как называют художника который рисует пейзажи? Помогите пожалуйста
Слышающий,прочитающий,выполняющий,бесящий,решающий.Из этих слов возьмите двоих, и составьте предложения.
6. Какие художественные средства использует автор? Какова их роль в тексте?
1. Какие чувства вы испытывали, когда слушали стихотворение? 2. О чём рассказывается в стихотворени? 3. Как бы вы сформулировали тему произведения? Ка … кова его основная мысль? 4. Сколько строф в стихотворении? Как вы это определили? можно с ответом пжжжж оставлю 25 балл
объявление о продаже автомобиля 12 предложений
Укажите ряд, во ВСЕХ словах которого употреблены только ТВЁРДЫЕ звуки * * думают, играют, трогать, дышать дача, роща, туча, живут, чаща вор, жил, шило … , шапка, мышь
Текст За последние десять лет страны, не имеющие выхода к морю, добились определенных успехов в сфере торговли и производства товаров. Но сейчас мы ст
… алкиваемся с новыми вызовами, особенно в сфере продовольственной безопасности.
Рост цен на продовольственные товары, транспортировку, энергоносители делает еще более затруднительным обеспечение сухопутных стран продовольствием. Еще одна проблема – изменение климата. Из-за засухи, дождей многие страны теряют часть сельскохозяйственной продукции и вынуждены больше импортировать. В то же время есть и позитивные моменты, пришедшие со временем-, это информационно- коммуникативные технологии, которые можно использовать во благо сухопутных стран. B) Составьте тезисный план текста. Определите его основную мысль. В какой части текста она отражена? Почему?
письмо задание 4 изложите подробно содержание прослушанного текста.Замените косвенную речь прямой,правильно расставляя знаки препинания дам 20 баллов. …
письмо задание 4 изложите подробно содержание прослушанного текста.Замените косвенную речь прямой,правильно расставляя знаки препинания ПЖ СРОЧНО НАДО … У МЕНЯ СЕЙЧАС СОЧ ПЖЖ ДАМ 20 БАЛЛОВ
Определите тип глагольного сказуемого:плыли, забирались, опускались, касаясь, превращались, приняли, играющего, стали, раскрытой, приобрели.
236. Спишите предложения, обособляя деепричастия и деепричастные обороты, комментируя расстановку знаков препинания. 1. В молчанье рукой опершись на с … едло с коня он слезает угрюмо. (П.) 2. Вдруг рассекая потёмки золотой лентой взвилась к небу ракета.’ (Ч.) 3. Крестьянин торжествуя на дровнях обновляет путь. Его лошадка снег почуя плетётся рысью как-нибудь. 4. Ударив острыми шпорами коня во весь дух полетел Андрий не видя. что позади только двадцать человек успело поспевать за ним. 5. Вытягиваясь» закидывая тонкое лицо она ломает вербу и ста ее дома в вазу». (Каз.) 6. Льды растаяв становятся синью в ре Птицы взлетая становятся стаей упругой. Люди рождаясь кричат
«Сибирское фэнтези». Новосибирский художник рисует мифологию скифов Алтая | КУЛЬТУРА
В новосибирском культурном пространстве «Арт Усадьба» 1 октября открылась персональная выставка художника Николая Марци. Он пишет алтайских скифов начиная с 2015 года, в его серии около сотни картин.
Художник не воссоздаёт образы скифов с исторической точностью, а показывает, как они видели мир через призму мифологии, поэтому в его картинах много сюрреализма и мистики.
«У меня возникло желание выбрать тему, которая близка и мне, и людям, которые живут в Новосибирске. Они путешествуют на Алтай, видят образы духов, гор. Над этой серией картин я уже работаю много лет. Она кажется мне самому очень цельной, понятной, доступной. Я знаю, что рисовать дальше и знаю, куда расти», — рассказал художник в беседе с АиФ-Новосибирск.
Фото: Фото автора/ Алексей ЛукояновЕгипетские пирамиды под ёлкамиДо того, как писать скифов, Николай Марци пробовал выставляться на Западе. Но художнику не понравился европейский подход к живописи, «поверхностный и декоративный, уходящий в абстракцию», поэтому он захотел найти альтернативу.
Марци вспоминает, что на его творческое решение повлиял отец и пешие походы на Алтае.
«Отец был преподавателем истории в НГУ и все время по своим знакомствам отправлял меня со студентами исторического факультета в археологические экспедиции.
Они проходили в Хакассии и в Краснодарском крае, и я маленько хлебнул этой археологической романтики.
Во время похода с рюкзаком на Алтай мы с друзьями прошлись по плато Укок, где в 1993 году открыли алтайскую принцессу. И я прошёл мимо её гробницы, где была табличка со справочной информацией. Я осознал, что эта находка перекликается с Древним Египтом. Когда египтяне строили свои пирамиды, у нас в Сибири уже была достаточно развитая культура с самобытным визуальным рядом.
Всё это «склеилось» и вылилось в серию картин. В этой теме ещё нету знаковых художников, поэтому я решил в неё зайти и что-то порисовать».
Картины о жизни скифов внутренне близки для жителей Новосибирска и Сибири в целом, считает художник.
«У нас сибиряков есть легкий комплекс неполноценности в плане того, что всё мировое искусство произошло где-то в Европе. Все египетские пирамиды, греческие и римские цивилизации – оно было там, а у нас только ёлки и медведи.
Но когда в 1993 году открыли алтайскую принцессу и предоставилась возможность ее сохранить, пошла волна интереса к этой культуре, особенно среди тех людей, для которых она близка. Особенно это касается нас, новосибирцев. Сел на машину, проехал часов 5-6, доехал до этих мест, видишь эти скифские курганы – и где-то под ними можно достать артефакты, которые ничем не хуже египетских. Вот они, эти пирамиды – прямо под ёлками».
Основной творческий процесс, рассказывает Марци, происходит на Алтае, где он делает наброски интересных образов из повседневной жизни местных. Дорабатывает картины он уже в Новосибирске.
«Я приезжаю на Алтай и делаю заготовки картин. Ловлю какой-то сюжет, его там быстро намазываю на холст, не сильно вдаваясь в детали, и потом привожу сюда. Сейчас у меня сезон закончился. Я ходил по лесам, ловил свой дзен и привёз сюда 20-30 заготовок.
Есть просто пейзажи, есть какие-то образы – корова, девушка с ведром. Их я буду доделывать».
Есть просто пейзажи, есть какие-то образы – корова, девушка с ведром. Их я буду доделывать».Раньше Марци брал сюжеты из фотографий археологических находок и своей повседневной жизни. Так, рассказывает он, игра в футбол напоминала ему сражение, которое он хотел перевести на язык живописи, превратить футболистов в скифов – дать им мечи и посадить их на коней. Но загадочные Алтайские горы, признаётся художник, вдохновляют его больше.
«Когда ты ходишь по тем же местам, по которым когда-то ходили скифы, то представляешь: вот колесница, на которой едет скиф, вот другой едет на лошади и везёт с охоты какую-то добычу, вот детишки играют и пасут овец. Туристы идут, тяжело поднимаются на гору, и ты представляешь – это охотники, которые тащат убитого барана вверх по склону к себе в племя. Эта картинка вырисовывается прямо на фоне гор».
Фото: Фото автора/ Алексей ЛукояновЖизнь предков с мистическим подтекстомДля многих Алтайские горы – необычное, таинственное место.
Марци считает, что скифы воспринимали их так же. Он рисует свои сюжеты через призму их мировоззрения, поэтому его картины, как он сам говорит, «немного сюрреалистичные и похожие на сон».
«Скифы, которые жили в горах, воспринимали их как живые существа, которые имеют внутреннее состояние. У них была своя мифология, они могли вечером рассказывать сказки своим детям, шаманы могли эпосы придумывать – это я тоже пытаюсь изобразить. У меня есть сюжет, где девочка летит на грифоне, есть сюжет, где шаман подкрадывается к суслику и разговаривает с ним на бессловесном языке. Если меня спрашивают, как называется мой стиль живописи, я обычно отвечаю, что сибирское фэнтези – мирная и военная жизнь наших предков с мистическим подтекстом».
Марци уверен, что современному человеку есть чему поучиться у кочевого народа скифов. Художник, по его словам, устраивает свои выставки таким образом, чтобы человек на них мог погрузиться в мир скифской жизни, почувствовать себя её частью – и выйти уже другим.
«Я обратился к теме скифов потому, что их образ жизни кажется мне более естественным и правильным. Я хотел бы его предложить тем людям, которые живут в современном мире. Может, у кого-то внутри что-то откликнется, и он поймет, что мир можно воспринимать иначе, не так, как его воспринимают официально. Западный менталитет и западное мышление не единственно верные. Вполне европеоидные скифы жили с другим менталитетом и чувствовали себя очень хорошо и жизнерадостно, не испытывали каких-то дискомфортов и стрессов и жили в гармонии с природой».
Что рисуют художники?
Это тема школьного проекта, на которую мы постараемся ответить.
Изобразительное искусство, пожалуй, древнейшее из духовных проявлений человечества. Ещё в первобытный период появились первые наскальные рисунки. Уже тогда людям были свойственны эстетические поиски, а стремление к красоте зародилось как потребность выразиться, высказаться, раскрыть своё понимание мира. — Читайте подробнее на FB.
ru: http://fb.ru/article/121891/rasskazyi-ob-iskusstve-chto-risuet-hudojnik
Что вижу – то и творю
Так что рисует художник? По сути, то, что видит вокруг себя. Или воспроизводит те моменты, которые случались с ним раньше и произвели на него особое впечатление. В этом случае живописец восстанавливает события, картины по памяти или пользуется эскизами, набросками, этюдами. Таким образом, получается, что рисует художник самые разные явления действительности. В зависимости от того, каким образом он это делает, его творчество относится к реалистическому направлению, фантастике, сюрреализму и т.д. Однако такое объяснение нельзя считать полным. Ведь чаще всего чем талантливее человек, тем более он самобытен, индивидуален, независим в своих взглядах и воззрениях. И запечатлевает на полотне или бумаге не всё подряд, а лишь глубоко затронувшее его. Потому можно сказать, что рисует художник, если, конечно, он следует своему таланту, а не продаёт себя, не только окружающий, но и свой внутренний мир.
Ведь картины в изобразительном искусстве – не фотография. Это художественное произведение, созданное красками и кистями, карандашами и углём, т.е. тем, что является рабочим инструментом мастера. В нём воплощаются мысли и чувства автора, его мечты и надежды, этические, эстетические, нравственные ценности. И ещё один ответ на вопрос «что рисует художник?» может быть таким: свою Вселенную.
Живописные жанры А теперь подробнее о жанрах и формах изобразительного искусства. Живопись делится на станковую и монументальную. Монументальная – это фрески, роспись стен внутри и снаружи помещения. Станковая – это те рисунки, при создании которых автор ставит бумагу или вешает холст на мольберт. Он может работать «на натуре», в помещении – место роли никакой не играет. Что касается жанров – тут тоже есть своя специфика.
Например, художник, рисующий зверей, является анималистом. Вспомните мультфильмы о животных. Они называются анималистическими.
Портретист – тот, кто работает в жанре портрета.
Пушкин кисти Ореста Кипренского – классический образец жанра.
Изображения живой природы переносит на холст пейзажист. Тут на ум приходят работы Шишкина, Левитана, других гениальных авторов. Но так как этот жанр весьма разнообразен в своих проявлениях, то внутри него есть своя градация.
Так, художники, рисующие море, получили название «маринисты» (от «марина» — море). И тут уж не обойтись без имени Айвазовского – именно он в первую очередь прославился в этом жанре из русских художников. Фрукты и цветы в вазах, разные вещи, несвязанные живыми предметами, изображаются в натюрморте. Название жанра так и переводится: «мёртвая природа». Машков с его знаменитой «Клубникой и белым кувшином» — один из самых наглядных примеров.
Историческая тема отражается в исторической живописи. Репин создал гениальное полотно, герой которого, Иван Грозный, убивает своего сына. Работал в жанре исторической живописи и Суриков (самая известная картина – «Боярыня Морозова»). Жанровая, декоративная, религиозная, архитектурная – таковы известные живописные жанры.
В каждом из них оставили свой яркий след русские художники! — Читайте подробнее на FB.ru: http://fb.ru/article/121891/rasskazyi-ob-iskusstve-chto-risuet-hudojnik
Роман Мартыненко — художник, что рисует свет
Краснодарский иконописец Роман Мартыненко вернулся из паломнической поездки по православным святыням Америки. О том, что ему предложили расписать часовню за океаном, как накормили русским борщом в столице Калифорнии, и о пути к иконописи художник рассказал корреспонденту «КН».
Промысел Божий
Храмовыми росписями член Союза художников России Роман Мартыненко занимается около 20 лет. Святые лики, вышедшие из-под его кисти, смотрят со стен и куполов православных храмов России и даже зарубежья. День за днем, мазок за мазком он творит чудо, которое проявляется в немеркнущей росписи церквей и часовен.
В иконопись каждый приходит по-разному. Романа Мартыненко в профессию привел случай – тот, который называют промыслом Божьим.
В 1997 году, когда он поступил в Кубанский государственный университет, на худграфе организовали экспериментальную группу для иконописцев. Решил попробовать.
– Инициатором того единственного набора иконописцев был наш преподаватель – основатель «Инва-студии» Николай Галкин. Учиться было сложно, но в то же время интересно. Мы занимались со студентами-инвалидами, у каждого был свой подопечный. С Димой Барсовым, к которому я ездил все пять лет, общаюсь до сих пор. Парень еле двигал рукой, кисточкой не мог управлять, но графика у него получалась. Некоторые его работы даже нашли своего покупателя, – рассказывает Роман.
В качестве диплома вся группа писала иконостас. На работы студентов неожиданно пришел посмотреть известный краснодарский иконописец Вячеслав Толмачев. Вячеслав пригласил Романа расписывать Свято-Ильинский храм в Краснодаре.
– Помню, что засомневался: смогу ли я? Вячеслав подошел, посмотрел на мою работу и тихо сказал: «Сможешь», – вспоминает Роман.
– Четыре с половиной года в старинном храме с интересной и трагической историей стали моей первой монументальной работой. Прекрасный храм был закрыт в годы гонения на Церковь, снова открыт во время Великой Отечественной войны, превращен в склад в 1963 году. Мы начинали с нуля, с белых стен.
Работа в Свято-Ильинском храме – памятнике истории и культуры кубанской столицы – стала первым соприкосновением с монументальной росписью, которое определило не только жизненный путь, но и мировоззрение Романа Мартыненко.
«Пустыня – не мое»
После Свято-Ильинского храма были росписи Михайловского Афонского монастыря в Адыгее, часовни Дмитрия Солунского и Рождественского храма в Юбилейном микрорайоне, Казанского храма в Фестивальном микрорайоне Краснодара. Роман Мартыненко расписывал часовню Паисия Великого, храм Святого Георгия и храм Иконы Божией Матери «Неувядаемый Цвет» в хуторе Ленина, работал в церкви Николая Чудотворца в Адербиевке, которая признана объектом культурного наследия народов России.
Верующие и просто ценители искусства специально приезжают в эти храмы, чтобы посмотреть на работы признанного иконописца.
Пути-дороги привели Романа Мартыненко даже за океан. В качестве волонтера ему довелось сделать росписи храма в монастыре в честь иконы Божией Матери «Живоносный Источник».
Люди, приходя в храм, и не задумываются, какую цену на самом деле платит художник за свою работу – десятки раз в день подняться и спуститься по лесам, смешать сотни красок, тысячи раз нанести их на стену или купол.
– Обитель, расположенная в предгорьях Сьерры-Невады в Калифорнии, – один из 18 монастырей, ее основал почитаемый в Америке старец Ефрем Аризонский. Туда приезжают паломники со всей страны – от Аляски до Калифорнии. Мы столкнулись с прекрасным отношением к русским, нам все старались помочь, – рассказывает Роман.
Потом была еще одна паломническая поездка по православным святыням Аризоны, во время которой Роман получил несколько предложений расписать храмы и монастыри.
Иконописец, черпая вдохновение, гостил в храмах и монастырях, знакомился с интересными людьми. Путешествие было увлекательным, но к его концу русский художник затосковал по родной природе.
– Аризонская пустыня – это жара, змеи, тарантулы. Жить здесь постоянно очень трудно. Даже эмигранты внешне становятся похожими на представителей коренных народов. Я очень люблю лес в России, могу бродить там сутками, а вот в Америке гулял на природе с оглядкой, – вспоминает Роман.
Фото: из личного архива Романа Мартыненко
Однажды нашего земляка пригласил в гости настоятель храма Вознесения Христова в центре Сакраменто.
– Это было как глоток воздуха. Служба на русском языке, вкуснейший борщ в трапезной, радушные лица – будто частичка России в сердце Калифорнии, – вспоминает иконописец.
Под сводами храма
Во время поездки по Америке Романа Мартыненко пригласили расписать новую часовню в одном из монастырей.
Иконописец – профессия редкая, а известных иконописцев еще меньше. Добиться признания в этом искусстве очень непросто. Ведь, чтобы расписывать храм, мало быть просто художником. Далеко не у всех получается почувствовать иконописную пластику. Здесь другой язык, обратная перспектива и своя специфика. Некоторые сдаются. У Романа Мартыненко получилось найти свою душу под самыми сводами храма. Именно поэтому его постоянно приглашают работать над историческими и культурными объектами по всему миру.
Люди, приходя в храм, и не задумываются, какую цену на самом деле платит художник за свою работу – десятки раз в день подняться и спуститься по лесам, смешать сотни красок, тысячи раз нанести их на стену или купол.
– Иногда лесам не хватает высоты, приходится тянуться, в неудобном положении находишься часами. Под куполом жара, никакой кондиционер не спасает. Роспись потолка – самая тяжелая с физической точки зрения работа. Но и самая любимая.
Мне нравится этот объем, размах, – говорит художник.
Самый высокий храм, в котором довелось работать Роману Мартыненко, – Рождественский в Краснодаре. Пришлось нелегко, шея немела от напряжения. Но чувство удовлетворения от сделанного, по словам художника, перевешивает все неудобства. Смотришь на конечный результат, и если образ выглядит красивым и целостным, то все получилось как надо.
А справиться со всеми неудобствами, говорит Роман Мартыненко, помогает молитвенное состояние. Без разговора с Богом заниматься таким делом невозможно. Как работать, да и жить без веры, он теперь не представляет.
«Творящий обыкновенные чудеса» байкер и художник Хоттабыч рисует на виниловых пластинках (ФОТО) – Новости Владивостока на VL.ru
Сам себя Хоттабыч называет творческим человеком на двух колесах. Он — приверженец славянских традиций, резчик по дереву, байкер. И художник, который рисует на виниловых пластинках.
О редкой технике и разностороннем человеке — в материале VL.ru.
«Хоттабыч — это аббревиатура», — первым делом объясняет Виктор Орлов. Его настоящего имени многие не знают, зато о байкере-художнике Хоттабыче наслышаны, даже если не знакомы. Сначала это прозвище расшифровывалось как «Хабаровская организация творчески активных безбашенных человечков».
«В нашей группе еще были два парня-паркурщика и один велофристайлом занимался. Мы вчетвером и зажигали. А когда я из Хабаровска уехал — я вообще путешествую, не могу место найти — расшифровываться стало как «Хорошим образом творящий обыкновенные бытийные чудеса»», — рассказывает Хоттабыч, который помимо всего прочего еще и байкер. Почему в аббревиатуре не хватает буквы «а» и куда делась вторая буква «т», он не уточняет.
Когда мы спрашиваем, как правильно называется род его деятельности, Виктор отвечает: «Творческий человек на двух колесах». Хоттабыч — человек разносторонний. Байкер, художник, резчик по дереву.
Он делает тиснение по коже, лепит скульптуры. Даже в фаер-шоу участвует.
«Смотрю, — говорит, — парни во Владивостоке что-то крутят с огоньками. А нунчаками я еще с детства владел, в армии более профессионально к этому подошел. Вот я огоньки к своим нунчакам привязал и уже шестой год кручу». Что это за армия, где обучают обращению с таким нестандартным оружием, Виктор отвечает с улыбкой: служил он в ВДВ, в спецподразделении. Был ли в горячих точках, предпочитает не отвечать.
Специально для корреспондентов VL.ru Хоттабыч написал на пластинке Panton пейзаж. Природа — любимая его тема. Он рисует море, горы, деревья, водопады и, конечно, космос. У некоторых даже небольшие коллекции его картин собираются.
Рисунки на виниле — техника достаточно редкая не то что в регионе, а вообще в стране. «Да это каждый может, — уверяет наш собеседник, надевая резиновые медицинские перчатки. — Я тоже в интернете смотрел — удивлялся. Раз десять ролик посмотрел. А потом сам попробовал, взял баллончик.
С первой картинки все получилось. Сейчас баллончиками на пластинках рисовать — фишка. Так больше никто не делает на Дальнем Востоке — я ведь все крупные города объездил, с художниками говорил. Уже пятый год так рисую. До этого татуировкой занимался. 15 лет портил людям кожу».
По профессии наш герой — повар. Работал в свое время в одном из лучших ресторанов Белогорска, но быстро понял, что занятие ему не по нраву: творчества и свободы там мало, всегда кто-то недоволен. Художником, говорит, быть лучше. «Ну вот не нравятся тебе мои картинки — иди дальше, смотри там Ван Гогов, еще кого-то», — объясняет он.
Пластинки Виктору отдают друзья, просто люди на «тусичах» — то есть фестивалях байкеров. С одной стороны каждого винилового диска он сперва делает белую акриловую основу. Рисовать можно и на черной, но картина тусклая получится.
С нуля до готовности картины проходит 7-10 минут. Еще несколько минут работа сохнет. Кисточек мастер не использует. Его рабочие инструменты — это баллончики с акриловой краской, картонки, кусок губки, бумага, которой он растирает краску или убирает верхний слой, лезвие, которым процарапывает контуры объектов.
Обычно Хоттабыч рисует и продает свои работы на байкерских фестивалях (например, на «Дне мотоциклиста» в Уссурийске, на «На краю земли» в Находке, в Хабаровске, Благовещенске), славянских праздниках. Сам он поддерживает славянские этнические традиции, старается возрождать культуру. Верит в славянский языческий пантеон во главе с Перуном, в то, что все языки произошли от древнеславянского. Хотя когда-то оформил и несколько православных церквей — но разочаровался. Сейчас даже изучает буквицу — рассказывает, что стало легче понимать иностранные языки (хотя сам он пока что знает только русский и частично старославянский).
Вечером у Хоттабыча поезд в Хабаровск — там у него заказ на детскую площадку на базе ТСЖ «Благо». Будет делать резной детский городок, скоро там появятся сказочные персонажи: уже есть золотая рыбка, скоро будет «Репка», избушка на курьих ножках с Бабой Ягой. Перезимует художник в северной столице Дальнего Востока, а с теплом вернется. Для творчества, говорит, нужно солнце.
Валерия Федоренко (текст), Антон Балашов (фото)
Зачем художники рисуют причудливое, жуткое и безобразное? / Newtonew: новости сетевого образования
Биологи и когнитивисты считают, что представления о гармонии заложены в наш мозг, позволяя нам чутко реагировать на красоту форм в природе. Предположительно, яркие цвета нравятся нам, потому что умение их различать — один из адаптационных механизмов, которые позволили нашему виду выжить. Нам интуитивно приятны симметричные лица и гармоничные узоры, а изображение радостных, позитивных сюжетов вызывает закономерное удовольствие.
В то же время мы не требуем от художника, чтобы он непременно «сделал нам красиво» своим творчеством.
К предметам искусства применяются более широкие критерии, и само понятие красоты как оценочной категории в современном искусстве деконструировано. Красив ли «Чёрный квадрат»? А «Фонтан» Марселя Дюшана? А перформанс Марины Абрамович «Ритм 0»? Каждое из этих произведений искусства — идея, воплощённая в материале или действии, и ни в одном случае художник не стремился порадовать чужие рецепторы.
«Искусство — это красиво?» — спрашивает Сьюзан. «Нет», — отвечает мама. — «Красота не имеет значения».
Источник: New York Observer
У художников всегда были причины, чтобы изображать сложное, уродливое или причудливое. Вместе с тем, популярное мнение гласит, что «раньше» (в условную классическую эпоху) художники ещё не извратили суть искусства и предпочитали «рисовать красиво». Однако в европейской культуре художественная концепция безобразного появилась куда раньше, чем современное искусство.
Философы и богословы о безобразном
Помимо теории прекрасного, отражённой в философских концепциях и произведениях искусства, всегда продолжала существовать и теория безобразного, в рамках которой уродливое и некрасивое могло быть сюжетом, достойным изображения. Безобразное как предмет искусства вызывает интерес уже у средневековых людей — если речь идет о талантливом изображении, вполне передающим идею безобразия. В том случае предметом восхищения будет не само страшное или отталкивающее изображение, а мастерство, с которым оно выполнено.
Средневековый богослов Бернард Клервосский, выступая с обличениями против причудливых изображений в монастырских помещениях, оставил по-своему поэтичное описание того, что оскорбило его чувства:
Для чего же в монастырях, перед взорами читающих братьев, эта смехотворная диковинность, эти странно-безобразные образы, эти образы безобразного? К чему тут грязные обезьяны? К чему дикие львы? К чему чудовищные кентавры? К чему полулюди? К чему пятнистые тигры? К чему воины в поединке разящие? К чему охотники трубящие? Здесь под одной головой видишь много тел, там, наоборот, на одном теле — много голов. Здесь, глядишь, у четвероногого хвост змеи, там у рыбы — голова четвероногого. Здесь зверь — спереди конь, а сзади — половина козы, там — рогатое животное являет с тыла вид коня. Столь велика, в конце концов, столь удивительна повсюду пестрота самых различных образов, что люди предпочтут читать по мрамору, чем по книге, и целый день разглядывать их, поражаясь, а не размышлять о законе божьем, поучаясь.
— Бернард КлервосскийАпология к Гвиллельму, аббату монастыря св. Теодорика
Отношение Бернарда амбивалентно: с одной стороны, он порицает демонстрацию таких причудливых чудовищ, отвлекающих от благих помыслов, с другой стороны, признаёт магнетическую силу изображений.
Химера Собора Парижской Богоматери.
Источник: Wikipedia
Блаженный Августин в трактате «О граде Божьем» отмечал, что чудовища тоже имеют право на существование, так как сотворены Богом. Что касается нашего отторжения при взгляде на них — всё дело в природной слабости людского ума, который просто не может постичь всего масштаба замысла Творца:
«Господь сам знает, где, когда и что надлежало сотворить, ведая, сходством или несходством каких частей Он образует красоту целого; тот же, кто окинуть взором целого не может, поражается кажущимся безобразием части».
Фома Аквинский сформулировал классическое средневековое толкование проблемы безобразного. Если красота понимается как нечто цельное, пропорциональное и ясное (именно эти требования чаще всего предъявлялись к прекрасному средневековыми искусствоведами), то не-красотой следует считать то, что лишено этих качеств.
Недостаточная проявленность божественной составляющей в вещах и будет безобразием.
Николай Кузанский, развивая антропоцентрическую, светскую проблематику, утверждал, что источником безобразного может оказаться сам человек. Являясь зеркалом для прекрасного и божественного, безобразное человек воспроизводит самостоятельно за счёт несовершенства своей души. Безобразный нравственно человек может породить нечто безобразное и отталкивающее или признать нечто таковым.
Марсилио Фичино, напротив, полагал, что безобразное может существовать вне человеческого сознания, являясь частью природы, за счёт свойств самой материи. В этом случае миссией художника-творца будет воссоздание прекрасного, восстановление гармонии и красоты.
Фантастические твари и их моральное значение
Чудовища в Средние века зачастую были аллегорическими фигурами. Бестиарии, описывая различных существ (реально существующих и вымышленных), указывают на их символический смысл, сопровождая миниатюры духовными предупреждениями.
Яркий пример такого произведения в раннехристианском мире — сборник «Физиолог», где говорится, что все существа и предметы служат прямым отражением определенных религиозных и моральных установок.
По мнению авторов Абердинского бестиария, гиена — нечистое животное, поскольку чередует мужскую и женскую природу.
Источник: The University of Aberdeen
Еще один частый сюжет миниатюр, росписей и лепнины храмов — сцены адских видений, чтобы грешник не забывал, к чему идёт дело. Самые пугающие (и особенно тщательно исполненные с художественной точки зрения) изображения связаны с дьяволом и грядущим Апокалипсисом.
Иллюстрации к «Апокалипсису» Беата из Бурго де Осма (миниатюры XI века) живописуют сцены битвы с силами зла, явление Вавилонской блудницы и прочие сцены, которые вы вряд ли захотели бы рассматривать на ночь глядя — весьма скрупулезно изображённые. Судя по всему, страх средневековых людей перед адскими муками сочетался с болезненным интересом к жуткому, который сегодня делает кассу фильмам ужасов.
Memento mori: на случай, если кто-то забудет
В трактатах о бренности всего земного богословы провозглашали неотвратимость гибели и разложения. Таким образом закреплялась идея о том, что сверхчувственный, небесный мир, заслуживает куда больше внимания, чем земная жизнь. Неотступное напоминание о смерти отражается и в дидактической литературе, и в народных формах обыгрывания темы (например, танец «Пляска смерти»). Из Средних веков эта тематика перешла в Ренессанс, где художники, набив руку и овладев новыми техниками, дали себе волю.
«Пляски смерти» в «Нюрнбергской хронике» 1493 года.
Источник: Wikipedia
«Триумф смерти» изображен в Ораторио деи Дишиплини в Клузоне — увенчанная короной Смерть простирает руки скелета над склоненными головами людей. Картина с таким же названием находится в Сицилийском региональном музее — на ней конь-скелет с оседлавшей его Смертью несется через толпу людей, сея смерть и болезни (отсылка к одному из всадников Апокалипсиса). Фрески «Триумф смерти» и «Страшный суд» в Пизе принадлежат Буонамико Буффальмакко, а одно из самых знаменитых иконографических изображений смерти — работа Питера Брейгеля Старшего.
Йохан Хейзинга отмечает, что только к 1400 году живопись достигла того уровня мастерства, чтобы в полной мере передать подобные сюжеты. В частности, с этим он связывает сравнительно позднее внедрение в живописи таких распространенных тем, как «Триумф смерти» и «Страшный суд». Примерно то же самое произошло и с изображениями страданий мучеников.
Читайте также: Между небом и землёй: телесность в Средние векаМучения святых: боль и красота
«Эстетика мученичества», в высшей мере проявленная в изображениях Страстей Христовых, расцвела в эпоху зрелого Средневековья и перешла в ренессансное искусство. В эпоху раннего Средневековья чаще можно было столкнуться с упрощенными изображениями распятия, чем с детальными картинами. То же относится и к картинам истязаний мучеников.
Однако антропоцентрическая модель предусматривала интерес к человеку и, соответственно, личностное переживание страданий.
Если в Средние века на вопрос смотрели с назидательной стороны, то художников Возрождения стали интересовать и сугубо живописные моменты: верная передача анатомии, перспектива.
Возросшее внимание к телесности проявилось в изображениях страдающих святых — это был легальный способ рисовать обнажённые человеческие тела и обращать внимание на физические переживания.
Этим объясняется тенденция к некоторой эстетизации телесных мучений святых. Выверенные композиции, изящные позы мучеников — вот приметы подобных изображений. Телесная красота стала предметом внимательного рассмотрения. Художественная культура этой эпохи отражает интерес к человеку в самых разных проявлениях, в том числе и в страдании.
Пронзённый стрелами святой Себастьян.
Источник: Wikipedia
Читайте также: Оцифрованный Абердинский Бестиарий и другие культурные новостиУдивительное и причудливое
Существует ещё одна область эстетического опыта, отчасти примыкающая к безобразному — но без такой мрачной окраски. Этот опыт был востребован и в Средние века, когда все предметы таили символические значения, и в культуре Возрождения с её интересом к разнообразным явлениям материального мира.
Речь идёт о категории удивительного, причудливого и диковинного.
Люди прошлого мало разделяли «чудеса» по происхождению — мистические образы и причуды природы воспринимались как однородные явления.
Страсть к коллекционированию диковин, которой отличались и естествоиспытатели, и монархи, демонстрирует желание прикоснуться к тайнам мироздания. Например, в коллекции императора Рудольфа II находились как произведения искусства, так и фрагменты тел легендарных животных. Магическое и научное, символическое и эстетическое — в кунсткамерах эти понятия тесно сплетались.
Ничего особенного, просто охотники епископа поймали в лесу близ Зальцбурга серое существо с головой бородатого мужчины и когтями. Об этом сообщает немецкая «Книга чудес».
Источник: Tumblr
Сегодня мы имеем доступ к любому визуальному материалу, а люди прошлых эпох располагали куда меньшим его количеством. Низкая социальная мобильность, оседлый образ жизни большинства людей и неграмотность не позволяли расширять картину мира.
Поэтому новые образы — в картинках или рассказах — были очень востребованы и производили потрясающее впечатление.
Истории странствий в далеких землях были очень популярным средневековым жанром. В рассказах о путешествиях на восток фигурирует множество вымышленных существ, которые, не являясь откровенно пугающими и безобразными, остаются при этом легендарными и нарушают обычные каноны. Рассказы сопровождались соответствующими изображениями, сделанными в соответствии с услышанным. Восхищение, вызываемое этими образами, носят эстетический характер — притом, что многие изображаемые существа или явления вовсе не красивы. Сопутствующая им развлекательная сила, предложение зрелища, легендарный статус — вот то, что влечёт к ним зрителя.
В 1534 в Венецию доставили удивительное создание, пойманное в открытом море. Автор книги настаивает, что «выглядело оно в точности как на рисунке».
Источник: Pinterest
Огромный успех имело относящееся к XII веку «Послание Пресвитера Иоанна», которое оказало большое влияние на умы современников — как в эстетическом смысле, так и в политическом.
Дальним странствиям посвящена знаменитая книга Марко Поло. Помимо данных, которые можно принять за реальные исторические сведения, там хватает преувеличений и курьезов. Например, в описании Малой Явы (Суматра) Поло утверждает, что видел единорога, но тот оказался не так красив и кроток, как о нем говорили, и потому принёс одно разочарование.
Водятся тут дикие слоны и единороги, ничуть не менее слонов; шерсть у них как у буйвола, а ноги слона, посреди лба толстый и черный рог; кусают они, скажу я вам, языком; на языке у них длинные колючки, языком они и кусают. С виду зверь безобразный. Непохожи они на то, как у нас их описывают; не станут они поддаваться девственнице: вовсе не то, что у нас о них рассказывают.
— Марко ПолоКнига чудес света
В изобразительном искусстве пример причудливого — иллюстрации к книге римского автора Юлия Обсеквента, относящиеся к XV веку. Мастера, создавшего их, называют именем Мастера Бусико — по имени другой созданной им серии работ («Часослов маршала Бусико»).
Для людей Возрождения трактат читался как смесь учебника по истории и фэнтези-романа — даже если некоторые из них сомневались, что над какой-то из провинций правда шёл каменный дождь, прочесть о таком было интересно. Что и говорить об изображениях чудовищных созданий!
Изображение с титульного листа сочинения Юлия Обсеквента «О чудесных явлениях».
Источник: Tumblr
На миниатюрах в книгах по географии и истории изображались легендарные существа — единороги, крылатые и бескрылые драконы, кинокефалы (псиглавцы), циклопы, одноногие исхиаподы. Классический эстетический канон в изображениях существ, без сомнения, искажён: вряд ли кому-то пришло бы в голову назвать привлекательными персонажей с лицом, расположенным на груди.
В то же время, они не несут угрозы, которая присуща изображениям адских мук, и будят интерес. Легко представить ренессансного школяра, который, раскрыв рот, жадно разглядывает такие изображения.
Нам известны более сложные способы эстетических впечатлений, чем просто «красивое».
Мы находим изысканными тусклые, «пыльные цвета» и ценим радикально чёрный. Наше воображение волнуют контрасты — изящное и грубое, возвышенное и низкое. Мы умеем видеть прекрасное в недостатках и изъянах, полагая, что они порой делают нечто идеальное по-настоящему уникальным. Мы видим волнующее в жутком и любим пощекотать себе нервы. Нам кажутся красивыми осенние дожди и раскалённая лава вулканов.
Эстетическое чувство было сложным и неоднозначным в разные эпохи — включая те, когда создавались книжные миниатюры и классические полотна.
Взглянув на вещи глазами людей другого времени, мы заметим, что им тоже были хорошо знакомы сложные переживания на грани отторжения и интереса, любопытство исследователя и восхищение художественным талантом мастера, что бы тот ни изобразил.
Нашли опечатку? Выделите фрагмент и нажмите Ctrl+Enter.
Художник, что рисует мост — 35 Медиа
Серия живописных полотен Антона Иоганна так и называется «Репортажные этюды со строительства нового моста».
Художник поэтапно запечатлевает на холсте процесс возведения переправы. Что особенно вдохновляет Антона и каково это — быть художником-«летописцем», узнал «Голос…».
— Антон, вы член Союза художников России, на вашем счету десятки выставок, множество работ, написанных в разных городах и странах. Как пришла идея путем красок и холста запечатлевать шаги строительства нового моста?
— Как художник, живущий в определенное время, я занялся этим проектом, чтобы запечатлеть в своих работах исторический момент, важный для нашего города. Неслучайно я назвал всю серию «Репортажные этюды…». Мне кажется, это важно, потому что пройдет время и берега реки будут застроены, местность изменится. Конечно, есть формат фото, например, мы можем найти фотографии с изображением старого Череповца, посмотреть, каким город был раньше. Но мне показалось, что людям было бы интересно взглянуть на этот исторический факт не только через объектив фотоаппарата, но и через призму живописи.
— У вас уже был подобный опыт?
— Не раз.
Например, я писал восстановление Синозерской пустыни под Чагодой. Ранее там стоял деревянный монастырь, множество паломников стекалось к нему со всей России. Но монастырь был разрушен. Восстановление началось уже в наше время. И я поехал туда. Мы жили в заброшенных деревенских домах. Было интересно наблюдать, как появляется первый сруб, за ним следующий, потом колокольня, церковь… В итоге и получилась серия работ о возрождении святыни.
— У вас довольно много индустриальных пейзажей. Вам нравится изображать мосты в своих работах?
— Да, меня очень привлекает образ моста, его идея, символизм — соединение двух берегов, это своего рода кольцо судьбы. В европейских городах построено большое количество мостов, или в том же Санкт-Петербурге! Я писал мосты в Рыбинске, Ярославле, Кельне. Писал старый двухполосный мост через Ягорбу, еще до его реконструкции.
— Вы помните, как строился Октябрьский мост?
— Да, когда я гостил у бабушки, которая жила в районе Соборной горки, мы с ребятами выбегали на берег и наблюдали за стройкой.
Конечно, я помню его открытие. Мне тогда было лет 9 — 10. Для горожан его возведение было большим событием, потому что на другой стороне Шексны был лес, пионерский лагерь, пляжи, деревни… А перебраться на противоположный берег можно было только на небольших корабликах или на пароме. И когда мост построили, многие восклицали: «Неужели теперь за Шексну можно поехать на автобусе?!» И строительство нового моста сейчас, конечно, очень важно для города.
— Сколько работ из серии этюдных репортажей строящегося моста у вас уже сделано? Сколько планируется всего?
— На данный момент шесть этюдов, все они были написаны в течение двух месяцев этого года. Но никакого точного плана нет — я буду писать мост, пока у меня есть желание. Иногда бывает так, что готов идти на берег с этюдником, но внезапно портится погода, или не можешь подолгу найти подходящий ракурс, или просто сегодня нет настроения. Так что здесь роль играет и элемент удачи. Но я задумываюсь о том, чтобы в итоге организовать выставку всех работ, приурочить ее к открытию моста.
Также не исключено, что появится большая картина, изображающая непосредственно торжественный процесс открытия моста — со множеством людей, праздничной атмосферой.
— Как происходит ваш рабочий процесс?
— Выбираю подходящий день, когда нет ни снега, ни дождя, и иду с этюдником на место. Прихожу на берег, хожу, ищу подходящий ракурс, ту фишку, главную деталь, за которую нужно зацепиться. Бывает, что вроде бы все кажется красивым и ракурс хороший, но сердце не лежит. Случается и так, что приносишь сразу два холста и смотришь, который из них подойдет лучше. Все работы я пишу за один сеанс, то есть за один световой день, у дневного света есть особые свойства, которые важно правильно передать. Подправить и доработать какие-то небольшие моменты можно и в мастерской, но основная работа происходит в поле. Бывало так, что над одним этюдом я работал примерно 2 часа, а над другим 5 часов, все ради того, чтобы достигнуть концентрации цветового напряжения. А оно может быть разным.
Вот, например, этюд на закате: во второй половине дня солнце по-особенному пробивается сквозь морозную дымку. Или пасмурный день, в нем тоже есть своя прелесть. Пишу только масляными красками.
— Как происходит поиск сюжета для этюда?
— Всегда ищешь что-то, что станет центром композиции. Например, этюд с агрегатом, который забивает сваи, появился, потому что мне очень понравилась цветовая гамма — сочетание белого снежного пятна с красным цветом сваебойной машины. Этот ракурс чем-то напомнил мне «Черный квадрат» Малевича. Или другое полотно, где изображен маленький деревянный домик, который стоит рядом со стройкой. Это символ встречи огромных монолитов с тихим деревенским укладом. Мотив, который заставляет задуматься и поразмышлять.
— Как реагируют рабочие, когда видят вас?
— Позитивно, всем нравится. Они уже привыкли. Улыбаются, интересуются. Подшучивая, просят написать их портреты. Еще не встречал тех, кто выражал бы недовольство.
Ко мне подходили рабочие, которые строили Крымский мост, и показывали фотографию — стоит художник и тоже пишет мост. Над строительством нового объекта в Череповце трудятся люди со всей России, есть те, кто приехал работать вахтовым методом. Они меня фотографируют, отсылают фото родственникам, рассказывают о череповецком художнике. Был забавный случай: я пришел писать, как забивают сваи, ко мне подошли рабочие и сказали, что сегодня они этим заниматься не будут, посоветовали приходить завтра, когда они как раз будут включать сваебойный агрегат. Я пришел, запечатлел процесс — и все получилось.
Иван Крылов, газета «Голос Череповца»
Принты и мультипликаторы: все, что вам нужно знать, чтобы начать собирать
От гравюр на дереве до литографий, оригиналов и изданий, важности различных типов бумаги и многого другого. Проиллюстрирован выдающимися работами, выставленными на Christie’s
. Отпечаток — это любое произведение искусства, выполненное в несколько итераций, созданное в процессе передачи.
Существует множество различных типов оттисков, и этот процесс постоянно развивается, но четыре наиболее известных метода — это травление, литография, трафарет и ксилография.
Офорт: Художник выцарапывает изображение иглой для травления на металлической пластине, покрытой воском.Затем эту пластину погружают в кислоту, которая разъедает металл, обнаженный поцарапанными линиями. Чем дольше пластина остается в кислоте, тем глубже и темнее будет линия. Пластина очищается, окрашивается и снова очищается, оставляя только надрезанные линии, заполненные чернилами. Смоченная бумага и защитная ткань помещаются на пластину, которая сжимается с помощью травильного пресса — давление заставляет бумагу проникать в протравленные линии, чтобы захватить чернила.
Изображение печатается в обратном порядке, а по краям пластины остается углубление, известное как «след пластины».
Офорт часто использовался для получения чрезвычайно нежных черно-белых изображений, начиная с эпохи старых мастеров и до наших дней. Рембрандт широко использовал эту технику для достижения атмосферных эффектов, а Люсьен Фрейд продолжил эту традицию в 21 веке.
Литография: Художник рисует на камне жирным материалом — обычно специальными литографическими мелками или жирными чернилами, известными как туше.Затем камень обрабатывают химическим раствором, который обеспечивает притягивание печатной краски к изображению, а также то, что пустые участки отталкивают чернила и притягивают воду. Растворитель «фиксирует» изображение, и поверхность смачивается водой. Затем на камень с помощью валика наносят чернила на масляной основе, придерживаясь только изображения. Наконец, камень помещают на литографический пресс и покрывают влажной бумагой и картоном — прижимной планкой, обеспечивающей равномерное приложение силы по изображению. Изображение печатается в обратном порядке, с отдельными камнями, используемыми для сложных разноцветных изображений.
Литография открыла печать для художников, которые иначе не хотели бы изучать технические навыки, необходимые для создания гравюр на дереве или офорта, поскольку можно использовать многие из тех же инструментов, например кисти и карандаши.Впервые литография была прославлена Анри де Тулуз-Лотрек в 19 веке, но ее приняли многие крупные художники послевоенного периода, в том числе Пабло Пикассо, Жоан Миро, Дэвид Хокни и Джаспер Джонс.
Шелкотрафарет: Изображение вырезается на лист бумаги или полиэтиленовой пленки, образуя трафарет.Затем этот трафарет помещается в рамку, на которую натянут слой мелкой сетки, образуя «экран». Под экраном помещается лист бумаги, и чернила пропускаются через трафарет сверху с помощью резинового лезвия или ракеля. Только вырезанные части трафарета. Помимо трафаретов, фотоизображение можно воспроизвести на экране с помощью светочувствительных желатинов. Это было чрезвычайно важным нововведением для Энди Уорхола и других представителей поколения поп-музыки, которые использовали коммерческие фотографии и популярные изображения в тандеме с этой техникой.
Ксилография: Изображение наносится на деревянный брусок перед тем, как на нем вырезать поверхность с помощью инструментов для строжки. Полученные выступающие части блока затем покрываются чернилами с помощью валика.Сверху кладут лист бумаги и прикладывают давление, оставляя впечатление возвышенных участков блока в обратном порядке. Ксилография — старейший процесс гравюры. Он представлял особый интерес для немецких экспрессионистов, в том числе для Эрнста Людвига Кирхнера, и остается актуальным сегодня — его использовали такие художники, как Дональд Джадд, Дэмиен Херст и Хелен Франкенталер.
- 2
- Отпечаток — это больше, чем просто копия оригинала?
Хотя создание гравюры включает в себя воспроизведение изображения, отпечаток — это больше, чем просто копия оригинала.Репродукции изобразительного искусства — это нечто совершенно иное, результат тесного сотрудничества художника и студии печати. Печатники — люди, которые работают с художником над выпуском издания — являются высококвалифицированными специалистами и часто сами являются художниками.
Отпечатки не производятся большими тиражами и предназначены исключительно для коммерческой продажи.Выпускается ограниченное количество (известное как издание) с установленными маршрутами для первоначальной продажи — через художника, коммерческую галерею или издателя. В результате они являются настоящими произведениями искусства и так же важны для художника, как рисунки или другие работы на бумаге.
- 3
- Почему художники делают гравюры?
Художники делают гравюры по разным причинам.Их может привлекать совместная природа студии печати, инновационный потенциал, который предлагает среда, или возможность печати документировать каждый этап творческого процесса. Отпечатки могут предложить совершенно другой творческий выход по сравнению с основным методом работы художника.
Люсьен Фрейд создавал гравюры только в черно-белом цвете после того, как он работал в живописной студии, в то время как Эллсворт Келли применил такое же требовательное понимание цвета и формы к своим изданным работам.Некоторые художники постоянно делают гравюры на протяжении всей своей карьеры — Джаспер Джонс и Пабло Пикассо — известные примеры плодовитости, — в то время как другие приходят к гравюрам с всплеском активности, например, Барнетт Ньюман. Обычно эти периоды могут быть согласованы с работой в конкретной типографии.
- 4
- Оригиналы vs.выпуски и кратные — что мне нужно знать?
«Оригинальный» отпечаток технически является уникальным произведением, поскольку он обычно производится в виде ограниченного количества оттисков (вместе известных как издание), и каждому отпечатку дается номер издания, обычно записываемый дробью — например, 24 / 50.Число справа от косой черты указывает размер издания (в данном примере 50), а число слева — номер отдельного экземпляра.
Номер доказательстваХудожник может также изготовить ограниченное количество корректур, часто с пометкой A / P, которые идентичны стандартному изданию.Здесь снова дроби могут использоваться для обозначения общего количества проб и количества отпечатков (например, A / P 1/4). Другие оттиски могут быть сделаны на более раннем этапе, когда художник и типограф разработают изображение или тестируют разные композиции. Они известны как государственные, пробные или цветные. Они могут быть уникальными, с разными сочетаниями цветов, типов или размеров бумаги. Энди Уорхол начал продавать свои пробные пробные образцы в виде уникальных цветовых комбинаций отдельно от издания, и теперь они являются одними из самых желанных работ на его полиграфическом рынке.
Когда изображение доведено до совершенства, делается проба и подписывается B.A.T. (сокращение от французского bon à tyrer или «готов к печати»). Остальная часть издания соответствует этому изображению, которое является уникальным и традиционно хранится в принтере.
Christie’s определяет «оригинальный принт» как отпечатанный ограниченным тиражом отпечаток художника, который соответствует другим принтам из их каталога raisonné или соответствует другим подтвержденным образцам печати художника.Записи в нашем каталоге всегда объясняют, как мы пришли к выводу, что отпечаток является подлинным оригиналом. Мы указываем имя художника, название работы, тип печати (например, литография, гравюра или трафарет) и год создания. Наконец, мы указываем, как пронумерована работа, и из стандартной ли она редакции или из пробной. Мы также перечисляем, где это применимо в области литературы, соответствующие номера резона в каталоге для произведения.
- 5
- Насколько важны разные типы бумаги, используемые для печати?
Признаком настоящего специалиста по печати является не только их интерес к технике, но и их одержимость бумагой.В нашей каталогизационной информации будет описано, на каком типе бумаги сделана печать, и будет описан водяной знак, если он присутствует.
Выбор бумаги — важная часть процесса печати, поскольку она может напрямую влиять на характер печатного изображения. Джонс известен тем, что настаивал на более качественной и плотной бумаге для своих отпечатков, в то время как Уорхол любил более дешевую и тонкую бумагу для своих отпечатков Soup Can из 1960-х годов, чтобы подчеркнуть, что они предназначены для массового потребления.
Такаши Мураками (р. 1962), 727-272 , 2007. Цветная офсетная литография на тканой бумаге.Изображение: 25¼ x 38⅞ дюймов (641 x 987 мм). Лист: 25⅞ x 39¼ дюймов (657 x 997 мм). Эстимейт: 1000-2000 долларов. В современном издании с 9 по 20 июля 2021 года на Christie’s в Нью-Йорке.В нашем отчете о состоянии также указывается, является ли элемент полным листом или с полными полями, что означает, что бумага не была обрезана каким-либо образом, что само по себе влияет на стоимость.
В каталогах
- 6
- Различаются ли разные студии печати по цене и качеству?
Christie также указывается, где была опубликована работа, а именно — студия, где была сделана печать.Эти мастерские могут быть огромными производственными студиями с крупномасштабным оборудованием или небольшими предприятиями с несколькими сотрудниками. Некоторые действительно известные имена, на которые стоит обратить внимание при создании послевоенных и современных гравюр: ULAE в West Islip, Long Island Tyler Graphics в Mount Kisco, Gemini G.E.L. в Лос-Анджелесе и Paragon Press в Лондоне. Однако это лишь небольшой выбор, и мы всегда узнаем о новых студиях.
Фрэнк Стелла (род.1936), Honduras Lottery Co. , из Многоцветные квадраты I , 1972. Цветная офсетная литография на бумаге J. Green. Изображение: 10¼ x 10¼ дюймов (260 x 260 мм). Лист: 406 x 553 мм (16 x 21 дюйм). Эстимейт: 4000-6000 долларов. В современном издании с 9 по 20 июля 2021 года на Christie’s в Нью-Йорке.Есть студии, которые исторически играли важную роль как в техническом развитии гравюры, так и в работе, которая там создавалась — Tyler Graphics — известный пример.В результате многие коллекционеры следят за конкретной студией и собирают многие из выпущенных там публикаций.
Некоторые типографии и издатели используют слепую печать, которая представляет собой тисненый, чернильный или штампованный знак на бумаге, чтобы отметить, что издание было напечатано в их студии.
- 7
- Все ли отпечатки подписаны? Что это значит, если я найду гравюру без подписи художника?
Большинство распечаток, продаваемых на Christie’s, подписаны, хотя не все репродукции выпускаются с подписью.Уорхол и Пикассо подписали штампы на некоторых своих гравюрах, а некоторые более крупные издания портфолио были подписаны только на титульном листе. Не пугайтесь, если на отпечатке есть только инициалы. Это не значит, что он стоит меньше — действительно, некоторые художники только инициализируют свои гравюры, такие как Ричард Дибенкорн и Люсьен Фрейд.
- 8
- За какими художниками я должен следить на аукционе?
История величайших граверов в истории искусства включает в себя некоторых из самых значительных художников последних 500 лет — от Альбрехта Дюрера до Рембрандта, Тулуз-Лотрека, Пикассо, Уорхола и Джонса.Эти художники были заинтересованы не только в использовании гравюры для создания знаковых изображений, но и в продвижении медиа с помощью инноваций. Пикассо изобрел совершенно новые способы печати; Уорхол продвигал принтеры, с которыми работал на протяжении всей своей карьеры; и Джонс продолжает создавать новые захватывающие принты, когда ему за 80.
Джефф Кунс (род.1955), Щенок (Ваза) , 1998. Белая керамическая глазированная ваза. Высота: 17½ дюймов (445 мм). Оценка: 7-10 тысяч долларов. В современном издании с 9 по 20 июля 2021 года на Christie’s в Нью-Йорке.Таким образом, история гравюры — это также хронология технологических изменений и изобретений — от появления основных техник гравировки в 15 веке до цифровой печати в 21 веке.
- 9
- Как гравюры попадают в более широкую коллекцию?
Роль принтов в коллекции может быть столь же многогранной, как и сами принты.Они могут быть способом создания более полной коллекции, которая рассказывает более полную историю о практике художника, часто с темами и композициями, которые можно найти в картинах или скульптурах. Например, гравюры Пикассо и Джонса показывают эволюцию различных предметов, но также показывают рост их навыков в качестве граверов на протяжении их карьеры.
Принты также могут предоставить возможность приобрести аутентичный и культовый предмет без прикрепления к нему семизначного ценника.Печать также может быть отличным способом начать работу — способом познакомиться со стилями и художниками в том же режиме, что и другие носители, но по другой цене.
- 10
- Как мне ухаживать за своим отпечатком?
То, как вы обрамляете отпечаток, — это самое важное долгосрочное решение, которое вы принимаете, когда дело касается ухода за изделием и его хранения.Убедитесь, что вы обращаетесь к представителю с хорошей репутацией: стоит заплатить за то, чтобы принт был правильно закреплен с использованием подходящих материалов, а многие из них не так дороги, как вы думаете.
Эдвард Кинхольц (1927-1994) и Нэнси Реддин Кинхольц (1943-2019), The Opti-Can Royale , 1977.Металлический мультипликатор с системой линз Френеля, лампочкой и набором из шести фотографий с каждой стороны трех карточек и двух вкладышей для пустых карточек. Габаритные размеры: 495 x 220 x 220 мм (19½ x 8⅝ x 8⅝ дюймов). Эстимейт: 3000-5000 долларов. В современном издании с 9 по 20 июля 2021 года на Christie’s в Нью-Йорке.Три основных совета: если отпечаток имеет яркие цвета, не вешайте его под прямыми солнечными лучами; убедитесь, что отпечаток хранится вдали от источников влаги; не обрезайте лист, чтобы попытаться уместить его в меньшую рамку.Наша команда рада обсудить с вами фрейминг — мы привыкли, что нам задают эти вопросы.
На Christie’s в течение года продается
- 11
- Какого совета я могу ожидать от специалистов Christie’s?
экземпляров.В марте и июле мы проводим распродажи в Нью-Йорке вместе с распродажами послевоенного и современного искусства, в которых основное внимание уделяется недорогим репродукциям великих деятелей послевоенного и современного искусства. Наши специальные продажи принтов в апреле и октябре в Нью-Йорке и в марте и сентябре в Лондоне — это возможность увидеть самый широкий спектр работ на нашем рынке. Мы также ежегодно проводим ряд онлайн-продаж на самые разные темы, от продаж по артистам или портфолио до тематических продаж, посвященных определенным временным периодам или композициям.
Специалисты отдела печати и печати Christie’s всегда рады рассказать больше о данном носителе. Наши публичные просмотры в галереях Christie’s дают прекрасную возможность познакомиться с нами и дают вам возможность лично увидеть огромный спектр предлагаемых нами работ. В отличие от музея, мы всегда рады вынуть произведение из его рамы, чтобы вы могли рассмотреть его поближе. Специалист по печати может обсудить состояние перед самим объектом и уточнить характер этого конкретного издания.Мы любим делиться своей страстью с другими.
идеальных кругов | Искусство и культура
На днях сидел у пруда. Мягкий дождь покрыл его поверхность кругами, расходящимися и исчезающими в зеленой стеклянной глазури. Идеальный круг так легко нарисован простой каплей дождя, что кажется простейшей из форм — и все же ни одна душа никогда не рисовала простой идеальный круг от руки.
Если мы можем построить великие пирамиды без шкивов, колес или металлических инструментов, переплыть Ла-Манш или пробежать четыре минуты миль, почему мы не можем нарисовать идеальные круги? Оказывается, мы не созданы для рисования идеальных кругов — даже самые одаренные художники.
Но басни о художниках-виртуозах, создающих идеальные круги без трафарета и циркуля, изобилуют. Возьмем, к примеру, Апеллеса, известного древнегреческого художника, который посетил остров и пустую мастерскую своего коллеги-художника. Апеллес нарисовал идеальный круг на стене студии вместо письменной заметки, будучи уверенным, что круг станет виртуальной подписью его великого имени.
Художник эпохи Возрождения Джорджо Вазари рассказал похожую историю о более раннем художнике Джотто.
Папа надеялся нанять художника-фрески и послал к Джотто гонца, который попросил образец рисунка для конкурса. Используя бумагу и ручку, Джотто щелкнул запястьем и нарисовал идеальный круг. Вазари пишет: «Посланник, видя, что он не может получить ничего другого, ушел недовольный … Однако, послав другие рисунки Папе с именами тех, кто их сделал, он послал также и Джотто, рассказывая, как он сделал круг, не двигая рукой и без циркуля; Папа … видел, что Джотто должен сильно превосходить всех других художников своего времени.«
Поздние художники подхватили эти апокрифические истории, в том числе Рембрандт. На автопортрете 1661 года художник изображен перед холстом. Рембрандт кажется постаревшим и настороженным, но очертания двух кругов на холсте наводят на мысль о басне Апеллеса. С типичной тонкостью Рембрандт принимает позы легендарного художника Апеллеса.
Современный британский художник Том Филлипс также нашел вдохновение в басне, подражая кругу Джотто в его картине «Пятьдесят попыток нарисовать круг от руки».«Сегодня даже некоторые нехудожники пытаются овладеть подвигом, которого, несомненно, никогда не достигли бы великие. Александр Овервейк, канадский учитель математики, заявляет, что участвует в чемпионате мира по рисованию по кругу от руки в Лас-Вегасе. Его мастерство снято на пленку. кажется легким, даже слишком хорошим, чтобы быть правдой, почти как дождь на воде.
ХудожникиРекомендованные видео
10 самых известных художников всех времен
От эпохи Возрождения до Поп-арт , вот некоторые из самых известных художников всех времен.В отличие от фильмов, арт понятен не всем. Так что от художника нужно многое, чтобы действительно раскрыться в общественном сознании и заслужить признание своей гениальности.
По правде говоря, выделиться как художник означает, что ваша работа выдержала испытание временем, и это справедливо для нашего отбора из самых известных художников , рассматриваемых здесь, — некоторых из них можно найти на Метрополитен-музей, Музей современного искусства , Музей Уитни , Гуггенхайм и несколько других областей.Итак, без лишних слов, вот наш список самых известных художников всех времен.
УЗНАЙТЕ БОЛЬШЕ О САМЫХ ПОЛЕЗНЫХ УМАХ 2021 ГОДА В НАШЕМ ИСКУССТВЕ ЭЛЕКТРОННАЯ КНИГА Энди УорхолНачав как коммерческий художник, он привнес дух продвижения в изобразительное искусство , даже зашел так далеко, что сказал: « Зарабатывать деньги — это искусство. »Такое отношение разрушило экзистенциальные декларации абстрактного экспрессионизма .Хотя он известен такими титрами, как «Суп Кэмпбелла», Мэрилин Монро и Элвис Пресли, его величайшим изобретением был он сам.
ОТКРОЙ ПРОЕКТ, ГДЕ ЭНДИ УОРХОЛ ВДОХНОВЛЯЕТ БОЛЬШУЮ РОЛЬ
Пабло ПикассоПабло Пикассо безоговорочно является синонимом современного искусства, , и нисколько не повредит то, что он соответствует общепринятому образу беглого гения, чьи цели уравновешиваются стремлением к большой жизни.Он перевернул сферу истории искусства с помощью радикальных инноваций, включая колледж и кубизм , которые разрушили мертвую хватку материальной материи изобразительного искусства в искусстве и установили норму для других художников 20-го века.
Винсент Ван ГогВан Гог известен своей психологической нестабильностью, но его искусство является одним из самых популярных и самых известных художников всех времен. Ван Гог. Техника рисования с потоками толстых мазков, составленных из ярких цветов, выдавленных прямо из тюбика, вдохновит последующие поколения художников.
Леонардо да ВинчиПервоначальный человек эпохи Возрождения, Леонардо известен как гений не только своими шедеврами, такими как Мона Лиза , Тайная вечеря и Леди с горностаем, но и своими разработками технологий (самолетов, танки, автомобили), которые были на пятьсот лет вперед.
СМОТРИ ТАКЖЕ: Как работа Энди Уорхола остается актуальной 30 лет спустя МикеланджелоМикеланджело представлял тройную угрозу: художник (Сикстинский потолок), скульптор (Давид и Пьета) и архитектор (Св.Петра в Риме). Сделайте это четырехкратным предупреждением, поскольку он также писал стихи. Помимо вышеупомянутого Сикстинского потолка, базилики Святого Петра и Пьеты, здесь была его могила Папы Юлиана II и проект библиотеки Лаврентия в церкви Сан-Лоренцо.
Анри МатиссНи один художник не привязан к прелестям цвета так сильно, как Анри Матисс . Все его работы состояли из витых кривых, основывались на идеях символического искусства и постоянно концентрировались на соблазнительном удовлетворении цвета и тона.
Джексон ПоллокСтолкнувшись с зависимостью, неуверенностью в себе и неловкостью обычного художника, Поллок изменил свои недостатки за короткий, но напряженный период между 1947 и 1950 годами, когда он воплотил идеи капельницы, которые связали его славу. Избегая мольберта, чтобы положить свои картины на пол, он использовал домашнюю краску прямо из банки, разбрасывая тонкие клубки пигмента, которые оставляли после себя твердую запись его движений.
См. Также: Роскошная резиденция, в которой искусство и коллекционный дизайн находятся в центре внимания Эдвард МункЯ кричу, ты кричишь, мы все кричим за Крик Мунка , Мона Лиза тревоги.В 2012 году пастельный вариант культового призыва Эдварда Мунка к современной тревоге получил на аукционе астрономическую для того времени цену в 120 миллионов долларов. Карьера Мунка была больше, чем просто картина.
Клод МонеПожалуй, самых известных художников среди импрессионистов , Моне победили различные влияния света на панораму с помощью ярких осколков цвета, созданных как быстро нарисованные мазки. Кроме того, его многочисленные мысли о стогах сена и других предметах предполагали использование последовательного сравнения в Pop Art и Minimalism .
Рене Магритт
Имя Рене Магритт широко признано любителями искусства и агностиками, и не зря: он полностью изменил наши представления о том, что реально, а что нет. Когда кто-то описывает что-то как «сюрреалистическое», велика вероятность, что в его или ее голове возникнет изображение Магритта.
Сальвадор Дали
Дали был фактически Уорхолом до того, как появился Уорхол. Как и Энди, Дали ухаживал за знаменитостями почти как дополнение к своей работе.Картины Дали с их плавящимися часами и жуткими взорванными пейзажами были воплощением сюрреализма, и он культивировал столь же диковинную внешность, нося длинные вощеные усы, похожие на кошачьи бакенбарды. Когда-либо непревзойденный шоумен, Дали однажды заявил: « Я не странный. Я просто ненормальный. ”
См. Также: Осветительные приборы, которые являются эффектными предметами искусстваЭдвард Хоппер
Загадочные картины Хоппера заглядывают в пустую сердцевину американского опыта — отчуждение и одиночество, которые представляют собой оборотную сторону нашей религиозной преданности индивидуализму и стремлению к зачастую неуловимому счастью.
Фрида Кало
Мексиканская художница и феминистская икона была художником-перформансом и рисовала, используя эту среду, чтобы обнажить свои уязвимые места, а также создавала себя как воплощение культурного наследия Мексики. Ее самые известные работы — это множество сюрреалистических автопортретов, в которых она сохраняет царственную осанку, даже когда она изображает себя мученицей личных и физических страданий — страданий, уходящих корнями в жизнь несчастий, в том числе заразиться полиомиелитом в детстве и пережить катастрофические страдания. травма в подростковом возрасте и бурный брак с коллегой-художником Диего Риверой.
Яёи Кусама
Кусама — один из самых известных художников , работающих сегодня. Ее огромная популярность связана с ее зеркальными «Бесконечными комнатами», которые оказались неотразимыми для пользователей Instagram , но ее карьера насчитывает более шести десятилетий. Начиная с детства, японская художница начала страдать от галлюцинаций, которые проявлялись в виде вспышек света или аур, а также полей точек и цветов, которые разговаривали с ней.Этот опыт послужил источником вдохновения для ее работ, включая вышеупомянутые комнаты, а также картины, скульптуры и инсталляции, в которых используются яркие фантасмагорические узоры в горошек и другие мотивы.
См. Также: Как Люк Ньюджент выражает себя через искусство фотографииКак правильно выбрать имя для своего арт-бизнеса
Вы сделали работу и готовы начать продавать.Единственное, что удерживает вас от построения империи арт-бизнеса, — это правильный выбор названия.
Вы знаете, что хотите, чтобы все было идеально, но понимаете ли вы, насколько это важно для достижения успеха в вашей художественной карьере? Ваше имя может задать тон всему вашему бизнесу. И вы хотите, чтобы покупатели и коллекционеры воспринимали вас всерьез, не так ли?
Однако выбрать правильное название для арт-бизнеса может быть проще, чем вы думаете. Ознакомьтесь с этими правилами именования, и арт-бизнес вашей мечты будет запущен в кратчайшие сроки.
Рассмотрите возможность использования собственного имениЕсть несколько причин, по которым использование собственного имени может быть лучшим вариантом, первая из которых: оно оригинальное. И что может быть лучше, чтобы передать оригинальность вашего искусства?
Помните, все дело в брендинге. Один из главных аргументов в пользу вашего успеха как прекрасного художника заключается в том, что ваше искусство не производится массово, поэтому использование собственного имени вместо того, что может выбрать любой, иллюстрирует уникальную ценность вашего искусства.
Во-вторых, использование вашего имени для вашего арт-бизнеса ставит человека за искусство, и мы не можем сказать достаточно о важности построения эмоциональной связи с вашими покупателями. Гораздо сложнее отказаться от продажи, если они связывают ваше имя и историю искусства с произведениями искусства на столе.
Наконец, подумайте, какими вы хотите, чтобы вас запомнили. Было бы довольно странно, если бы Пикассо вошел в историю как абстрактное творчество, не так ли? Известных художников узнают по именам, так почему бы не убить одним выстрелом двух зайцев и начать известить свое имя.
О чем еще следует подумать?Обязательно укажите, чем вы занимаетесь, и помогите потенциальным покупателям найти вас в Интернете, добавив к своему имени ключевое слово, например «искусство», «художник», «изобразительное искусство» или «студия». Если у вас есть среда, которую вы разработали и собираетесь использовать в своей карьере, подумайте о добавлении и ее. Но имейте в виду, что если вы добавите «масляную живопись» или «пастель» в конце своего имени, это может стать ограничением, если вы когда-нибудь решите сменить среду.
Если ваше собственное имя слишком сложно произнести или слишком часто встречается, рассмотрите альтернативы.Например, имя, которое вы выберете для своего арт-бизнеса, может быть вашим полным именем со вторым инициалом, просто вашей фамилией в паре с словом «искусство» и так далее.
Помните, что название вашей компании не должно быть слишком длинным, поскольку вы будете использовать его для URL-адреса веб-сайта и аккаунтов в социальных сетях. Люди должны уметь это запоминать! И пока вы это делаете, убедитесь, что любые сокращения или инициалы, которые вы используете, являются подходящими.
Искусство Сары Смит может быть очевидным выбором, но, в конце концов, это может означать проблемы.
Наконец, вы всегда можете использовать более креативное название для предоставляемых вами услуг, например, подкаста или семинара, объясняет тренер по Art Biz Элисон Стэнфилд, если вы держите название своей компании рядом.
Будьте последовательныЧто бы вы ни выбрали, обязательно дважды проверьте — особенно перед тем, как распечатать какие-либо маркетинговые материалы, — что это еще не сделано. Мы уверены, что вы не хотите участвовать в каких-либо юридических баталиях. Кроме того, вам понадобится веб-сайт и учетные записи в социальных сетях с постоянным названием арт-компании, чтобы клиенты могли вас найти.Итак, посмотрите, что доступно, помните о своем бренде, и вы будете на пути к продаже своего искусства.
Организуйте свой арт-бизнес с самого начала. Подпишитесь на 30-дневную бесплатную пробную версию Artwork Archive сегодня.
Художник Сугвен Чанг сотрудничает и рисует с А.И. robots
НЬЮ-ЙОРК — Сугвен Чанг смотрит на своего молчаливого упрямого сотрудника со смесью нежности и легкой досады.
«Мне нужно отладить устройство», — говорит 35-летний художник.«Сегодня он не будет сотрудничать со мной». Она гладит серебристо-белое изобретение, как будто успокаивает ребенка. Ясно, что для нее это больше, чем «единица». Это роботизированная рука, которая рисует на основе искусственного интеллекта.
Знакомьтесь, Дуг. Полное название: Группа операций по рисованию, четвертое поколение. Чанг использует его и других роботов в своих произведениях искусства. Она и роботы вместе рисуют на больших холстах, частично работая в команде, частично в импровизированном танце.
В дни, когда еще не было коронавируса, Чанг вел эти представления с искусственным интеллектом перед живой публикой, на сцене или в галерее.В лондонской галерее Gillian Jason Gallery серия из четырех совместных работ Чанга с роботами оценивается в 100 000 фунтов, или более 131 000 долларов за изображение.
Однако из-за пандемии Чанг больше не выступает вживую. Она транслирует свои совместные работы с роботами из своей студии в выставочные залы — в августе Sorlandets Kunstmuseum в Норвегии провел несколько таких трансляций, где они стали временными видеоинсталляциями.
Чанг заняла свою нишу в расширяющемся мире искусственного интеллекта.Большая часть этого мира сосредоточена на цифровой стороне: графика, пиксели, программное обеспечение. Но у Чанга другое дело. Она заинтересована в партнерстве человека и машины и в том, как это ощущается в теле.
«Меня интересует как физический мир, так и цифровой, — говорит она, — а не столько упор на манипуляции с пикселями. Как эти системы могут влиять на нашу повседневную жизнь, а также на мышечную память и физическое пространство ».
Вот почему ей нравится, когда люди видят, как она и роботы рисуют вместе.Она называет свою работу «воплощенным ИИ», и она говорит о своем теле — наклоняется или стоит на коленях, держит кисть на холсте с помощью своих роботов, реагируя на их движения, как они реагируют на ее.
Меня интересовало физическое воплощение и то, как я себя чувствую, развивая мою собственную практику рисования, и в то время я не видел, чтобы роботы использовались совместно.
Sougwen Chung
Chung спроектировал и запрограммировал около двух дюжин Dougs по цене до 8000 долларов за единицу.Она загрузила первые с рисунками за 20 лет, сделав их экспертами в своих жестах. Дуг 4 еще более тесно связан с Чанг: он связан с данными ее мозговых волн, и это влияет на поведение робота. Когда она и ее роботы рисуют, они тесно связаны через общий банк знаний, а также через живые, актуальные визуальные и двигательные сигналы, как танцоры или музыканты.
В студии Чанга в Бруклине рука Дуга наклоняется над листом бумаги на столе, ее передний кончик находится прямо над поверхностью, готовый для использования с кистью.Гладкий и органичный на вид, этого Дуга можно было принять за биоморфную скульптуру. Можно сказать, что это и арт-объект, и арт-мейкер.
Картины, которые Чанг создала с помощью систем искусственного интеллекта, висят на залитых солнцем стенах ее студии: спиралевидные сине-белые облака; щупальца, которые вырастают и отступают; линии текучей среды сливаются в волнистую паутину. Некоторые вспоминают толстую каллиграфию, записи на тайном языке.
Они похожи на работы одного художника. Но так ли они? Это зависит от того, как вы думаете об ИИ.Это термин, который даже Чанг не решается принять.
Когда Сугвен Чанг и ее роботы рисуют, они тесно связаны через общий банк знаний, а также через живые, актуальные визуальные сигналы и сигналы движения. (Селеста Сломан для The Washington Post) Сугвен Чанг спроектировал и запрограммировал около двух дюжин Дуга по цене до 8000 долларов за штуку. (Селеста Сломан для The Washington Post)«Человеческий интеллект не изучен», — говорит она. «Отсутствие конкретности — не лучший способ думать о сложном наборе систем.
Она предпочитает называть своих роботов сотрудниками. Конечно, они не полностью воспроизводят творческий процесс человека, но и не просто выплевывают копии данных, которые им скармливает Чанг.
Вместо этого они могут генерировать интерпретации — например, расширять набор данных рисунков Чанга для создания своих собственных дизайнов. Они также могут спонтанно реагировать на линии и мазки Чанг, создавая с ней обратную связь об импровизированном, коллективном творчестве.
Чанг нарисовала картины на своих стенах с помощью мобильных Дуг, Второго и Третьего Поколений, которые передвигаются на колесах своими кистями, стекая краской.(Во-первых, ей нужно было придумать, как удержать колеса от скольжения по ней.) Многие из этих напольных устройств стоят на полках и столах по всей студии. Они круглые, размером с Roomba, с витыми проводами, маленькими моторами и компактным компьютерным устройством, известным как Raspberry Pi. В передней части каждой из них есть короткая жесткая кисточка для мела, похожая на щетку для бритья.
Одетая во все черное — уютная футболка, шаровары — Чанг больше похожа на танцовщицу, чем на технаря, с ее стройным телосложением и выразительными тонкими руками.Она беспокоится о том, чтобы показаться «слишком похожей на ботаника», когда она указывает на особенности роботов.
Хотя она говорит тихо и ведет себя спокойно, Чанг немного любит адреналин. Ей нравится хаос, она счастлива бросить контроль по ветру. Иначе зачем ей выбрать этот путь, отворачиваясь от безопасной, созерцательной работы в своей студии, чтобы построить карьеру из рискованных групповых проектов на виду у публики, с непредсказуемыми алгоритмами и склонными к сбоям машинами, требующими большого объема обслуживания (глядя на вас, роботы- arm Doug), требующие постоянных калибровок?
Для Чанга настойчивость при устранении технических сбоев не является чем-то новым.Она выросла на стыке искусства и технологий; ее отец был оперным певцом, а мать программистом. Родившись в Гонконге, они эмигрировали в Торонто, где родился Чанг. Она изучала скрипку, научилась программировать и начала разрабатывать веб-сайты в начальной школе.
Еще она увлекалась рисованием, хотя в то время не мечтала о карьере художника. Тем не менее, ей настолько нравились ее работы, что она держалась за свои ранние наброски и за все, что с тех пор. (Это высокоорганизованный человек.)
«Практика рисования, — говорит она, — это то, что я всегда хранила при себе, всю свою жизнь».
Во время исследовательской стажировки в MIT Media Lab Чанг открыл для себя робототехнику. Это был способ соединить науку и искусство и развить ее зарисовки.
[Эти художники превращают онлайн-дезинформацию в искусство. Или все наоборот?]
«Меня интересовало физическое воплощение, и каково было бы развить мою собственную практику рисования, — говорит она, — и я не видела, чтобы роботы использовались совместно при этом. время.Я хотел попробовать что-то меньше о роботах, выполняющих существующий код, и больше о совместной работе ».
В 2014 году она начала сотрудничество с машинами, которое в конечном итоге включило ИИ. «Это был просто странный эксперимент», — говорит Чанг, вспоминая первую систему искусственного интеллекта, которую она построила и закодировала. «Каково было бы иметь сотрудника по рисованию, который был нечеловеческой машинной сущностью? Что это повлияет на мой процесс? »
Звучит как логическое развитие — от ребенка-художника и программиста до профессионального художника, создающего собственных роботов.Тем не менее, Чанг говорит, что ничто из этого не казалось очень ясным, поскольку она ощупывала свой путь в это новое царство.
Сугвен Чанг говорит, что предпочитает называть своих роботов сотрудниками. (Селеста Сломан для The Washington Post)«Я наткнулась на свой путь», — говорит она. Ее подтолкнули не столько технологии, какими бы увлекательными они ни были, а стремительный рост производительности. Вот что ей нравилось в детстве в игре на скрипке.
«Я хотел вернуть тело в творческий процесс, мышечную память и жесты, которых не хватало в моей практике, и ту энергию, которую вы создаете с аудиторией.
Майя Индира Ганеш, исследователь технологий из Университета Леофана в Люнебурге, Германия, говорит, что работа Чанг выделяется тем, что она отвергает преобладающие представления о роботах и ИИ, и ей комфортно со своей склонностью к ошибкам.
«Сугвен говорит:« Как мы переосмыслим эти границы и различия, которые должны существовать между людьми и машинами? », — говорит Ганеш по телефону из Берлина. В галереях «большая часть искусства искусственного интеллекта, которое вы видите, обычно проста и понятна, как наблюдение за вычислениями.Это фетишизация машины. Мы считаем, что эти системы должны быть безупречными и безупречными. Но Сугвен очень хорошо владеет этой технологией, и она рассказывает о своих незавершенных и незавершенных работах. … Она показывает нам, что человек — очень важная часть процесса ».
Современный человек окружен умными технологиями, телефонами и машинами, и я хочу использовать их как источник вдохновения, глядя на то, какими могут быть будущие художественные практики.
Sougwen Chung
Процесс.Подумайте об экспериментальном театре. Как правило, Чанг и Дуг выступают в затемненном пространстве галереи, когда зрители (до пандемии) собираются вокруг холста, освещенного на полу. Часто бывает музыка и атмосферное освещение, а робот как бы ползает.
« Покраска , раскраска», — говорит Чанг, с улыбкой внося твердую коррекцию.
Конечно. Это картина. (У одного из Дагов, сидящего рядом с ноутбуком Чанга, пока мы смотрим видео с ее выступлениями, все еще есть засохшая бело-голубая краска на маленькой кисточке.) Дуг отбрасывает блестящие цветные полосы, а Чанг встречает свою собственную, и так далее, художник и машина по очереди читают нарисованные выражения лица друг друга и строят на них. Робот управляется системой искусственного интеллекта, известной как рекуррентные нейронные сети.
«Это скорее звонок и ответ», — говорит Чанг. «Я могу вводить различные штрихи, и машина может на это реагировать. Так что на самом деле речь идет об этом взаимодействии. Но дело также не в том, чтобы заставить машины что-то делать. Если вы понимаете, о чем я? Это всегда связано с обратной связью в этом сотрудничестве.
Сугвен Чанг рисует в своей бруклинской студии. (Селеста Сломан для The Washington Post)Взаимодействие. Сотрудничество. Язык Чанг показывает, как она думает об ИИ. Это не ее раб. Она не всегда босс.
«Я много думаю о нарративах, которые мы рассказываем себе о технологиях, и о том, почему у нас есть такие рассказы», - говорит она. «И я думаю, что на них действительно повлияли научная фантастика и поп-культура. И это имеет тенденцию быть сверхмаскулинным, гипер-антиутопическим. Вот почему у нас есть все эти по-настоящему сенсационные истории об искусственном интеллекте, вроде того, собирается ли он захватить человечество? Откуда мы это взяли? Мы получаем это из «Матрицы.’
«Я не подписываюсь под этим рассказом, — продолжает она. «Я думаю, что это создает очень враждебную, мощную динамику с технологиями».
В выступлениях сочетается все: ее технический опыт, ее искусство, опыт всего тела. После всего программирования и калибровки именно через эти импровизированные опыты рисования с ее сотрудниками ИИ Чанг вернула состояние потока, которое она любила как музыкант.
«Там, где вам не нужно думать о запятых в коде, — говорит она, — но вы можете просто быть в нем.… Было ощущение исследования и удивления, что я плыл. Это было очень живо и живо, как танец ».
Ее работа продолжает развиваться. В недавнем проекте она загрузила своих роботов общедоступными записями наблюдения пешеходов, пересекающих улицы Нью-Йорка. Она извлекла определенные потоки данных, чтобы запечатлеть физическое движение толпы в Нью-Йорке до коронавируса. С помощью роботов она превратила эту оцифрованную суматоху в рисование. В будущих проектах Чанг надеется привлечь публику к своему процессу и даже к своему холсту, чтобы рисовать вместе с роботами.
«Мне интересно узнать, как бы машина рисовала, — говорит она, — если бы мы все участвовали в наборе чертежей».
В конечном итоге Чанг хочет использовать технологии искусственного интеллекта для объединения людей. Однако теперь, когда из-за коронавируса мы все практикуем социальное дистанцирование, она видит другие возможности: способы для зрителей дистанционно испытать искусство искусственного интеллекта, например, потоковые выступления.
«Пикассо использовал инструменты своего времени», — говорит она. «Мне интересно использовать технологии, которые определяют наш текущий момент, как способ понять, как они работают в нашей жизни.Современный человек окружен умными технологиями, телефонами и машинами, и я хочу использовать их как источник вдохновения, глядя на то, какими могут быть будущие художественные практики ».
«Всегда есть вероятность неудачи», — говорит Чанг. «С этой динамикой, которую я исследовал, речь идет о неожиданностях. И это меня очень интересует ».
«Пикассо использовал инструменты своего времени», — говорит Сугвен Чанг. «Мне интересно использовать технологии, которые определяют наш текущий момент, как способ понять, как они работают в нашей жизни.»(Селеста Сломан для The Washington Post)ПОРТРЕТ: Художник, который рисует буквами
Дизайнер Роберто де Викк де Камптич воспользовался возможностями использования шрифтов для иллюстрации изображений.
Роберто де Викк де Камптич
К список великих материалов для изобразительного искусства — глина и мрамор, масляные краски, акварель и т. д. — возможно, пришло время добавить запись: шрифты. По крайней мере, это послужило бы причиной карьеры Роберто де Викка де Камптиха, опытного профессионала. дизайнер обложек книг и детский автор, который создает типографские портреты известных авторов из букв, цифр и знаков препинания, используя изобретательный, игривый метод, основанный на истории изобретательных игривых портретов.
Его первая детская книга, Bembo’s Zoo (Генри Холт) 2001 года, началась как рождественский подарок для его маленькой дочери. Это иллюстрированный алфавит, который показывает детям, как сочетать буквы и звуки с именами животных. «Я пытался учить португальскому языку свою тогда еще двухлетнюю дочь», — сказал мне де Вик, бразилец, живущий в Нью-Йорке. «Не было двуязычных алфавитных книг, которые мы могли бы использовать для обоих языков». Например, он указал, что «А» означает «Аллигатор» на английском языке, но на португальском языке это же животное — Жакаре.Поэтому он создал свой собственный абекедарий, в котором начальная буква каждого животного одинакова на обоих языках.
«Так как я считаю себя графическим дизайнером, а не иллюстратором, животные были созданы с использованием шрифта под названием Bembo, глифы которого очень хорошо работают как в большом, так и в маленьком размере, плюс Bembo — забавное слово для маленьких детей, » он сказал. Он ограничил свои портреты животных составлением только букв в имени животного и даже сделал типографское изображение самого себя вместо типичной мягкой фотографии автора.
Ему быстро открылся дальнейший потенциал шрифта как искусства: «После этого я начал создавать портреты известных писателей с использованием разных шрифтов, отдавая дань уважения тому факту, что буквы являются основным элементом работы писателя». Он ограничился узнаваемыми людьми, используя только буквы (плюс некоторые знаки препинания) имени конкретного автора. Стиль шрифта, который он использовал, должен был передать индивидуальность и указать период, в котором жил писатель. Франц Кафка, например, был вылеплен из Ruzena Antiqua, чтобы передать ощущение еврейской гравюры на дереве.«Что касается Пруста, он сказал, что шрифт Auriol выражает французский Belle Epoque . В 2008 году эти портреты были собраны в изданиях Men of Letters и People of Substance (David Godine Publishers). Он также использовал некоторые из тех же портретов в рекламных материалах. книга и веб-сайт Adobe под названием Words at Play .
«Часть удовольствия состоит в том, чтобы иметь жесткий набор ограничений, — сказал де Вик. — В противном случае решения станут произвольными, а работа потеряет смысл. Все буквы должны быть от имени писателя.Единственными двумя исключениями являются то, что я позволяю себе использовать отчество автора (хотя иногда оно может быть малоизвестным) и некоторые знаки препинания того же шрифта, чтобы решить некоторые проблемы, которые не может решить плохая буквенная форма ».
Хотя его методы новы, типографские изображения Де Вика следуют традициям художника-маньериста Арчимбольдо, портреты аллегорических фигур, сделанные из таких предметов, как фрукты, овощи и животные, но не шрифты. Исторические прецеденты для Зоопарк Бембо включают Любопытный Джордж узнает Алфавит Х.А. Рей и Маргрет Рей, которые играют с буквенными формами, чтобы определить аспекты животных (например, «А» для «Аллигатора» использует эту букву в качестве пасти). «Не совсем в том же духе, но с той же чувственностью работы двух моих героев дизайна Шигео Фукуда и Иштвана Оросса», — сказал он, и действительно, каждая фигура демонстрирует трансформирующую сюрреалистическую мистику в своей работе.
Требуется зрение, чтобы точно представить, как человеческое лицо появится из беспорядка цифровых шрифтов. «В начале каждого портрета я всегда боюсь, что это не сработает, а иногда и нет», — сказал де Вик.Неудача часто происходит из-за того, что у писателя нет единственной черты, которая определяла бы его лицо — «или его имя слишком короткое». Он изучает фотографии, ищет характерные черты, а затем находит наиболее подходящий шрифт для каждой личности. «Я собираю все буквы их имени, как в верхнем, так и в нижнем регистре, и начинаю играть». Различия в размере шрифта сведены к минимуму для создания равномерного контраста. Некоторые комбинации не работают: «Я избегаю плохо нарисованного шрифта и слишком богато украшенных или сложных шрифтов на дисплее.«Но в конечном итоге наступает момент, когда все складывается вместе — как, скажем, буквы в слове.
Самый старый рисунок в мире — это цветной карандаш каменного века
Когда-то в каменном веке художники-люди начали экспериментировать с новой формой визуального искусства: рисованием. Теперь из древних обломков, накопившихся на полу южноафриканской пещеры, появился самый ранний известный пример — абстрактное произведение мелком на камне, созданное около 73000 лет назад.
«Если есть какой-то момент, когда можно сказать, что символическая активность возникла в человеческом обществе, так это он», — говорит Пол Петтитт, археолог из Даремского университета в Великобритании, не участвовавший в открытии.Находка описана в статье, опубликованной 12 сентября в журнале Nature 1 .
Доисторические люди ( Homo sapiens ) жили в пещере Бломбос в Южной Африке и вокруг нее между 100 000 и 72 000 лет назад. Более ранние раскопки уже показали, что это была группа искусства: археологи обнаружили на этом месте бусинки, сделанные из раковин морских улиток, а также куски костей и куски охры — глиняного минерала, богатого оксидом железа — с выгравированными геометрическими узорами.
Археологи, работавшие на этом месте, в том числе Кристофер Хеншилвуд из Бергенского университета в Норвегии, также обнаружили намеки на то, что древние жители пещеры были заядлыми художниками. В 2011 году команда объявила, что обнаружила древний художественный «набор инструментов», в который входила пара больших раковин улиток, содержащих остатки краски, насыщенной охрой. 2 .
Древние люди рисовали на этой скале охристым мелком. Предоставлено: Henshilwood et al., Nature 2018
.#StoneAgeArt
Теперь ученые знают, что пещерные жители каменного века тоже любили рисовать.В отложениях возрастом 73000 лет на этом месте Хеншилвуд и его коллеги обнаружили гальку длиной четыре сантиметра, пересеченную девятью линиями. Линии, кажется, были нарисованы охристым мелком, а не нарисованы на поверхности. Работа дала исследователям первое представление о том, как доисторические жители пещеры Бломбос использовали охру в качестве пигмента.
«С помощью инструментария мы реконструировали процесс изготовления краски, но мало знали о том, для чего она используется», — говорит Хеншилвуд.«С помощью этого объекта мы можем до некоторой степени изучить конечный продукт».
Но это неполный обзор. Каменная галька когда-то была частью более крупного точильного камня — точного размера точно сказать невозможно, по словам исследователей, — и рисунок мог первоначально покрывать большую часть гладкой шлифовальной поверхности.
Член группы Франческо д’Эррико, археолог из Университета Бордо, Франция, говорит, что заштрихованные линии карандашом напоминают узоры, выгравированные на предметах, ранее обнаруженных в пещере.«Знак был воспроизведен разными способами на разных носителях», — говорит он. Это говорит о том, что оно имело символическое значение, хотя значение неизвестно.
«Даже в наши дни мы иногда не понимаем, почему художник создает произведение искусства».
Ваш браузер не поддерживает аудио элементы.Алистер Пайк, археолог из Саутгемптонского университета, Великобритания, считает, что последняя находка дает более четкое свидетельство искусства каменного века, чем некоторые другие открытия в Бломбосе и других местах.Пайк говорит, что невозможно доказать, что абстрактные «гравюры» были произведениями искусства, а не просто следами, оставленными кем-то, затачивающим инструмент на более твердую поверхность. «Рисование с использованием пигмента демонстрирует более высокий уровень преднамеренности», — говорит он.
Первые художники?
Это достижение, которое неандертальцы могли достичь примерно на одном и том же этапе в доисторические времена. Ранее в этом году команда, в которую входили Пайк и Петтитт, опубликовала доказательства того, что неандертальцы, живущие в пещерах на территории современной Испании, рисовали на стенах по крайней мере 65000 лет назад 3 — хотя некоторые исследователи с тех пор подвергли сомнению возраст произведений искусства: 4 .
Может показаться удивительным, что ранние люди и неандертальцы, по-видимому, начали рисовать примерно в одно время. Это время могло быть просто совпадением, говорит Эйприл Ноуэлл, археолог из Университета Виктории в Канаде. По ее словам, такие находки необычны, поэтому будущие открытия могут увеличить промежуток времени между происхождением рисунка у двух видов.
Нет ничего удивительного в том, что оба вида научились выражать себя посредством рисования, говорит Ноуэлл.Она говорит, что «современное» поведение людей развивалось постепенно, и другие родственные виды вполне могли сами развить элементы репертуара. «Неудивительно, что аспекты разделяются с другими линиями передачи», — говорит она.
.