Стили и жанры китайской живописи
История китайской живописи насчитывает, по меньшей мере, пять тысячелетий. Она обладает уникальными национальными особенностями, сформировавшимися в ходе становления китайской культуры. Определенную роль в этом сыграло взаимодействие китайской живописи с философией, литературой и другими формами китайского искусства (каллиграфией, промышленными видами искусства, архитектурой, а так же с самой историей Китая). Несмотря на схожесть с западной живописью в эстетическом плане, в китайской живописи есть множество независимых разработок.Размышляя над сюжетом и обдумывая композицию, китайский художник выражает свои мысли ясно, но тонко, делая интенсивным лишь то, что он считает наиболее важным. Помимо необходимых деталей, связанных с самим сюжетом, он оставляет большой участок свободного фона. В китайской живописи формы определяются линиями, а такие детали, как свет и тень благополучно опускаются.
Сюжеты китайской живописи варьируются от изображения реки Янцзы до маленькой букашки или цветка.
Китайская живопись не только составляет неотъемлемую часть истории Китая, но и является важным фактором развития мировой культуры. Более чем тысячу лет она оказывала существенное влияние на искусство многих стран Азии и Европы.
В Китае художники, как правило, прекрасные каллиграфы и очень часто — поэты, что для европейца может показаться непривычным и необычным. Самыми простыми линиями китайские живописцы создали произведения высокого художественного совершенства. Такое мастерство неотделимо от техники владения кистью, совершенствующейся на протяжении многих веков.
Китайская тушь, применяемая для живописи и каллиграфии, по качеству во многом превосходит европейскую тушь. В Китае всегда используют плитки первосортной туши, с черным лаковым блеском. Растирая плитки с водой до густой или жидкой консистенции, получают тушь, с помощью которой художники создают большое разнообразие тонов. С европейской тушью такого художественного эффекта достичь невозможно. В Китае тушь сама по себе является ценным произведением искусства и предметом коллекционирования.
В древности литераторы и живописцы предпочитали пользоваться брусочками туши изящной формы с изысканными узорами. Великие мастера древней живописи зачастую собственноручно наносили тушью контуры рисунка, а накладывать цвета поручали своим ученикам. Есть картины, выполненные только тушью и водой, например, работы известного живописца конца XVII в. Бада Шаньжэня (Чжу Да), который в совершенстве владел эффектом, создаваемым тушью и водой. Он писал тушью, но, меняя ее наслоение, заражал зрителя своим восприятием изображаемого, создавая одноцветную оттеночную живопись. За тысячелетия китайская живопись выработала свой лаконичный художественный язык. В китайской живописи растения символически изображают четыре времени года, а луна или свеча — глубокую ночь. В ней очень редко изображают конкретное время суток, ясность или пасмурность погоды. Такого рода язык символов, лишенный предметной реальности, близок и понятен истинному ценителю китайского искусства. Иногда изображенное на картине конкретное время суток определяется стихотворной строчкой, усиливающей ассоциацию зрителя.
Например, нарисовав нежный цветок мэйхуа (цветок сливы), художник сбоку наносит кистью стихотворную строчку: «Легкий аромат расплывается в бледном свете луны». Конкретное время передается содержанием картины с изображением и стихотворной строчкой. Китайская живопись — это такой вид искусства, который невозможен без своего рода «соучастия» автора и зрителя. Картина настоящего художника пробуждает в зрителе множество мыслей и чувств.
Китайские картины пишутся тушью, минеральными и растительными красками типа акварели на шёлке, рисовой или тутовой бумаге.
В китайской живописи существует два стиля, широко распространенных в Китае и взаимно дополняющих друг друга: гунби и сеи.
Для картин в стиле «гунби» («тщательная кисть») характерно наличие тщательно выписанных контурных линий, обрисовывающих предметы и детали, на картинах такого стиля можно сосчитать волоски в бороде у старца. Иногда этот стиль так и называют «стилем четких линий».
Сделав контур, художник закрашивает рисунок минеральными красками.
Такие краски весьма долговечны и создают яркий колер, картины в стиле «гунби» выглядят очень декоративно. Именно в стиле «гунби» работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцов императора и знати.
В отличие от картин «гунби» в картинах, написанных в стиле «сеи» («передача идеи»), как правило, отсутствуют четкие контурные линии, картины написаны непосредственно нанесением тушью «фактуры» изображаемого предмета. Художник больше заботится о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей. Стиль «сеи» называют также стилем «грубой кисти» или свободной манерой. Художники этого стиля нередко прибегали к таким приемам, как обобщение, гиперболизация, ассоциация.
Именно в стиле «сеи» работали художники, писавшие экспромтом, по наитию, под влиянием сиюминутного настроения. Картины в стиле «сеи» трудно поддаются копированию и имитированию. В большинстве случаев художники «сеи» писали тушью в черно-бело-серых тонах, благодаря чему их картины выглядят не столь пышно, как выглядят картины в стиле «гунби», но зато им присущи скрытая экспрессия и неподдельная искренность.
В более зрелый период китайской живописи картины в стиле «сеи» заняли доминирующее положение. На раннем этапе китайской живописи (до 12-го века) почти безраздельно господствовал стиль «гунби», на среднем и позднем этапах стал преобладать стиль «сеи». Стиль «гунби» был обязательным для профессиональных художников (художников, писавших по заказу и живших за счет своего труда), тогда как стиль «сеи» оказался предпочтительным у художников-интеллектуалов. Разумеется, было немало художников, которые применяли приемы «гунби» и «сеи», их картины занимают как бы промежуточное место между указанными стилями.Позднее, когда дороги с Запада были открыты, был введен новый термин для живописи в свободной манер, — гохуа. Термин Гохуа (буквально, «живопись [нашей] страны», или как сокращение от Чжунго хуа (中国画), «Китайская живопись») был введён в конце XIX — начале XX века как противопоставление сиянхуа (西洋画), то есть — западной («заморской») живописи. Используется также название шуймохуа (水墨画), то есть «живопись тушью», в противопоставление юхуа (油画), то есть «масляной живописи».
В традиционной китайской живописи установились определенные жанры: пейзаж «горы и воды», живопись «цветов и птиц», портрет и анималистический жанр (изображение животного мира). Некоторые художники искусны в пейзаже «горы и воды», но профаны в портрете или живописи «цветов и птиц». Иные, специализируясь на портретах или в жанре «цветов и птиц», уже не берутся за другое. Более того, есть художники, которые, работая в жанре «цветов и птиц», предпочитают изображать только цветок мэйхуа или бамбук. Такого рода «специализацию» редко встретишь в традиционной европейской живописи, хотя они и подразделяется на портрет, пейзаж, натюрморт и другие жанры. «Специализация» эта хороша тем, что позволяет художнику глубже проникнуть в сущность изображаемого предмета и достигнуть большего совершенства в его передаче. Так, например, знаменитый художник XVIII в. Чжэн Баньцяо всю жизнь рисовал лишь бамбук, орхидеи и камни.
Baimao.ru
Коротко и просто: 3 жанра в живописи Китая | Oriental Mos Gallery
Три основных жанра китайской живописи окончательно сложились уже к Xв.
нашей эры и в искусстве Китая это разделение поддерживается до сих пор.
Появлялись жанры не одновременно: согласно традиционной версии истории искусства Китая, они вытекали друг из друга в следующем порядке:
Самые старинные образцы живописи в жанре «Люди» — храмовые росписи и произведения Гу Кайчжи.Фрагмент свитка Гу КайчжиХрамовая настенная росписьСамые старинные образцы живописи в жанре «Люди» — храмовые росписи и произведения Гу Кайчжи.
1. Жень У — жанр «человеческие существа / люди»— начинается с творчества Гу Кай-чжи (первый исторически подтвержденный китайский художник, 345 — 406г.). Этот жанр занимает ведущее положение вплоть до Xв.
Посмотрите примеры картин в жанре «Люди» Классического периода (в период династий Тан (618 — 907 г.) до Мин (1368 — 1644 г.) — здесь в основном используется более ранний «традиционный» линейный стиль рисунка, позднее сформировавшийся в стиль «Гунби — Тщательная кисть».
Фрагменты картин эпохи Тан (618 — 907 г.) — в это время распространен формат длинного горизонтального свитка. Картины пишутся на шелке, тушью и минеральными красками. — Wu Daozi (吳道子, ca. 680-759)
А вот примеры уже более поздней живописи в стиле «Живопись Идеи»:
Современные художники экспериментируют и развивают оба направления, в том числе используют древние приемы:
Картины современных художников на сюжеты классической китайской литературы в стилях «Тщательная Кисть» и «Живопись Идеи».Картины современных художников на сюжеты классической китайской литературы в стилях «Тщательная Кисть» и «Живопись Идеи».
2. Шань-Шуй «Горы и воды» (пейзаж)— этот жанр выявился в самостоятельный во времена династии Тан (618-907), а окончательно сложился в XIVв.
Причем, основной период становления этого жанра пришелся на X-XI в. До сих пор неизвестно, был ли жанр пейзажной живописи самостоятельным изначально, или выделился в таковой из жанра «Люди».
Zhan Ziqian (展子虔, fl. late 6th c.) Spring Excursion (遊春圖) «Весенние прогулки» считается не только самым старинным пейзажем, но и самой старинной сохранившейся оригинальной картиной в китайской живописи.
Известно одно — » Традиционный Пейзаж» самое узнаваемое культурное достижение искусства Китая. Большая часть картин, входящих в состав «Шедевров Национального Достояния» выполнено именно в этом жанре.
Классические шедевры пейзажной живописи:
Jing Hao: Mount Kuanglu (荊浩, ca. 880–940), Five Dynasties PeriodLikely painted in 11th or 12th c., Song Dynasty (960–1279) Hanging scroll, ink on silk, 185.
8 x 106.8 cmNational Palace Museum, Taipei Li Zhaodao (李昭道, fl. early 8th c.) «Путники в весенних горах»Li Sixun (李思訓, 651–716) «Лодки в укрытии»Jing Hao: Mount Kuanglu (荊浩, ca. 880–940), Five Dynasties PeriodLikely painted in 11th or 12th c., Song Dynasty (960–1279) Hanging scroll, ink on silk, 185.8 x 106.8 cmNational Palace Museum, Taipei
Современное развитие жанра:
Shitao: Searching for Immortals (1642-1707), Qing Dynasty (1644-1911) Album of eight leaves, ink and color on paper, 18.3 x 27.3 cm, The Metropolitan Museum of Art, New YorkShen Zhou (沈周, 1427–1509) «Поэт на вершине горы»; Ming Dynasty (1368-1644) Album leaf, ink on paper, 38.7 x 60.3 cm, The Nelson-Atkins Museum of Art, Kansas City, MissouriZhang Daqian (張大千, 1899–1983), original name Zhang Yuan (張爰)Shitao: Searching for Immortals (1642-1707), Qing Dynasty (1644-1911) Album of eight leaves, ink and color on paper, 18.3 x 27.3 cm, The Metropolitan Museum of Art, New York
3.
Хуа Няо «Цветы и птицы»— появление этого самого распространенного в настоящее время жанра относят к XI в. Он имеет большое количество поджанров, включает в себя также изображение всех видов животных, птиц, растений, насекомых и морских обитателей.
Считается, что на него так же оказало большое влияние течение «Живописи Интеллектуалов», которое имеет превалирующее значение вплоть до сих пор. Однако, «Цветы и Птицы» исполняются не только в стиле «Живопись Идеи», но и в более старинном стиле «Тщательная Кисть», а так же его совсем современных вариантах «гипер-объемного» изображения.
Примеры в стиле «Се И — Живопись Идеи» — пост-классические и современные:
Примеры в традиционном стиле «Гун Би — Тщательная Кисть» («Древний стиль» и современная интерпритация)
Внутри каждого из жанров существует достаточно разветвленное внутреннее деление, описывающие различные предметы и темы.
Внимательный зритель заметит, что в Китайской живописи отсутствует название жанра «Натюрморт», очень распространенный на Западе.
Дело в том, что понятие «мертвой природы» противоречит одной из философских основ китайской культуры «утверждение жизни». Несмотря на то, что мы все таки часто встречаем изображения предметов, фруктов и срезанных цветов, относятся они к жанру «Люди», вернее его поджанру «люди и вещи».
К более подробному делению каждого из 3-х основных жанров китайской живописи мы еще будем обращаться в отдельных статьях.
________________________________________________
Автор: Рудина Валерия
Приготовлено специально для информационных публикаций «Первой Московской Галереи Восточной Живописи» (с) mos.gallery
При полном или фрагментарном использовании текста публикаций — указывайте, пожалуйста, ссылку на источник.
КИТАЙСКАЯ ЖИВОПИСЬ ХУА-НЯО: ЗАШИФРОВАННЫЕ СМЫСЛЫ | Опубликовать статью ВАК, elibrary (НЭБ)
КИТАЙСКАЯ ЖИВОПИСЬ ХУА-НЯО: ЗАШИФРОВАННЫЕ СМЫСЛЫ
Научная статья
Сун Чанлун *
ORCID: 0000-0003-3123-5235,
Белорусский государственный университет культуры и искусств, Минск, Республика Беларусь
* Корреспондирующий автор (346069662[at]qq.com)
Аннотация
Статья посвящена исследованию символических значений картин в жанре хуа-няо («цветы и птицы») – одного из основных жанров традиционной китайской живописи. Обосновывается идея о том, что многие картины рассматриваемого жанра содержат в себе своеобразные ребусы. Выявляется связь между иносказательными смыслами живописных образов и спецификой китайского языка. В статье раскрывается символика наиболее распространенных в жанре хуа-няо изображений птиц (журавля, утки, цапли, петуха, сороки, перепела, ласточки).
Ключевые слова: жанр хуа-няо («цветы и птицы»), китайская живопись, китайский язык, омофония, образы птиц, символика, ребус.
CHINESE BIRD AND FLOWER PAINTING (HUA-NIAO): ENCRYPTED MEANINGS
Research article
Sun Chanlun *
ORCID: 0000-0003-3123-5235,
Postgraduate Student of the Belarusian State University of Culture and Arts, Minsk, Republic of Belarus
* Corresponding author (346069662[at]qq.com)
Abstract
The article is devoted to the study of the symbolic meaning of the hua-niao paintings (“bird and flower painting”) – one of the main genres of the traditional Chinese painting. The paper substantiates the idea that many pictures of the genre in question contain peculiar puzzles. The connection between the allegorical meanings of images and the specifics of the Chinese language is revealed. The article discusses the symbolism of the most common images in the genre of hua-niao – the images of birds (crane, duck, heron, rooster, magpie, quail, swallow).
Keywords: hua-niao genre (“bird and flower painting”), Chinese painting, Chinese language, homophony, images of birds, symbolism, rebus.
Введение
Актуальность исследования продиктована возросшим интересом к проблеме истолкования визуальных художественных образов, важностью символики в национальных культурах, неповторимой семантикой и уникальными смыслами живописных образов жанра хуа-няо, а также обусловлена отсутствием в русскоязычном искусствознании теоретических работ, посвященных выявлению глубинных связей между символикой образов жанра хуа-няо и спецификой китайского языка.
Цель исследования – раскрыть символику художественных образов в жанре хуа-няо («цветы и птицы»).
Для достижения поставленной цели были определены следующие задачи: 1) раскрыть особенности китайского языка; 2) на конкретных примерах показать взаимосвязь между символикой изображений на картинах жанра хуа-няо и спецификой китайского языка.
Основная часть
«Скрытые» смыслы картин в жанре хуа-няо
Китайская живопись хуа-няо («цветы и птицы») характеризуется уникальной системой символических значений и мотивов, которые идеализировались и сохранялись практически неизменными на протяжении всей китайской истории [8].
Эпоха династии Мин (1368–1644 гг.) стала началом активного использования китайскими художниками в своих произведениях таких художественных приемов, как метафоризм и символика образов [10]. Живопись жанра хуа-няо содержит целый набор символов и иносказаний, без понимания которых невозможно постичь смысл произведений.
Некоторые символические значения картин в жанре хуа-няо основаны на метафорическом сходстве признаков изображаемого объекта и ассоциируемого с ним другого объекта, в то время как значительное количество изображений на картинах жанре хуа-няо приобретает символическое значение в результате смысловой и звуковой игры слов. Многие картины жанра хуа-няо содержат в себе своеобразные ребусы, для «разгадывания» которых необходимо понимать специфику китайского языка [3].
Особенностью китайского языка является организация согласных и гласных в ограниченное количество тонированных слогов фиксированного состава. В то же время китайская иероглифическая система записи, где каждый из иероглифов обозначает отдельный слог и отдельную морфему, насчитывает более 80 тысяч иероглифов [1].
В результате, многие китайские иероглифы имеют одинаковое произношение, то есть являются омонимами.
Двойной смысл многих картин в жанре хуа-няо обусловлен многозначностью фонем в китайском языке. Китайские художники могут использовать изображения цветов, птиц, животных, растений, насекомых камней и других объектов в качестве замены слов, сходных по звучанию с названием изображаемого объекта, что формирует своеобразный визуальный язык, позволяющий художникам воплощать свои мысли, настроения, а также выражать благоприятные пожелания счастья, многочисленного потомства, богатства, долголетия и др. [2]. Так, изображение летучей мыши представляет собой пожелание счастья, так как иероглиф 蝠 (пиньин: fú, летучая мышь) созвучен иероглифу 福 (пиньин: fú, счастье).
На примере наиболее часто встречающихся образов птиц в жанре хуа-няо рассмотрим подробнее их символические значения, основанные на омофонии, широко распространенной в китайском языке.
Изящный журавль – один из самых распространенных мотивов на картинах жанра хуа-няо.
Журавль, так же как сосны и камни, символизирует долголетие, а также мудрость. Иероглиф 鹤 (пиньин hè, «журавль») выступает омофоном для иероглифа 合 (пиньин hé, «мир, гармония»). Вышивка с изображением журавля составляла часть регалий высшего ранга императорских чиновников [9]. Иероглиф 鹳 (пиньин guàn), используемый для обозначения как аистов, так и журавлей, созвучен иероглифам 官 (пиньин guān, «чиновник») и 冠 (пиньин guàn, «занимать первое место»), поэтому изображение журавля может символизировать желание продвижения на высшую официальную должность.
Журавль (鹤 hè) и лотос (荷 hé), изображенные вместе, представляют собой пожелание мира и гармонии (和 hé), так как все три иероглифа также являются омофонами.
Как правило, журавль изображается одиноко стоящим на одной ноге в водах прилива, что также можно понимать как ребус, поскольку иероглифы 潮 (пиньин cháo, «морской прилив») и 朝 (пиньин cháo, «династия, императорский двор», а также «быть на аудиенции у императора») имеют одинаковое произношение.
Следовательно, изображение журавля, стоящего в водах прилива, представляет чиновника высшего ранга, находящегося на аудиенции у императора. Изображение журавля, стоящего на камне, символизирует достижение чиновником высшего ранга. Кроме того, само выражение 独立 (пиньин dúlì «стоять обособленно») созвучно другому иероглифу 独力 (пиньин dúlì, «своими силами, самостоятельно, без посторонней помощи»), в связи с чем изображение одиноко стоящего журавля является символом чиновника, сумевшего сдать государственные экзамены на должность в корпусе высших чиновников и получившего свое высокое звание благодаря усердию в учебе.
Левая часть иероглифа 鸭 (пиньин yā, «утка») отдельно читается как jiă (甲) и обозначает «первый» (то есть «первый класс» или «лучший»). Изображение двух уток с лотосом основано на игре слов 莲 (пиньин lián, «лотос») и 连 (пиньин lián, «подряд, один за другим»), а также на сходстве написания иероглифов. Таким образом, изображение пары уток в сочетании с лотосом выражает пожелание всегда быть первым (лучшим) (连甲, пиньин liánjiă, «постоянно быть первым»), например, при сдаче экзаменов на получение государственной должности.
Образ цапли часто присутствует в китайских стихах вместе с болотами и озерами, где она любит обитать. Кроме того, цапля – распространенный мотив в картинах жанра хуа-няо.
В китайском языке иероглиф 鹭 (пиньини lù), обозначающий цаплю, созвучен с такими иероглифами, как 禄 (пиньини lù, «жалованье, доход; служебное благополучие»), а также 路 (пиньини lù, «дорога, путь»).
Цапля среди лотосов отражает конфуцианскую идею о добродетельном чиновнике. Данное изображение можно также расшифровать как пожелание «постоянного успеха на пути продвижения по службе», где цапля – это зашифрованное обозначение пути и служебного благополучия, а лотос 莲 (пиньин lián) соответствует значению «постоянно» 连 (пиньин lián, «подряд, один за другим, беспрерывно, неоднократный»).
Изображение цапли и рыбы также представляет собой благопожелательный символ, поскольку иероглиф 鱼 (пиньин yú, «рыба») омофоничен иероглифу 余 (пиньин yú, «избыток; остаток, излишек»), поэтому изображение цапли и рыбы на картине является пожеланием финансового благополучия (то есть «жалованья в избытке»).
Изображение петуха является благопожелательным символом, так как вторая часть иероглифа 公鸡 (пиньин gōngjī, «петух») созвучна с иероглифом 吉 (пиньин jí, «счастье, удача, счастливый, благоприятный»). Кукарекающий петух на картине (公鸡鸣, пиньин gong jī míng, «петух кукарекает») символизирует достижения, поскольку иероглиф 鸣 (пиньин míng) имеет несколько значений: «кричать (о птицах)», а также «получить большую известность». Кроме того, один и тот же иероглиф 冠 (пиньин guān) используется для обозначения гребня петуха и головного убора чиновника, и поэтому символизирует пожелание о назначении на должность чиновника.
Сороки, по китайским поверьям, всегда считались предвестниками счастья [4]. В китайском языке существует устойчивое выражение 喜鹊 (пиньин xǐque), которое дословно переводится как «сорока – предвестница счастья; счастливая сорока». Несмотря на то, что в настоящее время более широко употребляется одиночный иероглиф 鹊 (пиньин què, «сорока»), за ним закрепилось определенное символическое значение, связанное с иероглифом 喜 (пиньин xǐ, «радостный, счастливый»).
Если на картине изображена сорока, сидящая на верхушке цветущей сливы 梅 (пиньин méi, «дикая слива; абрикос муме»), то такая картина является ребусом китайского фразеологизма 喜上眉梢 (пиньин xǐ shàng méi shāo, дословно «радость на кончиках бровей», то есть «выглядеть счастливым») и выражает пожелание счастья. Слива 梅 (пиньин méi) является ребусом бровей 眉 (пиньин méi), а иероглиф 梢 (пиньин shāo) обозначает и верхушку дерева, и кончик чего-либо.
Изображение перепела на картинах жанра хуа-няо, как правило, ассоциируется с пожеланием мира, поскольку слово «перепел» в китайском языке состоит из двух иероглифов (鹌鹑, пиньин ānchún, «перепел»), правый из которых является омофоном иероглифа 安 (пиньин ān, «мир, спокойствие, благополучие»). В свою очередь, изображение пары перепелов на картине (双鹌, пиньин shuāng ān «два перепела») может «читаться» как 双安 (пиньин shuāng ān, «двойной мир», то есть «спокойствие и благополучие»). Девять (九, пиньин jiǔ, «девять») перепелов (鹌鹑, пиньин ānchún, «перепел») вместе (同, пиньин tóng) на одной картине представляют собой зашифрованное пожелание «мира навсегда», поскольку сочетание 九鹌同 (пиньин jiǔ ān tóng, «девять перепелов вместе») идентично по звучанию сочетанию 久安同 (пиньин jiǔ ān tóng, «постоянный мир»).
Изображение перепела в сочетании с колосьями злаков 禾 (пиньин hé, «злаки, колосья») также является ребусом выражения 安和 (пиньин ān hé), который можно интерпретировать как «мир и гармония».
Ласточки (燕, пиньин yàn) олицетворяют приход весны и являются распространенным мотивом в картинах китайских художников. Изображение ласточки в сочетании с цветущей сливой – символом весны – можно понимать в прямом смысле как визуализацию выражения 燕归来 (пиньин yàn guīlái, «ласточки вернулись»), а также в переносном смысле, поскольку омофоничное выражение 艳归来 (пиньин yàn guīlái) значит «возвращение весенней игры красок».
Заключение
Как отмечают китайские исследователи, «благопожелательные» изображения цветов и птиц в китайской живописи предназначались для «утешения сердца» в мире, полном опасностей. «Они выражают стремления людей, а также воплощают художественную концепцию и вкус истинного, хорошего и прекрасного в жизни. Они помогают людям найти духовную поддержку, достичь просветления и обрести сублимацию жизнеспособности» [6, C.
5].
Несмотря на то, что в китайском языке и его многочисленных диалектах существует большое количество каламбуров и шуток, основанных на игре слов, только благоприятные символы стали визуальными метафорами [7]. Исследователи обращают внимание на тот факт, что все каламбуры и символы, воплощенные в зрительных образах китайского искусства, имеют положительное, благопожелательное значение либо предназначены охранять от опасности. В Китае существовали суеверные представления о том, что изображения могли выполнять функцию магических заклинаний. Параллельно тому, как благоприятные изображения привлекали богатство и счастье, изображение разрушения или какого-либо другого нежелательного состояния могло привести к его реальному осуществлению [5].
Таким образом, на развитие образности жанра хуа-няо значительное влияние оказали народные эстетические представления. Символическое значение изображений в китайской живописи хуа-няо во много обусловлено лингвистическими особенностями китайского языка, понимание которых необходимо для правильного «прочтения» визуальных текстов жанра хуа-няо.
| Конфликт интересов Не указан. | Conflict of Interest None declared. |
Список литературы / References Список литературы на английском языке / References in English
– Beijing : China Travel and Tourism Press, 2002. – 239 p.
– URL: https://bkrs.info/ (accessed: 19.05.2019). [in Russian]
npm.edu.tw/exh204/birdsandflowers/ch/ch03.html (accessed: 19.05.2019). [in Chinese]
Традиционные жанры и стили китайской живописи – Telegraph
Дарья Егорова @chinavedИскусство китайской живописи, именнуемое Го-хуа (国画), зародилось ещё в древнем Китае. Несомненно, китайская живопись отличается от привычных нам работ европейских художников.
В китайской живописи не используется игра теней, не соблюдаются формы и перспектива, а все картины пишутся без предварительных эскизов. В китайской живописи мы не найдём привычный для нас жанр «натюрморт». По мнению китайцев, в картине должна присутвовать энергия и динамика, чего лишены неподвижные предметы.
Традиционные стили китайской живописи: «гунби» и «се-и».
«Гунби» — техника живописи, которая предполагает детализацию предмета, прописывание деталей. Этому стилю свойственно точное изображение предметов и усиление контраста путём послойного наложения цвета. Наиболее известными художниками, работавшими в этом стиле были Чжань Сюань, Цю Ин, Чэнь Хуншоу.
«Се-и» — техника живописи, предполагающая свободную манеру письма, лишенную детализации, точности и чётких линий. Одним из китайских художников, работавшим в стиле «се-и» был Чжан Дацянь (1899-1983 гг.).
Наиболее традиционными жанрами китайской живописи являются: пейзажный жанр «горы и вода», цветы и птицы, портретная живопись, анималистический жанр.
Остановимся поподробнее на каждом из них:
Пейзажный жанр «горы и вода» (山水) — жанр китайской живописи, изображающий горы и водные массивы. Стоит сказать, что по количеству картин данный жанр занимает ведущее положение среди других жанров живописи. Именно горы и вода в представлении китайцев символизируют собой силы Вселенной: энергию и покой. Горы являются олицетворением мужского начала Ян, а вода- олицетворением женского начала Инь. При их слиянии возникает Вселенная. В сознании китайцев по сравнению с Вселенной человек мал, но тем не менее он неразрывно связан с природой, поэтому на картинах часто изображаются маленькие человеческие фигуры или деревенские поселения.
Жанр «цветы и птицы» (花鸟) — жанр китайской живописи, изображающий цветы и птиц. Картины данного жанра всегда наполнены скрытым символическим смыслом, что связано с различным значением в восприятии у китайцев растений и птиц. Так, например, изображение лотоса символизирует внутреннюю частоту, а пион означает красоту и богатство.
В рамках жанра «цветы и птицы» выделяют и другие поджанры:
Гуа-го (瓜果; в переводе с кит. Плоды и ягоды) — изображение плодов и ягод;
Цинь-няо (禽鸟; в переводе с кит. пернатые ) — изображение птиц;
Лань-хуа (兰花; в переводе с кит. орхидея) — изображение орхидей;
Мо-чжу (墨竹; в переводе с кит. бамбук)- изображение бамбука (целого растения или нескольких ветвей или листьев) и тд.
Портретная живопись (人物画) — жанр китайской живописи, изображающий человека. Наибольшую популярность данный жанр получил на рассвете искусства китайской живописи, а затем его значимость по сравнению с другими жанрами стала уменьшаться. На картинах данного жанра человек часто изображается на фоне природы.
Анималистический жанр (翎毛) или «птицы и животные» — жанр китайской живописи,изображающий птиц и животных, является одним из направлений жанра «цветы и птицы». Этому жанру так же присущ символизм в изображении различных животных и птиц. К примеру, у китайцев лев является символом благородства, а изображение двух рыб или бабочек символизирует супружеское благополучие.
Изобразительное искусство традиционного Китая. Светская живопись: ведущие жанры и направления
В первые столетия н. э. китайская живопись получает признание образованных верхов общества и становится полноценным искусством. Живописная традиция развивалась тогда главным образом в южнокитайских царствах, где в V–VI вв. жили патриархи живописи: Гу Кайчжи, Вэй Се, Лу Таньвэй, Чжан Сэнъю. Древнейший из известных ныне живописных свитков – копия серии картин знаменитого художника эпохи Шести династий – Гу Кайчжи (344–406 гг.) «Фея реки Ло» и «Прославленные женщины древности» (перевод оригинального названия картины в различных научных изданиях дается по-разному). В частности, первая из названных картин написана по мотивам популярнейшей в Китае одноименной поэмы Цао Чжи (192–232 гг.) в которой повествуется о неожиданной встрече поэта с волшебной девой. Изображения на обоих свитках выстроены примитивно и имеют мало общего с шедеврами зрелой китайской живописи. Однако значение работ Гу Кайчжи заключалось в том, что он сделал живопись воплощением духовных ценностей ученой элиты и утвердил ее связь с литературной традицией.
В тот период зарождаются некоторые традиционные сюжеты китайской живописи, такие как изображения императорских парков, животных и птиц. Отсюда правомерно сделать вывод, что Гу Кайчжи явился родоначальником всех будущих ведущих жанров национальной живописи – портрета, бытовой и пейзажной живописи.
В эстетических теориях традиционного Китая национальная живопись подразделяется на 13 самостоятельных жанров, в качестве которых рассматриваются произведения на историко-мифологические темы, изображения даосских и буддийских персонажей, три жанра, предназначенных для изображения людей – парадный, частный портрет и жанровая живопись, нередко объединяемые как жэнь у – досл. «люди и вещи», жанр «цветы и птицы», типологически сопоставимый с европейским натюрмортом, и пейзажная живопись – шань шуй хуа, досл. «картины гор и вод», которая тоже может подразделяться на несколько жанровых подразновидностей [22. С. 356; 33. С. 472–473].
Древнейшими из перечисленных жанров являются портретная и бытовая живопись, которые достигают своего расцвета в танскую эпоху.
Придворный живописец VII в. Янь Либэнь создал серию классических портретов императоров от династии Хань до воцарения Тан. Другой придворный художник У Даоцзы, прославился как автор классических портретов Конфуция и буддистских святых. Созданные У Даоцзы образы изумляли современников необычной жизненностью и экспрессивной силой. Другими популярными темами портретной живописи того времени были изображения придворных красавиц и послов из дальних стран. На рубеже VIII–IX вв. еще один придворный живописец, Чжоу Фан, создал ряд классических жанровых картин, изображавших дворцовые увеселения («Знатные дамы с веерами», «Игра в го» и др.). Художнику VIII в. Хань Ганю принадлежат классические изображения лошадей. Портрет и бытовой жанр продолжили свое существование в последующие исторические эпохи, непрерывно эволюционируя и приводя к образованию новых жанровых вариантов. Один из таких вариантов – панорамный свиток с изображением уличной или придворной жизни, иллюстративным примером которого называется картина Чжан Цзэдуаня (XII в.
) «Праздник Поминовения усопших (Цинмин) на реке Бяньхэ» – длинный горизонтальный свиток, воспроизводящей панораму праздничной столицы (г. Кайфына) и ее окрестностей. Картина отличается сложнейшей композицией и тщательностью в проработке мельчайших подробностей и деталей натуры.
Жанр «цветы и птицы» – камерный жанр, живописующий конкретные детали мира природы. Восходящий к буддийской иконописи, этот жанр обозначился в конце танской эпохи и окончательно выделился при Сун, тоже дав несколько своих содержательных и стилистических вариантов. Один из них – анималистический по своей сути жанр, наиболее ярко представленный работами Цуй Бо (вторая половина XI в.), прозванного «художником пернатого мира», в которых воспроизводятся развернутые сценки окружающей действительности (например, «Сороки, бранящие зайца»). Значительно чаще картины в этом жанре носят локальный характер, сводясь к единичным или двух-трехчастным изображениям: отдельный цветок, ветка дерева, цветы и бабочки, пара птиц и т.
д. Они могут быть выполнены как в декоративной манере, отличаясь статичностью и подчеркнутой детализованностью (например, произведения Хун Цюаня, 900–965 гг.), так и условно-импрессионистском стиле, а также в полихромной, монохромной и смешанной технике – тушь с легкой акварельной подсветкой. Жанр «цветы и птицы» первым из китайских живописных жанров перешел с шелка на бумагу, реализуясь в так называемых альбомных листах. В XIX–XX вв. он послужил одним из истоков нового художественного стиля – го хуа, досл. «национальная живопись»: например, знаменитый вертикальный свиток «Креветки» Ци Байши (1863–1957 гг.) [22. С. 357–358].
И все же центральное место в традиционной китайской живописи несомненно принадлежит пейзажной живописи, в истории развития которой нашли наиболее явное воплощение все генеральные процессы, имевшие место в китайском искусстве начиная с танской эпохи.
Уже в танскую эпоху в рамках пейзажной живописи обозначилось ее разделение на два главных направления – «профессиональная» («официальная») и «непрофессиональная» («неофициальная») живопись.
Первое из них образовано творческим наследием придворных художников, имевших профессиональную подготовку и выполнявших заказы двора и столичной знати. Второе – творческим наследием представителей образованной элиты общества, созданным ими во время досуга и не имевшим практического предназначения. Для «официальной» живописи характерны монументальность композиции, четкость линий, богатство и яркость цветовой гаммы и общая декоративность. Такова, например, картина ведущего танского придворного живописца Ли Чжаодао (670–730 гг.) «Путешествие императора Минхуана в Шу», воспроизводящая полуфантастическую панораму подымающихся к небесам скалистых пиков, у подножия которых яркой лентой струится императорский кортеж. Все пространство свитка заполнено живописными изображениями.
Второе из названных направлений для танской эпохи представлено работами Ван Вэя (699–761 гг.) – высокопоставленного чиновника, много лет проведшего на Юге, знаменитого поэта (один из когорты корифеев танской классической поэзии), каллиграфа и теоретика эстетической мысли.
С его именем связывается начало традиции китайской монохромной живописи, а его картины (сохранились только в копиях) сразу же демонстрируют принципиальную разницу по всем качественным показателям между этим направлением и «официальной» живописью. Показательна любовь Ван Вэя к «снежной» тематике, о чем свидетельствуют известные названия его произведений: «Горное село, покрытое снегом», «Снежный перевал», «Любование покрытой снегом рекой».
В сунскую эпоху рассматриваемые направления вступили в стадию собственной институализации, обретя при этом свое теоретическое осмысление. Организационной базой «официальной» живописи стала Академия живописи, учрежденная в г. Кайфыне в 1104 г. как государственное ведомство, предназначенное для подготовки профессиональных художников. Преподавание в Академии велось придворными живописцами, имевшими соответствующие звания и занимавшимися как собственно живописной практикой, так и теоретическими разработками. Ведущим представителем «академической школы» и одновременно главным ее теоретиком являлся Го Си (1020–1090 гг.
). Го Си уже намного отошел от стиля танской придворной живописи. Он работал в технике монохромной туши с легкой подсветкой, его картины отличаются значительно большей, чем у его предшественников, свободой в передаче пространства, а также плавностью линий: изображаемые здесь горы словно вырастают из тумана, отодвигающего их на огромное расстояние от переднего плана. Сами горы несут печать «космических» пиков с причудливой формы скалами и глыбами, нависающими над пропастью. Как теоретик Го Си впервые обосновал необходимость для художника профессионального обучения и овладения им техническими приемами и навыками.
«Неофициальная» живопись тоже выросла в самостоятельную школу, известную как вэнь жэнь хуа, досл. «живопись литераторов (или образованных людей»). Для сунской эпохи эта школа находилась на Юге страны и объединяла в себя художников, бывших уроженцами Юга или проживавших там в течение длительного времени. Организатором и идейным лидером этой школы являлся Су Ши (Су Дунпо, 1036–1101 гг.
), занимавший, как и Ван Вэй, высокие чиновничьи посты и проявивший себя в качестве литератора, каллиграфа и философа. Су Ши вступил в резкую заочную полемику с Го Си и представителями «академической школы» по вопросу профессиональной подготовки художника. Он доказывал, что профессиональное обучение превращает художника-творца в ремесленника, а профессиональные навыки только мешают его самовыражению, ибо создание живописного произведения есть сугубо индивидуальный творческий акт, осуществляемый вне каких-либо установленных правил и технических приемов. Идеи и установки Су Ши нашли свое конкретное воплощение в его собственном творчестве и в творчестве его друзей и единомышленников – Ми Фу, Ми Южэня, Вэнь Туна, Фань Куаня, Ли Чэна и других мастеров, наибольшими известностью и авторитетом из которых пользуется Ми Фу – автор так называемой «бескостной» техники письма. Работы, выполненные в этой технике, лишены графической остроты линий. Наглядным образцом творчества Ми Фу и «художников-литераторов» выступает картина «Весенние горы и сосны», на которой показаны лишь несколько мягких конических серо-голубых горных вершин, выступающих из плотной пелены тумана, обволакивающих их настолько, что зритель может только догадываться об их величине и высоте по контрастным сопоставлениям с изображениями (условно очерченные деревья) первого плана [22.
С. 359–362; 42. С. 87].
Творческие эксперименты «художников-литераторов» нашли свое логическое завершение в чаньской живописи XII–XIII вв. (Му Ци, Лян Кай, Ин Юйцзцян), уже окончательно перешедшей к эскизности, зыбкости и неясности графических форм и нацеленности на передачу не натуры как таковой, а ее восприятия художником (например, картина «Горная деревня в тумане» Ин Юйцзяня, первая половина XIII в.).
Чаньская живопись стала последней из качественных новаций в истории развития национального изобразительного искусства. Южносунская и юаньская эпохи дали немало имен прославленных живописцев, работы которых почитаются в Китае в качестве шедевров. Это, в первую очередь, «великие сунские мастера» Ма Юань (работал с 1190 по 1225 гг.) и Ся Гуй (1200–1230 гг.), соединившие в своем творчестве традиции «академической школы» и «художников-литераторов»; знаменитые юаньские художники Хуан Гунван (1269–1354 гг.), Ни Цзань (1301–1374 гг.), У Чжэнь (1280–1354 гг.). Все эти мастера обладают самобытной творческой манерой..jpg)
Но уже в минскую и сунскую эпохи наблюдается отчетливая стагнация национальной живописи, которая сводится в целом к бесконечному варьированию прежних образцов, выдержанных строго в том или ином из рассмотренных выше направлений [22. С. 362–363; 33. С. 475–478].
Говоря о китайской живописи, следует сказать, что главенствующую роль в ней всегда играла графика. Китайские художники ценили в линии ее способность и соединять, и разделять, быть связующей нитью, и границей. Приемы владения кистью – нажим, наклон, вращение и не в последнюю очередь темп движения – неизменно находились в центре внимания знатоков живописи. Линия в китайских картинах выявляет плоскости, отмеряет пространство и время и собирает их воедино; она – простейший символ пространственно-временного континуума, след вечнопреемственности пробужденного духа.
Особенно большое значение в китайской графике имела кривая – знак круговорота Великого Пути. Естественная кривизна поверхностей, искривленность стволов и ветвей деревьев, столь привлекавшие взор китайских художников, были в их глазах наглядным свидетельством жизненной силы.
В китайском фольклоре кругу, петле, узлу, разного рода орнаментам из прихотливо изогнутых линий, а в особенности завиткам «облачного узора» приписывались магические свойства. Среди традиционных графических символов пользовалась популярностью китайская разновидность лабиринта – композиция из затейливо вьющейся линии, известная под названием «Девять излучин реки».
Линеарный рисунок достиг высокого уровня развития задолго до появления в Китае живописи в собственном смысле слова. В конце I тыс. он породил новый вид изобразительной техники: гравюру. Этот жанр изобразительного искусства нашел широкое применение в книгоиздательском деле. Бурное развитие прозы в эпоху позднего Средневековья вызвало и расцвет гравюры, причем с эпохи Мин в Китае была известна и техника цветной гравюры. Искусство гравюры обеспечило тесную связь живописи и литературы: с одной стороны, впервые в китайской истории оно сделало изображение функцией повествования, знаком и стимулом чувственной жизни: с другой стороны, способствовало стандартизации живописных образов, сведению их к ряду стереотипных черт и качеств. Сочетание указанных факторов сделало искусство гравюры одним из главных импульсов отмеченной выше трансформации символических качеств изображения в реалистические.
Содействуя сближению живописи и литературы и стандартизации живописного языка, гравюра дала мощный толчок формированию общенационального изобразительного стиля Китая. С эпохи Мин искусство цветной гравюры дало жизнь традициям народных лубочных картин. Искусство народного лубка, как и многие другие явления китайского фольклора, представлено множеством локальных стилей, различающихся, главным образом, цветовой гаммой и изобразительной манерой, а в меньшей степени – тематикой картин [33. С. 483–485].
Комментирование на данный момент запрещено, но Вы можете оставить
на Ваш сайт.
Китайская живопись XIX века
Зарождение китайской живописи относят к первым векам нашей эры.
В VIII в. сформировались основные её жанры: живопись растений (в основном бамбука), живопись цветов и птиц, горные пейзажи, анималистический жанр, жанр портрета.
Европейская масляная живопись получила распространение в Китае со времён Кастильоне.
Джузеппе Кастильоне (1688-1766), итальянский монах-иезуит, миссионер, придворный художник и архитектор в Китае. Именно он стал первым художником, совместившим китайские и европейские традиции в своём рисунке.
Рисунок Джезуппе Кастильоне
В XIX в. провинциальный город Шанхай становится центром торговли с европейскими государствами и одним из крупнейших торговых портов Китая. Сюда устремляются многие китайские художники, желающие изучить европейские традиции живописи. Так родилась Шанхайская школа живописи, работавшая в основном на нужды рынка. Она и сейчас – самая известная.
Подробнее о культуре Китая можно прочитать здесь.
Художники Шанхайской школы
Сюй Гу (1824-1896)
Сюй Гу (Чжу Сюйбай) родился в Шэсяне (провинция Аньхой), жил в Янчжоу. В молодости служил в цинской армии, затем постригся в монахи, взяв имя Сюй Гу. Сначала был бродячим художником. Писал портреты, пейзажи, цветы, птиц. Написанные им животные, а также портреты пользовались большим спросом. Он умел передать и внешнее сходство человека, и его душевное состояние.
Рисунок Сюй Гу
Жэнь Сюн (1823-1857)
Родился в г. Сяошань (провинция Чжэцзян) в бедной семье. В детстве изучал портретную живопись у сельского учителя. Был бродячим художником, продавал свои работы, чтобы прожить. В 1850 г. встретил известного поэта Яо Се, которому понравились его картины, и Яо предложил ему остаться в своем доме. Жэнь Сюн принял предложение, и они ежедневно вели беседы о поэзии, каллиграфии и живописи, благодаря чему его художественное мастерство очень возросло. Постепенно он добился славы, продавал в Шанхае свои работы, которые пользовались огромным спросом. Наиболее известными являются картины «Автопортрет» и цикл «Десять видов природы».
Жэнь Сюн. Автопортрет
Жэнь Сюн является новатором портретной живописи. До него чиновников изображали только в шляпе, с серьёзным выражением лица, прямой посадкой. Их лица должны были быть идеально правильными. Жэнь Сюн все эти традиции нарушил, позволяя себе изображать чиновников даже с закинутой одна на другую ногой. Чиновники на его картинах выглядели достоверно, с теми недостатками, которые у них были. Иногда даже эти особенности приобретали у художника гротескный характер.
Наиболее известными являются картины «Автопортрет» и цикл «Десять видов природы».
Жэнь Сюн. Пейзаж
Жэнь Сюнь (1835-1893)
Младший брат Жэнь Сюна. В молодости Жэнь Сюнь, как и его брат, был бродячим художником, побывал в Ханчжоу, Сучжоу, Шанхае, где жил за счет продажи своих картин. Тематика картин Жэнь Сюня: цветы, животные, пейзажи, портреты.
Жэнь Сюнь «Пастух»
Жэнь Бонянь (Жэнь И) (1840-1895)
Родился в Шаньине в семье торговца рисом. Полноценного образования не получил, но с детства имел способности к живописи и подрабатывал, делая портреты и расписывая веера. Чтобы успешнее продавать свои картины, подписывал их именем известного художника Жэнь Сюна, который, обнаружив это, разыскал Боняня и взял к себе в ученики.
В 1855 г. переселился в Шанхай, где стал членом Шанхайской школы.
Обращался к различным темам и сюжетам, очень часто изображал цветы и птиц.
Жэнь Бонянь «Птица на кленовой ветви, увитой вьюнком»
Китайская каллиграфия
Каллиграфия является одним из классических видов китайской живописи.
Китайское письмо относится к словесно-слоговым. В нем иероглифы передают слова (обычно односложные) или же грамматически значимые части слова.
Иероглифы происходят от рисунков, которые со временем подверглись скорописному упрощению. Для овладения китайской письменностью требуется знание 5000 иероглифов. Их комбинация даёт около 20 000 слов.
Иероглифы делятся на 4 основные группы: пиктограммы (знаки-рисунки), идеограммы (символы, отображающие реальность), идеофонограммы (состоят из двух частей: одна из них передает значение слова, а вторая указывает на его звучание), заимствованные иероглифы.
Китайская каллиграфия представляет собой более искусство, чем просто способ передачи информации. Каллиграфия насчитывает пять основных способов написания различными методами. И сегодня каллиграфия для китайцев – хобби.
Инструменты для каллиграфии
Символизм китайской живописи
Для китайской живописи характерен изящный язык образов. Изображая что-либо, китайский художник вкладывает в рисунок определённый подтекст. Некоторые образы встречаются особо часто, например четыре благородных растения: орхидея, бамбук, хризантема, слива мэйхуа. Каждое из этих растений соотносится с определённым качеством характера. Орхидея нежна и утончена, ассоциируется с нежностью ранней весны. Бамбук – символ непреклонного характера, высоких моральных качеств. Хризантема – прекрасна, целомудренна и скромна, воплощение торжества осени. Цветущая дикая слива мэйхуа символизирует чистоту помыслов и стойкость к невзгодам судьбы.
Цветок лотоса символизирует чистоту помыслов и мудрость.
Лотос. Неизвестный китайский живописец
[PDF] Три жанра китайской живописи 7 стр
Download Три жанра китайской живописи 7 стр…
СодержаниеВведение Особенности 2 стр
традиционной
китайской
2 стр живописи
Стили традиционной китайской живописи
4 стр
Органическое сочетание поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства
6 стр
Три жанра китайской живописи
7 стр
Орудия труда художника и внешнее оформление картин
8 стр
Особенности картин-свитков
9 стр
Символика цветов и птиц Цветы и птицы как аллегорические символы
10 стр
Периоды развития китайской живописи в истории Китая
11 стр
Список литературы
17 стр
Приложения
18 стр
-1-
ВВЕДЕНИЕ Китайская традиционная живопись – одно из магистральных направлений изобразительного искусства Востока. Она представляет собой самостоятельное явление в мировом искусстве, резко отличаясь от западной живописи как по тематике, так и по форме и изобразительным средствам. Истоки китайской живописи восходят к эпохе, которая отстоит от нас на 5-6 тысячелетий. Наиболее ранними живописными явлениями были наскальные рисунки, изображавшие растения, животных и человеческие фигуры. Эти рисунки были выполнены с помощью минеральных красящих веществ. Примерно к той же эпохе относятся орнаменты на глиняной утвари. По мере того, как люди овладели техникой бронзового литья, появились бронзовые изделия, на которые наносили узоры чаще всего символического, мифического характера. За дальностью эпохи указанные выше живописные памятники стали подлинным раритетом, однако с их помощью мы можем составить представление о состоянии живописи на заре китайской цивилизации. Что касается дошедших до нас живописных работ на бумаге и шелке, то они в большинстве своем были найдены при раскопках древних могил. Наиболее ранние из них насчитывают более 2 тысячи лет. Особенности традиционной китайской живописи Выросшее на основе древних традиций средневековое китайское искусство шагнуло далеко вперед в эстетическом осмыслении действительности. Именно в эпоху феодализма сложилась разработанная система философско-эстетических взглядов, а глубина поэтического проникновения средневековых художников в жизнь природы достигла непревзойденных вершин. Пробуждение интереса к разнообразным сторонам жизни стимулировало как развитие повествовательной живописи и портрета, так и первых в мире самостоятельных пейзажных композиций, как бы раскрывающих душу природы, показывающих мир в его необъятности и изменчивости. Китай — обширная по территории страна, занимающая большую часть Восточной и Центральной Азии. Природа его поражает разнообразием и красотой, величием и грандиозностью. Но пригодной для земледелия земли здесь немного. Плодородные равнины сосредоточены преимущественно в восточной части Китая. В западной части плоскогорья с обширными впадинами чередуются с такими высочайшими горами, как Куэнь-Лунь, Тянь-Шань, Сычуанские горы, а также с пустынями и полупустынями. Жизнь человека в Китае во многом зависит от стихий. Многочисленные реки, расположенные в большинстве своем в восточных областях страны, берут свои истоки в горах и подвержены сильным разливам. Природа стала в Китае с глубокой древности объектом пристального наблюдения. Здесь, как нигде в мире, проявилось своеобразие ее восприятия, подсказавшее особенности
-2-
художественного языка и выразительных форм. В стране гор и обширных речных долин, где стихия засух и наводнений исстари властвовала над человеком, где величавая красота просторов захватывала его воображение, природа очень рано стала центральной философской и эстетической проблемой. Уже на стадии древности она превратилась в предмет религиозного поклонения, а прикосновение к ее красоте стало приравниваться прикосновению к ритмам вселенной. Под воздействием отношения к природе как к огромному космосу. частицей которого является человек, сформировалось художественное сознание китайского народа. Бытие человека, ощущающего свое единство с миром, постоянно сопоставлялось с жизнью природы, ее состояниями и циклами. В древности сложившиеся на основе анимистических верований религиозные, философские и этические представления способствовали развитию мифопоэтического языка искусства и символико-ассоциативного метода передачи человеческих чувств и настроений. На протяжении средних веков вместе с усложнением представлением о мире и развитием древних философских учений поклонение природе приняло в Китае форму своеобразного поэтического пантеизма, а открытие эстетической ценности природы привело к развитию особого пространственного мышления, вызвало гораздо более раннее, чем в других странах, возникновение самостоятельных жанров пейзажной живописи, пейзажной лирики и пейзажной архитектуры, на многие века завоевавших ведущее положение в художественной жизни общества. В средневековом Китае сложился особый, универсальный подход к явлениям жизни, который можно назвать “пейзажным”, поскольку именно в общении с постоянно обновляющейся природой человеку виделся путь прикосновения к вечному потоку бытия. Естественно, что пейзажная живопись не исчерпывает всего многообразия видов и жанров средневекового китайского искусства. В своем стремлении обнаружить закономерности жизни вселенной разные поколения на разных этапах обращались к эстетическим возможностям пластики, каллиграфии, декоративных ремесел. Но при всех изменениях в соотношении видов и жанров искусства эстетический идеал развитого китайского средневековья отчетливее всего воплотился в пейзажной живописи. В ассоциативности мотивов декоративных ремесел, в живописи ландшафтных садов, в замкнутости и тождественной отчужденности от суеты китайского средневекового портрета отразилось то ощущение вечности и гармоничного единства мира, которые столь полно выявились в китайских картины природы. Язык пейзажной лирики и язык живописи в средневековом Китае настолько приблизились друг к другу, что художники и поэты в равной мере совершенно владели обоими видами творчества. Не случайно даже технические и художественные средства, которые они применяли, были едиными. Шелком, бумагой, тушью и кистью
-3-
пользовались как поэты, так и живописцы, а каллиграфия, ценимая в Китае как высокий вид искусства, как бы стирала грани между живописью и поэзией. Иероглиф — этот “говорящий орнамент”, вводимый живописцами в картину в виде стихотворной надписи, дополнял ее смысл, обогащал ее декоративный строй. Оригинальным явлением китайской культуры, также связующим поэзию и живопись, были теоретические трактаты об искусстве, представляющие собой высокохудожественные литературные произведения, исполненные вдохновения и восторга перед красотой природы Исполненный глубокого символического значения средневековый китайский пейзаж никогда не был точным портретом какой-либо местности. В ней обобщались и синтезировались вековые наблюдения самых важных и характерных примет китайского ландшафта. Китайцы с древности поклонялись горам и водам как святыням. Гора еще в древности олицетворяла активные мужественные силы природы — ян, тогда как вода связывалась с мягким и пассивным женственным началом инь. Отсюда и название, данное пейзажу, — шай-шуй, то есть “горы-воды”. Мир, увиденный глазами китайского художника в его огромности , диктовал и особые законы построения пространства. Композиционны строй картины и особенности перспективы были рассчитаны на то, чтобы человек ощущал себя не центром мироздания, а малой его частью. Живописец смотрел на открывающийся перед ним словно с высокой горы, разделяя его на несколько планов, приподнятых друг над другом, отчего дальние предметы оказывались самыми высокими, а горизонт поднимался на необыкновенную высоту. Вытянутая снизу вверх форма свитка позволяла мастеру единым взглядом охватить огромное пространство. Передний план обычно отделялся от заднего группой скал или деревьев, с которыми соотносились все части пейзажа. Чувство простора создавалось ритмом повторов, а также туманной дымкой или водной гладью, как бы отдаляющей на огромное расстояние и смягчающей линии дальних предметов. Долгие наблюдения позволили живописцам найти точные приемы для выражения чувств и настроений. Китайская живопись основана на тонком соотношении нежных минеральных красок, гармонирующих между собой. Но уже с VIII века наряду с водяными стала применяться для создания пейзажей черная тушь, серебристо-серые нюансы которой передавали ощущение единства и цельности мира.
Стили традиционной китайской живописи Сложились разные манеры письма — одна тщательная, фиксирующая все детали, другая свободная и как бы незавершенная, позволяющая зрителю додумать то, что не написала рука живописца. Сочетание линии, пятна с шелковой или бумажной поверхностью свитка составило один из секретов выразительности и ассоциативного богатства китайских картин. Мастерство нюансировки в соединении с
-4-
остротой и силой штриха помогало создать впечатление воздушности деталей, отдаленности или приближенности предметов, движения и покоя. Белая матовая поверхность свитка была важным компонентом творческого образа. Она трактовалась живописцами и как водная гладь, и как пространственная воздушная среда. В представлении многих картины китайских художников написаны на один манер и представляют собой вольную композицию нанесенных тушью мазков и штрихов. На самом деле следует различать по меньшей мере два стиля китайской живописи: стиль «гунби» и стиль «сеи». Для картин в стиле «гунби» («тщательная кисть») характерно наличие тщательно выписанных контурных линий, обрисовывающих предметы и детали. Иногда этот стиль так и называют «стилем четких линий». Сделав обрис, художник закрашивает рисунок минеральными красками. Поскольку такие краски весьма долговечны и создают яркий колер, картины в стиле «гунби» выглядят очень декоративно. Именно в стиле «гунби» работали художники, оформлявшие росписью интерьеры дворцов императора и знати. В отличие от картин «гунби» в картинах, написанных в стиле «сеи» («передача идеи»), как правило, отсутствуют четкие контурные линии, картины написаны непосредственно нанесением тушью «фактуры» изображаемого предмета. Художник больше заботиться о передаче эмоционального, душевного настроения, чем о точной передаче деталей. Стиль «сеи» называют также стилем «грубой кисти». Художники этого стиля нередко прибегали к таким приемам, как обобщение, гиперболизация, ассоциация. Именно в стиле «сеи» работали худож- ники, писавшие экспромтом, по наитию, под влиянием сиюминутного настроения. Картины в стиле «сеи» трудно поддаются копированию и имитированию. В большинстве случаев художники «сеи» писали тушью в черно-бело-серых тонах, благодаря чему их картины выглядят не столь пышно, как выглядят картины в стиле «гунби», но зато им присущи скрытая экспрессия и неподдельная искренность. В более зрелый период китайской живописи картины в стиле «сеи» заняли доминирующее положение. На раннем этапе китайской живописи (до 12-го века) почти безраздельно господствовал стиль «гунби», на среднем и позднем этапах стал преобладать стиль «сеи». Стиль «гунби» был обязательным для профессиональных художников (художников, писавших по заказу и живших за счет своего труда), тогда как стиль «сеи» оказался предпочтительным у художников-интеллектуалов. Разумеется, было немало художников, которые применяли приемы «гунби» и «сеи», их картины занимают как бы промежуточное место между указанными стилями.
-5-
Органическое сочетание поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства Обязательными атрибутами картин китайских художников являются сделанные автором название картины, стихотворное сопровождение и личная печать, удостоверяющая личность автора. Китайская письменность относится к категории идеографических письмен, на ранней стадии развития каждый иероглиф представлял собой крохотный рисунок, воспроизводивший обозначенный предмет. Кроме того, сам способ письма тушью с помощью кисточки открывает широкий простор для творческой фантазии. Поэтому с глубокой древности китайцы рассматривали каллиграфию в тесной связи с живописью, считая, что у обоих видов творчества имеется общий источник. Китайские художники (это прежде всего относится к художникам-интеллектуалам) вполне естественно вносили в свои картины элементы каллиграфии. Они сопровождали картину стихотворной надписью, выполненной в каллиграфическом стиле, в которой выражали свой душевный растрой либо свое отношение к предмету изображения. Кроме того, согласно китайской традиции автор картины ставил внизу картины свою печать (непременно красного цвета). Сила выразительности линий и уровень каллиграфического мастерства считаются важным критерием при оценке достоинств картины. Китайская живопись требует разносторонней подготовки художника. Приступая к рисованию, художник, как правило, уже обдумал стихотворное сопровождение, которое он надпишет на картине, каллиграфический стиль, каким он напишет это сопровождение, и место, где лучше всего поставить печать. Стихотворная надпись призвана как бы дополнить образное содержание картины, сделать все произведение гармоничным. Красный цвет печати, контрастируя с черно-белым и цветным фоном картины, придает картине особый нюанс, делает ее законченной. В целом картина должна стать органическим единством поэзии, каллиграфии, живописи и граверного искусства (последнее проявляется в оттиске с печати). Что касается композиционного построения, то тут важным отличием китайской живописи от живописи западной является непременное наличие на китайских картинах «пустых», незаполненных участков полотна. Эти пустые участки могут маскироваться под виды белесого облака, окутавшего гору, или туман над водной гладью, или отблеск солнечного или лунного света, а могут быть просто пустым местом. Такие пустые участки – важный композиционный элемент китайских картин. Если исходить из того, что художник задался целью выразить в образах некий поэтический или философский смысл, то «пустоты» призваны играть символическую роль, намекая на невозможность имеющимися средствами исчерпывающе и до конца выразить замысел художника и оставляя простор для фантазии зрителя. Выдающийся
-6-
древнекитайский живописец и литератор Су Ши (1036-1101) выступал за то, чтобы «в стихах была образность живописи, а в живописи присутствовала поэзия». Этот девиз очень хорошо выразил идею органического единства поэзии и живописи, достичь которого стремились поколения китайских художников. Три жанра китайской живописи По тематике древнекитайская живопись делится на неьсколько разделов: портретная живопись, пейзажная живопись (жанр «горы и воды»), жанр «цветы и птицы». Примерно в 17-м веке в Китай проникла европейская живопись, ее китайцы стали называть «сиянхуа» («картины, пришедшие с Запада») в отличие от отечественной живописи, которую стали называть «традиционной китайской живописью». То есть исторически термин «традиционная китайская живопись» возник для отличия от западной (европейской) живописи. Человеческие образы, пейзаж, фауна-флора – таковы три важнейших жанра китайской живописи. Тут уместна параллель с западной живописью, где имеются портретный жанр, пейзажный жанр и натюрморт. По времени возникновения наиболее ранним следует считать жанр «люди», так как еще в первобытном обществе наши предки рисовали на скалах фигуры людей и животных, используя для этого природные минеральные красители: мел, квасцы, графит и пр. В эпоху Вэй – Цзинь – Южных и Северных династий, то есть 1500 лет назад жанр «люди» достиг зрелости. Древнекитайский теоретик искусства Гу Кайчжи (348-409) выдвинул требование «передавать» в портрете внутренний мир пейзажа», заботиться как о внешнем сходстве, так и о воплощении характера и душевного состояния объекта. Последующие поколения художников остались верными этой концепции. Уже на ранней стадии развития китайской живописи мастерство портретного жанра достигло высокого уровня. Пейзажный мир называют в Китае жанром «горы и воды». По объему коллекции картин этого жанра и по силе влияния жанр «горы и воды» несомненно лидирует среди других жанров. Утвердился он позже портретного жанра, а зрелости достиг в Танскую династию (618-907). Особое положение пейзажного жанра объясняется в частности широким распространением в Китае концепции о единстве человека и природы. Согласно этой концепции между человеком и Вселенной не существует неодолимых преград. Человеческие качества: благородство, одаренность и т.п. способны «тронуть» природу. А человек, пусть даже живущий в городе и занятый служебными делами, неизменно мечтает быть поближе к горам, лесу и водоемам и желает слиться с природой. Художник, создавая пейзажное произведение, стремится передать свое тяготение к природе и в то же время вызвать ассоциации у зрителя. Как уже
-7-
упоминалось выше, в количественном аспекте пейзажные картины составляли большинство среди картин различных жанров. Жанр фауны-флоры называют также жанром «цветы и птицы». Для этого жанра характерны темы трав, бамбука, камней, а также зверей, птиц, насекомых и пр. У истоков этого жанра были орнаменты, наносимые в глубокой древности ремесленниками на гончарные изделия и художественные поделки. То есть по времени он является более древним по сравнению с жанром «горы и воды». В династию Тан жанр «цветы и птицы» стал самостоятельным жанром. Что касается изображаемых растений, то художники отдавали предпочтение сливовому дереву (особенно в сезон цветения), орхидее, бамбуку, хризантеме, считая эти растения олицетворением благородных качеств человека. Орудия труда художника и внешнее оформление картин Традиционная китайская живопись отличается от западной, в частности, по применяемым художником орудиям труда и по способу внешнего оформления картин. Главные орудия труда, называемые в Китае «четырьмя сокровищами кабинета» — это бумага, кисть, тушь и тушечница. Китайцы не используют грунтованный холст – обязательный атрибут масляной живописи. В древности китайские художники писали на шелке, в силу его слабой водопроницаемости линии получались очень тонкими, а краски создавали яркий колорит. В 13-14-м веке в провинции Аньхой была изобретена технология изготовления особого сорта бумаги – «сюаньчжи». Постепенно «сюаньчжи» стала главным материалом для рисования. Изготавливается «сюаньчжи» из древесной коры и рисовой соломы по особой технологии. Бумага эта имеет чистую поверхность, мягка по фактуре и стойка против вредителей – насекомых и плесени. Картины на «сюаньчжи» хорошо сохраняются. Благодаря хорошей водопроницаемости и восприимчивости к тушевому раствору бумага «сюаньчжи» позволяет получать в зависимости от приемов, к которым прибегают художники, целую гамму оттенков: от густокоричневого до светлосерого. Китайские художники добиваются выразительности не с помощью таких приемов западной живописи, как изменение светотени, линейное перспективы и пропорций, а главным образом с помощью разнообразия линий, пятен и штрихов, наносимых тушью. Говорят, что в изображении складок одежды, которую носили китайцы в старину, можно различить по меньшей мере 18 разновидностей линий. С помощью разнообразных линий, пятен и штрихов художник добивается правдивой передачи фактуры объекта, создает пространственный эффект, передает состояние статичности или динамичности. В этом фундаментальная специфика китайской живописи. Что касается цветного колера, то в глазах китайских художников он играет лишь второстепенную роль по сравнению с
-8-
ролью, которую играют линии. От художника требуется хорошее владение темпом и ритмом движения кисти, умение очень точно выбрать нужную силу нажима. Кисть, употребляемая китайцами для письма и рисования, имеет бамбуковый или деревянный стержень, на конце которого укреплен пучок волосков из животного меха. Кисть должна быть мягкой и упругой. Такая кисть позволяет получать широкую гамму различающихся по интенсивности линий и пятен: они могут быть мощными и легкими, широкими и тонкими, резкими и слегка обозначенными. Особый эффект достигается приемом, когда художник внезапно делает паузу, а вслед за тем делает кистью как бы движение вспядь. Говоря о виртуозности художника, люди часто применяют эпитет «волшебная кисть». Действительно, делая, казалось бы, незамысловатые движения, художник создает удивительные художественный образы, передает свои чувства и настроение. Отличается китайская живопись от западной и по способу внешнего оформления картин. Если на Западе принято заключать картины в багетные рамки, то китайцы наклеивают свои картины на плотный лист бумаги, оставляя по бокам довольно широкие обрамляющие полосы, иногда обклеенные шелком. По способу внешнего оформления различают три вида картин: вертикальный свиток, горизонтальный свиток-рулон и плоские картины, сброшюрованные в альбом. Картина в форме вертикального свитка обычно вешается на стену или укрепляется на створке ширмы; горизонтальный свиток свертывается в рулон, а рассматривается путем постепенного разворачивания, причем смотреть картину надо слева направо. Для лучшей сохранности свернутая в рулон картина помещается в специальный футляр. Наконец, картина может быть оформлена в виде листа небольшого формата, несколько картин объединяются в альбом. До нас дошли в хорошем состоянии картинысвитка тысячелетней давности, что свидетельствует о высокой эффективности описанного способа внешнего оформления. К тому же в случае возникновения порчи от насекомых или плесени картину можно оформить заново. Особенности картин-свитков Картины-свитки занимают важное место в сокровищнице китайского изобразительного искусства. Такая картина выполняется на шелке или на бумаге и хранится будучи свернутой в рулон и помещенной в специальный футляр. Когда возникает необходимость посмотреть на картину, ее берут обеими руками и начинают постепенно разворачивать, так чтобы смотреть в порядке слева направо. По словам одного ценителя живописи, рассматривание картины-свитка можно уподобить наблюдению за изменяющейся панорамой пейзажа из окна движущегося экипажа или судна. То есть свиточная форма картины позволяет намного расширить рамки художественного повествования. Особенно явно преимущество картин-свитков в случае
-9-
изображения пейзажа или массовых сцен. Практически художник не сталкивается с проблемой ограниченного пространства рабочего полотна. К примеру скажем, что длина свитка «На реке в день поминовения усопших» превышает 5 метров, известны свитки, достигающие в длину 20-30 метров. Очевидно, что по части размеров рабочего поля свиточная живопись обладает несомненным преимуществом по сравнению с западной живописью, где художнику предоставлено весьма ограниченного полотно для работы. Западные художники, приступая к работе, прежде всего выбирают определенный ракурс, угол зрения, которого они придерживаются в течение всего процесса рисования. Такой метод получил название «неизменной перспективы». Совсем по-иному обстоит дело у китайского художника, пишущего картину-свиток. По мере перехода от одного фрагмента к другому его угол зрения может постоянно меняться. Такой метод получил название «меняющейся перспективы». Здесь мы, разумеется, не берем на себя задачу всестороннего сравнения китайской и западной живописи, а лишь констатируем факт их большого различия. СИМВОЛИКА ЦВЕТОВ И ПТИЦ Цветы и птицы как аллегорические символы Цветы и птицы – традиционная тема китайской живописи. Но в глазах китайских художников цветы и птицы – это не просто предмет любования, но и аллегорические символы. Исходя из традиционного представления о «гармонии человека и природы» и подметив особенности некоторых видов фауны и флоры, китайские художники персонифицировали их, наделили человеческими качествами. Так, например, сосна олицетворяет долголетие, цветы сливы – умение стойко переносить невзгоды и чистоту помыслов, пышные цветы пионов – богатство и роскошь, бамбук – непреклонность и моральную стойкость, олень-марал – удачную карьеру и связанное с ней благополучие и т.д. Имея в виду связанную с отдельными представителями фауны и флоры символику, художник изображает их для того, чтобы через эту символику передать свою нравственную позицию либо пожелание. Таким образом картины на тему «цветы и птицы» почти всегда наполнены скрытым идейно-эмоциональным смыслом. Особенно популярными являются такие растения, как цветущая слива, орхидея, бамбук и хризантема. Они получили название «четырех благородных мужей». В этих растениях ценятся несгибаемость, прямота стебля, стойкость к морозу, тонкий аромат. Художники многих поколений изображали эти четыре вида растения на своих полотнах.
— 10 —
Периоды развития китайской живописи в истории Китая Долгая, почти шеститысячелетняя история древнего и средне векового Китая имела свои периоды подъема и спада творческой активности. Китай перенес многочисленные войны и бедствия, пережил почти столетний этап монгольского владычества. И хотя в конце XIV века он вновь встал на путь укрепления национального государства, застойный характер феодализма, а затем и колониальная политика западноевропейских стран затормозили его развитие. В VII — XIII веках живопись завоевала ведущее место среди других видов искусства. В ней с наибольшей полнотой воплотились характерные для средневековья поиски закономерностей вселенной, нашли совершенное выражение идеи духовного единения человека с миром. В картинах танских и сунских художников отразились и философские раздумья о смысле бытия, и преклонение перед могуществом природы, и острая наблюдательность горожан. Установились и приобрели свою завершенность специфические для китайского средневековья жанры станковой живописи, раскрывающие в своей множественности всю сумму тогдашних представлений и наблюдений над действительностью: парадный портрет (в свою очередь, разделяющийся на несколько категорий), анималистический жанр, изображение растений, птиц и насекомых (“цветы-птицы”), бытовой жанр (“люди и предметы”). Самостоятельное значение приобрел и пейзажный жанр (“горы-воды”), составляющий неразрывный союз с поэзией и каллиграфией. Художники расписывали стены дворцов и пещерных храмов, создавали миниатюрные живописные композиции на веерах, экранах и ширмах, писали на многометровых свитках сцены городской и дворцовой жизни, пейзажи, иконы. К периоду Тан формы вертикальных и горизонтальных свитков канонизировались. Горизонтальный свиток служил своеобразной живописной книгой, куда благодаря разомкнутости композиции, как бы не имеющей начала и конца, художник мог вместить целый поток зрительных впечатлений и деталей. Форма вытянутого вверх свитка, рассчитанная на иное эмоциональное восприятие, позволяла живописцу показать природу не в ее частных проявлениях, а в ее единстве. На разных исторических этапах излюбленной была то одна, то другая форма картины. В период Тан предпочтение отдавалось горизонтальным свиткам, в период Сун — вертикальным. Создатели картин на шелковых свитках — придворные живописцы — владели всем арсеналом выразительных приемов и всеми жанрами живописи. Но каждый художник выбирал себе круг излюбленных образов. Знаменитый У Даоцзы (VIII век) писал портреты и композиции на буддийские темы, Хань Гань (VIII век) прославился изображением лошадей, Янь Либэнь (VII век) работал в жанре жэньу (“люди и предметы”). Картин этих, некогда овеянных славой, мастеров до нас дошло очень мало. Но даже немногие
— 11 —
образцы, сохраненные трудом копиистов, позволяют судить о высоком уровне танской живописи. Видная воспитательная роль отводится портретному искусству, классифицирующему людей по иерархическим рангам, создающему типы красавиц, детей, чиновников, мудрецов, отшельников, правителей. В VII веке сложился и жанр мемориальных портретных эпопей, своеобразных исторических хроник, запечатлевающих в едином свитке образы правителей разных эпох. Таков свиток, созданный придворным живописцем Янь Либэнем (600 — 673), “Властелины разных династий”. Он посвящен тринадцати императорам, правившим в Китае от ханьского до суйского периода. Еще ярче выражено стремление к детальному описанию увиденного у Чжоу Фана, мастера, жившего столетием позже Янь Либэня. В облике знатных женщин, наряженных по моде времени, дородных, полнолицых и неторопливых в своих плавных движениях, художник воплотил характерный для времени идеал красоты, гораздо более земной и полнокровной, чем прежде. Повествовательны и полны деталями пейзажные картины VII — VIII веков. Летописи сохранили нам имена первых пейзажистов. Наиболее выдающимися среди них считались Ли Сысюнь (651 — 716), Ли Чжаодао (670 — 730) и Ван Вэй (699 — 759). Все они занимали чиновничьи посты при дворе и числились на государственной службе. Их творчество показывает, насколько многообразна уже в это время была пейзажная живопись. Картины Ли Сысюня и Ли Чжаодао насыщены по цвету, наполнены изображениями дворцов, фигурами людей. Природа в них представлена как место прогулок, путешествий и развлечений. Для передачи приподнятого, радостного образа мира художники применяли особую декоративную систему, построенную на сочетании сине-зеленых и белых плоскостей, изображающих горы и облака и образующих своеобразные кулисы. Синие и зеленые пики гор обведены золотой каймой, белые гряды облаков, перерезающих вершины, подчеркивают их устремленность ввысь, многочисленные детали, люди и строения, вкрапленные в пейзаж, яркими пятнами оживляют и декоративно дополняют картину. Ван Вэя, живописца, поэта и теоретика искусства, можно назвать родоначальником нового творческого направления, созданного художниками-монахами, искавшими отдохновения от мирской суеты и отрицавшими внешнюю, парадную сторону буддизма. Проповедуя интуицию как источник познания истины, Ван Вэй смотрел на мир глазами отшельника, созерцателя и поэта. Отказавшись от многоцветной палитры, он стал писать только черной тушью с размывами, добиваясь через тональное единство впечатления гармонии и целостности уведенного. В его картине “Просвет после снегопада в горах у реки” заснеженные дали, застывшая туманная гладь, черные деревья и безлюдье создают новый, неведомый прошлому образ природы. Ван Вэй открыл качественно новый этап в
— 12 —
пейзажной живописи Китая, обозначил путь к поэтическому пониманию мира. Новой была не только единая тональность его пейзажей, но и осмысление масштабного соответствия и пространственного равновесия всех элементов композиции. В трактате “Тайны живописи”, вдохновенно излагающем пути к воссозданию красоты мироздания, Ван Вэй писал: “Далекие фигуры — все без ртов, далекие деревья — без ветвей, далекие вершины — без камней. Они, как брови, тонки, неясны. Далекие теченья — без волны. Они в высотах с тучами равны. Такое в этом откровенье!”. Стихи Ван Вэя, блистательного сановника, покинувшего свой пост при дворе и ушедшего в монастырь, чтобы писать картины и предаваться размышлениям, проникнуты теми же созерцательными настроениями, что и пейзажи. Пейзажи X — XI веков поражают суровым величием. Композиционно более собранные, чем танские, они проникнуты цельным и глубоким чувством. Первые пространственные построения связывают с именами живописцев конца IX — начала X века Цзин Хао и Гуань Туна. По сути именно они по-настоящему освоили вертикальную форму свитка. Пейзажи этих мастеров, исполненные черной тушью, показывают природу словно застывшей в своей первозданности. Величие и бесконечность мира, как правило, воплощаются в образе непомерно большой горы, выдвинутой на первый план и заслоняющей собою небо. В этих картинах уже нет следов танской повествовательности. Художники стремятся не к эмпирическому воспроизведению реальных форм, а к их философскому осмыслению. Самый важный этап развития монохромной пейзажной живописи тушью начался в Китае с XI столетия. Он связан с именами таких выдающихся художников, как Сюй Даонин (1030 — 1060) и Го Си (1020 — 1090). Оба мастера входили в состав сунской Академии живописи. Их пейзажи, хотя и развивают традиции предшественников, гораздо теснее связаны с человеком, сложнее и многообразнее отражают мир его эмоций. Именно эти мастера блистательно разрешают проблему передачи пространства и воздушной среды. Они в равной мере используют как горизонтальную, так и вертикальную форму свитка, стремясь разнообразно и полно воссоздать ритмы вселенной. На завораживающей взор силе сложных ритмических чередований построен горизонтальный свиток Сюй Даонина “Ловля рыбы в горном потоке”, где мастер располагает бесконечные цепи островерхих гор, среди которых открываются беспредельные манящие дали, уводящие взор в неизвестность. Черная тушь с размывами и золотистый фон шелка создают ощущение целостности мира, его пространственной глубины. Сюй Даонин в совершенстве владеет искусством тончайших переходов туши, он ослабляет ее интенсивность в передаче воздушной среды и далеких горизонтов и делает более острыми и графичными линии переднего плана.
— 13 —
Многометровая картина словно не имеет начала и конца, горные цепи сменяют друг друга, каменистые мелкие реки и спокойная гладь большого озера образуют глубинные прорывы, связывают между собой дальние и ближние планы. Это умение немногими средствами создать единую картину природы явилось результатом длительного наблюдения ее жизни и большого художественного опыта. Го Си был одним из ведущих теоретиков пейзажной живописи. Свои наблюдения над природой он изложил в трактате “О высокой сути лесов и потоков”, обработанном его сыном Го Сы и поражающем зоркостью, богатством наблюдений, глубиной раскрытия идейного содержания живописи. Го Си выступал в своих суждениях об искусстве с даосско-конфуцианских позиций. Успехи живописца и путь к достижению славы он объяснял как путь совершенствования в добродетели. Но красоту природы он видел в ее беспрерывной изменчивости, что было важным и новым обобщением философских идей прошлого. Чтобы понять природу, по представлению Го Си, нужно познать и все изменения, рождающиеся в душе человека, путешествую щего по ее просторам. Го Си создал теорию трех видов воздушной перспективы, или трех далей, — высоких, глубоких и широких. Он сформулировал особенности пространственных соотношении и обобщил важнейшие эстетические воззрения своей эпохи. Художники Китая X — XI веков искали разные пути передачи жизни природы. Помимо пейзажных свитков в это время возникли маленькие композиции, которые служили для украшения вееров и экранов. Особой любовью подобные миниатюрные сценки пользовались при дворе, в столичной Академии живописи, где сам император выступал в роли эксперта, мецената, художника и коллекционера. Из небольших картин, написанных на шелку и наклеенных на твердую основу, создавались дворцовые альбомы, где запечатлевалась жизнь животных, растений и насекомых. В X веке жанр живописи “цветы-птицы” приобрел особо важное значение. В любую, казалось бы, случайно подмеченную сценку, будь то изображение птички, легко присевшей на ветку, или бабочки, порхающей над распустившимся цветком, художники стремились вложить такие же глубокие и возвышенные чувства, что и в монументальные пейзажи. В 1127 году Китай пережил огромное потрясение: чжурчжэни захватили север страны и разграбили столицу. Все, кто мог, бежали на юг страны. Здесь, в новой столице Линьань (Ханчжоу), в 1138 году вновь восстановилась Академия живописи и постепенно возродилась художественная жизнь. Годы бедствий и невзгод не могли не повлиять на мировосприятие живописцев. Пережитые унижения и страдания усилили внимание художников ко всему китайскому, внесли в их произведения большую человечность. Настроения, переданные в пейзажах этого времени, часто грустны и тревожны. На смену
— 14 —
суровым, полным мощи и пафоса монументальным ландшафтам приходят картины лирического, а порой и камерного содержания, воспевающие мягкую и тихую северную природу с ее заснеженными просторами. Картины ведущих мастеров Академий живописи Ли Тана, Ма Юаня, Ся Гуя поэтичны и немногословны. По большей части на них не увидишь ни огромных скал, ни бурных потоков. В лаконичных картинах Ма Юаня (работал в 1190 — 1224) человеку отводится более важное, чем прежде, место. И хотя, подобно другим живописцам, Ма Юань создал многочисленные безлюдные композиции, лирическое начало особенно ясно выступает в тех пейзажах, где поза или жест изображенного человека, созерцающего ландшафт, выражает душевные переживания художника, а за ним и зрителя. Об этом можно судить по альбомному листу, где показан путник, лежащий под старой сосной и созерцающий дали. Здесь нет ни водопадов, ни стремнин, ни огромных скал, только туманное пространство, в которое он пристально вглядывается. Намеком передает художник свои чувства, активизируя фантазию зрителя, позволяя ему дополнить своим воображением картину, построенную асимметрично и основанную на сложном равновесии пустот и заполненных мест. Слитность человека и природы особенно выявлена в картинах живописцев буддийской секты Чань (Созерцание), к которой принадлежали Между Ци, Лянь Кай и Инь Юйцзянь. Монахи, они считали отшельническую и непритязательную жизнь среди природы средством постижения ее тайн и способом внутреннего освобождения. Возникшая на китайской почве еще в VI веке, но особенно развившаяся в кризисные годы южносунской династии, секта Чань синтезировала в себе элементы буддийских и даосских пантеистических концепций. Ее проповедь в основном сводилась к тому, что молитвы и поклонение иконам бессильны указать людям истинную дорогу к спасению. К нему ведет лишь один путь — созерцание, способствующее достижению духовного прозрения и слиянию человека с мирозданием. Утверждение интуиции, импровизации, способности к мгновенному озарению нашло своеобразное преломление в монохромной живописи тушью южносунского периода. В пейзажах, картинах жанра “цветы-птицы” чаньские художники-монахи старались уловить то, что открывается взору внезапно. Отсюда ощущение эскизности, зыбкости предметных форм, неустойчивости и загадочности мира, создаваемое их картинами. Полны печали, остро выразительны их свитки с изображением животных: нахохлившихся птиц, обезьян, ласкающих детенышей. Написанные, как правило, черной тушью на белой пористой бумаге, эти картины далеки от декоративной звучности танских пейзажей. Свободная импровизационная манера чаньской живописи породила свою систему правил, требующих совершенного владения живописными приемами. Именно такое точное владение линией позволило живописцу XIII века Лян Каю единым движением
— 15 —
кисти создать вдохновенный и вольный образ танского поэта Ли Тайбо, уходящего в пустое пространство как в неведомую даль. Многие художники сунского периода продолжали писать картины на бытовые темы, развивая танские традиции. Они изображали с большим искусством и многими подробностями игры и шалости детей. домашние занятия придворных женщин. Как правило, такие картины отличаются не только большой занимательностью, но и строятся как целостные завершенные композиции. Высокого расцвета в сунское время достиг традиционный жанр типологического портрета. Принципы живописи сунских ученых группы “вэнь-жэньхуа” стали определяющими в творчестве многих юаньских художников, для которых искусство стало средством выражения скрытых ото всех движений души. Картины приобрели новый иносказательный смысл. Через привычные образы природы художники доносили до зрителя волнующие их проблемы. Ни одна из эпох не смогла подняться до такой изощренной тонкости во владении приемами монохромной живописи, передающей оттенки настроений. Небывалые прежде размеры приобрели в картинах и надписи, полные внутренней динамики, таящие в себе намек, скрытый подтекст. Чаще всего они сопутствовали изображению орхидеи — символа простоты и срытого благородства — и бамбука, гнущегося под напором ветра. Бамбук олицетворял стойкого духом, благородного человека, способного вынести любые удары судьбы.
— 16 —
Список литературы: «Китайская живопись» — отражение истории Чжуан Цзяи, Не Чунчжэн» Континентальное издательство Китая 2001 г. www.r.mail.ru — сайт «Энциклопедия искусств» www.china.kulichki.net/art/ — Культура и искусство Китая на сайте Удивительный Китай www.triada2003.ru — Галерея «Триада» — Китайская живопись www.allchina.ru — Весь Китай — Культура Китая www.oriental.ru — Восточный портал
— 17 —
Тройка основных классификаций китайской живописи
В последнее время популярным трендом стало изучение китайской живописи. Однако, как уникальный вид искусства, традиционная китайская живопись имеет свои особые материалы и инструменты, состоящие из кистей, чернил и пигментов, бумаги сюань, шелка и различных видов чернильных пластин. Основываясь на различных стандартах классификации, китайскую традиционную живопись можно разделить на три группы.
В последнее время изучение китайской живописи стало популярным трендом.Однако, как уникальный вид искусства, традиционная китайская живопись имеет особые материалы и инструменты, в том числе кисти, чернила и пигменты, бумагу сюань, шелк и различные виды чернильных пластин. Основываясь на различных стандартах классификации, китайскую традиционную живопись можно разделить на три группы.
Техника китайской живописиПо технике живописи Китайская живопись может быть разделена на два стиля: стиль сяи и стиль гунби.Xieyi, или от руки, отличается преувеличенными формами и рисованием от руки. Гонби, или скрупулезность, характеризуется вниманием к деталям и тонкой манерой рисования. Рисование от руки обобщает формы и демонстрирует богатые мазки кистью и тушью.
Формы росписи
Основные формы Китайской живописи — это свисающий свиток, альбом картин, веерная поверхность и длинный горизонтальный свиток. Свитки могут быть как горизонтальными, так и вертикальными, обычно они крепятся и вешаются на стену.В альбоме картин художник пишет на бумаге сюань определенного размера, а затем связывает несколько картин в альбом, удобный для хранения. Складные вееры и круглые веера из бамбуковых полосок с наклеенной на раму крашеной бумагой или шелком. Длинный горизонтальный свиток также называется ручным свитком и обычно имеет высоту менее 50 сантиметров, но может достигать длины до 100 метров.
Предметы китайской живописи
Традиционные китайские картины можно разделить на фигурные картины, пейзажи и картины с цветами и птицами.Пейзажи представляют собой основную категорию в традиционной китайской живописи , в основном изображая природные пейзажи гор и рек. Во времена династии Сун (960–1127) диапазон сюжетов в фигурной живописи был расширен далеко за пределы религиозных тем.
Пейзаж уже зарекомендовал себя как самостоятельная форма выражения к четвертому веку и постепенно разветвился на два отдельных стиля: сине-зеленые пейзажи с использованием ярких синего, зеленого и красного пигментов; а пейзажи, написанные тушью и растушевкой, основывались на ярких мазках и чернилах.
Живопись с цветами и птицами отошла от декоративного искусства и сформировала свой собственный независимый жанр примерно в IX веке. Традиционная Китайская живопись , поэзия, каллиграфия , живопись и гравировка печати — необходимые компоненты, которые дополняют и обогащают друг друга. «Живопись в поэзии и поэзия в живописи» была критерием отличных работ.
шедевров классической китайской живописи
Красиво оформленный альбом лучших картин из коллекций Китая.
В этом огромном томе представлены 105 важных картин в хронологическом порядке от династии Восточная Цзинь (317–420 гг. Н.э.) до конца XIX века. Эти шедевры варьируются от ярко окрашенных и четко очерченных буддийских фресок до приглушенных, но вызывающих воспоминания пейзажей художников-литераторов. Каждый разворот посвящен одной картине: на оборотной стороне картина полностью воспроизведена с повествовательной подписью, описывающей ее стиль, иконографию и исторический контекст; а на лицевой стороне появляется великолепно напечатанная деталь на всю страницу, которая позволяет читателю оценить истинные качества произведения.В общем историческом введении умело прослеживается развитие трех основных жанров китайской живописи — фигуративного, пейзажного и цветочного и птичьего — на протяжении каждой последующей династии.
Удовольствие читателя от сокровищ искусства, собранных на этих страницах, будет усиливаться изысканной роскошью дизайна книги. Напечатанный на бумаге премиум-класса, тонкая текстура которой напоминает ощущение шелка, она создана в традиционном китайском стиле со сложенными листьями и прошитыми вручную нитками.Его мягкие крышки защищены элегантным корпусом с золотым тиснением. Достойный памятник великой культурной традиции, Шедевры классической китайской живописи понравится как любителям прекрасных изданий, так и изящного искусства.
Чжэн Синьмяо — директор Дворцового музея в Пекине. Чжан Хунсин — старший куратор и научный сотрудник Музея Виктории и Альберта. Шао Цзинцзин — хранитель Национального музея Китая. Гуо Гуан — генеральный директор CYPI Press. Чжан Бо — историк искусства династий Мин и Цин. Цзян Пэн — эксперт по свиткам, изображающим Сун времен династий Цин. Ли Линь , заведующий отделом истории искусств Академии изящных искусств Луксюня, специализируется на ранней истории китайской живописи.
известных древних китайских картин — видео и стенограмма урока
Нимфа реки ЛоХудожник и писатель Гу Кайчжи нарисовал Нимфа реки Ло на шелковом свитке во время правления династии Восточная Цзинь (317–420).Он иллюстрирует раннее китайское стихотворение. Как это типично для свитков, повествование идет справа налево. Это любовная история, рассказывающая о встрече, а затем о разделении Цао Чжи и нимфы реки Луо на фоне впечатляющих гор и извилистой реки. Одни и те же фигуры появляются на картине более одного раза, как персонажи, которые повторяются в комиксах. Вы медленно разворачиваете свиток, чтобы увидеть изображение, и история разворачивается у вас на глазах. Это важный ранний образец повествовательного свитка, и многие ученые считают, что он представляет собой начало ландшафтного искусства в Китае.
Пять БыковАристократ и политик Хан Хуан нарисовал Пять Быков во время династии Тан (618-907). Он хороший пример китайского художника, который зарабатывал себе на жизнь другой профессией. На этом свитке изображены пять быков с разным окрасом шерсти и индивидуальными характерами. Это не просто зазубренные изображения домашнего скота; Каждый из них обладает прекрасным чувством оживленного поведения, будь то пасение или прогулка по направлению к нам. Некоторые ученые предполагают, что эта работа выражает стремление Хуана к более простой фермерской жизни по сравнению со сложностью политики (что мы, безусловно, можем понять сегодня!). Пять волов считается одним из лучших изображений животных в древнем китайском искусстве.
Тысяча ли рек и горЗа этим снимком стоит трагическая история. Молодой художник по имени Ван Симэн написал Тысячу ли рек и гор во время династии Северная Сун (960–1127). Он создал этот впечатляющий пейзаж, когда ему было 17 или 18 лет, когда он учился в Императорской Академии живописи. Обратите внимание на смелые чернильные мазки и яркие цвета, использованные в этой работе. Это прекрасный пример стиля, известного как сине-зеленый пейзаж из-за определенных пигментов, используемых в краске.Он проходит через высокие горы и следует извилистым рекам, открывая вид с разных точек зрения. В целом, это 39 футов в длину, и это одна из самых больших картин в истории китайского искусства! К сожалению, у Симэна было мало времени, чтобы реализовать свое раннее обещание как художника, потому что он умер, когда ему было всего 20. Это его единственная сохранившаяся работа.
Весеннее утро во дворце ХаньЦю Ин написал картину Весеннее утро во дворце Хань во время династии Мин (1368–1644).Это прекрасный пример техники кисти gongbi , в которой художник использует аккуратные и точные мазки для создания очень детального изображения. Отличный образец повествовательного искусства, «Весеннее утро во дворце Хань» иллюстрирует множество ежедневных весенних дворцовых мероприятий. Женщины играют на музыкальных инструментах и расставляют цветы, дети играют в садах, а люди разговаривают друг с другом. Произведение содержит 115 фигур, многие из которых — наложницы, дети, евнухи и художники.Вы могли смотреть на него часами и каждый раз замечать что-то новое в деталях и действиях! Поскольку в нем показано так много конкретных действий, эта работа рассматривалась как своего рода руководство по элегантному поведению и часто копировалась.
Краткое содержание урока
Китайские ученые-художники на протяжении тысячелетий занимались росписью свитков в Китае, и некоторые образцы их искусства считаются знаменитыми сокровищами. Такие работы, как « Нимфа реки Луо» , отличный пример повествовательной живописи, рассказывают историю, которая читается справа налево.Другие, такие как Five Oxen, , являются ранними примерами анималистической живописи в китайском искусстве. Некоторые работы, такие как « Тысяча ли рек и гор» , служат примерами определенного типа пейзажной живописи, называемого сине-зеленым пейзажем . Другие, как показано в «Весеннее утро во дворце Хань», «» являются прекрасными примерами гунби , особой техники рисования.
СМИ в фокусе: традиционная китайская живопись
Китайская традиционная живопись охватывает более 2000 лет истории, начиная со 2 века до н.э. до наших дней, и предлагает захватывающее представление о жизни и мыслях ее мастеров на протяжении веков.Несмотря на то, что в течение долгого времени он претерпел множество изменений в стиле и направленности, для него характерно уважение к прошлому и связь с ним, что остается важным для художников, практикующих сегодня.
Благоприятные журавли, император Хуэйцзун (1082–1135), провинциальный музей Ляонин. Изображение в публичном доменеЧто такое китайская традиционная живопись?
Китайская традиционная живопись ( гохуа, ) тесно связана с каллиграфией и использует те же материалы:
Кисти : Традиционно изготавливаются из козьей, оленьей или волчьей шерсти.
Китайские чернила : Чернила формируются в виде карандаша из затвердевшей сосновой сажи и клея, которые затем растираются на чернильном камне с небольшим количеством воды.
Китайские пигменты : Цвет в традиционной живописи наносится с использованием пигментов (например, киновари), смешанных с клеем, что делает их похожими на гуашь.
Чернила выполняются либо на рисовой бумаге , либо на шелке , который покрыт раствором квасцов, чтобы обеспечить впитывающую поверхность для пигментов.Эта впитывающая способность означает, что художник не может изменить или стереть свою работу и должен выполнять ее с уверенностью.
Традиционная живопись также разделяет многие эстетические и технические цели каллиграфии, а именно создание гармоничной композиции с помощью выразительных мазков и иногда включает письмо как часть композиции.
Китайская чернильная табличка XIX века, Метрополитен-музей, Фонд Роджерса, 1929 год. Изображение в общественном достоянии. | Фото предоставлено Met MuseumТехники гохуа
Традиционная живопись делится на две основные техники: гунби, , дотошный стиль живописи, богатый цветом, с подробными мазками кисти, и xieyi , более свободный стиль, который часто используется в пейзажах и направлен на выражение творческих способностей художника. чувства.
Чем китайская традиционная живопись отличается от западного искусства?
На протяжении большей части своей истории китайская традиционная живопись была более линейной по стилю, чем ее западный аналог, и не адаптировала линейную перспективу или затенение светотени, чтобы предложить трехмерную массу.
Он также отличался контекстом, в котором его рассматривали, часто принимая формат ручных свитков длиной в несколько метров. Они будут разворачиваться слева направо и просматриваться последовательно, привнося в процесс просмотра элемент времени и продолжительности.
Краткая история китайской традиционной живописи
Придворные дамы, играющие двойные шестерки, приписываемые Чжоу Фангу (ок. 730 — ок. 800). Галерея искусств Фриер. Изображениев свободном доступе
Самые ранние образцы китайской традиционной живописи были созданы во времена династий Хань (206 г. до н.э. – 220 г. н.э.) и Тан (618–907 гг.) И изображают жизнь при королевских дворах или религиозные знамена, нарисованные на шелке яркими цветами. Во времена династии Тан также начал возникать один из самых важных жанров китайской живописи, пейзажная живопись, известная как Shan shui .
Увлечение пейзажем продолжало развиваться и в последующие века, от Пяти династий (907–960) до периода Северной песни (960–1127). Часто известный как «золотой век китайской живописи», в это время художники интересовались реалистичными наблюдениями за миром природы и постепенно переходили к более монохромной эстетике. Во времена династии Сун (960–1279) пейзажи приобрели почти мифический характер.
Путешественники среди гор и ручьев, Фань Куан (990-1020), Национальный дворец-музей, Тайбэй.(Изображение в свободном доступе.)
Примерно с 1250 по 1400 год, во время династий Сун и Юань (1279–1368), начала появляться новая группа художников, монахов и ученых, которые создавали произведения для частной демонстрации. Эти художники часто использовали каллиграфию в своих работах и стремились выразить через них свою внутреннюю жизнь и мысли.
Процветающая династия Мин (1368–1644) подпитывала спрос на искусство во всем обществе, движимая достижениями в технике цветной печати, и привела к тому, что южные города, такие как Ханчжоу, Нанкин и Сучжоу, превратились в центры искусства.В позднем императорском Китае во времена династии Цин (1644–1912) художники, известные как индивидуалисты, соревновались не только со своими современниками, но и со своими предшественниками, восставая против многих правил традиционной живописи и используя более свободную и выразительную манеру письма.
Взаимодействие с западным искусством и традиционной живописью сегодня
Пример современного художника, использующего в своей работе техники Гонгби и Сиеи: «Погоня за рыбой», Хэ Си, Национальный музей искусства дикой природы США.Изображение любезно предоставлено He Xi и принадлежит ему.
Начиная с XIX века художники также начали заниматься западным искусством, включив в свои работы элементы обеих художественных традиций. Это остается важным элементом в работе многих художников, практикующих традиционную китайскую живопись сегодня, таких как художник Ку Лэйлей (род. 1951), который обучался традиционной живописи и был одним из основателей важной группы «Звезды» в 1970-х годах. . Эмигрировав в Великобританию в 1985 году и познакомившись с классической скульптурой и итальянской живописью эпохи Возрождения, Ку Лейлей начал использовать западные техники, такие как светотень, в своих рисунках тушью, что привело к уникальному изобразительному языку и стилю.В то время как многие современные китайские художники переняли западные медиа и стили, другие, например, шанхайский художник Хэ Си, используют традиционные техники рисования, чтобы отразить опыт современной городской жизни.
За рыбой наблюдают II, Он XI. Изображение любезно предоставлено и принадлежит Хэ Си.Где в Великобритании можно увидеть традиционную китайскую живопись?
Одно из лучших мест, где можно увидеть традиционную китайскую живопись, — это музей Ашмола в Оксфорде, где галерея Хоана и Майкла Салливана — единственная публичная галерея в Великобритании, специально построенная для демонстрации китайской живописи, в том числе современных.Британский музей в Лондоне также имеет богатую коллекцию традиционной китайской живописи, как и Восточный музей Даремского университета.
Где можно изучить методы традиционной китайской живописи и приобрести материалы?
Веб-сайт Британского национального общества китайской живописи кистью является полезным ресурсом для тех, кто хочет узнать больше о среде, и содержит список преподавателей и курсы, предлагающие обучение традиционной живописи на всей территории Великобритании, а также общенациональные и международные магазины традиционной живописи. запасы.
Дополнительная литература
Материал в фокусе: яичная темпера
Материал в фокусе: пергамент
Китайских литературных художников | Китайский институт
Живопись литератур Китая
Прозаический перевод:
В одиночестве лотос на краю извилистого пруда раскрывается в цветке — пучки разбитого тумана, запахи слабого аромата: слишком призрачно, чтобы его изображать!
Дикие гуси исчезли, исчезли отражения паруса; но стрекоза, гоняясь за изумрудными волнами, все же идет.
(перевод Бена Ванга)
Живопись китайских литераторов
Бен Ван, старший преподаватель
Чтобы зарегистрироваться на этот курс, начиная с 9 июня, нажмите здесь (добавьте ссылку)
Ни одно обсуждение литературной живописи, уникальной для китайской культуры, невозможно без внимательного взгляда на то, как поэзия, каллиграфия и живопись зарождались и созревали в Китае на протяжении веков, прежде чем они наконец объединились, чтобы породить новый жанр — литературная живопись, идеальное сочетание поэзии, каллиграфии и живописи.
С древних времен тесная связь между Природой и, в основном, фермерами на обширной территории Китая привела людей к убеждению, что Небо и Солнце, как одно целое, являются их отцом и Землей, Луной, их матерью и бесчисленным множеством вещей в мире. между ними — их альтер-эго или двойники. Классическая китайская поэма — это богатый гобелен, сотканный из наблюдений поэта над природой и бесчисленных намеков на жизнь и события его родителей и его собственных, часто с поэтом, принимающим персонажей природы и множеством намеков на природные элементы.Художники классического китайского искусства и литературы кажутся неспособными отделить себя от Природы и жизни людей прошлого, которые служат литературными метафорами в их композициях. Ни в какой другой литературной и художественной форме это явление не проявляется так явно, как в китайской литературной живописи, уникальной для китайской культуры, но универсальной в том, как ее могут оценить все, кто интересуется красотой и искусством в этом человеческом мире.
Китайская культура впервые расцвела в период Чжоу, с 1100 по 500 год до нашей эры.C., когда были созданы, изобретены и процветали все культурные жанры, одним из основных жанров была письменность, основанная на пиктограммах, которая привела к песням, а затем и к сочинению стихов. Попытки сделать эти пиктографические письменные изображения более элегантными и особенными стали искусством каллиграфии, которое, наряду с поэзией, высоко ценится китайцами.
Поскольку поэзия неотделима от музыки, именно здесь звуки и 4 тона (тональные высоты) становятся неотъемлемой частью поэзии.В китайском языке больше звукоподражаний, чем в любом другом языке. Этим звукам задаются разные тона. Два тона находятся на высоком уровне, а два других — на низком, они установлены на звуки / символы, которые представляют все вещи. Два высоких тона соответствуют пиктографическим символам, которые должны принадлежать миру Ян, мужской силе, а два других низких тона — словам, которые должны быть в мире Инь, женской силы. Идеальный союз и баланс между высокими и низкими тонами важны в сочинении стихов.Во времена династии Тан у китайских поэтов и других представителей интеллигенции было уже более 2000 лет, чтобы выработать совершенную схему тонов в сочинении прекрасного стихотворения.
Что касается каллиграфии, не будет преувеличением сказать, что письменные иероглифы — это душа китайской культуры. Поскольку все персонажи были созданы на основе пиктограмм, все они претерпели различные линейные изменения и развились в 4 каллиграфических стиля: Печать, Духовное служение, Кай или Бег и Курсив: Печать для мрачности, формальности и церемоний; Канцелярские для академического обучения; Кай или Бегущий — для легкости и размаха; Курсив для поэтического самоотречения и бравурного духа.Что касается того, насколько разные настроения могут выражаться эти четыре стиля соответственно, линии на китайской живописи часто рисуются той же техникой, что и маневрирование кистью при отработке четырех каллиграфических стилей. Эти разные каллиграфические стили могут также отражать разные настроения художника или духи разных картин, которые художник пытается создать, и, таким образом, стали позвоночником китайской живописи.
Сунь Гуотинг, каллиграф династии Тан и теоретик каллиграфии VII века, отметил, как каллиграфия несет в себе образы природы, заметив: «Когда вы пишете кистью с силой, мазки могут выглядеть как тяжелые облака; когда легонько, как крылья цикады.Когда кисть тянется, мазки могут напоминать ниспадающий каскад; когда кисть опускается вниз, мазки могут напоминать стоящую величественную гору ». Однако лучшее описание каллиграфии, пожалуй, было дано одним древним китайским ученым, когда он прокомментировал: «Каллиграфия — это изображения без реальных особенностей, музыка без настоящих звуков». И теперь это известное заявление Пикассо о том, что если бы он был китайцем, он инстинктивно стал бы каллиграфом, а не художником.
Для дальнейшего развития тесной взаимосвязи между поэзией и каллиграфией, давайте поразмышляем над этим: поскольку для жителя Запада немыслимо украсить сад досками, на которых вырезаны или написаны поэтические строки, — может ли кто-нибудь вообразить доску с надписью «Вещь красоты» На нем высечена в английском саду радость навсегда? — в китайском саду естественно и часто можно найти большое количество деревянных или бамбуковых пластин, на которых выгравированы поэтические строки каллиграфии, доставляющие зрителю удовлетворенные эмоции, которые люди испытывают, находясь рядом с природой, гармонию между людьми и их окружением.И посредством этого китайские художники смешивают природу с природой, созданной руками человека, персонажей, причем одно дополняет другое. Сама природа встречает произведения искусства, изображающие природу: произведения искусства, сочетающие музыку и поэзию. Теперь несколько слов о живописи: китайская живопись произошла от рисования линий непосредственно с настенных росписей во времена династии Хань. Концепция традиционной или классической китайской живописи основана в первую очередь на даосизме, центральной темой которого является «непривязанность», поскольку Дао существует повсюду, и что люди являются лишь частью вселенной, китайский художник рисует с нескольких точек зрения.Это может помочь объяснить наиболее заметные характеристики китайской живописи: отсутствие оттенков, пустых пространств и, в основном, черных или черных мазков. Отсутствие оттенков создает тонкую грань между сходством и непохожестью в том, как нарисованные предметы напоминают реальные предметы; пустое пространство предполагает идеальный баланс между небом и землей; черные и черные туши для китайских художников могут «расцвести до 10 оттенков», так какой же смысл использовать другие цвета?
Назад к китайской художественной перспективе: с вышеупомянутой убежденностью, линии и точки рисуются кистью и тушью на плоской бумаге с разных точек зрения, будь то с уровня земли или с воздуха, как если бы художник отделился. из любой точки он рисует, чтобы выразить свою оценку Природе, оценка, основанная на вере даосского учения о том, что «Дао (Путь) находится повсюду во вселенной.Идеализированная природа, а не простое подобие природы, дает художнику окончательную надежду и утешение в достижении Дао, Пути, через рисование плавными движениями, но без близкого сходства в пропорциях и анатомии. Поскольку телесная красота никогда не была частью китайской художественной традиции, китайские художники никогда не интересовались детальным изучением сходства вещей, в том числе частей человеческого тела. С другой стороны, эссенциализм в противоположность реализму — это высшая досягаемость китайского художника.Именно в этом духе родилась и процветала литературная живопись в Китае. Как Су Ши из династии Сун прокомментировал поэзию и живопись Ван Вэя из династии Тан: «Читая и повторяя стихи Ван Вэя, каждый видит в уме изысканную пейзажную живопись; и наоборот, глядя на его картину, человек попадает в царство поэзии ». Это наблюдение совершенно ясно показывает, что в период позднего Тан эта живопись приближалась к зрелости.
Да, все это произошло во время династии Тан, с 7 по 10 века, когда поэзия и каллиграфия достигли своей зрелой и славной высоты, а в сумерки Танского периода произошло постепенное созревание живописи, что привело китайских художников. и литераторы, которые приходят фантазировать и считают, что картины могут дополнять литературные произведения, чтобы предложить читателю, зрителю и слушателю одновременно более всестороннюю и большую признательность.Так оно и было: благодаря этой недавно открытой и уникальной литературной и художественной реализации родился новый литературный и художественный жанр: литературная живопись, жанр, который воплощает в себе 3 аспекта: поэзию, музыку и живопись!
Художник «Literati Painting» пишет в основном природные элементы, которые часто служат альтер-эго художника. Великолепная работа Literati Painting показывает глаза художника, сердце и кисть на облаках, лепестках, горах, реке, каплях дождя, бризах, временах года и других природных элементах, объединяющих усилия для выражения внутренних эмоций художника / поэта.Что еще более важно, на прекрасном произведении литературной живописи стихотворение должно состоять из строк с элегантными персонажами, выбранными по их поэтическому значению и визуальной красоте, написанными в правильно выбранном каллиграфическом стиле, в соответствии с настроением художника и для представления зрителю. / Читатель с радостью одновременно интуитивной и церебральной. И когда стихотворение читается, резонирующие звуки и уравновешенные тона будут способствовать приятности. Когда зритель наслаждается стихотворением, написанным тонкой каллиграфией, в ушах будут звенеть приятные звуки, установленные для пиктографических персонажей.В то время как поэзия и ее персонажи представляют зрителю визуализированные мысли, их тональные звуки восполняют то, что не могут видеть глаза и до чего может дотянуться только разум или воображение, и, таким образом, обретение полного и всестороннего удовольствия от союза поэзии и Изобразительное искусство.
Еще одним интересным моментом в отношении жанра является то, что стихотворение на литературном произведении имеет особое литературное название — «Поэма, тематизирующая живопись» (ti hua shi, на китайском языке). Разве не ясно, какую важную роль стихотворение играет в картине, поскольку китайское стихотворение — само пиктографические символы с музыкой, уже разновидность музыкальной живописи — является тематической частью всего произведения, а картина служит лишь скромным ( в какой-то степени лишнее) партнерша по фильму в этом виде искусства?
Этот необычный жанр процветал с 13 века и достиг своего полного расцвета в конце династии Мин, на заре маньчжурской династии в 17 веке и просуществовал до середины 20 века.
Сколько разных стилей китайской живописи кистью
Типы китайской живописи
Китайская живопись развивалась на протяжении долгой и разнообразной истории Китая. Развитие изящных искусств процветало или нет, в зависимости от прихотей и прихотей правящих династий, которые веками так сильно влияли на жизнь Китая. Китайская живопись также испытала влияние религиозных и социальных влияний захватчиков, торговцев и иммигрантов.
Доисторический
Китайские картины восходят к эпохе неолита, когда на цветной керамике и бронзовой посуде были изображены линии, похожие на зубы, рыболовные сети и рябь, а также ярко нарисованные лягушки, олени, рыбы и человеческие лица.
Утес
Древние картины и гравюры на скалах встречаются по всему Китаю и Внутренней Монголии. Основные темы Южного Китая включают повседневную жизнь, деятельность и жертвенные обряды; в то время как в Северном Китае изображены танцы, войны, охота и выпас животных.
Художественные Академии
Академии художеств были впервые созданы во времена Пяти династий (907–960), где портреты изображают повседневную жизнь аристократов, дворян и императоров. Императорская Академия художеств возникла во времена династии Сун.
Пейзажи
Во времена Пяти династий и в начале династии Сун было время, названное «Великим веком китайского пейзажа». Существует две основных техники: одна с использованием сильных черных линий, туши и пунктирных мазков для создания таких тем, как реки и горы, а другая с использованием более мягких линий и более мягких кистей для рисования мирных сельских пейзажей.Обе процедуры со временем слились в классический китайский пейзаж.
«Сине-зеленый пейзаж», популярный во времена династии Тан, изображает декоративные пейзажи, выполненные в синих и зеленых тонах и обведенные золотом, согласно Art Realization.com.
Народная
Этот тип китайской живописи, популярный во времена династии Сун (960-1127 гг.) И достигший своего апогея в период Цин (1644-1911 гг.), Был широко распространен и ориентирован на широкие массы.Примером могут служить изображения, которые выставляются в окнах, стенах и дверях многих китайских домов во время китайского Нового года, чтобы защитить от злых духов и бедствий, а также для привлечения благословений с небес.
Натюрморт
Организация History for Kids сообщает, что во время династии Сун (960–1279) появилось внимание к изысканным деталям, и сюжеты картин сосредоточены на отдельных предметах, таких как птица, цветок или побеги бамбука. Во времена династии Мин (1368–1644) картины писались маслом и часто изображали птиц, цветы, людей и бамбук.
Обычная повседневная жизнь
По данным Министерства образования Вашингтона, подробные сцены сельской и городской жизни Китая, особенно во времена династий Сун и Юань, высоко ценятся как социальные рекорды, а не за их художественное мастерство.
Го Хау
Гуо Хау, что означает «местная живопись», использует натуральные чернила вместо масел.
Этот тип китайской живописи, популярный до 20 века, использует тот же тип туши, кисти и технику, что и каллиграфия.Однако Го Хау реализует использование цветных чернил. Эта форма китайской живописи обычно проявляется в тщательном стиле, известном как «Гонг-Би», традиционном стиле придворной живописи.
Шуй-мо-хуа
Шуй-мо-хуа, тоже стиль китайской живописи, основанный на каллиграфии, использует смесь красок из воды и мо (натуральные чернила из сосновой сажи, которые создают эффект акварели), наносится на шелковую или рисовую бумагу с использованием только черных чернил. . Самая популярная форма, Xie-Yi («написание значения» на китайском языке), представляет собой подход от руки, который включает несколько штрихов и простых кривых для выражения эмоций.
Шань Шуй
Еще один вдохновленный каллиграфией стиль живописи, получивший известность во времена династии Сун, Шан Шуй (изображение горы-воды), использует кисть и различные цвета чернил, чтобы показать, что художники думали о природе, а не воссоздавать ее.
Какая картина на китайском языке самая лучшая? — MVOrganizing
Какие картины на китайском языке самые лучшие?
Известные китайские картины
- Нимфа реки Луо — Гу Кайчжи.
- Уединенный храм среди ясных вершин — Ли Чэн.
- Благородные дамы из династии Тан — Чжан Сюань и Чжоу Фан.
- Хань Сицай устраивает ночной банкет — Гу Хунчжун.
- Орел, стоящий на сосне — Ци Байши.
- Пять Быков — Хань Хуан.
- Водная деревня в Цзяннани — У Гуаньчжун.
Кто самый известный китайский художник?
Известные китайские художники
- Гу Кайжи. Жан Цзыцянь. Хан Ган.Хан Хуанг.
- Ли Сиксун. Ли Чжаодао. Ван Вэй. У Даози.
- Чжан Сюань. Чжоу Фан. Цзинь Хао. Гуань Тонг.
- Ли Ченг. Донг Юань. Джуран. Гу Хунчжун.
- Фань Куан. Го Си. Ли Тан. Чжан Цзэдуань.
- Сюй Даонин. Ян Вэнгуи. Ли Гунлинь. Ми Фу.
- Чжао Цзи. Цянь Сюань. Су Ханчен.
- Ма Юань. Ся Гуй. Лю Суннян.
Кто был самым известным древнекитайским художником?
Вот список из пяти выдающихся художников древнего Китая, каждый из которых представлял свою эпоху.
- Гу Кайжи (348 — 405AD)
- У Даози (680 — 759AD)
- Ни Зан (1301 — 1374AD)
- Чжу Да (1626 — ок. 1705 г. н.э.)
- Чжао Мэнфу (1254–1322 гг. Н. Э.)
Кто такой известный китайский художник?
Фан Куан Свои живописные работы он начал с моделирования работ Ли Чэна. Однако позже Куан придумал свой стиль, потому что он утверждал, что истинным учителем была природа. Как следствие, он стал самым выдающимся художником X и XI веков и остается самым уважаемым художником в Китае.
Кто самый известный певец в Китае?
Узнайте о самых популярных певцах из Китая. В списке представлены самые богатые китайские певцы 2020 года. Лучшие китайские певцы-мужчины… Кендзи Ву.
| # | Певица | Собственная стоимость |
|---|---|---|
| 1 | G.e.m. | $ 316,4 тыс. |
| 2 | Высшие братья | $ 120,8 тыс. |
| 3 | Ронгхао Ли | 105 долларов США.3К |
| 4 | Джокер Сюэ | $ 61,9 тыс. |
Какие элементы китайской живописи?
В китайской живописи используются чернила и пигменты на водной основе на бумажной или шелковой основе. Черные чернила получают из сажи, вещества, получаемого при сжигании сосновой смолы или тунгового масла; цветные пигменты получают из растительных и минеральных материалов.
Какие предметы традиционной китайской живописи наиболее часто встречаются?
Китайская живопись выполняется на бумаге или шелке с использованием различных кистей, туши и красок.Сюжеты различаются, в том числе: портрет, пейзаж, цветы, птицы, животные и насекомые.
Как вы оцениваете китайскую живопись?
Качество: Несомненно, качество — это самый важный показатель ценности. Хорошая китайская живопись и каллиграфия оцениваются по предмету, иконографии, технике и визуальной привлекательности. Некачественная работа известного художника имеет скромную ценность. Тема сообщения: это еще один важный показатель стоимости.
Какие шесть основных средств рисования?
Существует шесть основных живописных сред, каждый со своими индивидуальными характеристиками:
- Энкаустика.
- Темпера.
- Фреска.
- Масло.
- Акрил.
- Акварель.
Каковы важные концепции китайской живописи?
Характер китайской живописи, как и китайской каллиграфии, тесно связан с природой среды. Основной материал — чернила, сформированные в виде короткой палочки из затвердевшей сосновой сажи и клея, которую до необходимой консистенции растирают на чернильном камне с небольшим количеством воды.
Какие четыре типа китайской живописи?
Инструменты, используемые в традиционной китайской живописи: кисть, тушь, традиционная краска и специальная бумага или шелк.Он развивался и был разделен по тематике на три жанра: рисунки, пейзажи и птицы и цветы.
Какие четыре стиля китайского шуфа?
Существует пять основных категорий традиционной китайской каллиграфии:
- Печать печати — чжуань шу. Китайские печати разных размеров и форм.
- Духовное письмо — ли шу
- Обычное письмо — кай шу (пр. Кей шу)
- Скрипт бега — син шу (пр. Син шу)
- Курсивное письмо — цао шу (пр.цао шу)
Какие три основных формата китайской живописи?
, в то время как с точки зрения предмета и темы традиционные китайские картины подразделяются на три основные категории: фигурная живопись, пейзажная живопись и живопись с цветами и птицами.