День: 20.01.1977

Материалы и инструменты для живописи

Задача видеоурока: Ознакомиться с материалами и инструментами для живописи (акварель, акрил, гуашь), научиться разбираться в материалах и инструментах для живописи, и ознакомиться с требованиями к материалам и инструментам для (акварели, акрила, гуаши).

В уроке вы научитесь выбирать при покупке: краски, кисти, палитры, и другое.

Как выбирать кисточки и какие следует выбирать для акварели, гуаши и акрила?

По форме волоса кисти делят на плоские и круглые. По размеру на тонкие, средние и толстые.

Какими кисточками следует пользоваться для акварели и гуаши — книги рекомендуют:

колонковые, песчаниковые, медвежьи.

Я же  порекомендую для гуаши, как это не парадоксально — самые дешёвые синтетические кисти. Главное условие при покупке – их упругость. Форма волоса зависит от поставленных вами задач. Например, архитектурные сооружения лучше рисовать плоскими, это даст чёткие края домов, мелкие детали лучше выписать коническими кистями.

Для акварели я порекомендую беличью кисть.  Лучше всего подойдёт беличья кисть №11 – 12. Малые номера берут  для рисования по дереву. При покупке обратите внимание на упругость ворса кисти, он должен быть упругим, т.е. после проведения по ней пальцем, она должна немедленно восстановить свою форму. Волос кисти должен быть целым и не стриженным.  Если эти все характеристики сошлись, можно проверить последнее. Беличья кисть  при намокании должна быть похожа на капельку, то есть кончик кисти должен быть как острый угол капельки. В идеале, в магазине вам должны по Вашей просьбе принести ёмкость с водой, где вы или продавец сможете её намочить и проверить.

Некоторые производительные компании, зная, что у них не очень качественное сырьё, и после намокания тонкий кончик никогда не образуется, просто состригают край кисти, что просто недопустимо для беличьей  кисти при рисования акварелью. Можно, конечно сказать, что она подойдёт для рисования детям, но извините, если взрослому трудно ею рисовать, то для ребёнка это будет просто каторга.

В процессе рисования Вы сами можете определиться с видами, размерами и формами кистей, может быть для  акварели кому-то подойдёт и синтетическая  плоская или круглая кисть, может быть даже для рисования архитектуры. Всё это сугубо индивидуально. Так же как и размер кисти в длину, кто-то предпочтёт длинную кисть, а кому-то будет легче рисовать короткой.

Кисти нельзя оставлять в банке с водой, так как волосинки расправляются в разные стороны и кисть теряет свою  форму.

При  работе лучше брать для воды пол-литровую банку, так как она, в отличие от стакана, имеет больший объем, и вода в ней дольше остаётся чистой.

Вопрос посетителя сайта: Как создать плавные переходы цветов?

Ответ: Это одно из первых упражнений в живописи, если Вы хотите освоить и акварель и гуашь, то его нужно выполнить и в акварели и в гуаши. Это упражнение я дам в последующих уроках по живописи.

Вопрос посетителя сайта: Как держать кисточки в руке?

Ответ: Кисть держат как карандаш или ручку. Но если Вам удобно держать кисть как художники держат карандаш (см. урок материалы для рисунка), пожалуйста, главное – результат.

Вопрос посетителя сайта: Какими мазками рисовать в гуаши  и акварели?

Ответ: Существуют различные техники рисования, в этом и есть прелесть рисования, в один урок я при всём своём желании не смогу выложить все техники рисования. К тому же Вы в будущем можете создать какую – то свою технику рисования. Основные техники рисования Вы можете почитать в книге Костерина.

У меня на сайте было очень много запросов по грунтованию холста, и поэтому я решила дать Вам отличнейшую, самую лучшую и любимую мою книгу по материалам для рисования, грунтовке холста, дефектам холста, покрытию картин лаком. А также о: палитрах, кистях, мольбертах, рамах, подрамниках, обо всех материалах в рисунке и живописи (кроме акрила, так как это очень старая книга), про фиксативные лаки, перья, акварель, гуашь, масляные краски, про разбавители для масляных красок. В общем, лучшей книги по материалам  и подготовке поверхностей для рисования я ещё не видела.

На сегодняшний день много описывают материалы иностранные авторы, но они описывают те материалы, которые продаются у них, а у нас они не продаются. Они говорят например: для рисования акварелью есть 50 видов бумаги, возьмите горже или верже… Какое верже-горже? Три-четыре вида материала для акварели (зернистая-обычная, скорлупа и кракле) и всё, хочешь бери а хочешь нет… Как можно ориентироваться на них, если у нас это не продают?

Н. В. Одноралов «Материалы в изобразительном искусстве»

III. Живопись 3. Введение в историческое изучение искусства

III. Живопись 3

Насколько скульптура в целом непопулярна у современного зрителя, настолько живопись пользуется широкими симпатиями общества (между прочим, очень часто сейчас при перечислении специалистов по искусству можно прочитать «художник» вместо «живописец»). Каковы же причины этой популярности живописи в широких кругах? Несомненно чрезвычайное разнообразие и полнота явлений, впечатлений, эффектов, которые способна воплощать живопись; ей доступен весь мир чувств, переживаний, характеров, взаимоотношений, ей доступны тончайшие наблюдения натуры и самый смелый полет фантазии, вечные идеи, мгновенные впечатления и тончайшие оттенки настроений. Если архитектура создает пространство, а скульптура — тела, то живопись соединяет тела с пространством, фигуры с предметами вместе с их окружением, с тем светом и воздухом, в котором они живут.

Леонардо да Винчи восхищен необозримыми возможностями живописи, он называет ее «божественным» искусством и с увлечением перечисляет задачи и проблемы, темы и мотивы, которые находятся » распоряжении живописи, но не доступны другим искусствам.

При этом, в отличие от графики, живопись воплощает образы а красках, во всем их блеске и богатстве и при любом освещении. «Однако это богатство и разнообразие покупается дорогой ценой — ценой отказа от третьего измерения, от реального объема, от осязания. Живопись — это искусство плоскости и одной точки зрения, где пространство и объем существуют только в иллюзии. Эта плоскость составляет главную «условность» живописи, и главная трудность живописца состоит не в том, чтобы преодолеть эту условность (преодоление ее означает отказ от искусства — вспомним птиц, клевавших виноград Зевксиса), а в том, чтобы выдержать ее, так сказать, в одном ключе или, выражаясь иначе, на одинаковом расстоянии от действительности.

Дело в том, что об этой условности, этом ограничении живописи зритель часто забывает. Тут могут помочь сравнение и контраст со скульптурой. Свою внешнюю бедность скульптура искупает сгущенной осязательностью. Живописи угрожает как раз обратное — преувеличенное изобилие, подчеркнутая иллюзорность или, скажем иначе, мнимость. Вот чтоб их ограничить, связать себя, противостоять гипнозу реальности, живопись и применяет как противоядие отказ от третьего измерения. Зритель же обычно или вовсе забывает, что живопись двухмерная, и поддается целиком ее иллюзии, или же рассматривает плоскость как неизбежное зло, которое надо игнорировать. На самом деле плоскость и поверхность картины — столь же важные элементы художественного воздействия, как и созданные на ней образы. Дело в том, что каждая картина выполняет две функции — изобразительную и экспрессивно-декоративную. Язык живописца вполне понятен лишь тому, кто сознает декоративно-ритмические функции плоскости картины.

Мы начнем с так называемой станковой картины (то есть картины, написанной при помощи станка или мольберта), и начнем именно с плоскости и поверхности картины. Каковы материалы и техника станковой живописи? Прежде всего, важное значение имеет основа, на которой пишет живописец, так как она в значительной мере определяет прочность, технику и стиль живописи. В древности наибольшим распространением пользовалось дерево — его употребляли уже в Египте и Древней Греции, затем в средние века и в эпоху раннего Ренессанса (в XIV веке часто из одного куска делались и картина, и рама для нее). В Италии XV—XVI веков чаще всего применяли тополь, реже иву, ясень, орех. В раннюю пору итальянские живописцы использовали толстые доски, на задней стороне не обструганные. В Нидерландах и Франции с XVI века стали охотнее всего применять дубовые доски, в Германии же — липу, бук и ель. При этом старые мастера принимали во внимание не только прочность дерева, но и его тон и характер рисунка древесины (так, например, голландские живописцы XVII века для изображения воздушной вибрации неба использовали рисунок древесного волокна). Начиная с XVIII века дерево постепенно теряет популярность у живописцев.

Главный соперник дерева в качестве основы живописца — холст встречается уже у античных художников. В литературе первое упоминание о холсте встречается в трактате монаха Гераклия (вероятно, X век), но всегда в сочетании с деревом — или для обтягивания деревянных досок, или для заклеивания швов полосками холста. В знаменитом трактате Ченнино Ченнини (ок. 1400 г.) холст упоминается как основа для живописца. Но все же в эту эпоху холст применяли лишь эпизодически. Широкого применения холст достигает только на рубеже XV—XVI веков, в особенности в Падуе и в Венеции, около 1500 года тонким холстом пользовались для темперы (Карпаччо, Мантенья). Под влиянием венецианцев холст вводит в употребление Дюрер. Начиная с Тициана, холст входит в Италии в повсеместное употребление, и при этом главным образом грубых сортов. Дольше всего держались за дерево и сопротивлялись введению холста нидерландские живописцы. Обычай дублировать потертый холст и накатывать поверхность картины (особенно охотно этот прием применяли в эпоху классицизма) часто затрудняет определение возраста холста.

Со второй половины XVI века появляются медные доски главным образом для небольших картин. Особенной популярностью они пользовались во Фландрии (например, Ян Брейгель, прозванный Бархатным, писал небольшие картины, подражая миниатюре в точности и эмалевом блеске красок). Преимущества дерева и меди заключаются в том, что они не допускают вредного для масляных красок проникновения воздуха с задней стороны картины. Но, с другой стороны, холст гораздо пригодней для свободного, широкого письма. В XIX веке иногда для набросков пользовались картоном.

Для каждой основы необходима особая грунтовка. Задача грунтовки — уровнять, сгладить поверхность основы, чтобы помешать связующим веществам всасываться в основу, а кроме того, участвовать своим тоном в колорите картины.

В живописи средних веков и раннего Возрождения (вплоть до XVI века) господствует белый шлифованный грунт из гипса и мела. Его преимущества заключаются в гладкой поверхности, прочности, способности пропускать сквозь красочный слой сильно рефлектирующий свет; таким образом светлая грунтовка позволяла расширять световую шкалу колорита. В XIII—XIV веках белая грунтовка часто покрывалась золотом, гладким или орнаментированным. В конце XIV века золотая грунтовка постепенно исчезает, но золото остается в нимбах и орнаменте одежды; вместе с тем золотой фон уступает место пейзажу.

Отчасти при переходе с дерева на холст, отчасти в связи с новыми живописными проблемами и более быстрыми темпами работы в грунтовке происходят важные перемены: вместо гипса или мела грунтуют масляной краской и от белого переходят к красочному и темному грунту. В конце XVI века красочная грунтовка масляными красками получает полное признание в Италии, а оттуда расходится по всей Европе. Особенной популярностью пользовался красновато-коричневый грунт (так называемый болюс), придающий теням теплоту. С другой стороны, Рубенс, например, видоизменял грунт в зависимости от темы и задачи, которые он ставил в своей картине: то он применял белый, то красноватый, то серый. Цветной грунт поощрял контрасты колорита, его динамику, но уменьшал прочность картины. Поэтому картины эпохи барокко, хотя они выполнены позднее, частью дошли до нас в худшем состоянии, чем картины мастеров кватроченто.

Говоря о технике живописи, следует иметь в виду, что здесь имеет значение не только состав красок, но и свойства связующих веществ. Главная задача связующих веществ — закрепить краски в грунте и связать их друг с другом. От связующих веществ зависит химическая прочность техники, но только до известной степени: пастель обходится почти без связующих веществ и от времени почти не меняется, картины масляными красками вследствие химических процессов в связующих веществах сильно поддаются воздействию времени.

От красочного материала живописец требует оптической насыщенности, гибкости, блеска, чистоты, химической прочности. Однако все вместе эти требования несоединимы, поэтому каждая живописная техника основана на каком-нибудь компромиссе. Можно сказать также, что в зависимости от красочной техники в каждой картине могут быть два вида света — свет, отражаемый поверхностью, и глубокий, внутренний свет. Первый свет динамичный, но бескрасочный; второй — горит цветом, проходя через несколько красочных слоев. Можно сказать, что красочная звучность картины тем сильнее, чем больше внутренний свет превосходит внешний.

Начнем с тех техник, которые занимают как бы промежуточное место между графикой и живописью.

Пастель. Названа так от итальянского слова «pabla» — тесто (так выглядит незасохшая масса пастельных красок). Пастель состоит из обычных красочных пигментов, но отличается тем, что имеет мало связующих веществ. Пастельные карандаши должны быть сухими и мягкими, чтобы можно было перекрывать один слой другим. Дефект пастели: она очень чувствительна к мелким повреждениям, легко стирается, осыпается и т. п. Преимущества пастели — в большой свободе радикальных изменений: она позволяет снимать и перекрывать целые слои, в любой момент прекращать и возобновлять работу. Пастель допускает съемные тонкие слои, втирание краски пальцами или особым инструментом (ез1отре), достигающее тончайших, нежнейших переходов тонов. Колористические границы пастели определяются тем, что пастельный карандаш допускает только кроющие (пастозные), но не прозрачные краски, поэтому грунт не просвечивает и не принимает участия в колористических эффектах пастели. Пастель очень богата поверхностным светом, но очень бедна внутренним светом. Поэтому ее краски производят несколько приглушенное, матовое впечатление. Именно эти свойства пастели привлекали к ней, по-видимому, мастеров рококо (Розальбу Каррьера). Иногда в художественных кругах появлялось некоторое предубеждение против пастели (напомним слова Дидро, обращенные к Латуру: «Подумай, друг, что ведь все твои работы только пыль»). Иногда пастель называли «живописью дилетантов», упуская из виду, что в технике пастели созданы выдающиеся художественные шедевры.

Теоретически происхождение пастели следует относить к концу XV века, когда впервые появляются итальянский карандаш и сангина, когда пробуждается интерес к цветной линии и комбинациям нескольких тонов в рисунке. Термин же «pastello» впервые применяется в трактате Ломаццо в середине XVI века. В течение всего XV века пастель находится как бы в потенциальном состоянии, не переступая традиций чистого рисунка. Но в это время все усиливаются живописные тенденции, растет тяга к большим форматам, к размаху композиции, к иллюзии пространства и воздуха. Последний, решающий шаг делается в начале XVIII века: с одной стороны, совершается бифуркация к технике трех карандашей, с другой стороны — вся плоскость бумаги закрывается красочным слоем, и наряду со штриховкой начинает применяться втирание красок. Характерно, что и теперь главный стимул идет из Италии: первым мастером настоящей пастели можно назвать венецианку Розальбу Каррьера, которая в Париже в 20-х годах XVIII века становится знаменитой своими портретами знати.

XVIII век — расцвет пастели. Ее крупнейшие мастера — Шарден, Латур, Лиотар. Затем классицизм решительно отвергает пастель, как технику слишком нежную, бледную и лишенную решительности линий. Но во второй половине XIX века пастель переживает некоторое возрождение в творчестве Менцеля, Мане, Ренуара, Одилона Редона и особенно Эдгара Дега, который открывает в пастели совершенно новые возможности — сильную линию, звучность краски и богатство фактуры.

Акварель и гуашь тоже иногда включаются в круг графических техник. Однако мы склонны считать их разновидностью живописи. Обе эти техники применяют воду для растирания и накладывания красок. Важное различие между ними заключается в том, что акварель состоит из прозрачных красок, тогда как гуашь — из корпусных, кроющих.

Главное связующее вещество акварели — гуммиарабик — легко растворяется в воде, но не позволяет один сырой слой краски перекрывать другим. Поэтому же в акварели трудно достигнуть кладки равномерного слоя. Можно было бы сказать, что преимущество акварели вытекает из естественных трудностей ее техники. Акварель требует быстрой работы, но ее привлекательность как раз в свежести и беглости впечатления. Белый или красочный фон, который просвечивает сквозь тонкий слой краски, намеренно незакрытые поля белой бумаги; текучие, мягкие, светлые переходы тонов — главные стилистические эффекты акварели.

Гуашь по технике ближе к акварели, по художественному воздействию (с ее шероховатой бумагой, густым слоем кроющих красок, накладыванием светов пастозными белилами и т. п.) — к пастели.

Акварель в нашем теперешнем понимании начинается очень поздно (даже позднее, чем пастель). Но техника акварели известна очень давно — ее знали уже в Древнем Египте, в Китае, ее применяли средневековые миниатюристы. Поздняя готика и эпоха Ренессанса выдвинули в Северной Европе целый ряд выдающихся мастеров акварели — в Нидерландах братьев Лимбург и Губерта ван Эйка, во Франции — Жана Фуке, в Германии — Дюрера — как в рукописных миниатюрах, так и в пейзажных набросках. Но это еще не акварель в позднейшем понимании этого термина. Акварель в то время не имела самостоятельного значения — ее применяли для графических, иллюстративных целей, для раскрашивания рисунка. Итальянское искусство эпохи Ренессанса совершенно игнорировало акварель, поскольку она не могла конкурировать со стенной живописью и была полностью подчинена графике, рисунку (не случайно в акварелях старых мастеров сквозь краску всегда проступают штрихи карандаша или пера).

Расцвет акварели совпадает с упадком монументальной стенной живописи и со временем увлечения рисованием и писанием непосредственно с натуры, то есть со второй половины XVIII века. Нет сомнений, что перемены совпадают с важными кризисами в области изобразительных искусств — с потерей контакта между живописью и архитектурой и с усилением в графике репродукционных задач. Акварель — искусство тончайших нюансов и в то же время недомолвок — современница классицизма, тенденциям которого она прямо противоположна.

Акварельная живопись в современном понимании зарождается в Англии. Возможно, что отчасти ее зарождению содействовала сама природа Англии с ее облачностью и туманами — текучий ритм акварели как нельзя более пригоден для передачи воды, воздуха, рассеянного света. В годы деятельности Гертина, Тернера, Котмэна акварель считалась национальным искусством англичан. Второй расцвет акварель пережила в пору импрессионизма (Уистлер), когда почти каждый живописец пробовал свои силы в акварели.

Акварель и пастель тяготеют к миниатюре, к мягкому, нежному, но сложному языку. Фреска, напротив, любит большие плоскости, монументы, возвышенный ритм и вместе с тем обобщенный, упрощенный язык. Фреска орудует тоже водяными красками, но ее связующим веществом является известь: живописец пишет прямо на стене, на сырой, свежей штукатурке (отсюда и название «fresco»— свежий).

Главная трудность фресковой живописи заключается в том, что начатое художник должен докончить, пока сырая известь не высохла, то есть в тот же день. Поэтому работа идет по частям. Если необходимы поправки, то надо или выцарапывать, или вырезать всю соответствующую часть известкового слоя и накладывать новый. Поэтому совершенно естественно, что техника фрески требует быстрой работы, уверенной руки и совершенно ясного представления о всей композиции и каждой ее части. Поэтому же фреска поощряет простоту образного языка, обобщенность композиции и четких контуров.

Так как во фреске и грунт, и связующее вещество представляют собой единство (известь), то окраска не осыпается. Но зато известь подвержена сильной химической реакции, которая вредно отзывается на некоторых пигментах. К тому же фрескист должен считаться с неизбежным изменением колорита, с просветлением красок после высыхания. Словом, мастеров фрески больше, чем живописцев, работающих в другой технике, связывают трудности техники — быстрота работы, трудность поправок, ограниченность колорита, наконец, требования самой стены и окружающей архитектуры. Но мы уже знаем, что живопись по самому существу своему нуждается в связывании, ограничениях, самопожертвовании. И, быть может, именно поэтому во фреске созданы самые глубокие, самые возвышенные произведения живописи.

Техника фрески известна уже античности. Однако, как свидетельствуют образцы, сохранившиеся в Риме, в Помпее и т. п., античная фреска отличалась от поздней некоторыми приемами. В спорах исследователей по этому поводу наметились два основных отличия. 1. Художники Ренессанса применяли два слоя извести; напротив, античные мастера — много слоев. 2. Поверхность античной фрески была блестящей, так как она полировалась горячим воском. Иначе говоря, античная фреска представляла, собственно, собой смесь фрески с живописью восковыми красками (так называемая энкаустика).

В средние века традиции античной фрески забываются. Но понемногу начинает вырабатываться новая техника. До XIV века особенной популярностью пользовался прием «buon fresco» (то есть по сухой штукатурке), подробно описанный монахом Теофилом в начале XII века. Техника «al secco» держится в течение всего XIV века, но параллельно ей развивается смешанная техника (ее применяли Джотто и его школа), которая и подводит нас к чистой классической фреске (получившей прозвище «buon fresco» — то есть хорошая, добротная фреска). Процесс работы Джотто, по свидетельству современников, заключался в следующем. Сначала наносился первый слой, состоявший из двух частей песка и одной части извести, все смешано с водой. После того, как первый слой высыхал, на нем намечали квадратную сеть (для облегчения переноса рисунка на стену) и набрасывали углем главные элементы композиции. Через второй слой, тонкий и гладкий, просвечивал рисунок. Окончательный перелом в развитии фрески совершается около 1400 года. Вместо квадратной сети теперь пользуются так называемым картоном — большим подробным рисунком в натуральную величину. С него всю композицию переносят на стену путем протыкания контура. Кроме того, темперой пользовались только для последней ретуши; в основном же писали красками, смешанными с известью.

До сих пор мы говорили о монументальной живописи. Для станковой картины (самостоятельное произведение живописи, свободное от всяких декоративных функций и выполненное на мольберте или станке) характерны две основные техники — темпера и масляная живопись. Обе эти техники применяют одни и те же пигменты, но отличаются связующими веществами, а отсюда существенное отличие и в процессе работы, и в окончательном стилистическом эффекте.

Термин «темпера» от латинского «temperare» (что значит — смягчать, укрощать, смешивать). Эта техника имеет несколько вариантов, которые объединяются тем, что их связующие вещества могут быть разбавлены водой, но после высыхания в воде не растворяются. Связующим веществом могут быть яичный желток (главным образом в античности) и яичный белок (в средние века и в эпоху Ренессанса), к которому прибавляются то мед, то фиговый сок, а также казеин и другие вещества.

Темпера — это трудная техника. Краски нельзя смешивать, надо накладывать очень тонкими слоями, одну рядом с другой, без переходов (поэтому от масляной живописи темпера отличается некоторой жесткостью). Темпера предпочитает простые сочетания красок; смешанные, преломленные тона можно получить лишь накладывая один слой на другой. Моделировка достигается штриховкой или оттенками тона. При темпере применяют особый лак из смолы и конопляного масла, который усиливает блеск живописи. Темпера образует совершенно своеобразный рельеф поверхности, прямо противоположный тому, который свойствен масляной живописи — наиболее густые слои краски в тенях, наиболее мягкие на свету. Большое преимущество темперы: равномерно сохнет, не образует трещин, так называемых кракелюр. Вместе с тем темпера в гораздо большей степени диктует свои условия живописцу: она требует большой ясности, строгости, можно было бы сказать, суровости стиля. И поэтому в какой-то мере ограничивает живописца в его исканиях.

По происхождению темпера древнее масла. Уже готические живописцы употребляли ее в классическую эпоху. В средние века это самая распространенная техника для алтарных картин. В Италии темперой пользовались в течение всего XV века. С конца XV века все усиливается популярность масляной живописи (пришедшей в Италию с севера), которая в XVI веке окончательно вытесняет темперу. В конце XIX века начинается некоторая реабилитация темперы.

Техника масляных красок долгое время была связана с раскраской деревянных статуй. Но поздний ее расцвет дал толчок развитию новой живописи, а в новейшее время она стала синонимом живописи вообще.

Техника масляной живописи обладает многими преимуществами сравнительно с другими. Прежде всего, техника масляной живописи основана на связывании пигментов различными сохнущими растительными маслами (льняное, маковое, ореховое и др.) и различными лаками. Эти связующие вещества позволяют применять различные технические приемы (в этом смысле можно сказать, что живопись масляными красками самая индивидуальная из всех живописных техник) и притом комбинировать приемы, которые в других техниках могут применяться только по отдельности, например применение корпусных красок и прозрачных красок и рядом, и одна на другую, и в смешении. Вместе с тем масляные краски долгое время не меняют вида, тона и блеска. Наконец, масляная живопись дает художнику полную свободу в выборе темпа работы (медленный, детальный и широкий смелый — alla prima), а также в выборе рельефа — от самой жидкой до сочной, пастозной, густой кладки. Можно было бы сказать, что в отличие от всех остальных техник масляная поощряет самоуверенность и дерзость.

При этом дефекты масляных красок больше относятся к отдаленному будущему, а не к настоящему: с течением времени масляные краски теряют эластичность, силу связующих веществ, темнеют, желтеют, покрываются трещинами (кракелюры), так как масло твердеет и уменьшается в объеме. (Можно сказать, что кракелюры появляются тем раньше, чем гуще живопись, так как различные слои сохнут с различной быстротой.) Старые мастера боролись с этим подготовкой основы, грунтовкой, поздние — покрыванием картины смолистым лаком (кстати напомним, что слово, обозначающее лакировку картин накануне открытия выставки,— «вернисаж» — перешло на торжественную процедуру открытия выставок).

Следует в заключение подчеркнуть, что старые мастера не знали ряда красок, которыми мы теперь широко пользуемся, например кобальта, кадмия и других. Кроме того, старые мастера знали только свинцовые белила, тогда как мы теперь чаще пользуемся цинковыми (их преимущества: они прочнее и не желтеют). Французские романтики начала XIX века, стремившиеся к густым, мрачным эффектам, увлекались так называемым битумом (или асфальтом), с помощью которого достигали глубоких бархатных теней, но ценой больших жертв, так как асфальт медленно сохнет, картина темнеет и трескается. Таким образом, за свободу техники масляной живописи часто приходится платить дорогой ценой.

Происхождение масляной живописи более позднее, чем фрески и темперы. Еще и теперь не замолкли споры, когда появилась масляная живопись в настоящем смысле слова. Вазари называет изобретателем масляной живописи нидерландского живописца Яна ван Эйка — мастера первой половины XV века. Однако ряд ученых указывает, что масляные краски и лаки были известны раньше и в Европе, и в Азии (в Китае). В средние века для раскраски статуй пользовались масляными красками. Однако эти возражения не умаляют исторического значения Яна ван Эйка. Точно мы не знаем сущности его нововведения: может быть, он употреблял льняное или ореховое масло, прибегая к соединению масла и темперы в прозрачных лессировках — во всяком случае, именно только с ван Эйка масляная живопись становится самостоятельным методом, стилистической основой нового живописного мировосприятия. Характерно, что итальянские живописцы в течение всего XV века независимо от ван Эйка экспериментируют с маслами и лаками, но настоящее развитие масляная живопись получает в Италии только в конце XV века, когда Антонелло да Мессина привозит в Венецию рецепты нидерландского живописца. Полный перелом происходит в североитальянской живописи в творчестве Джованни Беллини, который использует уроки Антонелло и в сочетании масляных красок с темперой находит стимул для своего глубокого, горячего, насыщенного колорита. А в следующем поколении венецианских живописцев, в мастерских Джорджоне и Тициана, происходит окончательное освобождение масляной живописи от всяких традиций темперы и фрески, открывающее полный простор для колористической фантазии живописцев.

Еще один перелом — историческая цезура проходит где-то во второй половине XIX века — живопись старых мастеров отделяется от новейшей. Это радикальнейшее отличие — техника старых мастеров и техника новейшей живописи, как будто принадлежит двум совершенно различным видам искусства. Вспомним о двух видах света, которые отражает поверхность картины. Чем глубже под поверхностью картины находится слой, отражающий свет, тем более красочная структура картины насыщена цветом, краски полны внутреннего горения и сверкания. Достигалось это у старых мастеров наслоением нескольких прозрачных слоев. Уже в XVIII веке живописцы стремятся к более непосредственному и динамическому методу, находя в индивидуальном мазке, в более свободной и густой живописи, в отказе от прозрачных лессировок выражение своей новой стилистической концепции. Исходя из различного понимания фактуры картины, контраст старого и нового методов можно было бы формулировать следующий образом. В основе техники старых мастеров мы находим в большинстве случаев трехслойную последовательность. Этой технической последовательности соответствовал внутренний процесс творчества живописца — сначала рисунок, потом светотень, потом цвет. Иначе говоря, концепция старых мастеров переживала последовательны» стадии развития, от композиции к форме и колориту. Принципы новейшей живописи иные: они влекут художника как бы смешать, слить воедино, одновременно разрешить эти технические и стилистические проблемы и процессы. Начиная примерно с импрессионистов, категории рисунка, формы и колорита тесно связаны, срослись, кажутся непрерывным процессом: рисунок и колорит, лепка» и композиция, тон и линия возникают и развиваются как бы в одно время. Процесс писания картины может, так сказать, продолжаться безгранично, момент окончания работы является несколько-условным: в любом месте холста художник может продолжать ее,, накладывая новые мазки на подобные же, но ниже лежащие.

Наиболее ярким и последовательным представителем этой системы является Сезанн. В письмах и записанных беседах он неоднократно формулировал этот смешанный или, правильнее, нерасчлененный метод живописи. В любой момент работа над картиной может быть прервана, но произведение не потеряет эстетической полноценности. В любой момент картина готова. Сохранились самые разнообразные работы Сезанна, начиная от первых подмалевок и беглых этюдов и кончая полотнами, над которыми художник работал очень долго. Но именно слоев, стадий нет в живописи Сезанна, нет последовательного вырастания одной стилистической проблемы из другой. От начала до конца, от первых до последних мазков это одновременно рисунок, форма, цвет.

Полной противоположностью является процесс работы (и фактура) старых мастеров. Разумеется, в пределах классического метода возможны самые различные варианты, но по своему существу этот метод основан на последовательности трех слоев. Первый слой, первая стадия — это детализированный рисунок кистью на грунте. Здесь живописец устанавливает главные элементы изображения, определяет композицию, основные акценты света и тени. Этот рисунок, наносится маслом или темперой, очень тонким прозрачным слоем (так что грунт просвечивает) и имеет обычно монохромный характер — черный, коричневый, кирпично-красный, иногда два тона, например синий и коричневый («Святой Иероним» Леонардо да Винчи). Затем следует основной слой, или подмалевок, который выполняется кроющими, корпусными красками. В этом слое выделены обычно освещенные части изображенных предметов, вообще все светлые места в картине. Задача этого слоя — дать лепку формы. Подмалевок часто выполняется белилами, обычно подцвеченными (умброй, охрой, киноварью), но в более холодных тонах, чем законченная картина. В этом слое, который потом просвечивает сквозь последний, третий слой, особенно ярко сказывается характер мазка, индивидуальный почерк художника. Некоторые живописцы с особенно динамическим темпераментом, например Франс Гальс, вообще довольствовались только двумя слоями. Последний слой выполнялся прозрачными лессировками. Он делал ниже лежащие краски более темными и теплыми. Главная задача третьего слоя — насытить колорит картины цветом, дать красочное богатство ниже находящимся монохромным слоям. Если лессировки ложатся не на совсем высохший подмалевок, то бывает, что белила подмалевка примешиваются к верхнему стекловидному слою и его баламутят. Это может быть сознательным приемом, связанным с удивительной свободой и живописностью, у наиболее выдающихся мастеров колорита — Тициана, Рембрандта, Тьеполо. В общем, можно утверждать, что в архаическую пору масляной живописи блестящие достижения характерны для верхнего прозрачного слоя картины, тогда как с середины XVI века, особенно же в XVII—XVIII веках, главное внимание сосредоточивалось на подмалевке, в свободных штрихах которого художник как бы воплощал свой творческий процесс.

Техника кладки красок неотделима, с одной стороны, от проблем фактуры (обработка поверхности картины), а с другой — от концепции колорита у того или другого художника в ту или иную эпоху в связи с тем или иным стилем. К основным элементам колорита мы теперь и обратимся.

Самым главным элементом колорита является краска. В каждой краске мы различаем три качественных признака. Прежде всего, ее цвет — синий, зеленый и т. п. Далее — светлость краски. Каждую краску можно сделать более светлой и более темной, не меняя ее специфического характера: светло-зеленый и темно-зеленый являются оттенками той же зеленой краски, но отличаются степенью светлости. В-третьих, наконец, интенсивность краски. Можно отнимать у краски ее красочное содержание, силу ее цвета, пока она, оставаясь такой же светлой, не сделается совершенно серой; или, наоборот, не меняя ее светлости, все более примешивать к ней красочный пигмент.

Далее очень важное различие между красками определяется понятием теплого и холодного тонов. Теплыми называют такие тона, которые приближаются к желтому, красному, пламенному; они согревают, радуют, возбуждают. Холодные же — те тона, которые родственны синему и зеленому, которые связаны в нашем представлении с водой и небом, охлаждают, успокаивают и печалят. Теплые тона физиологически сильнее возбуждают глаз, чем холодные, поэтому они как бы выступают вперед, кажутся ближе холодных. Поэтому теплые тона зовут еще позитивными, холодные — нейтральными, или негативными. Среди старых мастеров поклонниками теплых тонов были Тициан, Рубенс, Рембрандт, холодных — Боттичелли, Греко, Мурильо и другие.

Каждый тон в картине связан с окружением, в зависимости от него становится холоднее, светлее или темнее; соседние тона могут его поддерживать или ослаблять. Красная крыша кажется совершенно иной при чистом голубом небе или при облачном. Кроме того, каждый тон меняется в зависимости от основы, грунта, подмалевка. Живописец стремится увидеть сразу все тона своей картины, чтобы определить их взаимоотношения, притом в двояном смысле. С одной стороны, он наблюдает с особенным вниманием тона, кажущиеся одинаковыми или родственными по степени своей светлости (например, тон белого дома или белого облака). Различия этого типа живописцы называют валерами. С другой стороны, художника интересуют отношения красок между собой по степени их теплоты или холодности. На этих ступенях и отношениях строятся поиски общей тональности, господствующей во всей картине. При этом следует различать тон и локальную краску. Локальными красками называются те по большей части чистые, несмешанные, непреломленные тона, которые в нашем представлении связаны с определенными предметами как их объективные, неизменные свойства (голубое небо, зеленая трава, красный плащ, который и в тени, и на свету остается красным, только темней или светлей). Так воспринимали мир итальянские и нидерландские живописцы XV века. Тонами, напротив, мы называем те изменения, которые происходят с красками под влиянием света, воздуха, рефлексов, объединения с другими красками; когда одна и та же локальная краска приобретает совершенно различный тон в тени и на свету. Чувство тонального колорита начинает складываться в XVI веке, достигает расцвета в эпоху барокко, обостряется у Констебля и особенно у импрессионистов.

Все краски — результат действия света. Цвет предмета — это та краска, которую предмет отражает, поглощая все прочие. Согласно Ньютону, черная краска — так сказать, отсутствие всякого цвета, белая — сумма всех красок. Белый солнечный луч, пропущенный сквозь призму, разделяется на основные краски — пурпурную, красную, оранжевую, желтую, зеленую, синюю, фиолетовую. Из них красную, желтую и синюю Краски называют первичными красками, зеленую, фиолетовую и оранжевую — вторичными. Все краски спектра, объединенные вместе, в свою очередь, дают белую. Но белый луч может быть получен и путем соединения попарно двух основных красок, например красной с зеленой, оранжевой с фиолетовой, желтой с синей. Эти парные краски зовутся поэтому дополнительными (комплементарными). Каждая дополнительная краска вызывает в глазу отражение своей парной. Отсюда ясно, что цвет предмета не есть нечто абсолютное, постоянное, он меняется в зависимости от освещения и соседства. Белая скатерть кажется голубоватой, если на нее положить апельсины, и розовой, если мы видим на ней зеленые яблоки.

Чувство краски имеет свою историю. Более интенсивные краски — красную и желтую — различали раньше, чем синюю и зеленую. Известно, например, что палитра Полигнота состояла только из четырех красок — черной, белой, красной, желтой. Постепенно палитра греческих живописцев становилась богаче, но у них еще долго не было точного различения зеленой и синей красок. Уже поздней стали различать лиловую и фиолетовую краски. В общем, можно сказать, что на севере восприятие мира было более живописным, чем «а юге: сырая атмосфера, мягкие переходы тонов в природе способствовали развитию красочной наблюдательности художника, чувства общей тональности, умения различать всю богатейшую игру цветовых оттенков неба, моря и далей. Колористическая живопись не случайно рождается в Венеции, Париже, Амстердаме, Лондоне. Другим важным моментом был здесь выход живописца из мастерской на открытый воздух — пленэр.

Но как достигнуть блеска, светлости, прозрачности красок живой природы? Ведь на палитре художника нет яркости цветов природы, ведь шкала света в распоряжении художника много уже шкалы солнечного света. Так, например, белизна белой краски в сорок раз слабее белизны освещенной солнечным лучом белой поверхности. Если мы обозначим самую глубокую тень в природе единицей, а самую яркую белизну сотней (другими словами, если световая шкала в природе охватывает градации от единицы до ста), то световая шкала живописи простирается только от четырех до шестидесяти. Поэтому живописец не может дать полного отражения натуры, не может конкурировать с абсолютной светлостью и темнотой натуры. Живописец может достигнуть только аналогичного с действительностью впечатления, созвучия красок, их контрастов, дополнений, взаимных поддержек и возбуждений. Искусство живописи — искусство световых я цветовых отношений.

В этом смысле очень велико различие между старыми мастерами и новейшими живописцами (особенно с середины XIX века). Живопись старых мастеров (более всего эпохи барокко) была построена на сложных красочных переходах, несмешанных, преломленных тонах. Новейшие живописцы часто предпочитают основные краски, отбрасывая черные, коричневые, серые. Старые мастера тяготели к «ильным контрастам света и тени, они писали светлое на темном я темное на светлом. Живописцы XIX века (особенно импрессионисты) научились воссоздавать солнечное сияние, не ища контрастов света и тени, но выделяя светлое на светлой.

Отсюда естественно вытекает и еще одно отличие. Чтобы получить желаемый тон, старые мастера смешивали краски на палитре. Но всякая смешанная краска серее, бледнее тех чистых красок, из которых она смешана. Поэтому живописцы XIX века постепенно переходят к несмешанным краскам, предоставляя им смешиваться в глазу зрителя. В старое время этот прием применяли только мастера мозаики как декоративный прием, достигая таким образом той воздушной вибрации, которая нужна для рассмотрения издали. До крайней степени последовательности прием разложения тонов довели так называемые пуантилисты, накладывая на холст несмешанные чистые краски в виде маленьких квадратных мазков или красочных точек (отсюда и название). Если отойти от картины пуантилиста на известное расстояние, то глаз зрителя воспринимает не отдельные красочные точки, а воздушные, прозрачные, как бы пронизанные светом вибрирующие тона.

Наконец, новейшие живописцы гораздо больше внимания, чем старые мастера, уделяли закону красочного контраста. Как уже говорилось раньше, смешение дополнительных тонов дает белую краску. Но если положить эти тона рядом, они сохранят свою силу, приобретут новую интенсивность, блеск, взаимно возбудят одна другую. Французский романтик Делакруа один из первых стал изучать это оптическое явление и положил начало новому пониманию колорита. В своем дневнике он рассказывает такой случай. Он долго бился над тем, как ему ярче изобразить желтый занавес, и решил пойти в Луврский музей поучиться у старых мастеров. На улице он подозвал кучера. Когда к нему подъехал экипаж, выкрашенный ярко, в желтый цвет, Делакруа сразу понял, как добиться максимальной яркости желтого цвета: он увидел рядом с экипажем фиолетово-синюю тень, своим контрастом усиливающую желтый цвет экипажа — одна краска поджигала другую.

Параллельно интенсивности колорита идет реабилитация линии. В отличие от импрессионистов с их расплывчатым туманом светлых красок, как бы без контуров, у Матисса, Гогена, Ван Гога — широкие, полнозвучные пятна красок и ясные контуры. Гоген говорил: «Преувеличивайте, форсируйте, сгущайте краску!» У Гогена в его применении красок мы находим не столько изобразительность, сколько декоративность: на его картинах синие стволы, красный песок, розовые лошади. На столь же звучных, контрастных цветах построены картины Ван Гога, но здесь краски являются уже не декоративным, а психологическим фактором, становятся орудием настроения. Сам Ван Гог описывает свою задачу в картине «Ночное кафе» таким образом: «В своей картине я пытаюсь выразить, что кафе — это место, где можно сойти с ума и совершить преступление. Я стремлюсь этого достигнуть, противопоставляя мягкому розовому кроваво-красный и нежно-зеленому — кричаще-желтый тон»4.

Само собой разумеется, что все отмеченные качества красок являются только общей базой колорита, но отнюдь не исчерпывают его эстетического содержания. Художники оперируют этими элементами, но главное эстетическое воздействие зависит часто от неуловимых нюансов, почти не поддающихся ни научному анализу, ни словесному выражению. Например, живописцы барокко писали свободными и смелыми мазками, но сколь различны характер и экспрессия мазка у Ван Дейка, Маньяско, Тьеполо У Рубенса мазки мощные, но мягкие, закругленные, эластичные и сочные. У Ван Дейка — взволнованные, бурные, как бы взрывающиеся. У Франса Гальса — жалящие и меланхолические. Или сравним красный тон у Тициана, Рубенса и Рембрандта: он очень различен и по физической структуре, и по эмоциональному содержанию. Синий тон у Мурильо — сочный, насыщенный чувственной прелестью, мечтательно-нежный; у Греко — прозрачный, холодный, бестелесный, нереальный.

Если всмотреться глубже в живопись старых мастеров, можно представить эволюцию колорита в следующих главных этапах. В живописи XV века (все равно — итальянской, нидерландской, французской, немецкой) краски существуют как бы независимо от светотени: художник расцвечивает предметы и независимо от их красочной оболочки моделирует их градациями света и тени. При этом фигуры героев не сливаются в колорите с окружающим пространством в одно целое: фигуры предстают пестрыми, яркими, фон выдержан в неопределенно-серых или бурых тонах. Наконец, в каждой краске сильно чувствуется пигмент, она как бы остается на плоскости картины, не погружается в глубину пространства, не превращается в изображение.

В конце XV века, раньше всего в Венеции, потом в Северной Европе, намечаются первые перемены в этой системе «архаического» колорита. Теперь краски накладывают не отдельными плоскостями, а сливают их в переходы, полутона. Краска освобождается от своих, так сказать, химических свойств, перестает быть пигментом, обозначением и делается изображением. Краска и форма сливаются в одно органическое целое (в XV веке раскраска и лепка формы существовали отдельно), краска становится неотделимой от света и пространства, она лепит предметы, расставляет их в пространстве, участвует в их движении — одним словом, краска, которая раньше образовывала только декоративную оболочку, теперь составляет атмосферу, жизнь, дыхание картины. Путь от Беллини к Тициану и Тинторетто — это превращение локального колорита в тональный. Вместе с тем коренным образом меняется самое понятие композиции в картине. Если раньше композиция включала в себя главным образом линейную структуру картины, строилась на взаимных отношениях фигур между собой (их симметрии или равновесии, динамике их контуров, орнаментальном ритме их силуэтов), то теперь композиция относится и к колориту картины, к известной системе ее красочных отношений. Причем особенной популярностью в то время пользовалась система композиции, которую можно назвать полярной или перекрестной симметрией: в правой и левой частях картины красочные пятна распределялись более или менее симметрично, но контрастно в смысле тональном, то есть если, например, слева композиция завершалась светлой фигурой, то справа ее уравновешивала темная или же теплому пятну справа соответствовало холодное слева. Часто этот принцип выдерживался не только в горизонтальном, но и в вертикальном направлении, так что темному пятну в левом верхнем углу композиции соответствовало светлое пятно в правом нижнем углу. Так впервые в европейскую живопись стал проникать принцип диссонанса, разрешающегося в конце концов в гармонию. Самым излюбленным приемом красочной композиции в эпоху барокко становится так называемая овальная схема, согласно которой композиция картины составляется как бы из концентрических колец овальной формы, вперемежку то светлых, то темных, то теплых, то холодных.

Если в XVI веке краска имеет сравнительно слабое имитативное значение (как идеальное вещество, означающее жизнь вообще), то в XVII веке краска все более конкретизируется и все более взаимопроникается со светом (у Караваджо — свет, а не освещение). Наступает конец золота и сверхчувственности краски. Появляются новые оттенки: у Караваджо — томатно-красный, оливково-зеленый, коричнево-желтый, васильково-синий, у Веласкеса — неуловимые переходы вокруг черного, серого, белого, розового. Рембрандт ограничивает свою палитру только темными тонами, зато у него особенно повышается выразительность краски, ее значительность, насыщенность, одухотворенность; краска возбуждает, внушает, кажется загадочной, как бы отрывается от действительности. Для живописцев Ренессанса (Тициан) краска есть элемент жизни и натуры, для живописцев барокко (Веласкес) она в гораздо большей степени есть элемент живописной фантазии, выполняющий прежде всего эстетические функции.

В XVIII веке эта эстетическая игра с краской становится еще более виртуозной, сложной и порой легкомысленной — в тончайших нюансах и преломлениях тонов, которым нет ни названий, ни аналогий в натуре. Краска становится самодовлеющей: лицо, волосы, одежда, стена пишутся в нюансах одного тона. На первый план выступают преломленные тона, заглушенные, вянущие — белый, светло-желтый, кофейно-коричневый.

Для XIX века характерны борьба различных тенденций, противоречие между краской и формой. Краска служит главным образом только оптическим целям, утрачивая более широкое выразительное значение. Теряется ритм краски, ее экспрессия; она ограничивается изображением. Реакция наступает у Гогена, Ван Гога, символистов.

До сих пор мы анализировали элементы плоскости или поверхности картины. Но в живописи каждый стилистический элемент, в том числе и колорит, выполняет двоякую функцию. С одной стороны, он украшает плоскость, служит декоративным или экспрессивным целям, воплощает настроение, является элементом ритма. С другой стороны, те же элементы как бы отрицают плоскость, перестают быть реальностью и делаются фикцией, изображают близкое и далекое, тьму и свет, входят в мир воображаемого пространства и времени.

Тема:» Техника пастозного мазка в живописи»

Тема:» Техника пастозного мазка в живописи» (рельеф)

(28.04.2017 год — мастер-класс -35 минут)

Пояснительная записка

Название разработки: «Техника пастозного мазка в живописи»

 Методическая разработка занятия «Техника пастозного мазка в живописи» может быть использована при организации занятий по живописи. Она направлена на обучающихся 12 -14 лет. Занятие разработано для «Районного семинара-практикума. Калейдоскоп творческих находок и форм работы в дополнительном образовании детей»

Цель: Познакомить с технологией пастозного мазка в изобразительном искусстве через практическую деятельность.

Задачи:

Обучающие:

1. Обучить технологии пастозного мазка.

2. Научить обучающихся искать пути решения в проблемных ситуациях.

3. Закрепить полученные знания и умения на занятии применяя их на практике.

Развивающие:

1. Развивать творческое воображение и способности к данной работе

2. Развивать эстетические чувства.

3. Развитие способностей к нестандартному мышлению через поиск решения проблемы.

Воспитательные:

1. Воспитывать усидчивость и умение доводить предложенное задание до конца.

2. Воспитание экономичности в быту.

Время проведения: 35 минут

Участники: обучающиеся

Форма работы – практическая

Метод работы — проблемно-поисковый.

Оборудование: фанера — 210мм. х150мм; 270 мм. Х 170 мм., гуашь, мастика, кисть№6, кисти№1, №2, №3,баночка с водой, стек, мастихин.

Методическое обеспечение: образцы работ пастозной технике на жесткой поверхности- (работы детей),презентация « «Пастозная живопись». Сюжеты в эскизах – пейзажи, доска, словарь терминов (гуашь, мастика, мастихин, живопись, пастозная живопись, Рембрандт,).

Словарь терминов

Живопись — искусство изображать предметы красками, цветом. Процесс создания живописного произведения обычно называют письмом.

Пастозная живопись-(или «impasto») заключается нанесении краски очень плотными и густыми мазками, которые хорошо видны на поверхности работы и создают очевидный фактурный эффект.

Мастихин — инструмент художника из тонкой стальной пластины в виде ножа или лопатки с изогнутой ручкой.

мастика- дисперсия на клеевой основе ( строительная)

гуашь — непрозрачная акварельная краска, растертая с примесью белил и камеди (клея из сока некоторых растений).

Рембрандт — Голландский художник, рисовальщик и гравёр, великий мастер светотени, крупнейший представитель золотого века голландской живописи.

Ожидаемые результаты данного занятия: обучающиеся научаться приемам и навыкам изображения пастозного мазка, через простейшие изображения растительных элементов, где в дальнейшем это даст благоприятную возможность, в написании пастозной живописи ( пейзажа или портрета).

В разработке данного занятия использовались следующие источники информации:

Интернет-ресурсы: пастозный мазок — галерея картин, «все о пастозной живописи»

Литература:

1. Герчук Ю. А. Язык и смысл изобразительного искусства.- М., 1994

2. Зайцев А.С. Наука о цвете и живопись. — М.:Искусство.-1986.-158с.

3. Зернов В.А. Цветоведение. — М: «Книга»1972-239с.

4. Кругликов Г.И. «Методика преподавания технологии с практикумом» Москва Издательство « АСАРЕМА » 2002 г.

5. Неменский Б.М. «Искусство в жизни человека» — Методическое пособие. М.Просвещение2010 год

6. Неменский Б.М. «Изобразительное искусство и художественный труд» Методическое пособие. М.Просвещение2010 год.

« Искусство-это путь, дающий возможность строить

критерии, опираясь не только на свой жизненный

опыт, но и на опыт поисков многих поколений,

многих народов». /Б.М. Неменский/

Ход занятия:

Орг. момент.

Объяснение нового материала.

Слово «живопись» имеет два корня. Они понятны без объяснений, и получается, что изобразительное искусство это способность «живописать». Сегодня многие картины действительно выглядят, как живые. Но так было не всегда. Искусство живописи развивалось в течение многих веков. В процессе этого развития появилось множество техник, которые делают картины настоящими произведениями искусства и оживляют изображение.
Вид искусства неизменно оставался спутником человеческой жизни. Примеры живописи на сегодняшний день многочисленны и разнообразны. ( показ презентации)

Педагог напоминает обучающимся о технике в изобразительном искусстве в трех слайдах, но на четвертом слайде делает акцент на технике пастозного мазка.

1. Слайд — техника акварель №4

2. Слайд — техника акрил №5

3. Слайд — техника гуашь №6

4. Слайд — техника масло №7

5. Слайд — пастозная техника живописи №8

Педагог: Чем же отличается техника пастозного мазка от других техник? Как вы думаете, сравнивая технику пастозного мазка с другой техникой?

Обучающиеся: ответ

Пастозная техника живописи (или «impasto») заключается нанесении краски очень плотными и густыми мазками, которые хорошо видны на поверхности работы и создают очевидный фактурный эффект. Элементы пастозной живописи можно наблюдать и у художников прошлого, когда в цене была, только гладкая живопись — показ презентации — ( Рембранта -слайд и №10-за пастозную технику даже критиковали, говорили, что его портреты можно поднимать за нос—слайд и №11—).

 Из всех техник, которые были перечислены, мы с вами остановимся на пастозной технике. Почему?

—слайд и №12—

Пастозные мазки позволяют: —слайд и №13—

1. сохранять ту форму, какую придают им кисть или мастихин;

2. усиливают ощущение материальности изображаемых предметов и подчеркивают динамику движения;

3. передать своё видение природы, людей, животных, чувств, своих переживаний. ..;

4. плавность, изящество, мощь и энергичность отдельных мазков кисти в пределах картины могут привнести в неё особую свежесть и непосредственность, свою уникальность и неповторимость.

Педагог: Каждому из нас хочется украсить свою кухню, прихожую различными эстампами, картинами. Если купить картину в магазине, она конечно будет стоить очень дорого.

И как наши желания притворить в жизнь? ПРОБЛЕМА —слайд и №14—

Обучающиеся: Лучший выход из положения научиться изготавливать красивые вещи самим. Педагог: Один маленький нюанс, дело в том, что для пастозной живописи нужно очень много масляной краски.

В тюбике масляная краска жидкая. Да и она дорогая.

Что же делать? Ведь нам хочется, чтобы было не так накладно (пока мы учимся), но красиво. — Что можно придумать? ПРОБЛЕМА —слайд и №14—

Обучающиеся: ( предлагают)

Педагог: предлагает один из приемов с современным материалом для такой техники письма. Это строительная мастика и гуашь ( мастика для гущины, а гуашь для цвета) «дёшево и сердито». —слайд и №15—

/ Педагог показывает работы детей совместно с родителями и работы детей взрослых, которым по 10-12 лет, выполненные в пастозной живописи /

Педагог предлагает: Давайте мы с вами научимся этой для вас новой технике в изобразительном искусстве, как ПАСТОЗНАЯ ЖИВОПИСЬ.

Сегодня мы с вами попробуем научиться простейшим навыкам пастозного мазка. Для выбора сюжета может уйти много времени и поэтому, я вам приготовила «фанерки» маленького размера с рисунком для работы. Ну что, приступим к творениям? Одним из условий сегодняшнего занятия является представление вашей работы. Вы согласны?
Обучающиеся: отвечают
Педагог: раздает — фанеру с рисунком 95мм.х145мм.; мастихин, стек, краски , кисть; стакан с водой.

Педагог: Выберите любую досточку с рисунком для работы, и начнем учиться простейшим навыкам пастозного мазка. А, чтобы не было вам страшно ( «ой у меня ничего не получится», «ой я боюсь»), выполните маленькое упражнение отдельно на другой дощечки, которая лежит у вас на столах.

Технология приготовления краски для пастозного мазка:

1. Мастихином выкладываем определенное количество мастики в тарелочку.

2. Добавляем в мастику нужный нам цвет. ( зеленый, красный или желтый и т. д )

3. Размешиваем до определенной консистенции мастихином.

4. Наносим на изображение карандашом.

Педагог раздает памятку на каждого обучающегося («Хитрые приемы», «На заметку»)

«Хитрые приемы» + «на заметку»(интернет-ресурсы)

Краска наносится на основание картины очень густо, практически не разбавленной. Наносится она одним движением кисти или мастихина, в один мазок.

При нанесении густых мазков, кисть должна быть хорошо наполнена краской.

Что-либо исправить в этом мазке уже невозможно, при повторном касании он изменит форму, и эта форма утратит тот порыв движения, который мазок хранит в первоначальном своем состоянии. Поэтому цвет мазка, его размер и форма должны быть выбраны предельно точно.

Для обеспечения чистоты красок, располагайте краску на кончике кисти, затем ровным и уверенным движением кисти или мастихина наносите мазок под небольшим углом к поверхности холста.

Если краски и мастика  смешиваются на палитре, образуется смесь равномерного и однородного цвета, независимо от консистенции мазка. 

Если краски смешиваются произвольно, в комбинации между собой в пределах одного мазка привносят в работу живые, энергичные нотки — при этом фактура мазка в виде полос повторяет линии волосков кисти.

При такой технике письма основанием для картин наиболее хорошо служит твердый материал – оргалит или холст, ДВП, фанера. Твердое основание позволяет художнику работать свободно, не «примеряя» своих усилий к более мягкому основанию, каким является холст на подрамнике. 

В работе для экономного использования масляной краски, я делаю следующее: выдавливаю краску на газету, которая сразу начинает впитывать лишнее (масло), и с помощью мастихина наношу на холст.  

Чтобы продлить время засыхания краски, после работы, помещает палитру в холодильник, и достаёт когда нужно для работы.

Педагог: Перед работой давайте мы с вами проведем физкультминутку, не вставая со своих стульчиков. Сядьте ровненько, выпрямитесь. Повернемся всем телом на лево 3 раза, повернемся на право 3 раза, похлопаем тихонечко по спинке рядом сидящих с вами товарищей и приступим к работе.

Практическая работа.

Педагог: Показывает на фанере технику пастозного мазка, затем проходит, наблюдает, помогает обучающимся.

Работа закончена.

Защита работ: (для показа, работы выложены на мольберты)

Рефлексия:

Педагог:

Чему мы сегодня научились?

Какие перед нами стояли проблемы?

Ответ обучающихся:

Педагог: Правильно, научиться самим создавать картины и украсить жилище с наименьшими затратами(экономичность в быту), но и воспитывать усидчивость и умение доводить предложенное задание до конца.

Педагог: Какие ни будь были затруднения в выполнении работы?

Ответ: Нет.

Педагог: Почему вам удалось так хорошо справиться с работой?

Ответ: Мы советовались, слушали друг друга и т. д., использовали памятки.

Педагог: Что дало для вас это занятие? / педагог пишет на доске ответы на вопрос/

Ответ: Совместно работали, помогали друг другу, советовались, ит.д.

Педагог: Таким образом, что мы в себе воспитывали?

Ответ: Коллективизм, дружбу, уважение друг другу.

Педагог: Но кроме этого на практике мы научились чему?: (педагог опрашивает каждого обучающегося)

Педагог: А теперь давайте уберем свои рабочие места.

Педагог: Занятие окончено. Спасибо за работу. До свидание!

Где как не здесь в центре дополнительного образования выражается творческая энергия выдумка, замыслы мастеров изобразительной деятельности.

Материалы для живописи — это… Что такое Материалы для живописи?

Материалы для живописи

Для каждого рода живописи (масляная, акварельная и т. д.) нужны особенные материалы, которые и перечислены в различных статьях (для акварельной живописи в ст. Живопись; для той же живописи и масляной см. Краски и т. п.). Вообще М. для живописи называются не только краски и жидкости для них, но и то, на чем картины пишутся, т. е. дерево, холст (о грунтовании холста см. Масляная живопись), бумага и проч. Необходимы для исполнения живописи кисти (см.), палитры, шпахтели или мольберты, муштабель и многое другое; все составляет в совокупности принадлежности для живописи, о чем см. в ст. Принадлежности для рисования и живописи. В прежнее время приготовление почти всех материалов и частью принадлежностей производилось при мастерской художника его учениками, которые занимались в продолжение нескольких лет практикой выбора сухих красок и масла, стиранием красок, грунтованием холста. Этот порядок вел к тому, что художник знал свойства своего материала. Ныне же фабриканты и рабочие снабжают мастерские художника всеми М., сберегая ему и деньги, и время, но художник, доверяя своим поставщикам, во всем зависит от них. В незнании художниками свойств красок, грунтованного холста, масел и других жидкостей лежит одна из причин в недолговечности современных произведений живописи сравнительно с произведениями эпохи Возрождения.

Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона. — С.-Пб.: Брокгауз-Ефрон. 1890—1907.

• Материальная точка
• Материки

Смотреть что такое «Материалы для живописи» в других словарях:

• Принадлежности для живописи* — Материалы, употребляемые в живописи масляными и водяными красками, а именно карандаши, краски, масла, лаки, пастель, бумага, грунтованный холст, кисти рассмотрены в статьях соответственных названий. Здесь же говорится о вспомогательных П., каковы …   Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона

• Принадлежности для живописи — Материалы, употребляемые в живописи масляными и водяными красками, а именно карандаши, краски, масла, лаки, пастель, бумага, грунтованный холст, кисти рассмотрены в статьях соответственных названий. Здесь же говорится о вспомогательных П., каковы …   Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона

• Краски употребляемые для живописи — Пигменты, употребляемые для живописи, большей частью минерального происхождения, и лишь небольшое число их органические соединения. Первоначально служили для этой цели почти исключительно вещества, находимые в природе готовыми земли, но в… …   Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона

• Краски, употребляемые для живописи — Пигменты, употребляемые для живописи, большей частью минерального происхождения, и лишь небольшое число их органические соединения. Первоначально служили для этой цели почти исключительно вещества, находимые в природе готовыми земли, но в… …   Энциклопедический словарь Ф.А. Брокгауза и И.А. Ефрона

• Краски для полиграфии — Краски общее наименование для группы цветных красящих веществ, предназначенных для непосредственного использования в той или иной сфере быта или в определённом . По химическому составу пигменты и изготовленные из них краски разделяются на… …   Википедия

• Грунт (в живописи) — Грунт в живописи, промежуточный слой, наносимый на основу (поверхность стены, доски, холста, картона) с целью обеспечить её прочную связь с красочным слоем, а также создать для живописи желаемые цветовой фон (белый, коричневый, серый) и фактуру… …   Большая советская энциклопедия

• Кисть (в живописи) — Кисть в живописи и графике (а также каллиграфии), основной инструмент для нанесения красящих веществ на холст, бумагу или другую основу. К. изготовляются из обезжиренного и прокалённого волоса или шерсти различных животных. Наиболее жёсткие… …   Большая советская энциклопедия

• Краски (лакокрасочные материалы) — Краски, лакокрасочные материалы, в состав которых входят плёнкообразующие вещества (связующие) и тонкодисперсные неорганические или органические пигменты. Помимо этих основных компонентов, К. могут содержать растворители, наполнители (см.… …   Большая советская энциклопедия

• Ленинградская школа живописи — Академия художеств Ленинградская школа живописи  группа советских художников живописцев, сложившаяся в 1930 1950 годы в Ленинграде вокруг реформированной Академии художеств и объединенная Ленинградским Союзом художников (1932 1991).… …   Википедия

• традиционные материалы живописи на холсте —     Живопись, как правило, является достаточно сложной конструкцией, существующей при постоянном взаимодействии основы, грунта, красочного слоя и защитных покровных слоев.     В масляной и темперной живописи с древнейших времен в качестве основы… …   Словарь живописи и реставрации

Книги

• Материалы и техника живописи, В. В. Тютюнник. Настоящее издание является репринтом книги 1962 года: В. В. Тютюнник. Материалы и техника живописи. — М.: Издательство Академии художеств, 1962. Отредактированы только тексты «От автора» и… Подробнее  Купить за 870 руб
• Материалы и техника живописи, Тютюнник В.В.. Настоящее издание является репринтом книги 1962 года: В. В. Тютюнник. Материалы и техника живописи. — М.: Издательство Академии художеств, 1962. Отредактированы только тексты «От автора»… Подробнее  Купить за 758 руб
• Материалы для художественно-оформительских работ. Учебное пособие, Я. И. Беккерман. Приведены сведения об основных материалах, применяемых в графике, живописи, скульптуре; описаны красочные составы, пигменты, клеи, лаки, пластмассы, металлы, древесина и др. (в соответствии с… Подробнее  Купить за 401 грн (только Украина)

Другие книги по запросу «Материалы для живописи» >>

Разные техники рисования маслом.

Как начать рисовать масляными красками? О техниках рисования

Как хорошо быть художником! Ведь он может запечатлеть красоту окружающего нас мира в пастельных рисунках, а живопись маслом — это вообще какое-то чудо! Иногда смотришь на картину — и хочется перешагнуть за границу багета и раствориться в прекрасном мире, написанном на холсте талантливой кистью художника. Вы тоже хотите войти в число избранных счастливцев, которые могут свободно владеть кистью и красками? Если вас не пугают трудности, а решимость и любовь к рисованию переполняют сердце и душу, тогда — вперед! Мы уверены, что с вашей решительностью вы очень скоро станете настоящим мастером.

Живопись маслом — с чего начать

Начинать всегда трудно. Рисование на холсте масляными красками — дело, требующее многих знаний, умений и навыков. Конечно, лучше всего начинать приобщаться к искусству как можно раньше. К сожалению, далеко не всех родители водили в детстве в художественную школу.

Но в наше время существуют изостудии для людей любых возрастов, где каждый желающий может изучать живопись маслом. Мастер-класс в таких школах обычно ведут опытные педагоги-художники, которые прекрасно разбираются в предмете и могут в полной мере раскрыть все секреты мастерства. Если же по каким-либо причинам, вы не можете или не хотите посещать подобное заведение, то и это не беда. В конце концов, упорный и целеустремленный человек может и самостоятельно научиться писать масляные картины. А для начала нужно будет отправиться в магазин и купить там все необходимое для живописи.

Какие материалы понадобятся для работы

Живопись маслом — дело, требующее не только таланта и умения, но еще и значительных финансовых затрат, ведь для того чтобы писать картины, потребуется уйма всего. Вот перечень того, что вам понадобится для работы:

1. Специальные масляные краски в тюбиках.

2. Кисти разных размеров из натуральной щетины (плоские) и (круглая) для заключительной отделки вашего живописного произведения.

3. Этюдник.

4. Растворитель для масляных красок.

5. Уголь для нанесения предварительного рисунка на холст или простой мягкий карандаш.

6. Подрамник. Его можно заказать в багетной мастерской или купить готовый в магазине.

7. Грунтованный холст.

Ну вот, теперь вы практически во всеоружии и можете приступать к творческому процессу. Но сначала выслушайте наш небольшой рассказ о свойствах масляных красок.

О масляных красках подробнее

Красивая живопись маслом захватывает дух. Но приходилось ли вам задумываться над тем, сколько времени проводит мастер за мольбертом? Многое зависит и от качества красок, которые использует художник. Сейчас нам трудно это представить, но когда-то живописцы и понятия не имели о масляных красках. Они были изобретены только в XV веке фламандцами, и секрет их изготовления долгое время держался в строжайшей тайне. Представляете, как нам повезло?! В наше-то время такие краски можно купить совершенно свободно, причем самого превосходного качества!

Вам нужно знать, что больше всего при работе расходуется белый цвет. Поэтому если вы покупаете краски в наборе, то прикупите к ним еще несколько тюбиков свинцовых или Также вы можете не пользоваться готовыми магазинными комплектами, а собрать свою собственную палитру. Только не нужно стараться сразу же покупать как можно больше цветов. Берите только основные: белила, черную краску (лучше всего приобрести жженую кость), охру (желтую и красную), кадмий красный, или киноварь, краплак, желтый кадмий, хром зеленый, ультрамарин и синий кобальт, марс коричневый. Такого набора на первых порах будет вполне достаточно.

Живопись маслом для начинающих. Этапы работы

Слона, как известно, лучше всего есть по частям, поэтому давайте выясним, из каких этапов будет состоять работа над масляной картиной.

1. Сначала необходимо определиться с натурой, т.е. решить, что именно вы будете писать: натюрморт, пейзаж, а может, замахнетесь даже на портрет?

2. Допустим, вы выбрали натюрморт. Как известно, он состоит из нескольких разных предметов, которые обязательно нужно тщательно прорисовать, кроме того, необходимо как следует продумать освещение. Игра света и тени — очень важный момент, о котором ни в коем случае не стоит забывать.

3. Если грунтованный холст и подрамник существуют у вас пока что по отдельности, то это нужно исправить и натянуть полотно при помощи степлера для мебели.

5. Теперь наступила пора сделать первоначальный подмалевок. Здесь ваша задача сводится к тому, чтобы разобраться с основными цветами, тенями и светом на вашей картине. После этого этапа ваша живопись маслом должна немного подсохнуть. Вы сможете вернуться к работе над ней на следующий день.

6. После того как набросок высох, можно приступать к дальнейшему творчеству. Наступило время уточнения контуров и проработки деталей.

7. На заключительном этапе широкие кисти надо отложить в сторону и взять в руки круглую тонкую колонковую кисточку. Ею на картину наносятся самые мелкие завершающие штрихи.

8. Ну вот, работа готова. После полной просушки картины вы можете покрыть ее специальным лаком.

С чего лучше начинать: с портрета, пейзажа или натюрморта?

Если вы никогда ранее не практиковали живопись маслом на холсте, то не стоит начинать это делать с портрета, ведь это самое сложное. Да и пейзаж неопытному художнику трудно дается, особенно если вы хотите писать его с натуры. Сложность во многом возникает потому, что освещение на природе постоянно меняется, деревья шевелятся от ветра, да и разных отвлекающих моментов слишком много: жужжащие комары и мухи, надоедливые прохожие и т. д.

Другое дело — натюрморт (мертвая натура): составил его из разных предметов, и он будет стоять как миленький столько, сколько вам понадобится. Только не нужно сразу же пытаться подражать «Малым голландцам» и браться за сложную композицию, состоящую из множества предметов и цветов. Для начала лучше довольствоваться скромным натюрмортом из двух-трех вещей.

Как пользоваться палитрой

Вы, наверное, видели в разных фильмах, как маститые живописцы красиво держат одной рукой палитру, а другой свободно рисуют на холсте. Вы тоже можете так делать, для этого в палитре есть специальное отверстие: вставляете туда большой палец, а остальными поддерживаете ее снизу — очень удобно, попробуйте!

Краски выдавливаются на верхний левый край досточки, а середина ее должна оставаться свободной — на ней вы будете смешивать цвета. Очень важно: после сеанса живописи не забудьте соскоблить неиспользованную краску, иначе она присохнет к палитре и будет мешать последующей работе.

Техника масляной живописи

Обучение живописи маслом может тормозиться из-за того, что начинающий художник может плохо понимать технику такого рисунка. Масляные краски обладают большой плотностью, и без опыта бывает трудно добиться незаметных тоновых переходов. Взгляните на репродукции старинных картин — вы не увидите на них и следа мазков. Если вас привлекает именно такая манера, то нужно будет перво-наперво освоить так называемую лессировочную технику. При этом краски разводятся растворителем достаточно жидко, но на поверхность холста наносятся практически Это трудно объяснить словами, лучше всего посмотреть, как это делают настоящие художники.

Еще один прием, который позволяет добиваться красивых эффектов в живописи, — растушевка краски кистью на холсте. При этом один цвет как бы вплавляется в другой. Ну и, конечно, совсем не обязательно стараться писать без мазков. Быть может, вы хотите взять за образец подражание

Последнее напутствие начинающему художнику

Ну вот и закончился наш небольшой рассказ про живопись маслом. Мастер-класс получился хоть и небольшим, но весьма содержательным. Теперь только от вас будет зависеть, как скоро вы сможете порадовать своих близких прекрасными произведениями. Начинайте поскорее творить и ничего не бойтесь. Мы желаем вам творческих успехов!

Для того, чтобы научиться рисовать масляными красками, правильнее было бы сказать, писать масляными красками, нужно обладать определенными знаниями в этой области, а именно, разбираться в том разнообразии инструментария, который на сегодняшний день представлен в широком ассортименте в магазинах для художников. Начинающий художник может потеряться, зайдя в такой магазин без предварительной подготовки, потому что, кажущегося очевидным набора, каким считается холст, кисти и масляные краски для хорошего старта в этом деле будет недостаточно. Данная статья направлена на то, чтобы Вы смогли виртуально посетить магазин для художников, будто бы в сопровождении опытного наставника. Итак, начнем!

Холст

Первое, что мы с Вами будем выбирать, это холст . В качестве основы для рисования масляными красками можно выбрать различные материалы: доску, картон, металлическую пластину, стекло, пластик. Но если мы с Вами говорим о классической живописи, то, конечно, следует выбирать ткань, правильным способом загрунтованную, туго натянутую на подрамник и звенящую как барабан. Да-да! Холст не должен провисать, его поверхность должна быть идеально ровной. В прежние времена, да и сейчас тоже, многие профессиональные художники натягивают ткань на подрамник сами, сами же и грунтуют ее. Поскольку данные рекомендации предназначены для начинающих художников, мы не будем углубляться в тему, касающуюся натягивания холста на подрамник, поговорим о том, как правильно выбрать уже готовую для работы поверхность, а именно — уже загрунтованный и натянутый на подрамник холст.

Лучше всего, чтобы полотно холста было льняное, оно может быть средней или мелкой зернистости, иметь ровную гладкую поверхность без узелков, толщина холста везде должна быть равномерной. Зернистость холста — это различные неровности и узелки в ткани, в плетении нитей холста. Если таких вкраплений много, нити грубые, то перед Вами холст с высокой зернистостью. Он подходит для рисования предметов с сильно выраженной фактурой, например, старые кирпичные стены, узловатые стволы деревьев, камни, развалы горных пород и т.д. Здесь можно работать крупными пастозными мазками, пользоваться мастихином. Поэтому такой холст не подойдет для рисования предметов с нежной фактурой, для передачи деликатных светотеневых переходов. Нежную прозрачность винограда и личико юной девушки на такой поверхности не нарисуешь. Для таких целей будет правильным выбрать холст более тонкой выделки , более гладкий, то есть мелкозернистый. И именно такой холст лучше всего приобретать начинающим художникам, на нем, кстати, можно сделать более детальный предварительный рисунок карандашом . И еще можно легко стереть не понравившийся фрагмент рисунка.

Обратите внимание на качество подрамника , то есть деревянной основы, на которую натянут холст. Мы уже говорили о недопустимости его провисания, осталось добавить, что следует обязательно оценить качество древесины , из которой изготовлен подрамник. Обычно это липа, сосна или береза. Дерево должно быть хорошо обработанным, сухим, гладким, без сучков, сколов, гнили и червоточин.

Масляные краски

Для начала не стоит покупать большое количество красок, будет вполне достаточным приобрести набор из 10-12 цветов. Самое главное, чтобы в этом наборе были синий (лазури, кобальты), красный (кадмий средний, светлый или темный), желтый (кадмий средний), черная (сажа газовая), белая (белила цинковые или титановые) краски. Если Вы уже умеете смешивать основные цвета и получать из них дополнительные, то даже такого минимума Вам вполне хватит, но лучше все-таки несколько разнообразить, пусть даже пока свою первую масляную палитру! Чтобы сориентироваться, какой цвет в тюбике, посмотрите на цветную полосу этикетки. Дополните свой набор голубой краской (небесно-голубая), охристым оттенком (охра светлая или золотистая), так называемыми «цветами земли» — умбра натуральная, сиена натуральная, а также природными оттенками зеленой цветовой гаммы — оливковая, травяная зелень, зеленая светлая и др.

Еще раз напоминаем, смотрите на этикетку тюбика . Или же Вы можете купить готовый набор красок . Со временем Вы поймете, какие краски расходуются у Вас быстрее, какие нет. Кроме того, прежде чем покупать краски, хорошо бы знать в какой цветовой гамме предполагаете писать картину: это будут нежные пастельные оттенки или сочная контрастная живопись? Какого размера будет Ваша работа? Это тоже может повлиять на Ваш выбор. И, конечно же, неплохо было бы ознакомиться с таблицей цветов, названия которых практически у всех производителей одинаковые, поэтому вполне можно сориентироваться по цвету и посмотреть правильные названия понравившихся цветов и оттенков. Цены у масляных красок разных производителей различные, они напрямую зависят от химического состава красок. Дороже будут стоить краски в составе которых содержатся натуральные, а не синтетические пигменты.

Кисти

Лаки

На витрине магазина для художников, помимо всего прочего, Вы увидите различные художественные лаки. Они предназначены для работы непосредственно с красками, то есть кисть периодически макается в лак , потом в краску. Это так, называемая «живопись на лаке » или «через лак». Для чего это делается. Для того, чтобы живопись была сразу яркой и сочной. А лучше, конечно, лаком защищать уже готовую работу с хорошо высохшими красками. Как мы уже упоминали, лак дает сочность краскам и, самое главное, защищает Вашу работу от внешних воздействий. Когда лак высохнет, поверхность холста можно протирать от пыли. Лаки бывают различными по составу, в основном они сделаны на основе мягких смол.

Растворители

Очень нужная и важная вещь для масляной живописи. Растворитель нужен для разведения красок, для того, чтобы очистить кисти перед тем, как уже окончательно промывать их мыльной пеной.

Тройник

Это готовый состав для разведения масляных красок. В его состав обычно входит льняное масло, лак и скипидар. Именно этот разбавитель наливают в масленку. Если его не оказалось под рукой, сойдет растворитель Пинен№4, плюс льняное масло.

Масленка

Специальная емкость, куда наливается тройник или растворитель. Обычно крепится на палитру, для чего имеет удобное крепление-прищепку. Масленки бывают пластиковые и железные. Удобнее иметь масленку с крышечкой на резьбе, тогда у Вас ничего не прольется, а не использованное содержимое не высохнет раньше времени.

Мастихины

Нужный и важный инструмент в арсенале художника. Это специальные лопаточки, предназначенные для того, чтобы счищать остатки краски с палитры, наносить и снимать краску с холста. Есть специальные живописные приемы, когда работа на холсте ведется именно мастихином, а не кистью. В продаже есть наборы мастихинов разных размеров и форм.

Палитра

О, это настоящая визитная карточка любого художника! Палитру тоже нужно уметь выбрать правильно, краски на палитре следует размещать ближе к краям, в центре оставляется место для смешивания. Палитры бывают разные по форме и по размеру.

Мольберт

— очень удобная вещь для того, чтобы объективно оценивать свою работу, видеть недоработки. Работа, закрепленная на мольберте — это профессиональный подход. Перед мольбертом можно работать как стоя, так и сидя. Периодически нужно отходить от холста на некоторое расстояние, чтобы увидеть все детали. При покупке мольберта , ориентируйтесь на его прочность, надежность креплений, устраивающий Вас размер и модель.

Этюдник

Специальное приспособление для занятиями живописью вне дома. Это своеобразный чемоданчик, в котором Вы можете разместить все необходимое для работы: кисти, краски, растворители, холсты, картоны. Он достаточно компактен, открывается и закрывается, имеет надежные крепкие ремни для переноски. Этюдник может быть различных размеров, с ножками, которые можно регулировать по высоте и без них. Покупая этюдник, нужно убедиться, что он надежный и прочный, имеет хорошие крепления. Этюдник можно также использовать в качестве мольберта дома.

Вот, пожалуй, самые основные советы, которые, мы надеемся, Вам пригодятся при выборе материалов для занятий живописью масляными красками. Если у Вас будет в наличии полный набор инструментов, о котором мы говорили, Вы смело можете начинать писать свою первую картину маслом! Удачи Вам и творческого вдохновения!

Перепечатка статей, новостей и обзоров допускается только при наличии текста

Неделю назад Юлия Скрипник — редактор платформы МИФ.Творчество прислала мне сообщение: «Настя, привет! Сможешь на следующей неделе сделать статью с выполнением упражнения по Урокам классической живописи ?». Я ответила, что сделаю, а в голове закрутился тысяча и один страх творческого человека:

«Я не умею рисовать маслом. Я в последний раз брала масляные краски в руки несколько лет назад, да и не сказать, что этот опыт был удачный. Вдруг у меня совсем ничего не получится и я только испорчу холст».

Отодвинув страхи, я приступила к изучению книги. Безусловно, в бумажном виде, просто потому что ее запах сам по себе является вдохновляющим.

Книга разделена на 4 главы и в каждой из них есть несколько уроков. Я планировала прочесть книгу до последней страницы и потом выбрать, какой из уроков я буду выполнять. Однако, новых знаний и вдохновения было столько, что уже на 48 странице я достала из коробки масляные краски, разбавитель и забралась в гардероб в поисках старой отжившей свое футболки. Причем тут футболка? Читайте дальше 😉

Урок 2, который мы и с вами будем изучать, посвящен имприматуре с вытиранием. Я тоже не знала что это, пока не приступила к чтению книги, и это нормально.

Импримату́ра (от итал. imprimatura — первый слой краски) — термин, используемый в живописи: цветная тонировка поверхности уже готового белого грунта.

Вы наверняка видели работы, выполненные при помощи этой техники.

Материалы:

• Материалы для рисования — бумага и карандаш, или уголь, если вы собираетесь рисовать сразу на поверхности
• Загрунтованная поверхность — деревянная поверхность или холст
• Палитра
• Масляная краска натуральная умбра. Можно взять натуральную сиену или землистый зеленый — экспериментируйте с цветами
• Титановые белила или быстросохнущие, например, алкидные . Они удобны тем, что высыхают за ночь
• Льняное масло (по желанию)
• Хлопчатобумажная тряпка — подойдет рваная футболка (бумажные салфетки использовать не рекомендуется)
• Большая щетинная кисть

Выше я перечислила материалы, которые рекомендует автор «Уроков классической живописи» — Джульетта Аристид. Я соблюдала не все эти рекомендации. Не всегда под рукой может оказаться «тот самый» материал, не стоит из-за этого отказываться от творческих экспериментов.

Первый этап: постановка натюрморта

Затем время приступать к рисунку. Я выполняла его сразу на холсте карандашом, однако, автор рекомендует сначала выполнить его на бумаге, а потом переносить с помощью кальки. И это хороший совет, потому что попытка использовать ластик на холсте чревата образованием «грязи». Еще я не зацикливалась на рисунке, потому что цель этого урока тональный подмалевок.

Прежде чем приступит к имприматуре с вытиранием, стоит проверить, как поверхность холста или деревянной панели впитывает краску. Некоторые виды дешевого акрилового грунта хорошо удерживают краску, вытереть ее до цвета поверхности будет сложно. Если вам попался такой грунт, можно предварительно покрыть всю поверхность очень тонким слоем льняного масла.

А теперь самое интересное! Нужно покрыть тонким слоем холст, интенсивно растушевывая краску жесткой достаточно большой щетинистой кистью. Автор рекомендует не бояться слишком темного цвета и не разбавлять краску, поскольку иначе слой выйдет слишком тонким, но я подумала, что мои краски давно лежали без дела и загустели, потому добавила растворителя, и это действительно было ошибкой.

Совет из книги: Если картина слишком большая и сложная, чтобы дописать ее за один сеанс, процесс можно разбить на этапы (например, первую половину за один день, а вторую — за другой)

Приступаем в к вытиранию. Сквозь слой масла просвечивает контур рисунка, поэтому это не сложно. Нужно постоянно перехватывать тряпку, чтоб использовать чистые части. Для больших участков удобно вытирать краску указательным пальцем, а для мелких элементов я обернула тряпку вокруг апельсиновой палочки.

Вытираемый подмалевок может быть закончен после 4 этапа, но если добавить темные и светлые акценты, работа приобретает более законченный вид. Поэтому методом лессировки я добавила белила и темным цветом углубила тени.

Работа готова! Допущено несколько явных ошибок, джинсы испачканы в краске, но главное — получено невероятное удовольствие от победы над своими страхами.

Раньше я боялась книг о классической живописи, мне казалось, что они созданы как минимум для студентов профильных ВУЗов, но оказалось — это совсем не так.

Призываю и вас не бояться! Попробуйте что-то новое, выйдете за рамки привычных материалов и техник.

Самым распространенным материалом в живописи являются масляные краски, в которых используют растительное масло. Секреты рисования таким художественным материалом не скрыт от нас, а наоборот, многие делятся опытом и предлагают свои уроки рисования маслом для начинающих. Каждый может создать свой шедевр. Для этого нужно только терпение и время! Техника рисования масляными красками имеет немало подводных камней. Поэтому уроки рисования маслом поэтапно смогут показать все этапы и раскрыть секреты.

Рисование маслом для начинающих

Прежде, чем бежать смотреть мастер класс по рисованию маслом, следует приобрести краску и все необходимое для этой живописной техники. Начинаем с самого основного.

1. Масляная краска

   В магазинах можно встретить, как отдельные тубы с определенными цветами, так и наборы, в которых может быть все, что нужно для художника. Однако, не спешите приобретать набор, ведь лучше подобрать пару отдельных емкостей с основными цветами. Такие краски будут иметь лучшее качество. Соберите индивидуальный набор из шести-семи цветов, с помощью которых вы сможете получить любой другой цвет.

2. Кисти

   Лучше всего не приобретать набор красок, к которым входят в комплект несколько кистей. Они будут не лучшего качества. Поэтому подберите для себя те инструменты, которые подойдут для вас и восполнять все нужны. Для масляных красок подбираем качественные и простые кисти. Для первого времени достаточно будет иметь несколько кистей разного типа. Например, можно выбрать плоскую, щетинистую и круглую. Затем подбираем размер кистей.

3. Мастихин

   Кроме кистей многие художники используют такой художественный инструмент, как мастихин. При его помощи можно легко смешивать цвета на палитре, а также создавать на полотке интересные объемные эффекты.

4. Растворитель

   Чтобы разжижать густую масляную краску. Использовать можно льняное масло или его производные.

5. Дополнения

   Начинающим художникам следует запастись основой под масляную живопись в виде натянутого холста, деревянной палитрой, баночкой с водой, фартуком и большим количеством старых тряпок. Не помешает и специальный ящик для художественных материалов.

Техника рисования маслом

Существует два основных вида техники рисования маслом: а-ля прима и многослойная живопись.
Техника а-ля прима подразумевает под собой быстрое нанесения краски на холст. Здесь не следует предварительно делать наброски углем или карандашом. Однако, рисунок также создается постепенно, но очень быстрыми мазками. Чем больше краски в каждой детали картины – тем лучше! Тем более, что на следующий день можно ее подкорректировать и доделать.

Для другой техники, многослойной, процесс будет более длительным. Ведь такая картина будет иметь несколько слоев, а для полного высыхания одного — потребуется не менее 3-х дней. Обязательным условием для такой техники – предварительный набросок карандашом. Также рекомендуется нанести грунт. Уж потом можно будет наносить первый слой краски. Такая техника рисования маслом подойдет для пейзажей и любых объектов природы.

Поэтапное рисование маслом

Перед началом процесса рисования следует подготовить свое рабочее место. Ведь для масляной техники понадобиться сразу множество материалов и инструментов. Выбираем себе место в комнате поближе с естественному источнику света и открытому окну. Ведь масло имеет сильный запах.
Выполняем набросок на холсте карандашом или углем. Намечаем ровные вспомогательные линии для построения композиции. Прорисовываем крупные детали и плавно переходим к мелким. Продумайте на этих порах, куда будет падать свет и где будут располагаться блик, полутень и тень. Это придаст картине реалистичный вид.

Переходим к подбору цвета для каждого элемента рисунка. На палитре помещаем основные цвета, которые дадут новые сложные оттенки. Для начинающих художников этот момент будет сложным, ведь наш мозг «видит» цвета немного по-другому. Например, для изображения ясного синего неба с облаками вы начнете смешивать краску на палитре и потом поймете, что она не подходит. Ведь такой оттенок получился намного ярче, чем задумывался. Также опытные мастера знают, что детали, нарисованные ночью, будут иметь более темнее тон и насыщенный цвет. А вот если на холсте задуман день, то объекты будут яркими.

Переходим к краскам. Первый слой каждого объекта должен прокрашен жидкой масляной краской. Для этого используем льняное масло или любой другой растворитель. Следующие слои можно уже будет наносить густыми мазками. Начинаем рисовать удобным способом и техниками.

Рисование маслом на холсте часто спасает начинающих художников. Ведь если вы нанесли неправильный цвет, то его можно легко убрать, поскольку краска высыхает очень медленно.

После нанесения первого слоя даем время, чтобы он полностью высох и только потом наносим следующий. В основном на это уходит около 3-х дней. В это период можно немного подправить детали в рисунке или исправить ошибки, а может и полностью стереть их влажной тряпкой.

Слой за слоем у вас проявиться полноценная картина. Для сохранения ее красоты и яркости краски – следует ее зафиксировать лаком. Для этого следует дождаться полного высыхания. Все это зависит от количества слоев на холсте.

Покрываем картину лаком, помещаем в рамку и размещаем на видное место! Теперь рисование маслом для начинающих поэтапно переходит на новый уровень, где вы сможете осваивать новые приемы.

Масляными красками были написаны величайшие шедевры, именно им отдавали, и до сих пор отдают, свое предпочтение мастера живописи и знаменитые художники. Но работа с такими красками имеет свои уникальные особенности и своеобразные отличия по техникам. Поэтому у многих начинающих художников возникают некоторые сложности в написании картин. В этой статье попробуем разобраться, как рисовать масляными красками, какие они бывают, а также рассмотрим несколько техник в живописи маслом.

В специализированных магазинах масляные краски представлены в большом ассортименте, есть множество марок, под которыми выпускаются в продажу такие художественные товары. В чем особенность масляных красок?

В состав входят различные пигменты: минеральные, органические, синтетические и земляные. Те же компоненты присутствуют и в составе других видов красок, будь это акриловые или акварельные.

Масляные краски отличаются от других связующим компонентом — это масло льняного семени. Именно оно дает яркость и насыщенность цвета, и именно из-за него такие краски долго сохнут. Но зато свежий слой масла, нанесенный на холст, поддается изменениям, то есть можно неоднократно корректировать рисунок и накладывать новые слои поверх старых.

Еще одна особенность масляных красок состоит в том, что их разбавляют не водой, а специальным растворителем, в качестве которого тоже применяется растительное масло. Такой разбавитель продается в художественных магазинах, что и сами краски.

Каких видов бывают?

В каждом специализированном магазине можно найти краски трех видов:

• Высокохудожественные. Это краски, которые приобретаются профессионалами своего дела. Состоят только из качественных компонентов, поэтому имеют высокую стоимость. Но для хорошей картины нужны хорошие краски, которые со временем не потеряют свой блеск и не поменяют цвет.

Статья по теме: Техника росписи акриловыми красками по ткани

• Студийные. Пользуются не меньшим спросом, чем первый вариант, хорошо ведут себя на холсте. Подходят как для профессиональных, так и начинающих художников.

• Эскизные. Больше подходят новичкам в художественном деле, так как за низкую стоимость можно приобрести достаточное количество красок и выбрать свою технику нанесения.

Производители масляных красок располагаются во многих странах мира. Художники со стажем уже подобрали для себя те варианты, которые подходят для работы. Многие комбинируют свои наборы из разных фирм, что также допустимо.

Еще масляные краски делятся на прозрачные и непрозрачные. Последние по своей структуре более плотные и поэтому не пропускают через себя свет. На каждой упаковке должны присутствовать специальные обозначения. Например, обозначение «*» говорит о стойкости и долговечности краски на холсте. Чем больше таких символов на краске, тем дольше прослужат готовые полотна. Самые лучшие краски имеют срок более 100 лет.

Символ в виде закрашенного черного квадрата обозначает, что краска не прозрачная, если на половину – то полупрозрачная.

Пигменты, которые дают краске тот или иной цвет, можно разделить на органические и неорганические. Первый вид дает более яркие оттенки, а второй натуральные цвета. При хорошем соотношении пигментов производители добиваются красивых и качественных оттенков.

Для производства масляных красок обычно используют льняное масло импортного производства, так как лен, растущий не на территории Российской Федерации, обладает уникальными свойствами, благодаря которым, художественные краски имеют свои уникальные качественные характеристики.

На видео: как выбрать краски для живописи маслом.

О техниках рисования

Подготовка к творчеству не занимает много времени, тем более, что в современных магазинах искусства можно приобрести все самое необходимое для работы. Уже натянутые и загрунтованные холсты можно найти любого размера — от самого маленького до огромного.

Картина, написанная масляными красками, очень эффектно смотрится. Мазки, накладываемые художником, выглядят будто отдельно друг от друга. Многие думают, что живопись маслом довольно простое занятие, но это совершенно не так. Попробуем разобраться, как научиться рисовать масляными красками.

Статья по теме: Особенности выбора и применения красок по стеклу и керамике

У каждого мастера существует своя техника рисования, которая отличается своими особенностями. Стандартными можно выделить:

• многослойное наложение;
• алла-прима – один слой.

Исполнение многослойного наложения – это очень сложная техника, при которой нужно быть максимально осторожным, зная все свойства и характеристики маслянных красок. Необходимо работать в одном стиле и не разбавлять краску, чтобы быстрее закончить работу. Разбавленный состав может выглядеть на полотне более матовым и тусклым, чем остальные детали. При такой технике на всю работу уйдет не один и не два тюбика краски.

При наложении одного слоя необходимо помнить, что краска может сжаться, и на картине появятся трещины. Художники в этом случае дают первому слою полностью высохнуть и пишут второй. Многие мастера чаще пользуются этой техникой, так как расход материала ниже.

Основные правила

Итак, учимся рисовать маслом. Какие правила нужно соблюдать:

1. Обязательным условием написания любой картины является свет. Только правильно выставленное освещение позволяет добиться нужного эффекта.
2. Художники начинают свою работу с контура будущей картины. Для этого хорошо подойдет уголь. Его можно легко стереть тряпкой и нарисовать заново неполучившийся элемент. Линии, которые нарисованы углем, необходимо закрепить на холсте.
3. На картине все тона и тени получаются путем постоянного смешивания цветов. Нужно четко понимать, какие цвета нужно смешать, чтобы добиться того или иного оттенка.
4. Мастера начинают писать свою картину с самых ярких элементов композиции. То есть, сначала нужно выделить самый темный элемент и самый светлый. Далее можно начать и все остальные детали.
5. Как только основной набросок сделан, можно переходить к прорисовке. Но не стоит заострять свое внимание на одном элементе. Необходимо постепенно задействовать весь холст.
6. Художники рекомендуют брать белил гораздо в больших объемах, чем краски других цветов, так как они используются чаще.
7. Готовая картина сохнет в течение трех дней, поэтому можно делать поправки на холсте на следующий день после завершения работы. Не получившееся место можно снять шпателем. Это не навредит ни холсту, ни всей картине в целом. Работа останется такой же прочной.
8. Для начинающих мастеров и любителей, пользоваться профессиональными красками невыгодно, так как у новичков в основном будут нарисованы эскизы.
9. Для масляных красок необходимо подготовить специальное место для хранения. Что нужно для рисования (краски, кисти, холст, палитра) должно быть в одном месте, и при первой же необходимости их можно взять и использовать.
10. После полного высыхания полотна нельзя поверхность протирать грязной тряпкой и трогать ее руками. Это может навредить внешнему виду общего рисунка.

Поэтапное рисование масляными красками выглядит примерно так.

Как правильно рисовать свои первые картины подскажут художники, которые могут похвастаться большим рядом полотен. Для рисования маслом на холсте существуют определенные техники рисования. Начинающему художнику нужно начать работать под присмотром опытного преподавателя. Как только написанные рисунки станут получаться, и будут выявлены свои методики, можно рисовать маслом самостоятельно.

Статья по теме: 7 основных техник рисования акварелью, акрилом, гуашью

На чем писать масляными красками и как начать рисовать могут подсказать и продавцы магазинов художественных принадлежностей. Существует много школ, где люди любого возраста учатся писать живопись. Учитесь рисовать только у хороших мастеров живописи!

Мастер-классы по рисованию маслом (2 видео)

Картины поэтапно (23 фото)

Какую бумагу выбрать для рисования?

В работе художника бумага важна не меньше, чем грамотный выбор основных материалов для рисования. Она является одним из самых главных инструментов для создания художественных произведений. Поэтому, при выборе стоит обратить пристальное внимание на качество и ключевые характеристики той бумаги, которая является основой для вашего творчества. На современном бумажном рынке ассортимент крайне обширен и разнообразен.

Как же выбрать бумагу, которая будет угодна всем требованиям художника?  Особенно для новичков эта задача является довольно затруднительной.  Давайте разбираться! Основные характеристики, которые должны интересовать при выборе бумаги: ·         Плотность ·         Фактура ·         Кислотность ·         Цвет ·         Состав ·         Формат Несомненно, плотность бумаги является главным параметром при выборе. За редким исключением действует правило: чем выше плотность бумаги, чем лучше. Этому есть простое объяснение – бумага с высокой плотностью гораздо более устойчива к художественным воздействиям: размывка водой, стирание ластиком, штриховка карандашами. К примеру, самый обычный лист офисной бумаги для принтера в среднем имеет плотность 80 г/м2, именно поэтому такой лист будет совершенно непригоден для рисования. Проведите эксперимент: попробуйте порисовать водными красками на принтерном листе, очевидно, произойдет абсолютное промокание бумаги, она сразу же начнет скручиваться и деформироваться, а сами краски будут непроизвольно растекаться в разные стороны. Конечно, шедевров на подобной основе создать никак не получится. Оптимальная плотность бумаги для рисования художественными материалами, в том числе, и красками и карандашами лежит в диапазоне от 200 до 300 г/м2 . Бумага с плотностью менее 180 г/м2 сильно коробится в процессе рисования и быстро истирается. Важно понимать, что для каждого вида творчества существует специальная бумага. Для акварельных техник, к примеру, лучше выбирать плотность ближе к 300 г/м2 и выше. Для графики и смешанных техник подойдет плотность до 300 г/м2. Для рисования спиртовыми маркерами существует особенная бумага с плотностью приблизительно 75-85 г/м2. Бумагу для маркеров намеренно производят тонкой, что позволяет впитывать меньше пигмента и экономить чернила.

Фактура бумаги – не менее важный аспект при выборе бумаги. Верного совета при выборе фактуры нет, так как все зависит от художественных материалов и техники. Существует 4 основных типа фактуры: ·         Фактурная крупнозернистая, иначе ее называют Торшон ( Torchon ) ·         Бумага холодного прессования (среднезернистая или Fin ) ·         Бумага горячего прессования (мелкозернистая или Satin ) ·         Гладкая бумага ( smooth ) Какая же бумага лучше подойдет для той или иной техники? Крупнозернистая (Torchion) прекрасно подойдет для многих художественных техник, таких как: акварель, пастель, угля, сангины, соуса и других материалов, которым присуще насыщение пигментов. Стоит избегать покупки такой бумаги, если вы рисуете: цветными и графическими карандашами, художественными маркерами, аэрографией, а также если в вашей технике рисования присутствует много мелкой детализации. Среднезернистая бумага (Fin) отличается от первой меньшей зернистостью, поэтому такая бумага является более универсальной: она найдет свое применение также в акварельной живописи, в рисовании пастелью, углем и соусом и ко всему прочему – цветными карандашами. Не подходит к тем же техникам рисования, что и крупнозернистая. Мелкозернистая бумага (Satin) является самой универсальной из всех, так как диапазон ее применения значительно шире, чем у первых двух: она подойдет практически ко всем техникам рисования, кроме, пожалуй, пастелей и прочих сыпучих материалов. Гладкая бумага (Smooth) имеет скорее графический характер нежели живописный, так как отлично подойдет для карандашей, маркеров, аэрографии, линеров и прочих иллюстраций, где требуется тонкая детализация, но совсем не подойдет для акварелей и пастелей.

Также бумага различается кислотностью, которая образуется в процессе переработки сырья. Самое главное, что нужно знать: содержание кислотности в бумаге – не самая лучшая для нее характеристика. Так как такая бумага со временем желтеет, уменьшает показатели плотности и может не верно передавать цвет пигментов. По цвету бумага разделяется на 2 типа: белая и тонированная. Казалось бы, но белая бумага имеет также несколько разных оттенков белизны: от желтоватой до «насыщенной» белой. Является самой универсальной и каноничной. Оттенок белого не влияет на качество, поэтому выбирайте тот, который больше нравится. Что касаемо тонированной бумаги – она служит как альтернатива для создания интересных эффектов, которые на белой бумаге создать не получится. Важное примечание: при выборе тонированной бумаги для рисования, остановитесь на нейтральных и натуральных оттенках, чтобы она не соперничала с вашим рисунком и служила фоновой подложкой, а также запаситесь дополнительными материалами для создания бликов: белый карандаш или линер, гуашь или акрил.

По составу бумагу также различают по 2 видам: хлопок и целлюлоза. Хлопок значительно выигрывает в качестве на фоне целлюлозы, так как лучше впитывает и удерживает воду, увеличивает долговечность художественных работ и прощает больше ошибок при стирании ластиком и работой в акварельной технике. Соответственно, цена хлопка выше, чем у целлюлозы. Плотная хлопковая бумага является самым идеальным вариантом для профессионалов и мастеров. Однако, бумага из целлюлозы – отличный вариант для студентов и новичков. А какой формат лучше выбрать? Самым универсальным и популярным, конечно, является А4, но стоит учитывать, что к примеру формат А3 легко можно превратить в А4, а наоборот вряд ли получится. Если вы только учитесь рисовать, то лучше обратить внимание на форматы не меньше А5, но и не больше А4. Лучше создать пару-тройку пробных работ на маленьких форматах, чем 1 большую, но на большом.

Альбом или поштучно? Если вы не уверены в выборе и есть возможность приобрести бумагу поштучно, то для тестирования и сравнения лучше выбрать несколько различных листов поштучно. А вот если вы уже точно знаете, что определенная бумага вас не подведет и выигрышно подчеркнет ваши работы, то нет ничего плохого, чтобы выбрать формат альбома-склейки или скетчбука.

Разложив «по полочкам» все основные параметры бумаги, стоит упомянуть производителей с многолетним (а то и с многовековым) опытом, которые вызывают доверие. В нашем магазине представлен широчайший выбор качественной бумаги от известных производителей, и перечислять каждый из них не имеет никакого смысла, так как у всех этих брендов в линейках можно найти то, что подойдет именно вам. Пожалуй, самые знаменитые бренды, укоренившиеся на рынке и в сердцах своих покупателей это бренды Fabriano , Arches , Белые ночи , Hahnemuhle , Canson и Daler Rowney . Покупая продукцию этих брендов, можно не сомневаться в высочайшем качестве и производстве. Но также, Арт-Квартал настойчиво просит обратить внимание на производителей, пользующихся чуть меньшей популярностью, но также не уступающим в качестве – Saunders Waterford , SM-LT и Khadi .

Все же, выбирая бумагу, ориентируйтесь не столько на производителя, сколько на вышеперечисленные характеристики, и мы гарантируем, что вы точно не прогадаете!  Особенно если вы обратитесь к каталогу нашего магазина в категорию БУМАГА Не бойтесь экспериментировать и совершать ошибки. Перед покупкой материалов внимательно изучите информацию о товаре, и помните, что главное – это любовь к творчеству!

моя техника подходит человеческой эргономике

О том, как начала рисовать с помощью носка и лезвия, о преимуществах этой техники и о кумирах в искусстве рассказала ведущей «Правды.ру» Анжеле Антоновой художник-живописец, основатель Центра современного искусства AURUM Елена Ильичева.

Творческий тандем

— Елена, вы работаете не кистями и мастихином, а лезвием и мужским носком. Как вы пришли к этой технике?

— Мы с мужем Владимиром рисуем с 14 лет. Конечно, писали кистью. К 1998 году у нас была «восьмерка одесских художников». Мы должны были каждый год выставляться на фестивале у Виктора Хаматова в Киеве. Это вызвало соревновательный дух. Я начала проводить эксперименты, чтобы обогнать своих друзей. Думаю: чем кисти вытирать? У меня была куча носков дома — Володиных, Пашиных. Решила вытирать кисти после масляной краски носком. Потом раз — носок надела на руку. Смотрю — хорошо двигает краску носок. Потом смотрю — лезвие (раньше лезвие «Нева» было). Хорошо распространяет краску. Еще хорошо шкрябает графику, внутри живописи.

Когда рисуешь кистью, плохо себя чувствуешь, потому что кисти непослушны.

Зато очень хорошо, когда рукой начинаешь двигать краску. Тем более из пальцев идет энергия, мы насыщаем работу. Получается еще и акварельный эффект. А когда лезвием шкрябаешь, получается графический эффект. Конечно, потом нужна кисть, только колонковая, и лессировка, как у старых мастеров. Но я не устаю благодарить Бога за то, что у меня есть такая техника, потому что чем дальше, тем больше она приносит нового. Вот только вчера я изобрела еще одну технику! Потом буду делиться.

— Владимир Ильичев тоже художник. Вы в тандеме пишете работы?

— Мы в училище познакомились, нам было 14 лет, учились у одних и тех же преподавателей: Тамары Егоровой, Василия Соколова. После училища начали самообразованием заниматься. Даже институт нам не дал таких знаний, как самообразование.

Мы живем в Одессе почти на Дерибасовской, угол Садовой, в старинном доме XIX века. Одна из комнат была моей мастерской. Конечно, Володя, несмотря на свой ресторанчик «Лунный свет», заходил ко мне в мастерскую. Мы постоянно разговаривали: как сделать такие картины, чтобы:

• они дорого продавались;
• я могла заявить о себе как самостоятельный художник на персональных выставках.

Потихоньку Володя и сам этому научился. Несмотря на то, что он был очень хорошим ресторатором и бизнесменом, он начал со мной работать. Но у нас не соревнование, а сотрудничество. Что-то Володя лучше делает, что-то я. У меня натюрморты, у Володи архитектура в живописи, он любит рисовать архитектурные сломы парижских замков. Иногда мы объединяемся. Я знаю, что Володя сильнее меня в графике. Говорю: «Володя, прошкрябай мне немного графики». Володя сел — раз, конструкцию выстроил архитектурную. Всё, у меня пошло вдохновение иньское. Володя дал янскую энергию.

Мы подписываем работы то моей фамилией, то Володиной: все знают, что мы пишем в четыре руки.

Учителя и ученики

— Не умея что-либо делать, нельзя это донести до других людей. Когда заканчивается ремесло и начинается искусство?

— Эта грань известна всем художникам. Сначала что вижу, то и рисую. Потом — что мыслю, то и рисую. А потом — подозреваю, что это может быть, и это рисую. Художник начинает рисовать невидимый мир.

Бывает, сначала художник пишет картину, а потом со второй половины работы картина начинает командовать художником, заставляет соблюдать гармонию, чтобы не испортить то, что уже написано. То есть брали с натуры, немного из воображения. Потом отключили и натуру, и воображение, и уже пишут, как молятся. Как будто бы шепчут на ухо что-то сами себе.

Поэтому для художника очень важно знакомство с самим собой: кто он такой и есть ли у него, что сказать миру через живопись.

— Ваши работы смотришь как будто через призму времени. Вроде бы натюрморт, а дальше идет история. Ее хочется читать, домысливать. Все ли зрители понимают ваши картины?

— Анжелочка, у вас три вопроса в одном, поэтому по очереди. Первый вопрос: почему призма времени? Потому что наши учителя в самообразовании:

• Рафаэль,
• Тициан,
• Леонардо да Винчи,
• Микеланджело,
• Врубель,
• Пармиджанино.

Они посвятили всю жизнь изучению искусства, их произведения светят через века, вдохновляют, потому что они серьезно подошли к этому, а не поверхностно, как современные художники — намазюкали что-то и побежали требовать побольше денег. А старые мастера соревновались сами с собой.

Рембрандт написал 100 автопортретов. То есть он 100 раз знакомился с собой.

Если картины пережили 600 лет, то почему бы нам не попасть к Леонардо в мастерскую и не поучиться у него графике, которая настолько проникновенна, правильна, духовна, что больше не у кого учиться? Оттуда идут эти умения, знания, натюрмортный фон XVIII — начала ХХ века.

Второй вопрос: почему с натюрмортом хорошо разговаривать? Потому что он дает возможность художнику поразмыслить над философскими идеями, не обращая внимания на натуру. Потому что, когда живой человек позирует, сильно не пофилософствуешь, его образ начинает главенствовать.

Третий вопрос: понимают ли люди наши картины? У нас было много выставок по миру, в том числе в Москве, в Санкт-Петербурге, в России.

Мы продолжаем мастер-классы по нашей технике, потому что зацепились за территорию русскоязычных студентов, которые почти так же мыслят, как мы.

У нас родители, бабушки, дедушки из России. Поэтому мы считаем своим долгом раскрывать творческий потенциал людей, которые хотят рисовать в любом возрасте. Все мои работы остались в Москве, благодаря Игорю Метелицыну — моему арт-менеджеру, который взялся их продавать, и потом я уже спокойно могла в Москве действовать как серьезный художник.

— Кумиры у вас есть в живописи?

— Из старых мастеров я перечислила. Из современных художников — Юрий Купер, Михаил Шемякин, Александр Мельников, немного украинских художников. Они не то что кумиры. Мы идем созвучно. Мы начали давать мастер-классы после выставок, потому что почувствовали жажду людей рисовать таким же образом и получать удовольствие во время живописи.

Когда работа находит своего покупателя, не пачка денег тебя делает счастливым, а момент живописи, настолько эта техника подходит человеческой эргономике — возить руками по краске.

Мы очень любим питерскую краску «Мастер-класс», пользуемся только ею. Ни льняного масла не надо, ни разбавителя, она сама по себе двигается очень хорошо.

В первый день всё растерли, во второй день всё прошкрябали, с третьего дня начинаем колонковой кистью писать пастоз.

Пастозной живописи уделяем 10 %, потому что 30% составляет полуакварельная протирка, 20% — шкрябка, графика внутри живописи. Мы на ней даже можем остановиться, но если хотим более глубинную живопись, начинаем писать 10-15% пастоза, увеличиваем высоту мазка. А потом уже, когда всё высохнет, долго работаем лессировками, как старые мастера делали.

К нам приезжают с Дальнего Востока или из Голландии наши студенты, несмотря на возраст. Человеку может быть 60 лет, а он за один мастер-класс пишет картину, если только он послушный.

Беседовала Анжела Антонова

К публикации подготовила Марина Севастьянова

Знай свое искусство стилей живописи: 7 самых популярных

Отчасти изобразительное искусство ценится разнообразием стилей художественной росписи, которыми можно восхищаться и из которых можно выбирать. Как поклонник искусства, вы получите больше удовольствия от этого опыта, когда поймете, какой именно стиль искусства вы просматриваете в данный момент. Вот обзор семи самых популярных стилей художественной живописи в произвольном порядке.

Стили художественной росписи

Искусство реализма

1. Реализм — это стиль искусства, который большинство людей считает «настоящим искусством».Это потому, что он пытается изобразить тему так, как она появляется в реальной жизни, но не становится похожей на фотографию. Искусство реализма не имеет стилизации и не подчиняется правилам формальной художественной теории. Вместо этого художник тратит изрядное количество времени и усилий, уделяя внимание созданию точного изображения жизненных форм и объектов, перспективы (создающей иллюзию реальности) хорошей композиции, света и тени, цвета и тона.

Фотореализм Арт

2. Фотореализм (a.к.а. суперреализм, реализм с резким фокусом, гиперреализм) — это художественный стиль, при котором произведение выглядит так же реалистично, как фотография. Иллюзия реальности настолько тонко отлажена, что картина выглядит в точности как большая резко сфокусированная фотография на холсте или другой подложке для краски. Это стиль, в котором особое внимание уделяется деталям, вплоть до последней песчинки на пляже или до пор и морщин на лице. Ничего не упущено, и нет ничего слишком незначительного, чтобы исключить его из композиции.Вот насколько реалистичен фотореализм.

Фотореализм как стиль искусства стал движением в Америке в конце 1960-х — начале 1970-х годов. Для получения дополнительной информации об этом художественном движении щелкните здесь.

Художественный стиль

3. Художественный стиль отличается заметными мазками и текстурой краски. Этот стиль можно создать с помощью масел, акрила, акварели, гуаши и любого другого материала, на котором используется кисть.

В прошлом ранние художники прилагали большие усилия, чтобы устранить мазки или текстуру на своих картинах, работая и смешивая краски, но не художники-живописцы.Однако они не пытаются скрыть свою небрежно и быстро нанесенную мазку. Краску также необязательно наносить густо; тонкие слои краски работают так же хорошо, используя живописный художественный стиль.

Импрессионизм Живопись

4. Импрессионизм — это стиль живописи, который выглядит грубым и незаконченным и характеризуется небольшими, тонкими видимыми мазками. Сюжеты обычно представляют собой обычные и обычные предметы, подчеркивая точное изображение света.

Картины импрессионизма часто пишутся на открытом воздухе, чтобы передать естественный солнечный свет и цвет предметов. Черный редко используется, поскольку художники-импрессионисты предпочитают смешивать и использовать темные тона и дополнительные цвета. Импрессионизм — это больше представление о впечатлении художника. Он не пытается быть точным в деталях, это скорее выражение сердца.

Абстрактное искусство

5. Абстрактное искусство — это произведение искусства, не имеющее ничего общего с «реальной жизнью».«Это художественный стиль, который намеренно лишен репрезентации и стремится достичь своей цели или предмета, используя формы, формы, цвета и текстуры. Каждый объект на холсте представлен либо цветами, либо формами. Например, цвета могут представлять эмоции, а формы могут символизировать объекты.

Цель абстрактного — позволить зрителю интерпретировать его значение для себя. В худшем случае абстрактное искусство выглядит как случайный беспорядок с краской. В лучшем случае он оказывает воздействие, которое поражает вас с того момента, как вы его видите.

Искусство сюрреализма

6. Сюрреализм — это стиль современного искусства, сочетающий в себе различные абстрактные концепции для создания потрясающего эффекта. Полностью распознанные изображения реалистично нарисованы, а затем реконструированы или структурированы в неоднозначных, противоречивых или шокирующих рамках, удаленных от их обычных настроек и обстоятельств. Картины сюрреалистов часто нелогичны и выражают воображаемые сны с видениями, которые подчеркивают подсознание, а не логику.

Сюрреализм зародился во Франции и процветал как художественное направление в начале двадцатого века.Для получения дополнительной информации о сюрреалистическом движении щелкните здесь.

Поп-арт

7. Поп-арт — это стиль современного искусства, который зародился еще в 1950-х годах и черпал вдохновение в коммерческих и потребительских аспектах повседневной жизни, особенно в американской культуре. Такие изображения включали рекламу, средства массовой информации, комиксы, знаменитостей и элементы популярной культуры, такие как журналы, фильмы и даже бутылки и банки.

Картины в стиле поп-арт, как правило, сосредоточены на ярких цветах и ​​реалистичных образах.В композиции обычно тоже нет скрытого смысла. Поп-художники редко используют какие-либо традиционные приемы перспективы для создания иллюзии реализма в живописи. Некоторые поп-артисты используют методы массового производства, такие как шелкография, для копирования своих работ, отражая процесс производства потребительских товаров. Благодаря своей коммерческой образности, поп-арт — один из самых узнаваемых стилей современного искусства.

Дополнительное чтение

Классификация картин изобразительного искусства по жанрам

Каковы классификации искусства?

Есть вопросы?

Если у вас есть вопросы по этой картине, свяжитесь с нами, и мы будем рады ответить на любые ваши вопросы.

Спасибо, что прочитали это!

Не стесняйтесь поделиться этим со своими друзьями.

---

ОБНОВЛЕНО: 04 февраля 2021 г.

Нравится эта страница? Пожалуйста, поделитесь этим. Спасибо!

Известные стили живописи мира

Способ, которым художники изображают сцены в искусстве, со временем эволюционировал. За прошедшие годы на первый план вышли два доминирующих стиля — западный и восточный стиль искусства. Более глубокое понимание различных стилей живописи — это действительно увлекательное занятие, которое даст нам представление о бесчисленных проявлениях искусства во всем мире.

Начнем с западного стиля искусства.

Западный стиль живописи стал заметнее в наши дни. Абстрактная живопись, модернизм, импрессионизм и некоторые менее известные формы искусства, такие как сюрреализм и фотореализм, составляют часть обширной западной формы искусства.

1. Модернизм:

Модернизм в искусстве считается искусством, созданным в период между 1860 и 1970 годами. Это радикальный образ мышления художников современности, без ограничений, установленных традиционным методом, сдерживающим их творческое выражение.

https://bit.ly/2IIWsx1

2. Импрессионизм:

Этот вид искусства зародился в Париже в конце 19 века. К особенностям импрессионизма можно отнести использование обычных и обычных предметов, тонких мазков кисти, необычных углов.

https://bit.ly/2IIWsx1

3. Абстрактное искусство:

Любое художественное выражение реальности, которое иллюстрировано, но не в ее истинной форме, может рассматриваться как абстрактная форма искусства. Это настоящий продукт радикальной мысли.

https: // бит.ly / 2IIWsx1

4. Экспрессионизм:

Абстрактный стиль искусства принимает множество форм, и «экспрессионизм» — одна из них. Перелив человеческих эмоций изображен с точки зрения художника.

https://bit.ly/2IIWsx1

5. Кубизм:

Поль Сезанн, известный художник однажды сказал: «Все в природе принимает форму цилиндра, конуса или сферы». Интересно, что позже это стало основой «кубизма». Это еще одно выражение абстрактного искусства, и геометрические формы составляют очень важную часть этого стиля.

https://bit.ly/2IIWsx1

6. Сюрреализм:

Сюрреализм — это движение, которое возникло в 20 веке во Франции. Эта форма искусства стремилась высвободить творческий потенциал ума путем иррационального сопоставления образов. Культурное движение сюрреализма также включает в себя изобразительное искусство и письмо!

https://bit.ly/2IIWsx1

Далее идет восточный стиль формы искусства. На восточный стиль искусства повлияли многие культуры по всему миру, некоторые из которых значительно выросли.Давайте исследуем формы искусства, которые возникли из культур и традиций мира.

1. Китайский стиль:

Китайский стиль искусства считается одной из старейших форм художественных традиций, которые также использовали каллиграфию как часть своей техники. Китайские художники использовали цветные чернила для рисования на бумаге и шелке. Они никогда не использовали масло для живописи.

https://bit.ly/2IIWsx1

2. Японский стиль живописи:

Японский стиль рисования только черными чернилами потрясающий! Японский стиль живописи черпает вдохновение в китайском, западном и восточном искусстве.

https://bit.ly/2IIWsx1

3. Индийский стиль:

Будучи страной с разнообразной культурой, здесь производятся разнообразные виды искусства, от миниатюрных картин эпохи Великих Моголов до классических картин Танджора.

Миниатюрные картины Великих Моголов

Картины в миниатюре Великих Моголов обычно изображают образ жизни королей и принцев. Художники были сосредоточены на изображении красоты с большим вниманием к деталям.

https: // бит.ly / 2qmMOsi

Картины раджпутов

У дворов королевства раджпутов был свой особый стиль живописи. Эти картины раджпутов были в основном на темы романтики, преданности, героизма и придворной жизни.

https://bit.ly/2HqwOO2

Картины Танджора

Картины Танджора считаются самыми важными в Южной Индии из-за использования богатой цветовой гаммы и внимания к мельчайшим деталям.

https://bit.ly/2IIWsx1

Стиль Мадхубани

Стиль искусства Мадхубани традиционно создавался женщинами в районе Митхила в Бихаре.Древняя традиция настенных росписей под названием Бхитти-Читра сыграла важную роль в возникновении формы искусства Мадхубани.

https://bit.ly/2H7KsYN

Вам понравилась эта статья? Дайте нам знать в комментариях!

Похожие сообщения:

25 техник масляной живописи, которые вам следует изучить

Масляная живопись — это процесс рисования пигментами, связанными маслом. Масляные краски могут быть изготовлены художником или приобретены в магазинах товаров для искусства. Обычные масла, используемые в масляных красках, — это льняное масло, маковое масло, масло грецкого ореха и сафлоровое масло.Разные масла допускают разное время высыхания, и если краски содержат смолу, вы получите глянцевую поверхность. Масляные краски ценятся среди художников, потому что более длительное время высыхания позволяет художнику манипулировать краской в ​​более позднее время. Прежде чем приступить к изучению 25 техник масляной живописи, научитесь раскрывать свое художественное творчество, находя и развивая собственное творческое начало и визуальное выражение в соответствии со своими сильными сторонами и интересами.

Перед тем, как приступить к рисованию, убедитесь, что у вас есть подходящие расходные материалы.

• Холст

• Мольберт (холст также можно положить на стол)

• Гессо / акриловая краска (для подготовки холста)

• Поддон

• Краски масляные

• Кисти разных размеров

• Мастихин

• Разбавитель краски, скипидар или льняное масло

• Тряпки или полотенца

25 Техник масляной живописи, которые необходимо освоить

1) Цвет блокировки. Цветной блок разбавленными мазками кисти по контуру объекта. Это позволяет определять края объекта без использования более густой краски. Ключ состоит в том, чтобы очертить края объекта теми же цветами, которые будут использоваться внутри него.

2) Мгновенный фон. В качестве основы рисунка можно использовать нарисованный фон. Используйте разбавленную краску, наносимую небольшими мазками. Нарисуйте или нарисуйте этот базовый цвет для мгновенного создания фона.

3) Прозрачность. При отображении прозрачности объекта на рисунке нанесите непрозрачные цвета поверх прозрачных цветов.

4) Использование слоев. Масляная живопись позволяет художнику полностью закрасить и полностью покрыть другие слои краски, пока они высохнут. Если вы планируете использовать несколько слоев, начните с более тонких слоев краски более светлых тонов. Постепенно переходите к более толстым слоям и более темным цветам.

5) Сделайте цвета более яркими. Разбавьте краску до различных стадий, чтобы создать контраст, который сделает цвета более насыщенными.Для лучшего определения формы можно использовать разные плотности одного цвета. При использовании этой техники оставьте цвет фона напоследок. Разбавленная поверхность фона контрастирует с более плотной поверхностью объекта.

6) Контрастные цвета. Сравните цвета в своем изделии, чтобы создать ощущение трехмерности.

7) Белая краска. Монохроматическим объектам можно добавить объема и рельефа, подчеркнув белые тона. Для этого поверх основного цвета густо нанесите белую краску.Не наносите кистью на объект слишком много белой краски. Следы и оттенки кисти должны быть легко различимы.

8) Светотень. Светотень — одна из старейших техник масляной живописи для придания объему объектам. Он фокусируется на движении света по поверхности объекта посредством контрастирования света и тьмы. При использовании этой техники тени должны быть полностью черными, и лучше всего использовать нейтральный цвет фона. Узнайте больше о светотени в известных произведениях из этого курса истории искусства, посвященного искусству эпохи Возрождения и XX века.

9) Значение мазков кистью. Мазки кистью также могут определять объем и форму объекта. Используйте кисть, как карандаш. Наносите краску разных цветов, как цветными карандашами.

10) Угольные линии. Используйте угольные линии позади объекта, чтобы усилить его форму и придать ему объем.

11) Насыщенный цвет. Использование насыщенных цветов — самый прямой способ добавить формы и объема. Чтобы использовать эту технику, максимально насыщайте цвет в тех областях объекта, которые не освещены.

12) Размер мазка кистью. Можно использовать мазки кисти разных размеров, чтобы определять и различать плоскости, массы, объекты и различные области рисунка. Попробуйте поэкспериментировать с более длинными, короткими и даже крошечными точками. Как правило, мазки кистью меньшего размера будут представлять объекты ближе на переднем плане.

13) Неровности лакокрасочной смеси . Добавьте текстовый эффект к своей картине, оставив цветные полосы в смеси красок. Эти неровности могут добавить интерес к вашему изделию.

14) Листва. При рисовании листвы мазки кисти могут изображать листья. Варьируйте тона листьев, добавляя более или менее разбавленную краску. Узнайте больше о рисовании листвы из этого пленэра (рисование на открытом воздухе).

15) Пуантилизм. Чтобы ваша картина выглядела импрессионистской, попробуйте использовать эту технику пуантилизма. Он заключается в систематическом нанесении небольшого количества краски по всему холсту для достижения однородной и непрерывной текстуры.

16) Неформальные мазки кистью. Попробуйте использовать неформальные мазки кисти, которые не повторяют узор и идут в разных направлениях. Эти штрихи должны покрыть холст плавными цветовыми пучками. Этот прием можно использовать как с густой, так и с разбавленной краской.

17) Непредставительные мазки кистью. Используйте мазок кисти без каких-либо представительских обязательств. Это означает, что штрихи могут выходить за пределы линий определяемого объекта. Штрихи создадут и рисунок, и цвет одновременно.

18) Мягкая текстура. Создайте ощущение мягкости на вашем объекте с помощью размытых и нерегулярных мазков кисти. Попробуйте потереть щеткой опору, чтобы получить пушистую текстуру.

19) Стекло прозрачное . Чтобы предложить консистенцию хрусталя или прозрачного стекла, сохраняйте чистый цвет краски и добавляйте стратегический контраст. Последними добавьте темные контрастные цвета, чтобы обозначить плотность.

20) Металл. Чтобы создать эффект блестящего металла, необходимо противопоставить черный цвет белому.Нарисуйте самые темные области объекта разбавленным черным, а затем нанесите разбавленный белый цвет вдоль черных мазков, чтобы растушевать. Последними нанесите штрихи чистого белого цвета, чтобы выделить отражения на металле.

21) Монохроматический. Попробуйте создать монохромный рисунок. Выбирайте цвет, основываясь на большом разнообразии оттенков, которые он может создать. Различная интенсивность цвета определяется разбавлением краски.

22) Классные цвета. Попробуйте работать только с холодными цветами, такими как зеленый, серый и синий.Используйте немного теплых тонов, чтобы создать контрапункт.

23) Дополнительные цвета . Основные дополнительные цвета — желтый и фиолетовый, синий и оранжевый, красный и зеленый. Когда эти цвета смешиваются, они создают серый цвет, но когда они находятся рядом друг с другом, они создают резкий контраст. Подумайте об использовании дополнительных цветов в своей работе.

24) Кожа. Кожа человека не имеет определенного цвета. Художник использует комбинации и различные гармонии цветов для создания человеческого тела.Попробуйте использовать в основном более теплые цвета с оттенком холодных, чтобы добиться такого эффекта.

25) Пейзажные тени. При рисовании теней в пейзажах используйте холодные цвета, такие как синий, фиолетовый, пурпурный и серый. Если вы хотите узнать больше о масляной живописи, продолжите свое образование с классом по технике масляной живописи и теории цвета.

Страница Последнее обновление: февраль 2020 г.

25 обязательных техник рисования акрилом для начинающих

Акриловая живопись — универсальный, увлекательный в использовании и очень эффективный материал.Новичок начинает рисовать мокрой кистью на сухом холсте, но есть еще много чего исследовать. Технически я узнал, как называются эти техники, после того, как попробовал их поэкспериментировать. Будьте любопытными, творческими, и вы найдете свои собственные техники.

Среди популярных техник росписи акриловыми красками отмечу творческие приемы и техники рисования строительных. Вот полный список:

1. сухая кисть
2. имитация акварели или стирка
3. штриховка
4. штриховка
5. штриховка
6. мазок48

   смачивание

   0048
смачивание 9015
7. мокрый по сухому
8. живопись мастихином
9. глазурь
10. сграффито
11. выразительные мазки

14. подмалевок
15. наслоение
16. краска в блоках
17. частично смешанные цвета
18. семейство цветов
19. техника плоских цветов
21. покраска пальцами
22. запотевание
23. заливка акрилом
24. скребок

Я попытался кратко описать принцип каждой техники и проиллюстрировать это коротким видео.

Эта статья может содержать информацию о аффилированных лицах. Это означает, что если вы купите что-либо, используя мои ссылки, это не повлечет за собой дополнительных затрат, но я получу небольшую комиссию, которая поддержит этот сайт. Спасибо!

---

25 МЕТОДЫ ОКРАСКИ АКРИЛОМ

Я люблю рисовать, и творческий процесс может быть настоящей терапией. Используя различные инструменты, средства, собственные пальцы, мне нравится исследовать искусство. Надеюсь, эти 25 техник вас тоже вдохновят.

Сухая чистка

Профессиональная акриловая краска «Artist» выпускается в тяжелой, высоковязкой форме. Сухая чистка означает, что вы не разбавляете краску водой, вы не мочите кисть. Вы наносите краску непосредственно из палитры или тюбика сухой кистью на сухую поверхность .

Сухая чистка создает неровные мазки, интересное покрытие с небольшой текстурой. Это очень простой прием. Вы можете загрузить кисть и сделать толстые штрихи или загрузить кисть небольшим количеством краски и создать прозрачные неровные линии и тени.

Чтобы добиться успеха, попробуйте разные кисти перед покраской. Если вы хотите получить более неравномерное покрытие, используйте старые кисти.

Эту технику всегда можно комбинировать с обычной влажной расчесыванием и наслоением.

---

Стирка или имитация акварели

Акриловая краска на водной основе и водорастворима, поэтому в группу техник входит добавление воды в краску, так как в основном акрил довольно толстый и тяжелый.

Для создания эффекта стирки или акварельных эффектов разбавьте акриловую краску водой, около 50% воды даст вам необходимый эффект, но правильное количество будет зависеть от марки краски и ваших предпочтений.

Смывка акриловой краски широко используется в качестве фона.

Даже если мы можем разбавить акриловую краску и использовать ее в качестве акварели, помните, что акрил очень быстро сохнет, особенно при нанесении тонкими слоями, и их нельзя снова открыть после высыхания — они становятся водостойкими. По сравнению с акварелью акрил, действующий как акварель, менее щадящий.

Для разбавления акрила вы можете использовать не только воду, так как вода может повлиять на общее качество краски и ее стойкость, но вы можете использовать другие методы разбавления акрила, например, медиум — я составил простое руководство и список лучших разбавителей. , не стесняйтесь использовать его.

Краткая демонстрация того, как создавать смывки с помощью акрила:

---

Стипплинг

Стипплинг — это техника рисования, когда вы создаете узор, текстуру, используя маленькие точки. Чтобы нарисовать точки с помощью акриловой краски, вы обычно будете использовать кисть, но обычно вы можете использовать ручку, палочки или любые другие инструменты. Вы можете нанести один слой точек или нарисовать многослойную картину, чтобы показать глубину.

 Стипплинг похож на пуантилизм, но не то же самое.Пуантилизм пытается создать иллюзию смешанных цветов, используя точки разных цветов. 

Вы контролируете размер точек, они могут быть крошечными или довольно большими. Лучшее использование этой техники — пейзаж, особенно деревья.

Можно комбинировать эту технику с другими или раскрашивать всю деталь, используя только точечный рисунок.

Точечная обработка также считается случаем, когда вы используете кисть для нанесения цвета на поверхность (а не только для создания точек).

---

Штриховка

Штриховка похожа на технику штриховки, но вместо точек у вас есть линии.Вы создаете узор в 1 или нескольких слоях, используя линии размера и толщины по вашему выбору.

Для базовых слоев используйте более темные цвета и повторяйте мазки кисти, линии должны выглядеть одинаково.

Штриховка в основном используется карандашами, но с акриловыми красками эту технику также можно использовать, например, для создания фона или теней, поскольку штриховка помогает рисовать плотные, глубокие по цвету области.

---

Щелчок

Подбрасывание, также называемое разбрызгиванием, — это забавная и простая в использовании техника:

• вы загружаете свою кисть (я пробовала другие размеры и формы, и даже поролоновые щетки и зубную щетку) разбавленной краской.Это не сработает, как вы думаете, с тяжелой краской для тела.
• поместите его поверх своей картины.
• брызги, постучав по ручке, щелкнув щеткой или потянув за щетину (это работает с зубной щеткой).

Эта техника более распространена для абстрактной живописи, особенно для создания интересных деталей и эффектов. Но также широко используется для рисования звездочек или веснушек.

Будьте осторожны и не переусердствуйте — это может стать беспорядочным и менее артистичным.Также имейте в виду, что, используя эту технику, вам абсолютно необходимо защитить пол или поверхность, на которой вы рисуете, так как брызги могут быть везде!

---

Нанесение мазка

Нанесение мазков — еще одна забавная и простая в применении техника. Вам понадобится губка или кусок полотенца (бумажное полотенце, я даже использовала старое обычное полотенце), смоченное в краске. Весь процесс — это просто загрузка краски и промокание поверхности.

Используйте трафареты, чтобы нанести мазок на форму, или используйте мазок для рисования фона.Он может быть гладким или с текстурой, в зависимости от того, сколько краски вы будете использовать каждый раз. Пенная волна была создана губкой в ​​несколько слоев:

---

Детализация

Детализация — это больше технический навык, чем творческая техника — это способ создавать чрезвычайно детализированные картины с помощью кисти для детализации. Эта техника требует времени, терпения и деликатности, но результат того стоит!

Ключом к этой технике является правильная кисть для детализации: используйте синтетические кисти для акриловой краски.Некоторые бренды предлагают наборы кистей для деталей, например, этот набор из 10 кистей. Если вы предпочитаете покупать кисти индивидуально, ищите лайнеры, кисти для деталей, риггеры, я люблю Princeton Velvetouch Series 3950.

Для раскрашивания деталей нужно разбавить акриловую краску до чернильной консистенции или использовать акриловые чернила — важно, чтобы краска была однородной, легко растекающейся и контролируемой.

Вот видео по детализации дерева:

Несколько советов по детализации акриловыми красками:

• нанести краску легким прикосновением.
• дайте картине полностью высохнуть, прежде чем красить детали. Детали красьте в последнюю очередь.
• в зависимости от того, как вам удобнее: использовать мольберт или положить картину горизонтально.
• Держите бумажное полотенце, чтобы сразу стирать ошибки.

---

Смешивание мокрым по мокрому

Мокрое по мокрому — это базовая техника акварели и смешивания некоторых масляных картин. Поскольку акрил быстро сохнет, техника мокрого по мокрому не получила широкого распространения.

В основном, что вы делаете: вы наносите первый цвет, и пока он еще открыт (акрил остается влажным в течение 10-20 минут), вы сразу наносите второй цвет и сразу смешиваете его с поверхностью для создания градиента.

Если вы используете эту технику, вам может потребоваться замедлить процесс высыхания, использовать один из этих 15 методов, чтобы акриловая краска сохла медленнее, или просто сбрызните краску небольшим количеством воды.

Вот демонстрация техники:

---

Мокрая кисть по сухому холсту

Стандартный метод рисования — это мочить кисть на сухой поверхности.У вас есть баночка с водой, вы смачиваете кисть, а мокрой кистью наносите краску.

Также можно добавить в краску воды, перемешать до однородной консистенции и нанести слоями на холст. Если вы впервые рисуете на холсте, воспользуйтесь этим пошаговым руководством.

---

Рисование Мастихином

Живопись мастихином как форма техники импасто широко используется в абстрактной живописи, портрете и пейзаже.

Обычно мы используем мастихин, чтобы смешивать цвета, но рисовать ими гораздо веселее.Вы можете нанести краску прямо на поверхность и придать ей форму с помощью мастихин, чтобы создать текстуру и толстые слои. Хотя для абстрактной живописи довольно просто использовать мастихин, если вы хотите нарисовать портрет с помощью мастихина, вам понадобится время и практика.

Краску можно наносить с помощью лезвия или рисовать линии острием ножа, также можно поцарапать краску мастихином или просто создать гладкое покрытие, как торт.

Эти маленькие картины, которые я написал мастихином:

---

Остекление

Глазирование — это нанесение слоев глазури.Глазурь — это тонкий полупрозрачный красочный слой. Глазурь никогда не используется отдельно, глазурь — это набор тонких слоев, которые создают глубину и изменяют цвета: каждая глазурь будет наноситься после высыхания другой, поэтому они не будут смешиваться. В этом случае эффект отличается от смешивания двух цветов.

• Нанесите основной цвет
• Нанесите несколько глазурей
• Наслаждайтесь!

Для работы с остеклением акриловую краску необходимо разбавить, так как необходимы жидкие и прозрачные слои.Используйте воду или специальные разбавители.

Я не буду называть эту технику легкой, во-первых, поскольку она требует правильного разбавления, во-вторых, вам нужно знать цветовую диаграмму и теорию цвета, чтобы понять, как цвета могут взаимодействовать.

Остекление акрилом:

---

Сграффито

Sgraffito — это техника рисования, когда мы царапаем, поскольку это происходит от итальянского sgraffire — «царапать».

Эта техника добавляет интересный эффект: из царапин верхнего слоя мы видим нижний слой, например.когда мы рисуем волосы, деревья, воду, абстракцию.

Как использовать технику scgraffito:

• нанесите слой, который должен быть виден сквозь царапины, и дайте ему высохнуть.
• нанесите верхний слой
• поцарапайте верхний слой, пока он еще влажный (у вас есть до 30 минут, если вам нужно больше использовать наполнители или другие методы медленного высыхания).

Вот мастерская сграффито от Winsor & Newton:

Чтобы поцарапать, вы можете использовать любой инструмент, который есть у вас, или специальные силиконовые или резиновые инструменты, или формирователи краски.

---

Выразительные мазки

Иногда хочется избавиться от видимых мазков, но это, по сути, целая техника — выразительные мазки. Эта техника напоминает мне масляную живопись с толстыми, видимыми масляными мазками, создающими объем, текстуру и глубину.

Для этой техники хорошая кисть — залог успеха. Я рассмотрел здесь 20+ кистей для рисования акрилом.

Вот простой урок по рисованию груши мазками:

Есть даже книга о технике мазков кисти — Мазки: Акрил: рисование без усилий с минимальным набором инструментов и материалов.

---

Техника под покраска

Техника подмалевка пришла к нам из очень старой академической традиции — вам нужно построить набросок, подмалевок для вашей будущей картины.

Обычно подмалевок выполняется основным цветом в отличие от всего произведения, некоторые художники используют коричневые тона. Рисуя, вы обычно покрываете подмалевок или оставляете его в качестве тени или акцентов.

Делается обычно в стирках, быстро, как простой, но достаточно подробный эскиз будущей работы:

---

Наслоение

Наслоение — это самая основная и необходимая техника строительной росписи акриловыми красками.Это просто означает, что вы наносите краску тонкими слоями, позволяя им высохнуть между ними (если у вас нет других идей и техники).

Слоями, которые вы косите от темных цветов к светлым, от фона к деталям. Это требует вашего полного внимания, терпения и времени (не так сильно, как с маслом, так как акрил быстро сохнет).

---

Краска в цветных блоках

Рисование цветными блоками — это техника для начинающих: вы учитесь работать с разными тонами.

20-минутное видео с подробным описанием рисования в блоке:

---

Только частично смешанные цвета

Обычно мы смешиваем цвета, чтобы добиться нужного нам тона на палитре или непосредственно на поверхности. Только частично смешанные цвета могут создать потрясающий эффект:

• нанесите один цвет на поверхность
• нанесите другой цвет или цвета
• начните смешивать их мастихином, но просто слегка смешайте их, пока они не образуют новый цвет,

ИЛИ

• нанесите два или более цвета рядом друг с другом на поверхность.
• используя сухую кисть или мастихин, нанесите краски.

Отличная техника в основном для абстрактной живописи.Честно говоря, я им пользуюсь.

---

Краска с семейством тонов

Это может быть идеей для всей картины: вы выбираете основной, основной тон, затем смешиваете разные тона, например, титановым белым, и рисуете, используя только эту группу цветов.

Очень хорошо работает с цветами — для создания оттенков, глубины, деталей и нежных штрихов. Также будет работать для сценариев:

Эта техника требует много времени на подготовку, время для создания образцов, практики (чтобы точно знать, сколько смешать) и терпения.

---

Техника плоских цветов

Техника плоских цветов означает, что вы создаете ровные, сплошные, непрерывные и полностью однородные по мазку кисти и интенсивности цвета области цвета. Края обычно жесткие.

Идеально подходит для фонов (если соответствует вашей идее) и абстрактного искусства.

Для работы с плоскими красками нужна хорошая кисть, владение техникой кисти, использование непрозрачных и качественных красок.

Не разбавляйте краску слишком сильно для этой техники, и если ваша краска недостаточно непрозрачна, попробуйте смешать ее с более непрозрачными цветами или попробуйте другие методы, чтобы сделать акрил непрозрачным.

Для меня плоские цвета напоминают современное искусство, цифровое искусство и иллюстрации.

---

Техника росписи акриловой краской

Техника Импасто требует тяжелой краски для тела или дополнительных гелевых сред для создания толстых, текстурированных, оригинальных картин, чтобы создать объем. Я в основном использую импасто для абстрактной живописи, но его можно легко использовать для любого другого стиля.

Для работы с импасто вам понадобится густая краска для тела, импасто или гелевая среда или паста для моделирования и мастихин.

Поскольку эта техника предполагает создание текстуры, вам может потребоваться больше открытого времени, чем может предложить обычная акриловая краска. В этом случае используйте замедлители схватывания. Не используйте воду в технике импасто.

 Импасто любили многие известные художники: Ван Гог, Рембрандт ван Рейн, Джексон Поллок и другие. 

Вот простой урок рисования абстрактной импасто:

Вы также можете создать основной слой импасто и затем покрыть его глазурью или покрасить, когда он полностью высохнет.

---

Трафарет

Трафарет предполагает использование трафаретов — их можно купить или вырезать из бумаги или любого другого материала (для повторного использования). Вы также можете использовать ленты для создания необходимых форм.

Вы можете:

• используйте трафарет для окраски области
• используйте разные трафареты в слоях
• используйте трафарет для создания рисунка внутри него

Для трафарета вам не нужна жидкая краска, используйте мягкую краску для тела, кисти, губки или распыление для окраски области.

---

Покраска пальцами

Рисовать пальцами может быть весело не только детям, это самый простой и «дешевый» способ рисования — нужны только пальцы.

• пальцы и ладонь имеют уникальную текстуру и узор
• смешивание очень простое и плавное с помощью пальцев
• пальцы могут создавать точки, линии, комбинируя пальцы, вы можете использовать разные цвета одновременно — разные цвета на каждом пальце и т. Д. и так далее…

Всегда держите при себе полотенца и надевайте фартук, чтобы защитить себя — акрил трудно смыть с одежды.

Звучит креативно, правда? Взгляните на эту картину, созданную только пальцами:

---

Запотевание

Распыление — это мокрая техника, когда вы окрашиваете и затем распыляете окрашенные участки, пока они еще влажные или полусухие, чтобы получить текучую краску или дольше работать с краской.

Используйте старую бутылку с распылителем со смачивающим спреем или водой.

Ребекка Стерн много использует эту технику:

---

Акриловая заливка

Акриловая заливка — новое направление в искусстве.Это довольно простой и предельно бесплатный и творческий процесс. Для начала вам понадобится жидкая краска, флотрол, фен и холст.

Акриловая заливка считается абстрактной живописью. Основной процесс — это заливка жидких акриловых красок на поверхность и перемещение поверхности, чтобы цвета взаимодействовали и создавали динамичный узор. Также можно создать эффект с помощью соломинки или фена.

Попробуйте использовать готовые наборы для заливки акрила, чтобы сэкономить.

Arteza создала простой видеоурок по заливке акрилом:

---

Сруб

Scumbling — это техника создания дымчатых эффектов и мягких цветовых переходов.Основная цель scumbling — выделить нижний слой сломанным верхним слоем. Обычно мы используем для помутнения белый цвет.

• Вам понадобится сухая кисть или ткань.
• Нанесите небольшое количество краски на сухой слой, чтобы обнажить цвет под ним.

Разбавленная краска не подходит для обмывания, старайтесь использовать тяжелый корпус.

Список техник росписи по шелку (с Тиной Хьюз)

Список техник росписи по шелку продолжает расти!

По мере того, как все больше и больше людей начинают рисовать по шелку, они экспериментируют, пробуют традиционные техники, а некоторые даже расширяются и создают свои собственные новые техники — это захватывающий мир, в котором мы живем

1. мокрый по мокрому
2. Мокрая по сушке
3. Antifuse / Antifusant / No-Flow / это как рисование на пергаментной бумаге
4. Батик (горячий воск)
5. Холодный воск
6. Омбре
7. Перекрашивание
8. Resist / Gutta (контур на основе жевательной резинки)
9. Контур на водной основе
10. Сибори
Еще
11. будут добавлены в ближайшее время!

Я с нетерпением жду возможности более подробно рассказать о каждой из этих техник в ближайшие недели, а также посмотреть несколько видеороликов, показывающих, как я использую некоторые из них.Будьте на связи!

Первая техника росписи по шелку, которую я освоил в Париже

Когда я впервые научился рисовать на шелке ( peinture sur soie ), единственной техникой, которой меня учили, была техника сопротивления. Я изучал роспись по шелку в Париже, Франция, и все слова, относящиеся к этому удивительному виду искусства, были французскими. Это означает, что вместо «сопротивляться» слово, которое я выучил, было « gutta », что произносится как «gootah».

Мне очень понравилось учиться рисовать на шелке в маленькой парижской студии ( ателье ), и всем моим художественным навыкам наконец-то нашлось место, которое я могу назвать своим домом.Мне казалось, что я всю жизнь ждал, чтобы найти картину по шелку

Откуда в Париже пришли мои французские шелковые красители?

Учиться говорить по-французски во время обучения рисованию на шелке было потрясающе — походить в маленький магазинчик, где производили красители для шелка, было таким удовольствием! Мсье Седиль был очаровательным человеком, всегда носил мягкое серое пальто (я уверен, чтобы его одежда не запачкалась и не запачкалась), с большими густыми усами и сверкающими дружелюбными глазами. Мне нравилось детально изучать таблицы цветов и изучать новые цвета на французском языке

.

Хотя он закрыл свой бизнес много лет назад, я до сих пор вспоминаю г-на Седиля и свое знакомство с французскими красителями Silk Dyes, закрепленными паром.

Была ли у меня парижская «Фея Подола» для моих шелковых шарфов?

Кстати, о «паровом наборе», который вызывает воспоминания о еще одной восхитительной части работы художника по шелку в Париже (или во всей Франции, если на то пошло, тогда). После того, как изделия из шелка стали стойкими к окраске, мне нужно было сделать небольшой сверток и обернуть его бумагой, прежде чем навестить милую старушку, которая была известной швеей в мире живописи по шелку в Париже.

Эта чудесная женщина (имя которой я, к сожалению, забыл) принимала посылку, пришивала красивые скрученные вручную края шелковых шарфов и прикрепляла этикетку ( l’etiquette ).Все, что мне нужно было сделать, это собрать их через несколько дней.

Те первые дни в Париже, изучение французского языка и все о шелке были для меня удивительным опытом и положили начало потрясающей карьере за последние несколько десятилетий. Каждый день, когда я захожу в свою залитую солнцем студию с дымящейся чашкой кофе, я включаю один из моих французских музыкальных компакт-дисков, практикую 5 минут французского языка на Duolingo и позволяю себе на пару минут стать французами Тиной…

Затем я делаю глубокий вдох, медленно перемещаясь глазами по моей Шелковой студии, наполненной красками и художественными инструментами, где повсюду висят мои расписанные вручную шелковые проекты, обрамленные шелковые картины, заказанные клиентами (и ожидающие получения), и выражаю благодарность к той невероятной жизни, которую я прожил до сих пор, которую я приписываю своей живописи по шелку.

Аааа, жизнь прекрасна!

Жизнь прекрасна!

Краткий обзор того, что я узнал в Париже

В рамках своего обучения я изучил следующее:

• различные типы шелка и то, как красители шелка растекаются по каждому типу шелка
• прикрепление шелка к деревянной раме с помощью кромок Picot (острые как бритва булавки)
  
• понимание использования гутты и бутылочек для отжима, а также важность применения гутты
• как подготовить шелк для паровой машины
• Технические детали пропаривания шелка
• удаление шелка из пароварки
• стирка и уход за шелком после пропаривания.

Как ВЫ начали учиться рисовать на шелке?

Я хотел бы знать!

---

Вам понравился мой «Список техник росписи по шелку»?

Надеюсь!

Дайте мне знать, если у вас есть какие-либо вопросы, напишите мне по электронной почте или зайдите на страницу Facebook — я с нетерпением жду возможности поговорить с вами.

В моем СЛЕДУЮЩЕМ электронном письме будет объявлена ​​ДАТА ЗАПУСКА Словаря по рисованию по шелку, когда он выйдет в прямом эфире в Интернете — уууу!

Удачного вам дня, где бы вы ни были!

Объятий,

Teena xo

---

Еще нет в моем списке рассылки? Нажмите на изображение, чтобы зарегистрироваться, и я могу отправить вам сочные шелковистые лакомые кусочки

… или нажмите здесь, чтобы подписаться >>

---

Импрессионизм: техники живописи импрессионистов — USEUM

Уникальные и самобытные техники живописи импрессионистского движения, которые в то время считались радикальными, вызвали враждебную критику со стороны академиков, которые предвидели мелкие детали и исторические сцены.Импрессионисты произвели революцию в мире искусства из Нормандии, Франция; они рисовали сцены и пейзажи из реального мира, составляя их маленькими и тонкими, но все же видимыми мазками, отрываясь от линий и контуров.

Изобретение фотографии в то время также оказало влияние на техники живописи импрессионистов, поскольку они первыми сочинили свои картины случайными сценами из реальной жизни с участием людей. Более того, быстро применяемые мазки кисти, которые позволяли быстро изобразить окружающую среду и изобразить условия в определенное время суток, создавали световые эффекты, которые обеспечивали очень реалистичное представление окружающей среды.Основная характеристика таких картин — использование контрастных цветов, которые создают впечатление очень реального ощущения «условий» окружающей среды, таких как раннее утро или цвета раннего вечера.

Техника ломаного цвета

Самая известная техника живописи импрессионистов 19 века — это техника «ломаного цвета», когда цвет наносится на холст небольшими короткими мазками, в отличие от обычного метода тщательного смешивания тонов и цветов вместе.В результате получается «лоскутное одеяло», в котором мазки создают визуальный эффект света, падающего на предметы и фигуры.

Техника ломаного цвета была разработана Моне и Ренуаром, которые вместо того, чтобы полностью смешать краски, оставили рядом маленькие мазки разных цветов, предоставив глазу смешивать их вместе. С помощью этой техники импрессионисты создавали объекты кистями смешанных и чистых цветов, которые создавали контрасты, невиданные в классических произведениях искусства того времени, где цвета смешивались вместе, требовалось много навыков, и большая часть работы в студии художника была идеально передать линии и контрасты.Сегодня ломаный цвет продолжает широко использоваться в картинах.

Естественный свет

Другой характерной чертой и практикой импрессионистов является то, что условия освещения в определенное время суток нарисованы очень близко к реальности для каждой сцены или пейзажа. Эта техника дает прекрасное «впечатление» естественного света момента, который изображен на каждом произведении искусства. Смешанные цвета вечера или яркие цвета утренних сцен обеспечивают очень реалистичное представление условий в произведении искусства.

Краска мокрое по мокрому

Рисование объектов слоями влажной краски, не дожидаясь высыхания каждого мазка, — характеристика импрессионизма. Эта техника позволила сделать края более рыхлыми и мягкими, а также внести новшества в смешивание цветов.

Impasto Painting

Техника изображения объектов толстыми и короткими мазками кисти, которые видны и выделяются на поверхности, обеспечивая объем и глубину, известна как Импасто. Художники-импрессионисты широко использовали эту технику, поскольку она заставляет предметы — и предметы тоже — выглядеть так, как будто они не являются частью холста.

Минимальные штрихи смешивания цветов

Этот метод относится к использованию тонких мазков кисти и контрастных цветов с минимально возможным смешиванием таким образом, чтобы он ярко окрашивал каждую форму и пейзаж.

Неопределенная живопись

Другая техника, встречающаяся во многих произведениях импрессионистов, — это «Неопределенная живопись», в которой формы нарисованы «абстрактно», создавая впечатление, а не их мелкие детали, без острых краев или идеально обработанные объекты.

Минимум черный и темные цвета

Импрессионисты избегают использования темных оттенков или вовсе не используют черный цвет на своих полотнах. Вместо этого тени и темные области окрашиваются темными контрастами обычно используемых ярких цветов. До художественного движения импрессионизма художники использовали темные цвета в окружении.

10 навыков и приемов рисования акрилом, используемых художниками

Приготовьтесь к вашим палитрам красок, мы собираемся заняться творчеством с акриловой живописью!
Разработанный совсем недавно, в 1940-х годах, это современная (и удобная) среда живописи.Если вы живете под скалой, позвольте нам познакомить вас с этим феноменальным видом живописи.
Эта новая, быстро сохнущая и менее грязная форма краски глазирует холст, как масло. Художники любят его за простоту использования и за свободу комбинирования различных техник в акриловой живописи, чтобы зародить свой творческий потенциал.
Что ж, вы поверите только тому, что видите собственными глазами. Итак, вот несколько шедевров акриловой живописи, на которые стоит обратить внимание:

• Фонари Эйприл М.Римпо
• Необычные перья от Шер Андерсон
• Утро после метели, Рэй Хассард
• Вечерний снегопад в Англии, Дейл Г. Вольф
• Frozen Ford Fairlane от Фреда Шоллмейера

Хватит! Пора сразу погрузиться в эти удобные техники и навыки рисования акрилом для начинающих и профессионалов:

1. Стипплинг

Принадлежности: средняя плоская щетка

В этой технике акриловой живописи используется краска в небольших количествах, а кончик кисти создает текстуру, помогая делать короткие вертикальные движения.Слегка возьмите кисть и на ходу делайте небольшие мазки.
Цель акриловой техники пунктирного рисования — нанести маленькие точки или штрихи очень близко друг к другу. Соответственно отрегулируйте смелость и близость. Он прекрасно передает теплоту акриловых красок.
Для вдохновения посмотрите «Frühling am Vierwaldstättersee» Вальтера Ропеле.

2. Губка

Принадлежности: губка (предпочтительно целлюлоза)

Обтирание и вытирание — это двоюродные братья, идущие на одну вечеринку.Возьмите губку, окуните ее в цвет и используйте стильно, чтобы создать узор неправильной текстуры. Это будет очень полезно для начинающих, изучающих акриловую живопись, поскольку она менее детализирована и мгновенно дает необычные эффекты. Для вдохновения посетите серию

Theodoros Stamos Infinity Field «Иерусалим».

3. Заливка

Расходные материалы: жидкая акриловая краска, разбавитель (клей и вода), перчатки (по желанию),

Просто приготовьтесь, налейте цвет и брызги, и вечеринка начнется.Используйте этот материал для создания абстрактных акриловых картин. Это так весело и расслабляюще. Если у вас нет представлений о том, как рисовать акрилом , начните с этого.
Заливка может испачкаться, поэтому лучше всего накрыть рабочую поверхность пластиком. Сделайте легко растекающуюся краску с помощью разбавителя. Наносите цвета на холст по одному и направляйте краску по холсту. Добавьте цвет в любом месте и дайте ему высохнуть. Пристегните ремни, чтобы конечный продукт выглядел как эти психоделические картины.
Для вдохновения ознакомьтесь с работами Софи Ти.

4. Брызги

Расходные материалы: Кисть

Брызги-брызги-брызги и вуаля! Ваше абстрактное искусство обслуживается. Эта техника росписи акрилом такая же грязная, как заливка.
Выньте несколько цветов и смешайте их до густой консистенции, чтобы их можно было разбрызгивать. Просто достаньте кисть, окуните ее и разбрызгайте. Вот и все! При рисовании акриловыми красками, наряду с точностью, необходимо экспериментировать.
Для вдохновения посмотрите Конора МакКриди, «Синий и белый всплеск»

.

5. Мойка

Расходные материалы: вода и акриловая краска

В этой технике акриловой живописи используется вода для изменения консистенции краски для создания более тонких и мягких смывок. Это создаст аналогичный эффект, напоминающий акварельную живопись. Просто разбавьте краску водой, и все готово.

6.Сухая чистка

Расходные материалы: полностью сухая щетка

Сухая кисть используется для создания грубой, объемной, нерегулярной текстуры во время рисования. Используйте эту технику, если ваше искусство не требует строгих линий. Сухая кисть, набитая большим количеством краски, оптимальна для создания структуры и слоев. С этим навыком рисования акриловыми красками вы можете легко создавать четкие мазки и со вкусом окрашенные блики.
Для вдохновения отъезд Monique Orsini, Noir D’Ivoire II

7.Мастихин

Принадлежности: Мастихин

Это модно, и вы сразу почувствуете себя искусным художником. Обладая этим навыком рисования акрилом, просто нанесите краску на холст мастихином. Это похоже на глазирование или намазывание сливок или масла на буханке. Новички начинают с одного цвета и по мере освоения используют несколько.
Для вдохновения посмотрите Жан Миотт, Композиция.

8.Детализация

Расходные материалы: Тонкая кисть

Ваша картина также нуждается в детализации. Эти острые края и тонкие линии создают неизгладимое впечатление. Осторожно касайтесь различных аспектов своего рисунка, чтобы выделить элементы, создавая тонкие, мягкие мазки с помощью небольшой кисти для детализации.
Для вдохновения посмотрите Роберта Пола Уоддингтона, «Dr. Мороженое «Old Fashion» Роберта »

9.Вытирания

Расходные материалы: бумажное полотенце или жесткая щетка

Здесь вы используете губку, чтобы буквально «промокнуть» краску на холсте и создать привлекательные цветовые акценты. Этот навык издавна используют художники, чтобы придать своим картинам необходимую фактуру.
Для вдохновения посмотрите Стефана Щесны, «Подводная лодка I»

.

10. Наслоение

Расходные материалы: кисти и краски

Используя эту технику, вы создаете свою картину, добавляя размытые цвета и добавляя детали для построения на ней.
Наслоение добавляет больше измерений и расширяет возможности для плавного смешивания цветов. Пока вы не торопитесь и практикуете эти техники, перейдите вниз и узнайте, как рисование акрилом может стать вашим творческим призванием. Стефан Щесны известен своей впечатляющей многослойностью.

Почему акриловая живопись подходит для начинающих?

Прошли те времена, когда масляными красками и акварелью красили холст. Сейчас в моде акрил.
«Зачем новичку использовать акриловую краску?» — спросите вы? Во-первых, они дают вам свободу из-за своей текстуры и являются более доступными, яркими, насыщенными и безопасными. Кроме того, они сделаны из пластика, что обеспечивает легкую защиту окружающей среды.
Как начинающему художнику, вам лучше всего подойдут акриловые краски, так как они не требуют особого ухода. Но возьмите это у Рени Таучид, автора книги Акриловая живопись: материалы и методы , когда он говорит, что инвестирование в качественные краски всегда является хорошей идеей.В общем, акриловое искусство может стать прекрасным выходом для отражения вашего творчества.
С учетом сказанного, мы не можем просто оставить вас в подвешенном состоянии. Вот несколько полезных советов, которые вам пригодятся, когда вы начнете.

Советы по рисованию акрилом для начинающих

# 1 Выберите правильные кисти

Так как они быстро сохнут, каждый ход нужно планировать и спланировать. Поскольку вы, новички, не Пикассо, действуйте в таком порядке:

• спланируй свою картину
• выберите кисть
• решить ход

# 2 Смешай как ди-джей

Акриловые краски — настоящая находка в художественном сообществе, поскольку они: быстро сохнут и легко растекаются (водорастворимые).По этой причине они могут смешиваться и создавать самые завораживающие оттенки.
Цветовая гамма, которую вы выберете или измените, в конце концов, будет определять ваше произведение.
Вы можете смешать цвет со средой, чтобы поиграть с ее консистенцией, или смешать два цвета (полностью или частично), чтобы получить интересный эффект.

# 3 Слой и лак

Живопись акрилом — это легкая прогулка просто потому, что цветовая формула — это мечта. Он легко смешивается, а его консистенцию можно изменять, чтобы добиться желаемой консистенции.Это идеальный вариант для наложения цвета на цвет.

Трудно не заметить, что живопись — это больше выражение, чем цвета. Художник может быть экспертом в технике и инструментах для рисования акрилом, но по-настоящему квалифицированный художник — это тот, кто выражает свои мысли на холсте. Позвольте художнику внутри вас сиять ярким светом и рождать искусство с новаторскими идеями от единомышленников со всего мира. Наше приложение Kool Stories позволяет вам общаться с другими учениками и опытными профессионалами, чтобы обмениваться идеями, задавать вопросы, учиться, демонстрировать свой талант и зарабатывать.Загрузите Kool Stories сейчас, чтобы открыть для себя новый способ повышения квалификации в Интернете и создания сетей.

Акриловая живопись — это смесь акварели и масляной живописи.Таким образом, конечный результат получается ярким, резким и насыщенным. Более того, смешанные свойства акриловых красок обуславливают их разнообразие использования, что делает их пригодными для использования на разных поверхностях. Это делает акриловую роспись предметом множества техник для достижения желаемого эффекта. Эти методы включают:

1.Штамповка
2. Стирка
3. Сухая чистка
4. брызги
5. заливка
6. мазок
7. Детализация
8.Мастихин
9.Живопись
10. Губка
11. остекление

Акриловые краски водорастворимы, как акварельные краски, и прекрасно работают при использовании с водой.Также вы можете намочить кисть перед нанесением акриловой краски для более гладкого эффекта. В конце концов, способ использования акриловых красок зависит от текстуры, которую вы пытаетесь получить.

Поскольку акриловые краски водорастворимы, вы можете добавить воду в акриловую краску, чтобы отрегулировать ее консистенцию.Однако, чтобы избежать чрезмерного разбавления, вы можете использовать соотношение воды и краски 50 процентов.

Главное правило рисования акрилом — это постоянная практика.Кроме того, есть дополнительные советы, которые помогут улучшить вашу картину акриловыми красками:

1. Научитесь лучше смешивать цвета.
2. Сохраняйте темп, потому что краска быстро сохнет.
3. Сначала поэкспериментируйте с основными цветами.
4. Обратите внимание на детали и методы, используемые профессиональными художниками.
5. Учитесь на каждом произведении искусства и отслеживайте свой прогресс.
6. Усовершенствуйте свою игру на смешивание.

Акриловые краски появились в мире искусства совсем недавно, в 30-е годы прошлого века.Они очень разнообразны, что делает их предпочтительным выбором как для экспертов, так и для новичков. Акриловые краски популярны благодаря следующим характеристикам:

1. Его свойства водорастворимого и пластичного полимера делают его очень разнообразным и гибким в использовании. Причем акриловые краски можно накладывать друг на друга, не нарушая нижние слои.
2. Краска быстро сохнет, что идеально подходит для нанесения последовательных слоев.
3. Краска бывает разных форм и может быть использована в тюбиках, банках, отжимных бутылках и бутылках с чернилами.
4. Краска водорастворима, что позволяет регулировать ее в соответствии с требованиями.
5. Конечный результат будет ярким и ярким, но акриловую краску также можно изменить так, чтобы она выглядела как масляная.

.