Живопись и скульптура

Будьте внимательны! У Вас есть 10 минут на прохождение теста. Система оценивания — 5 балльная. Разбалловка теста — 3,4,5 баллов, в зависимости от сложности вопроса. Порядок заданий и вариантов ответов в тесте случайный. С допущенными ошибками и верными ответами можно будет ознакомиться после прохождения теста. Удачи!

Список вопросов теста

Вопрос 1

Соотнесите автора и его произведение.

Варианты ответов

• Портрет горничных «Лизонька и Дашенька»
• Серия портретов членов семьи Шереметевых
• Портрет актрисы Шлыковой-Гранатовой
• Икона «Тайная вечеря» для Андреевской церкви в Киеве
• Портрет актёра Ф.
  Волкова
• Портрет А. Струйской
• Портрет П. Демидова

Вопрос 2

Картину «Владимир перед Рогнедой» написал именно этот русский живописец.

Варианты ответов

• А. Лосенко
• Ф. Рокотов
• В. Боровиковский
• А. Антропов
• Д. Левицкий

Вопрос 3

Этот художник написал серию портретов воспитанниц Смольного института.
 

Варианты ответов

• Д. Левицкий
• А. Лосенко
• В. Боровиковский
• А. Антропов
• Ф. Рокотов

Вопрос 4

Картину «Екатерина II на прогулке в Царском селе» написал именно этот русский живописец.

Варианты ответов

• А. Антропов
• Д. Левицкий
• Ф. Рокотов
• В. Боровиковский
• А. Лосенко

Вопрос 5

Этот русский государственный деятель и фаворит императрицы Елизаветы I Петровны является основателем Московского университета и Академии художеств в Петербурге.  

Варианты ответов

• М. Воронцов
• М. Ломоносов
• И. Шувалов
• Г. Орлов
• Г. Потёмкин

Вопрос 6

Верно ли что, «Портрет неизвестной крестьянки в русском костюме» написал крепостной художник И. Аргунов?

Варианты ответов

Вопрос 7

Напишите, фамилию скульптора, по проекту которого в Петербурге был установлен памятник, который называют «Медным всадник».

Вопрос 8

Укажите истинность либо ложность суждений.
 

Варианты ответов

• Известность Антропову принесло то, что он одним из первых в России начал писать светские портреты
• Наиболее известные работы Федота Шубина — бюсты Александра Голицына, Михаила Ломоносова, Николая Репнина, Павла I, статуя «Екатерина II — законодательница»
• Во времена Екатерины II коллекция И. Шувалова стала основой коллекции живописи Эрмитажа
• Владимир Боровиковский начинал свой творческий путь в качестве иконописца
• Основными жанрами в русской живописи XVIII века были барокко, рококо, классицизм, сентиментализм и реализм

Вопрос 9

Какие из этих русских живописцев были крепостными крестьянами или выходцами из крепостных?

Варианты ответов

• А. Лосенко
• И. Аргунов
• Ф. Рокотов
• А. Антропов
• В. Боровиковский
• Н. Аргунов

Вопрос 10

Назовите жанр живописи, в котором написана картина А. Лосенко «Прощание Гектора с Андромахой».

Варианты ответов

• Бытовой
• Натюрморт
• Исторический
• Пейзаж
• Батальный

Тест по изобразительному искусству.

Предлагаемые задания теста ориентированы на федеральные государственные образовательные стандарты по «Искусству» и проверяют знания учащихся по теоретическому материалу «Живопись».

При выполнении заданий учащимся необходимо проявить знание по художественным произведениям, умение на доступном уровне ориентироваться в жанрах изобразительного искусства; иметь представление о художественных материалах, техниках выполнения живописных работ;

Самостоятельную работу рекомендуется провести в начале урока. Время на выполнение всех заданий – 7-10 минут.

Учащимся предлагается десять заданий, максимальный балл за выполнение которых составляет 10 баллов. За каждый правильный ответ присваивается один балл.

Из предложенных ответов к заданиям выберите правильный ответ.

1.На чем изображается «Монументальная живопись»

2. Батальный жанр —

а) жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни

б) жанр изобразительного искусства , посвященный историческим событиям и деятелям, социально значимым явлениям в истории общества.

в) жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа

г) изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве.

3. Какой из этих цветов является теплым

4. К какому жанру относится картина «Утро стрелецкой казни» Василия Ивановича Сурикова

5. Материалы которые не используют в живописи

6. Какой из этих видов искусства не является изобразительным

7. Основные цвета это…

г) желтый,синий,оранжевый.

8. Какое освещение выявляет форму, объем и фактуру изображаемых объектов.

9. Какой из этих цветов не относится к ахроматической группе:

10. Отличие хроматического цвета от равного с ним по светлоте серого цвета –

2 вариант

Из предложенных ответов к заданиям выберите правильный ответ.

1. Декоративно-прикладное и монументальное искусство разных жанров, произведения которого подразумевают формирование изображения посредством компоновки, набора и закрепления на поверхности разноцветных камней, смальты, керамических плиток и других материалов.

а) витраж

б) батик

в) мозайка

г) гобелен

2. Какой цвет получается при смешивании красного и желтого цветов

а) синий

б) оранжевый

в) фиолетовый

г) зеленый

3.Жанр изобразительного искусства, посвященный событиям и героям, о которых рассказывают мифы древних народов.

а) мифологический

б) батальный

в) бытовой

г) анималистический

4. Гармоничные состояния, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине- это:

а) колорит

б) светлота

в) монохром

5. Если художник изображает только морские пейзажи, то их называют:

а) «маринами»

б)  «светланами»

в)  «еленами»

6. Какой цвет не является хроматическим:

а) красный

б) белый

в) синий

г) голубой

7.На чем изображается «Станковая живопись»

а) стены зданий

б) холст

в) потолок в храме

г) мозаика на полу

8. Какой из этих цветов является теплым

а) синий

б) зелёный

в) голубой

г) оранжевый

9. К какому жанру относится картина «Явление Христа народу» Александра Андреевича Иванова

а) мифологический

б) библейский

в) исторический

г) батальный

10. Основной цвет какого-либо предмета без учёта внешних влияний — …

а) локальный цвет

б) светлота

в) насыщенность

3 вариант

Из предложенных ответов к заданиям выберите правильный ответ.

1. Живопись по сырой штукатурке, одна из техник стенных росписей

а) графика

б) скульптура

в) фреска

г) пейзаж

2. Жанр изобразительного искусства, посвящённый повседневной, частной и общественной жизни, обычно современной художнику.

а) батальный

б) бытовой

в) мифологический

г) исторический

3.Какие темы относятся к «Библейскому жанру»

а) охотники

б) Райский сад. Адам и Ева.

в) уборка урожая

г) война

4.Какой из этих цветов является холодным

а) красный

б) коричневый

в) синий

г) жёлтый

5. Писать жизнь, писать живо, т.е. полно и убедительно передавть действительность – это:

а) живопись

б) рисунок

в) ДПИ

6. Какой из этих цветов не относится к ахроматической группе:

а) белый

б) серый

в) красный

г) черный

7. Любые цвета и оттенки, независимо от цветового тона, можно сравнить по светлоте. – это…

а) колорит

б) валёры

в) светлота

8. К какому жанру относится картина «Алёнушка» Виктора Михайловича Васнецова

а) мифологический

б) библейский

в) исторический

г) сказочный

9. Составные цвета это…

а) красный

б) синий

в) желтый

г) оранжевый.

10) Какой цвет не относится к цветам спектра:

а) красный

б) синий

в) фиолетовый

г) белый

4 вариант

Из предложенных ответов к заданиям выберите правильный ответ.

1. Вид изобразительного искусства, основным выразительным средством которого является цвет

а) графика

б) живопись

в) скульптура

г) ДПИ

2. Жанр, в котором главный герой — природа

а) натюрморт

б) пейзаж

в) портрет

г) анимализм

3. Художник, изображающий преимущественно лица людей

а) пейзажист

б) маринист

в) портретист

г) анималист

4. Какой из этих цветов не является «теплым»:

а) желтый

б) красный

в) оранжевый

г) синий

5. Гармоничное сочетание, взаимосвязь, тональное объединение различных цветов в картине называется:

а) локальным цветом

б) колоритом

в) контрастом

6. Какое освещение не выявляет форму, объем и фактуру изображаемых объектов, источник света сзади.

а) контражурное

б) фронтальное

в) боковое

7. Основной цвет предмета без учета внешних влияний – это:

а) рефлекс

б) локальный цвет

в) полутон

8. Натюрморт жанр —

а) жанр изобразительного искусства, посвященный темам войны и военной жизни

б) жанр изобразительного искусства, посвященный историческим событиям и деятелям, социально значимым явлениям в истории общества.

в) жанр изобразительного искусства, в котором основным предметом изображения является первозданная, либо в той или иной степени преображённая человеком природа

г) изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве.

9. Какой из этих видов искусства не является изобразительным

а) театр

б) архитектура

в) живопись

г) графика

10. К какому жанру относится картина «Боярыня Морозова» Василия Ивановича Сурикова

а) мифологический

б) библейский

в) исторический

г) сказочный

Какой художник написал картину: простой тест для знатоков

Если человек разбирается в искусстве, баллы его привлекательности автоматически умножаются на два. Однако разбираться в искусстве и знать, как выглядит одна-единственная картина Климта — разные вещи. Хочешь проверить, насколько ты хорош в этом? Тогда скорее приступай к нашему тесту. Всего-то нужно сказать, какой художник написал картину.

© Depositphotos

Редакция «Так Просто!» готова испытать твои силы. Если назовешь хотя бы 8 художников из 10, можешь по праву считать себя истинным ценителем. Ответы ты найдешь в конце статьи, только не подсматривай!

Какой художник написал картину

1. Начнем, пожалуй, с самого острого вопроса в искусстве: Моне или Мане?

2. Дальше вопрос попроще. Даже начинающий любитель живописи сможет ответить. Какой художник написал эту картину: Винсент Ван Гог, Пабло Пикассо или Сальвадор Дали?

3. Усложняем задачу. Кто написал этот гимн русской природе: Иван Шишкин, Виктор Васнецов или Алексей Саврасов?

4. Кто изобразил этих прекрасных юных танцовщиц? На выбор три варианта: Эдгар Дега, Уильям Тернер, Эдуард Мане.

5. Кто автор столь чувственного шторма: Николай Рерих, Иван Айвазовский, Иероним Босх?

6. Привнесем немного разнообразия. Что скажешь насчет этой картины? Варианты: Эдвард Мунк, Поль Гоген или Густав Климт.

7. Узнал этот неповторимый стиль? Варианты: Марк Шагал, Амедео Модильяни, Карл Брюллов.

8. Идем дальше. Варианты: Ян ван Эйк, Марк Шагал, Питер Брейгель.

9. Проверим, как ты разбираешься в русской живописи. Варианты ответа: Иван Крамской, Василий Суриков, Василий Тропинин.

10. Закрепим знания о русских художниках. Кто из них написал картину: Иван Шишкин, Виктор Васнецов, Исаак Левитан?

Надеемся, было не очень сложно, но интересно. Мы верим, что наши читатели хорошо разбираются в искусстве. А теперь и правильные ответы.

Правильные ответы

1. Клод Моне, «Маки» (1873)
2. Винсент Ван Гог, «Звездная ночь» (1889)
3. Алексей Саврасов, «Грачи прилетели» (1871)
4. Эдгар Дега, «Три танцовщицы» (1880)
5. Иван Айвазовский «Радуга» (1873)
6. Густав Климт, «Дама с веером» (1918)
7. Марк Шагал, «День рождения» (1915)
8. Ян ван Эйк «Чета Арнольфини» (1434)
9. Иван Крамской, «Неизвестная» (1883)
10. Исаак Левитан, «Тихая обитель» (1890)

Ответил на все вопросы правильно? Если нет, не расстраивайся, всегда можно подтянуть свои познания в живописи. К тому же тест не прошел зря. Теперь ты знаешь, что у Климта точно больше одной картины. Сколько у тебя правильных ответов?

Автор статьи

Екатерина Воронина

Главное хобби Екатерины Ходюк — литература. А еще она любит смотреть хорошее кино, наслаждаться осенью, гладить котов и слушать группу «Сплин». Увлекается японской культурой, мышлением и образом жизни японцев, мечтает побывать в этой стране. Катя стремится прожить насыщенную, полную впечатлений и путешествий жизнь. Любимая книга девушки — «Невыносимая легкость бытия» Милана Кундеры.

Илья и Эмилия Кабаковы | Тейт

Введение

Илья Кабаков Праздник #1 1987 Фонд семьи Цуканов © Илья Кабаков

Фото предоставлено художниками

Илья и Эмилия Кабаковы — одни из самых знаменитых художников своего поколения, широко известные как пионеры инсталляционного искусства.

Илья Кабаков родился в 1933 году в Днепропетровске (ныне Днепр) на Украине, ранее входившей в состав Советского Союза.Когда ему было восемь лет, он переехал в Москву с матерью. Учился в Московском художественном училище, в МХАТ им. В.И. Суриковский художественный институт.

Художники в Советском Союзе были обязаны следовать официально утвержденному стилю, соцреализму. Желая сохранить свою независимость, Илья работал иллюстратором детских книг с 1955 по 1987 год, продолжая создавать собственные картины и рисунки. Как «неофициальный художник» он работал в уединении своей московской мансардной мастерской, показывая свое искусство только узкому кругу художников и интеллигенции.

Илье не разрешалось выезжать за пределы Советского Союза до 1987 года, когда ему предложили стипендию в Graz Kunstverein, Австрия. В следующем году он посетил Нью-Йорк и возобновил контакты с Эмилией Лекач. Родилась в 1945 году. Эмилия обучалась классической пианистке в Музыкальном училище в Иркутске, изучала испанский язык и литературу в Московском университете, а затем эмигрировала в США в 1973 году. Илья и Эмилия начали свое творческое сотрудничество в конце 1980-х годов и поженились в 1992.Вместе они создали множество иммерсивных инсталляций и других концептуальных работ, обращающихся к идеям утопии, мечтам и страху, чтобы поразмышлять об универсальном состоянии человека.

Илья и Эмилия Кабаковы сотрудничают с 1989 года. Работы, созданные до этой даты, только Ильей, отмечены как таковые в соответствующих подписях.

Комната номер один

Илья Кабаков Футболист 1964 Частная коллекция © Илья Кабаков

Фото предоставлено художниками

Ранние работы Ильи исследуют возможности рисунка и живописи как концептуальных медиа.Они охватывают ряд контрастирующих стилей, от постимпрессионизма до абстракции, до включения текста и найденных объектов.

Решив не быть государственным художником, Илья работал подпольно. Поиск материалов был проблемой. Многие из его ранних картин выполнены на фанере или мазоните, типе твердого картона, который часто используется при строительстве стен и полов. Использование этих дешевых материалов подчеркивает идею, а не мастерство, и резко отличает искусство Ильи от официальных советских художников.

В ряде работ представлены вымышленные персонажи. В обществе, где от людей требовалось соответствовать идеалам советской идеологии, Илья стал брать псевдонимы и образы в своем искусстве. Скромные, забитые фигуры, которые часто появляются в творчестве Кабаковых, напоминают традиции русских писателей, таких как Гоголь, Достоевский и Чехов.

Вторая комната

Художественные эксперименты были разрешены лишь на короткое время после большевистской революции 1917 года.В 1930-х годах социалистический реализм утвердился как утвержденный художественный стиль Советского Союза. Ожидалось, что художники создадут идеализированные и подчеркнуто оптимистичные изображения пролетарской жизни. В картинах Ильи соцреализм иронически ставится под сомнение. «Мы хотели проанализировать язык советской цивилизации, банальный повседневный язык системы, — сказал он. «Мы чувствовали себя наблюдателями в своей стране, этнологами… но также были частью этой жизни».

Проверено! «1981» основан на работе ныне забытого художника 1930-х годов, раскрывающей фальшь этого визуального языка.Женщине, чьи политические пристрастия были подвергнуты сомнению, вернули партийный билет. То, что было бы жестоким и травмирующим опытом, представлено здесь как повод для празднования и радости.

Третий номер

Илья Кабаков Человек, улетевший в космос из своей квартиры 1985 Центр Жоржа Помпиду, Париж. Национальный музей современного искусства / Центр промышленного творчества. Покупка, 1990 © Илья и Эмилия Кабаковы

В 1985 году Илья создал Человек, который улетел в космос из своей квартиры в своей мастерской в ​​Москве.Это была его первая целая комната, или «тотальная» инсталляция, тщательно хореографическая постановка объектов, освещения и текста , которая погружает зрителя в произведение искусства.

Как и две другие инсталляции в этом зале, она представляет собой вымышленное повествование, происходящее в условиях коммунальной квартиры – формы домашнего проживания, появившейся во времена Советского Союза для решения проблемы нехватки жилья в городских районах. Несколько домохозяйств были вынуждены пользоваться одними и теми же удобствами для приготовления пищи и стирки, часто в стесненных условиях.Для Ильи советская коммуналка — символ того, как личность экспонируется и выставляется на обозрение окружающих. Главный герой Человек, который влетел в Пространство из своей квартиры находит способ убежать от этой гнетущей повседневной реальности.

Четвертая комната

Илья и Эмилия Кабаковы Где наше место?  Частная коллекция © Илья и Эмилия Кабаковы Фото предоставлено автором

Скульптурные инсталляции Брюки в углу 1989 г. и Я ловлю белых человечков 1990 г. Обе представляют собой крохотные фигурки, вырезанные из бумаги.По словам Ильи , эти «беленькие человечки» — жители параллельного мира, которых иногда можно увидеть человеческими глазами. Крошечные цифры — всего лишь один из примеров подрыва перспективы и масштаба, которые появляются на протяжении всей работы Кабаковых, возможно, отражая то, каким образом личности возвышаются и забываются в исторических записях.

Проблемы с масштабом и восприятием также присутствуют в моделях Ильи и Эмилии для реализованных и нереализованных инсталляций Где наше место? 2002/2017 и Вертикальная опера (Гуггенхайм) 1998/2008.Обе работы основаны на идее музея как места культурного авторитета, формирующего наше понимание истории, искусства и общества в целом.

Комната пять

Илья Кабаков Три ночи 1989 Частная коллекция © Илья Кабаков

Фото предоставлены авторами

Пределы зрительного восприятия исследуются в Three Nights 1989. Все три большие картины связаны с темой ночи, будь то звездное небо или ночное насекомое.Однако они размещены за большим экраном, что позволяет лишь частично просмотреть каждое произведение. Зрители должны смотреть в монокуляры, направленные на маленькие отверстия, через которые можно увидеть увеличенные изображения маленьких белых человечков.

Акцентируя внимание на предотвращении и разрешении различных взглядов, Илья связал эту работу с двумя несовместимыми типами знаний. Он противопоставляет информацию, которую вы можете узнать из разговоров или книг, которую можно разбить и проанализировать, и мистическим откровениям, которые «нисходят на вас», которые почти невозможно понять или передать другим.

Комната шесть

Илья и Эмилия Кабаковы. В будущее возьмут не всех «

В будущее возьмут не всех» — так называлось эссе 1983 года о русском художнике Казимире Малевиче, которое Илья опубликовал в A-YA , журнале неофициального русского искусства, который издавался в Париже. Он представляет себе Малевича как харизматичного провидца, ведущего свой народ вверх, в будущее. Потом он вспоминает свою художественную школу, где самых достойных учеников отбирали в пионерский лагерь, а остальных оставляли. Илья размышляет, что некоторые художники уйдут вперед и станут частью истории искусства, а многие другие будут забыты.

В одноименной инсталляции, сделанной Ильей и Эмилией в 2001 году, от перрона уже отходит поезд, везущий всех избранных в будущее.Выброшенные полотна напоминают всех художников, брошенных в безвестность, вне зависимости от того, впали ли они в немилость у политического режима или просто вышли из моды. Поскольку мир искусства так сосредоточен на том, чтобы идти в ногу с настоящим моментом, Кабаковы задаются вопросом: «Что будет с этими работами завтра?»

Номер семь

Илья и Эмилия Кабаковы Внешний вид коллажа # 10 2012 Частная коллекция © Илья и Эмилия Кабаковы

Фото предоставлены авторами

С начала 2000-х Кабаковы вернулись к самостоятельным выставкам картин, не всегда в составе инсталляций. Многие из этих работ исследуют темы памяти и забвения, часто связанные с распадом Советского Союза в 1991 году.

историческое прошлое, погребенное под чистой поверхностью сегодняшнего дня. В других работах сцены, напоминающие советские картины, как бы наслаиваются друг на друга, их края подобны вырванным кускам наспех собранного коллажа.Отношения между различными элементами неоднозначны, и может быть трудно сказать, какие из них представляют собой фон, а какие — передний план. В серии «Два раза » образы, напоминающие о живописи XVII века, соединяются с отблесками повседневной советской жизни, как будто история искусства переплетается с ранними воспоминаниями Кабаковых.

Комната восемь

«Когда я думаю о том мире, в котором прошла жизнь моей матери, — говорил Илья, — то возникает в моем воображении длинный и полутемный коридор, извилистый, как лабиринт, где за каждым новым поворотом, за каждым поворотом , вдалеке не мерцает светлый выход, а все тот же грязный пол, те же серые, пыльные, плохо выкрашенные стены, освещенные слабыми, 40-ваттными лампочками. ’

Лабиринт (Мамин альбом) 1990 — одна из немногих прямо автобиографических инсталляций Ильи. Напоминающие декор коммуналки стены увешаны фотографиями дяди Ильи и мемуарами его матери, Берты Юрьевны Солодухиной. В тексте рассказывается о ее борьбе за выживание и воспитание сына в советское время. Коридоры изгибаются двойной спиралью, сначала ведущей к центру, а затем снова закручивающейся. Когда посетитель подходит к центру, можно услышать аудиозапись самого Ильи, поющего романтические песни, полузабытые из его детства.

Номер девять

Альбомы Ильи « Десять персонажей» представляли собой серию повествовательных рисунков, сделанных в 1970–1974 годах. Каждый альбом вращается вокруг жизни воображаемой фигуры, включая комментарии их друзей и случайных наблюдателей. Персонажи, как правило, изолированные и одинокие художники, а их фантастические истории воплощают разные стратегии выживания в условиях тоталитарного режима.

Эти произведения сочетают в себе искусство и литературу, качество, которое подчеркивается их физическим присутствием в виде альбомов, страницы которых перелистываются, как страницы книги. Небольшой масштаб отражает обстоятельства их производства. Они были сделаны тайно в стенах московской студии, где их можно было показать небольшим группам доверенных друзей.

Десятая комната

Илья и Эмилия Кабаковы Как встретить ангела 1998 Частная коллекция © Илья и Эмилия Кабаковы

Фото предоставлены авторами

Тема полета появляется на протяжении всего творчества Кабаковых.От одиноких мух на ранних картинах Ильи оно ассоциировалось с возможностью побега — то ли от гнета Советского Союза, то ли вообще от суровой реальности жизни.

На протяжении двадцати лет работы в этом зале посвящены фигуре ангела, непреходящему символу, появлявшемуся на протяжении всей истории искусства. Для Кабаковых ангел — существо без гражданства, свободное от земных и бюрократических ограничений.

После отъезда Ильи из Советского Союза Кабаковы теперь живут в штате Нью-Йорк и продолжают вести активную деятельность, разрабатывая новые проекты для выставок по всему миру. «Наша жизнь состоит из нашей работы, мечтаний и дискуссий», — сказала Эмилия Кабакова. «Нам повезло: нам удается превращать реальность в фантазию и оставаться в ней навсегда».

Метод термографической визуализации в арт-анализе

4.8.1. Философия РСТ

Для целей РСТ данные могут собираться несколькими способами. Простейшим подходом, вероятно, будет сбор данных, как это обычно делается в экспериментах PT. Это ускоряет сбор данных и организацию их в виде трехмерного массива.

Собранные данные можно рассматривать как набор переменных, где каждая переменная задана, например, кривой спада температуры для каждой точки контролируемой поверхности. Каждая из этих переменных рассматривается как точка в N _t -мерном пространстве, где N _t — количество значений на каждой кривой спада температуры, равное количеству снимков, сделанных тепловизором (рис. 4.7).

Рис. 4.7.

Рис. 4.7. Кривая спада температуры со значениями N _t может рассматриваться как точка в N _t -мерном пространстве. После представления всех кривых температурного спада в виде точек в N _t -мерном пространстве вполне логично ожидать, что подобные T -кривые спада образуют точки, расположенные близко друг к другу. Например, все точки поверхности полубесконечного недефектного образца продемонстрировали бы очень похожий T -распад, выраженный формулой (4.4). В присутствии цифрового шума кривые T -распада будут незначительно отличаться друг от друга и при представлении в виде точек в N -мерном пространстве образуют плотный кластер точек.Можно ожидать, что точки поверхности образца с кривыми распада T , существенно отличающимися от точек недефектных участков, будут образовывать кластеры, отдельные от кластера недефектных точек. Точно так же исходный набор трехмерных данных можно рассматривать как набор N _t переменных в N _x N _y -мерном пространстве. Это предполагало бы анализ данных с точки зрения характерного распределения температуры на поверхности образца.

Такое N _t -мерное представление T -кривых распада для каждой из точек поверхности образца дает ряд кластеров в N _t -мерном пространстве. Дифференциация этих кластеров позволяет различать дефектные и недефектные области исследуемого образца. Процедура такого дифференцирования и представления в виде изображения лежит в основе метода ПКТ.

4.8.2. Математика, стоящая за ПКТ

Процедура ПКТ выполняется на наборе необработанных термографических данных, собранных с образца в виде трехмерного массива размером N _x × N _y × N _t , где N _x и N _y — размеры одного термографического снимка в пикселях, а N _t — количество собранных снимков.

3D-массив данных сначала преобразуется в 2D-массив размерами N _x × N _y × N _t таким образом, чтобы каждая строка новой матрицы соответствовала изменение во времени температуры одной конкретной точки образца. Каждый из этих векторов N _x N _y имеет размерность N _t . После преобразования матрицы данных данные должны быть детрендированы по осям координат. На практике это делается путем вычитания среднего столбца из всех столбцов новой матрицы.

Метод главных компонент требует нахождения такого базиса, в котором исходный набор данных представляется наиболее эффективным образом. Наилучшим выбором для этого является базис, в котором данные не коррелированы между осями.Другими словами, это потребовало бы, чтобы ковариационная матрица исходного набора данных была диагональной в новом базисе. При нахождении такого базиса нам пришлось бы решить задачу на собственные значения для ковариационной матрицы, R        

(4.9)

. N _t -мерные векторы, каждый из которых соответствует некоторому характерному поведению температуры во времени и по этой причине может быть назван временными составляющими.В качестве альтернативы исследование пространственных составляющих возможно путем обработки исходных данных, преобразованных в матрицу N _t × N _x × N _y (каждая из пространственных компонент будет отражать некоторые общие распределения температур по поверхности образца).

Как можно показать        

(4.10)

где член определяет ковариационную матрицу для собственного вектора V _i .Диагональные элементы этой матрицы представляют собой дисперсии отдельных векторов V _i . По величине λ _i можно сказать, что i -й член (4.10) составляет часть общей дисперсии исходных данных [111, 112]. Для термографических данных обычно наибольшая дисперсия определяется несколькими первыми основными компонентами (ПК). Извлечение ПК может быть выполнено двумя способами: исходный набор данных может рассматриваться как число N _x N _Y Векторы с длительностью равны N _T (для временных компонентов), или как набор N _T векторы с длины равны N _x N _y (для пространственных составляющих).Первый вариант вообще требует меньше вычислительной мощности, потому что матрица

4 V будет иметь размеры N _T × N _T в этом случае против N _x N _y × N _x N _y во втором варианте [113]. Распространенным способом нахождения главных компонент исходных данных является выполнение сингулярного разложения на наборе данных        

(4.11)

, где матрица V содержит главные компоненты, а S представляет собой диагональную матрицу с элементами (называемые «сингулярными значениями»). Квадраты сингулярных значений определяют изменчивость данных и, таким образом, могут использоваться для сортировки ПК по их важности. Кроме того, имеется возможность использования векторов U и V в качестве пространственной и временной составляющих [114].

Среди найденных главных компонент первая (соответствующая наибольшему λ _i ) определяет максимальную дисперсию исходных данных.Это означает, что первый ПК является «самой распространенной» тенденцией. Если исходными данными является набор пространственных компонент, то технически первый ПК является изображением, показывающим наиболее распространенное распределение температуры по поверхности. В частности, для первого пространственного ПК характерно отражение неравномерности нагрева. Более высокие ПК отражают отклонения от этого общего распределения, а остальные ПК описывают цифровые и температурные шумы.

Во временных компонентах первая ПК представляет тренд эволюции температуры, наиболее общий для всех точек анализируемой выборки.Более высокие ПК будут отражать отклонения от этой основной тенденции, и, опять же, самые высокие ПК будут соответствовать некоррелированному шуму. В то время как пространственные ПК могут использоваться сами по себе, временные ПК могут использоваться для построения изображений путем проецирования исходных наборов данных на те или иные рассчитанные временные ПК. Можно построить изображение, сформированное проекцией исходного набора данных на некоторый ПК, как t ) и V _i это i -й ПК.Сформированное таким образом изображение определяло бы корреляцию между конкретным временным ПК и реальной кривой эволюции температуры, собранной для каждой из точек выборки.

Метод, предложенный Rajic [114], демонстрирует возможность оценки глубины дефектов на основе анализа временных ПК с использованием пространственных ПК для визуализации дефектов. В отличие от TSR, LT и PPT, этот метод не основан на физической модели, и трудно найти физический смысл базиса ПК [111].Метод скорее следует рассматривать как статистическую обработку термографических данных.

Карточки для выпускного экзамена по истории искусства

Стол овальной формы с настоящей веревкой вокруг него. Репродукция обивки стула — отпечаток восковой ткани. «JOU» (сокращение от Journale — газета) конец трубы, проходящей через букву U. Стол в кафе и газета сложены на стуле. Призыв к миру богемного художника, где художники работали во Франции. Калейдоскоп объектов, окружающих художника

Начиная с 1908 года и продолжаясь в течение первых нескольких месяцев 1912 года, Брак и Пикассо совместно изобретают первую фазу кубизма.Поскольку в нем преобладает анализ формы, этот первый этап обычно называют аналитическим кубизмом. Но затем летом 1912 года Брак уезжает из Парижа, чтобы провести отпуск в Провансе. Во время своего пребывания там он забредает в хозяйственный магазин и находит там рулон клеенки. Клеенка — это ранняя версия контактной бумаги, винилового клея, используемого для покрытия полок или ящиков в шкафу. Тогда, как и сейчас, эти материалы поставлялись с различными предварительно напечатанными рисунками.

Брак купил промасленную ткань с тиснением под дерево.Этот конкретный узор привлек его внимание, потому что он работал над кубистическим рисунком гитары и собирался изобразить текстуру дерева карандашом. Вместо этого он разрезал клеенку и вклеил прямо в свой рисунок кусочек фабрично отпечатанного зернистого узора. Этим коллажем Брак изменил направление искусства на следующие девяносто лет.

Коллаж

Как и следовало ожидать, Пикассо не отставал от Брака. Пикассо сразу же начинает создавать коллажи из клеенки и добавляет в смесь другие элементы (но помните, что на самом деле коллаж ввел Брак — он никогда не получает должного признания). Так в чем же дело? Клеенка, коллаж, узоры под дерево — какое это имеет отношение к искусству и кубизму? Один из ключей к пониманию важности кубизма, Пикассо и Брака — рассмотреть их действия и то, насколько необычными они были для того времени. Когда Брак, а затем и Пикассо поместили объекты промышленного производства («низкая» коммерческая культура) в область изобразительного искусства («высокая» культура), они выступили как художественные иконоборцы (icon=image/clast=destroyer).

Более того, они поставили под сомнение элитарность мира искусства, который всегда диктовал отделение обыденного, повседневного опыта от утонченной, созерцательной сферы художественного творчества.Что не менее важно, их работа подчеркнула и отделила роль технических навыков от искусства. Брак и Пикассо намеренно ввели «фальшивый» элемент, не для того, чтобы ввести в заблуждение или обмануть свою аудиторию, а, скорее, для того, чтобы вызвать обсуждение искусства и ремесла, высокого и низкого, уникальных и массовых предметов. Они спрашивают: «Может ли этот объект по-прежнему быть искусством, если я на самом деле сам не создаю его формы, если качество искусства больше не связано напрямую с моими техническими навыками или уровнем мастерства?»

Пабло Пикассо, Натюрморт со стулом, 1912, масло на клеенке поверх холста, окаймленного веревкой, 29 x 37 см (Музей Пикассо)
Пабло Пикассо, Натюрморт со стулом, 1912, масло на клеенке холст, окаймленный веревкой, 29 x 37 см (Музей Пикассо)

Натюрморт со стулом Канинг

Практически все авангардное искусство второй половины ХХ века обязано этому смелому отречению.Но это не делает этот вид кубизма, который часто называют синтетическим кубизмом (сложение воедино или синтез формы), легче интерпретировать. На первый взгляд, «Натюрморт Пикассо со стулом Канингом» 1912 года может показаться мешаниной форм вместо четкой картины. Но мы можем понять образ — и ему подобные — разбив кубистский изобразительный язык на части. Начнем справа вверху: почти у края холста (на двух часах) находится рукоять ножа. Следуйте по нему налево, чтобы найти лезвие.Нож режет кусок цитрусовых. Вы можете разглядеть кожуру и сегменты среза в правом нижнем углу лезвия.

Под фруктом, который, вероятно, является лимоном, находится белый зубчатый край салфетки. Слева от этих вещей и вертикально вверху в центре полотна (на двенадцати часах) стоит рюмка. Сначала это трудно увидеть, так что смотрите внимательно. Прямо у верхнего края стула находится основание стакана, над ним ножка (толще, чем вы могли бы ожидать), а затем чаша стакана.Трудно найти формы, которые вы ожидаете, потому что Пикассо изображает стекло более чем с одного ракурса. В одиннадцать часов находится знаменитое «JOU», что по-французски означает «игра», а также первые три буквы французского слова «газета» (или, более буквально, «ежедневно»; журнал = ежедневно). На самом деле, вы можете довольно четко разглядеть большую часть сложенной бумаги. Пусть вас не смущает трубка, которая лежит поперек газеты. Видишь его стебель и чашу?

Глядя вниз и глядя сквозь

Но остаются большие вопросы: почему кресло плетется, что за серая диагональ внизу стекла и зачем веревочный каркас? (Представьте себе иллюминатор корабля. Ссылка на иллюминатор — важная подсказка.) Кроме того, почему буквы не лучше сидят на газете? Наконец, почему холст овальной формы? Уже установлено, что этот натюрморт состоит из нарезанного лимона, стакана, газеты и трубки. Возможно, это завтрак с прессом из цитрона (французский лимонад). В любом случае, эти предметы расположены на стеклянной столешнице. Вы можете увидеть отражение стекла. Фактически, стекло позволяет нам заглянуть под поверхность стола, и именно так мы видим стул, который представляет собой сиденье, спрятанное под столом.

Пока все хорошо. Но почему стол эллиптической формы? Кажется, это стол для кафе, круглый или квадратный, но никогда не овальный. Тем не менее, когда мы смотрим на круглый стол, мы никогда не видим его сверху. Вместо этого мы видим его под углом, и он кажется эллиптическим по форме, когда мы подходим к столу, чтобы сесть. А как же веревка, которая не производилась серийно и не была сделана Пикассо, а была сделана специально для этой картины? Мы можем рассматривать его как бампер стола, как он использовался в некоторых кафе, или как обрамление корабельного иллюминатора, через которое мы можем смотреть «сквозь», чтобы увидеть изображенные объекты. Одновременная горизонтальная и вертикальная ориентация веревки позволяет зрителю (нам) читать изображение двумя способами — смотреть вниз и смотреть сквозь/поперек. Проще говоря, Пикассо хочет, чтобы мы помнили, что картина отличается от того, что она представляет. Или, как сказала Гертруда Стайн: «Роза есть роза, есть роза».

Наталья Гончарова и Михаил Ларионов — Smarthistory

Наталья Гончарова, Садоводство , 1908 год, холст, масло, 102,9 х 123.2 см (Галерея Тейт)

Картина Натальи Гончаровой « Садоводство » — пример противоречий русского модернизма начала ХХ века. Он одновременно смотрит наружу и внутрь, вперед и назад — наружу и вперед, чтобы задействовать некоторые из самых радикальных тенденций европейского современного искусства, и внутрь и назад, чтобы размышлять о традиционных русских сюжетах и ​​темах.

С нетерпением жду

С точки зрения стиля, Gardening агрессивно современен.С его плоскими цветами и декоративными узорами, созданными цветами и отдаленными домами, картина отражает нарочито упрощенный стиль, первоначально разработанный постимпрессионистами в конце девятнадцатого века. В то же время грубо переданные формы фигур и пространственные дислокации наводят на мысль о современных живописных приемах, связанных с фовизмом и немецким экспрессионизмом.

В течение первого десятилетия ХХ века Гончарова и другие русские художники много работали над освоением новых стилей и установок современного европейского искусства.Они смогли увидеть многие образцы современного искусства на передвижных выставках и репродукции в книгах и журналах. Обширные коллекции Ивана Морозова и Сергея Щукина в Москве также предоставили русским художникам возможность увидеть многие работы выдающихся европейских модернистов.

Наталья Гончарова, Крестьяне, собирающие яблоки , 1911, холст, масло, 104,5 х 98 см (ГТГ).

Гончарова была удивительно плодовитой и эклектичной художницей, написавшей огромное количество работ, демонстрирующих ее погружение в современные европейские стили и техники. Крестьяне, собирающие яблоки , созданная через несколько лет после Садоводство , изображает аналогичный сюжет, но формы картины более плоские и упрощенные, теперь отражающие усвоение Гончаровой формальных новшеств раннего кубизма. Это особенно заметно в одновременном профиле и анфас лиц крестьян и в жестких, угловатых гранях их тел.

Крестьянская жизнь и русский национализм

Субъекты Гончаровой противоречили ее агрессивному интернациональному и прогрессивному стилю.Крестьянский труд был популярной темой для многих современных русских художников в период с 1910 по 1913 год, особенно для тех, кто был связан с неопримитивизмом, среди которых были Гончарова и ее партнер Михаил Ларионов, а также Казимир Малевич и Александр Шевченко. Хотя они были глубоко вовлечены в развитие европейского искусства, русские модернисты также были привержены явно русским темам и предметам, и крестьяне были для них особенно важной темой.

Вера в специфически русскую идентичность имела глубокие исторические корни в русской культуре, которая с XVIII века определилась в амбивалентном отношении к западноевропейской культуре.Русские модернисты сохраняли эту давнюю амбивалентность. Они восприняли многие идеи и формальные новшества европейского модернизма, но настаивали на их интерпретации и развитии в чисто русском ключе.

Крестьяне, веками работавшие на земле, считались олицетворением русской национальной идентичности и души. Чтобы утвердить свое отличие от Европы, русские интеллектуалы описывали русских крестьян и саму землю как восточную, азиатскую или восточную.Русских крестьян часто изображали настоящими первобытными людьми, не испорченными европейской цивилизацией. По иронии судьбы, изображая первобытного русского крестьянина, русские современные художники следовали европейским прецедентам, наиболее известным из которых был Поль Гоген, который восхищался и рисовал первобытный образ жизни французских крестьян в Бретани до того, как перебрался на острова Тихого океана.

Приобщаясь к русским народным традициям

Русские художники-неопримитивисты не только изображали русских крестьян, они также часто моделировали свои стили на основе традиционного русского народного искусства, особенно популярных лубков на дереве, а также вывесок магазинов, вышивки, игрушек ручной работы и религиозных икон. В картинах Михаила Ларионова представлены разнообразные стили, связанные с традиционным народным творчеством.

Михаил Ларионов, Весна , 1912, холст, масло, 1912. (ГТГ)

В Весна , вместо того, чтобы изображать крестьян, выполняющих сезонные работы, Ларионов использовал формы народного искусства для создания причудливых панно ярко-желтого, красного, золотого и белого цветов, которые представляют сезон плодородия и нового роста посредством символических изображений и текста. Птица и летающие амуры несут цветущие ветки улыбающейся обнаженной женщине, фигурка держит лопату у основания одного цветущего дерева, а по бокам другого цветущего дерева гусеница и бабочка.Стиль очень декоративный и абстрагированный в стиле традиционной народной вышивки и расписных рисунков мебели.

Михаил Ларионов, Солдат на коне , гр. 1911 г., холст, масло, 87 х 99,1 см (Галерея Тейт)

Детское творчество

Ларионов также использовал стили, связанные с детским искусством и граффити, которые считались современными проявлениями примитивного художественного выражения. С его ограниченной палитрой ярких основных цветов и плоскими упрощенными формами его «Солдат на лошади » напоминает грубую роспись вывесок и детское искусство.

Хотя в ней отсутствуют изощренные приемы натуралистического изображения, сюжет отчетливо читается, а картина эффективно передает волнение вставшей на дыбы лошади и гордость стоящего солдата, националистического сюжета. Чтобы подчеркнуть свою связь с популярным русским искусством, художники-неопримитивисты включили работы детей и художников-вывесок наряду со своими картинами в выставку Target 1913 года в Москве.

Наталья Гончарова, Бог плодородия , 1909-10, холст, масло (ГТГ)

Древние скифские корни России

Доисторическое прошлое России также было предметом некоторых неопримитивистских картин.На картине Гончаровой « Бог плодородия » изображен тип каменной погребальной скульптуры, предположительно созданной древними скифами (кочевыми племенами, кочевавшими по Сибири в первом тысячелетии до нашей эры). Эти загадочные резные камни до сих пор остаются объектами народных суеверий и ритуалов. Скифские мифы и доисторические языческие ритуалы были популярными темами и для авангардной русской музыки и танца конца девятнадцатого и начала двадцатого веков. Самый известный пример — «Весна священная » Игоря Стравинского, примитивные ритмы, диссонансы и антиклассическая хореография которой вызвали скандал при первом исполнении в Париже в 1913 году.

В Бог плодородия Гончарова снова соединяет первобытный сюжет с современным художественным стилем, используя кубистскую технику огранки для создания ненатуралистического, бездонного пространства, в котором плавают различные символические объекты, связанные с плодородием. К ним относятся цветок и лошадь, причем последняя указывает на важность лошадей в скифской культуре. Абстрактные геометрические формы описывают основные формы древней скульптуры, а также предполагают, что она существует в пространстве за пределами преходящего материального мира.

Пропаганда русского модернистского примитивизма

Неопримитивизм был важной тенденцией в раннем русском современном искусстве, пионерами которого в значительной степени были Гончарова и Ларионов. Помимо создания собственных произведений современного искусства, они были организаторами выставочной группы «Бубновый валет», организовавшей серию выставок современного европейского и русского искусства в Москве в период с 1910 по 1917 год. Художники-кубисты Альберт Глез и Анри Ле Фоконье наряду с русскими художниками, работающими в Мюнхене, такими как Василий Кандинский и Алексей фон Явленский, а также русскими художниками, работающими в Москве.

Однако в 1912 году Гончарова и Ларионов ушли из группы «Бубновый валет», потому что почувствовали, что она стала слишком европейской по своей направленности. Они организовали выставку «Ослиный хвост», посвященную исключительно русскому современному искусству и во многом ориентированную на неопримитивизм. Тем не менее произведения искусства оставались смесью современных и примитивных, европейских и русских влияний. В том же году Александр Шевченко в эссе «Неопримитивизм» признал это фундаментальное противоречие, определив русское современное искусство как гибридную форму, ассимилировавшую французскую авангардную живопись и соединившую ее с традиционными декоративными формами русского народного искусства и иконы.

---

 

Дополнительные ресурсы:

Подробнее о Наталье Гончаровой

Подробнее о скифах

Что делать, если вы думаете, что нашли шедевр на чердаке

Вот он — между сундуком с письмами вашей прапрабабушки и коробкой безвкусных рождественских украшений — вы видите его. Картина, спрятанная глубоко в темном углу чердака. Вы вспоминаете французскую семью, которая, исследуя свою прохудившуюся крышу, наткнулась на то, что некоторые эксперты объявили давно потерянной стоимостью в 136 миллионов долларов.Это все? Вы наконец нашли свой шедевр?

Не надейся. «Девяносто девять процентов запросов, которые мы получаем, может быть, даже 99,9 процента, являются мусором или репродукциями», — сказала Дебра Форс, нью-йоркский арт-дилер и постоянный оценщик на PBS Antiques Roadshow . Ниже приведены пять шагов, основанных на советах экспертов, чтобы определить, входите ли вы в эти счастливые 0,1 процента.

1. Просмотрите рисунок.

После многих лет работы в Sotheby’s Дебора Спаниерман, оценщик и президент DGS Fine Art Consultants, Inc., сказала, что у нее появилось «второе чувство» в отношении аутентичных работ. Тем не менее, для тех из нас, у кого нет обширного историко-художественного образования, есть несколько признаков, которые могут указать, является ли ваша работа настоящей сделкой. Force предлагает сначала определить среду; в некоторых случаях это может быть указано на этикетке, прикрепленной к произведению. Если нет, то есть несколько практических правил, которым вы можете следовать. Например, если это картина маслом, кисть должна оставить некоторую видимую текстуру поверхности. Если он установлен за стеклом, есть большая вероятность, что это репродукция картины, а не сама картина.И, конечно же, проверьте наличие подписи или монограммы. «Иногда картина действительно грязная, и с первого взгляда этого не скажешь», — отметил Форс. «Но если вы подсветите его фонариком и используете увеличительное стекло, вы обычно можете определить, подписано что-то или нет».

2. Определите исполнителя.
Итак, это похоже на файл . Или, может быть, а. Или — ладно, хорошо, ты понятия не имеешь, кто это. Ваш первый шаг — найти знающего консультанта, который может помочь в идентификации художника.Один из вариантов — Antiques Roadshow , где оценщики выскажут свое мнение о происхождении вашей работы. Потенциальные недостатки включают в себя ограниченное расписание шоу — в некоторых городах оно снимается только летом — и длительное время ожидания. «Особенно за столом изобразительного искусства люди часто выстраиваются в очередь с пяти утра», — сказал Спаниерман. «Мы работаем до семи или восьми вечера, чтобы увидеть каждого гостя, и у нас не так много времени на каждого из них». Кроме того, вы можете обратиться в местную галерею или к дилеру или поискать оценщика в Интернете (на веб-сайте Antiques Roadshow указана контактная информация тех, кто участвовал в выставке). Аукционный дом — еще один ресурс. Если у вас есть представление о стиле работы (? ?) или регионе (европейский? азиатский?), отправьте изображение и сопроводительные данные по электронной почте в соответствующий аукционный отдел. Если вы не уверены, во многих аукционных домах также есть универсалы, которые могут направить ваши вопросы соответствующему специалисту. Форс, который занимал пост старшего вице-президента и главы отдела американской живописи в Christie’s в Нью-Йорке, рекомендует обращаться в крупные аукционные дома, такие как Sotheby’s или Christie’s, если вы считаете, что у вас действительно есть шедевр.«Особенно, если мы имеем дело с европейским или азиатским искусством, вам нужна фирма, имеющая международное представительство», — сказала она. «Часто, если вы идете в местный аукционный дом, хотя они очень хорошие, у них нет необходимого опыта».

Наконец, вы можете обратиться к куратору местного музея. На самом деле Форс рекомендует этот путь — «они могут быть наиболее объективными», — сказала она, — но это осуществимо только в том случае, если вы знаете о своей картине достаточно, чтобы выбрать куратора с опытом в соответствующей области истории искусства.

3. Ознакомьтесь с резюмированным каталогом.

Итак, у вас есть имя — либо через осведомленный источник, либо благодаря вашему собственному расследованию. Теперь пора заняться книгами. Резюме-каталог — это издание, в котором собраны все известные работы художника и которое служит «ресурсом, к которому в первую очередь обращаются большинство дилеров, аукционных домов и покупателей», — сказала Кэти Роджерс, президент Ассоциации исследователей каталога-резоне. «Если работы там нет, это поднимает красный флаг.Эти тома можно найти в художественной библиотеке, хотя в последние годы эти проекты стали мигрировать и в онлайн.

Используя каталог в качестве справочного материала, проверьте, есть ли совпадение с вашей работой. Даже если это не изображено, не бросайте полотенце. Роджерс, который также возглавляет проект каталога-резоне, сказал, что некоторые работы в творчестве Мазервелла известны только по письменным документам с выставок галереи. В любом случае желательно, чтобы в процессе вас сопровождал специалист. «Для новичка, пытающегося искать в каталогах резоне, есть много нюансов», — сказал Форс. «Действительно полезно иметь кого-то с собой, а не просто делать это в одиночку».

4. Найдите специалиста.

Команда, составившая резюмированный каталог, может стать хорошей отправной точкой. Вы также можете поискать имена в Интернете, хотя Форс отмечает, что гораздо проще связаться с экспертом, если вы работаете с музеем, аукционным домом или галереей. Аутентификация тоже не из дешевых — независимые эксперты (как правило, ученые, хотя иногда и члены семьи) обычно берут плату за свои услуги.Форс сказал, что минимальная плата колеблется в районе 500 долларов и может быть намного выше в зависимости от художника и потенциальной ценности работы. Некоторые эксперты, такие как ученый Уистлера Найджел Торп из Шотландии, оценивают пропорционально в зависимости от среды. С другой стороны, эксперты, прикрепленные к учреждениям, не взимают плату.

Проекты-резоне каталога, такие как проект для Мазервелла в Фонде Дедала, иногда имеют комитет по проверке подлинности, хотя, по словам Роджерса, это становится все менее распространенным явлением. Судебные процессы, выдвинутые недовольными коллекционерами, выбили несколько комитетов, в первую очередь комитет .Если это относится к вашему художнику, подумайте о том, чтобы обратиться в Международный фонд художественных исследований (IFAR). Этот независимый комитет экспертов готов давать заключения по широкому кругу работ (совсем недавно они оценивали фальшивые работы, связанные со скандалом с Кнедлером).

5. Подготовьтесь к моменту истины.

Если вы связались с соответствующим экспертом и он проявил интерес к произведению, вам, вероятно, потребуется отправить ему работу, чтобы ее можно было оценить лично.В случае с Dedalus Foundation люди должны заполнить контракт, в котором говорится, что они являются владельцами работы и что решение фонда является мнением, которое может быть изменено. Комитет по обоснованию каталога собирается два раза в год, и присланные работы возвращаются с одним из трех писем, в которых говорится, что а) работа будет включена в резолюционный каталог Мазервелла, б) нет или в) комитет не уверен В настоящее время.

Если ваша работа была отправлена ​​независимому эксперту, особенно в Европе, Force сообщает, что они часто предоставляют сертификаты подлинности или присваивают работе идентификационный номер.«Некоторые эксперты очень точны и очень официальны», — сказала она. «Кто-то может написать общее письмо. Некоторые просто делают словесно. Но вообще говоря, если вы им платите, они дают вам доказательство того, что это достойная работа».

Что дальше? «Если окажется, что ваша работа действительно подлинная, а не подделка, подделка или просто принятие желаемого за действительное, то пришло время найти подходящий рынок для вашего произведения искусства», — сказал Спаниерман. Что будет с вашим шедевром после этого, зависит только от вас.

И, возможно, вам стоит проверить и подвал.

Художественное направление: Супрематизм — Журнал Artland

Супрематизм — направление абстрактного искусства, зародившееся в России во время Первой мировой войны. Интересуясь чистой абстракцией, супрематисты искали «нулевую степень» живописи, точку, за которую медиум не мог бы выйти, не переставая быть искусством. Для достижения этой цели использовались простые мотивы, которые лучше всего выражали форму и плоскую поверхность холста. Квадрат, круг и крест стали любимыми мотивами группы.Для художников-супрематистов наглядные явления предметного мира сами по себе были бессмысленны; вместо этого важным было чувство . Слово «супрематизм» было придумано для описания движения, которое должно было привести к господству чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве.

Ключевой период: 1913-1920-е
Ключевые регионы: Советский Союз
Ключевые слова: чистая абстракция, геометрические формы, чистое чувство и восприятие, мистика
Ключевые художники: Казимир Малевич, Ксения Ксения Богуславская, Иваны Богуславская, Михаил Меньков, Иван Пуни, Ольга Розанова , Эль Лисицкий

В период Первой мировой войны Россия была центром передового авангардного искусства.Конструктивизм зарекомендовал себя как влиятельное авангардное художественное течение, а Наталья Гончарова и ее партнер Михаил Ларионов приступили к собственным экспериментам в искусстве под названием «Всеобщее». В то же время Казимир Малевич работал над одними из самых радикальных разработок в абстрактном искусстве своего времени и развивал супрематизм.

Первые произведения, связанные с супрематизмом, он создал в 1913 году, работая над эскизами фона и костюмов для футуристической оперы Победа над солнцем .В то время Малевич все еще находился под сильным влиянием кубофутуризма, и супрематизм в некотором роде является логическим продолжением озабоченности футуризма движением и уменьшенными формами кубизма и множественными перспективами.

В поисках «господства чистого чувства или восприятия в изобразительном искусстве» Малевич находился под сильным влиянием поэтов-авангардистов и был заинтересован в том, чтобы идти против правил языка и разума. Он считал, что между словами, знаками и объектами, которые они обозначают, существуют лишь тонкие связи.Это вдохновило его увидеть возможности совершенно абстрактного искусства и побудило его искать самые насущные основы искусства.

В 1915 году к Малевичу присоединились русские художники Ксения Богуславская, Иван Клюн, Михаил Меньков, Иван Пуни и Ольга Розанова. Вместе они образовали группу супрематистов. Они представили свои новые работы на «Последней футуристической выставке живописи 0.10 » (1915-16), на которой они представили произведения с множеством геометрических фигур, подвешенных над фоном, который был либо белым, либо светлым.Эти композиции обладали особым чувством глубины благодаря разнообразию изображенных форм, размеров и углов. Таким образом, казалось, что квадраты, круги и прямоугольники движутся в пространстве. Параллельно с выставкой Малевич опубликовал манифест « От кубизма и футуризма к супрематизму в искусстве ». В нем он утверждал, что преодолел границы реальности и перешел в новое сознание.

Мы не можем прославлять революционное русское искусство – это жестокая пропаганда | Арт

Это был странный момент.Я впервые посетил нью-йоркский Музей современного искусства, наслаждаясь творчеством Дюшана и Бранкузи, Сезанна и Швиттерса. Затем я наткнулся на комнату, которая напоминала благочестивую святыню, белый реликварий с моделями недостроенной архитектуры, плакатами несостоявшейся утопии. Это была дань уважения МоМА искусству русской революции. Почему это казалось таким странным? Потому что здесь мы были на Западной 53-й улице, в самом сердце капиталистического Манхэттена.

Мне показалось, что этот музей, столь далекий от всего, что символизировала русская революция, аполитично прославляет ее искусство, как будто конструктивизм и супрематизм были всего лишь крутыми эстетическими открытиями, а не утопическими проектами эпохи борьбы и насилия.

Большие галереи лондонского Берлингтон-Хауса кажутся столь же неуместным местом для таких реликвий, но именно там Татлин, Эль Лисицкий и другие будут прославлены в блокбастере Королевской академии «Революция: русское искусство 1917–1932». Название этой выставки, отмечающей столетие 1917 года, соответствует коммерческому яремному венчуру: каждый молодой идеалист в стране будет требовать билет.

Черный квадрат Малевича (1915). Фотография: Foxtrot Films

Если бы Королевская Академия хотела быть честной, они могли бы назвать это как-то по-другому: «Черный квадрат: русская трагедия 1917-1932».То, как мы бойко восхищаемся русским искусством эпохи Ленина, сантиментирует одну из самых кровожадных глав в истории человечества. Если бы Королевская академия устроила огромную выставку произведений искусства из гитлеровской Германии, это вызвало бы справедливый протест. И все же искусство русской революции так же погрязло в массовых убийствах 20-го века.

Большевистская партия пришла к власти в октябре 1917 года в результате переворота, заменившего предыдущую демократическую революцию тоталитарной. С самого начала и по мере того, как они вели жестокую гражданскую войну против своих противников, ленинские большевики использовали пытки, слежку и казни для построения однопартийного государства.Сельское общество было разрушено большевистской кампанией против « кулаков », то есть так называемых капиталистических крестьян, — войной с нереальным социальным врагом, предвосхитившим нацизм тем, что демонизировала целую категорию людей. Когда сельское хозяйство пришло в упадок в результате сначала гражданской войны, а затем насильственной коллективизации, миллионы людей погибли от голода в 1921–1922 и 1932–1933 годах.

«Идеал из реального»… Татлин с помощником перед проектом так и не построенного Памятника Третьему Интернационалу в Петрограде.Фотография: Heritage Images/Getty Images

Видеть ленинскую революцию сквозь розовые очки как Добрую вещь, «утопическую» мечту, которая пошла не так только потому, что злой Сталин все испортил, — значит верить в сказки. И все же, какой бы катастрофической она ни была, художники стремились снабдить эту революцию смелой модернистской пропагандой.

Авангард в русском искусстве восходит к 1917 году. В 1915 году Малевич написал свой «Черный квадрат» — шедевр, в котором идея абстрактного искусства доводится до чисто монохромного завершения.Татлин, находящийся под влиянием кубистических сборок Пикассо, уже создавал контррельефы, абстрактные конструкции, которые могли занимать угол, как плавучий город из плавника.

Когда революция начала навязывать свою идеологию, эти два великих художника породили движения, которые претендовали на выражение утопического видения революционного будущего: супрематизм, отображающий мировую историю и космос как научно-фантастическую геометрию чистых форм, и конструктивизм, который строит идеальное из реального.Получившееся в результате искусство, несомненно, является одним из самых сильных в 20-м веке, но я нахожу то, как оно обычно выставляется, крайне отталкивающим в своем отрицании истории и приукрашивании насилия.

Если вы думаете, что я преувеличиваю, вспомните знаменитый плакат Эль Лисицкого 1919 года «Бей белых красным клином». Чтобы понять это, не нужно никаких знаний о современном искусстве — острый красный треугольник вонзается в черную массу, как кол в сердце Дракулы. Визуальный гений, да, но каково его реальное историческое значение?

Это очень откровенный пропагандистский образ, призывающий к поддержке большевистской армии в гражданской войне, длившейся с 1917 по 1922 год. Эта война в конечном итоге обеспечила новое государство Ленина, но ценой человеческих жертв почти беспрецедентна в истории: погибло от 7 до 12 миллионов человек. Крайние методы применялись обеими сторонами не только в бою, но и для усмирения мирных жителей. Чека, изначальная большевистская тайная полиция, которая до сих пор имеет потомство в России, сыграла решающую роль. Красный клин действительно был красным — от крови.

Плакат Эль Лисицкого 1919 года «Бей белых красным клином». Фотография: Peter Cox/Collection Van Abbemuseum, Eindhoven, The Netherlands

. К сожалению, мы забываем об этой реальности, когда прославляем плакат Эль Лисицкого аполитичным образом или, что еще хуже, восхищаемся им как радикальным шиком, не задавая вопросов о том, что он представляет на самом деле.Это призыв к беспощадному насилию. Беспокоились ли об этом Билли Брэгг и Пол Уэллер, когда они позаимствовали это классное название для попытки 1980-х годов сделать поп-музыку политической? Нет, они не думали об этом.