04.05.1973

Школа рисования акварелью итальянского мастера: Школа рисования акварелью итальянского мастера

Читать «Школа рисования акварелью итальянского мастера. Пошаговый самоучитель по рисованию акварелью» — Либралато Валерио — Страница 1

Валерио Либралато, Татьяна Лаптева

Школа рисования акварелью итальянского мастера. Пошаговый самоучитель по рисованию акварелью

* * *

Введение

Дорогие читатели и будущие художники, перед вами – необычное издание, составленное из шести книг, посвященных акварельной живописи. В нем собрано все самое-самое интересное! Это не просто пособие или самоучитель, это увлекательная история о красках и воде, которую мы, авторы этой книги, хотим вам поведать. Будучи художниками мы ежедневно используем акварель для своих экспериментов и рисования с натуры. И вот, наступил момент приоткрыть дверь в мир акварели для всех желающих, и мы с удовольствием приглашаем вас войти и познакомиться.

Итак, название акварельной краски говорит само за себя, происходит оно от латинского слова aqua, что означает вода. В старых описаниях работ зачастую можно встретить название «водяная краска». Но, несмотря на то что вода служит только растворителем, а основой являются пигменты, красители и их связующие, сахар и глицерин, все же все дело именно в воде. А именно, в схожести акварельной живописи с чистой и прозрачной водой, растекающейся по вашим работам так, словно это не вы рисуете, а течет живая краска, и течет она так, как ей вздумается, перетекая и переливаясь.

Первую часть книги по праву можно назвать базовым или подготовительным курсом, как вам больше нравится. В этой части мы подробно расскажем о базовых навыках и тонкостях в подготовке к работе, о красках и кистях, о цвете, технике и художественных приемах. Для того чтобы свободно переходить от одной темы к другой, необходимо освоить первую часть. Это как первый шаг, как первый мазок, который очень страшно сделать. Но здесь самое главное – не бояться! Желание и уверенность будут вашими помощниками. Главное, не останавливаться, ведь все только начинается и впереди много всего интересного.

За базовым курсом следуют цветы. Хочется уделить им отдельное внимание, ведь цветами расписывали интерьеры дворцов и беседок, керамические миски и фарфоровые сервизы, шелковые ткани и ситцы.

Когда же впервые появились цветы, написанные акварелью? А появились они в медицинских, энциклопедических и ботанических книгах несколько веков назад. Так за ними и закрепилось название «Ботаника» или «Ботанический стиль». Этой технике свойственна очень тонкая и тщательная проработка всех деталей. Вначале выполнялся тонкий контур тушью и пером, а затем делалась как бы отмывка цветом, очень мягкая и деликатная. Эти акварели прекрасно проработаны, так что можно разглядеть строение цветов, но в тоже время они остаются лишь иллюстрациями в ботаническом альбоме. В чем же различие между иллюстрацией и самостоятельной работой? Наверное, в том, что когда вы пишите свою цветочную композицию, важно передать не только строение и цвет, но и состояние. Так, словно мы слышим трепет листвы на ветру и чувствуем тепло солнечных лучей. Не обязательно делать детальную прорисовку каждого лепестка и каждой веточки, что-то просто можете «утопить» в тени или, наоборот, в «солнечном облаке». Важно поймать эту тонкую грань между натуралистичностью и живописностью. Не забывайте, что для акварели очень важна живописная свобода цвета.

Не менее интересны и акварельные натюрморты и пейзажи. Слово «Натюрморт» говорит за себя, от французского nature morte, что дословно – мертвая натура. То есть это самостоятельное направление в изобразительном искусстве, которое рассматривает исключительно неодушевленные предметы. Своей же популярностью и самостоятельностью натюрморты обязаны голландским и фламандским художникам XVII века. В этот момент натюрморты становятся тематическими, зачастую в них скрывается аллегория. Из чего бы ни состоял натюрморт, он является целой отдельной историей. Составляя любой натюрморт, нужно учитывать не только композицию, цветовые соотношения и габариты предметов, их сочетаемость, но и настроение и как бы внутреннюю историю. Не забывайте об этом, ведь помимо техники важны и чувства, вложенные в акварель.

Это важно помнить и работая над пейзажами. А для пейзажа необходимы эскизы и наброски, легкие и прозрачные, сделанные на пленэре. Запечатлите в них цветовую гамму и характерные детали. Акварель – материал достаточно деликатный, и зачастую вся игра строится на полутонах. И не забудьте о трех важных вещах: построение, композиция и перспектива.

Пожалуй, самой интересной и самой сложной темой является портрет. Здесь нужно вложить уже все умения, знания и чувства. И так же, как и в самом начале, будем, словно по ступенькам, маленькими шажочками подбираться к большим работам, а начнем с набросков и проб. А где пробы, там и ошибки, но они не должны вас пугать. И не важно, сколько раз вы испортите бумагу, не обращайте на это внимания. Главное, не останавливаться и идти вперед. Попробуйте почувствовать настроение работы, и тогда акварель сама будет подсказывать вам, что делать дальше. Акварель интересна своими возможностями, она очень разнообразна. В разделе декоративных техник мы постарались показать самые интересные и необычные приемы, которые можно использовать в акварельной живописи, привнося в нее элемент игры. Мы будем царапать и мять бумагу, брызгать на рисунки водой и посыпать солью – и с помощью этих, казалось бы, несерьезных действий, создавать вполне нешуточные, оригинальные художественные работы.

Ну что же, переходим от слов к делу!

Мы желаем вам творческих успехов! Помните, что в каждом живет художник, откройте его в себе!!! Прочь сомнения!

Сегодня вы – художник!

Ваши Татьяна Лаптева и Валерио Либралато.

Базовый курс

Краски

Когда рисую на пленэре, я часто слышу, как люди за моей спиной говорят: «Как красиво! – и потом добавляют: – Конечно, у него вон какие краски!!!» Я улыбаюсь.

Сейчас я раскрою секрет моих красок. Давайте внимательно рассмотрим их вместе. Краскам и кистям нужно уделить большое внимание.

Акварельные краски обычно продаются в наборах по 12–36 цветов, которые располагаются в «кюветах». Также бывает акварель в тюбиках и даже в небольших флаконах с пипетками. Для начального курса лучше использовать традиционный набор акварели, так как эти краски наиболее удобны в работе. Ни в коем случае не берите акварельные наборы для детей, так как в них краска более густая и предназначена для простой «выкраски». Этой краской невозможно создать прозрачную акварельную живопись.

Давайте внимательно рассмотрим краски. Каждая краска залита в отдельную маленькую фарфоровую или пластмассовую формочку, которая в свою очередь вставлена в коробку с остальными красками. Это позволяет при необходимости заменить закончившуюся краску или добавить недостающий цвет. Работайте красками аккуратно, старайтесь их не пачкать, составляйте оттенки на палитре. При необходимости краски можно промыть широкой чистой кистью, но старайтесь сильно не заливать краски водой. Лишнюю воду можно удалить бумажной салфеткой. После завершения работы краски обязательно нужно закрыть и хранить их всегда только в закрытом виде, чтобы предотвратить их пересыхание. Также, работая с акварельной краской в тюбиках, не забывайте их закрывать, чтобы краска, находящаяся внутри, не высохла. Выдавите небольшое количество краски на палитру и закройте тюбик.

Книга «Школа рисования акварелью итальянского мастера: пошаговый самоучитель по рисованию акварелью» Либралато В, Лаптева Т

Школа рисования акварелью итальянского мастера: пошаговый самоучитель по рисованию акварелью

Перед вами современный самоучитель по рисованию акварелью авторства знаменитого итальянского художника Валерио Либралато и известного художника-дизайнера Татьяны Лаптевой. Эта книга является компиляцией предыдущих работ и содержит в себе самую важную информацию для начинающего художника. Рисуйте цветы, портреты, пейзажи, создавайте декоративные картины и открывайте для себя мир искусства и творчества!

Поделись с друзьями:

Издательство:
Э

Год издания:
2016

Место издания:
Москва

Язык текста:
русский

Тип обложки:
Твердый переплет

Формат:
84х108 1/16

Размеры в мм (ДхШхВ):
260×205

Вес:
1075 гр.

Страниц:
320

Тираж:
3000 экз.

Код товара:
866454

Артикул:
ITD000000000819687

ISBN:
978-5-699-90576-8

В продаже с:
11.11.2016

Аннотация к книге «Школа рисования акварелью итальянского мастера: пошаговый самоучитель по рисованию акварелью» Либралато В., Лаптева Т.:
Перед вами современный самоучитель по рисованию акварелью авторства знаменитого итальянского художника Валерио Либралато и известного художника-дизайнера Татьяны Лаптевой.
Эта книга является компиляцией предыдущих работ и содержит в себе самую важную информацию для начинающего художника.
Рисуйте цветы, портреты, пейзажи, создавайте декоративные картины и открывайте для себя мир искусства и творчества! Читать дальше…

Культура и искусство — Брянская областная научная универсальная библиотека им. Ф. И. Тютчева

Татьяна Лаптева и Валерио Либралато «Школа рисования акварелью итальянского мастера»

Представляем Вам современный самоучитель по рисованию акварелью авторства знаменитого итальянского художника Валерио Либралато и известного художника-дизайнера Татьяны Лаптевой.

Эта книга является компиляцией предыдущих работ и содержит в себе самую важную информацию для начинающего художника.

Рисуйте цветы, портреты, пейзажи, создавайте декоративные картины и открывайте для себя мир искусства и творчества!

Брайан Петерсон «В поисках кадра»

Это книга об идеях, берущихся из потока, который течет сквозь каждого из нас.

Здесь вы найдете описание всех базовых элементов и техник, которые позволяют преодолеть привычку смотреть на вещи традиционно, делая скучные, банальные снимки. Информативная, вдохновляющая и очень простая в понимании, она учит по-настоящему видеть мир через объектив.

Книгу стоит прочитать всем фотографам без исключения – от новичков до профессионалов, – чтобы взглянуть свежим взглядом на свои работы и начать добиваться еще более впечатляющих результатов.

Лаура Магни «Легендарные фотографы современности и их шедевры»

Кто-то из них говорил, что рожден фотографом, другие же выбирали этот путь позже. И они – величайшие фотографы своего времени. Фотография для них – это вся жизнь, а иногда и смерть.

Эта книга – история XX и XXI веков глазами величайших фотографов современности: Сесила Битона, Роберта Капа, Доротеи Ланж, Альфреда Эйзенштадта и других.

Именно им принадлежат кадры, которые запе-чатлели радости и боли этого мира.

Как до конца понять эти кадры? Как увидеть то, что хотел запечатлеть фотограф, и прочувствовать все до конца?

Именно об этом книга «Легендарные фотографы современности и их шедевры».

Филип Хук «Завтрак у Sotheby’s. Мир искусства от А до Я»

В центре внимания известного английского искус-ствоведа, сотрудника знаменитых аукционных домов «Сотби» и «Кристи» ‒ секрет популярности отдельных художников и творческих направлений, отношения художников и моделей, истории нашумевших похищений и подделок.

Что сколько стоит? Почему произведение становится «иконой»? Кто из художников сумел создать собственный бренд?

Можно ли уберечься от подделок? Как украли «Мону Лизу»? Филип Хук проведет читателя по лабиринтам арт-рынка и предложит собственные ответы на эти и многие другие вопросы.

Марта Олдерсон «Создавая бестселлер»

Что отличает обычную историю от бестселлера и в чем секрет книг, которые увлекают нас, заставляют забывать о времени и возвращаться к ним снова и снова?

Марта Олдерсон, автор многих книг и курсов по писательству, отыскала инструменты для настройки художественных произведений. Главными из них оказались схема сюжета и эпизодная сетка. Именно они находятся в активном арсенале успешных писателей и делают их книги динамичными и захватывающими.

Научившись использовать этот инструментарий, вы тоже сможете создать запоминающуюся историю, а возможно, и будущий бестселлер.

Курс акварели | Флоренция, Италия

Введение

Акварель (Аккерелло) — один из самых древних в мире художественных средств, и он начал свой новый уровень развития в изобразительном искусстве в период Возрождения. Одним из его предшественников был великий мастер Севера Альбрехт Дюрер, который во время поездки в Италию был вдохновлен широко использовать его для своих знаменитых эскизов. Эта среда действительно может заинтересовать любого художника. Ощущение атмосферы, когда акварель наносится, чтобы передать мягкую прозрачность прекрасного света, когда он катится по холмам Тосканы.На этом семинаре мы сосредоточимся на нескольких основных направлениях, в которых можно развивать и исследовать эту универсальную среду и ее многочисленные традиционные и современные методы:

Работая с акварелью по-прежнему, можно научиться рисовать формы и формы, давая возможность применять ее в интерьере и других формах дизайна. Этот навык дает художнику уникальное преимущество для презентации любого проекта.
Рисуя портрет Акварелло, можно научиться выражать тонкие качества человеческих черт.Acqua означает воду, и мы на 90% сделаны из нее. Итак, давайте посмотрим, что мы можем сделать из этого с помощью пигментов и вдохновения …
Пространство, воздух, туман, роса, растительность, мягкое и раскаленное свечение — все это дает этому прекрасному медиуму возможность нежно прикоснуться к поверхности бумаги, позволяя ей оставаться скрытой кистью художника и одновременно сиять. Пленэрная акварель — это исследование и приключение, особенно когда вместе с вами мы попытаемся нарисовать девственную красоту итальянского утра, дня и заката.

Цели курса

Изучение правил перспективы, пропорций, «чистой» цветовой палитры и воздушной перспективы
Понимание того, как создать эффект легкости, воздушности и тонких цветовых переходов
Освоение техники и методов нанесения пигментов на водной основе
Развитие более широкого колористического видения и тщательная реализация всех аспектов

Курс рекомендуется как для начинающих, так и для продвинутых художников, так как профессор помогает студентам как индивидуально, так и в группе.Академическая живопись акварелью несет в себе множество техник и методов, поэтому создает уникальный и изысканный способ изображения красоты вокруг нас.

Расписание: с понедельника по пятницу

Стоимость обучения: 600 евро

Как работает творчество от 5 лучших мастеров акварели

Творческие ссылки, объединяющие мастеров акварели

Когда вы начинаете изучать водное искусство, полезно сначала взглянуть на ваших мастеров акварели! Узнавать о том, как действительно успешные и опытные художники делают свое дело, для вас как дорога из желтого кирпича.Вы найдете свой путь, следуя их пути. Получите вдохновение, потому что, конечно же, работа прекрасна, а также получите представление о том, как они выполняют более сложные техники. Это веселый и простой способ проявить свою любовь к искусству и узнать больше о среде, которая веками вдохновляла художников.

И когда вы будете готовы приступить к следующему проекту акварельного искусства, почему бы не позволить одному из наших любимых предметов — подсолнухам — стать вашим центром внимания? С Акварельная живопись с Винитой Паппас — Солнце на подсолнухах. Загрузите видео , вы изучите базовые техники акварели и создадите прекрасную, жизнерадостную картину подсолнуха! Наслаждаться! Кортни

Уинслоу Гомер

Норковый пруд Уинслоу Гомер, акварель

Художник Уинслоу Гомер (1836–1910) широко известен как один из величайших американских художников и мастеров акварели своего времени.Он начинал как иллюстратор Harper’s Weekly , одного из самых популярных изданий того времени. Он в первую очередь изображал повседневную жизнь, отвечая на социальные и политические изменения через свое искусство. В 1861 году художника отправили на Harper’s на передовые рубежи Гражданской войны, где он зарисовал сцены военной жизни. Позже это вдохновило его на создание серии картин на эту тему и ознаменовало его поворот от иллюстратора к художнику. В 1873 году он начал работать акварелью, отложив иллюстрацию, чтобы стать одним из мастеров этой техники.За исключением короткого пребывания в ученичестве у литографа Джона Х. Баффорда и нескольких уроков в Национальной академии искусств в Нью-Йорке, Гомер в основном был самоучкой. Поездки в Англию и Францию вдохновили его сменить сюжет на пейзажи.

Эскиз Гончая и Охотник Уинслоу Гомер, 1892, акварель

Большой авторитет

Гомер был одним из первых художников, оказавших влияние на Эндрю Уайета, который впоследствии стал одним из самых известных акварелистов Америки.«Гомер привел меня к другому. Я получил направление, которое соответствовало мне и тому, что я чувствовал », — говорит он в каталоге« Эндрю Уайет: ранние акварели »(Художественный музей Карриера, Манчестер, Нью-Гэмпшир). Многие другие современные акварелисты согласны с тем, что просмотр работ Гомера может многое предложить начинающему художнику. Джейн Ангелхарт, художник-инструктор, преподающий акварель, недавно провела семинар, на котором она показала работы старых мастеров, чтобы помочь студентам приобрести новые навыки.Гомер — один из ее ярких примеров, и она говорит, что даже скопировала одну из его пьес для собственного назидания. «Я научился множеству мазков, копируя его работы — я буквально пытался копировать каждый его мазок. Меня поразили разные цвета, которые он использовал только для изображения лица, освещенного в тени ». Гомер часто работал сериями, сосредотачиваясь на определенных темах и экспериментируя с разными техниками. Его популярные картины, изображающие мальчиков в гребных лодках, использовали насыщенные цвета и блестяще изображали свет, отражающийся от воды.

Спонтанно, но гарантированно

«Самый важный урок, который я извлек из творчества Гомера, — это его свет», — говорит художница Линда Эрфле. «Он увеличил интенсивность своих тональных контрастов, нарисовав яркий свет на воде». Акварели Гомера также известны своей свободной манерой рисования; его склонность заполнять раму большими размытыми областями, которые часто покрываются пятнами, царапинами или акцентируются цветами или другими водяными знаками; и его использование сухой кисти на переднем плане, чтобы выявить текстуру поверхности бумаги.«Уинслоу Гомер использовал спонтанную, но уверенную манеру письма, которая ведет зрителя через картину, как если бы это было музыкальное произведение», — говорит художница Шанна Кунц. «Изучение его работ, наряду с работами других мастеров, помогло мне найти свой собственный голос, и я уверен, что то же самое можно сказать и о тысячах художников до меня».

Джон Сингер Сарджент

Грязные аллигаторы Джона Сингера Сарджента, 1917, акварель

Джон Сингер Сарджент (1856–1925) был одним из самых популярных художников-портретистов своего времени, но он также оставил в наследство 900 картин маслом и примерно 2000 акварелей.В 1900 году он переключил свое внимание на акварель, поскольку это было частью его желания улучшить среду и доказать, что акварель — это законченные картины сами по себе. Для художника акварель была побегом от его портретных заказов, и во время своих международных путешествий он записывал иностранные пейзажи в своей новой любимой среде. «Я нахожу Сарджента мотивирующим не только своей техникой, но и разнообразием сюжетов, которые он выбрал для рисования, — говорит Эрфле. «Он самый важный мастер акварели», — повторяет Ангелхарт.«Он рисовал предметы, не раскрашивая их на самом деле», — объясняет она, приводя в качестве примера картину « Грязные аллигаторы» «». «В этой работе он нарисовал область вокруг крокодилов и добавил несколько теневых пятен — это потрясающе и отличный урок для каждого художника».

Испанский фонтан Джона Сингера Сарджента, 1902, акварель

Какой мазок

Это чувство спонтанности Сарджента в акварели, у которого художники могут учиться; его способность с легкостью разбрызгать краску, а затем за несколько мазков кристаллизовать отметки в законченную композицию, по-прежнему вдохновляет художников сегодня.Не менее важно отметить, что этот, казалось бы, свободный стиль был основан на прочном фундаменте: графите, который он использовал для размещения центральных фигур и больших форм. Подобно своей технике работы с маслом, художник покрыл свою поверхность цветом после закрепления рисунка, а затем осветил области, чтобы получить свет и тона, которые он использовал для развития своих форм. Он использовал различные инструменты, чтобы добиться своих огней, от воскового мелка до губок для промокания. Хотя Сарджент предоставил мало документации о своих методах, каждая оставленная им работа дает представление о художнике, который воспроизвел свой предмет с особой тщательностью и мастерством.

Чайльд Хассам

The Brush House Чайльда Хассама, 1916, акварель

Американский художник Чайльд Хассам (1859–1935) начал свою карьеру как акварелист и иллюстратор и стал сторонником импрессионизма после нескольких поездок во Францию в молодости. Он вернул навыки, которые он приобрел в Европе, в Нью-Йорк, где стал одним из ведущих художников-импрессионистов и мастеров акварели того времени.Глядя на его работы, можно увидеть, как художник со временем взрослеет, убирая лишние элементы, чтобы его видение занимало центральное место. Его ранняя живопись иллюстрирует подход Барбизона: относительно приглушенная палитра светлых, теплых тонов с наслоением более темных цветов, используемых для моделирования и затенения. Позже художник становится более интуитивным и наносит цвет широкими толстыми мазками, что можно увидеть на таких картинах, как The Gorge, Appledore .

Дом генерала Ли, Ричмонд Чайльда Хассама, 1925, акварель

Учитесь у каждой марки

Художники могут многому научиться, просмотрев работы Хассама.Он известен своими богатыми цветами и смелой манерой рисования, а также своим вниманием к передаче света и цвета, вдохновленным французским импрессионизмом. Его произведение The Brush House представляет собой простую композицию — дом в обрамлении деревьев — но именно его использование акварели привлекает зрителя. Художник сосредоточился на тенях на крыше, используя различные техники для создания многослойного эффекта. В некоторых местах вдоль фасада здания он позволил белой бумаге просвечивать, чтобы обозначить солнечные пятна; для создания глубоких теней он накладывал краску «мокрым по мокрому» на некоторые участки.То же самое можно увидеть в General Lee House, Richmond , где простой графитовый рисунок все еще виден под различными слоями краски. Хассам немного растушевал краску в этой части, как и The Brush House , и каждый штрих виден, от самых светлых пятен до наиболее насыщенных мазков. Более поздние поколения художников могут видеть руку мастера в работе и извлекать уроки из каждой отметки.

Морис Прендергаст

Подобно вышеупомянутым художникам, Морис Прендергаст (1859-1924) работал в других медиа, помимо акварели.Однако, в отличие от Гомера, Сарджанта и Хассама, акварель всегда была основным средством художника, и его не очень интересовала сосредоточенность импрессионистов на атмосфере и настроении, хотя он некоторое время учился в Париже, когда это движение прочно утвердилось. . Картины Прендергаста демонстрируют его предпочтение создавать динамические цветные узоры на своем холсте. Его прорисовка служила блоком в основных формах и не давала много деталей, как это видно на фрагменте, The Mall, Central Park .Как и Хассам, Прендергаст позволил белому листу бумаги просвечивать, чтобы обозначить одежду на фигурах и обозначить пятна солнечного света.

Торговый центр, Центральный парк Мориса Прендергаста, 1900-1903, акварель

Давление воды

Цвета Прендергаста применены четко и смело, а простые формы его фигур выдвигают это на первый план. Художники могут узнать на его примере, как применять акварель, не получая мутных смесей, и как создавать привлекательные цветовые узоры.«Копируя Прендергаста, я узнал, как он использовал воду, чтобы« проталкивать »лужи пигмента по периметру своих маленьких зонтиков», — вспоминает Ангелхарт. «Я был заинтригован тем, как он идеально выровнял край зонта в более темной версии основного цвета зонтика. Я понял, что он нарисовал пятно, а затем капнул воду в центр, чтобы подтолкнуть пигмент к краям ». В этом произведении также можно увидеть, как художник аккуратно разместил фигуры, чтобы обозначить естественный ритм и движение толпы, а также создание различных цветовых акцентов (таких как штрихи красновато-розового в зонтах и одежде).Издалека картина сплочена, а значения цвета ясны; При ближайшем рассмотрении можно увидеть, что художник использовал аккуратные отдельные мазки, которые, будучи помещены рядом, создавали интересную ценность и цветовые контрасты. Поскольку его рисунки просты, можно сосредоточиться исключительно на смешивании цветов и применении, что часто бывает очень сложно при работе с акварелью.

Альбрехт Дюрер

Молодой заяц Альбрехта Дюрера, 1503, акварель

Немецкий художник, гравер и математик. Альбрехт Дюрер (1471-1528) наиболее известен своими гравюрами, и он был известен как один из величайших художников эпохи Возрождения в Северной Европе.Однако он также создал сотни акварелей, которые на протяжении многих лет вдохновляли художников. Будучи одним из первых мастеров медиума, художник в первую очередь писал природу. «Его картина The Great Turf была небольшим, но мощным акварельным этюдом», — объясняет художник Грег Морт. «Он говорил о пьесе в поэтических терминах, и его чувства отражаются в произведении. Это произведение и не менее известная акварель A Young Hare — не то, что принято называть «традиционными» акварелями, во многом из-за их тонко прорисованных поверхностей.И все же они были стержнем того, что должно было стать постепенным подъемом среды от учебы к законченным и отполированным шедеврам ».

Великий газон Альбрехта Дюрера, 1503, акварель

Фриссон Реальный

Действительно, акварели Дюрера были созданы в то время, когда среда использовалась в основном для исследований, и он использовал ее для записи своих визуальных ощущений от природы. Что делало его акварели настолько необычными, так это то, что художник обладал способностью сочетать спонтанный отклик на природу с техническими навыками, которые позволяли ему точно изображать ее сложные формы.Дюрер был прежде всего рисовальщиком, и эти навыки обогатили его акварели. «Я думаю, что Дюрер очень важен для начинающего художника сегодня, потому что он придерживается фундаментального, а именно рисования», — говорит художник Гэри Акерс. «Каждую акварель я начинаю с рисунка и считаю использование сухой кисти продолжением рисунка». Акерс также считает, что Дюрер был создателем метода сухой кисти, и приводит в качестве примера модель A Young Hare . «Невероятно, как он делал текстуру меха, плетя поверхность заячьей шерсти.Я настоятельно рекомендую начинающим акварелистам изучить работы Дюрера ».

английская школа | живопись | Britannica

Английская школа , доминирующая школа живописи в Англии во второй половине 18-го и первой половине 19-го века. Его создание ознаменовало подъем национальной традиции, которая началась с появлением местных художников, чьи работы больше не были провинциальными, а по качеству конкурировали с континентальным искусством, и закончилось тем, что они оказали значительное влияние на курс европейской живописи.

Уильям Хогарт, лондонский художник и гравер, был одним из первых представителей английской школы и первым современным английским мастером. Хогарт работал в игривом, элегантном стиле рококо современного французского искусства, но между 1730 и 1750 годами усовершенствовал две новые, специфически британские формы: тип жанровой живописи, «современный моральный предмет», который высмеивал современную жизнь и манеры с очень повествовательным подходом. , и небольшой групповой портрет, или «фрагмент беседы».

Английский натурный портрет возродили два художника, сэр Джошуа Рейнольдс и Томас Гейнсборо.Рейнольдс ввел «великие манеры» в английскую портретную живопись, используя обширный репертуар поз, заимствованных из итальянского искусства, в своих ярко выраженных портретах. Его теоретические «Беседы», ежегодно читаемые студентам Королевской академии, оказали самое большое влияние на последующее английское искусство. Гейнсборо, который никогда не покидал Англию, тем не менее создал лиризм рококо, не очевидный в работах Рейнольдса, проявив легкую, плавную технику, нежный колорит и чувствительность к характеру, превосходящую собственную.

Миссис Грэм , холст, масло Томаса Гейнсборо, c. 1777; в Национальной галерее Шотландии, Эдинбург.
Предоставлено Национальными галереями Шотландии
Шотландский художник 18-го века Гэвин Гамильтон был одним из первых приверженцев исторической живописи, но английские художники 18-го века редко пытались использовать этот жанр. Тем не менее, Бенджамин Уэст и Джон Синглтон Копли, два художника американского происхождения, снискали впечатляющую репутацию в Англии благодаря своим новаторским, хотя и не вдохновляющим, изображениям современной истории.Жанровая живопись процветала у таких известных художников, как Джордж Морланд, Джозеф Райт и художник-анималист Джордж Стаббс.
Копли, Джон Синглтон: Ватсон и акула
Ватсон и акула , холст, масло Джона Синглтона Копли, 1778 г .; в Национальной галерее искусств, Вашингтон, округ Колумбия
Предоставлено Национальной художественной галереей, Вашингтон, округ Колумбия, Фонд Фердинанда Ламмота Белина, 1963. 6.1 Получите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас
Ранняя фаза английской школы также включала начало английской пейзажной традиции, основателем которой был Ричард Уилсон. Применяя классические принципы ясности и порядка к изображению английской сельской местности, Уилсон внес тонкое ощущение света и расстояния и величие дизайна в английскую традицию. Хотя основная часть его работ была портретной, Гейнсборо также был мастером пейзажа и относился к нему с той же легкостью, которая характерна для его портретов.
До начала XIX века в Англии начал расти дух романтизма, и он оставался доминирующим в английском искусстве до середины XIX века. Среди устойчивых произведений — фантастические рисунки поэта Уильяма Блейка и портреты сэра Томаса Лоуренса и сэра Генри Реберна.
Однако расцвет английского романтического искусства пришелся на работы двух величайших пейзажистов Англии Дж. М. У. Тернер и Джон Констебль. Оба художника основывались на традициях Уилсона и Гейнсборо, а также на работах более ранних континентальных художников, но они развивали свои зрелые стили, полностью игнорируя условности и в соответствии со своими очень разными личностями.Тернер выразил в своем весьма поэтическом искусстве беспокойный поиск мира в природе. Его последняя работа приближается к абстракции — свет растворяет все, кроме малейших признаков массы, создавая картины почти бесплотного цвета. Констебль почти полностью ограничился сельской местностью южной Англии и разработал глубоко новаторский стиль, характеризующийся использованием грубых, ломких цветовых штрихов и свежей, яркой палитры, свободной от традиционных коричневых оттенков, в классической композиции уходящих плоскостей.Этот стиль особенно подходил для съемки эффектов света на ландшафте, чем он особенно интересовался. Влияние Констебля на европейскую живопись было далеко идущим, что послужило значительным источником вдохновения для французских импрессионистов.
Примерно после 1850 г. на смену свежему наблюдению и прямому подходу, ставшим традиционным в лучшем английском искусстве, пришло застенчивое возрождение и озабоченность сложной теорией. Хотя Англия продолжала производить активные движения, поистине новаторское развитие перешло в другие центры.
Живопись в стиле Северного Возрождения
Фламандская живопись в эпоху Северного Возрождения
Фламандская школа относится к художникам, которые работали во Фландрии в 15-16 веках.
Цели обучения
Сравните художественные достижения, замеченные в работах Роберна Кампена, Яна ван Эйка и Рогира ван дер Вейдена
Основные выводы
Ключевые моменты
Три самых выдающихся художника того периода, Ян ван Эйк, Роберт Кампин и Рогир ван дер Вейден, были известны значительными успехами в иллюзионизме, или реалистичном и точном изображении людей, пространства и предметов.
Излюбленная тема фламандской школы была типично религиозной по своей природе, и большая часть работ была представлена в виде панелей, обычно в форме диптихов или полиптихов.
В то время как итальянский Ренессанс был основан на повторном открытии классической Греции и Рима, фламандская школа черпала влияние из готического прошлого региона.
Ван Эйк известен тем, что подписал и датировал свою работу «ALS IK KAN» («КАК Я МОГУ»).
Роберт Кампен был идентифицирован с подписью «Мастер Флемалле.”
Поскольку фламандские мастера использовали систему мастерских, они смогли массово производить высококачественные панели для продажи и экспорта по всей Европе.
Ключевые термины
иллюзионизм : реалистичное и точное представление людей, пространства и предметов.
темпера : Тип росписи, при которой цветные пигменты смешиваются со связующим, обычно яичным. Темпера может также относиться к самому законченному произведению искусства.
триптих : Картина или серия картинок, написанных на трех дощечках, соединенных петлями.
полиптих : Работа, состоящая из нескольких окрашенных или резных панелей, соединенных вместе, часто с помощью петель.
Фламандская школа
Фламандская школа, которую также называли Северным Возрождением, Фламандской примитивной школой и Ранней нидерландской школой, относится к художникам, которые работали во Фландрии в 15–16 веках, особенно в городах Брюгге и Гент. Три самых выдающихся художника этого периода — Ян ван Эйк, Роберт Кампен и Рогир ван дер Вейден — были известны значительными достижениями в иллюзионизме или реалистичном и точном изображении людей, пространства и предметов.Предпочитаемый предмет фламандской школы был типично религиозным по своей природе, но небольшие портреты также были обычным явлением. Большая часть этих работ была представлена в виде панно, отдельных запрестольных образов или более сложных запрестольных образов, которые обычно имели форму диптихов или полиптихов.
В 15-16 веках Нидерланды стали политическим и художественным центром, сосредоточенным вокруг городов Брюгге и Гент. Поскольку фламандские мастера использовали систему мастерских, в которой мастера помогали завершать свое искусство, они могли массово производить высококачественные панели для продажи по всей Европе.Фламандская школа возникла почти одновременно с итальянским Возрождением. Однако, в то время как итальянский ренессанс был основан на повторном открытии классической греческой и римской культуры, фламандская школа черпала влияние из готического прошлого этого региона. Эти художники также экспериментировали с масляной краской раньше, чем их сверстники из итальянского Возрождения.
Роберт Кампин
Роберт Кампен, считающийся первым мастером фламандской школы, был идентифицирован по подписи «Мастер Флемалле», , которая появляется на многочисленных произведениях искусства.Кампен известен созданием очень реалистичных работ, большим использованием перспективы и теней, а также тем, что он был одним из первых художников, которые работали масляными красками вместо темперы. Одна из его самых известных работ, «Алтарь Мерод, » — триптих, изображающий сцену Благовещения. Архангел Гавриил подходит к Марии, когда она читает в комнате, которая считается типичным домом для среднего класса Фландрии. Работа очень реалистична, а предметы по всей картине передают узнаваемый религиозный смысл для зрителей в то время.
Алтарь Мерод , приписываемый Роберту Кампину : Алтарь Мерод — это триптих, на котором архангел Гавриил приближается к Марии, которая читает в хорошо оформленном, типичном для среднего класса доме Фландрии.
Ян Ван Эйк
Ян ван Эйк, современник Кампена, считается одним из самых значительных художников Северной Европы 15 века. Он известен тем, что подписал и датировал свою работу «ALS IK KAN» («КАК Я МОГУ»).Подписи в то время не были особенно распространены, но помогли обеспечить его прочную репутацию. Работал в Брюгге и пользовался большой популярностью при жизни, работы ван Эйка были в высшей степени новаторскими и техническими. Он продемонстрировал мастерскую манипуляцию масляной краской и высокую степень реализма. Хотя ван Эйк написал множество известных картин, возможно, его самой известной является Гентский алтарь , заказанный полиптих примерно 1432 года.
Гентский алтарь Яна ван Эйка : Гентский алтарь , заказанный полиптих около 1432 года, возможно, самая известная работа ван Эйка.
Рогир ван дер Вейден
Рогир ван дер Вейден — последний из трех самых известных ранних фламандских художников. Ученик Роберта Кампена, ван дер Вейден продемонстрировал много стилистических сходств, включая использование реализма. Очень успешные при его жизни, его сохранившиеся работы — это в основном религиозные триптихи, запрестольные изображения и заказные портреты. К концу 15 века ван дер Вейден по популярности превзошел даже ван Эйка. Самая известная картина Ван дер Вейдена — это Снятие с креста , около 1435 года.
Снятие с креста Рогира ван дер Вейдена : Самая известная картина Ван дер Вейдена — Снятие с креста , около 1435 года.
Панно в стиле Северного Возрождения
Двор императора Священной Римской империи играл важную роль в панно в период Северного Возрождения.
Цели обучения
Описание панно в Священной Римской Империи
Основные выводы
Ключевые моменты
Панно — это картина, сделанная на плоской деревянной панели, состоящей из одного или нескольких частей, соединенных вместе.До тех пор, пока холст не стал более популярным средством поддержки в 16 веке, панели были нормальной формой поддержки для картины, не нарисованной непосредственно на стене (известной как фреска) или пергамента, который использовался для миниатюр в освещенных рукописях и картинах для обрамление.
Ключевые термины
Император Священной Римской империи : термин, используемый историками для обозначения средневекового правителя, который также получил титул «Император римлян» от Папы.
Двор императора Священной Римской империи, первоначально находившийся в Праге, играл важную роль в поддержке художников-покровителей в период Северного Возрождения.В то время произведения искусства часто рисовали на деревянных панелях и назывались «темпера на панели» или «масло на панели». Панно — это картина, сделанная на плоской панели из дерева, состоящей либо из одного куска, либо из нескольких частей, соединенных вместе. До тех пор, пока холст не стал более популярным средством поддержки в 16 веке, панели были нормальной формой поддержки для картины, не нарисованной непосредственно на стене (известной как фреска) или пергамента, который использовался для миниатюр в освещенных рукописях и картинах для обрамление.
Альбрех Дюрер — известный художник эпохи Северного итальянского Возрождения, нашедший покровителя в лице императора Максимилиана I. Дюрера. Как и большинство художников того времени, Дюрер писал на деревянных панелях.
Альбрехт Дюрер, Автопортрет, 1500. : Этот автопортрет Альбрехта Дюрера был написан на деревянной панели, поскольку холст еще не стал преобладающим средством выбора.
Немецкая живопись в эпоху Северного Возрождения
Немецкий ренессанс отражает итальянское и немецкое влияние в своих картинах, и одно невозможно без другого.
Цели обучения
Обсудить работы Дюрера, Грюневальда, Гольбейна, Альтдорфера и других художников дунайской школы во времена Священной Римской империи в Германии
Основные выводы
Ключевые моменты
В творчестве Альбрехта Дюрера чувствуется сильное влияние классики, отчасти благодаря его путешествиям на итальянский полуостров.
Маттиас Грюневальд объединил атрибуты готики и ренессанса в своей живописной работе на Isenheim Altarpiece .
Дунайская школа известна первыми за почти 1000 лет постановкой нарисованных пейзажей (независимо от фигур переднего плана).
Ганс Гольбейн Старший и его брат Сигизмунд Гольбейн писали религиозные произведения в стиле поздней готики. Первый был пионером и лидером в трансформации немецкого искусства от готики к стилю Возрождения.
За выдающимися достижениями первой половины XVI века последовало примечательное отсутствие заслуживающего внимания немецкого искусства.
Ключевые термины
перспектива : Иллюзия расстояния или глубины на двумерной поверхности.
на пленэре : На открытом воздухе, в отличие от студии или другого внутреннего помещения.
полиптих : Произведение искусства, обычно картина, состоящая из четырех или более панелей.
Классический орнамент : В стиле римский мотив.
Альбрехт Дюрер
Альбрехт Дюрер (1471–1528), один из немногих немцев, у которых есть возможность путешествовать по всему миру, помог принести художественные стили эпохи Возрождения к северу от итальянских Альп после своих посещений итальянского полуострова в конце XV и начале XX века. 16 века.Подобно итальянским художникам Леонардо да Винчи и Микеланджело Буонаротти, Дюрер был человеком эпохи Возрождения, знатоком многих дисциплин, таких как живопись, гравюра и математическое теоретизирование. Введение Дюрером классических мотивов в северное искусство обеспечило ему репутацию одной из важнейших фигур Северного Возрождения. Это подтверждается его теоретическими трактатами, в которых задействованы принципы математики, перспективы и идеальные пропорции.
Одна из картин Дюрера, на которой изображено явно классическое изображение тела, — это Адам и Ева (1507), первые натурные обнаженные фигуры в немецкой живописи.Явный отход от плоских и стилизованных представлений романского и готического периодов, тела кажутся натуралистичными и динамичными, каждая фигура представлена в привлекательной позе контрапоста. Хотя они стоят на черном фоне, земля, на которой стоят обе фигуры, и дерево, окружающее Еву, представляют собой элементы натуралистического ландшафта. Вероятно, первый пейзажист в Европе раннего Нового времени, Дюрер оттачивал свои навыки пейзажной живописи, работая дома и в путешествиях en пленэр .
Альбрехт Дюрер, Адам и Ева : Масло, панель. 1507. Две панели, каждая 209 см × 81 см (82 дюйма × 32 дюйма), Музей Прадо, Мадрид.
Маттиас Грюневальд
Несколько в стороне от этих застроек находится Маттиас Грюневальд, родина которого находится на востоке Франции и оставил очень мало работ. Однако его алтарь Изенхайм (1512–1516), созданный в сотрудничестве с Никлаусом Хагенау, широко известен как величайшая картина немецкого Возрождения с тех пор, как в 19 веке привлекла внимание критиков.Это чрезвычайно эмоциональное произведение, продолжающее немецкую готическую традицию безудержного жеста и выражения, с использованием композиционных принципов эпохи Возрождения и сохранением готического формата многокрылого полиптиха.
Маттиас Грюневальд, Изенхаймский алтарь (закрыт) : Масло на панели (снаружи). Деревянные рельефные скульптуры (интерьер). 1512–16. Музей Унтерлинден, Кольмар, Эльзас.
В закрытом виде Изенхаймский алтарь изображает исхудавшего Христа, на коже которого много темных пятен.Его нижняя панель, на которой размещены рельефные скульптуры, выставляемые в определенные праздничные дни, открывается таким образом, что ноги Христа во время погребения кажутся ампутированными. Неудивительно, что Грюневальд создал алтарь для часовни в лазарете, где лечили пациентов с различными заболеваниями, включая эрготизм и изолированные оставшиеся штаммы чумы. Первичным симптомом обоих заболеваний были болезненные язвы на коже. В некоторых случаях эрготизма на конечностях развивалась гангрена, и их приходилось ампутировать.Через кожные язвы и, казалось бы, ампутированные ноги Грюневальд сообщает зрителю, что Христос понимает и чувствует страдания больных. Такая «гуманизация» библейских персонажей стала обычным явлением по всей Европе в эпоху Возрождения, чтобы сделать их более понятными для верующих.
Дунайская школа
Альбрехт Альтдорфер (ок. 1480–1538) Пейзаж Дуная близ Регенсбурга (ок. 1528 г.) — один из первых чистых западных ландшафтов. Дунайская школа — это название кружка художников из южных немецкоязычных государств, действующих в первой трети XVI века в Баварии и Австрии, включая Альбрехта Альтдорфера, Вольфа Хубера и Августина Хиршфогеля.Под руководством Альтдорфера школа произвела первые образцы независимого ландшафтного искусства на Западе (почти через 1000 лет после Китая), как в картинах, так и в гравюрах. Их религиозные картины имели экспрессионистский стиль, чем-то похожий на стиль Грюневальда. Ученики Дюрера Ханс Бургкмайр и Ханс Бальдунг Грин работали в основном в гравюрах, а Бальдунг развивал актуальные темы ведьм в ряде загадочных гравюр.
Альбрехт Альтдорфер (ок. 1480–1538), Дунайский пейзаж близ Регенсбурга (ок.1528) : Один из самых ранних чистых западных пейзажей, созданный Дунайской школой на юге Германии.
Ганс Гольбейн Старший
Ганс Гольбейн Старший и его брат Сигизмунд Гольбейн написали богато окрашенные религиозные произведения. Его более поздние картины показывают, как он был пионером и руководил преобразованием немецкого искусства от (поздней) международной готики к стилю Возрождения. Гольбейн Старший был пионером и лидером в трансформации немецкого искусства от готики к стилю Возрождения.Его сын, Ганс Гольбейн Младший, был крупным художником портретов и нескольких религиозных работ, работая в основном в Англии и Швейцарии.
Ганс Гольбейн Старший, Успение Богородицы : Масло, панель. c. 1491. Музей изящных искусств, Будапешт.
За выдающимися достижениями первой половины XVI века последовало примечательное отсутствие заслуживающего внимания немецкого искусства. Следующие крупные немецкие художники работали в довольно искусственном стиле северного маньеризма, которому им пришлось учиться в Италии или Фландрии.Ганс фон Аахен и нидерландец Бартоломеус Шпрангер были ведущими художниками при императорских дворах в Вене и Праге, а плодотворная нидерландская семья граверов Саделер распространилась по всей Германии, среди других графств.
Испанская живопись в эпоху Северного Возрождения
Испанское искусство Северного Возрождения находилось под влиянием нидерландской живописи из-за общих экономических и политических связей.
Цели обучения
Обсудите золотой век Испании, проявленный в живописи
Основные выводы
Ключевые моменты
Испания была чрезвычайно набожной страной, и испанская живопись 16 века демонстрировала чувство религиозной силы.
Эль Греко был одним из самых выдающихся художников Золотого века Испании.
Маньеризм был доминирующим стилем живописи на протяжении большей части 16 века.
Ключевые термины
интенсивность : Степень глубины, силы или яркости цвета или света.
сфумато : В живописи — нанесение тонких слоев полупрозрачной краски так, чтобы не было видимых переходов между цветами, тонами и часто объектами.
Маньеризм : стиль искусства, разработанный в конце Высокого Возрождения, характеризующийся преднамеренным искажением и преувеличением перспективы, особенно удлинением фигур.
Влияние Нидерландов
Из-за важных экономических и политических связей между Испанией и Нидерландами (которые включали современные Голландию и Бельгию) с середины 15 века и далее раннее Возрождение в Испании находилось под сильным влиянием нидерландской живописи, что привело к идентификации испанской живописи. -Нидерландская школа художников.В целом стиль Возрождения и последующие стили маньеризма трудно классифицировать в Испании из-за смешения нидерландских и итальянских влияний и региональных вариаций.
Помимо технических аспектов, темы и дух Возрождения были изменены в соответствии с испанской культурой и религиозной средой. Следовательно, было изображено очень мало классических предметов или обнаженных женщин. Скорее, работы часто демонстрировали чувство благочестивой преданности и религиозной силы — атрибуты, которые останутся доминирующими в большей части искусства Контрреформационной Испании на протяжении 17 века и позже.
Золотой век Испании
Золотой век Испании, период политического господства и последующего упадка Испании, ознаменовал бурное развитие искусства в Испании. Обычно считается, что этот период начался в какой-то момент после 1492 года и закончился Пиренейским мирным договором в 1659 году; в искусстве начало откладывается до правления Филиппа III (1598–1621) или незадолго до этого, а конец также откладывается до 1660-х годов или позже.
Луис де Моралес
Самым популярным испанским художником начала 16 века был Луис де Моралес (ок.1510–1586), прозванный современниками «Божественным» из-за религиозной силы его картин. Из стиля Возрождения он также часто использовал моделирование sfumato и простые композиции, но сочетал их с точностью деталей в нидерландском стиле. Его предметы включали множество религиозных изображений, в том числе Мадонна с младенцем .
Луис де Моралес, Мадонна с младенцем : Холст, масло. 1586. Музей Прадо, Мадрид.
Эль Греко
Доменикос Теотокопулос, более известный как Эль Греко (1541–1614), «грек», был одним из самых индивидуалистических художников того времени, развившим строго маньеристский стиль, основанный на его происхождении из поствизантийской критской школы. в отличие от натуралистических подходов, преобладавших в то время в Севилье, Мадриде и других местах Испании.
Портрет мужчины Эль Греко, 1604 : предположительно автопортрет великого испанского маньериста.
Всемирно известный своим огромным вкладом в процесс итальянского Возрождения в Испании, Эль Греко изучал великих итальянских мастеров своего времени — Тициана, Тинторетто и Микеланджело — когда он жил в Италии с 1568 по 1577 год. Многие из его работ отражают серебристый цвет. серые и яркие цвета венецианских художников, таких как Тициан, добавляя странных удлинений фигур, необычного освещения, избавляясь от перспективного пространства и заполняя поверхность очень заметной и выразительной мазкой. Хотя его фирменный стиль в конечном итоге стал известен и повлиял на более поздних художников, при жизни Эль Греко подвергался резкой критике на своем родном Крите и в принятой им стране Испании за несоответствие стилистическим нормам.
В 1577 году Эль Греко переехал в Испанию, где создал свои зрелые произведения. Для его зрелого стиля характерна тенденция скорее драматизировать, чем описывать. Сильные душевные эмоции передаются от живописи прямо к зрителю. Пристрастие Эль Греко к исключительно высоким и стройным фигурам и удлиненным композициям, которые служили как его выразительным целям, так и эстетическим принципам, привело его к пренебрежению законами природы и еще более удлиняющим свои композиции, особенно когда они предназначались для запрестольных образов.
«Разоблачение Христа» (El Espolio), Эль Греко, 1577–79 : Холст, масло. Ризница собора, Толедо. Это один из самых известных запрестольных образов Эль Греко. Его запрестольные образы известны своими динамичными композициями и поразительными нововведениями.
Важным нововведением зрелых работ Эль Греко является переплетение формы и пространства. Между ними развиваются взаимные отношения, которые полностью унифицируют окрашиваемую поверхность.Это переплетение вновь проявится три века спустя в произведениях Поля Сезанна и Пабло Пикассо.
Самая известная картина Эль Греко, Похороны графа Оргаза (1586–88), сочетает его фирменный стиль с классическим возрождением эпохи Возрождения и средневековыми изображениями тела. Нижний регистр представляет собой земной уровень, на котором собираются скорбящие на погребение графа. Граф, скорбящие и большинство священнослужителей изображены так, что признают тело под одеждой.Тем не менее, два высокопоставленных священнослужителя, хоронящие тело, а также тот, кто читает проповедь справа, носят объемные одежды, не отражающие тело, поскольку в средние века часто изображались фигуры. На верхнем регистре Христос, Дева Мария и сонм членов небесного двора собираются, чтобы поприветствовать душу графа (стоящего на коленях полуобнаженного человека в набедренной повязке) на небеса. В этом ином мирском изображении Эль Греко удлинил тела и заполнил отрицательные пространства широкими, выразительными линиями и формами, чтобы создать ощущение драмы.
«Похороны графа Оргаза». Автор Эль Греко : самая известная работа Эль Греко, эта картина иллюстрирует популярную местную легенду. Он четко разделен на две зоны: небесное вверху и земное внизу, составленные вместе.
Английская живопись в эпоху Северного Возрождения
Период Тюдоров был для Англии периодом изоляции от европейских тенденций.
Цели обучения
Обсудить картины, созданные при династии Тюдоров в Англии
Основные выводы
Ключевые моменты
В эпоху Тюдоров нанимали иностранных художников, и английский двор часто их щедро приветствовал.
Голландские художники оставались преобладающими, хотя французское влияние было также важно для Лукаса Хоренбута и Николаса Хиллиарда. Несмотря на растущее влияние классицизма на континенте, ранние миниатюры королевской семьи Хоренбута демонстрируют сильное влияние стилей иллюминированных рукописей.
Немецкий художник Ганс Гольбейн Младший был, вероятно, самым известным живописцем при дворе Генриха VIII. Его двойной портрет «Послы » предвещает все более светскую тематику английской живописи.
С фактическим исчезновением религиозной живописи во время Реформации и незначительным интересом к классической мифологии до самого конца этого периода портрет был самой важной формой живописи для всех художников Тюдоровского двора и единственным, кто имел выжили в любых количествах.
В портрете Елизаветы I как принцессы в значительной степени отсутствует религиозный символизм, несмотря на то, что его натурщица в будущем сыграет роль Защитника веры. Хотя стиль портрета поразительно похож на современные королевские портреты, созданные во Франции, статус натурщицы как будущей государыни был уникальным для своего времени.
Ключевые термины
лимнер : Художник, специализирующийся на создании портретных миниатюр.
Тюдоры : Европейский королевский дом валлийского происхождения, правивший Королевством Англии и его владениями, включая лордство Ирландия (позднее Королевство Ирландия) с 1485 по 1603 год.
Искусство Тюдоровского двора
Художниками при дворе Тюдоров были художники и художники, нанятые династией Тюдоров английских монархов и их придворными между 1485 и 1603 годами (со времен правления Генриха VII до смерти Елизаветы I).Обычно управляя группой помощников и учеников в мастерской или студии, многие из этих художников создавали работы в нескольких дисциплинах, включая портретные миниатюры, крупномасштабные портреты на дереве и рукописи с подсветкой.
Период Тюдоров был для Англии периодом необычной изоляции от европейских тенденций. Вначале Война роз сильно подорвала художественную деятельность, которая, помимо архитектуры, достигла очень низкого спада к 1485 году. В период Тюдоров нанимали иностранных художников, и их часто щедро приветствовал английский двор, как и раньше. другие художественно маргинальные части Европы, такие как Испания или Неаполь.Голландские художники оставались преобладающими, хотя французское влияние было также важно как для Лукаса Хоренбута, обучавшегося освещению рукописей, так и для Николаса Хиллиарда, основателя и величайшего представителя чисто английской традиции портретной миниатюры. Портретная миниатюра Кэтрин Арагонская, первой жены Генриха VIII Хоренбута, с ее относительно плоским сюжетом и золотыми очертаниями, больше похожа на иллюминированные рукописи, чем на реалистично смоделированные классические стили, появлявшиеся в то время в других странах Европы.
Кэтрин Арагонская с обезьяной. Картина Лукаса Хоренбута, 1525–1526. Миниатюра.
Суд Генриха VIII
Возможно, самым известным художником, работавшим при дворе Генриха VIII, был немецкий художник Ганс Гольбейн Младший (1497–1543), работавший в стиле Северного Возрождения. Его портреты королевской семьи и знати — это летопись двора в те годы, когда король утверждал свое превосходство над английской церковью. К 1533 году, когда Гольбейн написал свой знаменитый двойной портрет Послы , Генрих VIII отделил Англиканскую церковь от Рима, когда Папа отказался позволить королю развестись с Катариной Арагонской и жениться на Анне Боэлин.
Послы Ганса Гольбейна Младшего, 1533 : Масло на панели. Национальная галерея, Лондон.
Хотя натурщики Гольбейна Жан де Динтевиль и Жорж де Сельв были рукоположены в католические священники из Франции, религиозный символизм в картине значительно подчинен. За зеленой занавеской в верхнем левом углу почти скрыто распятие. На втором уровне стола между послами находится лютня (обычно символ гармонии) с оборванной струной, символизирующая отделение английской церкви от римского католицизма.Книга перед ним дает объяснение разногласий, поскольку открывает гимн Мартину Лютеру, положившему начало протестантской Реформации. В отличие от родины Гольбейна, на которой лютеранство допускало определенную степень религиозных образов, тема The Ambassadors предвещает новое направление религиозной строгости в английском искусстве, поскольку католицизм стал менее терпимым.
Суд Елизаветы I
С фактическим исчезновением религиозной живописи во время Реформации и незначительным интересом к классической мифологии до самого конца периода, портрет был самой важной формой живописи для всех художников тюдоровского двора и единственной формой, которая сохранилась. в любых количествах.Сколько из них было потеряно, видно из книги Гольбейна (почти все страницы Королевской коллекции), содержащей подготовительные рисунки для портретов. Из 85 рисунков только несколько сохранились картины Гольбейна, хотя часто сохранились копии. Портретная живопись варьировалась от неформальной миниатюры — почти всегда рисованной с натуры в течение нескольких дней и предназначенной для личного созерцания — до более поздних крупномасштабных портретов Елизаветы I, таких как «Радужный портрет » , наполненный символической иконографией в одежде. , драгоценности, фон и надпись.
Радужный портрет Исаака Оливера ок. 1600. : Этот портрет Елизаветы I как «Королевы любви и красоты» олицетворяет замысловатую иконографию, связанную с более поздними придворными портретами Тюдоров.
Елизавета I лично интересовалась живописью, храня свою коллекцию миниатюр под замком, завернутую в бумагу, на которой она написала имена натурщиков. Считается, что у нее были сожжены картины, которые не соответствовали культовому изображению, которое она хотела показать.Один портрет, который она сохранила, был написан до того, как она взошла на престол. Елизавета I как принцесса (ок. 1546), которую когда-то приписывали Уильяму Скротсу, но теперь считается, что она была нарисована Левинией Терлинк, изображает молодую грамотную женщину, стоящую прямо и обменивающуюся взглядами со зрителем в уверенной манере, в которой Жан Клуэ нарисовал Франсуа I. В то время как Гольбейн подчиняет себе распятие в Послы , единственный намек на религиозный символизм в этом портрете будущего Защитника веры — это абстрактные крестообразные узоры на ее броши и ее поясе.Книга в ее руке и на мольберте позади нее не имеет названия или надписи, что позволяет интерпретировать их как светскую литературу, в отличие от библейских писаний.
Елизавета I в роли принцессы Левинии Терлинк [?], Ок. 1546 : Масло на панели. Королевское собрание, Виндзорский замок.
В то время как портретный стиль уверенной в себе натурщицы, выполненный в классическом стиле, на декоративном фоне демонстрирует французское влияние, пол этой модели был уникальным для Англии того времени.Поскольку единственный оставшийся в живых сын Генриха VIII умер в подростковом возрасте, в английский закон о наследовании пришлось внести поправки, чтобы позволить Елизавете и ее старшей сестре Марии занять трон. Более поздние портреты Елизаветы часто изображали ее с глобусом в руке, чтобы символизировать ее растущую международную мощь в эпоху исследований и завоеваний. Во Франции, с другой стороны, женщинам запрещалось служить в качестве суверенных правителей, и их никогда нельзя было изображать как обладающих такой властью.
Погружение в акварель в Италии | Il Chiostro
Видеть, думать, мечтать и рисовать акварелью в Тоскане!
Погружение в итальянский язык? Нет, вы не покинете семинар, свободно владея итальянским, но мы обещаем, что вы научитесь правильно делать заказы в кафе!
«Итальянский сад» Роберта Лиди
Один из лучших способов дать толчок своему творчеству — провести неделю в красивой новой среде, рисовать и ежедневно исследовать окрестности.Освободившись от обычных повседневных потребностей дома, ваш ум будет открыт и сосредоточен на изучении нового, и ваше творчество будет развиваться дальше. Тоскана — идеальная среда для творчества, и неделя рисования и набросков акварелью оставит у вас вдохновение и заряд энергии.
Акварель — идеальный компаньон в путешествии, и это любимый выбор Роберта Лиди в живописи. Роберт проведет вас через среду во время вашего пребывания в Сан-Феделе, прекрасно отреставрированном бывшем монастыре 12 века, за пределами Сиены.
Мне очень понравились и понравились занятия Роберта. Я так много узнал. У него такое интересное сочетание способов расслабиться в сочетании с прогрессом в технических навыках. Я любил смотреть его демо. Я чувствую, что многому научился у них. Очень интересно то, как он накладывает цвета и «впадает» в цвет. Он потрясающий художник и очень хороший педагог! — Амелия Даддингтон, студентка
Вас будут окружать прекрасные сюжеты: пейзажи, архитектурные пейзажи, натюрморты и фигуры.Будут возможности для студийной и пленэрной работы, а также для работы с акварелью в альбомах. Будут рассмотрены все элементы и принципы успешной акварельной живописи. Роберт поможет вам отредактировать и упростить сцену перед вами. Будут затронуты рисунок, дизайн и композиция, а также основы теории цвета, техники акварели и кисти. Вы узнаете, как смешивать и смешивать цвета, а также использовать грануляцию цвета. Роберт поможет вам сделать вашу картину более яркой с помощью ярких цветов и плавных следов.Акцент делается на индивидуальном обучении и личном стиле, поэтому неделя погружения в акварель принесет пользу как начинающим, так и опытным художникам.
Первая демонстрация на сайте
Наше приключение по рисованию будет включать в себя уроки и времяпрепровождение в студии, а также экскурсии в исторические и очаровательные городки на холмах, расположенные поблизости.
Ваше обычное утро начнется с завтрака «шведский стол», затем демонстрации или урока техники акварели и обсуждения художественных целей дня; Затем следует утренний сеанс рисования на несколько часов.Затем мы много дней отправляемся на экскурсию в города на холмах, чтобы рисовать на месте, посещать музеи, фотографировать, чтобы рисовать позже, или просто сидеть на деревенской площади с капучино , чтобы познакомиться с Тосканой. В большинстве случаев перед ужином вечером будет критика дневной работы. Также будут возможности для ночной живописи.
Картина на площади Сан-Феделе
Каким ценным и необычным было это рисовать и учиться у Роберта в великолепной сельской местности Тосканы.С самого начала было очевидно, что Роберт увлечен акварелью и преподаванием. Каждое утро я был так взволнован тем, что приклеил карандаш и кисть к бумаге, что не хотел останавливаться. Тем не менее, Il Chiostro любит делиться своими любимыми местами в Италии и которые могут отказаться от ужина в винодельне, шоппинга в Сиенне, обеда в Радде и в монастыре, превратившемся в университет.
Я не сомневаюсь, что после этой поездки я стану художником лучше, хотя, возможно, на несколько фунтов тяжелее.- Лесли Кружицки
Критика на террацце
Более шести лет Роберт Лиди был одним из лучших преподавателей искусства в нашем центре искусств. Он может ясно и кратко разрушить основы живописи, а также побудить более опытных художников вывести свою работу на новый уровень. Художественные способности и знания Роберта в сочетании с его остроумным чувством юмора делают обучение фантастическим и увлекательным.
— Ли Роданте, директор программ и выставок Культурного центра на пляже Понте Ведра
Сан-Феделе, акварель Роберта Лиди
Живопись в Сиене
Дополнительные занятия: Ваша неделя погружения в акварель будет чередоваться с другими веселыми мероприятиями и посещениями городов и деревень, чтобы познакомиться с местными рынками, музеями и магазинами.Наши ежедневные раскраски будут сочетаться с другими приключениями, такими как:
Однодневная поездка в средневековую Сиену, чтобы делать наброски, фотографировать, исследовать и делать покупки
Экскурсии в близлежащие горные города, такие как Радда, Кастеллина, Монтериджони и т. Д.
Посещение винодельни Кьянти для осмотра и дегустации
Разнообразные пленэры для рисования пейзажей, деревень и тосканского света
После экскурсий или рисования на месте мы будем возвращаться каждый вечер, чтобы расслабиться в нашем 1000-летнем монастыре, полюбоваться окрестностями, выпить бокал вина и неформально критиковать дневную работу.Затем мы переместимся в столовую (настоящая трапезная, где раньше собирались монахи), чтобы насладиться подлинными домашними тосканскими блюдами, приготовленными нашим местным шеф-поваром, и повторить дневное приключение в хорошей компании.
Живопись в Радда-ин-Кьянти
Цена:
2 895 $ на человека при двухместном размещении; (2595 долл. США для не маляров)
Доплата по желанию:
550 долларов США за одноместный номер, количество мест ограничено
250 $ на человека для младшего.Люкс
Включает:
Общий двухместный номер с ванной комнатой в отреставрированном монастыре (одноместные номера доступны за дополнительную плату, см. Выше)
Традиционный ежедневный завтрак и ужин, включая вино
Ежедневные уроки рисования и критика
Экскурсия в Сиену
Полудневные экскурсии по живописи на близлежащие пленэры и горные города (Кастеллина, Радда, Вольпая…)
Отправление с вокзала Флоренции в 15:30 в первую субботу.
Трансфер на автобусный / железнодорожный вокзал Сиена (не Флоренция) в последний день
Сиена вид
Не включает:
Авиабилеты
Обед (облегченный обед будет доступен для покупки в Сан-Феделе в дни, когда мы не на экскурсии)
Товары для творчества
Самостоятельное питание и экскурсия
Чаевые
Чтобы зарегистрироваться: просто нажмите кнопку Зарегистрироваться сейчас .Для обеспечения вашего места в мастерской требуется невозвращаемый депозит в размере 500 долларов США. Оплата может быть произведена онлайн с помощью кредитной карты, или вы можете следовать инструкциям, чтобы отправить регистрацию и оплату по почте. Как только мы получим ваш депозит, мы отправим вам официальное подтверждение регистрации с дополнительной информацией о программе. Вы получите еще 2-3 письма по электронной почте до семинара с информацией об Италии, списком материалов и электронным счетом на остаток.Окончательный баланс должен быть оплачен до 15 августа. В любое время до вашего приезда, если у вас есть вопросы по поводу поездки или программы, вы можете связаться с нами по электронной почте или по телефону, и мы будем рады помочь вам.
Рассвет в Сан-Феделе, фото Роберта Лиди
Свяжитесь с нами для получения дополнительной информации: [email protected] или поговорите с нами в прямом эфире по телефону 800-990-3506.
Борго Сан-Феделе
— Сан-Феделе — это отреставрированный монастырь 12 века, плавающий среди холмов Кьянти —
Il Chiostro в Сан-Феделе — это объединенные навыки Линды и Майкла из Il Chiostro , объединившиеся вместе с Николо и Ренатой из Сан-Феделе, чтобы создать уникальную и вдохновляющую среду, основанную на традиционных тосканских ценностях красоты, вкусной еды и признательность за природу и ценность сообщества.Монастырь, построенный в 12 веке, был тщательно отреставрирован с использованием традиционных методов строительства и всех оригинальных материалов. Сегодня монастырь остается верен своему первозданному духу, богатой архитектурной детализацией. 16 номеров и люксов, в которых размещаются участники, имеют прекрасные современные ванные комнаты, экранированные окна, кондиционер, старинную мебель, Wi-Fi, спутниковое телевидение и мини-бар. Все они спроектированы так, чтобы идеально дополнять средневековую среду.
Первоначальная высокая часовня теперь используется как большая художественная студия или мастерская.Трапезная монахов, где во время ремонта была обнаружена потерянная фреска 16 века, теперь является столовой, соединенной с современной кухней, а старые каменные кантины, где они хранили вино, были преобразованы в студию и классную комнату. .
Чтобы получить информацию об истории этого монастыря, нажмите здесь, чтобы перейти на веб-сайт Сан-Феделе…
Сан-Феделе классифицируется как историческая резиденция в Италии, а не отель. Это означает, что это интимная обстановка, сохраненная в соответствии со строгими историческими принципами, чтобы сохранить дух обстановки.Владельцы находятся на территории, чтобы наблюдать за этим уникальным сочетанием исторической достопримечательности и современного комфорта.
Проживание — это просторные общие двухместные номера или полулюксы. Каждая комната, поскольку она была преобразована из первоначальной структуры монастыря без изменения здания, уникальна по форме. Мебель и декор были подобраны так, чтобы гармонировать с исторической атмосферой монастыря, но в комфортабельном современном стиле. Во всех номерах есть две кровати, которые можно разделить на две односпальные или объединить в одну большую супружескую кровать.Есть зона отдыха, холодильник, DSL wi-fi, телевизор, кондиционер, отопление, современная ванная комната с душем и феном.
Есть ограниченное количество одноместных номеров, доступных за дополнительную плату в размере 550 долларов США.
2 Jr. Suite для минимум 2 человек доступны за дополнительную плату в размере 250 долларов США на человека.
Арка из розария и завтрак «шведский стол» в трапезной (фото Лестера Лефковица)
Сзади Сан-Феделе находится большая обеденная терраса на открытом воздухе , украшенная оригинальными терракотовыми плитками, воспроизведенными до мельчайших деталей.С террасы открывается вид на тот же экологически чистый овощной и цветочный сад, за которым на протяжении веков ухаживали монахи. За ними простираются холмистые виноградники Кьянти, которые делают эту часть Тосканы такой захватывающей.
Другие общие помещения включают в себя большую классную комнату, высеченную в скале древнего винного погреба, обширную частную площадь, бассейн размером 16 х 7 метров и обширные ландшафтные сады на склоне холма.
Флоренция будет местом нашей встречи в первый день семинара.Микроавтобус заберет группу на вокзале около 15:30 в субботу днем.
Мы рекомендуем лететь во Флоренцию, Пизу или Рим (Милан слишком далеко). Флоренция ближе, но в ней нет межконтинентального аэропорта, поэтому прямых рейсов из США нет. Вам придется пересесть на самолет в более крупном европейском городе. Из аэропорта Флоренции необходимо сесть на маршрутный автобус (Volainbus) до центра (20 минут).
Есть и другие регулярные рейсы из США в Рим, многие из них прямые.Из Рима вам нужно будет сесть на поезд до Флоренции (около 2,5 часов).
Важно! При организации обратного рейса, если вы летите домой в субботу после семинара, постарайтесь не бронировать рейс слишком рано. Из нашего местоположения можно добраться за 1,5 часа до аэропорта Флоренции или за 3,5 часа до аэропорта Рима.
Чтобы получить предложения о том, как добраться до Рима или Флоренции, о размещении или другой логистике, воспользуйтесь нашей ссылкой «Путешествие в Италию». Если вы предпочитаете быть более независимыми в течение недели, можно арендовать автомобиль во всех крупных прокатных агентствах.
Осенние виноградники
Borgo San Fedele удобно расположен на проселочной дороге, соединяющей очаровательный средневековый город-крепость Радда и деревню Вальягли. Другие близлежащие горные города включают Кастеллина-ин-Кьянти, Монтериджони и Вольпайя. Это примерно в 45 минутах от Сан-Джиминьяно и Вольтерра. Многие из этих городов уходят корнями в более раннюю этрусскую цивилизацию, которая пронизывала эту область до римлян.
Сан-Феделе расположен примерно в 12 км к северо-востоку от Сиены и в 45 км к югу от Флоренции.
Еда
Для нас, в Il Chiostro , помочь нашим гостям попробовать традиционные блюда в одном из самых богатых и чувственных уголков земли — это наше удовольствие. Тосканский регион Кьянти — знаменитый регион Италии по производству вина и оливкового масла. Здесь мы хотим познакомить вас с чудесами простой итальянской кухни, известной в этом районе как cucina povera . Наш шеф-повар — уроженка Тосканы, которая использует рецепты своей матери и бабушки, чтобы каждый вечер приносить на стол традиции не только Тосканы, но и, в частности, региона Кьянти.Мы используем сезонные экологически чистые продукты местного производства на небольших фермах и семейных магазинах. Наш шеф-повар готовит для вас лучшие блюда Тосканы. Тосканская кухня — это простое искусство, которое веками совершенствовалось, чтобы удивлять наши вкусы, а красное вино кьянти успокаивает наши души. Приходите и узнайте, чем действительно может быть еда.

О ваших хозяевах Il Chiostro
Линда и Майкл и их менеджеры программ проведут вашу программу в Тоскане. Они проводят семинары в Италии с 1995 года, и каждый человек привносит в программу свой особый талант.Вы можете узнать о них больше, перейдя по ссылке About Il Chiostro. В Центре Тосканского Возрождения живут владельцы Сан-Феделе, Николо и Рената. Они будут доступны на протяжении всей программы, чтобы рассказать об истории монастыря, реконструкции и той области Тосканы, которую они называют своим домом.
В дополнение к вашей мастерской
Дополнительные мероприятия, предлагаемые в рамках этой программы, будут сосредоточены на культурном, гастрономическом, историческом и художественном наследии Тосканы.Этот район на протяжении веков вдохновлял бесчисленное количество людей. То, что Тоскана предлагает своим посетителям, действительно поражает:
Art — Сан-Феделе удобно расположен между городами средневековой Сиены и Флоренции эпохи Возрождения, где хранятся одни из самых известных шедевров мира.
Вино — Вы находитесь в самом сердце региона Кьянти, который является синонимом самого известного вина, производимого Италией. Но новаторские тосканские виноделы также производят супертосканские сорта красных сортов, которые быстро поднимаются в рейтинге вин мирового класса.
История — этот район был заселен этрусками за столетия до того, как римляне стали цивилизованным обществом. Их некрополи усеивают поля по всей территории. Близлежащие города, такие как Радда, Вальягли и Кастеллина, относятся к раннему средневековью. Флоренция была колыбелью итальянского Возрождения. Сан-Феделе стал свидетелем большей части этого со своей панорамной возвышенности на склоне холма.
Еда — cucina povera — это типичная тосканская кухня, ставшая популярной во всем мире.Рецепты простые, с акцентом на местные и сезонные продукты: белые грибы, салуми, бобовые, овощи, макароны, хлеб и дичь. Посетив продуктовый рынок под открытым небом, вы поймете всю мудрость этой очень здоровой кухни.
Ремесла — возможно, гармония ландшафта была источником вдохновения для многих местных мастеров. Изысканная керамика, расписанная вручную, является ярким примером, за ней следуют мозаика, кожа, обработка дерева и текстиля.
лучших магистерских программ по живописи 2021
Магистерская программа по живописи готовит студентов к выходу на профессиональный рынок, помогая им совершенствовать свои творческие способности и технические навыки в отношении выражения своих эмоций, внутреннего видения и идей.Студенты могут выражать свои идеи, нанося краски и другие цветные вещества на холсты или другие доступные материалы. Некоторые из уроков рисования включают: инст… Прочитайте больше
Магистерская программа по живописи готовит студентов к выходу на профессиональный рынок, помогая им совершенствовать свои творческие способности и технические навыки в отношении выражения своих эмоций, внутреннего видения и идей.Студенты могут выражать свои идеи, нанося краски и другие цветные вещества на холсты или другие доступные материалы. Некоторые из уроков по живописи включают в себя: инструкции по смешиванию цветов и цветов, акварельные материалы, подготовку поверхности, техники рисования, разработку личного стиля и масляные и акриловые материалы.
Получая степень магистра живописи, человек получает более глубокое понимание теории и практики живописи. Студентов, зачисленных или желающих принять участие в программе, просят подойти к программе непредвзято, с любознательным чутьем и готовностью экспериментировать с использованием средств массовой информации и идти на творческий риск, совершенствуя свое искусство.Цель магистерской программы — помочь студенту обрести независимость; это возможно благодаря пониманию постоянно меняющегося баланса между содержанием, формой и предметом.
Работа в классе, групповая критика, экскурсии и заданное чтение являются частью программы, которую должны пройти студенты. Студентам также предлагается мыслить критически, бросать вызов общепринятым убеждениям и использовать свой творческий потенциал для продвижения новых идей в своих сообществах.Текущие и прошлые проблемы живописи обсуждаются в учебной программе, и ожидается, что мастер живописи сможет объединить теорию и практику, объединяя свое художественное видение со своими профессиональными целями.
Другие варианты в рамках этого направления обучения:
наших художников, A — L | Округ Талбот
Хорхе Альберто Гонсалес — художник-реалист, родился на Кубе и эмигрировал в США.С. с семьей в 1965 году. Его творческий процесс начался в детстве с наблюдения за работами старых мастеров, поэтому его привлекает реалистичность картин Караваджо, да Винчи и Веласкеса. Хорхе Альберто очарован драмой света и обманом иллюзий, по этой причине ему нравится создавать произведения, обладающие этими качествами. Получив образование в области графического дизайна и работая графическим дизайнером, в 1991 году он начал посещать Школу изящных искусств Шулера, обучаясь у мастера-художника Энн Д.Шулер. После окончания школы Шулера он переехал во Флоренцию, Италия, где продолжил учебу. Источником вдохновения Хорхе Альберто является то, что он окружает себя предметами, которые он собирается рисовать, знакомится с ними и создает связи, важные для его работы. Он является лауреатом множества наград, включая бронзовую медаль «Lorenso il Magnifico» в живописи на Международном биеннале современного искусства во Флоренции 2001 г., Флоренция, Италия. Он стал победителем конкурса «Best of Show» на выставке Международной гильдии реализма 2015 года.Работы Хорхе находятся во многих резиденциях в США и Европе, а также в нескольких государственных коллекциях. Он живет и работает в Балтиморе, штат Мэриленд, и рисует под именем Хорхе Альберто.
Мона Лиза под стеклом, по Леонардо да Винчи
Хорхе Альберто масло, 20 x 15
нажмите для увеличения
Девушка с букетом ромашек, по Пещере Жюля-Сирилла
Хорхе Альберто масло, 19 x 16
нажмите для увеличения
Enduring Grace
Хорхе Альберто масло, 6.5 x 6.5, продано
Нажмите для увеличения
Мона Лиза под стеклом, по мотивам Леонардо да Винчи
Хорхе Альберто масло, 20 x 15
нажмите для увеличения
Кенн Эрролл Бакхаус (Kenn Erroll Backhaus) — американский художник-пленэр, страстно любящий природу. Его любовь к природе стала катализатором его искусства. Он учился в школе искусств Layton в Милуоки, штат Висконсин. Как коммерческий дизайнер и иллюстратор Кенн получил множество наград как на местном, так и на национальном уровне, в том числе участие в 30-й ежегодной выставке Общества иллюстраторов в Нью-Йорке.Хотя Кенн гордился своими коммерческими успехами, его сердце всегда принадлежало изящному искусству рисования под открытым небом. Его предметы включают пейзаж, фигуративность, портрет, натюрморт и дикую природу, где он фиксирует цвет, ценность и настроение посредством прямого наблюдения. Кенн — подписанный художник-член Калифорнийского художественного клуба, Американских художников-масляных художников, Американского общества импрессионистов и художников-пленэров Америки, где он занимал пост президента. «Я считаю, что картина — это не только двухмерная иллюзия, но и момент из жизни, запечатленный на холсте.Живопись — это язык с разным настроением и атмосферой, отражающий многообразие самой жизни. Кенн был главным художником на первом пленэре и был участником телесериала PBS под названием «Пленэр, рисующий американский пейзаж». Коллекционеры по всей стране ищут его прекрасные работы.
Sunny Morning.i
Kenn Backhaus масло, 16 x 28
нажмите для увеличения
Веснушки, солнечные ожоги и солнечная рыба
Kenn Backhaus масло, 9 x 12
нажмите для увеличения
On Point, английские сеттеры
Kenn Backhaus масло, 9.25 x 7,75, продано
Нажмите для увеличения
Sunny Morning.i
Kenn Backhaus масло, 16 x 28
нажмите для увеличения
Сара Джейн Доберштейн родилась в Гамильтоне, Онтарио, Канада, и выросла в Оуэн-Саунд, Онтарио, в красивом заливе Джорджиан-Бей. Она училась в Институте искусства и дизайна Эмили Карр и в колледже Фэншоу. В раннем возрасте Сара Джейн увлеклась съемками американского побережья во время семейных путешествий вдоль восточного побережья. Она продолжает как можно чаще посещать Соединенные Штаты, находя вдохновение в красоте их прибрежных районов благодаря своим ярким картинам с морскими ракушками, куликами и крабами.

Стиль живописи Сара Джейн варьируется от традиционного репрезентативного до современного реализма, и ее работы отражают увлечение миром природы и его трансформациями. Будь то блестящая гроздь вишен, потрескавшаяся краска антиквариата или разноцветная смесь ракушек на пляже, ее картины отражают грандиозную сущность повседневных предметов и сцен. Ее игривый и причудливый подход к сюжетам уравновешивается техническим мастерством рисования, которое в сочетании позволяет создавать подробные, вдумчивые и энергичные композиции.

Сара Джейн является подписанным членом Американских художников-масляных художников, американских женщин-художников и Американского общества морских художников. Ее работы были включены и выиграли награды на известных выставках жюри по всей Северной Америке, в том числе победитель главного приза Американских женщин-художников на выставке Rockwell Museum Show. Она была представлена в нескольких публикациях, в том числе в журналах Southwest Art «21 до 31» и «Start Your Collection», American Art Collector, International Artist Magazine и Shrimp, Collards and Grits Magazine.
За последнее десятилетие Сара Джейн участвовала в многочисленных выставках жюри и групповых выставках, а также в восьми персональных выставках. Ее работы выставлены в ведущих художественных галереях США. Он находится в частных коллекциях Северной Америки и Европы, в том числе в постоянной коллекции Художественного музея Арно в Эльмире, штат Нью-Йорк.
Going Coastal
Сара Джейн Доберштейн масло, 10 x 10
нажмите для увеличения
Sound Getaway
Сара Джейн Доберштейн масло, 12 x 16
нажмите для увеличения
Shore Enough
Sara Jane Doberstein масло, 18 x 24, продано
Нажмите для увеличения
Going Coastal
Сара Джейн Доберштейн масло, 10 x 10
нажмите для увеличения
Объединяя лирическую красоту импрессионизма с силой классического реализма, картины Джона Эберсбергера, написанные маслом, являются свидетельством силы традиций в изобразительном искусстве.Выпускник Мэрилендского института искусств, Джон интенсивно учился у Седрика Эгели и Генри Хенше. Именно Эгели познакомил Джона с Генри Хенше, мастером импрессионистов, который в 1920-х годах был ассистентом Чарльза Хоторна в Провинстауне, штат Массачусетс.
Пораженный яркостью света, Хенше смог добиться на своих полотнах, Джон изучал с ним каждое лето до своей смерти в 1992 году. Картины Джона были отмечены многими национальными и региональными наградами.В 2016 году он был награжден сертификатом качества от Американского портретного общества.
Известные коллекции включают Военно-морскую академию США, Федеральный резервный банк штата Мэриленд, корпорацию Lockheed-Martin и Первый банк штата Алабама. Журнал «Художник», «Американский художник», «Американский коллекционер произведений искусства» и «Журнал Workshop Magazine» опубликовали статьи об искусстве и технике Джона. Книги, содержащие работы Джона, включают «Сияющий цвет в масле» С. Сарбака и «Картина акварелью импрессионистов» Л.Бойнтон. Картины Джона отражают близнецы импрессионизма и классического реализма и выражают весь спектр красоты природы.
Sweetheart Roses
Джон Эберсбергер масло, 24 x 30
нажмите для увеличения
Подоконник Нарциссы
Джон Эберсбергер масло, 20 x 16
нажмите для увеличения
Cherry Cider
John Ebersberger масло, 10 x 8, продано
нажмите для увеличения
Sweetheart Roses
John Ebersberger масло, 24 x 30
нажмите для увеличения
Дебора Элвилл, из г.Mary’s, штат Мэриленд, вдохновлен вызовом реализма и постоянным решением проблем, который представляет каждая новая картина. «Мне нравится открывать детали для людей, которые обычно их не замечают». Дебора всю свою жизнь посвятила искусству, начиная с работы акварелью, затем пастелью и, наконец, маслом, ее любимым материалом. Ее подход основан на вечной любви и восхищении качеством и долговечностью техники и материалов.
Последние десять лет она активно училась, посещая курсы в Университете Джорджа Вашингтона, Общественном колледже Анны Арундел, Школе изящных искусств им. Шулера и у совладельца галереи Тройка Лоры Эра.Ее изысканные картины с птицами и цветами оживают благодаря ее любви к природе.
Когда ее спрашивают о ее страсти к искусству, она ссылается на слова «цвет» и «любовь». Короче говоря, Дебора тронута и вдохновлена цветом, и этот роман распространяется на использование ею палитры из тридцати двух цветов. У нее есть преданные поклонники ее картин с птицами, которые ищут ее последние работы. Искусство Деборы было показано на обложке декабрьского номера журнала Attraction за 2017 год.
Цветы в вазе по Эдуарду Мане
Дебора Элвилл масло, 16 x 12
нажмите для увеличения
Black Water Blue
Deborah Elville масло, 12 x 24
нажмите для увеличения
Щегол в чертополохе
Дебора Элвилл масло, 8 x 10, продано
нажмите для увеличения
Цветы в вазе по Эдуарду Мане
Дебора Элвилл масло, 16 x 12
нажмите для увеличения
Лаура Эра — отмеченный наградами профессиональный портретист и пейзажист, преподаватель.Также она является владельцем галереи «Тройка».
Ее страсть к портретной живописи принесла ей широкое признание со стороны известных учреждений, заказывающих ее работы. Поощряемая и обучаемая своей матерью, известным художником-портретистом Дороти Ф. Ньюленд, Лаура училась у Дэниела Э. Грина, Бертона Сильвермана и Рауля Миддлмана. Лаура и Дороти вместе рисовали по всей Северной Америке и Италии. Лаура продолжает рисовать на натуре каждый год, посещая Англию, Францию, Португалию, Германию, Льюис, Делавэр, и Монхеган, штат Мэн.Ее формальные и неформальные портреты вызывают восхищение, и она любит рисовать людей всех возрастов, даже любимых домашних животных.
Лаура за десятилетия написала множество портретов и считает, что каждая картина должна иметь особую индивидуальность, драматизм и чувство, но при этом отражать истинную сущность предмета. Клиенты часто возвращаются к Лауре с просьбами о дополнительных комиссиях. Ее заказные портреты висят в Медицинской школе Университета Мэриленда, Университете Солсбери, в офисах штата Мэриленд и во многих частных домах.Также широко собраны ее натюрморты и пейзажи. Лаура преподает в своей студии на реке Литл-Чоптанк недалеко от Кембриджа и посвятила себя ученикам, стремящимся к ее мастерству.
На крыльях орла
Эра Лауры масло, 12 x 9
нажмите для увеличения
Заказной портрет
Лаура Эра масло, 20 x 16
нажмите для увеличения
Осенний ручей
Laura Era масло, 10 x 8, продано
нажмите для увеличения
On Eagle’s Wings
Laura Era масло, 12 x 9
нажмите для увеличения
Художник Дж.А. Ферье пишет маслом с упором на пейзажи. Дж. А. Мастер, умеющий запечатлеть тишину позднего полудня, красочный взрыв ярких тюльпанов, безмятежную красоту меняющегося прилива или стремительную воду водопада. вдохновлен природой. С особым вниманием к тонким изменениям цвета и света, картины J.A. отражают духовное качество обыденного. Выросший на Атлантическом побережье, Дж. жили драматическим светом и тенями, связанными с открытым морем и небом, и благоговели перед тонкостями природы.Заядлый путешественник, Дж. вдохновлен новым взглядом на жизнь. Понимая жизнь и разнообразие, J.A. продолжает привлекать к своему искусству поклонников и коллекционеров.
Белые пионы
J.A. Ferrier масло, 24 x 30, продано
нажмите для увеличения
Красный Правый Возврат
J.A. Ferrier масло, 24 x 30
нажмите для увеличения
The Living Water
J.A. Ferrier масло, 16 x 20
нажмите для увеличения
Белые пионы
J.А. Феррье масло, 24 x 30, продано
пресс для увеличения
Известный художник-пейзажист Кевин Фицджеральд с большим почтением относится к земле и морю и полностью выражает это в своих тональных картинах, характеризующихся нейтральными оттенками, приглушенными атмосферными тонами и загадочностью. Картины Фицджеральда, вдохновленные французскими пейзажистами-романтиками середины 19 века, вызывают воспоминания и одухотворяют. Его цветовые поля являются одновременно предположениями и тонкими изображениями. «Говорите кратко, используйте самое меньшее, чтобы сказать больше всего. Получить конкретное — значит потерять бесконечное.Живопись — это уединенное общение, и она стремится выйти за рамки слов ». Фицджеральд учился в Колледже искусств Института Мэриленда, где он учился у Рауля Миддлмана, председателя отделения живописи. Получив степень бакалавра иностранных дел в Институте, Фицджеральд получил степень магистра иностранных дел в рамках полной стипендии. в Университете Джорджа Вашингтона. Его работы пользуются большим спросом среди известных знаменитостей, а также среди частных коллекционеров.
Inlet Evening
Кевин Фицджеральд масло, 24 x 48
нажмите для увеличения
The Passage
Кевин Фицджеральд масло, 24 x 24, продано
Нажмите для увеличения
Deerfield
Кевин Фицджеральд масло, 8 x 12, продано
Нажмите для увеличения
Inlet Evening
Кевин Фицджеральд масло, 24 x 48
нажмите для увеличения
Дэвид Бакли Гуд пользуется растущей репутацией как художник и динамичный преподаватель живописи и рисунка.Выпускник Государственного университета Боулинг-Грин и Школы изящных искусств им. Шулера, учился в Лиге студентов-художников Нью-Йорка. Он начал свою карьеру как художник-сюрреалист и постепенно перешел в сферу традиционного реализма. В настоящее время его работы изображают натюрморты и фигуры, а также европейские и американские архитектурные пейзажи. Его картины публиковались во многих художественных журналах. Дэвид проживает в Балтиморе, штат Мэриленд, где преподает в Школе изящных искусств Шулера и Школе изящных искусств Митчелла.Его изобразительное искусство хранится в частных и государственных коллекциях в США и Европе.
В тени (Кордес) во время Covid
Дэвид Бакли Гуд масло, 16 x 12
нажмите для увеличения
Farm Lane
David Buckley Good масло, 9 x 12
нажмите для увеличения
Rue Saint Julien le Pauvre
David Buckley Good масло, 9 x 12, продано
Нажмите для увеличения
В тени (Кордес) во время Covid
Дэвид Бакли Гуд масло, 16 x 12
нажмите для увеличения
Художник пастелью Джон Дэвис Хелд страстно увлечен запечатлением мирных сущностей неба, земли и воды.Известный тем, что снимает атмосферные сцены, он обладает врожденной способностью переводить то, что можно было бы увидеть как обычную сцену, в безмятежный пейзаж красоты и света. «В то время как я мог бы увидеть небо с невероятным светом и тонкими прозрачными атмосферными цветами на вечернем небе, другие люди — если они вообще взглянут вверх — просто видят, что, вероятно, какое-то время дождя не будет. необходимость перевести многое из того, что происходит в окружающем мире, в форму мысленной стенографии, чтобы пережить наши беспокойные и напряженные дни.Джон получил степень в области искусства в Государственном колледже Эвергрин и является отмеченным наградами художником, проживающим в Балтиморе.
Сияющая река
Джон Дэвис Хелд пастель, 16 x 20
нажмите для увеличения
Ла Скапильята, по Леонардо да Винчи
Джон Дэвис Хельд масло, 10 x 13, продано
нажмите для увеличения
Lighting Up The Sky
John David Held пастель, 16 x 20, продано
нажмите для увеличения
The Shining River
John Davis Held пастель, 16 x 20
нажмите для увеличения
Марк Хайлз, получивший классическое образование в области живописи, скульптуры и рисунка, учился у ведущих учителей в Школе изящных искусств им. Шулера.Он рисует фигуры, пейзажи, натюрморты и портреты с чутьем и тонкостью. Вдохновленный классическим реализмом и импрессионизмом, на Марка оказали влияние Джон Сингер Сарджент, Анри Фантен-Латур, Эдгар Пейн, Энн Шулер и Андерс Цорн. «Я всегда ищу предмет, который дает представление о красоте природы; это может быть отображено в пейзажах, но также и в образных выражениях человеческого тела и естественной красоте фруктов, овощей и цветов». Марк работает маслом, акварелью и пастелью и имеет формальное образование в области анатомии и скульптуры.В настоящее время он преподает в Zoll Studio. Его произведениями владеют частные коллекционеры и корпорации.
Черный ручей по Дж.Д. Сардженту, 1908
Марк Хайлз масло, 16 x 20, продано
Нажмите для увеличения
После дождя Особый вид
Марк Хайлс масло, 8 x 10, продано
нажмите для увеличения
Tranquility
Mark Hiles масло, 8 x 10, продано
Нажмите для увеличения
Черный ручей по Дж.Д. Сардженту, 1908 г.
Марк Хайлс масло, 16 x 20, продано
Нажмите для увеличения
Необыкновенные картины дикой природы Мэтью Хиллера предлагают зрителю уникальную точку обзора.Его картины выражают больше, чем физические характеристики вида; они раскрывают страсть художника к своим предметам. Родился в 1958 году в Бакингемшире, Англия, большую часть жизни провел на южном побережье Англии, в Западном Суссексе, до переезда в Соединенные Штаты. Рисуя и раскрашивая животных, он с детства учился у своего отца (музейного дизайнера) азам искусства. Писал акварелью, акрилом, гуашью и маслом. Много путешествуя в поисках предметов, учиться и рисовать, Хиллер посетил Африку, Индию, Европу и Юго-Восточную Азию.Он любит больших кошек, носорогов и страстно любит водоплавающих птиц. Мэтью вдохновлялся переездом на восточный берег. Он «вышел из коробки» и рисует лодки, птиц и людей этой уникальной части Америки, а также свою любимую дикую природу. Мэтью преподает живопись и проводит мастер-классы в Академии художеств в Истоне. Он получил образование в Художественном колледже Дайфед, Уэльс, который окончил с отличием. Экспонаты включают; Пастельное общество, Королевский институт, Общество миниатюр, Парижский салон, Королевское общество морских художников и Биаррицский салон, «Птицы в искусстве» в Ли Яки Вудсоне и персональные выставки по всей Великобритании и Америке.Он является членом Американского общества морских художников, Общества художников-анималистов и Christie’s Wildlife Art Auction. С 1995 года по настоящее время он получил множество наград. Он иллюстрировал книги, обложки журналов и статьи о дикой природе. и два года работал над «Носорогом». Мэтью представлен в галереях по всей Америке и Великобритании.
Идти в ногу со временем
Мэтью Хиллиер масло, 7 x 38
нажмите для увеличения
Держитесь за лето
Мэтью Хиллер масло, 12 x 12
нажмите для увеличения
Work Boats Eastern Bay
Matthew Hillier масло, 7 x 5, продано
нажмите для увеличения
В ногу со временем
Мэтью Хиллиер масло, 7 x 38
нажмите для увеличения
Бо Цзя и Элисон Альтен создали печь для обжига Среднего Царства в 1998 году, чтобы расширить традиции фарфора для современной публики.Вдохновленные долгой и выдающейся историей дизайна и мастерства в китайском фарфоре, изделия Среднего Царства привносят свежий и воодушевляющий стиль в этот жанр. Высококвалифицированные мастера Среднего Королевства работают на современном предприятии в Цзиндэчжэне, Китае, где расположены Императорские печи. Традиция ученичества, заложенная в древности, продолжается в Поднебесной под присмотром главного дизайнера Бо Цзя. Весь фарфор Среднего Царства создается из глины высочайшего качества, уникальной глазури и дизайнерских работ, которые говорят об истории и современности.Бо Цзя поддерживает гончарное искусство и отдает дань уважения художественным достижениям прошлого, создавая новые классические стандарты. Безупречное переплетение дизайна и мастерства создает сдержанные, красивые работы, которые собираются и продаются Музеем Виктории и Альберта в Лондоне, Художественным музеем Балтимора и в галерее Тройка.
Деталь вазы с кузнечиком
Бо Цзя — Среднее царство Тонкий фарфор
нажмите для увеличения
Нефритовая ваза-кольцо
Бо Цзя — Поднебесная Тонкий фарфор
нажмите для увеличения
Большая ваза для влюбленных
Бо Цзя — Поднебесная Изящный фарфор
нажмите для увеличения
Ваза с кузнечиком Деталь
Бо Цзя — Поднебесная Тонкий фарфор
нажмите для увеличения
Художница Жанетт Ле Грю родилась и выросла на острове Кадьяк, Аляска.Полуночное солнце, долгие темные дни и драматические цвета ее детства вдохновляют ее на создание уникально неотразимых произведений искусства. Она переехала в Калифорнию в 1980 году и сейчас живет, рисует и управляет F.I.S.H. Школа цвета в Томалесе, Калифорния. «Среди художников, которые оказали на меня влияние, такие мастера, как Сергей Бонгарт, Чарльз Хоторн, Хоакин Соролья и Франц Бишофф. Они помогли мне развить мой подход к цвету и свету ». Жанетт была предметом статей в Southwest Art Magazine, American Artist Magazine и Plein Air Scene.Она получила множество наград, в том числе первое место на Национальной выставке американского импрессионистского общества, премию музея Ирвина на Гавайском пленэре, премию за выдающиеся достижения на Национальной выставке художников-масляных художников Америки и премию Хелен Де Козен на выставке Грандиозная национальная выставка американских художников в Нью-Йорке.
Канталупа и розы
Жанетт Ле Грю масло, 24 x 24
нажмите для увеличения
Солнечный день
Jeanette Le Grue масло, 20 x 24
нажмите для увеличения
First Bouquet
Jeanette Le Grue масло, 20 x 16, продано
Нажмите для увеличения
Канталупа и розы
Jeanette Le Grue масло, 24 x 24
нажмите для увеличения
Линн Локхарт создает картины в стиле, воплощающем любовь к жизни.Она училась в Пенсильванской академии изящных искусств и Школе искусств Коркоран. Она является подписным членом Общества художников-анималистов. «Живопись — это визуальный язык, как и язык животных. Спокойное наблюдение за природным миром, как диким, так и ручным, дает безграничные возможности. Независимо от предмета, нанесение краски на холст — самая простая часть. Понимание анатомии , природа света и знание ваших материалов — это лишь некоторые из переменных, которыми нужно манипулировать.Однако настоящая проблема для меня — это интерпретация того, что я вижу. Это перевод с темы на холст. Именно этот перевод через художника отличает художников. Наши факты могут совпадать, но наши истины различны «. Искусство Линн собрано по всей территории Соединенных Штатов. Она живет на восточном берегу Мэриленда со своим мужем, художником Кирком Макбрайдом.
Spring Line Up в разделе подержанных автомобилей
Lynne Lockhart масло, 12 x 12
нажмите для увеличения
Другой демократ, 16×12
Линн Локхарт масло, 16 x 12
нажмите для увеличения
Snail Hunt
Линн Локхарт, масло, 9 x 12, продано
Нажмите для увеличения
Spring Line Up в секции бывших в употреблении
Lynne Lockhart масло, 12 x 12
нажмите для увеличения
Peter S.Лунам, родом из Фрипорта, штат Нью-Йорк, прожил жизнь, полную международных путешествий, в качестве арт-директора и продюсера в крупном рекламном агентстве. Он последовал своей страсти к живописи и после выхода на пенсию в 1977 году открыл Художественную галерею Питера С. Лунама в Бриджхэмптоне, штат Нью-Йорк. Спустя годы он переехал на восточный берег Мэриленда, где сосредоточился на своей живописи и отремонтировал каретный двор в студию. Он выставлял свои работы от Канады до Джорджии и был награжден множеством лент и призов за свои изысканные акварели.Его острый взгляд и признание красоты берега выросли из детской любви к Большим болотам Южного залива и песчаным дюнам острова Барьер. Петр скончался в 2014 году. Галерея «Тройка» имеет честь носить его работы.
Creeping Tide
Питер Лунам, акварель, 11 x 22
нажмите для увеличения
Winter Dunes II
Питер Лунам акварель, 13 x 29, продано
нажмите для увеличения
Route 17 North
Peter Loonam акварель, 12×18, продано
нажмите для увеличения
Creeping Tide
Питер Лунам, акварель, 11 x 22
нажмите для увеличения
Кирк Макбрайд проявил интерес к американской живописи, когда в молодости увидел работы Эдварда Хоппера и Уинслоу Гомера.Образы, которые они рисовали, и их стили говорили с ним. На протяжении многих лет он восхищался работами Эдгара Пейна, Эмиля Группа, Мейнарда Диксона, Фредерика Малхаупта и других, запечатлевших что-то уникальное американское. Победа в номинации «Best in Show» на первой художественной выставке, в которой он участвовал, побудила его сделать рисование увлечением всю жизнь, и он занимается этим уже более 40 лет. Отношения между светом и тенью — это объединяющая тема, которая проходит через всю работу. «У всего есть момент, когда свет и тень создают нечто захватывающее дух.»Подписанный член Ассоциации художников-пленэров Срединно-Атлантического океана и Американского общества морских художников, Кирк рисовал в Лагуна-Бич Plein Air Invitational, Plein Air Easton и Paint Annapolis, получив множество наград. Выпускник Мэрилендского университета Кирк учился у художников Кена Остера, Ким Инглиша и Рэндалла Секстона. Любители искусства со всех концов США коллекционируют его блестящие картины. Он и его жена Линн Локхарт проживают на нижнем восточном побережье штата Мэриленд.

Leave a comment

04.05.1973

Школа рисования акварелью итальянского мастера: Школа рисования акварелью итальянского мастера

Читать «Школа рисования акварелью итальянского мастера. Пошаговый самоучитель по рисованию акварелью» — Либралато Валерио — Страница 1

Книга «Школа рисования акварелью итальянского мастера: пошаговый самоучитель по рисованию акварелью» Либралато В, Лаптева Т

Культура и искусство — Брянская областная научная универсальная библиотека им. Ф. И. Тютчева

Курс акварели | Флоренция, Италия

Введение

Как работает творчество от 5 лучших мастеров акварели

Творческие ссылки, объединяющие мастеров акварели

Уинслоу Гомер

Большой авторитет

Спонтанно, но гарантированно

Джон Сингер Сарджент

Какой мазок

Чайльд Хассам

Учитесь у каждой марки

Морис Прендергаст

Давление воды

Альбрехт Дюрер

Фриссон Реальный

английская школа | живопись | Britannica

Живопись в стиле Северного Возрождения

Фламандская живопись в эпоху Северного Возрождения

Цели обучения

Основные выводы

Ключевые моменты

Ключевые термины

Фламандская школа

Роберт Кампин

Ян Ван Эйк

Рогир ван дер Вейден

Панно в стиле Северного Возрождения

Цели обучения

Основные выводы

Ключевые моменты

Ключевые термины

Немецкая живопись в эпоху Северного Возрождения

Цели обучения

Основные выводы

Ключевые моменты

Ключевые термины

Альбрехт Дюрер

Маттиас Грюневальд

Дунайская школа

Ганс Гольбейн Старший

Испанская живопись в эпоху Северного Возрождения

Цели обучения

Основные выводы

Ключевые моменты

Ключевые термины

Влияние Нидерландов

Золотой век Испании

Луис де Моралес

Эль Греко

Английская живопись в эпоху Северного Возрождения

Цели обучения

Основные выводы

Ключевые моменты

Ключевые термины

Искусство Тюдоровского двора

Суд Генриха VIII

Суд Елизаветы I

Погружение в акварель в Италии | Il Chiostro

Борго Сан-Феделе

лучших магистерских программ по живописи 2021

наших художников, A — L | Округ Талбот

Рубрики