую политику» как причину закрытия.

Credit Suisse отказался комментировать какие-либо его утверждения, заявив, что в них не обсуждаются «потенциальные или существующие отношения с клиентами».

Ай сообщил агентству Рейтер, что в настоящее время счет находится в процессе закрытия и может использоваться только в очень ограниченном объеме, но средства все еще необходимо вывести из него.

КИТАЙСКАЯ СТРАТЕГИЯ

Многие крупные западные банки, включая Credit Suisse, сделали успешный бизнес за счет постоянно растущего числа сверхбогатых в Китае центральной частью своих стратегий. Однако это создало геополитические проблемы для некоторых из них, когда они пытались остаться в стороне от Пекина.

В прошлом году агентство Reuters сообщило, что глобальные управляющие капиталом, в том числе Credit Suisse, изучают, имеют ли их клиенты в Гонконге связи с городским продемократическим движением, пытаясь избежать попадания под прицел нового закона о национальной безопасности Китая.

Как и другие управляющие активами, Credit Suisse сделал спонсорство искусства коммерческим аргументом благодаря своей подкованной клиентуре, выступая в качестве покровителя многочисленных музеев в Швейцарии и за рубежом, а также создавая собственную коллекцию из более чем 8000 произведений искусства.