День: 10.11.1976

Живопись. Техники и приемы живописи

1. ЖИВОПИСЬ

Техники и приемы
живописи

2. Живопись

— Вид изобразительного искусства,
произведения которого отражают
действительность, оказывают
воздействие на мысли и чувства
зрителей.
Живопись –
искусство цвета!!!

3. Техники и материалы живописи:

4. Техника -совокупность приемов для наилучшего использования красок.

ГУАШЬ – техника живописи на бумаге,
картоне, полотне, шелке, кости
гуашевыми красками.
Плакатная графика, дизайн,
оформительские работы.
АКВАРЕЛЬ
– техника живописи акварельными
красками.
Характерные свойства акварельной
живописи: прозрачность и мягкость
тончайшего красочного слоя.
Восковая живопись
— Техника живописи, в которой связующим
краски веществом является воск.

7. Масляная живопись

— Разновидность живописной техники
основанная на применении растительного
масла в качестве основного связующего
вещества.
Позволяет создавать богатые и тонкие варианты колорита,
иллюзию пространства и объема на плоскости.

8. Пастель

— Техника живописи по
шероховатой
поверхности бумаги,
картона
специальными
карандашами
(пастелью).
Для пастели характерны:
— бархатисто-матовая
поверхность красочного
слоя;
— Звучный и чистый цвет;
— мягкость красок
сохраняющих
первоначальную свежесть.

9. Темпера

— Живопись красками, в
которых связующим
веществом являются
эмульсии (из воды и
яичного желтка; из
разведенного на воде
клея, смешанного с
маслом или масляным
клеем)

10. Приемы живописи

• Лессировка
• Корпусное
письмо
• Импасто
• По-сырому
• Пуантилизм
• Сфумато
• Сухая кисть

11. Лессировка

— тонкие полупрозрачные слои красок,
которые наносятся на просохшие
красочные слои, чтобы изменить
колорит, добиться его усиления или
ослабления.

13. Импасто

— наложение краски густым слоем
для создания фактуры

14. По-сырому

—
живопись по
мокрой бумаге

15. Мазок — След кисти с краской, оставляемый на основе.

Прием работы мазками
зависит:
— от индивидуальной манеры
художника;
— от задачи, которую он
перед собой ставит;
— от особенностей и свойств
материала, в котором он
работает.

19. Пуантилизм

— ( франц.-писать точками ) живопись раздельными
четкими мазками чистыми цветами краски.
Нанесенные таким образом на холст чистые краски
оптически смешиваются в глазах зрителя и образуют
красочное живописное полотно.
Поль Синьяк « Завтрак»
Жорж Сера «Цирк»

21. Сфумато

— (итал. – затуманенный)
прием в живописи,
заключающийся в
смягчении
очертаний
предметов, фигур и
светотеневой
моделировки в
целом,
позволяющий
передать
окутывающий
воздух.
(Леонардо да Винчи)

22.

Сухая кисть• В основе этой техники лежит
использование краски, которая
растирается кистями на бумаге

24. Виды живописи

25. Живопись

Станковая
Монументальная
• Отдельные картины,
• Выполняется
созданные на мольберте
непосредственно на
художника.
стенах зданий и
других сооружений.
• Картины пишутся в
основном на холсте, на
• В прошлом
картоне, бумаге, в
преобладала живопись
прошлом широко
темперными красками
применялись деревянные
по сырой штукатурке
доски, могут
(фреска) Сейчас
использоваться любые
применяют и другие
плоские материалы.
технологии, масляные
краски

26. Живопись

Станковая
• Картины на
холсте или
бумаге
Монументальная
• Настенная живопись
• Мозаика
• Витраж

27. Настенная живопись по штукатурке:

фреска
секко
• Живопись по сырой • Живопись по
штукатурке
твёрдой, высохшей
штукатурке.
• При высыхании
содержащаяся в
• Используются
штукатурке известь
краски, растёртые
образует тонкую
на растительном
прозрачную
клее, яйце или
кальциевую плёнку,
смешанные с
делающую фреску
известью
долговечной.

28. Фреска

Микеланджело «Сотворение»

29. Секко

Леонардо да Винчи «Тайная Вечеря»

30. Мозаика

– картины, составленные из маленьких
цветных кусочков особого стекла (смальты)
или из камней разных цветов и оттенков.

31. Витраж

– картина,
составленная из
кусочков прозрачного
цветного стекла,
которые скреплены
металлическими
перемычками.
Используется для
украшения окон.

32. В отдельные виды живописи выделяют:

Иконопись
– древнерусская
живопись на досках
с изображением
святых.
Миниатюра
– маленькие картинки,
выполненные на
бумаге, металле,
дереве, кости,
фарфоре; роспись на
предметах
(медальоны,
табакерки, часы,
посуда, книжная
миниатюра и т. д.).
Театрально-декорационная
живопись – используется для оформления
сцены в театре.

Художественные приемы в акварельной живописи

Если вы всерьез решили заняться акварельной живописью, то без понимания некоторых приемов нанесения краски, вам не обойтись.

Мазки
Акварельная живопись более текуча, так как в ней используется много воды, поэтому мазки, как таковые, не являются ее основным приемом. Однако при помощи мазков можно добиться большей динамики в работе, а также выработать свой определенный узнаваемый стиль.
При выполнении мазка кисть с пигментом ставится в нужную точку и совершается движение в нужную вам сторону с нужным нажимом, после чего кисть отрывается от бумаги.
Стоит понимать, что максимальный эффект от мазка будет в том случае, если вы работаете с сухой бумагой или со слегка увлажненной, тогда мазки будут выразительнее. Чем суше кисть, тем больше пробелов остается на бумаге. Подобным приемом хорошо выписывать поврежденную поверхность стен (отвалившуюся штукатурку, разрушенную кладку), блики на воде или металлических крышах домов, проблески солнца в листве.
Для мазков можно использовать кисти с разным сечением, все они дают разную структуру и форму мазка.

Акварель К. Куземы

Заливка
Заливка обычно используется в масштабных работах, чтобы закрасить максимально большую площадь бумаги. Заливка делается в «мокрой» технике. Лист бумаги, располагающийся под наклоном, смачивается водой при помощи флейца, на мягкую кисть набирается краска и проводится мазок от начала листа до его конца. Затем на кисть вновь набирается краска (возможно другого цвета) и проводится следующий мазок, частично перекрывающий предыдущий. Это позволяет делать равномерный фон с плавным переходом от цвета к цвету. Обычно заливкой рисуют небо.

Заливка в исполнении В. Калачевой

Растяжка цвета
Растяжка это переход от темного участка к светлому или наоборот. По сути, это та же заливка, техника выполнения у них одинакова, только растяжка делается той краской, которая собирается внизу полосы в виде капли с добавлением в кисточку чистой воды, тем самым разбавляя цвет и сводя его на нет.

Вытягивание
Прием для осветления участков работы. Выполняется до того, как работа высохла. Отжатую чистую кисть прикладывают на место, где нужно осветлить и она вытягивает из бумаги воду и пигмент. Вытягивание используется не только в качестве художественного приема, им также правят неудачные места. Конечно максимально удобно пользоваться им в техниках «по-сырому». Например, на заливке неба «вытянуть» легкие облачка. А вообще, вместо кисти можно воспользоваться салфеткой.

Если краска на работе уже просохла, то используют прием вымывания. Это близко к вытягиванию, но с одним лишь отличием — на нужный участок предварительно наносят воду, которую потом собирают чистой сухой кистью. Это позволяет вымыть частички пигмента с листа. Конечно же вода для вымывания должна быть чистой. И кистью при вымывании и вытягивании мы по бумаге не елозим, а нежно и мягко касаемся, не образуя затертостей.

Отмывка
Отмывка — очень интересный прием, который популярен среди дизайнеров и тех, кто занимается архитектурной иллюстрацией. Суть приема заключается в том, что берется краска одной концентрации и наносится несколькими слоями на рисунок так. В первый слой делается основной цвет, во второй слой обозначают полутона, а в третий слой добавляют детали. Более трех слоев наносить не рекомендуется, потому что рисунок начинает грязнить. И да, всегда нужно дождаться полного высыхания предыдущего слоя, потому что растекание краски и выход за четкий контур в дизайнерской иллюстрации не приветствуется. Прием очень техничный, мастера отмывки могут добиваться настолько натуралистичного рисунка, что его часто принимают за фотографию.
Отмывка выполняется очень мягкими кистями, преимущественно беличьими. Предварительно бумага, натянутая на планшет, смачивается водой, но не до блеска, а до такого состояния, когда при касании рукой она просто прохладная. Кисть с пигментом отмывают об бумагу так, чтобы внизу мазка оставалась капля, которая потом убирается отжатой кистью. Краски на кисточке должно быть ровно столько, чтобы хватило провести сплошную линию от края до края. Если ее будет меньше, то возникнет прерывистая линия, если больше, то капли стекут за контур рисунка.
Отмывка требует точности и аккуратности. Кисть не должна попадать уже в нанесенный слой, потому что своим ворсом она вымывает частички пимента и слой становится с ненужными вкраплениями и полосками. Все исправления делаются по высохшим слоям. Ничего не напоминает? Правильно, лессировку!

Кроме акварели, отмывка выполняется тушью для рисования.

Резерваж
Само по себе это слово уже объясняет назначение этой техники — резервирование белых участков бумаги для  того, чтобы использовать ее вместо белой краски (помним, что белой краски в акварели вообще не существует). Резерваж можно делать путем специальных маскирующих жидкостей, восковых мелков, а также путем физического приема  обводки.

Маскировочная жидкость хороша тем, что позволяет художнику не задумываться над «аккуратностью» и точностью мазка. Она покрывает те места, где должны быть блики или облака или любая другая белая поверхность, и художник может не опасаться, что случайно замажет это место. Кроме того, маскирующей жидкостью можно покрывать уже высохшие слои краски, чтобы сохранить нужный оттенок. В основном она используется для прорисовки тонких деталей.
Вместо маскирующей жидкости можно использовать и восковой мелок. Только разница между ним и жидкостью заключается в том, что мелок удалить невозможно, в то время, как маскирующая жидкость удаляется с работы после ее окончания. Мелок дает неровную линию, высокой четкости, как от жидкости, добиться от него невозможно.
Минусом маскирующей жидкости является то, что наносить ее нужно кистью, которую не жалко, потому что жидкость из нее не вымывается. Также предварительно можно смазать кисть мылом или востользоваться апельсиновой палочкой для маникюра.

Резерваж маскировочной жидкостью (слева) и восковым мелком (справа)

Рисунок из пособия Манухова И. А для студентов вузов, обучающихся по направлению «АРХИТЕКТУРА»

Обводка — это вершина мастерства художника, когда он тщательно обходит кисточкой те места, где должны быть блики или белый цвет.

Цветных вам понедельников, друзья!

Техника Леонардо да Винчи раскрыта. Мона Лиза слой за слоем

По словам Жана Франка, основная сложность этой техники заключается в мельчайших мазках (около четверти миллиметров), не доступных для распознания ни под микроскопом, ни с помощью рентгена. Таким образом, для написания картины да Винчи потребовалось несколько сотен сеансов. Изображение Джоконды состоит приблизительно из 30 слоев жидкой, почти прозрачной масляной краски. Для такой ювелирной работы да Винчи, по-видимому, приходилось одновременно с кистью пользоваться и лупой.
По признанию исследователя, ему удалось достичь лишь уровня ранних работ мастера. Однако уже сейчас его исследования удостоились чести находиться рядом с полотнами великого Леонардо да Винчи. Музей Uffizi во Флоренции разместил рядом с шедеврами мастера 6 таблиц Франка, на которых поэтапно описано, как да Винчи писал глаз Моны Лизы, и две воссозданные им картины Леонардо.

Известно, что композиция «Моны Лизы» построена на «золотых треугольниках». Эти треугольники в свою очередь являются кусками правильного звездчатого пятиугольника. Но исследователи не видят в этом никаких тайных смыслов, они скорее склонны объяснять выразительность Джоконды техникой пространственной перспективы.

Этой техникой да Винчи воспользовался одним из первых, он сделал фон картины неясным, слегка затуманенным, тем самым увеличив акцент на очертаниях переднего плана.

Разгадки Джоконды

Уникальные приемы позволили да Винчи создать настолько живой портрет женщины, что люди, глядя на него,  по-разному воспринимают ее чувства. Грустит она или улыбается? Ученым удалось разгадать эту загадку. Компьютерная программы Urbana-Champaign, созданная учеными из Нидерландов и США, позволила просчитать, что улыбка Моны Лизы на 83% счастливая, на 9% — испытывающая чувство отвращения, на 6% — полная страха и на 2% — злая. Программа проанализировала основные черты лица, изгиб губ и морщинки вокруг глаз, а затем оценила лицо по шести главным группам эмоций.

Если верить биографу Леонардо да Винчи Джорджо Вазари, неудивительно, что у Моны Лизы преобладают положительные эмоции: «Так как Мона Лиза была очень красива, то во время писания портрета он держал людей, которые играли на лире или пели, и тут постоянно были шуты, поддерживавшие в ней веселость и удалявшие меланхолию, которую обычно сообщает живопись выполняемым портретам. У Леонардо же в этом произведении улыбка дана столь приятной, что кажется, будто бы созерцаешь скорее божественное, нежели человеческое существо; самый же портрет почитается произведением необычайным, ибо и сама жизнь не могла бы быть иной».

Менее романтичные специалисты в области живописи утверждают, что объяснение загадочной улыбки банально — у женщины просто сбриты брови. Если брови подрисовать, то пропадет и весь ее неповторимый образ.

Профессор Маргарет Ливингстон из Гарвардского университета утверждает, что Леонардо использовал в своей картине законы человеческой физиологии. Есть два вида зрения: прямое и периферическое. Прямое хорошо воспринимает детали, хуже — тени. Так вот, по мнению ученого, улыбка Моны Лизы видна лишь, если смотреть не на губы, а на другие детали ее лица: «Ускользающий характер улыбки Моны Лизы можно объяснить тем, что она почти вся расположена в низкочастотном диапазоне света и хорошо воспринимается только периферическим зрением».

Кто такая Мона Лиза?

Версий существует масса. Самая правдоподобная из них – моделью для картины была Лиза Жерардини, вторая супруга флорентийского торговца шелком Франческо дель Джиокондо и мать пятерых детей. На момент написания картины (около 1503-1506 г.г.) девушке было по разным сведениям от 24 до 30 лет. Именно из-за фамилии мужа картина теперь известна под двумя названиями.

По второй версии, загадочная девушка вовсе не была ангелоподобной невинной красавицей. Моделью для картины поработала весьма известная в то время куртизанка герцогиня Катерина Сфорцо. На момент написания картины ей исполнилось уже 40 лет. Герцогиня была незаконнорожденной дочерью правителя Милана — легендарного героя итальянского Возрождения герцога Сфорца и скандально прославилась своей распущенностью: с 15 лет она трижды была замужем и родила 11 детей. Умерла герцогиня в 1509 году, спустя шесть лет после начала работы над картиной. Версия эта подкрепляется портретом двадцатипятилетней герцогини удивительно похожей на Мону Лизу.

Часто можно слышать версию о том, что за моделью для своего шедевра Леонардо да Винчи далеко не ходил, а просто написал автопортрет в женской одежде. Эту версию сложно отвергнуть, ведь очевидная схожесть между Джокондой и более поздним автопортретом мастера есть. Более того, это сходство подтвердил компьютерный анализ  основных антропометрических показателей.

Самая скандальная версия затрагивает личную жизнь мастера. Некоторые ученые утверждают, что моделью для картины послужил ученик и помощник да Винчи Джиана Джакомо, который находился рядом с ним в течение 26 лет и, возможно, был его любовником. В пользу этой версии приводят тот факт, что Леонардо оставил эту картину ему в наследство, когда скончался в 1519 году.

Две картины – две модели

Однако сколько не разгадывай ребус мастера, все равно вопросов остается больше, чем ответов. Неопределенность в  названии картины вызвала массу предположений относительно ее подлинности. Существует версия, что картины на самом деле две. Современники неоднократно отмечали, что картина мастером окончена не была. Более того, Рафаэль, побывав в мастерской художника, сделал набросок с еще незавершенной картины. На эскизе оказалась всем известная женщина, по обеим сторонам от которой расположились греческие колонны. Кроме того, по свидетельствам современников, картина была больше и делалась на заказ как раз для мужа Моны Лизы Франческо дель Джиокондо. Автор передал незаконченную картину в руки заказчика, и она хранилась в семейном архиве на протяжении многих веков.

Однако в Лувре выставлено совершенно иное полотно. Оно меньше по размеру (всего 77 на 53 сантиметра) и выглядит вполне законченным без колонн. Так вот по мнению историков, на луврской картине изображена любовница Джулияно Медичи — Констанца Д’Авалос. Именно эту картину художник привез с собой во Францию в 1516 году. Он держал ее в своей комнате в поместье под городом Амбуаз вплоть до самой смерти. Оттуда картина в 1517 г. попала в коллекцию короля Франциска I. Именно эта картина  называется «Мона Лиза».

На настоящей картине «Джоконда» изображена жена продавца шелка Франциско дель Джиокондо и, быть может, тайная любовница Леонардо. По мнению историков, подлинное полотно, полностью отвечающее описанию современников, было случайно куплено известным британским антикваром в 1914 г. на вещевом рынке английского города Бас за несколько гиней и до 1962 года находилось в Лондоне, пока не было куплено синдикатом швейцарских банкиров.

Похищение Джоконды

Скептики утверждают, что уникальную славу Джоконда завоевала не красивыми глазами и загадочной  улыбкой. По их мнению, за неподдельный интерес к шедевру в ответе итальянский живописец Винченсо Перуджиа, который 21 августа 1911 года похитил картину из Лувра. Мотивом такого неразумного поступка оказалась вовсе не страсть к наживе, а патриотическое желание вернуть итальянскую жемчужину на родину.   Картина действительно была найдена в Италии, но спустя лишь два года, в течение которых, портрет находился на первых полосах всех газет и журналов. Джоконду осмотрели и обработали реставраторы и с почестями повесили на место. С тех пор, картина стала объектом культа и поклонения, как шедевр мировой классики.

Загадки Леонардо

Да Винчи оставлял в своих творениях множество загадок и ребусов настолько сложных, что человечество вот уже пять столетий пытается их разгадать. Изобретатель писал левой рукой и невероятно мелкими буковками, справа налево, переворачивая буквы в зеркальном отображении. Он говорил загадками и сыпал метафорическими пророчествами. Леонардо не подписывал своих произведений, но оставлял на них опознавательные знаки — взлетающую птицу. По ней его детища неожиданно обнаруживаются через века. Возможно, мы только думаем, что находим ответы на загадки мастера, а на самом деле бесконечно от них далеки.

Биография художника

Леонардо получил свою фамилию благодаря городку Винчи к западу от Флоренции, где, предположительно родился 15 апреля 1452 года. Он был незаконнорожденным сыном флорентийского нотариуса и крестьянской девушки, но воспитывался в доме и отца, поэтому получил основательное образование в чтении, письме и счете. В возрасте 15 лет он попал в ученики к одному из ведущих мастеров раннего Возрождения Андреа дель Верроккьо, а спустя пять лет вступил в гильдию художников. В 1482 году, будучи уже профессиональным художником, Леонардо переехал в Милан. Там он написал знаменитую фреску «Тайная вечеря» и начал вести свои уникальные записи, в которых он выступает больше в роли архитектора-проектировщика, анатома, гидравлика, изобретателя механизмов, музыканта. Долгие годы, переезжая из города в город, да Винчи был настолько увлечен математикой, что не мог заставить себя взять в руки кисти. Во Флоренции он вступил в соперничество с Микеланджело; кульминацией этого соперничества стало создание огромных батальных композиций, которые два художника написали для палаццо делла Синьория (также палаццо Веккьо). Французы, сначала Людовик XII, а затем Франциск I, восхищались произведениями итальянского Возрождения, особенно Тайной вечерей Леонардо. Поэтому неудивительно, что в 1516 Франциск I, хорошо осведомленный о разнообразных талантах Леонардо, пригласил его ко двору, который тогда располагался в замке Амбуаз в долине Луары. Леонардо умер в Амбуазе 2 мая 1519; его картины к этому времени были рассеяны в основном по частным собраниям, а записки пролежали в разных коллекциях почти в полном забвении еще несколько веков.

Материал подготовлен интернет-редакцией www.rian.ru на основе информации Агентства РИА Новости и других источников

Техника живописи и манера великих художников.

ТЕХНИКА ЖИВОПИСИ — система материалов, инструментов и приемов работы живописца.
Индивидуальные особенности техники называются манерой.
Техническая сторона искусства живописи многообразна и непосредственно зависит от характера пигментов (красящих веществ), основы, грунта, связующих веществ красок и покрывных лаков (если они имеются).
Постепенное внедрение в искусство живописи масляных красок (в течение XV в. ) расширило возможности живописцев и обусловило разнообразие индивидуальных манер.

        В Средневековье особое внимание уделяли надежности, долговечности картины, прочности грунта и красочного слоя. Техническое совершенство — непременное условие заказчика — было делом чести ремесленного цеха, в который живописцы входили вместе с красильщиками тканей, обойщиками, седельщиками, изготовителями воинских знамен.
  «Свежесть старинной живописи, прожившей века и сохранившейся нередко тем лучше, чем она старее, поистине изумительна. Она невольно наводит на мысль, что в старину живописцы располагали материалами особой прочности, отсутствие которых в технике позднейшей живописи и является причиной быстрого увядания ее произведений».
Уставы корпораций были строги, каждый живописец обязывался работать хорошими красками по основе и грунту, которые готовили месяцами, а иногда и годами. Старшины цехов обходили мастерские живописцев и проверяли качество работы. Нарушители платили штрафы.
При заключении договора на выполнение работ специально оговаривали использование тех или иных красок, и живописец не имел права заменять их более дешевыми. Произведение рассчитывалось на века, оно должно было пережить и заказчика, и художника.
Цена произведения определялась исходя из количества изображенных фигур и площади, покрытой тем или иным красителем в зависимости от его стоимости. Именно этими особенностями объясняется методика обучения в мастерской: в течение года подмастерье учился готовить грунт и растирать пигменты, а затем шесть лет осваивал технические премудрости до того, как ему поручат отдельные, наименее ответственные операции.

В результате А. Дюрер мог написать своему заказчику Я. Геллеру в 1509 г.:
«Если вы будете содержать ее (картину) в чистоте, она останется чистой и свежей пятьсот лет».
В других письмах художник напоминает:
«Центральную же часть я подготовлял очень старательно в течение долгого времени; она покрыта двумя добротными красками, по которым я начинаю подмалевывать. И я намерен — таково же, как я понял, и Ваше желание — подмалевать ее четыре, пять или шесть раз для большей чистоты и прочности, а также употреблять лучший ультрамарин, какой я только смогу достать. И ни один человек, кроме меня, не должен положить там ни одного мазка».
Старые мастера работали лессировками, тщательно просушивая каждый слой перед тем, как нанести следующий. Красочные слои просвечивали один сквозь другой, а белый грунт создавал отраженный свет, усиливающий сияние красок. Понятно, что при такой технике, называющейся транспарантной (франц. transparent — «просвечивающий»), особенно важно соблюдать чистоту технологического процесса. Со временем краски не должны тускнеть или терять просвечивающую способность.

ЯН ВАН ЭЙК Гентский алтарьВпервые подобную технику разработал нидерландский живописец Я. фан Эйк, поэтому ее также называют «фламандской манерой».
По белому, тщательно отшлифованному грунту прозрачной коричневой краской, чаще темперой, оттушевывали рисунок, моделируя форму предметов, иногда доводя ее до совершенной законченности. Затем такую «монохромную живопись» для закрепления покрывали слоем прозрачного клея и масляного лака и просушивали.
Сохранились отдельные произведения, работа над которыми приостановилась именно на этой стадии. Они выглядят шедеврами, несмотря на отсутствие цвета.

Ян ван Эйк. Святая Варвара (1437 год)

Такова картина «Святая Варвара» Я. фан Эйка, оттушеванная пером, тончайшими штрихами с легкой заливкой прозрачным синим тоном.  Последующие красочные слои прокладывали по слою высохшего лака, поэтому связующее вещество масляных красок не впитывалось грунтом, что обеспечивало прозрачность и предотвращало пожухание красок. Различными тонами живописец «прокладывал» света́ и тени.

Аналогичной была техника малых голландцев, которые предварительно прописывали света́ холодными тонами, а тени — теплыми, охристо-коричневыми. Эту промежуточную стадию работы называли «мертвыми красками». Затем «мертвые краски» оживляли последним лессировочным тоном, нанося блики, рефлексы, полутона.

Краски подготавливали заранее, смешивать их на картине считалось недопустимым, поскольку это могло привести к нежелательным химическим взаимодействиям и снижению прочности красочного слоя. Работу вели по частям, от одного «куска» к другому.
В этом отношении примечательным документом является дневник итальянского живописца Я. ПОНТОРМО. Жидкие слои масляных красок создавали гладкую поверхность, по которой можно было лессировать почти до бесконечности. Живопись блестела и не требовала покрывных лаков.

                                       Якопо да Понтормо Дама в красном платье с собакой 1537–1540

Итальянские художники, заимствовав у нидерландцев масляные краски, значительно упростили технику живописи. Они стали использовать цветной грунт, быстрые «подмалевки» — арриккьо, вместо долго сохнущих масел в качестве связующих веществ применяли смолы и бальзамы. По серому грунту писали сразу цветными лессировками, в света́х — пастозно, толстым красочным слоем «в повышенном белильном тоне» (т. е. с избытком белил), чтобы затем, в окончательных цветных лессировках, попасть в нужный тон. На светоразделах иногда оставляли просвечивающий тон серого или красноватого грунта.
В картинах художников флорентийской, а затем и римской школ доминировала тональная «лепка» формы градациями черного и белого с последующей «подцветкой» локальными отношениями хроматических тонов.
Такой метод излагает ЛЕОНАРДО ДА ВИНЧИ в «Трактате о живописи», хотя сам он следовал, скорее, фламандской манере, используя белый грунт и делая по нему тщательную моделировку формы красно-коричневой краской. Некоторая чернота его картин объясняется просвечиванием красно-коричневого «арриккьо» сквозь последующие цветные лессировки.

Леонардо да Винчи  Мадонна с младенцем

Выдающийся мастер венецианской школы ДЖОРДЖОНЕ свои ранние картины писал по-фламандски, на белом грунте, как, например, «Юдифь» (ок. 1504 г.; в собрании петербургского Эрмитажа). Картина будто светится изнутри. К сожалению, «промывка», проведенная в 1971 г., затронула верхние, тончайшие лессировочные слои, и ныне живопись выглядит выхолощенной, «смытой».

По свидетельству К. Ридольфи, автора «Жизнеописаний венецианских художников» (1642—1648), Джорджоне для карнации (изображения обнаженного тела), подобно античным живописцам, пользовался всего четырьмя красками: белой, желтой, красной и коричневой.

                                                                                     Джорджоне Юдифь   1504 — 1505
Его преемник ТИЦИАН экспериментировал с разными грунтами: белым, красным, в поздних произведениях писал по серому грунту. Тициан работал по грубому холсту, используя его зернистую фактуру; тени лессировал жидкой черной краской с примесью ультрамарина, в полутонах — пурпуром, а света́ писал пастозно, растирая краску большим пальцем и ладонью руки. Обычно Тициан использовал до 30—40 лессировочных слоев, просушивая их, выставив картину на солнечный свет. По сообщению Ридольфи, этот художник любил повторять:
«Кто хочет сделаться великим живописцем, тот должен знать только три краски: белую, черную, красную — и пользоваться ими со знанием».
Тициан имел в виду, конечно, только карнацию, которую он создавал последовательными лессировками по серому грунту. Остальные детали писал пастозно, используя всю палитру.

                                                         Тициан  Святой Себастьян (ок. 1570 г.)

 Поздняя картина Тициана «Святой Себастьян» (ок. 1570 г.) написана по очень темному грунту с подготовкой гризайлью, полукорпусными (полупрозрачными) тонами, а завершена свободной кистью с чередующимися пастозными и лессировочными приемами. А. Н. Бенуа, тонкий художник и знаток, в связи с этим писал:
«Тициана иногда называют предшественником Рембрандта и в равной степени предтечей импрессионизма XIX века. Чтобы понять этот кажущийся парадокс, достаточно изучить три картины мастера в Эрмитаже, относящиеся к последним годам его жизни. Действительно, здесь живопись в том смысле, как она понималась во всей остальной истории искусства… исчезла и заменена чем-то другим. Вернее, здесь живопись только и стала живописью, чем-то самодовлеющим. Исчезли грани рисунка, исчез деспотизм композиции, исчезли даже краски, их переливы и игра. Один цвет — черный — создает весь красочный эффект на „Св. Себастьяне“… Но это отнюдь не свидетельствует об упадке сил старца Тициана, а скорее, о высшей точке его развития как живописца, как мастера кисти… Здесь чувствуется „старческая мудрость“, какое-то безразличие к суете вещей… Черная краска у „Тициана старца“ не скучная безжизненная темнота „болонцев“, а какой-то первичный элемент, какое-то волшебное творческое средство… Если бы Леонардо мог увидеть такие результаты, то понял бы, что свое sfumato, свою дымку, он искал не на верном пути. Волшебный мрак не ложится здесь, как у Леонардо, методичными тенями, не вырисовывает, не определяет, не граничит, а оставляет видениям всю их трепетность, их жизненную вибрацию. Это „только впечатления“, но впечатления одного из самых озаренных человеческих умов, предстающие перед нами во всей своей непосредственности, без следа мельчайшего педантизма, без тени теоретической рассудочности… Пожалуй, опасно смотреть на такие картины молодым художникам. Слишком легко перенять их внешние черты…»

Еще более свободной является техника гения венецианской живописи ТИНТОРЕТТО. Тинторетто писал по очень темному грунту без гризайльной подготовки, иногда смешивая в пастозных слоях краски прямо на картине.

                                                                Якопо Тинторетто Святой Георгий и дракон, 1565

ВЕРОНЕЗЕ, напротив, работал более традиционно, по светло-серому грунту, использовал подмалевок темперой, лессируя тени и пастозно писал в света́х.                                                                     Паоло Веронезе Красавица Нани (Венецианка)

КАРАВАДЖО писал по-фламандски, по темному грунту, без традиционного «арриккьо» (подмалевка). Грунт просвечивает в его картинах сквозь еле заметные лессировочные тени. Такая манера привела к роковым последствиям: картины многих караваджистов и близких им испанских художников значительно почернели из-за взаимодействия грунта и слабых лессировочных слоев.

                                                                    Караваджо Микеланджело   Лютнист
Великий РУБЕНС чередовал и варьировал обе манеры: фламандскую и итальянскую, которую он усвоил, изучая картины Тициана в Италии и Испании. Рубенс писал по белому, серому и красно-коричневому грунту, лессировками и пастозно, иногда «alla prima» (итал., «сразу, с первого раза»).
Тени Рубенс писал всегда теплыми, золотистыми и прозрачными, не допуская примешивания белил; света́ — плотными мазками разных цветов, но не смешивая краски, а стушевывая границы мазков. Это обеспечивало цветность и яркость живописи. Писал Рубенс в основном по дереву, избегая использовать холст (так же поступал и Рафаэль). Сухие пигменты Рубенс смешивал со скипидаром и только на палитре добавлял связующее вещество (вероятно, смолы и бальзамы по итальянскому рецепту).

                                                                               Питер Пауль Рубенс Дочь Клара, 1618

Удивительна техника живописи РЕМБРАНДТА. Этот необычный художник довел до возможных пределов контраст пастозной живописи в света́х и прозрачных коричневых лессировок по серому грунту в тенях. Про портреты его работы насмешники утверждали, что их «можно приподнимать рукой за носы», такими горами нанесены на них краски. Рембрандт первым в истории живописи стал смешивать краски: он наносил их на холст не одну рядом с другой, а одну поверх другой, частично смешивая прямо на холсте. Пастозно написанные освещенные части формы он также заканчивал прозрачными лессировками. Со временем картины Рембрандта немного потемнели, но в них нет той черноты, которая отличает произведения его современников, использовавших темно-коричневый грунт.

                                                                                   Рембрант  Даная  1636.

Живопись Рембрандта хоть и контрастна, но светла и прозрачна (исключение составляют картины Рембрандта в петербургском Эрмитаже, испорченные почерневшим покрывным лаком). Анализируя технику живописи Рембрандта, французский живописец Э. Фромантен попутно замечает, что есть один закон, «общий для гениев», будь то Джорджоне, Веронезе, Рубенс или Веласкес: идентичность локального тона в освещенной и затененной частях формы. Рембрандт не соблюдал этого правила.
«Тон так же исчезает в свету, как и в тени», — писал Фромантен, в результате, как это ни парадоксально, черно-белое воспроизведение картины Рембрандта точнее выявляет форму, чем ее красочное решение.
Мазок Рембрандта, по замечанию Фромантена, «густой, стесненный, почти неловкий и неуверенный. Поистине он не попадает в цель, ложится поперек, когда следует положить вдоль, кладется плашмя, когда всякий другой положил бы его округленно, он только затемняет форму вместо того, чтобы придать ей определенность».
Эти странности, по объяснению французского живописца, следуют из нового творческого метода, в котором живопись заменяется светописью, тени становятся прозрачными, а свет вибрирует, поглощая цвет, мазок теряет материальность и не передает качества предметов.
Близкую технику использовал испанский живописец ЭЛЬ ГРЕКО. Он писал по белому грунту, нанося коричневую имприматуру, а затем бегло прокладывал света́ белилами в расчете на последующую цветную лессировку.

                                                                                Эль Греко Голова Христа. 1580—1585 г

Развитие техники живописи в XVIII—XIX вв. привело к значительным издержкам: слишком вольное обращение с масляными красками стало причиной почернения, растрескивания красочных слоев, быстрого изменения цвета из-за неправильного смешения пигментов и плохого качества связующих веществ. Утрата секретов старых мастеров и технической культуры привела к гибели многих картин.
Э. ДЕЛАКРУА, великий романтик, отмечал по этому поводу в своем дневнике за 1857 г.:
«Традиция была нарушена Давидом… краски… пережили реформу, но эта реформа была слишком самонадеянна в том смысле, что реформаторы полагали, что краски навсегда останутся смягченными и сведенными к той простоте, которой в природе не существует… Те тона, которые Рубенс получает при помощи чистых и ярких красок… Давид и его школа решили получить, смешивая черную краску с белой, дабы получить синий, или черную с желтой, дабы получить зеленый, или, наконец, красную охру с черной, дабы получить фиолетовый… и, если можно так выразиться, не получается никакой игры тонов. Особенно же, если поместить такую картину рядом с холстом яркой красочности, как у Тициана или Рубенса, она выявляет себя такой, какой она и является в действительности: землистой, мертвенной, лишенной всякой жизни».
В конце XIX — начале XX в. причину упадка искусства живописи стали искать не в самом искусстве, а в его материалах. Попытку усовершенствовать краски предпринял Ж.Ж. Вибер. Художники стали использовать алкидные эмали, синтетические, акриловые красители, силикаты. Однако живопись оттого становилась только примитивнее.

http://shedevrs.ru/osnovi-givopisi/515-tehnika-givopisi.html

09.01.2015

Как техники живописи эпохи Ренессанса могут улучшить дизайн вашего интерфейса

Когда вы видите вдохновение, что именно вы ищете? Технику, цветовую палитру или конкретную форму?

Как дизайнер, я каждый день стараюсь выкроить время на поиск вдохновения. И когда я наблюдаю за тем, что меня вдохновляет, я пытаюсь уловить суть концепции или метода, лежащих в его основе, и думаю о том, как применить это в своем дизайне.

Я считаю, что лучший способ идти в будущее – это смотреть в прошлое, и именно так в эпохе раннего итальянского возрождения я обнаружил отличные приемы применимые к стилю моей иллюстрации и разработки пользовательского интерфейса. Это четыре известных техники живописи, которые характеризуют раннее современное итальянское искусство, так называемые «четыре канонические техники рисования эпохи Возрождения». Их называют сфумато (sfumato), унионе (unione), кьяроскуро (chiaroscuro) и кангьянте (cangiante).

Сфумато

Сфумато – это живописная техника, в которой цвета смешиваются вместе. Это создает изображение, лишенное линий или краев вокруг фигур, создавая мягкий эффект размытия.

Слева: Рождение Венеры (1485) кисти Боттичелли; справа: Мона Лиза (1503) Леонардо да Винчи

Классический пример для понимания этого приема – сравнение двух великих картин Боттичелли и Леонардо да Винчи. Боттичелли не использует сфумато. На изображении присутствуют тонкие контуры, но мы можем ясно видеть черный контур, определяющий подбородок Венеры. Напротив, Леонардо использует сфумато, чтобы создать естественную градацию теней для своей Мона Лизы.

Леонардо был увлеченным наблюдателем природы и хотел воссоздать то, как мы воспринимаем мир. Мы не видим контуров вокруг предметов или людей. Поэтому Леонардо использует технику сфумато, чтобы представить мир так, как его видят наши глаза.

Если говорить о мире цифровых продуктов, то философия, которой мы придерживаемся в отделе дизайна фирмы Chama, заключается в том, что мы не вносим изменений в дизайн, мы улучшаем его. Это означает, что мы не начинаем с нуля, когда хотим создать что-то новое. Мы улучшаем то, что уже существует. Мы начинаем с того, что имеем, и добавляем исследования и знания, чтобы выбрать путь, по которому идти. Именно так я представил концепцию сфумато для улучшения наших иллюстраций и дизайна. Я начал использовать ее на персонаже, который хорошо известен нашим пользователям по имени Chamoso. Он является ключом к общению с потребителями в нашем интерфейсе, и, естественно, мы прежде всего, сосредоточили свое внимание на создании новой версии этого «парня».

Слева: старая версия Chamoso; Справа: новый Chamoso

Обратите внимание, что форма Chamoso одинакова в обеих версиях. Но, как и при сравнении Боттичелли и Да Винчи, я сначала отбросил контуры вокруг объекта. Несмотря на то, что я использовал плоский стиль, я применил оттенки, которые делают форму единой.

Это также относится к элементам интерфейса. Хороший пример – карточка. Очень часто можно увидеть карточку в обычном состоянии с ненужными контурами или тенями. Это не передает никаких сообщений и является дополнительной информацией в области, которая уже содержит много информации.

Используя контрастный фон в качестве элемента разделения карточек, мы опускаем визуальную информацию, чтобы привлечь внимание к актуальной информации.

Мы можем использовать тени и контуры для определения некоторых состояний пользовательского интерфейса.

Унионе

Второй прием называется унионе и очень похож на сфумато. Фактически, это ответ Рафаэля на сфумато Леонардо. Унионе также пытается создать медленную цветовую градацию, но в отличие от сфумато, использует яркие и более насыщенные цвета. Вы можете увидеть это ниже на картине Рафаэля. Как и Леонардо, Рафаэль не использует контуры, но в отличие от Леонардо, Рафаэль использует яркие цвета.

Слева: Мона Лиза (1503) кисти Леонардо да Винчи; справа: Святая Екатерина Александрийская (1508) кисти РафаэляПосмотрите на цвета каждой картины в отдельности и проверьте, насколько цветовая палитра Рафаэля насыщеннее, чем у да Винчи

Я использовал эту концепцию (правда не с такими яркими цветами, как в картинах Рафаэля), чтобы создать более унифицированный дизайн интерфейса, используя немного синей насыщенности в градации цветов. Из-за этой насыщенности изображения становятся более последовательными, и я также воспользовался возможностью, чтобы использовать цвета бренда во всей композиции.

Чтобы сделать это, я взял оттенки серого, которые составляли мою иллюстрацию, и насыщал их синим.

Правая сторона с синей насыщенностью

Я также создал эффект тумана, используя твердые формы. Это очень сложная деталь, которая сразу дала потрясающий результат, но она проявится еще сильнее, когда вы примените эту концепцию ко всей композиции.

Чтобы объяснить наше композиционное мышление, мне сначала нужно объяснить трехслойную концепцию:

Мне действительно нравится использовать эту концепцию, в которой интерфейс представляет собой трехмерную среду. Она основана на концепции повышения Google Material Design. Кроме того, используя 2D-элементы и плоский стиль, вы должны рассматривать интерфейс, как трехмерную среду, таким образом, вы можете определить 3 слоя, один из которых имеет функцию, полезную для других.

Первый слой – фон, и его основной функцией является выделение следующих слоев, как правило, путем использования цветов и форм, которые контрастируют с элементами второго слоя.

Второй слой – проводник к третьему. Обычно именно контент определяет решение, которое будет принимать пользователь.

И последний, третий слой, определяет взаимодействие и изменение или завершение сценария. Обычно это слой действий или слой, который будет подсвечивать информацию для пользователя, чтобы определить действие, которое он предпримет.

3 слоя – это тема для отдельной статьи, но дело в том, что, если вы внимательно посмотрите на окружающие нас интерфейсы, вы сможете легко определить эту концепцию. Это свидетельствует о высоком качестве информационной архитектуры и иерархии элементов. Но этот простой способ идентифицировать их – это то, что беспокоит меня, потому что, даже если слои связаны, у композиции нет единства.

По этой причине я почти не использовал в композиции чистый черный и белый цвета. Поскольку композиция имеет вариацию синего цвета, абсолютный белый выглядит как ледяной цвет из-за дополнительной иллюзии. Поэтому я использую в своей композиции синий, как основной цвет и его оттенки. Белый, черный и оттенки серого смешиваются с небольшим количеством синего, так что слои в моей композиции соединяются и становятся частью целого.

Кьяроскуро

Это одна из моих любимых техник и та, которая удивила меня больше всего, когда я увидел перед собой картину. Кьяроскуро – это техника, в которой художник создает высокий контраст между светом и тьмой.

Ночной дозор (1642) Рембрандт

Картина с использованием техники кьяроскуро имеет глубокие темные тени и яркие блики рядом друг с другом. Кьяроскуро создает драматический эффект, который иногда выглядит так, как будто на фигуру проецируется прожектор, а также делает фигуру более объемной. Эта техника широко использовалась в эпоху Возрождения и Барокко.

Караваджо станет известен благодаря использованию еще более драматического подхода к кьяроскуро, называемого тенебросо. Это тип кьяроскуро, который создает более интенсивный контраст света и тьмы.

Христос у колонны (1607) Караваджо

Очень впечатляет то, что этот режим обладает способностью направлять наш взгляд на информацию. Темный фон – это элемент, привлекающий внимание и создающий контраст для контента, который поможет вам получить доступ к информации.

«На самом деле этот интенсивный контраст является рассказчиком истории, находящейся за пределами полотна».

Может быть, когда вы увидели первую версию персонажа Chamoso, когда я говорил о технике сфумато, вы подумали, что его тело было чистого цвета для чистоты, а не для заметности. Это потому, что я использовал технику кьяроскуро. Это очень важно, потому что я создал глубокий контраст, и он защищает слой (который я назвал информационным) для более четкой передачи информации.

Слой за слоем

Все еще используя концепцию трех слоев, первый слой является фоном. Он должен быть привлекательным, чтобы удерживать внимание пользователя.

Второй слой создает пространство для четкого отображения информации. В дизайне это называется негативным пространством или пробелом, и в этом случае тело персонажа является пробелом. Оно не только определяет границы объектов, но и создает необходимые связи между ними в соответствии с принципами гештальт психологии и создает эффективную визуальную производительность.

Что касается последнего слоя, я смогу объяснить это лучше, рассказав о последней канонической технике рисования.

Кангьянте

Техника кангьянте характеризуется изменением оттенка или цвета, чтобы изобразить тени и блики. Фрески Микеланджело на потолке Сикстинской капеллы являются отличным примером этой техники.

Пророк Даниил — Сикстинская капелла (приблизательно1508–1512) кисти Микеланджело

Посмотрите на одежду пророка Даниила. Вы можете видеть, что заштрихованная часть одежды окрашена в зеленый цвет, но выделенная часть – желтая.

Я использовал оттенки синего во всех иллюстрациях в композиции первого слоя (фон) и второго слоя (контент). Но я использовал другой цвет в третьем слое, потому что это информационный слой. Я подготовил поле для работы над этим последним слоем. Это важно, потому что я могу использовать его во многих ситуациях, чтобы информировать и создавать связь с пользователями.

Вот так появились на свет эти ребята, пожалуйста, поприветствуйте отряд Chamoso:

Я также использовал эту концепцию в интерфейсе. В карточках, которые я показывал вам ранее, ETA (расчетное время прибытия) и статус доставки являются основной информацией, которую пользователь должен знать, чтобы принять решение.

Вот несколько примеров финальной иллюстрации и дизайна интерфейса:

Если вы хотите увидеть больше, проверьте наш Dribble

Как видите, канонические техники эпохи Ренессанса включают не процесс творения, а процесс эволюции. Сфумато – это принцип «больше значит меньше». Унионе касается последовательности и согласованности. Кьяроскуро – негативного пространства. А кангьянте касается эффективного использовании противоположных цветов. Настойчивый поиск этих приёмов в процессе проектирования – это то, что заставит ваш дизайн вызвать у ваших пользователей эмоции.

Так же, как Дитер Рамс был вдохновителем для Джони Айва, великие живописцы прошлого могут вдохновить ваш дизайн. Секрет в том, что, когда вы смотрите на источник вдохновения, придерживаетесь не просто техники, а чистой концепции, лежащей в его основе.

Спасибо за прочтение

ТЕХНИКА ЖИВОПИСИ. РЕМБРАНДТ | World of Art

(1606 — 1669)

Рембрандт среди старых мастеров живописи, равных ему по величине и значению, представляет для современного живописца особый интерес, причем не только своей изумительной техникой живописи, но и своими взглядами на искусство и творчество художника.

Будучи подлинным художником-реалистом, он не разделял распространенного в его время взгляда на то, что каждый из живописцев обязан изучать античное искусство, рисунок итальянских мастеров и т. п., и преклонялся лишь перед натурой, изучение которой только и считал обязательным для художника.
Живописное мастерство Рембрандта настолько опередило его время, что оно не нашло при его жизни надлежащей оценки. Многое из того, что является наиболее заслуживающим внимания в его живописи и что восхищает глаз современного зрителя, не было понято его современниками. Так, виртуозный рембрандтовский пастозный живописный мазок, столь высоко ценимый позднее и в наше время, вызывал у современников Рембрандта лишь недоумение и порождал насмешки и остроты на его счет. О портретах его говорили, что их можно приподымать рукой за нос, такими горами нанесены в них краски.
Возражая своим критикам, Рембрандт ставил им на вид, что он — художник, а не маляр! Вместе с тем он оспаривал правильность их понимания законченности живописного произведения, противопоставляя им свое понимание ее, которое он формулировал таким образом: картину должно считать законченной тогда, когда художник сказал в ней все, что он хотел.
Чтобы не слышать надоедавших ему вопросов о «незаконченности» его картин, Рембрандт перестал позволять близко подходить к ним наивным посетителям своей мастерской, смотревшим с большим любопытством на бравурные мазки его живописи, пугая их тем, что к картинам не следует подходить слишком близко, так как нюхать их краски вредно для здоровья!
Живопись Рембрандта, несмотря на внешнее сходство по своей технике с произведениями позднейшей живописи, в действительности выполнена в своеобразной манере, которая представляет индивидуальную переработку фламандской и итальянской манеры живописи, оказавшую могущественное влияние на живопись последующих школ.
Ученик Рембрандта — Гоогстраатен — дает некоторые сведения о технике живописи своего учителя и в отделе описания красок старых мастеров перечисляет краски, которыми пользовался его учитель.
Рембрандт, будучи голландским художником, подобно прочим мастерам этой школы живописи, в начале своей карьеры писал по белому грунту с проработкой рисунка и форм прозрачной золотисто-коричневой краской. Позже он стал применять серый грунт цвета аспидной доски, формы подготавливал коричневой прозрачной краской очень темно: она сообщает теплоту и глубину его произведениям. По коричневой подготовке Рембрандт сильно импастировал: то «алла прима», то в несколько повышенном тоне, и в этом последнем случае заканчивал живопись лессировками.
Прием живописи Рембрандта весьма отличался от приемов Рубенса и в этом отношении приближается к современному письму, так как тона располагались не по системе Рубенса — один возле другого, а часто наносились один на другой, что совершенно не имело места у предыдущих мастеров.
Благодаря белому и серому грунтам, не имеющим интенсивной темноты и темно-коричневой прозрачной прокладки, которые хотя и сквозят в настоящее время через живопись Рембрандта, затемняя и омрачая ее до известной степени, в ней нет, однако же, тех резких контрастов между светом, полутоном и тенью, которые наблюдаются в настоящее время в произведениях Караваджо, Рибейры и других мастеров, пользовавшихся корпусными темными грунтами, где в тенях исчезли всякие следы живописи, а на место ее стал темный грунт.
В живописи Рембрандта, напротив, нет черноты, а много глубины и воздуха, а также нет и холода, свойственного произведениям Терборха и Метсю, которые по серому грунту не делали коричневой прокладки.
Технику живописи Рембрандта мы видим и у его учеников, у которых ремесленная сторона живописного дела часто более заметна, нежели у их великого учителя. В произведениях Фердинанда Боля и других его учеников, например, особенно выступает серый полутон в живописи тела, полученный с помощью серого грунта, почти не покрытого краской.
Говоря об учениках Рембрандта, нельзя не отметить здесь и того, как их учитель смотрел на свою роль преподавателя. Так, он считал, что каждый обучающийся искусству должен сам и притом практически разрешать те или другие вопросы живописи, так как только то прочно усваивается учеником и убедительно для него, что добыто им самим из личного опыта. Ученикам, осаждавшим его вопросами в мастерской, он говорил: «Бери в руки кисть и начинай!», считая, что ученик в процессе живописной работы должен понять сам то, о чем он в данный момент спрашивает учителя, и притом с большей для себя пользой.
Коллекция произведений Рембрандта в галерее Эрмитажа дает полное представление о технике живописи этого величайшего мастера во всех периодах его творчества. Здесь и тонко написанные произведения и сочно набросанные вещи.
В красках Рембрандта всюду наблюдается та же вязкость, которая видна в живописи Рубенса, что указывает на присутствие в них смолистых веществ.
По свидетельству Гоогстраатена, лак, которым пользовался его учитель, состоял из венецианского терпентина, скипидара и мастики. Весьма возможно, что он пользовался, как то полагают некоторые авторы, и лаком из сандарака и янтаря.
В эрмитажной картине «Притча о работниках в винограднике» хорошо видна коричневая подготовка картины по белому грунту. В парных портретах старушки и старого еврея, исполненных пастозно, в живописи рук, из-под заключительных лессировок, виден подготовительный более светлый тон тела.
Образцом пользования прозрачными красками, чередующимися с корпусной живописью, могут служить картины «Святое семейство» и «Возвращение блудного сына».

Карасев Ю.В., Никонова Е.Р. Изучение техники живописных работ старых мастеров

Карасев Юрий Владимирович¹, Никонова Елена Равильевна^2
1Пензенский государственный университет архитектуры и строительства, Доцент кафедры «Рисунка, живописи и скульптуры», Заслуженный художник Российской Федерации
²Пензенский государственный университет архитектуры и строительства, Старший преподаватель кафедры «Градостроительство»

Karasyov Yury Vladimirovich¹, Nikonova Elena Ravilyevna^2
1Penza state university of architecture and construction, Associate professor «Drawing, painting and sculpture», Honored artist of the Russian Federation
²Penza state university of architecture and construction, Senior teacher of Gradostroitelstvo chair

Библиографическая ссылка на статью:
Карасев Ю.В., Никонова Е.Р. Изучение техники живописных работ старых мастеров // Современные научные исследования и инновации. 2014. № 1 [Электронный ресурс]. URL: https://web.snauka.ru/issues/2014/01/30510 (дата обращения: 05.10.2021).

В рабочих программах курса «Академическая живопись» по направлению «Дизайн» в Пензенском государственном университете архитектуры и строительства предложены к выполнению задания, которые ориентируют будущих дизайнеров на написание копий с полотен великих мастеров. Это делается с целью изучения техники живописного изображения предметов быта, портретов, обнаженной натуры. Отметим, что слово «дизайнер» трактуется как специалист в области художественно-технического моделирования. Дисциплина «Академическая живопись», безусловно, учит художественному ремеслу. У студентов формируют систему знаний о современных и новаторских направлениях в живописи, но, все-таки, в самом название дисциплины заложен «уклон» в академическую школу, а это и есть изучение техники написания реалистичных полотен старыми мастерами.

В разные эпохи различные художники используют различные технические приемы письма для создания своих живописных произведений.

У каждого серьезного художника (дизайнера) имеются свои технические навыки, наработки, секреты, используемые в живописи. Многие применяют цветовые подкладки дополнительного цвета, чтобы положенный на них нужный цвет зазвучал более сложно. Многие интуитивно используют имприматуру (цветная тонировка (подцветка) грунта или первого слоя холста) для создания определенного цветового тона и объединяющие лессировки для обобщения живописного произведения и т.д. Дизайнеры зачастую интуитивно находит свои технические приемы на основе своего творческого опыта, чтобы еще более расширить и обогатить свойства используемых красок для создания картины.

Известно, что большинство художников, особенно в последнее время, в основном пишут в технике “a la prima” вплоть до письма мастихином, что перегружает холст. Иногда они пишут толстым рельефным слоем для создания определенных эффектов. Этими способами можно написать выразительный этюд, а не сложный пейзаж или натюрморт. Но, используя их, невозможно написать сложную фигурную композицию, жанровую картину, портрет. Поэтому в последнее время мы все меньше наблюдаем появление сложных жанровых картин в экспозициях, композиционных портретов.

Если говорить о знаниях, которые должны приобретать дизайнеры в ходе изучения дисциплины «Академическая живопись», то это знания:

• научно-теоретических основ живописи;

• техники и технологии живописи;

• свойств живописных материалов.

  Полновесность и «досказанность» живописного произведения всегда зависит от результата светотеневой и цветовой цельности красочной гаммы. К достижению целого ведет частная проработка светотени и цвета. Это сложный творческий и технический процесс. Решить проблему «достойно» без подготовки, хотя бы без светотеневого «каркаса» или плана, невозможно или чрезвычайно сложно. По этому, если использовать только основную технику корпусного письма (a la prima), это дает эффект минимума живописной выразительности красок. Бессистемность в искании колорита усложняет работу[1]. Практически у художника «работают» только одни чувства, когда он постоянно переписывает кусок за куском в своей работе вплоть до бесконечности, не анализируя, почему это происходит, в конце концов запутывается и перегружает холст, соскабливает мастихином и обратно происходит тоже самое.

  Многие считают сейчас, что техника старых мастеров навсегда отошла в историю, канула в лета, что приветствуются авангардные приемы в живописи, так как появились новые материалы в живописи и, стало быть, должны появиться новые приемы. Возможно, это так, но, не изучив досконально технические приемы старых живописцев, невозможно создать новые, ультрасовременные техники и технологии в живописи.

  Мы многое теряем в работе над картиной, работая больше интуитивно, не зная технических достижений художников прошлых веков. В этом случае интуиция – плохой советчик и помощник. Для того чтобы написать «достойно» сложное произведение, т.е. раскрыть полностью возможности красок, нам необходимо изучить и проанализировать достижения живописи прошлых, веков начиная с братьев Ван Эйк. Из одних источников они являются изобретателями живописи масляными красками, из других – мастерами, усовершенствовавшими ее [1]. Искусствоведы, изучив различные трактаты, написанные художниками прошлых веков, установили, что они работали по системе названной «трехслойным методом», в ней была полностью разработана последовательная система ведения работы над художественным произведением от начала до конца. «Трехслойный метод» начинается с подготовки холста – с имприматуры, то есть белая поверхность холста тонировалась краской, или она вводилась прямо в грунт.

  Художники Голландской школы живописи (малые Голландцы) делали имприматуру умброй натуральной. К примеру, у Теннеса младшего в имприматуре серые тона. Тициан, относящийся к итальянской школе, пользовался иприматурой бронзового цвета, или цвет сразу вводил в грунт холста. Очень хорошо видно имприматуру бронзового цвета в работах Эль Греко, ученика Тициана. Светлый бронзовый цвет имприматуры просматривается в некоторых местах его работы «Снятие одежд с Христа». Его лучистая, большая отражающая способность происходит от покрытия белого грунта лессировкой бронзового цвета. Такое цветное тонирование могло наноситься масляной краской, разбавленной мастичным лаком или тонким слоем темперы, покрытой сверху лаком.

  В русской живописи имприматура наносилась охрой золотистой, охрой красной и красно-коричневой. Художники школы передвижников любили применять «асфальт», это очень приятный просвечивающий желто-коричневый цвет. Однако, как выяснилось позже, это был ошибочный прием. Ведь «асфальт» не высыхает и при более высокой температуре может «поплыть», и само собой это влияет на сохранность красочного слоя. Затем по имприматуре наносили рисунок и продолжали работать одной или двумя красками.
  

  Трехслойный метод

  Метод начинается с работы одним или двумя цветами (коричневым, серым, красно-коричневым). Условно слой называется прописью.
  

1. Пропись.

В нее входит правильное выполнение рисунка кистью. Светотень делается по имприматуре краской (умбра, сиена черная и т.д.). Можно делать пропись не только маслом, но и темперными акриловыми красками, только потом необходимо покрыть лаком [1]. Пропись может быть ослабленной, нормальной и протемненной. В ослабленной прописи темные места пишутся светлее, но позже к ним надо вернуться в лессировке, если необходима глубина.

При темной имприматуре рисунок намечался мелом, а дальше писалось краской, и получалась протемненная пропись.

Пропись может быть монохромной и бихромной. Монохромная пропись у старых мастеров делалась редко.

2. «Подмалевок» или основной слой.

Подмалевок пишется в светлых и холодных тонах, так как в дальнейшей работе последуют лессировки. Они утепляют и утемняют работу. Краски для подмалевка используют различные: умбру, сиену черную и т.д. Можно делать пропись не только маслом, но и темперными красками, только потом нужно покрыть лаком [1].

На светлых грунтах подмалевок пишется пастозно белилами, тени и рефлексы пишутся почти без белил на просвет. Чтобы просвечивала имприматура нужно следить, чтобы корпусное письмо на свету постепенно переходило к тонкому письму в тени. В этом переходе образуется полутень. Подмалевок также можно делать темперой. Выполненный чистыми белилами подмалевок встречается редко, в основном у Эль Греко. Чаще всего он подкрашен охрой, умброй зеленой, киноварью и пишется светлее [1].

В цветной пробеленный подмалевок могут войти также целые цветовые тона, только светлые, то есть желтые, красные, зеленые и т. д., они содержат много белил. На светлом ослабленном подмалевке градации валеров делаются меньше чем необходимо, а на протемненном − больше, чем должно («валеры» − тонкий переход одного цветового тона в другой). Также нужно обратить внимание на то, что, когда работаешь кистью, сквозной мазок будет виден через лессировки. Мазком нужно лепить форму, изменяя толщину краски, к полутонам растирать как бы сквозным слоем на нет, еле касаясь кистью. Для этого требуется определенное мастерство. Сквозной подмалевок характерен для Тициана, Веронезе.

Четко-живописный пастозный слой может обладать всеми особенностями подмалевка, быть сильно пробеленным и требовать сильной лессировки. Но часто полного живописного подмалевка основного слоя достаточно. Когда картина приближается к законченности, лессировке дается ретуширующая роль.

3.Завершающий слой-лессировки.

Проработанный подмалевок для живописного произведения лессируют жидко на просвет красками. Лессировки утемняют и уплотняют основной слой, который мы писали ранее.

Необходимо знать лессировочные краски – краплак, изумрудная зеленая, кобальты, волконскоит, сиены, желтые марсы, желтая ЖХ, индийская желтая. Просвета добиваются, разводя жидко на разбавителе другие краски.

В природе не существует ни абсолютной прозрачности, ни абсолютной непрозрачности [1].

Ярчайшее звучание дают лессировки марсом по желтому кадмию и кобальтом по церелеуму. В зависимости от подмалевка лессировки различаются: тонирующие, моделирующие и ретуширующие.

Тонирующая лессировка должна употребляться в протемненном прописью подмалевке – белильно-просвеченной или белильно-цветной лессировкой, чтобы дать картине цветной наряд, одеть цветом монохромные и мало окрашенные места и если необходимо усилить моделирование формы.

Но если подмалевок положен по ослабленной прописи, и стоит задача усиления лепки, то нельзя ровно лессировать. В этом случае применяется моделирующая лессировка. Она наносится более интенсивно в тенях и тонко на свету.

Ретуширующая лессировка может лечь по полноживописному подмалевку. Ее цель − несколько углубить колорит, немного усилить и ослабить моделировку.

Еще применяются лессировки – втертая полукорпусная и штриховая.
Поэтому, работая в системе мертвых тонов, у старых мастеров каждый миллиметр живописного полотна − носитель не только света, но и оптической структуры.

Немного о работе «малых голландцев» в системе мертвыми тонами. Имприматура делалась умброй натуральной. Этапы работы мертвыми тонами выполнялись костью жженой и белилами. В дальнейшем для обобщения работы все лессировалось сиеной жженой. После высыхания, где нужно лессировали изумрудной зеленью, белилами и т.д. И во всех этих лессировках краски просвечивают, и появляется глубина, оптическое смешение красок, выявляется богатство цвета.

Рассмотрим технику живописи Тициана. Большого живописного мастерства Тициан достиг, работая в системе мертвых тонов. Современники писали, что в своей работе он наносил до девяноста лессировок. По окончании работы Тициан прорабатывал мелкими мазками масляно-лаковой краской по соответствующей темперной подготовке. Благодаря плотности подмалевка, лессировок, нанесенных на него тонким слоем, работа приобретает красочное звучание недостижимое при технике “a la prima”.

В картинах учеников Тициана технические приемы раскрываются еще выразительнее. Картины Эль Греко (ученика Тициана), дают нам много сведений о технике Тициана.

Выше описано как создавалась бронзовая имприматура – оптический фундамент цветного грунта. Рисунок композиции мог быть сделан двумя способами: черной темперой по белому грунту (потом он покрывался прозрачной имприматурой) или, в случае цветного грунта, белым мелом. Далее приготовлялись темперные белила по «венецианскому способу»: замешивали желтком порошок свинцовых белил и полученную массу соединяли с равной долей масляных свинцовых белил (этот состав очень быстро высыхает). Чрезвычайная пастозность и плотность этой краски соответствует тому, что мы наблюдаем в подмалевке Эль Греко. Темперу можно замешивать и на казеине, краска тогда получается еще более плотной, но возникает опасность трещин, если слой этой краски очень толстый. Этими белилами, каждый раз свежеприготовленными, легко прописывались все света, не применялось никакого растворителя или воды – по-сухому. Начиная с самого светлого, работая без растворителей полукорпусно, далее осторожно, легко и тонко прорабатывали форму в полутенях и тенях.

После лессировок возникал эффект оптического просвета для всего произведения, позволяющий везде подыгрывать оттенку «имприматуры». Ибо осторожно нанесенный просвечивающий слой белил на бронзовой имприматуре образует красивую жемчужную массу.

После этого снова начиналась работа белилами в самых ярких светах, причем белила наносились уже пастозно.

На этом этапе шла проработка форм белилами, работали осторожно, не теряя рисунка. В белила добавлялось немного охры, чтобы подмалевок не выглядел очень холодным, или корректировались подготовляемые эффекты, подсвечивая белила холодными или теплыми оттенками.

Особое внимание обращалось на проработку большой формы, а вся картина на этом этапе делалась светлее. Ошибкой являлась проработка только светлых мест, ибо тогда в законченной картине тени бы выглядели мертвыми, бесцветными. Конечно между светом и тенями, при белильной прописи, сохранялась соответствующая тоновая разница.
После этого этапа вся картина легко лессировалась лаком.

На этом этапе работа красками велась немного ярче. Насыщенная лессировка требовала яркого нижнего слоя, но при этом сохранялась правильная градация тонов. Тени, напротив, на каждом этапе прорабатывались одинаково по тону, при проработке постоянно уточнялся рисунок по форме. Таким образом, при работе над картиной света и тени все время разделены, и не терялось из вида целое, что так часто случается в чистой технике “a la prima” .

Далее картина хорошо просыхала, и на всю картину, еще слишком светлую по тону и резкую по цвету, наносилась завершающая лессировка зеленовато-голубого цвета, который работам Эль Греко придает ночной колорит. Неудачные места протирали тряпкой и, где необходимо, лессировали еще. Лессировка частично приглушала яркие и резкие цвета, приводила к единству целого. Она придавала цветам глубину и единство.

Заканчивалась работа в непросохшем слое лессировок в технике аля прима (alaprima).

Иногда тоновые переходы растирались пальцем по методу Тициана.

Следует помнить, никакие полутона в теле и одежде не писались прямо, все они возникали оптически, через просвечивающий подмалевок. Только таким образом достигался оптический эффект.

У многих художников прошлых веков были различные особенности в трехслойном методе, некоторые, как Франц Хальс, пользовались двухслойным методом. Но все они, благодаря этому методу, стали великими художниками.

Вообще по большому счету дизайнеры должны научиться создавать средствами живописи, с использованием различных техник живописные композиции различной степени сложности. Но не только освоение техники и технологии живописи позволит создавать им сложные композиционные полотна, украшающие интерьеры современных зданий. Они должны владеть:

• культурой мышления, способностью обобщения, анализа, восприятия информации, постановки целей и выбора пути ее достижения;

• изобразительными навыками при составлении композиции, при создании плоскостных и объемно-пространственных произведений в монументально-декоративной живописи;

• способность демонстрировать пространственное воображение, развитый художественный вкус и чувство цвета;

• творческим мышлением, способностью создавать образное и декоративное решение на заданную тему.

  На современном этапе развития искусства и технических возможностей современной живописи можно в той или иной степени использовать достижения старых мастеров. Описанный, в этой статье трехслойный метод, разработанный художниками прошлых веков, сделает задание «Копия с полотен старых мастеров» для дизайнеров более насыщенным и эмоциональным, а техническая грамота, которую можно изучить и теоретически и практически, откроет перед будущими творцами новые возможности живописи.

Библиографический список

1. Карасев Ю.В. Использование техники старых мастеров в создании живописного произведения.// Фундаментальные исследования. Научный журнал. №1, 2005, с.93-94.

---

Количество просмотров публикации: Please wait

Все статьи автора «Никонова Елена Равильевна»

15 техник и идей искусственной росписи (базовая / продвинутая)

Мрамор: Богатые цветовые вариации, прожилки и замысловатые узоры натурального мрамора являются источником вдохновения для этой техники. Мраморизация — это процесс наложения тонированной глазури на базовый слой для создания внешнего вида настоящего мрамора. Он может украсить камин, столешницу, рамы для картин и, конечно же, стены. Это действительно требует времени и усилий, но, немного попрактиковавшись, вы сможете добиться эффектов, которым может позавидовать каменщик.

Сначала нанесите на поверхность грунтовку / герметик True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Primer / Sealer с помощью небольшого роликового аппликатора. Держите небольшую кисть под углом для труднодоступных участков и краев, а также для заполнения всех участков, пропущенных валиком. Дайте грунтовке полностью высохнуть.

После выбора желаемого цвета мрамора с помощью небольшого роликового аппликатора нанесите базовый слой этого цвета с помощью краски True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Paint с гладкой или атласной отделкой более светлого оттенка, чем ваш основной цвет.Используйте губку для рисования или сложенную тряпку и немного более темного оттенка вашего базового покрытия, чтобы создать пятнистый узор или пятнистый узор мрамора. Промокните и смажьте поверхность губкой, покрытой краской. Будьте изобретательны в своих мазках; старайтесь не использовать один и тот же рисунок на прилавке. Дайте этой шерсти высохнуть. Добавьте вид прожилок, используя кисти художника разных размеров, чтобы придать мрамору реалистичность. Также используйте краски разных цветов, например белый, серый или черный, чтобы добиться желаемого эффекта.Перемещайте кисть неровными диагональными мазками, создавая формы «Y» или «K», стараясь не сделать их слишком прямыми или слишком однородными. Попробуйте укрепить свои вены, укрепив более светлые вены более темными и наоборот. Дайте им высохнуть.

Нанесите слой глазури с помощью мини-валика. Это придает кристальный блеск, как полированный камень, чтобы завершить внешний вид искусственного камня. Когда глазурь высохнет, нанесите пару слоев полиуретанового лака или герметика, чтобы усилить эффект сияния вашей картины из искусственного камня и защитить ее.Нанесите лак с помощью валика или большой кисти, а маленькой кистью нанесите на труднодоступные места или места, где вам нужны точные мазки. Дайте ему полностью высохнуть.

Искусственный гранит: Гранит сегодня является популярным камнем из-за его изысканного стиля. Практически нет предела цветам и вариациям рисунка гранита, поэтому вы действительно можете выразить себя с помощью техники рисования искусственного гранита. Этот процесс сочетает в себе нанесение губки и нанесение на поверхность глазури для имитации узоров на граните.Он хорошо работает на столешницах, мебели, полах и стенах.

Сначала нанесите на поверхность грунтовку / герметик True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Primer / Sealer с помощью небольшого роликового аппликатора. Держите небольшую кисть под углом для труднодоступных участков и краев, а также для заполнения всех участков, пропущенных валиком. Дайте грунтовке полностью высохнуть.

Выберите желаемый цвет гранита, а затем с помощью небольшого валика-аппликатора покрасьте базовый слой этого цвета с помощью краски True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Paint с гладкой или атласной отделкой в ​​более светлый оттенок, чем ваш основной цвет.

Выберите три цвета акцента, соответствующие основному цвету. Помните, что вы хотите, чтобы цвета были естественными, например цвета, которые часто встречаются в граните, поэтому изучите, как на самом деле выглядит гранит. Налейте небольшое количество первого цвета в поддон для краски, а затем используйте губку для рисования, чтобы нанести пятна одного из этих цветов на базовое покрытие по всей поверхности столешницы. Как и в случае с искусственным мрамором, промокните краску губкой. Дайте краске высохнуть.Повторите этот процесс для второго цвета. Убедитесь, что вы позволили каждому цвету просвечивать. Вылейте третий акцентный цвет в ванночку для краски и добавьте немного воды. На этот раз вы окунете кисть малого или среднего размера в созданную вами краску / водную глазурь, а затем слегка встряхните кисть по столешнице, чтобы забрызгать поверхность крошечными пятнышками краски. Для более точной детализации вы можете провести пальцами (в резиновых перчатках) по концам щетины, чтобы смахнуть краску или распылить ее на крошечные пятнышки по поверхности.Дайте краске высохнуть. Некоторые узоры на граните имеют такие же прожилки, как и мрамор. Если вы хотите получить такой эффект, просто следуйте той же процедуре, что и для мраморизации.

Нанесите слой глазури на столешницу с помощью мини-валика, чтобы придать кристальный блеск, как полированный камень, и завершить образ искусственного камня. Покройте всю поверхность столешницы, как вы это сделали грунтовкой и базовым слоем краски. Дайте этой глазури высохнуть.

Нанесите несколько слоев полиуретанового лака или герметика, чтобы усилить блеск вашей картины из искусственного камня и защитить ее.Нанесите лак с помощью валика или большой кисти, а маленькой кистью нанесите на труднодоступные места или места, где вам нужны точные мазки. Дайте ему полностью высохнуть.

Crackling: Хотите, чтобы такая поверхность, как дверь, стул или стол, выглядела состаренной и обветренной? Техники искусственной росписи кракле могут создать настоящий стиль, привлекающий внимание, и создать центр внимания в комнате. В этом методе используются два цвета краски, средний кракле и лак, чтобы создать желаемый эффект — мгновенный «деревенский» или потрепанный вид выбранной поверхности.

Нанесите базовый слой краски True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Paint с помощью валика. Дайте базовому слою полностью высохнуть. Затем нанесите на поверхность слой кракле среднего с помощью кисти. Дайте покрытию кракле высохнуть в течение времени, рекомендованного производителем.

Используйте валик, чтобы нанести верхний слой краски True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Paint на ровную поверхность. Когда этот слой высохнет, он начнет трескаться, и под ним появится базовое покрытие. Через пару дней нанесите акриловый герметик, чтобы защитить потрескивающуюся краску.

Техника полоски: Вы можете потратить целое состояние на настенные покрытия из настоящей ткани или попробовать технику искусственной росписи, известную как «полосатая» или перетаскивание. Перетаскивание — это всего лишь перетаскивание кистью через цветную глазурь, нанесенную на базовый слой. Это роскошный высококачественный вид, который вы можете освоить в кратчайшие сроки.

Нанесите грунтовку / герметик для внутренних работ True Value EasyCare® Ultra Premium с помощью кисти или валика и дайте ему полностью высохнуть. Вы также можете пропустить грунтовку и сэкономить время, покрасив краской True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Paint.Если вы это сделали, нанесите базовый слой тем же способом, который вы использовали для грунтования. Дайте краске полностью высохнуть.

Чтобы добиться эффекта полос, ваше верхнее покрытие глазури должно быть другого цвета, чем базовое покрытие, чтобы оно контрастировало. Нанесите смесь акриловой глазури и краски поверх верхнего слоя, используя валик или кисть, вертикальными движениями сверху вниз. Делайте небольшие участки стены за раз, чтобы глазурь не высохла преждевременно. Затем слегка проведите большой кистью с длинной щетиной через слой глазури / краски сверху вниз длинными мягкими вертикальными мазками.Вытрите щетку о тряпку, а затем повторите процесс вдоль остальной части стены, каждый раз слегка перекрывая предыдущий участок. Дайте глазурному слою полностью высохнуть.

Diamonds: Ромбовидный узор на акцентной стене или во всей комнате может быть веселым и непринужденным или элегантным. Хотя этот метод требует тщательной подготовки, он может добавить невероятный эффект «вау» в спальню, прихожую, вестибюль или столовую. Чтобы добиться этого эффекта, вы наносите более светлый базовый слой, а затем создаете сетку из ромбов, заполняя их либо контрастным цветом, либо другим покрытием того же цвета, что и основа.

Определите, какого размера вы хотите, чтобы ваши бриллианты или узор выглядели. Измерьте свою стену. Разделите ширину на желаемое количество ромбов. Это определит ширину каждого ромба. Умножьте это число на два, чтобы определить высоту ромба.

Нанесите базовый слой краски для внутренних работ True Value EasyCare® Ultra Premium в самый светлый цвет по вашему выбору. Дать основанию полностью высохнуть. Нарисуйте ромбы на стене с помощью уровня, рулетки и карандаша. Используйте эти линии в качестве ориентира, чтобы наклеить малярную ленту вокруг окрашиваемой области, создавая ромб.

Используйте мини-валик или маленькую кисть, чтобы заполнить замаскированные области. Дайте краске полностью высохнуть, а затем аккуратно удалите малярную ленту.

Полосы: Полосы — классический элемент дизайна, который может добавить интереса в любую комнату. Добавление полос на стены с помощью краски — это техника, которая дает вам свободу создавать оригинальные, персонализированные вертикальные или горизонтальные узоры, которые отражают ваш вкус, и позволяет настраивать цвета в соответствии с вашим декором.

Распланируйте свой дизайн — вы хотите вертикальные или горизонтальные полосы? Вы хотите нарисовать их на акцентной стене или по всей комнате, или что-то еще нестандартное? Выберите цветовую схему.Обычно выбирают два оттенка одного цвета, но не нужно ограничивать себя. Для более яркого эффекта попробуйте контрастные цвета, которые дополняют друг друга. Для более тонкого эффекта полос используйте один и тот же цвет для базового покрытия и полос, но с разной отделкой. Вы можете выглядеть более современно, используя полосы разной ширины.

Нанесите базовый слой краски True Value EasyCare® Ultra Premium Interior Paint с помощью валика или кисти более светлого из двух цветов по вашему выбору.Перед нанесением полосок дайте поверхности полностью высохнуть.

Для создания вертикальных полос используйте линейку, мерку или сантиметровую ленту и карандаш, чтобы измерить и отметить ровные интервалы вдоль верхнего края стены. Проделайте то же самое вдоль нижней части стены, отметив те же размеры, что и наверху. Продолжайте по всей длине стены. Используйте малярный скотч, чтобы замаскировать вертикальные линии, начиная от верхних отметок до нижних отметок. Они сформируют внешние края каждой из ваших вертикальных полос.

Горизонтальные полосы сделаны аналогичным образом. Измеряя меркой и уровнем, отметьте место, где вы хотите, чтобы самая верхняя полоса проходила от потолка. Проведите карандашом линию вдоль вершины мерки. Продолжайте создавать эту линию таким же образом по всей длине стены. Используя ту же технику, создайте остальную часть вашего узора с горизонтальными полосками такой же ширины, какой вы хотите, чтобы они были.

Наклейте малярную ленту на линии, которые вы нарисовали карандашом на «внешней стороне» линий.Продолжайте процесс, пока не замаскируете все полосы. Так вы не закрасите линии и не испортите базовое покрытие. Используя кисть небольшого или среднего размера, аккуратно нанесите второй цвет или покрытие, стараясь не выходить за рамки линий, нанесенных лентой. Дайте краске полностью высохнуть, прежде чем снимать малярную ленту. Осторожно оттяните ленту от стены, двигая ее вниз под углом.

11 Простые и эффективные методы и уроки рисования акриловыми красками

Фотографии из Africa Studio / Shutterstock
Этот пост может содержать партнерские ссылки.Если вы совершите покупку, My Modern Met может получать партнерскую комиссию. Пожалуйста, прочтите наше раскрытие для получения дополнительной информации.

Если вы новичок в использовании акрила или уже какое-то время рисуете им, всегда есть новые техники, которым нужно научиться. Расширяя свои знания в области техники рисования акрилом, можно работать творчески с беспрецедентной свободой. Так что не бойтесь экспериментировать и пробовать новые способы работы с краской.

По мере того, как вы научитесь рисовать акриловыми красками, вы постепенно будете наращивать свой репертуар приемов для создания любого изображения, которое пожелаете.А начав работать с некоторыми техниками великих художников старых мастеров, вы сможете создавать еще больше живописных работ. В помощь вам новички найдут на YouTube множество руководств по рисованию, которые дадут отличное понимание и советы по работе с акриловыми красками.

Чтобы помочь вам встать на путь, мы изучили 11 наиболее распространенных техник рисования акриловыми красками, а также краткие уроки, которые направят вас на путь к творческой свободе. Мы также рассмотрим некоторые акриловые среды, которые помогут вывести ваши пигменты на новый уровень, изменив время их высыхания, текстуру и консистенцию.

Нужна дополнительная информация о том, какой акрил подойдет вам? Ознакомьтесь с нашим руководством по выбору лучших акриловых красок.

Стоковые фотографии от Syda Productions / Shutterstock

Научитесь рисовать акриловыми красками, освоив эти простые техники рисования.

Сухая щетка

Отличная техника для добавления объема и текстуры к картинам, drybrush может быть особенно полезна в пейзажной живописи для создания травинок или пушистых облаков.Это также отличная техника для добавления бликов и объема подмалью. Просто загрузите кисть краской и для начала протестируйте ее на другой поверхности, чтобы убедиться, что у вас есть необходимое количество краски для создания мелких неровных линий.

Мойка

Техника акриловой краски wash позволит вам создавать прозрачные слои цветов для создания акварельного эффекта. Готовый результат закрепится навсегда, и вы должны быть осторожны с тем, сколько воды вы добавляете — хорошее практическое правило — не более 30% воды для сохранения ярких цветов и связывающих свойств краски.Использование среды, способствующей растеканию, позволит вам достичь консистенции стирки без ущерба для пигмента.

Стипплинг

Большинство людей думают о Жорже Сёра и пуантилизме, когда упоминается штриховкой . Этот простой и универсальный метод наносится жесткими кистями, которые позволяют наносить небольшие точки краски по всей поверхности. Наслаивая разные цвета, можно создавать тонкие сочетания цветов, которые создают объем и текстуру в любой картине.

Заливка

Акриловая заливка — это увлекательный и творческий способ создания абстрактного искусства. Психоделические картины, создаваемые заливкой акрилом, можно улучшить, добавив различные средства для заливки. Вы захотите использовать жидкий акрил и подготовиться к грязному, но веселому опыту, который каждый раз приводит к разному конечному результату!

Брызги

Направьте своего внутреннего Джексона Поллака и попробуйте технику разбрызгивания для создания абстрактных шедевров.Использование жидких акриловых красок и их разбавление водой или текучей средой очень поможет процессу. Вы можете капнуть сверху или щелкнуть мокрой кистью, чтобы получить брызги краски. Не забудьте дать цветам высохнуть между брызгами, чтобы получить чистые, яркие оттенки.

Далее: Узнайте больше о том, как рисовать акриловыми красками.

7 инновационных методов рисования, для которых не требуется кисть

Фото: Unsplash

На протяжении всей истории многие художники-новаторы находили инновационные способы создания картин, часто отказываясь от традиционного метода рисования кистью на холсте.Одним из первых был мексиканский художник-монументалист Дэвид Альфаро Сикейрос, который публично избегал кисти, называя ее «орудием из волос и дерева в век стали». Желая еще больше расширить границы техники рисования, художник основал радикальную Экспериментальную мастерскую в Нью-Йорке в 1936 году. Здесь собрались некоторые из самых знаменитых имен в истории искусства, чтобы налить, соскоблить и разбрызгать пигменты по холсту.

От новаторских стилей рисования абстрактных экспрессионистов до современных художников, расширяющих границы, — экспериментирование является ключом к созданию великих произведений искусства.Если вы хотите запачкать руки рисованием пальцами или познакомиться с новыми инструментами и стилями, вот 7 творческих техник рисования, для которых не нужна кисть.

Брызги и капли

Джексон Поллок, пожалуй, самый известный художник, разбрасывающий пигменты на холсты путем случайных движений. Его культовая техника заключалась в том, чтобы положить холсты на пол, а затем разбрызгивать, капать и разбрызгивать на них промышленную краску с помощью палок, кухонных инструментов и даже голых рук.Отвергая традиционные методы живописи, экстрактные экспрессионистские работы Поллока, как считается, визуализируют энергетическую сущность самой жизни.

Однако задолго до того, как Поллок продемонстрировал свои взрывные композиции в середине 1940-х годов, японские дзен-буддийские художники в 15 веке экспериментировали с брызгами чернил. И сегодня многие художники продолжают экспериментировать с версиями этой техники, демонстрируя картины произвольной формы как вневременной стиль.

Узнайте, как современная художница по капельнице Эми Шеклтон использует силу гравитации.

Вытягивание и очистка

Фото: Кадр из «Живописи Герхарда Рихтера» (2011)

Техника вытягивания и соскабливания в основном ассоциируется с голландским абстрактным экспрессионистом Виллемом де Кунингом, который вытягивал краску мастихином, и современным немецким художником Герхардом Рихтером, который часто использовал ракель. Подобно разбрызгиванию и капанию, идея состоит в том, чтобы позволить среде определять результат работы.«С кистью у вас есть контроль», — однажды объяснил Рихтер. «Краска ложится на кисть, и вы оставляете отметку… С ракелем вы теряете контроль».

Для документального фильма Коринны Белц « Gerhard Richter Painting » (2011) режиссер провел три года в студии Рихтера, запечатлевая художника, растягивающего краску на своих больших холстах. Рихтер тащит, царапает и размазывает слои влажной краски, оставляя следы своих движений по поверхности.

Понаблюдайте за работой мастера.

Заливка

Фото: Кадр из «Живописи Холтона Роуэра»

Как следует из названия, техника заливки включает в себя проливание краски разных цветов непосредственно на холст друг на друга для получения неожиданных, завихренных узоров. Происхождение экспериментального процесса началось с мексиканского абстрактного экспрессиониста и основателя экспериментальной мастерской Дэвида Альфаро Сикейроса в 1930-х годах. Называя свои работы «случайными картинами», художник влюбился в процесс заливки жидкими пигментами деревянных панелей и наблюдения за тем, как цвета растекаются и размываются друг в друге.

Работа

Сикейроса вдохновила таких художников, как Моррис Луи, Хелен Франкенталер, а позже и современных художников, таких как Холтон Роуэр, который использует эту технику для создания плавных абстрактных картин и композиций, восхваляющих чистый цвет.

Посмотрите, как художник Холтон Роуэр создает свои уникальные плавные картины.

Рисование пальцем

Рисование пальцами предназначено не только для детей — современный художник-импрессионист Айрис Скотт показывает, что эта классическая форма медитативной «игры» действительно может дать невероятные результаты.Используя свою руку вместо кисти, Скотт создает яркие, крупномасштабные портреты животных и многое другое, полные потрясающих деталей и текстуры.

Хотя подход художника кажется свободным, каждое полотно всегда тщательно продумано. «Зарисовки и фотография очень важны, — говорит Скотт. «Иногда вдохновением служит фотография, а иногда я просто начинаю делать наброски и разрабатывать композицию».

Посмотрите на Айрис Скотт в действии.

Эбру Живопись

Пример техники Эбру Джи-Элле.(Фото: Wikimedia Commons [CC BY-SA 3.0])

Особенно популярные в Турции и Центральной Азии картины Эбру (также известные как бумажная мраморность) создаются с использованием красителей, раствора на водной основе и уникального набора инструментов. Цветные красители добавляются на жидкую поверхность до того, как художник использует заостренный инструмент, называемый шилом или гребнем, чтобы манипулировать жидкими оттенками, создавая закрученные узоры и узоры. Затем сверху аккуратно кладется лист бумаги для переноса изображения.

Средневековые путешественники привезли технику Эбру из Турции в Европу, а позже она стала ассоциироваться с искусством переплетного дела — сегодня вы можете даже найти старые мраморные обложки для книг в старых книжных магазинах и на блошиных рынках.Хотя эбру — древняя техника, многие современные художники продолжают создавать завораживающие узоры, используя тот же подход.

Узнайте, как можно рисовать на воде.

Аэрография

Аэрограф

был первоначально разработан в 1800-х годах для использования в качестве инструмента для ретуши фотографий, но сегодня многие художники выбирают технику тонкой окраски распылением, чтобы добиться плавных, фотореалистичных градаций.Такие художники, как Чак Клоуз, используют промышленный инструмент для создания картин, которые совсем не похожи на картины. Чтобы добиться фотографической отделки в своей работе Mark (1978-9), он распылял светлые слои четырех основных цветов, используемых в цифровой печати: голубого, пурпурного, желтого и черного (CYMK), в результате чего получались невероятно гиперреалистичные портреты. . В интервью Artforum в 1970 году он сказал: «Чтобы избежать живописного мазка кисти и поверхности, я использую довольно хитрые средства, такие как бритвенные лезвия, электродрели и аэрографы.”

Сегодня многие современные художники используют аэрограф для создания столь же гиперреалистичных творений.

Художник Рафа Фонсека использует аэрограф для своего портрета вымышленного персонажа Харли Куинн.

Цифровая живопись

С развитием цифровых технологий и быстрым совершенствованием компьютерного программного обеспечения художники теперь могут отказаться от традиционного холста в пользу экрана компьютера.Доступны различные учебные ресурсы и цифровые инструменты, которые позволяют технически подкованным творческим людям создавать живописные эффекты с помощью настраиваемых кистей и виртуальных палитр.

Хотя цифровая живопись не для всех, даже традиционные художники переняли новую среду. Известный британский художник Дэвид Хокни, например, недавно создал серию ярких пейзажей, «нарисованных» на улице или на пленэре с помощью iPad, стилуса и приложения «Кисти». «Люди из деревни подходят ко мне и дразнят меня:« Мы слышали, что вы начали рисовать на своем телефоне », — написал Хокни в каталоге Музея де Янга.«И я говорю им:« Ну, на самом деле нет, просто иногда я говорю в своем блокноте ».

Узнайте несколько основных советов о том, как создать свою собственную цифровую картину.

Бонус: бокс

Статьи по теме:

Потрясающие картины Холтона Роуэра

9 художников-абстракционистов, изменивших наш взгляд на живопись

На персональном шоу Ирис Скотт представлены новые картины на пальцах «Космический пэчворк»

Невероятный портрет живописи Чака Клоуса

Эволюция гиперреализма: от религиозных картин к имитации реальности

12 удивительных техник росписи стен, которые могут украсить ваши стены

Вообразите любую комнату в своем доме, и мы гарантируем, что стены не повлияли на ваше воображение.Что ж, реальность такова, что мы проводим большую часть нашего времени, беспокоясь о вещах, которые между ними. Да, мы так заняты мебелью, тканями и аксессуарами, что большинство из нас забывает, насколько впечатляющими могут быть наши стены. И да, когда дело касается стен, дело просто не в цвете. Покраска стен — это гораздо больше, чем просто выбор цвета краски. Несколько интересных техник декоративной росписи стен в сочетании с вашими любимыми цветовыми сочетаниями могут сделать стены вашего дома визуально более интересными и привлекательными.

Прочтите: Руководство по выбору правильных цветов краски для стен!

Сегодня мы собрали коллекцию удивительных техник росписи стен, которые сделают ваши стены элегантными. Итак, ищете ли вы быстрого обновления или полного ремонта, это руководство даст вам много вдохновения, чтобы добавить стиля унылым стенам в кратчайшие сроки.

Добавьте стиля своей стене с помощью этих удивительных техник настенной росписи

Пустая стена подобна новому художественному холсту; ведро с краской и немного воображения могут творить с ним чудеса.

Benoni 1. Strié

Strié — это французское выражение «штрихи». Это одна из самых потрясающих техник росписи стен, которая создает вид, напоминающий льняной материал. Да, техника Стри создает с помощью красок горизонтальные или вертикальные линии, которые добавляют вашему пространству потрясающую теплоту и удивительную текстуру. Лучшее в этом стиле — то, что он разумно сочетается с любым стилем.

Источник

купить стромектол человеческий 2.Лента

Знаете ли вы? Малярная лента — отличный инструмент для создания удивительных стилей рисования. Да, помимо простого покрытия областей, которые вы не хотите раскрашивать, его можно использовать для создания стиля рисования «с лентой» и создания удивительных узоров, таких как шевроны, полосы и переплетенные квадраты.

Источник

http://siftstar.com/2005/03/21/conditions-of-success/ 3. Color Wash

Это прекрасная техника рисования, которая добавляет текстуру и глубину жилому пространству.Цветная размывка добавляет мягкий и теплый вид за счет наслоения двух разнородных цветов. Помимо эстетического фактора, эта техника очень проста и удобна в применении, а также удобна в использовании по сравнению с другими стилями рисования.

Источник

4. Губка

Губка — это техника рисования, которая открывает широкие двери для творчества. Проще говоря, эта техника включает в себя использование губчатого валика для рисования или простой губки для добавления динамических текстур и визуального эффекта к однотонной стене.Эта техника очень проста в исполнении и не требует особых навыков рисования или опыта, более того, этот стиль рисования быстро, легко и сложно испортить.

Источник

5. Прокат тряпки

Картина на тряпках создает эффект мягкой текстуры, создавая визуальный интерес в любой комнате, где она нанесена. Эта техника рисования включает перекатывание тряпки вверх и вниз по мокрым крашенным стенам, чтобы добавить неповторимую глубину и текстуру.Такой стиль рисования очень часто встречается в небольших комнатах, таких как ванные комнаты, где мягкие текстуры могут помочь скрыть размеры комнаты и сделать ее немного менее тесной и просторной.

Источник

6. Ombre

Стена в стиле «омбре» начинается с одного цвета краски, который медленно перетекает в другой. Это создает совершенно фантастический акварельный результат, поскольку он охватывает диапазон между двумя цветами.Проще говоря, Ombre создает эффект выцветания, обычно темного или насыщенного оттенка, постепенно исчезает из стороны в сторону или сверху вниз по стене. Этот интересный эффект требует всего 2 основных оттенков краски: ваш основной / исходный цвет + белый.

Источник

7. Металлические блоки

Чтобы создать эффектный эффект, добавьте металлику в свое пространство. Прелесть этого стиля рисования в том, что вы можете применить его разными способами.Вы можете окрасить всю стену в металлический оттенок и сделать ее стильной, для более многослойного вида добавьте металлические блоки. Металлик удивителен, поскольку он с меньшими усилиями придает стенам великолепный блеск и сияние.

Источник

8. Настенный трафарет

Wall Stenciling — прекрасная альтернатива дорогим дизайнерским обоям. Это один из самых простых и простых способов без особых затрат добавить в пространство нотку изысканности и интриги.Трафареты для стен — отличная экономичная замена обоям или виниловым наклейкам. Проще говоря, это быстрый, простой и недорогой способ украсить стены вашего дома краской.

Источник

9. Чередование

Stripes — это нестареющий элемент декора, который всегда выглядит свежо, а их элегантность и классичность никогда не позволяют ему выйти из моды. Полосы — отличный декоративный прием, который добавляет пространству забавный элемент.В дополнение к этому, есть много разных способов добавить полосы. Горизонтальные или вертикальные, тонкие или толстые, светлые или жирные контрастные полосы — это лишь некоторые из них.

Источник

10. Арлекин

Классический арлекин — лучший вариант для создания изысканной, яркой и современной атмосферы. Этот узор стены мгновенно добавляет жизни и движения любому дизайну комнаты и отлично подходит для кухни и спальни.Основная идея, чтобы правильно использовать эту технику, заключается в выборе правильных цветов, выборе цветов с тонкими контрастами или выборе более высоких контрастов в ярких оттенках.

Источник

11. Шахматная доска

Этот стиль рисования добавляет индивидуальности пустой стене с квадратами. Покраска стен в виде шахматной доски добавит жизни и стиля пространству, а также избавит от необходимости добавлять декор.В дополнение к этому есть несколько способов сделать это: раскрасить шашки в похожие нейтральные цвета или создать стильный всплеск, выбрав смелые контрасты.

Источник

12. Горошек

Горошек — это потрясающий стиль декоративной росписи ваших стен. Горошек — фаворит на все времена, и его безумие никогда не утихает. Когда дело доходит до добавления их к вашим стенам, их очень легко наносить, и они мгновенно заполняют любое пространство, к которому добавлены.Итак, если вы хотите сделать комнату более игривой и смелой, вам обязательно стоит попробовать горошек.

Последние мысли

Техника росписи стен может добавить к стенам дополнительную текстуру, размер и стиль, а также превратить обычную внутреннюю одноцветную стену в красивую историю. Теперь, когда все зависит от вас, убедитесь, что вы внимательно следуете этим советам по технике рисования, а затем решите, какая отделка лучше всего подходит для вашего проекта или комнаты.

Кураторство редактора Wienerberger India

Нравится эта история? Или есть чем поделиться? Напишите нам: [email protected] или свяжитесь с нами в Facebook и Twitter.

20 техник рисования для детей, которые нужно попробовать

Почему мы должны тратить время на рисование с детьми? Рисование — прекрасный способ обучения для детей.Это позволяет детям исследовать творческий процесс и самовыражаться. Есть так много уникальных сред, которые стоит открыть, и сейчас идеальное время, чтобы исследовать их со своими детьми. Вот 20 техник рисования, которые необходимо попробовать для детей , подключенных за последние недели Kids Weekly Kids Co-op.

1. Живопись посудой ~ Весна Искусство: Картина тюльпана
2. Покраска пенополистиролом ~ Печать на пенополистироле
3. Картина с какао ~ Мой «шоколад» Имя
4. Картина клеем и солью ~ Акварельная радуга
5. Рисование клеем ~ Монстры на клей
6. Живопись на вощеной бумаге ~ Витражи на стекле
7. Картина с игрушечными шариками ~ Картина с колючим шариком
8. Покраска на ленту ~ Покраска из ленточного резиста
9. Рисование пищевой краской ~ Картина на бумажном полотенце
10. Рисование с едой ~ Печать картофеля
11. Картина в бутылке ~ Смешивание цветов без беспорядка
12. Картина с Bingo Dobbers ~ We Heart Earth
13. Картина акварелью ~ Цветочная поделка из бумажной тарелки
14. Картина на папиросной бумаге ~ Квадратный коллаж
15. Живопись светом ~ Следы свечения
16. Рисование на консервной банке ~ Кашпо для клубники своими руками
17. Картина в сумке ~ Картина на сенсорной сумке с надувным шариком
18. Картина в стиле Густава Климта ~ Mr.Деревья Климта — Детский сад
19. Живопись на уникальной поверхности ~ С Днем Рождения Венди Андерсон Гальперин
20. Рисование солью и светом ~ Соль и формочки для лепки

Если вы были представлены на этой неделе, не стесняйтесь использовать кнопку Housing A Forest.

Приходите каждый четверг, чтобы узнать, были ли представлены ваши творческие идеи, и поделиться новыми идеями! (я буду использовать одно изображение и ссылку на ваш блог.)

Если вы не хотите пропустить ни одного развлечения, которое мы проводим в Housing A Forest , обязательно подпишитесь на нас в Pinterest, Facebook, Google + и Twitter.

Опубликовано в Без категории, Еженедельный детский кооператив каждый четверг и помечено как Kids Co-op, Painting.

19 способов улучшить свои навыки

Используйте эти техники рисования акрилом, чтобы улучшить свое искусство и сделать акриловые картины более привлекательными.

Для многих из этих техник вам понадобится только краска и кисти.Но для некоторых из более сложных техник вам могут потребоваться дополнительные средства и немного другие инструменты, такие как более мягкие кисти.

Узнайте, как сделать акриловые картины более профессиональными и добиться определенных эффектов с помощью этих техник.

Disclaimer: Fine Art Tutorials — это сайт, поддерживаемый читателями. Когда вы совершаете покупки по ссылкам на этом сайте, мы можем получать небольшую комиссию без каких-либо дополнительных затрат для вас.

Техника рисования акрилом

Для каждой техники я расскажу, какие материалы вам понадобятся, и расскажу, как опробовать эту технику самостоятельно.

Создание текстуры в технике рисования акрилом импасто

Impasto — невероятно забавная техника, которую художники используют для создания ярких работ с глубиной и фактурой.

Какие принадлежности нужны для техники импасто акриловой краской?

Для создания текстуры с помощью акриловой краски не потребуется слишком много дополнительных материалов. Все, что вам действительно нужно, это тяжелая краска для тела и жесткие кисти. Добавлять воду в краску не нужно.

Краска Golden’s Heavy Body отличается высоким качеством, сильно пигментирована, имеет плотную текстуру и сохраняет мазки кисти на холсте.

Выбирая кисть для техники импасто, выбирайте жесткую, но упругую. Эти кисти Princeton Catalyst имитируют жесткие свойства свиной шерсти, позволяя легко перемещать густую краску.

Чтобы добавить к основной массе краски или сделать ее более толстой и трехмерной на вид, взгляните на Liquitex Modeling Paste . Наносите густую краску с помощью мастихина , жесткой кисти или клина с силиконовым катализатором .

Как рисовать в технике импасто

Чтобы рисовать в технике импасто, сначала подумайте о том, как вы будете подходить к картине.

Один из подходов — это наслоение текстуры в ожидании высыхания краски. Таким образом, вы можете создать глубину и разнообразие, используя разные цвета, накладываемые друг на друга. Нанося сломанные мазки кисти поверх предыдущих высохших слоев, можно просвечивать цвета предыдущих слоев картины.

Подумайте о мазках и отметках, которые вы делаете. Будете ли вы использовать короткие резкие мазки, как у Моне и Ван Гога, или накладываете краску на создание почти скульптурных произведений?

Если вы хотите создать яркие цветовые комбинации, вы можете даже подумать о смешивании цвета на холсте, а не о смешивании его сначала на палитре. Моне славился тем, что использовал цвета прямо из тюбика и смешивал их на холсте. Глядя на свой образец, ищите основные цвета и тона, которые вы могли бы включить в картину.

Для более глубокого изучения этой техники, а также советов по выбору объекта и планированию композиции см. Наш учебник impasto .

Смешивание

Художники, которые хотят плавно смешивать цвета на своем холсте, обычно тяготеют к масляной краске из-за ее медленного высыхания. Однако можно увеличить открытое время работы акриловой краски.

Используйте акриловые краски Golden Open , так как они сохнут с той же скоростью, что и масляные краски (около 1-2 дней).Если у вас уже есть набор акриловых красок, вы можете продлить время их открытой работы с помощью медиума. Любая из Golden Open Medium замедлит высыхание краски.

Более мягкие кисти лучше всего подходят для растушевки краски. Если вы используете мягкую акриловую краску , возьмите дополнительную мягкую кисть для смешивания цветов. Модель Da Vinci Casaneo квадратной формы идеально подойдет для этого. Большая слегка более упругая кисть, такая как Isacryl brush плоской или лещинной формы, лучше смешивает немного более густую краску.

Для более подробного ознакомления с тем, как смешивать акриловые краски и пошаговых инструкций по использованию двух различных методов смешивания, ознакомьтесь с нашим руководством по смешиванию акриловых красок .

Алла Прима (мокрое по мокрому) с акриловой краской

Джон Сингер Сарджент: Поток в Норвегии

Алла прима — это техника нанесения слоев краски поверх мокрых слоев. Картина или часть картины должны быть закончены до того, как высохнет первое нанесение краски.

Это быстрый, увлекательный и спонтанный способ рисования, который может дать результат в виде жестов и текстуры. Цвета смешиваются, кажутся рыхлыми и живописными.

Недостатком акриловой краски, затрудняющим использование техники алла прима, является ее быстросохнущая природа. Если вы хотите попробовать рисовать мокрым по мокрому, вам понадобится медленно сохнущая среда или Golden Open Acrylics . Чем медленнее сохнет краска, тем лучше. Так как это даст вам больше времени на завершение картины.Я также рекомендую использовать жесткие кисти , особенно на более поздних этапах окраски, так как вам придется увеличивать толщину краски в последовательных слоях.

Начните с выделения цветом или создания эскиза. Затем наложите на холст краску того цвета, который вы видите в справочнике. По мере нанесения большего количества слоев постепенно увеличивайте толщину краски. Самые толстые и светлые блики следует наносить в последнюю очередь.

Если вы ошиблись, соскоблите краску с помощью мастихина .Краску можно наносить на поверхность жесткой кистью, мастихином или клином катализатора.

Ознакомьтесь с нашим руководством по покраске alla prima , чтобы изучить эту технику более подробно.

Послойная роспись акрилом

Это подход к рисованию акрилом, который идет рука об руку с блокированием, подмалевкой и глазированием.

Акриловая краска сохнет быстро, поэтому можно создавать работы с твердыми краями с относительной скоростью. Увеличьте открытое рабочее время краски для создания смешанных слоев с помощью замедлителя схватывания .Комбинируя эти методы, создавая многослойные детали с различными твердыми и смешанными краями, вы можете создавать реалистично выглядящие произведения искусства.

Блок в технике росписи акрилом

Заблокировано в слое Готовая картина

Единственные расходные материалы, которые вам понадобятся для этой техники, — это краска для тюбиков и кисть средней жесткости . При желании можно разбавить акриловую краску для тюбиков водой, чтобы она стала текучей.

Блокирование в акриловой живописи является первым этапом процесса рисования.Цель этой техники — покрыть холст так, чтобы белый цвет левкасной земли не был виден. Используйте основные формы цветов, которые вы видите в справочнике.

Например, если вы рисуете горный пейзаж, далекая гора может выглядеть в целом серо-голубым тоном со светло-серыми бликами, где снег отражает свет. Для блокировки сцены вы должны раскрасить серо-голубой цвет. Затем подождите, пока он высохнет, и нанесите более светлые блики на верхушки.

Чтобы добиться успеха в использовании этой техники, вы должны думать о рисовании слоями.Вам нужно будет увидеть эти слои в справочнике по рисованию.

Более подробное руководство можно найти в нашем руководстве по блокировке в техническом руководстве .

Подкрашенный

Возможен подмалевок масляными и акриловыми красками.

Цель этой техники — создать монохроматический слой. Равномерно распределите по поверхности слой краски, разбавленной водой. Этот вид подмалевка называется тонированным грунтом или имприматурой.Он хорошо сочетается с прозрачными землистыми цветами, такими как жженая умбра или жженая сиена. Он предназначен для создания средне-тонированного фона, который помогает художникам более легко устанавливать ценностные отношения между цветами.

Другой метод подкрашивания — использование цвета жженой умбры и титанового белила для создания тонального подмалевка. Определите ценности, форму и состав произведения. Затем поверх наносятся цветные слои в виде глазури или непрозрачных слоев.

Чтобы узнать больше об этой технике, прочтите нашу инструкцию по подкрашиванию l .Он предназначен для художников, работающих маслом, но все техники могут быть применены к рисованию акрилом.

Краска акриловая для остекления

Глазирование — это техника нанесения прозрачных цветов друг на друга для изменения цветового профиля предыдущих слоев. Это немного более сложная техника, чем две предыдущие, и для ее освоения потребуется определенная практика. Это известная техника масляной живописи, которую использовали старые мастера, такие как Рембрандт. Эта техника позволяла художникам создавать детализированные и реалистичные картины.

Есть много способов использования этой техники. Например, измените цветовую температуру участка вашей картины на теплый или холодный. Нанесите глазурь на всю картину, чтобы создать более унифицированный вид (почти как добавление фильтра к вашей картине). Используйте глазурь, чтобы углубить тени или усилить цветовые контрасты.

Эта техника также полезна для рисования едва заметных изменений тона кожи. Жженый умбра прекрасно смотрится в тени на портретах.

Вы также можете использовать эту технику для визуализации деталей портрета.Например, используйте прозрачность глазури, чтобы закрасить почти незаметные поры на коже или тонкие пряди волос.

Как вы понимаете, чтобы нарисовать такие тонкие слои, вам понадобится среда, чтобы краска стала жидкой и прозрачной. Эта глазурь от Winsor & Newton увеличивает прозрачность и текучесть красочного слоя. Он также укрепляет пленку краски. Вам также понадобится мягкая акриловая краска для тела от профессионального бренда, например Golden’s Fluid Acrylic paint .Обратите внимание на прозрачные или полупрозрачные цвета. Информация о прозрачности пигмента будет на тюбике с краской или на сайте. Еще один инструмент, который вам понадобится для рисования глазури, — это мягкая кисть. Isabey Кисти Isacryl мягкие, но упругие.

Сухая щетка

Нанесите краску на поверхность, предварительно не смачивая кисть. Вытрите лишнюю краску бумажным полотенцем и оставьте следы на холсте. Эта техника может имитировать эффекты угля и создавать сухую, ломкую текстуру, которая поддается портретной живописи.

Мойка

Краску можно разбавлять водой, создавая размывки, похожие на чернила. Смочите кисть, окуните ее в цветную акриловую краску и равномерно распределите по поверхности. Эта техника хорошо работает с более мягкими кистями, такими как Isabey Isacryl .

Заливка акриловой краски

Нанесение акриловой краски на поверхность — невероятно приятная техника, которую можно попробовать, она может дать красивые органичные, но при этом замысловатые результаты.

Для создания заливки вам потребуются жидкие акриловые краски и заливочная среда . В этот набор входят чашки, перчатки, миксеры и ситечки . Чтобы получить клетки, вам нужно смешать несколько капель силиконового масла в каждую цветную чашку. Затем используйте термофен , налитый на холст, чтобы избавиться от пузырьков воздуха.

Смешайте один краситель на чашку с заливочной средой.Вам следует ознакомиться с соотношением используемой среды к краске, найти его на странице продукта для заливочной среды. Например, Schmincke предписывает использовать их среду в любом соотношении до 45% акриловой краски. Смешайте среду с краской в ​​каждой чашке с помощью палочки для перемешивания. Затем нанесите слой краски, переливая отдельные чашки по одной в чистую. Наклоните чашку со всей краской вверх дном на холст. Затем с помощью теплового пистолета избавьтесь от пузырьков.

Чтобы получить более подробное руководство, ознакомьтесь с этого руководства для начинающих по заливке акрилом .

Аэрограф

Аэрография — это техника, которую можно использовать с жидкой акриловой краской . Вам также понадобится аэрограф для распыления краски на холст или бумагу. Используйте среду, например Golden’s Airbrush Medium , чтобы уменьшить вязкость краски.

Аэрограф

— это само по себе искусство, тонкая вязкость жидкой акриловой краски означает, что она не забивает инструмент для аэрографии. Рекомендуется использовать насадку размером.2 мм или больше, и краску можно распылять через аэрограф со скоростью 25-50 p.s.i.

Техника аэрографии дает художнику превосходный контроль над краской и возможность создавать тонкие градации цвета. Эта техника позволяет художникам создавать реалистичные работы и отображать мелкие детали.

Прочие техники нанесения знаков и кисти

Нанести краску брызгами

Кисти для разбрызгивания Liquitex созданы для этой техники! Длинная щетина позволяет создавать уникальные брызги.

Чтобы создать эффект брызг на холсте, вам понадобится жесткая кисть с длинной щетиной (например, кисть Liquitex) и мягкая акриловая краска . Наденьте перчатки и накройте рабочую поверхность, так как она может испачкаться. Оттяните щетину пальцами, а затем отпустите ее на поверхность. Или вы можете щелкнуть самой кистью. Используйте эту технику для создания абстрактных фигур, звезд или морской пены.

Джексон Поллок использовал различные инструменты и техники создания знаков, такие как брызги краски в своих абстрактных экспрессионистских произведениях.

Сграффито

Рембрандт: Автопортрет

Сграффито — это техника нанесения царапин на влажную краску, чтобы цвета раскрывались из нижних слоев. Создайте узоры влажной краской, царапая кончиком кисти или мастихином.

Используйте эту технику в портретной съемке, создав тонированный подмалевок прозрачного землистого цвета, например, жженой умбры, и сотрите блики на волосах. Рембрандт использовал эту технику, чтобы выявить блики на прядях волос на своем автопортрете.

Создание трехмерных работ

Добавив пасты для моделирования в смесь красок, вы можете создавать скульптурные трехмерные работы. Он улучшает адгезию красочных слоев, поэтому его также можно наносить самостоятельно перед нанесением акриловой краски на холст. Один из способов использования медиума — создать объем и структуру на холсте, а затем нарисовать поверх него.

Добавить текстуру краске с сухими добавками

Добавьте сухих веществ , таких как мраморная пыль или хлопья слюды, в гелевую среду для акриловой краски или в саму краску.Все сухие среды обладают своими индивидуальными свойствами. Хлопья слюды придадут опалесцирующий и переливающийся эффект. Добавьте хлопья слюды к прозрачным материалам, таким как гель для акриловой краски, для достижения наилучшего эффекта. Точно так же хлопья слюды можно насыпать поверх влажной пленки краски, чтобы картина заиграла.

Промокание губкой

Использование губки для нанесения краски может дать различные эффекты. Если вы хотите создать текстуру, нанесите на холст сухую губку, пропитанную густой краской .Вы создадите пики краски со сломанной почти зернистой текстурой. Если намочить губку и использовать жидкую краску , можно создать мягкий смешанный вид.

Стипплинг

Стипплинг — это искусство нанесения краски на холст. Это техника, обычно используемая при работе с карандашом. Возьмите круглую щетку с короткими волосами, с этой техникой хорошо подойдет старая изношенная кисть. Используйте точечное действие, чтобы точки располагались ближе друг к другу в тех областях, которые должны выглядеть затемненными.

Смешивание цветов на холсте

Смешивайте цвета прямо на холсте, а не на палитре. Моне прославился этим. Эта техника позволяет создавать яркие и разнообразные по цвету участки. Цвета смешиваются, и поэтому пигменты кажутся чище, чем если бы они были смешаны. Для наилучшего смешивания используйте мастихин на холсте.

Царапина от краски

Используйте эту технику в абстрактной живописи. Нанесите слой на цвет, затем используйте инструмент Catalyst Wedge , чтобы удалить краску с поверхности.У вас останется тонкий смешанный слой прозрачной краски. Поиграйте с этой техникой и цветами, пока не добьетесь желаемого эффекта.

Техника рисования акрилом для начинающих

Техника импасто идеально подходит для начинающих. Это весело, чувствуется мгновенно и спонтанно. Плотная текстура добавляет новое измерение произведению искусства. Новичкам я бы порекомендовал сначала сделать набросок вашей картины, чтобы вы знали, как разные элементы будут сочетаться друг с другом.Затем смешайте все цвета, прежде чем приступать к нанесению краски. Купите палитру « » , чтобы цвета дольше оставались влажными.

Все остальные техники из этого списка подойдут для начинающих, однако, чтобы освоить глазирование и алла прима, может потребоваться некоторая практика.

Техника рисования акрилом: Приколите!

---

Если вы нашли на этом сайте что-нибудь особенно полезное, вы можете сделать мне пожертвование через PayPal. Я трачу много времени на исследование и написание каждой темы, чтобы каждый урок был максимально подробным, и я делаю весь свой контент бесплатным.Любое небольшое пожертвование (даже цена чашки кофе!) Может помочь мне покрыть текущие расходы сайта. Любая помощь от моих читателей очень ценится :).

Перейдите по ссылке в кнопке ниже, чтобы поддержать этот сайт.

Техники рисования акрилом (для начинающих)

Обучение рисованию акриловыми красками — непрерывный процесс. Освоение новых техник акриловой живописи открывает двери к разнообразному портфолио произведений искусства.

Со временем вы разовьете свой собственный стиль рисования, но для начала овладение несколькими базовыми техниками поможет вам начать работу, и вы будете более удовлетворены своей работой.

Ниже приведены несколько основных техник рисования акрилом, которые могут стать хорошей отправной точкой для начинающих. Практикуйтесь, экспериментируйте и учитесь, развлекаясь и наслаждаясь удовольствием и творческим освобождением от рисования акриловыми красками.

** Эта страница может содержать партнерские ссылки на продукты, которые я использовал или рекомендую. Если вы покупаете что-то на этой странице, я могу получить небольшой процент от продажи без каких-либо дополнительных затрат для вас. Для получения дополнительной информации щелкните здесь . **

Техника покраски акрилом

1. Сухая чистка

Сухая чистка выполняется, как говорится… сухой кистью.Это означает использование прямой краски без воды. Он используется для выделения или добавления оттенка к чему-либо.

Добавьте небольшое количество краски на полностью высохшую кисть. Слегка проведите им по уже высохшей краске, чтобы добавить бликов или текстуры на такие вещи, как стволы деревьев, чтобы создать иллюзию снега или света.

Используя сухую кисть, добавьте бликов на ствол дерева.

2. Мойка или глазирование

Акриловую краску можно разбавить водой, чтобы создать тонкую прозрачную размывку цвета.Эффект похож на акварельный и дает мягкий тонкий оттенок цвета, который полезен для увеличения глубины теней или небольшого изменения цвета подмалевка.

Для разбавления краски можно использовать воду или использовать различные жидкости для глазури, чтобы придать различный эффект. См. Мой пост о акриловых средах .

В отличие от акварели, разбавленная акриловая краска не подлежит восстановлению после высыхания и остается стойкой.

Добавление фиолетовой размывки для усиления цвета.

3. Техника точечной печати

Острочная вязка — это техника, аналогичная Пуантилизму, , который обычно выполняется карандашом или ручкой. Пуантилизм предполагает использование крошечных точек для создания формы или затенения определенных областей.

Пример рисунка путализма.

Эту технику также можно выполнить с помощью краски и кисти.

Маяк в Онфлёре работы Жоржа Сёра 1886. Пример пуантилистской живописи.Предоставлено Национальной галереей искусств, Вашингтон

Стипплинг — отличный способ добавить текстуру и объем вашей картине. Это полезный прием, помимо прочего, для деревьев и кустарников.

Техника включает использование жесткой кисти, смоченной краской, а затем слегка нанесенной на поверхность.

Держите кисть вертикально и используйте только кончики для создания крошечных цветных точек. Нажмите сильнее, чтобы получить более крупную каплю, похожую на текстуру, в зависимости от того, чего вы хотите достичь.

Вы можете использовать несколько цветов, чтобы создать иллюзию глубины и теней. Вы также можете нарисовать всю картину, используя эту технику.

Использование пунктира для добавления листьев к дереву.

4. Брызги

Брызги — забавный, но беспорядочный метод, позволяющий, среди прочего, получить эффект звездной ночи или падающего снега. Он также широко используется в абстрактном искусстве для получения этих чудесных цветовых пятен.

Чтобы брызги, разбавьте краску и нанесите кисть.

Смахните кистью или коснитесь ручки другой кистью в зависимости от желаемого эффекта. Вы также можете потрогать щетину пальцем.

С помощью двух кистей разбрызгиваем краску, чтобы она выглядела как снег.

Старая зубная щетка, смоченная краской, — еще один способ получить эффект разбрызгивания. Просто оттяните щетину большим пальцем или пальцем, чтобы создать желаемый эффект.

Использование зубной щетки для разбрызгивания краски.

Разбрызгивание требует небольшой практики.Если краска будет слишком жидкой, на вашей поверхности появятся капли воды. Если он слишком толстый, то брызги не попадут.

Это грязно, поэтому накройте окружающие поверхности. Вы также можете использовать трафареты, чтобы ограничить брызги определенной областью или создать узор. Эта техника доставляет массу удовольствия.

Окраска дерева пунктиром, сухой кистью и разбрызгиванием.

5. Детализация

Чтобы получить тонкие тонкие линии, такие как ресницы, крошечные цветы или деревья или линии на парусной лодке, вам понадобится маленькая тонкая кисть .

Детали легче красить краской, разбавленной до чернильной консистенции. Он лучше стекает с кисти и дает более ровную линию.

Кисточка с длинными волосками, называемая «риггером», лучше всего подходит для тонких линий. Она удерживает больше краски, чем кисть с более коротким ворсом, поэтому вы можете получить более длинную и ровную линию за одну загрузку.

Я использую кисти с более коротким ворсом для мелких цветных точек, таких как мерцание в глазу.

Кисти для детализации

Использование кистей для детализации также требует некоторой практики.Легкое прикосновение даст вам четкую линию. Чем сильнее вы нажимаете, тем толще линия.

Поскольку у меня болезнь Паркинсона, получение мелких деталей в моей картине требует множества проб и ошибок.

Обычно для этого я кладу холст на ровную поверхность и перед тем, как приступить к деталям, убеждаюсь, что он полностью высох.

Я держу под рукой влажную ткань, чтобы стирать ошибки, и кладу руку на стол, чтобы минимизировать тремор. Иногда в качестве ориентира использую линейку или малярный скотч.

Для работы за мольбертом использую модифицированную палку maul (или mahl stick).

Палка для кувалды (на фото ниже) — это просто палка длиной около 3 футов (1 метр) с мягким покрытием на одном конце. Вы можете положить его на холст и использовать для поддержки руки.

Я сделал свой собственный модифицированный мяч длиной около 5 футов (1,5 метра) с теннисным мячом, обтянутым кожей на одном конце. Это сделано для того, чтобы я мог удерживать его между колен, чтобы удерживать его, поскольку моя левая рука большую часть времени не работает.

6. Смешивание мокрого во влажное

Смешивание мокрого во влажное — популярная техника в масляной живописи.С акриловыми красками добиться этого гораздо сложнее, поскольку они очень быстро сохнут.

Вы можете добиться смешивания «мокрое» с «мокрым», нанося один цвет поверх другого, пока оба еще влажные, или применяя их рядом друг с другом и смешивая для образования градиента.

Добавление воды или акрилового замедлителя схватывания в краску поможет сохранить ее влажной и растушеванной немного дольше. Также помогает легкое распыление краски из пульверизатора.

Эта техника может дать красивый мягкий смешанный фон абстрактным картинам.

7. Sgraffito

Sgraffito происходит от итальянского слова sgraffire , что означает «царапать».

Эта техника включает в себя прочесывание верхнего слоя краски, чтобы обнажить нижний слой краски.

При этом верхний слой должен быть влажным, но нижний слой должен быть полностью сухим.

Это полезно для добавления бликов на волосы или добавления тонких травинок или веток в пейзаж, но вы не должны ограничивать свою технику этим.

Творческие возможности сграффито безграничны.

Вы можете использовать сграффито для создания слов или рисунков на вашем изделии, несколько цветов для разнообразия или любой тип материала, чтобы получить больше текстуры или специальных эффектов.

Вы можете использовать любой предмет для царапания, например, конец кисти, кредитную карту или даже стилус.

Есть также множество силиконовых или резиновых инструментов , доступных для создания интересных текстур и дизайнов.

Художественные инструменты для рисования.

Будьте осторожны, чтобы не проколоть холст и не порвать бумагу каким-либо инструментом.

Эта техника действительно доставляет массу удовольствия и является идеальным способом заинтересовать детей рисованием.

8. Губка

Губка осуществляется нанесением краски на поверхность губкой. Для этого лучше всего подходит морская губка , так как ее можно легко разорвать на различные формы и на ней может скапливаться много краски.

Морские губки

Эта техника — отличный способ нарисовать листву или отдельные намеки на форму на заднем плане.

Нанесение губки на более светлый или темный цвет даст вам красивый и интересный фон для абстрактной живописи или любой картины, где вам не нужны детали на заднем плане.

Использование губки может дать вам много текстуры, или вы можете использовать губку, чтобы аккуратно смешать влажное с влажным, чтобы получить легкий градиент.

Использование морской губки для рисования деревьев и кустов.

9. Малярный нож

Использование малярного ножа считается техникой для более продвинутых художников, но ею довольно легко пользоваться, как только вы освоите ее.

Есть много художников, которые используют живописные ножи исключительно в своей работе.

Живописные ножи можно использовать для нанесения широких широких мазков по холсту, добавления снега на горные вершины или раскрашивания самих гор, среди прочего.

Тонкие прямые края ножа делают их идеальными для нанесения коротких тонких линий на деревьях, траве или в любом другом месте, где требуется линия.

Малярный нож отлично подходит для создания текстуры в определенных областях вашей картины или для удаления краски с стиля сграффито.

Добавляем снег в горы мастихином.

Для получения дополнительной информации о том, как использовать малярный нож, ознакомьтесь с моим сообщением о Palette and Painting Knives.

Я надеюсь, что эти методы помогут вам в процессе рисования. Как и во всем, ключевым моментом является практика.

Чем больше вы рисуете, тем лучше вы становитесь и тем больше вам нравится быть художником.

Если у вас есть вопросы или предложения, оставьте их в комментариях ниже.

Вам также может понравиться наша частная группа в Facebook Trembeling Art Creative Corner , где вы можете публиковать свои работы и задавать вопросы.

Спасибо за чтение. 😊

000

000

000

2

000

.