День: 25.04.1971

Что такое Gansai? | artlab.club

Начнем с того, что азиатская и восточная живопись сильно отличаются. Мы привыкли к акрилу, маслу, акварели, беличьим кистям, хлопковой бумаге и даже не подозреваем, что можно рисовать как-то иначе. В то же время азиатские художники рисуют на рисовой бумаге минеральными красками создавая, в силу особенности материалов, настоящие шедевры. Этот пост я пишу с целью немного раскрыть особенности азиатского рисования и дать понимание особенностей незнакомых для большинства материалов. Ну и материал к тому же очень редкий и необычный для нас.

Итак, что же такое Gansai (顔 彩). На японском это означает акварель, но не такую, к которой мы привыкли. Обратите внимание на иероглифы в написании — Gansai 顔 彩 западная же, прозрачная акварель пишется обычно так — 水彩. Почему же такая разница, ведь материал-то один.

Многие легко могут сказать состав акварели — пигменты и гуммиарабик (плюс еще некоторые добавки). Эти краски разработаны специально для акварельной плотной бумаги (хлопка или целлюлозы), и используют ее особенности по полной.

Японские краски имеют другой состав. Зачастую это примерно следующая формула: пигмент + гуммиарабик + сахарный сироп + клей + крахмал + пчелиный воск + сахар или глицерин. Когда пигмент и связующее смешиваются вместе, их сушат прямо в кюветах. Те, что в больших квадратных и прямоугольных кюветках называются gansai 顔 彩, а те, что в круглых кюветках, называются теппацу 鉄 鉢 (посмотрите палитру Finetech). Краски также могут быть сформированы в виде акварельной пастели / карандаша, которая называется bouenogu 棒 絵 具, такая краска обычно не бывает в тубах.

Объясняется такой мудреный состав бумагой, на которой рисуют в Японии и вообще в Азии. Это тонкие листы из рисовой соломы с добавлением коры других деревьев, называемые рисовой бумагой. Если она не имеет пропитки, то краска легко растекается по волокнам и это напоминает рисование по сырому. Желатиновая пропитка с квасцами не позволяет краскам растекаться по бумаге и дает широкие возможности для детальных многослойных работ, например в технике гунби.

У японских красок есть два разных типа пигмента — Iwaenogu 岩 絵 具 или Suiengou 水 干 絵 具
Iwaenogu — натуральные минеральные дорогие пигменты, добываемые вручную. Gansai как правило использует пигменты suiengou 水 干 絵 具. Suiengou изготовлен из мелкотертых пигментов или красителей в сочетании с мелом, сделанным из моллюсков или очищенной глины. Пигменты немного дешевле, чем iwaenogu, хотя они по-прежнему высокого качества. Подобно iwaenogu, suienogu продается в порошке, и связующее может добавляться в них непосредственно перед покраской. Поскольку gansai представляет собой готовую краску, смешанную в правильном соотношении и уже высушеную в кюветке, ее гораздо удобнее использовать, чем iwaenogu.

Когда краски Gansai смачиваются, они становятся ярче, чем западная акварель. Кроме того, связующее Gansai может придать краске блеск. Gansai более непрозрачные, чем обычная акварель. Помните, что эти краски были разработаны для работы на японской бумаге. Прозрачная акварель не очень приспособлена для нее, а дополнительная непрозрачность Gansai помогает краскам меньше впитываться и быть ярче. Яркость еще нужна для того, чтобы иметь возможность рисовать в один слой — тоже характерная особенность восточной живописи.

Адгезия связующего в gansai слабее по сравнению с другими японскими красками. В результате gansai, как правило, гораздо быстрее сохнет, чем большинство обычной акварели.

Цвета традиционных японских наборов gansai часто отличаются от привычной палитры. Эти краски были созданы для японской живописи, которая исходит из другой традиции, чем европейская живопись. Японские цвета также основаны на цветах, которые можно увидеть в природе, поэтому в них много зелени, голубых и красных цветов. Посмотрите традиционную японскую палитру — там очень натуральная палитра.

Как правило краски gansai имеют большие кюветы, связанные с большим размером японских и китайских кистей. Из таких кюветок проще набирать краску, не портя кисть.

Краски gansai часто не смешиваются между собой или дают мутную смесь. Поэтому вы не найдете палитры к коробке с такими красками. Это опять же следует из стиля рисования и подразумевается, что нужно просто варьировать насыщенность краски из кюветы или набирать одновременно несколько цветов на кисть из разных кювет.

Часто нам или европейцам сложно понять что это за краски и почему они не похожи на акварель, почему у них такая упаковка и почему они плохо смешиваются. Объясняется это другим стилем живописи — например часто краски не смешиваются, а просто одновременно набираются на кисть два цвета. Однако могу сказать, что gansai, хорошо работает в иллюстрации и декоративных работах даже на обычной акварельной бумаге, эти краски любят комбинировать с гуашью и хоть их и не используют как изначально предназначено, результат на выходе получается очень интересным.

ЯПОНСКАЯ АКВАРЕЛЬ. KANTA HARUSAKI: kovlam — LiveJournal

Kitaro — Fiesta

(Японская сказка. Для тех, кому акварелей маловато…)

В давние-предавние времена жили в одной рыбацкой деревушке муж с женой. Жили они дружно, да только вот беда — детей у них не было. Каждый день ходила жена в храм богам молиться, все просила их: «Пошлите нам на радость хоть какое дитя!».

Сжалились, наконец, боги. Родилась у жены с мужем девочка. Доброй и красивой была она, но стали замечать отец с матерью, что никак не растут у нее на голове волосы. Закручинились родители: «За что мы богов так прогневали? За что они дочку нашу долгожданную не пощадили?». Ну, делать нечего. Какое дитя ни есть, а свое.

А тем временем стали в той деревне происходить удивительные вещи. Заприметили рыбаки, что каждый день в один и тот же час появляется в море яркий свет. Погорит-погорит, да и погаснет, будто неведомая сила знак какой подает.

Очень хотелось рыбакам узнать, кто там в пучине морской скрывается, да боязно в море отправляться. И родители девочки со всеми вместе дивились, понять хотели, откуда тот удивительный свет льется.

Вот сидят они как-то под вечер дома. Вдруг жена и говорит: — А что, если этот свет нам с тобой предназначен? Может, боги нам знак подают, и спасет этот чудный блеск нашу дочку от ее беды?

— Может, и так, — согласился муж. — Надо нам самим в море отправиться.

Так они и сделали. На следующий день сели муж с женой в лодку и поплыли к тому месту, откуда свет появлялся.

Долго они плыли, уж и смеркаться стало. Вдруг откуда ни возьмись брызнул им в лицо яркий свет, зажмурились муж с женой — не ослепнуть бы. Попривыкли немного, глаза открыли, вокруг огляделись — вот красота-то! Море так и сверкает!

— Что за чудеса? — удивились муж с женой. — Волшебство, да и только!

Присмотрелись они получше, видят — льется тот свет с самого морского дна.

Страшно стало мужу с женой — что-то таит в себе морская бездна? Думали они, думали, что дальше делать, наконец, жена и говорит:

— Спущусь-ка я на дно. Надо же посмотреть, что там внизу. Может, найду избавление от дочкиной беды. Нырнула женщина в море, на дно опустилась, видит — лежит на песке маленькая статуя богини Каннон.

— Это же надо! — удивилась жена. — Такая маленькая статуя, а такой яркий свет излучает!

Подняла она статую со дна, хотела было наверх всплыть, да не успела. .. Потемнело все вокруг, накрыла бедную женщину черная тень — появился невесть откуда огромный скат.

А муж наверху от волнения места себе не находит: «Нельзя мне было жену одну на морское дно отпускать», — думает. Взял он меч и сам на дно спустился. Смотрит — вьется вокруг жены чудовище, а она изо всех сил отбивается.

— Отпусти мою жену! — закричал муж. — Лучше меня растерзай!

Услышал скат человеческий голос, развернулся и на мужа кинулся.

— Скорее всплывай наверх, — успел крикнуть муж жене.

Долго боролся он со скатом, наконец, вонзил чудовищу в брюхо меч, да и потопил его на морском дне. Собрал муж последние силы, выбрался на берег, но только на песок упал — душа его и покинула.

А жену рыбаки в море подобрали, еле живую. Вынесли на берег, смотрят — держит она в руке статую богини Каннон.

— Где ты ее взяла? — спрашивают. — Неужто на морском дне?

А женщина еле слышно им и отвечает:

— Умираю я, видно. Отдайте эту статую моей дочке. Пусть хранит ее богиня Каннон.

Сказала так, вздохнула и умерла. Похоронили рыбаки мужа с женой у самого моря, а рядом кумирню построили и статую богини Каннон там поставили.

По-прежнему потекла жизнь в деревне. Вот только осталась девочка круглой сиротой — некому утешить, некому приголубить. Каждый день поутру приходила она на могилу родителей богине Каннон помолиться.

И вот как-то раз привиделся девочке странный сон. Снится ей, будто вошла в ее дом сама богиня Каннон, встала у изголовья и говорит:

— Жалко мне твоих почивших родителей и тебя жалко. Пусть исполнится то, за что они жизни своей не пожалели.

Сказала так и исчезла.

Проснулась девочка, по сторонам огляделась — понять не может, то ли сон это был, а то ли и не сон. Посмотрела она в зеркало, да глазам своим не поверила: выросли у нее за ночь волосы красоты невиданной, до самых пят!

Выскочила она из дома и на берег побежала — на могилу родителей.

— Спасибо вам, что от беды меня избавили, — говорит.

Повернулась она к статуе богини Каннон — поклониться хотела, и вдруг показалось девочке, что улыбнулась ей статуя и головой кивнула.

Много лет прошло с тех пор. Выросла девочка, стала она красавицей писаной. Издалека приходили люди посмотреть на ее красоту.

CITYCELEBRITY :: Произошла ошибка.

System.NullReferenceException: Ссылка на объект не указывает на экземпляр объекта.
   в ASP.bitrix_components_citycelebrity_search_page_templates__default_template_ascx.__Render__control1(HtmlTextWriter __w, Control parameterContainer) в c:\wwwroot\citycelebrity.ru\bitrix\components\citycelebrity\search.page\templates\.default\template.ascx:строка 585
   в System.Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в Bitrix.UI.BXComponentTemplate.Render(HtmlTextWriter writer)
   в Galssoft.CityCelebrity.UI.SearchPageDefaultTemplate. Render(HtmlTextWriter writer) в c:\wwwroot\citycelebrity.ru\bitrix\components\citycelebrity\search.page\templates\.default\template.ascx.cs:строка 157
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в System.Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в Bitrix.UI.BXComponent.Render(HtmlTextWriter writer)
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в System.Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в Bitrix.UI.IncludeComponent.Render(HtmlTextWriter writer)
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в System.Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в System. Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в ASP.bitrix_templates__citycelebrity_template_master.__Renderform1(HtmlTextWriter __w, Control parameterContainer) в c:\wwwroot\citycelebrity.ru\bitrix\templates\.citycelebrity\template.master:строка 126
   в System.Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в System.Web.UI.HtmlControls.HtmlForm.RenderChildren(HtmlTextWriter writer)
   в System.Web.UI.HtmlControls.HtmlContainerControl.Render(HtmlTextWriter writer)
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в System.Web.UI.HtmlControls.HtmlForm.RenderControl(HtmlTextWriter writer)
   в System.Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в Bitrix.UI.BXMasterPage.Render(HtmlTextWriter writer)
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в System. Web.UI.Control.RenderChildrenInternal(HtmlTextWriter writer, ICollection children)
   в Bitrix.UI.BXPage.Render(HtmlTextWriter writer)
   в Galssoft.CityCelebrity.UI.BasePage.Render(HtmlTextWriter writer) в C:\projects\CityCelebrity\src\Galssoft.Citycelebrity\UI\BasePage.cs:строка 389
   в System.Web.UI.Control.RenderControlInternal(HtmlTextWriter writer, ControlAdapter adapter)
   в System.Web.UI.Page.ProcessRequestMain(Boolean includeStagesBeforeAsyncPoint, Boolean includeStagesAfterAsyncPoint)

Техника акварели Юко Нагаяма. Репортаж с мастер-класса художницы.

Yuko Nagayama — художница из Японии, чьи акварельные картины меня просто завораживают. Акварели Юко Нагаяма такие атмосферные, поэтичные, настроенческие! 

Сайт художницы: http://www.nagayamay.com

Инстаграм: https://www.instagram.com/yuko_nagayama/

Очень хотелось побывать на мастер-классе художницы, чтобы познакомиться лично и узнать тонкости техники акварели Юко Нагаяма.

И вот такая возможность представилась мне в Риме!

В этом обзоре я расскажу о тонкостях техники акварели Юко Нагаяма. Возможно, кому-то, как и мне, не терпится узнать, как она достигает такой атмосферной недосказанности.

В статье я выделила пунктами основные, важные на мой взгляд,  моменты и проиллюстрировала их фотографиями с мастер-класса. Прошу прощения за качество фото — на демонстрации присутствовало около полусотни человек, условия для съемки были экстремальными. 🙂

Вот этот цветочный натюрморт писала Юко во время демонстрации.

Как вы можете заметить, работает она, сидя на полу. При этом формат листа достаточно большой, 56х76 см.

ЗАМЫСЕЛ КАРТИНЫ И КОМПОЗИЦИЯ

Здесь вы можете сравнить натюрморт, который писала художница, и её итоговую акварель и понять, что натура служит Юко лишь опорой для воплощения её замысла. Она не копирует натуру фотографически точно, а лишь отталкивается от неё, чтобы передать в картине нужный образ.

Как видите, в реальности не было ни фоновой драпировки, ни горящей свечи. Всё это появилось, исходя из идеи художницы создать картину, посвященную матери.

Я наблюдала, как Юко долго присматривалась к букету,  о чём-то думала, ходила, затем вновь присматривалась и задумывалась. Полагаю, в её воображении при этом рождался образ будущей акварели.

Для фонового цвета натюрморта она выбрала красный, который мог бы показать её любовь к матери.

Говоря о цвете, очень важным  было объяснение Юко, что объекты в тенях и рефлексах принимают цвет неба и окружения. Это является объединяющим началом для колористического строя картины, задает основной цвет акварели.

Акварели Юко Нагаяма построены на недосказанности. Растекание краски, брызги, различные акварельные эффекты играют в них очень важную роль.

И чтобы подобные картины не превратились в абстрактную кашу и детский рисунок, у них должна быть очень крепкая основа в виде рисунка.

ВАЖНОСТЬ РИСУНКА

Рисунок Юко выполняет очень тщательно.  

Вертикальные оси сосудов и свечку рисует с помощью листа бумаги вместо линейки. Симметрию вазы скрупулезно промеряет, измеряя половинки. Проверяет себя, переворачивая рисунок вверх ногами.

Рисуя цветы, художница чётко понимает их форму и структуру. Мне очень понравилось объяснение Юко Нагаямы, что роза в своей основе имеет пятилепестковую структуру. Она вписывается в пятигранник в своей общей форме и в делении на слои лепестков:

Нужно сказать, что в основе живописи Юко лежит крепкий академический рисунок и понимание природных форм. 

Это очень важно, когда пытаешься как-то контролировать свободную и необузданную акварель, оставляя ей возможность течь, куда хочет, но при этом грамотно проявляя формы объектов.

МАТЕРИАЛЫ

В акварели немаловажным фактором являются используемые материалы. Они могут дать определенные эффекты, которые станут основой стиля художника.

Что особенного я заметила у Yuko Nagayama?

1. Необычные кисти-флейцы, в которых как бы собрано несколько круглых кистей.

Такие кисти более мягкие и несут очень много воды. В результате у Юко нет проблемы с сухостью слоя на таком большом листе бумаги. Раствор краски свободно течет, образуя целые озерца влаги.

2. Резерваж (masking fluid) и кисть с резервуаром для воды, которой наносится резерв. Об этом подробнее расскажу ниже.

3. Меланиновая губка для размытия краев. (см. ниже)

4. Золотая, бронзовая и серебряная краски с настоящими металлами, безумно дорогие. На фото эти баночки стоят в левом верхнем углу.

В акварели мастер-класса художница использовала золотую краску для рисования сердцевиной роз.

Говоря об использовании чего-то помимо акварели, Юко Нагаяма отмечает, что она не собирается следовать общепринятым правилам, как должна выглядеть акварель. Она использует те материалы, которые считает нужными для своей техники. «Я не пишу акварель, я пишу картины Юко Нагаямы», — говорит она.

Палитра цветов у Юко Нагаямы, как вы видите, достаточно обширная. Преобладают различные оттенки красного и синего. Это и понятно, цветовая гамма изображаемых ей цветов очень разнообразна, их спектральные оттенки не всегда можно получить смешением, поэтому лучше иметь как можно больше красок нужных оттенков.

Ранее я видела, что художница в условиях мастерской имеет две палитры — одну под тёплые, другую под холодные цвета.  В данном случае на демо была одна палитра под всё, возможно, как вариант походной палитры.

ТЕХНИКА РЕЗЕРВАЖА

Как я уже говорила, Юко Нагаяма активно использует спонтанное течение краски по листу для создания эффектов потёков и затёков, свободных переливов и смешения краски. 

В этом случае часть выразительности картины на себя берет сама акварель.

Однако здесь есть минус — в таком свободном течение краски легко потерять объекты, участки белого. 

Поэтому Юко Нагаяма использует технику резерважа маск флюидом.

Лайфхак работы с маскирующей жидкостью для акварели от Yuko Nagayama:

1. Резерв наносится из тюбика с наконечником. Сразу размазывается кистью с мыльным раствором. Для этого Юко использует кисть с резервуаром для воды. Этот способ позволяет разнести резерв тонко, он быстро сохнет.

Мыльный раствор в кисти предохраняет её от налипания маскирующей жидкости.

2. После того, как заливки нанесены, художница сушит работу и снимает резерв кусочком нубука. (Тот, который используют для чистки замши)

3. После снятия резерва, чтобы убрать четкие края от резерважа, художница использует кусочек меламиновой губки, которой размывает края.

(Меламиновая губка — это хозяйственная губка, предназначенная для уборки. У нее хорошая адсорбирующая и полирующая поверхность. Спрашивайте такую в хозяйственных магазинах.)

Кроме того, губкой же она может наносить немного краски с соседних окрашенных участков на белые, пригашивая их, делая более естественными:

Должна признать, что эта часть техники Юко была для меня открытием, я не подозревала, что она использует резерваж. Ведь в итоге в её работах нет той «вырезанности силуэтов», ощущения инородности, которая часто возникает от использования приёма резервирования. Как видите, это итог последующего размытия контуров меламиновой губкой.

СОЛЕВЫЕ ЭФФЕКТЫ

Эффекты соли, вот эти светлые звездочки-цветки на красочном слое, используют в своих картинах многие художники:

Юко Нагаяма придаёт этому эффекту большое значение. Она специально собирает разные виды соли, чтобы получить разнообразие фактур.

«Когда друзья спрашивают меня, что мне привезти в подарок из поездки, я прошу их купить мне местную соль!» — говорит художница. 

МНОГОСЛОЙНОСТЬ

Yuko Nagayama использует многослойную технику письма.

1. Первый слой — свободное течение акварели.  Создание цветовой заливки, потёков краски, подкладки основного цвета.

2. Далее она начинает прокладывать более тёмные места, проявлять форму.

3. После просушивания и снятия резерважа художница продолжает делать частичные крупные заливки фона и прописывать форму объектов.

Она несет много влаги, поэтому для ускорения процесса фен сушит одну зону работы, пока она пишет на другой:

В процессе многослойного письма цвет неизменно гасится, становится тускловатым, менее насыщенным. Особенно, если, как в этой работе, зелень букета пишется по красному фону. 

Эту проблему Юко решила финальной лессировкой ярким красным пятном и аккордами темных контрастных пятен:

Вот такая акварель получилась в итоге.

Безусловно, ограниченной время и стресс демонстрации не дают художнику написать шедевр. Поэтому ниже покажу еще несколько акварелей художницы.

Теперь вы с бОльшим пониманием посмотрите на них с точки зрения «как это сделано».

В завершении скажу, что я попыталась повторить технику Юко в своей акварели, использовать, как она, резерваж и меламиновую губку.

В общем, я была разочарована. У меня не хватало терпения делать тщательный рисунок, ждать, пока высохнет резерваж, наносить десятки слоев… Нет во мне этой японской скрупулезности и неспешности. 🙂

Я обожаю недосказанность в акварели, набрызг, течение краски, потёки, активно этим пользуюсь, но именно потому, что это даёт быстроту и динамику процесса.  Однако тем, кто более привык контролировать акварель, кто хочет более гарантированного результата, техника Нагаямы подойдет больше.

Так что, если вам нравится такой стиль, попробуйте использовать приёмы акварели Юко Нагаяма. Как у неё у вас, конечно, не получится, но может родиться или усовершенствоваться «своё».

Буду рада вашим комментариям! Пишите, что вы готовы взять на вооружение из этого обзора.

Делитесь этой статьей в соцсетях. И спасибо за ваш вклад в развитие сайта!

Для тех, кто дочитал этот репортаж до конца, у меня есть приз. 🙂

Это демонстрационный мастер-класс Юко Нагаямы на фестивали акварели в Фабриано в 2019 г.  Если у вас есть 2 часа времени, посмотрите его:

Увидеть собственными глазами лучше, чем прочитать мой пересказ, правда? 🙂

Мастера акварели: подборка материалов блога:

Выставка «Рай небесный на земле»

Выставочный проект East Meets West Gallery «Рай небесный на земле» откроется 6 марта во Всероссийском музее декоративного искусства.

Цветы, букеты, цветочные мотивы, растительные орнаменты изначально, еще до человеческого изображения, присутствовали в мировом искусстве – во всех его национальных сегментах и стилевых направлениях от Западной Европы до Китая и Японии, Ирана и Индии.

В творчестве художников цветы имеют бесценное значение, являют прямое и повседневное присутствие, осуществляются и воплощаются то как главный объект искусства, то как вспомогательная деталь целого, то как аккомпанирующая мелодия основной темы. Не говоря уж о конкретной символической нагрузке цветочного образа, о прямой и непосредственной эмоциональной коммуникации со зрителем.

Новый выставочный проект Татьяны Палеевой «Рай небесный на земле», артикулируя подобным метафорическим образом тему цветов, приглашает зрителей не столько к разгадке и дегустации символических кодов, сколько – и это главное послание – к наблюдению и созерцанию многообразных пластических трансформаций избранной темы, широкой палитры стилистических манер и индивидуальных почерков. Основу проекта составляют произведения ведущих художников XXI века – станковистов и мастеров декоративного искусства, владеющих разными материалами и техниками, а также небольшой уголок цветочной архаики.

Идея трансформации символики цветов в классическом и современном искусстве, которые рассматриваются с двух точек зрения – европейской традиции и восточного искусства — еще не находили своего серьезного осмысления и представления. Преломление классических европейских и восточных традиций в современном искусстве привнесло в настоящий проект огромное разнообразие техник, материалов и подходов к их взаимопроникновению в изображении цветов.

В экспозиции представлены изделия декоративно-прикладного искусства из стекла, металла, мозаика из натурального камня, современные текстильные панно в авторском исполнении с вышивкой, шитьем, печатью и росписью по ткани, с техникой ассамбляжа, пэчворка, с вышивкой, аппликациями, а также пластические абстрактные формы – из фарфора, глины, напоминающие цветы и сложные природные образования. Произведения станковой живописи и графики, связанные с изображением цветов у разных современных художников, приобретают то исторически-европейское, то откровенно восточное звучание, отражая разнообразную палитру стилевых и технических возможностей XXI века. В проекте принимают участие художники Сурен Айвазян, Алина Баталина, Анна Бирштейн, Андрей Мамонтов, Наталья Мурадова, Ольга Оснач, Виктор Решетников, Ирина Старженецкая, Николай Табачков, Наталия Хлебцевич, Татьяна Ян.

Станковая живопись на выставке объединяет художников замечательных и разных, но равных по своим творческим свершениям и богатым индивидуальным «историям». Мастер исключительно плодотворной и продолжительной во времени темы цветов, Ирина Старженецкая часто работает живописными сюитами (диптихи, триптихи, полиптихи), создавая первообраз цветка, пластически тонко и взвешенно уходя от его видовой конкретики (лилия, магнолия, тюльпан), к очищенному от случайного поэтическому обобщению. В философской лирике Хайяма, в его «цветочных» мотивах, Старженецкая безошибочно почувствовала и воплотила вселенскую символику (не европейскую и не восточную) жизни и смерти, расцвета и упадка, света и тьмы.

Анна Бирштейн — художник из той же рафинированной, наследственно культурной среды.  Ее тема «райского сада» непосредственно ведет в родной и по-земному прекрасный «дачный вертоград» («Лето», «Август» и др.). Художника увлекает развернутая феерическая стихия цветения, праздничного сезонного «солнцеворота», какого-то космического гелиотропизма. Она работает на мольберте, как на ткацком стане, поэтому ее картины подчеркнуто гобеленны.

Живопись как осмысленное конструирование и композиционно выверенный монтаж демонстрирует в своих картинах Татьяна Ян. Ее видение Лилии с библейской символикой дружелюбно и диалогично соседствует с китайскими мотивами в полотнах «Долголетие», «Внутренний двор храма Дай».

Ольга Оснач впервые представила новые работы из серий: «Тюльпаномания», «The Goal». В этих работах видна физиология, психология и художественная семиотика одного цветочного образа с его культом в Персии, с единой восточной символикой идеальной, жертвенной любви, с многочисленными европейскими коннотациями и трансформациями.

Свой отдельный и четко структурированный сад взрастил в сочной и полнокровной живописи Сурен Айвазян. В авторе просыпается настоящая страсть, когда он обращается к заветной теме «Алых маков», продолжая традицию Сарьяна (это именно армянские маки) и живописно обыгрывая универсальный восточный символ, сообщая ему при этом сильный чувственный акцент. Мак как мифопоэтический образ, трансцендентальный для Востока и Запада, с одной стороны, знак забытья и сна, с другой, символ неувядаемой молодости и женского очарования.

По обилию сочетаемости материалов и по глобальности художественного мышления в стане декоративно-прикладного искусства, пожалуй, художник номер один – Наталья Мурадова. Она соединяет в своих произведениях разные эпохи и культуры человеческой цивилизации, например, античность и Возрождение, европейское барокко и графический универсум Востока «укие-э», отечественную классику и современный авангард, искусство монументального текстильного панно и внутреннюю духовную энергетику станковизма.

Деликатным, воздушным, лепестково-легким фарфором представлена в экспозиции Наталья Хлебцевич. Ее объекты, объединенные двумя темами – «Белый ветер» и «Зимнее цветение», подразумевающими обобщенные растительные образы, достигают совершенства формы и абсолюта пластики благодаря прочному сочетанию редкой изобретательности замысла и тонкой филигранности исполнения.

Свою линию в декоративной керамике «концептуальных садов» Виктор Решетников продолжает абстрактными композициями в координатах свойственного ему минимализма. Художественный образ строится иногда на интенсивном цвете, иногда на геометрической структуре, или на логическом пространственном ритме, четкой гармонии предметных модулей небольших размеров и простых форм.

Впервые на площадке куратора появляется римская мозаика. Алина Баталина представляет панно «Гиацинты», специально созданное для этой выставки.

Работы из металла Николая Табачкова переключают нас с абстрактной образности на основательную и добротную вещественность. Органика его работ связана непосредственно с ручным ремеслом, с неким кузнечным обрядом, трудоемкой ковкой металла, с монохромной и фактурной цветопластикой кованых ширм, декоративных акантов, металлических решеток, стилизованных орнаментов и растительных форм.

Раздел декоративно-прикладного искусства был по-настоящему украшен экспонатами трех отделов Всероссийского музея декоративного искусства: отдела тканей, отдела стекла и отдела печатных источников и изобразительных материалов. Часть предметов в экспозиции по искусству Китая и Японии были предоставлены куратором Татьяной Палеевой. Мы представим на выставке несколько известных школ советского художественного стекла ХХ века: представителей Ленинградской школы стекла (А.М.Остроумова «Молодые побеги», Л.О.Юрген «Папоротник»), декоративный и цветной хрусталь насыщенной палитры Гусевского хрустального завода в многопредметных композициях Е.И.Рогова «Вечер» и О.Ю.Козловой «Флора». Пластические инновации ярко отражаются в работах 80-х годов, выполненных на Львовской экспериментальной скульптурно-керамической фабрике Марвином Липофски «Формы сложно изогнутой конфигурации» (1989г.), автор которых впоследствии стал основателем Стеклянного общества искусств США, преподавал в Калифорнийском университете г.Беркли, был профессором Калифорнийского колледжа искусств и ремесел г. Окленда.

Отдел тканей показывает великолепные образцы декоративных тканей начала ХХ века (кретоны). Плотные хлопчатобумажные ткани с фактурной поверхностью и декоративным набивным рисунком предназначались для украшения интерьера — обивки мебели и стен. Их выпускали различные ситценабивные фабрики России в XIX – начале ХХ вв. Одним из крупнейших ситценабивных производств в дореволюционной России была московская фабрика Товарищества ситценабивной мануфактуры «Эмиль Циндель в Москве», на которой и сделаны кретоны из фондов музея.

Шелковые полупарчовые ткани конца XVIII-начала XIX века из собрания Всероссийского музея декоративного искусства принадлежат к типу тяжелых дорогих тканей, предназначенных для одежды или убранства интерьеров. Фон ткани, затканный синелью — ворсистой шёлковой нитью, создаёт ощущение бархатной поверхности, эффектно подчёркивающей блеск золотного узора. В прекрасном состоянии находятся два образца парчи начала ХХ века, сделанные на одном из крупнейших предприятий России — фабрике Торгово-промышленного товарищества «П.И. Оловянишникова Сыновья», которое удостоилось чести быть поставщиком императорского двора.

В отделе печати и изобразительного искусства оказались довольно редкие у нас подлинные эскизы китайских художников коврового производства г. Тьяндзиня, переданные в 1958 г. во время командировки в КНР ст. научному сотруднику НИИХП в дар для обучения на ковровых промыслах в СССР. Уникальны также зарисовки с выставки «Современное прикладное искусство Японии», такие как шелковые ткани для кимоно (набойка, ручное ткачество) и парчи, 1959 г., а также эскизы х/б ткани для кимоно (набойка на основе), 1959 г. художника М. Д. Болдыревой. Эскизы тканей растительно-цветочного орнамента К. М. Одинцовой и Н. В. Трифоновой 1970 г. выполнены позднее и уже тяготеют к геометрическому орнаментализму и более сдержанной колористике.  

«Рай небесный на земле» не претендует на абсолютную новизну, но со своих позиций артикулирует вечно актуальную мечту о небесном парадизе, воплощенном в «Саду радостей земных». Так важно, чтобы целостность и гармония вселенского «сада» не были нарушены и уязвлены «цветами зла» Бодлера. Защитой против этого Зла всегда было настоящее Искусство.

Выставка будет работать до 4 апреля.

КУПИТЬ БИЛЕТ

Японская акварель

Как уже говорилось ранее, многие считают Японию родиной Нейл-арта, что именно тонкое искусство японских мастеров-художников и их акварельных зарисовок подтолкнуло женщин отображать подобную красоту на ногтях. Вы спросите, а что такого особенного в работах японских художников и что это за прославленные акварельные зарисовки? Объяснять чем прекрасно их творчество я конечно не буду, но покажу Вам работы некоторых японских художников, думаю, посмотрев эти волшебные картины каждый сам все поймет…                                                                                                           Бёзан Хирасава Бёзан Хирасава (1822 — 1878) долгое время жил на острове Хоккайдо. В многочисленных сюжетах своих картин мастер изображает традиционный уклад жизни айнов: сцены охоты, рыбной ловли, ритуальных праздников и административных встреч. Используя опыт общения с этим народом, художник сумел передать их самобытную материальную и духовную культуру. Точное количество картин Бёзана Хирасавы неизвестно, но создавал он, по мнению специалистов, «качественные работы благодаря своей наблюдательности и таланту». Именно это позволило художнику донести до современного зрителя выразительные детали ушедшей в далекое прошлое культуры древнего народа. Эти картины из уникальной серии акварельных рисунков японского художника Бёзана Хирасавы «История и обычаи айнов», выполнены в 1860-е годы. Они поступили в омский музей в 1987 году из собрания известного петербургского коллекционера академика Евгения Михайловича Лавренко. Имя автора произведений, дата их создания были неизвестны. Загадкой являлись и некоторые сюжеты рисунков. Однако, их явно выраженный этнографический характер, историческая и культурная «привязка» дали основание предположить: перед нами раритетный материал, посвященный древнейшему народу Земли — айнам.                                                                                                                          Амано Еситака Амано Еситака (28 марта 1952) – японский художник-иллюстратор. С самого детства Амано обожал рисовать. Его старший брат работал на бумажной фабрике и приносил домой для братишки огромные рулоны бумаги, которые тот тут же покрывал рисунками. В 1967 году, проездом находясь в Токио, Амано принес кое-что из своих работ на студию «Tatsunoko Production». Его творчество так понравилось, что его тут же приняли на курсы при студии и через год обучения он стал работать в «Tatsunoko Production» дизайнером персонажей. Но в 1982 году, когда ему исполнилось 30 лет, он решил стать независимым художником. Амано быстро получил известность как талантливый иллюстратор. Уже в 1984 году он опубликовал первый сборник рисунков – «Вселенная Зла», а иллюстрированные им книги расходились колоссальными тиражами. В 1984 году Амано и Осии Мамору на студии «Studio Deen» создали культовый аниме-фильм «Яйцо ангела».Во второй половине 1980-х талант Амано был востребован еще в одной области – создание видеоигр. Первый же его проект – «Последняя фантазия» (1987) – тоже стал культовым и породил множество продолжений и подражаний, добившись не только японского, но и мирового успеха.  Творчество Амано отличает разнообразие и безудержная фантазия. В отличие от многих, он – именно художник, умеющий рассказывать сложнейшие истории без слов и передавать в деталях рисунка тонкий смысл. Его талант не признает никаких рамок и ограничений, поэтому он стремится проявить себя везде, где есть потребность в талантах его масштаба.                                                                                                                      Рицуо Сугияма Японский художник Рицуо Сугияма родился в городе Кэзугэй, провинции Эйчи. В молодые годы он много путешествовал по Мексике и обучался в мексиканском университете Веракруса. Одним из его увлечений во время учебы, помимо коллекционирования бабочек и потертых копий руин, стало рисование. В 1970 году он возвратился в Японию, но вскоре отправился продолжать образование в Испанию, в университет Валенсии. Рицуо создал свой оригинальный мир «СУМИ» – серию работ, выполненных в одном из трех направлений японской живописи – технике монохромной акварели. В 1991 году художник стал обладателем приза культурных достоинств от города Кэзугэй. Он является членом Хэкушикэй (Hakushikai – японская Ассоциация Живописи) и преподает в университете Нэнзэн.              Без сомнения, каждый художник индивидуален в своем творчестве, но увидев работы Рицуо Сугиямы я была поражена их простотой и в то же время их загадочностью, их живой силой… Глядя на цветы, вышедшие из под его руки, чувствуешь их запах. И все это не масло, и не холсты… Это АКВАРЕЛЬ! Думаю теперь ни у кого не останется сомнений в том, что картины японских художников, выполненные акварелью, это не просто мастерство. .. это волшебство кисти творца прекрасного…

Американские акварели японской художницы Keiko Tanabe

Привет всем входящим на usenkomaxim.ru

    Еще одна галерея акварельных работ из запасников современного мирового искусства. Ничего оригинального в них не нашел, но посчитал, что работы этого автора понравятся многим любителям акварели, особенно тем, кто из простого смотрителя решил сам стать акварелистом. В этом посте работы автора-самоучки, не имеющей специального художественного образования. То есть, любой жаждущий самообразования в области акварели может посмотреть на то, чего можно достигнуть самому, при соответствующем устремлении и старании…

     Однако, хочется сразу сказать о том, что хоть и пишут в сети о Keiko Tanabe будто утвердила она какой-то свой стиль в акварели, сказала свое новое слово в этом направлении искусства, я этого в ее американских акварелях как-то не заметил. И в живую, и в интернете я встречал авторов с подобными работами десяток, и даже более…Может быть, я ошибаюсь… Подправите…

 

      Далее, результаты поиска в сети… Японская удожница Keiko Tanabe родилась в Киото, в Японии. Как ребенок, выросший в семье любящей искусства, она с раннего возраста имела практическое отношение к живописи и рисунку, неоднократно завоевывала награды в конкурсах детского творчества…

     Однако, в дальнейшей жизни искусство как основную специальность своей жизни она выбрала не сразу.   Keiko Tanabe получила степень бакалавра в области межкультурных отношений (Международный христианский университет, Токио, Япония) и степень магистра в области международного образования (Лос-Анджелесе, штат Калифорния). Затем она работала в отделе международных отношений в японской торговой организации, в крупной юридической фирме в Сан-Франциско и в частной консалтинговой компании в Сан-Диего. За последние 25 лет, она много путешествовала, в основном в страны Европы, Азии и Северной Америки.  На протяжении всех этих лет, Кейко в сердце своем носила растущее желание когда-нибудь стать художником. Ее  любовь к путешествиям и большой интерес к другим культурам в конце концов нашли свое выражение в 2003 году. После изучения основных навыков рисования и акварели в местной школе общины в Сан-Диего, она взялась за свой ​​первый проект как художник вместе со своим отцом, известным ученым в области французской литературы в Японии. Keiko Tanabe проиллюстрировала книгу своего отца.  С тех пор она активно учится свободному самовыражению в акварели.

   Искусствоведы и ценители акварели уверяют, что Keiko Tanabe удалось сказать свое новое слово в огромном мире современного искусства в целом и в акварельной живописи в отдельности. Сама  Keiko считает, что основой ее успеха стали ее уроки рисования в детстве, когда никто и нечему ее не поучал, ничего запрещали и ни об одной работе не сказали плохо..

       Сейчас Кейко живет в Сан-Диего, в Калифорнии, со своим сыном…

      Оцените в сравнении акварельные работы польского художника Grzegorz Wrobel.

Другие материалы из этой категории:

Что такое Гансай? | Акварель 101 — Сэди спасает день!

Вы, наверное, слышали о таких крупных брендах, как Kuretake Gansai Tambi или Kisshou Gansai, но что такое gansai на самом деле?

Гансай (顔 彩) — традиционная японская акварель. В английском языке мы обычно называем оба типа красок просто акварельными. Однако в японском языке есть два слова для обозначения этих типов красок. Гансай пишется 顔 彩, а тип акварели, более традиционный на Западе (также называемый прозрачной акварелью), пишется 水彩.
В то время как западная акварель традиционно связана с гуммиарабиком, гансай связана с комбинацией, которая может включать клей, крахмал, гуммиарабик, пчелиный воск, сахарный сироп, сахар или глицерин. Клей изготовлен из концентрированного коллагена и желатина, полученного из шкур животных и рыб путем кипячения. Когда пигмент и связующее смешиваются вместе, они сушатся в кастрюлях. Те, что в больших квадратных кастрюлях, называются гансай 顔 彩, а те, что в круглой посуде, — teppatsu 鉄 鉢.Из них также можно сформировать своего рода акварельную пастель / мелок, которая называется bouenogu 棒 絵 具

.

Более удобная версия

Iwaenogu 岩 絵 具 или Suiengou 水 干 絵 具

Iwaenogu 岩 絵 具 — это тип традиционной японской краски, которая обычно изготавливается из полудрагоценных камней и других пигментов (таких как киноварь, малахит, азурит, лазурит и т. Д.), Которые были измельчены и смешаны с таким же типом красок. клей, который используется в gansai вручную непосредственно перед нанесением.Они очень дороги и доступны с различными размерами частиц.
Gansai не производится с использованием того же типа очень дорогих пигментов, что и в iwaenogu . Как правило, gansai использует те же пигменты, что и suiengou 水 干 絵 具. Suiengou изготовлен из тонких пигментов или красителей в сочетании с мелом из моллюсков или очищенной глины. Пигменты также немного дешевле, чем iwaenogu , хотя они все еще высокого качества и очень светостойкие.Так же, как iwaenogu , suienogu продается в форме пигмента, и к нему необходимо добавить клей непосредственно перед покраской.
Поскольку gansai уже смешан в нужном соотношении и уже высушен на сковороде или блюде, его гораздо удобнее использовать, чем iwaenogu . Это похоже на разницу между использованием готовых западных красок для сковороды и приготовлением краски самостоятельно каждый раз, когда вы собираетесь рисовать картину.

Подмалевок для

Iwaenogu 岩 絵 具

И suiengou , и gansai часто используются в качестве подмалевка для iwaenogu , потому что они намного дешевле дорогих пигментов, используемых в этом типе красок.Рисуя одним из этих двух цветов, художник может скрыть белый цвет бумаги или ткани и создать основу для иваенгоу, на которой он будет держаться.

Эскиз и

Этегами

Поскольку его не так дорого или сложно использовать, как iwaenogu или suienogu , для создания эскизов часто рекомендуется использовать gansai . Iwaenogu и suienogu не так удобны, как gansai , поскольку они выпускаются в форме пигмента и должны быть смешаны со связующим прямо перед покраской.С другой стороны, gansai уже предварительно смешан и находится в контейнере, так что они готовы к работе, когда вам захочется покрасить. Это делает их идеальным средством для рисования.
Это также причины, по которым они отлично подходят для этегами или японских открыток с картинками. Этегами должны быть быстрыми, случайными и несовершенными. Они полны простых, ярких цветов и рисунков, которые призваны передать эмоции больше, чем точность. Таким образом, это быстрое средство также подходит для этих типов рисунков.

Яркость и непрозрачность

Когда gansai разбавляется водой, он сохраняет свою яркость больше, чем это делают западные акварели. Кроме того, переплет gansai может придать ему блестящий вид.
Гансай имеет тенденцию быть более непрозрачным, чем прозрачная акварель. Помните, что эти краски созданы для работы на японской бумаге. Прозрачные акварельные краски не очень хорошо отображаются на японской бумаге, а дополнительная непрозрачность гансай помогает им отображаться на бумаге с небольшим растеканием.

Подъем

Адгезия связующего у gansai слабая по сравнению с другими японскими красками. В результате они, как правило, легче снимаются, чем большинство прозрачных акварелей, даже когда они высохли.
Есть несколько вещей, которые могут этому способствовать. Когда gansai используется на японской бумаге васи, она не поднимается так же легко, как на западной акварельной бумаге, особенно при использовании с ультрамягкими японскими кистями из козьей шерсти. Традиционные японские картины также не так зависят от наслоения, как западные акварельные картины, поэтому у краски меньше возможностей приподняться при добавлении новых слоев.

Цвета

Цвета традиционных японских наборов гансай часто отличаются от цветов прозрачной акварели. Эти краски были созданы для японской живописи, которая исходит из другой традиции, чем европейская живопись. Японские цвета также основаны на цветах, которые действительно можно увидеть в природе, что, вероятно, объясняет изобилие синего и зеленого во многих палитрах гансай .
Цвета могут дать зрителю ощущение спокойствия и умиротворения, потому что они не слишком насыщенные.

Сковорода

Почему сковороды gansai такие большие? Японские кисти могут быть намного больше, чем кисти в западном стиле, поэтому для них нужна сковорода побольше, чтобы не повредить волоски кисти.

Смешивание

Gansai не смешивались так, как это делают прозрачные акварели. Это одна из причин того, что многие наборы gansai не имеют палитры для смешивания.
Я читал много отзывов, в которых говорится, что краски gansai становятся мутными при смешивании, это имеет смысл, учитывая традиционный фон красок, однако я никогда не сталкивался с этим. Цвета, которые мне удалось смешать с gansai , были очень четкими и яркими.

Многие обзоры принижают качество гансай , потому что они действуют не так, как западные акварели. Я считаю, что это несправедливо. Это разные краски, поэтому нельзя ожидать, что они будут вести себя одинаково.
Конечно, так же, как есть качественные и низкосортные акварели, или высококачественные и низкосортные масляные краски, есть высококачественные и низкокачественные краски gansai .

Western Paint	Гансай
В комплекте половинки и полные кастрюли	Обычно поставляется в сковороде одного размера
Переплет на гуммиарабике	Связующее может быть комбинацией клея, крахмала, гуммиарабика, пчелиного воска, сахарного сиропа, сахара и глицерина
Как правило, более прозрачные	Может быть более непрозрачным
Высококачественные версии хорошо перемешиваются	Может быть сложнее смешать 3 и более цветов
Различные уровни окрашивания	В основном поднимает очень легко
Высыхает матовый	Высыхает глянцевый
В трубках	Отсутствует в тубах

Около

Гансай

О традиционной японской живописи в целом

О японских цветах

Синий и зеленый

Другие цвета

MozArt Supplies Набор японских акварельных красок Komorebi, 40 штук

Рисование акварелью — это художественное занятие, которое обычно испытывают начинающие художники или дети из-за нетоксичной природы краски, простоты очистки и доступной стоимости. Но элементарная идея акварельной живописи не совсем точно отражает то, на что эти краски способны в руках художников, использующих более пигментированные акварельные краски.

«Все акварельные краски нетоксичны и легко поддаются очистке, что делает их отличным выбором для начинающих художников», — говорит наш постоянный эксперт по декоративно-прикладному искусству Эми Маркхэм , художник и учитель рисования в средней школе. «Тем не менее, у него так много возможностей, что любой художник может на всю жизнь развить любовь к медиуму.”

Далее она добавила: «Вы можете творить с помощью акварельных карандашей, палочек, блоков для сковороды и рисовать из тюбика. Самые распространенные версии — это сковороды с акварельными красками, которые пробуждаются от прикосновения к воде или акварельным краскам из тюбика ».

Продукты, в которых используются застывшие лепешки краски в пластиковом лотке или сковороде, по-прежнему являются отличным способом для более опытных художников брать с собой сильно пигментированные краски, когда они хотят рисовать на открытом воздухе или на небольших холстах. Такой продукт, как акварельная краска Lightwish MeiLiang Pocket Box, может выглядеть аналогично более дешевым версиям, которые используют ученики начальной школы, но эти краски имеют гораздо более высокую пигментацию.Это позволяет краске проявляться на вашем холсте с более насыщенными цветами, которые не выглядят размытыми.

Краски для тюбиков — также очень распространенный стиль акварельных красок. В этом случае краска хранится в виде жидкости в небольшом тюбике.

«Краски для тюбиков лучше подходят для больших работ и больше для художников, которые работают в студии», — говорит Маркхэм. «Краска для повторного смачивания тюбиков отличается от краски для поддонов, которая предназначена для этого. Можно использовать краски в тюбиках, которые высохли на палитре, но они плохо воздействуют на вашу кисть и часто дают более тусклый оттенок.”

Маркхэм рекомендует придерживаться кастрюль, если вы новичок.

«Если вы новичок, я бы посоветовала набор посуды, потому что он более экономичен и даст вам возможность поэкспериментировать», — сказала она. «И вы можете использовать их вместе. Вы можете смешивать краски для посуды и краски для тюбиков, когда будете строить практику с этими материалами.

Хорошим примером набора красок для тюбиков является портативная и моющаяся акварельная краска AEM Hi Arts, которая предлагает хороший диапазон цветов со средним уровнем пигментации.Маркхэм, создатель подкаста Starling, посвященного тому, чтобы помочь художникам развить глубину своей творческой практики, сломал разницу между уровнями пигментации.

«Самое высокое качество будет считаться уровнем художника, а следующей ступенью будет уровень студента. Но не так, как краски Crayola из ваших школьных дней. Когда вы видите уровень ученика, думайте больше об уровне ученика художественной школы », — сказала она. «Они предназначены для тех, кто учится использовать среду и извлекает из нее максимум пользы по более низкой цене начального уровня, пока они исследуют свойства краски.”

Уровень краски студенческого уровня — это то место, где большинство людей найдут лучшее, что соответствует их потребностям. Типичный художник, который пытается выразить свою художественную сторону с помощью расслабляющей практики, захочет начать работать с набором акварельных красок, например, с акварельной краской U.S. Art Supply Professional, 24-грамм. Он предоставляет набор высококачественных красок студенческого уровня по отличной цене. В набор входит колесо смешивания цветов в качестве дополнительного бонуса, но с самими красками легко работать, и они будут отображаться на бумаге с оттенком и яркостью, которые вам нужны, чтобы действительно достичь желаемого цвета.

Самая большая разница при переходе к краскам уровня художника сводится к нескольким факторам: пигментация в краске и способность выдержать испытание временем после окрашивания, что означает, что она все равно будет долго выглядеть как произведение искусства. после того, как он будет закончен.

«Более качественные версии имеют более высокую концентрацию пигмента и будут считаться уровнями художников. Акварель на уровне художника будет иметь более высокую интенсивность цвета, что дает ей возможность создавать лучший диапазон оттенков при смывке. Он также более архивный и часто имеет лучший рейтинг светостойкости », — сказал Маркхэм. «Светостойкость — это реакция краски на воздействие света и влажности. На тюбиках с акварельными красками многие краски уровня художника будут иметь оценку светостойкости, и вам нужна очень хорошая или отличная оценка здесь, если вы инвестируете в краски уровня художника ».

Рейтинги светостойкости — отличный способ сузить, какие краски будут более высокими для художников, поскольку краски с более высокой светостойкостью также обычно имеют более богатые пигменты, которые художник сочтет идеальными для использования в своей работе.Набор красок для тюбиков обычно стоит немного дороже, чем некоторые другие распространенные акварельные краски, из-за их светостойкости.

Как отмечает Маркхэм, найти действительно богатую пигментацию в красках не всегда легко и обычно не дешево для компаний, производящих продукцию.

«Многие акварели для школьников будут синтетическими. Некоторые настоящие пигменты дороже, потому что их труднее найти, они редки или даже редки », — говорит она. «Многие компании будут использовать синтетические пигменты для снижения затрат.Это отличная альтернатива, но знайте, что это означает, что цвет может быть не таким ярким, как настоящий пигмент, и он также может смешиваться немного иначе ».

Акварельные японские ветроуказатели | Handmade Charlotte

Вы наверняка видели красивые изображения японских ветроуказателей, также известных как koinobori, в Интернете, но создавали ли вы когда-нибудь свои собственные? Их очень просто собрать, поэтому вы и ваши дети можете сосредоточиться на создании забавных дизайнов и проявить творческий подход! Мы были очень взволнованы тем, что опробовали новую линейку акварельных красок, кистей и резиста Martha Stewart Crafts для этих ветроуказателей.

Акварельный резист был действительно изящным способом добавить чешую, детали и узоры на тела рыб, и нам понравился большой отклик, когда мы нанесли акварельную краску, чтобы увидеть нашу игривую узорчатую рыбу. Эти бумажные ветроуказатели — отличный вариант, чтобы использовать их в качестве декора спальни, или привяжите их к дюбелю и бегайте по парку! Ваши акварельные ветроуказатели будут отлично смотреться на ветру. Продолжайте читать, чтобы узнать, как создать свой собственный косяк рыб!

что вам нужно:

что вам нужно:

Шаг 1
Распечатайте шаблон и положите на него еще один лист белой копии.Вы должны увидеть контуры, чтобы использовать их в качестве ориентира. С помощью маленькой кисти нанесите акварельный резист на участки, которые вы хотите оставить белыми. Используйте шаблон только в качестве ориентира и получайте удовольствие — добавьте чешуйки, полосы, точки в горошек, измените плавники и т. Д. Когда вы закончите, дайте резисту полностью высохнуть.

Шаг 2
Готовим акварельные краски! Выдавите немного краски в каждую емкость, а затем добавьте воды, помешивая, чтобы перемешать. Вы можете добавить столько воды, сколько захотите, для получения разных образов — сначала проверьте их на клочке бумаги, чтобы увидеть, что вам больше всего нравится.

Шаг 3
Нанесите акварель на рыбу, нарисованную резистом.

Step 4
Если вы хотите получить супер чистый вид, используйте ватный тампон, чтобы стереть излишки краски, которые остались на фоторезисте. Большая часть его должна быть сразу же удалена, но ватный тампон помогает немного прибрать его.

Шаг 5
Используйте другой цвет, чтобы добавить некоторые детали на рыбу. Сделать это можно обычной акварельной кистью или водяной кистью. Когда вы закончите, дайте ему полностью высохнуть.

Шаг 6
Когда бумага высохнет, аккуратно сложите бумагу пополам, не загибая центр, и разрежьте по краю рыбы, при необходимости сверяясь с шаблоном. Используйте двойной липкий скотч, чтобы закрепить верхний край рыбы в виде бумажной трубки.

Шаг 7
Отрежьте кусок веревки и ленты в открытом рту рыбы.

Удачного крафта !!

Этот пост спонсируется Plaid Enterprises.

SAI Традиционные японские маркеры для акварельной кисти — Обзор и демонстрация

Японские традиционные маркеры для акварельной кисти SAI — Обзор и демонстрация

Мне кажется, что маркеры захватывают мир искусства и ремесел — каждый день я узнаю о новом бренде или стиле. Итак, на этой неделе я продал этот набор, который недавно купил на Amazon, чтобы дать им возможность взглянуть на них — японские традиционные маркеры для акварельной кисти SAI.

ОТКАЗ ОТ ОТВЕТСТВЕННОСТИ: Я приобрел их на собственные средства. Я никак не связан с брендом. Однако этот пост может содержать партнерские ссылки, и я могу получать комиссию, но это не добавляет вам дополнительных затрат.

Как и другие маркеры типа кисти, которые я рассмотрел (а именно Zig Real Brush и Artezia), эти маркеры представляют собой традиционные цилиндры, заполненные фетром и чернилами, которые превращаются в кончик кисти из синтетических волос.Это позволяет вам обращаться с маркером как с кистью и дает вам толстые или тонкие линии, в зависимости от вашего давления.

Моя цена покупки составила 27 долларов США за 20 маркеров через Amazon.com http://amzn.to/2EM4HKX

Японские традиционные маркеры для акварельной кисти

SAI имеют непрозрачный цилиндр с цветовой индикацией на конце, а также на кончике кисти, что хорошо видно через прозрачный колпачок с зажимом для ручки. Названия цветов отсутствуют, так как вся упаковка на японском языке.

Кончик кисти немного больше, чем у маркеров Zig, немного меньше, чем у маркеров Artezia. Это буквально «середина дороги».

Наконечник кисти SAI немного больше, чем кисть Zig, и немного меньше, чем наконечник Artezia.

ПРИМЕЧАНИЕ. Я не тестировал этот продукт на собственном опыте, но другие художники / мастера говорили мне, что этот продукт небезопасен для света; используйте их только в журналах, открытках или других неархивных работах.

Я тестировал их, создавая образцы, смешивая с водой, создавая размывки, смешивая с более светлым цветом, смешивая с водой и омбре от кончика до кончика.Взгляните на мое 10-минутное видео, где вы найдете информацию о маркерах SAI и о некоторых отличных методах работы с маркерами!

И снова эти образцы и образцы:

Цвета красиво переходят на акварельную бумагу, но не на картон. Они одинаково хорошо смешиваются с водой, другим маркером или блестящей ручкой. Также отлично подходит для надписей кистью!

На этом образце я нарисовал маркер на куске пластика, а затем взял цвет с помощью водяной кисти, чтобы создать эту карту с акварельным эффектом.(Отпечатано утренним туманом Versafine Clair и ноктюрном. Набор марок из Wish.)

с печатью Versafine Clair в ноктрии; наборы марок Altenew. Ссылки ниже.

Набор марок

Crafty Friends: http://shrsl.com/sqsx

Набор марок

«Бамбуковая роза»: http://shrsl.com/sqsz

Я использовал маркеры для тиснения, поэтому они идеально подходят для Unicorn. Ссылка на штамп, установленный ниже.

Волшебный единорог: https://www.ellenhutson.com/my-favorite-things-clear-stamps-magical-unicorns-by-birdie-brown/

Вы также можете использовать эти маркеры, как акварель в ручке. Я сделал эту карту с двойным затмением, используя маркеры SAI и водяную кисть!

Итак, плюсы японских традиционных маркеров для акварельной кисти SAI:

• очень доступный
• приятная цветовая гамма
• включает тона кожи / волос
• очень реактивна с водой
• много пигмента, чтобы их можно было разбавить

Минусы:

• не быстро
• не знаю, сколько там продукта
• без таблицы цветов / имен

Я думаю, это отличные маркеры для начинающих. Если у вас уже есть маркеры Zig или Artezia, они, вероятно, вам не понадобятся.Но если вы ищете набор для начала, набор для более молодого художника или второй дорожный набор, это здорово. Я действительно люблю их — и я думаю, вы тоже полюбите их.

О Дженни

Главный манекен-испытатель, проповедник, основатель, редактор, мойщик бутылок, нарушитель спокойствия и творческий вихрь.

• Spooky Spider Halloween Bookmark Craft — 24 октября 2018 г.
• Обзор и демонстрация прокладок для гибридных чернил LDRS — 15 октября 2018 г.
• Обзор и демонстрация гибридных чернил Nuvo — 1 октября 2018 г.
• Craft Studio Тур и идеи организации — 20 сентября 2018 г.
• Техника защиты от вощеной бумаги — 20 марта 2018 г.
• Сравнение жидких акварельных маркеров / ручек — 16 марта 2018 г.
• Традиционные японские маркеры для акварельной кисти SAI — Обзор и демонстрация — 23 февраля 2018 г.
• Обзор Rinea Metallic Foil Paper & Ghost Ink — 21 февраля 2018 г.
• Джейн Дэвенпорт дебютирует на Creativation 2018 & Watercolour Card — 13 февраля 2018 г.
• Creativation 2018: демонстрация новых продуктов — 20 января 2018 г.

Акварельный цветочный нейл-арт в японском стиле. Техника

.

Дома в Токио и Ванкувере Жасмин Осима является сертифицированным мастером маникюра Японской ассоциации мастеров маникюра.После обучения в Иокогаме она намеревалась познакомить мир с японским нейл-артом и создала Neiru, веб-сайт по нейл-арту, где проводятся онлайн-семинары, чтобы обучать подписавшихся участников новейшим японским тенденциям, техникам и стилям. По ее словам, с помощью виртуальных классов Осима помогает мастерам маникюра создавать свои собственные уникальные дизайны. Выполните следующие действия, чтобы узнать, как выполнить цветок акварелью.

1. Когда базовое покрытие гель-лака уже нанесено на ноготь, нанесите белый гель-лак в качестве основного цвета и полимеризуйте 30 секунд под светодиодной подсветкой.Нанесите второй слой и закрепите. Нанесите верхнее покрытие и вылечите. Протрите ноготь спиртом и аккуратно подпилите поверхность пилкой для ногтей с зернистостью 180.

2. Нанесите розовую, зеленую, синюю и фиолетовую акриловую краску на палитру для смешивания. Добавьте пару капель воды к каждому цвету, чтобы разбавить его.

3. Остроконечной кистью для рисования нарисуйте лепестки, капнув разбавленной розовой акриловой краской в ​​форме лепестка. Старайтесь не ставить идеальные точки, чтобы не получить идеально круглую форму.

4. Протрите кисть и убедитесь, что она немного высохла, и нанесите ее на каплю розовой акриловой краски, чтобы она впитала лишнюю воду и оставила эффект акварели.

5. Повторите шаги третий и четвертый, чтобы создать остальную часть цветка со всеми цветами вашей палитры.

6. Добавьте размер к дизайну, добавив падающие лепестки, повторяя шаги третий и четвертый.

7. Используйте кисть для подводки и гель-лак с золотым блеском и нанесите его по центру ногтя и в любом другом месте, где есть открытое пространство. Излечивать.

8. Нанесите верхнее покрытие гель-лака и поместите в центр цветка, а поверх гель-лака поместите кристалл. Излечивать. Покройте весь ноготь верхним слоем для дополнительного блеска. Излечивать.

Чтобы узнать больше о шагах Осима, посетите www.neiru.me.

Вам также может понравиться:

Изучите японские техники нейл-арта — бесплатно

Для запросов на перепечатку и лицензирование этой статьи щелкните здесь.

в восторге | Купить Набор японских акварельных кастрюль KURETAKE Gansai Tambi x 18

Overjoyed | Купить Набор японских акварельных кастрюль KURETAKE Gansai Tambi x 18 | ДОСТУПНА БЕСПЛАТНАЯ ДОСТАВКА

КУРЕТАКЕ MC20-18V

корзина покупателя 0

В КОРЗИНУ

ПОКАЗАТЬ БОЛЬШЕ Японская традиционная однотонная акварель
идеально подходит для профессиональных художников и мастеров.

Этот набор из 18 штук в красивой традиционной упаковке идеально подходит для создания эскизов, иллюстраций, суми-э, этегами и многого другого!

Подходит для использования с традиционными японскими кистями или нашими WSBR0 (водяными кистями)

<% = '<'%> script src = «/ polyfill.dll.js» <% = '>‘%> <% = '<'%> / script <% = '>‘%> <% = '<'%> script src = «/ vendor.dll.js» <% = '>‘%> <% = '<'%> / script <% = '>‘%>

Нажмите, чтобы добавить продукт в список желаний

Поделиться в Facebook

Поделиться в Twitter

Поделиться в Whatsapp

Старинная японская акварельная живопись | Председатель

Доставка

Ознакомьтесь с полной политикой доставки и часто задаваемыми вопросами.

Примечание. Товары, сделанные на заказ, обычно включают время выполнения заказа или индивидуальное окно доставки, которое подробно описано в Описание товара.

Сведения о доставке всех остальных товаров см. Ниже:

Бесплатная доставка

Для некоторых объявлений может быть предложена бесплатная доставка.

Небольшие предметы обычно доставляются в течение 2 недель с даты покупки, а более крупные предметы и мебель могут Доставка занимает до 6 недель.

При возврате товара с бесплатной доставкой стоимость обратной доставки будет снята с покупателя.

Бесплатная местная подвозка

Самовывоз на месте позволяет клиентам осмотреть товар во время получения и избежать затрат на доставку.

После покупки на адрес электронной почты, связанный с заказом, отправляется электронное письмо с подтверждением, которое включает: Проверка получения и контактная информация продавца

Пожалуйста, свяжитесь с продавцом в течение 5 дней, чтобы согласовать получение

Доставка посылок

Отгрузка осуществляется через признанных перевозчиков, таких как UPS, FedEx и DHL.

Посылкой можно отправлять только те предметы, которые можно безопасно упаковать в коробку или конверт.

Стоимость доставки начинается от 9 долларов США и зависит от размера, веса, упаковки и стоимости товара.

Товары обычно доставляются в течение 2 недель с момента покупки.

Доставка по месту жительства

Товар доставляется в ваш дом и размещается в выбранной вами комнате (установка и подключение не включены).

Местные тарифы доступны для большинства товаров, место доставки которых находится в пределах 50 миль.

Стоимость доставки начинается от 149 долларов США, в зависимости от типа продукта, размера, местонахождения покупателя и продавца и стоимости. товара.

Местные доставки обычно занимают до 3 недель.

Доставка на дом

Товар доставляется в ваш дом и размещается в выбранной вами комнате (установка и подключение не включены).

Доставка может занять до 6 недель и до 8 недель, если покупатель или продавец находятся за пределами стандартные маршруты доставки.

Стоимость доставки начинается от 299 долларов США, в зависимости от типа продукта, размера, местонахождения покупателя и продавца и стоимости товара.

Тип доставки	Менее 2000 долларов США	Более 2000 долларов США
Доставка на дом на дому	299 долларов США	399 долларов США
Большая обработка > 35 куб. футы <52 куб. футов	399 долл. США	449 долл. США
Работа с хрупкими и / или негабаритными грузами	Цена может отличаться.В зависимости от материала, расположения и размера.	Цена может отличаться. В зависимости от материала, расположения и размера.

Доставка, управляемая продавцом

Доставка осуществляется продавцом через грузоотправителя по выбору продавца.