День: 02.08.1974

3.3. Типы композиции. Основы графического дизайна на базе компьютерных технологий

3.3. Типы композиции

В начале главы мы рассмотрели виды композиции исходя из соотношения элемент-плоскость-пространство. Для создания грамотных произведений дизайна не менее важно знать формы и закономерности образного выражения. Выделим типы композиций, отличающиеся используемыми образными средствами.

3.3.1. Сюжетно-изобразительная композиция

Сюжетно-изобразительная (повествовательная) композиция лежит в основе реалистических художественных произведений (живописных, скульптурных и т. д.). В ней участвуют «реальные» персонажи. Их отношения и действия взаимно обусловлены, у каждого своя роль. Противостояние объектов композиции служит выявлению их сущности, качественных характеристик. Эти отношения типичны, они выделены, выхвачены из более общего содержания, контекста. Произведение требует внимательного вдумчивого рассмотрения, и, как правило, вызывает обобщение от частного к общему.

Пример сюжетно-изобразительной композиции – реалистичное произведение станковой живописи. Его цель – рассказать зрителям о каком-либо явлении или событии и выразить отношение художника к этому событию (рис. CD-3.59). Такое произведение автономно, самодостаточно. Оно не должно зависеть от окружения, хотя интерьер, в котором висит картина, несомненно, влияет на восприятие.

3.3.2. Декоративно-тематическая композиция

Как правило, дизайнерам приходится создавать декоративные композиции. В этом случае, в тематической композиции сюжетный рассказ подчиняется декоративным целям, и это подчеркивает и глубже раскрывает смысл произведения. Такая композиция вписывается обычно в какие-либо архитектурные формы или связывается с другими произведениями прикладного искусства, и, следовательно, само является частью другой, большей композиции. Часто декоративно-тематические композиции используются в плакатах, в народном искусстве, в оформлении книг (обложки, экслибрисы), в интерьерах общественных зданий, офисов.

Для создания такого произведения нужно найти обобщенный образ. Он должен быть емким и лаконичным. Для этого, в первую очередь, нужно понять суть темы и выбрать главное, стержень композиции, отказаться от ненужных подробностей. Художник сам определяет, какие качества предмета нужно выделить для более полного раскрытия темы. Например, в композиции на тему «Дерево» можно передать контур, геометрию дерева, можно изобразить одну ветку с листьями, а можно дать увеличенное изображение фактуры коры дерева с капелькой смолы. Решений множество, главное, чтобы изображение подчинялось декоративным целям.

Образ темы возникает на основе ассоциаций. Предположим, вы должны создать сюжетную композицию на тему «Море». Образов много: море спокойное или бурное, остров или корабль, рыбацкая сеть или стая рыб, раковина или ветка коралла и т. д., каждый художник выберет близкое ему решение. Определите стержень композиции, цветовую гамму; решите, будет ваша композиция статичной или динамичной, определите ритм, выберите формат композиции. Необходимо выполнить множество эскизов, а затем выбрать окончательный вариант (рис. 3.60).

Рис. 3.60. В. Фаворский. Из цикла «Рассказы о животных»

Как правило, выбор материала, из которого создается композиция, и техника исполнения зависят от раскрываемой темы. В декоративно-прикладном искусстве это может быть мозаика, роспись по шелку, кованые изделия из металла, плетение из нитей в технике гобелена и т. д. Например, сюжет «Деревня» может быть выражен в виде гобелена, сплетенного или сотканного из грубых нитей, или в виде панно из дерева, а для сюжета на темы Древнего Египта лучше выбрать технику фрески или росписи по ткани. Огромную смысловую и эмоциональную нагрузку в этом случае несут текстуры и фактура материалов.

Можно попробовать решить обратную задачу: создать декоративную композицию на одну и ту же тему, выбрав различные материалы. Например, выразить образ «Солнце». В народном творчестве эта тема очень популярна. Солнце – древний языческий образ дневного светила, символ жизни и плодородия. Это главный мотив и вологодского кружева (рис. CD-3.61, а) и металлических наверший придорожных ритуальных столбов в Литве (рис. CD-3.61, б), и многоцветной национальной таджикской росписи стен и потолков (рис. CD-3.61, в). У каждого народа и каждого мастера собственные приемы, рисунок, краски, но везде строго соблюдаются каноны многовековой художественной традиции.

3.3.3. Композиция предметных форм

Композиция предметных форм – натюрморты – очень популярны в классическом и современном искусстве. Натюрморт любили в Европе в XVII–XVIII веках, в наши дни многие новые художественные тенденции проявляются в первую очередь в натюрмортах. Композиции из обыденных, казалось бы, вещей могут производить большое эмоциональное впечатление. Разнообразные формы, материалы, сама «жизнь вещей» вызывают ассоциации и обобщения. Предметы, собранные вместе, влияют друг на друга, изменяют друг друга, образуют ритмический строй, цветовой аккорд, общий силуэт. Изменяются и сами включенные в композицию вещи: стакан рядом с самоваром и стакан рядом с соленым огурцом несут разную смысловую нагрузку. В Голландии и Германии натюрморт называют «штильлебен» (Stilleben) – «тихая жизнь». Композиция образует новое смысловое пространство, позволяет читать между строк. Это не перечисление предметов, а сумма отношений, целостность идеи.

Выбор изображаемых предметов и используемые композиционные приемы зависят от задачи, стоящей перед художником. Композиции предметных форм, выполненные настоящими художниками, очень выразительны, иногда они имеют глубокий философский смысл (рис. CD-3.62).

Обычные бытовые вещи, объединенные в композицию, приобретают символический смысл, вызывают образные ассоциации. Объекты композиции могут быть изображены натуралистично (с передачей объема, свойств материалов, тенями и перспективой) или условно графическим контуром и заливкой на плоскости, но в любом случае очень важна общая форма и ритм художественного произведения.

Декоративная композиция предметных форм широко используется в знаках, плакатах, рекламных материалах, в оформлении буклетов и книг. Как правило, это фронтальная композиция из плоских объектов, на которой отсутствуют пространственные связи, существующие в реальном мире (тени, перспектива и т. д.), то есть, предметы сопоставляются на плоскости друг с другом и с фоном. Декоративное решение требует передачи характерных признаков объекта необходимых для создания образа. Решите, какие качества предметов Вы хотите подчеркнуть. Это может быть пластическая форма, интересное цветовое решение или фактура материалов.

Композиция любого типа (сюжетно-изобразительная, тематическая, композиция предметных форм) может быть выполнена как в стилизованной, декоративной форме, так и в форме максимально точной передачи реального внешнего вида элементов композиции. При создании декоративной композиции художник отказывается от второстепенных черт и незначительных характеристик и создает обобщенный образ.

Техника фотографии предоставляет возможность максимально использовать выразительность фактуры и текстуры, усилить эмоциональное воздействие за счет иллюзии реальности изображаемых объектов. Современные компьютерные средства обработки изображения позволяют подчеркнуть декоративность объектов, воспроизведенных на фотографии, создавать коллажи, добавлять спецэффекты, и это широко используется в современном дизайне. Наиболее популярный инструмент для этой работы – программа растровой графики Adobe Photoshop.

Как правило, работа над композицией начинается с карандашного наброска, даже если эта композиция будет создана с использованием фотографии и последующей компьютерной обработки. Большая часть необходимых снимков подбирается из архива дизайнера-фотографа, остальные могут быть сделаны с помощью фотоаппарата и отсканированы или сняты на цифровую камеру. Затем композиция «собирается» на компьютере.

3.3.4. Формальная композиция

Формальная композиция строится из линий и пятен, она выражает логику композиционного построения. Иногда такой тип композиции называют неизобразительной. Это пространство художественных образов, не существующих в реальности, не имеющих рационально-практической значимости. В формальной композиции важен не сюжет, а исключительно законы и принципы ее собственного построения, пластические формы. Ее содержание формально. Эмоциональное воздействие на зрителя оказывает художественная форма, цветовой и пластический строй произведения.

Элементы любого композиционного произведения – объект и пространство, но, в отличие от рассмотренных ранее типов, в формальной композиции используются не реально существующие предметы (предметные формы), а абстрактные объекты. Эти объекты могут возникнуть в результате предельного упрощения форм реальных предметов или быть созданы из геометрических фигур, знаков алфавита.

Работа дизайнера-графика очень часто связана с созданием неизобразительной композиции. Формальные композиции лежат в основе многих знаков, используются на упаковках и этикетках, в плакатах, в росписи посуды, гобеленах, при декорировании станций метро, торговых центров, театров и т. д.

Данный текст является ознакомительным фрагментом.

Продолжение на ЛитРес

Построение композиции в изобразительном искусстве

Методика построения композиции в изобразительном искусстве построена не на навязывании, как надо снимать или рисовать. Лектор предлагает набор объективных составных частей изображения, позволяющих авторам выбрать из них те, что соответствуют авторскому замыслу. Приёмы построения кадра рассматриваются с научно обоснованных позиций, то есть — как на уровне физиологии и психологии зритель воспринимает картинную плоскость и заложенную автором идею.

Демонстрируется иллюстративный материал (рисунки, фотографии), показывающий, как составные части композиционного построения способствуют пониманию содержания, заложенного в кадре.

Методика проверена в течение более чем 30-летней педагогической практики в вузах и средних учебных заведениях Москвы, в том числе естественнонаучной направленности, среди фотографов-любителей и профессионалов, операторов и режиссёров кино и телевидения, работников рекламы, конструкторов сайтов и работников других видов изобразительного искусства.

О лекторе

Александр Ростиславович Дегтярёв — фотограф, доцент. Автор более 80 публикаций, в том числе многократно переиздававшегося труда «Фотокомпозиция» (1998, 2008, 2009), а также книги «Изобразительные средства рекламы» (2006). Участник ряда российских и международных фотовыставок. Член Союза журналистов Москвы, член Творческого союза художников.

Для посещения лектория обязательна предварительная запись. Записаться можно любым из следующих способов (записывайтесь ОДИН раз, дублировать не нужно!!):

1) Регистрация на странице анонса (укажите фамилию и имя).

2) На странице лектория в социальных сетях Вконтакте и Facebook (укажите фамилию и имя).

3) В случае крайней необходимости (невозможна регистрация никаким иным способом!) принимается запись по телефону 8-800-700-18-45 (Кирилл Кузнецов).

Вход бесплатный, по спискам.

Ссылка на онлайн-трансляцию: http://www.rgo.ru/ru/lektorii/moskovskiy-lektoriy/onlayn.

Стилизация в декоративной композиции — рабочая тетрадь изо

СТИЛИЗАЦИЯ В ДЕКОРАТИВНОЙ КОМПОЗИЦИИ

 

Булаева О. С., старший преподаватель кафедры композиции

 

Стиль произведения изобразительного искусства  проявляет себя  совокупностью особенностей общего вида произведения и его частей, деталей изображения, колорита, композиции и всех остальных особенностей произведения. В результате возникает индивидуальная форма изложения художника, отличающаяся от какого-либо конкретного направления частными  характеристиками создаваемого. Чем ярче личность художника, тем сильнее отражается в его произведениях  его индивидуальность и мировоззрение.

Стиль – это наиболее общая категория художественного мышления, характерная для определенного этапа исторического развития. Стиль выражает суть, уникальность художественного творчества в единстве его компонентов, содержания формы, изображения, выражения, личности и эпохи. Если сравнивать такие понятия, как стиль и манера, то манера – это особенные черты творческого процесса, а стиль – это, конечный результат, синтез, целостность всех компонентов художественного произведения.

Стиль произведения несет в себе черты стиля эпохи, которые трансформируются на индивидуальном уровне творчества конкретного человека. При этом, метод и манера есть у каждого художника, а стиль может не состояться. Стиль произведения может возникнуть в том случае, если в процессе творчества  художник проделывает определенную работу по созданию новой реальности, отличной от обыденной действительности и превосходящей ее по силе впечатления.

С понятием «стиль» в изобразительном искусстве достаточно тесно связанно понятие «стилизация». Творческая стилизация обязательно носит индивидуальный характер и подразумевает авторское видение и переработку явлений окружающей действительности и привнесение в их отображение элементов новизны.

Помимо творческой стилизации существует стилизация подражательная, предполагающая наличие готового образца для подражания и точно воспроизводящая  стиль какой-либо эпохи, известного художественного течения, стиль знаменитого мастера, стили и приемы творчества того или иного народа.

При создании декоративных композиций, чаще используется  метод творческой стилизации, который предполагает создание натурального объекта в виде художественного символа. Художник творчески переосмысливает реально существующие объекты природы и окружающего мира, что является основным творческим методом и выразительным средством декоративно-прикладного искусства. Основной задачей художника в данном процессе является создание нового художественного образа, имеющего повышенную выразительность и декоративность. Подлинно новым можно считать то, чего нет  в природе и окружающем мире.

Декоративная композиция – композиция с высокой степенью выразительности и декоративности, включающая в себя элементы стилизации, абстракции, усиливающий ее эмоционально — чувственное восприятие. Основной целью декоративной композиции принято считать достижение ее максимальной выразительности и эмоциональности с частичным или полным отказом от достоверности изображения.

В современном изобразительном искусстве понятие «декоративность» употребляется в нескольких значениях. Мы будем рассматривать его как художественную специфику плоскостных произведений декоративно-прикладного искусства, указывающую на  их определенную и значительную связь с окружающим пространством – интерьером или экстерьером зданий и сооружений. Хотя, точнее будет сказать, что декоративно-прикладной является любая художественная композиция (панно, мозаика, витраж, настенная роспись, вышивка, эстамп, гобелен, скульптура малых форм  и т.д.) служащая приданию художественной гармонии, законченности и эстетического обогащения  интерьеров и экстерьеров общественных и жилых зданий, предметов бытового обихода и одежды, книжно-журнальной  и рекламной продукции, транспортных средств и орудий труда. Декоративная композиция может быть выполнена как традиционными средствами изобразительного искусства (живопись, графика, лепка, мозаика, чеканка, резьба по дереву, камню, кости, вышивка и т. д.), так и с помощью нетрадиционных материалов и различных объектов, нетрадиционными способами и средствами – композиционно организованной садово-парковой флорой, гирляндами и букетами живых и искусственных цветов, растений, камня, цветного стекло и т. д.

Полностью завершенная декоративная композиция представляет собой вполне самостоятельное произведение изобразительного искусства, способное передать зрителю определенные мысли, идеи, чувства, настроения.

Основными чертами, возникающими в процессе стилизации, являются – простота форм, их обобщенность, символичность, экцентричность, геометричность, красочность, чувственность. Следовательно, декоративной стилизации свойственны  обобщенность и символичность изображаемых объектов и форм. Отказ от лишнего, второстепенного, мешающего четкому визуальному восприятию объекта, позволяющий обнаружить самое главное, привлечь внимание к сути, вызвать яркие эмоциональные впечатления. Максимальный отказ от несущественных деталей  изображаемого объекта декоративной композиции и одновременной их заменой абстрактными элементами позволяет создавать абстракции (абстрактные стилизации).

Рассмотрим, как вариант обработки реальной формы, трансформацию природного объекта – листа дерева. Формы приближенные к геометрическим еще больше обобщаются и  окончательно превращаются в геометрические (вытянутые вытягиваются еще больше, округлые – округляются или сжимаются). Происходящая при этом сознательная деформация размеров и пропорций изображаемого объекта позволяет усилить декоративность и выразительность изображения, облегчает  восприятие зрителем авторского замысла. В процессе творчества возникает ситуация при которой особенно удачные решения приводят к все более условным и абстрактным изображениям (символам).

В одном из случаев — стилизации листа дерева, работа проходит в следующей последовательности:

·  реальное изображение листа;

·  отбрасываем все подробности изображения, полностью, оставляя только форму (контур листа), которая заполняется любым цветом по замыслу автора. Изображение сразу становится абстрактным, при этом степень абстракции и выразительности будет зависеть от того насколько деформирована природная форма листа, насколько отличается она от реальной;

·  в полученное изображение добавляются главные детали листа, выполненные в необходимой манере и технике – прожилки, делающие изображение узнаваемым;

·  окрашенный контур листа с прожилками заполняется декором, выбранным из имеющихся вариантов или придуманным самим автором. В результате получаем декоративное изображение стилизованного листа дерева.

В другом – стилизация изображения дерева, проходит по более сложному детализированному  пути:

·        выполняем реалистичный рисунок дерева с максимально возможным количеством деталей: форма ствола, расположение ветвей, фактуру древесной коры;

·        реалистическое изображение превращаем в стилизованное, отбрасывая «лишние» ветки, убирая второстепенные и повторяющиеся детали, оставляя только то, что необходимо для определения, упрощая форму ствола;

·        далее отдельные узнаваемые части изображения (ствол, ветви) заменяются абстрактными элементами, позволяющими создать нереалистичное изображение, которое  зачастую отличается от первоначального образа;

·        как на стадии стилизованного, так и на стадии абстрактного изображения, можно использовать декор для показа фактуры  коры дерева.

Обобщая вышесказанное, можно утверждать, что в основе всех видов и методов стилизации лежит принцип художественной трансформации реальных природных объектов с помощью различных изобразительных средств и приемов. Часто такая трансформация происходит путем упрощения и обобщения формы изображаемого объекта, укрупнения или уменьшения частей объекта, изменения количества деталей, природного цвета. Допустимо объединение различных частей стилизованного изображения позволяющего создать максимально выразительный образ, даже, если первично элементы этого изображения были скопированы с различных объектов природы или природной среды. Примером может служить изображение листа клена обобщенное до формы шестиугольника.

Главной целью  художественной трансформации природных объектов является создание  максимально выразительного образа, наполненного эмоциональностью, яркостью запоминания, недостижимых в реалистичном изображении.

С развитием дизайна в области интерьера возникла необходимость создания произведений декоративно-прикладного искусства, которые  без использования приемов стилизации и художественной обработки формы не будут соответствовать современным эстетическим требованиям. Следовательно, роль стилизации в современном искусстве и освоение приемов стилизации в процессе подготовки специалистов художественного образования играют в настоящее время достаточно важную роль  в  процессе удовлетворения потребностей людей в создании стилистически целостной, эстетически значимой окружающей среды.

В преподавании декоративной композиции обычно основное время уделяется нескольким темам: стилизация в орнаменте, стилизация природных объектов (растения, цветы, фрукты, птицы, животные, рыбы), декоративная стилизация в пейзаже, декоративная стилизация в натюрморте, портрете и беспредметная композиция.

Окружающая нас реальность является прекрасным объектом для работы над стилизацией природных форм. Можно достаточно долго рассматривать и изучать, изображать один и тот же природный объект, открывая новые его качества и стороны, в зависимости от поставленной задачи. В процессе освоения навыков стилизации природные объекты имеют неоспоримое преимущество в работе. Они доступны, многовариантны, легко изображаются, понятны для анализа и переработки изображения. можно начать знакомство со стилизацией растительных объектов с изображения цветов, деревьев, травы, мхов, лишайников. Многие из этих объектов настолько выразительны, что практически готовы как декоративные изображения. В работе по стилизации природных форм можно пойти от реалистичных зарисовок выбранных объектов с последующей переработкой формы и графического наполнения изображения. Постепенно выявляя декоративные качества изображаемого, или сразу выполнять стилизованные декоративные зарисовки, отталкиваясь от природных особенностей формы и декора. При работе следует избегать слишком реалистичных изображений и натуралистической трактовки образа.

Работу можно построить по следующей схеме:

·        Выявить наиболее ярко выраженные особенности формы растения, его силуэта, ракурсов .

·        Обратить внимание на пластическую направленность мотивов и использовать направление  развития формы для гармоничной компоновки изображения.

·        Обратить внимание на характер линий силуэта и декора изображаемого растения: прямолинейные, обтекаемые, ритмичные – выбрать статичное или динамичное построение изображения.

·        Найти интересный ритм, группировку форм, элементов, отобрать наиболее перспективные в этом смысле детали.

·        Детально изучить строение цветка. листа. бутона, расположении листьев, их группировку, природную окраску и колористические особенности объекта, позволяющие осуществить декоративную переработку изображения.

·        Работая с фактурными объектами: кора, мхи, лишайники, спилы деревьев, камни, раковины и т.д. – переработать эти мотивы в декор, максимально отображающий суть изображаемого, выразительно трактующий пластику, ритм и другие особенности объекта.

Стилизованные изображения объектов растительного и животного мира иногда используются как элементы орнаментов, но чаще они объединяются в общую композицию с различными растительными формами или становятся частью стилизованного пейзажа.

Создание декоративного пейзажа следует начинать с осмысления его в целом. Выбранные в качестве мотива формы проходят сложный путь преобразования и трансформации. Как и любая декоративная плоскостная композиция, декоративный пейзаж, обычно выполняется в двухмерном пространстве. Все объекты пейзажа показываются с одинаковой точностью, четкостью, линейная и воздушная перспектива отсутствуют, задний и передний планы сближаются с общим средним. Законы декоративной композиции  требуют четко и максимально выразительно передавать картины окружающей среды, отбрасывая все ненужное, второстепенное, все, что мешает выразительно передать состояние природы и конкретных природных явлений. Поэтому, убираем мелкие подробности, упрощаем форму объектов, сглаживаем рельефы гор, холмов, облаков, окружающей местности, обобщаем детали, проводим стилизацию (акцентируя и выделяя самые характерные детали пейзажа). После проделанной работы уточняем степень стилизации объектов композиции и среды, в которой они изображены. Степень обобщения и условности в стилизованном пейзаже может быть достаточно велика и доходить до абстракции, не переходя при этом границы жанровой узнаваемости. Цвет в декоративном пейзаже играет важную роль. Он может быть использован как с учетом реальной окраски объектов пейзажа, так и произвольно, в согласии с авторским замыслом.

Жанр натюрморт многообразен и показателен в процессе освоения приемов декоративной стилизации. Для создания декоративных стилизованных натюрмортов  применяются общие методы и приемы декоративной стилизации. Основным требованием к созданию любого натюрморта является достижение полного единства группы изображаемых объектов. При этом в натюрморте единства стоит добиваться не только в создании изображения вообще, но и в свойствах каждого объекта, входящего в натюрморт (форма и размеры объекта, его цвет, цветовой оттенок, фактура и т. д.). Единство и гармония в  натюрморте требуют тщательного расположения объектов на картинной плоскости с обязательным выявлением доминанты, позволяющей сгруппировать вокруг себя остальные объекты композиции. Доминантой в постановке натюрморта может быть, например, вертикаль  доминирующего кувшина, выразительность подноса, используемого как задник постановки, своеобразие букета цветов и т.д. Эту доминанту стоит выделить и акцентировать, возможно, даже утрировать его пластику. Чтобы стилизация в натюрморте состоялась, он должен быть выстроен в едином плане, основанном на одной главенствующей композиционной идее. Декоративность в натюрморте может быть достигнута за счет изменения формы объектов, использования активных цветовых контрастов, введения декоративного контура и других приемов.  Предельное упрощение и доведение до предметных символов изображаемых объектов, так же допустимо, как и усложнение формы  и активного наполнения ее декоративными элементами, созвучными общей идее композиции. В процессе освоения приемов стилизации в композиции натюрморта можно отрабатывать на практике теоретические знания трансформируя реальные постановки в зависимости от поставленной учебной задачи. Например, можно взять за основу простые геометрические формы, рубленные, прямоугольные, с активной динамикой линий и контрастными цветовыми сочетаниями, заполненные упрощенным геометрическим декором. В процессе работы над декоративным натюрмортом  можно использовать следующие способы трансформации изображаемых объектов:

·        Уловив характерные качества объекта  можно утрировать природную форму, доводя ее до максимальной выразительности – округлять округлое, вытягивать вытянутое, подчеркивать пластику предмета нанесением декоративного рисунка. Не следует заменять форму на другую, так как наиболее целесообразно исходить из пластики конкретного объекта.

·        Возможно изменение пропорций как внутри одного предмета, так и между несколькими предметами композиции.

·        Допустимы условности усиливающие восприятие композиционного замысла: предметы можно изгибать, преломлять их форму, наклонять в стороны, подвешивать в воздухе, устанавливать на мнимой плоскости, позволяющей видеть объекты в разных ракурсах, с нескольких точек зрения одновременно.

·        При необходимости можно показывать перспективу, но делать это достаточно условно, избегая слишком реалистичных ракурсов, максимально усиливая выразительность композиции и предметов в ней.

·        Можно передвигать предметы в композиции, менять их местами, добавлять или убирать необходимые детали изображения, дорисовывать драпировки, фрукты, необходимые для создания более выразительного образа, сохраняя при этом суть и узнаваемость постановки.

·        Цветовое решение может быть максимально вариативным, в зависимости от поставленной задачи. Можно полностью сохранить цветовой колорит данной постановки, можно поменять тональные отношения, можно дополнить его цветовыми сочетаниями. Нецелесообразно полностью отказываться от цветовых тонов реального натюрморта, так как при его составлении учитывались принципы цветовой гармонизации и предметы подбирались по цвету.

Все вышесказанное необходимо для гармоничного решения поставленной учебной задачи и выполнения выразительной стилизации декоративного натюрморта.

В дальнейшем тему стилизации в натюрморте можно развивать выполняя задания по созданию графического изображения натюрмортных постановок  с использованием декора. Для этого понадобятся навыки позволяющие создать единый ансамбль предметов, фруктов, драпировок, увязанных в гармоничную композицию. При работе по представлению в подготовительных эскизах необходимо найти наиболее выгодный ракурс изображения, удачно расположить его в плоскости листа, выделить доминанту. Декор наносится в соответствии с формой изображаемых предметов, для того, чтобы он способствовал усилению пластической выразительности изображаемого.

Заканчивая размышления по данной теме, хочется отметить, что, владение приемами стилизации позволяет художнику более творчески решать задачи, которые ставит перед ним жизнь и профессиональная деятельность.

 

МОДЕЛЬ СТРУКТУРЫ ТЕОРИИ КОМПОЗИЦИИ В ИЗОБРАЗИТЕЛЬНОМ ИСКУССТВЕ

Неизменное стремление к повышению качества жизни, в том числе и ее художественно-эстетической стороны актуализирует фундаментальные исследования в области основ искусства – композиции. Ныне ее рассматривают в трех ипостасях: выражение непосредственно структуры произведения, научная дисциплина архитектурно-художественного и искусствоведческого направления о визуальном оформлении идеи в произведении, также могут называть и законченную работу как синоним произведение.

Актуально еще и потому, что весьма распространено противоречивое отношение к композиции как к набору правил и приемов, способных решить все проблемы художника. Будто бы композиция – это такая логично, системно и функционально устроенная дисциплина. Но это не так. Несмотря на обозначенное фундаментальное значение стандарта для единства обучения, профессионального общения и практики по общей эмпирической оценке, системы в композиции нет. Хотя график и теоретик искусства Н. Н. Волков в своей книге «Композиция в живописи» еще в 1977 году [1] говорил о необходимости создания теории композиции, а также сформулировал ряд основных задач, которые призвана решать теория композиции как наука эти мысли не приобрели своего логического решения ни в эстетике, ни в искусствоведении, ни в педагогике. Интересующиеся вопросами композиции сталкиваются с объективной проблемой отсутствия в изобразительном искусстве единой нормативной теории композиции. Аккумулированный исторически опыт и знания по композиции постоянно фигурируют в научной и учебной литературе, однако каждый ученый, художник или педагог трактует их структуру и содержание, часто необоснованно по-своему усмотрению в собственной компоновке с весьма различающимся индивидуальным содержанием. В этом можно убедиться сравнив несколько исследований, учебных пособий, конспектов лекций, видеокурсов и т. п. Даже среди авторитетных ученых нет согласия. Например, народный художник СССР и профессор, академик академии художеств СССР, Е. А. Кибрик по воспоминаниям другого художника, ученого и педагога Е. В. Шорохова выделял три основных закона: типизации, выразительности и целостности [2]. Сам же заслуженный работник высшей школы России, доктор педагогических наук, профессор, член Союза художников Е. В. Шорохов в своём труде «Композиция» [3] называет такие законы, как закон цельности, закон контрастов, закон новизны, закон подчиненности всех средств композиции идейному замыслу, закон жизненности, закон воздействия “рамы”. Далее к композиционным правилам он относит ритм, сюжетно-композиционный центр, симметрию, асимметрию, параллельность композиции, расположение главного на втором плане. К приемам композиции ученый относит передачу впечатления монументальности, пространства, горизонтали и вертикали, диагональные направления. К средствам – линию, штриховые линии, пятно (тональное и цветовое), светотень, законы линейной и воздушной перспективы. Напрашивается вопрос об основаниях для такой классификации. Почему контраст, по мнению Е. В. Шорохова, является законом, а не средством (вместе с ритмом), выражающим композиционный центр и смысл произведения? Почему линия, штрих, пятно – средства композиции, когда они морфологические элементы всего изобразительного искусства. Иными словами, существующие классификации не выдерживают критики.

Исходя из проблемы, работа преследует цель смоделировать вариант структуры композиции с объяснением содержания её элементов как, в помощь обучающимся и рисующим, так и для рассмотрения возможности принятия ее в качестве нормативной. Иными словами, призвать художников, искусствоведов и педагогов договорятся раз и навсегда между собой и предложить модель.

Теоретической базой для создания авторской логико-структурной схемы послужил такой же накопленный опыт и знания, запечатленные в теоретических трудах, дневниковых записях, переписках художников, педагогов, искусствоведов Л. Б. Альберти, Е. А. Кибрика, В. А. Фаворского, К. Ф. Юона, Е. В. Шорохова, Н. Н. Волкова, М. В. Алпатова, Г. И. Панксенова и др. На вооружение поставлена психологическая теория восприятия человеком изображения, разработанная немецкими гештальт-психологами К. Коффкой, М. Вертхеймером, Р. Арнхеймом. Методологическую базу труда главным образом составили анализ различающихся теорий, их сравнение, критика через призму логики и функциональности, синтез, структурирование и моделирование.

Суть авторской концепции модели теории композиции (выраженной в логико-структурной схеме на рисунке 1) во многом основываясь на имеющихся опыте и знаниях выражает новую систему взглядов и подходов к их организации. Искусство носит кумулятивный характер (новые достижения не отменяют старые, а приобщаются к общей копилке достижений) и проверенный временем опыт по созданию прекрасного, с выявленными объективно работающими закономерностями, фактами и способами выражения задуманных идей, следует ввести в различные группы структурных элементов по родству функции и соподчинить по мере их способности выражать замысел художника.

Рис. 1. Авторская модель структуры теории композиции
в изобразительном искусстве

Самое трудное соединить в одной модели, композиционный процесс (рекомендуемый алгоритм работы над произведением) и теоретическую пропедевтику композиции, потому что это совершенно разные логики структурирования. Сложность заключается в том, что в реальной жизни есть процесс и есть теоретическое наполнение процесса, а в теоретическом знании можно алгоритм работы над композицией рассматривать в структуре методов выявления художественного образа. Казалось бы, удобно причислить этапам процесса свое теоретическое наполнение, но сделать это сложно в виду того, что композиция разрабатывается цельно с самого начала и этапы замысла, решения и исполнения определяют лишь степень проработанности произведения с одинаковым теоретическим наполнением. Поэтому авторское решение – поделить теорию и практику на два не взаимосвязанных раздела: композиция как процесс и композиционная пропедевтика, – хотя в жизни они взаимосвязаны. И это не амбициозное желание объять необъятное, а необходимость подробного разделения и нового обобщения, необходимая для описания общей картины композиционного знания.

Естественно, что в первую очередь как любая научная дисциплина, композиционная пропедевтика должна описывать определение, научные основания и межпредметные связи, историю развития и иные необходимые элементы научного аппарата дисциплины. В этой части можно утверждать, что различные теории композиции концептуально совпадают. Можно также согласиться с разнообразием определений т.к. каждое из них вносит лишь специфические нюансы в общее объяснение термина, который (по самому простому определению, например, С. И. Ожегова), совпадает с прямым переводом и значит составление, расположение частей [4, С. 234].

Далее основополагающей категорией для овладения композиционной пропедевтикой является художественный образ. Именно он, логически размышляя, детерминирует все остальные после идеи выборы художника начиная от направления и вида искусства, заканчивая конкретными приемами организации изобразительных элементов в произведении. В этом разделе знания следует рассматривать определение, историю развития понятия и философские концепции его понимания. Исходя из определения художественного образа как формы истолкования мира в эстетически воздействующих объектах [5, С. 106-107] [6, С. 760-761] следует разделить и рассматривать далее теорию в контексте взаимосвязи и различий темы произведения и метода ее отображения, так как категории отвечают на принципиально разные вопросы: тема – «что рисовать», а метод – «как рисовать». Деление помогает выявить векторы обучения и применить знания на практике в критическом анализе. Взаимосвязь разделов проявляется в том, что тема во многом определяет методы, но и одна и та же тема, в зависимости от предпочтений автора, может найти свое визуальное воплощение различными методами. На взгляд автора далее полезные для композиции группы знаний, точнее всего рассматривать в парадигме методов выражения художественного образа. Таким образом к методам можно отнести ряд выборов, связанных с сюжетом, видом изобразительного искусства, (живопись, графика, скульптура), направлением (предметное искусство или беспредметное), материалом и техникой, в которых идея будет воздействовать на зрителя эффектнее. Следует оговориться, что на практике художник не ставит перед собой экспериментальных задач выбора вида искусства, направления и жанра, а работает более-менее постоянно в определенном жанре, материале и манере, в силу личных интересов, склонностей, образа-ожидания (или предсозданного видения). Иными словами, живописец редко переделывается в графика, абстракционист в реалиста и т.д. Как правило эскизный поиск ведется в направлении сюжета и техники. Для полноты же теории следует обозначить свойства предметов передаваемого мира, исходя из золотого правила формирования образа, которое гласит, что в произведении должны гармонично сойтись материал произведения, цвет, в который оно окрашено и сама форма. Что же касается направлений в искусстве, разделы, посвященные сравнению беспредметной композиции и предметной (жанровой (отражающей какой-либо жанр искусства) или ассоциативной (нарушающей классические Аристотелевы единства)) важны. На взгляд автора на уровне первоначальных поисковых эскизов разработка образа в предметном искусстве может выглядеть весьма абстрактным распределением темных и светлых, больших и малых пятен будущих объектов наблюдаемого мира. Следовательно, и подходы к преданию каких-либо свойств композиции имеют как схожие черты и общие рекомендации, так и специфику. Далее в статье предлагается ввести в состав методов средства усиления образности, которые известны из литературы: аллегория, антитез, гипербола, гротеск, литота, метафора, цитата и иные. В различной степени они могут влиять на прочтение сюжета или характера каждого героя и в произведении изобразительного искусства. Отдельно тема для изоискусства не разрабатывалась, но имеет потенциал для исследования. Например, чтобы сильнее передать характер, индивидуальные черты показывают чуть гротесково, усиливают. Вспомним также известных русских символистов М. А. Врубеля и В Э. Борисова-Мусатова, а также Г. Климта, образы которых целиком и полностью аллегории и персонификации. Вместе с тем к формированию образа может относится и стилизация в двух основных аспектах: придание конкретного стиля эпохи и страны, либо авторская интерпретация формы в угоду идее. И конечно же к методу выражения образа относится большой и сложный в трактовке раздел организации композиции или размещения всех изобразительных элементов в условиях физических или логических границ. Этот раздел включает и описывает принципы, законы, правила, приемы, средства построения композиции, а также виды, типы и свойства, т.е. конкретно то, что обуславливает расположение изобразительного элемента в той или иной части формата. На основании анализа и сравнения различных теорий именно в части законов и правил выявляются массово разночтения. Оно и понятно, ведь соотношение принципов, законов, закономерностей и правил является актуальной философской и научной проблемой для гуманитарных наук. Ни политические науки, ни история, ни лингвистика, ни этика, эстетика и искусствознание, не устанавливают никаких научных законов, а дают каузальное объяснение исследуемым явлениям или же выдвигают на первый план оценочные утверждения.

Авторские выводы и предложения по данному разделу ранее подробно и доказательно излагалась в статье «Концепция теории организации композиции в изобразительном искусстве» в № 4 журнала «Искусство и образование» за 2017 год [7]. Основная мысль статьи заключалась в ориентире на принципы композиции, а законы и правила предлагалось лишить самостоятельного места в структуре и поставить их на службу достижения соответствию принципу. Ведь действительно какие рамки могут быть у творца? Еще Аристотель, Платон, Квинтилиан говорили, что искусство законам не подчиняется (хоть и говорили об искусстве педагогики). С одной стороны, постоянно меняющиеся эстетические вкусы общества с учетом развития технологий делают невозможным безапелляционное применение «проверенных временем» (сформулированных для достижения эстетического идеала определенной эпохи и направления) законов и правил к современному искусству. С другой – общие законы не годны для решения индивидуальных неповторяющихся задач, потому что в одной композиции идея диктует своё решение одним способом, а в другой – диаметрально противоположным. Недостаток всех безапелляционных законов и правил заключается в том, что не проводиться сколько-нибудь серьезного анализа связи содержания композиции с искомыми композиционными формами выражения. Итак, для выражения идеи законы и правила не годны. Однако накопленный опыт перспективно ввести, распределяя по родству функции, в структуру ориентировочных принципов, на которые можно будет опираться при решении задач, связанных с выражением идеи. Причем как с положительным значением, так и наоборот. Ведь в философии принцип – то же, что и основание, то, что лежит в основе некоторой совокупности знаний или фактов. Закон прекрасно подходит для описания физико-математических проявлений окружающего мира, но там, где многообразие человеческих (культуротворческих) проявлений в жизни не укладывается в четкую законченную форму закона, принцип дает большую свободу для обобщений. А вот для описания и достижения соответствия конкретному принципу законы и правила могут быть сформулированы. Возможно, такой подход профессиональному сообществу покажется радикальным. Сложно враз отказаться от знания, к которому за годы сложилось профессионально-ценностное отношение. Обоснуем точку зрения тем, что правило – это обычно четкая инструкция, что необходимо предпринять для достижения соответствия определенному условию. Сразу возникает вопрос какому, если мы говорим о композиции вообще и о всегда разной авторской идее. И все встает на места, когда мы достигаем соответствия определенному принципу. Закон – это категория, обозначающая объективные, существенные повторяющиеся, устойчивые связи внутри явления или же между явлениями, компонентами системы, отражающие механизмы её самоорганизации, развития и функционирования. В философских словарях трактовка законов и принципов во многом синонимична, а проблема соотношения также вечна, как спор между материализмом и идеализмом потому, что, говоря об одном и том же явлении, законы несут описательный характер, а принципы определяют указания к действию. Ученый и педагог Мария Александровна Ерофеева пришла в своих исследованиях к тем же выводам. Пусть сделала она это для педагогики, однако рациональное зерно может быть экстраполировано и на изобразительное искусство. Смысл ее выводов заключается в том, что законы не содержат непосредственных указаний для практической деятельности. Они являются лишь теоретической основой для разработки и совершенствования правил и принципов. В результате этого практические рекомендации и требования находят выражение в принципах и правилах. Они (принципы) как руководящие положения, первоосновы определяют содержание и практические рекомендации, характеризуют способы использования законов и закономерностей в соответствии с намеченными целями. Отдельные стороны того или иного принципа раскрывают правила. Правила вытекают из принципов [8, С. 15–21].

Тогда предлагаемая структура организации композиции может выглядеть ниже описанным образом. Далее будет назван принцип уравновешенности, который призывает к равномерному распределению изобразительных элементов в рамках формата, но он может быть опущен в угоду авторской идее. Закон может звучать так: изобразительный объект, помещенный в близи с краем формата привлекает много внимания и вызывает ощущение стремления за грань, дискомфорта и перевешивания той половины листа в которой он расположен. Понятно, что уравновесить изобразительную плоскость можно поместив какой-либо объект в близи противоположного края. Правило будет таким: для создания равновесных ощущений следует поделить формат горизонтальной и вертикальной осями на четыре части и заполнить изобразительными элементами каждую. Но это при условии, что нужно добиться именно равновесия. Так обозначена методология, по которой кропотливый ученый может сам сформулировать массу законов и правил. Статья ставит задачу выявить место в структуре больших групп.

Группу принципов составят: соразмерность, уравновешенность, структурированность, целостность, выразительность, оригинальность и новизна, отображение течения времени, правдивость (или жизненность) учет психологии и физиологии восприятия. Соразмерность, по сути, заключается в том, что в пределах физических или логических границ изобразительной плоскости сгусток взаимодействующих элементов композиции не должен быть мелким (чтобы оставались пустоты, в которых ничего не происходит) или же крупным (чтобы создавалось ощущение тесноты). Уравновешенность предлагает располагать изобразительные элементы, не допуская скопления их основной массы в какой-либо одной части листа, оставляя остальные опустошенными. Структурированность как принцип обуславливает выявление главного и соподчинение ему второстепенного т.к. чем проще и понятнее система взаимосвязей элементов и цветов в композиции, тем она доходчивее. Целостность как принцип призывает воспринимать композицию как единство идеи, формообразования, гаммы, колорита, технических приёмов и материала, в котором ничего нельзя переместить или заменить, от которого ничего нельзя отнять и к которому ничего нельзя добавить без ущерба для эмоционального воздействия. Выразительность ориентирует на такое художественное отражение действительности, которое будоражит и поддерживает внимание и интерес у публики. Оригинальность и новизна определяется не ранее не существовавшей авторской разработкой, а отхождением от так называемого «мэйнстрима» и нахождением авторского круга интересов и ни на кого не похожего изобразительного языка. Отображение течения времени впервые сформулировал Н. Н. Волков (хоть и назвал его законом жизненности) объясняя тем, что изображаемый момент сюжета должен содержать намек на прошедшее и будущее развитие [9]. Правдивость как принцип рекомендует художнику браться только за досконально известные для него темы, дабы соответствовать всей правде жизни. Принцип учета психологии и физиологии восприятия зрителя предлагает художнику моделировать правильную интерпретацию его произведения зрителем с учетом языка графических символов и цветов, культурных кодов, физиологических основ зрения и психологии восприятия. Ведь помимо смыслового уровня восприятия, где расшифровываются сюжеты предметного мира, также создаются уровни, влияющие на зрителя резонансом с глубинными ощущениями, ассоциациями, гештальтами – строительными кирпичиками психики. Не случайно, что для области изобразительного искусства играют большую роль научные открытия немецких гештальт-психологов К. Коффки [10], М. Вертгеймера [11] о человеческом восприятии. Огромное значение для изобразительного искусства имеет книга Р. Арнхейма «Искусство и визуальное восприятие» [12].

Для обеспечения соответствия принципам помимо законов и правил низшей ступенью являются приёмы и способы. Назвать их можно множество, например, обрамление фигуры листвой в Ренессансе, ввод в композицию через тень на переднем плане, вписывание элементов композиции в геометрическую форму, сгущение и разряжение, пауза и наложение, сведение всех перспективных линий картины в композиционном центре и т.д. Определяющим моментом для приёма или способа является конкретность решаемого вопроса, по организации элемента или группы. Перечислять и описывать их бессмысленно, потому что в результате многолетней практики могут быть разработаны собственные.

Также известна и важна для организации композиции группа морфологических средств (которые объективно определяют внешний вид). Безразлично составляете вы композицию осознанно, или интуитивно, они, присутствуют всегда с разной силой. Их принято называть выразительными средствами или средствами выражения замысла. Иногда их еще называют «средства гармонизации композиции». Смысл средств заключается в том, чтобы, во-первых, выявлять композиционный центр или главное в работе. Во-вторых, определяя формы, размеры, чередование, яркость и цветность изобразительных элементов они создают систему акцентов, раздражителей для восприятия зрителя, направляя его по задуманной художником траектории, раскрывая от одного смыслового узла к другому полную картину замысла автора. В-третьих, они выявляют эмоциональный настрой произведения придавая композиции такие свойства как, например, статика, динамика, массивность, легкость, спокойствие, напряжение и т.п. Перечень средств состоит из формата, контраста, нюанса, тона, цвета, ритма (метра), масштаба и пропорций.

Формат изображения, вернее его геометрическая форма и пропорции часто определяет восприятие изображения. Контраст как художественное средство заключается в противопоставлении двух противоположных качеств для акцентирования внимания. Технические противопоставления форм, цветов, тонов придают композиции декоративную силу. Смысловые контрасты определяют характер художественного образа. В противоположность контрасту, нюансы успокаивают восприятие зрителя, обобщают элементы в целое. Выразительная способность ритма заключается в том, какую траекторию должен пройти взгляд, чтобы «добраться» от одного объекта к другому. Если расстояние не большое и глаз быстро «перескакивает» с одного элемента на другой, то ритм ускоряется, и наоборот. Кроме того, ритм в живописном произведении проявляется в построении цветотональной системы изображения и в энергии красящих мазков. Масштабом может выражаться смысловая значимость или мизерность объекта рисования, массивные и легковесные ощущения. Вместе с тем опытом автора подмечено: большие формы имеют свойство зрительно объединять в группы более мелкие, средние, как правило, выполняют основную задачу по созданию сюжета, а мелкие изыскано украшают работу. Пропорции позволяют создавать определенные эмоциональные ощущения возвышенности или приземистости в картине, добиваться декоративных эффектов и стилизаций. Огромный аспект пропорционирования в искусстве связан с использованием золотого сечения. Тон по принципу контрастов выделяет главное, а также может задавать общий эмоциональный настрой. По аналогии с жизненными наблюдениями тёмные картины ассоциативно связаны с тяжелыми, патологическими душевными состояниями, и, напротив, светлые связаны с радостью и чистотой. Цвет передает смысл и эмоциональный настрой своими собственными (насыщенность, цветовой тон, светлота) и несобственными качествами (имеющими психический, физиологический, культурологический, религиозный, социальный, этнический и индивидуальный уровни его восприятия).

К качествам и свойствам композиции предлагается относить такие ассоциативные понятия как её статичность, динамичность, симметричность и асимметричность, массивность, лёгкость, ажурность, звонкость, глухость, темнота, светлота и т.п. Эти качества создаются в произведении ранее перечисленными средствами. Они служат не самоцелью, а лишь способом передачи общего состояния, достижения определенного эмоционального настроя в произведении.

Типов композиции неизменно называют два: закрытый, т.е. ограниченный по краям листа изобразительными формами наподобие “кулис”; и открытый, со свободными открытыми краями изобразительной плоскости.

Виды композиции также стабильно в различной литературе называют по признаку пространственного расположения элементов. Называются три вида композиции: фронтальная, объемная и глубинно – пространственная. Фронтальная композиция (плоскостная) – это 2х мерная композиция, она развита по горизонтали и вертикали. Присуща декоративным работам, основанным на плоских делениях формы, орнаментальным композициям и возможно некоторым проявлениям абстракционизма. Объёмная композиция характеризуется распределением массы по 3 координатам пространства, образуя трехмерную форму, например, круглую скульптуру. Глубинно-пространственная композиция характеризуется созданием изображений, рассчитанных на восприятие ширины, высоты и глубины, т.е. обычное реалистичное изображение, копирующее наблюдаемый мир с его тремя измерениями.

Если рассматривать композицию как процесс, то практика определяет три основных этапа: замысел, решение, исполнение. Это чисто прикладное оптимизированное опытом знание, которое позволяет быстро вести работу над творческим произведением, добиваясь при этом максимально выразительного соответствия произведения образу-ожиданию из воображения автора. Содержание этапов подробно описано в отдельной ранее опубликованной статье «Этапы работы над визуализацией» [13]. Обозначим лишь, что замысел характеризуется оформлением приемлемых форм визуального воплощения в эскизном поиске предсозданного в воображении виденья идеи. Иными словами, на этом этапе требуется беглое эскизирование в свободной манере без конкретной прорисовки деталей всевозможных пришедших на ум вариантов отображения темы, т.к. враз сложно точно передать лишенное границ динамичное представление. Частым методом формирования художественного образа является написание перед работой небольшого рассказа и его построчная визуализация в композиции. На стадии замысла необходимо добиться соответствия требованиям цельности, соподчиненности, уравновешенности, новизны, выразительности и т.д. Важно заложить гармоничное взаимодействие масс главного и второстепенного, большого и малого, темного и светлого в условиях «воздействия рамы». Создать средствами выразительности систему визуальных раздражителей, направляющую глаз и мысль смотрящего по задуманной художником траектории. Все перечисленные изначально найденные качества при бережном отношении в процессе работы уже никуда не исчезнут. В противном случае, им неоткуда будет взяться в конечном исполнении. Число набросков зависит от степени приближения к идее-замыслу и оформлением варианта, намечающего точную траекторию дальнейшего детального развития. На этап решения следует, предварительно выбрав один наиболее потенциальный из вариантов эскиз, развить его сильные стороны и детально проработать каждый образ или характер, найти красивые движения, уточнить линии, масштабы, ритмы, тона. Следует очистить сюжет от запутывающих деталей, вызывающих при восприятии отвлекающие подсмыслы и ассоциации. На этом этапе при необходимости (в зависимости от направления в искусстве) осуществляется выход на натурный материал отражающий правду жизни: создаются и применяются натурные зарисовки, используется фото и интернет. Метод доводки изображения с помощью калек также характерен для данного этапа. Логическим завершением этапа является создание «картона» (детального эскиза в полный размер картины для перевода на холст) к будущей работе. Исполнение — завершающий этап работы над произведением, при котором ничего в найденном решении не меняется. Эскиз или проект предельно точно воплощается в материале. Домысливание эскиза в стремлении усилить художественную выразительность произведения, предварительно не проанализировав возможный результат, не допускается.

В статье поднимается сложная тема, и ставятся такие задачи, которые, кажется, невозможно выполнить идеально. Несмотря на это, авторская модель теории композиции концептуально представлена и может явиться если и не костяком, то поводом для дальнейших фундаментальных разработок. Статья и призвана, во-первых, обратить внимание на необходимость проверять логикой многие существующие разработки по теме, во-вторых, побудить коллег к идее договориться между собой, возможно, на основе предложенной модели.

А. С. Чувашов

Список использованных источников

1. Волков Н. Н. Композиция в живописи. М.: Искусство, 1977. 143 с.
2. Шорохов Е. В. Методика преподавания композиции на уроках изобразительного искусства в школе : пособие для учителей. – Изд. 2-е, перераб. и доп. М.: Просвещение, 1977. 112 с.
3. Шорохов Е. В. Композиция. Учебник для студентов художественно-графических факультетов педагогических институтов. – Изд. 2-е, перераб. и доп. М.: Просвещение, 1986. 207 с.
4. Ожегов С. И. Словарь русского языка: ок. 57000 слов. Под ред. чл. корр. АН СССР Н. Ю. Шведовой. – 20 изд., стереотип. М.: Русский язык, 1988. 750 с
5. Краткий словарь по эстетике: книга для учителя / Под ред. М. Ф. Овсянникова. М.: Просвещение, 1983. 223 с.
6. Философский энциклопедический словарь / Гл. редакция: Л. Ф. Ильичёв, П. Н. Федосеев, С. М. Ковалёв, В. Г. Панов. М.: Советская энциклопедия, 1983. 840 с.
7. Чувашов А.С. Концепция теории организации (построения) композиции в изобразительном искусстве // Искусство и образование. М.: ООО «Международный центр «Искусство и образование». 2017. № 4. С. 14 – 28.
8. Ерофеева М. А. Общие основы педагогики: конспект лекций. М.: Высшее образование, 2006. 188 с.
9. Волков Н. Н. Композиция в живописи. М.: Искусство, 1977. 143 с.
10. Koffka K. Principles of Gestalt psychology. N.Y., 1935.
11. Вертгеймер М. Продуктивное мышление / Пер. с англ. Общ. ред. С. Ф. Горбова и В. П. Зинченко. Вступ. ст. В. П. Зинченко. М.: Прогресс, 1987. 336 с.
12. Арнхейм Р. Искусство и визуальное восприятие / Пер. с англ. В. Л Самохина; под общ. ред. В. П. Шестакова М.: Прогресс, 1974. 392 с.
13. Чувашов А.С. Этапы работы над визуализацией. // Визуальные образы современной культуры: традиции и новации в культуре мегаполиса : сборник научных статей по материалам III Всероссийской научно-практической конференции с международным участием, 10 — 11 апреля 2014 г. / Редкол.: П.Л. Зайцев и др. – Омск: Золотой тираж, 2014. С. 178 – 183.

со своего сайта.

Изобразительное искусство и законы композиции

1. Изобразительное искусство и законы композиции

Искусство это творчество в целом.
Какие виды искусства нам известны:
Литература, музыка, танец, театр, кино.
Давайте посмотрим какие виды и жанры
существуют
в изобразительном искусстве
Живописью мы называем
произведения,
созданные красками
Это уже знакомые нам
акварель, гуашь, а также
картины, написанные маслом
Техника живописи на протяжении веков
постоянно совершенствовалась.
Живописцев привлекали всё более
разнообразные сюжеты. Это и привело к
появлению жанров.
.Давайте поподробней остановимся
на некоторых жанрах
Лось против волков
Анималистический жанр изображение животных в живописи
Название происходит от латинского слова «анимал»,
что в переводе означает — животное. Художники,
работающие в анималистическом жанре,
называются анималистами. Анималисты изучают
характер, повадки и образ жизни животных. Они
наблюдают за ними и в зоопарке, и в дикой природе.
Я рисую акварелью
Белку под мохнатой елью.
Скачет рыжая малютка
По сухой опавшей хвое.
Я прошу: «Ну хоть минутку
Посиди-ка ты в покое!
Чтоб я смог нарисовать
Твой чудесный пышный хвостик,
Чтоб сумел я передать
Быстрый глаз и влажный носик!
Мы с вами тоже рисовали домашнее
животное «Кот под зонтом»
А теперь разберём следующий жанр
Если видишь, что с картины
Смотрит кто-нибудь на нас,
Или принц в плаще
старинном,
или в робе верхолаз,
Лётчик или балерина,
Или Колька твой сосед
Обязательно картина
называется
ПОРТРЕТ!
Тропинин В.А.
«Портрет сына»
Городской пейзаж
Морской пейзаж
ПЕЙЗАЖ – это жанр, посвящённый изображению природы
Сельский пейзаж
Индустриальный пейзаж
Парковый
Природный
Космический
Архитектурный
Мы его составим, а потом
рисуемВазочку с цветами, скатерть
голубую,
Книги, кисти, краски, даже
бутерброд!
О работе скажем — это
НАТЮРМОРТ!
Натюрморт
– жанр изображающий разные предметы и
вещи, объединенные в группу конкретным сюжетом
Живописный
Графический
Учебный
Мир вещей, который
многое
может рассказать
Декоративный
Сказочно-былинный жанр
(мифологический)
«Алёнушка» Васнецов В.М.
«Иван -царевич на сером волке»
Бытовой
жанр живописи, посвящён
изображению повседневной жизни человека
Серебрякова Зинаида
«За завтраком»
Б.М. Кустодиев
«Утро»
Бата́льный
жанр (от фр. bataille
битва) жанр посвящённый темам войны и
военной жизни.
«Оборона Севастополя»
А.Дейнека
«Поединок Пересвета с Челубеем
на Куликовом поле» Васнецов
Ну, а теперь время пришло
для викторины.
Посмотрим на сколько вы
были внимательны на уроке.
Сейчас вам предстоит
узнать к каким жанрам
живописи относятся, те или
иные произведения
К какому жанру относятся произведения?
К какому жанру относятся произведения?
К какому жанру относятся произведения?
Мы с Вами познакомились с основными жанрами в
живописи. Посмотрели много художественных
произведений. А что же объединяет все картины,
написанные в разных жанрах – идея, замысел
художника.
Путь от замысла до его воплощения часто очень долог,
иногда он занимает годы и десятилетия. Художник ищет
форму, которая лучше всего выражала бы его идею.
Делается немало набросков, в которых осуществляется
поиск точки зрения, высоты горизонта, размещения
предметов, смыслового центра картины. Художник:
составляет, соединяет, располагает в единое целое
нескольких разнородных частей, в основе которых
лежит идея. Другими словами художник составляет
КОМПОЗИЦИЮ. КОМПОЗИЦИЯ — является
основой любого художественного произведения
При создании композиции важно все: и размер
бумаги
или
холста,
и
ритмическая
последовательность расположения фигур, и
использование симметрии или асимметрии,
статики и динамики, равновесие, контрасты
или нюансы, глубины и пятна.
Большая
тема,
идея,
как
правило,
воплощается в большом полотне.
Силе любви русского народа к своей Родине
посвящена
картина
В.
М.
Васнецова
«Богатыри», тоже большого размера. Точка
зрения
снизу
вверх
подчеркивает
значительность
и
монументальность
содержания.
Композиция художественного произведения может
строиться как по вертикали, так и по горизонтали
По горизонтали построена композиция
картины И. Е. Репина «Бурлаки на Волге».
Вертикальное построение
композиции встречаем в
картине В. В. Верещагина
«Двери Тимура».
Компоновку любого художественного произведения нужно
начинать с поисков и определения композиционного центра.
Композиционным центром называется тот предмет, часть
предмета или группа предметов, которые расположены в
картине так, что первыми бросаются в глаза.
Примером может служить картина В. И. Сурикова «Боярыня
Морозова». Композиционным центром здесь является
бледное, аскетическое лицо мятежной боярыни.
Изобразить
конфликт
личности
и
государства,
противостояние черного пятна фону — для художника
Сурикова художественные задачи одинаковой важности.
«Боярыни Морозовой» вообще могло не быть, если бы не
ворона в зимнем пейзаже. «…Раз ворону на снегу увидал.
Сидит ворона на снегу и крыло одно отставила. Черным
пятном на снегу сидит. Так вот этого пятна я много лет забыть
не мог. Потом «Боярыню Морозову» написал», — вспоминал
Василий Суриков о том, как появился замысел .
Размер картины составляет 304 х 587,5 см.
Для создания своих произведений художники
пользуются специальными художественными
приемами, способствующими раскрытию
содержания работы. Называются они законами
композиции.
Законы композиции применяются для всех
художественных произведений искусства. Если
нарушается один из законов — нарушается
гармония. Существуют четыре основных закона
композиции:
— закон целостности
— равновесия
— соподчинения
— контрастов
Мы разберём с Вами 2 закона.
ЗАКОН КОНТРАСТОВ
Контрасты* являются воздействующей силой композиции и
определяют ее выразительность
В композиции применяются
контрасты характеров,
фактур, материалов,
плоскостей и объемов,
силуэтов, света и тени,
теплых и холодных цветов,
контрасты величин
(большого и малого),
контрасты в построении
сюжета (контрасты положений,
психологические контрасты).
*Контраст — это сочетание противоположного в зрительном восприятии
ЗАКОН РАВНОВЕСИЯ
Когда художник изображает
какие-либо объекты, то он
распределяет их на
плоскости листа или холста.
Какие-то из них большего
размера, какие-то меньшего.
Какие-то расположены
слева, какие-то справа… Вот
это самое распределение
предметов в листе может
создавать ощущение
движения, смещения,
уравновешенности и т. д.
А вот теперь нам потребуется
пример с весами. Обратите
внимание на иллюстрацию. Здесь
изображены две ситуации. В одной
— весы уравновешены, а в другой
— весы наклонились в сторону под
тяжестью гири. Тоже самое
происходит и в композиции. На
рисунке изображен портрет в двух
вариантах — в одном композиция
находится в равновесии, а в другом
— изображение смещается в
сторону, создавая ощущение, будто
рисунок накренился. Это
воспринимается ассоциативно, на
уровне ощущений, а происходит изза неравномерности масс,
неравномерности в распределении
силуэтов в листе.
Как же нам уравновесить нашу иллюстрацию.
Оказывается существуют способы создания
композиционного равновесия – симметрия и
ассиметрия.
Примеры симметрии
Симметрия — равномерное
размещение элементов по оси,
делящее пространство на равные
части.
В симметричной композиции
расположение элементов
относительно оси должно быть
одинаковое.
— Симметрично построенная
композиция встречается во многих
произведениях, назовем наиболее
известные: “Тайная вечеря”,
“Богатыри” Виктора Васнецова.
Асимметрия — неравномерное
размещение элементов при
сохранении общего равновесия.
— В асимметричной композиции
расположение объектов может быть
самым разнообразным в зависимости
от сюжета и замысла произведения,
левая и правая половины
неуравновешенны.
Но как уравновесить асимметричную композицию в
которой левая и правая стороны по определению не
должны быть одинаковыми?

Композиция в живописи – правила построения композиционной структуры| Ogivitel-ART

Создание любого художественного произведения начинается с композиции, которая строится по законам визуального восприятия и является основой изображения. Композиция (от латинского compositio – соединение, сочетание, связывание) – одна из главных категорий изобразительного искусства, определяющая художественную форму и задающая разработку картины, рисунка, иллюстрации в соответствии с тем, как человеческий глаз воспринимает действительность.

 

Композиция представляет собой костяк («скелет») произведения, отвечающий за грамотное размещение объектов в пространстве, правильное соотношение их размеров и конфигураций, а также гармоничное сочетание оттенков и светотеней. Соблюдение композиционных правил и законов является одним из главных секретов целостной и завершенной картины, в которой все элементы взаимосвязаны и подчинены единой идее. Но прежде, чем рассказать о правилах создания композиции, небольшой экскурс в историю.

История композиции

Понятие «композиция» вошло в терминологию изобразительного искусства в эпоху Возрождения (Ренессанса), когда художники при создании произведений начали использовать знания перспективы, геометрии и анатомии. Старые мастера вне зависимости от того, в каком жанре работали, старались выразить и донести до зрителя свою идею за счет целостности рисунка, единства сюжета и колорита.

 

Важно! Если вы строите композицию, базирующуюся на готовом произведении (делаете копию), важно вести работу «от пятна». Необходимо увидеть, где располагаются тени, света и полутона и уложить их на «свои места» в созданную на основе геометрических фигур конструкцию. Здесь мы именно учимся у великих и приспосабливаем наш глаз и мышление строить сложные композиции. Подробнее об этом рассказывается в видео (на примере рисунка)«В чем заключается проработка пятна, и как она помогает исправить ошибки в рисунке».

 

Для ренессанса характерны трехмерность, глубина пространства, трехъярусное расположение пейзажа, принципы ритмичности, чередования горизонталей и вертикалей. В работах художников периода раннего Возрождения можно увидеть приемы противопоставления персонажей на основе контраста (например, «Поцелуй Иуды» Джотто). Огромную роль в формирование композиционных законов внес Леонардо да Винчи, введя в практику понятия линейной и воздушной перспективы. В этот период художники впервые стали передавать статику и динамику, размещать ближние и дальние объекты так, как их воспринимает человеческий глаз.

 

В картинах художников, работавших в эпоху Барокко, появляется еще больше динамизма, для персонажей характерно сложное движение, из-за которого композиция теряет «устойчивость». Барочная живопись изобилует темными цветами, а освещенные предметы не имеют строгих очертаний, как в ренессансе. Для построения композиционных структур используются приемы восходящей и нисходящей диагонали, движение по спирали и усложненные ракурсы, в частности, перевернутые фигуры и нарочито большие по отношению к размеру холста фигуры.

Структурная основа художественных произведений классицизма характеризуется простотой и сдержанностью цветовой гаммы. На все виды искусства того времени, в том числе и на композиционные построения в живописи, большое влияние оказывает театр. Принцип организации художественного произведения в классицизме напоминает макет сцены, когда главные герои располагаются на втором плане, а первый и дальний виды служат для отображения второстепенных объектов. Распространенными композиционными построениями являются «треугольник», «квадрат» и «прямоугольник».

В эпоху Романтизма и Реализма по композиции создаются учебные пособия, она вводится в образовательную программу как отдельная дисциплина. Ориентируясь на суммарный опыт прошлых периодов, художники уделяют большое внимание принципам и приемам: обобщения, «осевых линий», уравновешивания тонов и пятен, характера формата. В эпоху романтизма и реализма при создании художественных произведений применяются законы начертательной геометрии и теории теней.

Приход импрессионизма, модернизма и авангардизма приводит к утрате композиционной целостности. Художники оставляют за собой право экспериментировать и писать картины на основе теории цвета, собственного видения мира и формальных композиционных решений. На смену классическо-академической композиции приходят абстрактные композиционные структуры.

Правила построения композиции

Существует 2 вида композиционных структур – статичная и динамичная. Первая передает ощущение равновесия, покоя и умиротворенности, вторая показывает движение, включая эмоции и стихии.

 

Принцип создания статики и динамики основывается на отклонении угла объекта от вертикали и горизонтали. Чем больше в предметах вертикальных и горизонталей линий, тем статичней композиция, и наоборот. Статика и динамика проявляется также в симметричном и ассиметричном расположении объектов по отношению друг к другу.

Что такое композиционный центр и как его выделять

Одной из основных задач художника является определение композиционного центра – главного объекта произведения, на который должен быть устремлен взор наблюдателя. Существует несколько способов, позволяющих строить композицию таким образом, чтобы зритель в первую очередь обратил внимание на ту или иную часть картины:

• отличие габаритов главного и второстепенных объектов;
• использование многоплановости;
• задействование направляющих;
• применение контраста.

Главный объект произведения чаще всего изображается самым большим, потому что крупные элементы привлекают внимание сразу, и только потом зритель переходит к рассмотрению мелких. Исключением являются изображения, где все предметы большие и лишь маленький. Он обычно расположен на переднем плане и играет роль своеобразного «крючка», заставляющего зрительно обращаться к нему снова и снова.

 

Используя многоплановость, художник может создать глубину пространства, выдвинув композиционный центр на передний план, а другие объекты разместить на заднем или наоборот. При этом следует учитывать, что главный элемент должен быть единственным в пространственной плоскости. Для обозначения композиционного центра также используют метод направляющих, в качестве которых выступают объекты картины. Достигается это различными способами, например указанием динамики движения вспомогательных предметов к основному или обращение взоров второстепенных персонажей к главному.

Контрастный композиционный центр в свою очередь базируется на разнице между темным и светлым тонами. Другими словами, главный объект композиции должен быть либо сильно темнее, либо значительно светлее второстепенных. При использовании этого приема следует учитывать, что темная заливка визуально уменьшает, а светлая – увеличивает предмет. А в этом видео на примере ведения работы по технологии оптических просветов показано, к чему может привести нарушение правил построения композиции. Что получается, когда композиционный центр «проваливается» и хаотически перемешивается с второстепенными объектами.

Правила построения композиции

Теперь, когда вы знаете, как создается статика и динамика, и какими способами можно привлечь внимание к главному объекту картины, можно поговорить о правилах гармоничной композиции.

Правило «золотого сечения»

«Золотое сечение» – это разновидность геометрической пропорции, когда отношение целого к большей части равняется отношению большей части к меньшей в соотношении 0,618 к 0,382 или 62% и 38%. Существует 2 способа построения структуры будущей композиции – спиралевидный (логарифмический) и диагональный.

 

Логарифмическое «золотое сечение» получило такое название из-за последовательности «вложенных» друг в друга прямоугольников, стороны которых относятся друг к другу как 0,618 к 0,382. Для создания композиции строить прямоугольники не обязательно, достаточно карандашом прорисовать спираль, на которой будут располагаться объекты по убыванию размеров – в начале спирали самые большие, в конце – самые маленькие.

 

Диагональное «золотое сечение» чаще всего используется для размещения разнотипных объектов. Для создания композиционной оболочки необходимо нарисовать прямоугольник и провести диагональ. Затем к диагонали из вершины геометрической фигуры прочертить перпендикуляр, разбивающий ее на отрезки в соотношении 62% и 38%. Получатся 3 треугольника разных размеров, в которых будут располагаться значимые объекты будущей композиции.

Конструкция может быть и произвольной – главное, чтобы она была удобной и позволяла грамотно распределить важные элементы изображения и соблюсти правильные пропорции. Как определить значимые объекты и создать тематический «каркас», и какие ошибки могут возникать, если пренебречь построением конструкции, рассказывается в видео, посвященном работе над рисунком по технологии оптических просветов.

Правило третей

Является упрощенной версией «золотого сечения» и заключается в разбиении плоскости на 9 равных прямоугольников. Если в композиционный центр входит один объект, то его (объект) следует расположить в центральном прямоугольнике ближе к одной из вертикальных сторон. Если значимых элементов несколько, они размещаются в вершинах прямоугольников, а линия горизонта обычно располагается на одной из горизонтальных линий. Правило третей подходит как для создания симметричной, так и ассиметричной композиции.

Как правильно строить композицию и вести работу «от пятна». Почему следует отказаться от штриховки в рисунке и каким образом создается воздушная перспектива. Как сделать изображение объемным и добиться тонкой игры полутонов. При каких условиях гармоничные оттенки рождались сами собой, и за счет чего в картине возникает внутреннее свечение. Эти и многие другие нюансы технологии оптических просветов, основанной на технике Старых мастеров, вы узнаете из книги, скачать которую можно по этой ссылке.

Вконтакте

Facebook

Twitter

Одноклассники

Структурно-семантический метод в анализе композиции произведений живописи

Структурно-семантический метод в анализе композиции произведений живописи

Надежда ДЕГТЯНИКОВА (Челябинск, Россия), Кандидат искусствоведения,  преподаватель Челябинского художественного училища

Картина представляет собой функциональное единство трех составляющих: содержания,  структуры его изображения — композиции и «программы» восприятия.

Композиция – средство структурной организации целостной (замкнутой) системы художественного произведения, способ визуального мышления и построения изображения.

Конечно, композиция – это творческий акт, основанный на единстве рационального и эмоционального начал, на расчете и интуиции художника. Произведение искусства представляет собой то самое органическое целое, в котором все части, все составляющие его элементы взаимосвязаны между собой функционально, конструктивно, композиционно, то есть составляют гармоническое единство. Выделение одного какого-либо качества композиции в целостном охвате всего произведения, прием искусственный, условный, но необходимый.

Рассматривая композицию картины как художественную форму, состоящую из внешней (зрительный образ) и внутренней (художественный образ – смысл) формы, необходимо отметить, что они взаимообусловлены и взаимосвязаны между собой.

Разные смыслы диктуют разные композиционные формы в художественном произведении. В то же время форму каждого произведения изобразительного искусства можно рассматривать с точки зрения определенного взаимодействия всех ее элементов между собой и с пространством – как объемно-пространственную структуру.

В построении структуры композиции можно выделить ряд принципов, характеризующих композицию как целостность:

1). Принцип ограничения плоскости изображения.
2) Принцип регулярности поля.
3) Принцип координат.
4) Принцип расчленения и объединения изображения на плоскости.
5) Принцип выделения главного в композиции.
6) Принцип моделирования пространства.

1). Принцип ограничения плоскости изображения.

Изображение всегда выполнено на какой-либо поверхности. Чтобы это изображение воспринять, его необходимо вычленить из всего зрительного поля, в которое может попадать все, что находится рядом с этим изображением. Вычленяя, мы как бы проводим границы между плоскостью изображения и остальным пространством. Установление границ является первичным актом самоопределения плоскости изображения. Композиция всегда строится в определенном формате, где определяющую функцию выполняет смысл задуманного произведения. Взаимообусловленность содержания и формата – это отдельная тема; в композиции существуют такие понятия как «семиотка» формата – знак, значение и «семантика» формата – смысл, содержание.

2) Принцип регулярности поля.

Картина – есть прежде всего плоское поле. Плоскость загрунтованного холста однородна лишь как материальное поле. Изобразительное же поле представляет собой неоднородную структуру. Схематически плоскость ограничена двумя вертикалями и двумя горизонталями и тем самым выделена из окружающей среды как самостоятельная сущность. Между тем эта плоскость представляет собой формулу координации видимого мира, зрения и изображения.

Любая плоскость, образованная таким образом, имеет четыре стороны: верх — низ, право — лево. Приближаясь к той или иной границе, формы испытывают особое их воздействие, что имеет значение в целом для композиции.

3) Принцип координат.

Гравитационная структура изображения предполагает наличие вертикали и горизонтали, которые составляют систему отсчёта. Все элементы композиции в формате прямо или опосредованно связаны с вертикальной и горизонтальной осями. Из пересечения вертикали и горизонтали в диагональных направлениях исходят напряжения, которые характеризуют четыре части формата.

Отсюда вытекает определение диагоналей:

— гармоничная диагональ – «лирическое напряжение», например, «Фрина на празднике Посейдона в Элевсине» Генриха Семирадского;

— дисгармоничная диагональ – «драматическое напряжение», например, «Боярыня Морозова» В.Сурикова.

Образовавшаяся система осей позволяет не только охватить глазом всю изобразительную плоскость, но и является системой осей симметрии. Конечно, в композиции картины мы чаще говорим о симметрии не строго зеркальной, а вариационной. Например, «Троица» А.Рублева. Наибольшее отступление от строгой симметрии можно встретить в динамических центральных композициях — центробежных и центростремительных. Например, «Страна лентяев» П.Брейгеля. Чаще всего в картине встречается асимметричное построение изображения, где вступают в силу другие законы и средства организации картинной плоскости, такие  как ритм, а в геометрии картины приобретают значение оси равновесия. Ритм и симметрия в композиционной структуре диалектически взаимосвязаны и соотносятся с понятием – «тектоника» – силовые напряжения во взаимодействии композиционных элементов.

4) Принцип расчленения и объединения изображения на плоскости.

Всякое изображение на плоскости представляет собой одновременно и согласие, и конфликт с этой плоскостью, оно существует в поле постоянного напряжения сил. Существует два вида принципиальной возможности расположения элементов на плоскости:

1. Элементы располагаются на плоскости настолько материально, что чрезвычайно усиливают значение самой плоскости. Например, «Черемуха» К.Петрова-Водкина.

2. Связь элементов с плоскостью настолько свободна, что она как бы исчезает и элементы «парят» в пространстве, которому неведомы определенные границы (особенно в глубину). Например, «Видение Петру Николасскому св. апостола Петра» Ф.Сурбарана.

Любое изображение на плоскости членит ее на отдельные элементы, которые находятся в определенных взаимосвязях между собой и с плоскостью. Для психологии восприятия изображения присуще стремление к объединению элементов в плоские геометрические фигуры, например, «Троица» А.Рублева – овал, «Крещение Христа» И.Патинира – крест. Однако важно не столько выявить в композиции ту или иную геометрическую форму, сколько найти ее взаимосвязь со смыслом картины. Например, овал в «Троице» А.Рублева выражает смысл единства: Бог-отец, Бог-сын, и Святой дух. Фигура «крест» в картине «Крещение Христа» И.Патинира повторяется трижды, что непосредственно связано со смыслом произведения.

Линейно-плоскостное расположение групп в целом служит для выделения главного и соподчинения всех элементов композиции, а самое важное – всегда отражает смысл и содержание произведения. Однако, расчленяя плоскость, элементы находятся в постоянных взаимосвязях между собой, что способствует сохранению целостности картинной плоскости.

5) Принцип выделения главного в композиции.

Конструкция выполняет функцию подачи смысла. Конструктивный центр в картине чаще всего является и смысловым. Здесь можно говорить о геометрическом центре, зрительном и композиционном, которые могут совпадать и могут не совпадать. В зависимости от расположения главного композиционного узла принято говорить о центрической композиции – «Иван Грозный и сын его Иван» И.Е.Репина; децентрализованной – «Оборона Петрограда» А.Дейнеки; диагональной – «Слепые» П.Брейгеля; кругообразной – «Тайная вечеря» Тинторетто.

В диагональных композициях иногда можно встретить два композиционных центра, взаимодополняющих или находящихся в противоречивых отношениях друг с другом. Например, «Оборона Севастополя» А.Дейнеки, «На старом Уральском заводе» Иогансона.

Наиболее распространенными являются децентрализованные композиции, когда композиционные центр не связан строго с геометрией картины. В этом случае художник пользуется другими приемами выделения главного: светом – «Призвание Матфея» Караваджо,  цветом – «Воскрешение дочери Иаира» Поленова, масштабом – «Явление Мессии» А.Иванова, пропорциями – «Девочка на шаре» П.Пикассо и т.д.

6) Принцип моделирования пространства.

Анализом проблем пространства, времени, движения занимается научно-философская литература.

Изобразительное искусство оперирует художественными образами, которые характерны для перцептивного пространства-времени, опосредованно связаного с концептуальным пространством-временем, характерным для той или иной эпохи. Художественный образ, который является основой внутреннего, смыслового пространства произведения определяет внешнее изобразительное пространство картины.

Истории искусства присущи определенные традиции построения пространства. Картинное пространство выражает представления о культуре той или иной эпохи.

Существуют различные способы построения пространства:

– ортогональные проекции – Египетский рельеф. При построении пространства и передаче объема пользовались условными  поворотами, когда удаленные предметы изображались над близкими без изменения их размеров;

– слоями, прием наложения изображения одного на другое, например, «Бегство в Египет» Джотто – Раннее Возрождение;

– кулисами: Позднее Возрождение, эпоха Классицизма – 17 век использовали приемы кулисного построения пространства и мягкой светотеневой моделировки формы –  «Поклонение волхвов» Боттичелли, «Вакханалия» Н.Пуссен;

– ракурсами, например, «Воскресение» Эль Греко, где пространство строится за счет ракурса и раскручивающегося движения объемных тел;

– искусство Нового времени характеризуется применением различных видов перспективы: линейной – И.Репин «Не ждали»; кубической – Жорж Брак «Гитарист»; цилиндрической – «Большая вода» И.Левитана; шарообразной – К. Петров-Водкин «Утренний натюрморт»; свето-воздушной – «Крестный ход в Курской губернии» И.Репина; используется разномасштабность для усиления выразительности художественного образа, например, в произведении «Меньшиков в Березове» В.Сурикова;

Главным основанием в композиционной деятельности является смысл художественного произведения. Прежде чем компоновать, необходимо обладать идеей, не априорной, а сюжетной и пластической.

Структурно-семантический метод можно классифицировать  как эвристический метод, который позволяет открывать новые возможности в изучении отдельных элементов композиции произведений искусства, способствует выявлению взаимосвязей композиционной структуры и содержания, позволяет наиболее полно раскрыть противоречивые тенденции художественного образа.

 

ЛИТЕРАТУРА:

1. Алпатов М.В. Этюды по истории западноевропейского искусства. − М.: Академия художеств СССР, 1963. − 425 с.
2. Арнхейм Р. Искусство и визуальное восприятие. − М.: Прогресс, 1974. − 392 с.
3. Вельфлин Г. Основные понятия истории искусств. Проблема эволюции стиля в новом искусстве. − СПб.: Мифрил, 1984. − 398 с.
4. Волков Н.Н. Композиция в живописи. – М.: Искусство, 1977. – 264 с.
5. Даниэль С. Сети для Протея. Проблемы интерпретации формы в изобразительном искусстве. − СПб.: Искусство — СПб, 2002. − 304 с.
6. Даниэль С.М. Искусство видеть. О творческих способностях восприятия, о языке линий и красок и о восприятии зрителя. − Л.: Искусство, 1990. − 223 с.
7. Даниэль С.М. Картина классической эпохи. Проблема композиции в западноевропейской живописи XVII века. – Л.: Искусство, 1986. – 199 с.
8. Кандинский В. Точка и линия на плоскости. − СПб.: Азбука, 2001. − 560 с.
9. Кудин П.А., Ломов Б.Ф., Митькин А.А. Психология восприятия и искусство плаката. − М.: Плакат, 1987. − 208 с.
10. Леонардо да Винчи. Суждения о науке и искусстве. − СПб.: Азбука, 2001. − 704 с.
11. Панофский Э. Смысл и толкование изобразительного искусства. − СПб.: Академический проект, 1999. − 394 с.

Композиция (изобразительное искусство) — Энциклопедия искусства и народной культуры

Из энциклопедии искусства и народной культуры

В изобразительном искусстве, в частности в живописи, графическом дизайне, фотографии и скульптуре композиция — это план, размещение или расположение элементов или ингредиентов в произведении искусства. Выбор и размещение элементов в произведении способствует отклику зрителя, произведение искусства считается эстетически приятным для глаз, если элементы в произведении расположены сбалансированным композиционным образом »(Dunstan, 1979).Однако есть художники, единственная цель которых — разрушить традиционную композицию и побудить зрителя переосмыслить баланс и элементы дизайна в произведениях искусства, например такие художники, как Сальвадор Дали.

В основном термин «композиция» означает «сборку», любое произведение искусства, от музыки до письма, аранжируется или складывается с использованием сознательного мышления. Различные элементы в общем дизайне обычно связаны друг с другом и со всем произведением искусства (Дунстан, стр. 7, 1979). Существует два основных типа композиции: неформальная и реже формальная или симметричная.Композиция тоже связана с художественным каноном, например, прорисовка приятного лица. В графическом дизайне и настольных издательских системах композицию обычно называют макетом страницы.

Элементы дизайна

Различные визуальные элементы, известные как элементы дизайна, , формальные элементы, или элементы искусства, — это словарь, с помощью которого создает визуальный художник. Эти элементы в общем дизайне обычно связаны друг с другом и со всем произведением искусства.

К элементам конструкции относятся:

• Линия — визуальный путь, позволяющий глазу перемещаться внутри фигуры
• Форма — области, определяемые краями внутри изделия, геометрическими или органическими.
• Цвет — оттенки с их различными значениями и интенсивностью
• Текстура — качество поверхности, которое превращается в тактильные иллюзии
• Форма — трехмерная длина, ширина или глубина
• Значение — Затенение, используемое для выделения формы
• Пространство — пространство, занимаемое (положительными) или промежуточными (отрицательными) объектами.

Линия и форма

Буквальные линии не существуют в природе, но представляют собой оптические явления, возникающие, когда объекты отклоняются от наблюдателя.Тем не менее, линейные формы художники во всех смыслах считают линейными элементами; например, телефонные и силовые кабели или такелаж на лодках. Любые такие элементы могут быть драматично использованы в композиции изображения. Кроме того, намеренно или нет могут быть созданы менее очевидные линии, которые влияют на направление взгляда зрителя. Это могут быть границы областей разного цвета или контраста, или последовательности дискретных элементов, или художник может для этой цели преувеличивать или создавать линии, возможно, как часть своего стиля.Многие линии без четкой темы предполагают хаос в изображении и могут противоречить настроению, которое художник пытается вызвать.

Движение также является источником линии, а размытие также может вызвать реакцию. Сюжетные линии с помощью иллюзии способствуют как настроению, так и линейной перспективе, создавая иллюзию глубины. Наклонные линии передают ощущение движения, а угловатые линии обычно передают ощущение динамизма и, возможно, напряжения. Линии также могут направлять внимание на основной объект изображения или способствовать организации, разделяя его на части.

Мозг часто бессознательно читает рядом с непрерывными линиями между различными элементами и объектами на разном расстоянии.

Прямые

Прямые линии называются линейными, если они используются в произведении искусства. Прямые линии добавляют нежности и могут сделать его более детальным и сложным. Горизонтальные, вертикальные и наклонные линии часто способствуют созданию разного настроения изображения. Угол и отношение к размеру кадра определяют влияние линии на изображение.На них также сильно влияют тон, цвет и повторение по отношению к остальной части фотографии. Горизонтальные линии, часто встречающиеся в пейзажной фотографии, могут создавать впечатление спокойствия, умиротворения и пространства. Изображение, заполненное четкими вертикальными линиями, обычно производит впечатление высоты и величия. Плотно расположенные сходящиеся линии придают изображению динамичный, живой и активный эффект, тогда как сильно наклоненные, почти диагональные линии обычно создают напряжение в изображении. Точка обзора очень важна при работе с линиями, особенно в фотографии, потому что каждый разный ракурс вызывает различную реакцию на фотографию.Изменяя перспективу только на несколько градусов или несколько сантиметров, линии в изображениях могут сильно измениться, и можно передать совершенно другое ощущение.

Изогнутые линии

Изогнутые линии обычно используются для создания ощущения потока внутри изображения. Кроме того, они обычно более эстетичны, поскольку мы ассоциируем их с мягкими вещами. По сравнению с прямыми линиями кривые оказывают большее динамическое влияние на изображение.

В фотографии изогнутые линии могут давать градиентные тени в сочетании с мягко направленным освещением, что обычно приводит к очень гармоничной структуре линий на изображении.

Цвет

Цвет характеризуется такими атрибутами, как «[оттенок]», «[Легкость (цвет) | яркость]» и «[красочность | насыщенность]». Цвета были связаны с разными настроениями, зависящими от общества того времени. Например, белый цвет долгое время считался чистым, хотя он также может иметь несколько иные значения, такие как мир, невинность, но в некоторых местах (например, в Японии) он означает смерть.

Принципы организации

Художник определяет центр интереса (фокус в фотографии) произведения искусства и соответственно компонует элементы.Тогда взгляд зрителя будет задерживаться на этих достопримечательностях. Элементы организованы с учетом нескольких факторов (известных как принципы организации , принципы искусства, принципы дизайна или , ) в гармоничное целое, которое работает вместе для создания желаемого утверждения — явление, обычно называемое . единство. Такие факторы в композиции не следует путать с самими элементами искусства (или элементами дизайна).Например, форма — это элемент ; Использование формы определяется различными принципами .

Некоторые принципы организации, влияющие на композицию изображения:

• Форма и пропорции
• Позиционирование / Ориентация / Баланс / Гармония между элементами
• Область в пределах поля зрения, используемая для изображения («кадрирование»)
• Путь или направление, которым следит глаз зрителя, когда он наблюдает за изображением.
• Негативное пространство
• Цвет
• Контраст: значение или степень светлоты и темноты, используемой в изображении.
• Геометрия: например, использование золотой середины
• линий
• Ритм
• Подсветка или освещение
• Повторение (иногда встраивание в узор; ритм также вступает в игру, как и геометрия)
• Перспектива
• Нарушение правил может вызвать напряжение или беспокойство, но при осторожном использовании может добавить интереса к изображению.

Смотровая площадка

Положение зрителя может сильно повлиять на эстетику изображения, даже если объект полностью вымышлен и рассматривается «мысленным взором».Он не только влияет на элементы изображения, но также влияет на интерпретацию объекта зрителем.

Например, если мальчика сфотографировать сверху, возможно, с уровня глаз взрослого, его рост уменьшится. Фотография, сделанная на уровне ребенка, будет относиться к нему как к равному, а фотография, сделанная снизу, может создать впечатление доминирования. Поэтому фотограф выбирает зрительское позиционирование.

Объект можно сделать более драматичным, если он заполняет кадр.Существует тенденция воспринимать вещи большими, чем они есть на самом деле, и заполнение рамки выполняет этот психологический механизм. Это можно использовать для устранения отвлекающих факторов на фоне.

В фотографии изменение положения камеры может изменить изображение, так что объект будет иметь меньше или больше отвлекающих факторов. Этого можно достичь, подойдя ближе, двигаясь в сторону, наклоняя, панорамируя или перемещая камеру по вертикали.

Композиционные техники

Существует множество подходов или «композиционных техник» к достижению чувства единства в произведении искусства, в зависимости от целей художника.Например, произведение искусства считается эстетически приятным для глаз, если элементы внутри произведения расположены сбалансированным композиционным образом. Дунстан, Бернард. (1979). Составление картин . Лондон, Studio Vista. Однако есть художники, такие как Сальвадор Дали, единственная цель которых — разрушить традиционную композицию и побудить зрителя переосмыслить баланс и элементы дизайна в произведениях искусства.

Обычный состав может быть получен с помощью ряда методов:

Правило третей

Правило третей — это правило, которому обычно следуют художники.Цель состоит в том, чтобы помешать объекту (-ам) и интересующим областям (например, горизонту) разделить изображение пополам, поместив их рядом с одной из линий, которые разделяли бы изображение на три равных столбца и ряда, в идеале около пересечения эти строки.

Правило третей на самом деле является упрощением золотой середины. Золотая середина — это соотношение, которое на протяжении веков использовалось художниками в качестве вспомогательного средства для композиции. Когда две вещи находятся в соотношении 1: 1,618 или от 3/8 до 5/8, они считаются находящимися в золотой середине.

Разделение изображения на части в соответствии с этой пропорцией помогает создать приятную сбалансированную композицию. Точки пересечения на сетке золотой середины появляются на 3/8 дюйма и 3/8 вниз / вверх, а не на 1/3 дюйма и 1/3 вниз / вверх на сетке третей.

Правило шансов

«Правило шансов» гласит, что, обрамляя интересующий объект в художественном произведении четным числом окружающих объектов, он становится более приятным для глаз, таким образом создает ощущение легкости и удовольствия.Он основан на предположении, что люди склонны находить визуальные образы, отражающие их собственные предпочтения / желания в жизни, более приятными и привлекательными.

Изображение человека, окруженного / обрамленного двумя другими людьми, например, когда человек в центре является объектом интереса на этом изображении / произведении искусства, с большей вероятностью будет воспринят зрителем как дружелюбный и успокаивающий, чем изображение одного человека без значительного окружения.

Правило пространства

Правило пространства применяется к произведению искусства (фотография, реклама, иллюстрация), изображающему объект (ы), к которому художник хочет применить иллюзию движения или который должен создать контекстуальный пузырь в сознании зрителя.

Этого можно достичь, например, оставив белое пространство в том направлении, в котором смотрят глаза изображаемого человека, или, при изображении бегуна, добавив белое пространство перед ним, а не позади него, чтобы обозначить движение.

Упрощение

Беспорядочные изображения могут отвлекать от основных элементов изображения и затруднять идентификацию объекта. Уменьшая посторонний контент, зритель с большей вероятностью сосредоточится на основных объектах.Беспорядок также можно уменьшить за счет использования освещения, поскольку более яркие области изображения, как и линии, квадраты и цвет, привлекают внимание. В живописи художник может использовать менее детализированные и четкие мазки по краям картины.

Предельный фокус

В фотографии, а также (с помощью программного моделирования реальных ограничений объектива) в трехмерной графике одним из подходов к упрощению является использование широкой диафрагмы при съемке для ограничения глубины резкости. При правильном использовании и правильной настройке этот метод может расфокусировать все, что не является предметом фотографии.

Аналогичный подход при наличии подходящего оборудования заключается в использовании принципа Шаймпфлюга для изменения плоскости фокуса.

Геометрия и симметрия

«Правило шансов» предполагает, что нечетное количество предметов на изображении более интересно, чем четное. Таким образом, если у вас есть более одного объекта на вашем изображении, рекомендуется выбрать композицию как минимум с тремя объектами. Четное количество объектов создает симметрию в изображении, которая может казаться менее естественной для натуралистической, неформальной композиции.

С правилом шансов связано наблюдение, что треугольники являются эстетически привлекательной предполагаемой формой в изображении. На канонически привлекательном лице рот и глаза попадают в углы равностороннего треугольника. Поль Сезанн успешно использовал треугольники в своих композициях натюрмортов.

Другая техника

• В работе должен быть центр интереса или фокус, чтобы она сама по себе не превратилась в узор;
• Направление, в котором следует взгляд зрителя, должно вести взгляд зрителя по всем элементам произведения, прежде чем вывести его за пределы изображения;
• Объект не должен выходить за пределы изображения;
• Перед движущимся объектом должно быть пространство;
• Следует избегать точного деления изображения пополам;
• Маленькие, высококонтрастные элементы имеют такое же влияние, как и более крупные и тусклые;
• Видный объект должен быть смещен по центру, если не требуется симметричная или формальная композиция, и может быть уравновешен более мелкими сателлитными элементами
• линия горизонта не должна разделять произведение искусства на две равные части, а должна быть расположена так, чтобы подчеркивать небо или землю; показывает больше неба, если картина изображает облака, восход / закат солнца, и больше земли, если пейзаж

Эти принципы могут быть средствами хорошей композиции, но не могут применяться отдельно, должны действовать вместе, чтобы сформировать хорошую композицию.

См. Также

Что такое композиция в искусстве?

Композиция в искусстве — это способ соединения различных элементов произведения искусства. В общем, это относится к ключевым предметам произведения искусства и их расположению по отношению друг к другу.

By Rise Art

Вы можете слышать термин «композиция», относящийся к любому музыкальному произведению, письму, живописи или скульптуре, но в изобразительном искусстве он используется специально, чтобы говорить о расположении элементов в произведении искусства.Овладение композицией необходимо любому художнику, но о важности этого навыка часто забывают. Плохая композиция может повлиять на все произведение искусства, поэтому при нанесении кисти на холст необходимо либо тщательное планирование, либо большое чувство интуиции.

Объектив с памятью Fion Gunn

Как может меняться состав?

Композиция — это способ комбинирования или расположения различных элементов произведения искусства.Художник имеет полную свободу при выборе композиции своего произведения. Все элементы могут быть сгруппированы по направлению к центру холста или фотографии или разложены по углам произведения. В качестве альтернативы, может быть только один предмет, который доминирует во всем произведении искусства. Различные школы мысли использовали разные подходы к композиции в искусстве на протяжении веков. То, что сегодня является обычным явлением, в другое время было бы неслыханным.

Глюк от Брайана Кортелинга

Каковы правила хорошей композиции в искусстве?

Не существует единой формулы хорошей композиции, но есть несколько основных принципов, которые можно применить к большинству произведений искусства.Проще говоря, можно следовать правилам хорошего дизайна, чтобы добиться приятной композиции.

Палитра Патрика Хьюза

Однако эти правила не всегда легко определить в ясных терминах — скорее, они связаны с уникальным стилем и интуицией художника. Например, многие люди говорят, что хорошая композиция должна быть сбалансированной, с одинаковым вниманием к каждому элементу произведения искусства. С другой стороны, некоторые художники могут акцентировать внимание на определенных частях работы, которые они считают наиболее важными.В то время как одни художники будут пытаться создать простую минималистичную композицию, другие будут стремиться к более эклектичному стилю.

Все, что у вас есть, Джейн Прайор,

Как менялся состав с годами?

В то время как композиция раньше была намного более строгой, появление таких движений, как Cubism и Abstract Art пересмотрело многие из этих правил и уступило место новым техникам.

Традиционно художники-классики стремились к треугольной или пирамидальной композиции, чтобы создать ощущение геометрии внутри произведения.Древние греки считали, что искусство должно быть как можно более совершенным, и поэтому они разделили холст на восемь равных сегментов, чтобы создать сбалансированную треугольную композицию. Вы увидите, как этот подход нашел отражение в искусстве эпохи Возрождения, которое имитировало внешний вид классического искусства.

No 57 Сьюзан Филлипс

Другой метод известен как «золотое сечение», еще одна математическая концепция, которая создает своего рода спираль, напоминающую раковину улитки или водоворот.Леонардо да Винчи классно использовал эту композицию для Моны Лизы, что может быть одной из причин, почему она выдержала испытание временем.

Художники-абстракционисты, такие как Джексон Поллок, выбросили эти концепции из окна, выбрав вместо этого «сплошную композицию» . Этот подход предполагает работу с поверхностью произведения более или менее однородным образом, а не рассмотрение верха, низа и центра произведения искусства.

Конвергенция (1952) Джексона Поллока (любезно предоставлено «Джексон-Поллоком.орг «)

Открытая и закрытая композиция

В первой статье нашей серии «Мастеринг композиции» мы обсуждали определение термина «композиция». Мы также обозначили основную цель композиции и поговорили о том, почему она так важна в любом произведении искусства. По мере того, как мы погружаемся глубже, необходимо определить два отдельных типа композиции с учетом фотографического контекста. Один из таких типов называется «открытая композиция», а другой, как и следовало ожидать, «закрытая композиция».Эти два типа делятся на несколько более мелких ветвей. О некоторых из них наши читатели уже упоминали ранее, например о симметричной композиции. Эти подтипы будут обсуждаться в отдельных статьях в течение следующих нескольких недель. Как и прежде, в конце статьи вас ждет задание для новичков.

1) Краткий урок истории

Вы можете быть удивлены, услышав о открытой и закрытой композиции. Откуда взялись эти определения? Что ж, я совершенно уверен, что многие наши читатели осознают или знают, что фотография всегда была очень близка к живописи, и так остается даже сегодня.Фактически, в какой-то момент фотографы фактически рассматривались как соперники художников. Только их искусство и ремесло ушли без навыков владения кистью, обычно связанной с живописью (что художники быстро заметили и критиковали). Вот очень краткое изложение того, как связаны фотография и живопись.

Начнем с того, что первыми, кто попробовал фотографировать, были ученые — химики или физики. Это потому, что изначально сам процесс был увлекательным с научной точки зрения.Например, первая постоянная фотография была сделана французским изобретателем Жозефом Нисефором Ньепсом примерно в 1825–1827 годах. Не будем вдаваться в подробности, достаточно сказать, что художники быстро переняли эту технику. Хотите угадать, кого из них больше всего интересовала новая техника? Да, художники идут впереди. Естественно, что эти два вида изобразительного искусства во многих отношениях очень похожи. Художники искали в фотографии то же, что и в картинах — похожие, интересные сюжеты, красивый свет.То, что они раньше снимали с помощью куска холста, кисти и небольшого количества краски, теперь они «рисовали» с помощью света, линз и химикатов. Таким образом, правила, применимые к живописи, в значительной степени применимы и к фотографии, включая композицию. Имеет смысл, не так ли?

Теперь, когда мы знаем, откуда в фотографии берутся правила и рекомендации по композиции, мы можем обсудить два основных типа более подробно. Эти классификации, скорее всего, вам известны на каком-то уровне и на самом деле очень просты. Начнем с закрытого сочинения.

2) Что такое закрытая композиция?

Фотография с закрытой композицией — это такой вид изображения, на котором все элементы аккуратно расположены внутри кадра. Элементы изображения, использующего замкнутую композицию, не отвлекают взгляд зрителя и не заставляют его прыгать с одного объекта на другой. Другими словами, это такая композиция, в которой основной предмет или объект четко выделяется среди остальной части кадра и мгновенно привлекает ваше внимание. Часто, хотя и не всегда, основной предмет или объект располагается ближе к центру изображения, а не по углам / границам.

Все остальные элементы помогают направить взгляд зрителя на указанный предмет или объект, а не от краев фотографии (или любого другого произведения визуального искусства, если на то пошло). Такая композиция часто приводит к статичным, последовательным, стабильным изображениям, которые кажутся законченными, законченными и спокойными.

Закрытая композиция подходит для ряда жанров фотографии. Натюрморт, портрет, пейзаж, даже уличная фотография могут очень удачно сочетать замкнутую композицию.Натюрморт, также широко известный как натюрморт ( nature morte, — по-французски «мертвая природа»), вероятно, является наиболее распространенным жанром фотографии, в котором часто используется закрытая композиция наряду с портретной фотографией.

Некоторые жанры включают один из двух типов чаще, чем другой. Например, пейзажи чаще используют открытую композицию, чем закрытую. Определенные методы компоновки могут помочь вам достичь и улучшить статическую композицию, например, обрамление внутри вашей фотографии:

Представьте, что эта фотография была сделана не через арку из красного песчаника естественной формы в Юте.Такая фотография продемонстрировала бы обширный пейзаж и, как таковую, использовала бы открытую композицию. Съемка через арку заключала основной объект фотографии в рамку, эффективно превращая открытую композицию в закрытую.

3) Что такое открытая композиция?

Открытая композиция, как вы уже догадались, полная противоположность закрытой композиции. Там, где закрытая композиция часто связана со статичными предметами и чувством стабильности и последовательности, открытая композиция в той или иной мере динамична.Это не означает, что если у вас есть портретная фотография, на которой ваш объект движется, это должно означать, что ваше изображение основано на открытой композиции. Нисколько. Не само движение делает вашу фотографию динамичной, а чувство движения, достигаемое разными способами. К этим средствам относятся направляющие линии, цвет, количество и размещение объектов и т. Д. Ваша фотография может обойтись без единого движущегося объекта. Пока есть множество линий, форм и элементов, которые удерживают взгляд зрителя от одного элемента к другому, изображение можно считать динамичным.

На фотографии, в которой используется открытая композиция, элементы этого изображения уходят к краям и кажутся за их пределы. Не менее важно отсутствие рамок и ограничений, которые помогают достичь открытой композиции. Такое изображение привлекает зрителя внутрь изображения и позволяет легко представить, что происходит за пределами физических границ этой конкретной фотографии. Конечно, в некоторых ситуациях открытая композиция может использоваться даже для изображения в рамке.

Как и в случае с закрытой композицией, практически все жанры фотографии могут успешно использовать открытую композицию.Очень хороший пример открытой композиции — пейзажная фотография. Хотя пейзажи не всегда динамичны, открытая композиция подчеркивается чистым ощущением пространства и глубины. Кроме того, широкий угол обзора помогает вовлечь зрителя в сцену, эффективно избавляясь от границ и ограничений формата. Вместе с тем, широкоугольный объектив создает более сильное ощущение перспективы. Сам по себе широкоугольный объектив не создает открытой композиции, но добавляет динамику фотографии.

4) Между двумя

Иногда бывает очень трудно различить два типа композиции. Например, вы можете встретить пейзажную фотографию, которая имеет четкую перспективу и не имеет реальных границ, в отличие от приведенного выше примера, когда пейзаж обрамлен внутри фотографии. Все эти элементы заставят вас поверить, что фотография использует открытую композицию. Однако, если линии и формы, подчеркнутые сильным присутствием перспективы, привлекают ваш взгляд к одному главному элементу фокуса и удерживают его там, такая характеристика определит замкнутую композицию.Так что это? По правде говоря, оба. Очень сложно заключить произведение искусства в набор правил и определений. Фотография может иметь характеристики, присущие обоим типам композиции. Все зависит от креативности, задумки и умения самого фотографа. При этом, чаще всего характеристики, характерные для одного из типов, более заметны, чем характеристики другого на одной фотографии.

Взгляните на эту фотографию:

На первый взгляд, основной интересующий элемент четко заключен внутри фотографии.Темный квадратный арочный проем действует как своего рода рамка, которая удерживает зрителя от краев изображения. Композиция также кажется центральной и довольно статичной. Полностью простительно думать, что это закрытая композиция, и точка. Однако если вы присмотритесь, то заметите, что есть несколько разных объектов, а не просто двор в целом. Часть мотоцикла с изображением красной машины и часть серебряной справа, балкон и окна — все они привлекают внимание, и никто из них не кажется заметно важнее остальных.Кажется, что не один главный интересующий элемент, а несколько разных, расположенных в разных частях фотографии.

Такое количество отдельных важных объектов делает изображение в некоторой степени динамичным, потому что они заставляют вас несколько раз переводить взгляд на разные части фотографии, прежде чем вы все это осознаете. Тогда вы понимаете, что отображается только фрагмент сцены. Представить остальную часть здания с белыми оконными рамами и скрытой половиной велосипеда или автомобиля очень легко, и это как бы происходит, когда вы смотрите на фотографию.Элементы уходят к краям квадратного арочного проема, который выступает в качестве внутреннего каркаса и выходит за его пределы. Таким образом, эта фотография включает в себя характеристики как закрытого, так и открытого типа композиции.

5) Задание для начинающих

Это простое задание для начинающих фотографов, которые хотели бы вместе с другими читателями активно учиться и участвовать в создании этих статей.

• Теперь, когда вы знаете основную теорию открытой и закрытой композиции, а также ознакомились с некоторыми образцами изображений, которые помогут вам отличить одно от другого, попробуйте определить, какой из двух основных типов используется на следующих фотографиях.Перечислите свои ответы и объясните, почему вы так думаете, в разделе комментариев ниже. Не волнуйтесь, если считаете, что ваш ответ неверен! Весь смысл этого упражнения в том, чтобы учиться, и процесс обучения неотделим от ошибок.

Image # 1

Image # 2

Image # 3

Image # 4

Image # 5

15 элементов и принципов искусства, которые помогут художнику от начинающего в Мастер

15 предметов первой необходимости для любой формы искусства

Что, если бы у вас были ключи от царства искусства? Каждый из них необходим для создания искусства, и это именно то, что у вас есть.Понимание и применение строительных блоков искусства (или элементов и принципов искусства, как их часто называют) — вот что делает художника от новичка до мастера.

Чтобы понять, искусно критиковать и практиковать выбранный вами вид искусства, вам необходимо знать ключевые концепции, на которых оно построено. Знакомство с элементами искусства, такими как цвет и линия, и принципы искусства (пропорции, ритм и контраст среди прочего) — вот что дает художникам такую ​​беглость. Зная их, вы всегда сможете найти радость и волнение, которые могут окружать искусство… и для любителей искусства нет ничего более привлекательного, чем это.

Элементы искусства

Думайте об элементах искусства как о стрелках в колчане или инструментах в ящике для инструментов. Вы можете использовать их по отдельности и в комбинации для любого художественного творчества. Для изобразительного искусства это визуальные элементы: цвет, форма, линия, форма, пространство, текстура и значение.

Цвет

Элемент искусства с трех сторон: оттенок, ценность и интенсивность.

Оттенок — это сам цвет.

Значение — это светлый или темный оттенок, который изменяется при добавлении к нему белого или черного.

Интенсивность — это аспект яркости и чистоты цвета. Цвета высокой интенсивности — смелые и яркие. Цвета низкой интенсивности тусклые и тусклые.

Осенняя вспашка, Грант Вуд

Форма

Для художников и рисовальщиков форма — это элемент искусства, который передает трехмерную форму в двух измерениях. Во многих смыслах это сердце арт-объекта — сама форма. Он может заключать объем и включает высоту, ширину и глубину. Куб, сфера, цилиндр и пирамида — все это разные формы.Формы также могут быть от до — абстрактными и свободными.

Строка

Метки, нанесенные на поверхность, называются линиями. Они начинают с определенной точки и движутся вперед, создавая пространство по мере продвижения. Линии могут быть двух- или трехмерными, описывающими форму или саму форму, подразумеваемыми или абстрактными. Создание серии параллельных линий для обозначения формы — это метод, известный как штриховка . Перекрестная штриховка обозначает несколько наборов этих линий, наложенных друг на друга под углом для моделирования и обозначения тона.

Форма

Элемент искусства, двумерный, плоский или ограниченный по высоте и ширине. Обычно форма прилагается.

Космос

Пространство — это элемент искусства, с помощью которого определяются как положительные, так и отрицательные области или достигается ощущение глубины в произведении искусства.

Текстура

Этот аспект искусства определяет то, как арт-объект или элемент в композиции ощущается или выглядит так, как если бы он ощущался при прикосновении.

Большая одалиска, Жан Огюст Доминик Энгр

Принципы искусства

Если элементы искусства — это ваши инструменты, то принципы искусства таковы, как вы их применяете .Здесь стиль искусства манипулирует своей сущностью. Ритм, гармония, баланс, контраст, движение, пропорции и разнообразие — вот принципы искусства.

Ритм

Этот принцип искусства описывает движение произведения искусства или его движения. Ритм создается за счет разнообразия и повторения элементов произведения искусства, которые вместе создают визуальный темп или ритм.

Гармония

Это достигается, когда элементы произведения искусства объединяются единым образом.Некоторые элементы повторяются, но выглядят и ощущаются одинаково. Не однообразие и не хаос, гармония — это идеально отточенное сочетание того и другого.

Остаток

Художники комбинируют элементы, чтобы придать произведению искусства ощущение равновесия или стабильности. Симметрия и асимметрия — проявления баланса.

Звездная ночь Винсента Ван Гога

Контрастность

Контрастные области — это области, на которые обычно в первую очередь обращает внимание зритель. Художники комбинируют элементы, чтобы подчеркнуть различия между этими элементами.

Механизм

Движение используется для создания внешнего вида и ощущения действия в произведении искусства. Он направляет взгляд зрителя на протяжении всего произведения. Ощущение движения может заключаться в разнообразных линиях, повторении элементов, нанесении жестов и многого другого.

Это единообразное повторение элемента искусства или сочетание элементов. Все, что угодно, можно превратить в узор повторением.

В области элементов и принципов искусства пропорция — это отношение элементов произведения искусства к целому и друг к другу.

Принцип искусства, связанный с разнообразием или контрастом, — это принцип разнообразия. Разнообразие достигается за счет использования в произведении искусства разных цветов, размеров и форм. Это партнер единства. Художники ищут баланс между ними.

Если это руководство было обновлением в самом лучшем смысле, то вы знаете, что готовы к следующему шагу вашего художественного путешествия. Применяйте элементы и принципы искусства на практике в своем следующем произведении искусства. Сделайте это как можно лучше — и то, чем вы гордитесь.

Руководство по композиции — покрасневший дизайн

Часто задаваемые вопросы О руководстве:

Какому стилю композиции вы будете учить?

Традиционная композиция изобразительного искусства. Основное внимание в этом курсе уделяется моим собственным предметам и стилю, хотя уроки применимы ко всем. Особо упоминаются скульптура, пейзажи, портреты и дизайн, хотя в основном основное внимание уделяется современным цветочным мотивам, таким как мои собственные работы (прокрутите, чтобы увидеть больше примеров).

Как долго я буду иметь доступ к этим занятиям?

Пожизненная! Держите под рукой отправленный мной PDF-файл, так как он содержит все ссылки на видео!

Будет ли домашнее задание?

Да! На каждом уроке есть домашнее задание, в котором вам предлагается применить полученную информацию.Однако конкретных сроков нет — не позволяйте этому нервировать вас!

Какова продолжительность каждого урока?

От 13 до 48 минут в зависимости от урока и его сложности. Я не думаю, что нам нужно больше останавливаться на предмете, чтобы заполнить необходимое время, и я тоже не хочу спешить с более сложными уроками, поэтому я позволил видео течь самостоятельно!

Почему отдельный курс по элементам и принципам дизайна?

Мои курсы довольно продвинуты в том смысле, что я хочу подтолкнуть вас к изучению изящных искусств, а не только танцев с поделками.Мои ученики готовы серьезно относиться к своим работам. Поэтому я ожидаю, что они уже хорошо знакомы с Элементами и Принципами. Однако если вы этого не сделаете, это не значит, что вы не можете учиться! Вот почему я создал отдельный курс, предназначенный для студентов, которые плохо знакомы с миром искусства и нуждаются в более прочном фундаменте, прежде чем углубляться в теорию.

Какова ваша политика возврата?

Из-за того, что наши курсы являются цифровыми, мы не предлагаем возврат средств после совершения покупки.Мы делаем все возможное, чтобы каждый курс был точно описан в описании. Если потребуется дополнительная помощь или разъяснения, свяжитесь с нами, и мы сделаем все возможное, чтобы дополнить предоставленную информацию или предоставить видеоурок на YouTube по той области, в которой вы обнаружили недостаток.

Вы можете узнать больше о нашей политике и условиях использования здесь

Что скрывается внутри абстрактного дизайна картины

Главная страница блога

28 декабря 2016 г.

Мы уже писали об элементах искусства, таких как линия, цвет, текстура и т. д.Принципы дизайна — это то, что мы используем для описания того, как эти элементы взаимодействуют в визуальной композиции. Абстрактный художественный дизайн принципы почти не отличаются от принципов репрезентативного художественного дизайна, но абстрактное художественное оформление часто может прояснить общие принципы дизайна более простым способом, поскольку нет предмета повествования, который мешал бы формальной интерпретации произведения. По иронии судьбы, анализируя работу с точки зрения формального дизайна, иногда можно выявить расширенные или скрытые смыслы в работе.

Абстрактная композиция Определена

Составить что-то — значит собрать это. В изобразительном искусстве композиция означает целостность эстетического явления. В случае картины это относится ко всем художественным элементам произведения, рассматриваемым как единое целое. Иногда абстрактные композиции продуманы до мелочей. В других случаях они объединяются интуитивно или позже дорабатываются. В любом случае они формируются благодаря исключительному выбору художника при компоновке визуальных элементов для достижения желаемых эффектов.

Оценка хороших и плохих композиций субъективна. Тем не менее, несколько основных композиционных стратегий признаны надежно приятными для человеческого глаза. Например, композиции, в которых доминирующие визуальные элементы выстроены в узнаваемую форму, такую ​​как треугольник или крест, приятны, потому что кажутся стабильными; сплошные композиции, покрывающие всю картинную плоскость уникальными, но не доминирующими визуальными элементами, кажутся гармоничными; сеточные композиции, в которых визуальные элементы придерживаются систематического горизонтального, вертикального или диагонального расположения, приятны тем, что они симметричны.Какую бы композиционную стратегию ни выбрал художник, девять основных принципов дизайна помогают определить, как будет восприниматься каждая композиция.

Композиционное единство L19. Voyage Des Couleurs от Jose Heerkens основан на сетке

Unity

Когда мы называем композицию единой, мы имеем в виду, что ни один отдельный элемент произведения не отвлекает нас от понимания произведения искусства в целом. Отдельные элементы могут выделяться или быть доминирующими, но если работа унифицирована, все элементы вписываются в общую эстетическую схему, установленную художником для произведения.

Flat 68.12, объемная настенная подвеска Тилмана, содержит разрозненные элементы, которые, тем не менее, объединяются, следуя визуальному словарю, созданному художником на основе ярких, плоских цветов и прямоугольных форм

Balance

Композиция сбалансирована когда художник удостоверился, что каждая область работы, независимо от того, содержит ли она фокус или нет, визуально поддерживает свою собственную, внося свой вклад в общую композицию, не доминируя над ней.Типы баланса включают радиальный баланс, при котором все элементы исходят из центра картины; формальный баланс, в котором композиция точно уравновешена, например, с Правилом третей; и асимметричный баланс, в котором элементы расположены нестандартно, но не менее важно.

String Burst, автор Тенеш Уэббер, представляет радиальный баланс в композиции.

Доминирующий акцент

Доминирующий акцент — это элемент произведения искусства, который художник хочет сделать центром интереса для зрителя.В фотографии доминирующую точку акцента можно контролировать с помощью того, что фотограф позволяет сфокусировать. Если доминирующий акцент делается на цвете, композиция должна быть разработана таким образом, чтобы никакие другие элементы не могли конкурировать с цветом за внимание.

Барнетт Ньюман — Вир Героикус Сублимис, 1950–1951. Масло на холсте. 7 футов 11 3/8 дюйма x 17 футов 9 1/4 дюйма (242,2 x 541,7 см). Коллекция MoMA. Подарок мистера и миссис Бен Хеллер. © 2019 Фонд Барнетта Ньюмана / Общество прав художников (ARS), Нью-Йорк

Контраст

Продуманное расположение контрастов может привести к гармонии.Даже монохромная картина или чистый холст содержат контраст между собой и окружающей средой или в том, как они создают тень при воздействии света. Контраст — это разнообразие. Это наличие каких-либо противоположных или дополняющих друг друга элементов. Даже отдельный элемент, такой как текстура, цвет или тон, может сам по себе создавать контраст путем сопоставления самого себя с пустым или отрицательным пространством вокруг него.

В Grotto, сплошной композиции Энтони Уайта с преобладанием зеленых оттенков, гармоничный контраст создается за счет области черного и белого в левом нижнем углу и намеков на нижние цвета по краям

Движение

Хотя некоторые картины фактически включают движущиеся элементы (например, кинетическое искусство) или имитируют движение с помощью оптических иллюзий (например, оп-арт), в дизайне движение относится к тому, как композиция заставляет глаз сканировать произведение искусства.Два способа заставить глаз перемещаться по композиции — это перспектива, которая уводит глаз в иллюзорное пространство, и элементы моста, которые могут соединять различные точки интереса, давая глазу линию, по которой можно следовать от одной к другой.

Дана Гордон — Ночь, 2012. Уникальная. Масло на холсте. 152,4 x 198,2 см

Повторение

Когда элементы повторяются, они могут создать большее ощущение самих себя. Одна горизонтальная линия может быть фактическим горизонтом.Десять горизонтальных линий, по-разному повторяющихся на протяжении всей картины, вызывают совершенно иное представление о линиях в целом.

Узор

Когда формальный элемент повторяется точно так же в различных областях композиции, он может стать узором. Шесть кругов разного размера — это повторение. Шесть одинаковых кругов, идеально расположенных друг от друга в линию — это могло быть узором.

В (R) evolution 20 Трейси Адамс круговые элементы повторяются.Мы склонны видеть закономерности в их повторении, но различные цвета и значения затрудняют возможность появления очевидных закономерностей.

Ритм

Когда один или несколько других элементов дизайна повторяются, это может создать визуальный эквивалент ритмического ритма в музыке. Например, если установленный узор проявляется в нескольких областях картины, он выстраивается в визуальный ритм.

Повторяющиеся формы и узоры создают ритм в этих картинах Джессики Сноу

Пропорции

В реалистичном портрете пропорция может означать баланс физических человеческих черт.В абстрактном произведении искусства пропорция описывает, все ли элементы дизайна объединяются таким образом, который имеет смысл в соответствии с визуальным языком, установленным художником.

Этот подробный снимок перманентного обслуживания, инсталляции Питера Сориано, раскрывает принципы дизайна, включая узор, повторение, баланс, ритм, движение и контраст, работая вместе для создания пропорционального единого эстетического целого.

Показанное изображение: Джессика Сноу — Seven Square White (фрагмент)
Филип Барсио

Формальные элементы искусства — Встречи с искусством: Чтения для ARTC150

На прошлой неделе мы исследовали модель картины эпохи Возрождения как окно в мир. Мы проиллюстрировали эту модель с помощью книги Вермеера « Художник и его модель» в роли Клио: художника за мольбертом, составляющего свое изображение модели, все вложенные в занавешенные рамки картины, которую мы просматриваем. Расстояние, отделяющее нас от художника, побуждает задуматься о точке зрения художника, его инструментах и ​​средствах массовой информации, его композиции и нашем собственном восприятии.

Спустя почти 300 лет Рене Магритт экспериментирует с представлением о живописи как об окне в мир. Он рисует окно, выходящее на пейзаж.По центру панели находится холст с прозрачным холстом. Изображение удваивает выбранный прямоугольник «естественного» пейзажа, как и положено картинам. Репрезентативная техника кажется простой. И все же мы не можем быть уверены. Действительно ли дерево присутствует в пейзаже или художник добавил его из воображения? Картина вызывает вопросы о картинах, а также о The Human Condition. Название предлагает нам задуматься о неоднозначности всех человеческих представлений об окружающем мире.Что мы видим и насколько приукрашиваем?

Давайте сделаем шаг назад и подумаем о размерах этой модели картины. Традиционное искусство Репрезентативно. Артефакт картины создает изображение визуала предмет :

В этой модели внимание зрителя часто фокусируется на визуальном объекте: что это? Насколько реалистично изображена «настоящая вещь»? Часто зрители испытывают нетерпение или раздражение, когда они не могут сказать, что «предполагается» объектом, или если они чувствуют, что техника неуместна или неточна.Когда мы фокусируемся на объекте, текстуры среды отступают. Как это ни парадоксально, мы восхищаемся кистью и пигментацией, потому что они исчезают в богатой имитации объекта.

Но не все искусство изобразительное. Мы рассмотрели геометрические узоры на древней керамике, арабески, и архитектуру с линейными узорами. Люди видят красоту в таких композициях, не спрашивая, что это? Критикуем ли мы рубашку с узором «пейсли», если не можем сказать, что изображено на ее дизайне?

Ясно, что в искусстве играет не только репрезентация.Мы могли бы отвлечься от его представительства и обратить внимание на Медиум: холст, краску и мазки. Мы могли бы рассматривать цвет, форму и дизайн как ценности сами по себе. Делая это, мы начинаем на переднем плане — чтобы привлечь наше внимание — формальных элемента искусства.

Формальные элементы искусства

Нам не нужна теория, чтобы начать воспринимать формальные элементы изображений. Мы делаем это постоянно. «Мне очень нравятся эти обои» — цвета, абстрактный дизайн.Это формальные художественные элементы:

формальных художественных элемента составляют основу языка искусства; они состоят из восьми визуальных частей: линия, цвет, форма и форма, значение, текстура, пространство, и движение, .

Следующий маркированный список представляет собой сжатое определение основных моментов из статей Credo по формальным аспектам искусства и дизайна.

• Линия: одномерный путь точки в пространстве (статья):
  • Описательные линии (нарисованные): включая контуры, контурные линии и линии штриховки
  • Подразумеваемые линии (предлагаемые): включая края и линии взгляда (направление, в котором смотрят фигуры в композиции)
  • Направление и движение: как правило, вертикали, горизонтали и диагонали являются линиями направления, а зигзагообразные и изогнутые линии — линиями движения.
• Форма (изделие): двумерная область, определяемая четкой границей или контуром и имеющая только высоту и ширину
• Форма (изделие): трехмерная фигура или предмет. … Форма имеет высоту, ширину и глубину и может быть органической, например, облако, или геометрической, например пирамида или цилиндр. Органические формы предполагают натурализм, а геометрические — искусственность.
  • Органический: неправильные формы с естественными контурами — облака, кусты.
  • Геометрический рисунок: искусственный, т.е. человеческие конструкции, такие как чистые линии, кривые, углы: пирамиды, конусы, цилиндры, треугольники, прямоугольники
• Текстура (артикул): качество или внешний вид поверхности; как ощущается поверхность или… как бы она себя чувствовала.
  • Имитация: создание грубого вида,
  • Актуально: например, поверхность текстурирована из-за толстого слоя краски или из-за добавления в краску гранулированного материала, например песка.
• Движение (артикль): компонент композиции, который подразумевает или дает ощущение активности или действия и кажется динамичным, а не статичным.
  • Оптический механизм: заставляет глаз видеть движение, используемое в оп-арте.
  • Повторение: использование повторяющейся формы, как в некоторых кубистических работах; и
  • Предлагаемое движение: полагаясь на знания зрителя о предмете, чтобы передать идею движения — например, зритель, смотрящий на картину с изображением автомобильной погони, будет ожидать, что машины движутся.
• Значение (артикул): соотношение между тонами (от светлого до темного) и степенью светлоты или темноты цвета; … Шкала от белого к черному
  • Отраженный свет: свет, который отражается от объекта, делая его видимым
  • Затенение: метод, позволяющий придать форме твердый вид
  • Chiaroscuro (итал. «Светлый – темный»): драматический контраст света и темноты.
  • Ценность как настроение или чувство, представляющее определенное настроение или состояние.
• Цвет (артикул): качество или длина волны света, излучаемого или отраженного от объекта.
  • Оттенок: название цвета, полученного путем смешивания пигментов, добавления цветных элементов (как в мозаике) и т.п.
  • Ценность, светлота и тьма цвета
  • Насыщенность (цвет) или интенсивность: яркость или тусклость цвета
  • Дополнительные цвета: оттенки прямо напротив друг друга на цветовом круге.
  • Теплые (желтый, красный, оранжевый) по сравнению с холодными (фиолетовый, зеленый, синий) цвета

Очевидно, художники достигают этих формальных элементов с помощью медиа. Цвет и Значение запечатлены в мозаике с помощью мозаики и при рисовании пигментами, закрепленными маслом, темперой или чернилами. Текстура может быть смоделирована, но также воплощена в средствах массовой информации и технике: например, мазки краски оставляют мазки и позволяют проступать текстуре холста.

Композиция (визуальная): Принципы дизайна

Формальные элементы, кроме того, скомпонованы — объединены художественно — чтобы сформировать дизайн .Основные аспекты дизайна включают следующее (Принципы дизайна):

• Единство: «целостность» композиции,… части, работающие вместе, создавая единую целостную картину — бесшовную композицию
• Близость или размещение объектов близко друг к другу в композиции:… Когда объекты расположены близко друг к другу, глаз зрителя вынужден переходить от одного объекта к другому, неизбежно захватывая всю композицию
• Сходство : делая вещи похожими, также создается ощущение целостности.Использование одинаковых текстур, цветов или форм позволяет визуально соединить части композиции.
• Продолжение: когда взгляд направляется линией (действительной или подразумеваемой), которая проходит по композиции.
• Разнообразие и гармония: разнообразие относится к различиям и разнообразию. … Гармония в искусстве, как и в музыке, — это приятное сочетание элементов… в идеальном балансе.
• Акцент (или доминирование ): фокус композиции,… выделение элемента, чтобы контролировать взгляд зрителя и подчеркивать значимость объектов.
  • Линии зрения: линии взгляда фигур в работе, привлекающей наш взгляд к предмету
  • Центральное расположение в композиции
• Ритм и движение: повторение элемента создает ощущение движения, потока или активности. В искусстве ритм можно не только увидеть, но и почувствовать.
  • Повторение одного и того же элемента или нескольких элементов в типе шаблона, [1]
  • Постепенное повторение элемента, от очень маленького до очень большого; от темного к светлому.
• Равновесие: равномерное распределение визуального веса или равномерное размещение элементов.
  • Асимметричный баланс: баланс различных элементов, предметов или фигур с одинаковым визуальным весом: например, большое открытое пространство с балансировкой тяжелых, возможно темных зон
  • Симметричный баланс: баланс одинаковых элементов по обе стороны предполагаемой центральной вертикальной или горизонтальной оси.

Уф! Это какой-то список. Нет, вас не просят запоминать.Тем не менее, несколько моментов на этих страницах помогут вам осознать артистизм в работе над художественной композицией.

---

[1] Знакомо ли вам понятие повторения формы в шаблоне? Должно. Это эквивалент схемы фигур речи в поэзии и ораторском искусстве: параллелизм, анафора и т. Д.

Список литературы

Академическое искусство [Статья]. (2004). В I. Chilvers (Ed.), The Oxford Dictionary of Art. Oxford University Press. http: // www.oxfordreference.com.ezproxy.bethel.edu/view/10.1093/acref/9780199569922.001.0001/acref-9780199569922-e-1816.

Энгр, Дж. А. Д. (ок. 1812 г.). Наполеон Бонапарт принимает ключи от Вены в замке Шенбрунн, 13 ноября. [Живопись]. Франция: Версальский дворец. Викимедиа https://commons.wikimedia.org/wiki/File:Napoleon_en_de_sleutels_van_wenen.jpg.

Художественные элементы [Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды .Абингтон, Великобритания: Helicon. http://ezproxy.bethel.edu/login?url=https://search.credoreference.com/content/entry/heliconhe/art_elements/0?institutionId=712.

Дэвид, JL. (1784). Клятва Горациев [Живопись]. Париж: Muse du Louvre, ID ART147619. ARTstor https://library-artstor-org.ezproxy.bethel.edu/asset/ARMNIG_10313257933.

Принцип конструкции [Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды .Абингтон, Великобритания: Helicon. http://ezproxy.bethel.edu/login?url=https://search.credoreference.com/content/entry/heliconhe/design_principle/0?institutionId=712.

Форма

[Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды . Абингтон, Великобритания: Helicon. https://search-credoreference-com.ezproxy.bethel.edu/content/entry/heliconhe/form/4.

Строка [Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды .Абингтон, Великобритания: Helicon. https://search-credoreference-com.ezproxy.bethel.edu/content/entry/heliconhe/line/0.

Принцип конструкции [Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды . Абингтон, Великобритания: Helicon. http://ezproxy.bethel.edu/login?url=https://search.credoreference.com/content/entry/heliconhe/design_principle/0?institutionId=712.

Форма

[Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды .Абингтон, Великобритания: Helicon. https://search-credoreference-com.ezproxy.bethel.edu/content/entry/heliconhe/form/4.

Движение [Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды . Абингтон, Великобритания: Helicon. https://search-credoreference-com.ezproxy.bethel.edu/content/entry/heliconhe/movement/1.

Рафаэль (2004). [Статья]. В I. Chilvers (Ed.), The Oxford Dictionary of Art . Издательство Оксфордского университета. https: // www.oxfordreference.com/view/10.1093/acref/9780198604761.001.0001/acref-9780198604761-e-2890.

Форма [Артикул]. (2018). В Helicon (Ed.), The Hutchinson Unabridged Encyclopedia с Атласом и Гидом по погоде. Абингтон, Великобритания: Helicon. https://search-credoreference-com.ezproxy.bethel.edu/content/entry/heliconhe/shape/2.

Текстура [Статья]. (2018). In Helicon (Ed.), Несокращенная энциклопедия Хатчинсона с атласом и справочником погоды . Абингтон, Великобритания: Helicon. https: // search-credoreference-com.ezproxy.bethel.edu/content/entry/heliconhe/texture/1.

Вермеер Дж. (1665–1666). Художник и его модель как Клио [Живопись]. Вена, Австрия: Художественно-исторический музей, Вена. ARTstor https://library-artstor-org.ezproxy.bethel.edu/asset/LESSING_ART_10394.