мастер-класс по работе с краской

Новичков часто интересует, какие цвета лучше использовать, какая техника нанесения мазков больше подходит тем или иным цветам, как их можно или нельзя сочетать друг с другом.Какие предметы лучше рисования?

Гуашь для любителей

Итак, тема нашей статьи — гуашь. Мастер-класс по работе с ней начнем с описания свойств краски. Во-первых, он выпускается в двух вариантах: плакатном, который чаще всего используется в школе на уроках рисования, и художественном — для профессиональной работы. Оба вида не имеют принципиальных отличий. Просто постер не так хорошо ложится на бумагу и не так хорошо держится, как профессиональная гуашь.

Мастер-класс продолжу такими советами: если вы хотите смешать цвета, обязательно дождитесь, пока предыдущий слой хорошо высохнет. Акварель следует смешивать на влажной основе. С гуашью этого сделать нельзя, потому что она более плотная, «тяжелая», хотя тоже водорастворимая. Что делать, если вам нужна менее плотная гуашь в рисунке? Мастер-класс научит вас такой «хитрости»: возьмите немного краски из баночки и понемногу, по капле, добавляйте воду, тщательно перемешивая кистью.Кстати, если основная гуашь у вас засохла, превратилась в камень — не переживайте! Проблему решит та же вода. Налейте, дайте впитаться в окаменевший шар, перемешайте. Все, гуашь спасена! Однако на этом совете наш мастер-класс не заканчивается.

Выбор бумаги и кистей

Из-за густоты краски не всякая бумага подходит для рисования на ней. Тонкие альбомные листы никак не подходят для работы с ними. Гораздо больше подойдут ватман и картон, фанерные планшеты.Только не вощеные – об этом тоже нужно помнить начинающим художникам или декораторам. Лучше, чтобы поверхность, наоборот, получилась шероховатой. К ней крепче крепятся частички краски, и она ложится ровнее. А на гладкой вощеной бумаге гуашь выглядит излишне густой.

Полезно знать тонкости работы с этим материалом и тем, кто увлекается народными промыслами: росписью посуды, игрушек и т. д. Мастер-класс по рисованию гуашью не обойдется без обзора такого важного инструмента, как кисть.Выбор должен основываться на площади окрашиваемых поверхностей. Чем они больше, тем толще должны быть кисти. Жесткость ворса также имеет значение. Если вы проводите линию и видите, что остались следы, значит, такие кисти не подходят, подберите что-нибудь помягче. Они больше подходят, когда необходимо подчеркнуть рельеф изображаемых предметов. Например меховая шерсть у животного, трава и т.п.

От теории к практике

Ну а когда основные моменты выяснены, набрасываем эскиз карандашом и рисуем гуашью.Мастер-класс, т. е. практическое занятие, мы начинаем с подготовки палитры. Вам это понадобится. Ведь если цвета попытаются мешать прямо на бумаге, результат вас не порадует. Он будет напоминать толстый слой штукатурки, который, едва высохнув, начинает отваливаться. Для начинающих подойдет обычная тарелка или небольшой поднос. Профессионалы могут приобрести полноценный инструмент. Сделайте цветные основы, набрав немного краски и соединив ее. И нарисуйте свой эскиз. Глубину тонов и оттенков можно добавлять по ходу дела.Светлые оттенки наносятся на темные, когда нужный участок высохнет. Темный может быть на влажной бумаге. Работайте аккуратно, не торопясь, не размазывая — и у вас получится хороший рисунок!

Visual Arts Review: «Милтон Эйвери» — медленный, но неуклонный рост американского мастера

Питер Уолш

Возможно, непреднамеренно этот сериал представляет собой моральную басню о природе истинных достижений: неуклонное продвижение Милтона Эйвери по его собственному пути выделяется в наш век онлайн-влияний и бешеной погони за мгновенной славой и материальным успехом.

Милтон Эйвери в Художественном музее Уодсворт Атенеум, Хартфорд, Коннектикут, до 5 июня.

Карьера почти всех артистов разворачивается одним из двух путей. Большинство после учебы и юношеских экспериментов превращаются в зрелый стиль, который они развивают с некоторыми вариациями до конца своей карьеры. Гораздо меньшая группа — Тициан, Рембрандт и Матисс, например, — растут, как деревья, тянутся вверх и разветвляются, пока длится их творческая жизнь.

Выставка Milton Avery Художественного музея Уодсворта Атенеума ставит Эйвери во второй лагерь. Почти семьдесят работ на выставке, многие из которых принадлежат фонду Milton Avery Trust, расположены в хронологическом порядке на третьем этаже музея и составляют первую за тридцать лет крупную ретроспективную выставку работ художника в США. Долгая карьера Эйвери разворачивается медленно и неторопливо. Ему за тридцать, когда его работы начинают выглядеть вполне современными, почти за шестьдесят, когда он начинает работать в том, что считается его зрелым стилем, за семьдесят, когда появляются мощные, почти, но никогда не совсем абстрактные поздние картины. Несмотря на все это, он работает стабильно и плодотворно, всегда являясь частью мира современного искусства, всегда следуя своим собственным путем.

Эйвери жил и работал в период, когда волна за волной европейские течения нахлынули на американское искусство: импрессионизм, фовизм, кубизм, немецкий экспрессионизм, сюрреализм, европейская абстракция, все они имели большое влияние. Тем не менее, хотя он явно знал об этих течениях, Эйвери держался между ними всеми.

Эйвери родился в 1885 году в семье рабочего в северной части штата Нью-Йорк. Подростком он переехал в пригород Хартфорда к северу от города.Вскоре после этого он стал основным средством поддержки семи родственниц и бросил школу. В течение двадцати лет он работал полный рабочий день на нескольких фабриках в рабочем промышленном районе Хартфорда в Парквилле.

В те годы Эйвери брал уроки в Художественном обществе Хартфорда (тогда находившемся в Уодсворте, а теперь как Хартфордская художественная школа, часть Хартфордского университета) и в Коннектикутской лиге студентов-художников. В год, когда ему исполнилось тридцать, он впервые выставился в галерее Уодсворта. Затем последовали другие местные выставки. Ему было предложено продолжить, и он выиграл приз. В 1924 году он познакомился с Салли Мишель, молодой студенткой художественного факультета, на которой позже женился. В 1925 году, когда ему исполнилось сорок, он и Салли переехали в Нью-Йорк, где он продолжил учиться в знаменитой Лиге студентов-художников. То, что искусствоведы сейчас считают его основной карьерой, не разворачивалось еще два десятилетия.

Однако в шоу Уодсворта ничто не похоже на раннюю работу.На выставке самые ранние картины описываются как «импрессионизм», стиль, который к тому времени существовал во Франции десятилетиями, хотя в то время он был чрезвычайно модным в Хартфорде и Америке. Многие из американских современников Эйвери, такие как Эдвард Хоппер, в молодости прошли этапы импрессионизма. Но «импрессионизм» Эйвери был другим. В таких пейзажах, как «Веретчатые деревья» (ок. 1910 г. ), отсутствуют типично яркие, залитые солнцем пастели, вдохновленные в основном поздними работами Моне. Вместо этого они темнее, ближе по своему трезвому ощущению и цвету к французским пейзажистам поколения или двух ранее.

В Нью-Йорке Салли и Эйвери, к которым позже присоединились дочь Марч и собака по кличке Пикассо, жили в однокомнатной квартире в здании в Верхнем Вест-Сайде, низкая арендная плата которого привлекала певцов, музыкантов и других творческих личностей. . В то время передовые американские художники не рассчитывали зарабатывать на жизнь своим искусством. Салли поддерживала маленькую семью своей работой в качестве коммерческого иллюстратора, чтобы Эйвери, наконец, могла рисовать полный рабочий день. Они были настолько бедны, утверждает выставка, что не могли позволить себе пойти в кино.Каждую субботу семья проводила посещение выставок в местных музеях и галереях и устраивала неформальный салон в своей квартире. На них часто проводились поэтические чтения, и их посещали молодые художники, в том числе Адольф Готлиб и Марк Ротко, которые стали близкими друзьями. Оба позже стали крупными фигурами американского абстрактного экспрессионизма. Ротко произнес панегирик на похоронах Эйвери

В 1930-х и начале 40-х многие нью-йоркские художники подражали Пикассо, сюрреалистам, соцреалистам или работали в типично неуклюжем стиле, сочетавшем все три.Эйвери уже переварил европейский модернизм. Примеры в шоу Уодсворта отражают впечатляющее и полное поглощение. В них жизнерадостная самоуверенность детских рисунков сочетается с житейским самосознанием мастера.

В «Роллинг-Хиллз» (около 1930 г.) Эйвери свел сельский пейзаж, вероятно, близ Хартфорда, того же места, которое вдохновляло его более ранние импрессионистские исследования, к ряду простых штрихов, точек и закорючек, которые идеально напоминают летний полдень с минимумом средств.Другие пейзажи также уменьшаются, поскольку они вызывают в воображении водопад в Вермонте, а также потрясающий вид на воду и деревню на диком и суровом полуострове Гаспе в Квебеке.

«Hors d’Oeuvres» (1943), одно из лучших произведений 30-х и начала 40-х годов, превращает тщательно расставленное блюдо с закусками в концентрические овалы из точек на столешнице, наклоненной к зрителю. Влияние Матисса здесь близко, но все работы Эйвери. Это также пример его тонкого чувства юмора, более очевидного в карикатурных лицах в «Гонках на колесницах» (1933), вероятно, вдохновленных цирковыми картинами европейцев, таких как Тулуз-Лотрек и Сера, «Десерт» (1939). ) и «Человек с трубкой» (1934). В «Hors d’Oeuvres» юмор менее очевиден и более сложен — своего рода дразнящий обмен мнениями между мастером шляп и зрителем по поводу характера изображения и удовольствий цвета и шаблон.

Эта диалектика принимает новый мощный оборот в кульминации шоу — зрелой работе, появившейся, по-видимому, без особого предупреждения, в середине 40-х годов. Эвери уже перешагнул порог среднего возраста и только что подписал контракт с новой престижной галереей, представляющей ряд выдающихся европейских модернистов. За несколько десятилетий до этого Гоген и школа Пон-Авена доказали, что живопись не обязательно должна изображать пейзажи, предметы или даже людей в их естественных цветах. Но в это десятилетие или около того высокого плато Эйвери, он продвигает идею на новую территорию.

В «Муже и жене» (1945) Эйвери изображает пару, которая однажды ночью остановилась в квартире его семьи в Гринвич-Виллидж. На фоне розового и розовато-лилового цвета мужчина растянулся на стуле, его лицо ярко-оранжевого цвета, а одежда — пурпурно-коричневого цвета. Жена, изображенная в рецессивных голубых и бирюзовых тонах, прячется в кушетке горчичного цвета. Игра цвета и абстрактных форм в плоских, однородных цветах доставляет эстетическое наслаждение. В то же время практически без деталей Эйвери улавливает ощущение пространства, осязаемое ощущение фигур в их позах, даже психологию их взаимоотношений.Ансамбль так ловко сработан, что зритель сразу же приходит в восторг и заинтригован, сам не зная почему.

Эйвери использует одну и ту же формулу, никогда не повторяясь, в картине за картиной: «Чтение поэзии» (1957), «Две фигуры на пляже» (1950), «Март в коричневом» (1954), «Намек на осень». (1954). В каждом он заигрывает с полной абстракцией, но остается полностью читаемым в своих изображениях реальных людей и мест, даже реальных настроений и атмосфер.

Необычайный колоризм Эйвери, перескакивающий от богатых, близких гармоний холодных тонов к неожиданным желтым, розовым или оттенкам хурмы, был назван «поэтическим». Термин слишком банален, хотя может намекать на что-то важное. Эйвери, как вспоминают друзья и родственники, мало говорил на собраниях в своей квартире («Зачем говорить, если можно рисовать» — его наиболее часто цитируемое замечание). Вместо этого он сидел и делал наброски. Но он был в восторге от стихов, которые любил читать вслух группе.Одним из его фаворитов был поэт из Хартфорда Уоллес Стивенс, который переехал из Манхэттена в Хартфорд за несколько лет до того, как Эйвери пошел в другом направлении. Эйвери был художником, который любил поэзию и рисовал людей, читающих стихи; Стивенс был поэтом, который любил и писал об искусстве и женился на бывшей модели художника. Эти двое, вероятно, никогда не встречались. Однако на каком-то подземном уровне поэт и художник связаны.

Заключительная просторная галерея выставки Уодсворта посвящена поздним работам Эйвери: монументальным полотнам, доходящим до внешних краев изображения.Как и в случае с предыдущими зрелыми произведениями, происхождение этого стиля немного неясно. На выставке утверждается, что художник черпал вдохновение в летних поездках в Провинстаун, штат Массачусетс — город, состоящий из похожих на Эйвери фигур светлых дюн, темной воды и бескрайних просторов бледно-голубого неба.

За такие работы, как «Экскурсия по Темзе» (1952 г.), основанная на материалах одной семейной поездки в Европу, «По следам катера» (1959 г.), «Катер по неспокойному морю» (1960 г.) и «Морские травы и синее море». вам нужно читать заголовки, чтобы увидеть предметы, но затем они становятся неизгладимым фокусом, как один из тех трюковых рисунков, которые любят использовать психологи.К настоящему времени Эйвери приближается к семидесяти годам, и у него слабое здоровье, но сила его воображения все еще растет. Легко увидеть, как эти необыкновенные картины вдохновили следующие поколения абстрактных экспрессионистов и художников цветового поля, которые отказались от связи с прямым изображением, но, в конечном счете, не от связи с миром природы.

Необычно для американского художника, Милтон Эйвери был организован европейским учреждением — Королевской академией художеств в Лондоне в сотрудничестве с Уодсвортом и Музеем современного искусства Форт-Уэрта — хотя в европейских публичных коллекциях немного работ Эйвери. .Ведущий куратор выставки Эдит Девани, ныне управляющий директор и куратор Фонда Дэвида Хокни, тоже британка. Эта дистанция может частично объяснить ясный взгляд Эйвери, который, по-видимому, руководил отбором, который не оценивает, например, почти полное отсутствие у Эйвери политического содержания, когда идеологические подходы, особенно в 30-е годы, имели тенденцию доминировать в современное американское искусство. Шоу, возможно, непреднамеренно, также является моральной басней о природе истинных достижений: неуклонное продвижение Эйвери по его собственному пути выделяется в наш век онлайн-влияний и бешеной погони за мгновенной славой и материальным успехом.

Из соображений экономии места Девани, кроме двух-трех красноречивых примеров, опускает богатое наследие Эйвери, состоящее из работ на бумаге (есть надежда на продолжение). Но в противном случае трудно представить себе более полный — или эффективный — обзор его работы.

Питер Уолш работал штатным сотрудником или консультантом в таких музеях, как Гарвардский художественный музей, Музей изящных искусств в Бостоне, Музей Дэвиса в колледже Уэллсли, Метрополитен-музей, Национальная художественная галерея, и Бостонский Атенеум.Как искусствовед и медиа-исследователь, он читал лекции в Бостоне, Нью-Йорке, Чикаго, Торонто, Сан-Франциско, Лондоне и Милане, а также в других городах, и восемь раз представлял доклады в Массачусетском технологическом институте. Он публиковался в американских и европейских газетах, журналах и антологиях. В последние годы он начал карьеру актера и с тех пор работал над более чем 80 проектами, включая театр, национальное телевидение и такие отмеченные наградами фильмы, как Spotlight , The Second Life и Brute Sanity . Он выпускник Оберлинского колледжа и Гарвардского университета.

Следуя своей страсти

Многие люди отслеживают свой жизненный опыт, делая записи в дневнике. Как художник Исариабхорн Ванмарат запечатлевает моменты своей жизни, делая фотографии, делая заметки и рисуя изображения цветными карандашами.Из своего визуального дневника Исариабхорн разработала и выбрала 21 картину для демонстрации на своей дебютной персональной выставке «BlueBlurryMonday», которая также является ее псевдонимом. Многие картины на выставке — памятные моменты ее путешествий по Тайбэю с друзьями. Другие картины включают ее поездку в Накхоннайок, ее повседневную жизнь в Сатуне, где она живет, и две картины из сцен из отмеченных наградами фильмов «Паразиты» и «Зови меня своим именем».

«Когда я вижу что-то, что мне нравится, я обычно фотографирую это.Это не обязательно должно быть что-то значительное. Я также пишу заметки в тот момент времени. Когда я позже перечитываю записку, и она затрагивает во мне струну, я рисую эту фотографию. Картина «Любопытный кот» была создана в тот момент, когда я увидел, как мой кот долго смотрит на что-то, и я почувствовал, что это мило. Моя картина не обязательно должна быть реалистичной. Я адаптирую изображение в соответствии со своим стилем и использую оттенки или тона цветов, которые мне нравятся», — объяснил Исарийабхорн.

Картины Исарийабхорна прекрасно детализированы с впечатляющими пейзажными сценами.Куратор Kalwit Studio & Gallery Кит Чирачайсакул сказал, что решил продемонстрировать картины Исарийабхорна, потому что рисунки цветными карандашами встречаются редко.

«Мы редко видим художников, которые используют цветные карандаши в качестве материала. Картины Исарийабхорна, кажется, выражают невинность, но они современны. Исариабхорн отлично умеет создавать атмосферу на картинах, будь то пейзажи или архитектура.Атмосфера нежная и мягкая. Художница много работает, раскрашивает каждую линию одну за другой», — рассказал куратор.

25-летняя художница начала рисовать цветными карандашами, когда ей нужно было работать над диссертацией на пятом курсе архитектурного факультета Университета Касецарт. Исариабхорн чувствовала стресс, работая над диссертацией, поэтому она расслабилась, рисуя.

Curious Cat был вдохновлен питомцем Исарийабхорна.

«Я могу рисовать любыми средствами, но больше всего мне нравятся цветные карандаши, потому что их легко носить с собой.Цвет карандашей придает детское ощущение и смягчает предмет. Прелесть цветного карандаша в его линиях, которых нет в других цветных средах», — сказал художник.

Исариабхорн изначально рисовала изображения артистов K-pop, а позже расширилась, чтобы рисовать изображения своего окружения. Кроме того, ее увлечения чтением и просмотром фильмов являются ее источником вдохновения. Две интригующие картины — «Паразиты: Параллель» и «Назови меня своим именем» — вдохновлены двумя получившими признание критиков фильмами. В то время как Parasite: The Parallel изображает архитектуру южнокорейской среды высшего и низшего сословия, Call Me By Your Name Vibes изображает внутренние образы итальянской виллы в фильме. Некоторые люди могут сказать, что рисование сцен из фильмов — это не искусство, но Исариабхорн считает, что ее работа — это искусство.

«Паразиты: Параллель» изображает неравенство в корейском обществе. Это искусство, потому что это не копия сцены из фильма. Я намеревался сравнить сцены из двух разных обществ. В фильме «Зови меня своим именем» 17-го века Итальянская вилла является основным акцентом, который добавляет эмоциональности фильму, поэтому я нарисовал внутренние сцены виллы.Искусство может быть любым. Это зависит от того, оценят ли люди и примут ли это как искусство», — сказал Исарийабхорн.

«Все есть искусство, и кино тоже искусство. Художник нарисовал сцены из фильма, так что это переход от одного вида искусства к другому. Концепция выставки вращается вокруг визуального дневника художника. Это может быть концептуальное искусство, но она рассказывает свои истории искренне и прямо», — добавил Кит.

В прошлом году одна из картин Исарийабхорна была выбрана Pop Up Asia x Happening Maker для выставки в Taipei 101 Building на Тайване.Исариабхорн сказала, что приняла участие в конкурсе, потому что любит Тайвань.

Итальянская вилла 17-го века — главная достопримечательность «Зови меня своим именем».

«Тайвань похож на Таиланд, но это лучшая версия Таиланда. Когда я был в Тайбэе, я обнаружил, что люди там очень дружелюбны и готовы помочь. Там было много «избранных магазинов», в которых продавались предметы искусства. люди в Тайбэе ценили искусство, и это делало его интересным местом Я участвовал в конкурсе, организованном Pop Up Asia x Happening Maker, потому что мне нравится Тайвань.В то время я работал над картиной, где впервые использовал цвет гуаши. Это было весело, и эта картина была вдохновлена ​​​​пробованием других видов красок», — сказал Исарийабхорн.

Исарийабхорн получила степень бакалавра архитектуры, но не работает в этой области. Тем не менее, она сказала, что многие навыки, которым она научилась в университете, до сих пор полезны.

«Я научился придумывать концепцию и работать над ней шаг за шагом. Когда я нахожусь на площадке, я наблюдаю за ее функциями и тем, как люди управляют площадкой.Когда я был в Тайбэе, я понял, что его городское планирование превосходно. Общественный транспорт удобен, и в планировку включено много зеленых насаждений. Это помогает людям ходить на улицу», — сказала она.

«Когда я был в разных парках Тайбэя, я заметил, что кусты и деревья разные. В парке рядом с храмом кусты и деревья были аккуратно сложены, чтобы люди могли чувствовать себя спокойно. парки выглядели более свободной формы», — рассказал художник.

Parasite: The Parallel призван сравнить среду высшего и низшего классов в Южной Корее.

Чтобы заработать на жизнь, Исарийабхорн работает на нескольких работах, например, графическим дизайнером, и планирует открыть магазин какао. Художник принял работу в арт-индустрии непросто.

«Люди относятся к искусству как к предмету роскоши. Многие тайцы ценят искусство, но основные потребности у них на первом месте. Трудно начать карьеру, поскольку художники должны сами сделать себе имя, прежде чем люди наймут их для создания искусства», Исарийабхорн объяснил.

Молодая художница забеспокоилась, когда Галерея Kalwit связалась с ней, чтобы провести ее дебютную выставку.Однако после запуска мероприятия она довольна результатами.

«Меня беспокоило количество посетителей, но увидев выставку, я доволен масштабом галереи. Средний размер Kalwit Gallery подошёл моим работам. Я рад, что выставка проходит именно там. были положительными. Я просто хочу, чтобы все прошло гладко», — сказал Исарийабхорн.

«Я надеюсь, что ее поклонники посетят выставку, и другие люди узнают о ней больше благодаря выставке.Исарийабхорн не изучает изобразительное искусство или живопись, но усердно этим занимается. Любой может стать художником, если он действительно хочет этого и работает над этим», — заключил Кит.

Многие картины относятся к путешествиям Исариабхорна Ванмарата по Тайбэю.

Исариабхорн раскрашивает каждую строку одну за другой.

24-я ежегодная выставка MasterWorks в Нью-Мексико возвращается на личное мероприятие

Вот уже почти четверть века Барбара Лобек объединяет мастеров искусства Нью-Мексико.

Начиная с пятницы, 25 марта, ежегодная выставка MasterWorks в Нью-Мексико будет проходить до 16 апреля в течение 24-го года.

В 2020 и 2021 годах очное мероприятие было отменено из-за пандемии и стало виртуальным.

«Последние два года нам приходилось работать в виртуальном пространстве, так что это волнующее время для нас, — говорит Лобек.

Лобек всегда хотел представить художников Нью-Мексико, и это событие стало одним из самых популярных весной.

«Все началось с уникального видения: объединить таланты и опыт существующих организаций изящных искусств, каждая из которых представляет художников со всей Нью-Мексико, чтобы спонсировать выставку лучших произведений искусства Нью-Мексико», — говорит Лобек об истории мероприятия.

Уставный совет представителей состоял из Общества пастели Нью-Мексико, Общества акварелистов Нью-Мексико и «Миниатюрного искусства Бардина». Он основал, а затем во второй год включил новую организацию для масел, акрила и смешанной техники, не оформленную под стеклом, Художественную ассоциацию Рио-Гранде.

Лобек говорит, что будут организованы семинары, которые смогут посетить все желающие.

Однодневные семинары стоят 50 долларов каждый или все три по 125 долларов.Зарегистрироваться можно на сайте masterworksnm.org.

Первый мастер-класс состоится 4 апреля с Хуаном Вейнгаардом и называется «Приближаясь к миниатюрам».

Это введение в выбор материалов и сред. В этом мастер-классе акцент будет сделан на использовании гуаши и/или акварели. Участников попросят принести изображение или предмет, который они хотят нарисовать в виде миниатюры.

6 апреля состоится «Модернизация пейзажей для миниатюр» с Реми Ротенье. Класс будет работать над созданием миниатюры, визуализируя то, что видно, более абстрактно.Затем учащийся примет решение, уменьшит масштаб и нарисует картину размером 6 на 4 дюйма на серой французской бумаге.

13 апреля состоится «Wire Sculpting & Negative Space» с Гэри Чаффином. На занятиях будут проходить базовые двухмерные и трехмерные техники скульптуры. Материалы и инструменты предоставляются.

На мероприятии также будет несколько трехдневных мастер-классов. Художник Наташа Изенхур проведет мастер-класс по пастели 28-30 марта и мастер-класс по маслу 1-3 апреля.Дэвид Драммонд проведет мастер-класс по акварели 8-10 апреля. Дополнительную информацию можно найти на сайте masterworksnm.org.

Лобек говорит, что весенняя выставка состоит из четырех отдельных выставок жюри.

«За последние 21 год судьи и присяжные заседатели были чрезвычайно квалифицированы и охотно посвятили время и знания образцовому шоу лучших в Нью-Мексико», — говорит Лобек.