• на мольберт — удобно, но дороговато;
• на стол — не так удобно, зато без лишних трат.

Подготовьте материалы. Помимо красок и кисточек из набора вам могут понадобиться:

• газета или пленка — чтобы укрыть поверхность, если вы рисуете на столе. В противном случае потом придется оттирать акриловые краски от столешницы;
• баночка с водой — чтобы мыть кисточки в процессе;
• зубочистки — иногда с их помощью проще прорисовывать самые мелкие элементы;
• ватные палочки или салфетки — пригодятся, чтобы удалить излишки краски или поправить неосторожный мазок.

Лайфхак: бывает, что светлые оттенки не перекрывают цифры цвета. В таком случае можно сначала нанести на элемент белую краску, дать ей высохнуть, а потом нанести нужный цвет.

5 техник раскрашивания

Вы купили набор, подготовили рабочее место, а значит, можно приступать к работе. Но на холсте столько секторов, а в картине столько цветов, что глаза разбегаются. С чего начать?

Есть 5 основных способов раскрашивания картин по номерам.

«От светлого — к темному» — техника, при которой самые светлые оттенки раскрашиваются первыми, самые темные — последними. Такой способ хорош для новичков, он позволяет легко исправить помарки и неточности: более темный цвет легко перекроет более светлый.

«От большего — к меньшему» — техника, где первыми раскрашиваются наиболее крупные участки, а самые маленькие заполняются в конце. Удобство такого метода в том, что небольшие штрихи гораздо удобнее добавлять, когда картина более-менее прорисована.

У многих художников основная фигура находится в центре, но при технике «От центра к краям» именно главный образ прорисовывается первым. Это минимизирует риск смазать рукавом то, что уже было закрашено. Согласитесь: важнее всего, чтобы качественно был прорисован именно главный образ, а не фон.

Опытные «художники по номерам» утверждают, что способ «Сверху — вниз» лучше всех подходит новичкам. Благодаря такой технике почти нет риска смазать то, что уже было нарисовано, и не надо ждать, пока высохнет уже нанесенный слой. Важно уточнить, что правшам раскрашивание таким методом стоит начать с верхнего левого угла, а левшам — с верхнего правого.

При использовании метода «По номерам красок»

Кстати, с опытом вы разработаете свою технику, которая будет своеобразным миксом всех методик.

Береги инструмент!

Чтобы для каждого занятия рисованием не пришлось покупать новые инструменты, стоит соблюдать простые правила по уходу за ними. Не открывайте много баночек с краской сразу, ведь они быстро сохнут и теряют свой цвет и привлекательность.

Не оставляйте кисточки надолго в краске или воде: это портит их структуру, они топорщатся, и рисовать ими станет неудобно. Также тщательно мойте их после работы

Соблюдение этих простых рекомендаций продлит срок службы кистей и красок, а заодно сэкономит ваши деньги!

Выводы

Итак, чтобы выбрать и&nbspнарисовать картину по&nbspномерам, нужно:

• 1. Знать, что входит в&nbspнабор. В&nbspкомплект входит рисунок, разделенный на&nbspсекторы и&nbspнанесенный на&nbspкартон или на&nbspхолст. Новичкам лучше начинать с&nbspрисунка на&nbspкартоне. В&nbspпроцессе рисования может пригодиться схема, если какой-то из&nbspномеров на&nbspрисунке запачкался или стерся. Также в&nbspнабор входит цветное изображение готового творения, краски и&nbspкисточки. В&nbspнекоторых наборах встречается лак&nbsp— для закрепления красок, защиты от&nbspпыли и&nbspвыцветания.
• 2. Учесть нюансы. Новичкам не&nbspстоит выбирать сложные произведения с&nbspизображением людей или икон и&nbspбольшим количеством мелких деталей.
  Начинающим художникам лучше выбрать небольшие изображения пейзажей или животных. Также при покупке обратите внимание на&nbspзвездочки на&nbspкоробке. Они обозначают уровень сложности. Чем больше звездочек&nbsp— тем сложнее работа, т.е.&nbspв&nbspней больше маленьких и&nbspочень мелких участков. Еще один нюанс&nbsp— подрамник. В&nbspнекоторых наборах его нет, а&nbspлучше, чтобы он&nbspбыл. Если выбор все же пал на&nbspнабор без подрамника, лучше его докупить и&nbspнатянуть на&nbspнего холст.
• 3. Подготовить рабочее место. Для начала уберите все лишнее и&nbspосвободите пространство. Потом установите рисунок на&nbspмольберт или уложите на&nbspстол. Далее подготовьте необходимые материалы и&nbspинструменты: краски и&nbspкисточки, баночку с&nbspводой. Также стоит укрыть стол пленкой или газетой, подготовить зубочистки для прорисовывания особенно мелких деталей, ватные палочки и&nbspсалфетки&nbsp— для удаления излишков краски и&nbspводы.
• 4. Определиться со&nbspспособом раскрашивания. Основных способов пять. Можно раскрашивать рисунок, начиная со&nbspсветлых цветов и&nbspпереходя к&nbspтемным. Это позволит избежать помарок: темные цвета легко перекрывают светлые. Второй способ&nbsp— начать с&nbspболее крупных участков, а&nbspзакончить мелкими. Последние элементы в&nbspтаком случае прорисовываются проще. Еще один метод рисования&nbsp— движение от&nbspцентра к&nbspкраям. Это позволит избежать случайных смазываний. Четвертая техника&nbsp— раскрашивать сверху вниз. Правши&nbspв данном случае начинают&nbspс левого верхнего угла, левши&nbsp— с&nbspправого. Такая техника подойдет для новичков: ничего не&nbspразмажется, и&nbspждать, пока высохнет уже нанесенный слой, не&nbspнужно. Последний метод&nbsp— рисовать в&nbspпорядке, в&nbspкотором пронумерованы цвета. Он&nbspподходит для создания произведений с&nbspбольшим количеством цветов и&nbspобилием мелких элементов.
• 5. Беречь инструмент. Чтобы процесс раскрашивания прошел хорошо от&nbspначала и&nbspдо&nbspконца, не&nbspоткрывайте все баночки с&nbspкраской сразу, чтобы они не&nbspвысыхали, не&nbspоставляйте кисточки в&nbspкраске или в&nbspводе, а&nbspтакже тщательно мойте их&nbspс&nbspмылом после работы, не&nbspдавайте краске засыхать на&nbspруках и&nbspодежде.

Творчество&nbsp— это отличный способ отвлечься от&nbspпроблем и&nbspсуеты, а&nbspтакже немного «полетать в&nbspоблаках»! Покупайте, мечтайте, творите! Ваш онлайн-гипермаркет 21vek. by.

Рейтинг статьи:

Реставрируем картину своими руками | ART LIFE Виктории Латка

К сожалению, время безжалостно относится не только к людям, но и к живописным произведениям искусства. Например, картины «солидного возраста» могут терять внешний вид, краски выгорать и растрескиваться, а то и вовсе отпадать целыми кусками! И вот уже живописный шедевр больше огорчает, чем радует… Значит, пришла пора реставрации картины.

Вы будете удивлены, но картины реставрируют с 18 века, с тех пор, как появились частные коллекции. Все в мире требует заботы и ухода, и живопись тоже!

Зачем реставрируют картины? Здесь все просто! Необходимые вмешательства продлевают жизнь вашей картине и предотвращают последующие разрушения. Восстановить можно даже сильно поврежденную картину! Реставрация масляной живописи как доктор приходит на помощь в нужный момент.

Со временем красочный слой может растрескиваться не только на картинах, чей возраст 150 и более лет. Под реставрацию могут попасть и боле молодые произведения, жизнь которых не превышает 20-30 лет.

Мелкие трещины на картине в спиральной форме

Логично, если в вашей голове возникает вопрос вроде «Почему краски трескаются и как этого избежать?»  Причины, по которым краска со временем растрескивается или отпадает, могут быть разные. Самая распространенная ошибка, например, неправильная просушка, вернее, не достаточная для того, чтобы покрыть картину лаком.

Из-за несоблюдения технологии и последовательности нанесения красочных слоем друг на друга, тоже результат повреждения слоем. Другими словами, если нижележащий слой не успевает достаточно высохнуть, а вы уже наносите новый сверху!! В связи с этим и происходят не желаемые изменения в структуре красочного слоя. Плохое хранение и уход также может сказаться на картине.

Возраст живописи в конце концов. . Реставрируют не только станковую живопись, то есть написанную на мольберте, а также альфрейную живопись- росписи на стенах.

Пример основных причин для реставрации картины

Как то мне принесли картину, у которой отпадала масляная краска кусками. Основание льняного полотна практически прогнило от высокой влажности и хранения картины в таком помещении. Картина была обречена на недолгое существование, но порадовать глаз хозяина еще могла некоторое время.

Если проклеить с обратной стороны ткань и улучшить внешнее состояние краски, то такой вариант реставрации вполне приемлемый, правда, не долгий. Сохранить картину с поврежденным прогнившим холстом достаточно сложно. Скажу, хозяин картины был доволен, хоть и понимал о неизбежности потери полотна.

Реставрациями картин на высоком профессиональном уровне я не занимаюсь (это отдельная исследовательская специализация), но эксперимента ради, частично восстановить почти утраченную картину, все таки взялась.

Но есть варианты, когда спасти картину самостоятельно, без профессионального ресторатора не возможно, вот смотрите…. На фото внизу я показываю, что при прикосновении пальцем к холсту, краска полностью отпадает.

Отслаивание краски от холста

Картина написана французским художником, примерно 70-85 лет в многослойной технике, досталась мне по наследству. Не правильный грунт на холсте стал причиной распада красочного слоя.  В этом случае, необходимо восстанавливать потерю грунта на более профессиональном уровне. Сейчас в художественных магазинах можно купить готовый прогрунтованный холст. А раньше, художники сами проклеивали и грунтовали ткань, и к сожалению, не всегда достаточно хорошо.

Не забывайте, что в начале масляная краска сцепляется именно с грунтом, а не с льняным полотном. И  потом уже один слой сцепляется с другим. Меньше всего страдают произведения, написанные не на холсте, а на дереве, как во времена Леонардо Да Винчи. Почему так происходит, я напишу в другой статье.

Кстати, судя по подписям на картинах, многие из них были написаны мужской рукой. Но вопрос кто же рисует больше, мужчины или женщины, все таки остается спорным.

Если вы сами пишите картины, то старайтесь избегать подобных причин возникновения трещин и отпадения краски. Вот, и получается, что причина повреждений ведет к следствию с огорчениями. А  реставрация — правильное решение для сохранения жизни многих картин!

Слово «реставрация» звучит пугающе профессионально, согласна, но самостоятельно реставрировать небольшие «больные места» на картине все- таки можно.

Мелкие проблемы на картине может подправить сам художник

Дальше в статье мы поговорим о том, нужно ли снимать старый лак перед реставрацией, о способах снятия лака и о том, как снять старый лак, чтобы, не повредить нижний красочный слой краски.

Хочется сразу заметить, что приступая к этому ответственному мероприятию, следует сначала взвесить все «за» и «против». Если полотно, которое вы собираетесь обновить, представляет большую художественную и материальную ценность, лучше прибегнуть к услугам профессиональных реставраторов. Так можно быть уверенным, что картина не будет безнадежно испорчена, если «эксперимент не удастся»!

В реставрационной мастерской масляная живопись проходит настоящее исследование, определяется состав красок и лака. Иногда для этого пользуются реактивами и специальными оптическими приборами.

Кроме этого, существует мнение, что старые шедевры сами по себе смотрятся благородно и галерейно, несмотря на потемневшие или пожелтевшие краски. А легкий кракелюр красочной поверхности придает им особый шарм и аристократизм.

Кстати о приборах… Знаете ли вы, что во времена Леонардо Да Винчи, многие старые мастера пользовались специальным приспособлением — камерой-обскурой? Нет? Тогда самое время почитать об этом чудо-приборе в отдельной статье📌

Профессиональная мастерская по реставрации предметов искусства

Есть старинные картины, которые действительно обходятся без реставрационного вмешательства долгое время. Если в этом нет эстетического или восстановительного подтекста, то лучше не трогать.

Раскрою небольшой секрет: если в экспозиции присутствуют реставрированные картины, которым несколько сотен лет, то они значительно отличаются по яркости красок от своих собратьев, не подвергшихся восстановлению. Из-за старого пожелтевшего со временем лака гаснет и сам красочный слой краски. Снятие старого лака  и покрытие новым свежим, также считается восстановительным моментом.

Ну а если вы все-таки решились реставрировать картину на холсте своими руками, например, семейную реликвию или шедевр, доставшийся в наследство от дядюшки- художника, следует тщательно изучить теорию небольшого, но эффективного способа реставрации. К тому же, полезно знать, если вы сами молодой художник…. Вдруг придется реставрировать свой шедевр спустя 20-30 лет!

Снимать старый лак перед реставрацией нужно обязательно! Во первых, многие лаки имеют свойства желтеть и следовательно, цвет краски вида- меняется под лаком. Во-вторых, масляная краска на лаке держаться долго не будет и отлупится в скором времени.

Если даже вам кажется что картина не покрыта лаком, что мало вероятно, снять верхний слой все же нужно. Возможно, художник покрыл полотно матовым лаком, который не имеет глянцевый блеск. Кстати о лаках для картин читайте в отдельной статье.

Пример реставрации картины

Заметка: на фото вверху картина, которую реставрировал мой учитель с Франции. На ней видимые отличия яркости масляной краски до и после снятия лака…. Как я писала выше, под словом «реставрация» имеется виду даже снятие старого сильно пожелтевшего лака.

1. Чистка картины

Реставрация картин на холсте начинается с очищения живописного полотна от пыли, копоти и загрязнений. Для этого используются чистая вода, лучше дистиллированная, и ватные тампоны или ватные палочки. Постепенно влажным тампоном, шаг за шагом очистить картину от загрязнений.

На заметку: любые реставрационные и очищающие мероприятия следует начинать с уголка картины. Проводить работы на небольших участках, следя за верхним красочным слоем. Если на тампоне остаются следы краски, не рекомендуется продолжать реставрацию картины.

Снятие загрязнения с картины

После удаления загрязнений картину надо просушить, а затем можно приступать к удалению покрывного лака.

2. Удаление покрывного лака с масляной живописи

В настоящее время существуют различные средства для снятия лака для живописи в виде растворителей, гелей и пасты.

Растворители старого для лака.

Какой именно выбрать? «Классический» рецепт растворителя – это композиция из пинена и этилового спирта. Сложность для неискушенного реставратора состоит в том, чтобы подобрать пропорции этих составляющих именно для данного случая. Поэтому проще воспользоваться уже готовым растворителем.

Знать бы только, какой приобрести, ведь общего рецепта не существует, потому что подобрать растворитель можно только опытным путем. Магазины для художников предлагают очистители для масляной живописи с пометкой «для реставрации» на основе минеральных масел и уайт-спирита.

Пример растворителя старых лаков

Кроме этого, есть специальные растворители старых лаков для картин маслом. Чтобы найти эти средства, достаточно внимательно смотреть на маркировку и название.

Удаление старого покрывного лака проводится при помощи ватного тампона на маленьких участках полотна, начиная с угла. При необходимости манипуляцию повторяют, чтобы добиться желаемого эффекта, то есть для полного удаления покрывного лака или утоньшения его слоя. Будьте внимательны, иногда для снятия лака необходимо всего 2-3 минуты!

Гели и пасты для удаления лака для живописи: преимущества

Гели и пасты отличаются густой консистенцией, что облегчает реставрацию картин на холсте. Жидкий растворитель легко проникает в трещины живописи, это может привести к дальнейшим разрушениям картины, с чем связана тщательная аккуратность при работе. Пасту же можно наносить на некоторое время, выдерживать до получения нужного результата и вытирать или переносить на другой участок картины.

Специальный гель для снятия старого лака

Пасты и гели имеют различные растворяющие способности, ведь покрывные лаки тоже разного состава. Так что экспериментировать придется и с этими растворителями, чтобы добиться нужного результата.
После удаления пасты с поверхности картины, чтобы нейтрализовать работу растворителя, полотно обрабатывают скипидаром.

На заметку: Если вы реставрируете пастозную или фактурную живопись, лучше выбрать гель для удаления лака. В этих случаях вместо ватного тампона гель наносится при помощи кисточки.

3. Подклейка отслоения краски

Часто у картин маслом возникает проблема кракелюра – отслоения и растрескивания краски. Если растрескивание живописи приобрело большие масштабы, скорее всего, поможет только профессиональный реставратор. А небольшие отслоения можно исправить своими руками.

Потребуются: осетровый клей, папиросная бумага, утюг, вода, ватная палочка.

Положить картину на плоскую поверхность. Мягкой кистью нанести немного клея на места трещин, стараясь максимально четко заполнить места отслоения краски. Если трещины очень мелкие, клей удобнее наносить медицинским шприцом.

Приложить к местам заклейки папиросную бумагу, плотно прижать, не допуская пузырьков воздуха и складок бумаги. Подождать несколько минут, чтобы бумага немного подсохла и начала белеть.

На место подклейки положить чистый лист бумаги и легко, почти невесомо, прогладить бумагу теплым утюгом. Повторить несколько раз, не держать утюг долго на картине. Если папиросная бумага просохла и побелела, прекратить сушку.

Проклейка мелких трещин

Осторожно ватной палочкой, смоченной в теплой воде, снять папиросную бумагу с картины. При необходимости повторить до полного очищения живописи от бумаги и клея. Действовать аккуратно, чтобы не повредить краски. Просушить место проклейки ватой. После полного высыхания подклеенное место можно подправить красками, нанося их точечными мазками кисточки.

Приведенный выше способ реставрации живописи, конечно же, не единственный. Во многих случаях, без масляной краски в реставрационных работах не обойтись. Например, если мазки наносились густо, пастозно на холст и реставрировать, восстанавливать здесь нужно отпавшие куски краски, а не растрескивание красочного слоя.

В принципе, степень разрушения может быть от нитевидных трещин до огромных дыр на полотне! Это косвенно может зависеть и от техник нанесения краски. Кстати, почитать о техниках в масляной живописи можно в обзорной статье.📌

Примеры «болезней полотна» при различных разрушениях красочного слоя

Реставрация картин на холсте своими руками дело очень хлопотное, требующее терпения и внимания. Но при определенных навыках и настойчивости реставратора, масляная живопись начинает играть свежим видом, обретая новую жизнь. А это прекрасно! В конце небольшой восстановительной работы, не забудьте снова покрыть картину лаком.

Друзья, задавались ли вы когда-нибудь вопросом, что в живописи важнее: талант художника или отточенное мастерство? На эту тему я порассуждала немного в отдельной статье и пришла к кое- каким выводам.

Сохраните себе статью в закладках, чтобы она не затерялась среди миллионов статей в интернете! При необходимости, вы можете заглянуть сюда в любой момент.

Задавайте ваши вопросы внизу в комментариях, обычно, я отвечаю быстро на все вопросы

Нетрадиционная техника рисования — метод «тычок ватной палочкой»

Нетрадиционная техника рисования — метод «тычок ватной палочкой»

Тема: «Осенний урожай»

Цель: Учить изображать предметы, объекты с помощью нетрадиционных техник рисования. Развивать у детей чувство композиции и цвета.

Задачи: 

1) показать разнообразие нетрадиционных способов рисования.

2) выявить положительное влияние на психологическое состояние ребенка.

3) развивать творческие способности, любознательность, наблюдательность.

Оборудование:

Муляжи фруктов и овощей, рисунок с овощами, картина времен года, краска, ватные палочки, клеенки, салфетка, баночка с водой.

Одним из важнейших средств познания мира и развития эстетического восприятия является рисование. 

Обучение рисованию в дошкольном возрасте предполагает решение двух задач, взаимосвязанных между собой:

— Необходимо пробудить у детей эмоциональную отзывчивость к окружающему миру, к событиям нашей жизни;
— Сформировать у них изобразительные навыки и умения.

Рисуя, ребенок развивает определенные способности: зрительную оценку формы, ориентирование в пространстве, чувство цвета. Развиваются также специальные умения и навыки: координация глаза и руки, владение кистью руки. Кроме того, занятия по рисованию доставляют детям радость, создают положительный настрой.

Преимущества метода тычка:
— позволяет развивать специальные умения и навыки, подготавливающие руку ребенка к письму;
— дает возможность прочувствовать многоцветное изображение предметов, что несомненно важно для наиболее полного восприятия окружающего мира;
— формирует эмоционально – положительное отношение к самому процессу рисования;
— способствует более эффективному развитию воображения и восприятия, а следовательно, и познавательных способностей – рисунки, созданные способом тычка, эстетичны и понятны как самому ребенку, так и окружающим.

Техника «тычок» подразумевает под собой создание рисунка путем оставления отпечатков различными предметами.

В средней группе умка было предложено разукрасить рисунок с овощами этой техникой с помощью ватной палочки.

В начале занятия дети отгадывали загадки про овощи, поиграли в игру «Расскажи про свой овощ» (В корзине лежали муляжи овощей, и воспитанники по очереди доставали из нее овощ и рассказывали про него: каким он цветом, какой формы, где растёт). После этого, они приступили к разукрашиванию рисунка с овощами  этим методом.

В процессе они были очень удивлены тем, что разукрашивать можно не только кистью. А также были увлечены, и это можно было увидеть по их положительным эмоциям. А по эмоциям можно судить о настроении ребенка, о том, что его радует, а что огорчает.  Дети готовы были многократно повторять то или иное действие. И чем лучше получалось у них движение, тем с большим удовольствием они его повторяли, радуясь своему успеху.

Работы своей красочностью и необычностью выполнения очень заинтересовали детей. Они смогут в дальнейшем проявлять творчество, фантазию, реализовать свой замысел.

Можно отметить, что рисование с использованием нетрадиционных техник изображения не утомляет дошкольников, а, напротив, у них сохраняется высокая активность, работоспособность на протяжении всего времени.

Рисование ватными палочками, распечатать шаблоны

На чтение 3 мин Просмотров 6. 8к. Опубликовано 03.09.2020 Обновлено 01.11.2021

Рисование ватными палочками — увлекательный способ художественного творчества, который развивает и мелкую моторику, точность движений и внимательность.

Рисование ватными палочками логичное промежуточное звено между рисованием пальчиками и рисованием кисточкой. А еще — это оригинальная техника нетрадиционного рисования, которая обязательно заинтересует детей.

Детское рисование с помощью ватных палочек легко организовать. Просто распечатайте шаблоны, вложите их в прозрачные файлы (не обязательно) и достаньте инструменты: гуашь и ватные палочки. Попросите ребенка окунуть палочку в краску и аккуратно делать точки в пустых местах рисунка соответствующим цветом.

Малышам рисовать палочками интереснее, чем кисточкой. Даже крохе будет понятна механика такого творчества, если он уже был знаком и рисованием пальчиками.

Еще один плюс: палочки не нужно мыть и они не разбрызгивают краску.

Идеально шаблоны для рисования ватными палочками подходят для детей 2-4 лет: им интересно и они уже могут добиться эффектного результата. Но начинать заниматься можно и раньше, с 1 года, с помощью мамы.

Цветные и черно-белые шаблоны для рисования точек пальчиками здесь 😜👆

.Не стоит исключать из этого вида рисования и детей старше 5 лет. Не думайте, что им будет слишком просто, а потому неинтересно. Картинки на шаблонах достаточно разнообразные, чтобы увлечь ребенка, а простота выполнения — тоже плюс. Пусть ребенок почувствует себя в ситуации успеха!

Для рисования понадобится:

• много ватных палочек,
• бумага или распечатанные шаблоны для рисования ватными палочками,
• гуашь.
• Вы можете воспользоваться также пластиковой палитрой для того, чтобы ребенок набирал краску с нее, и не из баночки. Из баночки ребенок возьмет слишком много гуаши.

Нетрадиционное рисование ватными палочками

Шаблоны «Пасха»

В этом шаблоне для рисования ватными палочками две похожие картинки: одна попроще, другая сложнее, так как больше точек для закрашивания.

Рисование ватными палочками в Новый год

Новогодние праздники — самые любимые и ожидаемые для детей. Поэтому новогодняя тема для творчества пользуется популярностью круглый год! Но, возможно вы ищите новогоднее рисование именно для создания новогоднего адвента — тогда загляните и сюда.

Шаблоны английского алфавита

Этот набор шаблонов включает в себя 26 страниц, по одной на каждую букву алфавита, включая прописные и строчные буквы, а также симпатичную картинку для рисования ватными палочками, которая начинается со звука каждой буквы.

Рисование ватными палочками по контуру

Как еще рисовать ватными палочками

Помимо рисования по шаблонами, заполняя пробелы, вы можете рисовать по контурам предметов, создавая их из цветных точек. Интересно дополнять точками готовые рисунки, например, рисуя листья на деревьях, снег или дождь, салют, цветы и облака…

Детям дошкольного возраста уже можно рассказать про пуантилизм в живописи. Точками рисовали знаменитые художники: Винсент Ван Гог, Жорж Сера, Николай Мещерин и другие.

Также эффектно будут смотреться узоры, нарисованные ватными палочками, дудлы, зентаглы, завитушки, геометрические фигуры, абстракция. С таким творчеством с успехом и самостоятельно справятся дети старше 6 лет.

Зачем это нужно

Этот вид рисования хорошо стимулирует творческие способности ребенка, фантазию и конечно же — мелкую моторику, усидчивость, координацию руки.

Рисование ватными палочками может быть хорошим заданием при изучении букв, цифр, цветов, групп предметов, практически любой темы для детей в детском саду.

Особенно детям нравится видеть всегда отличный результат своих стараний. В отличие от рисования кисточкой, карандашом, красивая итоговая картинка тут практически гарантирована.

Как нарисовать мимозу ватными палочками

Чтобы получить оригинальные и красивые рисунки, можно использовать различные подручные материалы. Например, можно нарисовать мимозу оттисками ватных палочек, используя любые краски. А стебельки и тонкие листочки дорисуем кистью.

Таким легким нетрадиционным способом рисования можно получить не только красивый рисунок мимозы, но и листвы осеннего дерева или любых других предметов. 

Итак, начинаем с подбора материалов и инструментов. Материалы для рисования мимозы:

• лист бумаги;
• широкая кисточка;
• простой карандаш;
• ластик;
• ватные палочки;
• любая краска для рисования по бумаге;
• стакан с чистой водой;
• палитра.

Этапы рисования мимозы при помощи ватных палочек

Первым делом намечаем простым карандашом все веточки и листики нежного цветка. Также можно сразу взять кисточку и навести первые линии для центральных веточек. Используем зеленый цвет.

На левой веточке прорисовываем тонкие и мелкие листочки, которые должны быть у мимозы. Делаем это небольшими штрихами кисти.

Также прорисуем листочки на правом стебельке. Она будет более крупнее.

Теперь берем несколько ватных палочек для рисования цветков. Их для удобства можно обвязать по центру канцелярской резинкой. Разводим на палитре первый цвет в виде желтого. Макаем одновременно несколько ватных палочек и потом создаем оттиски на бумаге.

Добавляем на палитру оранжевый цвет краски. Хорошенько разводим его водой. Макаем вторую сторону ватных палочек. Проходим оттисками оранжевого цвета частично по цветку.

Напоследок сделаем самые яркие оттиски для мимозы. Для этого берем красный цвет любой краски. Новыми ватными палочками пройдемся лишь по некоторым участкам рисунка.

Также прорисовываем веточки и листики более насыщенным зеленым цветом, чтобы получить объем.

Вот и получился красочный рисунок цветка мимозы при помощи ватных палочек.

Кляксография. Техника рисования — Кляксография — Мастерим вместе — Каталог статей

Маленькие дети любят оставлять на бумаге кляксы. Родители, недооценивая «шедевры» собственных детей, избавляются от непонятных рисунков. Но, оказывается, из оставленных клякс можно создать уникальный рисунок. Существует даже такая техника рисования — кляксография.

Кляксография относится к силуэтному искусству, но история возникновения фигуративной росписи восходит еще к Древней Греции. Изображения на амфорах раскрывают сцены мифологии, олимпийских игр и жизни богов Олимпа. Но наиболее популярным этот вид искусства стал в 18-19 веке. Многие художники начали работать в этой технике и создали огромное количество работ в этой технике. Такой была история возникновения техники рисования — кляксографии.

Рисунки, выполненные в технике кляксография – это уникальный способ заинтересовать детей рисованием, вызвать у них желание научиться данному виду изобразительного искусства и самим вспомнить детское время. Способ абсолютно не сложный, но очень увлекательный, развивающий не только навыки и способности к рисованию, но и фантазию, смекалку, усидчивость. Кляксография – это, пожалуй, один из самых необычных способов в рисовании. Более того, его принято считать нетрадиционной техникой, как, впрочем, и многие другие, где используется необычный для этой цели материал.

При помощи кляксографии хорошо получаются разнообразные растения, деревья разных видов и кустарники.

Положительные стороны кляксографии

В последнее время, данный вид рисования стал очень популярен. Случайное пятно, появившееся на бумажном листе из-за неосторожности, может иметь неповторимую структуру. Как бы вам не хотелось, такой узор больше не повторить. Добавив немного фантазии и креативности мышления, любую кляксу можно превратить в предмет животное или выдуманное существо.

Данный вид деятельности не имеет абсолютно никаких ограничений в возрасте. То есть, могут заниматься, как дети, так и взрослые.

Кляксография техника рисования

Необходимый инструмент

Для создания уникального рисунка необходимо подготовить следующий материал:

• Художественную кисть. Желательно использовать жесткие кисточки. Порой дети, чтобы изобразить кляксу большого размера прибегают к помощи зубной щетки.
• Краски. В этом виде искусства применяют только жидкую акварель. Если под рукой нет подходящих красок, то можно просто развести имеющуюся акварель водой. Кстати, необходимой для рисунка консистенцией обладает разноцветная тушь. Ее также можно использовать при рисовании.
• Картон или лист белой бумаги.
• Емкость для воды.
• Ватные палочки.
• Влажная тряпочка. Используется для удаления загрязнения с рук.

Этапы творческого процесса

Итак, кляксография техника рисования. С чего начать? Если вы новичок в этой области, то первоначально следует определиться с темой будущего рисунка. Здесь крайне важно направить мыслительную деятельность в нужное русло, говоря другими словами, задать направление. Сделав кляксу на листе бумаги, включите фантазию и попробуйте увидеть в ней очертания какого-либо предмета или живого существа. Может быть, перед вами расположилась удивительная планета или живописный подводный мир.

Создать рисунок с помощью кляксографии можно несколькими способами.

Наиболее распространенный — капельный метод.

Здесь потребуется широкая, объемная кисть. Ее следует тщательно напитать краской, и затем, расположив ее над листком бумаги начать разбрызгивать акварель. Если вы хотите чтобы капли оросили небольшой участок, постучите кисточкой о палец или руку. Когда же кистью просто встряхивают, область разбрызгивания увеличивается. Для точечного нанесения краски используют пипетку. Кстати, с ее помощью можно создать кляксу большого размера изобразив, таким образом, к примеру, солнце. Чаще всего при помощи такого способа кляксографии создают пейзажи.

 Во втором способе кляксографии используют метод растекания.

Для этого в угол листа с помощью кисти наносят большую кляксу. Важно, краска должна быть очень жидкой. Затем с помощью питьевой трубочки начинают раздувать краску по поверхности бумаги. Желательно направлять акварель в разные стороны. Теперь нужно присмотреться к полученному рисунку и дорисовать детали.

       Кляксография поможет детям поэкспериментировать с красками и весело провести время. В процессе рисования картинки, в которой используется техника кляксография, у  детей:

• развивается глазомер и координация рук
• развивается фантазия, творческое виденье и воображение,
• отрабатываются навыки работы с красками, кистями,
• дети учат передавать силуэты людей, растений и животных,
• развивается старательность, внимательность, аккуратность.

Монотипия: интересная и простая техника рисования

Как же разнообразен мир искусства! Он не имеет границ и щедро принимает любые идеи, превращая их в отдельное направление творчества. Одним из них является монотипия – техника рисования, которая объединила в себе печатную графику и живопись, но при этом не является гравюрой.

Художник наносит изображение кистью на плоскую металлическую поверхность, с которой рисунок отпечатывается на влажную бумагу под давлением офортного станка. Такой рисунок является уникальным, т.к. его тиражирование невозможно: с плоской формы можно получить только один качественный оттиск.

В этой статье мы расскажем, откуда берет свои корни этот вид искусства, какие разновидности монотипии бывают и как научиться такой технике рисования самостоятельно. Добро пожаловать в мир монотипии!

История появления монотипии

Монотипия в переводе с греческого языка дословно означает «один отпечаток», но, судя по историческим данным, зародилась она далеко не в Греции: первые оттиски гравюры без черного контура появились в 11 веке в Китае. Это были простейшие виды монотипии.

Долгое время монотипия была дополнительным приемом к основным графическим техникам. Первый цветной оттиск сделал голландский художник Геркулес Сегерс: гравюры на металле (офорт) он закрашивал цветными красками. Так получались уникальные эстампы, что послужило началом развития данного вида искусства.

Такую технику изображения рисунка перенял и усовершенствовал итальянский художник и график Джованни Бенедетто Кастильоне. Именно ему приписывается изобретение монотипии. Кастильоне закрашивал пластину чернилами и после полного высыхания краски острым предметом вырезал изображение и отпечатывал его на бумаге.

«Сотворение Адама» – один из самых известных монотипов итальянского живописца. На картине белыми угловатыми штрихами изображен Бог, выходящий из облака. А во тьме тонкими текучими линиями изображен Адам. Этот шедевр создан при помощи черных чернил, пластины и тупого инструмента (палка или ручка кисти) [Art Institute Chicago, 2020]:

Более чем через сто лет английский художник, гравер, поэт Уильям Блейк внес свой вклад в развитие монотипии: он наносил рисунок лаком на медную доску. Пустые от лака участки он заливал кислотой, таким образом контур рисунка выступал над гладким фоном. Далее Блейк переносил рисунок отпечатком на доску. Так появилась цинкография – выпуклый офорт.

Несмотря на все художественные эксперименты, монотипия стала выделяться в отдельное направление только в 19 веке благодаря Эдгару Дега, французскому художнику. Им было создано множество работ в этой технике. Дега любил экспериментировать: он впервые использовал в монотипии прозрачную доску, с помощью нее было проще контролировать рабочий процесс.

Художник выпускал пособия по монотипии, представлял свои работы на выставках, круг увлекающихся монотипией стал постепенно расширяться [Н. Кузнецов, 2010].

В России родоначальником монотипии считается Елизавета Кругликова. Находясь в Париже около 25 лет, она создала около пятисот оттисков на разные тематики. Самой большой серией работ, сделанной в технике монотипия, является серия «Цветы», она включает в себя более ста оттисков [П. Корнилов, 1969].

В 20 веке особое значение в искусстве начали занимать цвет и используемый материал. Так, Юрий Великанов, ученик Елизаветы Кругликовой, создал монотипии, посвященные возведению электростанции на реке Свирь.

Особенную популярность монотипия завоевала в 1930-е годы. Анатолий Суворов при помощи этой техники создал иллюстрации к повести Алексея Николаевича Толстого «Детство Никиты»:

Ада Рыбачук, художница из Украины, попав в 1950 году на Север, была поражена красотой природы, что послужило стимулом для вдохновения и написания картин техникой монотипия. Она создала иллюстрации к сказке «Маленький Уняны»:

Художники 20 века экспериментировали в творчестве, работали с цветными красками и находили нестандартные методы исполнения монотипии. Вадим Фролов, гравер, применял в своих работах отходы от металлического производства, а Валерий Мишин, художник из Петербурга, для создания оттисков использовал реальные предметы: растения, пуговицы, иглы, кнопки и т. д. Так появился монопринт.

Михаил Тарханов, график, дизайнер, разливал масляные краски по воде и после сверху накладывал лист бумаги. При помощи акварели, туши, карандаша он дорисовывал недостающие образы на высохшем полотне. Так появилось новое направление монотипии – акватипия.

Еще один оригинальный способ нанесения рисунка придумал Геннадий Трошков: он накладывал краски на стекло или литографский камень, а потом переносил эту краску на бумагу с помощью мягкого валика.

Как видите, с момента появления монотипии этот вид творчества претерпел значительные изменения. Художники применяли различные методы нанесения рисунка, что привело к появлению новых направлений в технике монотипия. Давайте рассмотрим каждый из них подробнее в следующем разделе.

Виды монотипии

Монотипия – многогранный вид искусства. Авторы используют различные технические приемы, которые помогают наиболее точно передать идею художника.

Существует несколько критериев, которые разделяют монотипию на виды:

1. Цветовое решение: монотипия бывает монохромной и полихромной. Монохромная монотипия чаще всего выполняется черной типографической или офсетной краской.
2. Способ нанесения рисунка: рисунок наносится на чистую форму или путем удаления остатков краски с основы.
3. Тип печатной формы: рисунок можно наносить на дерево, стекло, пластик, металл.
4. Тип основы для оттиска: отпечаток рисунка можно делать на холсте, картоне, бумаге.
5. Художественные материалы: для нанесения рисунка используются акварель, тушь, масло, акрил и т.д. [ Very Important Lot, 2020].

Монотипия – это отличный способ развить творческие способности как для взрослых, так и для детей. Сегодня появилось несколько разновидностей данной техники изображения:

1. Акватипия: картинка наносится гуашью, а после свободные от краски места закрашивают черной тушью. Далее раскрашенный лист необходимо высушить, а потом поместить в емкость с водой. Тушь в воде не растворяется, а гуашь – частично. В результате получается оригинальное размытое изображение:

2. Деотипия: лист бумаги кладут на форму с краской, а сверху – тонкую кальку. На кальку наносят рисунок карандашом или любым другим предметом. В результате краска неравномерно отпечатывается на бумаге и получается интересный рисунок:

3. Негативная монотипия: для ее создания используется форма с остатками краски, которая применялась в деотипии. Незакрашенные участки разрисовывают повторно и делают новый оттиск на бумаге:

4. Акваграфия: нерастворимую краску в жидком виде медленно добавляют в емкость с водой. На поверхности получатся цветные пигменты, которые необходимо размешать кисточкой, создавая интересные узоры. Затем в емкость с цветной водой помещают лист бумаги, чтобы сделать отпечаток узора, и аккуратно вынимают его. Кстати, такой способ изображения рисунка появился в 15 веке. В Турции и Персии акваграфию называли эбру («искусство облаков»):

5. Флоротипия: на форму наносится краска, а сверху раскладываются лепестки, цветки, листики и накрываются бумагой. После композицию помещают под пресс и на бумаге остается интересный отпечаток с силуэтами использовавшихся предметов:

6. Декалькомания: цветной рисунок с бумаги под давлением переносится на тканевую поверхность, керамику или другое полотно. Эта техника чаще всего используется для печати переводного изображения:

7. Кляксография: это одна из самых простых в исполнении техник создания изображения в монотипии. С ней справится любой: на центр листа бумаги наливается акварель или гуашь, а затем бумага наклоняется в разные стороны, чтобы краска растеклась по поверхности, образуя цветные потеки: [Very Important Lot, 2020].

Не случайно монотипию относят к нетрадиционным техникам рисования. Методы создания изображения поражают своей оригинальностью и в то же время простотой. Так и хочется попробовать нарисовать что-нибудь подобное одним из вышеописанных способов. А вам?

Монотипия в психологии

Монотипия – не просто техника рисования, т.к. сегодня она является разновидностью арт-терапии, которая будет полезна абсолютно всем, кто нуждается в стабилизации психоэмоционального состояния. Такой метод психотерапии давно полюбился психологами, ведь, если его правильно применять, он принесет очевидную пользу в виде:

Самая известная методика изучения психики личности и ее нарушений с помощью монотипии – психодиагностический текст Германа Роршаха («Пятна Роршаха»).

Автор теста нарисовал 10 клякс разных цветов и насыщенности, каждое изображение служит стимулом для свободных ассоциаций. По мнению Роршаха, то, что увидит испытуемый в данных изображениях, говорит о его интеллектуальном контроле и эмоциональном состоянии. Для чистоты исследования тестируемый должен ответить на следующие вопросы:

1. Что он видит на картинке?
2. Где он это видит?
3. Почему чернильная клякса вызывает у него такие ассоциации?

Вот пример одного из изображений теста:

Что вы видите на картинке? Это изображение оценивает отношение человека к другим людям. Чаще всего испытуемые отвечают, что они видят моль, бабочку, двух людей или человека, который смотрит в зеркало.

Если вы увидели двух беседующих людей, то у вас активная общественная жизнь. Если вам кажется, что они моют руки, то, возможно, вы не чувствуете себя в безопасности. А если вам кажется, что два человека играют в какую-то игру, то, скорее всего, сейчас вы подвержены конкуренции [Б. Белый, 2005].

Особенно полезна монотипия для детей. Она играет важную роль в изучении психологического состояния ребенка и развитии его творческих навыков. Многие дети любят рисовать красками, поэтому процесс создания рисунка данной техникой их очень увлекает. Монотипия способствует:

• развитию мелкой моторики;
• стабилизации эмоционального фона;
• развитию речи;
• расширению кругозора детей;
• нормализации нервной системы;
• формированию настойчивости, усидчивости, внимательности и т.д. [М. Киселева, 2006].

Для начала можно использовать простой лист бумаги и краски: пусть ребенок нарисует то, что умеет, а затем, пока краска не высохла, накроет разрисованный лист бумаги чистым листом. В итоге получится забавная картинка.

Подобное творческое занятие легко организовать в домашних условиях. В детских садах для этого используется оргстекло или пластиковые доски, на которых гуашью или масляными красками наносится изображение и после отпечатывается на бумаге. Получившаяся картинка дополняется рисунком кисточкой или карандашом.

Монотипию включают в программу уроков изобразительного искусства. В младших классах дети рисуют пальцами или ладошками, а учащиеся постарше используют уже другие техники и материалы.

Интересное творческое упражнение «Морозные узоры» предлагает психолог Галина Ельчанинова. Для этого понадобятся листы бумаги, гуашь, гелевые краски, нитки, полиэтиленовый пакет, трубочка. Для начала макаем кисточки в баночки с краской и наносим пятнами на пакет. Далее на него накладываем бумагу и плотно прижимаем. На полученном отпечатке, пока краска не высохла, выкладываем узоры при помощи нитки, трубочки и т.д. В итоге получается импровизированный зимний узор.

Такой техникой можно отразить совершенно любую тематику, будь то лето, весна или просто свободное творчество. Главное – отсутствие ограничений [Г. Ельчанинова, 2018].

Монотипия – отличный способ развития сенсорно-перцептивного восприятия. Вот еще одно упражнение, которое рекомендуют проводить психологи с детьми: понадобятся жидкая гуашь, вода, стаканчики для краски, растительное масло, мука, клей ПВА, соль, картон, клеенка.

Для начала дети изготавливают краску самостоятельно: смешиваются 100-150 грамм муки, столовая ложка растительного масла, щепотка соли, столовая ложка клея и добавляется вода, чтобы консистенция напоминала сметану. Важно, чтобы все компоненты перемешивались руками. Далее в полученную смесь добавляется любимый цвет ребенка.

Попросите детей комментировать свои ощущения во время процесса. После этого дайте задание нарисовать руками на картоне или листе бумаги полученной краской. Это может быть индивидуальное или коллективное творчество.

Не бойтесь экспериментировать с монотипией: чем разнообразнее занятия, тем интереснее они будут для детей. Необычное исполнение монотипии предлагает в своей книге «Творческая мастерская: 55 мастер-классов для маленьких исследователей» Ракель Дорли: возьмите краски, воду, бумагу, мыло и трубочки. Размешайте в воде гуашь и мыло в соотношении 1:2:2.

Предложите малышу подуть в трубочку, опущенную в стакан с цветной мыльной водой до тех пор, пока на поверхности не образуется облако из пузырей. Приложите бумагу к пузырям. Будет интереснее, если подобных растворов будет несколько и все они будут разных цветов [Р. Дорли, 2016].

Если у вас возникли трудности в проведении подобных творческих занятий, вы всегда можете обратиться за помощью к педагогическим материалам. В Интернете представлено множество конспектов по монотипии для проведения уроков детям разных возрастов.

Приступаем к практике

Преимущество монотипии в том, что она будет по силам совершенно всем. Чтобы научиться рисовать в данной технике, совершенно не нужно иметь художественное образование или богатое воображение, достаточно запастись временем и некоторыми инструментами, такими как:

1. Основа: для начала можно использовать плотную бумагу или картон. Главное, чтобы поверхность не пропитывалась красками. В качестве основы подойдет стекло, металлические пластины, пластиковые поверхности.
2. Краски: лучше всего использовать акриловые краски, т.к. они отличаются яркостью цветов и плотной текстурой, изображения получаются более насыщенными и интересными, также подойдет гуашь.
3. Принадлежности для рисования: обычно краска наносится кистями и валиком, а для прорисовки деталей подойдут ватные палочки, трубочки, зубочистки, карандаши, одним словом, то, что имеет заостренный конец.
4. Дополнительные материалы: для создания более оригинальных изображений можно использовать ткань в качестве основы, а для придания фактуры рисунку – любые подручные материалы, веточки, листья и т.д.

Одним из главных принципов монотипии является зеркальность. Рисунок получается с помощью отпечатка краски с основы на другую поверхность или, если рассматривать простейший способ, с одной половинки бумаги на другую. Еще один важный момент – не стоит перебарщивать с количеством краски, иначе рисунок будет напоминать кляксы.

Монотипия – техника, которая позволяет создавать уникальный отпечаток. Тиражировать рисунок не получится: только один оттиск способен четко передать изображение. Несмотря на свою простоту в исполнении, следует начать с несложных изображений и техник нанесения рисунка. Есть несколько приемов монотипии, с которыми вы без труда справитесь:

1. Монотипия предметная: с помощью данной техники можно нарисовать любой предмет путем симметричного переноса изображения с одной половины листа бумаги на другую. Все очень просто: сначала сгибаем лист бумаги пополам, разворачиваем его и рисуем на одной стороне, например, ствол дерева. Далее складываем бумагу снова пополам: рисунок отпечатывается на чистой стороне листа. Таким образом можно дорисовать листочки на дереве, небо, фон и т.д.

2. Монотипия «Бабочка»: на одной части листа бумаги рисуем цветные пятна, по очертанию напоминающие крылья бабочек. Отпечатываем цветную часть листа на чистой половине. В итоге получается яркое очертание бабочки, контуры крыльев, узоры и усики можно дорисовать карандашом.

3. Монотипия пейзажная: на одной стороне листа бумаги рисуем пейзаж и отпечатываем рисунок на противоположной стороне листа. Получившуюся картинку можно дорисовать и сделать более четкой и органичной. Посмотрите, как красиво выглядит монотипия на тему «Весна»:

4. Монотипия «Цветы»: закрасьте лист бумаги белой тушью, сверху нарисуйте полосы пастельных тонов, а после широкой кистью растушуйте цветные линии белой краской. Центральной фигурой изображения сделайте вазу с цветами. Вы можете выбрать оттенки по своему вкусу. После того, как изображение будет полностью нанесено, смочите другой лист бумаги и плотно прижмите к рисунку. У вас получится картинка с оригинальными потеками [Л. Савчук, 2018].

Можно исполнить данную монотипию ранее описанными способами, изобразив часть рисунка на одной стороне бумаги и просто отпечатав его на другой.

С такими приемами справится даже ребенок, но, несмотря на простоту процесса, удовольствие от создания изображения получат и взрослые и дети. Главное – делать отпечатки, пока не высохли краски.

Если вы готовы к экспериментам, помимо вышеупомянутых материалов используйте в работе стекло, валики, пластик. Нанесите краску валиком или кистью на стекло. Если вы хотите получить интересную фактуру, используйте жесткие кисти. Вы можете убрать лишнюю краску салфеткой, а недостающие детали дорисовать. Затем, пока краска не высохла, накройте стекло листом бумаги и хорошенько пройдитесь по нему валиком. Несколько минут творческого полета и картина готова.

Есть множество видеоуроков и мастер-классов, благодаря которым вы быстро освоите данную технику рисования. Посмотрите, к примеру, этот:

Если вы давно хотели научиться рисовать, но до сих пор считали, что это занятие по плечу только одаренным, советуем пройти наш онлайн-курс «Рисование», где вы научитесь создавать собственные произведения искусства и навсегда отбросите все сомнения по поводу своих творческих способностей. Рекомендуем!

Подведем итог

Монотипия – один из древнейших видов искусства, который здорово преобразовался в наше время и нашел свое применение не только в творческих сферах деятельности, но и в психологии. Это уникальный способ нанесения рисунка, который не имеет каких-либо ограничений.

Вы можете использовать все возможные материалы: бумагу, пластик, стекло, металл и любые подручные средства; главное помнить, что в этом деле важны скорость и настроение.

Монотипию сравнивают с медитацией, не зря эта техника широко применяется в арт-терапии. Для освоения этого вида творчества не требуется какая-либо специальная подготовка, и наверняка у каждого из вас дома найдутся необходимые для рисования материалы.

Это занятие будет увлекательным как для взрослого, так и для ребенка, поэтому не отказывайте себе в удовольствии окунуться в мир творчества. И, если вы давно хотели попробовать себя в роли художника, советуем начать именно с монотипии, ведь это быстро, просто и очень увлекательно.

Желаем творческого вдохновения!

Понимание разницы между холстом и полотном

Холст может означать разные вещи для разных людей. В контексте живописи слово «холст» означает ткань, используемую в качестве живописной поверхности. Разница в том, что иногда полотно делают из хлопковых волокон, а иногда из льняных. Каждый материал стоит рассмотреть более подробно.

Хлопок

Хлопок — это мягкое пушистое волокно, которое растет в коробочке или защитной капсуле вокруг семян хлопчатника. Это растение произрастает в Северной и Южной Америке, Африке и Индии, и его чаще всего прядут из пряжи или нити, чтобы создать мягкий, дышащий текстиль. Скорее всего, на тебе сейчас немного хлопка.

Преимущество хлопка для вас как художника в том, что он доступен по цене и очень легко растягивается. Правильно подготовленный хлопковый холст прослужит долго и является самой популярной поверхностью для масляной и акриловой живописи, особенно среди студентов, хотя он считается слишком гибким для очень больших картин.Классифицируется по весу и текстуре поверхности.

Когда дело доходит до герметичности, хлопок выходит на первое место. Можно растянуть хлопок сильнее, чем лен, не напрягая деревянную опору вокруг холста, а хлопок плотных сортов может восполнить недостаток прочности и веса.

Белье

Лен прочный и долговечный, он остается предпочтительной поверхностью для многих художников. Но это дорого. Он производится из волокон льняного завода, а лен высшего качества собирают в основном в Западной Европе. Если вы хотите, чтобы ваша картина прослужила долго, льняной холст — хорошее вложение. Нити, из которых состоит белье, известные как нити основы и утка, весят одинаково, что означает, что они менее склонны к расширению или сжатию из-за влаги.

Лен сохраняет свои натуральные масла, которые помогают сохранить гибкость волокна и не дают холсту стать ломким. Он также считается более «естественным», чем хлопок. Доступны различные текстуры и веса как с грубой, так и с гладкой отделкой.

Благодаря своей прочности, лен выдерживает тяжелую рисовальную руку и не провисает так легко, как хлопчатобумажный холст.

Грунтовка и калибровка

Грунтование холста путем нанесения одного или двух слоев гипса на поверхность, будь то хлопок или лен, может помочь во многих отношениях. Белый слой левкаса — одного из самых популярных грунтовок — под видимой поверхностью картины делает все цвета на картине немного ярче. Незагрунтованный холст также может впитать всю краску, в результате чего часть ее может исчезнуть в холсте или сгуститься на его поверхности.

Если вы собираетесь загрунтовать хлопчатобумажный холст и хотите использовать масляную или акриловую краску, то обычно используется акриловая грунтовка для левкаса.

Лен бывает трудно загрунтовать и правильно растянуть, но как только вы освоите это, оно обеспечит самую гладкую и жесткую окрашиваемую поверхность. При грунтовании льняного полотна можно использовать акриловую грунтовку или масляную грунтовку. Акриловая грунтовка дешевле, и вы можете использовать как акриловую, так и масляную краску на загрунтованной поверхности.

Калибровка

Если вы используете масляную грунтовку для хлопка или льна, то поверхность сначала необходимо «проклеить» клеем для кожи кролика или клеем из поливинилацетата (ПВА).Проклейка — это процесс, при котором поры на поверхности заполняются клеевым материалом и предотвращается просачивание жидкости. Это также помогает сделать ткань более жесткой. Если нанести масляную краску на холст нестандартного размера, масло со временем ослабит волокна, и изображение на поверхности может потускнеть.

Важно помнить, что при нанесении клея из кроличьей кожи или нейтрального клея ПВА на хлопок или лен холст не следует растягивать слишком сильно. Оба размера очень текучие, и из-за них ткань сжимается до такой степени, что подрамники могут деформироваться.

Холсты грунтованные

Размер и грунтовка холста не требуется. Winsor & Newton предлагает предварительно натянутые холсты из хлопка и льна с акриловой грунтовкой как с обычными, так и с глубинными подрамниками (13/16 ″) и с глубокими краями (1 ″). Хлопковый холст доступен в весах 10 и 11 унций на квадратный ярд, а льняной холст — 12,6 унций на квадратный ярд. Размеры варьируются от 4 ″ x4 ″ до 48 ″ x60 ″.

Если вы просто хотите растянуть собственное полотно, но не хотите делать собственное грунтование, Winsor & Newton предлагает рулонные полотна из хлопка, готовые к нанесению грунтовкой.Если вы все же хотите выполнить грунтовку самостоятельно, можно использовать холсты без грунтовки.

Брезентовые доски

Winsor & Newton Artists ‘Artists’ отлично подходят для учебы и проектов художественной школы, они поставляются готовыми и загрунтованными в различных размерах. Их можно использовать с маслом, водным смешиванием масла, алкидными и акриловыми красками.

Мелкие детали

Если вы работаете над такими объектами, как портреты, натюрморты и другие подробные работы, хлопковое полотно Winsor & Newton Fine Detail Cotton Canvas является идеальной поверхностью.Он имеет размер и грунтовку, что обеспечивает исключительно гладкую поверхность для масляных, алкидных и акриловых красок.

Льняной сноббери (льняной холст против хлопкового холста)

Посетители моей галереи регулярно спрашивают, почему я предпочитаю льняной холст хлопку. Я рисую маслом на льняной ткани в течение последних нескольких лет, но вначале я использовал исключительно хлопок.

Весело работая, я начал замечать, что многие художники, которыми я восхищался, писали не на хлопке, а на льняной ткани.Думая, что я открыл секрет лучших картин, я купил льняное панно и попробовал. К своему ужасу, я помню, как подумал: «Что в этом такого особенного?»

Я думаю, что это было слишком рано, чтобы заметить разницу. В процессе покраски нужно думать о более важных вещах, чем качество поверхности, верно? Тема сообщения. Дизайн. Точность рисования. Ценность. Смешивание цветов. Какую кисть мне использовать? Какого цвета эта тень? Кто-нибудь только что видел, как я пролил свой уайт-спирит по всему полу? И Т. Д.И т. Д. И т. Д.

В конце концов, повторив этот процесс еще на нескольких сотнях ничего не подозревающих хлопковых холстов, я немного освоился с моей техникой рисования и с меньшей вероятностью смог создать красочную прямоугольную фрисби. И я снова попробовала белье.

На этот раз я обнаружил, что поверхность, похоже, лучше запечатана. Краска не так сильно впиталась. Я мог стереть краску до почти белого холста внизу. Кроме того, у льна была более уникальная текстура. Были недостатки, которые можно было оставить, чтобы показать дополнительный характер.Были доступны более или менее плотные переплетения для более или менее текстуры. И это даже дороже!

В ходе дальнейших исследований я узнал, что льняной холст (сделанный из льна) обычно грунтуют грунтовкой на масляной основе. Хлопковое полотно (сделанное, ну, из хлопка) часто грунтуют гипсом на акриловой основе. Как масляный художник, я решил, что имеет смысл рисовать на поверхности, загрунтованной маслом, для лучшего сцепления между грунтовкой и краской. Кроме того, мне понравилось, как поверхность позволила мне лучше контролировать нанесение краски.

Так я стал льняным снобом. Чаще всего покупаю большие рулоны Claessens №15 с двойной грунтовкой. Раньше я натягивал его на подрамники разных размеров. Сейчас предпочитаю клеить на панели. (Щелкните здесь, чтобы узнать почему. И щелкните следующую ссылку, если хотите узнать, как сделать свои собственные полотняные панели.)

Попробуйте льняное белье с масляной грунтовкой, если вы еще этого не сделали. Или, если вы решили какое-то время придерживаться хлопка, сделайте себе одолжение и держитесь подальше от дешевых небрендовых холщовых панелей, установленных на картоне.В магазинах для рукоделия иногда есть ужасные, которые впитывают почти столько же краски, сколько вы в них бросаете. Если у вас уже есть их пачка, нанесите слой масляной грунтовки из художественного магазина.

Кто-нибудь еще там льняной сноб?

Картина зимнего дерева с ватными шариками

Эта картина с изображением зимнего дерева с ватными шариками — это веселая и легкая зимняя поделка, которая понравится детям любого возраста. Мне нравится пушистая текстура снега, которую ватные шарики создают на ветвях, и контраст черной ветки и белого снега на фоне голубого неба.Мы также добавили симпатичную красную птичку с отпечатками пальцев, чтобы добавить яркости.

Этот зимний проект — последнее дерево из ватных тампонов, которое мы сделали. Здесь есть красивая картина с цветком весенней сакуры, яркое летнее апельсиновое дерево и великолепное осеннее дерево, разрисованное ватными шариками.

Рисование на ватных шариках — это забавная и неожиданная техника для изучения детьми. Оба моих ребенка любят рисовать ватными шариками, это дает красивую пушистую текстуру, которая идеально подходит для создания листьев, цветов и, в данном случае, пушистого белого снега.

Нам нравится изучать различные техники рисования. Взгляните на мою коллекцию идей рисования для детей, чтобы попробовать еще больше веселых и творческих художественных проектов!

Я создал для вас распечатанный шаблон ветки, который идеально подходит для детей младшего возраста и детей, которые предпочли бы не рисовать свою ветку. Вы можете распечатать его на картоне и сразу же приступить к рисованию.

Вы можете загрузить этот шаблон как часть моей бесплатной библиотеки для печати.Ссылка для регистрации находится ниже.

Этот пост содержит бесплатные партнерские ссылки. Если вам нужна дополнительная информация, ознакомьтесь с моей политикой конфиденциальности и раскрытия информации.

1. Во-первых, вам нужно решить, собираетесь ли вы вытягивать ветку или использовать мой шаблон. Вы можете скачать свой шаблон ниже. Для этого проекта мы использовали холст, разрезанный пополам до 12 x 8 дюймов, он отлично работает, а цвета получаются яркими.Также можно использовать брезентовую доску или натянутый холст, подойдет все, что угодно.

2. Сначала нарисуйте фон, мы использовали красивый яркий синий цвет, а затем добавили немного белого для текстуры и интереса. Использование кисти большего размера для рисования фона облегчит задачу для детей.

3. Когда небо полностью высохнет, нарисуйте ветку. Если вы используете печатную версию, вы можете просто пропустить этот шаг. Закрашивание фона в синий цвет не должно закрывать контур ветки.

4. Покрасьте ветку в черный цвет, мне нравится использовать кисть меньшего размера для этого шага. Это помогает детям рисовать более тонкие ветки и получать более четкие детали. Дайте ветке полностью высохнуть.

5. Теперь пора нарисовать милую маленькую рыжую птичку. Мне нравится эта забавная цветная композиция, а использование отпечатков пальцев ребенка делает ее особенной. Дети могут выбрать, куда они хотят направить свою птицу, и по отпечатку пальца сделать птицу голову.Затем они могут использовать свой указательный палец, чтобы сделать туловище птицы.

6. Дайте птице полностью высохнуть и предложите детям нарисовать лапки, клюв и глаз черной ручкой или маркером с тонким кончиком.

7. Теперь по снегу! Дети могут делать кисти из ватного тампона с прищепкой и ватным тампоном. Обмакните ватный диск в белую краску и нарисуйте снег. Детям понравится этот шаг и создание своей снежной ветки.

Эта зимняя елка — простая зимняя поделка, которую дети будут любить создавать.Рисование ватными шариками — это увлекательный процесс, который дети могут исследовать, а использование отпечатков пальцев, чтобы сделать красную птицу, делает эту картину особенной.

Если вы ищете больше идей для зимних проектов, посмотрите мою коллекцию красивых зимних рисунков для детей!

Мы любим творить и исследовать, используя различные художественные принадлежности и техники. Если вы хотите попробовать другие художественные проекты, взгляните на нашу лучшую коллекцию удивительных художественных проектов для детей!

Нажмите здесь, чтобы подписаться на мой информационный бюллетень по электронной почте и получить доступ к бесплатной библиотеке для печати .После подтверждения электронной почты вы получите приветственное письмо со всеми подробностями.

Зимняя царапина с рисунком нарвала для печати

Поделка «Зимний снежный шар» с мелкой пастелью

Подпишитесь на меня в Pinterest, чтобы получить больше отличных идей для проектов

Все, что вам нужно знать

Картина на холсте для начинающих

В предыдущем посте я обсуждал разные сорта акварельной бумаги, так что, честно говоря, это руководство по художественным принадлежностям даст представление о том, как подготовить холст к непрозрачным материалам: масло, акрил и пастель.

В ведущих художественных магазинах вы найдете уже изготовленные холсты и брезентовые доски. Некоторые из них очень дороги, например, лен (20 долларов за холст размером 12 x 16 дюймов), и вы даже можете найти такой же размер в долларовом магазине (2 доллара за холст 12 x 16). Стоит ли это того? Стоят ли сэкономить на дешевых полотнах?

Я попробовал долларовые магазинные и обнаружил, что некоторые из них недоработаны, поэтому я добавляю еще один слой левкаса. Должен ли я выбрать средний диапазон? Художники постоянно сталкиваются с этой дилеммой, и я верю, что моя профессиональная проницательность поможет вам принять правильное решение.

Образец картины Йоханнеса Влоотуйса

Лен против хлопчатобумажной ткани

Лен — самая дорогая из всех поверхностей. Многие профессионалы отмечают, что их пленэрные картины написаны на этой поверхности. Создается впечатление, что они могут себе это позволить и успешны. Фактически, вы часто будете видеть название картины плюс «на полотне», указанное под их картинами.

Я признаю, что лен лучше подходит для рисования, чем хлопок. Но я не думаю, что это стоит дополнительных затрат, если вам не платят за эту картину или вы не знаете, что продадите ее.Коллекционер будет гордиться приобретением, зная, что вы использовали лучшие материалы.

Кроме того, продолжительность не является причиной для оправдания предпочтения хлопка или льна, потому что оба используют одни и те же грунтовки. Некоторые художники жалуются, что плетение хлопкового полотна слишком механическое, тогда как полотно более случайное. Также стоит отметить, что многие ведущие художники-пейзажисты прибегают к сухой кисти; лен прекрасно поддается этим эффектам, потому что некоторые участки ткани более выпуклые.

Крупный план льняного холста для художников.Обратите внимание на неправильный узор.

Если у вас нет лишних денег, я не думаю, что затраты оправдывают работу над льняным холстом для рисования. Холсты из хлопка и льна грунтованы акриловыми красками или маслом. Акриловые грунтованные грунтовкой поверхности имеют немного большее трение, что дает вам больше контроля кисти для детализации, тогда как грунтованные маслом поверхности более скользкие (Примечание: не используйте грунтованный маслом холст для акриловых красок.)

Ни один из них не лучше другого. Это личное предпочтение. Обе эти ткани либо растягиваются и закрепляются на деревянных брусках, либо наклеиваются на картон и продаются в коммерческих целях.На мой взгляд, демонстрация картины на картоне для коллекционера выглядит дешево, даже если на нее наклеено полотно. Он также не обеспечивает достаточной защиты от влаги и насекомых.

Натяжные полотна повысят цену. Некоторым художникам нравится пружина или ощущение тугого барабана натянутого холста. Для меня это не имеет значения. В качестве примечания: я считаю, что слишком много внимания преподавателей уделяется принадлежностям для рисования, а не строительным блокам хорошего дизайна для рисования. Если вы разбираетесь в технике, поверхность не представляет особой проблемы.

Крупный план хлопкового холста для художников. Зуб в порядке.

Подготовка окрашиваемых поверхностей

Если у вас есть время подготовить свои собственные покрасочные поверхности и вы хотите сохранить комплект, особенно если вы много рисуете, прочтите некоторые варианты, с которыми вы можете поэкспериментировать. Если вы все же хотите использовать лен или хлопок, вы можете купить их в рулоне, вырезать собственные размеры, а затем приклеить их к деревянным панелям.

Вы можете использовать акриловую гелевую среду в качестве клея для нескольких штук или купить галлон клея Miracle Muck, если вы собираетесь производить их серийно.Стоимость единицы значительно снизится, поскольку труд больше не учитывается.

Установка их на подрамники не стоит труда, так что забудьте об этом. Лучший вариант — заказать в лесном магазине березовую панель размером 8 х 4 фута и попросить ее разрезать эту панель на более мелкие части. Я в основном работаю с холстами 9 x 12, 11 x 14 или 12 x 16 для наружной живописи и своих онлайн-демонстраций искусства.

Поскольку в магазинах пиломатериалов обычно не взимается плата за распилку, экономия значительна. Эти необработанные доски также хорошо впитывают клей.У вас получится довольно много отдельных досок.

Когда у вас есть эти единицы, у вас есть следующие два варианта:

1. Вставить отрезки, вырезанные из рулона . Если вы решите наклеить рулон, убедитесь, что размер на 1/4 дюйма больше с каждой стороны, чтобы компенсировать усадку ткани при намокании клеем. Затем срежьте остатки. Это все еще требует некоторой работы.
2. Gesso ваша собственная поверхность . Учтите, что тонкие доски будут коробиться, когда станут влажными.При добавлении клея или гипса смачивайте обе стороны. Для небольших панелей можно использовать доски 1/8 дюйма; 1/4 дюйма понадобится для больших размеров; 1/2 дюйма для 24 × 30 дюймов или больше. Древесина березы легкая, поэтому эти полотна удобны для транспортировки в пленэрном путешествии по живописи.

Нанесение гипса

Самый жизнеспособный вариант, на мой взгляд, — это гипс на собственном лакокрасочном покрытии. Опять же, успех картины зависит от вашего решения (именно в этом вам помогут мои онлайн-классы), а не от поверхности.Я ленивый художник и хочу работать как можно меньше. Я предпочитаю использовать левкас вместо холста. Есть три варианта грунтовки поверхности:

1. Плоский гладкий нетекстурированный левкас. Подходит для мелких деталей, таких как дикая природа и портреты. Нанесите три слоя и не поливайте.
2. Поверхность с мягкой текстурой . Gesso с Liquitex Super Heavy Gesso с помощью тонкого тканевого валика. Не поливать. Это оставит некоторые заостренные выступы и хорошо подойдет для сухой чистки, которую я часто использую для обозначения листвы и травы на пейзажных картинах.После каждого слоя шлифуйте поверхность, чтобы выступы не были слишком заметными. Нанесите всего два слоя. Я считаю, что эти подготовленные панели лучше всего подходят для небольших размеров.
3. Поверхность с тяжелой текстурой . Это отличный вариант для убедительной демонстрации текстуры ландшафта. Вы также можете сэкономить много денег на краске. Я бы использовал это для рисования размером более 16 x 20 дюймов. Практическое правило: небольшие панели для простоты не должны приобретать тяжелую текстуру; увеличивайте текстуру по мере увеличения размера.Сделайте общий пейзажный рисунок на первом слое гипса Liquitex Super Heavy гладким слоем. Таким же образом нанесите второй слой прямо из емкости и нарисуйте формы, сильно нагружая кисть.

Например, водопад будет иметь нисходящие штрихи, следующие за движением воды. Деревья принимали сломанные, прерывистые движения. Нарисуйте камни «мазками пластыря» или даже мастихином с белым тяжелым левкасом.

Помните, вы имитируете фактическое нанесение цветного пигмента.Представьте, что вы на самом деле рисуете. Для контраста оставьте гладкие участки без текстуры, например озера, реки и небо. Важно иметь гладкие и текстурированные области, чтобы текстура выделялась по сравнению с гладкими областями.

Образец текстурированного холста с Liquitex Super Heavy Gesso

Дайте покрытой грунтовкой поверхности высохнуть пару дней, затем нанесите краску. Но в этом случае вам не нужно наносить тяжелую краску, потому что вы уже сделали это с помощью левкаса — отличный метод экономии!

Помните, что панель 12 x 16 может деформироваться, поэтому намочите противоположную сторону, когда будете наносить первый слой левкаса.Вся эта процедура улучшит картину и поможет передать трехмерный аспект.

Тонированный холст

Тонирование холста

Здесь вы можете подумать: это здорово, но что вы делаете при работе с пастелью? Пастельная бумага бывает разных цветов. Вы также можете тонировать холст перед рисованием. Я использую жженый акрил сиены с очень небольшим количеством воды и наношу тонкую прозрачную мазку на белый холст. Сделать это можно на любой грунтованной поверхности.

Преимущество тонирования в том, что при нанесении тонкой краски на темные участки, например, на летних деревьях, часть этого апельсина будет светиться. Я делаю это для зеленых деревьев. Вы также можете настроить холст на серо-голубой на случай ноктюрна или туманного дня. Этот крутой фон повлияет на цвета. Это также помогает избежать появления маленьких белых точек там, где краска не полностью покрывала холст.

Подготовка окрашиваемых поверхностей для пастели

Чаще всего художники пастели рисуют на шлифованной бумаге.Некоторым это может показаться не очень презентабельным для коллекционеров, потому что картина написана на «бумаге», и художник может захотеть сделать их более красивыми и убедительными.

Вы можете самостоятельно приготовить пастельные доски на пастельной основе, продаваемой в крупных художественных магазинах, а затем просто следовать инструкциям на упаковке. Удачи и творчества, художники!

Хотите больше от Йоханнеса?

«Основы пейзажной живописи» Йоханнеса Влоотуйса и другие видеокурсы доступны в Интернете.

Кроме того, для немедленной загрузки доступен популярный видеоролик « Пейзажная живопись» Йоханнеса «Решение проблем» «»!

И, поскольку нам тоже мало Vloothuis, вот короткая видеодемонстрация от художника простой техники рисования пучков листвы акрилом. Наслаждаться!

Легкая техника рисования цветов с помощью ватных тампонов для начинающих

Если у вас закончились идеи, вот забавная идея: давайте создадим легкую цветочную роспись с помощью техники для начинающих, придуманной Джеем Ли! В этом уроке мы воспользуемся обычным косметическим инструментом, чтобы быстро выполнить упражнение с акварелью и получить отличные результаты.Спасибо, что поделились таким ловким трюком, Джей!

Используемые материалы:

• Лист Saunders Waterford (190–300 г / м²), Arches Aquarelle (185 г / м²) или любая бумага для горячего прессования для акварели
• ShinHan Watercolour Aluminium Palette A30
• Емкость с водой
• Бумажные полотенца или тряпка
• 3-4 пакета ватных тампонов
• Резинки

ShinHan Professional Watercolors

• Красный
• Красный Фиолетовый
• Фиолетовый
• Красный Охра
• Изумрудно-зеленый оттенок

  7

• Кисть круглая (нет. 6)
• Круглая кисть (№ 12)

Шаг 1. Подготовка инструмента для рисования

Пучки ватных тампонов — важный инструмент в создании этого простого цветочного рисунка. Чтобы сделать один, возьмите пригоршню ватных тампонов и скрепите их резинкой. Оберните резиновую ленту как можно плотнее, чтобы ни один из ватных тампонов не высвободился.

Убедитесь, что ватные палочки имеют более или менее ровную высоту, слегка приклеив одну сторону ленты на плоскую поверхность.Вы также можете варьировать размер связки.

Шаг 2: Подготовка краски

Следующее, что вам нужно сделать, это подготовить краску.

Выдавите красный, красно-фиолетовый и фиолетовый в отдельные лунки палитры, затем добавьте воды в каждую из них. Используйте кисть, чтобы смешать краску и воду, пока краска не станет равномерно разбавленной. Не забудьте прополоскать кисть перед смешиванием следующего цвета, чтобы цвета оставались чистыми.

Шаг 3. Загрузка связки ватных тампонов

Возьмите связку ватных тампонов и налейте в нее красный. Сделайте это, вдавив одну сторону в краску, пока ватные палочки не впитают приличное количество.

Таким образом можно повторно загружать пачку ватных тампонов на протяжении всего процесса покраски. Не забудьте использовать по одной пачке для каждого цвета, чтобы не испортить ваши цвета.

Шаг 4: Укладка первого слоя

А теперь самое время для самого интересного!

Положите первый слой, промокнув загруженным тампоном на бумагу. Ваш самодельный инструмент создаст уникальную точечную текстуру, с которой вы можете поиграть, чтобы легко нарисовать цветок.

Чтобы получить форму капли дождя, просто измените способ удерживания связки ватных тампонов. Если вы держите его вертикально, вы можете покрыть много места, так что сделайте это для тела цветка. Чтобы создать конический наконечник, переключитесь на диагональный захват и используйте стороны пучка. Это даст вам более узкий охват и больший контроль.

Имейте в виду, что сила давления, которую вы прикладываете, также дает вам различные эффекты для игры. Более сильное нажатие даст вам более темные и большие точки, а более легкое прикосновение даст вам более мягкие и мелкие точки.

Шаг 5: Создание цветов

Возьмите еще один пучок ватных тампонов и залейте его красно-фиолетовым. Пока первый слой еще влажный, нанесите его на бумагу, чтобы два цвета смешались друг с другом. Держите нажатой лампу, чтобы красно-фиолетовые точки не смешались с красными точками полностью.

Как только этот слой будет закончен, добавьте третий слой цвета с фиолетовым, также работая мокрым по мокрому, но используя меньшую связку, чтобы покрыть меньшую площадь.

Шаг 6: Добавление второго акварельного цветка

Теперь, когда первый цветок готов, давайте подарим ему компаньона! Вы можете повторить шаги с 3 по 5, поместив этот новый акварельный цветок над тем, который вы только что сделали.

Самое лучшее в этой технике для начинающих — это то, что вам не нужно слишком осторожно подходить к тому, куда вы наносите краску. Поскольку оба цветка не имеют четкого очертания, можно позволить им смешаться вместе, где они пересекаются!

Шаг 7. Рисование стеблей

Мы почти закончили, поэтому давайте добавим несколько деталей, чтобы связать эту простую цветочную картину.

Получите № 6 круглой кистью и смешайте красную охру и изумрудно-зеленый оттенок. Кончиком кисти слегка нарисуйте стебель каждого цветка.Проденьте стебель в основание цветка, добавив небольшие капли зелено-коричневой смеси в красноватые точки. Это создает эффект, будто стебель выглядывает сквозь лепестки цветов.

Наконец, добавьте стержни меньшего размера, которые разветвляются по диагонали.

Шаг 8: Окрашивание конических листьев

Теперь последний элемент: листья!

Переключиться на нет. 12 круглой кистью и добавьте больше Emerald Green Hue, чтобы усилить зеленый оттенок.

Нарисуйте большой лист спереди, используя мазок кисти, сужающийся по краям.Для этого начните мазок кончиком кисти, надавите, чтобы сделать мазок шире в середине, затем ослабьте давление в конце. Добавьте вторую половину листа таким же образом и не забудьте оставить линию белого пространства посередине, чтобы обозначить центр листа.

Для небольших листьев вам нужно нанести мазок кистью со скошенными краями только один раз. Не забудьте соединить листья со стеблями методом мокрого по сухому.

И вот, простая цветочная картина акварелью, созданная простым импровизированным инструментом!

Если вы хотите увидеть, как Джей продемонстрирует эту технику для начинающих, вот его обучающее видео:

Рисование ватными кончиками — Мой скучающий малыш

Почему бы не поделиться этим постом!

Если вам не нравится рисовать в грязи, тогда рисование ватными палочками — отличный способ научить вашего малыша рисовать .Нет необходимости стирать что-либо (кроме, может быть, вашего ребенка!), И вы можете выбросить ватные палочки, когда закончите.

Рисование хлопковыми кончиками

Рисование хлопчатобумажными кончиками — это наша задача на четвертый день нашего 10-дневного конкурса рисования для малышей (, зарегистрироваться ЗДЕСЬ, ). Вчера, , мы сделали картины с бабочками , которые всем, казалось, понравились, поэтому сегодня мы собираемся немного меньше. грязная деятельность. Но никаких обещаний! Теперь я называю их ватными наконечниками, но я знаю, что они также называются Q-наконечниками.В любом случае, это то, что вам нужно! Не забудьте поделиться своими готовыми изображениями в нашей группе Facebook и более в Instagram — используйте #MyBoredToddler , чтобы мы все могли видеть (подсказка: теперь вы можете подписаться на #MyBoredToddler в Instagram)

Полный список моих предметов, которые я рекомендую для 10-дневного конкурса рисования, можно найти ЗДЕСЬ.

Как начать рисовать хлопковыми кончиками

Для этого рисования вам не нужно столько краски, сколько обычно.Мне нравится добавлять ватный кончик в каждый цвет краски, чтобы было легче. Это также останавливает много смешения цветов (хотя это все равно произойдет!).

Есть много разных способов рисования ватными палочками. Нам нравится начинать с точек, а затем с полос. Вы обнаружите, что затем ваш ребенок будет пытаться рисовать с ними «обычным образом», что хорошо работает. Если у вас есть дети постарше, обязательно привлекайте их к этому занятию — ограничений по возрасту нет! Мои дети на самом деле в конечном итоге объединили несколько техник рисования — мы превратили рисование ватным кончиком в картины с бабочками!

Мне не терпится увидеть, что творит ваш ребенок.Не забудьте поделиться своими готовыми изображениями в нашей группе Facebook и более в Instagram — используйте #MyBoredToddler , чтобы мы все могли видеть (подсказка: теперь вы можете подписаться на #MyBoredToddler в Instagram)

Если вам все еще нужно зарегистрироваться для участия в нашем испытании, вы можете зарегистрироваться ЗДЕСЬ.

Завтра мы будем рисовать валиком (вам понадобится такая простая валиковая кисть), и если вы не можете дождаться завтрашнего электронного письма, можете перейти к завтрашнему мероприятию ЗДЕСЬ.

Еще несколько мероприятий, которые могут вам понравиться:

Поделки из бумажных тарелок для малышей

Очень голодные ремесла гусеницы

Рекомендуемый художник: Деб Коттон

Рекомендуемый художник: Деб Коттон

Деб Коттон — художница и преподаватель с собственными мастерскими по производству вина и холста в Онтарио, Канада.Ее часто можно встретить в местном пабе, где она обучает студентов-художников, которые никогда раньше не рисовали. Благодаря ее непринужденным и информативным семинарам, наряду с использованием кистей Royal & Langnickel, ее ученикам неизменно нравится, как получаются их картины. Мы хотели узнать больше о ее творческом процессе и о том, что помогло ей добиться такого успеха.

В. Какие ваши любимые кисти Royal & Langnickel?

A: Как художник, мне очень нравится использовать удивительную линейку кистей Royal & Langickel! Вот несколько моих любимых:

Majestic ^™ Короткие шейдеры: Они похожи на плоскую кисть с квадратными щетинками и острым краем.Щетинки намного короче, поэтому их легче контролировать свободными и прерывистыми движениями.

Majestic ^™ Патроны: Это отличные щетки для контроля и точности. Прикладывая небольшое усилие, вы сгладите живот кисти, создавая толстые или тонкие линии.

Zen ^™ Soft Scrubber: Одно из последних пополнений в моей линейке. Эта кисть имеет форму фундука и отлично подходит для смешивания цветов краски «мокрый по мокрому» и образования ржавчины.

Q: Когда и как вы начинали как художник?

A: В юности я всегда любила искусство и восхищалась им. Когда мы навещали моего дедушку, он всегда ждал меня с черным бархатным набором для раскрашивания по номерам! Помните те? Я сидел наверху в спальне и рисовал сколько душе угодно. В государственной школе меня признали за мое искусство.Одна из моих абстрактных картин маслом 4’x5 ‘из школьного проекта несколько месяцев выставлялась в местном художественном музее. Одно вело к другому, и моя карьера в конце концов пошла вверх, между рисованием для многих журналов, таких как Paint Works, и созданием оригинальных уникальных дизайнов.

Q: Какие художники вдохновили вас на творчество?

A: Меня вдохновляли многие художники.Я помню, как воссоздал одну из работ Пикассо для школьного проекта, и мне это понравилось. Меня заинтриговало столько стилей живописи — от эпохи Возрождения до современного искусства — что это исходит от всего. Я всегда восхищался винтажем. Особенно знаки в старинном стиле, которые определенно вдохновили мои первые книги «Живопись в винтажном стиле I» и «Живопись в винтажном стиле II», в которых вы можете найти уникальные картины в винтажном стиле с запоминающимися лозунгами.

Q: С какой средой вы предпочитаете работать?

A: Я пробовала использовать разные материалы, но считаю, что акрил лучше всего подходит для меня.Я могу использовать их прямо, смешивать их, работая «мокрым по мокрому», используя техники масляной живописи, и все же разбавлять их и работать в более акварельном стиле.

Q: Что вам больше всего нравится в обучении искусству других?

Мне нравится видеть на лицах учеников удовлетворение своими достижениями и их самодовольство своими творениями. Искусство — это форма терапии, и люди теряют себя, когда рисуют.Они забывают обо всем остальном и сосредотачиваются на своем полотне. Я просто здесь, чтобы направлять их и показывать методы, которые помогают им достичь собственных результатов. В свою очередь, мне очень приятно чувствовать, что я коснулся их жизни позитивным и приятным образом.

Q: Вы можете описать свой творческий процесс?

Множество разных вещей может вдохновить на творческий процесс. Он может начинаться с поверхности для рисования, поскольку иногда он уже говорит вам, что ему нужно, что-то осязаемое, например, старый ржавый пикап, говорящий «нарисуйте меня! Нарисуйте меня!», Или комнату, нуждающуюся в искусстве, чтобы завершить или вдохновить его декор . Это всего лишь несколько примеров, но как только творческие соки растекаются, все начинает развиваться от выбора цвета к стилю и т. Д. Иногда вы можете быть настолько вдохновлены, что не можете отложить кисть! Обожаю, когда это происходит!

Q: Вы всегда хотели превратить свою творческую страсть в карьеру? Что заставило вас пойти на это?

A: Искусство всегда было для меня страстью и всегда было в моей жизни так или иначе.От восстановления обветшалых домов в сокровища до создания уникальных, единственных в своем роде картин. В 2004 году ко мне обратилась Линда Хеллер, редактор Paint Works, чтобы написать мою первую статью для их журнала. Я был глупо пощекотан и так впечатлен и польщен, что им понравились мои работы настолько, что они опубликовали, что, полагаю, я упал на пятки, и это взлетело с этого момента.

Q: Какой совет вы бы дали начинающему художнику?

A: «Будьте верны себе.»Это значит быть вдохновленным другими художниками, стилями и т. Д., Но попробуйте разные методы и средства, чтобы узнать, что работает для вас.

Чтобы связаться с Деб и узнать больше о ее творчестве, посетите ее веб-сайт: www.simply-cotton.com

Если вы живете недалеко от Онтарио (Канада) (или собираетесь его посетить), обратите внимание на ее мероприятия Wine & Canvas!

Deb’s Wine & Paint

.

Импрессионизм современных художников. Техника написания картин. Философия импрессионизма в живописи

Европейское искусство конца 19-го века было обогащено возникновением модернистского Позже его влияние распространилось на музыку и литературу. Оно получило название «импрессионизм», поскольку основывалось на тончайших впечатлениях художника, образах и настроениях.

Истоки и история возникновения

Несколько молодых художников во второй половине 19-го века объединились в группу. У них была общая цель и совпадали интересы. Главным для этой компании стала работа на природе, без стен мастерской и различных сдерживающих факторов. В своих картинах они стремились передать всю чувственность, впечатление от игры света и тени. Пейзажи и портреты отражали единение души с Вселенной, с окружающим миром. Их картины — подлинная поэзия красок.

В 1874 году проходила выставка этой группы художников. Пейзаж Клода Моне «Впечатление. Восход солнца» остановил взгляд критика, который в своем отзыве впервые назвал этих творцов импрессионистами (от французского impression — «впечатление»).

Предпосылками рождения стиля импрессионизм, картины представителей которого вскоре обретут невероятный успех, стали работы эпохи Возрождения. Творчество испанцев Веласкеса, Эль Греко, англичан Тернера, Констебла безоговорочно повлияло на французов, которые были родоначальниками импрессионизма.

Яркими представителями стиля во Франции стали Писсарро, Мане, Дега, Сислей, Сезан, Моне, Ренуар и другие.

Философия импрессионизма в живописи

Художники, писавшие в этом стиле, не ставили перед собой задачи привлечь внимание общественности к и бедам. В их работах не найти сюжетов на злобу дня, нельзя получить нравоучение или заметить людские противоречия.

Картины в стиле импрессионизм направлены на передачу сиюминутного настроения, разработку цветовых решений загадочной природы. В произведениях есть место только позитивному началу, мрачность обходила импрессионистов стороной.

По сути, импрессионисты не утруждали себя продумыванием сюжета и деталей. Главнейшим фактором было не что нарисовать, а каким образом изобразить и передать свое настроение.

Техника написания картин

Колоссальна разница между академической манерой рисования и техникой импрессионистов. От многих методов они просто отказались, некоторые изменили до неузнаваемости. Вот какие новшества они внесли:

1. Отказались от контура. Произошла замена его на мазки — мелкие и контрастные.
2. Перестали использовать палитры для Были подобраны цвета, дополняющие друг друга и не требующие слияния для получения определенного эффекта. Например, желтый — фиолетовый.
3. Прекратили рисовать черным цветом.
4. Полностью отказались от работы в мастерских. Писали исключительно на натуре, дабы легче было запечатлеть миг, образ, чувство.
5. Использовали только краски, имеющие хорошую кроющую способность.
6. Не дожидались, когда высохнет новый слой. Свежие мазки наносили сразу же.
7. Создавали циклы произведений, чтобы проследить за изменениями света и тени. Например, «Стога сена» кисти Клода Моне.

Разумеется, не все художники выполняли в точности особенности стиля импрессионизм. Картины Эдуара Мане, например, никогда не участвовали в совместных выставках, а сам он позиционировал себя как отдельно стоящий художник. Эдгар Дега работал только в мастерских, однако качеству его произведений это не вредило.

Представители французского импрессионизма

Первая выставка работ импрессионистов датирована 1874 годом. Спустя 12 лет прошла их последняя экспозиция. Первым произведением в этом стиле можно назвать «Завтрак на траве» кисти Э. Мане. Эта картина была представлена в «Салоне отверженных». Она была встречена недружелюбно, поскольку сильно отличалась от академических канонов. Именно поэтому Мане становится фигурой, вокруг которой собирается кружок последователей этого стилистического направления.

К сожалению, современниками не был по достоинству оценен такой стиль, как импрессионизм. Картины и художники существовали в несогласии с официальным искусством.

Постепенно на первый план в коллективе живописцев выходит Клод Моне, который впоследствии станет их предводителем и главным идеологом импрессионизма.

Клод Моне (1840—1926)

Творчество этого художника можно охарактеризовать как гимн импрессионизма. Именно он первым отказался от использования черного цвета в своих картинах, мотивируя это тем, что даже тени и ночь имеют другие тона.

Мир в картинах Моне — это неясные очертания, пространные штрихи, глядя на которые можно прочувствовать весь спектр игры цвета дня и ночи, времен года, гармонии подлунного мира. Лишь мгновение, которое было выхвачено из жизненного потока, в понимании Моне и есть импрессионизм. Картины его будто не обладают материальностью, все они пропитаны лучами света и потоками воздуха.

Клодом Моне были созданы удивительные работы: «Вокзал Сен-Лазар», «Руанский собор», цикл «Мост Чаринг-Кросс» и многие другие.

Огюст Ренуар (1841—1919)

Творения Ренуара создают впечатление необыкновенной легкости, воздушности, эфирности. Сюжет рожден как будто случайно, однако известно, что художник тщательно продумывал все этапы своей работы и трудился с утра до ночи.

Отличительной особенностью творчества О. Ренуара является применение лессировки, которое возможно только при написании Импрессионизм в работах художника проявляется в каждом штрихе. Человек воспринимается им как частица самой природы, поэтому так многочисленны картины с обнаженной натурой.

Любимым занятием Ренуара было изображение женщины во всей ее привлекательной и притягательной красоте. Портреты занимают особое место в творческой жизни художника. «Зонтики», «Девушка с веером», «Завтрак гребцов» — только малая часть удивительной коллекции картин Огюста Ренуара.

Жорж Сера (1859—1891)

Процесс создания картин Сера связывал с научным обоснованием теории цвета. Световоздушная среда рисовалась на основе зависимости основных и добавочных тонов.

Несмотря на то что Ж. Сера является представителем завершающего этапа импрессионизма, и его техника во многом отлична от основоположников, он точно так же создает с помощью мазков иллюзорное представление предметной формы, рассмотреть и увидеть которое можно лишь на расстоянии.

Шедеврами творчества можно назвать картины «Воскресный день», «Канкан», «Натурщицы».

Представители русского импрессионизма

Русский импрессионизм возник практически спонтанно, смешал в себе многие явления и методы. Однако основой, как и у французов, было натурное видение процесса.

В русском импрессионизме хоть и были сохранены черты французского, но особенности национальной природы и состояния души внесли значительные изменения. Например, видение снега или северных пейзажей выражалось с помощью необычной техники.

В России немногие художники работали в стиле импрессионизм, картины их притягивают взгляды и по сей день.

Импрессионистический период можно выделить в творчестве Валентина Серова. Его «Девочка с персиками» — ярчайший пример и эталон этого стиля в России.

Картины покоряют своей свежестью и созвучием чистых красок. Главной темой творчества этого художника является изображение человека на природе. «Северная идиллия», «В лодке», «Федор Шаляпин» — яркие вехи деятельности К. Коровина.

Импрессионизм в современности

В настоящее время это направление в искусстве получило новую жизнь. В данном стиле несколько художников пишут свои картины. Современный импрессионизмсуществует в России (Андре Кон), во Франции (Лоран Парселье), в Америке (Диана Леонард).

Андре Кон является самым ярким представителем нового импрессионизма. Его картины, написанные маслом, поражают своей простотой. Художник видит прекрасное в обыденных вещах. Творец трактует многие предметы через призму движения.

Акварельные произведения Лорана Парселье знает весь мир. Его серию работ «Странный мир» выпустили в виде открыток. Великолепные, яркие и чувственные, они захватывают дух.

Как и в веке 19-м, в настоящий момент художников остается пленэрная живопись. Благодаря ей будет вечно жить импрессионизм. художников по-прежнему вдохновляют, впечатляют и воодушевляют.

Одним из крупнейших течений в искусстве последних десятилетий девятнадцатого века и начала двадцатого является импрессионизм, распространившийся по всему миру из Франции. Его представители занимались разработкой таких методов и приемов живописи, которые позволили бы наиболее живо и естественно отразить реальный мир в динамике, передать мимолетные впечатления от него.

В стиле импрессионизма создавали свои полотна многие художники, однако основателями движения были Клод Моне, Эдуард Мане, Огюст Ренуар, Альфред Сислей, Эдгар Дега, Фредерик Базиль, Камиль Писсаро. Невозможно назвать их самые лучшие работы, так как все они прекрасны, но есть наиболее известные, именно о них далее и пойдет речь.

Клод Моне: «Впечатление. Восходящее солнце»

Полотно, с которого следует начинать разговор про лучшие картины импрессионистов. Клод Моне написал его в 1872 году с натуры в старом порту французского Гавра. Спустя два года картина впервые была продемонстрирована публике в бывшей мастерской французского художника и карикатуриста Надара. Эта выставка стала судьбоносной для мира искусства. Впечатленный (не в лучшем смысле) работой Моне, название которой на оригинальном языке звучит как «Impression, soleil levant», журналист Луи Леруа впервые ввел в оборот термин «импрессионизм», обозначив им новое направление в живописи.

Картина была украдена в 1985 г. вместе с работами О. Ренуара и Б. Моризо. Обнаружили ее спустя пять лет. В настоящее время «Впечатление. Восходящее солнце» принадлежит музею Мармоттан-Моне в Париже.

Эдуард Моне: «Олимпия»

Картина «Олимпия», созданная французским импрессионистом Эдуардом Мане в 1863 г. , является одним из шедевров современной живописи. Она была впервые представлена на Парижском салоне в 1865 г. Художники-импрессионисты и их картины нередко оказывались в центре громких скандалов. Однако «Олимпия» стала причиной самого крупного из них за всю историю искусства.

На полотне мы видим обнаженную женщину, лицом и телом обращенную к зрителям. Второй персонаж — это темнокожая служанка, в руках которой завернутый в бумагу роскошный букет. У изножья кровати присутствует черный котенок в характерной позе с выгнутой спиной. Об истории создания картины известно не так много, до нас дошли лишь два эскиза. Моделью послужила, вероятнее всего, любимая натурщица Мане — Викторина Мёнар. Существует мнение, что художник использовал образ Маргариты Белланже — любовницы Наполеона.

В тот период творчества, когда создавалась «Олимпия», Мане был увлечен японским искусством, и поэтому намеренно отказался от проработки нюансов темного и светлого. Из-за этого его современники не увидели объемности изображенной фигуры, посчитали ее плоской и грубой. Художника обвинили в аморальности, вульгарности. Никогда до этого картины импрессионистов не вызывали подобного ажиотажа и глумления со стороны толпы. Администрация была вынуждена поставить охранников вокруг нее. Дега сравнил известность Мане, завоеванную посредством «Олимпии», и мужество, с которым он принял критику, с историей жизни Гарибальди.

Почти четверть века после выставки полотно хранилось в недоступной для посторонних глаз мастерского художника. Затем его вновь выставили в Париже в 1889 г. Ее чуть было не купили, но друзья художника собрали нужную сумму и выкупили «Олимпию» у вдовы Мане, а затем передали в дар государству. Ныне картина принадлежит музею Орсе в Париже.

Огюст Ренуар: «Большие купальщицы»

Картина написана французским художником в 1884-1887 гг. Принимая во внимание все ныне известные картины импрессионистов в промежутке между 1863 и началом двадцатого века, «Больших купальщиц» называют самым масштабным полотном с обнаженными женскими фигурами. Ренуар работал над ним более трех лет, и в этот промежуток было создано множество набросков, эскизов. Больше не было в его творчестве ни одной картины, который бы он посвятил столько времени.

На переднем плане зритель видит трех обнаженных женщин, две из которых находятся на берегу, а третья стоит в воде. Фигуры написаны очень реалистично и четко, что является характерной чертой стиля художника. Натурщицами Ренуара были Алина Шариго (его будущая жена) и Сюзанна Валадон, которая в будущем и сама стала известной художницей.

Эдгар Дега: «Голубые танцовщицы»

Маслом по холсту написаны не все перечисленные в статье известные картины импрессионистов. Фото выше позволяет понять, что представляет собой картина «Голубые танцовщицы». Выполнена она пастелью на бумажном листе размером 65х65 см и принадлежит к позднему периоду творчества художника (1897 г.). Он рисовал ее с уже ослабленным зрением, поэтому первостепенное значение придается декоративной организации: воспринимается изображение как большие цветные пятна, особенно если рассматривать его вблизи. Тема танцовщиц была близка Дега. Она неоднократно повторялась в его творчестве. Многие критики считают, что по гармонии цвета и композиции «Голубых танцовщиц» можно считать лучшей работой художника на данную тему. В настоящее время картина хранится в Музее искусств им. А. С.Пушкина в Москве.

Фредерик Базиль: «Розовое платье»

Один из основоположников французского импрессионизма Фредерик Базиль родился в буржуазной семье состоятельного винодела. Еще в годы обучения в лицее он стал увлекаться живописью. Переехав в Париж, завел знакомство с К. Моне и О. Ренуаром. К сожалению, художнику судьбой был уготован короткий жизненный путь. Он погиб в 28 лет на фронте во время франко-прусской войны. Однако его, пусть и немногочисленные, полотна по праву включают в список «Лучшие картины импрессионистов». Одна из них — это «Розовое платье», написанная в 1864 г. По всем признакам полотно можно отнести к раннему импрессионизму: колористические контрасты, внимание к цвету, солнечное освещение и остановленное мгновенье, то самое, что назвали «впечатлением». В качестве модели выступала одна из кузин художника Тереза де Хорс. В настоящее время картина принадлежит Музею Орсе в Париже.

Камиль Писсаро: «Бульвар Монмартр. После полудня, солнечно»

Камиль Писсаро прославился благодаря своим пейзажам, характерной особенностью которых является прорисовка света и освещенных предметов. Его работы оказали заметное влияние на жанр импрессионизма. Художник самостоятельно выработал многие присущие ему принципы, легшие в основу творчества в дальнейшем.

Писсаро любил писать одно и то же место в разное время суток. У него существует целая серия полотен с парижскими бульварами и улочками. Наиболее известная из них — «Бульвар Монмартр» (1897 г.). Она отражает все то очарование, которое художник видит в кипящей и неугомонной жизни этого уголка Парижа. Рассматривая бульвар с одного и того же места, он демонстрирует его зрителю в солнечный и пасмурный день, утром, после полудня и поздним вечером. На фото ниже — картина «Бульвар Монмартр ночью».

Эту манеру переняли впоследствии многие художники. Упомянем лишь о том, какие картины импрессионистов написаны под влиянием Писсаро. Данная тенденция отчетливо прослеживается в творчестве Моне (серия полотен «Стога»).

Альфред Сислей: «Лужайки весной»

«Лужайки весной» — это одна из самых поздних картин пейзажиста Альфреда Сислея, написанная в 1880-1881 гг. На ней зритель видит лесную дорожку вдоль берега Сены с деревушкой на противоположном берегу. На переднем плане девушка — дочь художника Жанна Сислей.

Пейзажи художника передают подлинную атмосферу исторической области Иль-де-Франс и хранят в себе особую мягкость и прозрачность природных явлений, характерных для конкретных времен года. Художник никогда не был сторонником необычных эффектов и придерживался простой композиции и ограниченной палитры красок. Ныне картина хранится в Национальной галерее Лондона.

Мы перечислили самые известные картины импрессионистов (с названиями и описанием). Это шедевры мировой живописи. Зародившийся во Франции уникальный стиль живописи поначалу был воспринят с насмешкой и иронией, критиками подчеркивалась откровенная небрежность художников в написании полотен. Сейчас же вряд ли кто осмелится оспорить их гениальность. Картины импрессионистов выставлены в самых престижных музеях мира и являются желанным экспонатом для любой частной коллекции.

Стиль не канул в Лету и имеет много последователей. Наш соотечественник Андрей Кох, французский живописец Лоран Парселье, американки Диана Леонард и Карен Тарлтон — это известные современные импрессионисты. Картины их выполнены в лучших традициях жанра, наполнены яркими красками, смелыми мазками и жизнью. На фото выше — работа Лорана Парселье «В лучах солнца».

Импрессионизм зачастую рассматривается именно как направление в живописи, зародившееся в XIX веке во Франции. Импрессионизм привнес в двойную революцию, которая одновременно отражается в видении мира и живописной технике. Он показывает живопись движущейся, эфемерной, ускользающей, делая акцент на уходящее мгновение в настоящем времени. Кроме того, импрессионизму свойственен свет, прикосновение, а также цветная вибрация.

Ярких представителей современного импрессионизма в живописи много, но в данной публикации мы сосредоточимся на четырех художниках — Andre Kohn (Россия), Laurent Parcelier (Франция), Diane Leonard и Karen Tarlton (США) — каждый из которых владеет уникальной техникой в живописи.

Andre Kohn — выходец из Волгограда, Российская Федерация. С 15 лет занялся серьезным изучением живописи под руководством Натальи Гавриченко и Анатолия Врубеля. Так как художник заслужил высокой похвалы в масляной живописи со стороны западных коллег, он мигрировал в Америку. На данный момент живет с семьей в Фениксе. Картины художника находятся в корпоративных, музейных и частных коллекциях Европы, Канады, США, Японии, Австралии и России.

Андре Кон является признанным лидером в области современного импрессионизма. Благодаря зрелому и свежему образному стилю, он всегда творит необычное из обычного. Предметы художника интерпретируются через поэзию движения. На американской арене импрессионист Andre Kohn считается одним из самых интересных фигур.

Современный французский импрессионизм в живописи Laurent Parcelier

Laurent Parcelier — маэстро акварели, современный французский импрессионист. Характерным в творчестве Порцельера является чистая и яркая манера передачи тех мест, где побывал сам художник. художника блистает светом, яркостью, импрессией. Авторские мазки и тона присущие только ему одному.

Современный американский импрессионизм в живописи Diane Leonard

Диана Леонард принадлежит к тем художникам, которые обрели мгновенную популярность. Начала творить с 20-летнего возраста и практически сразу ее талант оценили эксперты в области современной живописи. Diane Leonard — заслуженный на родине художник-импрессионист, а кроме того еще и писатель по совместительству. Полотна художницы скажут все сами за себя. Приятного просмотра!

Современный художник-импрессионист Karen Tarlton

Karen Tarlton в одном из личных интервью говорила о себе, как об универсальном художнике, работающем в жанре импрессионизм. По ее же словам, сильной стороной художницы является пленэрная живопись. Инструментом в создании авторских красочных полотен выступает , а вместе с ним и богатая цветовая палитра. В своих картинах Karen Tarlton всеми силами пытается вдохновить и порадовать зрителя сочетанием света, цвета и текстуры.

Карен — действующий специалист в импрессионистской живописи мастихином. Зачастую рисует пейзажи и портреты. На сегодняшний день живет и работает на Манхэттен-Бич, штат Калифорния.

Словосочетание «Русский импрессионизм» еще только год назад резало слух среднестатистическому гражданину нашей необъятной страны. Каждый образованный человек знает про легкий, светлый и стремительный французский импрессионизм, может отличить Моне от Мане и узнать из всех натюрмортов подсолнухи Ван Гога. Кто-то что-то слышал про американскую ветвь развития этого направления живописи – более урбанистические по сравнению с французскими пейзажи Гассама и портретные изображения Чейза. Но о существовании русского импрессионизма исследователи спорят по сей день.

Константин Коровин

История русского импрессионизма началась с картины «Портрет хористки» Константина Коровина, а также с непонимания и осуждения публики. Впервые увидев это произведение, И. Е. Репин не сразу поверил в то, что работа исполнена русским живописцем: «Испанец! Это видно. Смело, сочно пишет. Прекрасно. Но только это живопись для живописи. Испанец, правда, с темпераментом…». Сам Константин Алексеевич начал писать свои полотна в импрессионистической манере еще в студенческие годы, будучи не знакомым с картинами Сезанна, Моне и Ренуара, за долго до своего путешествия во Францию. Только благодаря опытному глазу Поленова Коровин узнал, что использует технику французов того времени, к которой пришел интуитивно. В то же время русского художника выдают сюжеты, которые он использует для своих картин, – признанный шедевр «Северная Идиллия», написанная в 1892 году и хранящаяся в Третьяковской галерее, демонстрирует нам любовь Коровина к русским традициям и фольклору. Эту любовь художнику привил «мамонтовский кружок» – сообщество творческой интеллигенции, в которое входили Репин, Поленов, Васнецов, Врубель и многие другие друзья известного мецената Саввы Мамонтова. В Абрамцево, где располагалась усадьба Мамонтова и где собирались члены художественного кружка, Коровину посчастливилось познакомиться и работать с Валентином Серовым. Благодаря этому знакомству творчество уже состоявшегося художника Серова приобрело черты легкого, светлого и стремительного импрессионизма, которые мы видим в одной из его ранних работ – «Открытое окно. Сирень».

Портрет хористки, 1883

Северная идиллия, 1886

Черемуха, 1912

Гурзуф 2, 1915

Пристань в Гурзуфе, 1914

Париж, 1933

Валентин Серов

Живопись Серова пронизана присущей только русскому импрессионизму чертой – в его картинах отражено не только впечатление от увиденного художником, но и состояние его души в данный момент. Например, на картине «Площадь святого Марка в Венеции», написанной в Италии, куда отправился Серов в в 1887 году в связи с тяжелой болезнью, преобладают холодные серые тона, что дает нам представление о состоянии художника. Но, несмотря на достаточно мрачную палитру, картина является эталонным импрессионистическим произведением, так как на ней Серову удалось запечатлеть реальный мир в его подвижности и изменчивости, передать свои мимолётные впечатления. В письме невесте из Венеции Серов писал: “В нынешнем веке пишут все тяжелое, ничего отрадного. Я хочу, хочу отрадного, и буду писать только отрадное”.

Открытое окно. Сирень, 1886

Площадь Св. Марка в Венеции, 1887

Девочка с персиками (Портрет В. С. Мамонтовой)

Коронация. Миропомазание Николая II в Успенском соборе, 1896

Девушка, освещенная солнцем, 1888

Купание лошади, 1905

Александр Герасимов

Одним из учеников Коровина и Серова, перенявшим у них экспрессивный мазок, яркую палитру и этюдную манеру письма, стал Александр Михайлович Герасимов. Расцвет творчества художника пришелся на время революции, что не смогло не отразиться в сюжетах его картин. Несмотря на то что Герасимов отдал свою кисть на службу партии и прославился благодаря выдающимся портретам Ленина и Сталина, он продолжал работать над импрессионистическими пейзажами, близкими его душе. Работа Александра Михайловича «После дождя» открывает нам художника как мастера передачи воздуха и света на картине, чему Герасимов обязан влиянию своих именитых наставников.

Художники на даче у Сталина, 1951

Сталин и Ворошилов в Кремле, 1950-е

После дождя. Мокрая терраса, 1935

Натюрморт. Полевой букет, 1952

Игорь Грабарь

В разговоре о позднем русском импрессионизме нельзя не обратиться к творчеству великого деятеля искусства Игоря Эммануиловича Грабаря, перенявшему многие техники французских живописцев второй половины XIX века благодаря своим многочисленным поездкам в Европу. Используя приемы классических импрессионистов, на своих картинах Грабарь изображает абсолютно русские пейзажные мотивы и бытовые сюжеты. Пока Моне рисует цветущие сады Живерни, а Дега – прекрасных балерин, Грабарь изображает теми же пастельными цветами суровую русскую зиму и деревенскую жизнь. Больше всего Грабарь любил изображать на своих полотнах иней и посвятил ему целую коллекцию произведений, состоящую из более ста маленьких разноцветных набросков, созданных в разное время суток и при разной погоде. Сложность работы над такими рисунками состояла в том, что краска застывала на морозе, поэтому работать приходилось быстро. Но именно это и позволяло художнику воссоздать «тот самый момент» и передать свое впечатление от него, что и является главной идеей классического импрессионизма. Часто стиль живописи Игоря Эммануиловича называют научным импрессионизмом, потому как он придавал большое значение свету и воздуху на полотнах и создал множество исследований о передачи цвета. Более того, именно ему мы обязаны хронологическим расположением картин в Третьяковской галерее, директором которой он был в 1920-1925 годах.

Березовая аллея, 1940

Зимний пейзаж, 1954

Иней, 1905

Груши на синей скатерти, 1915

Уголок усадьбы (Луч солнца), 1901

Юрий Пименов

Совершенно неклассический, но все же импрессионизм развивался и в советское время, ярким представителем которого становится Юрий Иванович Пименов, пришедший к изображению «мимолетного впечатления в постельных тонах» после работы в стиле экспрессионизма. Одной из самых известных работ Пименова становится картина «Новая Москва» 1930х годов – светлая, теплая, будто написанная воздушными мазками Ренуара. Но в то же время сюжет этой работы совершенно не сочетается с одной из основных идей импрессионизма – отказа от использования социальных и политических тем. «Новая Москва» Пименова как раз великолепно отражает социальные изменения в жизни города, которые всегда вдохновляли художника. «Пименов любит Москву, ее новь, ее людей. Живописец щедро отдает это свое чувство зрителю», – пишет в 1973 году художник и исследователь Игорь Долгополов. И действительно, глядя на картины Юрия Ивановича, мы проникаемся любовью к советской жизни, новым кварталам, лирическим новосельям и урбанистике, запечатленным в технике импрессионизма.

Творчество Пименова еще раз доказывает, что у всего «русского», привезенного из других стран, свой особенный и уникальный путь развития. Так и французский импрессионизм в Российской империи и Советском Союзе вобрал в себя черты русского мировоззрения, национального характера и быта. Импрессионизм как способ передачи одного лишь восприятия действительности в чистом виде остался чужим для русского искусства, потому что каждая картина русских художников наполнена смыслом, осознанием, состоянием переменчивой русской души, а не просто мимолетным впечатлением. Поэтому уже в следующие выходные, когда Музей Русского Импрессионизма заново представит основную экспозицию москвичам и гостям столицы, каждый найдет что-то для себя среди чувственных портретов Серова, урбанистики Пименова и нетипичных для Кустодиева пейзажей.

Новая Москва

Лирическое новоселье, 1965

Костюмерная Большого театра, 1972

Раннее утро в Москве, 1961

Париж. Улица Сен-Доминик. 1958

Стюардесса, 1964

Возможно, для большинства людей до сих пор фамилии Коровин, Серов, Герасимов и Пименов не связаны определенным стилем искусства, но открывшийся в мае 2016 года в Москве Музей русского импрессионизма все же собрал произведения этих художников под одной крышей.

Импрессионизм — направление в живописи, зародившееся во Франции в XIX-XX веках, являющее собой художественную попытку запечатлеть какой-нибудь момент жизни во всей его изменчивости и подвижности. Картины импрессионистов словно качественно смытая фотография, возрождающая в фантазии продолжение увиденной истории. В этой статье мы рассмотрим 10 самых известных импрессионистов мира. К счастью, талантливых художников гораздо больше десяти, двадцати или даже ста, поэтому давайте остановимся на тех именах, которые нужно знать обязательно.

Чтобы не обидеть ни художников, ни их почитателей, список приведен в русском алфавитном порядке.

1. Альфред Сислей

Этот французский живописец английского происхождения считается самым известным пейзажистом второй половины XIX века. В его коллекции насчитывается более 900 картин, из которых самые известные это «Сельская аллея», «Мороз в Лувесьене», «Мост в Аржантее», «Ранний снег в Лувесьенне», «Лужайки весной», и многие другие.

2. Ван Гог

Известный всему миру печальной историей о своем ухе (кстати, отрезал он не все ухо, а только мочку), Ван Гон стал популярным лишь после своей кончины. А за жизнь смог продать одну-единственную картину, за 4 месяца до смерти. Говорят, он был и предпринимателем, и священником, но нередко попадал в психиатрические больницы из-за депрессии, поэтому вся мятежность его существования вылилась в легендарные произведения.

3. Камиль Писсарро

Писсарро родился на острове Сент-Томас, в семье буржуазных евреев, и был одним из немногих импрессионистов, родители которого поощряли его увлечение и вскоре отправили в Париж на обучение. Больше всего художнику пришлась по вкусу природа, ее-то он и изображал во всех красках, а если сказать точнее, то у Писсарро был особый талант подбирать мягкость цветов, сочетаемость, после чего на картинах словно появлялся воздух.

4. Клод Моне

С детства парнишка решил, что станет художником, несмотря на запреты семьи. Самостоятельно переехав в Париж, Клод Моне окунулся в серые будни тяжелой жизни: два года на службе в вооруженных войсках в Алжире, тяжба с кредиторами из-за бедности, болезни. Однако, создается ощущение, что трудности не угнетали, а наоборот, воодушевляли художника создавать такие яркие картины, как «Впечатление, восход солнца», «Здание парламента в Лондоне», «Мост в Европу», «Осень в Аржантее», «На берегу Трувилля», и множество других.

5. Константин Коровин

Приятно знать, что среди французов, родителей импрессионизма, можно с гордостью поставить нашего соотечественника — Константина Коровина. Страстная любовь к природе помогла ему интуитивно придавать невообразимую живость статической картинке, благодаря соединению подходящих красок, ширины мазков, выбора темы. Невозможно пройти мимо его картин «Пристань в Гурзуфе», «Рыба, вино и фрукты», «Осенний пейзаж», «Лунная ночь. Зима» и серии его работ, посвященных Парижу.

6. Поль Гоген

До 26-ти лет Поль Гоген и не задумывался о живописи. Он был предпринимателем и имел большую семью. Однако когда впервые увидел картины Камиля Писсарро, решил, что непременно станет рисовать. С течением времени стиль художника менялся, но самые известные импрессионистические картины это — «Сад в снегу», «У обрыва», «На пляже в Дьеппе», «Обнаженная», «Пальмы на Мартинике» и другие.

7. Поль Сезанн

Сезанн, в отличие от большинства своих коллег, стал известен еще при жизни. Ему удалось организовать собственную выставку и выручать с нее немалые доходы. Люди знали толк в его картинах — он, как никто другой научился совмещать игру света и тени, делал громкий акцент на правильных и неправильных геометрических формах, строгость тематики его картин гармонировала с романтикой.

8. Пьер Огюст Ренуар

До 20-ли лет Ренуар работал декоратором вееров у старшего брата, и только потом перебрался в Париж, где познакомился с Моне, Базилем и Сислеем. Это знакомство помогло ему в будущем стать на дорогу импрессионизма и прославиться на ней. Ренуар известен как автор сентиментального портрета, среди его самых выдающихся работ — «На террасе», «Прогулка», «Портрет актрисы Жанны Самари», «Ложа», «Альфред Сислей и его жена», «На качелях», «Лягушатник» и многие другие.

9. Эдгар Дега

Если вы еще ничего не слышали о «Голубых танцовщицах», «Репетиции балета», «Балетной школе» и «Абсенте» — поспешите скорее узнать о творчестве Эдгара Дега. Подбор оригинальных цветов, уникальных тем для картин, ощущение движения картинки — все это и многое другое сделало Дега одним из самых известных художников мира.

10. Эдуард Мане

Не путайте Мане с Моне — это два разных человека, работавших в одно время и в одном художественном направлении. Мане всегда привлекали сцены бытового характера, необычные внешности и типажи, как будто случайно «пойманные» моменты, впоследствии запечатленные на века. Среди известных картин Мане: «Олимпия», «Завтрак на траве», «Бар в «Фоли-Бержер», «Флейтист», «Нана» и другие.

Если у вас появится хоть малейшая возможность повидать картины этих мастеров вживую — вы навсегда влюбитесь в импрессионизм!

Александра Скрипкина,

Эва Юшкевич: уникальность техники картин | Artifex.ru

Художница пишет вполне необычные работы: на ее портретах изображены женщины с бледной аристократической кожей в богатой одежде, однако их головы повернуты на 180 градусов. Поэтому мы видим только проборы и волосы. Но и это еще не все. Творчеству Эвы нет границ, и она воплощает его в жизнь именно на головах своих портретов. Это завораживает, ведь там могут быть изображены даже кусты цветов или грибы.

Эва родилась в 1984 году в одном из польских городков — Гданьске. Основам восприятия картины, классической технике живописи и изобразительному искусству девушка обучалась в Академии изящных искусств именно в этом северном городе, а затем продолжила учиться уже в Кракове. Многое о жизни художницы неизвестно, однако сейчас Эва живет, творит и работает в Варшаве.

Свое первое признание художница получила, когда в 2013 году одержала победу в одном из самом успешном польском конкурсе 41-й биеннале живописи «Бельская осень». Ее самые известные картины — сюрреалистичные портреты женщин с невообразимыми деформированными головами. Эва превращает их в разнообразные и фантастические вещи. Например, это могут быть традиционные мексиканские или венецианские маски, но встретиться могут даже и ритуальные! Также художница преображает головы женщин на своих портретах в красочные букеты растений, огромные трутовики, грибы и сказочные огромные туловища насекомых.

Живопись Юшкевич напоминает известные произведение Раннего нового времени, фламандских мастеров, ведь героини ее картин уже были увековечены на холсте европейскими мастерами еще в предыдущие века. Но теперь художница перевоплощает их лица и фигуры во что-то нечеловеческое и грандиозное.

Эва Юшкевич много внимания уделяет именно технике своего изображения. Она увлечена анализом воссоздания женских портретов в живописи разных столетий. Художница работает по классической технике, однако она позволяет себе эксперименты над тем, что уже было придумано ранее, она играет не только с формой, но и содержанием картины. В итоге получаются что-то среднее и гибридное между классикой и сюрреализмом.

Уникальность техники картин Юшкевич заключается в том, что свои работы Эва начинает с того, что пишет их ровно так, как и было принято раньше изображать дам. Но после этого художница отбрасывает неестественность, искусственность женщин на этих портретах, отходит от привычных рамок, общепринятых канонов и показывает подлинную природу женщин такой, какой сама видит художница.

Такой художественный подход искажает традиционное представление женского портрета, который демонстрирует пассивную личность. Вдохновившись некоторыми специфическими картинами из знакомых троп истории европейского художественного искусства, Эва создает своей уникальной техникой не менее уникальные портреты. От множества других портретов их теперь отличает только одно — лица. Если быть точнее, то их полное отсутствие.

Так для чего Эва применяет такой уникальный подход и необычную технику для создания своих картин? Таким образом художница анализирует нарушение эстетических норм и канонов в изобразительном искусстве. Юшкевич смешивает традиционную технику письма с элементами, которые, на первый взгляд, совершенно инородные. Благодаря такому методу, она поднимает актуальную проблему о грани между красотой и уродством. Польская художница также ставит под сомнение стереотипное восприятие красоты в классических европейских полотнах и подталкивает на размышления и переосмысление традиционного визуала. Эва открыто начинает противостоять восприятию женской красоты на классических картинах прошлого времени. Юшкевич намеренно меняет на 180 градусов (в прямом смысле) всю верхнюю часть женщин, потому что их социальное положение в обществе в то время складывалось из ценности украшений на их лице, макияжа и прически.

Автор: Софья Бокина

Что мы знаем о римской технике росписи стен? Потенциальные искажающие факторы при анализе древних красок | Heritage Science

Линг Р. Римская живопись. Кембридж: Издательство Кембриджского университета; 1991.

Google ученый

Стефанаджи М. Техника настенной живописи. В: Colinart S, Menu M, редакторы. La matière picturale: Фрески и живописные росписи. Курс интенсивный европейский. Равелло (Вилла Руфоло), 15–20 сентября 1997 г.Бари: Эдипулья; 2001.

Google ученый

Казоли А., Сара Санторо С. Органические материалы в настенных росписях в Помпеях: тематическое исследование Инсула-дель-Сентенарио. Chem Cent J. 2012;6:107.

Артикул Google ученый

Национальный археологический музей, Неаполь. http://cir.campania.beniculturali.it/museoarcheologiconazionale/percorso/nel-museo/P_RA1/RIT_RA87?page=1.По состоянию на 30 мая 2016 г.

Museo Nazionale Romano — Палаццо Массимо, Рим. http://archeoroma.beniculturali.it/en/national-roman-museum-palazzo-massimo-alle-terme/paintings-and-mosaics/painted-garden-villa-livia. По состоянию на 30 мая 2016 г.

Музей Дж. Пола Гетти, Лос-Анджелес. http://www.getty.edu/art/collection/objects/6523/unknown-maker-wall-fragment-with-a-peacock-roman-about-70/. По состоянию на 30 мая 2016 г.

Музей изящных искусств Бостона.http://www.mfa.org/collections/object/fresco-panel-10. По состоянию на 30 мая 2016 г.

Музей Метрополитен, Нью-Йорк. http://www.metmuseum.org/art/collection/search/250939. По состоянию на 30 мая 2016 г.

Лувр, Париж. http://cartelfr.louvre.fr/cartelfr/visite?srv=car_not_frame&idNotice=2786&langue=fr. По состоянию на 30 мая 2016 г.

Museo Nacional de Arte Romano, Мерида. http://ceres.mcu.es/pages/Main?idt=10619&inventary=CE23962&table=FMUS&museum=MNAR.

Corso G, Gelzo M, Sanges C, Chambery A, Di Maro A, Severino V, et al. Характеристика полярного и неполярного органического связующего в настенных росписях в Помпеях: сравнение с имитацией росписи, имитирующей технику «а секко». Анальный биоанальный хим. 2012;402:3011.

Артикул Google ученый

Corso G, Gelzo M, Chambery A, Severino V, Di Maro A, Schiano-Lomoriello F, et al. Характеристика пигментов и лигандов в фрагменте настенной росписи из археологического парка Литернум (Италия).J Sep Sci. 2012;35:2986.

Артикул Google ученый

Corso G, Gelzo M, Vergara A, Grimaldi M, Piccioli C, Arcari P. Пигменты и связующие в помпейских настенных росписях в четырех стилях. Построено наследие 2013 Monit Conserv Manag. http://www.bh3013.polimi.it/papers/bh3013_paper_105.pdf.

Гельзо М., Гримальди М., Вергара А., Северино В., Шамбери А., Делло Руссо А. и др. Сравнение связующих композиций в стилях помпейской настенной росписи из Insula Occidentalis.Chem Cent J. 2014; 8:65.

Артикул Google ученый

Куни Дж., Куни П., Эйзен Б., Савицкий Р., Бове Дж. Характеристика связующего вещества, используемого в римской энкаустике на стене и дереве. Анальные методы. 2012; 4:659.

Артикул Google ученый

Амадори М.Л., Барчелли С., Польди Г., Ферруччи Ф., Андреотти А., Баральди П., Коломбини М.П. Инвазивный и неинвазивный анализ знаний и сохранения римских настенных росписей Виллы Папирусов в Геркулануме. Microchem J. 2015;118:183–92.

Артикул Google ученый

Tamburini D, Łucejko JJ, Modugno F, Colombini MP, Pallecchi P, Giachi G. Микроскопические методы (LM, SEM) и мультианалитический подход (EDX, FTIR, GC/MS, Py-GC/MS) охарактеризовать технику декорирования деревянного потолка Дома рельефа Телефа в Геркулануме (Италия). Микрохим Дж. 2014; 116:7–14.

Артикул Google ученый

Брекулаки Х., Андреотти А., Бонадуче И., Коломбини М.П., ​​Луверас А.Характеристика органических сред в настенных росписях «Дворца Нестора» в Пилосе, Греция: свидетельство техники росписи секко в бронзовом веке. J Archaeol Sci. 2012;39:2866.

Артикул Google ученый

Паллекки П., Джачи Г., Коломбини М.П., ​​Модуньо М., Рибечини Р. Картина этрусской «Томба делла Квадрига Инфернале» (4 век до н. э.) в Сартеано (Сиена, Италия): технические характеристики. J Archaeol Sci.2009;36:2635.

Артикул Google ученый

Андреотти А., Бонадьюс И., Коломбини М.П., ​​Готье Г., Модуньо Ф., Рибечини Е. Комбинированная аналитическая процедура ГХ/МС для характеристики глицеролипидных, восковых, смолистых и белковых материалов в уникальном микрообразце краски. Анальная хим. 2006;78:4499.

Артикул Google ученый

Августи С. La technica dell’antica pittura parietale pompeiana.In: Pompeiana, Raccolta di Studi per il 2 ° Centenario degli Scavi di Pompei. «Наполи»: Гаэтано Маккиароли; 1950. с. 328.

Casoli A, Campani E. Le Pitture parietali delle case di Ercolano: Uno Studio sui materiali Organici. В: Везувиана. Археология а конфронто. Atti del Convegno Internazionale, Болонья, 14–14 января 2008 г. Болонья: Ante Quem; 2009. с. 687.

Куни Х., Куни Х. Рассмотрение вопроса о греко-романской технике энкаустики. Арка Эспан Аркеоль.1993;66:107.

Google ученый

Edreira MC, Feliu MJ, Fernández-Lorenzo C, Martin J. Спектроскопический анализ римских настенных росписей из Casa del Mitreo в Emerita Augusta, Мерида, Испания. Таланта. 2003;6:1117.

Артикул Google ученый

Паплиака З.Е., Ваккари Л., Занини Ф., Сотиропулу С. Улучшение ИК-спектроскопии остатков органических соединений или продуктов их разложения в образцах настенной живописи путем внедрения новой стратегии подготовки тонких срезов, основанной на предварительной обработке циклододеканом.Анальный биоанальный хим. 2015. doi:10.1007/s00216-015-8698-y.

Google ученый

Брекулаки Х., Андреотти А., Бонадуче И., Коломбини М.П., ​​Луверас А.Характеристика органических сред в настенных росписях «Дворца Нестора» в Пилосе, Греция: свидетельство техники росписи секко в бронзовом веке. J Archaeol Sci. 2012; 39: 2867–8.

Артикул Google ученый

Казоли А., Мирти П., Палла Г. Характеристика средневековых белковых красящих сред с использованием газовой хроматографии и газовой хроматографии-масс-спектрометрии. Fresenius J Anal Chem. 1995; 352: 372–9.

Артикул Google ученый

Гарнье Н., Крен-Оливе С., Роландо С., Регерт М. Характеристика археологического пчелиного воска с помощью электронной ионизации и масс-спектрометрии с ионизацией электрораспылением. Анальная хим. 2002; 74: 4868–77.

Артикул Google ученый

Андреотти А., Бонадьюс И., Коломбини М.П., ​​Готье Г., Модуньо Ф., Рибечини Э.Комбинированная аналитическая процедура ГХ/МС для характеристики глицеролипидных, воскообразных, смолистых и белковых материалов в уникальном микрообразце краски. Анальная хим. 2006; 78: 4490–500.

Артикул Google ученый

Сармиенто А., Перес-Алонсо М., Оливарес М., Кастро К., Мартинес-Аркарасо И., Фернандес Л.А., Мадариага Х.М. Классификация и идентификация органических связующих в произведениях искусства с помощью инфракрасной спектроскопии с преобразованием Фурье и анализа главных компонент. Анальный биоанальный хим. 2011; 399:3601–11.

Артикул Google ученый

Льюверас-Тенорио А., Мазурек Дж., Рестиво А., Коломбини М.П., ​​Бонадьюс И.Анализ растительных смол и сахаридных материалов в образцах красок: сравнение аналитических процедур ГХ-МС и баз данных. Chem Cent J. 2012; 6:115.

Артикул Google ученый

Эрхардт Д., Хопвуд В., Бейкер М., фон Эндт Д. Систематический подход к инструментальному анализу натуральных отделочных материалов и связующих сред. В: Американский институт сохранения исторических и художественных произведений: препринты статей, представленных на шестнадцатом ежегодном собрании.Новый Орлеан, штат Луизиана, 1–5 июня 1988 г.; 1988. с. 67.

Мау Л., Фаррелл Э. Анализ пигмента греческих эллинистических фигурок Танагры. Кембридж, Массачусетс: Бюллетень художественных музеев Гарвардского университета, 1993. с. 61.

Mallinckrodt C. Цветовая кодировка истории: идентификация пигмента на крышке птолемеевского детского саркофага как помощь в идентификации повторно используемых структурных элементов. В: Древесина наследия: исследования и сохранение в 21 веке. Варшава: Narodowy Instytut Muzealnictwa i Ochrony Zbiorów; 2013. п. 206.

Юсиф М., Абдельфата М., Слоггет Р. Обработка и консервация полихромной египетской деревянной скульптуры: тематическое исследование. В: Древесина наследия: исследования и сохранение в 21 веке. Варшава; 2013. с.159.

Сковмеллер А., Теркильдсен Р. Полихромия римских полированных мраморных портретов. В: Pensabene P, Gasparini E, редакторы. Междисциплинарные исследования древнего камня. Материалы десятой международной конференции ассоциации ASMOSIA по изучению мрамора и других камней древности.Рим: L’Herma di Bretschneider; 2012. с. 900.

Verri G, Opper T, Deviese T. «Treu Head»: тематическое исследование римской скульптурной полихромии. Brit Mus Tech Res Bull. 2010;4:39.

Google ученый

Дайер Дж., О’Коннелл Э., Симпсон А. Полихромия в римском Египте: исследование известняковой скульптуры египетского бога Гора. Brit Mus Tech Res Bull. 2014; 8:93.

Google ученый

Шарфф М.Возвращение к десятилетнему изучению античной скульптурной полихромии. В: Østergaard JS, Copenhagen Polychromy Network, редакторы. Отслеживание цвета. Полихромия греческой и римской скульптуры в Новой глиптотеке Карлсберга. Предварительный отчет 5. Копенгаген: Новая глиптотека Carlsberg; 2013. с. 80.

Лапатин К. Материалы и техники греческого и римского искусства. В: Маркони Клементе, редактор. Оксфордский справочник по греческому и римскому искусству и архитектуре. Оксфорд: Издательство Оксфордского университета; 2014.п. 215.

Google ученый

Принципы ИКОМОС по сохранению и консервации/реставрации настенных росписей. Ратифицирован 14-й генеральной ассамблеей ИКОМОС в Виктория-Фолс, Зимбабве; 2003 г. http://www.icomos.org/en/what-we-do/focus/179-articles-en-francais/ressources/charters-and-standards/166-icomosprinciples-for-the-preservation-and- консервацияреставрация настенных росписей.

Описание проекта.В: Пике Ф., Верри Г., редакторы. Органические материалы в настенных росписях: отчет о проекте. Институт сохранения Гетти: Лос-Анджелес; 2015. с. 7.

Google ученый

Рикерби С., Шекеде Л., Церинг Д., Гьялпо Т., Парк Д. Новые подходы к сохранению наследия настенной живописи Бутана. Stud Conserv. 2014; 59 (Приложение 1): S127.

Артикул Google ученый

Мора Л., Мора П., Торрака Г., Бонито В.А.Согласованная методология обработки и изучения садовой стены перистиля Дома Менандра, Помпеи: промежуточный отчет. В: Тематические исследования по сохранению камня и настенных росписей. Болонья: материалы Конгресса IIC 1986 г.; 1986. с. 39.

Чеккини С. Мора ЧП. В: Dizionario Biografico degli Italiani. Том. 76. Рома: Треккани; 2012.

Филиппо П., Мора П. Техника и консервация фресок. Международный центр исследований по сохранению культурных ценностей и Комитет ИКОМ; 1965; 1:10.

Аугусти С. La technica dell’antica pittura parietale pompeiana. In: Pompeiana, Raccolta di Studi per il 2 ° Centenario degli Scavi di Pompei. «Наполи»: Гаэтано Маккиароли; 1950.п. 328.

Маццоккин Г.А., Аньоли Ф., Сальвадори М. Анализ настенных росписей римской эпохи, найденных в Порденоне, Триесте и Монтегротто. Таланта. 2004;64:732.

Артикул Google ученый

Сальвадо Н. , Бути С., Тобин М.Дж., Пантос Э., Праг А.Дж., Праделл Т. Преимущества использования SR-FTIR-микроспектроскопии: приложения к культурному наследию. Анальная хим. 2005;77:3444.

Артикул Google ученый

Баральди П., Баральди К., Курина Р., Тасси Л., Заннини П.Археометрический микрорамановский подход к римским настенным росписям. Виб Спектроск. 2007;43:420.

Артикул Google ученый

Lalli C, Bosch P, Escrivá V, Bosch I. Reconocimiento de los componentes físico-quimicos de las pinturas murales romanas del santuario de Edeta, Valencia. Арче. 2010;4–5:37.

Google ученый

Аугусти С. La technica dell’antica pittura parietale pompeiana.In: Pompeiana, Raccolta di Studi per il 2 ° Centenario degli Scavi di Pompei. «Наполи»: Гаэтано Маккиароли; 1950. с. 313–54.

Kühn H. Обнаружение и идентификация восков, включая пунический воск, с помощью инфракрасной спектрографии. Stud Conserv. 1960; 5:78.

Google ученый

Sciuti S, Fronterotta G, Vendittelli M, Longoni A, Fiorini C. Неразрушающее аналитическое исследование недавно обнаруженной римской настенной живописи.Stud Conserv. 2001;46(2):132–40.

Артикул Google ученый

Патерностер Г., Ринзивилло Р., Нунциата Ф., Кастеллуччи Э.М., Лофрументо С., Зоппи А. и др. Исследование техники росписи римской эпохи с помощью микрорентгенофлуоресценции с поликапиллярным коническим коллиматором и микро-рамановского анализа. Джей Культ Херит. 2005; 6: 21–8.

Артикул Google ученый

Дуран А., Хименес де Аро М.С., Перес-Родригес Х. Л., Франкело М.Л., Эррера Л.К., Хусто А.Определение пигментов и связующих веществ в помпейских настенных росписях с использованием синхротронного излучения — порошковой рентгеновской дифракции высокого разрешения и обычной спектроскопии — хроматографии. Археометрия. 2009;52(2):286.

Артикул Google ученый

Паплиака З.Е., Ваккари Л., Занини Ф., Сотиропулу С. Улучшение ИК-спектроскопии остатков органических соединений или продуктов их разложения в образцах настенной живописи путем внедрения новой стратегии подготовки тонких срезов, основанной на предварительной обработке циклододеканом.Анальный биоанальный хим. 2015;407(18):5393–403.

Артикул Google ученый

Мора П., Мора Л., Филиппот П. Реставрация настенных росписей. Лондон: Баттервортс; 1984. с. 100.

Google ученый

Филиппо П., Мора П. Техника и сохранение настенных росписей.Международный центр исследований по сохранению культурных ценностей и Комитет ИКОМ по музейным лабораториям. Смешанное собрание Вашингтона и Нью-Йорка, 17–25 сентября. 1965: I.11.

Морено М.А., Луксан М.П., ​​Доррего Ф. Сохранение и научные исследования настенных росписей в римских термах, Кампо Вальдес, Хихон, Испания. Римская настенная живопись: материалы, техника, анализ и консервация. Материалы международного семинара, Фрибург; 1997. с.297–305.

Тодоров В. Фракийская гробница в Александрово, Юго-Восточная Болгария: Предварительные наблюдения над техникой росписи. Interdisziplinäre Forschungen zum Kulturerbe auf der Balkanhalbinsel. София; 2011. с. 323–34.

Шаер М. Декоративные архитектурные поверхности Петры. Тезис. Технический университет Мюнхена; 2003. с. 73–168.

Clegg S. Blue Shade Hues: исследование синих пигментов, используемых романо-британскими живописцами. Тезис.Университет Сассекса. 2014.

Иннеме К. Энкаустика в Египте. В: Матье Б., Микс Д., Висса М.Е., редакторы. L’apport de l’Egypte à l’histoire des Techniques. Каир: ИФАО; 2006. с. 133–42.

Google ученый

Гехад Б., Фоад Али М., Марей Х. Идентификация византийской энкаустической фрески в Египте. Медитер Археол Ар. 2015;2:243–56.

Google ученый

Эрехтейон надпись IG 13 476.25, Расходы 7/408–6/407 до н.э.

Хилл Б.Х. Структурные заметки об Эрехтейоне. Ам Дж Археол. 1910;14(3):292.

Артикул Google ученый

Лори А.П. Греческие и римские методы живописи. Кембридж: Издательство Кембриджского университета; 1910.п. 56.

Google ученый

Кей Н.М. Авзоний. Эпиграммы. Лондон: Академик Блумсбери; 2001. с. 133.

Сарсфилд ВБ. Руководство по фреске и энкаустике. Лондон: Чепмен и Холл; 1843. с. 19.

Google ученый

Цудзи С. Происхождение Buon Fresco. Zeitschrift für Kunstgeschichte. 1983;46(2):216.

Артикул Google ученый

Филиппо П., Мора П.Техника и сохранение живописных росписей. Международный центр исследований по сохранению культурных ценностей и Комитет ИКОМ по музейным лабораториям. Смешанное собрание Вашингтона и Нью-Йорка, 17–25 сентября. 1965:I, 14.

Мора П. Proposte sulla tecnica della pittura murale romana. Боллеттино ICR. 1967. с. 71.

Mora P. Proposte sulla tecnica della pittura murale romana. Боллеттино ICR. 1967. с. 69.

Барбе А., Кутелас А.Une fresque à la romaine. Археология. 2002; 392:25.

Google ученый

Мора П., Мора Л., Филиппот П. Реставрация настенных росписей. Лондон: Баттервортс; 1984. с. 140.

Google ученый

Тинтори Л., Мейсс М. Картина жизни святого Франциска в Ассизи. Нью-Йорк: Издательство Нью-Йоркского университета; 1967. с. 3.

Google ученый

Томпсон Д.В.Материалы и техника средневековой живописи. Северный Челмсфорд: Courier Corporation; 1956. с. 69–70.

Google ученый

Цудзи С. Происхождение Buon Fresco. Zeitschrift für Kunstgeschichte. 1983;46(2):215.

Артикул Google ученый

Данте К., Маттейни М., Молес А. Le Pitture Murali: техника, проблемы, консервация. Флоренция: Centro Di; 1990.п. 78.

Google ученый

Филиппо П., Мора П. Техника и консервация фресок. Международный центр исследований по сохранению культурных ценностей и Комитет ИКОМ по музейным лабораториям. Смешанное воссоединение Вашингтона и Нью-Йорка, 17–25 сентября 1965 г .: I.9-I.14.

Mora P. Proposte sulla tecnica della pittura murale romana. Боллеттино ICR. 1967. с. 63–84.

Тинтори Л., Мейсс М. Дополнительные наблюдения по итальянской технике росписи. Арт Булл. 1964; 46:378.

Артикул Google ученый

Мора П., Мора Л., Филиппот П. Реставрация настенных росписей. Лондон: Баттервортс; 1984. с. 93.

Google ученый

Сарсфилд ВБ. Руководство по фреске и энкаустике. Лондон: Чепмен и Холл; 1843. с. 102.

Google ученый

Уорд Дж.Фресковая живопись. Его искусство и техника. Лондон: Чепмен и Холл; 1909. с. 23.

Google ученый

Филиппо П., Мора П. Техника и консервация фресок. Международный центр исследований по сохранению культурных ценностей и Комитет ИКОМ по музейным лабораториям. Смешанное воссоединение Вашингтона и Нью-Йорка, 17–25 сентября 1965 г .: I.14.

Edreira MC, Feliu MJ, Martín J. Caracterización quimico-física de las pinturas murales romanas de la ciudad de Mérida (Бадахос). La pintura romana антигуа. Actas del coloquio internacional. Мадрид, Мерида: Главное управление культурного наследия, Национальный музей римского искусства; 2000. с. 120.

Брисберт А., Мелессанаки К., Англос Д. Анализ пигмента окрашенной штукатурки Эгейского и Восточного Средиземноморья бронзового века с помощью спектроскопии лазерного разрушения (LIBS).J Archaeol Sci. 2006;33:1100.

Артикул Google ученый

Bearat H, Fuchs M. Анализы физико-химических и минералогических исследований римских настенных росписей d’Aventicum. Бюллетень ассоциации Pro Aventico. 1996; 38:43–6.

Google ученый

Гишар В., Гинео Б. Идентификация натуральных органических красителей и фрагментов фресок антиквариата.В: Pigments et Colorants de l’Antiquité et du Moyen Age. Международный коллок CNRS. 1990. с. 254.

Клементи С., Чокан В., Ванини М., Доэрти Б., Лауренци М., Конти С. и др. Неинвазивное и микродеструктивное исследование настенной росписи Domus Aurea. Анальный биоанальный хим. 2011. doi: 10.1007/s00216-011-5250-6.

Google ученый

Витрувий. Десять книг об архитектуре. Кембридж: Издательство Гарвардского университета; 1914.п. 213.

Плиний Р.Х. Естественная история, том. 9. Кембридж: Издательство Гарвардского университета; 1961. с. 296.

Google ученый

Cennini C. Il libro dell’Arte. Флоренция: Феличе Ле Монье; 1859. с. 35–6.

Google ученый

Дёрнер М.Los materiales de pintura y su empleo en el arte. Барселона: Реверте; 1965. с. 253.

Google ученый

Bearat H, Fuchs M. Анализы физико-химических и минералогических исследований римских фресок d’Aventicum. Бюллетень ассоциации Pro Aventico. 1996; 38:42–3.

Google ученый

Bearat H. Quelle est la gamme correcte des пигменты romains? Противостояние результатов анализа и текстов Витруве и Плина.Материалы Международного семинара по римской настенной росписи, Фрибург, 1997. с. 16–24.

Уорд Дж. Фреска. Его искусство и техника. Лондон: Чепмен и Холл; 1909. с. 17.

Google ученый

Мора П., Мора Л., Филиппот П. Реставрация настенных росписей. Лондон: Баттервортс; 1984. с. 138–40.

Google ученый

Сарсфилд ВБ.Руководство по фреске и энкаустике. Лондон: Чепмен и Холл; 1843. с. 104.

Google ученый

Сарсфилд ВБ. Руководство по фреске и энкаустике. Лондон: Чепмен и Холл; 1843. с. 111–20.

Google ученый

Особая техника живописи в стиле барокко

Вы когда-нибудь задавались вопросом, почему художники рисуют прямо на белом холсте? Ответ лежит в не столь далеком прошлом.Знаменитые импрессионисты (работавшие в 19 веке) предпочитали белые холсты, потому что считали, что цвета выглядят ярче, если рисовать по белой поверхности.

Импрессионисты также работали на пленэре, пытаясь запечатлеть мимолетные мгновения света. По этой причине они не создавали свои картины путем наслоения, а вместо этого пытались нанести «правильный» цвет в «правильное» место с каждым мазком.

Взгляните на картину импрессионистов ниже и обратите внимание, как светлый холст влияет на получившееся изображение…

Исаак Исраэлс.«Мальчик на пляже», холст, масло — XIX век
Изображение с Wikimedia Commons

Однако до импрессионистов большинство художников подходили к живописи совершенно иначе. Они работали в студии и часто использовали цвет только после завершения полностью отрендеренного монохроматического слоя краски, называемого подмалевком. Этот подход к живописи часто называют «косвенной» живописью.

См. также: Непрямая роспись акриловыми красками

Импрессионистам, конечно, некогда было делать подмалевок, они мчались против меняющегося света вечно движущегося солнца.

Однако был в истории живописи прекрасный период, когда художники не работали ни над подмалевком, ни над белым холстом – период барокко.

Картины эпохи барокко

В период барокко большинство художников использовали холсты или панели, окрашенные в темно-коричневый и даже черный цвет. Работа над темным базовым слоем дает несколько больших преимуществ, которые нельзя воспроизвести, работая на светлом фоне.

Наибольшее преимущество работы на темном холсте заключается в том, что это экономит усилия.Все тени уже есть. Художнику просто нужно сосредоточиться на значениях света. Этот подход к рисованию очень похож на работу с черной поверхностью для рисования с помощью белого носителя для рисования.

См. также: Рисование белыми носителями на черной бумаге

Тени либо игнорируются, либо достраиваются с помощью техники, называемой скамблированием. Скумблирование — это техника рисования, при которой тонкая, полупрозрачная краска энергично втирается в холст, при этом позволяя части нижнего слоя просвечиваться.

Законченная картина в стиле барокко кажется скульптурной, потому что светлые области выделяются на рельефе по сравнению с чрезвычайно тонким нанесением краски в тенях.

Поскольку оттенки создаются путем оптического смешения полупрозрачного цвета с темной матовой поверхностью, тени никогда не бывают такими красочными. Если вы предпочитаете более яркие картины в светлых тонах, то эта характеристика живописи барокко будет недостатком. Однако из-за того, что тени такие тусклые, свет на контрасте кажется ярче.

Прежде чем перейти к процессу живописи в стиле барокко, стоит взглянуть на несколько примечательных примеров, выполненных одними из самых известных художников всех времен.

Рембрандт

Посмотрите на изображение ниже. Под названием «Философ в медитации » это менее известная работа Рембрандта, но прекрасный пример того, как художники эпохи барокко позволяют темному холсту работать в их пользу.

Рассмотрим лестницу. Когда лестница исчезает в темноте, исчезает и краска Рембрандта.

Он просто нанес меньшее количество того же коричневого цвета от нижней части ступени к середине, позволив нижнему слою черного затемнить значение каждой ступени. Многие из небольших теней между соседними досками — это просто черный нижний слой, проглядывающий сквозь них. По мере того, как Рембрандт стремился к самым светлым оттенкам, он наносил краску более густо.

Питер Пауль Рубенс

Питер Пауль Рубенс наиболее известен своими большими закрученными композициями, изображающими многочисленных людей и диких зверей.Однако на картине Святого Петра (ниже) мы можем оценить, как он использовал темный холст, чтобы создать сильную тень на голове и одежде Святого Петра.

Между волосами в тени и лицом полный разрыв. Хорошо расположенные мазки волос парят в пространстве, позволяя собственному воображению зрителя заполнить пробел.

Диего Веласкес

Пожалуй, величайшим художником эпохи барокко (на мой взгляд) был Диего Веласкес. Он был плодовитым придворным художником, служившим Филиппу IV, королю Испании и Португалии.

Следующая картина показывает, насколько эффективно Веласкес использовал темный холст разными способами. В этой картине под названием La Aguador de Seville или The Water Carrier of Seville, Веласкес использовал темный холст, чтобы мастерски запечатлеть прозрачное стекло, трех человек в различной интенсивности света и глиняные сосуды.

Посмотрите на стакан, который держат старик и мальчик. Красиво нарисованный, Веласкес действительно использовал очень мало краски.

От краев стекла к центру стекла стекало очень малое количество белого.Разъединенные точки внизу и сильные блики по краю дают нам ощущение детализации при минимальной работе со стороны художника. Экономия мазков Веласкеса — свидетельство его живописного мастерства — все, что нужно, и ничего больше.

Теперь взгляните на человека в центре — тот, кто пьет воду за двумя другими фигурами. Его голова была окрашена только в один цвет. Краска самая тонкая там, где значения самые темные.

Его волосы вообще не окрашены, но на это намекает шевелюра, сделанная на заднем плане вокруг его головы — просто, но эффектно.

Это человек справа, водонос, который является предметом примера картины, которая следует ниже. Его мясистое, измученное временем лицо — отличный пример того, как рисование на черном холсте может сэкономить время и силы.

На самом деле копия этой головы, показанная ниже поэтапно, является результатом только одного сеанса покраски. Итак, давайте пройдемся по этапам, на которых рисуется такая голова.

Этапы живописи в стиле барокко — пример

Следуйте или применяйте концепцию следования к предмету, который является для вас более личным.

Шаг первый. Нарисуйте объект на черной или темной поверхности

Карандашом или слабой краской нарисуйте несколько четких краев объекта. Поскольку пример является копией, я просто воспользовался методом графитового переноса, чтобы перенести некоторые линии на холст, подготовленный черной акриловой краской.

Шаг второй — значения светлых слоев

Используя масляную краску, смешайте несколько светлых тонов, используя цвета, которые классифицируются как непрозрачные или полупрозрачные.

Все пигменты масляных красок классифицируются как непрозрачные, полупрозрачные или прозрачные. Прозрачные пигменты идеально подходят для лессировки (техника, не описанная в этой статье), но их следует избегать при нанесении. Обязательно используйте титановые белила при смешивании цветов.

Титановые белила не были доступны художникам эпохи барокко, но это самый непрозрачный пигмент из всех и лучший выбор, доступный художникам сегодня. (Не забудьте смешать белый цвет с другим цветом — чистый белый цвет будет выглядеть неестественно.)

Шаг третий – отделите свет от тьмы

Используя только один или два цвета, отделите светлую часть от темной, сначала нанеся (зачистив) светлые оттенки очень небольшим количеством краски на кисть.

Можно начать с того, что набрать краску на кисть с жесткой щетиной, а затем вытереть ее тряпкой или бумажным полотенцем, прежде чем наносить остатки кисти на холст. Если краска полностью покрывает нижний слой черного, значит, было нанесено слишком много краски.

Используйте ластик «Розовый жемчуг» (да, вы можете стирать тонкие мазки масляной краски), чтобы вырезать морщины на теле и точно сформировать тени вокруг глаз.

Шаг четвертый. Добавьте сложности во плоть

Смешайте еще несколько тонов телесного цвета и начните рисовать прямо и непрозрачно в областях, на которые попадает только свет. Будьте осторожны с переходами от оттенков к оттенкам. При необходимости протрите тряпкой краску на этих участках, делая переход не просто от светлого к темному, а от более густого к более тонкому.

См. также: Как написать портрет маслом

Шаг пятый. Примените более темные значения, если необходимо

Хотя это и не используется в этом примере, не стесняйтесь применять темные цветные метки. Присмотревшись к построенному из катушек сосуду на дне картины Веласкеса «Севильский водовоз », можно заметить, что некоторые тени между катушками сделаны за счет того, что фон проглядывает, в то время как другие темные акценты нарисованы поверх . цвет сосуда.

Заключение

В своем собственном путешествии по живописи вы можете работать на черных холстах, как у художников эпохи барокко, или просто заимствовать у них, когда это наиболее подходит. Мы всегда можем учиться у мастеров, которые были до нас, и применять их усовершенствованные методы к нашим картинам.

Ученые раскрывают физику техники рисования Джексона Поллока

ПРОВИДЕНС, Род-Айленд, [Университет Брауна] — Знаменитый художник Джексон Поллок создал свои самые знаковые работы не кистью, а наливая краску на холст сверху, сплетая извилистые нити цвета в абстрактные шедевры.Группа исследователей, анализирующих физику техники Поллока, показала, что художник хорошо разбирался в классическом явлении гидродинамики — знал он об этом или нет.

В статье, опубликованной в журнале PLOS ONE, исследователи показывают, что метод Поллока, по-видимому, намеренно избегает того, что известно как нестабильность скручивания — склонность вязкой жидкости образовывать завитки и клубки, когда ее выливают на поверхность.

«Как и большинство художников, Джексон Поллок прошел долгий процесс экспериментов, чтобы усовершенствовать свою технику», — сказал Роберто Зенит, профессор инженерной школы Университета Брауна и старший автор статьи.«С помощью этого исследования мы пытались выяснить, к каким выводам пришел Поллок, чтобы исполнить свои картины так, как он хотел. Наш главный вывод в этой статье заключался в том, что движения Поллока и свойства его красок были такими, что он избегал этой неустойчивости скручивания».

Техника

Поллока обычно заключалась в наливании краски прямо из банки или по палочке на холст, лежащий горизонтально на полу. По словам Зенита, его часто называют «капельным методом», но это неправильное название на языке гидромеханики.В механике жидкости «капание» означает распыление жидкости таким образом, что на холсте образуются дискретные капли. Поллок в основном избегал капель, отдавая предпочтение неразорванным нитям краски, растянувшимся по холсту.

Чтобы точно понять, как работает эта техника, Зенит и его коллеги из Национального автономного университета Мексики проанализировали обширное видео, на котором Поллок работает, внимательно измерив, насколько быстро он двигался и как далеко от холста наливал краски. Собрав данные о том, как работал Поллок, исследователи использовали экспериментальную установку, чтобы воссоздать его технику.Используя установку, исследователи могли наносить краску с помощью шприца, установленного на разной высоте, на холст, движущийся с разной скоростью. Эксперименты помогли сосредоточиться на наиболее важных аспектах деятельности Поллока.

«Мы можем изменять одну вещь за раз, чтобы мы могли расшифровать ключевые элементы техники», — сказал Зенит. «Например, мы могли бы изменять высоту, с которой льется краска, и поддерживать постоянную скорость, чтобы увидеть, как это изменит ситуацию».

Исследователи обнаружили, что сочетание скорости рук Поллока, расстояния, которое он держал от холста, и вязкости его краски, по-видимому, было направлено на то, чтобы избежать нестабильности намотки.Любой, кто когда-либо наливал вязкую жидкость (например, немного меда на тосты), вероятно, сталкивался с неустойчивостью скручивания. Когда выливается небольшое количество вязкой жидкости, она имеет тенденцию складываться, как моток веревки, прежде чем растекаться по поверхности.

В контексте техники Поллока неустойчивость может привести к тому, что нити краски будут закручиваться в виде косичек при выливании из банки. Некоторые предыдущие исследования пришли к выводу, что изогнутые линии на картинах Поллока были результатом этой нестабильности, но это последнее исследование показывает обратное.

«Мы обнаружили, что он двигал рукой с достаточно высокой скоростью и достаточно малой высотой, чтобы этого скручивания не произошло», — сказал Зенит.

Зенит говорит, что находки могут быть полезны для проверки подлинности работ Поллока. Слишком много тугих завитков может означать, что рисование в стиле капель — это не Поллок. Работа также может быть использована в других условиях, в которых вязкие жидкости растягиваются в нити, например, при производстве волоконной оптики. Но Зенит говорит, что его главный интерес к работе заключается в том, что это просто увлекательный способ исследовать интересные вопросы гидромеханики.

«Я считаю себя посланником гидромеханики», — сказал он. «Это мой повод говорить о науке. Удивительно видеть, что художники действительно разбираются в механике жидкости, даже если они этого не знают».

Соавторами «Зенита» по статье были Бернардо Паласиос, Альфонсо Росарио, Моника М. Вильгельмус и Сандра Зетина. Исследование было поддержано DGAPA-PAPIIT-UNAM (IN108016) и ACT-FONCA (04S.04.IN.ACT.038.18).

Техника рисования с двойной загрузкой | Deep Space Sparkle

Двойная загрузка — это техника рисования, которую я использую на всех уроках рисования.Это очень просто, устраняет некоторые распространенные проблемы рисования, такие как использование слишком большого количества воды, плюс это действительно красиво.

После многих просьб объяснить, как я обучаю этой классной технике, я наконец это сделал! Вот короткое видео (1:45 секунды), показывающее, как работает процесс…

Это моя самая любимая техника темперной живописи. Название происходит от простого описания добавления более чем одного цвета краски на кисть. В большинстве уроков ребенку предлагается обмакнуть кисть в один цвет, а затем нарисовать на листе художественной бумаги.Или инструкции просят учащегося смешать краску на палитре, чтобы создать цвет. Двойная загрузка — это что-то вроде гибрида.

Идея состоит не только в том, чтобы создавать красивые, интересные цвета, но и в том, что это экономит массу времени. Смешивание красок на палитре — это полезный опыт, но для завершения картины может потребоваться некоторое время. Когда время не на вашей стороне, и у вас есть 30 детей, которые должны пройти через процесс рисования, техника двойной загрузки — ваш лучший друг.

Что делать:

• Начните с 3-5 цветов краски.Мне нравится включать в этот микс белый цвет.
• Обмакните кисть в один цвет (например, в красный), затем наберите небольшое количество другого цвета (например, в белый). На кисти вы увидите два цвета.
• Нанесите краску на поверхность бумаги, обращая внимание на то, как цвета выглядят на бумаге. Чем больше раз вы нанесете краску на бумагу, тем больше она будет смешиваться. Иногда полезно оставить приложение в покое, чтобы увидеть полосатый эффект двух цветов.
• Попробуйте загрузить кисть тремя цветами.
• Совет для того, чтобы эта техника работала действительно хорошо, заключается в том, чтобы не использовать слишком много воды между красками. Идея состоит в том, чтобы на кисти уже были остатки краски, чтобы после погружения в краску появлялся новый цвет.

Вот несколько уроков рисования с использованием техники двойной загрузки:

Вот несколько уроков рисования с использованием техники двойной загрузки…

Роялти четвертого класса

Короли и королевы в стиле Руо шестого класса

Витражи для фруктов пятого класса

Детские снежные совы

 

---

Новичок в обучении искусству в классе? Загрузите мой бесплатный набор инструментов для учителей рисования в классе, нажав на желтую рамку ниже!

Техники масляной живописи — Введение в стили масляной живописи для начинающих

Изучение техник масляной живописи для начинающих поначалу может показаться ошеломляющим, поскольку существует множество различных базовых техник масляной живописи. Как и в случае с любым другим навыком, обучение рисованию требует времени и терпения. Из всех техник масляная живопись считается особенно сложной для изучения. Однако, если следовать различным советам и приемам, ваши стили и техники масляной живописи могут резко возрасти и изменить ваш процесс рисования.

 

 

Выбор инструментов, которые вам понадобятся для начала

Масляная краска имеет давнюю традицию в истории искусства и является одним из самых популярных материалов, используемых до сих пор.Однако, прежде чем вы сможете приступить к изучению основных техник масляной живописи, важно знать, какие инструменты вам потребуются. Если вы заинтересованы в том, чтобы начать работать с масляными красками, важно иметь в своем распоряжении набор основных расходных материалов. Это просто означает, что у вас должны быть специальные инструменты, которые используются только для масляных красок, так как они не должны смешиваться с другими видами красок.

 

Наборы красок и холсты

В начале вам будет достаточно базового набора масляных красок.Кроме того, для начинающих предпочтительнее использовать холст из мазонита или березы, поскольку льняные холсты могут быть дорогостоящими. По мере продвижения вы обнаружите, что в ваших интересах тратить деньги на наборы красок профессионального качества, а не на дорогие холсты. Базовые холсты идеально подходят для начинающих, так как они работают одинаково хорошо, если перед покраской правильно загрунтованы.

 

Кисти для рисования

При выборе кистей для рисования обратите внимание на кисти, специально предназначенные для масляных красок.В зависимости от того, что вы будете рисовать, будет полезно выбрать кисти разных форм и размеров, чтобы поиграть с ними, поскольку все они используются для разных техник.

 

Палитра для рисования

Как правило, пластиковые или меламиновые поддоны являются наиболее обычными и удобными в использовании. Однако, если вы ищете культовую изогнутую палитру, деревянные доски с отверстием для большого пальца также являются приемлемым вариантом. Просто не забудьте обработать поверхность, натерев ее льняным маслом, чтобы предотвратить просачивание красок.

 

Мастихин

Когда дело доходит до смешивания цветов , лучше всего использовать мастихин. Этот инструмент позволит вам равномерно смешивать цвета и предотвратит попадание слишком большого количества пигмента на кисть при смешивании. Мастихины также можно использовать для структурного нанесения краски, так как этот инструмент добавляет к видимой текстуре масляной краски.

 

Очистители кистей

Наконец, вам также понадобится чистящий раствор для мытья кистей, когда вы закончите рисовать.Растворители, такие как скипидар, прекрасно работают, так как их также можно использовать для разбавления пигментов во время рисования, но их следует использовать в хорошо проветриваемом помещении из-за их запаха.

 

 

Советы и рекомендации по использованию инструментов для рисования

Помимо знания того, какие инструменты использовать, важно также правильно понимать, как их следует использовать. Не зная этого, изучение различных основных техник масляной живописи становится трудным, поскольку инструменты могут стоять на вашем пути к успеху.

 

Идеальное положение кисти

Во время рисования важно помнить, что ваша кисть имеет две стороны, обе из которых следует использовать. Научитесь по-разному ориентировать кисть, чтобы контролировать линии, которые вы рисуете, поможет улучшить вашу скорость и адаптивность в вашем масляном искусстве, так как вы узнаете, какие стороны лучше всего подходят для конкретных техник. Кроме того, поворачивая кисть на бок, вы сможете создавать более тонкие линии, чем просто используя более плоскую часть кисти, которая идеально подходит для более широких мазков.

 

Варьируйте используемое давление

Давление, которое вы оказываете при рисовании, поможет определить окончательный результат вашей работы маслом и может улучшить или испортить внешний вид произведения искусства. Если вы постоянно оказываете сильное давление, ваши цвета краски могут смешиваться в результате и образовывать неровности по краям вашей кисти. Обязательно ознакомьтесь с различиями между использованием мягких, средних и тяжелых мазков, так как это поможет определить, какой из них лучше всего подходит для того, что вы рисуете.

 

Смешайте большим пальцем

Ваши пальцы также могут быть идеальным инструментом для смешивания краски, так как нервные окончания могут помочь вам отрегулировать силу нажатия. Это может помочь вам растушевать линии так точно, как вы этого хотите. Тем не менее, всегда обязательно сверяйтесь с этикетками о вреде для здоровья на тюбиках с краской, чтобы узнать, вредны ли масла для кожи.

 

Правильно держите кисть

Очень важно знать, как держать кисть, так как этот инструмент может повлиять на то, как вы рисуете.Несмотря на то, что существует множество ручек, которые вы можете использовать при рисовании, рекомендуется держать ручку кисти как можно дальше назад, когда вы новичок. Хотя поначалу это может показаться неудобным, этот хват дает вам максимальный контроль и позволяет выполнять более чувствительные и гибкие удары. В конечном счете, правильно держа кисть, вы можете рисовать всей рукой, а не только запястьем.

 

Остерегайтесь чрезмерного смешивания

При комбинировании цветов важно смешивать их столько, сколько необходимо, прежде чем вы сможете начать их использовать.Когда цвета смешиваются впервые, в смеси иногда появляются небольшие неровности, которые, как правило, добавляют вашей работе ощущение притяжения и яркости. Если цвета перемешаны, эти качества теряются, и ваша цветовая смесь будет выглядеть плоской и скучной, что может повлиять на результат вашей картины.

 

Избегайте экономного использования краски

Решая, сколько краски использовать, старайтесь не ограничивать себя, так как это может повлиять на конечный результат вашей картины. Если вы обнаружите, что постоянно вращаете кисть вокруг тонкого слоя краски, как правило, это время, когда вам нужно переделать цветовую смесь. Тем не менее, все это будет зависеть от типа стирки, которую вы хотите использовать для своей конкретной работы. Для некоторых техник потребуется более жидкая заливка, в то время как для других потребуется более плотная заливка для создания желаемого эффекта.

По сути, вам нужно убедиться, что вы используете достаточно краски для того типа мазка, который пытаетесь создать.

 

Поддерживайте чистоту ваших цветов

Ваши кисти должны быть чистыми, когда вы окунаете их в различные оттенки, так как грязные кисти могут испортить используемые вами цвета.Если это произойдет, чистота ваших цветов может быть скомпрометирована, и вам придется рисовать не тем оттенком, который вы выберете. Чтобы поддерживать интенсивность цвета при использовании непосредственно из тюбика, важно регулярно мыть кисти и, при необходимости, между использованиями.

 

Эксперимент с двухцветными смесями

Начинающим рекомендуется потренироваться смешивать краски, используя только два выбранных цвета и белый. Если вы склонны выбирать цвета из каждого тюбика при смешивании, вы создадите смесь, которая будет мягкой и будет иметь более низкую интенсивность.Если вы потратите время на то, чтобы улучшить свои знания о цветах и ​​попрактиковаться в лаконичном смешивании, вы сможете рисовать более эффективно и создавать работы, которые подчеркнут ваше мастерство.

 

 

10 основных техник масляной живописи, которые нужно знать

Когда дело доходит до изучения основных техник масляной живописи для начинающих, существует множество различных техник. Хотя вам не обязательно использовать все стили масляной живописи, упомянутые ниже, важно иметь общее представление о них, если вы захотите включить их на более позднем этапе.

 

Подмалевок

Начинающие рисовать маслом могут столкнуться с трудностями при нанесении цвета на чистый холст в начале работы. Подмалевок пытается решить эту проблему, являясь первым слоем краски, который наносится на холст перед добавлением цвета. Подмалевок указывает, где вы хотели бы нарисовать основные части вашей композиции, что избавляет от страха, когда вы, наконец, начнете рисовать.

Чтобы использовать эту технику, вам нужно будет набросать грубую идею вашей композиции, нанеся тонкий слой краски, а затем наметив, где вы хотели бы разместить определенные части и цветовые тона.Это позволяет вам иметь смутное представление о том, где вы хотели бы построить свою композицию, и дает вам карту для подражания, которая может успокоить вас, когда вы будете готовы начать.

 

Блокировка входа

Этот метод относится к физическому блокированию различных форм и цветов, которые будут использоваться на вашем холсте, прежде чем вы сможете полностью приступить к рисованию. Целью этого является создание плана, который проведет вас через общую композицию и выбор цвета и позволит вам позаботиться о более мелких деталях, чтобы вам не приходилось беспокоиться о них при рисовании.

Используя эту технику, вы можете почувствовать, куда движется ваша картина. Новички начнут рисовать приглушенную версию своих основных цветов, используя разбавленную краску и большие кисти. Как только это будет сделано, вы сможете увеличивать интенсивность цветов и добавлять дополнительные слои по мере продвижения.

Будьте осторожны, используя очень насыщенные цвета, так как большую часть времени вы потратите на то, чтобы приглушить рисунок.

 

Смешивание

Хотя этот метод, возможно, чаще всего используется новичками, он также является одним из самых простых методов.Смешивание описывает два разных цвета, которые слегка смешиваются друг с другом при намокании, что позволяет создать более плавный переход между оттенками. Однако эту технику можно использовать только тогда, когда краски влажные, и она является популярным методом в масляной живописи, поскольку масла остаются влажными в течение более длительного периода.

Смешивание помогает новичкам создавать плавные и реалистичные картины, но в результате этого часто можно переусердствовать. Этот метод более эффективен при умеренном использовании, так как слишком много смешивания может создать неаутентичную атмосферу в картине, поскольку она приобретает чрезмерно утонченный вид.

 

карабкаться

Scumbling — отличная техника, которую могут использовать новички, чтобы добавить текстуру масляной краской к своим картинам. По сути, это использует сухую и закаленную кисть и требует от вас нанесения тонких слоев краски на холст. Затем это создает текстурный эффект, поскольку появляется потрескавшаяся глазурь, которая становится заметной благодаря подкрашиванию, которое затем можно увидеть сквозь глазурь.

Скумблирование отличается от других техник, направленных на достижение более гладкого эффекта, поскольку цель состоит в том, чтобы оставить открытыми участки за счет неравномерного нанесения краски.Таким образом, скамблинг идеален, если вы хотите создать глубину в своем масляном искусстве.

 

Остекление

Остекление существует как популярная техника в масляной живописи и хороша для начинающих. В этом методе используется нанесение тонких прозрачных слоев поверх сухого непрозрачного базового слоя. При нанесении каждого дополнительного слоя краски оттенок предыдущего слоя меняется, и поверхность приобретает глянцевый вид. Это также помогает в создании многомерного взгляда.Из-за полированной отделки, которую обеспечивает остекление, его часто добавляют поверх тонкого слоя краски, чтобы создать блестящий вид.

Для достижения лессировки вам необходимо сначала создать монохромную подмалевку с использованием непрозрачных цветов, а затем медленно наносить сверху слои глазури. Поскольку вам нужно ждать, пока высохнет каждый слой глазури, это может быть очень трудоемким методом росписи. В зависимости от того, сколько слоев вы собираетесь использовать, ваша картина маслом может занять невероятно много времени.Каждый дополнительный слой также должен содержать больше масла, чем предыдущий, чтобы избежать растрескивания на более позднем этапе.

Рекомендуется использовать более прозрачные масляные краски, так как несколько слоев вместе создают интересные цветовые сочетания. Это особенно хорошо работает для рисования портретов.

 

Алла Прима

Также известный как рисование «мокрым по мокрому», этот метод, возможно, является одним из самых сложных для изучения при работе с масляными красками.Этот метод требует, чтобы вы наносили краску непосредственно на влажную поверхность, не давая ни одному из предыдущих слоев полностью высохнуть. Преимущество использования этой техники заключается в том, что картины часто можно выполнить за один присест.

Этот метод отличается от более традиционных методов, которые позволяют каждому слою высохнуть перед нанесением дополнительной краски. Однако, учитывая, что масляной краске может потребоваться несколько дней, чтобы должным образом высохнуть , этот метод предпочтительнее при быстрой рисовании, поскольку он также позволяет смешивать цветовые слои непосредственно на холсте.Эта техника идеальна для максимально быстрого рисования уклоняющегося света, а также для съемки пейзажей в определенное время суток. Некоторые известные художники, которые использовали эту технику, были Винсент Ван Гог и Клод Моне.

 

Импасто

Несмотря на то, что эта техника текстурной окраски может потребовать дополнительной практики и терпения, пастозная живопись особенно хорошо работает, когда вы пытаетесь добавить объема своим произведениям искусства. Стиль импасто в масляной живописи включает в себя нанесение мазков толстой краской на холст, каждая из которых добавляется намеренно.Рисование в этом стиле часто описывается как более смелая техника, так как ваша работа кистью остается видимой после завершения рисования.

Винсент Ван Гог прославился использованием этой техники в масляной живописи, так как его кисть имитирует большую активность и движение в его работах.

Преимущество импасто заключается в том, что масляные краски можно смешивать непосредственно на холсте, что помогает привлечь внимание к областям, которые более яркие, чем другие.Этот более толстый стиль рисования может помочь улучшить идею трехмерности в вашей работе, поскольку вы можете переключаться между использованием кисти или мастихина для создания этой глубины.

Единственная хитрость заключается в том, чтобы обильно нанести краску на кисти, а затем свободно распределить ее по холсту. Те, кто плохо знаком с этой техникой, должны начать с нанесения более густой краски на передний план своих картин, а затем постепенно разбавлять краску по мере уменьшения фона. При этом импасто помогает создать иллюзию расстояния, которую вы можете усилить, добавляя капли краски к крупным планам произведения искусства.

 

Гризайль

Gris , что является французским термином для «серого», описывает монохромное рисование с использованием только различных оттенков черного, белого и серого для демонстрации различных темных и светлых областей. Однако из-за большого ассортимента красок, находящихся в нашем распоряжении в современную эпоху , эта техника масляной живописи немного устарела.

Новичкам в масляной живописи может показаться более обнадеживающим попрактиковаться с более тусклыми цветами, прежде чем переходить к более ярким цветам, поскольку они могут быть непредсказуемыми при нанесении на холст.Если вы хотите попробовать эту технику, она идеально подходит для подмалевка перед тем, как картина будет покрыта глазурью.

 

Светотень

Светотень в переводе с итальянского означает «светлый-темный». Это баланс между светлыми и темными областями в произведении искусства. Эта техника возникла в эпоху Возрождения, когда художники создавали заметный контраст между светом и тьмой в своих работах для более трехмерного вида.

Эта техника может помочь усилить драматизм художественного произведения, так как выдвигает объект на передний план картины.Если вы заинтересованы в том, чтобы опробовать эту технику, рекомендуется начать с одного светового фокуса и работать дальше.

 

Смазка маслом

Из всех техник масляной живописи для начинающих, промазывание не является тем, о котором стоит сразу же беспокоиться. Эта техника довольно продвинута, и поэтому ее не обязательно знать, когда вы впервые учитесь рисовать. Однако по мере вашего продвижения эта техника становится полезной при использовании масел.

Промасливание используется, когда масло впиталось в нижние слои картины, из-за чего верхние слои выглядят тусклыми.Это часто может происходить пятнами, так как время высыхания разных цветов различается. Чтобы исправить это, вам просто нужно нанести небольшое количество высококачественного масляного медиума на проблемные области, как только картина высохнет.

 

Хотя может показаться, что масляная живопись — это достаточно технический навык, вполне возможно начать оттачивать и улучшать свои способности, чтобы стать лучшим художником. Мы перечислили некоторые из наиболее простых и немного более простых техник, с которых вы можете начать, когда начнете рисовать маслом.После практики этих навыков вы всегда можете перейти к более сложным техникам, если хотите расширить свои навыки масляной живописи.

 

Наука, стоящая за техникой живописи Джексона Поллока

Американского художника Джексона Поллока помнят за его абстрактно-экспрессионистское искусство и «технику капель». Но исследователи, изучавшие его работы, хотели глубже взглянуть на науку, стоящую за его искусством.

Они обнаружили, что Поллок манипулировал динамикой жидкости, чтобы создать свою работу, независимо от того, было ли это сознательным решением или нет, согласно новому исследованию.Исследование опубликовано в среду в журнале PLOS ONE.

Некоторые из знаковых произведений, созданных Поллоком, были созданы не кистью, а путем наливания краски с помощью палочки для создания перекрывающихся нитей и нитей цвета. И этим кускам не хватает нестабильности скручивания — заметных завитков и спиралей, создаваемых жидкостью, когда она выливается.

Джексон Поллок с сигаретой во рту капает краской на холст. Фото: Getty Images

Поллок выливал краску на холст, который раскладывал на полу.Его называют «капельным методом», но исследователи также сказали, что это не совсем точное описание того, чего добился Поллок.

Капание создало бы капли на его картине, в то время как Поллок предпочитал непрерывные потоки краски на холсте.

«Как и большинство художников, Джексон Поллок прошел долгий процесс экспериментов, чтобы усовершенствовать свою технику», — сказал Роберто Зенит, старший автор исследования и профессор Инженерной школы Брауна.«В ходе этого исследования мы пытались выяснить, к каким выводам пришел Поллок, чтобы выполнить свои картины так, как он хотел. Наш главный вывод в этой статье заключался в том, что движения Поллока и свойства его красок были такими, что он избегал этого скручивания. нестабильность».

Исследователи проанализировали видеоролики, снятые Поллоком, когда он создавал свои картины, отметив скорость его движений и расстояние от холста во время заливки краски. Они воссоздали его технику, используя шприц для распределения краски с разной высоты над холстом и изменяя скорость.

(A) Картина Поллока, вид сбоку, при движении по холсту. Показаны две величины, измеренные из видео, Uhand и H; (B) Поллок рисует на прозрачном стеклянном листе. Рисунки представляют собой схематическое воспроизведение документального фильма Ханса Намута. Фото: Palacios et al/PLOS One

«Мы можем изменять одну вещь за раз, чтобы мы могли расшифровать ключевые элементы техники», — сказал Зенит. «Например, мы могли бы изменять высоту, с которой льется краска, и поддерживать постоянную скорость, чтобы посмотреть, как это изменит ситуацию.»

Поллок смог избежать нестабильности скручивания благодаря скорости движения руки, сохранению расстояния до холста и толщине используемой краски.

Исследователи сравнили его с другими густыми жидкостями, такими как мед, который чтобы свернуться стопкой вверх, прежде чем расправиться.

«Мы обнаружили, что он двигал рукой с достаточно высокой скоростью и достаточно малой высотой, чтобы этого скручивания не происходило», — сказал Зенит.

тугих завитков в работах Поллока можно использовать для идентификации и аутентификации его работ.

«Я считаю себя посланником гидромеханики», — сказал Зенит. «Это мой предлог говорить о науке. Удивительно видеть, что художники на самом деле являются механиками жидкости, даже если они могут этого не знать».

Техника живописи Тициана до 1540 г. | Технический бюллетень Том 34

Джилл Данкертон и Марика Спринг, при участии Рэйчел Биллиндж, Камиллы Калининой, Рэйчел Моррисон, Габриэллы Макаро, Дэвида Пегги и Ашока Роя
Технический бюллетень, том 34, 2013 г.

Аннотация

Том 34 Технического бюллетеня Национальной галереи посвящен эволюции техники Тициана в начале его карьеры, примерно до 1540 года.В этом вступительном эссе собраны наблюдения, сделанные на изученных картинах (подробно описанные в статьях каталога), чтобы рассмотреть различные аспекты живописной техники Тициана. В нем обсуждаются истоки его подхода в мастерских Венеции и Венето и его связь с методами его предшественников, Джованни Беллини и Чимы, и его современников, Джорджоне и Себастьяно. Описаны холсты и их подготовка, показана эволюция его выбора импримитуры.Традиционно считалось, что Тициан работал непосредственно с краской, не нанося предварительно свою композицию на подложку, но инфракрасная рефлектография развеяла этот миф. Однако Тициан не обязательно следовал рисунку при выполнении своих картин, которые показывают множество пентименти, очевидных на рентгеновских и инфракрасных изображениях, а также в перекрывающихся цветах, видимых в поперечных сечениях. Тициан полностью использовал широкий спектр доступных ему пигментов, в том числе высоко ценимый ультрамарин, азурит и красное озеро из кермеса.

Ключевые слова 

Тициан, Беллини, Чима, Джорджоне, Себастьяно, Венеция, техника живописи, холст, пигменты, подрисовка, рентгенограмма, пентименти, импримитура, сульфат цинка, ультрамарин, киноварь, красное озеро, кермес, марена, кошениль, азурит, свинец- оловянно-желтый, медянка, желтозем, аурипигмент, реальгар, масло грецкого ореха, льняное масло

Скачать статью

Скачать статью (PDF 11.3MB)

Загрузить примечания и библиографию (PDF 3,3 МБ)

Для цитирования этой статьи рекомендуется использовать

Дункертон, Дж.и Спринг, М., при участии Биллинджа, Р., Калининой, К., Моррисона, Р., Макаро, Г., Пегги, Д. и Роя, А., «Техника живописи Тициана до 1540 г.», Национальный Галерея Технический бюллетень Vol. 34, 2013, стр. 4–31. http://www.nationalgallery.org.uk/technical-bulletin/vol-34-essay-1-2013

---

Проблемы с открытием файлов? Получить Adobe Reader [Внешняя ссылка]

.