Свет в акварели: Книга: «Свет в акварели» — Джеки Баррас. Купить книгу, читать рецензии | ISBN 5-902059-18-6

Содержание

Книга «Свет в акварели. Учимся рисовать красивые картины» Баррас Д

Свет в акварели. Учимся рисовать красивые картины

Художница Джекки Баррас написала для вас увлекательную и полезную книгу, в которой рассказано, как научиться рисовать акварелью замечательные картины, полные света. Создание картин показано поэтапно с помощью 40 тщательно подобранных рисунков и фотографий. Из этой книги вы узнаете о том, какую роль в создании картины играет свет, о видах и способах установки источников искусственного света, научитесь воссоздавать в своих картинах любую атмосферу, будь то яркая сцена из жизни средиземноморского городка или старая церковь, скупо освещенная последними лучами заходящего солнца.

Поделись с друзьями:

Издательство:
Кристина и Ко

Год издания:
2003

Место издания:
Москва

Язык текста:
русский

Язык оригинала:
английский

Перевод:
Мольков К. И.

Тип обложки:
Мягкая обложка

Формат:
205х260 мм

Размеры в мм (ДхШхВ):
260×205

Вес:
205 гр.

Страниц:
48

Код товара:
205977

Артикул:
00000070

ISBN:
5-902059-18-6,0-85532-906-8

В продаже с:
18. 03.2005

Аннотация к книге «Свет в акварели. Учимся рисовать красивые картины» Баррас Д.:
Художница Джекки Баррас написала для вас увлекательную и полезную книгу, в которой

рассказано, как научиться рисовать акварелью замечательные картины, полные света.
Создание картин показано поэтапно с помощью 40 тщательно подобранных рисунков и фотографий. Из этой книги вы узнаете о том, какую роль в создании картины играет свет, о видах и способах установки источников искусственного света, научитесь воссоздавать в своих картинах любую атмосферу, будь то яркая сцена из жизни средиземноморского городка или старая церковь, скупо освещенная последними лучами заходящего солнца. Читать дальше…

— Свет в темноте акварелью

Наш партнёр «Арт-каникулы» расспросил известного болгарского акварелиста Атанаса Мацурева (AtanasMatsoureff) о том, как он пишет свои ночные натюрморты. (NB: Больше разнообразных мастер-классов – в журналах Beamused.

Как организовать рабочее пространство, если пишешь в темноте?

Чтобы увидеть краски, цвет и бумагу, необходим свет. Но света от свечи недостаточно, поэтому я пишу натюрморт в двух комнатах. В одной делаю “ночь” при помощи тёмных штор. В шторах оставляю узкий просвет, чтобы смотреть на объекты натюрморта.

Сам нахожусь во второй комнате. В ней – рабочий искусственный свет, при котором видны все краски. Поскольку просвет между шторами очень узкий, никакие блики и отражения не попадают в тёмную комнату, что позволяет сохранять контраст.

Но ведь свечка быстро сгорит?

Обычно я зажигаю несколько свечек, одна из которых участвует в композиции, а остальные горят в “светлой” комнате – опять-таки, не мешая ночному натюрморту. Затем постоянно проверяю, как они горят, и когда достигают необходимого уровня по высоте, задуваю пламя. Важно, чтобы свечки были одного уровня, так как источник света очень концентрированный, близко к изображаемым объектам и от высоты свечи зависит расположение и длина тени. В ночном натюрморте свет по температуре значительно отличается от дневного. Контраст тёплого и холодного очень сильный: тёплое — очень тёплое, холодные цвета в тени — очень холодные. Именно для ночного натюрморта я использую всю свою палитру: от лимонного жёлтого до чистого чёрного.

Откуда у вас интерес к ночному натюрморту?

Сильные контрасты в графике мне всегда были интересны. Когда я их изучал, сильное впечатление на меня произвели работы Караваджо, Рембрандта, Гойи. Было интересно понять, почему их картины кажутся такими живыми по сравнению с “пластиковыми” фигурами Жоржа де Латура, например. Мне всегда было интересно экспериментировать со светом и рисовать, когда его совсем-совсем мало. Такие работы всегда завораживают, в них есть особый магнетизм. И у зрителя всегда возникает вопрос: “А что там скрывается в темноте?”.

Как написать тёмный фон акварелью, это же по сути прозрачная краска?

Мастерство в написании тёмного фона заключается в передаче тончайших нюансов, которые содержатся в темноте. Я никогда не делаю тёмный фон при помощи только чёрного, а получаю его путём смешения разных красок. Вне этого смешения чёрный я использую в отдельных небольших участках фона – но никогда не делаю его приоритетным, основным цветом.

Какие краски лучше подходят для фона и какая бумага – для натюрморта?

Для ночных натюрмортов бумага, покрытая большим слоем желатина, не подходит, потому что не позволяет как следует впитаться краске.

Я никогда не следую правилам и условностям. Считается, что акварель – прозрачная краска, но если я вижу тёмный фон и мне необходимо его передать в своей работе, я буду использовать максимальное количество цветов. При этом, как вы видите, работы остаются живыми и свежими. Вот в этом и заключается мастерство.

Я думаю, что художнику нужна смелость, чтобы сделать хороший тёмный фон.

Натюрморт поэтапно

1. Выполняю рисунок, намечаю основные элементы натюрморта. Ночной натюрморт я начинаю с самого светлого объекта: с источника света, то есть, со свечи.

2. Свечку начинаю с её верхней части. Так так воск – полупрозрачная материя, свет от пламени проникает до определённой степени, а значит, верхнюю (самую светлую) часть свечи я оставляю белой.

3. Если внимательно смотреть на горящую свечу, можно увидеть чёткую границу, где светлая (тёплая) её часть переходит в тёмную (холодную).

Когда я пишу свечу, я держу в уме, что вокруг неё будет очень тёмный фон. И чтобы не доделывать свечу после фона, я стараюсь сразу верно передать контраст темноты и яркой свечи.

После того, как основная часть свечи завершена, я пишу мелкие детали, такие как капли стекающего воска, чтобы придать ей материальность, сделать её по-настоящему живой.

Очень важно не забывать, что предметы, расположенные вокруг свечи, влияют на её освещённость и цвет. Необходимо всегда держать в голове эти отражения и не забывать добавлять их.

4. В самом конце я делаю пламя. Чтобы создать иллюзию того, что пламя – самая светлая часть картины, я оставляю его белым. Для ореола вокруг пламени я использую следующие краски: кадмий желтый, охра золотая, английская красная, умбра жжёная и вандайк.

5. Финальный момент: фитиль и синее свечение в нижней части пламени, которое можно увидеть, если присмотреться.

Вы можете считать, что справились с задачей, если при взгляде на вашу свечу зритель будет ожидать, что вот-вот пламя начнет трепетать.

Редакция Beamused beamused.ru благодарит «Арт-каникулы» art-holidays.livejournal.com и Атанаса Мацурева (Atanas Matsoureff) www.matsoureff.bgcatalog.com.

Сегодня — Международный день акварели — Культура

Необыкновенная воздушность, одухотворенность и богатство полутонов — нередко именно так описывают художники работы, выполненные акварелью. Это один из самых доступных художественных материалов. Писать картины акварелью пробуют многие, однако укротить её мало кому удается, краска очень капризная, она не терпит ошибок и исправлений. Но всё же у акварели есть уникальные свойства, благодаря которым любовь художников к ней не угаснет.

Картины, выполненные акварелью, будто бы наполнены светом, рассказывает Марина Ибрагимова. Художница признается, пробовала писать гуашью и маслом, но всё же акварельные краски полюбились особенно.

Не очень простая техника. Пользоваться акварелью, создавать работы, это требует большого опыта, очень много надо сделать работ, чтобы понять, какая тебе техника подходит больше, потому что можно и по сырому работать, можно и на брызги по сухому делать.

Марина Ибрагимова, акварелист.

На выставке — летнее буйство красок, мимолетное дыхание ветра и утонченные переливы цветов, а еще городские пейзажи и долгожданные снег, который вот-вот закружит рязанцев. Все выполнено акварелью. Отсюда и название выставки «Край раздолья и чудес». Зрители останавливаются и рассматривают детали, а мастера дискутируют о цветовой растяжке, лессировке, наложение цветов. Профессионалы отмечают, что одну из ключевых ролей в создании акварельной работы играет бумага, она в значительной степени влияет на поведение краски. Однако талантливые люди для своих картин могут выбрать и самый обычный белый лист.

Леонид Будник — художник начинающий, начал писать картины около 3 лет назад с помощью обучающих видео в интернете, и первые свои работы выполнил как раз акварелью. Делится, этот материал по-настоящему живой.

Перетекания цветов в акварели очень хорошо смотрятся, с одного цвета в другой, маслом так уже не сможешь сделать. В процессе понимаешь, что не так просто. И на самом деле, если сделать, что-то более красивое, то уже нужно будет какое-то мастерство иметь.

Леонид Будник, художник.

Это первая выставка начинающего художника. Леонид Будник всё пейзажи пишет с натуры, поэтому акварель в его работах преобладает. По мнению рязанца, лишь капризная и воздушная акварель, не прощающая промахов, способна запечатлеть и максимально передать любое мимолетное и одновременно пронзительное состояние природы.

Опубликованные материалы на сайте СМИ «Солнечный свет». Статья «Возможности акварели при обучении детей изобразительному искусству на художественном отделении Детской школы искусств». Автор: Щербакова Мария Ивановна.

Автор: Щербакова Мария Ивановна

«Возможности акварели при обучении детей изобразительному искусству на художественном отделении Детской школы искусств»

Введение

Акварельные краски были известны еще в древнем Египте, в древнем Китае и странах античного мира. Долгое время акварельное письмо считалось лишь одной из составляющих графического рисунка. Живопись в современном ее представлении возникла сравнительно недавно: в конце 18 – начале 19 веков. Тогда она приобрела независимость и стала одной из самых сложных техник рисования.

Важнейшей особенностью акварели является ее прозрачность. Это свойство материала позволяет передавать глубину пространства световоздушной среды, изменчивость и подвижность окружающего мира, разнообразие цветовых и тональных отношений.

В тоже время акварель портативный и достаточно доступный по стоимости материал. Ею удобно пользоваться как при работе на природе во время пленэра, так и в условиях учебного класса.

Акварель обладает широкими техническими возможностями. Акварельные работы могут быть построены на тончайших цветовых переходах прозрачного красочного слоя или глубоких сочных цветовых пятнах.

В ней может быть использовано ровноокрашенное или с неповторимыми затеками пятно, разной формы красочные мазки и линии.

Есть у акварели еще одна особенность. Она не любит поправок. А это требует от исполнителя виртуозного владения не только техническими приемами акварельной живописи, но и умения уверенно рисовать. Именно поэтому акварель следует отнести к одной из самых сложных живописных техник. Разумеется, и процесс освоения приемами письма акварелью, требуют серьезной и целенаправленной работы.

Возникает вопрос о целесообразности изучения акварельной живописи на первоначальной стадии обучения изобразительному искусству. Отвечая на него можно привести массу доводов как «за», так и «против» использования этого материала в целях обучения детей изобразительному искусству на художественном отделении ДШИ.

1 Материалы и средства акварельной живописи.

Идеальным помещением для работы с акварельными красками – как и с большинством других материалов – будет светлый просторный класс (мастерская) с хорошим естественным освещением днем и грамотным, равномерным искусственным – вечером. Шторы и жалюзи помогут регулировать поток дневного света, а хорошие светильники, в том числе настольные, обеспечат хорошее освещение вечером.

Акварельными красками лучше всего работать на мольберте или на столе, имеющем наклон. На ровной поверхности краска и вода будут скапливаться в одном месте рисунка, образуя лужи. Стол для работы с акварельными красками должен быть достаточно большим – на него предстоит положить не только лист бумаги, но и все инструменты, которые могут понадобиться в работе. Это баночка с водой, краски, кисти и т.д.

Воду наливают в стеклянные баночки объемом около 250 мл. или более. Практика показывает, что в работе очень неудобны баночки-«непроливайки», которые так любят покупать ученикам родители — объем баночек маленький, поэтому вода быстро загрязняется, ее приходится менять чаще – а открыть баночку, не пролив воду, ребенку сложно.

Акварельные краски бывают нескольких видов:

— твердые. Помещаются в пластиковые или фарфоровые контейнеры. Краска сильно прессуется, поэтому пропитать ею кисть непросто.

— полумягкие. Выпускаются в виде плиток (кюветов) с большим содержанием глицерина и меда, что делает их более мягкими. Эти краски хорошо растворяются в воде и широко используются профессиональными художниками.

— мягкие. Они выпускаются в оловянных тюбиках в виде пасты.

— жидкие. Используются чаще всего в книжной графике. Имеют достаточно насыщенные цвета, продаются в стеклянных флаконах.

На уроках в ДШИ лучше использовать только полумягкие краски (в кюветах). Следует обратить внимание, чтобы в коробке красок не было белил. В акварельной живописи светлые тона достигаются добавлением воды; белила лишь придают грязный оттенок. Необходимо проследить, что бы к старшим классам школы (4-8 класс) учащиеся работали только профессиональными красками — «Ленинградскими», «Ладога», «Белые ночи» (завод художественных красок Санкт-Петербург). Качество работы ими намного выше, чем обычной медовой акварелью («Гамма», «Ярославский завод»). В пользовании удобнее всего пластмассовая коробка, картонная размокает от воды. Акварельные краски расходуются неравномерно: быстрее всего заканчивается золотистая, красные, ультрамарин и кобальт синий. По мере необходимости можно купить отдельные цвета в кюветах в замен израсходованным.

Рекомендуемый набор акварельных красок:

· Кадмий жёлтый средний

· Золотистая

· Лак оранжевый или Кадмий оранжевый

· Сиена жжёная

· Кадмий красный светлый или Алая

· Краплак красный светлый

· Жёлто-зелёная

· Изумрудно-зелёная

· Церулеум или Кобальт синий

· Ультрамарин или Лак синий

· Умбра

· Нейтрально-чёрная

Существует множество кистей для акварельной живописи. Качество кисти определяется волосом.

Профессиональными считаются колонковые кисти, но для школьников рекомендуется покупать кисти из волоса белки. Они идеальны для работы с акварельными красками. Проверить качество такой кисточки несложно: следует намочить кисть водой – она должна «уйти на волосок», то есть сохранять острый кончик. Этому следует научить детей, что бы они могли сами проверить качество кисти во время покупки. Очень удобна кисть с синтетическим ворсом, она более долговечна, по сравнению с колонком и белкой. Так как синтетика – это современный искусственный материал, то и несколько дешевле натуральных кистей. Единственный ее недостаток она меньше набирает воды.

Кисти из пони, лисы, козы не подходят для акварельной живописи – они не образуют острый кончик, необходимый для работы с акварелью. Применять их в работе не рекомендуется.

При занятиях акварелью решающее значение имеет качество бумаги. Ни в коем случае не стоит разрешать детям (ни в школе, ни дома) рисовать акварельными красками по тонкой бумаге – писчей, офисной и т.д. Такая бумага коробится даже от незначительного количества воды и совершенно непригодна для акварели. Бумага должна быть достаточно плотной. Как правило, в основном все работы учащиеся выполняю на гладкой бумаге (ватмане), так как она наиболее доступная и дешевая. Но по мере возможности можно поработать с детьми на бумаге разной фактуры – плотной, разной степени зернистости.Живопись на акварельной бумаге смотрится значительно интереснее благодаря игре света, в то время как краска на ватмане часто жухнет.

Необходимо приучать детей (и их родителей) с младших классов ДШИ к работе качественными материалами – краски, кисти, бумага. Для успешной работы акварельными красками необходимо пользоваться высококачественными материалами. Основное требование— краски после высыхания работы не должны жухнуть, мутнеть.

2. Применение различных акварельных приемов и техник на уроках живописи, изо и композиции станковой.

Существует множество различных приемов исполнения акварельных работ. Эти способы можно выделить и классифицировать лишь условно, в зависимости от определенных факторов. Многие из которых учащиеся стараются освоить или хотя бы попробовать на уроках живописи, станковой композиции и основах изобразительной грамоты.

В зависимости от степени влажности бумаги можно выделить такие акварельные техники, как «работа по-сырому» («английская» акварель) и «работа по-сухому» («итальянская акварель»). Кроме этого можно встретить и комбинации этих приемов.

2.1. Живопись «по-сырому»

Одна из первых техник, которую могут освоить школьники еще в младших классах, это техника «по-сырому». Суть этого приема заключается в том, что краска наносится на предварительно смоченный водой лист. Степень его влажности зависит от творческого замысла, но обычно начинают работать после того, как вода на бумаге перестанет «блестеть» на свету.

Такой способ работы позволяет получить легкие, прозрачные цветовые оттенки с мягкими переходами. Особенно успешно этот метод используется младшими школьниками при работе над сюжетной композицией.

Основная трудность при работе «по-сырому» кроется как раз в главном достоинстве акварели – тякучести. При наложении красок этим методом результат нередко зависит от капризов растекающихся по мокрой бумагу мазков, которые в процессе творчества могут получатся далеко не такими, как хотелось изначально. При неаккуратном исправлении может появиться определенная замызганность и грязь. Поэтому данный способ работы воспитывает в учащихся самоконтроль, умение свободно владеть кистью и учит выявлять гармоничные цветовые сочетания и сразу брать их на бумаге.

2.2. Техника A la prima

Очень хороша техника A la prima при работе над краткосрочными этюдами. Пишутся они очень быстро, «на одном дыхании», за 1-3 учебных часа. Рекомендуется чередовать подобные этюды между длительными постановками по живописи. Незаменим метод а la prima при выполнении быстрых набросков с натуры и эскизов. Уместен он и при выполнении пейзажных этюдов во время пленэрной практики, когда непостоянные состояния погоды обязуют к быстрой технике.

Работая в этой технике, дети учатся составлять смеси из двух, максимум трех цветов, так как лишняя краска, как правило, ведет к замутнению, к потере свежести и яркости, цветовой определенности. Так же учатся каждый мазок располагать на работе строго своему назначению – согласовывать с формой и рисунком. Поэтому данный способ требует необычайной сосредоточенности, отточенности письма и хорошего чувства композиции. После выполнения этюдов в технике a la prima учащимся легче дается цвето-тоновой разбор во время выполнения длительных учебных постановок.

2.3 Многослойная акварель

При работе в технике многослойной акварели или лессировки, один слой краски накладывается поверх другого. Мазки выполняются аккуратно, чтобы не повредить или не размыть уже высохшие живописные участки. Лессировка — это основной способ работы при выполнении длительных учебных постановок. Во время работы данной техникой акварели дети учатся максимально точно воспроизводить натуру, стараются максимально точно передавать все богатство цветовой среды, будь то натюрморт или сюжетная композиция. Отрабатывают приемы передачи плановости пространства, материальности предметов. При этом в работе сохраняется прозрачность и звонкость слоев присущая акварели, несмотря на наличие нескольких слоев краски. Одно из достоинства данной техники в том, что не нужно торопиться, есть время подумать без спешки, проанализировать натуру. Работу над композицией или натюрмортом без вреда для общего замысла, можно разбить на несколько сеансов (9,12,15 учебных часов). Это особенно важно при большом формате изображения. Кроме того, у учащихся из раза в раз отрабатывается умение вести работу последовательно и поэтапно, от общего к частному и от частного к общему, в конце выполнить обобщение всей работы, привести ее к цельности.

Главный минус этой техники в том, что учащиеся могут переборщить с красочными слоями, «забить» изображение цветом. Поэтому следует приучать их вести работу тонко и аккуратно, анализируя каждый красочный слой.

2.4. Гризайль

По используемой цветовой палитре можно условно выделить многоцветную классическую и монохромную акварель – гризайль. В гризайли используются различные тона одного цвета, поэтому данная техника помогает наглядно показать обучающимся, что такое тон, насыщенность и контрастность. В учебной программе по Живописи в каждом учебном классе предусматривается одно задание в год в данной технике.

Изучение данной техники позволяет научить детей работать в ограниченной цветовой гамме и больше акцентироваться на форме и объеме предметов. Кроме того развить мелкую моторику и укрепить руку, так как из-за своей монохромности гризайль требует особой тщательности и аккуратности.

Технику гризайль можно применять не только в живописи, но и в сюжетных работах по станковой композиции. Такой работе придает шарм, то что хочется угадать, какие же цвета скрыл автор. Необыкновенно выразительны и достоверны получаются деревенские и городские пейзажи.

2.5 Смешанная техника

Существуют и широко применяются детьми на уроках композиции станковой и основах изобразительной грамоты техники, когда акварель смешивают с другими красящими материалами – белилами (гуашью), акварельными карандашами, пастелью, тушью. Хотя результаты бывают весьма впечатляющими, такие техники не являются «чистыми». Можно попробовать с детьми различные варианты. Технику, как правило, задает общий творческий замысел работы и предрасположенность ребенка к тому или иному материалу. Образы получаются запоминающими и яркими, кроме того дети очень любят экспериментировать, пробовать что-то новое.

2.6. «Спецэффекты»

Во время работы акварельными красками можно использовать различные «спецэффекты». Наиболее популярные и часто используемые учащимися в нашей школе – это применение соли, пищевой пленки и набрызга. В младших классах на уроках изобразительной грамоты знакомство с ними происходит в игровой форме, в старших классах учащиеся, уже имея определенный опыт, сами предлагают какой прием можно применить в каждой конкретной работе. Применение подобных «спецэффектов» делают процесс создания творческой работы более интересным и захватывающим для детей. Они испытывают удивление, что при создании художественного образа можно применять не только краски и кисти, но и предметы казалось бы далекие от изобразительного искусства -соль, пленка, зубная щетка и пр. Такие уроки надолго запоминаются и вызывают бурю эмоций у детей. Они учатся находить художественный образ в хаотическом распределении цветовых пятен, развивают фантазию, воображение, творческое мышление.

Например, кристаллики крупной соли, нанесенные поверх влажного красочного слоя, впитывают в себя часть пигмента, в результате оставляя на бумаге неповторимые разводы, движущиеся тональные переходы. Таким образом, можно создать в работе воздушную среду, украсить луг цветами, небо звездами, показать брызги воды и пр.

Интересный эффект дает обычна пищевая пленка. Лист покрывают красочным слоем, и пока он не высох, плотно прижимают мятую пленку. В результате получаются неповторимые разводы – зелень, небо, море или просто абстрактная, композиция в которой дети пытаются разглядеть и подчеркнуть какие-то образы

Набрызг – это самый простой из приемов, он знаком многим детям еще с занятий изобразительным искусство в детском саду. Но в художественной школе композиции работ усложняются, цветовые сочетания становятся богаче. Широко используется в младших классах на уроках изо набрызг по трафаретам, в старших классах набрызг может быть применен при создании плаката. В сложных сюжетных композициях или пейзажах можно тоже использовать этот прием, но надо проследить за тем, что бы учащиеся были предельно аккуратны. Частички раствора краски практически бесконтрольно разлетаются по бумаге и легко можно испортить работу, переборщив с интенсивностью данного эффекта.

Заключение

Самым главным аргументом для использования акварели можно назвать то, что акварель является более сложным материалом, и, следовательно, тем самым приучает детей к серьезной вдумчивой деятельности в области творчества. Акварель способствует выработке навыка аккуратной работы, развивает умение видеть тончайшие цветовые переходы, учит нестандартному восприятию образа окружающей действительности, равно как и ее передаче.

Кроме того, в целом акварельная живопись формирует изящество восприятии мира и тонкую духовную организацию личности юного художника.

Список литературы

1. Винер, А.В. Как пользоваться акварелью и гуашью [текст] / А.В.Виннер. – М.: «Искусство», 2009.

2. Косминская, В.Б., Халезова, Н.Б. Основы изобразительного искусства и методика руководства изобразительной деятельности [текст] / В.Б.Косминская– М.: «Просвещение», 2008.

3. Кунц, Д. Основы акварели. Цвет. -М.: «Попурри», 2006. – 169 с.

4. Назаров, А.К. Основные способы акварельной живописи. – M.: «Орбита-М», 2011.

5. Ревякин, П.П. Техника акварельной живописи. – M.: «АСТ», 2009.

6. Уильям Ньютон, Акварельная живопись. – М.: «Кристина – Новый век», 2007.

7. Шитов, Л.А., Ларионов, В.Н. Живопись. Уроки изобразительного искусства». – М.: «Просвещение», 2005.

Автор: Щербакова Мария Ивановна

Введение

Материалы и средства акварельной живописи

Акварельные краски бывают нескольких видов:

— мягкие. Они выпускаются в оловянных тюбиках в виде пасты.

Рекомендуемый набор акварельных красок:

Кадмий жёлтый средний

Золотистая

Лак оранжевый или Кадмий оранжевый

Сиена жжёная

Кадмий красный светлый или

Алая

Краплак красный светлый

Жёлто-зелёная

Изумрудно-зелёная

Церулеум

или Кобальт синий

Ультрамарин или Лак синий

Умбра

Нейтрально-чёрная

Существует множество кистей для акварельной живописи. Качество кисти определяется волосом.

При занятиях акварелью решающее значение имеет качество бумаги. Ни в коем случае не стоит разрешать детям (ни в школе, ни дома) рисовать акварельными красками по тонкой бумаге – писчей, офисной и т. д. Такая бумага коробится даже от незначительного количества воды и совершенно непригодна для акварели. Бумага должна быть достаточно плотной. Как правило, в основном все работы учащиеся выполняю на гладкой бумаге (ватмане), так как она наиболее доступная и дешевая. Но по мере возможности можно поработать с детьми на бумаге разной фактуры – плотной, разной степени зернистости.Живопись на акварельной бумаге смотрится значительно интереснее благодаря игре света, в то время как краска на ватмане часто жухнет.

2. Применение различных акварельных приемов и техник на уроках живописи, изо и композиции станковой.

2.1. Живопись «по-сырому»

2.2. Техника A la prima

2.3 Многослойная акварель

2.4. Гризайль

2.5 Смешанная техника

2.6. «Спецэффекты»

Заключение

Список литературы

Винер, А.В. Как пользоваться акварелью и гуашью [текст] /

А.В.Виннер

. – М.: «Искусство», 2009.

Косминская, В.Б.,

Халезова

, Н.Б. Основы изобразительного искусства и методика руководства изобразительной деятельности [текст] /

В.Б.Косминска

–

М.: «Просвещение», 2008.

Кунц

, Д. Основы акварели. Цвет.

-М

.: «Попурри», 2006. – 169 с.

Назаров, А.К. Основные способы акварельной живописи. – M.: «Орбита-М», 2011.

Ревякин, П.П. Техника акварельной живописи. – M.: «АСТ», 2009.

Уильям Ньютон, Акварельная живопись. – М.: «Кристина – Новый век», 2007.

Шитов, Л.А., Ларионов, В.Н. Живопись. Уроки изобразительного искусства». – М.: «Просвещение», 2005.

Скачать работу

Планшет для акварели А3 20л Серебряный свет Орниенбаума Palazzo Лилия Холдинг ПЛ-1783

Планшет из плотной рисовальной бумаги (300г/м2) с содержанием хлопкового волокна 50%, имеет зернистую поверхность и подходит для рисования акварелью, гуашью, пастелью. Бумага после высыхания не деформируется, после неоднократных промывок не размягчается и не ворсится, сохраняя свою первоначальную плотность, а цвета сохраняют свою яркость долгое время.

Бренд	Лилия Холдинг
Базовая единица	шт
Жесткая подложка	да
Белизна, %	100%
Количество листов	20л
Цвет внутреннего блока	белый
Текстура	среднее зерно
Тип скрепления	склейка
Цвет	с рисунком

Рисуем розы акварелью.

Тень и свет. Теплое и холодное освещение. Добрый день. Продолжаем наши «нескучные уроки» по живописи!

Занятие 1 здесь : Рисуем розы акварелью. Строение бутона и освоение заливки

Сегодня мы затронем тему освещения( вау! основы оптики) и поговорим о теплых и холодных цветах, свете, тени и полутени. Для занятия нам понадобится бумага, краска, кисти ( о том как выбрать здесь) и много фотографий роз.

Каждая тень, в конечном счёте, тоже дитя света, и лишь тот, кто познал светлое и тёмное, войну и мир, подъём и падение, лишь тот действительно жил.

Стефан Цвейг. Вчерашний мир. Воспоминания европейца

***

На втором занятии мы постараемся сделать цветок более похожим на настоящий. Для этого нужно несколько хороших фотографий роз или живой цветок. Рассмотрите эти фотографии. Отметьте. где свет(светлые участки), где тень. Где нечто среднее, называемое полутенью или полутонами.

Для малышей, обладающих образным мышлением лучше рассказать о понятиях тени, света и полутонах с помощью сказки.

В гостях у солнышка. Сказка для маленьких художников о свете, тени и полутонах.

Для детей с логическим мышлением и взрослых будем предельно точными:

Свет — освещенная часть поверхности предмета, на которую свет попадает под углом 90 ° (нормально). Иногда этот свет называют корпусным или прямым.
Полутень или полутона– место, где происходит переход между светом и тенью, или между рефлексом и тенью, соответственно это место темнее света или рефлекса, но светлее тени.
Тень или собственная тень предмета – это самое темное место на предмете, на котором нет ни прямого, ни отраженного света. В этом месте предмет освещен лишь рассеянным светом.
Падающая тень — самая темная фаза теней (в случае если цвет предмета, на который падает тень, и цвет предмета, от которого падает тень, одинаковы). Чем дальше предмет, от которого падает тень, тем светлее тон этой тени и менее четки границы. Падающая тень всегда темнее собственной.

Рассмотрите как сгибаются лепестки. Где-то видна из боковая часть, где то фронтальная. Посмотрите какие причудливые изгибы совершают лепестки. Как падает тень от лепестка на поверхность цветка. Идеальный вариант — настоящая роза.

Рассмотрите розы разных расцветок. Бывают желтые, пурпурные и даже зеленые розы!

Пришло время поговорить о цвете и освещении. Наверное все вы знаете, что есть теплые цвета (желтый, оранжевый и красный) и холодные (синий, фиолетовый, зеленый). Если нет, можно включить это знание в дополнительный урок.

Сказка для малышей Приключение капелек в стране Фантазия.

Правило простое: когда свет теплый (более светлые участки теплых оттенков), тень холодная (содержит синюю гамму) и наоборот, когда свет холодный — тени теплые. При солнечном и искусственном освещении (лампы, фонари) свет будет теплым, а тени холодными. при лунном освещении тени теплые, а свет холодный.

Рассмотрите примеры разного освещения (лунные и солнечные пейзажи) на фотографиях и полотнах художников.

Куинджи Архип Иванович. . Лунное пятно в зимнем лесу

и холодные тени при солнечном, теплом освещении (авторы неизвестны):

***

А теперь, приступим к рисованию.
Сегодня мы ограничимся тем, что добавим в наши тени на розе синий и фиолетовый оттенки.
Этапы все те же: карандашный рисунок, заливка, проработка теней более синим оттенком. Все этапы описаны в первом уроке. То есть если ваша роза красная, в тенях к красному добавьте синий.
Дочкин результат второго урока!

Другие уроки по теме «Рисуем розы акварелью» будут опубликованы совсем скоро! Оставайтесь с нами и не забывайте делиться в соцсетях!

Рисуем розы. Урок 3. Аромат розы и капли росы. Блик и рефлекс.
Рисуем розы. Урок 4. Объединяем знания, играем с цветом. Случайные капли превращаются в росу
Рисуем розы. урок 5. Немного истории. Пестрые лепестки

«Материал и техника акварели»

Хочу представить вам любопытную статью русской и советской художницы Анны Остроумовой-Лебедевой. Интересно, как в этом небольшом эссе из мелких технических деталей, маленьких хитростей художественной «кухни» начинает проступать портрет неистового, экспрессивного Мастера.

А. Остроумова-Лебедева
«Материал и техника акварели»

Меня увлекала чистая акварель , то есть живопись без белил, где роль белил выполняет бумага. Гуашь и темпера имеют более корпусную технику, и это меня не так интересовало. Мне казалось, что чистая акварель обладает более яркими, прозрачными красками и более свободным широким мазком. И мне нравилось в ней то, что акварель не терпит многих переделок (в то же время ее главный недостаток): бумага легко, как французы говорят, «утомляется» и уже перестает давать чистый свет и яркие, прозрачные тона. Поэтому от художника требуется большая сосредоточенность и перед началом работы совершенно ясное представление о том, что он хочет и как он должен исполнить задуманное. Стараясь освоить и понять технику, ремесло акварельной живописи, я внимательно изучала материал ее и инструменты, то есть краски, бумагу и кисть. Не забывала о настойчивых требованиях моего учителя Уистлера — изучать ремесло в искусстве. Много раз делала всевозможные комбинации красок. Некоторые из них, соединившись, давали осадок или грязноватые тона. Таких соединений, ясно, надо было избегать.

Бумага играет ответственную роль в акварельной живописи. Она — белила для красок или, лучше сказать, свет. Сохраняя бумагу свежей и чистой, необходимо очень бережно и осторожно относиться к светлым местам акварели.
Сильно проклеенная бумага плохо принимает краску. А на малопроклеенной мазки красок расплываются, сбивая рисунок и форму.

Хорошая кисть должна вмещать большое количество окрашенной воды и в то же время кончаться тонким, правильным острием. Просто одним волоском. Имея в руках такую кисть, полную окрашенной воды, кончиком ее можно рисовать тонкий, отчетливый, часто причудливый рисунок. Потом, вдруг слегка ее нажав, излить на бумагу все количество легкотекучей краски. После этого, если кисть хороша, она выпрямляется и немедленно собирает все волоски в острый, упругий и правильный кончик.

Какое наслаждение, как увлекательно иметь в руках такую кисть! Послушную, но с определенным характером: крепкую и упругую. В то же время надо следить за тем, чтобы не подпасть под ее влияние и не идти на ее поводу. Это чаще может случиться при мелкой кисти. Не имея возможности захватить большое количество краски и делать широкие мазки, или, лучше сказать, заливы, поневоле начинаешь мельчить и терять возможность легко и свободно работать большими планами, обобщая мелочи.

Во время работы важно положение бумаги. При текучести акварельной краски наклон ее играет большую роль. Иногда бумагу приходится класть совсем горизонтально, иногда наклонять в обратную сторону, то есть нижний край картины подымать. Или наклонять набок. Зависит от хода работы и от желания художника — куда он хочет направить больше краски.

Вообще техника акварели трудна, но и очень увлекательна. Она требует от художника и сосредоточенности, и быстроты. В ней яснее и легче, чем в масляной живописи, отражается темперамент художника. Главный ее недостаток заключается в том (я уже об этом говорила), что акварелью нельзя долго и упорно вырабатывать картину ввиду ее быстрой утомляемости бумаги. В масляной живописи можно без конца переписывать и изменять свою картину. В акварели же этого делать нельзя. Мне надо было выучиться быстрее схватывать форму и цвет предмета, отбрасывать все случайные и ненужные подробности. Красота и привлекательность акварельной живописи заключается в легкости и стремительности мазка, в быстром беге кисти, в прозрачности и яркости красок. Акварелью нельзя работать спокойно, методично, не торопясь — это для нее не характерно.

Акварель я особенно ценила во время путешествий. Она гораздо удобнее масляной живописи, так как быстро высыхает. Кроме того, рисунки, которые делала во множестве, я покрывала легким акварельным тоном, для того чтобы клей, который всегда содержится в бумаге, под влиянием воды распустился и прикрепил карандашные штрихи к бумаге.

Но, несмотря на усиленную работу акварелью, вещь с живописной, колоритной задачей все-таки я сделать не могла. Вырабатывая технику, я безжалостно уничтожала многое, не показывая никому, потому что получались вещи заработанные, несвежие. Билась без конца, но это ничего: я любила преодолевать трудности.
Надо сказать, что бумага имеет свойство от воды набухать, расширяться и фалдить, конечно, на нее в таком состоянии накладывать краски нельзя, так как они будут стекаться в складки ее. Из этого следует — бумага должна быть натянута. Есть несколько способов для этого. Расскажу о тех, к которым прибегала я.
Всю бумагу со сделанным уже рисунком я сильно намачивала губкой, полной воды, и ждала, когда бумага через несколько минут начнет разбухать и фалдить. Тогда, не теряя ни минуты, надо часто по краям прикалывать кнопками мокрую бумагу к тому картону или доске, на которые она должна натягиваться. Недостаток этого приема заключается в том, что бумага, высыхая и сжимаясь, почти около каждой кнопки немного рвется. Но этого можно не бояться, если взять для картины бумагу несколько большего размера, чем требуется.

Другой способ следующий: смочить всю бумагу с рисунком так, чтобы края бумаги были менее смочены, чем середина ее. Не мешает края осторожно растянуть руками и тут же, отвернув, намазать их клеем и приклеивать к доске или картону. Или еще иначе — вместо того чтобы приклеивать края, взять узкую полоску бумаги, намазанную клеем, и приклеить ее так, чтобы она ложилась на акварельную бумагу и одновременно на доску или на картон.
Оконченную акварель я вплотную наклеивала на бристоль или картон. Это делала для того, чтобы уберечь акварели от всяких случайностей, сгибов, разрывов, пятен от пальцев. Операция эта была довольно сложной. Сначала на левой стороне бристоля наклеивала вплотную такого же размера лист бумаги, как акварель. Поэтому всю акварель смазывала жидким клеем, и осторожно накладывала на другую сторону бристоля, стараясь, чтобы она легла без малейших складок. После этого, покрыв ее чистым листом бумаги, прокатывала валиком, стараясь водить его от центра к краю акварели, чтобы выдавить из-под акварели оставшиеся пузырьки воздуха. Дав акварели чуть просохнуть, клала ее под ровный пресс и держала до полного высыхания. Такая акварель никогда не коробится, так как противодействием служила бумага, находящаяся с левой стороны бристоля.

Для этих наклеиваний я употребляла всегда осетровый клей, который покупала тонкими пластинами и готовила сама: сначала настригала его мелкими кусочками, покрывала небольшим количеством воды, давала ему намокнуть некоторое время. Когда он разбухал, подбавляла воды и грела это все на огне, помешивая щепочкой, стараясь, чтобы в нем исчезли все осадки, и не давая ему закипеть.

За все годы моей работы я не заметила, чтобы этот клей дал какие-нибудь неприятности в виде пятен, пожелтения бумаги, особенно в светлых ее местах. Мне как-то всегда хотелось защитить мое детище от случайностей жизни, и потому я стремилась наклеивать акварели.

Самое для них лучшее положение — это находиться в папках, но я говорю о тех акварелях, которые покидают своего создателя и попадают в жизненный водоворот.

Для акварели наиболее опасный враг — солнечный свет. Краски, освещенные ультрафиолетовыми лучами, постепенно бледнеют и , наконец, совсем выцветают. Даже простой свет, без солнца, и тот действует вредно на нее.
Также акварель, освещенная электрическим светом, страдает от него, особенно если она недалеко находится от источника света. Из этого следует, что, когда наступает весна и лето с яркими солнечными лучами, необходимо акварели прикрывать темными занавесками или совсем снимать со стен.

Еще очень вредна для акварелей пыль, которая носится в воздухе, особенно тогда, когда щели между рамой и картоном сзади акварели не заклеены полоской бумаги. Это только отчасти спасает ее от пыли, так как остается еще возможность воздуха проникать между стеклом и акварелью. Конечно, самым лучшим средством было бы приклеивать стекло узкой полоской бумаги, но эта мера имеет неудобства: например при передвижении акварели по выставкам, когда стекло упаковывается отдельно от неё.

Все-таки я должна сказать, что стекло очень предохраняет акварель от выцветания и всякой порчи.
Когда я работала с натуры акварелью, то брала, кроме картона или большого альбома, складной стульчик. Потом нечто вроде легкого пюпитра, на который я могла положить верхний край альбома, в то время как нижний его край лежал на моих коленях. Третье приспособление, которое я носила с собой, это был низенький круглый столик, у которого три ножки вынимались, а при необходимости — ввинчивались. На него я ставила кружку с водой, палитру с красками, кисти и все необходимое для работы.

Это был мой выход с полной амуницией.

Обставленная таким образом удобно и комфортабельно, когда мне никто не мешал, главным образом любопытные люди, я доводила свою работу до конца.

Но очень часто мне не удавалось спокойно работать, особенно в городах за границей. Тогда я прибегала к следующему приему, меняя весь характер работы. Я делала тщательный, подробный рисунок, карандашом, например пейзажа, обозначая архитектурные формы, планы деревьев, перспективы далей, контуры теневых пятен. Потом, рассматривая мною нарисованный пейзаж , я отмечала на нем самые темные места одинаковой силы, будь то деревья, здания или горы, и на этих местах на рисунке ставила цифру 1. Потом следующие, более светлые, одинаковые тона — и ставила цифру 2. Далее, предметы еще светлее, я отмечала цифрой 3, и доходила до самых светлых мест в пейзаже, и это были 5-й или 6-й номера. Получалась схема градаций силы тонов от темных до светлых.
Кроме того, чтобы запомнить оттенок какого-нибудь цвета, я в некоторых местах писала словами «зеленовато-голубой, лимонно-желтый, синеватый» и т.д.

Вернувшись домой, я внимательно рассматривала цифры, дававшие мне градацию тонов, прочитывала надписи, стараясь вспомнить все мною виденное, потом вытирала карандашные следы и записи и, внутренне собрав весь образ виденного, как в фокусе, начинала уверенно, по памяти, изображать его, и так реально, как будто я натуру видела перед собой.

И я думала, что половина, а может быть, и больше моих акварелей сделана по этому способу.
Надо вообще сказать, что при каждой новой работе я по-разному подходила к природе, желая выразить в ней характер и самое существенное. Потому и приемы у меня были разные.

Сейчас расскажу о моем другом методе работы: наметив то, что мне хотелось изобразить, я тщательно и правдиво передавала то, что видела перед собой. Работая карандашом и красками подробно, детально, я старалась близко и честно воссоздать натуру. Таким образом, получался до конца реалистичный этюд с натуры, по которому я рассчитывала создать большую законченную вещь.

Набросав рисунок , полагаясь на свой этюд, я начинала работать, но неожиданно для себя отходила от него и делала акварель по тонам, да и по манере не похожей на мой реалистический этюд. И создавая вещь, такую далекую от него, я чувствовала, что творю художественную правду, отойдя от правды передаваемой природы.

И какая правда была выше?

Правда ли точно передаваемой природы или правда творца-художника, то есть художественная правда?
Какая из них выше, я до сих пор не решила.

И потому предписывать правила или методы, как сделать законченную акварель, — очень трудно, так как изображаемая натура каждый раз является для художника новой, интересной задачей.

У меня, например, есть большого размера акварель 1932 года, которая начата и совсем закончена без всякого этюда и без натуры, только по памяти. И она производит впечатление вполне реалистичной.

Искусствоведы, да часто и сами художники, стремятся положить акварель на белое бумажное паспарту. Эти белые пятна, по моему мнению, совершенно убивают живопись. По сравнению с белой бумагой живопись, конечно, всегда кажется тусклой и глухой, и какой смысл в белом паспарту, никогда не могла понять.

Если акварель имеет вид подкрашенного рисунка, то паспарту ей не поможет, но если она отвечает всем требованиям настоящей полноценной живописи, зачем же ее распинать на белом бумажном поле, тем самым ее уничтожая.
А.А.Рылов мне не раз говорил: «Акварель должна быть по фактуре легкой и прозрачной и небольшого размера».

Правило акварели от светлого к темному? от tenebris-miles на DeviantArt

Акварель — это весело и может дать прекрасные результаты. Это прозрачная (или полупрозрачная) среда, поэтому в большинстве книг и общих знаний об акварели говорится, что вы должны работать от светлого к темному.

Светлые цвета не будут хорошо отображаться на темных из-за прозрачности, и это заявленная причина. Но кажется, что этот совет исходит в основном из книг и статей об акварели, которые сосредоточены на традиционном рабочем процессе пуристской акварели.Но, как и большинство людей, я пришел к выводу, что лучше игнорировать правила и выяснить все самому. На самом деле есть несколько причин, по которым вы можете игнорировать это правило и работать в любом направлении, от света к темноте или от тьмы к свету.

Во-первых, речь идет скорее о «прозрачном» и «непрозрачном», чем о темном и светлом. Известные художники, такие как Пол Боннер, создают потрясающие изображения из акварели, но Боннер использует белую гуашь вместе с прозрачной акварелью. Поскольку гуашь — это непрозрачная акварель, он может использовать ее как способ управления непрозрачностью смешивания каждого слоя.Светлый цвет, который обычно слишком прозрачен для нанесения поверх темного, можно сделать непрозрачным с помощью гуаши. Лично мне такое сочетание нравится чуть больше, чем использование одной гуаши. Акварельные краски растираются намного тоньше, и не нужно много гуаши, чтобы добиться эффекта. В результате слои краски тоньше и менее мелоподобны, чем при использовании обычной гуаши. Смешивание более естественное. Даже без использования гуаши количество воды, которую вы используете, может иметь большее отношение к темному и светлому, чем к оттенку краски.Сильно разбавленный Payne’s Grey может оказаться светлее насыщенного красного или синего.

Во-вторых, порядок, в котором вы добавляете каждый слой, влияет не только на то, какой слой отображается больше всего. При работе с чем-то вроде маркеров Copic некоторые люди на самом деле сначала рисуют темные тени, затем средние тона и, наконец, светлый базовый цвет. Причина этой стратегии заключается в том, что более светлые последующие слои будут размазывать и размывать более темные слои, что приведет к более естественным переходам и теням, чем если бы вы делали наоборот. Причина этого в том, что если дать каждому слою время для высыхания, то самый верхний слой будет иметь наиболее четкие края, поскольку нижние слои будут очищаться и немного смачиваться при добавлении каждого нового слоя. Это означает, что если темные тени будут добавлены последними в качестве верхнего слоя, то они будут иметь резкие края, а не мягкие. Конечно, и для акварели, и для маркеров вы можете работать «мокрым по мокрому», чтобы получить одно и то же, но для этого требуется хороший тайминг и бумага, которая себя ведет. Акварель мокрым по мокрому тоже непредсказуема.Это хорошо для того, чтобы позволить краске течь повсюду для создания интересных эффектов, но это плохо, если вы хотите контролировать. Если вы добавите краску, пока она еще слишком влажная, краска потечет туда, куда вы не планировали. Если вместо этого вы подождете слишком долго и теперь краска слишком сухая, то края могут быть не такими мягкими, как вам хотелось бы. «Мокрый по мокрому» — важный навык акварелиста. Просто если цель состоит в том, чтобы просто воспользоваться преимуществами смешивания и смазывания нижних слоев, то работа от темного к светлому часто может быть проще и более снисходительна к неудачному времени, особенно если цель состоит в том, чтобы просто смягчить тени. Конечно, использование множества тонких слоев также является распространенным и хорошо работающим приемом, но не каждый проект требует такого терпения.

В-третьих, тот факт, что более светлые цвета плохо видны по сравнению с темными, не означает, что они не видны вообще. Тонкость добавления светлых тонов поверх темных может сделать результат более интересным и органичным. Когда я сравниваю цифровую окраску с традиционной окраской, кажется, что в обоих случаях именно тонкое смешивание делает изображение безупречным и профессиональным.Вот что делает хорошее традиционное произведение искусства таким, будто оно могло быть цифровым. Использование преимущества движения в любом направлении, от темного к светлому и от светлого к темному, дает больше возможностей для тонкой и интересной окраски и затенения.

В моем случае я пытаюсь сломать ментальную привычку, согласно которой переход от света к темноте является нерушимым правилом. Даже в качестве ориентира, мне кажется, что это неправильный взгляд на вещи. Вместо этого руководство должно быть таким: «Разработайте стратегию порядка слоев, чтобы получить желаемый эффект».Это имеет больше смысла для меня.

Рецензия на книгу: Проливной свет: наслоение прозрачной акварели

Жан Грасторф (Jean Grastorf) обладает прекрасным стилем акварели, для которого характерны красивые волнообразные переливы сияющих цветов. Хорошим примером является стена здания на обложке книги.

В этой книге по технике она показывает, как она это делает, с помощью нескольких подробных руководств.

Несколько глав в книге охватывают несколько областей. Глава 1 охватывает основные материалы, которые вам понадобятся, как и большинство книг.Она использует акварель марки Da Vinci. Вторая глава посвящена дизайну и композиции. Глава 3 посвящена пониманию теории цвета. В главе 4 рассказывается о ее методах, а в последней главе представлены ее управляемые демонстрации.

Текст краткий и содержит множество советов и техник рисования. Он охватывает некоторые основы, но на самом деле дополняет то, что вы уже знаете об акварели. Так что эта книга лучше всего подходит для тех, кто уже имеет базовые знания об акварели.

Ее стиль рисования заключается в том, что она буквально выливает акварель на бумагу.Она делает это, чтобы создать красивые мягкие переходы цветов для фона или предметов. Эти цвета при необходимости образуют нижний слой для дальнейшего остекления. Она использует много маскировки и лессировки, иногда нанося до 3 слоев маски.

Как вы можете заметить, ее процесс хорошо спланирован и дотошен. Этот стиль требует большей подготовки и терпения, чем обычные акварельные рисунки.

Примеры ее картин в книге великолепны. Я бы хотел, чтобы она издала отдельную книгу по искусству только для этого.Есть и другие художники, чьи картины используются, когда говорят об определенных уроках.

Это очень глубокая и вдохновляющая книга. Настоятельно рекомендуется любителям акварели.

Проливной свет доступен на Amazon (US | CA | UK | DE | FR | IT | JP) и в Книгохранилище