Знаменитые художники пастораль: Пастораль в живописи: особенности жанра художники картины
- 84 картины, художники, значение, русские примеры сельского стиля
- великие концерты от великих художников
- Слово о великом художнике, живописце мордовских женщин (Солнечная пастораль)
- Ошибка 404. Страница не найдена
- Буше, Франсуа. Все картины художника
- Природа в живописи русских художников
- ЗАБЫТЫЕ ИМЕНА РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ: КОНСТАНТИН СОМОВ
- 10 знаменитых пейзажей и картин природы
- Водяные лилии — Клод Моне
- Звездная ночь — Винсент Ван Гог
- Глостер-Харбор — Уинслоу Гомер
- Оксбоу (Река Коннектикут около Нортгемптона) — Томас Коул
- Солнечный свет и тень — Болота Ньюбери — Мартин Джонсон Хид
- Взгляд вниз по долине Йосемити — Альберт Бирштадт
- Дорога возле Мон-Сент-Виктуар — Поль Сезанн
- Фламинго — Анри Руссо
- Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико — За домом Мари — Джорджия О’Киф
- Птицы Америки — Джон Джеймс Одюбон
- Произведения искусства и знаменитые картины Клода Лоррена
- Ван Гог был пастором до того, как стал художником | Фройл Дэвис | Галерея Джордж-Стрит
- 10 известных художников-пейзажистов
- Лучшие художники-пейзажисты: с 1600 г. по настоящее время
- Арт-объект Страница
- 10 самых известных картин | Биография Интернет
- 1. Мона Лиза — Леонардо да Винчи
- 2. Крик — Эдвард Мунк
- 3. Создание Адама — Сикстинская капелла Микеланджело
- 4. Подсолнухи — Винсент Ван Гог
- 5. Ceci N’est pas une Pipe — Rene Magritte
- 6. Маки в поле — Клод Моне
- 7. Тайная вечеря — Леонардо да Винчи
- 8.Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер
- 9. Ле Мулен де ла Галетт — Жан Ренуар
- 10. Мир — Пикассо
84 картины, художники, значение, русские примеры сельского стиля
Приукрашенное описание сельской жизни в произведениях искусства получило название пастораль. Термин произошел от латинского слова pastorale, что в переводе означает «пастушеский». Его используют не только при описании картин, но и при упоминании музыкальных произведений, театральных постановок и литературных работ, посвященных теме пастушества. Мастера жанра противопоставляли написанную в идиллической манере крестьянскую жизнь бесцельному существованию горожан.
История возникновения жанра
Возникновение пасторали совпало с периодом становления капитализма. Стиль пастораль пользовался особой популярностью в аристократической среде, которая была представлена людьми, далекими от забот сельской жизни. Основными персонажами произведений искусства становились совсем не реальные люди, а вымышленные персонажи.
По мнению искусствоведов, жанр пастораль зародился в XVI веке. Его создателем принято считать автора романа «Аркадия», поэта из Италии Якопо Саннадзаро. В этом произведении показана полная умиротворения жизнь сельских пастухов. Поэт сумел показать читателям гармонию и красоту, которыми наполнено существование простых людей. Его роман стал подтверждением идиллической картины мира, в которой отсутствуют горе и страдания.
К сельской тематике обращались известные творцы, жившие на рубеже XVI-XVII веков. В это время были созданы оперы, драматические произведения, балетные постановки, симфонии в этом жанре.
В начале XIX века был отмечен еще один всплеск интереса к стилю пастораль в искусстве. В это время отмечалось доминирование романтизма. При помощи этого направления мастера хотели показать, что самой главной ценностью являются духовные качества человека. Картины, изображающие сельскую жизнь, которую живописцы старались приукрасить, хорошо вписывались во взятые за основу идеи искусства того времени.
Начиная с середины XIX века, сельская пастораль перестала быть популярным жанром. Умами людей завладели разные революционные течения, а идиллические сцены из сельской жизни перестали быть интересными как для мастеров, так и для широкой публики. Стиль пастораль был вытеснен более актуальными для того времени направлениями, такими как: авангард, реализм и модерн.
Что такое пастораль в живописи
Художники пасторали наделяли особым значением ландшафт в своих произведениях. Каких принципов они придерживались:
- Красота окружающего мира не должна быть использована в качестве декора.
- Картина является отражением внутреннего мира художника и его настроения.
- В работе используются краски приглушенных, немного размытых оттенков.
- Люди, изображенные на полотне, сосуществует в гармонии с природой.
XV век
Картины, на которых были изображены лесные поляны, луга и овраги были не так интересны для публики, как работы в стиле пастораль. Неповторимые природные ландшафты требовали добавления деталей, свойственных новому направлению. При помощи фигур сельских жителей эмоциональная окраска любого сюжета становилась позитивной.
XVII век
Саския ван Эйленбюрх в образе Флоры
Рембрандт
В Италии пасторальные идиллии создавал в XVII веке Клод. Среди работ голландских живописцев этого времени стоит выделить полотно «Саския ван Эйленбюрх в образе Флоры», над которой трудился Рембрандт. На картине изображена в красивой шляпе, украшенной цветами, будущая жена живописца Саксия.
Стиль барокко
В эпоху барокко тоже писали пасторальные сюжеты. На них были изображены:
- нарядные дамы в окружении галантных кавалеров;
- природные ландшафты удивительной красоты;
- с мельчайшими подробностями прорисованные фигуры людей;
- любовные сюжеты.
На картинах живописцы часто изображали придворных. Они уделяли особое внимание отношениям людей. Источником вдохновения становится близкая к идеалу женская фигура.
Художники восхищаются красотой изображаемых женщин, они наделяют их возможностью покорять сердца каждого смотрящего на произведение искусства, над которым они работали.
Романтизм
Успешной считается попытка соединение в единое целое романтического направления со стилем пастораль. В работах художников начала XIX века можно увидеть:
- спокойные, слегка приглушенные цвета;
- приятную атмосферу;
- отсутствие прямого освещения;
- наполненные спокойствием и умиротворением сельские виды;
- исторический контекст того времени, с которым можно познакомиться, разглядывая картину.
Однако милые деревенские виды и идиллические сюжеты по-прежнему излучали красоту, одухотворенность, духовную свободу. Сюжеты картин будто бы были противопоставлены последствиям начавшейся индустриализации.
Пастораль в других видах искусства
Музыкальные произведения в стиле пастораль помогают более тонко и глубоко прочувствовать красоту окружающего мира. Им присуще отсутствие слишком громких, волнующих аккордов.
Ритм произведения не нарушается сильными шумами или интригующими переходами. Подобные композиции были написаны многими известными композиторами. Среди них отмечают такие личности, как: Бах, Вивальди, Бетховен.
Театральный жанр представлен операми в стиле пастораль, балетными постановками и пантомимами. В каждом из представлений были показаны сцены из пастушьей жизни на селе. Авторами опер в этом направлении стали А. Моцарт и К. Глюк.Буколическая поэзия или сокращенно буколика, которая была известна с античных времен. В ней идеализированно были показаны сцены из жизни сельчан, удивительные пейзажи, освещенные солнцем и завораживающие своей красотой.
Литературные произведения, которые также относили к этому направлению, называли «Идиллией». Стихи, в которых были описания человеческих чувств, получили название «эклоги».
10 известных художников в жанре пастораль
Пример пасторали можно найти в творчестве художников, живших в различных уголках мира. Некоторые из них получили всемирную славу благодаря своим работам, творчество других пользовалось успехом во время жизни живописца.
Никола Пуссен
Французский живописец Никола Пуссен (1594-1665) считается одним из основоположников направления классицизм. Он был увлечен рисованием сюжетов на библейские и мифологические темы. Красота сельского пейзажа стала средством выражения мастера.
Он работал над теоретическим обоснованием превосходства четкости линий над яркостью цвета. Известные работы Пуссена в стиле пастораль: «Пейзаж с Полифемом» и «Царство Флоры».
Вечеллио Тициан
Итальянский художник Тициан (1488-1490) работал с библейскими и мифологическими сюжетами. Мастер своего дела, он писал на заказ картины для герцогов, князей и кардиналов. После смерти своего учителя Джорджоне Тициан изучал работы известных итальянских живописцев, таких как Микеланджело и Рафаэль, для выработки собственного стиля.
Пасторальный концерт
Вечеллио Тициан
Образы, переданные на полотнах Тициана, тщательно проработаны. Они полны энергии и непоколебимой жизненной силы. Для передачи контрастов художник часто использовал яркие красные и синие пятна.
Франсуа Буше
Французский живописец и декоратор Франсуа Буше (1703-1770) был удостоит звания придворного художника. Он работал над созданием декораций для спектаклей и опер, писал пасторали и изображал красочные ярмарки. С тематикой сельской жизни связаны работы Буше, композиция которых выстраивалась по принципу декораций для театра.
На картинах были изображены площадки для актеров и кулисы. Актеры на сцене играли роль молодых сельских жителей, которые отдыхали или выясняли отношения с представителями противоположного пола.
Клод Лоррен
Вначале своего творчества французский художник Клод Лоррен (1600-1682) писал на холсте пастушьи фигуры. Со временем его работы стали более масштабными. Живописец правдоподобно передавал красоту восходящего солнца, свежесть раннего утра и знойный летний день.
Давид Тенирс
Фламандский живописец Тенирс (1610-1690) написал немало картин со сценами из деревенской жизни, он работал с религиозной тематикой, увлекался написанием портретов. На жанровых картинах и пейзажах доминировали цвета серовато-коричневой гаммы. Художник тщательно работал над передачей крестьянской быта, его работы были очень реалистичны.
Антуан Ватто
Французский художник Антуан Ватто (1684-1721) писал в разных жанрах. Летняя пастораль представлена праздничными гуляниями в парках. Он писал маскарады, красивые ландшафты, приукрашая действительность и наделяя ее ощущением праздника и веселья.
Жан Оноре Фрагонар
Французский график и живописец Фрагонар (1732-1806) отдавал предпочтение мифологическим сценам. Работая над пейзажами, мастер излишне их приукрашал. его жанровые картины поражают удивительной самобытной композицией, плавностью линий и красотой.
Питер Пауль Рубенс
Творческое наследие нидерландского мастера Рубенса (1577-1640) насчитывает более 3000 картин. Художник отдавал предпочтение религиозной тематике. Технике свойственна воздушность, переходы света и тени едва заметны.
Николас Берхем
Голландский график и живописец Берхем (1620-1683) учился рисунку у своего отца. Он написал более 850 работ. Большинство из них были на тему пасторальных пейзажей или мифологических сцен. Особое внимание мастер уделял эффектам правильного освещения.
Константин Сомов
Русская пастораль представлена работами графика и живописца К.А. Сомова (1869-1939). В пасторальном стиле написаны работы: «Фигуры в парке», «Влюбленные», «Две дамы в парке», «Спящая молодая женщина в парке».
10 известных картин в стиле пастораль
Популярность романа «Аркадия» подтолкнула к развитию стиля пастораль в живописи. Одним из первых художников к этой тематике обратился итальянец Джорджоне.
Сельский концерт
На написанной им картине «Сельский концерт» изображены мужчины в обычной одежде того времени и обнаженные красавицы нимфы. Они будто бы являются плодом воображения изображенных на картине мужчин. Итальянским живописцам того времени было свойственно соединять реальную жизнь с придуманными образами, дополняющими ее.
Сельский концерт
Джорджоне
Авторство этого произведения оспаривается искусствоведами. Есть мнение, что автором пасторали является ученик Джорджоне итальянский художник Тициан. В любом случае, работа была одобрена восторженной публикой.
В течение длительного времени эта картина считалась образцом нового стиля в искусстве. Великий мастер и его талантливый ученик тесно сотрудничали в своем творчестве. Именно поэтому их рисунки имеют поразительное сходство.
Таитянские пасторали
Французский художник Гоген изобразил на своем полотне «Таитянские пасторали» живописный холм с благоухающей магнолией. Яркие краски картины помогают зрителю ощутить красоту жаркого лета на Таити.
Таитянские пасторали
Поль Гоген
Возле магнолии изображены две красавицы таитянки и большая рыжая собака. Вблизи виднеются два холма и уходящая вдаль тропинка. Полотно хранится в коллекции Эрмитажа.
Осенняя пастораль
Осенняя пастораль
Франсуа Буше
На картине Франсуа Буше «Осенняя пастораль» молодой пастух кормит спелым виноградом свою возлюбленную Лизетту. Этот сюжет настолько понравился живописцу, что он написал еще две ему посвященные картины. Пастух и Лизетта со временем превратились в изящные фарфоровые статуэтки.
Пастораль
Пастораль
К. Сомова
На картине К. Сомова «Пастораль» изображены две девушки, одетые в простую и опрятную одежду. Девушки решили отдохнуть на пригорке после похода в лес. Рядом с ними расположился верный друг и охранник пес.
Савояр с сурком
Савояр с сурком
Антуана Ватто
На картине Антуана Ватто «Савояр с сурком» изображен бродячий музыкант. Он путешествует с шарманкой и просит у людей милостыню. На шарманке лежит сурок, животное обнимает своего хозяина. Пейзаж за спиной савояра наполнен светом и красотой.
Качели
Качели
Фрагонар
Прекрасная дама и ее галантные кавалеры изображены на картине Фрагонара «Качели». На заднем плане изображенная статуя амуров будто бы подчеркивает начало романтических отношений. Кого из кавалеров выберет дама — совершенно неважно.
Похищение Европы
Похищение Европы
Клод Лоррен
На картине «Похищение Европы» французский живописец Клод Лоррен изобразил игру солнечных лучей, прозрачность воздуха и даль, застилаемую туманом. Сюжет, который художник раскрыл на фоне пейзажа, послужил основой для написания морской панорамы.
Царство Флоры
Царство Флоры
Никола Пуссен
На полотне «Царство Флоры» Пуссен собрал мифологических персонажей. На полотне изображены влюбленные пары. Каждая фигура, хотя это и не бросается в глаза, снабжена цветком, в который она превращается.
великие концерты от великих художников
Музыка – это нечто мимолетное, то, что исчезает спустя мгновение. Как уловить ее красоту и сохранить для вечности? До изобретения звукозаписывающих приборов это можно было сделать единственным способом – «соединив» c другим жанром искусства, живописью. Bеликие художники разных эпох делали это в разных тональностях, вернее – стилях.
Тициан. «Пасторальный концерт». Ок. 1509 г. Лувр
Видения в безмятежности
Два молодых человека, одетых по последней моде, сидят на лужайке в компании обнаженных женщин и музыкальных инструментов. И это не бытовая сценка, изображающая пикник развратной итальянской молодежи, а скорее всего, аллегория. Одна из дам, держащая флейту, – вероятно, муза музыки, сопровождающая юношу с лютней. Девушка, льющая воду из кувшина, – муза поэзии, спутница второго мужчины. Обе красавицы – ирреальные образы, порожденные вдохновением отдыхающих. Обратите внимание – герои картины оглядываются, обеспокоенные появлением на заднем плане пастуха, чье стадо своими криками нарушило их музыкальный покой. Картина, которая считается самым великим изображением «концерта» в мировой живописи, воплощает идеальное спокойствие, присущее эпохе Возрождения.
Отрада для всех пяти чувств
Караваджо. «Лютнист». Ок. 1595 г. Государственный Эрмитаж
Про это полотно обычно вспоминают тот факт, что позировал для него, скорее всего, спутник жизни Караваджо, молодой художник Марио Миннити. Но все же картина является не портретом в смысле изображения конкретного человека, а иллюстрацией глобальной идеи красоты, причем такой, которую нужно воспринять всеми органами чувств. Для зрения – миловидность лютниста и изящество цветов в вазе. Для обоняния – приятный запах этих цветов, а также лежащих рядом плодов. Эти же фрукты должны напоминать о приятных вкусовых ощущениях. Не забудем и об осязании – наверное, для него предназначена и кожица фруктов, и нежная кожа юноши – кому как больше нравится. И, наконец, пятое чувство, которое, судя по композиции, здесь главный герой, – слух. Именно для его услаждения изображены лютня, ноты со скрипкой. Здесь звучит музыка. Кстати, судя по полуоткрытому рту – нетипичной детали мимики для искусства того времени, юноша еще и поет. Наверняка нежным тенором, а то и альтом! Именно так музыканты развлекали гостей на праздниках XVI–XVII веков – не только на пышных приемах, но и на частных вечеринках.
Похвальное самосовершенствование
Ян Вермеер. «Урок музыки». Ок. 1662–1665 гг. Королевская коллекция Великобритании
В мастерской у Вермеера имелся достаточно ограниченный набор реквизита – ковер, драпировки, несколько кувшинов. И они кочуют у него из картины в картину. Удивительно, но несмотря на однообразие предметов, в каждом полотне художнику удается создать свой уникальный мир. На этой картине, например, запечатлены молодая девушка и преподаватель музыки. Она стоит за верджинелом (разновидностью клавесина), рядом на полу – виолончель. Любопытно, что это не изображение профессионального музыканта за работой, а мирная жанровая сценка. Ведь в Голландии той эпохи уровень жизни был настолько высок, что многие бюргеры могли позволить себе покупку ценных инструментов и обучение своих дочерей музыке. Но дело не только в социальной подоплеке: музыка в картинах малых голландцев использовалась как метафора гармонии и символ скоротечности жизни, неуловимого мгновения.
Почтительные слушательницы
Генрих фон Гесс. «Аполлон и музы». 1826 г. Баварские государственные собрания картин
А вот те живописцы, которые работали в стиле классицизм и вдохновлялись не развлечениями своих друзей и подруг, а античной мифологией, картины про концерты писали более скучные, холодные. Самые торжественные из них обычно посвящены древнегреческому богу музыки и поэзии Аполлону. Бог восседает на горе Парнас в обществе девяти муз, покровительниц всех видов искусств. В руках у него лира – струнный инструмент, на котором в Новое время давно уже никто не играл, однако художники продолжали активно употреблять его в произведениях искусства как опознавательный атрибут. У одной из муз тоже лира в руках – скорее всего, это Терпсихора, покровительствовавшая танцам, или Эрато, отвечавшая за любовную поэзию. А Эвтерпу, покровительницу непосредственно музыки, изображали с предшественниками гобоя или флейты – авлосом или сирингой. Впрочем, в компании Аполлона, как мы видим, дамы не музицируют, а лишь внимают ему в восхищении: типичная гендерная дискриминация для произведений того периода!
Маленькие радости после работы
Антуан Ватто. «Fetes Venitiennes». 1718– 1719 гг. Национальная галерея Шотландии
Великий французский живописец эпохи рококо – времени, которое сознательно избегало всего «великого» и «грандиозного», изобрел свой собственный жанр, называемый «галантные праздники». В них он изображал своих современников – аристократов или актеров, но не в бытовых жанровых сценках, а предающихся увеселениям, танцам, отдыху на природе. Музыка была важным элементом этих маленьких французских пикников времен Людовика-Солнце и его преемника. На большинстве полотен Ватто этого жанра люди поют или танцуют. И хотя подчас музыкальные инструменты не очень заметны, как здесь, их звучание всегда очевидно в зримом танцевальном ритме, который связывает персонажей. На этой картине, название которой примерно можно перевести как «Венецианские увеселения» (в честь оперы балета А. Камбра 1710 года), изображена девушка – возможно, актриса Шарлотта Демаре, фаворитка принца-регента. А ее партнер по танцу, мужчина в «восточном» наряде – друг автора, не очень талантливый художник, зато обеспеченный чиновник от искусства. Глядя на эту сценку, прямо завидуешь развлечениям «интеллигенции» эпохи рококо…
Лица из оркестровой ямы
Эдгар Дега. «Оркестр в Опере». Ок.1870 г. Музей Орсе
Чем ближе к нашему времени, тем меньше художников интересует классическая музыка. Импрессионисты – к примеру, Дега или Тулуз Лотрек, предпочитали более фривольные развлечения: варьете или уличные кафешантаны, то есть открытые террасы, где певички с большим декольте, грассируя, распевали свои песенки. Однако у Дега неистребимой оставалась и любовь к балету – а как тут без классических музыкантов? Так возникла его картина «Оркестр в Опере», по сути групповой портрет музыкантов Гранд-Опера. Большинство лиц в оркестровой яме узнаваемы – это конкретные люди, друзья и знакомые художника, например Дезире Дихау (с фаготом). Дега умудрился даже в ложу на заднем плане поместить конкретного человека – это композитор Эммануэль Шабрие. А вот балерины обезличены – это всего лишь ножки, извечный символ ускользающей красоты в жизни Дега.
О самых интересных выставках, концертах, аукционах, турнирах, чемпионатах и других значимых событиях читайте в MY WAY.
Текст: Софья Багдасарова
Слово о великом художнике, живописце мордовских женщин (Солнечная пастораль)
Солнечный художник, светлый живописец, создающий полотна, на которых люди радуются жизни, счастливо улыбаются, всюду — уютная пастораль. Все эти эпитеты хороши при анализе творчества нашего земляка Федота Васильевича Сычкова. У него почти нет темных тонов, на картинах вечно радостная природа, счастливые люди, хотя сама судьба не всегда была к нему благосклонна. Наши современники мало знакомы с его творчеством. Между тем в начале прошлого века его полотна выставлялись в парижских салонах, приобретались в частные коллекции. Его улыбающиеся мордовочки смотрелись вполне естественно среди творений европейских мастеров. В то время объектами русских живописцев стали не только рокотовские утонченные дворянки, кустодиевские купчихи, но и крестьянки. Западных ценителей привлекал сельский быт России, в картинах Сычкова присутствовало то, чего нельзя было обнаружить у других художников. А самобытность всегда ценна. Полная коллекция художника составляет свыше 700 полотен. Наш очередной материал из рубрики «Наши знаменитые земляки» — о нем.
Федот Васильевич Сычков родился 1 марта 1870 года в бедной крестьянской семье в селе Кочелаево Пензенской губернии на берегу широкой Мокши. Ему, русскому по национальности, было суждено посвятить свою жизнь и творчество мордовскому краю, воссоздать на своих полотнах жизнь народа-труженика в буднях и праздниках, красоту местной природы. Отец был бурлаком и рано умер от каторжной работы. Чтобы прокормиться, маленький Федот был вынужден вместе с матерью пойти с сумой, терпя насмешки деревенских сверстников. С тяжелым трудом ему суждено было познакомиться в раннем детстве. Он был способный и хотел учиться, но крестьянскому ребенку об этом можно было только мечтать. Мать и не думала об этом, а в трехклассную земскую школу Федот поступил, благодаря стараниям бабушки в 8 лет. На его особое дарование в рисовании уже тогда обратил внимание учитель П.Е.Дюмаев и преподал азы в этом направлении. Мальчик схватывал все на лету. Но на дальнейшее обучение нужны были деньги и связи, благодаря которым можно было пристроиться в специальную художественную школу. Поэтому последовала грошовая работа подмастерьем в иконописной мастерской. Он писал фрески в церквях, два года работал у подрядчика иконописца Д.А. Решетникова в Сердобске, выполнял портреты по фотографиям. В то время он создал несколько картин сельского быта, начал писать портреты односельчан. Первой заказной картиной Сычкова стала «Закладка станции Арапово». Заказчик ее, местный помещик генерал Иван Арапов был доволен выполненной работой и решил принять участие в дальнейшей судьбе самоучки. Он отвез эту картину в Петербург и показал директору рисовальной школы Общества поощрения художеств Евгению Сабанееву, на которого она произвела впечатление. Талантливого юношу взяли на обучение. Там уже Федот стал знакомиться с мастерством живописи на профессиональной основе.
Шестилетний курс рисовальной школы Сычков прошел за три года. После этого его согласились принять вольнослушателем в Высшее училище живописи, ваяния, архитектуры при Санкт-Петербургской академии художеств. Только все деньги на обучение он должен был добывать сам. Именно там он профессионально сформировался, определилась его художественная направленность, склонность к жанрам и стилям. Помимо портретной живописи, его привлекал бытовой жанр. Кумиром для начинающего художника стал Илья Репин, чье творчество и личное общение произвели глубокое впечатление. Позже Сычков признавался, что его творческая манера во многом сформировалась на основе художников- передвижников. В 1900 году Федот Васильевич был удостоен звания «художник», присвоенное за полотно «Вести с войны».
После обучения Сычков решил остаться в Петербурге. Ему необходимо было о себе заявить. В это время он очень много работает, активно участвует во всех столичных художественных выставках. Его полотна побывали на выставках «Санкт-Петербургского общества художников» и «Общества русских акварелистов», «Общества имени А.И.Куинджи», на ряде международных выставок и были удостоены различных премий и наград. Он приобрел известность, говоря сегодняшним языком, стал популярным. Основный жанр его творчества — пейзажно-бытовой, но он также успешно работал в жанре портрета. Написание одного портрета было для него судьбоносным. На нем — Лидия Анкудинова, ставшая настоящей музой художника. По словам биографов Сычкова, роль этой изящной хрупкой петербургской барышни в судьбе художника была значима и неоценима. В 1903 году она стала женой художника, разделив с ним до конца жизни все радости и печали. Вместе с ним жила в селе Кочелаево, в мордовской глубинке, посещала выставки, была в курсе всех событий художественной жизни. Лидия Николаевна вдохновляла его на создание ряда сюжетов, собирала различные предметы национального мордовского костюма, аутентичные украшения, бытовые элементы. Это были рубахи, шали, пояса, бусы и многое другое. Он активно использовал все собранные национальные атрибуты в своих портретах. Ее уважали и ценили многие художники – друзья Сычкова.
В 1908 году Федот Васильевич с супругой совершили путешествие по европейским странам: Италии, Франции, Германии. Они побывали в величайших музеях мира, познакомились с шедеврами европейской живописи. Эта поездка сыграла большую роль в формировании художника, он получил мощный творческий заряд. Он не оставлял работу и за границей, привез с собой много пейзажей Рима, Венеции, Ментона. Период, последовавший за европейской поездкой, биографы потом назовут самым плодотворным в творчестве живописца. За 10 лет было создано около полусотни произведений. Среди них — одни из лучших его полотен: «С гор», «Полоскальщицы»(1910), «Деревенская свадьба»(1911) «Девичник», «Трудный переход»(1912) « Катание на масленице»(1914), «Опять на родине», «Водосвятие»(1916). В эти годы его работы неоднократно отмечались на международных выставках. Отныне в основе его творчества постоянно присутствует жизнь крестьянских семей, отражение крестьянского быта, праздников, простая самобытная среда, близкая и понятная людям. Очень скоро он приобретает всенародную известность.
Великая Октябрьская революция резко поменяла жизнь Федота Сычкова, заставив его поступиться приоритетами. Привычной и уютной жизни в Петербурге не стало, богатые заказчики и просторная мастерская исчезли. Пришлось вернуться в родное Кочелаево. Он с супругой поселился в крытой соломой избе, в небольшом пристрое сделал мастерскую. Кормиться приходилось со своего огорода. Новая жизнь внесла изменения и в его творчество. Он написал ряд картин революционной направленности, созвучные были и названия: «В.И.Ленин освобождает из тюрьмы угнетенных пролетариев всего мира» и т.д. Он также активно участвует в оформлении революционных праздников не только в родном селе, но и в близлежащих городе Наровчате и станции Арапово (с 1918 года ставшей Ковылкиным). Разумеется, это было вынужденной мерой, надо было выжить. В 20-е годы он вновь вернулся к любимой кочелаевской теме: сельские пейзажи, улыбающиеся мордовочки, резвящаяся детвора. Кстати, в селе Кочелаево он прожил большую часть своей жизни.
Образ женщины – это отдельная тема в творчестве Сычкова. Это не хрупкие тургеневские женщины, покорявшие своих кавалеров в светских салонах. Его красавицы напоминают шедевры эпохи Возрождения. Это — праздник цветущей жизни. Но если женщины Ренессанса часто бывают излишне угрюмые, то у Сычкова на первом месте всегда улыбка. Радость жизни, несмотря ни на что. Он часто изображал своих персонажей в национальных костюмах, которые ему очень понравились. Он считал их произведением искусства. Федот Васильевич стал первым из мордовских художников, который запечатлел образ женщины за работой: на сенокосе, при сборе урожая, за рулем трактора, за учительским столом. Картины написаны с любовью, с восхищением. Сычкова называют первым из мордовских художников, попытавшимся ввести в искусство производственную тему. Он сделал это умело и талантливо. «Праздник урожая» — это высокое искусство. Очень красочно показано возрождение деревни, ее быт. Оценивая особое отношение к мордовскому народу, биографы Сычкова часто приводят выдержку из его письма коллеге художнику Н.А.Каменьщикову: «Я не мордвин,а чисто русский и мало от роду видел мордву. Только теперь за двадцать последних лет заинтересовался ею и очень люблю прошлое мордвы, их национальные костюмы и прочее… Я немало в последние годы сделал, изображая мордовский быт, да как же иначе, ведь я оказался настоящим жителем Мордовской АССР. Здесь меня наградили почетным званием и дали персональную пенсию. Ну, так вот поэтому я связан с мордвой крепко и пожизненно». Так Мордовия обрела своего национального художника.
Необходимо отметить, что в республике сделано немало в плане увековечивания памяти Федота Васильевича Сычкова. Когда говорят о великих самородках мордовского народа, вместе с Эрьзей всегда называют и Сычкова. Один в камне, другой на холсте, лучше их мордву не изображал никто. В 1960 году в Мордовском республиканском музее изобразительных искусств имени С. Д. Эрьзи была размещена постоянная экспозиция его произведений (в фондах этого музея находится самая большая коллекция живописных и графических работ Сычкова — около 600 произведений, включая этюды и эскизы). Картины Сычкова можно также встретить в музеях Москвы, Санкт-Петербурга, в других городах страны, во многих частных коллекциях. К 100-летию художника, в1970 году на его родине был открыт мемориальный Дом-музей. Саранское художественное училище носит также имя Ф.В.Сычкова.
Сычков любил воспевать молодость жизни, свежесть чувств. В одном из писем художнику Е.М. Чепцову он писал: «Не хочется быть старым! Как говорят, художники не могут стареть, их работы должны быть всегда молоды и интересны».
Сычкову это удалось. Он всем интересен до сих пор.
Семен МИХАЙЛЕВИЧ
(При работе над материалом использовались интернет-источники).
Ошибка 404. Страница не найдена
Показать: Топ русских художниковТоп мировых художниковТоп ныне живущих художниковТоп мировых скульпторов
Топ 34
- 1. Альберто Джакометти$141,7 млн
- 2. Дэмиен Херст$100 млн
- 3. Константин Брынкуши$71 млн
- 4. Амедео Модильяни$70,7 млн
- 5. Джефф Кунс$58,4 млн
- 6. Неизвестный автор$57,2 млн
- 7. Анри Матисс$48,8 млн
- 8. Поль Гоген$30,96 млн
- 9. Генри Мур$30,1 млн
- 10. Виллем де Кунинг$29,28 млн
- 11. Пабло Пикассо$29,2 млн
- 12. Неизвестный автор$28,6 млн
- 13. Луиз Буржуа$28,16 млн
- 14. Адриан де врис$27,9 млн
- 15. Александр Колдер$25,9 млн
- 16. Неизвестный автор$23,826 млн
- 17. Дэвид Смит$23,816 млн
- 18. Ив Кляйн$22 млн
- 19. Огюст Роден$20,41 млн
- 20. Неизвестный автор$19,1 млн
- 21. Эдгар Дега$18,82 млн
- 22. Маурицио Каттелан$17,19 млн
- 23. Неизвестный автор$16,88 млн
- 24. Такаси Мураками$15,16 млн
- 25. Дональд Джадд$14,16 млн
- 26. Неизвестный автор$11,64 млн
- 27. Антонио Канова$11,5 млн
- 28. Брюс Науман$9,9 млн
- 29. Аристид Майоль$8,32 млн
- 30. Неизвестный автор$8,146 млн
- 31. Сай Туомбли$7,7 млн
- 32. Хулио Гонсалес$7,45 млн
- 33. Марино Марини$7,15 млн
- 34. Урс Фишер$6,8 млн
Буше, Франсуа. Все картины художника
Франсуа Буше, первый живописец короля
Франсуа Буше является ярким представителем эпохи рококо и мастером художественных искусств во французской живописи начала 18 столетия. Творчество Буше крайне тяжело охарактеризовать только в одних оттенках и ракурсах, так как его изобразительная деятельность распространяется не только на картины, а ещё и на гравюру и декорирование. Будучи придворным художником короля, Франсуа, неоднократно поручали наиболее ответственную работу в сфере творческой занятости такую как: декорирование книг, создание неповторимых костюмов и образов для Парижской оперы, участие в исполнении уникальных интерьеров. Франсуа Буше предстает перед нами неким экстремалом своего времени, ибо вкус его неповторимого искусства основан исключительно на импровизации, нежели на приобретенном опыте. И все эти черты находят своё отражение, как в его картинах, так и в прочих художественных работах.
В своих художественных композициях Буше неоднократно затрагивает мифологию наряду с пасторалями и аллегориями. Благодаря столь неординарному смешению появляются образы, насквозь пронизанные сентиментальностью, чувственностью и даже некой неестественной слащавостью.
На своих полотнах Франсуа Буше предпочитал изображать персонажей, которые поддаются любовным утехам, или же изображены при занятии своими повседневными делами. Герои картин наполнены голубыми и нежно-розовыми тонами красок. Плавные переходы теней и контрастов дополняют композиции картин в их и так сложном сочетании изгибов, линий и объемов фигур. Буше гениально владел приемами драпировки, подачи света ракурсами, располагая своих персонажей таких образом, что рядом с ними мог располагаться ещё целый ряд предметов и декораций. Работы Франсуа Буше поражают своей раскованностью и чувственностью. Особое предпочтение и внимание Буше уделил богине Венере, а также будничной парижской повседневности и совсем простым зарисовкам из деревенской жизни.
Отличительной особенностью картин Франсуа Буше являются светлые и жемчужные тона, в которых выполнены все картины художника. Окутывая весь сюжет картины некой дымкой, художник придает им ещё больше таинственности и прозрачности, которую он всегда и стремился изобразить на своих картинах. Буше – любитель мифологической тематики. В его картинах не присутствует правдивость и реалистичность. Вся композиция картин проникнута однообразием, но она крайне тонко детализирована и идеальна в каждом штрихе.
Немного вникнув в конкретные факты из жизни художника, стоит упомянуть его поездку в Рим. Данное событие имеет особый характер, ведь оно косвенно повлияло на всё творчество Франсуа Буше. Автор известнейших картин, посетил Италию для глубоко изучения творчества и жизненного пути найизвестнейших художников, таких как Альбано, а также Пьетро да Кортоне. Кортоне стал основополагающим элементом последующего творчества Буше. Картины автора стали напоминать полотна которые вышли из под кисти уважаемого и наследуемого им Пьетро. Но несмотря на ярое увлечение и почитание Кортоне, Франсуа не растерял своей самобытности, а лишь подчеркнул отдельные детали своих полотен, которые по мнению критиков и современников автора стали более чётко выверенными, приобрели недостающий сильный стержень и мужество, смешанное с лёгким, характерным для автора в будущем, холодком.
Тонкая душевная организация первого художника короля, чётко прослеживается в каждой из его легендарных работ. Образцом колоритности и просвещённости в глубинах самых разномастных сфер Буше, можно назвать работу «Геркулес и Омфала». Знатоки изобразительного искусства, неоднократно указывали на яркий отблеск фламандских мотивов в этом произведении, а соответственно и в глубоком восприятии мира художником. Выразительные черты и мимолётные, иногда незаметные для обычного наблюдателя выразительных образов, детали, говорят о недюжей наблюдательности Франсуа. Только проникнутый сутью вещей и их самыми малейшими особенностями творец полотен, способен добиться и создать неповторимые и наполненные характерами образы существ, героев Эллиады, а также знатных персон мифологии и этноса.
Франсуа Буше пережил и острый кризис своего творчества. Ближе к концу восемнадцатого столетия, автор глубоко прочувствовал и перенёс на себе деградацию аристократии. Аристократическое общество того времени напоминало Франсуа жалкую пародию, насмешку над былым строем. Писатель попал во времена пережитков и это разительно изменило его почерк. Картины автора стали жёсткими, не свойственно ему холодными и по мнению некоторых ценителей «неживыми». Как и в пережитках аристократии, на полотнах появился напускной пафос, жёсткие элементы насмешек и превосходства, высокомерие. Изящество, хрупкость образов и их характеров – полюбившиеся почитателями автора элементы, ушли в небытие, скрылись под пылью переживаний и смутной скорби автора о былых временах и устоях культурной жизни общества. Рококо, присущий Буше, исказился до неузнаваемости и безобразности. Тем самым, в который раз картины автора отразили его внутреннюю душевную боль, переживания и тонкость творческой натуры.
Природа в живописи русских художников
Первозданная природная красота, переданная на холсте рукой художника – обычно так звучит определение пейзажа в художественной живописи. Пейзаж относительно молодой вид искусства, но, несмотря на это, он является одним из самых популярных. Множество самых ценных и знаменитых картин мировой живописи как современных художников, так и художников прошлого представляют собой именно пейзажи.
Пейзажная живопись как жанр оформилась в России отдельно только в середине XVII века, до этого периода изображение природы использовали только как фон для портретов и сюжетных картин. Художники стали внимательнее изучать натуру. Значительно продвинулись знания в области композиции, перспективы, светотени, пропорции, колорита. Природа в живописи становилась равноправной частью сюжета, а не только «подкладкой», правильностью отрисовкой которой часто пренебрегали.
Расцветом пейзажной живописи принято считать момент изобретения тюбиковых красок. С ними у живописцев появилась возможность выезжать на плэнеры – сеансы живописи на натуре. На пленэре художнику удавалось ухватить всё богатство красок окружающего мира в естественном освещении и на открытом воздухе. Именно натура позволила художникам создавать пейзажную живопись максимально реалистично и живо.
Пейзаж обычно представляет собой изображение открытого пространства. Основой его могут служить вода, горная или равнинная местность, растительность, строения и даже звёзды и космос, опционально современный художник может включать туда изображения животных, людей, но они не становятся основными элементами.
В зависимости от мотива пейзажная живопись подразделяется на виды и подвиды.
Виды пейзажей.
1. Природный. Характеризуется изображением спокойной, благостной природы, а также детальной прорисовкой элементов: ветви деревьев, переливы ручьёв, травинки, облака. Воздух, пространство, перспектива − главные герои на полотнах этого жанра. К нему относится горный, равнинный, лесной пейзажи. Картина Ивана Шишкина «Утро в сосновом бору» − ярчайше иллюстрирует этот вид пейзажной живописи.
2. Сельский (деревенский, пастораль). На нём изображается крестьянский быт, сбор урожая, домашний скот, бескрайние поля и луга, церкви и сельские избы, мельницы, кузни, пасека. Покой, безмятежность и простота сельского быта являются неотъемлемой частью живописи русских художников-пейзажистов конца XIX — начала XX века. Вдохновлённые простой и лирической красотой русской деревни, такие великие художники пейзажной живописи, как Саврасов, Шишкин, Левитан, Рерих создали свои самые знаменитые шедевры.
3. Морской (марина, маринизм). Море – живой источник вдохновения для целой плеяды известнейших художников. Говоря о морских пейзажах нельзя не упомянуть знаменитого русского художника-мариниста Ивана Айвазовского. Его картины являются ярчайшими образцами жанра: корабль в штормящем море, бьющие о скалы волны, морской берег в лунном свете, залив у приморского городка, песчаный пляж, порт, сошедшие на землю моряки. «Буря на море ночью», «Девятый вал», «Неаполитанский залив» — яркие примеры морских пейзажей.
4. Архитектурный. Архитектурный пейзаж изображает здания и сооружения различного типа: дома, мосты, дворцы, храмы, крепости, колоннады – в целом, все виды монументальных строений (кроме индустриальных), созданных руками человека. На картинах этого жанра могут быть изображены как отдельные здания, так и целые улицы. Чаще всего художники писали памятники архитектуры.
5. Ведута. Подвид архитектурного пейзажа, при котором на картинах выписывается городской пейзаж в виде панорамы с тщательным соблюдением пропорций и масштаба. Был популярен в Венеции в начале XVIII века, потому огромное количество картин представляли собой изображения каналов и улочек Города, стоящего на воде.
6. Городской (урбанистический). На нём можно увидеть как целые улицы, так и открытые кафе, яркие вывески, фонтаны, арки, плотный поток машин и людей – всё, с чем может быть связана в нашем воображении обычная городская жизнь. Яркий пример – пейзажи маслом, относящийся к живописи относительно современного художника Константина Коровина «Бастилия» 1928г., «Ночной Париж», 1920г. Урбанистический поджанр представляет собой изображения высотных зданий и мегаполисов. Художники пейзажной живописи вдохновляются также и высокими технологиями, используют необычные ракурсы, техники и приёмы рисования. Их вы можете наблюдать в картинах Джереми Манна и Валерио Д’Оспино.
7. Парковый. Красота природы в местах отдыха. Парки, скверы, сады, фонтанные комплексы, дорожки и аллеи являются центровыми «персонажами» в пейзажах этого типа. Примеры: Алексей Мартынов «Царскосельский парк», Архип Куинджи «Солнечный свет в парке», Иван Шишкин «В парке».
8. Индустриальный. Развился, как самостоятельный жанр во время расцвета социализма. Художников вдохновлял стремительный процесс развития промышленности. Объектами для изображения становились заводы, железные дороги, фабрики, электростанции, вышки, тяжелая техника и прочие. В этом жанре работало множество советских живописцев, т.к. картины, как и искусство в целом, были одним из элементов пропаганды. Яркими примерами жанра можно назвать картины: Клод Моне «Угольщики», 1875 г., «Транспорт налаживается» Борис Яковлев, 1923 г., «Азот» нашей современницы Лукии Муриной.
09. Голландский. Для них характерен приглушённый колорит, особая цветовая гамма, близкая к естественным оттенкам природы. В отличие от идеалистического изображения природных мотивов в реализме, «голландцы» передают скромную и очень сдержанную колористику, характерную для Голландии – родине жанра.
10. Романтический. Пейзаж с «бунтарским духом». Отличается от других пейзажей некой нарочитостью: буйные волны, бушующее в грозу небо, красные, тревожные закаты. Сюжеты этих пейзажей стремятся поднять зрителя над обыденностью, сделать его частью своего героического мира, вдохновить. Например работы Валерия Шевченко.
11. Интерьерный. Изображает внутреннее убранство интерьеров.
12. Экстерьерный. «Главным» героем выступает внешний вид помещения.
13. Исторический. Описывает знаковые события, произошедшие в прошлом, знаменитые природные явления и катастрофы, архитектурные памятники, характерные периоду, передаёт эмоциональное состояние участников события и автора картины.
14. Каприччо (буквально – каприз, прихоть). Пейзаж-фантазия. На нём изображаются архитектурные здания, которых не существует.
15. Космический. Изображает просторы космоса, планеты, звёзды, миры будущего.
16. Космополитический. Пользовались большой популярностью в Голландии. На картинах изображались вымышленные пейзажи в итальянском стиле.
По времени года пейзажи подразделяются на весенний, летний, осенний, зимний. Природа в живописи русских художников была прекрасна во все её периоды. А. Саврасов («Грачи прилетели», «Осень», «Ночь», «Зима»), И. Шишкин («Утро в сосновом бору», «Рожь», «На севере диком», «Осень»), И. Левитан («Золотая осень», «Март», «Озеро»), А. Куинджи («Лунная ночь на Днепре», «Берёзовая роща», «После дождя»), И. Репин («Какой простор!», «Абрамцево», «Пейзаж») в разные периоды творчества изображали и оттепель, и снежные морозные дни, и яркое зелёное лето, и яркую, красочную осень.
Стили пейзажей и знаменитые художники пейзажной живописи России
1. Реализм. Подавляющее большинство живописцев предпочитает реализм. Несмотря на повсеместное распространение фотографии, этот стиль не теряет актуальности и постоянно развивается: отделение подстиля «гиперреализм» в самостоятельный стиль тому подтверждение. Мастерство современных художников пейзажистов и их гиперреализма поражает воображение: чёткости и прописанность деталей неотличимы от фотографичного изображения, но в картинах этого стиля остаётся «душа» и настроение, которые способно создать только кисть художника. Старые мастера повсеместно использовали приёмы практически полного копирования окружающей среды: в картине Ивана Шишкина «Рожь» чётко выделены отдельные колоски, травинки, полевые цветы, а небо мы точно уже когда-то видели над собственной головой.
2. Импрессионизм. В импрессионизме использовался особый набор художественных методов: отказ от чётких контуров, отказ от детализации, прорисовки, лессировки, наложение краски густыми крупными энергичными мазками (размеры и способы наложения могли быть самыми разнообразными), отказ от смешивания красок – цвета зачастую брались прямо из тюбика. Во внимание бралась субъективность восприятия художника, а не желание изобразить предмет максимально приближенным к реальности. Импрессионизм в живописи русских художников начался с «Портрета хористки» Константина Коровина и продолжился в пейзажах Валентина Серова «Гурзуф», Александра Герасимова, Игоря Грабаря, Юрия Пименова и многих других.
3. Абстракционизм. Основателем течения является Василий Кандинский. Этот стиль противопоставлен реализму – он является отражением фантазии художника и порой искажает предметы до полной неузнаваемости и даже абсурда. Например «Сад Мурнау» или «Пейзаж» Кандинского позволяет лишь догадываться о том, что там всё-таки изображено.
4. Сюрреализм. Говоря о сюрреализме невозможно не упомянуть о Сальвадоре Дали. «Пейзаж с таинственными деталями», «Явление Лица Афродиты Книдской в пейзаже» можно считать одними из образцов этого течения. На пейзажах сюрреалистов зачастую отсутствуют характерные для стиля объекты: горы, реки, леса. Данная живопись – это отражение внутреннего мира, снов, фантазий живописца. Ежедневно просматривая одну и ту же картину жанра можно находить на ней всё новые и новые смыслы и детали. В современное время сюрреализм всё чаще переходит в цифровую живопись. Яркими представителями русского сюрреализма являются Николай Акимов, Павел Челищев, Владимир Куш, Алексей Фишгот, Михаил Хохлачёв и т.д.
Пейзажная живопись русских художников известна во всём мире. Русская земля подарила миру множество великих имён: Василий Поленов, Исаак Левитан, Иван Шишкин, Алексей Саврасов, Архип Куинджи – это лишь крохотный список художников, воспевших красоту родной страны в своих пейзажах.
ЗАБЫТЫЕ ИМЕНА РУССКИХ ХУДОЖНИКОВ: КОНСТАНТИН СОМОВ
Продолжаем рубрику «забытые имена русских художников». Сегодня детально рассмотрим и полюбуемся творчеством гениальнейшего русского живописца 19-20 вв. — Константина Сомова.
У каждого художника есть свои фишки, свои любимые персонажи или образы. Если у мариниста Айвазовского — это море и пучина, то у Шишкина — леса да рощи дубовые. У Бориса Кустодиева — пышнотелые красавицы и купчихи, а работы Васнецова изобилуют сказочными персонажами, былинными героями. Суриков обожал Древнюю Русь, тогда как Михаил Врубель сходил с ума от демонов… На самом деле разобраться в русской живописи не так сложно — нужно только приглядеться к деталям. У каждого художника, повторюсь, свой фетиш.
Так вот, у неизвестного на первый взгляд живописца-иллюстратора Константина Сомова также был свой фетиш, причем не один. Его конек — это эротические и похотливые дамы, влюбленные Арлекины, бесконечные радуги, маскарады и праздники. И большая часть картин очень светлые, веселые, без скуки и депрессии… К слову, к неизвестным художникам Константина Сомова относить нельзя. Вспомнить хотя бы знаменитый портрет поэта Александра Блока, написанный Сомовым в 1907 году. Ведь, все его видели, но не каждый знает автора:
Но прежде чем перейти к знакомству с полотнами мастера, расскажу вам один любопытный факт:
29 ноября 2006 года картина «Русская пастораль» (1922) Константина Сомова на знаменитом аукционе «Кристис» была продана за рекордную сумму в 2 миллиона 400 тысяч фунтов стерлингов. До этого ни одна картина русского художника не оценивалась столь высоко.
Этот рекорд стоимости русской живописи был побит в Лондоне на том же аукционе «Кристис» в июне 2007 г. картиной того же художника — картина Сомова «Радуга» была продана за 3,716 млн фунтов (более $7,327 млн) при стартовой цене 400 тысяч фунтов (около 800 тысяч долларов).
Картины Сомова символичны. В каждую картину мастер прятал какую-нибудь интересную деталь. Автор заряжает особенным чувством, эмоцией поиска деталей, штрихов, разгадки маленьких тайн. Что-то отдаленно похожее на современный квест. Итак, смотрим и не забываем о деталях.
Лучшие работы Константина СомоваАрлекин и дама (Фейерверк). 1912
Арлекин и дама. 1912 (обновленный вариант)
Арлекин и дама. 1921
Арлекин и смерть. 1907
Влюбленный Арлекин. 1912
Галантная сцена (В саду). 1918
Итальянская комедия. 1914
Ищем двух вьетнамцев)
Язычок Коломбины. 1915
…и вьетнамец в белом… в той же позе…)
Пьеро и дама. 1910
Маскарад. 1925
В лесу. 1914
Вечер. 1900-1902
Влюбленные. Вечер. 1910
Маскарад. 1930-е
Осмеянный поцелуй. 1908
Письмо (Таинственный посланец). 1896
Поцелуй. 1914
Праздник в окрестностях Венеции. 1930
Семейное счастье. 1898-1900
Дама в голубом (Портрет Елизаветы Михайловны Мартыновой, 1900).
Молодая девушка в красном платье (Девушка с письмом). 1912
Спящая молодая женщина в парке. 1922
Спящая женщина в синем платье. 1903
Спящая молодая женщина. 1909
Две дамы в парке. 1919
Заснувшая на траве молодая женщина. 1913
Лето. 1919
Обнаженный юноша (Б. М. Снежковский). 1937
Боксёр 1933
Зима. Каток. 1915
Русский балет. 1930
Фейерверк. 1922
Пейзаж с радугой. 1915
Портрет С. В. Рахманинова. 1925
Окно — дверь — пейзаж (Открытая дверь в сад). 1934
Автопортрет в зеркале. 1934
Нашли ошибку? Выделите ее и нажмите левый Ctrl+Enter.
10 знаменитых пейзажей и картин природы
Создание картин природы следует двум различным школам: китайской пейзажной живописи и западному искусству. Знаменитые картины природы подразделяются на различные категории: от очень реалистичных изображений природы, подробных акварельных иллюстраций различных видов животных и новых открытий мира до потрясающих примеров абстрактных пейзажных картин и самых знаменитых нефигуративных картин 20 век.
Чистое очарование художников, природа — прекрасное место, где можно запечатлеть внутренние чувства и прогрессивные идеи нового эстетического языка и тенденций. В прошлом художники часто воссоздали природу в своих студиях, и эти модели помогли им создать одни из величайших образов в истории искусства. С рождением авангардного движения импрессионизм художники перебрались в сельскую местность и начали рисовать на пленэре . Изучая изменчивый свет и исследуя восприятие цвета, природа стала отправной точкой для крупных достижений, навсегда изменивших лицо искусства.Для многих картина Клода Моне, особенно его серия исследований света в Руанском соборе, провозглашала абстракцию в искусстве. Пионер-абстракционист Василий Кандинский использовал природу как отправную точку для своих картин, в которых основное внимание уделялось понятию духовного и суггестивного в искусстве. Сегодняшние пейзажи демонстрируют важность живописи на открытом воздухе, которая продолжает очаровывать художников-пейзажистов.
Знаменитые картины природы, которые следуют ниже, демонстрируют мастерство художественных достижений и считаются одними из самых популярных картин природы.Прокрутите вниз и изучите некоторые из знаменитых картин известных художников-натуралистов.
Featured image: Винсент Ван Гог — Пшеничное поле с кипарисами. Изображение с wikimedia.org; Клод Моне — Стога сена. Изображение через widewalls.ch; Анри Руссо — Мечта. Изображение взято с wikipedia.org
Водяные лилии — Клод Моне
Знаменитый французский художник Клод Моне был одним из самых знаменитых импрессионистов, чьи натурные картины хорошо известны в истории искусства.Исследуя изменчивую природу света и восприятие чистого цвета, его картины определили стиль импрессионизма. Его знаменитая серия Кувшинки , а также его картины Стога сена и Le Dejeuner sur l’Herbe (вдохновленные шедевром Мане) демонстрируют новую технику — en plein air . Вынося мольберт на улицу, Клод Моне был одним из многих художников-импрессионистов и постимпрессионистов, которые пропагандировали прямой контакт с природой и использовали его для развития новых тенденций в живописи.
Featured image: Клод Моне — Кувшинки. Изображение взято с wikimedia.com
Звездная ночь — Винсент Ван Гог
Дикие и выразительные картины голландского художника-постимпрессиониста Винсент Ван Гог стали приобретать широкую популярность только после смерти художника. Его картины природы — не только одно из самых выразительных произведений, но и образы, которые для многих действуют как следы внутренней работы и смятения души автора.Его холсты сочатся кружащимися, густыми и яркими цветами, что видно на одной из его самых известных (и любимых) картин «Звездная ночь ». Другие известные картины природы, созданные художником, — это Wheatfield Under Clouded Sky и Daubigny’s Garden , которые он написал в последние недели своей жизни.
Featured image: Винсент Ван Гог — Звездная ночь. Изображение взято с wikimedia.com
Глостер-Харбор — Уинслоу Гомер
Американский художник-самоучка Уинслоу Гомер сначала работал коммерческим иллюстратором.Очарованный природой, он начал исследовать традиционную масляную среду и вскоре прославился своими пейзажами и морскими сюжетами, созданными во время его рабочих каникул. Его картина природы Gloucester Harbour демонстрирует красоту цвета, меняющийся свет и безмятежную атмосферу отдыха на море. Другие картины художника, вдохновленные природой, включают Sunlight on the Coast , часть коллекции Художественного музея Огайо Толедо, Song of the Lark и Cloud Shadows .
Featured image: Уинслоу Гомер — Глостер-Харбор. Изображение взято с wikiart.com
Оксбоу (Река Коннектикут около Нортгемптона) — Томас Коул
Американский художник Томас Коул считается основателем Школы реки Гудзон . Школа была основой движения 19-го века, созданного рядом художников-пейзажистов, эстетическое видение которых находилось под влиянием романтизма. Этот традиционный период способствовал развитию диких и выразительных качеств, которые природа считала основой для более глубоких философских тем.Коул был известен своими красивыми и реалистичными картинами, изображающими суровую дикую природу Америки, как показано в его картинах «Отдаленный вид на Ниагарский водопад» , «Дом в лесу» и «Оксбоу ». Для многих его картины являются формой аллегорического искусства, поскольку они часто скрывают темы, которые выходят за рамки простых изображений природы.
Показанное изображение: Коул Томас — Оксбоу (река Коннектикут около Нортгемптона). Изображение взято с wikimedia.org
Солнечный свет и тень — Болота Ньюбери — Мартин Джонсон Хид
Американский художник-пейзажист Мартин Джонсон Хид большую часть времени путешествовал по тропикам, где его вдохновили нарисовать множество изображений с цветами и птицами.Изучая окружающий мир, он начал специализироваться на изображениях солончаков в прибрежной зоне Новой Англии. Его картина « Солнечный свет и тень: болота Ньюбери » не только отражает его интерес к этой теме, но также отображает подробный анализ ландшафта. Его другие известные картины природы включают скал в Новой Англии , Пейзаж Род-Айленда и Восход солнца в Никарагуа .
Показанное изображение: Мартин Джонсон Хид — Солнечный свет и тень, Болота Ньюбери.Изображение взято с wikimedia.org
Взгляд вниз по долине Йосемити — Альберт Бирштадт
Немецко-американский художник Альберт Бирштадт был связан с движением «Школа реки Гудзон», вдохновленным американским Западом. Красота природы и ее дикая природа часто были предметом его знаменитых картин природы. Среди его знаменитых картин природы, которые многие связывают также с Движением школы Роки-Маунтин, является его картина Глядя вниз на долину Йосемити .
Показанное изображение: Альберт Бирштадт — Взгляд вниз по долине Йосемити. Изображение предоставлено artsbma.org
Дорога возле Мон-Сент-Виктуар — Поль Сезанн
Поль Сезанн был французским художником и видным деятелем постимпрессионистского движения. Прославленный как один из революционных художников-авангардистов 20-го века, Сезанн отказался от традиционного правила перспективы в искусстве и сосредоточил свои работы на исследовании формы и цвета.Его забота о независимом качестве объектов в его работах привела к уплощению поверхности и использованию геометрических форм, которые позже вдохновили движение кубизма. Его знаменитая картина с изображением природы « Road Near Mont Sainte-Victoire » демонстрирует его интерес к выражению природы и ее элементов с помощью основных геометрических форм и плоских участков ярких цветов.
Featured image: Поль Сезанн — Дорога возле Мон-Сент-Виктори. Изображение взято с wikiart.org
Фламинго — Анри Руссо
Французский художник-постимпрессионист Анри Руссо , как известно, утверждал, что у него « нет другого учителя, кроме природы ».Как художник-самоучка, многие определяют его работу как следствие тенденции наивного искусства и прославляют его стиль и изображение природы и человеческой фигуры. Известный своими изображениями джунглей, его картина природы «Фламинго » и знаменитая работа «Сон » демонстрируют сопоставление реального и воображаемого.
Featured image: Анри Руссо — Фламинго. Изображение взято с allpaintings.org
Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико — За домом Мари — Джорджия О’Киф
Художник Джорджия О’Киф известна как мать американского модернизма.Тесно связанная с новаторскими европейскими художниками 20-го века, ее цель заключалась в том, чтобы сделать естественный мир абстрактным , чтобы сделать его более эстетически привлекательным. Она специализировалась на производстве крупномасштабных картин с цветами. Проведя много времени в Нью-Мексико, где она приобрела ранчо, ее картины были отмечены как одни из первых абстрактных и стилизованных изображений природы. Разноцветные скалы пейзажа Нью-Мексико вдохновили ее знаменитую картину Пейзаж Черной Мезы , а также Белый дворец .Некоторые из ее знаменитых цветочных картин — Pineapple Bud и Calla Lilies on Red .
Показанное изображение: Джорджия О’Киф — Пейзаж Черной Мезы, Нью-Мексико — За домом Мари. Изображение взято с pinterest.com
Птицы Америки — Джон Джеймс Одюбон
Французско-американский художник Джон Джеймс Одюбон также был орнитологом и естествоиспытателем. Его знаменитая книга « Птицы Америки » стала основным источником информации в области орнитологии, и ему приписывают открытие 25 новых видов птиц.Его знаменитые и детализированные картины природы и дикой природы включают работы Golden Eagle , American Crow и White Gyrfalcons . Ряд важных учреждений, прославляющих природу, носят его имя как честь его достижений как художника и исследователя мира.
Показанное изображение: Джон Джеймс Одюбон — Птицы Америки. Изображение взято с edenkeeper.org. Все изображения используются только в иллюстративных целях.
Произведения искусства и знаменитые картины Клода Лоррена
1648
Пасторальный пейзаж
Взгляд зрителя, возможно, первоначально привлекают две фигуры на правом переднем плане: мужчина в красном и женщина в синем, погруженные в оживленную беседу.Вытянутая рука и нога мужчины служат отправной точкой, указывая на обширную сцену, разворачивающуюся позади него, где пасущиеся коровы переходят луг к небольшому мосту. На реке внизу лодку гребут двое мужчин, а на поле позади можно увидеть еще одну фигуру верхом на лошади; вдали древний замок и горы, простирающиеся под облачным небом. Как и в большинстве работ Клода, само небо является доминирующей чертой, его нежные розовые и голубые тона контрастируют с темнотой обрамляющей листвы, вся сцена выстроена по правилу третей, обеспечивая классический визуальный баланс.
Эта картина, созданная по заказу швейцарского военного инженера Ханса Георга Вердмюллера, иллюстрирует идеализированные представления Клода о пастырской жизни, в которой мир природы становится убежищем от хаоса городской жизни. Соответственно, человеческие фигуры, населяющие эту идиллию, заняты созерцанием или досугом, а не тяжелым сельскохозяйственным трудом, который был уделом современного сельского рабочего. Историк искусства Э. П. Ричардсон отмечает, что «открытое зеленое пространство под деревьями, где пасется скот, является своего рода приглашением для зрителя прогуляться по нему в своем воображении и насладиться красотой вечера.«Картина более точна, тем не менее, в ее изображении флоры, фауны и света. Клод посвятил себя детальному исследованию пленэра , пытаясь« любыми средствами », по словам его биографа Иоахима фон Сандрарта,« проникнуть природа, лежащая в полях до рассвета и до ночи, чтобы научиться очень точно изображать красное утреннее небо, восход и закат и вечерние часы ». Эффект от этого кропотливого труда очевиден в таких произведениях, как Pastoral Пейзаж , который является одним из тех, которые принесли Клоду беспрецедентное положение в истории искусства.
Некоторые элементы картины, как определил искусствовед Марсель Рётлисбергер, символизируют течение времени и могут рассматриваться как лейтмотивы в творчестве Клода: «[f] наиболее важными в нашем сознании являются его захватывающие восходы и закаты, лучи света солнце, облачные образования, рябь на воде. Мы ощущаем всасывание на далекие расстояния с точки зрения пространства и времени — время, которое требуется путешественнику, чтобы преодолеть расстояние. Дороги пересекают изображения с одной стороны на другую, но очень редко соединяются с ближайшим передним планом, фигуры движутся по ним, другие фигуры застревают в действии […] Мебель, созданная руками человека, отсылает к времени: нетронутые и сломанные мосты, работающие мельницы, лодки, роскошные или скромные здания (древние, средневековые или современные) по сравнению с разрушающимися руинами ».
Медь, масло — Художественная галерея Йельского университета
Ван Гог был пастором до того, как стал художником | Фройл Дэвис | Галерея Джордж-Стрит
Изучение пути от миссионера к сумасшедшему (часть 1).
Сеятель с заходящим солнцем, Винсент Ван Гог, 1888; Арль , Франция, общественное достояние (источник)(Серия: Статья N0.1)
Винсент Ван Гог отдал свою жизнь в погоне за страстью и целью. Он наносил на холст картины, наполненные сильными эмоциями через цвет, текстуру и образы. Хотя Ван Гог в значительной степени игнорировался при его жизни, сейчас он является одним из самых известных художников всех времен, а его картины стоят миллионы. Он верил в силу природы и человеческую ценность, которые можно найти через простую любовь к повседневной жизни.
В этой серии из трех частей подробно рассказывается о жизни Ван Гога, его триумфах и трагедиях, а также о его пути от миссионера до безумца.
В 1879 году Винсент Ван Гог не был ни известным художником, ни каким-либо творческим гением; вместо этого он был изгнан с его миссионерской должности в церкви в бельгийском Боринаже. Официальная причина заключалась в том, что его речь не была достаточно красноречивой, чтобы быть проповедником, но, по правде говоря, он вел себя не в соответствии с ожиданиями институциональной церкви. Этот отказ духовенства подтолкнул его в том направлении, которым он так хорошо известен. Ван Гог, художник, стал художником, чьи работы затронули сердца миллионов людей во всем мире.
Путешествие Ван Гога было трудной личной борьбой за самореализацию, духовным поиском, воплощенным в его творческой одержимости. Вера в человеческие ценности и социальную справедливость зародилась в его сердце с юных лет и стала движущей силой, которая помогла определить его призвание и прямо в его стремлении к искусству.
На жизнь Ван Гога повлияли две неизменные силы — религия и искусство. Винсент Виллем Ван Гог родился 30 марта 1853 года в Гроот-Зундерт. Он вырос в традициях голландской реформатской церкви.Его отец, Теодорус Ван Гог, пастор местного прихода, происходил из горделивой семьи священнослужителей, и христианство было прочной основой в жизни Винсента еще задолго до его рождения.
«В нашей семье, которая является христианской семьей в полном смысле этого слова, всегда, насколько можно судить, из поколения в поколение был кто-то, кто проповедовал Евангелие». письмо Винсента Тео. ¹
10 известных художников-пейзажистов
В 4 -м -м веке нашей эры пейзажное искусство было устоявшимся жанром в традиции восточного искусства, но пейзажная живопись стала определяться как самостоятельный художественный жанр только в Западный мир искусства эпохи Возрождения.До этого декорации служили лишь фоном для человеческой деятельности.
Нидерланды были одним из первых мест, где пейзажное искусство стало популярным, и Золотой век Голландии, охвативший 17 90–229-е годы -х годов, сыграл решающую роль в развитии этого вида искусства. Фактически, термин «пейзаж» происходит от голландского слова «landchap».
Помимо голландских художников, таких как Якоб ван Рейсдал и Эльберт Кейп, другими художниками, которые сосредоточились на жанре пейзажа, были французские художники Клод Лоррен и Николя Пуссен.Однако в то время пейзаж все еще стоял ниже портрета, истории и жанровой живописи и только выше натюрморта.
Это был J.M.W. Тернер, английский художник, который начал возводить пейзаж в ранг других жанров. В 19, и годах французский импрессионизм штурмом захватил мир искусства, и такие художники, как Клод Моне, Альфред Сислей и Камиль Писсарро, посвятили большую часть своей карьеры живописи и изучению пейзажа. С тех пор жанр остается очень важным.
Ниже представлены 10 самых известных художников-пейзажистов и их шедевры.
1. Якоб ван Рейсдал (1629–1682)Шедевр: вид на Харлем с белыми полями (1675)
Золотой век Голландии был периодом, когда голландская торговля, армия, наука и искусство были одними из самых известных в мире. Якоб ван Рейсдал считается выдающимся пейзажистом этой эпохи. Он дал пейзажному искусству новое измерение, изображая природу как метафору темных аспектов человеческой психологии.
Его любимыми сюжетами были простые лесные сцены, и он особенно известен своим изображением облаков и деревьев. Пионер этого жанра, ван Рейсдал создал одни из самых захватывающих пейзажных картин из когда-либо созданных.
2. Томас Коул (1801-1848)Шедевр: Волшебный лук (1836)
Романтизм оказал огромное влияние на западное искусство первой половины 19, -го, -го века. Если нашел свое основное выражение в США, в работах группы художников, известных как Школа реки Гудзон.В своих работах они запечатлели красоту Америки, написав пейзажи на полотнах эпических масштабов.
Эта школа сыграла важную роль в развитии жанра пейзажа, самым талантливым художником был Томас Коул, основатель группы. Сейчас он наиболее известен своими картинами американских пустынь. Эти романтические образы передают чувство трепета перед простором природы. Самая известная из них — «Бысбоу», на которой изображена панорама долины реки Коннектикут после шторма.
3. Клод Лоррен (1600–1682)Шедевр: пасторальный пейзаж (1648)
Классический пейзаж, призванный воссоздать пейзаж классической Греции и Рима, родился в 17, -м, -м веках. В нем каждый объект был тщательно размещен, чтобы создать гармоничное, вневременное и уравновешенное настроение. Лоррен сочетал сновидческие видения древнего прошлого с прекрасно наблюдаемыми эффектами рассвета и заката.
Он также был новатором, включив в свои картины само солнце как источник света.Лоррен был одним из первых крупных художников, которые сосредоточились на пейзажной живописи, и он был описан как один из самых совершенных пейзажистов, которых когда-либо видел мир.
4. Жан-Батист-Камиль Коро (1796–1875)Шедевр: Воспоминания о Мортефонтене (1864)
Барбизонская школа была движением, в котором участвовала группа художников, которые поселились во французской деревне Барбизон, недалеко от леса Фонтенбло, примерно в 1848 году.Он считается сильнейшим движением чистой пейзажной живописи во Франции 19, -го, -го века. Хотя Коро на самом деле так и не поселился в Фонтенбло, он запечатлел эту местность на некоторых из своих самых известных ранних картин, поэтому многие считают его частью барбизонской школы.
Пленэр — это акт рисования на открытом воздухе. Барбизонская школа впервые популяризировала картину на пленэре , а работы Коро на пленэре были высоко оценены критиками за их верность естественному освещению и отказ от академических ценностей.Однако он всегда возвращался в студию, чтобы довести до конца свои работы.
5. Джон Констебл (1776–1837)Шедевр: Телега для сена (1821)
Романтизм делал упор на индивидуализм, эмоции и прославление прошлого и природы. Романтичные английские художники предпочитали пейзаж, и самым влиятельным из них был Джон Констебл. Он был очень привязан к месту своего рождения — границе графства Эссекс и Саффолк на востоке Англии.В результате в его самых знаменитых пейзажных шедеврах изображена эта местность, которая теперь известна как Страна Констеблей.
Констебль восстал против неоклассического стиля; который использовал стандартные методы при создании пейзажного искусства и в основном использовал его для отображения мифических и исторических сцен. Констебль считал, что лучше сосредоточиться на самой природе, чтобы раскрыть ее красоту и силу. Несмотря на свой талант, Констебль за свою жизнь продал всего 20 картин. Однако сейчас он считается великим художником, внесшим неоценимый вклад в жанр пейзажной живописи.
6. Камиль Писсарро (1830–1903)Шедевр: Ночной бульвар (1897)
Середина 19 века ознаменовалась подъемом импрессионизма — художественного движения, в котором художники сосредоточились на изображении мгновенного эффекта сцены, а не на ее изображении. Они оторвались от художественных традиций и вместо этого сосредоточились на точном изображении света, ярких цветов и откровенных поз.
Писсарро часто называют «деканом художников-импрессионистов», поскольку он был ключевой фигурой и наставником в движении.Хотя его первые пейзажные картины подчеркивают его глубокое знание французских мастеров 18-го века, позже он начал рисовать на пленэре . Ему нравилось изображать крестьянские предметы в естественной обстановке, уделяя особое внимание световым эффектам и атмосферным условиям, созданным сменой времен года.
7. Каспар Давид Фридрих (1774–1840)Шедевр: странник по морю тумана
Фридрих заработал значительную репутацию в начале своей карьеры.Однако в более поздние годы он начал приходить в упадок, поскольку критики, которые не могли понять его работы, жестоко критиковали его. Он умер бедным и в безвестности, и только в середине -го -го века он снискал расположение нового поколения искусствоведов и критиков.
В настоящее время Фридрих — икона Германии, и он известен во всем мире как один из самых важных немецких художников-романтиков. Он наиболее известен благодаря работам, в которых люди помещаются в ночное небо, утренний туман и бесплодные деревья, тем самым демонстрируя уменьшенную силу человека в более широком масштабе жизни.Он был абсолютно очарован природой и видел в ней присутствие божественного. Он взял пейзажное искусство и придал ему глубокое религиозное и духовное значение.
8. J.M.W. Тернер (1775 — 1851)Шедевр: Боевой темпер (1839)
Тернер — один из величайших художников-пейзажистов всех времен и, возможно, самый известный британский художник. При его жизни пейзажная живопись считалась низким искусством.Однако Тернер с его применением поэтического и образного подхода возвысил этот жанр до уровня, конкурирующего с исторической живописью. Его стремление передать повышенные состояния сознания и самобытность помогли определить движение романтизма.
Тернер хорошо известен своим мастерством захвата эффектов света и цвета. В своих ранних работах он запечатлел архитектурные и природные детали, но по мере того, как он повзрослел, его картины стали более плавными с простым намеком на движение. Эти работы считаются опережающими свое время и предшественниками импрессионизма.
9. Клод Моне (1840–1926)Шедевр: Серия «Кувшинки» (1896-1926)
Моне был движущей силой импрессионизма и был его самым последовательным и плодовитым практикующим. Он был чрезвычайно предан поиску улучшенных методов живописного выражения. Он нарушил традиции и мысли о свете, цветах и формах. Некоторые из его сериалов исследовали, как пар, дым, туман и дождь влияют на цвет и видимость.
Нимфеи (Водяные лилии), самая известная серия Моне, содержащая около 250 картин, была описана как «Сикстинская капелла импрессионизма». Моне считается одним из величайших художников, которые когда-либо жили.
10. Винсент Ван Гог (1853–1890)Шедевр: Звездная ночь (1889)
Ван Гог был художником-постимпрессионистом. Это движение расширило импрессионизм несколькими способами, такими как усиление и без того ярких цветов или искажение формы для выразительных эффектов.Ван Гог прославился только в начале 20 -го -го века, через десять лет после его смерти.
Ему приписывают не только важную роль в развитии современного искусства, но и одного из самых влиятельных художников в истории западного искусства. За свою карьеру он написал более 2000 работ, в том числе натюрморты, пейзажи, автопортреты и портреты. Его искусство, в том числе пейзажное, отличается смелыми красками, грубой красотой, выразительной манерой письма и эмоциональной честностью.Он один из самых известных художников-пейзажистов.
Источник: learnodo-newtonic
Статьи по теме:
16 лучших картин, вдохновленных Библией
Истории за 10 величайшими произведениями искусства
13 картин, изменивших мир искусства
Истории греческой и римской мифологии, изображенные на картинах
Один из величайших пейзажей в романтическом стиле художники, Жан-Батист Коро известен своим непринужденным живописным изображением природы.Его особенно чувствительное отношение к расстоянию, свету и форме зависело от на оттенках, а не на рисунке и цвете, придавая законченный композиция, создающая атмосферу вечной романтики. Менее обремененный живописной теорией, Тем не менее, работы Коро являются одними из самых популярных пейзажей в мире. фотографий. Постоянный участник Парижского салона с 1827 г. и член Барбизонской школы под руководством Теодора Руссо (1812-67), он оказал огромное влияние на другие такие художники, как Шарль-Франсуа Добиньи (1817-1878), Камиль Писсарро (1830-1903) и Альфред Сислей (1839-1899).Он также был необычайно щедрый человек, который тратил большую часть своих денег на нуждающихся художников. Знаменитые пейзажи Жана-Батиста-Камиля
Коро Теперь считается величайшим из голландцев. Художники-реалисты-пейзажи, работы Иакова Ван Рейсдал оказал огромное влияние на более позднее европейское пейзажное искусство. хотя при жизни он был менее популярен, чем итальянский стиль художники.Его предметы включали ветряные мельницы, речные пейзажи, леса, поля, пляжи и морские пейзажи, изображенные с необычным эмоциональным чувством, с использованием смелые формы, плотные цвета и энергичная пропитанная кисть вместо обычный упор на тональные значения. Ученик своего дяди Саломона Ван Рейсдала, Яков, в свою очередь, учил знаменитого Мейндерт Хоббема (1638-1709), которым очень восхищались английские мастера, такие как Томас Гейнсборо и Джон Констебл, а также члены барбизонской школы. Знаменитые пейзажи — Джейкоб Ван Рейсдал Французский живописец, рисовальщик и гравер, активный в Риме, которого многие историки искусства считают величайшим Живописец идиллических пейзажей в истории искусства.Поскольку чистый (что есть, светский и неклассический) пейзаж, наподобие простого натюрморта или жанрового живопись, считалась (в Риме 17 века) лишенной моральной серьезности, Клод Лоррен представил классические элементы и мифологические темы в его композициях, в том числе божества, герои и святые. Кроме того, выбранная им среда — сельская местность вокруг Рима — была богата античными руинами. Эти классические итальянские пасторальные пейзажи были наполнены поэтическим светом, который представляет его уникальный вклад в искусство пейзаж.Клод Лоррейн оказал особое влияние на английский язык. художников, как при его жизни, так и в течение двух столетий после нее: Иоанн Констебль охарактеризовал его как «самого совершенного пейзажиста из мир когда-либо видел. « Знаменитые произведения Клода Лотарингии Вместе с Тернером считается одним из лучших Английские художники-пейзажисты не в последнюю очередь за его исключительную способность воссоздавать цвета, климат и деревенские пейзажи романтической английской сельской местности, и за его новаторскую роль в развитии пленэризма.В противоположность к отчетливому стилю интерпретации Тернера, Джон Констебль сосредоточился на природе, раскрашивая пейзажи Саффолка и Хэмпстеда. он так хорошо знал. Однако его спонтанные, свежие композиции часто были тщательные реконструкции, во многом обязанные его внимательному изучению голландского реализма а также работы в стиле клода в итальянском стиле. Известный художник Генри Фюсли однажды заметил, что реалистичные натуралистические интерпретации Констебля всегда заставлял его звать свой зонтик! Знаменитые пейзажи Джона Констебля Величайший современный пейзажист и гигант французской живописи, он был ведущей фигурой чрезвычайно влиятельного движения импрессионизма, к чьим принципам спонтанного пленэра живописи он оставался верным до конца своей жизни.Близкий друг художников-импрессионистов Ренуар и Писсарро, его поиски оптической истины — прежде всего в изображении света — примером может служить его серия полотен, изображающих те же объект в различных условиях освещения и в разное время суток, как его Стога сена (1888 г.), Тополя (1891 г.), Руанский собор (1892 г.), и река Темза (1899 г.). Кульминацией этого метода стал его знаменитая серия Кувшинок (среди самых известных пейзажи, когда-либо созданные), созданные с 1883 года в его саду в Живерни.Его последний набор монументальных изображений кувшинок с их мерцающими красками. интерпретировали несколько искусствоведов и художники как важные предшественники абстрактных искусства, а другими — как высший образец поисков Моне спонтанных натурализм. Для получения дополнительной информации о Об обращении Моне со светом и цветом см .: Характеристики живописи импрессионистов 1870-1910 гг. Знаменитые пейзажи Клода Моне На мой взгляд, JMW Тернер — величайший художник-пейзажист: его уникальный стиль остается неизменно популярный.Первоначально затененный Томасом Гиртин, Тернер работали исключительно акварелью. до 21 года. Его ранний стиль масляной живописи был итальянским, скорее чем голландский реалист, но его зрелые работы бледного блеска не материализовались до тех пор, пока в 1819 году он не совершил поездку по Италии. Его уникальным гением была его способность улавливать различные эффекты света. в революционном стиле протоимпрессионизма, граничащего с абстрактным экспрессионизм, что сделало его одним из первых действительно «современных» художники, почитаемые Клодом Моне, а также экспрессионисты ХХ века.Стиль Тернера в английской пейзажной живописи остается, как и бешеный. живопись Ван Гога, мгновенно узнаваемый вклад в историю искусства. Он стал полноправным членом Королевской академии в 27 лет, профессор. линейной перспективы на 32 года и вице-президентом в 1845 году. После смерти он оставил 300 картин. и почти 20 000 рисунков и акварелей в Национальную галерею в г. Лондон. Знаменитые пейзажи Дж. М. У. Тернера ДЛЯ ПОИСКА КОНКРЕТНОГО ХУДОЖНИКА |
Арт-объект Страница
К 1861 году, когда Ашер Б.Дюран выполнил эту большую и впечатляющую картину, он полностью усовершенствовал свой подход к пейзажной живописи, создав идеализированные, выразительные виды дикой природы Америки, основанные на внимательных наблюдениях за миром природы, которые являются яркими примерами эстетики школы реки Гудзон.
Поскольку об истории «Пасторальный пейзаж » до 1980 года практически ничего не известно, первоначальное название картины остается предметом спекуляций. Но некоторые относящиеся к делу факты могут быть установлены.Прежде всего, это самая большая, амбициозная и наиболее совершенная из картин Дюрана 1861 года, представляющая собой значительную часть времени художника, который не был быстрым работником. Во-вторых, пейзаж напоминает пейзаж долины реки Гудзон, где он провел много времени и откуда черпал вдохновение для многих работ. В-третьих, картина содержит несколько архитектурных произведений — итальянскую виллу сразу за лесом слева, арочный каменный мост, остроконечный дом через воду и церковь возрождения английской готики в центре — которые могут указывать, а могут и не указывать на то, что Дюран стремился изобразить конкретное, узнаваемое место.И, наконец, в некоторых отношениях — в первую очередь, наличие дома в лесу, церкви и арочного моста — Пасторальный пейзаж сильно напоминает важную работу Дюрана предыдущего года Sunday Morning (New Великобритания, Коннектикут, Музей американского искусства Новой Британии). Независимо от его точной идентичности, картина, несомненно, является одной из самых грандиозных и успешных панорамных изображений идеализированного американского пейзажа Дюрана.
Более подробную информацию об этой картине можно найти в публикации галереи « Американские картины девятнадцатого века», часть I , страницы 144–148, которая доступна в виде бесплатного PDF-файла по адресу https: // www.nga.gov/content/dam/ngaweb/research/publications/pdfs/american-paintings-19th-century-part-1.pdf
10 самых известных картин | Биография Интернет
Это десять самых известных картин, когда-либо созданных. Это личная подборка картин, обладающих универсальной и прочной привлекательностью.
1. Мона Лиза — Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи работал над своим шедевром в течение 20 лет. Он везде носил его с собой. Загадочная улыбка захватила воображение мира.Его дважды крали, и теперь он находится в Лувре в Париже. Когда Мона Лиза посетила Америку в 1960-х годах, она приобрела известность, близкую к известности тогдашнего президента США Джона Ф. Кеннеди. Почему люди стоят в очереди столько часов, чтобы мельком увидеть? Возможно, потому, что это очень человечно, но в то же время дает ощущение, что есть что-то запредельное. В мире, но заглядывая за его пределы. Разве это не улыбка высшего удовлетворения? У всех будет свое мнение, и это часть привлекательности картины.
2. Крик — Эдвард Мунк
Картина, символизирующая тоску и боль современной жизни. Он стал одной из самых известных картин современности. Почему-то это заставляет меня думать о Фрейде и о нашем подсознании. Это хорошо, но хорошо ли? Зачем смотреть на грязь в пруду с лилиями, когда можно любоваться лилиями на вершине?
3. Создание Адама — Сикстинская капелла Микеланджело
Микеланджело расписал Сикстинскую капеллу за четыре года.Он выбрал сцены из Ветхого Завета. Это момент, когда Бог создал Адама. Это панно — лишь часть Сикстинской капеллы. Чтобы в полной мере оценить масштаб, великолепие и красоту творения Микеланджело, вам необходимо посетить Ватикан.
4. Подсолнухи — Винсент Ван Гог
Гений Винсента Ван Гога запечатлен на этой картине, изображающей 12 подсолнухов. Это стало одним из самых узнаваемых его произведений.
5. Ceci N’est pas une Pipe — Rene Magritte
Классический образец современного сюрреалистического искусства.Это не труба, а на картинке труба. Почему это знаменито? Мы действительно не знаем. Каким-то образом это стало символом сюрреализма и парадокса современной жизни.
6. Маки в поле — Клод Моне
Клод Моне — один из великих художников-импрессионистов. Эта красивая пасторальная сцена передает суть того, как импрессионисты запечатлели красоту и простоту природы. В нем также запечатлен тот доиндустриальный период, который быстро исчезал при жизни Моне.Это воспоминание о прошедшей эпохе. Трудно не испытывать ностальгии по этой сцене. Обратите также внимание на то, что люди являются лишь второстепенной стороной к общей картине.
7. Тайная вечеря — Леонардо да Винчи
Леонардо да Винчи пишет одну из самых известных сцен в Библии — Тайную вечерю. Это после того, как Христос сказал, что один из учеников предаст его. Это лучшая мыльная опера — окончательное испытание человека — кому мы будем служить, Богу или Маммоне? Вот почему мы очарованы этой сценой, как бы мы вели себя за столом Иисуса Христа?
8.Девушка с жемчужной сережкой — Ян Вермеер
Ян Вермеер написал эти культовые портреты (несколько напоминающие Мона Лизу), и они являются прекрасным примером стиля барокко и использования света. Возраст девушки трудно определить. С одной стороны, красивые блестящие глаза говорят о невинности детства. С другой стороны, есть штрихи девушки на пороге женственности. Он создает динамику чистоты, невинности и неизбежного превращения в женщину.
9. Ле Мулен де ла Галетт — Жан Ренуар
Ведущий импрессионист Огюст Ренуар запечатлел шум и волнение этой сцены на открытом воздухе в Париже. Это Париж на рубеже веков — время, когда Париж был ведущим культурным центром мира, но, по сути, местом, где люди хорошо проводили время, наслаждались жизнью.
10. Мир — Пикассо
Простота этого символа мира Пабло Пикассо остается одним из самых мощных произведений искусства.Искусство не только ради красоты, но искусство ради мира во всем мире.