От Леонардо да Винчи до Тельмана Аббасова

БАКУ /Trend Life/ — Мир культуры многогранен. И одной из его прекрасных граней являются изобразительное искусство и поэзия. В этих видах искусства отражается действительность, ярко проявляются взгляды и чувства. «Живопись — это поэзия, которую видят, а поэзия — это живопись, которую слышат», – говорил Леонардо да Винчи.

В Центре искусств «Хатаи» в Баку прошли презентация книги Qəlbimin palitrası («Палитра моей души») и одноименная выставка доцента Азербайджанской государственной академии художеств, художника и поэта Тельмана Аббасова, сообщает Trend Life.

Мероприятие состоялось при организации Центра искусств «Хатаи», поддержке Союза художников Азербайджана и Азербайджанской государственной галереи искусств.

Выступившие на презентации заместитель директора галереи Гюльшан Гарибли, проректор академии, народный художник, профессор Фуад Салаев, народный художник Азад Алиев, заслуженный деятель искусств, доктор философии по искусствоведению Зиядхан Алиев, директор Центра искусств «Хатаи» Захид Авазов и другие отметили гармонию поэтического дара и изобразительного искусства Тельмана Аббасова, сказали о нем множество добрых слов.

Поэзия и живопись – это творчество, идущее не из ума или сердца, а из души человека. Они дарят нам чувство прекрасного, положительные эмоции. Эти два вида искусства исторически развивались параллельно, дополняя друг друга. Искусство слова и искусство изображения часто переплетаются в едином пространстве. Поэзия — муза художника. Красивые стихи всегда завораживают, вдохновляют на создание образов, которые хочется перенести на полотно. Поэзия и живопись сохраняют художественные и поэтические образы на века, делают их всеобщим достоянием. «Творенье может пережить творца: творец уйдет, природой побежденный, однако образ, им запечатленный, веками будет согревать сердца», — писал Микеланджело.

Книга и картины были представлены под музыку в исполнении художницы и пианистки Вюсали Юнусовой. В заключение была организована автограф-сессия. Автор ответил на вопросы присутствующих.

Выставка продлится до 22 ноября.

Информационная поддержка — Trend.az, Day.az, Milli.az.

(Автор: Вугар Иманов)

ЖИВОПИСЬ ПОСЛЕ ФОТОГРАФИИ — Ч.

3. Расскажу о методах, которые помогают… | by Anton Belov

Расскажу о методах, которые помогают использовать достоинства фотографии и не тащить её недостатки
в живопись. Как заимствовать нужное, определить лишнее,
и саму «фотографичность» из работы убрать — дополнив, изменив, перепридумав изображение.

Фрагмент картины-коллажа Джошуа Хаглера Children of Day.

Это завершающая часть текста о возможности живописи после фотографии:

В первой части я описал фотографию как источник «найденного изображения» для сегодняшнего живописца.
Во второй — рассказал о трансформации фотографии в работах известных художников.
В этой части речь пойдет о конкретных приёмах, которые я использую в работе. Текст состоит из семи рекомендаций.

1—
При работе с фотографией не давать ей диктовать изображение.
Важно создать условия или правила искажения, которые ограничат автоматизм срисовывания. Стараться переносить заимствованное быстро и приблизительно, уточняя остальные детали по памяти и воображению. Для понимания этого есть упражнение в тоновом рисунке (Виктор Меламед даёт на интенсивах).

Суть его в том, чтобы быстро скопировать размытую и перевернутую чб фотографию в тоне, разметив основные пятна. Для пущего эффекта студенты иногда не знают, что именно копируют. Переворачивание/размытие служит отчуждению изображения, что дает возможность отвязаться от узнавания, а значит, перечисления в тоновом рисунке.
А потом, также не закапываясь и желательно также за минимальное время — уточнить важные детали, уже глядя на исходное фото. Упражнение учит не увлекаться срисовыванием, копированием пятен, и дать возможность краске создать случайность, неточность, которая будет отличать рисунок от фото.

Скетчи для живописных работ по фотографиям. При выполнении набросков я уже стараюсь рисовать свободнее, и давать проявиться случайностям в медиа (акварельные карандаши, тушь), уже на этапе скетча удаляясь от исходника.

Похожего эффекта можно добиться, не копируя с фотографии в живопись впрямую. Я стараюсь придерживаться последовательности: фотография в рисунок, рисунок в живопись. Причем рисунок часто делаю условным и намеренно грубым. Скетч я иногда рисую совсем мелким — 5–7 см по широкой стороне, а потом увеличиваю. И работаю с этим грубым исходником как с основным, в избранных местах добавляя детали с фотографии. Этот метод также позволяет на ранних этапах экспериментировать и изменять изображение так, как это нехарактерно для фотографии: делая акцент на краске, «сделанности», смешивая фигуру с фоном, сужая фокус или искажая оптику и пространство изображения, используя многослойность, дополняя тоновый рисунок линейным, давая возможность случиться разным неожиданностям, которые дадут вариативность — и так далее.

Стопкадр из клипа, коллаж с рисунком, скетч, картина и фрагменты (“Под мостом” — 120×90, 2018)

2—
Можно использовать фотографию только для насыщения деталями. Например придумать композицию, а потом повторить её, собрав фотоколлаж. Но пожалуй, если фотоколлаж смотрится законченным в фотке, это повод так его и оставить.

Эти причудливые растения — во дворе Нео Рауха и на его работах.

3—
Использование ограниченной палитры — традиционный приём в живописи. Многие современные художники, работая с фотографией, наследуют эксперименты экспрессионистов с условным цветом. Художник, сохраняя тоновую структуру натуры, приводит цвета картины к искусственно заданному набору.

Можно пойти дальше, сохранив тон, но изменив всю цветовую схему изображения. В предыдущей части я приводил примеры серийных работ, которые прямо построены на вариативности цветовой схемы, когда тот же тоновый рисунок или фотографию «раскрашивают» по-разному.

Ещё немного Хаглера и применение условного цвета. Этюд для работы Like a Thief in the Night I.

Суть этого метода можно наблюдать в упражнении, которое практикуется в «Простой школе». Выглядит так:

Поиск цветовой схемы и условного цвета в «раскрашивании фотографии» (работа Вали Урм).

4—
От других «уплощеных» изображений живопись отличает наличие поверхности. Адриан Гение: «Текстура в живописи — это часть старого, аналогового мира, мира которого мы лишились в конце двадцатого века с распространением массового производства, пластика, ламинирования, порошковой окраски и так далее. Наш мир — это мир поверхностей, которые легко чистить. Функционально эти поверхности эффективнее, но эмоционально — старые лучше.»

Мне кажется, живопись после фотографии возможна как попытка сочетать эстетику нового мира (особенности обработки, передачи, искажений изображения в постцифровую эпоху), и эмоциональность поверхностей старого. В живописи не нужны поверхности, которые легко чистить. Напротив, глаз ищет, где бы застрять в этих неровностях, щелях, сколах и трещинах. Соответственно, при опоре
на фотографию мне кажется важным не оставить изображение плоским, а искать, образовывать поверхность и текстуру.

Сам Гение активно использует репродукции, фотоколлаж — однако завораживающие текстуры изобретены уже после, в процессе работы пастозной краской и мастихином, impasto, обычно с помощью масок и трафаретов позволяя сохранить узнаваемые куски и силуэты. Текстуры возникают непосредственно на холсте. Клоузапы на фрагменты его работ.

5—
При рисовании, которое сильно опирается на фотографический исходник (например, когда большая часть фона взята с фотографии,
а фигуру вписывается по воображению) мне помогает многократное повторение этого сюжета в несколько заходов с перерывами.

Я примерно представляю себе направление, в котором я «убегу»
от фотографии, и пытаюсь приблизится к нему. Отмечаю моменты,
где мне удалось удачно отвязаться от фотографии, случайности
и выразительные несоответствия, и стараюсь повторить их
в следующем заходе, при необходимости усилив и отвязавшись ещё сильнее. На фотографию на этом этапе можно уже и не подсматривать. Как правило к третьей попытке удаётся отдалиться уже достаточно далеко от исходного изображения. Это также помогает менять форматы и детализацию. Забавно, что иногда если я продолжаю повторять заходы, я начинаю приближаться обратно
к тому, с чего начал.

6—
При прочих равных лучше опираться на фотографии, которые сделал сам. Во-первых, это позволяет снизить объём заимствования. Во-вторых, в момент фотографирования уже знаешь, зачем фотографируешь, что важно, что неважно, переживаешь предмет
в реальности. Определить фокус и приоритеты, и сразу
не брать в кадр, опустить все остальные сильно проще, если фотография своя.

Питер Дойг и его воспоминания о рок-концерте. Масляный горох на незакрытом холсте воссоздаёт первозданную пестроту.

7—
Ну и конечно, много рисовать с натуры и наблюдать. Неважно что, просто много работать с тоном, отмечая, как свет рисует форму. Довести своё восприятие объектного мира до автоматизма, когда
по ходу работы можно отследить ошибки в освещении и форме. Это позволяет увидеть и исправить неточности в отображении тона
на фотографии, при использовании её как источника, взяв нужное,
и не перенеся искажения по незнанию.

АБ — 22.02/2019
В поисках настоящего/дневник художника.
Заметки о красоте и стратегиях эстетизации.
https://t.me/teleportjam

Презентация по искусству на тему «Изображение в фотографии и живописи» (9 класс)

5 слайд

 Чтобы получить четкое изображение, были нужны линзы. В то время их было практически невозможно изготовить, поскольку не существовало технологий получения качественного стекла. Значит и это устройство опять не подходит. Так какое устройство использовали художники эпохи Возрождения для своих картин? И вдруг рассматривая репродукции, исследователи обратили внимание на одну очень необычную: это была картина художника Ян Ван Эйка — Фламандский живописец эпохи раннего возрождения. Картина называется «Портрет Четы Арнольфини» 1434 г. В этой картине и была спрятана подсказка! Эта картина напичкана огромным количеством деталей, что очень сложны в написании, тем более она написана так рано. Что же послужило подсказкой? Cамой главной подсказкой в этой картине служит зеркало.

Оно и подсказало, как автору удалось сделать такой большой шаг вперед в реалистичности передаваемого изображения. Художники-исследователи попытались написать часть увеличенного изображения этой картины, предполагая, что это совпадение и можно это сделать и без специального устройства, но столкнулись с тем, что некоторые из деталей картины очень сложно нарисовать в перспективе. Оказалось, что кроме перспективы есть и еще очень важные моменты, как бы физическая материальность этого изображения. Например, при изображении стального предмета очень важно нанести блики как можно более реально. И у автора это получилось. В чем трудность запечатлеть эти блики и сделать это правильно? Проблема в том, что они двигаются, когда двигается взгляд зрителя или художника, то есть запечатлеть их вообще очень непросто даже опытному художнику. А реалистичное изображение металла и бликов — это отличительная черта картин Ренессанса. До этого художники даже и не пытались этого делать. Создав точную трехмерную модель этой картины, команда исследователей была поражена тем, что на картине «Портрет Четы Арнольфини» все детали нарисованы точно в реальной перспективе, но как бы отдельно друг от друга. Проблема все ещё оставалась в том, что точных оптических инструментов для столь точной передачи перспективы еще не существовало. Так чем пользовался художник, создавший её?

30 самых необычных и странных картин художников мира

Некоторые шедевры мировой живописи вызывают, мягко говоря, смешанные чувства. Мы собрали для вас самые странные, страшные и спорные произведения! 

Эти картины пугают и завораживают одновременно

Искусство на то и искусство, чтобы удивлять своего зрителя. В списке самых дорогих картин мира порой можно встретить удивительные экземпляры! Некоторые шокируют своим сюжетом, а содержание других покрыто завесой тайны. Есть и такие полотна, которые вызывают скорее отвращение, нежели восторг. Тем не менее, необычность и странность этих произведений как раз и выделяет их из толпы. Картины, которые мы приведем в пример, были проданы на аукционах за миллионы долларов. Каждая чем-то удивительна и наполнена особым смыслом.

№1 «Женщина I», Виллем де Кунинг

Одна из самых необычных картин в ТОПе самых дорогих произведений искусства мира. Не стесняйтесь если она вызвала у вас дрожь в коленках! Художник изобразил женщину с пышными формами в абстрактной манере. Резкие мазки черной краски, непропорциональное лицо и тело — для простого обывателя такое искусство может оказаться неприятно глазу. Какое-то время картина хранилась в Иране, но из-за строгих правил цензуры была продана и вывезена из страны.

№2 «Сад земных наслаждений», Иероним Босх

Центральная часть этого триптиха посвящена теме сладострастия. Присмотритесь внимательнее и увидите настоящий наркотический сон: карикатурные изображения, странные эротические сцены и прочие гремучие смеси. На самом деле, искусствоведы до сих пор спорят насчет истинного значения этой картины. Содержание настолько насыщенное и галлюциногенное, что вызывает немало споров.

№3 «Три возраста женщины», Густав Климт

Чувствительным и сентиментальным женщинам рекомендуем не вникать в смысл этого полотна. Великий художник Густав Климт изобразил три жизненные стадии: детство, молодость и старость. Маленькая девочка безмятежно спит на руках матери, которая, в свою очередь, умиротворенно обнимает дочь. В то же время старуха в другой части картины склонила голову в отчаянии, выставив свой обвисший от старости живот. Немощность и юность стоят бок о бок, напоминая о неизбежности грядущего. Несмотря на грустный контекст, произведение выполнено просто блестяще и недаром признано шедевром мировой живописи. 

№4 «Семья», Эгон Шиле

Шиле — ученик Климта, который пошел по собственному пути. В отличие от своего учителя, шедевры Шиле куда более мрачные и трагические. Некоторые произведения граничат с порнографией и больше напоминают извращенные картинки шизофреника. Представленная выше картина — не самая мерзкая его работа, но ее смысл способен вызвать истерику. Живописец написал ее в 28 лет перед собственной кончиной вскоре вскоре после смерти беременной супруги. На полотне изображен сам художник, его возлюбленная и неродившийся ребенок. Картина явно не создана для впечатлительных людей.

№5 «Две Фриды», Фрида Кало

Красивая и немного жуткая картина руки легендарной мексиканки. Как известно, большинство картин художницы — это автопортреты. Она объясняла это тем, что знает себя лучше всего остального, поэтому сама Фрида — лучшая тема для картин. Конкретно на этом полотне мексиканка изобразила свое мужское и женское начала, соединенные одними сосудами. Последние в этом образе демонстрируют целостность и неразрывность двух половинок.

№6 «Мост Ватерлоо. Эффект туман», Клод Моне

Эта серия работ Моне — совсем не страшные картины, но весьма необычные. При близком рассмотрении полотно кажется лишь хаотичной комбинацией мазков и переходов цвета. Но чем дальше отходишь от холста, тем четче видна полная картина. Перед глазами смотрящего открывается чудный пейзаж. Первыми возникают фигуры лодок, а затем — очертания знаменитого моста Ватерлоо. 

№7 «Алхимия», Джексон Поллок

Для многих абстракции — это странные и непонятные картины, которые ничего не значат. Почему же они пользуются такой популярностью? Всё дело в том, как они создаются. Помимо гениальности цветового решения, картина Поллока написана очень необычно. При ее создании мастер использовал все, что попадало под руку: ножи, веревки, палочки, битое стекло и даже совок! Художник сознавался, что постепенно отошел от классического инструментария художника в пользу необычных предметов, которые расширяли его арт-возможности.

№8 «Мужчина и женщина перед кучей экскрементов», Жоан Миро

Само название произведения уже вызывает волну негодования. Но именно такого эффекта и добивался автор, иллюстрируя невзгоды испанской гражданской войны. Мужчина и женщина на картине тянутся друг к другу, но при этом стоят неподвижно. Мерзкие и увеличенные гениталии, кислотные оттенки и экскременты — всё это направлено на создание атмосферы гадкой сексуальности, страха и отвращения. 

№9 «Руки противятся ему», Билл Стоунхэм

Всмотритесь в эту картину внимательнее. Рассмотрите детали, загляните мальчику в глаза. Брр. Жутко? То же самое думает каждый человек, который хоть раз на нее взглянет. Произведение продано на eBay всего за 1000 долларов, но после ее публикации покупателя завалили письмами с просьбой сжечь картину от греха подальше.

Ходили слухи, что к этому полотну привязаны призраки или демоны, что у многих начинается паническая атака. Сам же автор утверждает, что это просто автопортрет. Он изобразил себя в детстве, а закрытая дверь символизирует грань между сном и явью. Руки на стекле — это другие жизни и возможности, кукла рядом — проводник между альтернативными мирами.

№10 «Избиение младенцев», Питер Рубенс

Полотно за 5 млн евро Рубенса способно довести матерей до слез.

Это восхитительно красивое, но страшное полотно. Знаменитый мастер запечатлел не самый приятный эпизод из новозаветной истории. Как ни странно, избиение младенцев — распространенный сюжет по религиозным мотивам. Все дело в том, что маленькие дети после смерти считаются святыми мучениками. Сам образ символизирует жестокость по отношению к невинным людям. 

№11 «Триптих», Фрэнсис Бэкон

Трудно разглядеть с первого взгляда, но этой картине изображены наброски к портрету человека. В 2008 году произведение побило рекорд на арт-рынке и было продано Роману Абрамовичу за 86 млн долларов. В основу сюрреалистического полотна лег древнегреческий миф о преследовании Ореста фуриями. Но здесь вместо мифического персонажа мы видим самого художника и его собственные терзания. 

№11 «Серебряная автокатастрофа», Энди Уорхол

Трагические события и сюжеты часто ложатся в основу предметов искусства. Но каждый мастер преподносит ту или иную историю по-своему. Энди Уорхол, ставший настоящей сенсацией середины XX века, делал это крайне оригинально. Однажды мастер увидел фотографию автокатастрофы в газете и прокричал “Эврика”! Художник вырезал фото и многократно продублировал методом шелкографии, заполнив снимком только часть полотна. Вышло необычное произведение, проданное впоследствии за миллионы долларов.

№12 «Дора Маар с кошкой», Пабло Пикассо

Дора Маар — художница и фотограф, которая провела с Пабло Пикассо в качестве возлюбленной 9 лет. Мастер любил писать портреты своих любовник, которых на его жизнь было не мало. Картина выполнена в уникальной манере живописца. Искаженные формы и черты лица могут вызывать неприятные ассоциации, но только не у покупателя полотна. В 2004 году произведение ушло с молотка за 100 млн долларов.

№13 «Три эскиза с Лусиеном Фрейдом», Френсис Бэкон

Странная и оригинальная манера Бэкона пришлась по вкусу многим ценителям искусства. Его картины хорошо продаются по всему миру, именно этот триптих “взорвал” торги. Это ранняя работа мастера, написанная еще во время учебы. Полотна долгие годы путешествовали по миру отдельно и только в 2013 году были проданы на аукционе в качестве единого лота. 

№14 «Девочка с цветочной корзиной», Пабло Пикассо

Эта картина кардинально отличается от других работ Пикассо, чем вызвала бурю интереса среди ценителей искусства. На полотне изображена обнаженная молодая девушка, еще почти девочка. Детский взгляд и нагота несут за собой противоречивые элементы невинности и опыта, а ее выражение лица может вызвать дискомфорт. Полотно было продано анонимному покупателю за 115 млн долларов, став одной из самых дорогих картин автора. 

№15 «Свет Анны», Барнетт Ньюман

Сложно искать скрытый смысл в полотне, почти целиком залитом красной краской. Современное искусство бессмысленно и беспощадно, но от этого не становится менее интересным. Например, работа Ньюмана кажется бездарной только на первый взгляд и при рассмотрении цифровой копии в интернете. Но в реальности картина способна вас удивить.Это огромное длинное полотно, которое нужно рассматривать на близком расстоянии. Медленно продвигаясь вдоль холста, вы “утоните” в завораживающем переходе цвета.

№16 «Без названия», Жан-Мишель Баския

Каждое полотно неоэкспрессиониста из Нью-Йорка вызывает смешанные эмоции. Экстравагантная манера письма кажется слишком дерзкой и кричащей, больше похожей на граффити со стены заброшенного дома. Секрет прост — это и есть уличное искусство! Автор начинал как нелегальный граффити-художник, но после удачной выставки и статьи в известном журнале стал настоящей звездой. В 1982 году молодой парень даже познакомился с Уорхолом и создал вместе с ним несколько ярких работ. Интересно, что мастер вкладывал в свои работы скрытые смыслы и послания. В этой картине, например, обнаружены две невидимые стрелки, написанные УФ-красками.

№17 «Крик», Эдвард Мунк

Вы наверняка видели эту картину, ведь она разошлась по всем уголкам интернета. На произведение есть много пародий, переделок и мэмов. О самом же авторе ходит немало слухов, ведь его жизнь связана с чередой трагедий. Мунк вложил в свои работы много горя, поэтому, по мнению многих людей, его полотна обладают негативной энергетикой.

Картина явно не благосклонна к тем, кто ее “обижает”. Один охранник, случайно уронивший полотно в музее, стал страдать от сильных головных болей и наложил на себя руки. Второй охранник, допустивший такую оплошность, попал в страшную автокатастрофу. Посетитель галереи, прикоснувшийся к холсту, сгорел заживо в пожаре. Заставляет задуматься, не считаете? 

№18 «Откуда мы пришли? Кто мы? Куда идем?», Поль Гоген

По замыслу художника это полотно нужно читать справа налево. В крайнем углу изображены три женщины и младенец — символ начала жизни. Группа людей в центре — иллюстрация зрелости, старуха в левом углу — знак неизбежности и приближающейся старости. Произведение стало знаковым в жизни художника Мастер сам заявил, что это превосходная картина и лучше он уже ничего не напишет. После завершения работы Гоген даже хотел покончить с собой, но так и не отважился. Мастер умер спустя 5 лет, так и не написав чего-то более гениального.

№19 «Герника», Пабло Пикассо

Страшная картина гениального мастера — это сцены насилия и жестокости. выполненные на давящем черном фоне. Полотно иллюстрирует налет на город Герника, в результате которого шеститысячный город был полностью уничтожен. В картине заключены все ужасы фашизма, жестокость, страдания и зверства человека. Мурашки по коже, правда?

Интересно, что из-за этой картины Пикассо очутился в парижском гестапо. Мастера спросили: «Это сделали вы?». На что художник ответил: «Нет, это сделали вы».

№20 «Портрет четы Арнольфини», Ян ван Эйк

Картина, мягко говоря, выделяется на фоне прочих представителей западной школы живописи Северного Возрождения. Полотно наполнено скрытой символикой, посланиями и отсылками. Чего только стоит надпись “Ян ван Эйк был здесь”, которая подчеркивает реальность тех событий и присутствие художника. В последние годы произведение разошлось по интернету из-за забавного сходства Арнольфини с Владимиром Путином. И еще один интересный факт: картину можно увидеть в заставке популярного сериала “Отчаянные домохозяйки”. 

№21 «Демон сидящий», Михаил Врубель

Мы привыкли видеть демонов в роли злобных и сильных тварей, но у Врубеля свое мнение на этот счет. Он изобразил образ печального человека, который сидит задумчиво и скованно. Сам автор говорил, что демон — дух не столько злой, сколько страдающий и скорбный. При этом в его мощной фигуре чувствуются сила и величие, хоть и терзаемые какими-то сомнениями.

№22 «Апофеоз войны», Василий Верещагин

Картина основана на метафоре, но разобрать ее смысл не так уж и сложно, особенно после прочтения названия. Художник изобразил гору черепов посреди безжизненной пустыни, чтобы подчеркнуть жестокость и бессмысленность войн. Человеческие конфликты несут с собой только смерть и ничего больше — такова идея, заложенная в полотне. Всматриваясь в черепа, начинаешь видеть в каждом чью-то искалеченную судьбу.

№23 «Американская готика»

С первого взгляда и не скажешь, что это полотно преисполнено устрашающей символикой. Сначала в глаза бросаются суровые лица героев — жесткого отца и обеспокоенной дочери. При более детальном рассмотрении начинаешь замечать острые вилы и швы на одежде фермера, повторяющие их форму. Автор запечатлел образ истинного пуританства, скрывающее за собой жестокость и строгость нравов.

№24 «Влюбленные», Рене Магритт

Одна из самых загадочных картин современности активно обсуждается в мировом арт-сообществе. Это живой пример того, как один образ может иметь дюжину смыслов. Кто-то видит в паре Магритта с закрытыми лицами послание “любовь слепа”, другие настаивают на идее всепоглощающей любви. Все интерпретации в какой-то степени верны, но узнать истинную уже никогда не получится. В любой случае, парочка выглядит достаточно жутко.

№25 «Портрет Поля Элюара», Сальвадор Дали

Сальвадор Дали известен каждому, хотя его работы вряд ли захочется вешать напротив кровати в спальне. Король сюрреализма пишет настолько необычные и порой отвратительные картины, что у зрителя часто мурашки пробегают по коже. Портрет Поля Элюара — не исключение из правил. Самая дорогая работа мастера была продана в 2011 году за 22 млн долларов. Как известно, произведение написано для самого Элюара — бывшего мужа Галы, которую Дали уводил из-под носа супруга как раз во время работы над полотном. 

№26 «Великий мастурбатор», Сальвадор Дали

Может, из любви к творчеству Дали, рассмотрим еще один шедевр испанского мастера. “Великий мастурбатор” наполнена страхами, подсознательными переживаниями и извращенными представлениями автора. Здесь секусальность предстает перед нами как нечто ужасное и отвратительное, что подчеркивает саранча и другие символы. Секс и страдания идут рука об руку почти в каждом произведении Дали. Во многом это объясняется психологической травмой: в детстве отец художника показал ему картинки с гениталиями. пораженные венерическими заболеваниями.

№27 «Сатурн, пожирающий своего сына», Франсиско Гойя

Большинство из нас слышало мифы про отца всех богов, который был совершенно не силен в воспитании своих чад. В греческой мифологии бога звали Кронос, а в римской — Сатурн. Горе-папаша пожирал собственных детей, чтобы те не посягнули на его трон. Жуткая картина Гойя изображает как раз этот момент убийства. Странно, но именно это зверское произведение художник решил написать на стене собственного дома. Жилище Гойя украшало еще несколько подобных творений под общим названием “Черная живопись”.  

№28 «Великий красный дракон и чудовище из моря», Уильям Блейк

При жизни художника, как часто бывает, почти не ценили. В основном он писал гравюры и иллюстрации в романтическом стиле, но эта серия картин написана акварелью. Здесь Бейк изображает Великого красного дракона — персонажа из книги Откровения. Дракон воплощает в себе самого дьявола, восседающего на огромном монстре. От этого образа многим становится не по себе. Кстати, произведение сыграло значимую роль в сюжете знаменитого фильма о Ганнибале “Красный дракон”. 

№29 «Отрубленные головы», Теодор Жерико

Помимо чудесных портретов, много творений художника посвящено жестоким историческим баталиям и древнегреческим мифам. Интересно, что перед работой с крупногабаритными полотнами Жерико часто писал “тренировочные” картины небольшого размера. Именно такой разминкой и послужило произведение “Отрубленные головы”. Писал ли мастер с натуры? Шокирующе, но да. Автор часто использовал настоящие отрубленные части тела, которые одалживал в морге. 

№30 «Натюрморт из масок», Эмиль Нольде

Среди экспрессионистов Нольде известен намного меньше, чем Мунк. Тем не менее, его работы не менее яркие. На создание конкретно этой работы мастера вдохновили экспонаты Берлинского музея. И без того страшные маски, прошедшие сквозь призму мышления автора, стали еще более пугающими.

Подходят ли такие картины для интерьера?

Сначала ответьте себе на вопрос: верите ли вы в суеверия, энергетику и прочие вещи? Если нет, то “Крик” или “Руки противятся ему” можно смело вешать в своей гостиной. Картины же с откровенным негативным содержанием, как “Отрубленные головы”, психологи и дизайнеры вешать не рекомендуют, особенно в спальне. Поверьте, вы не захотите смотреть на “Красного дракона” каждый день перед сном. Но несмотря на любые советы вы должны ориентироваться исключительно на свои ощущения. Если произведение вам по душе, не отказывайтесь от него.

Если картина не страшная, а просто нестандартная, ее место явно в гостиной. Разве не здорово удивлять гостей необычным произведением искусства? Но помните, что все дорогие странные картины с мировым именем, безусловно, стоят баснословных денег. Тут на выручку приходит печать на холсте, которая позволяет обладать любимыми картинами без опустошения кошелька.

Аэроимпрессионизм: диалог фотографии и живописи

В четверг, 16 мая, в 19:00 в лектории пройдёт лекция «Аэроимпрессинизм: диалог фотографии и живописи в истории и современности». Лекцию будет сопровождать небольшая выставка.

Точкой отсчёта лекторы считают примерно 1850 год, поскольку именно с этого времени фотография используется художниками особенно активно; при этом первая аэрофотосъёмка состоялась в 1858 году. Однако, сосуществуя параллельно, аэрофотосъёмка и художественная фотография до наших дней практически не пересекались, за исключением одного исторического эпизода.

В начале 20-х годов XX столетия массовое использование авиации в фашистской Италии привело к появлению аэроживописи, пропагандирующей превосходство техники и исполняющейся в угловатом стиле кубизма. Аэроживопись как художественное направление прекратила своё существование в 1944 году, после краха фашистского режима. Любопытен тот факт, что именно в современной России как преемнице СССР — страны-победителя фашизма — возродился интерес с изобразительной стороне полёта, только говорящей не о превосходстве техники, а о пространстве человеческой души. Каждому из нас хочется мирного неба над головой, солнечных дней, счастливых моментов жизни, а направлением в искусстве, отражающим всё это, является импрессионизм. Именно импрессионизм был популярен в живописи во время становления фотографии. Часто художники середины XIX века использовали эти средства выразительности одновременно, но что они не могли — так это увидеть мир сквозь облака. Технические средства и сейчас не могут передать игру света в стратосфере, это подвластно только художнику; при этом близость импрессионизма по исполнению к абстракции привела к появлению аэропейзажа.

Встреча будет полезна как любителям аэросъёмки, так и тем, кто интересуется живописью. Вы увидите лучшие фотографии и полотна в стиле аэроимпрессионизма; узнаете, как наши современники Вадим Штрик и Михаил Алексанянц независимо друг от друга пришли к формулировке этого единого понятия, а также о том, что аэроимпрессионизм значит лично для них в области, соответственно, аэрофотосъёмки и живописи; сможете задать свои вопросы и порассуждать о свершившейся исторической справедливости. В дни празднования Великой Победы над фашизмом особенно хочется прикоснуться к светлому, мирному небу, за которое сражалась наша страна!

Лекция организована при участии Анастасии Прохоровой, магистра педагогического образования по географии, научного сотрудника РАНХиГС, члена РГО.

О лекторах

Вадим Штрик — генеральный директор группы компаний «Национальный фотоархив geophoto.ru», книжного магазина shtrik.ru, издательства signphoto.ru, арт-галереи piccherry.ru, автор термина «аэроимпрессионизм» в области аэрофотосъёмки.

Михаил Алексанянц — художник, писатель, популярный блогер на Youtube-канале «Магия реальности», @aeroartist, автор термина «аэроимпрессионизм» в области живописи.

Для посещения лектория обязательна предварительная запись. Записаться можно любым из следующих способов (записывайтесь ОДИН раз, дублировать не нужно!!):

1) Регистрация на странице анонса (укажите фамилию и имя).

2) На странице лектория в социальных сетях Вконтакте и Facebook (укажите фамилию и имя).

3) В случае крайней необходимости (невозможна регистрация никаким иным способом!) принимается запись по телефону 8-800-700-18-45 (Кирилл Кузнецов).

Вход бесплатный, по списку и документу, удостоверяющему личность.

Ссылка на онлайн-трансляцию: http://www.rgo.ru/ru/lektorii/moskovskiy-lektoriy/onlayn.

ИСКУССТВО: Фото — это живопись. Реальность

У советских обывателей в голову втемяшены какие-то советские ублюжьи стереотипы о том, что искусство — это когда «похоже» и «красиво», а когда «не похоже» и «некрасиво» — не искусство, а обман. Из-за этого «современное искусство» воспринимается в штыки — непонятное, некрасивое и непохожее. При этом до реальных претензий дело не доходит, т.к. чтоб их предъявить, надо ещё уметь «читать» и искусство, и околоискусство. Там куча опасных проблем и косяков, но это вовсе не «некрасивость», не «непохожесть» и не «непонятность», а, например, засилие этномафий и прочего кумовства, коррупции, отмывания денег, враждебной идеологии и т.п.

Ещё из стереотипов (более широких) — что есть художественное искусство (живопись), а есть фотография — и они между собой противопоставлены. Для кого-то искусство — это улучшенная фотография (по-мордовски «похож»). Для кого-то искусство — наоборот, антифотография, «не похож». Однако есть мнение, что фото — это вид живописи, что обламывает оба вида стереотипа. По факту фотография — это лишь выделение в изобразительном искусстве той его части, в которой в качестве метода используется фотопроцесс.

Потому противопоставлять стоит не фото и живопись, а искусство и ремесло. Художественное искусство (живопись вообще или фото в частности) ставит иные цели, чем ремесло (живопись или фото — именно тут они противопоставлены, а не в искусстве). Для ремесла важна утилитарная цель — «похож» для фото и «красив» для картины. А когда и «красив», и «похож» — это высший шик, китч или соцреализм. Искусству же реальность не нужна как главная цель, а иногда вообще как цель. Для искусства реальность лишь средство для достижения других — художественных целей, для изображения каких-то идей, чувств и т.п. Причём реальность — это средство, которое может использоваться по прямому назначению («похож»), может ломаться («непохож») или вообще не использоваться (абстракции). Причём и в фотоискусстве тоже самое отношение к реальности — не цель, а средство, которым могут пренебречь или поломать.

И получается, что между миром понятий обывателя и искусством лежит разрыв смыслов. То, что для обывателя противопоставлено (фото и живопись) для искусства одно и тоже (фото часть живописи). То, что для обывателя может быть целью — «похож» и «красив», для искусства может не быть вообще целью, а только средством, да ещё не обязательным.

Поэтому обычные разговоры с обывателем об искусстве — это разговор глухого со слепым: глухой искусствовед не слышит того, что слепой обыватель просто не понимает, о чём ему рассказывают.

И проблема непонимания возникла тогда, когда появились конкурирующие искусству способы делания изображений. Художники ударились в модернизм после изобретения фотографии, когда относительно дешёвая техническая штука заменяла дорогого художника. Художники искали таких путей самовыражения, которые бы не конкурировали с фотографией. И нашли. А сейчас, спустя полтора века после изобретения фото, техника дошла до того, что «просто фото» перестало вообще хоть что-то стоить — миллиарды смартфонов (2+ млрд) сделали профессию фотографа в очень многих областях не нужной. А потому и перед фотографами сейчас стоит та же проблема, что и перед художниками 150 лет назад — поиск других средств выражения и ниш, которые пока ещё не обесценились конкуренцией от смартфонов у обывателей. И они находят такие пути, подглядывая за опытом художников, делая или очень сложную художественную «реальность» или вообще «нереальность».

ПРИМЕРЫ ИСКУССТВА ФОТОНЕРЕАЛЬНОСТИ

Портретная фотография с мультиэкспозицией:
http://yandex. ru/collections/user/miss-makar4ik/portretnaia-fotografiia-s-multiekspozitsiei/
Этот кадр — всего лишь фотошоп 2 кадров, но фотошоп тут вовсе не обязателен. Мультиэкспозицию делали задолго до появления фотошопа и компов — простым многократным фотографированием на один и тот же кадр. Фотошоп сейчас тоже обесценивается, из-за повышенной доступности, но доступность средства не делает совсем уж доступным навыки его использования с художественными целями. Так что коллажи свадебных фотографов уходят в небытиё из-за халтуры и китча, который может повторить любой, а искусство остаётся искусством.

Панорамы со склейкой десятков кадров движения огней машин.
С Профиль-школы https://www.youtube.com/watch?v=3COxl8XYqHo
Такого кадра никогда не существовало и увидеть это можно лишь на фотокартине, собранной фотохудожником из отдельных кусков разных кадров с целью получить некий художественный эффект.

Рисование светом. Фото, но фото того, что не существует — фото движения огоньков при длительной выдержке. Приём примитивен, но слишком много мороки — потому пока тут ещё можно поиграть в художника без особых на то способностей.
http://rusimage-ru.livejournal.com/104257.html

Пиктореализм — первое течение фотохудожников. Они ставили целью с помощью фото добиться изображения «как картины», а для этого использовали «кривые» объективы (монокли) с большими искажениями — т.е. добивались не точности изображения, а устранения точности в пользу художественности:

По мотивам обсуждений у Коммика:
http://stalinist.livejournal.com/1384960.html
Чем классическая живопись отличается от фотографии?

Как избежать ошибок при рисовании по фотографиям

Я провел слишком много времени в темных классах, рассматривая слайды, слайды и еще раз слайды. Я убежден, что без проекторов, каруселей и, как вы уже догадались, слайдов заглохло бы все академическое поле истории искусства. Но что странно в том, что я смотрю на такое количество изображений, так это то, что я ловлю себя на мысли, что точно знаю, как на самом деле выглядит скульптура или картина, потому что я видел их фотографию.

От фотографии к эскизу

Фотографии никогда не смогут рассказать вам всю историю объекта, пейзажа или лица человека, но они являются удобным ориентиром для художников.Реальность такова, что большинство художников используют исходные фотографии в той или иной степени, когда они работают, будь то для освежения памяти о конкретном месте и времени или для записи определенных визуальных деталей, чтобы включить их в более поздние произведения. Страна красных скал Марка Хауорта, холст, масло Однако, чтобы создать успешное произведение искусства, художник должен быть осторожным и внимательным к тому, что он или она видит — и не видит — на фотографии. Это начинается с понимания ограничений эталонных фотографий. El Mercado Марка Хаворта, 2006, картина маслом, 16 x 20.Художник Марк Хаворт говорит об этом так: «Камера не может видеть так, как видит глаз, когда речь идет о точности цветопередачи, глубине резкости, теплых и холодных светлых участках и тенях. Вместе с фотографиями появляется много искажений». Художник и преподаватель пастели Дениз ЛаРю Мальке соглашается. «Следовать за фотографией до буквы «Т» — большая ошибка, потому что камера лжет», — говорит она. «Фотографии могут быть незаменимы в качестве отправной точки, но даже если фотография превосходна, вы хотите заново изобрести сцену, чтобы картина работала.” Хаворт, например, уделяет гораздо меньше внимания эталонным фотографиям, чем предварительным наброскам, сделанным на месте, или заметкам, сделанным в полевых условиях. «Когда я путешествую по местности, я пишу то, что вижу», — говорит он. «Мои заметки часто дают мне то, что я не могу передать на картинке. Фотографии не передают тонкостей, которые я ищу, чтобы запечатлеть внешний вид места». Когда Мальке находится на месте и у нее нет времени рисовать, она часто делает то же самое — делает наброски и делает заметки. Но она признает, что иногда делает столько фотографий, сколько может.«Наличие такого количества фотографий может дать вам много возможностей для работы», — говорит она. «Когда я готов приступить к работе, я беру множество разных фотографий для вдохновения и делаю наброски миниатюр, чтобы ознакомиться с предметом и композицией, над которой я работаю».

Правильное использование фотореференсов

Утренняя песня, Дениз ЛаРю Мальке, пастель Я спросил Хаворта и Мальке, может ли постоянное обращение к фотографиям привести к переутомлению или к тому, что картина будет наполнена кучей мелких деталей вместо цельной композиции.Оба художника знали, что я имел в виду. «Это может перейти от рисования к документированию», — говорит Хаворт. «Вы можете вникнуть во все детали и сойти с ума». Зимний ручей, Дениз ЛаРю Мальке,
2008, пастель, 14 x 18. Еще один момент, который подчеркнули оба художника, — это важность работы с фотографиями, которые они сделали сами. «Используя чужие фотографии, вы не рисуете собственные концепции, а просто копируете», — говорит Мальке. «Я говорю своим ученикам: «Работайте со своими фотографиями — ваши идеи там». Более того, референсное фото, независимо от того, кто щелкнул затвор, не должно вызывать чувства обязанности показать именно то, что изображено на кадре. Вместо этого художник должен чувствовать себя свободным и вдохновленным, чтобы манипулировать или оставлять ссылку любым способом, который он или она выбирает. Это гарантирует, что в произведении искусства есть жизненная сила, и означает, что вы не упустите возможность увидеть — и, надеюсь, снова запечатлеть — моменты, которые сделают картину великой. Благодаря видео мастер-класса Маргарет Эванс Flowers in Pastel от ArtistsNetwork.tv у вас есть доступ к трем полным демонстрациям (и это великолепные этюды!) работы с референсными фотографиями.Вы сможете отточить свое мастерство, используя эталонные фотографии, получая творческую и техническую пищу для размышлений о преимуществах и потенциальных ловушках работы с фотографиями, а также получите возможность изучить прекрасную, яркую цветочную живопись. Наслаждаться!

Превратите фотографию в картину с помощью клонирования

В этом уроке я покажу вам, как сделать фотографию и создать изображение, похожее на картину, с помощью инструментов клонирования в Corel® Painter™ 12. Я включил пользовательские кисти, текстуру бумаги и узор, чтобы вы могли поэкспериментировать. Сначала загрузите файлы (.ZIP, 11 МБ), затем дважды щелкните  cloning tutorial.brushcategory  и установите кисти в папку  Program Files\Corel\Painter12\Brushes\Painter Brushes .

Всякий раз, когда вы превращаете фотографию в картину, помните, что чем выше качество фотографии, тем лучше будет конечный результат. Из снимков обычно получаются не очень хорошие картины. Фотография, которую я использовал в этой демонстрации, была любезно предоставлена ​​http://faestock.deviantart.com/.

 

Для начала я открыл свою фотографию в Painter 12 и выбрал Файл  меню > Быстрый клон .

Рисунок 1

При использовании QuickClone Painter 12 автоматически клонирует изображение, очищает холст, включает кальку и встраивает источник клонирования в изображение. Над холстом вы увидите выцветшую версию оригинальной фотографии. Вы можете включать и выключать кальку, нажимая Command + T  (Mac OS) или Ctrl + T  (Windows).Миниатюра исходной фотографии отображается на панели «Источник клонирования». Если панель «Источник клонирования» не открыта, выберите меню «Окно » > « Источник клонирования ». У вас может быть несколько источников клонов, что позволяет заимствовать элементы из нескольких изображений и комбинировать их в клоне.

 

Рисунок 2

Для своего первоначального наброска я выбрал вариант Real 2B из категории кистей Pencils . Я быстро набросал основные формы лица и большие области теней.В этот момент я не клонировал изображение, а просто использовал значение серого, чтобы создать базовый рисунок. Мне не нравится рисовать на белом фоне, поэтому я создал новый слой, выбрав меню Layers > New Layer . Затем я выбрал инструмент Paint Bucket  на панели инструментов, выбрал более темный оливковый цвет на панели «Цвет» и заполнил новый слой. Оливковый фон прекрасно сочетается с телесными тонами. На панели «Слои» я изменил Composite Method с Default на Multiply .С выключенной калькой вы можете увидеть основной набросок.

 

Рисунок 3

Painter 12 поставляется с большим набором кистей-клонов, которые можно использовать для следующих шагов. Вы можете превратить любой вариант кисти Painter 12 в кисть-клон, просто нажав кнопку Clone Color  на панели «Цвет». Цветное кольцо и треугольник становятся серыми, а кнопка «Цвет клонирования» становится синей, что указывает на то, что цвета, которыми вы рисуете, будут взяты из источника клонирования, который вы видите на панели «Источник клонирования».

 

Рисунок 4

Я хотел, чтобы это изображение выглядело как картина маслом, поэтому я использовал варианты кисти из категории Impasto , которые наносят мазки с подразумеваемым трехмерным эффектом. Я также использовал несколько пользовательских кистей.

В этот момент я решил рисовать на оливково-зеленом слое, а не наброске в моей картине. Я выбрал Layer 1  на панели «Слои» и изменил Composite Method на Default , что скрывает эскиз.Затем я выбрал меню Layers > Drop All .

Затем я начал рисовать портрет, используя ту же технику, что и при использовании традиционной масляной краски. Например, когда я рисовала волосы, я всегда наносила мазки в одном направлении.

 

Рисунок 5

Я нарисовал лицо и рубашку горизонтальными мазками, чтобы создать большее ощущение глубины и округлости. Поскольку я взял цвет непосредственно из исходной фотографии, мне не нужно было беспокоиться о конкретных цветах или значениях.Я периодически проверял результаты своих штрихов, включая и выключая кальку.

 

Рисунок 6

Я использовал несколько кистей большого размера, чтобы быстро набросать весь портрет.

 

Рисунок 7

По мере создания портрета я стал реже пользоваться функцией кальки, но все же включал и выключал ее, чтобы убедиться, что я на правильном пути. Имейте в виду, что на этом этапе в любом портрете все может выглядеть неряшливо.

 

Рисунок 8

Когда я усовершенствовал изображение с помощью кистей меньшего размера, вся картина хорошо очистилась. Помните, что нет правильного или неправильного способа сделать это. Если вы получаете желаемые результаты, значит, вы делаете это правильно.

В этот момент я выключил кальку. Я не хотел использовать фон с оригинальной фотографии в изображении. Вместо этого я хотел нарисовать что-то, что сделало бы портрет еще больше похожим на традиционную картину маслом.Чтобы добиться этого, я нарисовал фон изображения от руки, как при обычной рисовании. Я также отключил импасто, выбрав меню Canvas > Hide Impasto , что позволило мне по-прежнему использовать кисти Impasto, не видя эффекта.

 

Рисунок 9

Отключение эффекта импасто временно убрало некоторые отвлекающие трехмерные штрихи и позволило мне сосредоточиться на получении правильных цветов и значений фона.

Когда меня удовлетворил фон, я повторно активировал импасто, выбрав Холст меню > Показать импасто . Картина начинала походить на традиционную масляную живопись.

 

Рисунок 10

Используя кисти меньшего размера, я продолжал уточнять детали, беря цвета с исходной фотографии. Я не хотел, чтобы импасто был так же заметен на лице, как на волосах и фоне, поэтому я использовал более легкий штрих, чтобы уменьшить эффект.

 

Рисунок 11

Я хотел, чтобы фон больше походил на кусок холста художника, поэтому я настроил текстуру бумаги, чтобы она выглядела как холст. Вы можете импортировать эту текстуру бумаги, выбрав Window  меню > Paper Panels  > Paper Libraries . На панели Paper Libraries нажмите кнопку Panel Options , выберите Import Paper Library , выберите New Paper Library 1.paperlibrary и нажмите Open .Затем я создал новый слой и использовал вариант кисти Variable Chalk из категории кистей Chalk & Crayons , чтобы нарисовать холст. Кисть Variable Chalk прекрасно взаимодействует с бумажными текстурами. Когда мне нужно показать много текстуры бумаги, я устанавливаю зернистость этой кисти примерно на 10 %, перемещая ползунок Зернистость на панели свойств. Затем я грубо рисую текстуру, похожую на холст, в углах изображения.

 

Рисунок 12

Чтобы придать этому окрашенному холсту ощущение, похожее на пастозную картину, я применил некоторую текстуру поверхности, выбрав Эффекты  меню > Управление поверхностью  >  Применить текстуру поверхности . Настройки по умолчанию были не совсем такими, как я хотел, поэтому я кое-что подправил в диалоговом окне «Применить текстуру поверхности». Я переместил Количество в положение от 20 до 40 %, ползунок Сияние в положение 0 % и установил флажок Перевернутое  . Когда вы делаете это, убедитесь, что вы используете ту же текстуру бумаги, которую вы использовали для рисования исходного холста.

 

Рисунок 13

Это придало окрашенному слою холста красивый, тонкий, но определенно трехмерный вид.

 

Рисунок 14

Я хотел, чтобы часть текстуры холста появилась в областях, которые я уже закрасил, поэтому я продублировал закрашенный слой, выбрав Холст на панели «Слои» и выбрав Меню «Выбрать » > Все , а затем Редактировать  меню > Копировать и Редактировать  меню > Вставить . Я использовал ту же технику, чтобы применить текстуру поверхности холста и бумаги ко всему дублированному слою.Однако нанесенная текстура поверхности была слишком сильной и подавляла большинство пастозных мазков.

 

Рисунок 15

Поскольку это был дублированный слой, я просто стер области текстуры холста, которые не хотел показывать, обнажив нижнюю пастозную картину. Я менял давление, которое использовал с инструментом Eraser  , чтобы текстура холста постепенно сливалась с основной картиной, так же, как вы ожидаете, что текстура холста будет исчезать с закрашенными областями реальной картины.Нет правильного или неправильного количества стирания. Стирайте так мало или столько, сколько хотите.

 

Рисунок 16

Теперь изображение было очень похоже на традиционную картину маслом.

 

Рисунок 17

Осталось закончить картину. Используя собственный узор, я добавил к изображению легкий эффект потрескивания, который вы часто видели на старых картинах маслом.

Вы можете импортировать этот шаблон, выбрав  Окно  меню >  Панели библиотеки мультимедиа  >  Шаблоны .На панели Библиотеки узоров нажмите кнопку Параметры панели , выберите Импорт библиотеки узоров , выберите Новая библиотека узоров 1.paperlibrary и нажмите Открыть .

С загруженным и активным узором кракле я создал новый слой. Затем я выбрал инструмент Paint Bucket и выбрал Исходное изображение во всплывающем меню Заливка на панели свойств.

 

Рисунок 18

На панели «Слои» я изменил метод «Композит» на «Затемнить », переместил «Непрозрачность» на 29 % и стер все трещины, которые были видны в тех местах, где я не хотел их показывать.

 

Рисунок 19

Когда все выглядело правильно, я сбросил все слои на холст, выбрав Layers  меню > Drop All . Трещины теперь выглядели примерно так, как на старой картине маслом. Чтобы это выглядело еще более убедительно, я добавил текстуру поверхности к трещинам, придав эффекту более аутентичный вид.

Для этого я скопировал все изображение и вставил его обратно в себя, выбрав Canvas  на панели «Слои» и выбрав Select  menu > All , а затем Edit  menu > Copy , и наконец   Меню Правка > Вставить .Затем я выбрал меню Эффекты > Применить текстуру поверхности , выбрал Исходная яркость во всплывающем меню Использование и регулировал ползунок Количество , наблюдая за окном предварительного просмотра, пока не был удовлетворен видом изображения. картина.

 

Рисунок 20

Вот так картина выглядела после того, как я применил текстуру поверхности.

 

Рисунок 21

 

Мне не нравились трещины на всей картине, поэтому я выборочно стер области, чтобы показать основную картину без трещин.

Рисунок 22

Готовое изображение действительно выглядело очень похоже на картину маслом благодаря способности Painter 12 создавать в цифровом виде работы, имитирующие традиционное искусство.

Фото в картину, Портрет с фото, Портреты домашних животных

Мне очень нравится мой портрет, и я обязательно вернусь и воспользуюсь вашими художниками в будущем, и я рад дать рекомендации всем своим друзьям, которые могут быть заинтересованы в создании картины.Это такое произведение искусства, и я так его люблю. Еще раз спасибо!

Гарри, Сан-Антонио, Техас, США

Просто хотел сообщить, что картина прибыла сегодня утром в идеальном состоянии. Думаю будет отлично смотреться в нашем доме. Теперь к рамщикам! Все прошло хорошо. Картина пришла к нам в назначенный срок и без проблем.

Джозеф, Лондон, Великобритания

Я получил картину сегодня — она ​​мне очень нравится.Мои родители будут наслаждаться этим много-много лет. Большое спасибо за вашу потрясающую работу и быстрые ответы на протяжении всего процесса.

Шаррин, США

ОТЛИЧНО! Рот мужчины выглядит очень хорошо, как и глаза девушки и т. д. Спасибо, что прислали сегодня. Пожалуйста, отправьте номер для отслеживания. Мы свяжемся с вами, так как в ближайшие пару месяцев у нас будет еще одна картина. Спасибо, что вытащили это.

Дженис, Калифорния, США

Картина была великолепна!!! Спасибооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооооочень!!!!!!

Тина, Боулер, США

Картинка выглядит великолепно.Спасибо за изменения.

Бренд, Лос-Анджелес, США

они отлично выглядят, Энди. .. мне бы очень этого хотелось… дайте мне знать, что вы можете сделать… огромное спасибо…. собаки получились превосходные…. ей понравится it….

Бетти, Калифорния, США

Это просто замечательно!! Я более чем доволен!!! Большое спасибо!!!! Это лучший подарок, который я могла сделать кому-либо!!! КРАСИВАЯ работа!!! Не могу сказать достаточно хороших вещей!

Хизер, Калифорния, США

Спасибо за быструю и качественную работу.Мне было очень приятно получить свою картину. Спасибо, мне картина нравится все больше каждый раз, когда я смотрю на нее.

Рудди, Финляндия

Большое спасибо за картину. Качество меня очень удовлетворило. Можете быть уверены, теперь я буду заказывать еще много картин в будущем. Здорово! Спасибо.

Хьюз Д., США

Я получил эскиз, и он идеален. Я доволен предоставленной вами услугой.В последнее время у большинства людей, с которыми вы имеете дело в эти дни, нет никакого продолжения, как бы вы это ни делали. Еще раз спасибо, с праздником.

Джефф Крис, Лондон, Великобритания

Отлично выглядит, сыну понравится.

Джуди Уайт, Великобритания

Рисование поверх старых фотографий — TinkerLab

Следующий пост из архива. Первоначально он появился в августе 2011 года.

Рисование поверх старых фотографий — это интересный способ превратить старые изображения в новые сокровища. Мало того, что процесс доставляет удовольствие, продукт можно превратить в открытки , которые интересно отправить семье и друзьям.

Старые фотографии можно найти в секонд-хендах, антикварных лавках, гаражных распродажах, центрах повторного использования и на чердаке у мамы. Можете ли вы думать о другом месте?

Для начала я собрал большую случайную стопку фотографий, когда мы посетили магазин повторного использования в Сан-Франциско, ЛОМ, , с идеей, что мы будем использовать их для своего рода коллажа.

А потом я вспомнил, как в какой-то момент в моем собственном прошлом я занимался забавным проектом по рисованию фотографий, который вдохновил нас на выбор этого направления.

N недавно начала изображать объекты на своих рисунках, поэтому я подумал, что она, возможно, находится в той точке, когда мы могли бы повеселиться, играя с пересечением реализма и абстракции .

N любит находить новые места для творчества, и в этот день это был кухонный пол. Чтобы выполнить этот проект, все, что вам нужно, это стопка старых фотографий и несколько ручек для рисования, таких как ручки Elmer’s Painters Pens.Шарпи тоже подойдут, но с немного другим эффектом.

Распечатать рецепт

 

Рисунок на фотографиях

#ratingval# из #отзывов# отзывов

Печать

Тип рецепта: Рисование

Автор: Рашель

Время подготовки: 5 минут

Время приготовления: 15 минут

Общее время: 20 минут

Рисование поверх фотографий фломастерами — интересный способ смешивать реалистичные образы с абстрактными цветами.

• Ручки для рисования (например, ручки для рисования Elmer’s)
• Старые фотографии (или фотографии, напечатанные на фотобумаге)
• Накрытый стол или рабочая зона, так как фломастеры могут быть перманентными
• Халат для защиты одежды

1. Поместите стопку фотографий и ведро с маркерами в центре рабочей зоны.
2. Если ваши ручки новые, заранее нажмите на них, чтобы краска потекла.
3. Предложите ребенку стопку фотографий для сортировки и выбора.
4. Каждый из вас выберет одну фотографию для работы.
5. Рисуйте поверх фотографий любым удобным для вас способом.
6. Продемонстрируйте фотографии или превратите их в открытки и отправьте по почте друзьям и родственникам.

2.2.8

Если у вас нет *настоящих* фотографий, вы можете попробовать найти их в комиссионном магазине, вырезать изображения из журнала или распечатать свои собственные фотографии на фотобумаге или карточках.

Как видно из изображений выше, мы совместно работали над несколькими фотографиями.Я разметил фото и потом передал его N, а потом она добавила свои идеи. Вы должны обязательно проверить эти пресеты Lightroom для портретной фотографии

После того, как я нарисовал фотографию, которую она начала, N сказала мне: «Ты делай по-своему, а я по-своему». Угу. Обычно я очень чувствителен к детским рисункам, и я узнал, что она не рассматривала это как совместную работу — она хорошо рисовала на моих фотографиях, но не хотела, чтобы я рисовал на ее.

Итак, я сделал несколько больших шагов назад и позволил ей сделать все по-своему!

Несколько наших творений — как «коллабораций», так и собственных произведений искусства.Мы передали их позже в тот же день, и превратил некоторые из них в открытки.

Что вы думаете? Вы пробовали это сами? Любые другие идеи о том, что мы могли бы сделать с этими произведениями искусства? У вас есть любимое место для сбора сокровищ для повторного использования?

Повторное использование торговых ресурсов

I Heart RAFT (район Сан-Франциско)

Национальный (США) поиск подрядчика/повторного использования здания: Ассоциация повторного использования строительных материалов

Найдите БЕСПЛАТНЫЕ материалы на Craigslist: список ресурсов SF Bay Area

Найдите БЕСПЛАТНЫЕ вещи в вашем районе через сеть Freecycle

ЛОМ Портленд

ЛОМ Сан-Франциско

Излишки продаж в Стэнфордском университете

Творческое повторное использование склада Ист-Бэй (Беркли, Окленд, Калифорния)

Повторное использование ресурсов через творческое повторное использование East Bay Depot

 

Как сделать ваши фотографии похожими на картину в камере

Сделать вашу фотографию похожей на нарисованную в камере картину можно только при помощи дрожания камеры.

Одна из лучших особенностей фотографии заключается в том, что ее можно сочетать с множеством других материалов и создавать действительно уникальные изображения. Более того, многие из этих изображений можно сделать в камере без использования Photoshop, Lightroom и т. д. Конечно, вы можете снимать и исправлять их на этапе постобработки, но зачем беспокоиться? Почему бы не сделать это правильно в первую очередь и меньше беспокоиться позже? Если вы фотограф с превосходным знанием технической стороны, а также соприкасаетесь с художественной стороной, то этот урок о том, как сделать изображения пейзажей похожими на картины, для вас.

Остановите объектив вниз, используйте низкое значение ISO и большую скорость затвора

Начните с закрытия диафрагмы объектива. F8, f11 или f16 работают отлично. Просто убедитесь, что вся ваша сцена находится в фокусе (частично это зависит от того, где в кадре вы фокусируетесь). Объедините это с низкой настройкой ISO и длинной выдержкой. Камеры обычно имеют тенденцию бороться с эффектами медленной скорости затвора и дрожания камеры с помощью стабилизации изображения. Но в этом случае вам действительно нужно принять дрожание камеры.С этой целью вы можете отключить стабилизацию изображения, если хотите, но вам это не нужно.

Автофокус

Поскольку вы закрываете диафрагму до такого узкого значения, постарайтесь сфокусировать все в сцене. В зависимости от предмета съемки это означает либо фокусировку в центре сцены, либо на бесконечность. Это поможет развить более плоскую перспективу, которую обычно имеют картины.

Начните тянуть камеру вниз или вверх

После автофокусировки начните с перемещения камеры вверх или вниз.Это усилит драматичный, размытый и акварельный вид, к которому мы стремимся.

Стрелять

Держите камеру и стреляйте. Сочетание низкого ISO, длинной скорости затвора и узкой апертуры должно обеспечить сильное размытие при движении и дрожание камеры. Если вы когда-нибудь видели эффект панорамирования при съемке спорта и дикой природы, вы поймете, что он очень похож.

Настройка

Наконец, посмотрите на свое изображение и выясните, что с ним не так.Что вам в нем не нравится? Как вы можете это исправить? Затем внесите коррективы и повторите. После этого вы получите более качественную фотографию в камере.

Как превратить фотографию в картину с помощью Photoshop

Недавно я имел огромное удовольствие встретиться и пострелять с Маккензи Джонсон! Сегодня я поделюсь тем, как я превратила свой портрет в картину. Не все умеют рисовать, но, потратив немного времени и терпения, а также Photoshop, я считаю, что любой может добиться такого эффекта.

Если вы еще не слышали об этой прекрасной девушке, пожалуйста, нажмите кнопку воспроизведения на видео ниже… Я подожду.

Надеюсь, вы уже поняли, что она невероятно талантливая певица и автор песен, а также сенсационная звезда YouTube.

Превращение фотографии в картину — невероятно увлекательная техника, по крайней мере, для меня. То, что вы собираетесь сделать, это размазать дерьмо из вашего изображения. Вот и все.

Ну, это не , а так просто, но ведь в этом и есть главная фишка!

Вам не нужна любая кисть: вам нужна кисть с «зернистостью».«Если вы используете обычную кисть Photoshop по умолчанию, все, что вы собираетесь делать со своим изображением, — это сглаживать его. Эффект, которого мы добиваемся с помощью этой техники, состоит в том, чтобы воссоздать мазки кисти, которые делала бы настоящая кисть, если бы это была действительно осязаемая картина, как если бы вы могли видеть детали, оставленные всеми маленькими щетинками вашей кисти.

Ниже вы можете увидеть кисть, которую я использовал для растушевки (я только один раз щелкнул черной краской, чтобы вы могли видеть форму), но любая кисть с грубыми краями подойдет.

Убедитесь, что вы установили интервал на 1% в палитре кистей в разделе «Форма кончика кисти». Выключите все остальное; мы не хотим никакого рассеяния, дрожания и так далее.

Теперь установите силу размытия примерно на 70% и приготовьтесь сойти с ума . Дублируйте свой слой, чтобы у вас все еще было исходное изображение внизу, и вы были готовы начать «рисовать».

Обычно я такой перфекционист, поэтому мне было очень весело просто отпустить и позволить моим мазкам течь органично.Если у вас нет планшета Wacom, это прекрасная возможность купить и приобрести . Вы можете сделать это с помощью мыши, но это намного проще (и определенно веселее) с планшетом.

Обойдите все изображение, нажимая и растягивая пиксели по своему усмотрению. Не бойтесь немного испачкать свои штрихи; что добавляет ему реализма и характера. Следите за линиями и формами вещей, плавно проводя краями подбородка, закручивая «краску» вокруг губ, ушей, галстуков-бабочек и т. д.

Это похоже на то, как будто у вас есть краска на кисточке, и вы перетаскиваете ее по холсту, за исключением того, что это намного проще, потому что все цвета уже на месте… и, конечно же, есть «кнопка отмены». (Слава богу.)

Возможно, вам понадобится кисть гораздо меньшего размера, когда вы рисуете более детализированные области, такие как глаза, рот и нос, но немного большая кисть для щек, рубашки и фона. Тем не менее, вы не хотите, чтобы ваша кисть когда-либо была слишком большой, иначе эффект не будет работать – не нужно срезать углы и пытаться рисовать целые области большей кистью.

После того, как вы прошли весь путь через все изображение, смешивая цвета туда-сюда, вы могли бы сказать, что это сделано, но, будучи таким придирчивым к деталям, как я, мне, конечно, пришлось потратить еще несколько часов на поработайте над этим. Что вам нужно сделать, так это создать новый слой, установить режим наложения «Наложение» и начать рисовать поверх размытого изображения.

Потратьте время, чтобы обыграть тени и блики на глазах и губах, добавив больше деталей и контраста в области, на которых вы хотите сфокусировать внимание зрителя.Также здорово выбирать цвета прямо из изображения и использовать их для рисования на слое наложения. Это слегка насытит и преувеличит ваши цвета.

В завершение я продублировал и объединил все свои слои (отметка видна), а затем пропустил этот слой через плагин HDR Efex Pro 2 из коллекции Nik. Это действительно подчеркнет крошечные детализированные линии ваших мазков кистью и придаст общему изображению еще более живописный вид. Как обычно, я немного уменьшил этот слой, чтобы не переборщить.

Если у вас нет этого плагина, не волнуйтесь, вы можете добиться аналогичного эффекта, используя инструмент «Тени/Света» (из выпадающего меню «Изображение» в разделе «Настройки»), а затем применив некоторая резкость. (Я обычно делаю это с помощью техники резкости верхних частот.)

В качестве последнего шага возьмите себе красивое изображение текстуры бумаги или даже текстуру холста (или и то, и другое) и набросьте его (их) сверху. Установите режим наложения на «Умножение» (или, возможно, «Наложение» или «Мягкий свет», все зависит от того, насколько темным является изображение вашей текстуры). Уменьшите непрозрачность по своему вкусу и при необходимости слегка скройте лицо.

Этот последний шаг действительно замечательно объединяет все вместе и придает ему более правдоподобный вид картины, потому что картины имеют небольшую текстуру в зависимости от того, на чем они нарисованы.

Вот окончательный результат:

Вот видео для быстрого редактирования этой фотографии под названием «Бабочки и алиби»:

Так что в следующий раз, когда вы окажетесь в творческом застое или просто захотите попробовать что-то новое, берите изображение, планшет, инструмент «Размазывание» и наслаждайтесь старым добрым сеансом рисования!

---

Об авторе : Роберт Корнелиус — фотограф и отмеченный наградами гуру Photoshop из Ливана, штат Пенсильвания.Вы можете найти больше его работ на его веб-сайте и прочитать больше его статей в его блоге.