Суми-э — японская живопись. Рассказывает Римма Карачан

Суми-э —  японская техника рисования тушью. Мы посетили занятия по этому традиционному восточному виду живописи в центре «Хагакурэ» и поговорили с художником и преподавателем Риммой КАРАЧАН. Римма не только учит художественному мастерству, но и старается воспитать в своих учениках умение видеть красоту в окружающем нас мире: в маленьком цветке, птичке, облаке, замечать величие природы, складывающееся из простых и незамысловатых, казалось бы, вещей и явлений.

Текст: Мария Завадская
Фото: Мария Сонгаль

Про историю суми-э

— Как вы увлеклись японской живописью?

Интерес к этому виду рисования у меня возник давно. Как художнику мне был очень интересен и необычен этот вид искусства. Не секрет, что многие известные европейские художники черпали вдохновение для своих работ у японских мастеров. Суми-э – философская техника рисования, которая успокаивает ум и приводит к гармонии.

Практика суми-э существовала в основном в монастырях, на протяжении восьми веков эта техника рисования не выходила за их пределы. Соответственно, первыми художниками были буддистские монахи.

Во второй половине XV века монах японского храма Сёкокудзи Тоё Сэссю путешествовал по Китаю. Среди всего прочего он посещал буддийские монастыри, где изучал местные виды живописи. По возвращении домой он привез в Японию технику рисунка монохромной тушью суми-э. Это была свободная манера рисования «разлетающейся кистью», которая оказала влияние на позднюю японскую живопись. Сэссю путешествовал по всем уголкам Японии, делал множество зарисовок местных ландшафтов, постоянно совершенствуя свое мастерство. Он высоко поднял планку этого вида рисования и популяризировал его. С этого времени искусство суми-э пошло в народ, стало доступным и почитаемым всеми.

В этом виде рисования присутствует медитативность, задумчивость, поиск себя… В суми-э кисть называют «танцующей», так как она слегка придерживается рукой, постоянно находится в воздухе, а расслабленная кисть свободно машет ее кончиком.

Взлетает, открывая для вас свободу движения, как будто это кисть водит рукой мастера. Японцы называют это состояние «му» – отсутствие себя. Вы убираете контроль и рисуете, полностью доверяя кисти.

В суми-э кисть называют «танцующей», так как она слегка придерживается рукой, постоянно находится в воздухе, а расслабленная кисть свободно машет ее кончиком.

Этот вид творчества энергетически подпитывает, я отдыхаю с помощью этой техники. Мне не важны картинки, мне важен процесс. Я пришла, порисовала 15-20 минут и все – я как огурчик – это важно в напряженном ритме жизни с множеством работы и планов. Нужно найти свое измерение, которое позволяет вам вернуться к себе, прислушаться, чего не хватает лично вам.

Конечно же, я рисую достаточно долго, и могу с легкостью нарисовать любой сюжет. Это все тренировки, постоянное совершенство стиля и любовь к минимализму. Предвкушая и размышляя над тем, что я буду сейчас рисовать, я уже улыбаюсь и отдыхаю. И мне уже хорошо.

— Как формировался стиль суми-э? В чем его уникальность, особенность, подходы?

Первоначально основные методы и принципы рисования тушью были заимствованы из Китая. Однако Сэссю привнес в это искусство японскую эстетику и неповторимый стиль. А неповторимость его именно в простоте и изящности. Китайская техника предусматривает большую проработанность деталей в рисунке. Суми-э – это скорее искусство нескольких мазков, но настолько выразительных, что образ получается легко узнаваемым.

Задача художника изучить объект и, отбросив все ненужное, несколькими штрихами создать его образ. Это подразумевает условность, стилизацию, упрощение. При этом предмет не теряет свою узнаваемость, остается живым. Техника рисования очень экспрессивная и эмоциональная. Здесь нельзя медлить – нужно рисовать быстро, как правило, без карандашного наброска. В основе лежит наблюдение за природой, ее изучение. Чтобы нарисовать предмет, нужно его знать: как выглядит птичка, какое строение ее лапок, как выглядит тот или иной листик, цветочек, очень важно не обмануть зрителя.

Излишнее сходство – пошло, не сходство – обман. Нужно найти золотую середину, не обмануть зрителя и одновременно не скатиться в безвкусицу. Так как цвета здесь нет, а только градация черного, то художник должен сыграть на гамме серых оттенков, как музыкант играет на музыкальном инструменте. Это искусство действительно похоже на музыку. Конечно, цвет также можно использовать при желании, но классически это только черная тушь и ее различные оттенки.

Излишнее сходство – пошло, не сходство – обман. Нужно найти золотую середину, не обмануть зрителя и одновременно не скатиться в безвкусицу.

 — Какие основные сюжеты, жанры или направления суми-э существуют?

В основном в суми-э используется три сюжета или три основных направления: цветы и птицы, пейзаж, животный мир. Людей изображают реже – это могут быть странствующие монахи, рыбаки на лодках среди пейзажа. Как правило, человек на картине второстепенен и используется для масштаба. Относительно фигуры человека мы понимаем, насколько гигантские горы, скалы или деревья.

Для всех сюжетов вырезают печати с обозначением жанра. Одной из главных будет именная печать мастера, называемая «ханко», на которой будет зашифровано его имя, она будет узнаваема, как и стиль мастера суми-э. Также можно вырезать печати-пожелания. Красная печать красиво дополняет рисунок суми-э.

Про технику рисования

— В чем особенность техники рисования суми-э?

Этим видом рисования могут заниматься все желающие, он не требует особой художественной базы. Человек может прийти с нуля и достичь хороших результатов, потому что в основе лежат всего четыре мазка, основные движения кистью: «бамбук», «орхидея», «хризантема» и «слива». Почему такие названия? Потому что эти растения очень почитаемы на Востоке, изучение техники суми-э начинается с рисования этих четырех растений. Это четыре базовых штриха. Существует также дополнительный штрих «пресс-мазок», при котором кисть в вертикальном положении по всей длине ее щетинок прижимается к листу бумаги.

Когда рисуете «бамбук» – острый на конце и округлый в точке роста – вы учитесь рисовать резкие, отрывистые штрихи.

Когда рисуете мазок «орхидея», вы изучаете плавное, струящееся, скользящее движение. Оно очень спокойное и женственное. Этот мазок напоминает ленту, которая развивается в воздухе, расширяясь и сужаясь.

Мазок «хризантема» напоминает по форме запятые, рисуя этот цветок, вы учитесь накладывать мазки друг на друга.

Мазок «слива» напоминает небольшую капельку – точку.

Важное правило: кисть нужно держать строго вертикально и за верхнюю треть черенка, чтобы она могла парить! Конечно, позже добавляется множество дополнительных штрихов, и из них складывается итоговое изображение. Все мазки нужно довести до автоматизма, только после этого вы научитесь легко и свободно рисовать. Этот этап нельзя перескочить. Нужны многократные тренировки, повторения этих движений. Хорошо для этого использовать специальные коврики для каллиграфии. На них рисуют водой, при этом в течение некоторого времени мазок остается видимым до тех пор, пока вода не испарится. И можно тренироваться рисовать заново.

Важное правило: кисть нужно держать строго вертикально и за верхнюю треть черенка, чтобы она могла парить!

— Какими еще материалами пользуются художники суми-э, воплощая свое искусство в осязаемый образ?

Тушь, вода, кисточка, бумага – вот четыре драгоценности стола «ученого». Так их раньше называли, так как изначально этот вид рисования был присущ только аристократам. Очень трепетно относились к материалам. Лист бумаги, к примеру, называли «зал очищения души». Прежде чем вы достигните мастерства, нужно пройти через «лес кистей». Только исписав много кистей, изведя много бумаги, к вам придет понимание инструмента. Можно работать на рисовой, акварельной бумаге, какая больше нравится.

Про личный опыт

— Расскажите немного о ваших учениках.

Мы начали занятия в 2014 году, и уже выросла целая армия учеников. Многие теперь и сами преподают. Как говорят японцы, каждый должен найти свой «гигай», то есть призвание, то, что заставляет человека радостно просыпаться по утрам и предвкушать занятие любимым делом, то, что его питает и наполняет силами. Это здорово, что люди обрели любимое занятие. Особенно для женщины очень важно заниматься творчеством. Женщина ведь центр семьи, от нее зависит, какая атмосфера будет дома. Если она гармонична, то через нее любовь распространяется на всех членов семьи.

Как говорят японцы, каждый должен найти свой «гигай», то есть призвание, то, что заставляет человека радостно просыпаться по утрам и предвкушать занятие любимым делом, то, что его питает и наполняет силами.

— А как планируете свое время?

Конечно, свободного времени мало. Пишу планы на неделю вперед. При этом у меня подвижный график. Я бы не смогла ходить каждый день на работу от звонка до звонка.

Мне нравится быть в движении. Я сама планирую свое время. Для подготовки к своим занятиям я рисую методический материал. Работаю очень много, помимо преподавания суми-э я занимаюсь детской акварельной иллюстрацией. В итоге у меня остается один день выходной, в который я привожу дом в порядок. И, естественно, я нахожу время, чтобы посвятить его себе, семье, ребенку. Дочка иногда на меня обижается, мол, мама, ты вся в работе, подойди я тебя обниму! Она у меня высокого роста и мы сейчас поменялись местами. Я у нее сижу на коленках, это так забавно: «мама, иди ко мне, посиди у меня на коленках»:)

— Расскажите о ваших планах и вдохновении.

Планы очень большие: хочется сделать книгу постадийного рисования суми-э. Я знаю, это очень актуально и будет востребовано учениками. Отдельные выборочные уроки есть, их можно найти в интернете. Однако полноценного учебника-пособия еще не издано.

Вдохновляет буквально все! Природа, книги, детские рисунки… Ребенок поставил кляксу, расстроился, а я говорю: «Смотри это же не клякса, это птичка!» – пара штрихов – и уже улыбка на детском лице! Вот так учишь их в каждой кляксе увидеть объект, и понять, что всё и всегда можно исправить. Искусство призвано нести свет в глубины человеческого сердца. Когда человек начинает заниматься искусством, он не чувствует бессмысленность своего существования, его жизнь наполняется радостью и светом. Вот это здорово! Человек творит искусством другую реальность. И он может ее создать такой, какой хочет.

— Какова ваша жизненная философия?

Любовь, творчество, дети – вот три кита, на которых все держится. Я люблю детей, люблю творить, я человек, который находится в чувствах. Любовь для меня важна, так как ничто не питает творческого человека так, как любовь. Люди не будут помнить, что вы им говорили, но они всегда будут помнить, как они чувствовали себя рядом с вами.

Для меня очень важно отношение к людям. Мне хочется, чтобы рядом со мной было хорошо и комфортно. Ведь от нас остается шлейф, ореол от общения, и я хочу, чтобы уходя с моих занятий, мои ученики несли вместе с собой атмосферу теплоты и уюта.

Люди не будут помнить, что вы им говорили, но они всегда будут помнить, как они чувствовали себя рядом с вами.

Related

Японская живопись суми-э. Цветы четырех сезонов.Пишем растения тушью

Перед вами прекрасно иллюстрированная книга по японской живописи Суми-э.

Автор Александра Васильева — художник, работающий в технике японской живописи Суми-э. Создатель онлайн-школы восточной живописи тушью Суми-э, член Международной ассоциации художников китайской каллиграфии и живописи Суми-э. Токио. Япония. (International Chinese Calligraphic Art and Ink Painting Artist Society).

Внутри вы найдете:

— Подробное описание художественных материалов, необходимых для создания картин в технике Суми-э.

— Описание композиции в восточной живописи и основные принципы Суми-э.

— 26 пошаговых уроков по изображению цветов в технике Суми-э.

— Исторические справки, необходимые для погружения в японскую философию искусства.

— Подарите себе возможность прикоснуться к многогранному миру монохромной живописи Суми-э.

«Цветы четырех сезонов» для начинающих и практикующих художников. Для всех, кому интересна культура и искусство Японии.

Аннотация

Япония — загадочная страна, которая веками оставалась для нас такой далекой, но от этого не менее притягательной. В свою очередь суми-э — старинный стиль рисования тушью, популярность которого растет с каждым днем. Быть может, дело в легких мазках туши, или в философии, заложенной в каждом движении кисти. Как и всякое японское искусство, суми-э — это трудный путь без конца, искусство бесконечного совершенствования, в котором любой результат является промежуточным и только движение к идеалу — вечным. Новая книга Александры Васильевой поможет вам понять не только технические аспекты живописи суми-э, но и сам ее дух, неразрывно связанный с японской культурой. В своей новой книге художница откроет вам удивительный мир цветения и благоухания и расскажет о традициях изображения растений в технике суми-э.

Откройте для себя цветы как художественный образ и окунитесь в многовековую историю живописи суми-э.

о своей выставке «Иероглиф зимы» и японской живописи суми-э » Музей современного искусства АРТМУЗА в Санкт-Петербурге официальный сайт

С 3 декабря по 3 февраля в АРТМУЗЕ работает выставка «Иероглиф зимы» Ольги Лебедевой. Примечательно, что на творчество художницы оказали влияние два мастера очень разных направлений: европейского и восточного. Мы расспросили Ольгу о японской живописи суми-э и попытались лучше понять её технику.

— В описании вашей выставки «Иероглиф зимы» упоминается японская техника рисования суми-э. Ваши работы, представленные в галерее, написаны в этой технике? 

— Не совсем. Суми-э — японское название рисования тушью по рисовой бумаге. Я училась восточной живописи у художника Андрея Соколова, под его руководством изучала каноны восточной живописи: приёмы, правила изображения, традиционные сюжеты. Суми-э предполагает использование особых кистей с удлинённым ворсом, обычно козы, барсука, волка, а не мягких беличьих или колонка. Традиционно используют твёрдую тушь, которую растирают в каменной тушечнице, но, даже выбирая жидкую тушь, приготавливают растворы разной насыщенности цвета. Определенным способом растворы эти нужно набирать на кисть. Лист должен обязательно лежать на войлочном коврике, так как рисовая бумага очень-очень тонкая, как папиросная. У китайцев есть трактат «Слово о живописи из Сада с горчичное зерно». Там собраны описания не только того, что рисовать, но и как рисовать. Например, листья дикой орхидеи или молодые ветки сливы должны быть «упругими, как ус тигра». Старые ветки сакуры похожи на «дракона, изогнувшегося перед нападением». Красивые образы. Описаны чёткие правила: сколько мазков, какие мазки. О написании бамбука сказано, что лист может быть одиночный, в виде ласточкиного хвоста, могут быть три листа или пять. И вся масса листьев должна быть написана по строгим канонам. Конечно, есть мастера, которые могут себе позволить нарушить правила. Есть традиционные сюжеты. Например, так называемые четверо благородных: бамбук, ветка сливы, дикая орхидея и хризантема. Если ты научился их рисовать, то, считай, умеешь всё. А попадая на мою выставку, люди не видят ни бамбука, ни сливы, ни гор и водопадов, которые традиционно рисуют японцы и китайцы, глядя на свою природу.
Просто многие приёмы, в целом мировоззрение восточных мастеров оказались мне очень близки и перешли ко мне как инструмент видения и рисования. Я многое приобрела, изучая восточную технику, но работаю всё-таки по-другому. И сюжеты у меня другие, и использование кистей, и материал акварель. Хотя японцы и китайцы тоже любят нашу акварель, используют её вместо цветной туши, но, строго говоря, это всё-таки разные вещи.

— То есть у вас переосмысление этой техники?

— Я работаю акварелью по хлопковой бумаге в технике а ля прима («за один присест»), быстро, в один приём, без предварительного рисунка. Но использую приёмы восточной живописи как инструмент. Они очень обогащают мою палитру. Конкретно на этой выставке они преобладают, поскольку её лейтмотив — зима, которая срывает все покровы и обнажает самую суть, иероглиф. Хочу пояснить, что означает «иероглиф» в названии выставки. Тут действительно я имела в виду некое восточное начало. Это слово я использовала даже не в прямом значении (хотя и это тоже, ведь сплетение обнажённых веток очень часто напоминает восточные иероглифы), а иероглиф как некий знак, символ, образ, сама суть. 

— Почему именно такой восточный уклон у русского человека в России?

— Потому что это всё единое художественно-поэтическое пространство. В основе всего лежит образ, метафора, сравнение, иносказание. Не имеет значения, из какой страны поэт в глобальном смысле этого слова и в каком жанре, стиле, используя какие материалы, он выражает свои мысли и ощущения. Это могут быть стихи, проза, живопись, скульптура. Объединяет всё образность, метафоричность, на мой взгляд.

— А с чем связан выбор поэтов к вашей выставке?

— Японских поэтов я выбрала в качестве иллюстрации чистого образа, когда в двух словах описано целое явление. И можно весь свой опыт, чувства, переживания, всё, что ты видел в своей жизни, использовать, чтобы представить то, о чём рассказывает стихотворение. При этом выбрала одного русского поэта. Я бы и прозу взяла, просто подумала, что выставка будет перенасыщена текстом. Хотела подчеркнуть как раз ту мысль, что не имеет значения: японский, китайский или русский поэт. В хороших стихах нет бисерного перечисления предметов. Всё, что человек увидел, он прожил, и у него родилось нечто большее, нежели просто описание веток или погоды. Получается уже некий объёмный образ. Это есть в стихах, прозе и любом художественном произведении из любой точки мира. Поэтому такая смесь: и русская, и японская поэзия.

На открытии выставки с одним из авторов стихов — Наталией Есиной

— Поняла, то есть здесь акцент именно на метафоричности?

— Методы японской живописи пришли ко мне в руку как некий инструмент, который я использую, в силу того, что я это исследовала, изучала. Но изначально я училась у другого художника — Марка Ефимовича Тумина, который принадлежал к школе аналитической живописи и входил в арт-группу «Эрмитаж». Он часто говорил: «Без поэзии нет живописи». Художник изображает не кувшин на столе или дерево, а тот пластический и поэтический образ, те взаимосвязи, взаимовлияние, которые художник увидел в этом кувшине, вазе, дереве, речке, небе, домике и окружении. Марк Ефимович — мой Университет, он сформировал моё мировоззрение, художественное видение.  Что интересно, он довольно часто на занятиях анализировал и восточные работы, будучи абсолютным европейцем, ведь всё едино.

— Ещё расскажите, пожалуйста, чем вы вдохновлялись на зимние работы?

— У меня все работы о природе, я не рисую натюрмортов, я очень редко пишу людей. В основном это мысли, которые навеваются природой, природными образами, состояниями природы, моим состоянием. Зима — особенная, потому что приходится вычленять, выискивать полноту, красоту. Лето, пышная золотая осень — яркие сами по себе, будоражащие воображение. Зимой природа спит, и люди вполглаза спят (смеется), проживают зиму. Мне нравится зимой эта «голость», уязвимость, когда видны скелет и костяк веток. Летом — перед нами пышные драпировки, одеяния. А зимой видно всю корявость, изогнутость, витиеватость. Зимой — пустота и одновременно чистый образ внутри неё.

— Почему выбрали для себя минимализм, технику а ля прима?

— Эта техника может быть очень разной. Многие художники рисуют красочные работы, где нет ни одного оставшегося белым кусочка бумаги. У меня минимализм как основная концепция творчества. «Минимум средств, максимум выразительности», — очень близкий мне постулат восточной живописи. Я бы не хотела избыточно что-то представлять на листе. На мой взгляд, это лишнее. Не зря я на выставке привела в пример цитату своего первого учителя Марка Ефимовича Тумина: «Для того, чтобы выразить образ, бывает достаточно двух-трёх линий, а остальное либо помогает, либо мешает». Как я уже говорила, мой учитель принадлежал к школе аналитической живописи. Поэтому он, а затем и мы, его ученики, изучали работы старых мастеров, мировые шедевры. Оказалось, если разобрать на косточки работы, основная суть сконцентрирована в нескольких линиях, точках и пятнах. А остальное — наращивание визуального ряда. Эта основная концепция так глубоко проникла в сознание, что следом идущая практика японской живописи уже легла на благодатную почву. Я стремлюсь научиться выразить свою мысль, пластический образ максимально точно. Когда на листе несколько линий, мазков или точек, но они настолько хорошо найдены, что этого достаточно. На самом деле очень сложно — настолько проникнуть в тайну, вычислить или угадать, вычувствовать, какие и где должны быть линии.

— Расскажите про своих учителей.

— С моими учителями все получилось неслучайно. Мы были из одного круга. Андрей Соколов, как и я, учился у Марка Ефимовича Тумина, под его влиянием начал изучать японский язык, а затем и восточную живопись у сенсея в Японии. Самое удивительное, что не было конфликта в обучении восточной и европейской живописи, несмотря на разницу в мировоззрении. Я помню, как Марк Ефимович анализировал восточные работы Андрея прежде, чем они улетали в Японию к сенсею, и часто мнение мастеров совпадало. Поэтому так вышло, что я училась вроде у двух очень разных учителей, но при этом всё взаимосвязано, едино, как чудо какое-то.

***

Живопись Ольги Лебедевой в сочетании со стихами японских и русских поэтов можно увидеть сейчас вживую в АРТМУЗЕ. Ждём вас до 3 февраля в галерее «Бизнес-арт» на 3-м этаже музея. Вход свободный. Подробности — по ссылке.

Беседовала: Диляра Ягофарова,

SMM-менеджер АРТМУЗЫ

рисуем виноград Мастер-класс по суми-э Марии Богдановой Культурный центр «Меридиан»

                                                              
 Мария Богданова окончила Школу архитектуры и дизайна по дисциплине «Академический рисунок».
Член Международного художественного фонда с 2011 г., Творческого объединения «Комар» с 2009 г., Творческого Союза художников японской живописи Суми-э с 2013 г., Творческого Союза художников России с 2015 г.
Живет и работает в Москве.
С 2010 г. – победитель и участник российских и зарубежных выставок и конкурсов.
Работы находиться в частных коллекциях России.

Художник по костюмам к спектаклям:
2015 г Творческая мастерская «Актэм» – » Беда от нежного сердца» В. Сологуб.
2015 г. Творческая мастерская «Актэм – «Пеньки», по комедии А.Н. Островского «Лес».

ВЫСТАВКИ:
• март 2010г. – Государственный выставочный зал » Выхино» г. Москва, выставка Творческого объединения «Комар»
• март – апрель 2011. – Государственный выставочный зал «Замоскворечье» г. Москва, выставка «Война и мир» Творческого объединения «Комар»
• май 2011 г. – Московская городская дума, выставка «Радуга вдохновений» Творческого объединения «Комар»;
• апрель 2012 г. – Московский Центр современного искусства М.АРС, г. Москва, XI Международная выставка – конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• июнь 2012 г. – Московская областная Дума, г. Москва, выставка «Подмосковные вечера»
• ноябрь – декабрь 201 г. – Московский Центр современного искусства М.АРС, г. Москва, XII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• январь – февраль 2013 г. – Выставочный зал Государственного геологического музея им. В.И. Вернадского РАН, выставка «Путь цветка»;
• март 2013 г. – 18-я Международная выставка КОКУГА СУИБОКУИНТЭН, г. Токио;
• апрель 2013 г., Конгрессно – выставочный центр «Сокольники» г. Москва, XIII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• май – июнь 2013. – Латвийская республика, г. Рига, Международная выставка-конкурс современного славянского искусства «Дни русской культуры в Латвии»;
• май – июнь 2013 – Государственный выставочный зал «Богородское» г. Москва, выставка «Черное и белое» Творческого объединения «Комар»;
• июль 2013г. – Выставочный центр Санкт-Петербургского Союза художников, V Международная выставка-конкурс современного искусства «Санкт-Петербургская неделя искусств»;
• октябрь 2013г. – Московский дом художника на Кузнецком мосту, г. Москва, выставка-конкурс «Ассамблея искусств»;
• ноябрь – декабрь 2013 г. – Московский Центр современного искусства М.АРС, г. Москва, XIV Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• февраль – март 2014 г., Международный художественный фонд, г. Москва, выставка «Современное реалистическое искусство»;
• апрель – май 2014 – Центральный Дом Художника, г. Москва , XV Международная выставка – конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• июнь 2014г. – ГБУК «Библиотека-читальня им. И.С. Тургенева», г. Москва, выставка «Москва военная» Творческого объединения «Комар»;
• ноябрь 2014 г. – Центральный Дом художника, г. Москва, XVI Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• апрель 2015, Центральный Дом художника, г. Москва, XVII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• июнь 2015 – Московская городская дума, выставка «Радуга вдохновений-2» Творческого объединения «Комар»;
• ноябрь 2015 – центр ArtPlay г. , Москва, XVIII Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• октябрь 2015 – Выставка «Неделя искусств в Китае», Пекин;
• ноябрь 2015 – Белорусская неделя искусств, III Международная выставка-конкурс современного искусства;
• декабрь 2015 – Казанская неделя искусств, Международная выставка-конкурс современного искусства в рамках Международной художественной акции «Передвижной Ассамблеи Искусств»;
• январь 2016 – Центральный Дом художника, г. Москва, XIX Международная выставка-конкурс современного искусства «Российская неделя искусств»;
• февраль 2016 – Новгородская Неделя Искусств, г. Великий Новгород;
• апрель – май 2016 – Персональная выставка в Картинной галерее г. Мышкин.

ПУБЛИКАЦИИ
Работы автора опубликованы в следующих изданиях:
2012г. – Юбилейное издание к 20-летию Международного Художественного Фонда.
2012г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2012″, выпуск 11.
2012г. – Альбом «Пейзаж XX-XXI века, Издание Московского союза художников.
2012г. – Каталок выставки «Подмосковные вечера» в Московский областной Думе.
2013г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2013″, выпуск 12.
2013г. – Альбом «Новые лица в Искусстве».
2013г. – каталог к THE 18-th KOKUGA SUIBOKU-IN EXHIBITION.
2014г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2014″, выпуск 13.
2014г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2015″, выпуск 14.
2016г. – Ежегодный каталог – справочник » Искусство России 2016″, выпуск 15.

Статьи о выставках автора опубликованы в следующих периодических изданиях:
2009 г. – «Мир Живописи», №1-2. Издание Товарищества живописцев Московского союза художников.
2010 г. – «Новости», издание №3 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2011 г. – «Новости», издание №6 региональной общественной организации «Московский Союз Художников»
2011 г. – «Мир Живописи», №8-9-10. Издание Товарищества живописцев Московского союза художников.
2013 г. – «Новости», издание №9 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2014 г. – «Новости», издание №7-8 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2014 г. – «Мир Живописи», №8-10. Издание Товарищества живописцев Московского союза художников.
2015 г. – «Новости», издание №2 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2015 г. – «Новости», издание №6-7 региональной общественной организации «Московский Союз Художников».
2015 г. – «Московская Правда», №133 (28007) от 16.07.2015.

основные школы, стили, принципы создания своей композиции

Если самурай из вас никакой, равно как и буддийский монах, вы не обучались в школе гейш, а о самой Японии лишь иногда смотрели заметки по ТВ и читали в интернете, это не помешает вам создать свою красивую икебану. Как? Было бы желание!

Вся Япония в одной композиции. Проста (но только на первый взгляд), изысканна, многогранна, до конца не понять

Краткая история икебаны. Три основные школы, сотни стилей, миллионы поклонников

Икебана в широком смысле это:

• японское искусство создания букетов из срезанных цветов и их частей (в том числе – уже засохших) и других флористических элементов;
• готовый букет, созданный по канонам этого искусства.

Само слово «икебана» состоит из двух иероглифов: «жизнь» и «срезанные живые цветы», что в сочетании можно трактовать как «вторая жизнь срезанных цветов». Японисты, впрочем, подчеркивают: на самом деле термин не имеет буквального перевода, его значение слишком глубоко. Это и показ места человека в мире, и отражение индивидуальности того, кто составил композицию, и демонстрация принятия естественного течения жизни, частью которой является неизбежное умирание, нахождение в этом эстетики, и многое, многое другое.

Изначально лепестки и срезанные цветы использовались в буддийских ритуалах, поэтому можно сказать, что «колыбелью» икебаны является Индия, где возникло учение. Когда буддизм стал распространяться в Японии (это VI век), практика с цветами-подношениями перекочевала на острова. Только священнослужители ведали, как лучше распорядиться флорой в качестве даров Будде и украшения храмов.

В поисках просветления

От идей киотского священника Икэнобо Сэнкэея берет свое начало старейшая школа икебаны Икэнобо. Мастер был настолько искусен в составлении красивых композиций, что поучиться его умению приезжало духовенство со всей страны.

Стиль, изначально присущий этой школе, называется рикка. Мы заостряем на этом внимание, т. к. в XXI веке школ и стилей существует уже несколько сотен. Но все они, можно сказать, вышли из Икэнобо.

Для классического стиля рикка характерны высокие (выше полутора метров) композиции с основными растениями в составе: сосной, бамбуком, лотосом. Напомним, речь идет о прославлении Будды. Одинокая сосна – дерево, символизирующее природу просветленного. Бамбук обозначает совершенного человека. Ну а лотос для всего Востока – знак духовного раскрытия. Хотя, строго говоря, это тоже упрощенные значения, есть и другие, как чисто буддийские, так и местные, японские, связанные с синтоизмом, традиционной религией жителей островов.

Неизбежно такой красивый процесс, как составление цветочных композиций (пусть и с особым смыслом), должен был выйти из храмов в народ. Это и произошло с течением времени. Сначала икебаны появились в императорском доме, затем – по нисходящей – стали набирать популярность среди всего населения.

К XVI веку религиозное значение икебан уменьшилось. Родился стиль сека. С одной стороны, это упрощенная рикка (для масс). С другой – с годами искусство составления цветочных композиций «напиталось» специфическим японским отношением к красоте и бытию.

Здесь уже не было столь строгих догм о вертикальности, зато нужно было непременно эстетично и со смыслом выдержать баланс всех частей композиции.

Умение составлять икебаны стало обязательным для гейш, но широко занимались этим искусством мужчины. Самураи перед битвой, с которой могли не вернуться, создавали икебану. Представляете, какое глубокое значение, касающееся человеческой жизни, вкладывали они в свою композицию?!

О том, как должны были составляться букеты, писались инструкции. Их изучение, знание и четкое исполнение стало обязательным. Не то чтобы «шаг влево или вправо» не допускался совсем, но принципы создания икебан эволюционировали очень медленно.

Так бы и продолжалось, если бы не вмешались европейцы…

Икебана школы Икэнобо

Начиная с середины XIX века, изоляции Японии от остального мира пришел конец. Огромные перемены охватили все сферы жизни страны, разумеется, процесс коснулся и икебаны.

• Во-первых, японцы столкнулись с непривычным для себя взглядом на жизнь, человека, неизвестной доселе философией. А это как раз то, что икебанисты отражают в своих произведениях. И пусть большинство откровенно не понимало западного человека (а кто-то и проникся идеями, привезенными из-за океана), в цветочных композициях стали появляться новые нотки.
• Во-вторых и, наверное, в главных, в Японию стали привозить новые цветы, использование которых просто не было прописано в старых догматах. Пришлось пересматривать правила. Так немного насильственно искусство икебаны стало развиваться.

К концу XIX столетия бывший представитель школы Икэнобо по имени Унсин Охара начал применять для своих произведений непривычные сосуды и «дал жизнь» новым стилям (это был настоящий прорыв!):

• морибана – элементы композиции устанавливались в неглубокие плошки, можно даже с водой;
• хейка – когда растения помещались в высокие узкие вазы и фиксировались в вертикальном положении, порой причудливо нависая, непонятно даже, как и за что держась.

Мастер открыл свою школу Охара. Это вторая классическая школа икебаны.

Икебана в стиле морибана

Икебана в высокой узкой вазе

Наконец, в 1927 году открылась школа Согэцу – третья основная школа икебаны.

Ее представители, с одной стороны, не отказываются от традиционной японской философии (она была, есть и будет обязательной незримой составляющей любой композиции, иначе это уже и не икебана вовсе получится, а обычный букет), но с другой – открыты всему новому. Именно икебанисты этой школы стали активно использовать современные материалы, и если таковые появляются в наши дни, не преминут ими воспользоваться. По мнению приверженцев школы Согэцу, икебана не должна стоять на месте, ее задача – развиваться вместе с меняющимся миром. Правила прошлого хороши, но только как основа, трамплин, от которого нужно отталкиваться.

Скорее всего, именно благодаря этой школе икебана стала завоевывать популярность среди неяпонцев.

Новый взгляд на икебану

Сегодня в Стране восходящего солнца множество стилей икебан, но классическими, основными, считаются те, которые практикуются в первых трех школах: Икэнобо, Охара и Согэцу. Они существуют по сей день, у каждой есть свои приверженцы, между ними идет здоровая конкуренция, что в конечном итоге всем только на пользу.

Русский, но пояпонистей. Создаем свою икебану

В нашей стране зафиксирована, можно сказать, официальная дата знакомства с икебаной. В 1968 году при посольстве Японии в Москве и обществе дружбы «СССР – Япония» был учрежден клуб «Икебана». Японки (в основном, конечно, развитием культурных связей занимались женщины из дипломатических семей) обучали наших соотечественниц древнему, но живому искусству составления цветочных композиций. А чтобы об этом узнало население всей нашей огромной страны, подключился журнал «Цветоводство», в котором выходили заочные уроки для всех желающих.

Раритетные номера журнала «Цветоводство». У вас не сохранились?

Кстати, клуб существует по сей день, в нем можно пройти обучение. Вообще приобщиться к японскому искусству икебаны легко, если есть желание: на различных флористических курсах, даже онлайн, с помощью любителей икебаны, которые есть, наверное, в большинстве городов.

Зачем нужна икебана современному неяпонцу?

Для тех, кто уже увлекся этим искусством, полюбил его, вопрос странный. Это и хобби, и дело, которое может принести пользу. Заниматься составлением икебан можно, например, для:

• Украшения интерьера. Японская цветочная композиция придаст уникальность даже помещению со стандартной мебелью.

  Икебана хорошо смотрится в интерьерах не только в японском стиле

• Познания себя, успокоения, приведения мыслей и чувств в порядок. Получается эдакая активная медитация.

  Когда все раздражает… составь икебану!

• Создания подарка. Почему бы не преподнести близкому человеку вместо стандартного букета философскую цветочную композицию. Японцы так и делают.

  От такого презента сложно отказаться

• Изучения японской культуры, ведь без знания истории и принципов икебан все ваши представления о Японии будут неполными.

  Простой способ узнать о Японии больше – заняться составлением икебан

• Прицела на возможный заработок. Освоив икебану, можно организовать свои курсы. Для этого, конечно, придется ответственно учиться, получать дипломы, желательно японских педагогов.

  Уроки икебаны

Глаза боятся, а руки делают

Сами японцы признают: икебана очень демократична, в наше время заниматься ею, проявлять свои творческие способности может каждый.

Но, конечно, это не значит, что у новоиспеченного икебаниста должны быть полностью «развязаны руки».

Для начала нужно понимать, чем икебана отличается от букета.

В западном варианте все внимание сосредоточено на цветах, их свежести, красоте, пышности, колористическом сочетании между собой и упаковкой, наконец, удобстве транспортировки. Букеты долго не живут, их выбрасывают по увяданию.

Не такова японская икебана. Она фиксирует взгляд на отношении к жизни. Глядя на композицию, вы можете задуматься о месте человека в мире, заглянуть в свою душу, увидеть красоту и хрупкость природы. Собственно, для последнего (подчеркивания недолговечности всего в этом мире) и используются засушенные элементы. Икебана стоит, как правило, долго.

Итак, можно брать как живые, так и засушенные цветы и другие элементы (например, камешки, листья, в том числе искусственные), но использование каждого должно быть объяснимо и оправданно. Соответственно, ничего лишнего в вашей композиции быть не должно.

Поскольку стилей и направлений в искусстве икебаны великое множество, вы можете выбрать емкость и мелкую, плоскую, и высокую, узкую. Но очень желательно, чтобы она была однотонной или прозрачной, дабы не отвлекать от главного.

Икебана в прозрачной вазе

Сразу продумайте, с помощью чего будет держаться композиция (скорее всего, потребуются фиксирующие элементы) и как поведет она себя со временем.

Икебана не может находиться в одной плоскости, это сложная многогранная структура, всегда асимметричная (как и все в природе), но если рассматривать ее двухмерно, то ее основные элементы должны составить треугольник.

Треугольник и асимметрия в искусстве икебаны

Вершины треугольника символизируют:

• небо;
• человека;
• землю.

Классические пропорции икебаны: «человек» (то, что его обозначает в композиции) на одну треть меньше «неба», «земля» располагается в своей плоскости, противоположной «небу» и «человеку».

Большие икебаны могут состоять из нескольких треугольников, но сначала нужно научиться работать с одним.

Ну а дальше… вкладываем свой смысл в каждый элемент композиции. Что она будет отражать? Ваше настроение в данный момент времени? Глубинные жизненные убеждения? Может быть, она будет связана с каким-то событием? Или просто посвящена времени года за окном? Все допустимо. Ограничений нет.

Считается, что икебану нужно делать в одиночестве, чтобы никто не помешал самовыражению, не привнес ненароком в вашу композицию что-то свое.

Беспроигрышные цветы для первой икебаны

Один из главных мотивов в икебане – хризантема. Этот цветок символизирует Японию. И если настоящий японский икебанист спокойно обойдется без хризантем, для начинающего их использование – простейший способ настроиться на культуру и философию страны. Не говоря уж о том, что композиции с хризантемами всегда получаются очень красивыми!

С мыслями о Японии

Как видите, процесс создания икебаны непростой. Он требует множества душевных сил, знаний. Но с большой вероятностью, один раз попробовав, вы захотите еще и еще, по-настоящему заинтересуетесь этим искусством.

Посольство Японии в России

3 сентября и 12 ноября, 14:00

Суми-э — это монохромная техника рисования тушью. Слово «суми» означает тушь, а «э» — «картина», таким образом, получается, что «суми-э» — это «картина, написанная тушью». Отличительными чертами этой техники являются ясность, выразительность и изящество. Одно из качеств суми-э – это лаконичность. Ничего лишнего. Японские монахи дзэн-буддисты использовали ее в своих занятиях в качестве дзэн-упражнений. Суми-э – эффективный способ обретения спокойствия, равновесия, чистого духа. А также составная часть культуры самураев, которые находили сходство между живописью и фехтованием, считая «путь кисти и меча» единым.

Отличие живописи суми-э в том, что в ней присутствует только черный цвет и широкая гамма оттенков серого. Картина пишется экспромтом, без предварительного наброска на бумаге, так как тонкая рисовая бумага не допускает ни малейших исправлений. Во время занятий активно взаимодействуют между собой правое и левое полушария мозга. Суми-э также активизирует творческое и ассоциативное мышление, благодаря занятиям развивается воображение и пространственный интеллект, развивается визуальная сторона восприятия и обработки информации, нарабатываются визуальные стратегии поведения, умение концентрироваться на одной цели в своей деятельности и доводить дело до конца, развивается умение интерпретировать то, что получилось, способность сравнивать и обобщать.

И конечно, на занятиях мы развиваем речь, умение общаться. Мы учимся передавать свои чувства, состояния, своё понимание через рисунок. — Совершенствуется умение ориентироваться в пространстве, отображать его в условной форме на плоскости. Развивается уникальная точность движений руки, ума и тела. Занятия живописью также являются важным элементом подготовки к школе и вместе с родителями могут приходить дети от 5 лет.

О педагоге:

Ведет занятие педагог Японского культурного центра «Мирай» Соловьёва Алла. Постоянный участник выставок в России. А с 2011 года участник ежегодной международной выставки «Кокуга Суибокуин-тэн», Япония, Токио. Член РОО «Творческий Союз художников японской живописи Суми-э» с 2013 года, является одним из его учредителей. Участник Ассоциации суми-э «Вагокорокай».

Место проведения (адрес):

ВДНХ, павильон №5, 2 эт. (проспект Мира, 119)

Организатор:

Японский культурный центр «Мирай»

Контактная информация:

E-mail: kursi@miraimag. ru
Тел.: +7 (905) 770-64-65

« Назад к мероприятиям

Японский художник изображает кошек, собак и других животных, используя для этого акварельные цветочные композиции.

У каждого художника есть свой стиль, в котором он предпочитает создавать своё искусство, что и делает их уникальными. Для художников также важно, какие материалы и цвета они будут использовать, чтобы полностью соответствовать своему стилю.

Художник из Японии Хироки Такеда (Hiroki Takeda) известен своими красочными акварельными картинами, на которых часто изображены разные милые животные, составленные из цветочных мотивов. Его стиль живописи очень уникален и легко узнаваем, и ниже мы предлагаем вам взглянуть на некоторые работы мастера, в которых органично переплетаются элементы флоры и фауны.

Хироки Такеда — художник-акварелист, Instagram которого уже насчитывает более 25 тысяч подписчиков. Искусство, которое вы можете найти на его странице, — это в основном животные, которые нарисованы с использованием цветочных мотивов и элементов растений.

В настоящее время Хироки работает с компанией TRiCERA, глобальным арт-рынком, который помогает объединять людей в Японии и за рубежом, продавая оригинальные картины.

Оказывается, мама художника любила цветы и зелень, поэтому с юных лет его всегда окружала такая среда и в саду, и в помещении. Поэтому, когда дело дошло до выбора, что и как рисовать, он сделал свой выбор в пользу природы и того, что его окружает. 

«Занимаясь поиском оригинальных произведений искусства, я знал, что в качестве мотивов хочу рисовать изображения с цветами и растениями. Когда я просматривал фотографии животных, их волосы мне напоминали листья, а чешуя игуан — цветочную композицию. Тогда я почувствовал, что может быть какая-то уникальная экспрессия, которую я могу применить к своим картинам», — рассказал Хироки.

Также картины японца привлекают тем, что они сделаны акварелью, которой не так-то просто манипулировать, но, очевидно, это того стоит, поскольку получающиеся у него конечные результаты выглядят действительно потрясающе.

Хироки рассказал, что уроки акварели у него были в университете, именно там он и влюбился в этот материал. 

«Я был потрясён тем, насколько красиво рисовал акварелью преподаватель, которого я там встретил. Я узнал о красоте акварели как о художественной среде, и он научил меня этому», — говорит он.

Конечно, каждый художник развивается, ищет новые способы совершенствоваться или даже осмеливается бросать вызов самому себе. Хироки думает, что его стиль рисования всё равно будет развиваться, даже если он этого не будет хотеть. 

«Меня никогда не устраивает моя экспрессия, и я могу себе лишь представлять, что моё мировоззрение только начинает развиваться.»

Произведения искусства Хироки действительно очень детализированы, а его цветовые переходы плавны. И чтобы всё это выглядело так, как выглядит, на одну картину формата А4 мастер обычно тратит около 5 часов. При этом он всегда использует одни и те же цвета, бумагу и кисти.

В качестве «моделей», если так можно называть животных, он использует купленные в Интернете высококачественные фотографии, сделанные профессионалами. Он использует снимки в качестве образца, наделяя увиденное своим деталями.

Когда художника спросили, каковы его планы на будущее, он ответил, что у него есть несколько целей: 

«Я хотел бы создать такое пространство, что-то вроде «Фабрики» Энди Уорхола, где поклонники могли бы в любое время познакомиться с моими работами. Я хочу создать мир, полный цветов, при этом не только двухмерных работ, но также трехмёрных работ, а также видеоработ и т.д….»

Техника рисования кистью Японский холст маслом Декоративная акварель

Живопись маслом » Техники рисования » Картина кистью

Искусство рисования кистью и тушью имеет китайское происхождение, но широко распространилось по всему региону. В этой статье излагаются основные основы, история и приемы этого искусства, а затем направляет читателя к национальным школам: китайская живопись кистью, корейская живопись кистью, вьетнамская живопись кистью, японская живопись кистью и тому подобное.

Японская живопись кистью:

Японская живопись кистью возникла относительно недавно и возникла из буддийской школы каллиграфии (Сёдо).

Древнее искусство японской живописи кистью, или суми-э, поразительно красиво, просто и чисто, но в то же время сильно и звучно. Искусство суми-э, тесно связанное с философией дзэн, выполняется черными чернилами на белой рисовой бумаге с использованием бамбуковых кистей. Сюжеты японской живописи кистью включают пейзажи, цветы или животных, все, что предполагает близость к миру природы.Последние инновации.

Исторически кистью рисовали на бумаге ручной работы из натуральных материалов черными чернилами и бамбуковыми кистями с натуральной щетиной. Художники во всем мире представили новые техники, новые материалы, новые способы удержания чернил и их использования, а также добавление цветов. Это поставило под сомнение историческое представление великих художников-кистей о том, что зрители могут «видеть цвет» в черных чернилах, и им не нужно насильно придавать цвета цветными чернилами, поскольку градации самих чернил делают цвет возможным в уме. Использование всего спектра красок Sandoz дало огромный спектр новых цветов, и они были быстро интегрированы: сначала основные цвета, а затем и новые цвета — особенно в цветочной живописи, а также в рисовании кистями за морем. Европейцы, которые менее ограничены традиционными кодексами рисования кистью.

Использование кисти должно быть естественным. Существует процесс правильного использования кисти, который включает следующие шаги:

• Щеточная загрузка;
• Нанесение краски и распространение краски;
• Краска разглаживающая или вечерняя.
Галерея

Цветочная живопись и узор + Абстрактное искусство и японское вдохновение | Карина Эйбатова

Стенограммы

1. Одержимость акварелью: Привет, я Карина Эйбатова, и я очень рада, что вы присоединились к моему классу, посвященному акварельным техникам и материалам. Этот класс создан, чтобы вдохновить вас цветочными страстями, подробными рисунками, выделенными линиями, цветами и некоторым японским влиянием. Мы внимательно рассмотрим органические предметы и натюрморты.Я продемонстрирую два основных материала и традиционную технику под названием Голод. Я поделюсь процессом подробного описания способов рисования камней и цветов акварелью, сделанной из минералов, чтобы вы увидели качества этих акварелей в их текстуре и оттенках. [МУЗЫКА] Я думаю, что очень важно экспериментировать с новыми способами рисования разными материалами, и этот урок должен помочь. Вы можете записаться на мой класс и получить вдохновение. Я также покажу вам основной процесс создания автобуса в Photoshop, вы увидите, как легко изменить цвет фона и создать бесконечный узор стиля.Его можно использовать, например, в качестве обоев. Затем я посоветую вам расслабиться и нарисовать несколько абстрактных картин. Просто следуйте за потоком, исследуйте цветовые сочетания и движения линий. Увидимся. 2. Японские материалы. Нихонга — картина в японском стиле, созданная с использованием традиционных японских художественных техник и материалов. Эти пигменты берутся из натуральных ингредиентов, минералов, раковин, кораллов, полудрагоценных камней, таких как малахит и азурит, растений и даже насекомых.Для смешивания пигментов с клеем, полученным из животных, художники используют эти маленькие симпатичные лезвия. Нихонга обычно выполняются на шелке, эгину, всякой такой бумаге, которая называется васи. Натянув бумагу, я нанесла мелкий топ белой краской под названием гофун. Это порошок карбоната кальция белого цвета. Его делают из раковин устричных моллюсков или морских гребешков. Только один цвет может быть использован на одной чашке для гранул. Кисти сделаны из смешанной шерсти, в том числе шерсти ласки, козы и волка. Это моя первая картина, которую я создала в технике Нихонга.Мне всегда нравились водопады, и здесь, в Японии, это очень популярная тема в Нихонге. Я также видел несколько замечательных водопадов, путешествуя по Японии. Очень здорово находить вдохновение в реальной жизни. Краска Nihonga имеет более насыщенную текстуру, она органична. Я также пытался купить золотые и серебряные листья. Металлы в форме листьев и [неразборчиво] порошка, изготовленного из листьев, также использовались в качестве материалов для рисования в Японии. Японская живопись полна разнообразных способов выражения, что делает ее очень интересной и экзотичной.В древности человечество использовало растения, почву, минералы, кровь животных для получения красящих материалов. Здесь то же самое, пигменты, используемые в нихонге, не выцветают, а картины не нужно класть под стекло. Они архивные за тысячи лет, представьте себе. В этом классе моя цель — вдохновить вас, познакомить с новыми материалами и техниками. Я стараюсь побуждать вас экспериментировать с разными кистями, красками и красками, маркерами, мастерством рисования, разной бумагой и поверхностями. Это может быть даже дерево.Роспись на деревянном панно – это такой необычный и интересный опыт. Пробовать что-то новое очень важно в художественном поиске. Это вдохновляет и мотивирует на изучение новых навыков. 3. Flower Power: Поскольку я в настоящее время живу в Японии, я изо всех сил стараюсь получать как можно больше вдохновения. Вот некоторые из традиционных японских акварельных рисунков. Называется Нихонга. На этом уроке мы будем рисовать пионеров. Думаю, эти фотографии могут вдохновить вас на создание чего-то подобного.Ланк-композиции очень распространены в Японии. Пионеры, мне нравятся эти нежные цветы и цвет именно этих. У него много лепестков, поэтому раскрашивать их достаточно сложно. Те они другие, это западная ботаническая старая графика. Я хотел бы сделать что-то среднее между западным и японским. Давайте начнем. Необходимо, чтобы цветовое сочетание смотрелось интересно. Даже если он отличается от цвета объекта. Попробуйте создать выдающуюся пеллету, набивка которой вам больше всего подходит по цвету, и найдите свои любимые сочетания.Во-первых, я собираюсь нарисовать фон, что-то вроде этого. Но я понял, глядя на картины Нихонга, что градиент на заднем плане — это здорово. Мы начнем с градиентной заливки. Эта бумага представляет собой блок из 100-процентной хлопчатобумажной бумаги высочайшего качества, проклеенной со всех четырех сторон. Удобство работы на блоке избавляет от необходимости растягиваться. Для фона нам понадобится чистая влажная кисть. Самый большой у тебя. Переместите кисть, наполненную чистой водой, из стороны в сторону и проведите водой по бумаге до самого дна.Следит за тем, чтобы вся поверхность имела тонкий ровный слой сверху вниз. Выберите цвета, которые вы хотели бы сделать градиентной заливкой, и нанесите их на нижнюю, верхнюю и среднюю части. Мы идем мокрым по мокрому, то есть мокрой кистью, идем, рисуем по мокрой поверхности. Нанесите на кисть первый цвет и проведите им по нижней части бумаги. Аккуратно перемещайте кисть вперед и назад, пока не покроете часть бумаги равномерно. Посмотрите, как вода стягивает краску с кисти.Работать нужно быстро, чтобы бумага не высохла. Он должен быть светлого цвета, поэтому старайтесь не перекрашивать его. Это фон. В этом видео трудно увидеть цвет моего фона, но поверьте мне, здесь есть градиент. В конце занятия я покажу вам скан картины, и вы ее увидите. Дайте фоновому слою полностью высохнуть, прежде чем начать рисовать объект. Вы можете использовать карандаш, но после того, как вы нанесете цвет, его невозможно стереть. Вы можете использовать акварельный карандаш светлого цвета или можете попробовать использовать белый цвет, как я сейчас делаю.Подготовьте свой природный знак рядом с набором материалов, чтобы вы всегда могли видеть детали. Эта картина будет третьей. Я делаю тройник. Две другие картины более абстрактны, а эта будет редко [неразборчиво]. Но цветовая палитра у всех одинаковая. Важно, чтобы они хорошо смотрелись в сериале. Посмотрите еще раз на свою модель и начните делать первые линии. Много лепестков, много тонкой работы. Во-первых, я почти всегда наношу слой воды после того, как наношу краску, чтобы она перетекала в другой цвет.Это называется техника цветущей акварели. Чтобы растушевать цвета, добавьте достаточное количество воды к пигменту в кисть и нанесите его на влажную бумагу, пока мазок влажный. Добавьте еще один цвет. Я использую синтетические кисти и японские когда-то сделанные из смешанной шерсти, в том числе ласки, козы и волка. Идеально подходит для тех, кто хочет научиться искусству восточной цветной живописи в стиле Гриффи и суми. Эти кисти также широко используются художниками-акварелистами для некоторых необычных рисунков и техник. Всегда лучше начинать с легких или средних тонн.Я рисую лепестки в разных местах, чтобы цвета не смешивались с другими цветами лепестка. Когда он высохнет, я подкрашиваю лепесток, который находится рядом с высохшим участком, добавляя на нем более темные детали. Природный рынок. Заимствование из французского, не слишком трансформированное, буквально означает, что природа, в основном это натюрмортное изображение неодушевленного предмета. 4. Сила цветочного узора. В этой части я покажу вам, как я создал подобную деталь в Photoshop за несколько минут. Во-первых, вы должны отсканировать картину в самом высоком разрешении, на всякий случай, если вам нужно будет использовать ее в качестве обоев. Затем используйте инструмент «Перо», чтобы вырезать объекты из фона. Теперь он у нас на другом слое, и ему нужна цветокоррекция. Вы идете в «Изображение», «Коррекция», «Выборочный цвет», а затем исправляете нейтральные цвета. Обычно я добавляю синий и пурпурный, то же самое я делаю с черным, а с белым делаю более желтоватым. Затем вы можете нажать Comment или Contract L и зафиксировать уровни, делая изображение более или менее контрастным, более или менее ярким. Сейчас попробую поставить на цветной фон. Вы должны создать новый слой, выбрать инструмент «Ведро», выбрать любой цвет и применить инструмент «Ведро» к этому слою.Если вы хотите увидеть его в разных цветах, лучше всего нажать Common или Control U и изменить оттенок слоя. Таким образом, вы можете выбрать лучший цвет, не закрашивая слой снова и снова, пробуя разные цвета. Вы также можете сделать его менее насыщенным ярким здесь или более темным здесь. После выбора цветного пресса Ладно, я сделал это просто для удовольствия, на самом деле я хочу разместить его на более сложном узоре, составленном из другой картины из той же серии цветов. Как они создали этот зеркальный узор вручную? На самом деле, это очень легко.Я увеличил рабочую зону в четыре раза. Это должно быть очень точно. Я проверяю центр следующей области. Нижний край работы касается центра. Выберите изображение и скопируйте его, удерживая Alt и перетащив скопированное изображение в сторону. Нажмите Command или Control T, после чего нажмите правую кнопку мыши и выберите отражение по горизонтали. Затем выберите два слоя, удерживая Shift и снова удерживая Alt, скопируйте, перетащите их на кнопку Common T, затем правую кнопку мыши и выберите «Отразить по вертикали».Проверьте центр и убедитесь, что все слои прилегают друг к другу. Это вариант номер один. Затем вы можете проверить, как будет выглядеть узор, если вы замените пары изображений, поместив два верхних слоя в нижний, а нижний слой в верхний. Ну, этот результат мне нравится больше. Затем я делаю то же самое с цветами, располагая их по диагонали, затем отражая и копируя. Вот. Теперь я создам бесконечную кнопку из этого сегмента. Вам нужно увидеть размеры всего изображения, таким образом, прикинув, сколько будет половина ширины и высоты, запишите это.После того, как вы перейдете в «Фильтр», «Другое», «Смещение» и вставьте эти расчеты здесь. Затем легко нажмите эту кнопку и нажмите Pattern. Масштаб выкройки меняйте по своему желанию, есть и другие выкройки, которые я сделал на первом занятии по обмену навыками. Там, где весь класс был посвящен шаблонам и тому, как заставить их работать в реальной жизни, это можно использовать в качестве принта обоев или других домашних аксессуаров. Важно, что разрешение достаточно высокое. Продолжайте экспериментировать, создавая новый документ, затем создайте любую форму и прочувствуйте ее так же, как с узором.Вы можете экспериментировать с тем, что бесконечно меняйте масштаб узора, размещая один и тот же узор в другом масштабе или применяя новый узор к другому. Как видите, качество изображения достаточно хорошее. Затем вы можете растрировать слой и изменить цвет узора. Например, с помощью карты градиента. Просто измените цвета в градиенте на те, которые питают другой узор. Я думаю, что самое главное — продолжать экспериментировать и пытаться создавать необычные картины, используя сочетание современных и традиционных техник.Вот. 5. Быстро и легко — Техника «Сушка по мокрому»: Сначала рисую, буду работать в альбоме. Сначала я собираюсь намочить бумагу губкой. Вы также можете использовать только влажную кисть или обычную губку. Затем я беру кисть и применяю градиент для фона. Важно сделать его не очень ярким, а достаточно нежным. Выберите цвета, которые хорошо сочетаются друг с другом, и распределите краску сверху вниз и назад, пока она не станет гладкой. Используйте влажную кисть для сглаживания. Затем, пока фон не намок, я рисую цветы.Любить цвет. Честно говоря, я не знаю, что это за цветы, просто импровизирую. Это специальный альбом для рисования с 300-граммовой акварельной бумагой. Он действительно не изгибается, когда вы наливаете в него воду, потому что он действительно толстый. Этот скетчбук на самом деле корейский. Добавляем здесь темные элементы. Кисть, которую я использую, очень дешевая азиатская кисть с золотым или конским волосом, но она делает свою работу. Добавляем немного разных оттенков в цветок. Фон уже высох, поэтому нанесенная краска больше не будет растекаться.Теперь я рисую зелень и листья. Для этого я использую оливково-зеленый и зеленовато-желтый цвета. Эта картина простая, быстрая, и я не хочу добавлять много деталей. Я хочу, чтобы он дышал. Попробуйте сделать что-то подобное. Теперь я рисую пыль или точки сухой кистью, нанося на нее немного краски. Вот результат. Я думаю, что они напоминают мне ирисы, очень популярный цветок в Японии. 6. Круг камней: Теперь я хотел бы поделиться с вами процессом росписи камней. Сначала нам нужно оформить натюрморт, это занимает некоторое время.Убедитесь, что света достаточно, и он не изменится резко, пока вы рисуете. Я буду использовать свой набор акварелей под названием Gansai. Это японская акварель в прямоугольных пластинах на основе органических пигментов. Я хочу, чтобы вы увидели разницу между обычной акварелью и японской. Эти картины были созданы японскими акварельными красками, и я также буду использовать японский маркер, который выглядит как кисть. Я буду использовать плотную хлопчатобумажную бумагу, натянутую со всех четырех сторон. Сначала я делаю рисунок светлым карандашом.Если объекты не светлого цвета, то карандаш исчезнет за более темным цветом. Так или иначе, после того, как я нарисовал рисунок, я его частично стираю, поэтому он становится очень светлым. Я начинаю со светлого цвета, мокрым по мокрому, и стираю некоторые части салфеткой. Пока сохнет первый камень, приступаю к изготовлению остальных. Затем я работаю над полумокрой поверхностью, а когда она полностью высохнет, добавляю более темные детали. Концепция этой картины заключается в том, что те акварели, которые я использую, сделаны из минералов.Поэтому я вышел на улицу, нашел несколько камней и нарисовал их, образуя круг. Я хотел сделать его очень простым, как и большинство вещей в Японии, простым, хотя и подробным, чистым и естественным. Вот скан картины и фотоколледж я сделал в фотошопе вроде как будет в рамке. Так как я думаю, что лучше всего, если арты идут сериями, я сделаю еще один, но с более абстрактными формами. Я буду использовать те же цвета, те же синтетические кисти и добавлю маркер. Теперь камни будут крупнее и иметь более интересную форму.Я делаю фон красочным, то есть подразумеваю воду, стараясь не задевать область камней. Затем я наношу цвета, приготовленные для серии работ, и создаю поток цветов, переходящих друг в друга на влажной поверхности. Как видите, эти японские акварели не такие яркие и цвета уже интересные. В японском магазине есть возможность выбрать палитру различных пигментов или готовую цветовую палитру. После того, как первый фоновый слой высох, я наношу светлые тона камня, начиная со светлых оттенков, заканчивая более темными тонами, как обычно.Есть много типов красок голода, и каждый из них имеет разные качества. Дело в том, что у этих акварелей крупнее зерно, поэтому они не так глубоко проникают в бумагу, как обычные акварели. Он остается на поверхности бумаги и где-то встречается, а где-то он глянцевый и может немного блестеть, потому что сделан из блестящих камней или кораллов. Это достаточно интуитивный процесс. Самое главное — внимательно посмотреть на объект, который вы рисуете, выбрать правильные цвета, дождаться, когда слой высохнет, и нанести следующий слой, сухой за сухим, детализированный и темный.Будь смелым и следуй за потоком, это похоже на превращение камней в абстрактные формы. Теперь, когда картина закончена, я беру свои маркеры, которые в качестве кистей, у меня есть четыре цвета, синий, серый, значок и черный. Лучше использовать серые или коричневые маркеры, чтобы линии сливались в картине, а не выскакивали, как это может произойти с черным маркером. Также я делаю точки очень тонкой черной ручкой. Следит за тем, чтобы линии, сделанные маркерами и ручками, не так сильно отличались от самой краски.Вот результат росписи, созданной японскими красками на минеральной основе, и, поскольку мне нравится рисовать три картины подряд, я сделал эту абстрактную. Вот и вся серия. Это круговое движение камня как материала, проходящего этапы трансформации. После, думаю, важно сделать хорошую подробную документацию по работам. Я использую Canon и макрообъективы. Я думаю, что фрагменты могут быть даже более интересными, чем картина целиком. Я сделал этот крупный план, чтобы вы могли видеть текстуру окрашенных участков, он более грубый и имеет больше зернистости, чем обычные акварельные краски.Это больше похоже на математику, она не тускнеет, и если вы прикоснетесь к ней, она будет выглядеть по-другому, так что вы действительно сможете почувствовать шероховатость. Если вы хотите знать, как хорошо представить свои работы, у меня есть класс, посвященный демонстрации произведений искусства в Интернете. Это оно. 7. Следуйте за потоком: Поскольку я действительно хочу, чтобы вы экспериментировали, я покажу вам быстрый абстрактный способ рисования, что-то в этом роде. Я буду использовать мои любимые синтетические кисти, вату, бумагу, натянутую в шкаф, как обычно, и обычный дорожный набор акварельных цветных красок. Сначала я увлажняю бумагу светлым цветом, а затем смело наношу разные цвета. Хитрость заключается в том, чтобы найти хорошие места, где будет сочетаться новый цвет, и он будет хорошо смотреться в движении линий. Важно сочетать цвета, ну и наполнять цветом. Где-то рисую мокрым по мокрому, где-то мокрым и сухим. Вы должны сделать это быстро, потому что это акварель. Нет времени думать. Просто следуйте за потоком. Тогда вот результат. Он стал частью моей большой художественной работы, состоящей из 20 разных работ, сопрягающихся друг с другом, как пазл.Некоторые листы бумаги остаются почти пустыми. Другие заполнены абстрактными линиями. Название коллажа — движения в мгновениях. Давайте посмотрим еще немного цвета в движениях. Вот картины, которые я сделал акварельной краской на минеральной основе. Здесь вы можете увидеть шероховатость, она имеет текстуру камня и ракушек. Локоны не очень яркие, но мне нравится характер внешнего вида. Давайте посмотрим на мои любимые цвета. Это не минеральные краски, но они все равно японские. У разных брендов разные колонии.Цвет кожи называется Джон Бриллиант. Тогда я очень люблю этот темный цвет под названием paynes grey. Кисти представляют собой традиционные японские кисти из меха животных. Это самый большой. С этим вы можете сделать очень широкие линии, которые заканчиваются очень тонкими. Вот самая тонкая кисть для деталей. Очень хорош для рисования волос и деревьев. Сделаем палетку с Джоном Бриллиантом номер 2, серым из серого, зеленовато-желтым, горизонтом голубым, белым, Джоном Бриллиантом номер 1, лавандовым, Дэвисом серым, пейнесом серым, шопингом и натуральным оттенком.Смешивать цвета очень весело. Хорошо попрактиковаться в размещении цвета, чтобы они отлично смотрелись рядом друг с другом. Вы должны экспериментировать с этим. Теперь я делаю первый мокрый слой, а затем добавляю градиент на фон. Затем я начинаю мокрым по мокрому очень медленно, не задумываясь. Эти цвета отличаются от западных акварелей, потому что они определенно смешаны с белым пигментом. Вот почему они так похожи на этот пастельный оттенок. Мне нравится использовать японские кисти, потому что они придают линии некое ощущение агентов.Самое главное в такого рода практиках для меня — найти движение линий, правильно подобрать цвета. Идея состоит в том, чтобы создать что-то живое, абстрактное и постоянно движущееся. После того, как картина высохнет, я беру маркеры и ручки. У меня есть те, которые выглядят как кисти, а также очень тонкие, чтобы делать точки. Мне нравится использовать телесный цвет, он очень нежный. Кроме того, желтый дает очень красивые крестики. Немного ярко-розового иногда хорошо. Затем черным маркером, купленным в магазине Muji, я добавляю немного азиатского колорита движению линий.Затем я решил добавить японскую надпись «Кандзи» в верхней части картины, чтобы она выглядела более японской. Очень часто можно увидеть кандзи на картинах. Когда я пишу здесь, я имею в виду движение цвета. Вот результат, особенно мне нравятся фрагменты. Надеюсь, вы вдохновились и готовы попробовать что-то новое. Удачного творческого процесса. Спасибо, что были со мной и до свидания.

Овладейте медитативным искусством японской живописи кистью Вирджинии Ллойд-Дэвис

Сверхскоростные читатели, такие как я, могут читать 150-200+ страниц в час, так что да, я прочитал книгу… и еще много сегодня.LOL

Я получил временную цифровую копию этой книги для расширенного чтения от #NetGalley, издателя и автора, в обмен на честный отзыв.

От издателя, так как я не повторяю содержание или сюжет книг в обзорах, то пусть делают так как они это делают лучше меня 😸.

Внимательный художник: Sumi-e Painting учит вас создавать свои собственные красивые чернила в японском стиле

Читатели со сверхскоростью, такие как я, могут читать 150–200+ страниц в час, так что да, я прочитал книгу… и многие другие сегодня .LOL

Я получил временную цифровую копию этой книги для расширенного чтения от #NetGalley, издателя и автора, в обмен на честный отзыв.

От издателя, так как я не повторяю содержание или сюжет книг в обзорах, то пусть делают так как они это делают лучше меня 😸.

Mindful Artist: Sumi-e Painting учит вас создавать свои собственные красивые картины тушью в японском стиле, одновременно развивая осознанный подход к созданию искусства.

Много веков назад буддийские монахи использовали черные чернила и кисти, чтобы практиковать осознанность и создавать великолепно гармоничные произведения искусства, называемые «картины суми-э».Популярность суми-э, или рисования тушью, сохраняется и по сей день. Внимательность остается важным элементом рисования суми-э, позволяя художникам сосредоточиться на своем окружении, жить настоящим моментом и чувствовать себя присутствующим, тем самым уменьшая стресс.

Новая серия «Внимательный художник» Уолтера Фостера побуждает вас получать удовольствие от работы с вашими любимыми средствами для создания искусства с точки зрения рефлексии — вдохновляющий, расслабляющий опыт, который подчеркивает творческий процесс, а не конечный результат.Эти книги предназначены для того, чтобы помочь вам преодолеть творческие препятствия, такие как перфекционистское отношение к искусству или пагубные опасения по поводу ваших личных талантов и способностей. Эти руководства не только помогут вам оставаться внимательными на протяжении всего процесса, но и находить личный смысл в создаваемых вами произведениях искусства.

Внимательный художник: Суми-э Живопись начинается с введения, объясняющего связь между осознанностью и суми-э и то, как они усиливают друг друга. Разделы «Четыре сокровища» — так называются инструменты, необходимые для рисования суми-э; мазки и техника рисования; и «Четыре джентльмена» или наиболее распространенные сюжеты в живописи суми-э, убедитесь, что у вас есть солидный фон, прежде чем приступать к простым, доступным пошаговым проектам рисования.На протяжении всей книги вы можете найти потрясающие иллюстрации на всю страницу, советы о том, как сохранять внимательность во время работы, творческие подсказки и упражнения, вдохновляющие идеи и предложения о том, как добавить цвет черным чернилам.

(Описание одной длинной книги…) Мне понравилось узнавать, как стиль рисования использовался для улучшения медитации и других техник релаксации, и два разных способа рисования суми-э, бескостный и традиционный, было интересно посмотреть, чем они отличаются . Пока у меня не будет возможности попробовать рисовать таким образом, я не уверен, какой стиль я выберу, но бескостный метод возврата и добавления деталей — это то, что мне нравится, поскольку именно это я делаю со своими акриловыми картинами.

Это будет отличная книга для тех, кто хочет попробовать другой способ рисования акварелью — как есть, я не хочу вкладывать деньги в разные кисти, краски и бумагу/кавасы для стиля рисования, который мне не нравится . (Я не могу справиться с медитацией или йогой, поэтому я не уверен, что медитативная техника рисования тоже подойдет для меня — я ненавижу, когда люди говорят мне расслабиться!) Книга хорошо написана, а иллюстрации значительно улучшают книгу — примеры прекрасны. также.

Как всегда, я пытаюсь найти причину, чтобы не оценивать звезды, так как я люблю смайлики (помимо их постоянного использования «социальными влиятельными миллениалами» в Instagram и Twitter), так что давайте 🍣🍣🍣🍣

Декоративная японская стена Техника рисования | Главная Путеводители

Традиционный японский декор имеет свои особенности, которые отличают его от других культур. При покраске стен комнаты в западном стиле, которую вы хотите оформить в японском стиле, у вас есть несколько вариантов, как простых, так и сложных, которые сделают вашу комнату более похожей на комнату в традиционном японском доме.

Цвета

Прежде чем украсить комнату в японском стиле, подготовьте хорошую основу, то есть покройте все стены краской подходящего цвета. Цвет имеет большое значение в японской культуре и в прошлом использовался для обозначения ранга. Красный, черный, белый и синий цвета являются четырьмя старейшими письменными обозначениями цвета в японском языке. В частности, красный цвет имеет большое значение и считается священным цветом. Однако для стен японских домов чаще характерны неяркие цвета.Традиционные панели в японских домах в основном коричневые или зеленые, цвета природы. Мягкие или не совсем белые цвета, такие как бумажные ширмы сёдзи, и приглушенные оттенки коричневого и зеленого — подходящие цвета для ваших стен.

Кандзи

Японское письмо не только функционально, но и привлекательно. В японском языке есть три набора символов для письма: хирагана, катакана и кандзи. Символы кандзи произошли от китайских иероглифов и, как правило, сложны и визуально привлекательны. Нарисуйте японские иероглифы на стенах для украшения.Используйте немного разбавленной черной акриловой краски и мягкую кисть с заостренным кончиком для письма. Обратитесь ко многим доступным книгам или онлайн-источникам за инструкциями по правильному формированию японских иероглифов.

Трафареты

Трафарет позволяет легко украсить стены традиционными японскими мотивами. Трафареты бывают разных форм; Вы также можете заказать трафареты на заказ или сделать их самостоятельно. Приложите трафарет к стене или закрепите его малярным скотчем, затем жесткой кистью для трафарета нанесите обычную акриловую краску на отверстия трафарета.Растения и цветы являются обычными мотивами для традиционного японского декора, например, бамбук, сосны, вишни, кленовые листья, пионы, камелии, цветы хризантемы и цветы сливы. Животные также являются распространенными декоративными мотивами, такими как журавли, ржанки и бабочки. Для более тонкого эффекта используйте некоторые традиционные японские геометрические узоры, такие как шестиугольники, ромбы и полумесяцы.

Росписи

Добавление росписи — это способ выделить комнату. Хотя роспись фресок, как правило, является сложной задачей, есть способ сделать роспись фресок на японскую тематику немного проще.Япония хорошо известна своими гравюрами на дереве укиё-э, и такие гравюры явно японские. «Под волной у Канагавы» — известный пример такой гравюры. Эти отпечатки обычно имеют четкие очертания и сплошные цветные блоки. Это позволяет тиражировать такой принт для росписи; вам часто не нужно растушевывать, чтобы имитировать отпечаток укиё-э; вместо этого вы применяете цвет внутри контуров. Проекторы значительно облегчают рисование фресок, особенно если вы хотите продублировать уже существующий отпечаток.Выбирайте из множества популярных принтов с такими сюжетами, как красивые женщины, борцы сумо, знаменитые актеры кабуки, пейзажи и изображения городской жизни.

Что такое суми-э? | Домастика

Иллюстратор Флор Канеширо рассказывает нам о живописи суми-э, японской технике иллюстрации китайского происхождения

Суми-э — это японское слово, образованное терминами «суми» (чернила) и «е» (живопись). Это многовековая техника рисования, которая пришла в Японию с буддийскими монахами из Китая и с тех пор сочетается с другими техниками и оригинальными интерпретациями

.

В видео ниже японский иллюстратор Флор Канеширо (@florkaneshiro) рассказывает о суми-э, его характеристиках и наиболее распространенных применениях.

Хотя, как мы уже упоминали, техника родом из Китая, где она известна как мо-шуй, суми-э стала привычно ассоциироваться с Японией из-за популярности, которую иллюстрации тушью из этой страны достигли в остальных странах. мира.

Суми-э объединяет в себе философию и религию, а его художники представляют сущность элементов, не останавливаясь на деталях: это техника, которая не ищет реализма, а вызывает у зрителя более абстрактные чувства и ощущения. Это бегство от реализма означает, что большинство художников суми-э работают черно-белыми, хотя иногда черные чернила можно комбинировать с другими цветами.

При обучении живописи суми-э изучение четырех растений используется для изучения основных линий, четырех благородных растений:

— Орхидея, олицетворяющая весну
— Бамбук, ассоциирующийся с летом
— Хризантема, связанная с осенью
— Цветущая слива, отождествляемая с зимой

.

Узнайте больше о суми-э и о том, как использовать это древнее искусство, чтобы оживить свои рисунки, на онлайн-курсе Флор Канеширо «Акварельная иллюстрация с японским влиянием».

Вам также может понравиться:

— Иллюстрация тушью с японским влиянием, курс Мики Такахаши
— Introduction»>https://www.domestika.org/en/courses/222-introduction-to-illustration-with-india-ink»>Introduction to Illustration with India Ink, курс Хильды Палафо
— Введение в портреты тушью и перьями, курс Хосе Росеро

Распространение информации о японской живописи тушью

Каждый месяц Focus публикует два подробных обзора выставок и мероприятий изобразительного искусства, архитектуры и дизайна в художественных музеях, галереях и альтернативных пространствах по всей Японии. Авторы — не японцы, проживающие в Японии. Распространение информации о японской живописи тушью Дж. М. Хаммонд Юйцзянь, Горная деревня в просветляющем тумане , висящий свиток, важное культурное достояние, Музей искусств Идемицу Имея в своей коллекции более 15 000 экспонатов, Художественный музей Идемицу в районе Маруноути в Токио уже более полувека знакомит публику с искусством Восточной Азии и Японии.В настоящее время он исследует наследие живописи тушью, или suiboku-ga , уходящей своими корнями в древний Китай — цивилизацию, во многих отношениях считающуюся источником азиатской культуры — через ее многочисленные проявления в Японии. Ветры Суйбоку-га: Хасэгава Тохаку и Сэссю использует идею ветра, или fu , что на японском также может означать «стиль», чтобы раскрыть многогранность живописи тушью, и при этом пытается выделить достижения двух мастеров этого искусства — Сэссю (1420-1506) и Хасэгавы Тохаку (1539-1610). Сэссю, старший из двух художников, родился в период Муромати (1338-1573), когда в Японии процветала суйбоку-га. Получив образование жреца дзэн, он имел доступ к китайским рисункам тушью, которые в то время хранились в японских храмах — многие из тех, которые считались лучшими, были созданы священниками и монахами периода Южной Сун (1127–1279). Sesshu особенно привлекла работа Yujian, чья Горная деревня в Очищающем тумане включена сюда.Техника разбрызгивания чернил, использованная в картине, была хорошо известна Сэссю, и ей подражали художники в Японии, где она была известна как хабоку . Как следует из названия, в этой технике художник, часто с помощью нескольких стаканов прекрасного саке, случайным образом разбрызгивает чернила на бумагу. По мере растекания чернил получающиеся формы и узоры могут напоминать горы или другие формы, над которыми художник может свободно работать. Рядом с работой Юцзяня находится не менее динамичный пример самого Сесшу, названный просто Пейзаж Хабоку . Сэссю (живопись), Кейдзё Сюрин (каллиграфия), Хабоку (Брызги чернил) Пейзаж , свиток, Художественный музей Идемицу Связи между Сэссю и некоторыми другими работами менее очевидны, включая небольшую картину без указания авторства, на которой тонкими, точными линиями изображена повозка с волами. Сам Сэссю тоже писал работы в этом стиле, но, к сожалению, ни одна из них не представлена ​​на выставке.Также следует отметить драматическую сцену Тани Банчо с рыбаками в лодке, попавшей в сильный шторм. Эта мощная работа включена прежде всего потому, что она написана в стиле, с которым Сесшу был бы знаком, и это дает нам возможность заглянуть в художественную среду, в которой он работал. У Сесшу была редкая возможность отправиться в Китай около 1468 или 1469 года, прожив там три года. Однако его поездка не открыла того изобилия искусства, на которое он, возможно, рассчитывал. По сравнению с искусством, созданным во время его любимого периода Южной Сун, Китай династии Мин был другой эпохой с другими заботами.Произведения священников и монахов, которыми так дорожили в Японии, были второстепенными по отношению к живописи «литераторов» — живописи тушью, сделанной в основном высокообразованными бюрократами на пенсии, которые также были учеными-любителями. Несмотря на разочарование, Сэссю, тем не менее, кажется, извлек уроки из своего пребывания в Китае, и эта выставка пытается поместить его открытия в какой-то контекст. По сравнению с его картиной с брызгами чернил, две ширмы, приписываемые руке Сесшу после его возвращения из Китая, демонстрируют стиль, который можно считать более реалистичным, чем вызывающим воспоминания. В наборе «Птицы и цветы четырех сезонов» (больше не выставляется в июле) Сесшу выстраивает несколько сильных, невозмутимых линий, чтобы изобразить силу бамбука, и несколько колючих шипов, чтобы передать зазубренные ветки сосен. Считается, что этот экран, использующий цветные чернила, в частности светло-зеленые и нежно-розовые, в дополнение к обычному черному цвету, раскрывает некоторые художественные течения, которым Сесшу подвергался в Китае. Единственная серьезная критика заключается в том, что это, по сути, единственные работы Сэссю, представленные на выставке, что может разочаровать любого, кого привлекло его имя в названии выставки. Muxi, Papa Bird , свиток, Художественный музей Идемицу То же самое можно сказать и о Хасэгаве Тохаку, который появляется в соседней комнате. На выставке представлены только две работы Тохаку, но они одни из лучших. Тохаку также называл себя Сэссю V, заявляя о своей прямой линии через пять поколений учителей, восходящей к самому мастеру.На него также большое влияние оказал китайский художник Мукси, который был любимцем сёгунов Муромати. Сёгуны были настолько очарованы работами Мукси, что скупили их столько, сколько могли, а когда больше не смогли достать, они поручили японским художникам рисовать в его стиле. Здесь представлено одно из представленных Мукси изображений птиц под названием papa , нарисованных жирными грубыми черными штрихами. Тохаку усовершенствовал технику Мукси по контрасту чернил разной плотности для создания атмосферного пространства, что продемонстрировано в его мастерских Журавли и Бамбук (больше не выставляется в июле). Тохаку отказался рисовать то, чего не видел своими глазами. Поскольку папа-птиц можно было увидеть только в Китае, а большинство японских художников, включая его самого, никогда там не были, он критиковал их за их бесконечные копии предмета, о котором они не знали из первых рук. Когда Тохаку взялся за композицию, требующую черной птицы, он нарисовал ту, с которой он был более знаком, например, ворону, которую можно увидеть в «Вороны на сосне и цапли на иве », где она хорошо контрастирует с белым цветом своего компаньона. Хасэгава Тохаку, Вороны на сосне и белые цапли на иве , пара шестистворчатых ширм, Музей искусств Идемицу Проклятием в жизни Тохаку была школа художников Кано, которая передавала свои техники и влиятельные связи из поколения в поколение и блокировала попытки Тохаку получить важные заказы от сёгуна.Однако Тохаку, наконец, обрел свой день на солнце, когда скончался последний по-настоящему талантливый член семьи Кано. Некоторые работы школы Кано включены в последний зал выставки, в котором рассказывается о том, как живопись тушью в Японии развивалась веером, чтобы следовать многим различным направлениям исследования вплоть до периода Эдо (1603–1867). К этому времени Япония с опозданием научилась ценить литературную работу, которая долгое время была популярна в Китае, и одна из областей деятельности, которую кратко рассматривает этот раздел, — это японские последователи этой традиции, такие как великий Икэ-но Тайга и Гёкудо с его сухим, колючим стилем. В целом, The Winds of Suiboku-ga может быть немного скудным на работах двух художников, которых он цитирует по именам, но компенсирует это широким и, возможно, удивительным, разнообразием стилей живописи тушью. Все изображения предоставлены Художественным музеем Идемицу. Дж. М. Хаммонд Дж. М. Хаммонд исследует современность в японском искусстве, фотографии и кино и преподает в Токио, в том числе в качестве лектора факультета английского языка в Университете Мэйдзи Гакуин. Он писал об искусстве для The Japan Times более десяти лет. Его эссе включают «Чувствительность к вещам: Моно, не осознаваемое поздней весной и цветком равноденствия» в Ozu International: Essays on the Global Influences of a Japanese Auteur (Bloomsbury, 2015) и «Коллапс памяти: отслеживание рефлексивности в Работа Дайдо Мориямы» для The Reflexive Photographer (Museums Etc, 2013) [перепечатано в том же издательстве 10 Must Reads: Contemporary Photography (2016)].Он выступил с докладами на различных конференциях, в том числе в Гонконгском и Оксфордском университетах.

Мир японской живописи с Аюко Садайе

Хотя зимой многие в Японии обычно закрывают как можно больше окон и дверей, чтобы закутаться внутрь, в Киото многие храмы, обычно закрытые для публики, распахивают свои ворота. Эти особые открытия храмов представлены в кампании «Зимние путешествия по Киото» ( Kyo-no-Fuyu-no-Tabi ). В этом году на плакатах этой кампании изображено лицо Аюко Садайе, художницы нихонга, буквально «японской живописи».

Продуктивный художник

Родившаяся в 1982 году, г-жа Садайе выросла в Шиге, Япония, регионе, богатом природой. Проработав два года адъюнкт-профессором в Киотском городском университете искусств, где она также получила степень магистра искусств, она решила полностью посвятить себя своему искусству.С тех пор она привлекала внимание на ряде выставок своими техниками японской живописи. В 2015 году она завершила роспись семи панелей раздвижных дверей для храма Эко-ин в Коясане. В сентябре 2018 года она создала картины на восьми панелях раздвижных дверей для храма Ходзю-ин в Коясане. Г-жа Садайе делает упор на наброски, и в ее работах в основном изображены цветы, травы и насекомые.

Песня 19 цветочных панно в храме Ходзю-ин в Коясане (2018)

Г-жа Садайе прослеживает свой интерес к рисованию еще в детстве, когда флора и фауна, фигурирующие в ее работах, были повсюду в сельской местности Сига. «Мои родители также интересовались живописью и искусством и часто брали меня с собой в поездки в Киото, — говорит она. Тем временем г-жа Садайе рисовала вокруг себя естественные предметы цветными карандашами и акварелью. Позже она экспериментировала и с масляными красками, но впервые столкнулась с нихонгой только в университете.

Японские картины

Цветы в огне — Аюко Садайе (2017)

Вы можете подумать, что можете отличить японскую живопись, просто взглянув на то, как она нарисована, но это еще не все.Форма искусства была первоначально вдохновлена ​​картинами из Китая, а термин нихонга появился в период Мэйдзи (1868-1911). Описать картины, появившиеся позднее в Японии. По словам г-жи Садайе, эти японские картины отличаются как стилем живописи, так и материалом, использованным для их создания. Японские картины создаются с использованием природных минеральных пигментов, измельченных в порошки разной крупности и смешанных с натуральным клеем, сделанным из соединительной ткани коровы — в тюбиках ничего не купишь.

 

«Масляные краски, конечно, намного удобнее, — говорит г-жа Садайе, — но я пришла к выводу, что есть важность в вещах, которые требуют времени и сложны, даже если они не так удобны». Поскольку температура и способ использования пигмента могут полностью меняться с японскими минеральными пигментами, она объясняет: «Цвета действительно живые».

Песня чистого ручья — Аюко Садайе (2016)

Для г-жи Садайе еще одним фактором является сильное присутствие художника в японских картинах.

 

«На западных картинах, — объясняет она, — цветы изображаются такими, какими их видят люди. В этих японских картинах художник становится цветком и становится всем — людьми, небом, цветами — все они становятся единым целым в процессе рисования. Это то, что могут почувствовать и зрители картины. Конечно, есть много разных художников, и у всех у них разные мысли, но я думаю, что речь идет о чувстве равенства всех вещей, о том, чтобы говорить с природой с уважением и смирением.

Пастушья сумка и китайский пион — Аюко Садайе (2018)

Подобным образом г-жа Садайе подчеркивает, что важно уважать все части, которые входят в готовую картину: специальные кисти и японская бумага также изготавливаются ремесленниками и сами по себе являются своего рода искусством.

Киото — город, наполненный искусством

Аюко Садайе теперь живет в Киото, городе, который она любит, со всеми его музеями. Но она говорит, что вид работ художников на улицах, в повседневном Киото, действительно захватывает ее сердце.«Присутствие этих художников все еще ощущается во многих местах, и это прекрасно. Иногда в более крупных городах, таких как Токио, отпечаток этих художников часто стирается. Так что мне очень нравится просто гулять [по улицам Киото]».

 

А ее сообщение для гостей из других стран?

 

«В Киото много модных мест, куда можно пойти. Однако я призываю [гостей из-за рубежа] понять, что Киото — это не город, где время остановилось.