День: 11.07.1971

• Russian
• от 5 до 10 недель
• от 4 до 5 часов в неделю
• 2 credit points

Курс обучает основам работы с пастелью. Для его освоения желаетельно наличие начальной художественной подготовки на уровне детской художественной школы.

About

Курс предназначен для тех, кто на профессиональном уровне планирует практиковать выполнение скетчей, изображать этюды и завершенные произведения искусств, для желающих научиться изображать пленэр и натюрморт, с уникальной возможностью материала, на стыке живописи и графики.

Format

Форма обучения заочная (дистанционная). Еженедельные занятия будут включать просмотр тематических видеолекций,  изучение дополнительных материалов и выполнение тестовых заданий с автоматизированной проверкой результатов, тестирование по пройденному материалу. Для получения сертификата необходимо выполнить все задания, тесты и написать финальный экзамен.

Requirements

Условием для начинающих освоение образовательной программы «Живопись пастелью» является начальная художественная подготовка на уровне детской художественной школы.

Course program

Тема 1.  «Вводная часть. Виды пастели»
Тема 2. «Практическое применение пастели»
Тема 3. «Изображение натюрмортов разной степени сложности»

Education results

По окончании обучения курса слушатели будут уметь:
1. Грамотно применять в живописи пастель.
2. Изображать натюрморт в цвете, с учетом выбранного ракурса.
3. Изображать пленэр с передачей воздушной перспективы.

Знать:
1. Основные выразительные средства техники пастели в живописи, с учетом специализации.
2. Технические особенности материала пастель
3. Применение основы сочетаемой с пастелью

Владеть:
1.Техникой пастельной живописи
2. Навыками изображения натюрморта разной степени сложности.
3. Навыками изображения пленэра пастелью

Formed competencies

Способность профессионально применять технику пастели, используемую в творческом процессе художника, дизайнера (в области живописи и цветной графики).

суть пастели, разновидности, история происхождения. Картины известных художников-пастелистов разных эпох

Пастель — это графическая и живописная техника, в которой для создания произведений искусства используют цветные мелки или карандаши без оправы. Пастелью также называют художественные материалы разных оттенков в форме тонкого бруска с округлым или прямоугольным сечением. Общее название техники и материалов происходит от латинского слова pasta — «тесто».

Пастель — уникальная техника изобразительного искусства. С графикой ее роднит использование линий и штриховки в процессе написания картины, а с живописью — большое разнообразие выразительных возможностей.

Виды пастели

Пастель большинства разновидностей изготавливают методом прессования. Основой для ее производства служат красящий пигмент и связующее вещество. В зависимости от химического состава и свойств различают 4 основных вида пастели:

• Сухая. Не содержит других ингредиентов помимо пигмента и вяжущих веществ. Легко ложится на бумагу, позволяет смешивать различные цвета для получения разнообразных оттенков. Этот материал легко смешивается с красками других типов и характеризуется повышенной устойчивостью к воздействию солнечного света. Но изображение получается весьма хрупким. Чтобы предотвратить осыпание мельчайших частичек пигмента, картину размещают за особым антибликовым стеклом в раме или покрывают специальным фиксатором.
• Масляная. В ее составе дополнительно присутствует натуральное льняное масло. Такой материал на ощупь кажется жирным. Его можно размыть специальным растворителем, а нанесенный рисунок не требует дополнительной фиксации. Масляная пастель почти не растушевывается, а ее различные цвета плохо смешиваются.
• Восковая. При ее изготовлении в бруски добавляют натуральный или искусственный воск. Такие мелки не пачкают руки, их часто используют для рисования дети, а профессиональные художники — напротив, крайне редко. С этим материалом любят работать книжные иллюстраторы, так как готовый рисунок хорошо держится на бумаге, а цвета на картинке получаются очень яркими и насыщенными.
• Акварельная. По химическому составу отличается от восковой пастели наличием особых водорастворимых компонентов. Созданный ею рисунок можно размыть с помощью воды, чтобы получить весьма достоверное акварельное изображение с тонкими цветовыми переходами и эффектом воздушности.

Сухую пастель дополнительно разделяют на несколько подвидов:

• Твердая. Содержит максимальное количество связующего вещества и минимальное соотношение красящего пигмента. Обычно выпускается производителями в форме прямоугольных брусков (для нанесения контуров и основных линий) или особых карандашей с пастельным стержнем (для прорисовки мелких деталей).
• Мягкая. В ее составе больше красящего пигмента. Требует крайней осторожности при использовании, так как мелки легко ломаются при сильном нажатии. Чаще всего продается в виде округлых брусков. Очень хороша для растушевки изображения.
• Ультрамягкая. Содержит минимальное количество связующего вещества, поступает в продажу в небольших баночках. Для нанесения на бумагу и смешивания цветов используют особые спонжи (аппликаторы) из поролона.

Профессиональные живописцы и графики при написании картин одновременно используют несколько наборов сухой пастели (твердой, мягкой и ультрамягкой). Такой подход позволяет значительно расширить творческие возможности и создавать разнообразные по манере исполнения произведения.

Пастельная техника рисования требует от художника наличия хороших профессиональных навыков и бережного обращения с материалом. В настоящее время для создания картин используют специальную бумагу или картон, гораздо реже — холст. Мелками мастер прорисовывает основные линии и штрихи, а кончиками пальцем выполняет растушевку — умело создает на поверхности картины мягкие тональные переходы и элементы светотени.

История пастели

История пастели насчитывает более 500 лет. Авторство создания этой техники принадлежит французскому художнику Жану Перреалю (Jean Perréal). Придворный живописец сопровождал короля Людовика XII в ходе военных походов и делал зарисовки важных событий. Именно Перреаль в конце XV — начале XVI века изобрел пастельный мелок на основе сухого красящего пигмента и прозрачной смолы разных видов акации (гуммиарабика).

Уже к концу XVI века новый художественный материал приобрел большую популярность во Франции, а затем в Англии и Италии. Пастелью начали массово писать портреты на заказ лучшие художники того времени.

Пик популярности пастельной живописи в Европе наступил в XVIII веке, когда в искусстве господствовал стиль рококо. Этому способствовала возможность создания тончайших цветовых переходов при помощи новой техники. Но постепенно масло вытеснило пастель из широкого обращения.

Интерес к ней вновь пробудил в середине XIX века Эдгар Дега (Edgar Degas). Гениальный французский импрессионист изобрел новый метод растушевки. Он обрабатывал пастельный рисунок паром, а затем пальцами или кистью растирал штрихи и линии. Работы Дега произвели фурор в живописи, но к началу ХХ столетия пастельная техника снова утратила популярность.

Несмотря на то, что в последующие 100 лет появились новые пастельные краски, лишь немногие художники современности предпочитают много работать с этим материалом. Но произведения старинных мастеров до сих пор завораживают ценителей искусства.

Известные художники, работавшие в технике пастели

Многие известные художники использовали пастельные краски для написания картин. Одни из них всю жизнь оставались верными этой технике, другие — уделяли ей лишь небольшую часть своего времени, но добились всеобщего признания. Среди них:

• Розальба Каррьера (Rosalba Carriera). Выдающаяся итальянская художница создавала очень нежные портреты знати в стиле рококо и имела оглушительный успех у парижской публики.
• Густав Лундберг (Gustaf Lundberg). Величайший художник Швеции XVIII века написал множество парадных портретов пастельными красками и при жизни нажил огромное состояние.
• Жан-Этьен Лиотар (Jean-Étienne Liotard). Швейцарский мастер живописи, автор знаменитой «Шоколадницы» был самым модным портретистом Франции в середине XVIII века.
• Эдгар Дега. Великий импрессионист по достоинству оценил воздушность пастели и научился с ее помощью изящно передавать мимолетные движения героев на своих картинах. Его «Голубые танцовщицы» переполнены тонкими цветовыми сочетаниями и богатством фактуры.
• Исаак Левитан. Гениальный русский мастер пейзажа создал несколько очаровательных шедевров пастельными красками в период 1890-1895 гг.

Портал Very Important Lot предоставляет всем желающим уникальную возможность принять участие в арт-аукционах и приобрести произведения искусства в режиме онлайн. На сайте также можно без посредников купить картины у современных художников.

Пастельные рисунки — 47 фото

1

Пейзаж пастелью

2

Пейзаж масляной пастелью

3

Пейзаж пастельными мелками

4

Пейзаж для рисования пастелью

5

Яркий пейзаж

6

Пейзаж пастелью

7

Пейзаж настроения

8

Пастельная живопись

9

Lenokdih пастель

10

Цветы пастелью

11

Цветы сухой пастелью

12

Цветы масляной пастелью

13

Цветы сухой пастелью

14

Розы пастелью

15

Рисование пастелью цветы

16

Цветы масляной пастелью

17

Ирина Артамонова пастель

18

Елена таткина портреты

19

Veronika Kalacheva портреты

20

Портрет пастелью

21

Картины пастелью

22

Пейзаж с велосипедом

23

Картины с велосипедом

24

Красивые картины пастелью

25

Таткина Елена роза пастелью

26

Lenokdih пастель

27

Цветы живопись пастель

28

Розы пастелью сухой

29

Живопись пастелью

30

Цветы пастелью

31

Техника рисования пастелью

32

Цветы сухой пастелью

33

Одуванчики пастелью

34

Картины пастелью

35

Одуванчики акварелью

36

Одуванчики живопись

37

Пейзаж пастелью

38

Пейзажи пастелью сухой

39

Пейзаж для рисования пастелью

40

Картины масляной пастелью

41

Пейзаж пастелью

42

Пейзажи пастелью сухой

43

Пейзаж масляной пастелью

44

Поле с цветами акварелью

45

Горный пейзаж ниткография

46

Пейзаж пастелью

Живопись пастелью: Урок 1.

И так, что такое пастель. Это наименование группы художественных материалов и техники рисунка, применяемых в графике и живописи. Чаще всего выпускается в виде мелков или карандашей без оправы, имеющих форму брусков с круглым или квадратным сечением.

Да, на фото пастель не моя, взяла в Инете для иллюстрации записи. Свою пастель покажу позже, когда придёт мой заказ с Озона.)

Пастель бывает трёх типов — сухая, масляная и восковая. Восковой я уже рисую. Это всем знакомые восковые мелки. А учиться рисовать на курсах будем сухой пастелью, которую называют ещё силикатной.

Так же есть пастель в деревянной рубашке в виде карандашей. Её обычно используют для выполнения более тонких деталей.

При работе с пастелью нужно учитывать, что это сыпучий материал. Но порошок, ссыпающийся с картин выбрасывать не нужно. Его используют для нанесения подготовительного цвета или фона.

Преимущество сухой пастели перед другими техниками рисования ещё и в том, что не надо ждать, когда высохнет наложенный слой, а можно сразу же накладывать на него новый слой.

По теории пока всё. На практике же пока мучаю восковые мелки, так как, как я уже выше писала, жду заказ с Озона. Кстати, это удовольствие не из дешёвых. Поэтому и пришлось искать оптимальный набор мелков по приемлемой цене… Нашла.)) С бумагой сложнее. Есть конечно бумага именно для восковой пастели, но стоит она тоже не хило. Поэтому будем экспериментировать))).

За одно сейчас покажу пару картин, написанных пастелью. Художники активно начали писать в этой технике с 18-го века, хоть она была известна и раньше.

художник Бахматова Елена

И ещё одна работа для настроения и вдохновения.

художник Татьяна Каштанова

Вот во что вылилось участие в осенних хешмобах #блогерскаяосень и #воскресныймарафон+ ))
#карандашами_и_красками

Кстати, ещё одним итогом нынешней осени стало появление в моём дневнике нового тега мои университеты, ибо я на той же платформе записалась ещё на один курс. Конспекты также буду выкладывать)))

Как нарисовать воду пастелью — пошагово, для начинающих

Довольно сложно рисовать воду, возможно даже сложнее, чем другие элементы пейзажа, так как процесс требует более тщательного планирования всех деталей картины. Рисуя воду пастелью или другими художественными материалами, в первую очередь необходимо остановиться и понаблюдать. Вы обнаружите, что начнете видеть в воде то, что там есть на самом деле, а не только то, что вы думали увидеть. (ПОДСКАЗКА: вода не всегда синяя).

Рисование воды пастелью

Лиз Хейвуд-Салливан рисует воду пастелью. Почему вода на его рисунке выглядит так реалистично?

Художница Лиз Хейвуд-Салливан мастерски рисует реалистичные пейзажи. В ее уроках по послойной живописи пастелью из художественного образовательного видео «Рисование реалистичных пейзажей пастелью: вода и отражения» показан разбор каждого слоя, так что можно увидеть воду такой, какая она есть на самом деле. Именно это даст понимание правильного подхода к реалистичному изображению воды пастелью.

Четыре слоя воды:

1. Дно водоема: камни и песок
2. Основная часть воды: непосредственно сам цвет воды, как он воздействует на окружающие его вещи и на то, что находится под ним
3. Отражения на поверхности воды: деревья, небо или другие предметы, которые отражаются на поверхности
4. Сама поверхность воды: движение течения, солнечные блики, рябь и брызги

Слои 1-2: Дно водоема и цвет воды

Накладываем начальный светло-зеленый слой краски, чтобы обозначить солнечный свет, пробивающийся сквозь деревья. Темно-зеленый цвет используем для теней, а теплый оранжевый в тех местах, где солнце попадает на песчаное дно.

Слои 2-3: Цвет воды и отражения

На этом этапе еще раз прокрасим первые слои пастели, чтобы усилить цвета, заложенные в основе. Затем обратим внимание на более темные или тусклые элементы окружающего пейзажа, там начнем прорисовывать отражения деревьев и травы.

Слой 4: Блики света на поверхности воды

Поверхность воды – это слой, где передается вся текстура и движение. Здесь черкаем разнообразные штрихи, чтобы изобразить движение течения, солнечные блики, рябь и брызги.

Источник: Ссылка

Поделиться статьей:

Учебник по рисованию пейзажей — Мягкая пастель

Рисование пейзажей пастелью

Неудивительно, что нас как художников привлекает окружающая нас красота природы. Пейзажи наполнены интересными линиями, формами и сложными цветами. Время от времени эти элементы выстраиваются в эстетические композиции, и художнику остается только их записать.

Присущая пастелям «рыхлость» делает их идеальным носителем для записи подобных сцен.Подразумеваемые детали проявляются глазами наших зрителей, поскольку значения, цвета и текстуры записываются с помощью широких применений и полос преднамеренных отметок.

В этом уроке мы рассмотрим запись естественно эстетичного пейзажа пастелью. Это сцена у Аппалачской тропы в штате Вирджиния.

Материалы

Пастель, как и другие виды художественных материалов, бывает разного «уровня» качества. Наборы для ознакомления вполне доступны по цене и могут успешно использоваться как начинающими, так и опытными мастерами.

В то время как вводные наборы недорогие, художники среднего и продвинутого уровня должны найти пастель профессионального качества как «шаг вперед». Пигменты более сильные, а пастели менее «пыльные», чем пастели студенческой окраски. Разнообразие цветов также больше при использовании пастели художественного уровня, а пигменты более устойчивы к выцветанию.

(Некоторые из следующих ссылок являются партнерскими ссылками, что означает, что мы получаем небольшую комиссию, если вы совершаете покупку без дополнительных затрат для вас.)

Рекомендуемые вводные наборы для начинающих пастелистов:

Профессиональные наборы для высококачественных результатов:

Твердая пастель (больше связующего, меньше пигмента)

Пейзажная живопись пастелью — шаг за шагом

Мы будем терпеливо подходить к наложению цветов для создания рисунка. Мы начнем с фона, полностью его проработаем, прежде чем перейти к компромиссу. Затем разрабатывается средний план, а затем, наконец, передний план.По сути, это означает, что мы начнем с верхней части картинной плоскости и будем двигаться вниз.

Для этой демонстрации мы будем работать на тонированной пастельной бумаге (Canson Mi-Teintes). Эта бумага имеет сильно текстурированную сторону и более гладкую сторону. Для картин, требующих многослойного нанесения, рекомендуется работать на той стороне бумаги, которая имеет более тяжелые зубцы (текстуру). Тяжелая текстура позволяет наносить несколько раз цвета, не беспокоя зуб, что важно для стабильного восприятия материала.

Ссылка на фотографию (Фото Анны Роберстон)

Сначала мы проработаем фон, работая более темно-синим поверх более светло-синего. Очень светло-голубой цвет используется для создания форм облаков и перехода от светлого к темному. Пальцем слегка растушевываем цвета облаков.

Создается удаленная линия дерева, перекрывающая фон. Сначала наносится темно-желто-зеленый цвет, затем — жженая умбра и легкое нанесение черного.Эти цвета слегка растушевываются пальцем, оставляя наверху более твердый край.

Цветные формы добавлены в далекую золотую середину. Светло-кремовый, различные желто-зеленые, желто-охристые и несколько полосок жженой сиены используются для создания выровненных по горизонтали форм.

Добавлено несколько удаленных деревьев, а детали опущены. Вместо этого в центре внимания находятся цвета, значения и формы, которые они создают.

Большая часть светло-кремового цвета переносится на передний план, оставляя просвечивать кусочки оранжевой бумаги.Также добавлено несколько полосок жженой сиены.

Следы наблюдаемого цвета накладываются на передний план. Для тонких красно-пурпурных оттенков красный накладывается на пурпурные аппликации, а затем затемняется жженой умброй. Темно-желто-зеленый цвет используется для травинок и выделен светло-желто-зеленым.

Мы продолжим добавлять детали в сцену, включая скалу и небольшое дерево позади нее.

На переднем плане линии травы становятся длиннее и четче.Здесь можно найти большее разнообразие цветов и большую контрастность.

Еще одно образование камней добавлено на переднем плане, чтобы помочь зрителю погрузиться в работу. Небольшое каменное образование полностью прорабатывается перед добавлением высоких травинок вокруг него.

Дополнительные штрихи нанесены светлым кремом для обозначения полевой травы. Осталось несколько перерывов, чтобы сквозь них просвечивали более темные цвета внизу.

Наносимые мазки наносятся более светлым кремовым цветом для создания бликов на кончиках стеблей травы.

Возвращение в небо. На этот раз белый цвет используется для усиления бликов на облаках. Опять же, это приложение слегка растушевывается пальцем.

Картина пейзажа завершена, ее можно закончить и защитить фиксатором, если так желательно.

Учебное пособие по пляжному ландшафту в мягких пастельных тонах — Faber-Castell, США

Их невероятный цвет, текстура и простота использования дают возможность расширить ваши художественные способности так, как вы никогда не думали.

В этом плане урока мы исследуем пейзаж мягкой пастелью и основные шаги по созданию вашей собственной пастельной картины.

Материалы:

Мягкая пастель Faber-Castell 72 графа

Малярная лента

Изоляция для труб (для смешивания)

UArt Шлифованная пастельная бумага премиум-класса 9 x 12, зернистость 400, бежевая

Станок

Картон

Подготовка к работе:

На фото показан кусок картона (примерно 36 x 24 дюйма).), что я опираюсь на мольберт в качестве основы для бумаги, а петли из ленты, которые я делаю, чтобы удерживать бумагу на месте во время рисования. Потратьте несколько минут на то, чтобы сделать эти петли, — лучший способ закрепить бумагу, чтобы все 4 угла были открыты, а бумага лежала ровно.

Как сделать петлю для ленты

1. Оторвите 2-дюймовый кусок ленты и расположите его вертикально на угловом крае обратной стороны бумаги липкой стороной к себе.

2. Оторвите еще один 2-дюймовый кусок ленты и поместите его поперек липкой стороны вертикальной ленты, закрепив ее на щите.Повторите для всех 4 углов.

Popham Beach, Мэн

Я сделал этот снимок одного из самых захватывающих пляжей в штате Мэн, места, где я проводил лето большую часть своей жизни. Это был незабываемый день с постоянно меняющимся прекрасным небом. Сильная композиция и простые элементы; небо, вода, песок и трава — вот идеальный объект для рисования и обучения. Я напечатал фотографию 8-1 / 2 x 11 в качестве вдохновения и ссылки.

Выбор цвета

Внимательно глядя на свою эталонную фотографию, я выбираю как можно больше пастельных тонов, имея в виду, что большее количество цветов и слоев добавит больше интереса, глубины и сложности картине.

Также здесь представлены куски пенопластовой изоляции для труб, которая является идеальным материалом для смешивания пастели.

Начните с простого наброска

Здесь я начал с легкого рисования линии горизонта сцены, за которой последовал очень простой контур участка пляжа и тропинки, ведущей через траву. Я использовала пурпурную пастель средних тонов, не слишком светлую или темную.

ТИП

— вместо белой бумаги выберите тонированную текстурированную пастельную бумагу для своих работ.Это может ускорить время рисования и настроить вас на успех. Выбирая бумагу, учитывайте ее тон или ценность, а не фактический цвет. Хорошим началом будет хороший серый или теплый бежевый оттенок.

Чем больше «зубцов» или текстуры на бумаге, тем лучше она будет воспринимать многие слои пастели, что дает потрясающие результаты.

Блокирование во тьме

Следующие несколько шагов касаются построения слоев цвета путем создания светлых и темных форм. Здесь я начинаю создавать рыхлую основу, блокируя самые темные оттенки изображения фиолетовой пастелью.Этот цвет в области травы служит самым темным слоем или «грязью» под травой. Я наношу пастель, используя сторону палочки, свободно лежащую в самых темных областях.

ТИП

Поэкспериментируйте с разными цветами, мазками и нажимом на обрезке на протяжении всего процесса рисования.

Блокировка света

Затем я заполняю самые светлые области таким же образом, как и темные. Белый пока не использую; скорее, я использую лиловый, чтобы связать его с пурпурным и действовать как самая темная изнанка облаков.Затем я добавляю самый светлый синий цвет океана.

Третий слой цвета

Здесь я накладываю некоторые из самых светлых областей и локальный цвет (зеленый) непосредственно на первый слой цвета, некоторые белые в облаках и два тона песочного цвета.

Смешивание

Теперь, когда вся бумага залита пастелью, пора растушевать. Используя оторванный кусок пенопластовой изоляции трубы, я начинаю с неба и протираю бумагу, покрытую пастелью.Я смешиваю, двигаясь в том же направлении, что и вы, как если бы использовала кисть, меняя направление для разных областей; по вертикали — для линии горизонта — суша, по горизонтали — для воды, по диагонали — для колышущейся травы. Я пытаюсь добиться мягкого, не в фокусе эффекта с помощью этого первого раунда смешивания. Он послужит основой и даст мне возможность решить, на чем сосредоточить внимание на следующих этапах.

ТИП

Лучший инструмент для смешивания с мягкой пастелью — изоляция из пенопласта.Его легко найти в любом строительном магазине и очень недорого. Разрезанный на кусочки, упаковка из этого материала служит очень долго, и ее даже можно мыть и использовать повторно.

Уточнить

На этом этапе я начинаю дорабатывать картину. Я возвращаюсь с более насыщенным цветом, используя сторону пастели, усиливая траву большим количеством зелени и немного желтого.

Я добавляю в воду более темно-синий цвет.

Я слегка начинаю играть с небом и анатомией облаков, формируя и определяя их, добавляя больше синего, с лиловым и светло-лавандовым в нижней части живота, немного серого и немного теплого бледно-желтого.

ТИП

Стирание — лучший инструмент для удаления нежелательной пастели вплоть до бумаги — это сжатый воздух. Обязательно используйте его снаружи и направьте и взорвите область на бумаге под углом от себя. Вы не хотите дышать пастельной пылью.

Весы и смесь

Здесь я продолжаю дорабатывать картину: я создаю иллюзию расстояния, слегка смешивая и размывая наземный массив линии горизонта. Я использую инструмент для смешивания изоляции труб легкими движениями вверх и вниз, оставляя это свободно выполненным и живописным.Я позволяю кусочкам бумаги проглядывать то тут, то там.

Прямо над линией горизонта я создаю более мелкие облака, уходящие вдаль.

Я делаю воду мягкой и простой, слегка смешивая синий цвет и добавляя немного аквамарины, чтобы обозначить мелководье, приближающееся к берегу. Я добавляю короткие простые штрихи белого цвета, чтобы создать несколько волн.

Я аккуратно растушевываю участки травы и добавляю теплые, светлые песочные тона.

Детали травы

Вот несколько способов нарисовать пастелью естественные, неправильные травинки. Потратьте время на то, чтобы попрактиковаться в этих методах, прежде чем применять их на своей картине:

• Используя длинный край мягкой квадратной пастели, наклоните метку и нажмите, затем приподнимите пастель, чтобы создать неправильные линии; линии, которые ломаются и одновременно толстые и тонкие.

• Создайте плавные извилистые линии с помощью более твердой круглой пастели, катая ее верхний край по бумаге.

Практикуйтесь, комбинируя эти методы, создавая неровные, пересекающиеся отметки, представляющие естественный рост и движение травы.

Финал

На этом заключительном этапе я акцентирую внимание на некоторых деталях травы. Я выбираю участки травы и рисую несколько лезвий. Несколько удачно расположенных лезвий на переднем плане сделают всю область похожей на траву, не покрывая ее деталями.

Наконец, я добавляю несколько бликов свежей белой пастелью к облакам и считаю картину законченной. Важно знать, когда остановиться, и не переутомлять искусство. Чем дольше вы работаете над картиной, тем лучше она будет.На практике целью является меньшее количество ударов, наносимых с большей уверенностью.

Пейзаж Урок пастели

Раннее утро в дыму

Эта сцена [слева], которую я сфотографировал для справки при ее рисовании, была выбрана из-за композиционного баланса, сильного контраста между солнечным светом и тенью, четкого рисунка, контрастов в цвете, значении, текстуре и содержании. Я подумал, что это красиво, и был очарован всеми элементами природы, представленными одновременно.

Грейт-Смоки-Маунтинс, часть Аппалачей, отличается большим разнообразием флоры, которую я стремился интерпретировать пастелью.

Шаг 1. Для моей начальной диаграммы я рисую простые формы, чтобы разместить все большие и средние компоненты на картинной плоскости, используя светлый контур пастельным карандашом нейтрального цвета (NuPastel # 283 Van Dyke Brown) с резкостью. в точку. Эти временные схемы будут многократно пересматриваться на этом предварительном этапе.Как только общие области определены, я могу оценить формы и размещение и внести коррективы в композицию, прежде чем перейти к следующему шагу.

Шаг 2. Чтобы решить, какие цвета я раскрашу в первую очередь, я прищуриваюсь, глядя на выбранную сцену, затем блокирую некоторые из доминирующих темных масс, которые я вижу, используя сторону пастели. палка. Работа от темного к светлому — стандартная процедура для непрозрачных пастельных тонов. Прищуривание помогает исключить определенные компоненты и детали, тем самым позволяя мне видеть цвет и ценность в их простейших формах.На этом этапе рисования я не пытаюсь создать объем, свет или глубину.

Я рекомендую вам установить значение основного цвета немного темнее, чем оно есть на самом деле. Такой подход позволит получить более богатую контрастную основу для более светлых ревизий. Единственным исключением из этого правила является то, что самые темные цвета следует делать немного светлее, чтобы можно было окончательно использовать черный цвет при корректировке глубоких теней на более поздних этапах.

Шаг 3. Продолжая мой цветной блок с более мелкими, более концентрированными пятнами пигмента, я использую комбинацию твердых и мягких пастелей, оставляя мягкие напоследок.Меня не волнует, что я могу выбрать «неправильный» цвет. На этой ранней стадии просто попытайтесь приблизиться к цветам; вы можете менять их позже так часто, как это необходимо.

Шаг 4. Теперь работая над всеми частями композиции, я исправляю их, чтобы добиться хороших значений, цветов и интенсивности, стараясь сохранить четкое разделение между светом и темнотой. Почти 90 процентов мазков были нанесены плоскими сторонами пастельных палочек. Нанося сначала легкие штрихи, чтобы «проверить» каллиграфию, я продолжал искать правильную комбинацию, следя за тем, чтобы утверждение оставалось общим.Подробности появятся на более поздних этапах.

Шаг 5. Блокируя самый светлый свет, на этом этапе я делаю свою первую оценку общих цветовых отношений. Какие бы простые изменения ни потребовались, сейчас самое время внести изменения в фундамент. Я также уточняю контуры отдельных фигур, усиливая цвета и подавляя некоторые из более ярких цветов фона, добавляя их соответствующие дополнения к «серым» их вниз и заставляя их отступать.

Шаг 6. В каждой картине наступает момент, когда вам нужно установить сцену в одной области, чтобы создать контраст для остальных областей.Я работаю над фоном, пытаясь смягчить и нейтрализовать цвета, приглушить и устранить контуры, чтобы эти области отступили. В то же время я пытаюсь создать мягкую сущность эфемерных облачных образований, которые типичны для Дымчатых гор в утреннем свете. Как только я буду доволен этим видом, я начну работать над переходами в освещенной солнцем средней части, прежде чем сосредоточиться на тонкостях переднего плана.

Шаг 7. Явная текстура (грубая) имеет тенденцию продвигаться в плоскости изображения.Я протер облака и небо, чтобы устранить такую ​​текстуру и создать прочную основу. Я также добавил больше слоев цвета к небу и облакам, чтобы восстановить красоту пастели, вместо того, чтобы позволить натертой поверхности быть визуальной.

Срединная деталь . Я поместил много слоев цвета один поверх другого, пытаясь найти то, что я считаю лучшей комбинацией для этого раздела. Для меня нет ничего необычного в том, чтобы пересмотреть область четыре или пять раз, пока я не буду удовлетворен.Я хотел, чтобы цвета интегрировались и создавали иллюзию облаков и линий деревьев. Вытирая пастельный карандаш перед нанесением каждого мазка, мой цвет будет чистым и сияющим.

Шаг 8. После того, как образец в тени среднего плана установлен, я работаю от фона к переднему плану, перекрываясь по мере продолжения движения вперед. Прямолинейность завершающих каллиграфических мазков создает ярко выраженный контраст, столь необходимый для создания переднего плана.

Шаг 9. Здесь показано дальнейшее развитие переднего плана. Было важно поработать в этой области, чтобы получить контроль и почувствовать то, что я пытаюсь создать. Как видите, глубина композиции становится очевидной, поскольку я продолжаю работать над пространственными подсказками. Еще не закончив, я хотел посмотреть, как все будет выглядеть после следующего этапа развития деревьев и кустов, перекрывающих середину.

Деталь переднего плана. На этом крупном плане обратите внимание на жизненную силу, создаваемую несколькими штрихами, интегрированными в основу переднего плана, в то время как другие мазки, кажется, находятся сверху.

Деталь переднего плана. Кусты и деревья начали развиваться только после того, как меня немного удовлетворила золотая середина. Эти предметы выполнены в виде накладывающихся друг на друга форм и выполнены каллиграфическими мазками. Я хочу, чтобы отметки работали с каждым штрихом, когда я близок к завершению этого пейзажа.

Шаг 10. На этом этапе завершения я чувствую, что уловил и ощущение света, и эмоции, которые я испытал, глядя в окно фермерского дома, из которого я впервые увидел этот вид. Технически я выбрал цвета, доступные в моих различных наборах, чтобы приблизиться к моему художественному видению. Последние мазки были нанесены очень мягкими пастелями Schmincke, после чего я нанесла слой работоспособного фиксатора.

Раннее утро в дыму

Пастель на бумаге, 18 «x 24» (45.7 x 69,9 см)
Ларри Бловиц

Пошаговая демонстрация масляной живописи

West Wind — Демонстрация масляной живописи

Для этой студийной картины я использовал льняной холст Claessens с двойной грунтовкой маслом, № 15 (моя обычная поверхность для рисования). Эта картина, как и большинство моих больших картин, была завершена с использованием фотографии в качестве образца. (Моя жена Сара — милая женщина на фото.Почему-то я сомневаюсь, что она была бы очень рада позировать посреди поля достаточно долго, чтобы я мог рисовать с натуры.)

Шаг 1:

Когда я пишу картину такого размера (или больше), мне удобнее всего начинать с довольно детального прорисовки моей композиции. В этом случае я использую виноградный уголь прямо на холсте. Я стараюсь уделить этому шагу столько времени, сколько необходимо, так как он даст мне направление, по которому я буду следовать в остальной части картины.Когда я рисую, я делаю тщательные измерения, используя свою эталонную фотографию, чтобы убедиться, что все заканчивается нужного размера и в нужном месте. (Кстати, я тщательно измеряю, когда рисую и меньшие размеры. Я просто не обязательно сначала рисовать углем.) Я всегда дважды проверяю свой рисунок, глядя на него в зеркало. Каким-то образом, глядя на изображение в обратном порядке, легче увидеть мои ошибки.

Шаг 2:

Теперь, когда я готов рисовать, у меня есть несколько минут, чтобы подумать, как я буду действовать.Когда я пишу картины меньшего размера, я часто работаю над всей картиной сразу. Но поскольку эта картина немного больше, я решаю начать с одной области и работать дальше. Таким образом, у меня есть возможность остановиться, если мне нужно, и когда я вернусь, не имеет значения, начала ли краска сохнуть, потому что мне (надеюсь) не придется работать над областями, которые я уже нарисовал. (Я всегда предпочитаю работать мокрым по мокрому, чтобы я мог легко обрабатывать края, не перекрашивая сухую краску.) Конечно, это требует некоторого планирования, когда я начинаю, но это также интересный способ работы, потому что я могу видеть картина начинает приобретать форму довольно быстро.Итак, теперь все, что мне нужно сделать, это решить, с чего начать! Я обнаружил, что для меня самый простой способ установить диапазон значений для картины — это начать с области с сильными, темными оттенками и хорошим контрастом. В этой картине некоторые из моих самых темных ценностей находятся в фокусе (Сара), поэтому для меня имеет смысл начать именно с этого.

Шаг 3:

Я часто прищуриваюсь на свою фотографию и на свою картину, чтобы сравнить ценностные отношения между формами. Если я получу правильные отношения, я смогу продолжить рисование без необходимости возвращаться, чтобы изменить какие-либо значения.

Шаг 4:

Продолжая, я также обращаю внимание на края между фигурами, чтобы они не выглядели одинаково. Чтобы направить взгляд зрителя на точку фокусировки, я стараюсь сохранить там самые острые края, при этом смягчая при сравнении другие окружающие края. Один из ключей к хорошему краю — разнообразие.

Шаг 5:

Когда я работаю над белым халатом Сары на картинке, я помню, что фотографии имеют тенденцию неправильно отображать цветовую информацию, особенно в очень светлых и темных областях.В результате я должен думать о солнечном свете в тот день, когда я сделал снимок, и помнить о влиянии его цветовой температуры на всю сцену. (Вот где окупается и постоянная практика рисования с натуры, потому что у меня в голове есть информация из опыта рисования в этих самых условиях.) Поскольку я помню, что цветовая температура прямого солнечного света теплая, я обязательно добавляю теплые тона для всех участков шерсти, находящихся под прямыми солнечными лучами. В результате тени получаются относительно холодными по сравнению со светлыми участками.

Шаг 6:

Сара сейчас в основном закончена (вместе с самой важной частью картины). Чем дальше я продвигаюсь по картине, тем больше происходит сравнений. Каждая форма, которую я рисую, должна быть правильной по точности рисования, стоимости, цвету и краям по сравнению с тем, что я уже нарисовал. Вот почему для меня так важно быть точным в начале. Если я дойду до этого момента и замечу, что один из этих основных компонентов неправильный, мне либо придется много перекрашивать, либо пора будет решить просто начать все сначала.(И да, к сожалению, это произошло.)

Шаг 7:

К счастью, на данный момент я не вижу явных ошибок, поэтому я могу начать работу над фоном. Задача фона, заполненного деревьями, состоит в том, чтобы не добавлять слишком много деталей и не отвлекать от фокуса. Еще одним преимуществом начала работы с фокусом является то, что теперь я могу сравнить с ней остальную часть моей картины и убедиться, что она все еще преобладает.Поэтому я стараюсь различать основные формы деревьев и вставляю только то, что необходимо, чтобы создать впечатление множества деревьев и ветвей.

Шаг 8:

По мере того, как я блокирую больше деревьев на заднем плане и травы переднего плана, я делаю краску достаточно тонкой. Это позволяет мне наносить более густую краску поверх, когда я углубляюсь в детали, и я также могу позволить некоторым из этих первоначальных оттенков проявиться на готовой картине. Опять же, это дает мне некоторое разнообразие текстуры, которое приятно так же, как разнообразие в моей работе по краю (о которой я упоминал в шаге 4).

Шаг 9:

Теперь, когда у меня есть весь фон, пришло время начать работать с деревьями переднего плана. Как я уже упоминал, когда я был готов снова начать рисование на шаге 2, мне потребовалось несколько минут, чтобы подумать о том, как продолжить. Одна из вещей, на которую я обратил внимание, заключалась в том, что мои самые темные оттенки в сцене были на самом деле в этих деревьях переднего плана. Поэтому мне пришлось немного воздержаться от того, насколько темными я сделал тени на юбке Сары, чтобы, когда пришло время рисовать деревья на переднем плане, они были самыми темными элементами.Это помогает увеличить иллюзию глубины в картине, поскольку «отталкивает» Сару дальше на задний план, потому что самые темные оттенки на ней не такие темные, как деревья переднего плана, которые должны казаться наиболее близкими к зрителю. Я также должен был помнить, что моя камера видела тени на юбке Сары и примерно одинаковую ценность деревьев на переднем плане, что дало мне еще одну причину, чтобы быть осторожным с тем, насколько темными я делал тени на юбке Сары.

Шаг 10:

Я начинаю добавлять детали к деревьям и траве, стараясь, чтобы они не стали слишком интересными по сравнению с Сарой.В конце концов, она самая важная!

Шаг 11:

Похоже, вся правая часть картины почти закончена. Правильно нарисовать значения в траве внизу довольно сложно. Мне нужно прищуриться и провести больше сравнений между травами и другими ценностями на картине, чтобы тени и свет на траве были правильными. Так же, как рисуя деревья и ветки, я стараюсь смотреть на большие формы в траве, чтобы не детализировать их.

Шаг 12:

Почти закончено! Осталось только закончить деревья слева как на переднем, так и на заднем плане. Так что все, что мне нужно сделать, это относиться к ним так же, как к другим деревьям на картине.

Шаг 13:

Я всегда смотрю на картину в зеркало в последний раз, чтобы убедиться, что все не выглядит неправильным и не отвлекает от моего внимания. Часто необходимо смягчить слишком острые края или отвлекающий мазок кисти.Как только они будут исправлены к моему удовлетворению, картина будет готова!

Живопись пастелью — уроки рисования

Пастель была упомянута еще в 1495 году Леонардо да Винчи и с тех пор остается популярным материалом для рисования. Вам нужно только посетить художественную галерею, чтобы увидеть, насколько хорошо сохранившиеся пастельные рисунки остаются сильными и яркими по сравнению с некоторыми другими средами, такими как акварель. При работе с пастелью нужно помнить о пыли и обеспечивать надлежащую вентиляцию.Готовые работы также выигрывают от правильного хранения или размещения за стеклом с подходящей матировкой.

Обнаженная женщина

Полин Адэр, уроженка Новой Зеландии, австралийская художница из Квинсленда, специализирующаяся на портретах и ​​обнаженной натуре. В этой пастельной демонстрации Полина работает на гладкой стороне пастельной бумаги Canson Mi Tientes (теплый серый цвет), начиная с рисунка углем, а затем добавляя цвета.

Картина женского обнаженного тела

Тигр, Урок рисования пастелью

Эрик Уилсон — один из ведущих британских художников в области дикой природы и пастели.Его страсть к дикой природе пришла из лет скитаний по высокогорным горам Шотландии. Эрик много путешествовал по отдаленным местам, чтобы изучать животных в их естественной среде обитания, что едва не стоило ему жизни в Зимбабве, когда на него напал черный носорог. Великолепный рисунок тигра выполнен на пастельной бумаге Royal Sovereign.

Картина дикой природы тигра

Мягкая пастель, спиртовой подмалевок

Подмалевки обычно рассматриваются в масляной живописи, но также могут применяться к картинам пастелью.В этом уроке спирт разбивает твердую пастель и создает подмалевок, на который впоследствии наносят слои мягкой пастели.

Как рисовать цветы

Портрет Роберта де Ниро

Жерар Минео — французский художник. В 1980-х годах Джерард много работал, проводя «уличные мастерские», привлекая внимание толпы, которая стояла и наблюдала, как он создает портреты. Сейчас Жерар живет в маленьком красивом городе Бержерак во Франции и продолжает создавать портреты людей и животных.Эта демонстрация пастельного искусства повторяет картину актера Роберта де Ниро с множеством пошаговых фотографий.

Урок рисования Де Ниро

Портрет собаки, Урок пастельного искусства

Кари Тиррелл — художник-самоучка, который работает преимущественно пастелью, рисует животных и людей. Хотя Кари не стремится к фотореализму, люди часто комментируют фотореализм ее работ. Кари является членом Северо-западного пастельного общества, Peninsula Art League, а также членом жюри саморепредставляющих художников EBSQ.

Как нарисовать собаку

Раннее утро в дыму — пастельный пейзаж

Ларри Бловиц имеет национальную репутацию мастера масляной живописи, пастельных портретов и пейзажей, получая награды и награды на национальных выставках с 1962 года. Отдавая дань уважения великим мастерам, Ларри стремится подражать и продолжать традиции «академической» живописи. В этом уроке пастельного пейзажного искусства замечательный баланс света и тени в Грейт-Смоки-Маунтинс.

Урок пастельного пейзажа

Львенок, Картина пастелью

Художник Эрик Уилсон все еще экспериментировал с пастелью, когда писал портрет львенка, но с огромным мастерством справлялся с этим.

Львенок Art

Советы по рисованию дикой природы

Ли Раст родилась в Мельбурне, Австралия, и с детства страстно увлекалась дикой природой.Его первая персональная выставка состоялась в 2006 году, а в 2008 году он сотрудничал с Мельбурнским зоопарком, проводя художественные демонстрации для ежегодной серии концертов «Сумерки». Две его работы попали в финал конкурса BBC «Художник года по дикой природе». В этом уроке Ли делится советами по улучшению вашего искусства дикой природы, чтобы произвести впечатление!

Советы по рисованию дикой природы

Пастель и акварель, демонстрация портретной живописи

Художник, Дебра Джонс, демонстрирует технику использования пастели вместо акварели, чтобы обойти некоторые ограничения коммерческой пастельной бумаги.Сначала используется мягкий уголь из виноградной лозы, хотя большая часть угля разочаровывает при нанесении дополнительных акварельных мазков. Пастель наносится на последние слои.

Пастель и акварель

Узнайте, как сделать пастель своими руками

Филлис Рассел Франклин рисует с самых ранних своих воспоминаний, но работа в корпоративном мире и забота о семье оставляют мало времени, чтобы исследовать свои творческие поиски в дальнейшей жизни.После выхода на пенсию Филлис смогла вернуться к своему увлечению, она связана со многими художественными обществами и выставляет свои работы на выставках. Изготовление мягких паштетов отнимает много времени и беспорядочно, но чрезвычайно полезно. Филлис покажет вам, как это сделать.

Создайте пастель своими руками

Утки — Урок рисования пастелью

Это руководство по рисованию пастелью для уток начинается с пастельных карандашей Derwent на белой отшлифованной бумаге Уоллиса, а также с использованием мягкой пастели Рембрандта и Гамсола, чтобы превратить пастель в своего рода жидкость.

Как рисовать уток

Парк Золотых Ворот Сан-Франциско, Урок пастельного искусства

«Чтобы мои изображения были успешными, они должны не только привлекать внимание и сердце зрителя, но и заставлять разум осознавать то, что поставлено на карту на нашей планете». — Кларк Митчелл.
Ckark получил образование в Академии художеств в Сан-Франциско. В этом уроке пастельного искусства рассказывается о местном парке Золотые Ворота.

Пастель пейзажная живопись

Парк Сан-Франциско, Пастельный пейзаж, демонстрация

Пошаговая демонстрация пастельного искусства

Шаг 1 … После рисования локаций пастелью и графита в альбоме для эскизов, чтобы определить относительные значения и пропорции, я приступаю к работе над нетонированным листом шлифованной бумаги Уоллиса, установленной на 100% тряпичной музейной доске.Я делаю контурный рисунок пастельным карандашом, оттачивая формы, пока они не будут хорошо сочетаться друг с другом. Затем я заполняю каждый большой блок пастелью одного цвета, предпочтительно гольбейном или нупастелем, поскольку они твердые (не оставляют слишком много пигмента на необработанной поверхности) и менее дорогие, чем другие марки. Светло-бледно-желтый цвет для неба и такой же теплый оттенок для травы, который в целом будет прохладным и зеленым. Бледно-розовый для одного дерева, белый для другого. Различные оттенки серо-голубого для уходящих слоев деревьев.Я покрываю каждый слой Turpenoid и ополаскиваю кисть, прежде чем переходить к следующему цвету. В результате получилась простая, плоская и абстрактная версия моей сцены, которая после высыхания говорит мне, верны ли мои значения и интересны ли формы вместе.

Шаг 2 … Первым сухим пигментом будет покрыта плоскость травы, так как она больше всего «не соответствует» готовому цвету. Затем я начинаю обогащать различные слои деревьев, сохраняя относительные значения. Бледно-голубой оттенок окрашивает небо в желтый цвет, чтобы охладить его, а затемнение распространяется на цветущие деревья, чтобы придать им объем.

Шаг 3 … В целом сцена слишком крутая. Пора добавить коричневым, бордовым, розовым и лавандовым высоким деревьям и бледно-оранжевым оттенкам травы. Солнечный свет окрашивает края деревьев на заднем фоне и более густой пигмент, чтобы покрыть белый цвет бумаги, особенно за цветущими деревьями, чтобы они «выделялись». Все ближние края сделаны более четкими и детализированными, чтобы усилить ощущение пространства. Далекие объекты намеренно оставлены мягкими.

Шаг 4… Вблизи зрителя трава становится шероховатой. Мелкие детали добавлены к цветущим деревьям и ближайшим соснам. Также глубокая зелень, чтобы раскаленные деревья выступали вперед. Замазываются все следы отвлекающего белого цвета от бумаги. На этом этапе нужно меньше всего «делать» и тратить больше времени на поиски. Типичный день в парке Золотые ворота в Сан-Франциско.

Пейзаж пастелью

Два очень важных аспекта живописи находятся под влиянием ценности: цвет и композиция.Понимание ценностей может дать художнику возможность улучшить цвет, так же как понимание ценностных масс может усилить композицию.

Значение — это основное свойство цвета. Многие художники утверждают, что это самый важный аспект цвета. Хотя можно рисовать без полного понимания связи между ценностью и цветом, опытные художники понимают и используют это в своих интересах.

Возможно, самый простой способ визуализировать ценность — это вспомнить старое черно-белое телешоу, такое как «Я люблю Люси.«Рики и Люси были настоящими людьми в живом цвете, но на телевидении были представлены только значения этих цветов. Итак, проще говоря, ценность цвета — это его чернота или белизна, его темнота или свет.

В оптике белый цвет состоит из всех длин волн или цветов света, а черный означает отсутствие света. Мы думаем о ценности с точки зрения черного и белого из-за этой оптической связи. Черный и белый являются одними из самых темных и самых светлых пигментов, которые мы используем, но мы можем организовать изображение, используя весь диапазон темных и светлых значений любого цвета.Это потому, что мы систематизируем изображения по значению. Если бы мы этого не делали, мы бы не заметили, что Люси запихивала шоколадные конфеты в рот так быстро, как только могла. Если бы мы полагались на цвет для организации, мы бы вообще не увидели Люси. Вместо этого мы полагаемся на отношения темного и светлого для изображений, которые мы видим. Мы все еще могли понять изображение, используя значения красного и белого, синего и белого, или даже желтого и белого. Значение зависит от яркости или темноты любого цвета.

Традиционный подход к рисованию заключается в том, что сначала используют значение, а затем цвет.Такой тональный подход — хороший базовый способ организовать картину. Многие художники начинают с эскиза или карандашного рисунка, а затем рисуют углем прямо на бумаге, что предопределяет структуру ценностей под цветами. Другие сделают гризайль, подмалевок только одного цвета, обычно серого. Чаще всего это делается акварелью или другими растворимыми материалами, чтобы после высыхания пастель можно было нанести поверх.

Но зачем начинать с черного и белого, когда пастель славится насыщенными, насыщенными цветами? Укрепление основных ценностных отношений, используемых для организации картин, усиливает цвет, что позволяет вам использовать цвет более свободно.Выберите любой цвет, если он находится в правильном диапазоне значений. Вы можете бесконечно играть с цветом, используя несколько слоев или разбитый цвет для достижения правильного значения, что активизирует ваше использование цвета на протяжении всей картины.

Необходимо начать понимать ценности и то, как объединить их вместе в композицию, чтобы создать сильные паттерны. Если вы сочиняете, используя сильные массивы ценностей, и оставаясь верным им во всем, вы добьетесь сильной живописи в цвете. Во время наброска переворачивайте его вверх ногами или время от времени, чтобы рассматривать его как рисунок.Это побеждает склонность к словесным сокращениям. Перевернутое изображение представляет собой серию фигур, а не именованных объектов.

Ищите формы, определяемые массами одинаковых значений. Прищуривайте глаза, чтобы потерять детали, встаньте в другом конце комнаты или посмотрите в зеркало, чтобы увидеть, как все темные места образуют одну большую взаимосвязанную часть, как и свет и медиумы. Переставьте эти формы, чтобы получить приятный образец ценностей, собранных вместе в композицию.

Это основная абстракция любой картины.Абстракция начинается, когда вы создаете двумерное представление трехмерного мира. Таким образом, объединение ценностей помогает усилить композицию картины, так же как понимание ценности усиливает цвет.

РАСПОЛОЖЕНИЕ ПАЛИТРЫ ЦЕННОСТИ

Необходимо научиться определять ценность цвета в картине. Для начала проще всего разделить палитру пастельных палочек на темные, средние и светлые оттенки. Этот простой первый шаг многое расскажет о ценности.

Тщательно очистите пастельные карандаши и работайте в хорошо освещенном месте, чтобы можно было отчетливо видеть цвета. Положите кусок чистой светлой бумаги (подойдут бумажные полотенца) и начните с выбора самых темных цветов из беспорядочной коробки пастелей. Положите их на один конец бумаги, затем выберите все самые светлые цвета и положите их на другой конец. Если пастелей много, вернитесь к коробке снова и выберите самые светлые и самые темные цвета, оставшиеся там, положив эти цвета внутрь тех, которые вы уже выложили.Посмотрев на оставшиеся цвета, вы все равно сможете выбрать самые темные и самые светлые. Сделайте это столько раз, сколько вам нужно, пока в поле не останутся только средние значения. Поместите их в центр белой бумаги. Это дает вам минимум три значения во вновь организованной палитре, упорядоченные от светлого к темному.

Вы можете продолжить и расположить цвета в порядке радуги, чтобы они меняли цвет от желтого к зеленому и синему, а затем от фиолетового к красному и оранжевому. Думайте о своей палитре как о сетке, в которой цвета расположены по горизонтали, а значения — по вертикали.Таким образом, у вас может быть ряд желтого цвета, расположенный горизонтально от светлого слева к темному справа, под ним ряд зеленого цвета от светлого к темному, затем ряд синего цвета и т. Д. Попробуйте выровнять значения по вертикали, так, чтобы самый светлый желтый, зеленый и синий были неплотно в столбце, затем средне-темно-желтый, зеленый и синий столбец, затем средние и т. д.

Вы можете сделать это расположение цветов настолько сложным или простым, насколько вам нравится . Разделение цветов всего на три простые группы значений поможет вам начать понимать их значения, независимо от того, находятся ли они в порядке радуги или нет.Теперь очистите коробку с палитрой и разместите в ней пастели в выбранном вами порядке.

Ниже представлена ​​моя палитра, ориентированная по цвету и стоимости. Я держу белый цвет в нижнем левом углу, черный в правом верхнем углу. Вы также можете увидеть мои формирователи и кисть для поролона, а также пару пастельных карандашей справа.

Независимо от того, как вы настроили палитру, убедитесь, что она организована. Рисование немного похоже на создание музыки: вы не сможете хорошо играть, если не знаете, где найти ноты! Независимо от того, какую компоновку палитры вы выберете, убедитесь, что ваши цвета находятся в предсказуемых местах, чтобы вы могли многократно находить нужные «ноты», не пытаясь ощупью.Маленькие пирамиды пыльной пастели затрудняют поиск цвета.

Когда вы будете готовы начать рисование, вы можете легко перейти к области одного значения в палитре и выбрать несколько цветов с одинаковым или похожим значением. Наложив эти цвета друг на друга или кладя их рядом, чтобы получить «ломаный цвет», вы усиливаете цвет. Вместо простого темно-коричневого ствола дерева вы можете выбрать темные оттенки фиолетового, охристого, зелено-серого и оранжевого, которые вместе создают иллюзию темно-коричневого, гораздо более приятного для глаз.Вместо того, чтобы выбирать светло-серый для кошачьей шерсти, вы можете выбрать бледно-лиловый, зеленый и оранжевый со средним светлом и мягко наложить один на другой, чтобы получился живой и интересный серый. В этом белом кувшине на столе используйте бледные оттенки желтого, розового и зеленого, чтобы выделить все, кроме самых светлых.

Чтобы проверить гармонию цветов, не рискуя рисовать, можно зарезервировать небольшой участок сбоку от поля изображения, который будет заштрихован или обрезан, или скрепить второй лист бумаги, который вы используете, рядом с вашим рисунком. покраска поверхности.Здесь можно поэкспериментировать с цветами, положив их рядом, чтобы определить их гармонию или диссонанс. Цвета одинаковой ценности окрашены так, что их края соприкасаются, кажется, что они сливаются воедино. (См. Главу «Значение и цвет».) Прищурьтесь, чтобы это было легче увидеть. Вы обнаружите, что в разных отношениях некоторые цвета, которые кажутся одинаковыми по значению в вашей палитре, будут выглядеть неуклюже или неуместно в контексте картины. Например, хотя значения в горном хребте могут содержать синий цвет, слишком много синего может сделать диапазон более далеким, чем вы хотите.Так что, хотя синий цвет является идеальным оттенком, он может быть не лучшим выбором для этой части картины. В темном стволе дерева может быть не очень хорошей идеей использовать слишком много темно-зеленого, хотя он идентичен по стоимости, потому что большая часть листвы содержит зеленый.

Попробуйте развить легкую руку в нанесении слоев цвета; используйте толстый слой только там, где вы хотите наложить объединяющую силу одного преобладающего цвета. Есть изысканная красота в нескольких световых потоках с разными цветами одного и того же значения, что создает тонкие или яркие проходы в вашей картине.

Стоит потратить время, чтобы познакомиться со значениями цветов. Поэкспериментируйте с цветовыми гармониями, расположив рядом цвета одинаковых или похожих значений и находя те, которые сливаются друг с другом визуально. Попробуйте их на разных цветах фона. Посмотрите, что происходит, когда вы растушевываете их легкими штрихами угля или смешиваете их вместе, используя легкую глазурь одного цвета поверх. Определите светлые, средние и темные значения, которые работают согласованно, совместимые цвета, которые резонируют вместе в их диапазоне значений.Знайте, где они находятся в вашей палитре, чтобы вы могли дотянуться до них, не задумываясь или не задумываясь, для создания визуальной музыки.

По мере того, как вы уделяете более пристальное внимание структуре ценностей в своих картинах и усиливаете использование слоистых или разбитых цветов, вы начнете понимать, почему ценность является основным свойством цвета, и сможете широко использовать все цвета в вашей палитре.

КОНТРАСТ ЦЕННОСТЕЙ

Какую роль играет ценностный контраст в создании успешной картины? Без ценностного контраста у нас нет визуального образа, потому что наши глаза воспринимают мир через ценности.Вот почему мы поняли то, что видели, когда смотрели старые черно-белые телешоу. Но очевидно, что в этом бизнесе по контрасту ценностей есть гораздо больше, чем просто создание картины. Не в каждой картине ценностные контрасты используются наилучшим образом. Есть несколько правил, которые мы можем использовать для анализа роли ценностного контраста в живописи.

Ценный контраст создает композицию — нет контраста, нет изображения. Это верно независимо от того, есть ли высокий или низкий контраст. Если вы увеличите контраст, вы получите яркий черно-белый цвет без каких-либо ярких деталей, а если вы уменьшите его, вы получите весь серый цвет.

Схожие значения, помещенные вместе, не так визуально интересны, как сильно контрастирующие значения, которые, как правило, привлекают внимание.Это означает, что вы можете составить движение со значением. Например, если значения бледнее и больше этих серых значений сгруппировано вместе, они будут смотреть дальше, в то время как сильные темные и светлые значения кажутся нам ближе к нам в построении.

На этой картине, уменьшенной до оттенков серого, обратите внимание, что области, где значения почти одинаковы, создают ощущение расстояния, в то время как более светлые огни на фоне сильных темных тонов появляются вперед.

Средние значения обычно создают основу для картины, а контраст светлых и темных значений придает работе визуальный эффект.В частности, в пейзажных картинах средние значения имеют тенденцию быть большей частью конструкции, с меньшими областями дополнительного высокого контраста, привлекающими внимание. Когда диапазон значений уменьшается, взгляд по-прежнему попадает в область максимального контраста, но дизайн теряет эффект. Даже на картине с низким контрастом глаз все равно будет попадать в область самого высокого контраста — но кого это волнует? Другими словами, такая картина может стать визуально скучной, вряд ли стоит рассматривать.