Японская живопись: все, что вы хотели знать о живописи Страны восходящего солнца: vakin — LiveJournal

Японская живопись — самый изысканный вид искусства страны Восходящего Солнца. Она развивалась в разных направлениях и стилях, но так же, как изобразительное искусство Китая и Кореи, была неотделима от каллиграфии. Японские художники и писали, и рисовали кистью. Так появились интересные приемы, не свойственные западному искусству. Для японского стиля живописи также характерно необычное построение композиции и изысканные цветовые решения.

Какими характеристиками и особенностями обладает японская живопись?

Живопись Японии отличается от европейской. Для мастеров из страны Восходящего Солнца всегда на первом месте была гармония, подчеркнутое слияние природы и человека. Сильное влияние на традиционную живопись Японии оказало искусство Китая. Там тоже подчеркивалась неразрывная связь природы и человека. Достаточно взглянуть на традиционные японские и китайские пейзажи — человек на них кажется очень маленьким.

Основная же задача китайской и японской живописи — передать дух посредством изображения. Так сформулировал задачу художник Гу Кайчжи, и японские мастера вслед за китайскими стремились к ее решению.

Гу Кайчжи. Свиток «Наставления старшей придворной дамы», деталь.
Британский музей, Лондон

Как развивалась живопись в Японии

Живопись древней Японии — это период Кофун и период Асука (охватывает до 710 г.). К первому периоду относится настенная живопись, которую находят в древних склепах — это геометрические и образные композиции. В период Асука в Японию вместе с буддизмом начинает проникать китайская культура. В стране развивается иерографическое письмо, художники копируют приемы китайской живописи.

В период Нара (710−794 гг.) появляются храмовые фрески и живопись на религиозную тематику. Анонимные художники того времени используют приемы китайского искусства.

Период Хэйан (794−1185 гг.) — появляется школа Ямато-э. Ее характерная черта — яркие силуэтные изображения. В это время зарождается искусство иллюстрации литературных произведений. Самый известный памятник эпохи — «Повесть о Гэндзи», рассказывающая о приключениях сына императора. Это первый письменный иллюстрированный свиток, над ним трудились и художники, и каллиграфы. Возникает диалог слова и образа — этим и отличается традиционная японская живопись от европейской.

Иллюстрация к Гэндзи-моногатари, приписывается Тоса Мицуоки (1617—1691).
По мотивам этого литературно-художественного произведения созданы аниме-сериалы

Период Камакура (1185−1333 гг.) продолжает традиции периода Хэйан. В это время активно развивается искусство ваяния.

Период Муромати (1333−1573 гг.) — это эпоха расцвета пейзажной монохромной живописи. Хотя японские мастера все еще работают в китайской традиции, появляются известные художники с узнаваемой манерой — Сэссю, Кано Монотобу и другие.

Период Азучи-Момояма (1573−1603 гг.) — это эпоха появления многоцветного стиля, создаются масштабные работы с использованием золотой и серебряной фольги. Активно развивается декоративная живопись Японии, в моду входят сложные расписные щирмы.

Период Эдо (1603−1868 гг. ) характеризуется появлением школы Римпа — ее представители переосмысливали классические сюжеты в декоративной манере. Но главное — это появление деревянной гравюры укиё-э, которая прославила Японию во всем мире. Эти гравюры изображали бытовые сценки, пейзажи, борцов сумо, гейш, актеров театра кабуки. С гравюр делали цветные ксилографии, пользующиеся большой популярностью. Самые известные художники эпохи — Кацусика Хокусай и Утагава Хиросигэ.

Конный портрет Хосокавы Сумимото (1489—1520), фрагмент.
1507 г. Музей «Эйсэй Бунко»

Гора Аришияма. Кацусика Хокусай
1787, 36.7×45.9 см

Хиросигэ Кунисада. Синий веер

Работа Сэссю (1420 — 1506)

В последующие периоды классическая живопись Японии претерпевает существенную трансформацию из-за западного влияния. Это продолжается и в наши дни. Возникает интересное явление, когда, с одной стороны — продолжаются классические японские традиции в живописи, с другой — коммерциализация искусства приводит к появлению гибридов вроде манги, в которой сильно западное влияние, но есть и национальное своеобразие.

Какие существуют стили и жанры живописи в Японии

Все о живописи в Японии в рамках одной статьи рассказать невозможно. Существует множество стилей и жанров, интересных и широкой публике, и узкому кругу специалистов. Поэтому остановимся на нескольких наиболее характерных явлениях.

Важный жанр японской живописи — это эмаки. Так называют рукописные свитки с рисунками и каллиграфическим текстом. Их читают, постепенно разворачивая в ширину, в направлении справа налево. Для эмаки характерно разнообразие сюжетов. Это не только пейзажи и портреты вельмож, но и изображения природных катаклизмов (например, наводнений), персонификации мифических существ, изображения объектов архитектуры. В эмаки встречаются и портреты простолюдинов и прислуги, не только вельмож.

Судзуки Харунобу. Женщина разворачивает любовное письмо
1768, 28.5×19.5 см

В XVI веке сформировалось художественное течение Тоса. Оно получило название в честь основателя — Тоса Мицуёси. Это была полихромная живопись с характерным изображением золотых облаков. Это направление просуществовало до XIX века, развиваясь параллельно с течением, созданным Кано Мотонобу.

Тоса Мицуёси. Дубовое дерево.
1567−1613. Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Одним из самых известных направлений в японском искусстве являются гравюры укиё-э. Это можно перевести как «картины плывущего мира», «картины исчезающего мира» — понятие, отвечающее буддийской концепции эфемерности всего сущего. Сам термин ввел в 1661 году писатель Аясай Рёи. На этих гравюрах впервые изображены повседневные житейские мелочи — это подчеркивало осознание скоротечности момента. К направлению укиё-э относятся многие известные на Западе произведения, включая «Большую волну» Хокусая.

Китагава Утамаро. Гейша с трубкой
1804, 38.6×26 см

Особенности живописи в Японии заключаются в том, что она долгое время развивалась в отрыве от западной. Но в XVIII веке голландцы привезли в Японию европейские гравюры. И западные традиции начали влиять на японское искусство. Так родились изящные гравюры суримоно, исполнявшиеся на бумаге квадратной формы. Часто их делали на заказ различные общественные учреждения как аналог современных открыток, поскольку изображение дополнялось каллиграфическими надписями. Главным жанром суримоно был натюрморт. Часто это были поздравительные суримоно к Новому году, покрытые золотыми и серебряными блестками.

Школа Сидзё. Мацумура Госюн, Лесорубы и рыбаки, около 1790−95

Одновременно с искусством укиё-э развивались еще два направления в живописи — Нанга (Будзинга), на которую влияла китайская живопись, и Сидзё, в которой главным считалось натуралистичное изображение животного и растительного мира.

Самые известные японские художники

Основателем традиции живописи суйбокуга (живопись тушью) был Сэссю Тойо (1420−1506). Он был сыном самурая династии Ода, и прошел обучение в монастыре Сёкокудзи. Затем Тойо отправился в Китай, обучался там живописи. Под впечатлением горных пейзажей, увиденных во время странствий, Тойо создал собственный стиль, в котором сочетались техника ломаных линий и точечного письма. Этот стиль в дальнейшем вдохновил Соами Мотонобу и других художников.

Сэссю (Сэссю Тойо). Осенний пейзаж

Крупнейший японский художник периода Момояма — Кано Эйтоку (1543−1590). Он стал родоначальником нового стиля, когда художники стали обращаться не к целостному пейзажу, а к его крупной многоцветной детали. На сияющем золотом фоне сочными красками художник выписывал цветы и деревья.

Кано Эйтоку. Ширма «Цветы и птицы вермен года», левая сторона
XVI век, 164.5×359 см

Формирование школы Римпа связано с другим художником. Это Таварая Сотацу (1600−1640). Особенность его манеры состоит в том, что он отказался от контурного линейного обрамления, создавая форму пятном. Художник также размывал цвет, накладывая следующий слой краски на еще влажную поверхность другого цвета. Иногда он использовал золотистую или серебристую пудру.

Таварая Сотацу. Бог ветра и бог грома — двустворчатая ширма, созданная при помощи туши, красок и позолоченной бумаги

Самый известный японский художник — Кацусика Хокусай (1760−1849). Его гравюры «Большая волна в Канагаве» и «Южный ветер. Ясный день (Красная Фудзи)» так часто тиражируются дизайнерами и иллюстраторами, что известны даже людям, незнакомым с японской живописью.

Утагава Хиросигэ (1797−1858) — еще один знаменитый современник Хокусая. Работал под псевдонимом Андо Хиросигэ. Он славился своим умением передавать изменчивость природы, сочетая в своих работах динамику и неподвижность. Яркие цвета и гибкая контурная линия покорили европейских художников начала ХХ века, пытавшихся подражать Хиросигэ.

Кацусика Хокусай. Южный ветер. Ясный день (Красная Фудзи). 1832, 24.4×35.6 см

Хиросигэ Кунисада. Две женщины

Самые известные японские картины

Кано Мотонобу «Пейзаж в китайском стиле» — одно из самых известных произведений японской живописи. Благодаря этому художнику в монохромной традиции пейзажа появился красочный слой. В этой ранней его работе сочетаются китайская и японская художественные традиции. Статичность пейзажа характерна для восточной живописи XVI века.

Фрагмент работы Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве»

Образ Японии в живописи в массовом сознании чаще всего связан с самой знаменитой работой Кацусики Хокусая «Большая волна в Канагаве». Эта гравюра на дереве — первая в серии «Тридцать шесть видов Фудзи». Картина выполнена в стилистике укиё-э. Это — потрясающее произведение, передающее миг борьбы: человеческие фигурки в маленьких лодках еле заметны на фоне огромной волны, но они все равно пытаются противостоять стихии. Гибкая, подвижная, рваная линия морской пены противопоставляется неподвижной заснеженной Фудзи.

Копии этой гравюры находятся в лучших музеях мира — Метрополитен-музее в Нью-Йорке и Британском музее в Лондоне. Еще одна копия есть в музее Клода Моне в Живерни.

Китагава Утамаро. Три красавицы наших дней
1793, 37×25 см

Еще одно знаменитое произведение укиё-э — это «Три красавицы наших дней» Китагавы Утамаро. Подробно об этой гравюре мы уже рассказывали. Ведь это тот редкий случай, когда известны имена девушек, их семейная принадлежность и род занятий.

Исода Корюсай так хорошо передавал орнаменты на кимоно, что это привлекло внимание торговцев тканями, в результате родилось несколько ныне очень известных серий гравюр явно рекламного характера: «Образцы мод: модели новые, как весенняя листва», «Новогодние кимоно красавицы Ёсивары».

Исода Корюсай. Работа из «модной» серии

Утагава Куниёси «Коты 53 станций Токайдо» — одна из самых известных работ эпохи Эдо. На ней и в самом деле изображены коты и кошки 53 станций дороги Токайдо. Присмотритесь — все они разные, и возле каждого написано название станции.

Утагава Куниёси. Триптих: Кошки, представляющие 53 станции Токайдо
1847, 37.1×76.2 см

«Сто знаменитых видов Эдо» — одно из самых известных произведений японской живописи. Но это не одна гравюра, а 118 листов, целая серия, которую Утагава Хиросигэ создавал в течение двух лет (некоторые гравюры вышли уже после смерти автора). Это прекрасные пейзажные и бытовые зарисовки города Эдо, которые сложно отнести к определенному жанру.

Утагава Хиросигэ. Вид с моста Яцуми. Серия «100 знаменитых видов Эдо»
1856, 35.7×23 см

Какое влияние оказало японское искусство на мировую культуру

Культура, живопись Японии повлияли и на европейскую живопись. Принято считать, что истоки импрессионизма — это достижения в области оптической физики, которыми интересовались художники, работающие в этом направлении. Источником вдохновения были и работы Тёрнера и Констебла. Но большое влияние на импрессионистов оказал традиционный японский рисунок, точнее — печатная графика.

Ей были свойственны необычные ракурсы, насыщенные цвета, отсутствие привычной для европейских художников перспективы и реалистичной объемности, особое построение композиции. На тот момент японское искусство стало доступным сравнительно недавно, европейцы почти ничего о нем не знали, даже самые маститые критики. Поэтому художники знакомились с этим искусством исключительно через личные впечатления. Интересно, что японские гравюры попали в поле их зрения практически случайно. Их использовали как аутентичную упаковку для японской фарфоровой посуды, которая тогда как раз вошла в моду.

Сильное впечатление на многих произвели гравюры Кацусики Хокусая и Утагавы Хиросигэ. Ван Гог сделал несколько копий с работ Утагавы Хиросигэ, стараясь повторить в красках традиционные японские графические приемы. Ван Гог был небогат, но он смог собрать хорошую коллекцию японских гравюр, в которой насчитывалось более 200 произведений, и более 40 из них — работы Хиросигэ. Японские мастера вдохновляли и других импрессионистов. Считается, что картина Сезанна «Гора Сент-Виктуар» могла быть написана под влиянием работы Утагавы Хиросигэ, «Вид моста Яцуми-но хаси».

Утагава Хиросигэ. Цветущий сливовый сад в Камейдо 1857, 33.7×22 см

Винсент Ван Гог. Цветение сливового сада (по мотивам Хиросигэ)
Ноябрь 1887, 55.6×46.8 см

Роман Петрович Тыртов (Эрте). Феникс торжествующий
1983, 71.1×101.6 см

Японизм в целом (не только гравюры, но и декоративно-прикладное искусство, театр и литература) оказали влияние на моду и архитектуру эпохи ар-нуво. Известные дизайнеры и архитекторы черпали вдохновения в сюжетах Хокусая. В моду вошли шелковые кимоно и расписные веера. Эта эпоха закончилась в Первую мировую войну, как и бум японизма. Но она оставила выдающееся наследие.

Автор Анастасия Дойч
Источник — Артхив

Выставка в Бонне «Любовь Японии к импрессионизму. От Моне до Ренуара»

О любви европейцев к Японии, о японизме в европейском искусстве,  об увлечении французских импрессионистов японской гравюрой укиё-э известно и написано много. Гораздо меньше знают европейцы об ответной любви Японии к Западу и о том, как японские художники  осваивали импрессионизм, а японские коллекционеры собирали картины французских живописцев. Именно об этом рассказывает выставка «Любовь Японии к импрессионизму. От Моне до Ренуара» (Japans Liebe zum Impressionismus. Von Monet bis Renoir’). Более ста произведений французских художников из японских собраний и картины японских импрессионистов были выставлены с октября 2015 по февраль 2016 года в Bundeskunsthalle немецкого города Бонна. «Полотна импрессионистов впервые за сто лет гостят в Европе,» – растрогано писала немецкая пресса. «Японское признание в любви» называлась одна из статей о выставке.

Шинтаро Ямашита. Читающая женщина.1908
Эдуард Мане. Прогулка.1880
Foto: http://www.express.de/bonn/-geheime—japan-sammlungen-bundeskunsthalle—eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208

При входе в первый зал посетителей выставки  встречают две картины: портрет дамы на прогулке кисти Эдуарда Мане (справа) и портрет читающей женщины, выполненный японским художником Шинтаро Ямашита. Он учился в Париже и настолько успешно овладел техникой импрессионистов, что его работу устроители выставки отважились поместить рядом с полотном Мане. Картина японского художника символична еще и потому, что  моделью  стала европейская женщина, а не японка.

Шинтаро Ямашита. Читающая женщина.1908. Фрагмент.

Небольшой, но очень занятный раздел выставки развивает тему «европейцы глазами японских художников». После  столетий почти полной изоляции Япония в середине 19 века  постепенно начала контактировать с западным миром. Темы прибывающих в Японию европейцев, европейской техники, европейских обычаев и образа жизни отразились в традиционной японской гравюре. Заметьте, что  европейских дам художник Утагава Садахидэ стремится нарисовать «реалистически», в духе европейского искусства,  а японки изображены по канонам японской гравюры.

Утагава Садахидэ.1861

Европейцы приезжали  в Японию, а молодые, хорошо образованные японские художники, подобно своим собратьям из других стран,  отправлялись на исходе 19 века учиться в Париж — культурную столицу Европы. Высшим шиком считалось у них одеваться по-европейски с парижским шармом, чтобы не отличаться от завсегдатаев  бульваров.

Японские художники в Париже

Во Франции японские художники старательно перенимали манеру письма европейских живописцев, привозили ее домой и «пересаживали» на местную почву, обращаясь в своем творчестве к национальным мотивам. Характерный  пример – картина Икуносуке Сиратаки “Занятия”.

Икуносуке Сиратаки. Занятия. 1898.
© Tokyo University of Arts, The University Art Museum, Tokio

Среди самых эффектных произведений на выставке – два полотна Кодзима Торадзиро. Художник не просто переносит импрессионистическое видение на национальную почву — он выбирает классический сюжет, близкий и понятный каждому, кто воспитан в традициях японской культуры: прекрасная японка в саду среди цветов. Сколько изысканных гравюр, сколько совершенных трехстиший-хокку  написано на эту тему! И вот теперь японский живописец смело, даже дерзко интерпретирует истинно японский мотив средствами европейской живописи!

Кодзима Торадзиро. Радость утра (Ипомеи).  1920

Кодзима Торадзиро. Радость утра  (Ипомеи). 1920
© Ohara Museum of Art, Kurashiki

Картина пронизана солнцем, сверкает каждый листок, насквозь просвечивает тонкая ткань на рукаве,  небрежными мазками брошены на полотно  пламенеющие цветы…  Вот истинный  последователь импрессионистов!  Но характерная, несколько нарочитая поза девушки отсылает нас к эстетике японской гравюры.

Эдуард Мане. Хризантемы.  1881
© 2015 The Museum of Modern Art, Ibaraki

Работа Эдуарда Мане «Хризантемы» в форме веера явно навеяна японским искусством. «Мальчик среди цветов» — картина, которую японцы особенно ценят и любят. Дитя в цветущем саду, на лоне природы – это мотив не мог не найти отклика в Японии.

Эдуард Мане. Мальчик среди цветов. 1876.
The National Museum of Western Art Tokyo

Созерцание, любование,  слияние с природой… традиционная для японского искусства тема сближает полотно
Сейки Курода «Отдых под яблоней»  с картиной Мане «Мальчик среди цветов» .

Сейки Курода. Отдых под яблоней. 1898
© Wood One Museum, Hiroshima

Foto: http://www.express.de/bonn/-geheime—japan-sammlungen-bundeskunsthalle—eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208

Foto: David Ertl, 2015 © Kunst- und Ausstellungshalle der Bundesrepublik Deutschland GmbH

Мотив волны, столь любимый мастерами японской гравюры, вдохновлял Огюста Родена, сплетающего человеческие фигуры наподобие волн. И японцы оценили пластические находки французского скульптура – в собрании Коиро Мацуката 59 работ Родена, небольшую часть которых можно было увидеть в Бонне.

Огюст Роден

Огюст Роден. Поцелуй. 1882–1887
© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection

Огюст Роден. Ханако
Молодая японская актриса Ханако была любимой моделью Родена.
Он изобразил ее, в рисунках и скульптуре, 58 раз!

Эмиль-Антуан Бурдель. Лежащий Селен. 1917
© The National Museum of Western Art, Tokio

Камиль Писсарро. Зима. 1875
. © Courtesy of Yoshino Gypsum Art Foundation

Снег…  Как проникновенно  изображают заснеженные пейзажи японские мастера гравюры!
Японцы не могли не оценить поэтичную  «Зиму» Писсарро.

Эдгар Дега. Месье и Мадам Мане. 1868-69
© Kitakyushu Municipal Museum of Art

Густав Курбе. Джой, прекрасная ирландка. 1866
© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd.

Случайно ли на выставке собрали несколько портретов рыжеволосых красавиц?
Возможно, женщина с золотыми волосами — идеал европейской  красавицы для японцев?

Пьер Огюст Ренуар. Голова девушки. 1877
© Toyota Motor Corporation

Пьер Огюст Ренуар. Женщина с розой. 1910
© The National Museum of Western Art, Tokyo. Donated by Mr. Ryuzaburo Umehara

Пьер Огюст Ренуар. Читающая женщина с собачкой в саду. 1874
(© Yoshino Gypsum Co. LTD., Mr. Eisaku Sudo, President, Tokio/Tokyo)

Особый раздел выставки посвящен коллекционерам, благодаря которым Япония стала обладательницей  великолепного собрания  французской живописи. Одним из первых коллекционеров из Японии был Тадаси Хаяси,  прибывший в Париж в 1878 году. Хаяси был знатоком японского искусства и быстро стал известен во Франции как торговец художественными произведениями. Французские импрессионисты обменивали у него свои полотна на японские гравюры. Хаяси провел во Франции 23 года и вернулся в Японию с обширной коллекцией полотен европейских художников. Лишь небольшая часть этих работ демонстрировалась на выставке в Бонне!

На выставке
Foto: http://www.wdr2.de/kultur/kritiker/kritiker-bundeskunsthalle-impressionismus-100.html

Френк Бренгвин. Портрет коллекционера Коиро Мацуката
© The National Museum of Western Art, Tokyo

Японские индустриальные магнаты активно покупали произведения импрессионистов в 1900-е годы. Предприниматель Коиро Мацуката, президент концерна Kawasaki-Werft, был близко знаком с Клодом Моне и покупал картины непосредственно у него в мастерской. Коллекция Мацуката, которая счастливо сохранилась в Париже в годы Второй мировой войны, была возвращена Японии только в 1958 году. Специально для этой коллекции и был построен в 1959 году «Национальный музей западного искусства» в Токио, один из самых популярных музеев в стране.

Foto: https://www.linkedin.com/pulse/iconic-image-exhibition-japans-liebe-zum-now-show-hiroshi-kumazawa

Такеко Куроки, Клод Моне и его семья с картиной «Заснеженный дом и гора Колсаас»(1895)
Uehara Museum of Modern

 На фотографии Такеко Куроки, племянница Коиро Мацуката,  в гостях у Моне и его  семьи.
А вот и картина, которую мы видим на фотографии.

Клод Моне. Заснеженный дом и гора Колсаас. 1895
© Tokyo Fuji Art Museum, Tokyo, Japan / Bridgeman Images

Эдмон-Франсуа Аман-Жан. Портрет госпожи Такеко Куроки.1922
The National Museum of Western Art, Tokyo
© Ohara Museum of Art, Kurashiki

Такеко Кукори, Клод Моне, Лилли Батлер, Бланш Хошеде и Джордж Клемансо в Живерни, июнь 1921
Фотография Анри Мартини. Музей Клемансо, Париж.

Клод Моне и его коллекция японских гравюр в Живерни

Клод Моне был увлечённым собирателем японских гравюр. В своем доме в Живерни он хранил  коллекцию из 230 оттисков! Раздел выставки с несколькими гравюрами из собрания Моне  вызвал у меня особые чувства – вспомнился наш проект 2014 года «ГОД ЯПОНСКОЙ КОШКИ» и сотни  гравюр, которые мы с соавторами, подготавливая ежемесячные  выпуски котокалендаря, увлеченно рассматривали на  своих мониторах.

Японские гравюры из коллекции Клода Моне
Foto: http://www.rantlos.de/feingeist/japanische-liebeserklaerung.html

«Большая волна в Канагаве» Хокусая, пожалуй, самая известная в Европе японская гравюра. Имеется ее оттиск и в коллекции Моне. Морские мотивы – волны, причудливые скалы, изрезанные берега, нависающие над водой изогнутые деревья – равно близки и обитателям японских островов, и жителям французского Средиземноморья. Клод Моне создал целые серии морских пейзажей со скалами. Сравнение пейзажей Моне и гравюр из его коллекции красноречиво свидетельствует: художник вдумчиво осмыслял японскую «эстетику моря». А японский импрессионист Шигеру Аоки вернулся к морской теме уже вслед за Моне. Такая вот волна творческих взаимодействий…

Кацусика Хокусай. Большая волна в Канагаве. 1832
Оттиск гравюры из коллекции Клода Моне в Живерни

Клод Моне. Скалы в Бель-Илль под дождем. 1886
Bridgestone Museum of Art, Ishibashi Foundation, Tokyo

Утагава Хиросигэ. Из серии «Пятьдесят три станции Токайдо». Ок. 1833 г.
Оттиск гравюры из коллекции Клода Моне в Живерни

Серии Хиросигэ вдохновили Моне на создание живописных серий «Стога», «Тополя», «Руанский собор»,
«Кувшинки» и других, которые стали новым словом в европейском искусстве.  

Клод Моне. Грот,  Port-Domois. 1886
© 2015 The Museum of Modern Art, Ibaraki

Шигеру Аоки. Морской ландшафт. Мера. 1904
Bridgestone Museum of Art, Ishibashi Foundation, Tokyo

Клод Моне. В лодке.  1887
The National Museum of Western Art, Tokyo, Matsukata Collection

Картина Моне «В лодке» стала символом выставки и была воспроизведена на ее афишах.

Клод  Моне.  Вестминстерский дворец. Симфония розового. 1900
© Pola Museum of Art

Клод Моне. Закат. 1880

«Кувшинки»! Японцы обожают эту серию Моне. Если в каком-нибудь музее есть хотя бы один из бесчисленных вариантов «Кувшинок», то вы наверняка увидите перед полотном группку медитирующих японцев. На выставке представлены два варианта «Кувшинок» — нежно-перламутровый и неистово яркий, почти абстрактный 1914 года.

Клод Моне. Кувшинки (Нимфеи). 1908
© Tokyo Fuji Art Museum, Tokyo, Japan / Bridgeman Images

Искусство изображать воду – не только морскую стихию, но и тихую поверхность пруда или гавани –
японские художники  переняли  у Моне, Сислея, Синьяка. Такеши Фуджишима достиг в этом совершенства.

Такеши Фуджишима. Пруд на вилле д’Эсте, Тиволи, 1909
Tokyo University of Arts, The University Art Museum Tokyo

Альфред Сислей. Moret-sur-Loing. 1888
© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd. (deposited at Yamagata Museum of Art)

Поль Синьяк. Гавань. 1896
© Pola Museum of Art

На выставке
Foto:http://www.wdr2.de/kultur/kritiker/kritiker-bundeskunsthalle-impressionismus-100.html

Поль Сезанн. Четыре купальщицы. 1877/78
© Pola Museum of Art

Сотаро Ясуи. Женщина с павлином. 1912

Винсент Ван Гог.  Собиратели  хвороста на снегу. 1884.
© Courtesy of Yoshino Gypsum Co., Ltd. (deposited at Yamagata Museum of Art)

Поль Гоген. Две бретонские девочки у моря.  1889
(© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection)

К сценам из жизни европейских крестьян Кеихиро Куме обратился вслед за ранними Ван Гогом и Гогеном.
Та же грубоватая, немного неуклюжая пластика.

Кеихиро Куме.  Сбор яблок.  1892
© Kume Museum of Art, Tokio

Пьер Боннар. Сидящая девушка с кроликом. 1891
© The National Museum of Western Art, Tokyo

И самое приятное в финале. Читателям ЯПОНСКОГО КОТОКАЛЕНДАРЯ 2014 и котоальманаха «КОТЫ ЧЕРЕЗ ВЕКА»
известно, как японские мастера гравюры и французские художники, в том числе Пьер Боннар, любят кошек. На выставке представлена прелестная работа Боннара с котами на балюстраде.

Пьер Боннар. Коты на балюстраде. 1909
© Ohara Museum of Art, Kurashiki

Морис Дени.Танцующие девушки.1905
© The National Museum of Western Art, Tokyo. Matsukata Collection

Морис Дени. Волна.1916
© Ohara Museum of Art, Kurashiki

Каталог выставки

Фотографировать на выставке строго запрещено.
Фотографии отсюда:
Quellen:

http://www. bundeskunsthalle.de/ausstellungen/von-monet-bis-renoir.html
http://www.bundeskunsthalle.de/presse/pressebilder/pressebilder-japans-liebe-zum-impressionismus-von-monet-bis-renoir.html
http://www.kunstausstellungen.de/ausstellung/792-Bundeskunsthalle-Bonn-/
http://fifty2go.de/08/10/2015/japan-trifft-europafernoestlicher-impressionismus/
http://saskiasflowers.com/2015/12/11/japans-love-for-impressionism/
http://www.express.de/bonn/-geheime—japan-sammlungen-bundeskunsthalle—eduard-manet-zurueck-in-europa-22956208
http://www.kunstverein-frechen.de/veranstaltungen2016.htm
http://kultur-online.net/node/29521
http://www.allemagne-service.com/Manif/ausstellungen.html
https://www.bundesregierung.de/Content/DE/Artikel/2015/10/2015-10-07-gruetters-ausstelllung-japan.html
http://www.rantlos.de/feingeist/japanische-liebeserklaerung.html#!prettyPhoto
http://www.radio-am-alex.de/index.php/kunst-und-kultur/2958-japans-liebe-zum-impressionismus
http://www. art-magazin.de/kunst/11680-rtkl-impressionismus-bonn-erwiderte-leidenschaft
http://www.dw.com/de/japans-liebe-zu-französischer-kunst-eine-wechselbeziehung/a-18775283

Хокусай — старик, одержимый рисованием | Культура и стиль жизни в Германии и Европе | DW

В берлинском выставочном зале Мартин-Гропиус-Бау, где проходит первая в Германии ретроспектива творчества Кацусики Хокусая (1760-1849), царит полумрак. Старая бумага не выносит яркого света. Выставлено около 450 работ. Большинство из них заполнены мелкими деталями, у пиний прорисованы иголки, на стволах — завитушки и складки коры. Трудно поверить, что мириады этих тонких линий были вырезаны в дереве, ведь подавляющее большинство работ мастера — это ксилографии, то есть гравюры на дереве.

Динамика и экспрессия

За 70 лет творчества японский иллюстратор и гравер Кацусика Хокусай сменил 30 имен. В последние годы он называл себя «стариком, одержимым рисованием». Самые известные на Западе гравюры мастера были созданы, когда он уже достиг шестидесятилетнего возраста. К ним относится серия «Тридцать шесть видов Фудзи», в которой на самом деле 46 листов. Изображены пейзажи и сцены из жизни провинций вокруг Фудзи, а также сама священная гора с близкого расстояния.

Самый знаменитый лист серии показывает вид на гору со стороны моря. Огромная синяя волна с коварной и колючей белой пеной нависает над рыбацкой лодкой, на горизонте — синяя Фудзи. Эта картина весьма известна в Европе, но европейцы смотрят на нее неправильно, слева направо. Для японца изображение разворачивается справа налево: лодка скользит под гору прямо в пасть огромному девятому валу. Так композиция кажется более динамичной. Впрочем, на фоне остальных гравюр знаменитая «Большая волна в Канагаве» не особенно сильно выделяется. Всем творениям позднего Хокусая присуща выразительность, поскольку художник использовал плотные массы интенсивного цвета.

«Большая волна в Канагаве»

На берлинской выставке есть много неожиданного. В особенности удивляют ранние работы мастера. Это, скажем, серия видов Эдо (так ранее назывался Токио), выполненных в голландском стиле. Хокусай пробовал изображать деревья как трехмерные шары и деформировать пейзаж в соответствии с правилом центральной перспективы. Техника изображения похожа на ту, что позже при написании пейзажей использовали Матисс и его соратники-фовисты. Интересно рассматривать и пробные оттиски гравюр, а также эскизы к ним.

Энциклопедия жизни

Но все-таки самое удивительное — это книги, которые издавал Хокусай. Художник иллюстрировал знаменитые театральные драмы, прозу, в том числе и свои собственные романы. Иллюстрации напоминают современные комиксы. На них невозможно смотреть без содрогания. Рисунок извивается и бурлит. Огромные фигуры сочетаются с крошечными, пространство причудливо напластовывается и ломается.

Еще один интересный экспонат — это 15 выпусков серии иллюстрированных альбомов «Хокусай манга», которые служат источником вдохновения и для современных авторов комиксов. До сих пор манги Хокусая переиздаются и пользуются большой популярностью. Правда, при жизни художника слово «манга» имело несколько иное значение: «всякая всячина, нарисованная без всякой цели».

Приемы боя на мечах на развороте манги

Хокусай показывает, как следует рисовать лица, руки, позы людей. Есть изображения буйволов, рыб, птиц, всевозможных растений. Мосты, берега реки, волны, облака, горы, деревья, демоны, духи… В некоторых выпусках манги показано, как строятся пагоды или лодки. Много орнаментов предназначено для украшения гребней и курительных трубок, оружия, тканей и кухонной утвари.

Все линии — родственники японских иероглифов, они прихотливо и быстро меняют направление движения. Рисунки Хокусая устроены обманчиво просто, они весьма конструктивные. Хокусай фактически создал визуальную энциклопедию жизни Японии в его времена, нарисовал все, что можно было вообще нарисовать. Невозможно отделаться от ощущения, что мастер владел огромным запасом элементов, из которых, как из деталей конструктора, собирал свои бесчисленные рисунки.

Автор: Андрей Горохов

Редактор: Виктория Зарянка

волн в японском искусстве | Арте в Джаппоне

Согласно восточным религиям, волны символизируют постоянное движение, трансформацию, динамизм – хотя и в единстве и постоянстве составляющего элемента, которым является вода, – следовательно, непреклонный дуализм между бытием и становлением. Волны вызывают воспоминания о вакууме в смысле потенциальности и порождающей новизну энергии, а не о негативности и нигилизме: на самом деле море постоянно производит новые волны. Однако волны происходят и неотделимы от моря, фактически бесследно возвращаясь к нему, которое поэтому, хотя и постоянно меняется, всегда остается одним и тем же.

Как волны являются частью единого целого, которым является море, так и каждый элемент природы является частью вселенной, из нее происходит и возвращается в нее. Не бывает идеальных, устойчивых и полных волн; и тем не менее все в природе несовершенно, несовершенно и зыбко: красота вселенной состоит в том, чтобы быть вечно в становлении.

Волны могут по отдельности представлять женский ( инь ) или мужской ( ян ) принцип, в зависимости от их стиха, и вместе они напоминают о единстве вселенной с ее творческой силой.Наконец, их повторяющийся отлив символизирует течение времени.

Схематическое изображение концентрических волн ( seigaiha ) становится символом прилива удачи, помимо того, что это широко распространенный узор тканей, керамики и лаков. Волны — повторяющийся мотив в изобразительном искусстве, и одним из доказательств этого является существование справочника по рисованию ( Hamonshū , Юзан Мори, 1903 г.), в котором описаны всевозможные модели волн, в том числе медленные и ленивые волны, мягко омывающие береговую линию, символ устойчивости, а также мчащихся, ревущих и пенящихся белокрылками, таким образом являющихся эмблемой жизненной силы.

Одно из самых популярных представлений на эту тему — « Волны в Мацусиме » Таварая Сотацу, соучредителя школы Ринпа. В этом произведении техника tarashikomi , в основном основанная на размытии контуров, была принята для оптимальной передачи беловатых облаков бурного моря, даже с учетом буддийской идеи непостоянства, применяемой ко всему, учитывая, что это постоянно растворяется в виде морской пены.

У линии нет функции обозначения контуров, а только создание очень тонких каллиграфических эффектов в виде криволинейных волн с окаймляющими гребнями и сосновыми иголками, перемешанными с растительностью: ощущается ощутимое напряжение между неопределенностью и заботой о деталях. Покрытое сусальным золотом небо и морские задники представлены в абстрактном стиле и не различимы, а находятся во взаимном пересечении. Плескам океана все еще удается превратиться в золотые оттенки, которые подчеркивают как гофун (минеральный пигмент), используемый для изображения ярко-белой пены, так и ярко-зеленые, охристые и светло-голубые скалы и сосны, которые также изображаются с размытыми пятнами, как того требует школа Ринпа. Нереалистичную лазурь, принятую для теней скалистых впадин, можно объяснить, обратившись к тщательному изучению световых эффектов за несколько столетий до импрессионизма. Точка зрения более отчетливо видна сверху на левом экране, где она кажется точкой зрения птицы, сидящей на ветке сосны на переднем плане. С другой стороны, на экране справа перспектива двоякая: к панорамному виду на море и сосны присоединяется фронтальное видение со дна скал.

Tawaraya Sōtatsu, Waves at Matsushima, правый экран из пары шести панельных экранов, XVII век, Художественная галерея Freer, Смитсоновский национальный музей азиатского искусства

Tawaraya Sōtatsu , Waves at Matsushima, левый экран из пары шести панельных экранов,  XVII век, Художественная галерея Freer, Смитсоновский национальный музей азиатского искусства

также видны в наборе Rough Waves Огаты Корин, где волны выглядят так, будто вот-вот столкнутся с противоположных направлений ( yinyang; in’yō на японском языке). Их беспокойный линеаризм в сочетании с антропоморфными когтями предвосхитил Хокусая, а затем стал для него источником вдохновения. Исследуемые волны кажутся выходящими из темного океана, что изображается темно-синим ореолом с неопределенными контурами. Легкая пена, выступающая из темного фона, почти театрально вызывает идею жизненной силы и вечного движения вселенной.

Огата Корин, Rough Waves, двухпанельный экран, ок.1704-09, Метрополитен-музей

Чуткое отношение японцев к природе очень оригинально выражает Хокусай, которому, как никому другому, удается уловить жизненный дух природы. Ценным экземпляром является Under the wave off Kanagawa ( The Great wave ), внесший большой вклад в западное искусство. В этом примере художник черпает чисто эстетическую черту из наблюдения за физическим явлением: коническая гора Фудзи, вписанная в полукруглый волновой фронт, получается художественным гениальным штрихом.Это оригинальный пример того, как геометрия природы проявляется во всей своей художественной красоте. Очарование формы усиливается за счет прекрасного окрашивания: чередующиеся полосы синего цвета волны таковы, что создается градиентная текстура от глубокого к яркому. Для них была выбрана берлинская лазурь, которая лучше всего позволяла передать глубину. С другой стороны, традиционный индиго также использовался для создания хроматических игр между различными оттенками.

Однако художник может не только увидеть в природе совершенство формы и чистоту цвета, но и уловить любой дух.В таком случае допустимо говорить об антропоморфном видении: волна как бы оживляется некой готовностью соревноваться в высоте с горой на заднем плане; это похоже на то, что грозный динамизм первого противоречит могучей неподвижности второго. Крючковидные мельчайшие компоненты окантовки волнового фронта скорее напоминают когти, выхватывающие приплюснутые и крошечные человеческие фигурки на досках. Как будто вся сцена, а не результат реалистического наблюдения, была изображением беспокойного видения, беспокойного сна души художника.

Разрушительная сила моря контрастирует, даже в символическом смысле, с обликом горы: если первое вызывает хрупкость человеческого существования перед природой, то последнее вместо этого представляет бессмертие. Эти две крайности, а именно мимолетность бытия и вечность, кажется, оказали большое влияние на чувствительность художника, что выразилось в изображении многочисленных видов горы Фудзи.

Произведение искусства можно интерпретировать по-разному, как с философской, так и с религиозной точек зрения.Особенностью Японии является то, что вся страна окружена океаном. Особенно переживаемая – иногда даже подавляющая – сила природы показывает двойной характер источника богатства, пропитания и жизни и причины гибели от землетрясений и цунами. Волна Хокусая — природная стихия, которая может дать жизнь, но и в приливе всемогущества отнять ее, может поддержать и в то же время уничтожить; рыбаки, сопротивляющиеся враждебной энергии природы, вытаскивая пищу, ярко символизируют борьбу жизни со смертью.

В свете даосизма контраст между инь и ян также чувствуется в массе волны на пустом фоне. Сюжет окружает напряжение между противоположностями: море противостоит пустоте, гора, человек. Это текучая диалектика, а не жесткая и схематическая: как в даосизме, противоположности включены в циклическую динамику, в которой каждая из них, содержащая потенциал другой, однажды достигнув своего пика, трансформируется в свою противоположность.На самом деле в ложбине волны поднимается меньшая волна, похожая на далекую гору, в свою очередь покрытая снегом, как морская пена. Стоит заметить, что брызги воды сливаются с легкими снежинками на заднем плане в результате реализации той же технической модальности, что и для снега, заключающейся в гравировке отверстий в ксилографии. При посредничестве пустого море пытается превратиться в гору, как последнее в первое. Как в черном есть немного белого, а во тьме — пятно света, так и в вечности что-то меняется, и, соответственно, в изменчивости — немного вечности.

Как обсуждалось ранее, повторяющаяся геометрическая форма — это круглая форма, вызванная, например, изогнутой полукруглой волной, которую Хокусай и другие японские художники приняли как символ просветления дзэн. Действительно, круглая форма вызывает представление о совершенстве даже в западном искусстве. В другом из Тридцати шести видов на гору Фудзи, , художник включает последний в оригинальную композицию, ограниченную круглой формой бочки, над которой в данный момент работает человек.Эта гравюра, как и «Большая волна» , отражает взаимосвязь между треугольной и круглой формами Фудзи и бочки соответственно: сведение представления природы к базовой геометрии, кажется, составляет основу экспериментального исследования Хокусая.

Человеческое усилие, несовершенство, материальность и телесная смертность контрастируют с величественной и невозмутимой красотой природы, но присутствуют и акценты сострадания, солидарности, местами иронии, возможно, даже невиданной (для японской чуткости) тонкой жилки эпического торжества.

Кацусика Хокусай, «Под волной у Канагавы» («Большая волна»), из серии «Тридцать шесть видов на гору Фудзи», ок. 1830-32, Метрополитен-музей

Кацусика Хокусай, Под волной у Канагавы (Великая волна, фрагмент), из серии «Тридцать шесть видов на гору Фудзи», ок. 1830-32, Метрополитен-музей

Кацутика Хокусай, Вид на гору Фудзи с равнины провинции Овари,  из серии «Тридцать шесть видов на гору Фудзи», ок.1830-32, Метрополитен-музей

Даже в производстве Хиросигэ мы можем найти гравюры, изображающие волны. Среди них Море у Сатты в провинции Суруга   в лучшем положении, чтобы вспомнить Великая волна из-за бурного моря и воспроизведенной в нем Фудзи.

Из сравнения этих двух работ ясно видно намерение Хиросиге изобразить гармонию природы в самых разных обстоятельствах, тем самым отходя от стремления Хокусая, который был склонен привлекать внимание публики эмоциональными и драматическими сценами. Даже бушующее море находится в определенном порядке, имеет свое собственное равновесие, хорошо соразмерно в целом: меньшие волны как бы отмечают ритм мелодии, кульминацией которой является самая большая, но не гигантская волна, изящно охватывающая все море. Фудзи в своей жидкой полости. Пена на гребне распускается большим количеством завитков, а не когтей, от которых летящие птицы как бы улетают, создавая очень грациозные образы. Стоит отметить эффектное противопоставление между вздымающейся волной справа и скалами, возвышающимися над морем слева, как они делают морскую пену и сосны, почти как в Waves at Matsushima .На фоне гладкое море и мягко плывущее к берегу судно: даже в этой среде чувствуется игра противоположностей, включающая движение и неподвижность, волнение и покой. При размышлении наши мысли обращаются к маскам театра Но, разнообразие выражений которых зависит от угла их воздействия на свет: как будто тысяча аспектов природы является остатком многогранной природы человеческого духа.

И действительно, ничто, кроме моря, не может представлять изменчивость, непостоянство, изменчивость.В арте Водовороты Наруто в провинции Ава Хиросигэ обращается к другому аспекту моря, связанному с встречными потоками, которые запутываются почти в попытке поглотить что-либо. Вихрь на переднем плане образует наклонную поверхность, которая наискосок разрезает изображение, катализируя взгляд наблюдателя, как бы «засасывая» его. Этот вихрь внушает страх, не отличающийся от страха перед стремительной волной, которая вот-вот разобьется о скалы слева. Однако необходимо уточнение: волна — это прилив энергии, естественный порыв, жизненная сила, экстраверсия, тогда как водоворот — это представление свернувшегося в себя моря, глубоко разъяренного, подверженного интровертным размышлениям.

Техника крупный план , примененная к расположению предмета (волны, водоворота) на переднем плане, напоминающего мишень линз, воспринимается при наблюдении пары шедевров под рукой. Автор создает эффективную композицию между предметом и фоном, а именно умудряется передать ощущение неизмеримой, неопределенной дали с конечным эффектом, близким кинематографическому.

Кадрирование лишь частично включает предмет, чтобы наблюдатель был склонен восстановить собственным мысленным взором дополнительные части, которые были опущены.Художник, кажется, черпал вдохновение из кирэ (резка), японского эстетического принципа, при выполнении этого типа композиции. Это делается для того, чтобы выявить буддийскую идею «отсечения» от мирской жизни через отречение от всего лишнего. Таким образом, вырезание переднего плана сцены становится, по словам Хиросигэ, функциональной функцией выражения сущности предмета, а также создает своего рода тайм-аут, эмоциональное отстранение.

Утагава Хиросигэ, Море у Сатты в провинции Суруга, из серии «Тридцать шесть видов на гору Фудзи», 1858 г., Художественный институт Чикаго

Утагава Хиросигэ , Водовороты Наруто в провинции Ава, из серии «Виды известных мест шестидесяти с лишним провинций», ок. 1853 г., Метрополитен-музей

Японский художник, создавший легендарную «Большую волну»

От величественных водопадов до эротических куртизанок — мы исследуем необыкновенную работу Хокусая, представленную сегодня на новой выставке в Лондоне

Кто? Возможно, величайший японский художник, известный миру, Кацусика Хокусай (1760– 1849) является автором одного из самых знаковых изображений в истории искусства в Великая волна .Вскоре после создания серии гравюр на дереве — «Тридцать шесть видов горы Фудзи» — Хокусай, которому тогда было за 80, смиренно объявил, что его цель — достичь уровня художественного и духовного совершенства к мудрой старости 110 лет. Якобы только тогда «каждая точка, каждая линия будут жить своей собственной жизнью». Хотя Хокусай не дожил и до 90 лет, плодотворное творчество Хокусая простиралось повсюду: гравюры с возвышенными пейзажами и мифологическими существами; картины с изображением красивых женщин, флоры и фауны; зарисовки божеств и эротических фигурок; тома иллюстрированных романов; и руководства для начинающих мастеров. В соответствии с традицией художников использовать разные имена для различения стилей, художник и рисовальщик на протяжении всей своей карьеры использовали десятки прозвищ, из которых преобладало Хокусай, или «Студия Северной звезды».

Его детское имя было Токитаро. Хокусай родился в семье ремесленников в Эдо — шумном городе середины 18 века, ныне Токио, — начал рисовать с шести лет. В 12 лет отец отправил его работать в библиотеку книг, сделанных из ксилографических блоков, что было популярным развлечением для состоятельных слоев японского общества.Проработав четыре года подмастерьем у резчика по дереву, в 18 лет Хокусай поступил в престижную студию Кацукавы Сюншо, лидера жанра укиё-э , основанного на театральных актерах Кабуки и куртизанках района удовольствий Ёсивара. Дважды женившись за это время, Хокусай в конечном итоге был исключен из студии Шуншо за обучение в конкурирующей мастерской. Но эта красная карточка стала воротами для развития его собственной индивидуальной работы, которая в настоящее время отмечается на крупной выставке Хокусай: за пределами Великой волны , в Британском музее до 13 августа.

Что? Возможно, это был небольшой, но впечатляющий 15-дюймовый отпечаток бурной волны, окутывающей гору Фудзи, которая сделала его имя, но Хокусай был человеком многих талантов. Одной из упущенных областей творчества Хокусая были его выступления, которые позже принесли ему место среди кидзин, или эксцентричных артистов того времени.1804 год был годом, когда Хокусай впервые вышел на сцену, пройдя более 350 квадратных метров бумаги, рисуя бамбуковой метлой, смоченной чернилами. Дзен-буддизм. Такие действия, в частности, имели место, когда Хокусай твердо зарекомендовал себя как художник, независимый как от студии Шуншо, так и от школы живописи Таварая, которой он впоследствии руководил.

Однако выставка в Британском музее начинается еще позже, в последние 30 лет жизни художника.Эти годы были, возможно, самыми плодотворными, начиная с нового имени, Иитсу, в ознаменование его 60-летия. В японской традиции этот знаменательный год знаменует собой полный цикл знаков зодиака и благоприятное начало новой жизни. Ицу было именем, которое прославило его самую известную серию пейзажей — жанр, в котором Хокусай сосредоточился на стихийной силе природы и ее связи со сверхъестественным. Он переводил впечатляющую красоту своего окружения в гравюры, такие как «Путешествие по японским водопадам », , в то время как его картины изображали необычайный бестиарий драконов, китайских львов, фениксов и орлов, все чаще обладающих человеческими выражениями и психологическими характеристиками.

Почему? Искусство Хокусая, воспроизведенное как на кружках, так и на магнитах, пронизывает массовую культуру. Именно в качестве предметов торговли, а не высокого искусства его гравюры и иллюстрации впервые добрались до европейских берегов. Эти предметы, среди многих других, созданных японскими мастерами, оказали новаторское влияние на художников от Мане до Ван Гога, положив начало импрессионистской моде «японизма». Но в то время как философия и эстетика нации — в частности, ее плоская перспектива, использование синего пигмента и толстые черные очертания — пронизывали европейское искусство, именно Хокусая Дега лихо приветствовал как «остров, континент, целый мир в себе самом». .Выставка в Британском музее свидетельствует об этой похвале, но также указывает на то, как Хокусай черпал визуальные подсказки из западного искусства. Это в равной степени побуждает нас взять листок из книги Хокусая, отмеченный упорной решимостью овладеть каждым из его ремесел.

Hokusai: Beyond the Great Wave работает до 13 августа 2017 года в Британском музее.

Приливы и отливы. Волновой мотив в японском искусстве выбор предметов, представленных на распродаже.

Для такого островного государства, как Япония, образы волн остаются символом их культуры. Исторически постоянный цикл волн означал спокойствие, а также мощную свирепость и стойкость — бесконечные приливы и отливы воды вдоль берега являются постоянным напоминанием как о течении времени, так и об опасной силе океана.

Согласно японской синтоистской традиции, живые и неодушевленные предметы, от деревьев до скал и моря, наделены божественной духовной силой.Таким образом, на протяжении всей истории японского искусства мир природы — горы, реки, облака или море — был источником вдохновения для художников. Кроме того, первобытная энергия и формальная красота волн постоянно захватывают воображение художников, что проявляется в средневековых рисунках тушью Сэсю, ранних современных работах Хокусая, а также в произведениях современных художников.

Великая волна, Хокусай

сейгайха или волна представляет собой узор из слоистых концентрических кругов, который напоминает арки, символизирующие волны, и означает волны удачи.Мотив волн впервые был использован в Китае на древних картах для изображения моря, а в Японии его самое раннее появление было на одежде погребальной терракотовой глиняной фигуры 6 века.

Картина Кацусика Хокусая «Большая волна», , которая в настоящее время выставлена ​​в Британском музее в рамках выставки «Хокусай — за пределами Великой волны», возможно, является самым знаковым произведением японского искусства. Первоначально были воспроизведены и проданы тысячи экземпляров этой ксилографии. Несмотря на то, что эта гравюра была создана в то время, когда японская торговля была сильно ограничена, эта гравюра демонстрирует влияние голландского искусства и вдохновила нескольких художников, работавших в Европе в конце 19 века.Действительно, гравюры на дереве укиё-э в период Эдо приобрели огромную популярность как в Японии, так и во всем мире.

Деталь лота 77

Кем был Хокусай? Все, что вам нужно знать о создателе «Большой волны»

«Великая волна у Канагавы» Кацусика Хокусай через Wikimedia Commons

В то время как большинство людей сразу узнают Великая волна в Канагаве , некоторые могут ничего не знать о его эксцентричном создателе, Кацусике Хокусай.Создав колоссальный объем около 30 000 работ за свою жизнь, гравюра на дереве The Great Wave появилась только через 60 лет после того, как он впервые начал заниматься искусством. Иллюстрация разбивающейся волны, трех лодок и вершины горы Фудзи была частью серии из 36 работ «Тридцать шесть видов горы Фудзи» и привела к тому, что мастер-художник определил курс импрессионистского движения в Европе.

Во время карьеры Хокусая строгая политика правительства Японии препятствовала любому импорту или экспорту товаров, а также запрещала свободное передвижение ее жителей и иностранцев, желающих покинуть страну или получить въезд в нее.Когда Япония, наконец, открыла свои границы в 1850-х годах, Европа быстро приняла японское искусство, особенно работы Хокусая, чьи работы попали в руки некоторых из самых известных западных художников в истории, включая Клода Моне, который собрал 23 гравюры японского художника. .

Кто такой Кацусика Хокусай?

Считается, что он родился 30 октября 1760 года (даже он не был полностью уверен), японский художник, художник укиё-э и гравер Кацусика Хокусай за свою карьеру сменил более 30 имен.Хотя смена имен была обычной практикой среди японских художников в то время, Хокусай пошел еще дальше, давая себе новый псевдоним каждые несколько лет. Среди его принятых имен были Шунро, Сори, Како, Тайто, Гакёдзин, Мандзи и, конечно же (как он наиболее известен), Кацусика Хокусай — имя, которое он носил полвека. «Кацусика» относится к той части Эдо (прежнее название Токио до 1868 года), где он родился, а «Хокусай» означает «северная студия».

Помимо смены имени, Хокусай никогда не оставался на одном месте слишком долго, и к концу своей жизни он переезжал в общей сложности 93 раза.Почему? Предположительно, он ненавидел убираться и позволял своим различным жилищам забиваться грязью, прежде чем они становились невыносимыми, заставляя его покинуть это место.

«Портрет Хокусая» Кейсай Эйзен через Wikimedia Commons

В детстве Хокусай жил со своим дядей, который работал полировщиком зеркал в доме главнокомандующего феодальной Японии. Престижная должность в то время обеспечивала прямой контакт с высшим классом, а также отличное образование для Хокусая, который должен был продолжить торговлю своего дяди после его смерти. Однако в Японии 19-го века научиться читать и писать также означало научиться рисовать, и Хокусай быстро начал проявлять художественный талант, когда ему было всего 6 лет, что привело его к другому пути.

В раннем подростковом возрасте Хокусай работал клерком в библиотеке, а позже стал учеником резчика по дереву, где он приобрел знания и навыки, которые позже привели его к созданию некоторых из его самых известных работ, которыми он известен сегодня. В 19 лет Хокусай поступил в студию художника укиё-э Кацукавы Сюншо и начал карьеру в искусстве, которая стала его 70-летней карьерой.

Изображение: Джо Мэйбл. Миниатюрная модель студии Хокусая, Музей Эдо-Токио через Wikimedia Commons (CC BY-SA 3.0)

В начале своей карьеры Хокусай был ведущим дизайнером диорам, созданных в качестве игрушек для детей. Он также создал множество настольных игр, в которых часто использовались небольшие ландшафтные рисунки. Эти работы, возможно, знаменуют собой начало его пути к множеству созданных им уникальных пейзажных композиций, известных и сегодня. Среди различных иллюстрированных публикаций между 1814–1819 годами Хокусай также создал серию изображений, которые начинающие художники могли копировать.Эти работы были объединены в бестселлер под названием Hokusai Manga и документируют одну из самых ранних форм искусства манги.

Страница из манги «Хокусай» (1760–1849 гг.) на Викискладе

Страница из манги «Хокусай» (1760–1849 гг.) на Викискладе

Несмотря на то, что он был чрезвычайно продуктивным и часто рисовал от восхода до заката, Хокусай пережил ряд личных неудач в середине своей карьеры. Обе его жены и двое детей умерли раньше него, в 50 лет он был поражен молнией, а в 60 лет он перенес инсульт, который потребовал от него повторного изучения своего искусства.Он также был вынужден выплатить игровые долги своего внука, оставив его в финансовом затруднении на всю оставшуюся жизнь. Эта серия ужасных событий заставила Хокусая обратиться к тому, что он любил больше всего, и он начал свою знаменитую серию Тридцать шесть видов на гору Фудзи , которая включала Большая волна у Канагавы в 1830 году.

Далее:

ВОЛНА | Новые течения в японской графике

Дата

09.18.2021 (SAT.) — 11.28.2021 (SUN.)

часа

11:00 до 20:00

Местоположение

Япония Домашняя галерея, Уровень 2

Плата

Бесплатно

Графическое искусство и иллюстрация имеют долгую историю в Японии и сегодня являются движущей силой японской культуры. Хотя многие японские послевоенные иллюстраторы и художники-графики находились под влиянием западного искусства и средств массовой информации, сегодняшние художники черпают из самых разных источников.Выставка WAVE представляет богатую и разнообразную работу 55 современных японских художников, показывая, как их творения в книгах, журналах, комиксах, анимации, плакатах и ​​других средствах массовой информации выходят далеко за рамки известных стилей манга и аниме и представляют разнообразную и выразительную художественную сцену, мало известную за пределами Японии.

WAVE курируют художники Кинтаро Такахаши и Хиро Сугияма (также представлены на выставке) и основаны на популярной ежегодной художественной выставке WAVE , которая проводится в Arts Chiyoda в Токио с 2018 года и каждый год демонстрирует работы более 100 ведущих японских иллюстраторов, графиков и современных художников.Эта передвижная выставка JAPAN HOUSE начинается в JAPAN HOUSE в Лос-Анджелесе и впервые представляет произведения многих из этих художников международной аудитории.

Выставка знакомит с работами художников-профессионалов, начиная от опытных профессиональных иллюстраторов, таких как Терухико Юмура (1942 г.р.), Акира Уно (1934 г.р.) и Кейичи Танами (1936 г.р.), до молодых художников, таких как Масанори Ушики (1981 г.р.) и Маю Юкишита (1995 г.р.), многие из которых соединяют миры иллюстрации, анимации, коммерческого искусства и изобразительного искусства.

Стили рисунков, картин и гравюр широко варьируются: от ярких, детализированных фантазий Танами, персонажей Аяко Исигуро (1973 г. р.), вдохновленных японским фольклором, и ярких летних пейзажей Хироси Нагаи (1947 г.р.) до мрачного реализма Юкиситы и преследующих портреты Масару Сичинохе (р.1959).

Некоторые из наиболее влиятельных стилей, представленных на выставке:

X Planet Battles, Motohiro Hayakawa, 2021 раскрашенные свитки с картинками, досовременные ксилографические гравюры и книги, а также журналы начала 20-го века.После Второй мировой войны под влиянием американских комиксов и мультфильмов современный стиль манги развился с визуальными условностями, которые сохраняются и сегодня в японских комиксах и японской анимации, или аниме . Популярный стиль манга/аниме отличается четкими линиями, выразительными диалоговыми пузырями, уникальными рамками и абстрактными фоновыми эффектами настроения. У персонажей большие глаза, маленькие рты и эмоциональные детали, такие как капли пота для беспокойства, вздувшиеся вены для гнева и жирные параллельные линии для ужаса или отвращения. На этой выставке художники, работающие в этом стиле, включают Кеничиро Мизуно, Кацуя Терада и Мотохиро Хаякава.

Хета-ума

Без названия (мистер Джордж), Терухико Юмура, 2021

плохо нарисовано по сравнению с гладким видом популярной манги . Известный как heta-uma («плохо нарисованный, но хорошо продуманный»), этот стиль был разработан и принят Терухико Юмура, Ёсиказу Эбису и Такаси Немото и подтвердил работу многих современных молодых манга и художников-графиков, чьи работы кажутся неотшлифованными, но очень эмоционально выразительными.На этой выставке, несмотря на отточенный стиль, художник Сьюзи Амаканэ воплощает дух heta-uma .

Поп-арт

Shonen Tiger 01, Keiichi Tanaami, 2008

Движение поп-арт, зародившееся в 1950-х годах в США и Великобритании, вскоре достигло Японии. Способность Энди Уорхола соединять коммерческий мир и мир изобразительного искусства вдохновила Кейичи Танами (р. 1936), чьи смелые, динамичные проекты полны фантастических фигур, популярных мотивов и могущественных персонажей.Точно так же фантастические сцены сражений Мотохиро Хаякавы (р. 1974) напоминают о психоделическом поп-арте 1960-х и 70-х годов. Глянцевые образы сильных, раскрепощенных женщин Харуми Ямагучи украшали японские рекламные кампании в 1970-х и 1980-х годах, а яркие сцены у бассейна Хироши Нагаи стали культовыми изображениями, появляясь на обложках музыкальных альбомов в 1980-х.

Фотореализм

Без названия, Маю Юкишита, 2020

Движение фотореализма зародилось в США.в 1960-х и 1970-х годах от поп-арта, в основном в ответ на абстрактный экспрессионизм и обилие фотографии. Это также вдохновило японских художников, в том числе Хадзиме Сораяму (1947 г.р.), который изобразил женщин-роботов и механических динозавров со светящимися деталями, и Йоко Кавамото (1967 г.р.), которая превращает груды мусора и карьеры в гиперреалистичные пейзажи. Совсем недавно Маю Юкишита воссоздает более мрачную реальность в своих «суперреальных» картинах.

Произведение искусства

JAPAN HOUSE Лос-Анджелес рад поделиться всеми произведениями искусства, представленными в нашей онлайн-галерее.

Посмотреть все произведения

Знакомство с художниками

 

Программы, связанные с выставкой Цветок здесь, там и повсюду, Хироки Танигути, 2020

Авторы выставки

Представлено 901 | JAPAN HOUSE Лос-Анджелес

Планирование выставки | Хиро Сугияма и Кинтаро Такахаши

Графический дизайн | Маю Ёсида (Просвещение)

Поддержка выставки предоставлена ​​| LINTEC Corporation, LINTEC SIGN SYSTEM, INC., Printec Corporation, SABIA INC., MURAYAMA INC.

Волновые формы для художников и ремесленников: бесплатное руководство по винтажному дизайну для японских волн

В Японии, островном государстве, волны — это символы, давно встречающиеся в огромном количестве произведений искусства, дизайна и ремесел со всей страны, которые один автор решил систематизировать в серии из трех книг, которые теперь доступны бесплатно в Интернете.

Множество древних образцов волн и ряби были тщательно собраны и каталогизированы черными чернилами малоизвестным художником Мори Юзаном чуть более ста лет назад, с подробным описанием различных мотивов и узоров для подражания другим творцам и мастерам

Одно только разнообразие волн в этих объемах завораживает, все они соответствуют стилю, но при этом представляют собой различные приложения в качестве границ, фона и деталей дизайна, подходящих для всех видов приложений..

Эта графика в стиле нихонга (японская живопись), обычно наносимая кистями на японскую бумагу васи, также может быть нанесена на что угодно, от бытовой керамики до предметов религиозного назначения, мечей, свитков и настенных рисунков.

 

Возможно, самым известным применением волн остается Великая волна Канагавы, классическое изображение 1800-х годов, на котором огромная волна угрожает лодкам у побережья современного города Иокогама. Хотя иногда считается, что это цунами, волна, скорее всего, будет большой волной-убийцей. Как и на многих гравюрах серии, здесь изображена местность вокруг горы Фудзи в определенных условиях, а сама гора появляется на заднем плане.

После Реставрации Мэйдзи в 1868 году Япония завершила длительный период национальной изоляции и стала открытой для импорта с Запада. В свою очередь, многое из японского искусства попало в Европу и Америку и быстро завоевало популярность. Влияние японского искусства на западную культуру стало известно как японизм.Японские ксилографии стали источником вдохновения для художников многих жанров, особенно для импрессионистов. Хокусай считался символическим японским художником, и изображения с его гравюр и книг повлияли на множество различных работ.

Японская живопись волны — легенда художников

Картина «Японская волна» — известная форма японского искусства. Он включает в себя использование плоского холста и рисование японского Ситихана, или свитка, используемого для медитации и Удан, или деревянных фигурок, используемых в ремеслах. Эта техника зародилась на Фестивале искусств в Киото в седьмом и восьмом веках. Термин «исива» (означающий «три рыбы») применяется для обозначения феномена трех волн восходящего солнца.

Многие формы этой японской волновой живописи представлены в традиционном японском искусстве, но не все. Большинство людей путают настоящую историю искусства с произведениями, созданными в период Эдо, то есть примерно с 16 по 19 века. Хотя большинство картин того периода являются преувеличениями, некоторые интересные примеры все же существуют.Эти картины служат хорошим введением в настоящую историю искусства Японии.

Хорошим примером традиционной японской волновой живописи является Хокусай. В частности, гравюра на дереве Хокусая — одна из самых известных и красивых японских работ. Это прекрасное произведение искусства началось с резьбы по дереву, основанной на местном японском мифе. Легенда гласит, что однажды синтоистская жрица отправилась к лесопилке, чтобы вернуть потерянную птицу. Жрица ошибочно полагала, что птичье перо даст ей мудрость и защитит от многих бед в будущем.

Завершив резьбу, художник перенес изображение на рисовую бумагу и сделал несколько копий. Первоначальный художник начал украшать Хокусай изнутри, аккуратно нанося символы на поверхность. Затем художник вырезал небольшие кусочки рисовой бумаги и с помощью иглы и нитки создавал мех и различные узоры на бумаге. В результате получилась замечательная работа, нарисованная от руки замечательными смелыми мазками рисовой бумаги. Хокусай представлял собой небольшую деревянную статую у входа в синтоистское святилище, и до сих пор она привлекает посетителей, которые приходят посмотреть на традиционную японскую живопись волнами.

Прогуливаясь по улицам любого города Японии, вы можете увидеть множество скульптур Хокусая, вырезанных на стенах в мельчайших деталях. Сюжет картины варьируется, но чаще всего это животное или пейзаж. Художник использовал кисть для создания оригинального дизайна, и обычно он начинал с того, что просто смотрел на картинку в газете или журнале, прежде чем закончить картину. Большинство художников начинали свою карьеру, занимаясь этим видом искусства как хобби. Сегодня большинство современных картин по истории японского искусства изготавливаются из глины.Оригинальный художник провел много часов за клавиатурой, создавая сложные узоры, характерные для картин великой волны.

Одна из самых важных вещей, которые нужно понять о формировании истории японского традиционного японского искусства, заключается в том, что большинство художников использовали фразу «хокусай» для описания своих работ, хотя на самом деле они не рисовали физическую картину. Говоря о Хокусае, вместо «статуя Хокусая» художник говорил «Японская живопись Великой волны».Это важно понимать, потому что, хотя этот термин технически определяет тип искусства, на самом деле он просто описывает то, что рисуется.

Искусство Хокусая передавалось из поколения в поколение, и лишь немногие избранные обучались этому виду искусства. Многие художники были просто фермерами в сельской местности Японии и проводили свои дни, путешествуя с места на место, собирая дрова, собирая насекомых и фотографируя различные сцены. Хотя они могли посмотреть на конкретную сцену и определить ее как «хокусай», на самом деле они брали основную форму изображения и накладывали гораздо большую версию на рамку из рисовой бумаги.Такой метод строительства дал им возможность не только детально фотографировать местные пейзажи, но и украшать стены своего жилища символическими изображениями.

Сегодня, если вы войдете в любой японский дом, вы найдете большое количество этих гравюр на дереве. Большинство из них простые картины, но есть и такие, которые имеют сложные символические элементы. Есть много примеров первых, таких как знаменитый кацусика хокусай, воздушные змеи Сансэки, мейдзи-дзи, экраны сёдзи и многие другие. С таким огромным количеством повторений в традиционном японском искусстве неудивительно, что термин «гравюра на дереве» больше не связан просто с деревянными блоками, которые использовались для такой простой формы искусства.

Пин на доске Great Wave – Японская живопись волны | Японская живопись волны

Японский художник, стоящий за легендарной Великой волной Другой – Японская живопись волны | Японская живопись волны

.