Композиция из геометрических тел
Композиции из геометрических тел, сочлененных друг с другом, которые иначе принято называть врезками, являются важной переходной ступенью от простейших геометрических тел к сложным рукотворным и природным объектам при изучении академического рисунка. Без понимания правил встраивания тел друг в друга в зависимости от их конструктивных особенностей, невозможно верно и реалистично нарисовать здания, автомобили и любую другую технику, а также растения или живых существ, включая человека.
Особенно необходимы навыки составления связок с врезанными телами абитуриентам творческих и архитектурных вузов Москвы, поскольку связки являются одной из наиболее часто встречающихся экзаменационных тем.
Кому и зачем необходимо учиться работать над врезками и связками
Связки — это объемно-пространственные композиции разной сложности, которые составлены из сочлененных между собой, то есть частично входящих одно в другое, геометрических тел.
Отличительной особенностью подобных изображений является то, что их рисуют не с натуры, а создают по воображению, для чего необходимо досконально понимать конструктивные особенности входящих в связку тел.
Основная задача при работе над рисунком связки — четко представить конструкцию составляющих композицию тел, а затем изобразить формы и их сочленения с учетом перспективного сокращения, построить сложные падающие тени, проработать единое и грамотное с точки зрения законов светотени тоновое решение.
Столь сложную работу невозможно сделать без базовых художественных знаний и значительного объема предыдущей практической работы сначала над геометрическими телами, а после — над постановками.
Задания по выполнению связок способствуют тренировке навыков объемно-пространственного мышления.
Полезным итогом многочисленных упражнений с врезанными телами станет умение мысленно формировать ясный образ готовой работы, понимание конструкции сечений и особенностей преломления граней в местах сечений.
Кроме того, в ходе работы приходится располагать тени и рефлексы, опираясь лишь на понимание законов светотени и собственное воображение, что учит оперировать знаниями, полученными на предыдущей ступени обучения, без привязки к натуре и также развивает объемно-пространственное мышление.
Полученные в ходе изучения врезок навыки служат рисовальщику хорошую службу уже на этапе работы над натюрмортами, а при изображении сложных рукотворных и живых объектов являются абсолютно необходимыми. Композиции данного типа сдают на вступительных экзаменах абитуриенты МАрхИ и других архитектурных вузов, но навыки их составления полезны всем, кто серьезно занимается любой деятельностью, так или иначе связанной с изобразительным творчеством.
Базовые навыки при работе над врезанными геометрическими телами
Приступая к работе над врезанными геометрическими телами, необходимо хорошо понимать свойства основных фигур, которыми обусловлены конструктивные особенности объемных тел, а также уверенно владеть и использовать в работе законы геометрической и воздушной перспективы и светотени.
Кроме того, необходимы начальные навыки работы не только с натурными объектами, но и некоторый опыт изображения по представлению и воображению. И, конечно, необходимо уверенно владеть главным инструментом художника — карандашом, потому что все этапы работы ведут без использования линейки, циркуля и других вспомогательных инструментов.
Переходить к столь сложной задаче как создание врезанных тел можно лишь после того, как вы усвоили основополагающие принципы работы над отдельными геометрическими телами и постановками. Если вы уверенно делаете построения тел с учетом положения в пространстве, перспективных сокращений и ракурса, освоили работу со светотенью и тоном и владеете основополагающими композиционными принципами и соответствующими практическими навыками, самое время приступать к освоению связок.
Рекомендации по созданию композиции из врезанных тел
За основу для работы чаще всего берут куб или четырехгранник, поскольку в них удобнее всего врезать более сложные геометрические тела — конусы, цилиндры, шары.
Использование специальной сетки помогает избежать ошибок в перспективных построениях. Чем многочисленнее и разнообразнее геометрические тела, которые вы включаете в придуманную вами композицию, тем сложнее избегать искажений и ошибок – даже если основа построена качественно. Построение сетки необходимо изучать отдельно, так как это довольно сложная задача, которая занимает определенное время даже у опытного рисовальщика. Однако если сетка построена верно, впоследствии она сэкономит время при работе над композицией.
Точно выполненные построения — основа изображения, от которой напрямую зависит результат. Ошибиться на этом этапе недопустимо, именно поэтому при изучении врезанных тел большое значение уделяют методам сочленения различных тел друг с другом.
Существуют связки разной степени сложности. К наиболее простым относятся тела с плоскими гранями — кубы и четырехгранные призмы, и изучение темы начинают именно с них.
Видимая часть врезанного геометрического тела должна позволять определить его размеры, для чего видимые части должны составлять половину и более его общего объема.
Так, при сочленении с цилиндром необходимо показать окружности его оснований и значительную часть боковой поверхности, при сочленении с конусом — вершину, основание и боковую поверхность.
Универсальный способ выбора линии, по которой будет врезано тело, — ориентироваться на оси симметрии, высоты и другие линии и членения, заложенные в конструкции тел.
Тела должны врезаться друг в друга не менее чем на одну треть и не более чем наполовину. Если пренебречь этим принципом, композиции окажутся либо слишком разреженными, вызывающими ощущение, что тела едва касаются друг друга, либо до такой степени плотными, что уже сложно определить, из каких именно тел они составлены. И то, и другое вызывает чувство дисгармонии и является нарушением композиционных законов, а следовательно, ошибкой.
Как компоновать фигуры в листе
Верная компоновка изображаемых объектов в листе – основа успешной работы. Если на начальном этапе этому не было уделено достаточно внимания или были допущены серьезные ошибки, изображение выйдет неубедительным.
Зачастую даже рисовальщикам с опытом допущенные ошибки становятся очевидны ближе к середине или на заключительных этапах работы, когда поправить их уже сложно. Избежать этого поможет практика, аккуратность при создании построений и сеток, соблюдение логики ведения работы, внимательное отношение к деталям, частая оценка и самопроверка на предмет ошибок и неточностей, для чего полезно периодически отходить от работы на некоторое расстояние.
При работе над врезанными друг в друга геометрическими телами потребуется мобилизовать не только наработанные ранее навыки мысленного анализа объектов, их структуры и сечений, но и все имеющиеся знания в области композиции, — словом, творить в значительной степени рационально, рассудительно и осознанно.
По сути, выбор композиционного решения — это сложная аналитическая работа по гармоничному распределению в плоскости листа объектов и масс, которая учитывает стоящие перед художником задачи по формированию эмоционального строя изображения и выбранной темы.
В равной степени это касается как жанровых работ, так и геометрических абстракций.
Структура изобразительной плоскости
Оценка плоскости чистого листа обусловлена рядом особенностей человеческого восприятия. Плоскость чистого листа уже содержит условную структуру:
• горизонтальную и вертикальную оси, заданные краями формата;
• две диагонали, заданные противоположными углами;
• центр, который находится на пересечении условных диагональных линий.
Составляя в воображении и продумывая основные части будущей объемно-пространственной композиции, мы опираемся именно на эту условную структуру. Впоследствии, когда мы начнем прорабатывать первые эскизы или составлять сетку, она же станет основой, на которой мы будем формировать структуру реального изображения.
Композиционное равновесие
Достичь важнейшей композиционной задачи — гармонии — можно множеством путей, однако гармонии не получится, если изображение неуравновешенно. В зависимости от художественных задач, в работах применяют статичное или динамичное равновесие.
Статичное равновесие, как правило, строят по вертикальным и горизонтальным осям, при этом чаще используют статичные объекты (например, куб или призму) и в целом похожие по форме, фактуре, массе. Достичь динамичного равновесия композиции позволяет размещение главных объектов по диагональным осям, использование контрастов как в размере, форме, фактуре, массе объектов, так и в тоновом и цветовом решении.
При созерцании изображения, в котором применено статическое равновесие, внимание зрителя распределяется по всей плоскости, если же применено динамическое — взгляд зрителя, начиная с доминанты, перемещается по заданному художником маршруту, затем приходит в геометрический центр и несколько раз заново повторяет весь путь.
В силу ряда анатомических и психологических особенностей мы воспринимаем объекты и пространство с определенными искажениями, которые необходимо учитывать, чтобы добиться композиционного равновесия.
Так, верхнюю часть разделенного посередине листа, мы воспринимаем как большую, нижнюю –как меньшую, хотя и знаем, что они равны.
Изображенный точно в центре, на пересечении диагоналей, объект визуально смещается к низу листа, что нарушает композиционное равновесие. Именно поэтому композиционный центр изображения рекомендуется всегда размещать с некоторым смещением от геометрического центра листа. И в зависимости от того, куда он будет смещен, изменится общий характер и настроение всей работы.
Композиционный центр и второстепенные элементы
Композиционный центр — это доминанта, которой подчинены и которую поддерживают остальные элементы изображения. Хотя вес и значимость второстепенных объектов различны, каждый, даже самый небольшой и малозаметный элемент делает одинаково важный вклад в формирование композиции в целом. Все элементы важны для создания гармонии, и каждый должен располагаться на своем месте и выполнять свою уникальную задачу, которую невозможно «перепоручить» другим элементам без потери ощущения общей целостности.
К наиболее распространенным способам создания композиционного центра относятся: отличающийся от других элементов размер, форма, фактура, цвет, положение в формате.
Кроме того, композиционный центр требует наиболее тщательной проработки по сравнению с остальными частями изображения.
Экзаменационные требования МАрхИ к композициям из врезанных тел
Основные требования МАрхИ к экзаменационным работам касаются не только качества построения связок и изображения в целом, но и точного соблюдения поставленных вузом условий и сводятся к следующему:
• экзаменационный рисунок соответствует предложенному абитуриентам заданию;
• высокое качество композиционной идеи, изображение гармонично и его сложность адекватна поставленной задаче;
• изображение качественно закомпоновано в листе;
• правильно построены и изображены отдельные тела, учтена перспектива, верно проведена работа с врезками;
• предложено верное тональное решение;
• изображение завершено.
Для того чтобы успешно сдать экзамен, абитуриенту необходимо четко понимать суть требований вуза и продемонстрировать полученные в ходе подготовки знания и навыки, аналитический подход, а также умение создавать нетривиальные работы, управлять фантазией и творческим процессом, работая в рамках целого ряда важных ограничений.
Как научиться выполнять связки
Столь сложную тему как врезанные геометрические тела — особенно с учетом требований архитектурных институтов — невозможно освоить без значительного объема практики под руководством опытного наставника. Только многократно отработав и прочно закрепив понимание особенностей основных геометрических фигур и конструктивного строения полученных на их основе тел, вы сможете составлять и выполнять гармоничные, композиционно продуманные связки на уровне, достойном для поступления в лучшие архитектурные институты столицы.
Чтобы научиться уверенно выполнять изображения врезанных геометрических тел, делать качественные построения, тоновую проработку и подготовиться к поступлению в архитектурные и творческие вузы Москвы, записывайтесь на занятия к опытным преподавателям академического рисунка в студию К.Э.Арутюновой.
Записаться можно по указанному телефону или через форму на сайте.
Похожие записи
Цветовые аппликации | Artisthall — Художественная мастерская
В этом задании необходимо изобразить композицию в виде цветной аппликации из пересекающихся геометрических фигур.
Все декоративные композиции в нашем курсе занятий дают большую возможность раскрыть творческий потенциал, попробовать разнообразные техники, изобразить различные сюжеты, освоить самые эффектные способы создания и построения композиции.
Цветовые аппликации описание.
Приведенное ниже описание и правила выполнения задания являются лишь теоретической частью. Для правильного создания цветовых аппликаций нужны практические занятия по композиции с педагогом и профессиональные консультации на каждом этапе выполнения работы.
Цветовые аппликации являются одним из самых ярких и декоративных заданий в курсе.
На листе предлагается изобразить композицию из произвольных геометрических фигур, под руководством педагога разработать поисковые эскизы, определиться с цветовой гаммой, далее на основе эскизов, создать сбалансированную композицию.
Размер, масштаб, положение геометрических фигур подбираются исходя из общего художественного замысла.
В этом задании большое значение имеет работа с цветом. Необходимо подобрать несколько наборов цветов, гармонично подходящих и сочетающихся друг с другом (подробнее о цветовых гаммах смотрите в статье Цветовой круг). Далее нужно расположить цветовые сегменты в нарисованную геометрическую композицию.
В местах пересечения геометрических форм можно изменить цвет обеих фигур, создав эффект прозрачного наложения, отчего композиция сразу приобретает пространственное выражение и визуальные планы.
Стоит отметить, что цветовые аппликации — это не набор цветных геометрических фигур, перемешанных в пространстве, это попытка создать настоящее художественное произведение используя минимум изобразительных средств.
В задании нужно не просто подобрать цвета, но и сделать из них, используя форму и массу каждого цветового сегмента, динамичную и зрелищную композицию. Задание дает прекрасную возможность проявить художественно пространственное мышление, не отталкиваясь ни от каких образцов, создать собственную уникальную композицию.
На представленных примерах, выполненных нашими учениками, хорошо видно насколько разнообразными и оригинальными могут быть композиции. В этом задании ученики, до этого считавшие, что не обладают художественными способностями, раскрывали свой творческий потенциал, создавали эффектные композиции с удивительными композиционными решениями.
Цветовые аппликации — это возможность создать в процессе обучения и подготовить прекрасные работы для собственного портфолио, наработать профессиональные изобразительные навыки, необходимые в будущей специальности.
В этом задании создается настоящее декоративное полотно, отвечающее всем стандартам современных направлений живописи.
Композиции, выполненные на наших занятиях, ученики размещают в портфолио, уровень и качество готовых работ отвечают самым требовательным запросам графического дизайна.
Многие наши ученики, пришедшие к нам для перепрофилирования и получения художественных навыков для профессии дизайнер, декоратор, оформитель, создали на наших занятиях хорошие портфолио, которые помогли при собеседовании, при поступлении в ВУЗ и в дальнейшей карьере.
Пройдя всю программу занятий по композиции, Вы получите широкое творческое видение, сформируете цельную картину восприятия любого творческого произведения, у Вас появиться четкое представление о художественной ценности, колорите, технике исполнения произведения.
По всем вопросам проведения занятий звоните по телефонам: 8 903 669-80-89, 8 903 669-49-59 или пишите на почту: [email protected]
Смотрите также:
Композиция из геометрических тел | Art-matita Блог
Врезки – геометрические тела соединенные друг с другом в композиции. Они являются важной частью при изучении на уроках академического рисунка. От врезок идет постепенный переход к сложным композициям природы и архитектуры. Невозможно правильно и достаточно реалистично изобразить животных, здания, машины без изучения правил постановки связок геометрических тел вместе. Такие определения, как врезки и связки часто встречаются в экзаменационных билетах в вузах, где преподают академический рисунок.
Для чего нужно изучать связки и врезки
Связки состоят из фигур, соединенных вместе, иногда переходящих одна в другую. Одной из особенностей является то, что их рисуют по воображению, а не с натуры. Поэтому нужно полностью разобрать, из каких геометрических тел состоит объект и их связки. Потом, с учетом перспективы нарисовать формы и их соединения, указать падающие тени, поработать над светотенью и найти правильный тон к изображению.
Результатом занятий с врезанными телами будет умение создавать образ готового изображения. Это способствует развитию объемно-пространственного мышления, также ученику приходится использовать навыки, которым он учился на предыдущих уроках, и выстраивать светотень, опираясь на собственное воображение, не глядя при этом на натуру. Врезки хорошо помогают при рисовании натюрмортов, а также сложных композиций с живыми или рукотворными объектами.
Базовые умения для изображения врезанных геометрических тел
Для начала работы с телами, нужно понимать особенности конструкций фигур, применять законы светотени, помнить о перспективе воздушной, не забывать про геометрическую.
Необходимо хорошо работать с карандашом, без использования вспомогательных инструментов. Если у вас получается изображать композицию, правильно изображая фигуры в пространстве, нужном ракурсе и перспективном сокращении с учетом светотени, то можно начинать работу со связками.
Полезные советы для построения врезанных тел
Четырехгранник или куб используется чаще всего, в него лучше врезаются другие тела цилиндрической формы, а также конусы, шары.
Сетка помогает не делать ошибки в перспективе. Ее построение изучают дополнительно, потому что это довольно сложная тема. Но если она построена правильно, она упрощает в дальнейшем построение композиции.
Основа изображения – это верно выполненные построения. Ошибаться здесь нельзя, поэтому этому уделяют большое внимание при обучении врезанных тел.
Необходимо запомнить важное правило, что тела должны врезаться друг в друга не меньше, чем на одну треть, и не больше, чем на половину.
Это нужно, чтобы смотрящий понял, что эта за фигура и каков ее размер.
Композиционная гармония
Верно изобразить композиционное равновесие сложно, но для этого есть несколько способов. В зависимости от того, что нужно изобразить, используется два вида равновесия. По вертикальным и горизонтальным осям изображают статичное равновесие, пользуясь фигурами, такими как кубом, призмой или другими похожими. Динамичное равновесие показывают на диагональных осях, изображая на них главные объекты, активно используя при этом контрастность в светотени, тонах, размере, фактуре.
Не нужно забывать и учитывать при построении композиционного равновесия, что человеческий глаз воспринимает пространство и объекты с долей искажения. Например, если разделить лист горизонтально на две равные части, то верхняя нам будет казаться больше, чем нижняя, хотя мы знаем, что одинаковы.
Для более подробного освоения такой сложной темы, лучше всего обратиться к опытным наставникам, которые смогли бы вовремя найти ошибки в ваших работах.
Большой объем практики и многократная отработка навыков даст нужный уровень для достижения результатов.
Создать симметричную и ассиметричную композиции, используя геометрические (и, или пластические) фигуры и цвет. Масштаб по усмотрению. Черно-белые и цветные варианты, всего 4 шт.
Симметрия (греч. — соразмерность) в общем значении — свойство геометрической фигуры накладываться на себя так, что все ее точки занимают первоначальное положение.
Наблюдая живые существа и природные растительные формы, можно заметить, что они строятся по принципу симметрии.
В основе строения любой живой формы лежит принцип симметрии. Симметрия может быть центральной или осевой.
Симметричные
фигуры разделены на равные части
относительно прямой или центра.
Это
закономерность, так как в природе ничто
не служит чисто декоративным целям.
Когда мы хотим нарисовать бабочку или лист растения, то нам приходится учитывать их осевую симметрию.
Центральная симметрия характерна для кристаллов, низших животных и цветов (рис. 10).
Рис. 10. Центральная симметрия
Симметрия в искусстве имеет самое широкое распространение, являясь одним из важных средств построения художественной формы.
Зеркальная симметрия получается, если одна половина предмета зеркально отражает другую. Если повторяемых частей несколько (более двух) и собраны они вокруг одной точки, это будет пример центральной симметрии.
В
центральной симметрии каждая часть
состоит из двух зеркально симметричных
половинок. Если же части предмета,
собираемые вокруг центральной точки,
несимметричны, то образуется у г л о в
а я симметрия (рис.
11 а),
в которой несимметричная деталь как
бы повернута на некоторый угол. Примером
угловой симметрии может служить колесо
турбины, пропеллер и т. д. Число совмещений
при полном повороте называется порядком
оси. Угол поворота, при котором фигура
совмещается, называется элементарным
углом поворота.
Симметрия с осью переноса (рис. 11 б) или плоскость скользящего отражения, используется обычно в композиции орнаментов. В таком случае фигура, двигаясь по оси переноса, отражается относительно плоскости, перпендикулярной плоскости рисунка.
Симметрия называется абсолютной, если два сходных элемента располагаются по обе стороны оси изображаемой или воображаемой.
Относительная симметрия (рис. 11 в) заключается не в сопоставлении сходных частей или элементов композиции, а в равновесии масс.
Если симметрия затрагивает часть композиционного целого, то в таком случае говорят о частичной симметрии (рис. 11 г).
Рис. 11. Симметрии: а — угловая; б — с осью переноса; в — относительная;
г — частичная
Положение оси определяется путем зрительного разделения видимого абриса изображенной формы на два равноценных по площади участка, лежащих внутри этого абриса.
Композиционная ось не обязательно должна присутствовать в виде линии. Эта ось — мысленная. Ее место определяется расположением фигур, так или иначе тяготеющих к такой воображаемой линии. Фигуры создают ощущение оси за счет количественного равенства элементов по обе стороны от нее.
Она может присутствовать как в симметричном построении, так и ассиметричном.
Композиция может иметь несколько осей симметрии. При нечетном количестве вертикальных осей (три, пять) композиция собирается к центру и становится более цельной; при четном (две, четыре) — связь элементов уменьшается и приходится вводить объединяющие элементы (рис. 12). Наряду с симметричными композициями существуют композиции, сформированные на основе ассиметрии (рис. 13).
Рис. 12.Композиции с несколькими осями симметрии
Оба принципа композиции, симметричной и ассиметричной, равноценны по художественным качествам. Выбор приема зависит от задач образной выразительности и от функциональных требований.
Ассиметричное построение основывается на принципе уравновешенности масс или принципе живописности. Ассиметричные композиции требуют более контрастных отношений, чем симметричные, что придает им особую выразительность.
Рис. 13. Ассиметричная композиция Рис. 14. Симметричная композиция
Главное, доводить оба приема до выявления основного принципа: композиция должна быть строго симметричной или асимметричной.
Создавая композиционные построения, человек часто вдохновляется рациональностью форм природы, в основе которых лежат геометрические фигуры.
Рис. 15. Геометризация формы
При создании художественного образа, преобразуя реальный облик изображаемого, художник использует обобщение; стремясь придать выразительность образу и акцентируя характерное, прибегает к геометризации формы, уподобляя ее геометрической фигуре (рис. 15). Если рассматривать композицию художественного произведения, например картины, то можно найти ряд линий геометрической формы, взаимно увязанных между собой в систему (треугольник, прямоугольник, круг, квадрат, пирамида). По этим линиям и фигурам расположены различные детали композиции. Они часто определяют форму композиции. Фигуры с центральной симметрией (круг, квадрат) и центрально-угловой (розетки) наиболее выразительны, за ними следуют фигуры с осевой симметрией.
Список рекомендуемой литературы:
Писарева, А.Н. Композиция. Основные законы и выразительные средства: учебное пособие / А. Н. Писарева. – СПб.: СПГУТД, 2011
Писарева, А. Н. Художественные стили прикладного искусства: методические указания / А. Н. Писарева. – СПб.: СПГУТД, 2006
Бельчук, А. Г. Композиция, орнамент, шрифт: учебник / А .Г. Бельчук, Л. Т. Жукова, Ю. М. Лиленков. – СПб.: СПГУТД, 2007. – 155 с.
Орнамент всех времен и стилей. 2 тома: сборник. – М.: Арт-родник. 2 т., 2010. – 1 т. – 69 с., 2 т. – 73 с.
Буткевич, Л. М. Орнамент как процесс / Л. М. Буткевич. – М.: Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, 2002
Логвиненко, Г. М. Декоративная композиция: учебное пособие для ВУЗов / Г. М. Логвиненко. – М.: Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, 2009. – 144 с., 16 с. ил.: ил.
Народные художественные промыслы / под ред. М. А. Некрасовой и др. – Мн.: Мисанта, 2007
Фокина, Л. В. История декоративно-прикладного искусства / Л. В. Фокина. – Ростов н /Д: Феникс, 2009
Бесчастнов, Н. П. Изображение растительных мотивов: учебное пособие для ВУЗов / Н. П. Бесчастнов. – М.: ВЛАДОС, 2006. – 176 с.: ил.
Кошаев, В. Б. Декоративно-прикладное искусство. Понятия. Этапы развития: учебное пособие / В. Б. Кошаев. – М.: Гуманитар. изд. центр ВЛАДОС, — 2010. – 272 с., 16 с. ил. – (Изобразительное искусство)
20
композиция из геометрических фигур рисунок — Blog — Ghenadie Sontu Fine Art
Приступать к рисованию непосредственно на листе можно лишь тогда, когда определена тема, т. е. цель и задачи данного рисунка, упражнения. Прежде всего необходимо решить задачу композиции, сначала мысленно, а затем на листе бумаги. Как говорят рисовальщики, нужно «взять хорошую композицию», или «скомпоновать рисунок». Что это означает? Какое значение имеет в учебном рисовании? И, наконец, существуют ли какие-либо правила или приемы, помогающие решению композиции рисунка на листе?
Слова «композиция» и «компоновка», безусловно, связаны одним смысловым значением, но употребляются в разных моментах творчества. Слово «композиция» происходит от латинского «составление», «сочинение». Этот термин меет в искусстве и широкий, и узкопрактический, в некотором смысле ремесленный оттенок.
В широком смысле слова этот термин употребляется в музыке, литературе, театре, кино, архитектуре и в изобразительном искусстве. В творческом отношении — это общий замысел, структура произведения искусства, наиболее полно выражающая его идею. В техническом отношении — расположение частей и связь их между собой в единое целое.
При создании композиции по представлению происходит сложный творческий процесс поиска. В этом случае немыслимо сразу разместить всю композицию без предварительной подготовки, которая сама по себе может распадаться на решение целого ряда отдельных задач и работ, порой требующих много времени.
Задача данного раздела состоит в том, чтобы направить внимание учащегося на рациональное размещение и последовательность ведения учебного рисунка с натуры, по памяти, по воображению.
При учебном рисовании с натуры одного или двух-трех предметов задачи композиции сводятся к целесообразному размещению рисунка на листе бумаги. В этом случае прежде чем приступить к выполнению простой учебной задачи, всю подготовительную работу необходимо проделать в уме: нужно уметь представить работу уже нарисованной. При решении композиции учащийся должен учитывать все стороны учебного рисунка — конструкцию, движение, пропорции, перспективу, светотень, цвет и фактуру изображаемых на листе предметов.
Поэтому термин «композиция» принято употреблять в учебном рисунке и при выполнении самых элементарных первоначальных упражнений. Вообще резкое деление работы на техническую и художественную весьма условно: одна переходит незаметно в другую и на деле слиты в процессе рисования.
Более того, на простых учебных упражнениях при правильном методическом подходе закладываются и воспитываются основы понимания композиции, необходимые для будущей творческой деятельности, для решения сложных композиционных задач. Композиция является в конце концов самым главным составляющим произведения искусства, венцом мастерства и творчества, ею нельзя пренебрегать с первых шагов обучения.
В узком смысле слова композиция в учебном рисунке — это правильный выбор размера и расположения предмета на взятом формате листа бумаги. Плохое расположение (плохая композиция) заметно снижает достоинство технически хорошо выполненного рисунка предмета, тем самым снижается впечатление от работы в целом.
Что значит «хорошая правильная композиция»? В практическом понимании это означает экономное, удобное, наиболее целесообразное, грамотное и последовательное решение определенной задачи. Необходимо добавить, что выполнение той или иной работы в любой отрасли практической деятельности человека всегда строго обусловлено данными реальными условиями: временем, местом, материалом, а в проектной работе архитектора, кроме того, масштабом, размером и даже форматом представляемых чертежей. Чем рациональнее и методичнее организована работа, тем меньше времени она потребует и будет плодотворнее. Необходимы особые знания и расчет, чтобы не делать лишней работы. Эти качества необходимо воспитывать. При правильной методической постановке весь процесс рисунка должен служить школой воспитания композиционного качества, о котором говорит в своих педагогических заметках скульптор А. С. Голубкина: «… чтобы перейти к этому настоящему искусству, надо хорошо изучить его ремесленную часть, которая очень проста, целиком поддается знанию и вычислению и преодолевается вниманием, усвоением порядка работы, сдержанностью и дисциплиной». Итак, после того, когда ясно осознана задача данного упражнения и решено, что должно входить в композицию, первым шагом является выбор размера изображения и его размещение на листе. Это очень ответственный момент. Случайное, необдуманное размещение изображения требует зачастую переделки, перетираний, ведет к потере времени и притупляет свежесть восприятия. Иногда это вызывает неудовлетворенность и нежелание уже в начальной стадии продолжать рисунок, теряется интерес к работе. Если же подойти к композиции обдуманно и с расчетом, то грубым ошибкам не может быть места. Первая задача рисующего — уместить изображение на выбранном размере и формате листа — должна оставаться постоянным жестким требованием, одной из основ учебного рисунка.
Размещение изображения на листе определяется следующими условиями: предметом изображения, поставленной задачей данного упражнения (темой), форматом и размером листа. Если в творчестве многообразие задач определяет и разнообразие композиционных решений, то ограниченные той или иной целью (конструкция, движение, светотень, перспектива) задачи учебного рисунка с натуры, по памяти, по воображению предъявляют более строгие требования к размещению рисунка на листе бумаги.
На рис. 1 дано несколько примеров размещения изображения головы человека на листе бумаги заданного размера. Поскольку целью начальной стадии обучения является изучение формы головы, ее конструкции и пропорций, то размер изображения следует брать ближе к натуральному размеру живой головы (чуть меньше), размер листа 30х40 см будет использован при этом достаточно рационально. Размещать изображение головы нужно посередине, несколько приподнимая его вверх. Из всех приведенных примеров композиционного решения правильным будет размещение изображения в последнем случае (рис. 1,г; 2).
Композиция из геометрических фигур фото
Автор На чтение 15 мин. Опубликовано
09 Февраля 2016
Фотография — это то, чем становятся живопись, композиция, пластический ритм, геометрия, размещенные в считанных долях секунды (Анри Картье-Брессон).
Фото: Ronald Koster
Когда мы думаем о композиции в фотографии, первое, что приходит в голову – это золотое сечение, правило третей, формат кадра, контраст, точка съемки…
Но есть еще один важный элемент в композиции – геометрия. Геометрия в фотографии — это простые формы, такие как квадрат, треугольник, круг, прямые и кривые линии.
Геометрические объекты обычно вспомогательные, они усиливают восприятие и могут объединять отдельные элементы фотографии в единое целое. Выбирая ту или иную геометрическую форму в фотографии, автор может заранее акцентировать внимание будущего зрителя на его определенных зонах. Установлено, например, что углы квадрата оказываются очень активными зонами, а для круга или овала – это центр. Не случайно, с давних времен сложилась традиция портретов в овале. Углы не отвлекали внимание от главного — изображения лица. Наиболее распространенный и наиболее разносторонний геометрический инструмент – это линии. Более подробно о них читайте в нашей отдельной статье.
Фактически, любой объект окружающей среды можно сравнить с какой-либо геометрической фигурой, но все они пробуждают у зрителя разные эмоции и чувства. Простые геометрические формы, такие как круг и квадрат, намного быстрее фиксируются нашим глазом и воспринимаются мозгом, а следовательно и лучше запоминаются, нежели сложные и неправильные. Вообще выделяют три базовых фигуры. Это прямоугольник, треугольник и круг. Всё остальное – овал, квадрат, трапеция, эллипс, ромб всего лишь их вариации. Все они отличаются как графически, так и (не удивляйтесь) эмоционально.
КВАДРАТ В КОМПОЗИЦИИ
Квадрат – это самая устойчивая, законченная форма, готовая вызывать утверждающие образы. Он ассоциируется с такими понятиями, как порядок, стабильность, надежность, прочность. В то же время, квадрат воспринимается несколько приземленно и тяжеловесно.
Фото: Robertino Nikolic. “Свет играет с геометрией или геометрия со светом?”. Победитель конкурса Black & White Spider Awards, 2007.
Фото: Alma (источник – 1510.deviantart.com)
Фото: G. Diaz Deleon
ПРЯМОУГОЛЬНИК В КОМПОЗИЦИИ
Прямоугольник, расположенный̆ большей̆ стороной̆ по горизонтали вызывает ощущение стабильности, покоя, основательности.
Фото: Guerel Sahin
Фото: Guerel Sahin
Особенно гармонично смотрится, если он выполнен в пропорциях «золотого сечения». Прямоугольник, расположенный̆ большей̆ стороной̆ вдоль вертикали, создаёт ощущение лёгкости, воздушности.
Фото: Joe McNally
ТРЕУГОЛЬНИК В КОМПОЗИЦИИ
Треугольник – наиболее часто встречающаяся в природе форма. Треугольник — самая динамичная, неустойчивая форма, которая ассоциируется с движением, развитием, скоростью. В положении «вершиной вверх» вызывает образы устойчивости, стабильности (пирамида). Несколько треугольников – позитивное динамическое движение. В положении «вершиной вниз» – шаткое равновесие, балансировка. В отличие от прямоугольника, стороны не противостоят друг другу, а меняют направление развития. Это может быть использовано для создания конкретных образов. Треугольник естественным образом вносит в композицию ощущение глубины пространства.
Фото: Josh Johnson
КРУГ В КОМПОЗИЦИИ
В форме круга более чем, в какой̆ – либо, выражена идея природы, земли, мироздания. Круги изобилуют как в природе, так и в мире рукотворных предметов. Поэтому такие понятия как «добро», «жизнь», «счастье», «процветание» ассоциируются у человека именно с этой̆ формой̆. Данная форма направляет взгляд внутрь кадра. Круг ассоциируется с чем-то легким, воздушным и при этом – уравновешенным. Но, в отличие от квадрата, это равновесие ближе к физическому понятию «неустойчивое равновесие». Круги – самые приятные глазу фигуры, которые можно смело использовать в кадре. Они сразу приковывают внимание зрителя и, благодаря своей идеальной симметричности, привносят в изображение гармонию. Поскольку у круга нет углов, он прекрасно контрастирует с прямоугольным обрезом кадра.
Фото: Steve McCurry
Фото: Georgios Karamanis
Фото: Elia Locardi
Как и треугольник, круг – очень эффектная геометрическая фигура, которую можно с пользой применить в композиции кадра, хотя и с другим смыслом. В отличие от диагоналей, заряжающих кадр динамикой и напряжением, кривые линии создают гармонию. Таким образом, можно создавать выразительные и информативные композиции, основанные на простых геометрических фигурах.
Фото: William Morris Kahn
Фото: Joe McNally
Фото: Joe McNally
Геометрические объекты можно условно разделить на три группы по их функциям: направляющие линии, разделители пространства и обрамление. Разделители пространства делят снимок на отдельные зоны, несущие свою смысловую нагрузку, но работающие вместе для создания единой композиции. Примером, простейшего разделителя пространства может послужить линия горизонта, отделяющая небо от поверхности моря. Очень хорошо смотрятся в качестве разделителя пространства треугольники, но и такие элементы, как диагонали и незамкнутые линии, тоже уверенно можно использовать.
Фото: Вадим Докторов
Обрамления носят функцию притяжения взгляда зрителя и его фокусировку на основном объекте. В качестве обрамляющих элементов отлично работают дверные проемы, арки, окна. Кроме того, великолепно с этой функцией справляются и естественные элементы, например, ветви деревьев. Важно чтобы обрамление присутствовало, как минимум, с двух сторон снимка и было выполнено в спокойной тональности, желательно более темной, чем главный объект, чтобы не отвлекать зрителя. Обрамляющий элемент должен иметь интересный цвет, форму, текстуру или иные примечательные характеристики, но стоит помнить, что обрамляющие элементы должны направлять, а не отвлекать. Особенно хорошо в этом плане работают треугольники или арки. Арка способна создать интересную динамичную композицию.
Фото: Guerel Sahin
Пробуйте, экспериментируйте и не забывайте, что в одном снимке вы можете использовать сразу несколько геометричских фигур для построения композиции.
Урок 1. С построения композиции начинается любой снимок.
И для того чтоб ваши фотографии смотрелись гармонично и грамотно нужно изучить ее основы.
Основы композиции.
Статика и динамика в композиции.
Вначале небольшое вступление
Что же такое композиция ?
Композиция (от лат. compositio ) означает составление, соединение сочетание различных частей в единое целое в соответствии с какой-либо идеей.
Имеется в виду продуманное построение изображения, нахождение соотношения отдельных его частей (компонентов), образующих в конечном итоге единое целое – завершенное и законченное по линейному, световому и тональному строю фотографическое изображение.
Для того чтоб лучше передать в фотографии идею используют специальные выразительные средства: освещение, тональность, колорит, точка и момент съемки, план, ракурс, а также изобразительный и различные контрасты.
Знание закономерностей композиции поможет вам сделать свои фотоработы более выразительными, но это знание вовсе не самоцель, а лишь средство, помогающее достигнуть успеха.
Можно выделить следующие композиционные правила:
передачи движения (динамики), покоя (статики), золотого сечения (одной трети).
К приемам композиции можно отнести: передачу ритма, симметрии и асимметрии, равновесия частей композиции и выделение сюжетно-композиционного центра.
Средства композиции включают: формат, пространство, композиционный центр, равновесие, ритм, контраст, светотень, цвет, декоративность, динамику и статику, симметрию и асимметрию, открытость и замкнутость, целостность. Таким образом, средства композиции – это все, что необходимо для ее создания, в том числе ее приемы и правила. Они разнообразны, иначе их можно назвать средствами художественной выразительности композиции.
К рассмотрению этих и других вопросов мы еще обязательно вернемся, ну а
сегодня мы более подробно рассмотрим передачу движения (динамики) и покоя (статики).
Вначале я расскажу что характерно для статической композиции, и покажу на примере как добиться этого в своей работе.
Статичные композиции в основном используются для передачи покоя, гармонии.
Чтобы подчеркнуть красоту предметов. Может быть для передачи торжественности. Спокойной домашней обстановки.
Предметы для статичной композиции выбираются близкие по форме, по массе, по фактуре. Характерна мягкость в тональном решении. Цветовое решение строиться на нюансах – сближенные цвете: сложные, земляные, коричневые.
В основном задействован центр, симметричные композиции.
Для примера, я составлю небольшой натюрморт. Художественная ценность его не велика, и все приемы и средства композиции в нем немного утрированы для наглядности ))
Итак, для начала я отбираю предметы, которые буду использовать, и рисую схему своего будущего натюрморта.
В принципе, любой предмет можно вписать в одну из этих фигур:
Поэтому и мы возьмем их за основу.
Для своего натюрморта я выбрала три предмета – чашку, блюдце и, как вспомогательный предмет, – конфету. Для более интересной композиции предметы возьмем разные по размеру, но очень сближенные по цвету и фактуре (как обязывают свойства статики).
Подвигав немного фигуры, я остановилась на этой вот схеме:
Здесь как раз задействован центр, фигуры расположены фронтально, и находятся в состоянии покоя.
Теперь нам необходимо определиться с тональность предметов, то есть разделить на самый светлый предмет, самый темный, и полутон. А заодно и с цветовой насыщенностью.
Закрасив фигурки, и поиграв немного с цветами, я останавливаюсь на таком варианте:
Теперь, исходя из этой схемы, я выстраиваю свой натюрморт. Фотографирую, и вот что у меня получается:
Но как мы видим это не совсем подходит под нужные нам свойства.
Нужно добиться большей обобщенности предметов, чтоб они практически смотрелись единым целым, а также цвета были более сближенные. Эти задачи я собираюсь решить с помощью света.
Использую комбинированное освещение – сочетание направленного и рассеянного света:
неяркого заполняющего света, и направленного – луч фонарика.
После пары кадров и экспериментов со светом мне удается добиться желаемого результата.
Обрабатываю его немного в ФШ и вот результат:
Как видим, нам удалось создать статический натюрморт, по всем правилам:
Предметы находятся в состоянии покоя, в центре композиции, перекрывая друг друга.
Цвета мягкие, сложные. Все построено на нюансе. Предметы одинаковые по фактуре, практически одинаковые по цвету. Общее световое решение их объединяет и создает атмосферу спокойствия и гармонии.
Теперь переходим к динамической композиции.
Динамика, это полная противоположность статики во всем!
Используя динамическое построение в своих работах, вы сможете более ярко передать настроение, взрыв эмоций, радость, подчеркнуть форму и цвет предметов!
Предметы в динамике в основном выстраиваются по диагонали, приветствуется ассиметричное расположение.
Все построено на контрастах – контраст форм и размеров, контраст цвета и силуэтов, контраст тона и фактуры.
Цвета открытые, спектральные.
Я же для наглядности возьму те же самые предметы, только чашку заменю на более контрастную по цвету.
Опять используя наши три фигурки, я выстраиваю композицию, но уже основываясь на свойствах динамики. Вот такая у меня получилась схема:
Теперь работаю над тоном и цветом, не забывая при этом, что все должно быть максимально контрастно, чтоб передать движение в натюрморте.
Вот и тональный эскиз готов:
Теперь воплощаем все это в реальность, расставляем предметы, делаем кадры.
Смотрим что у нас получилось и что нужно изменить
Так, расположение вроде удачное, но вот из за общего света не очень удалось создать контрастность, особенно по цветам. Предметы выглядят слишком уж одинаково.
Решаю использовать цветной фонарик, чтоб подчеркнуть форму, и сделать предметы контрастными по цвету.
Экспериментирую с синим светом, выбираю на мой взгляд наиболее удачный кадр, немного дорабатываю его в ФШ и вот результат:
Теперь вроде все на своих местах. Композиция построена по диагонали, предметы и их расположение относительно друг друга динамичное, можно сказать контрастное: блюдце стоит, а чашка лежит.
Цвета более чем контрастны.)) Тоже касается и тона.
Вот вроде и все. Специально старалась свести все приемы и правила к минимуму, чтоб не переписывать здесь многочисленные страницы конспекта.))
Если возникнут какие то вопросы, которые я здесь не рассмотрела или упустила, обязательно задавайте!
Теперь переходим к заключительной части нашего урока – к домашнему заданию.
Оно будет предельно простое.
Вам нужно будет самостоятельно составить две композиции на статику и динамику, руководствуясь правилами описанными в этом уроке.
Для начала выберите предметы которые больше всего подходят на ваш взгляд для задуманной композиции, затем обязательно составьте схему ! (обычную и тонально-цветовую) А потом уже преступайте к постановке предметов по схеме и непосредственно уже к самой съемке.
За основу нужно взять наши три фигурки:
Если вы хотите усложнить себе задание, постарайтесь использовать одни и те же предметы и в статике и в динамике.
СОВЕТ!
Для большей выразительности лучше
все три предмета брать разными по размеру – большой, средний и маленький, вспомогательный.
А также разными по тону – самый светлый, средний и темный.
Итак, в качестве домашнего задания нужно предоставить
две работы: на статику и динамику, а также две схемы к ним!
Так что используя полученные знания и вашу фантазию, создавайте новые шедевры!
Творческих вам успехов!
Фотография, путешествия, автомобили и что-то еще.
Фотографировать хорошо, а хорошо фотографировать еще лучше
Урок 3. Просто о фотографии. Геометрия в композиции.
В предыдущих уроках мы уже рассмотрели основные подходы к фотосъемке, поговорили о ракурсе, выборе фона и кадрировании. Мы изучили Правило третей – широко используемый принцип, помогающий нам решить, в какое место кадра поместить снимаемый объект. В этом уроке мы поговорим о геометрических составляющих снимка и о том, как их использовать для достижения гармоничной композиции. Также этот урок может быть полезен в выборе объекта съемки, поскольку в начале съемки мы далеко не всегда знаем, что будем снимать, а скорее наоборот берем камеру и устремляемся в поисках того, что можно запечатлеть.
Сами по себе геометрические элементы, как правило, не интересны и скорее носят вспомогательную функцию, играя роль хорошей основы для объекта. Геометрические объекты можно условно разделить на три группы: направляющие линии, разделители пространства и обрамление.
Направляющие линии выполняют роль путеводителя взгляда человека по снимку. Известно, что физиологически глаз человека осматривает фотографию по диагонали с левого верхнего угла в направлении правого нижнего угла. Грамотно используя направляющие линии, можно создать так называемые ловушки для взгляда и буквально заставить зрителя направить взор в ту точку кадра, где расположен главный объект.
Пример направляющих линий. Обратите внимание как перила моста уводят взгляд в сторону здания на заднем плане.
Разделители пространства делят снимок на отдельные зоны, несущие свою смысловую нагрузку, но работающие вместе для создания единой композиции. Примером, простейшего разделителя пространства может послужить линия горизонта, отделяющая небо от поверхности моря. Очень хорошо смотрятся в качестве разделителя пространства треугольники, но и такие элементы, как диагонали и незамкнутые линии, тоже уверенно можно использовать.
Обрамления носят функцию притяжения взгляда зрителя и его фокусировку на основном объекте. В качестве обрамляющих элементов отлично работают дверные проемы, арки, окна. Кроме того, великолепно с этой функцией справляются и естественные элементы, например, ветви деревьев. Важно чтобы обрамление присутствовало, как минимум, с двух сторон снимка и было выполнено в спокойной тональности, желательно более темной, чем главный объект, чтобы не отвлекать зрителя.
Пример обрамления. Более темный тон обрамления фокусирует внимание на главном объекте.
Геометрические объекты могут иметь различную форму, но наиболее сильно работают простые узнаваемые формы, такие как треугольники, квадраты, круги, дуги, прямые или изогнутые линии. Но не все геометрические объекты работают одинаково. Так, например, квадраты и круги – фигуры статичные, а потому не слишком интересные. Наиболее сильными для восприятия являются треугольники, дуги и линии.
Треугольники. Все мы знаем, что треугольники делятся на равнобедренные и неравнобедренные. При построении композиции следует избегать равнобедренных треугольников. Они слишком статичны и могут привести к такой же статичной и скучной композиции. Исключением может стать ваше осознанное желание передать атмосферу спокойствия в кадре. Неравнобедренный, неуравновешенный треугольник содержит в себе динамику и напряжение, что привлечет внимание зрителя.
Пример треугольника как разделителя пространства. В данном случае перевернутый треугольник создает ощущение напряжения в кадре.
Дуги. Очень удобный элемент, одинаково хорошо выполняющий роль и направляющей линии, и разделителя пространства, и обрамления.
Пример дуги. На снимке дуга играет роль одновременно разделителя пространства и обрамления.
Линии. Пожалуй, наиболее распространенный и наиболее разносторонний геометрический инструмент. На линиях следует остановиться подробнее. Линии могут быть прямыми: горизонтальными, вертикальными, наклонными. Также линии могут быть изогнутыми.
Горизонтальные линии придают снимку статичность и равновесие. Самой важной горизонтальной линией является линия горизонта, особенно на снимках с морскими пейзажами. С ней нужно быть очень аккуратными и постараться не допустить «завала» горизонта, если, конечно, вы сознательно используете завал в качестве художественного приема. Схожую роль в композиции играют вертикальные линии, например фонарные столбы или углы зданий.
Наличие наклонных линий или «диагоналей» в кадре вносит в композицию элемент динамики. Кроме того, с помощью диагоналей можно придать снимку объем, перспективу и даже настроение. Диагональ, проведенная от левого нижнего угла в правый верхний угол придаст кадру положительную динамику, а вот диагональ, направленная из левого верхнего угла в правый нижний внесет нотки грусти и ностальгии. Конечно, в зависимости от сюжета и зрителя, этот прием далеко всегда вызывает в сознании одинаковый отклик. Важно то, что ощущение динамики и пространства с использованием диагоналей весьма существенны.
Изогнутые линии с мягкими изгибами воспринимаются нами как наиболее красивые элементы композиции. Принято считать, что такого восприятия в основе лежит ассоциация с изгибами человеческого тела. Идеальной изогнутой линией считается S-линия или как ее еще называют «линия красоты». S-линия имеет неоспоримое преимущество перед всеми другими геометрическими элементами, является залогом красивой картины и, в отличие от других линий, может выступать как главный элемент композиции.
Пример «линии красоты» в пейзаже. Фотограф Станислав Савин ( sav_in ).
Если вам удалось разглядеть такую линию, смело приступайте к съемке. Возможно, вы на пороге создания шедевра!
Композиция в академическом рисунке карандашом| АРТАКАДЕМИЯ Курсы рисования Киев
КОМПОЗИЦИЯ КОНСТРУКТИВНОГО НАБРОСКА: ПОИСК БАЛАНСА В ИЗОБРАЖЕНИИ
Нередко бывает, что сама натура подсказывает художнику композицию. Вы должны пользоваться такими случаями, когда они представляются, но не полагайтесь на это слишком сильно: без предварительного композиционного наброска вы очень легко можете запутаться в ходе работе. Успех вашей композиции будет зависеть и от фактического расположения главных форм на поверхности, и от разделения пространства изображения в целом.
Хороший художник постарается внести немного асимметрии в композицию, разрушая формальное равновесие между двумя сторонами изображения. Это делает композицию более интересной.
Симметричная и асимметричная композицииПервый и главный вопрос, на который вы должны ответить – будет ли ваша композиция симметричной или асимметричной, то есть каково будет общее равновесие в изображении.
Слишком симметричная композиция будет выглядеть скучной и статичной. Симметрия добавит рисунку равновесия, но отнимет его эмоциональность. Тем не менее, иногда даже симметричный пейзаж может выглядеть интересным и достаточно разнообразным благодаря удачному сочетанию различных форм и углов.
Асимметричные композиции создают в рисунке ярко выраженное напряжение. На первый взгляд они могут казаться неуравновешенными, но более пристальное изучение изображения покажет, что даже в асимметричном пейзаже соотношение разных масс и цветов, дополняющих друг друга, будет приводить к созданию определенного равновесия в изображении.
Симметричные композиции выглядят сбалансированными, статичными и монотонными.
Диагональная композиция – одна из самых часто встречающихся в искусстве, поскольку она позволяет создать и асимметрию, и иллюзию стабильности.
Простые формы в академическом рисунке композиции
Создание композиции также подразумевает комбинирование разных форм в пространстве листа. Большинство людей предпочитает композиции на основе геометрических форм ввиду их простой и легко считываемой конфигурации. Если взять три простые формы, например, треугольник, ромб и круг, и удачно расположить их в листе – все равно, будут они стоять отдельно или пересекаясь друг с другом – зритель легко распознает эти формы и будет получать удовольствие от наблюдения за их взаимодействием.
Поэтому мы предлагаем чтобы вы, после того как определитесь с темой рисунка, продумали его композицию, начав с конструктивного скетча. Изобразите натуру, с которой вы будете работать, в виде геометрических фигур, и набросайте схему их взаимодействия. Опыт показывает, что такая композиция будет казаться привлекательной большинству зрителей. Таким образом, вы можете быть уверены, что ваш академический рисунок будет приятен взгляду.
Распространенные схемы в рисунке карандашом
Композиции в рисунке карандашом, основывающиеся на взаимодействии геометрических фигур, были распространены уже во времена Ренессанса, и наибольшей популярностью тогда пользовались треугольники. Эпоха барокко популяризировала диагональную композицию, чуть ли не главным поклонником которой можно считать Рембрандта. Помимо этих классических схем, а также других традиционных вариантов композиций, основанных на прямоугольнике, квадрате и овале, многие популярные схемы базируются на типографских символах, таких как латинские буквы L, C, Zи так далее.
Поскольку создание композиционной схемы натуры – это предварительный этап вашей работы – вам стоит набрасывать эту схему легко, почти не нажимая на карандаш, чтобы линии построения можно было легко стереть, как только они исчерпают свою полезность. Поэкспериментируйте например на курсах рисунка карандашом, с разными геометрическими фигурами, чтобы найти наиболее подходящие для вашего конкретного изображения.
Эти наброски демонстрируют разные варианты работы с пространством при создании композиции. В схеме (А) архитектурный элемент вписан в овал. На рисунке (В) человеческая фигура уподоблена треугольнику с овалом-торсом, а морской пейзаж (С) напоминает перевернутую букву L.
Больше про курсы рисунка карандашом для начинающих тут:
Метод Лоррена: гармония в композиции
Что такое академический рисунок как классическое искусство?
Летний набор на курсы академического рисунка
Курсы академического рисунка — как правильно строить объекты в перспективе.
Обучение академическому рисунку — теория света, полутона и тени
Предварительная подготовка к курсам рисования карандашом
Упражнения по академическому рисунку
Правила линейной перспективы и их применение на курсах рисунка карандашом
Курс рисунка карандашом эллипса и круга — как рисовать подобные фигуры?
Как рисовать окружность на курсах рисунка каранадашом
Практическое занятие по наброскам фигуры на курсах рисунка карандашом
Описание академического рисунка губ человека с примерами набросков — программа для среднего и высшего уровня подготовки.
Академический рисунок губ человека карандашом
Заметки о перспективе в японском искусстве
Курсы рисунка кистей рук карандашом.
Как рисовать кисти рук: Конструкция
Рисунок фигуры человека карандашом
Академический рисунок фигуры человека
Курсы рисунка шара карандашом
Учитесь рисовать портреты? Начните с шара
Как рисовать углем, графитовым карандашом?
Рисование графитовым карандашом: линия, свойства, контроль
Уголь, материал для академического рисунка
Уголь — материал академического рисунка
Как научиться рисовать цветными карандашами мы покажем тут
Курсы рисунка цветными карандашами.
Обучение профессиональному штриху на курсе рисунка карандашом для взрослых
Постановка профессиональных линий в рисунке карандашом
Академический рисунок пером и тушью
Как штриховать расскажет курсы рисунка карандашом
Научитесь рисовать натюрморт разными материалами
Курсы рисунка карандашом шара
Форма
Оценка Уровень: 2–4
Студенты познакомятся с одним из основных элементов искусства — формой — путем анализа типов фигур, используемых в различных произведениях искусства, чтобы различать геометрические и естественные формы. Затем они создадут свой собственный коллаж из вырезанной бумаги на основе выбранной темы.
Анри Матисс, Морские звери , 1950, бумага, гуашь, вырезано и наклеено на белую бумагу, смонтировано на холсте, Фонд Айлсы Меллон Брюс, 1973.18,1
Связь с учебной программой
Материалы
- Smart Board или компьютер с возможностью проецирования изображений из слайд-шоу
- Плотный картон (для предотвращения скручивания при окрашивании)
- Ножницы
- Клей
- Цветная бумага большого формата для прикрепления фигур к
- Пенные губки, нарезанные различной формы
- Температурная краска различных цветов
Вопросы для разминки
Какие формы вы узнаете в Морские звери? Сможете ли вы найти формы, напоминающие игривых рыбок? плавающий морской конек? спиральные снаряды? размахивая водорослями? пышный коралл? А как насчет геометрических фигур, таких как квадраты, прямоугольники и треугольники?
Фон
У всего есть форма, верно? Но что такое форма? Форма — это плоская область, окруженная краями или контуром.
Художники используют всевозможные формы. Геометрические формы точны и правильны, например квадраты, прямоугольники и треугольники. Они часто встречаются в созданных людьми вещах, таких как здания и машины, а биоморфные формы встречаются в природе. Эти формы могут выглядеть как листья, цветы, облака — вещи, которые растут, текут и движутся. Термин «биоморфный» означает: жизненная форма (био = жизнь и морф = форма). Биоморфные формы часто имеют округлую и неправильную форму, в отличие от большинства геометрических форм.
Анри Матисс любил исследовать возможности смешения геометрических и биоморфных форм.В последние несколько десятилетий своей художественной карьеры он разработал новую форму художественного творчества: вырезание из бумаги. По-прежнему погруженный в силу цвета, он посвятил себя вырезанию из цветной бумаги и расположению их в узорах. «Вместо того, чтобы рисовать контур и заливать цветом… я рисую прямо в цвете», — сказал он. Матисс рисовал ножницами!
Матисс любил ходить в теплые места и любил смотреть, как солнце мерцает на море. Он часто путешествовал по портам французского Средиземноморья, а также посещал Италию, Северную Африку и Таити. Морские звери — это воспоминание о его посещении Южных морей. В этом произведении искусства Матисс сначала смешал краски, чтобы получить все яркие цвета океана. Затем он вырезал из этой бумаги формы, которые напомнили ему тропическое море. Наконец, он расположил эти биоморфные формы вертикально над прямоугольниками желтого, зеленого и пурпурного цветов, чтобы показать водные глубины подводного мира.
Практика с инструкциями
Студенты познакомятся с другими художниками, которые экспериментировали с разными формами.Просмотрите слайд-шоу ниже и попросите учащихся указать на формы, которые они видят, и определить их как геометрические или природные / биоморфные:
Слайд-шоу: геометрические или биоморфные?: Формы в произведениях искусства
предыдущие слайды Геометрические или биоморфные ?: Формы в произведениях искусства Уроки и занятия Пит Мондриан
Голландский, 1872–1944
Tableau No.IV; Состав леденцов с красным, серым, синим, желтым и черным цветом , c. 1924/1925
холст, масло, 142,8 x 142,3 см (56 1/4 x 56 дюймов)
Национальная художественная галерея, Дар Герберта и Наннетт Ротшильды
Эдвард Стейхен
Американец, 1879–1973 гг.
Ле Турнезоль (Подсолнух) , ок.1920
холст, темпера и масло, 92,1 x 81,9 см (36 1/4 x 32 1/4 дюйма)
Национальная художественная галерея, Дар комитета коллекционеров
Винсент Ван Гог
Голландский, 1853–1890
Розы , 1890
холст, масло, 71 x 90 см (27 15/16 x 35 7/16 дюйма)
Национальная галерея искусства, подарок Памелы Харриман памяти В.Аверелл Гарриман
Анри Матисс
Френч, 1869–1954 гг.
Женщина, сидящая в кресле , 1940 г.
холст, масло, 54 x 65,1 см (21 1/4 x 25 5/8 дюйма)
Национальная художественная галерея, Дана в память о своем муже, Тафте Шрайбер, Рита Шрайбер
Пит Мондриан, Табло No.IV; Состав леденцов с красным, серым, синим, желтым и черным цветом , c. 1924/1925
Какие формы использовал художник?
- Геометрический? ( Да, треугольники, квадрат и прямоугольники.)
- Природный / биоморфный? ( Нет.)
Эдвард Штайхен, Ле Турнезоль (Подсолнух) , гр. 1920
Какие формы использовал художник?
- Геометрический? ( Художник использовал преимущественно геометрические формы.)
- Природный / биоморфный? ( Большая зеленая фигура — ваза — в центре картины своими закругленными краями больше похожа на что-то в природе.)
Винсент Ван Гог, Розес , 1890
Какие формы использовал художник?
- Геометрический? ( Здесь нет резких кромок.)
- Природный / биоморфный? ( Да, вполне логично, что в изображении цветов используются биоморфные формы — вещи «из жизни».»)
Анри Матисс, Женщина, сидящая в кресле , 1940
- Укажите, что это тот же художник, что создал Морские звери , однако он использует краску вместо вырезанной бумаги.
- Он тоже смешивал разные формы на этой картине? ( Да, здесь художник использовал природные формы и геометрические формы.)
Деятельность
Вдохновленные книгой Матисса « Морские звери », ученики создадут свой собственный красочный коллаж:
- Студенты выберут тему для своей работы.Как и Матисс, они могут выбрать в качестве вдохновения воспоминания об отпуске.
- Также, как и Матисс, ученики будут сами делать цветную бумагу, раскрашивая целые листы белой бумаги в один цвет. Используйте плотный картон, чтобы бумага не скручивалась.
- Используя ножницы, ученики нарежут из бумаги разные формы, которые будут напоминать им об этом месте.
- Затем они разместят свои вырезанные фигуры на большом листе цветной бумаги. Предложите студентам перемещать части, вращать их и экспериментировать с наслоением.
- Когда они будут довольны дизайном, приклейте формы на место.
В качестве альтернативы компенсации различий в управлении двигателем учитель может предоставить губки заранее нарезанной формы. Затем ученики окунали формы губки в темперную краску и штамповали их на бумаге.
Добавочный номер
Создавая вырезы, Матисс повесил их на стены и потолок своей квартиры в Ницце, Франция. «Благодаря моему новому искусству меня окружает пышный сад.И я никогда не одинок, — сказал он. Предложите учащимся придумать уникальные способы развешивания своих произведений искусства. Как они могли изменить свое окружение? Можно ли оформить коридор подводными сценами, чтобы казалось, будто ученики плывут в класс? Если возможно, выполняйте их выставочные желания и приглашайте других студентов изучить их работы. Студенты-художники должны описать свой процесс и выбор форм для передачи своей темы.
Элементы искусства поддерживаются Фондом Роберта Лемана
ВА: CN10.1.4 Создавать произведения искусства, отражающие культурные традиции сообщества.
VA: Cr1.1.4 Наблюдение позволяет получить информацию о времени, месте и культуре, в которых было создано произведение искусства.
VA: Cr1.2.2 Совместно обсудите несколько подходов к проблеме искусства или дизайна.
VA: Cr2.1.3 Создавайте индивидуально удовлетворяющие произведения искусства, используя различные художественные процессы и материалы.
VA: Cr2.2.2 Продемонстрировать безопасные процедуры использования и очистки художественных инструментов, оборудования и помещений студии.
VA: Pr4.1.3 Изучить и обсудить возможности и ограничения помещений, в том числе электронных, для экспонирования произведений искусства.
VA: Re7.1.2 Воспринимать и описывать эстетические характеристики своего природного мира и созданной окружающей среды.
VA: Re7.2.4 Анализируйте компоненты визуальных образов, передающие сообщения.
VA: Re8.1.1 Интерпретируйте искусство путем категоризации предмета и определения характеристик формы.
Amazon.com: Мозаичный коврик для ванной Ambesonne, композиция геометрических форм с яркими витражами, дизайнерская сетка, плюшевый коврик для декора ванной комнаты с нескользящей основой, 29,5 «X 17,5», многоцветный: для кухни и столовой
Преобразите свою ванную комнату одним прикосновением! Начните с этих забавных и декоративных ковриков для ванной. Размеры: 29,5 дюймов в ширину, 17,5 дюймов в длину. Этот коврик очень удобный благодаря своей мягкой плюшевой поверхности. Он имеет противоскользящую основу, которая прочна и долговечна.Идеальный элемент акцента для любой ванной комнаты, туалетного столика, главной ванной комнаты, детской ванной комнаты, гостевой комнаты, кухни, прачечной, спа, загородного дома, ванной комнаты отеля. Этот уникальный дизайн хорошо сочетается с разнообразной цветовой палитрой полотенец, ковриков, штор для душа и любых других аксессуаров для ванной комнаты. Это быстрый и роскошный способ освежить и полностью изменить внешний вид ванной комнаты без больших затрат. Никаких химикатов, никаких красителей, вредных для здоровья вас или вашей семьи. Изготовлен из 100% полиэстера, высококачественных и экологически чистых материалов.Идеальная идея подарка для вашей мамы, папы, сестры, брата, бабушки, жены, мужа и всех других любимых с тысячами удивительных дизайнов. Вы можете найти тему на любой вкус в нашей коллекции Ambesonne Amazon. Цвета не выцветают благодаря новым методам цифровой печати. Ванная комната — это место, где вы проводите значительную часть дня, это место для отдыха. Индивидуальные, персонализированные продукты очень популярны. Как производители домашнего текстиля с цифровой печатью, мы следим за современными тенденциями и предлагаем вам новейшую домашнюю моду.Либо подарок семье или другу, родственнику или парню, либо самому себе, вещь должна быть интересной и аутентичной. Этот коврик для ванны понравится всем мужчинам, женщинам, детям, подросткам, мальчикам или девочкам. ИНСТРУКЦИИ ПО УХОДУ: Машинная стирка в холодном деликатном режиме с мягким моющим средством и водой; Не отбеливать. НЕ кладите коврик на влажную поверхность. Цифровые изображения, которые мы показываем, имеют максимально точную цветопередачу, однако из-за различий в компьютерных мониторах мы не несем ответственности за различия в цвете между фактическим продуктом и вашим экраном.
Краткая история геометрической композиции
Планировка«Любой, кто готов взять на себя необходимые усилия, обнаружит, что с помощью системы сеток он лучше приспособлен к поиску функционального, логичного, а также более эстетичного решения своих проектных проблем»
Йозеф Мюллер-Брокманн1
В этой части книги основное внимание уделяется принципам геометрической композиции и тому, как они могут помочь дизайнерам создавать организованные и красивые макеты.Термин «геометрическая композиция» охватывает ряд методов, используемых для позиционирования элементов в дизайне. Это может быть как простое соотношение — например, правило третей (⅓), где страница разбивается на три прямоугольника одинакового размера, — так и сложная, как полная сеточная система с несколькими столбцами и строками, которые контролируют выравнивание текста и другие формы.
Холст, разделенный на три части. Холст, разделенный на сетку.Прежде чем углубляться в особенности использования этих концепций при проектировании с помощью кода, мы сначала проведем оставшуюся часть этой главы, рассматривая примеры геометрической композиции из истории искусства.В этой истории особое внимание будет уделено тому, как новые технологии — сначала печатный станок, а затем компьютер — сыграли значительную роль в развитии этих идей.
Здесь необходимо краткое критическое замечание по этому вопросу — особенно по идее золотого сечения. Золотое сечение лучше всего понять, представив две линии, одну длинную и одну короткую. Когда соотношение между длинной и короткой линиями такое же, как соотношение между двумя комбинированными линиями и длинной линией, это золотое сечение.Это число 1.61803398875 , и его можно использовать по-разному. Например, если вы создаете прямоугольник, ширина которого в 1,61803398875 в раз больше высоты, он называется золотым прямоугольником. Если вы разделите этот прямоугольник на меньшие прямоугольники с использованием того же золотого сечения и проведете кривую через углы этих меньших прямоугольников, вы получите золотую спираль. Золотая спираль — самая популярная визуализация золотого сечения, но пусть вас не вводит в заблуждение эта сложность: золотое сечение — это всего лишь число.
Многие из нас помнят, как слышали о золотом сечении в начальной школе или в начальном образовании изобразительного искусства, и вывод, вероятно, был примерно таким: Золотое сечение или божественная пропорция — это число, которое повсеместно признано эстетически приятным при использовании. для размещения элементов дизайна на холсте. Поскольку он особенно красив для человеческого глаза, на протяжении всей истории его использовали художники для создания шедевров.Концепция золотого сечения использовалась для описания всего, от архитектуры Парфенона в Древней Греции до картин Леонардо да Винчи, а поиск по запросу «Золотое сечение в искусстве» обнаружит сотни документов, утверждающих, что нашли это золотое сечение практически во всех возможных артефактах.
Единственная проблема в том, что это, скорее всего, чистая выдумка. Хотя есть примеры художников, которые широко использовали золотое сечение, многие из этих выводов являются случаями пострационализации, когда авторы намеревались найти золотое сечение и так поступают.Это ничем не отличается от того, что теоретики заговора находят скрытые символы на американских долларовых купюрах или поддельные тени на фотографиях с высадки на Луну. В статье под названием Заблуждения о золотом сечении от 1992 года Джордж Марковски утверждает:
«Обычно математические свойства [золотого сечения] указаны правильно, но многое из того, что представлено о нем в искусстве, архитектуре, литературе и эстетике, является ложным или серьезно вводит в заблуждение. К сожалению, эти утверждения о золотом сечении получили статус общеизвестных и широко повторяются.”
Георгий Марковски2
Например, Парфенон был построен в Древней Греции, и ни один исходный текст не указывает, что афиняне знали о золотом сечении. Кроме того, необходимо игнорировать большие части фундамента здания, чтобы золотой прямоугольник вписался в структуру здания3. Леонардо да Винчи проиллюстрировал книгу под названием De Divina Proportione о соотношениях в искусстве, но нет никаких указаний на то, что он часто использовал эти идеи в своей работе.Хотя многие ученые нашли золотое сечение в работах Да Винчи, эти открытия кажутся как субъективными, так и ошибочными4. При обсуждении принципов систематического проектирования важно отделять факты от вымысла, и это особенно верно в отношении геометрической композиции. Вместо того, чтобы начинать бесплодные поиски таких божественных пропорций, чтобы служить грубому упрощению мира, мы вместо этого сосредоточимся на более конкретной истории того, как технологии давно вдохновляли дизайнеров на использование геометрических ограничений для облегчения своей работы.По мере развития этих методов они стали методологиями проектирования, используемыми даже тогда, когда дизайнеры не были ограничены ограничениями машины, и сегодня они широко используются графическими дизайнерами для создания согласованных и организованных макетов.
Папирус 47, самая старая из сохранившихся версий Книги Откровений.Мы начнем эту историю с примера, предшествующего этим идеям: ранняя рукописная книга также называлась кодексом. Кодекс был значительным усовершенствованием по сравнению со свернутым папирусом, поскольку в нем страницы были сложены по форме, напоминающей современную книгу.Популярность кодекса совпала — или, возможно, была вызвана — подъемом христианства, и все самые ранние христианские рукописи второго века являются кодексами. В этих текстах отсутствует большинство техник презентации, которые мы знаем сегодня: тексты не имеют заголовков, буквенного регистра, а отсутствие пунктуации превращает их в один длинный абзац. Эти тексты были просто средством передачи устного слова, и в книгу как средство передачи было вложено мало мысли. Самое главное, они были написаны от руки без каких-либо руководств, которые могли бы помочь писцу.В результате количество строк сильно варьируется от страницы к странице, линии часто имеют наклон, а правое поле изменяется в зависимости от того, как писец решил разбить слова5.
Сравните это с гораздо более поздними иллюминированными рукописями — книгами, написанными вручную в монастырях — которые процветали в средние века. Эти тексты гораздо более продуманны по своему оформлению. Они используют готический шрифт, шрифт, который очень медленно пишется, а страницы рукописей часто раскрашены красочными миниатюрными иллюстрациями.Самое главное, что эти рукописи не создавались с пустой страницы. Писцы планировали дизайн книги, и центральным элементом этого планирования было создание геометрических вспомогательных линий, чтобы направлять писца во время письма. Сначала на странице будет нарисован прямоугольник для обозначения полей страницы. Затем этот прямоугольник был разделен на сетку из горизонтальных линий, чтобы направлять текст, а некоторые части были выделены для иллюстраций. Наконец, писец тщательно писал и иллюстрировал книгу в соответствии с сеткой.По сути, это не отличается от того, как сегодня дизайнеры делят холст на более мелкие части для организации своих макетов.
Изображение Библии Малмсбери, где нижележащая сетка четко выделяется рядом с готическим шрифтом и иллюстрациями.Эти методы изменились от ручных к механическим системам, когда сначала Би Ченг в Китае (1045 г. н.э.), а затем Иоганнес Гутенберг в Германии (1450 г. н.э.) изобрели подвижный тип. В этой новой технологии печати использовались небольшие блоки с буквами из глины, дерева или металла, которые можно было вставить в рамку, наклеить чернилами и использовать для массового производства идентичных отпечатков.Можно представить, как критики в то время, должно быть, звучали так же, как то, что мы слышим сегодня о компьютерах: что эти новые машины ограничивают художника и делают дизайн продуктов единообразным. В случае ранних печатных Библий Гутенберга можно утверждать, что верно обратное. Печатный станок действительно заставил Гутенберга задуматься обо всех аспектах книжного дизайна в прямоугольной сетке, но креативность, проявленная в этих ограничениях, замечательна. Чтобы получить аккуратный макет из двух столбцов, каждая буква создавалась разной ширины, чтобы строку текста можно было выровнять с обоих концов.Сам шрифт стал результатом месяцев кропотливой работы по созданию букв, которые были одновременно отсылкой к готическому шрифту вчерашнего дня и механическим процессам завтрашнего дня. Печатный станок действительно ограничивал дизайн, но печатники нашли мир творчества в этих геометрических сетках. Библия Гутенберга, по словам Стивена Фрая, «намного красивее, чем [они] должны быть» 6.
Буквенные блоки подвижного типа отлиты из свинца. Фото Purdman1.Одна из последних 49 сохранившихся копий Библии Гутенберга.В начале 1900-х годов промышленная революция стала свидетелем распространения новых технологий, которые стали доступными для художников и дизайнеров, и многие художественные и политические движения этого периода включали эти механические процессы. Центральным для большинства европейских художественных движений (итальянского футуризма, французского дадаизма, германского Баухауса), а также марксистских движений в России и Китае было использование печатного станка как способ восстать против понятия изобразительного искусства. Одним из примеров являются итальянские футуристы, которые, вдохновленные урбанизмом и машиной, экспериментировали с установленной сеткой печатного станка.Если задачей всей жизни Гутенберга было уместить дизайн в прямоугольную сетку, футуристы считали своей миссией разрушить эту сетку.
Арденго Соффичи с 1915 года.«Моя революция направлена на так называемую гармонию страницы, которая противоречит потоку и оттоку, скачкам и всплескам стиля, которые проходят через страницу. Таким образом, на одной странице мы будем использовать чернила трех или четырех цветов или даже двадцать различных шрифтов, если необходимо »
Умбро Аполлонио7
Этот рисунок Арденго Соффичи демонстрирует преднамеренное разрушение сетки прямоугольными блоками букв, расположенными хаотично. Эти эксперименты могут показаться не слишком революционными для современного глаза, но они оказали решающее влияние на графический стиль следующих десятилетий.
По мере того, как графический дизайн превратился из задачи печатника в 1920-х годах в процветающую профессию в 1950-х годах, эти методы геометрической композиции развивались вместе с ним. В 1928 году Ян Чихольд выпустил Die Neue Typographie , строгий модернистский манифест, который выступал за использование шрифтов без засечек и единообразных макетов сетки с выравниванием по левому краю.Хотя Чихольд не использовал слово grid и не формализовал его использование, присутствовало большинство техник современной системы сеток: разделение холста на более мелкие однородные прямоугольники для направления текста на странице.
Примеры разделения страниц из книги Яна Чихольда Die Neue Typographie . ©Эти идеи быстро распространились по Европе и — движимые европейской эмиграцией, вызванной Второй мировой войной — в США. Здесь сеточная система была принята в продуктах Золотого века рекламы в 1950-х и 1960-х дизайнерами, такими как Пол Рэнд и Сол Басс, которые отстаивали использование выразительных форм и типографики в рамках сетки.Когда мы смотрим на эти дизайнерские продукты сегодня, они выделяются как невероятные примеры этой двойственности: художественная игривость, ограниченная геометрическими принципами.
Модернистские идеи Чихольда отчетливо видны в одном из самых известных рекламных дизайнов послевоенной эпохи — кампании Volkswagen Think Small . Volkswagen Beetle был первоначально разработан Фердинандом Порше для людей Третьего рейха Адольфа Гитлера, и продажа этого автомобиля американскому потребителю была непростой задачей.Благодаря умному копированию текста и очень модернистскому виду кампании Think Small помогли Beetle добиться огромного успеха на рынке США.
Новая эстетика дизайна под названием «швейцарский стиль» возникла в 1960-х годах, когда дизайнеры начали отстаивать еще более систематический и математический подход к дизайну. Две книги, написанные швейцарскими дизайнерами, считаются центральными в этом движении: Grid Systems in Graphic Design Joseph Müller-Brockmann8 и Designing Programs Karl Gerstner9.Брокманн выступал за абсолютный минималистский стиль дизайна и использование систем сеток для организации элементов дизайна в строгую визуальную иерархию.
Диаграмма из книги Йозефа Мюллер-Брокманна «Системы сеток в графическом дизайне », иллюстрирующая, как выровнять шрифт по сетке. ©Важно понять, чем концепция грид-системы Брокманна отличается от его предшественников. Брокманн считал, что сетка должна быть абсолютно однородной, создаваемой путем разделения холста на столбцы и строки одинакового размера.Затем дизайнеры могут использовать эти базовые строительные блоки, называемые модулями, для размещения текста или изображений вертикально по столбцам, горизонтально по строкам или по обоим направлениям. По мнению Брокманна, дизайнеру не было места вручную настраивать размер некоторых элементов на глаз. Красота заключалась в строгости пропорциональной сетки.
Справедливо сказать, что швейцарский стиль представляет собой экстремистский взгляд на то, как геометрическую композицию следует использовать в визуальном дизайне. Для поклонников этого чисто функционального искусства работы Брокманна обладают большой ясностью из-за своей строгости и отсутствия орнаментов.Критики считают, что одни и те же модели выглядят холодными и брутальными, им не хватает творчества и игривости, присущих работам американских коллег.
До сих пор концепция грид-системы служила двум целям. Во-первых, это побочный продукт технологических процессов производства дизайнерских изделий. Печатный станок работает путем сборки небольших прямоугольных блоков с буквами на пластине, поэтому дизайнер должен думать о процессе проектирования с точки зрения сетки. В этом случае сетка — это конкретное ограничение, которое дизайнеры должны обойти.Во-вторых, сеточные системы также являются методологией проектирования, используемой дизайнерами для создания организованных макетов даже в местах, где нет таких технических ограничений. Когда в середине 2000-х годов сеточные системы стали популярными в веб-дизайне, это было вызвано сочетанием этих факторов. С одной стороны, HTML (формат документа для веб-сайтов) работает с прямоугольными элементами, которые при отображении в браузере выталкивают последующие элементы на страницу. Таким образом, сетка столбцов является естественным контейнером, поскольку контент может перемещаться вертикально, не нарушая дизайн.С другой стороны, компьютеры не связаны теми же ограничениями, что и механические системы, поэтому дальнейшее использование сеточных систем в Интернете сегодня является наилучшей практикой, не зависящей от ограничений среды. Краткий обзор того, как nytimes.com, один из самых популярных веб-сайтов в Интернете, развивался за первое десятилетие своего существования, может помочь проиллюстрировать этот момент.
The New York Times запустила свой ежедневный новостной веб-сайт в январе 1996 года10, всего через несколько лет после того, как Интернет завершил переход от частной сети академических учреждений к публичной коммерческой среде11.Хотя многие из веб-технологий, которые мы используем сегодня, существовали в той или иной форме, веб-дизайнеры ограничились несколькими базовыми приемами при создании веб-сайтов. Первая версия nytimes.com состояла из одного изображения размером 575 x 300 пикселей, разделенного на интерактивные области. Поскольку изображения были единственным способом создания согласованного дизайна в браузерах, этот метод, называемый сопоставлением изображений, широко использовался на заре Интернета. Дизайн во многом был вдохновлен печатной бумагой с расположенным по центру логотипом, полосой даты с газетным слоганом (по иронии судьбы «Все новости, пригодные для печати» ) и трехколоночной компоновкой.Учитывая, что это изображение было создано вручную в графической программе, а не программно, многие из систематических качеств, которые мы знаем из сегодняшних сеточных систем в Интернете, отсутствовали: столбцы не были основаны на единой единице, и контент не расширялся по вертикали. под областью экрана. Как и многие новые технологии, ранние веб-страницы копировали форму существующих технологий, и этот веб-дизайн явно напоминает газетную сетку.
Сайт New York Times от 12 ноября 1996 г.©В конце 1998 года сайт nytimes.com заменил статическое изображение отдельными элементами HTML, что позволило индивидуально обновлять их содержание в течение дня. В этом макете использовались многие методы, которые мы считаем жизненно важными для современного взаимодействия с пользователем в Интернете: боковая панель с составной навигацией по меню, списки статей в вертикальном столбце, выходящем за пределы экрана, и теги для категоризации этого контента. Тем не менее, этот более широкий трехколоночный макет не соответствовал единообразному измерению столбцов сетки, и страницы различались методами представления.
Веб-сайт New York Times, 1 февраля 1999 г. ©В этом макете для достижения дизайна использовались атрибуты HTML, а не общий файл CSS. Это означает, что каждая страница отвечала за свой визуальный дизайн, и большая часть различий в размерах сетки могла быть объяснена тем фактом, что дизайнеры New York Times не были вынуждены систематически думать о дизайне. По мере того, как в последующие годы использование CSS ускорилось, веб-дизайнеры начали выступать за привнесение в Интернет строгой модернистской сетки.
Первый результат Google для «системы сетки CSS» взят из статьи под названием « Гибкие макеты с позиционированием CSS », написанной Дагом Фалби в A List Apart в 2002 году. В этой статье Фалби приводит доводы в пользу универсальной гибкой системы макетов, которая может адаптироваться к размер браузера. В 2004 году директор по дизайну New York Times Online Хой Винь опубликовал в блоге сообщение под названием « Grid Computing…». и Design , где он выступал за использование единообразных единиц сетки в веб-дизайне:
«В новом макете используются восемь столбцов и четыре« суперколонки », и он все впихивает в эту структуру […] Каждый столбец имеет ширину 95 пикселей и разделен промежутком в 10 пикселей, что означает, что я могу создавать графику логической ширины с шагом примерно 95 пикселей каждый »
Хой Винь22
Это первая онлайн-ссылка, в которой подробно описывается метод веб-макетов, который отражает методы, представленные в «Системах сеток в графическом дизайне » Брокманна. Винь развил эти идеи в презентации с Марком Бултоном из компании South by Southwest в 2008 году под названием « Сетки хороши ».Также в 2008 году популярные библиотеки CSS, такие как 960 Grid System и Blueprint CSS, реализовали эту более строгую философию сетки, и эти идеи принципиально не изменились в современных библиотеках CSS, используемых по сей день.
Веб-сайт New York Times от 13 октября 2006 г. ©Веб-сайт New York Times в 2006 г. воплотил многие из этих идей в системе сетки 970 пикселей. Хотя это и не совсем идеальный пиксель, центральный принцип дизайна — это 11 столбцов и 82 пикселя. сетка столбцов с визуальным стилем, который заметно строже, чем его предшественник.Этот формат использовался до значительного изменения дизайна в 2013 году.
Сетевые системы сегодня являются неотъемлемой частью цифрового дизайна. При создании цифровых продуктов дизайнеры используют сетку для создания пустых контейнеров, которые можно динамически заполнять контентом для отдельного пользователя. То, как применяются эти сеточные системы, по существу не отличается от того, как печатники использовали их много веков назад, но можно утверждать, что сегодня в связи с бурным ростом цифрового контента в них существует еще большая потребность: продукты цифрового дизайна должны адаптироваться к разным размерам экрана и показывать динамический контент, поэтому нет настоящего оригинального дизайна.Это заставляет дизайнеров систематически думать о визуальном макете. Надеюсь, эта короткая история помогла прояснить, как дизайнеры на протяжении веков использовали методы геометрической композиции для создания красивых и сбалансированных дизайнов — в печати и в Интернете. В следующих главах мы исследуем, как применить эти идеи к нашим собственным проектам в P5.js.
элементов искусства | Введение в концепции искусства
1. Строка
Есть много разных типов линий, каждая из которых характеризуется тем, что длина больше, чем ширина.Линии могут быть статичными или динамическими, в зависимости от того, как художник решает их использовать. Они помогают определить движение, направление и энергию в произведении искусства. В повседневной жизни мы видим линию вокруг нас; телефонные провода, ветки деревьев, инверсионные следы от реактивных самолетов и извилистые дороги — вот лишь несколько примеров. Посмотрите на фотографию ниже, чтобы увидеть, как линия является частью естественной и искусственной среды.
На этом изображении грозы мы видим много разных линий. Конечно, на изображении преобладают неровные извилистые линии самой молнии, за которыми следуют прямые линии структур горизонта и береговой линии.Есть и более тонкие линии, например, огни вдоль зданий. Линии даже подразумеваются отражениями в воде.
Линии Наски на засушливых прибрежных равнинах Перу, датируемые почти 500 г. до н.э., были вцарапаны в каменистой почве, изображая животных в невероятном масштабе, настолько больших, что их лучше всего рассматривать с воздуха. Давайте посмотрим, как изготавливаются разные виды лески.
Картина « Las Meninas » Диего Веласкеса 1656 года, якобы портрет инфанты Маргариты, дочери короля Филиппа IV и королевы Испании Марианы, воплощает в себе великолепный художественный гений; его огромный размер (почти десять квадратных футов), живописный стиль натурализма, световые эффекты и загадочные фигуры, размещенные на холсте, включая самого художника, — одна из величайших картин в истории западного искусства.Давайте рассмотрим его (ниже), чтобы узнать, как Веласкес использует основные элементы и принципы искусства для создания такого шедевра.
Диего Веласкес, Las Meninas, 1656, холст, масло, 125,2 x 108,7 дюйма. Прадо, Мадрид. CC BY-SA
Фактические строки — это те, которые присутствуют физически. Край деревянной подрамника слева от Las Meninas представляет собой реальную линию, как и рамы для картин на заднем плане и линейные декоративные элементы на некоторых платьях фигур.Сколько других актуальных линий вы можете найти на картине?
Подразумеваемые линии — это линии, созданные путем визуального соединения двух или более областей вместе. Взгляд на инфанту Маргариту — светлую центральную фигуру в композиции — от менин , или фрейлин, слева и справа от нее, является подразумеваемыми линиями. Они визуально связывают фигуры. Визуально соединяя пространство между головами всех фигур на картине, мы получаем ощущение неровной подразумеваемой линии, которая удерживает нижнюю часть композиции в движении, уравновешивая ее с более темными, более статичными верхними областями картины.Подразумеваемые линии также могут быть созданы, когда две области разного цвета или тона объединяются. Можете ли вы выделить на картине другие предполагаемые линии? Где? Подразумеваемые линии встречаются и в трехмерных произведениях искусства. Скульптура Лаокоона, ниже , , фигура из греческой и римской мифологии, вместе с его сыновьями задушена морскими змеями, посланными богиней Афиной в качестве гнева против его предупреждений троянцам не принимать троянского коня. . Скульптура задает подразумеваемые линии в движении, когда фигуры корчатся в агонии против змей.
Laocoon Group, римская копия с греческого оригинала, Музей Ватикана, Рим. Фото Мари-Лан Нгуен. CC BY-SA
Прямые или классические линии придают композиции структуру. Они могут быть ориентированы по горизонтальной, вертикальной или диагональной оси поверхности. Прямые линии по своей природе визуально стабильны, но при этом задают направление композиции. В Las Meninas вы можете увидеть их на опорах холста слева, настенных опорах и дверных проемах справа, а также на заднем плане в матрицах на стенах между картинами в рамке.Более того, небольшие горизонтальные линии, созданные по краям лестницы на заднем плане, помогают закрепить весь визуальный дизайн картины. Вертикальные и горизонтальные прямые линии обеспечивают наиболее устойчивые композиции. Диагональные прямые линии обычно визуально более динамичны, нестабильны и наполнены напряжением.
Прямые линии, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY
Выразительные линии изогнуты, что придает произведению искусства органичный, более динамичный характер. Выразительные линии часто закруглены и идут неопределенными путями.В модели Las Meninas вы можете увидеть их в фартуках на платьях девочек, а также на сложенных задних лапах собаки и выкройке пальто. Посмотрите еще раз на Laocoon , чтобы увидеть выразительные линии в развевающихся конечностях фигур и извилистую форму змей. Действительно, кажется, что скульптура состоит только из выразительных линий, форм и форм.
Органические линии, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Существуют и другие виды линий, которые обладают характеристиками вышеперечисленных, но вместе взятые помогают создавать дополнительные художественные элементы и более богатые и разнообразные композиции.Обратитесь к изображениям и примерам ниже, чтобы ознакомиться с этими типами линий.
Контур или контур является самым простым из них. Они создают контур по краю фигуры. Фактически, очертания часто определяют формы.
Outline, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Линии штриховки повторяются с короткими интервалами, как правило, в одном направлении. Они придают оттенок и визуальную текстуру поверхности объекта.
Hatch, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон.CC BY
Штриховки обеспечивают дополнительный тон и текстуру. Их можно сориентировать в любом направлении. Многослойные линии штриховки могут придавать объектам богатый и разнообразный оттенок, манипулируя давлением инструмента рисования для создания большого диапазона значений.
Crosshatch, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Качество линии — это чувство характера, встроенное в способ представления линии. У некоторых линий есть качества, которые отличают их от других.Резкие, неровные линии создают отрывистое визуальное движение, в то время как органические плавные линии создают более комфортное ощущение. Извилистые линии могут быть геометрическими или выразительными, и вы можете увидеть в примерах, как их неопределенные пути оживляют поверхность в разной степени.
Lines, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Хотя линия как визуальный элемент обычно играет вспомогательную роль в изобразительном искусстве, есть замечательные примеры, в которых линия имеет сильное культурное значение как основной предмет.
Каллиграфические линии используют скорость и жест, больше похожие на мазки, чтобы придать произведению искусства плавный лирический характер. Чтобы увидеть это уникальное качество линий, посмотрите работы китайского поэта и художника Дун Цичана, датируемые династией Мин (1555–1637). Более геометрический образец из Корана, созданный в стиле арабской каллиграфии, датируется 9 -м годами.
Оба этих примера показывают, как художники используют линию как форму письма и визуального искусства.Американский художник Марк Тоби (1890–1976) испытал влияние восточной каллиграфии, приспособив ее форму к акту чистой живописи в рамках современного абстрактного стиля, описываемого как белое письмо.
2. Форма
Форма определяется как замкнутая область в двух измерениях. По определению формы всегда плоские, но сочетание форм, цвета и других средств может сделать формы трехмерными, поскольку образует . Формы можно создавать разными способами, самый простой — обведя область контуром.Их также можно сделать, окружив область другими формами или разместив рядом друг с другом различные текстуры — например, форму острова, окруженного водой. Поскольку они сложнее линий, формы обычно более важны в расположении композиций. Приведенные ниже примеры дают нам представление о том, как создаются формы.
Geometric Shapes, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Возвращаясь к Las Meninas Веласкеса, это, по сути, сочетание форм; органические и жесткие, светлые, темные и средние тона, которые укрепляют композицию в большей форме холста.Глядя на это с этой точки зрения, мы можем рассматривать любое произведение искусства, будь то двухмерное или трехмерное, реалистичное, абстрактное или необъективное, только с точки зрения форм.
Геометрические формы и органические формы
Фигуры можно разделить на геометрические и органические. Примеры геометрических форм — это те, которые мы можем распознать и назвать: квадраты, треугольники, круги, шестиугольники и т. Д. Органические формы — это те, которые основаны на органических или живых существах или имеют более свободную форму: форма дерева , морда, обезьяна, облако и т. д.
3. Форма
Форма иногда используется для описания формы, имеющей подразумеваемое третье измерение. Другими словами, художник может попытаться сделать части плоского изображения трехмерными. Обратите внимание на рисунок ниже, как художник делает различные формы трехмерными с помощью затенения. Это плоское изображение, но кажется трехмерным.
Это изображение не имеет ограничений авторских прав.
Когда изображение невероятно реалистично с точки зрения его форм (а также цвета, пространства и т. Д.)), например, эту картину Эдварта Кольера, мы называем это trompe l’oeil , что по-французски означает «обмануть глаз».
Эдварт Кольер, Trompe l’oeil с письменными материалами ,
холст, масло, ок. 1702.
Это изображение находится в общественном достоянии.
4. Космос
Пространство — это пустое пространство вокруг или между реальными или подразумеваемыми объектами. Люди разделяют пространство на категории: есть космическое пространство, эта безграничная пустота, в которую мы попадаем за пределами нашего неба; внутреннее пространство, которое находится в умах и воображении людей, и личное пространство, важная, но нематериальная область, которая окружает каждого человека и которая нарушается, если кто-то другой подходит слишком близко.Изобразительное пространство плоское, а цифровое царство находится в киберпространстве. Искусство реагирует на все эти виды пространства.
Многие художники озабочены пространством в своих работах так же, как, скажем, цветом или формой. У художника есть много способов представить идеи пространства. Помните, что многие культуры традиционно используют изобразительное пространство как окно для просмотра реалистичного предмета, и через предмет представляют идеи, повествования и символическое содержание. Нововведение линейной перспективы , подразумеваемой геометрической изобразительной конструкции, датируемой Европой пятнадцатого века, дает нам точную иллюзию трехмерного пространства на плоской поверхности и, кажется, удаляется вдаль за счет использования линия горизонта и точка (и) схода .Вы можете увидеть, как одноточечная линейная перспектива настраивается в примерах ниже:
Одноточечная линейная перспектива, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY
Одноточечная перспектива возникает, когда кажется, что удаляющиеся линии сходятся в одной точке на горизонте, и используется, когда плоская передняя часть объекта обращена к зрителю. Примечание. Перспектива может использоваться для отображения относительного размера и углубления в пространство любого объекта, но наиболее эффективна для трехмерных объектов с твердыми краями, таких как здания.
Классическим произведением искусства эпохи Возрождения, использующим одноточечную перспективу, является картина Леонардо да Винчи Тайная вечеря 1498 года. Да Винчи составляет произведение, помещая точку схода прямо за головой Христа, тем самым привлекая внимание зрителя к центру. Его руки отражают удаляющиеся линии стены, и, если мы будем следовать за ними как линиями, они сойдутся в одной и той же точке схода.
Леонардо да Винчи, Тайная вечеря, 1498. Фреска. Санта-Мария-делла-Грацие. Работа находится в открытом доступе.
Двухточечная перспектива возникает, когда вертикальный край куба обращен к наблюдателю, открывая две стороны, которые уходят вдаль, по одной на каждую точку схода.
Двухточечная перспектива, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY
Посмотрите на Парижскую улицу Гюстава Кайботта «Дождливая погода» 1877 года, чтобы увидеть, как двухточечная перспектива используется для точного обзора городской сцены. Однако композиция художника более сложна, чем просто использование перспективы.Фигуры намеренно размещены так, чтобы направить взгляд зрителя от правого переднего края картины к левому переднему краю здания, который, как нос корабля, действует как тесак, погружая обе стороны к горизонту. В разгар этого визуального спада фонарный столб твердо стоит посередине, чтобы удерживать наш взгляд от выхода прямо из задней части картины. Кайботт включает в себя маленькую металлическую руку в верхнем правом углу столба, чтобы снова направить нас по горизонтальной дорожке, теперь не позволяя нам оторваться от верхней части холста.Какой бы относительно скудной ни была левая сторона работы, художник наполняет правую резкими и органичными формами и формами в сложной игре положительного и отрицательного пространства.
Система перспективы — это культурная конвенция, хорошо подходящая для традиционной западноевропейской идеи «истины», то есть точного, ясного представления наблюдаемой реальности. Даже после изобретения линейной перспективы многие культуры традиционно используют более плоское живописное пространство, полагаясь на перекрытия, различий в размерах, или вертикальное размещение компонентов в двухмерном произведении искусства.Изучите миниатюрную картину Третьего двора дворца Топкапы из Турции четырнадцатого века, чтобы сопоставить ее живописное пространство с пространством линейной перспективы. Он состоит из нескольких различных точек обзора (в отличие от точек схода), все очень плоские по отношению к картинной плоскости. В то время как общее изображение видно сверху, фигуры и деревья выглядят как вырезы, словно парящие в воздухе. Обратите внимание, что башни слева и справа расположены боком к картинной плоскости.Деревья и люди, занимающие верхние части изображения, должны восприниматься как более удаленные от зрителя по сравнению с теми деревьями, зданиями и людьми, расположенными в нижней части картины. Это пример вертикального размещения.
Как бы «неверно» это ни выглядело, картина действительно дает подробное описание ландшафта и построек на территории дворца.
Третий двор дворца Топкапы, из Hunername, 1548. Османская миниатюра, музей Топкапы, Стамбул.CC BY-SA
После почти пятисот лет использования линейной перспективы западные идеи о том, как пространство точно изображается в двух измерениях, претерпели революцию в начале 20-го, -го, -го века. Молодой испанский художник Пабло Пикассо переехал в Париж, тогдашнюю столицу искусства западной культуры, и в значительной степени заново изобрел живописное пространство с изобретением кубизма, кардинальным образом ознаменовавшимся его картиной Les Demoiselles d’Avignon в 1907 году. На него частично повлияла картина. точеные формы, угловатые поверхности и непропорциональность африканской скульптуры (вернемся к мужской фигуре из Камеруна) и маскоподобные лица ранних иберийских произведений искусства.Чтобы получить дополнительную информацию об этой важной картине, послушайте следующий вопрос и ответ.
В начале 20-го века Пикассо, его друг Жорж Брак и несколько других художников изо всех сил пытались разработать новое пространство, которое, по иронии судьбы, полагалось на плоскостность картинной плоскости для переноса и оживления традиционных предметов, включая фигуры, все еще жизнь и пейзаж. Кубистические картины, а в конечном итоге и скульптуры, стали сочетанием различных точек зрения, источников света и плоских конструкций.Это было так, как если бы они представляли свой предмет разными способами одновременно, все время меняя передний план, средний план и задний план, так что зритель не уверен, где одно начинается, а другое заканчивается. В одном из интервью художник объяснил кубизм так: «Теперь задача состоит в том, чтобы пройти, обойти объект и придать результату пластическое выражение. Все это — моя борьба за то, чтобы порвать с двухмерным аспектом * »(из Александра Либермана, Художник в его мастерской, 1960, стр. 113 ).Общественная и критическая реакция на кубизм была по понятным причинам негативной, но эксперименты художников с пространственными отношениями отразились на других и стали — наряду с новыми способами использования цвета — движущей силой в развитии движения современного искусства, которое основывалось на плоской плоскости. картинный самолет. Вместо окна, в которое можно смотреть, плоская поверхность становится площадкой, на которой можно строить формальные композиции из форм, цветов и композиций. Чтобы увидеть другую точку зрения на эту идею, вернитесь к обсуждению абстракции в первом модуле.
Вы можете увидеть радикальные изменения кубизма, внесенные в пейзаж Жоржа Брака La Roche Guyon с 1909 года. Деревья, дома, замок и окружающие скалы составляют почти единую сложную форму, ступеньками вверх по холсту, имитирующими далекий холм. вверху, все это стремительно поднимается вверх и наклоняется вправо в неглубоком графическом пространстве.
Жорж Брак, Замок в Ла-Рош-Гийон, 1909. Холст, масло. Музей Стеделика ван Аббе, Эйндховен, Нидерланды. Под лицензией GNU и Creative Commons
По мере развития кубизма его формы становились еще более плоскими.Картина Хуана Гриса The Sunblind 1914 года изображает натюрморт на холсте. Элементы коллажа, такие как газета, усиливают плоскостность изображения.
Хуан Грис, Слепота, 1914. Холст, гуашь, коллаж, мел, уголь. Галерея Тейт, Лондон. Изображение под лицензией GNU Free Documentation License
Нетрудно понять важность этой новой идеи пространства, если поместить ее в контекст сопоставимых достижений науки на рубеже XIX века.Братья Райт поднялись в воздух с двигателем в 1903 году, в том же году Мария Кюри получила первую из двух Нобелевских премий за свою новаторскую работу в области радиации. Новые идеи Зигмунда Фрейда о внутреннем пространстве разума и его влиянии на поведение были опубликованы в 1902 году, а расчеты Альберта Эйнштейна по теории относительности, идея о том, что пространство и время взаимосвязаны, впервые появились в 1905 году. и изменили то, как мы смотрим на себя и наш мир.Действительно, Пикассо, говоря о своей борьбе за определение кубизма, сказал: «Даже Эйнштейн не знал этого! Состояние открытия находится вне нас самих; но ужасно то, что, несмотря на все это, мы можем найти только то, что знаем »(из Picasso on Art, A Selection of Views by Dore Ashton, (Souchere, 1960, стр. 15).
Трехмерное пространство не претерпевает этой фундаментальной трансформации. Это остается визуальной и актуальной связью между положительным и отрицательным пространством.
5. Ценность и контраст
Значение (или тон) — это относительная светлота или темнота одной формы по отношению к другой. Шкала значений, ограниченная на одном конце чистым белым, а на другом — черным, между серией постепенно более темных оттенков серого, дает художнику инструменты для выполнения этих преобразований. На шкале значений ниже показаны стандартные вариации тонов. Значения в более светлом конце спектра называются высокими, а значения в более темном — сдержанными.
Value Scale, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон, CC BY
В двух измерениях использование ценности придает форме иллюзию формы или массы и придает всей композиции ощущение света и тени. В двух приведенных ниже примерах показано, как значение влияет на изменение формы на форму.
2D Form, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон, CC BY | 3D Form, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон, CC BY |
Эта же техника воплощает в жизнь то, что начинается с простого рисования линии головы молодого человека в «Голове юноши и правой руки» Микеланджело 1508 года.Затенение создается с помощью линии (см. Наше обсуждение строки ранее в этом модуле) или тонов, созданных с помощью карандаша. Художники варьируют тона в зависимости от силы сопротивления карандаша и бумаги, на которой они рисуют. Грифели карандаша для рисования различаются по твердости, и каждый из них дает разный тон, чем другой. Смывка чернил или цвета создает значения, определяемые количеством воды, в которой растворяется среда.
Использование высококонтрастного , , помещающего более светлые ценные области на более темные, создает драматический эффект, а низкоконтрастный дает более тонкие результаты.Эти различия в действии очевидны в картине «Гвидитта и Олоферне» итальянского художника Караваджо и фотографии Роберта Адамса «Без названия», Денвер 1970-74 годов. Караваджо использует высококонтрастную палитру для уже драматической сцены, чтобы увеличить визуальное напряжение для зрителя, в то время как Адамс намеренно использует низкий контраст, чтобы подчеркнуть унылость пейзажа, окружающего фигуру на велосипеде.
Караваджо, Guiditta Decapitates Oloferne, 1598, холст, масло. Национальная галерея итальянского искусства, Рим.Работа находится в общественном достоянии
6. Цвет
Цвет — самый сложный художественный элемент из-за сочетаний и вариаций, присущих его использованию. Люди по-разному реагируют на сочетания цветов, а художники изучают и используют цвет отчасти, чтобы придать желаемое направление своей работе.
Цвет — основа многих видов искусства. Его актуальность, использование и функция в данном произведении зависят от носителя этого произведения. В то время как некоторые концепции, связанные с цветом, широко применимы в СМИ, другие — нет.
Полный спектр цветов содержится в белом свете. Люди воспринимают цвета из света, отраженного от предметов. Например, красный объект выглядит красным, потому что он отражает красную часть спектра. При другом свете он был бы другим цветом. Теория цвета впервые появилась в 17, -м, -м веке, когда английский математик и ученый сэр Исаак Ньютон обнаружил, что белый свет можно разделить на спектр, пропустив его через призму.
Изучение цвета в искусстве и дизайне часто начинается с теории цвета . Теория цвета разделяет цвета на три категории: первичные, вторичные и третичные.
Основным используемым инструментом является цветовое колесо, разработанное Исааком Ньютоном в 1666 году. Более сложная модель, известная как цветовое дерево, созданная Альбертом Манселлом, показывает спектр, составленный из наборов оттенков и оттенков на связанных плоскостях.
Существует несколько подходов к организации значимых отношений цветов.Большинство систем различаются только структурой.
Традиционная модель
Традиционная теория цвета — это качественная попытка систематизировать цвета и их отношения. Он основан на цветовом круге Ньютона и продолжает оставаться наиболее распространенной системой, используемой художниками.
Синий Желтый Красный Цветовое колесо. Выпущено под лицензией GNU Free Documentation License
Традиционная теория цвета использует те же принципы, что и субтрактивное смешение цветов (см. Ниже), но предпочитает разные основные цвета.
- Основные цвета — красный, синий и желтый. Вы находите их на одинаковом расстоянии друг от друга на цветовом круге. Это «элементальные» цвета; не производятся путем смешивания каких-либо других цветов, а все остальные цвета являются производными некоторой комбинации этих трех.
- вторичный цвета оранжевый (сочетание красного и желтого), зеленый (сочетание синего и желтого) и фиолетовый (сочетание синего и красного).
- третичные цвета цветов получаются путем смешивания одного основного цвета и одного вторичного цвета.В зависимости от количества используемого цвета могут быть получены разные оттенки, например, красно-оранжевый или желто-зеленый. Нейтральные цвета (коричневый и серый) можно смешивать, используя вместе три основных цвета.
- Белое и черное не входят в эти категории. Они используются для осветления или затемнения цвета. Более светлый цвет (полученный путем добавления к нему белого) называется оттенком , а более темный цвет (полученный путем добавления черного) называется оттенком .
Смешение цветов
Представьте, что цвет — это результат отражения света от поверхности.В таком понимании цвет может быть представлен как соотношение количества смешанных вместе основных цветов. Цвет создается, когда части спектра внешнего источника света поглощаются материалом и не отражаются обратно в глаза зрителя. Например, художник наносит синюю краску на холст. Химический состав краски позволяет поглощать все цвета в спектре, кроме синего, который отражается от поверхности краски. Общие приложения теории субтрактивного цвета используются в изобразительном искусстве, цветной печати и обработке фотографических позитивов и негативов.
- основных цветов: — красный, желтый и синий.
- Вторичные цвета — оранжевый, зеленый и фиолетовый.
- третичных цветов создаются путем смешивания основного цвета со второстепенным.
- Черный смешан с использованием трех основных цветов, а белый означает отсутствие всех цветов. Примечание: из-за примесей в субтрактивном цвете невозможно создать настоящий черный посредством смешения основных цветов. Благодаря этому результат ближе к коричневому.Подобно теории аддитивного цвета, светлота и темнота цвета определяются его интенсивностью и плотностью.
Субтрактивное смешение цветов. Выпущено под лицензией GNU Free Documentation License
Атрибуты цвета
Цвет имеет множество атрибутов. Каждый из них влияет на то, как мы его воспринимаем.
- Оттенок относится не только к цвету, но и к его вариациям.
- Значение (как обсуждалось ранее) относится к относительной яркости или темноте одного цвета рядом с другим.Ценность цвета может повлиять на его восприятие. Цвет на темном фоне будет светлее, а тот же цвет на светлом фоне — темнее.
- Насыщенность означает чистоту и интенсивность цвета. Основные цвета являются наиболее интенсивными и чистыми, но они уменьшаются по мере смешивания с образованием других цветов. Создание оттенков и оттенков также снижает насыщенность цвета. Два цвета лучше всего работают вместе, когда они имеют одинаковую интенсивность.
Взаимодействие цветов
Помимо создания иерархии смешивания, теория цвета также предоставляет инструменты для понимания того, как цвета работают вместе.
Монохромный
Простейшее цветовое взаимодействие — монохромное. Это использование вариаций одного оттенка. Преимущество использования монохромной цветовой схемы заключается в том, что вы получаете высокий уровень единства во всем произведении искусства, потому что все тона связаны друг с другом. См. Это в книге Марка Тэнси «Деррида Запросы к человеку» из 1990 года.
Аналогичный цвет
Аналогичные цвета похожи друг на друга. Как следует из их названия, аналогичные цвета могут быть найдены рядом с один за другим на любом цветовом круге из 12 частей:
Аналогичный цвет, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Эффект аналогичных цветов можно увидеть на картине Поля Сезанна, написанной маслом. Auvers Panoromic View
Цветовая температура
Цвета воспринимаются как связанные с температур .Цветовой круг разделен на теплых и холодных цветов. Теплые цвета варьируются от желтого до красного, а холодные — от желто-зеленого до фиолетового. Вы можете добиться сложных результатов, используя всего несколько цветов, если объедините их в теплые и прохладные наборы.
Теплый холодный цвет, 11 июля 2012 г., автор: Оливер Харрисон. CC BY
Дополнительные цвета
Дополнительные цвета находятся прямо напротив один напротив другого на цветовом круге.Вот несколько примеров:
- фиолетовый и желтый
- зеленый и красный
- оранжевый и синий
Additional Color, 11 июля 2012 г., создатель: Оливер Харрисон. CC BY
Синий и оранжевый дополняют друг друга. При размещении рядом друг с другом дополнения создают визуальное напряжение. Эта цветовая схема желательна, когда требуется драматический эффект с использованием всего двух цветов.
7. Текстура
На самом базовом уровне трехмерные произведения искусства (скульптура, керамика, текстиль, изделия из металла и т. Д.)) и архитектура имеют фактическую текстуру , которая часто определяется материалом, который использовался для ее создания: дерево, камень, бронза, глина и т. д. Двумерные произведения искусства, такие как картины, рисунки и гравюры. показать подразумеваемую текстуру за счет использования линий, цветов или других способов. Когда картина имеет большую фактическую текстуру от нанесения толстой краски, мы называем это impasto .
Первое изображение ниже представляет собой скульптуру, и, как и все трехмерные объекты, она имеет фактических текстур .
Следующие два изображения являются частями картины Яна ван Эйка « Портрет Арнольфини ». Здесь художник создал подразумеваемых текстур . Если бы вы прикоснулись к этой картине, вы бы не почувствовали ткань одежды и ковра, деревянный пол или гладкий металл люстры, но наши глаза «увидят» текстуру.
Архитектура цвета: числа и формы как инструменты измерения и представления
Появление цифровых инструментов в процессе проектирования повысило важность цвета, о чем свидетельствует возросшее внимание к цвету в последнее время.Это все более и более активный элемент в представлении пространства. В конечном итоге цвет как характерный элемент формы и дизайна потребует повышенного внимания, чтобы облегчить представление цветов в дизайнерском подходе.
В этой статье исследуются результаты двухлетнего исследования архитектурного представления, Footnote 1 , с использованием новой цветовой модели, в которой применено топологическое преобразование форм. Таким образом, он развил большую приспособляемость к различным целям представления цвета.Развивая взаимосвязь между начертательной геометрией и цифровым представлением, он сосредоточил свое внимание на геометрии цвета, чтобы проверить возможность улучшения репрезентативных инструментов для процесса проектирования. Следующим шагом стала реализация цифровой модели и эксперименты с ее приложениями. Каталогизация и сравнение цветовых моделей послужили отправной точкой исследования и «связующим звеном» с предыдущими работами. Это была не цель исследования, а фиксированная отправная точка для понимания роли геометрии в цветовой практике (Rossi 2012b).
В ходе исследования был получен макет цветного твердого тела с изменяемой геометрией, поверхности которого могут адаптироваться к нескольким геодезическим мозаикам (Buratti 2012a). Каждый правильный многогранник позволял интегрировать различные правильные и полуправильные формы путем проецирования на сферу. Поэтому быстрый выбор различных наборов цветов с помощью аналогичных инструментов гармонии и цифрового представления допускал любые топологические деформации. Модель может раскрыть свои основные черты в форме, числе основных цветов или в гармонии.Эта виртуальная модель объединяет укоренившиеся концепции с потребностями сегодняшнего дня, подчеркивая актуальность истории и математики, числовые или геометрические модели которых до сих пор объясняют законы природы.
С давних времен чудо цветов играет важную роль в подходе к внешнему восприятию мира. Следуя примерам природы, цвет представляет собой первое указанное свидетельство. Следовательно, его основная ссылка — это эстетика вещей вне внешнего вида, а не видимое выражение их сущности.Фактически, западная культура связывает субстанцию с формой и рассматривает измерение — геометрию — как один из наиболее эффективных инструментов познания физического мира (Silvestrini and Fischer 1997; Marotta 1999).
Тем не менее, чудо разнообразия и прекрасной гармонии цветов привело к нескольким попыткам объяснить это явление и его теоретические концепции, в основном с помощью геометрических ссылок. Следуя интуиции Платона (тетраэдр, уравновешивающий цвета и свет), исследователи цвета применили отношения внутри правильных форм для описания хроматической гармонии.
На протяжении веков плоские и трехмерные фигуры (многоугольники и многогранники) были конкретным эталоном для теоретических концепций, предлагая также измерительный инструмент для скрининга смесей пигментов, которые находили несколько применений в живописи и прикладном искусстве, например, в первую очередь покраска и цветная печать. Например, введение пространственных привязок позволило быстро разработать практические приложения для рисования и окрашивания, а затем и для печати. Ссылка на геометрию является постоянной характеристикой цветовых моделей и может помочь в обновлении репрезентативных и дизайнерских инструментов.Даже если большинство людей не осознают важность геометрии в теории цвета, это был первый научный инструмент, который подошел к теме без какого-либо окончательного решения. Об этом свидетельствует большое количество цветовых моделей (рис. 1).
Рис. 1Хронология основных цветовых моделей. Первые цветные модели были теоретическим объяснением без какого-либо практического применения; со времен Возрождения искусство уделяло все большее внимание цвету. В последующие столетия все большее внимание к этому явлению привлекли естественные науки: физика, медицина и химия, а также несколько применений в промышленности.Эти приложения касались цветной печати и окраски в текстильной промышленности
Западная культура считает цвет атрибутом внешнего вида , в отличие от формы , которую она рассматривает как атрибут материи. Тем не менее, связь между геометрией и цветом — это повторяющаяся тема, а форма придает цвету сущность. Это следствие ключевой роли, которую математика сыграла в объяснении Вселенной посредством упрощенных моделей с использованием формы , размера и числа , что означает пропорций . Footnote 2 Связь между формой и числом, которая характеризует симметрию и пропорции правильных фигур, выражает гармонию творения в «музыке звезд»; цвет гармония также относится к геометрическим понятиям для правил композиции оттенков. Всем известно, что создание оттенков использует разные основные цвета и следует разным законам физики (свет) и химии (пигменты), но оба они находят объяснение в аналогичных формах. Объясняя теории цвета, геометрия подчеркивает свою эффективность в визуализации абстрактных концепций и обеспечивает технический контроль при применении упрощенных моделей на практике.
На первом этапе исследования геометрические узоры были классифицированы по формальным семействам, выявлена преемственность и «эволюция» цветовых моделей и сходство между различными формами. История теорий цвета Footnote 3 не следует линейной эволюции, но показывает важность всей математики в теории цвета. Основное наследие — это просто ссылка на геометрию, которая восходит к зарождению западной мысли в греческой культуре в колониях южной Италии.
История теории цвета хорошо известна. В любом случае стоит подвести итоги эволюции цветовых моделей во взаимосвязи между элементами формы и цветовыми характеристиками в рамках различных концепций и их прямым следствием в практических приложениях к искусству и промышленности. Как всем известно, философы классической эпохи заложили основы наук на изучении природных явлений в поисках рационального объяснения в чистых правилах геометрии.
Самая старая теория цвета принадлежит пифагорейской школе, которая объясняла зрение с помощью лучей невидимого «огня», падающих на поверхность тела.Это то, что покидает глаз через воздух или воду, достигает объектов, а затем возвращается к наблюдателю, то, что Пифагор назвал χρωμα ( цветность , цвет). Позже Эмпедокл назвал цвет частью опыта.
Согласно атомистической школе Демокрита, цвет — вторичное качество вещей, потому что атомы не имеют цвета. Таким образом, обычные объекты, состоящие из атомов, не имеют цвета. У них есть структура поверхности, характеризующаяся размером, формой, ориентацией и порядком атомов, что позволяет нам воспринимать цвет как следствие формы.Теория Платона объясняла оттенки как баланс между чистыми цветами на вершине тетраэдра, где он поместил белый черный и красный, помимо того, что он назвал « сияющими» ; желтый, синий, зеленый и фиолетовый цвета на лицах. Аристотель теоретизировал пять основных цветов , помимо белого и черного, полученных из теорий Эмпедокла, и расположил их на линии, соединяющей белый и черный (рис. 2).
Рис. 2Линейные системы и цветные диаграммы. Диаграммы семнадцатого века объясняют основные цвета живописи узорами, напоминающими музыкальные (цветные рисунки онлайн)
Ни одна из этих теорий не была окончательной, и хотя грекам не удалось сформулировать систематическую доктрину для объяснения явлений света, зрения и цвета, они предоставили базовые компоненты для построения более полных и последовательных систем.
Падение Римской империи подтолкнуло научный центр к Западной Азии, где процветали греческие колонии, и стало вектором распространения классического наследия в арабском мире. Между десятым и двенадцатым веками в Багдаде процветали знания, тогда как христианство отрицало естественные науки как менее достойное исследование, чем теологические вопросы. Среди арабских писателей стоит упомянуть Альхасена (Ибн аль-Хайсама), который около тысячелетия разработал теорию цвета с математическим, физическим и физиологическим подходами.Он преодолел ограничения теорий Аристотеля, Галена и Евклида, экспериментально продемонстрировав важные оптические принципы.
Около 1200 изданий по оптике было переведено с греческого на латынь. Исследования классической эпохи вызвали большое внимание к природным явлениям, в первую очередь среди францисканских монастырей Кентербери, Лондона и Оксфорда. Выросла яркая научная культура благодаря распространению произведений Аль-Кинди, Авиценны, Аверроэса и Альхасена.Роберт Гроссетест, который был первым ректором оксфордской школы, и Роджер Бэкон изучали оптические трактаты Евклида и Аристотеля. Гроссетест подошел к видению цвета через оптику и перспективу; Следуя учению Платона, он заявил, что для объяснения цвета требуется трехмерная модель, и он предложил двойной конус с чистыми цветами на экваторе и черным и белым на вершинах, подтверждая цвет как баланс между светом и темнотой ( альбедо и nigredo ) (Сильвестрини и Фишер, 1997; Маротта, 1999).
Что означает система сочетания линий, геометрических фигур и цветов? -Ai-Ling
Когда мы читаем книгу, смотрим картинку или видео онлайн, мы видим множество символов и знаков. Однако, прежде чем изучать семиотику из чтений на этой неделе, я не углублялся в различные уровни значения знаков. Семиотика — это совершенно новый мир для меня. Это дает мне новый подход к пониманию взаимодействия между аудиторией и артефактами.
Есть две модели, широко используемые учеными в области семиотики. Во-первых, диадические модели Фердинанда де Соссюра, в которых знак определяется как состоящий из «означающего» и «означаемого». Во-вторых, Чарльз Сандер Пирс предложил триадную модель, состоящую из представления аминь, интерпретанта и объекта. Я хочу применить модель Пирса для декодирования картины Мондриана «Композиция с красным, синим и желтым » в качестве физического интерфейса к ее смысловой системе.
Пит Мондриан, Композиция с красным, синим и желтым (1930), холст, масло, w45 x h55 см
Картина, показанная выше, была создана Мондрианом в 1930 году на холсте 46 x 46 см.Эта картина маслом в основном состоит из толстых и тонких линий, геометрических фигур, особенно вариаций квадратов и прямоугольников. Мондриан использовал красный, белый, синий и желтый в качестве цветов для отдельных плоскостей. Эти линии, геометрические фигуры и цвета составляют репрезентативное или «знаковое транспортное средство» с интерпретируемыми характеристиками. Кроме того, это наиболее очевидные признаки, которые воспринимаются аудиторией с первого взгляда. Хотя эта работа Мондриана является живописью, она не похожа на «картинку» или имеет какое-либо «сходство» с вещами реального мира за пределами картины, что имеет низкую иконическую функцию.Если аудитория мало знает об исходной информации картины, первый интерпретант все равно останется на концепции линий, геометрических фигур и четырех цветов. Зрителям также сложно относиться к объекту в реальной жизни. В это время мы можем применить диалогическую мысль в модели Пирса, чтобы активировать диалог аудитории с картиной. «Пирс увидел, что интерпретанты явно раскрываются, когда выражаются в дополнительных,« более развитых »знаках, и, таким образом, интерпретанты порождают дополнительные знаки в последовательностях понимания с увеличением символической сложности.»(Ирвин, 2017) Более того,« Настоящий символ — это символ, имеющий общее значение »(Ирвин). Следующая информация о биографии Мондриана и его художественном движении будет стимулировать аудиторию к восприятию дальнейших знаков, основанных на первом интерпретаторе.
Справочная информация помогает аудитории построить условную и управляемую правилами смысловую систему картины. Эта картина является показательным изображением работ периода упадка движения де Стейла. Это одно из основных современных движений, основанное на неопластической идеологии искусства.Мондриан нашел свой собственный стиль в этом движении и назвал его «неопластицизмом». «Он состоял из белого грунта, на котором он нарисовал сетку из вертикальных и горизонтальных черных линий и трех основных цветов» («Пит Мондриан», 1981). Де Стейл не был группой художников или стилистических приемов, это не была школа, посвященная искусству или дизайну, а скорее де Стейл был «коллективным проектом или предприятием между 1917 и 1928 годами» (Пол, 1991). Основные принципы, которые продвигало движение де Стиджла, заключались в «разделении традиционных форм… на простые« базовые »геометрические компоненты или« элементы »; композиция из этих отдельных «элементов» формальных конфигураций, которые воспринимаются как «целые» (Пол, 1991).Эту картину можно признать «прототипом» произведения «Неопластицизм». Он иллюстрирует концепции, культурные значения и символические ассоциации в общеизвестных случаях.
Самая отличительная фигура в композиции из красного, синего и желтого цветов — это большой красный квадрат, расположенный в правом верхнем углу. Этот предмет также имеет очень характерную, толстую и ярко выраженную линию, разделяющую большую белую плоскость в верхнем левом углу на две отдельные плоскости. Эти два элемента притягивают взгляд зрителя внутрь, а затем заставляют взгляд двигаться вниз, что позволяет зрителю воспринимать картину сначала как отдельные элементы, а затем как единое целое.Эти знаки находятся в диалоге с философией де Стейля: «единый элемент, воспринимаемый как отдельный, и конфигурация элементов, воспринимаемая как единое целое» (Paul, 1991). Кроме того, яркие и выразительные цвета подчеркивают простоту и абстракцию идеологии де Стейла. Горизонтальные линии означают ощущение покоя и покоя, а вертикальные линии передают ощущение высоты предмету. Работая вместе как единое целое, линии вместе создают ощущение стабильности и солидарности.«Мондриан стремился выразить« универсальное »через абсолютную гармонию отдельных живописных элементов» (Google Art & Culture). На мой взгляд, это стремление к универсальности и гармонии можно объяснить жизненным опытом Мондриана во время Первой мировой войны и в период послевоенного Парижа.
Я хочу отметить, что изображение «Композиция с красным, синим и желтым» в моем посте — это повторная токенизация оригинальной картины. Он меняет тип символической формы картины.Кроме того, в этом типе могут быть потеряны некоторые признаки, такие как текстура мазка кисти и фактический размер.
В целом, знаки линий, геометрические фигуры и цвета на этой картине могут работать как интерфейсы, которые позволяют зрителям исследовать смысловую систему, стоящую за физическими символами, включая движение де Стиджла, простоту, абстракцию, отношения между сегментами и целостность и «универсальность». Более того, картина в основном ориентирована на символическую функцию знака. Конечные знаки могут порождать бесконечную интерпретацию через общепринятую и коллективную смысловую систему.Семиотика может быть для меня мощным и практичным инструментом, когда я изучаю взаимодействие артефактов и разговоры между искусством и аудиторией. Мне также очень помогает семиотический метод исследования значения и ценности картины независимо от индивидуальных предпочтений.
Список литературы
Композиция с красным, синим и желтым — Пит Мондриан — Google Arts & Culture
https://www.google.com/culturalinstitute/beta/asset/composition-with-red-blue-and-yellow/xwERWaqDyIcZ9w
Ирвин Мартин.«Введение в грамматику смысловых систем: знаки, символы, семиозис».
Ирвин Мартин 2017, Введение в визуальную семиотику
Овери, Пол. De Stijl. Нью-Йорк, Нью-Йорк: Темза и Гудзон, 1991.
«Пит Мондриан», галерея Тейт, опубликовано в Рональде Элли, Каталог коллекции современного искусства галереи Тейт, кроме произведений британских художников. , Галерея Тейт и Сотби Парк-Бернет, Лондон, 1981, стр. 532–3.
Словарь художественных терминов — Музей искусств и архив визуальных искусств Университета Аризоны
Домашняя страницаПроекты искусстваПросмотр стратегииПисьменная деятельностьРабочие листыСтандартыЭлементы искусства
- Форма
- Строка
- Форма
- Космос
- Текстура
- Значение
Принципы дизайна
- Весы
- Контраст
- Акцент
- Пропорции
- Узор
- Ритм
- Единство
- Сорт
Художественные термины
Асимметричный: Баланс, достигнутый за счет использования неравных частей или элементов.(Например: представьте себе пляжный мяч рядом с клюшкой и два бейсбольных мяча с другой стороны, уравновешивая картинку.)
Баланс: Принцип искусства и дизайна, связанный с расположением одного или нескольких элементов в произведении искусства таким образом, чтобы они казались симметричными (идентичные композиционные единицы по обе стороны от оси) или асимметричными (не идентичными) по дизайну и пропорция.
Цвет: Элемент искусства, созданный из отраженного света. Ощущение цвета возникает в мозгу, когда глаза реагируют на световые волны различной длины.Цвет имеет три свойства: оттенок , значение и интенсивность .
Состав: Расположение форм в произведении искусства.
C ontent: Произведение искусства обычно обсуждается с точки зрения его предмета, формы и содержания. Содержание относится к интеллектуальному, психологическому, духовному, повествовательному или эстетическому аспекту работы.
Рисунок контура: Контур, показывающий только край, а не объем или массу объекта.Иногда это называют слепым контуром, если художники смотрят не на свою бумагу, а только на свой предмет.
Контраст: Использование противоположностей рядом или рядом друг с другом (светлое и темное, грубое и гладкое).
Холодные цвета: в основном зеленый, синий, фиолетовый (пурпурный).
Доминирование: Разница в важности одного аспекта по отношению ко всем другим аспектам дизайна. Что больше всего выделяется в произведении искусства.
Акцент: Принцип дизайна касается, когда подчеркивается один элемент или область в произведении искусства, чтобы привлечь внимание зрителя в первую очередь.
Преувеличение: Увеличение или увеличение объекта, фигуры или одной из ее частей для передачи идей и чувств.
Federal Arts Project: Государственная программа, учрежденная во время Великой депрессии для создания рабочих мест для американских художников.
Координатор: Центр интереса произведения искусства; часть, на которую вы смотрите в первую очередь.
Форма: Художник использует форму как средство передачи определенного типа предмета.Формальные элементы произведения состоят из групп и комбинаций форм.
Гуашь: Пигменты, растертые в воде и смешанные с камедью, образуют непрозрачную акварель. Гуашь напоминает школьную темперную краску или плакатную краску.
Оттенок: Название цвета — красный синий, желтый и т. Д.
Интенсивность: Яркость цвета.
Строка: Опознаваемый путь точки, движущейся в пространстве. Он может различаться по ширине, направлению и длине.Горизонтальные линии создают на снимке ощущение спокойствия. Вертикальные линии создают ощущение устойчивости. Диагональные линии создают ощущение динамичного движения.
Материал: Определенный материал, используемый художником, например масло и кисть; также используемое транспортное средство, такое как скульптура, живопись или фотография.
Мотив: Единица повторяется в визуальном ритме. Единицы в мотиве могут или не могут быть точной копией первой единицы.
Узор: Двумерное декоративное визуальное повторение.Паттерн не имеет движения и может иметь ритм, а может и не иметь.
Живописное пространство: Иллюзия пространства, трехмерного или двумерного, созданная художником на двухмерной поверхности холста или бумаги.
Пропорции: Принцип проектирования, связанный с соотношением размеров одной части к целому и одной части к другой.
Ритм: Принцип дизайна, повторяющий элементы для создания иллюзии движения. Визуальный ритм воспринимается глазами и создается путем повторения положительных пространств, разделенных отрицательными. Чередующийся ритм — это когда визуальный ритм задается повторением мотивов, но изменением положения или содержания мотивов или промежутков между ними. Плавный ритм создается повторением волнистых линий. Прогрессивный ритм — это визуальный ритм, который меняет мотив каждый раз, когда он повторяется. Случайный ритм — это повторение в произвольном порядке без регулярных пробелов. Регулярный ритм достигается за счет повторения одинаковых мотивов с использованием одинаковых интервалов между ними.
Трафаретная печать: Техника печати, при которой используется ракель для нанесения краски непосредственно на лист бумаги или холст через трафарет, содержащий изображение. (Этот процесс также называется шелкографией или шелкографией.)
Оттенок: Темные оттенки цвета (добавление черного).
Форма: Геометрические формы выглядят так, как если бы они были созданы с помощью линейки или инструмента для рисования; квадрат, круг, треугольник и овал. Органические формы также называются произвольной формы .Эти формы не правильные и не ровные. Их края изогнутые и угловатые или их комбинация.
Пространство: (или отрицательное пространство): — это элемент скульптуры, который относится к пустоте или областям между, вокруг, выше, ниже или внутри объектов.
Тема: Интересующая тема или основная тема произведения искусства.
Текстура: относится к тому, как предметы ощущаются или выглядят так, как если бы они чувствовались при прикосновении.
Оттенок: яркости цвета (добавление белого)
Unity: Расположение одного или нескольких элементов, используемых для создания ощущения завершенности.