Пленэр в Черногории 2019 – картинки с выставки

В 2019 году наш пленэр в Черногории проходил уже в 6й раз.

И, как водится, собрались на него участницы из разных стран: России, Украины, Литвы, США, Болгарии, Израиля.

На этот раз у нас было две группы, начинающие и продолжающие, по 13 человек в каждой. И число 13, на мой взгляд, весьма счастливое — наш пленэр прошел очень позитивно, дружно и результативно.

Я уже не раз рассказывала о  пленэрах здесь, в Черногории, поэтому не буду повторяться. Приведу лишь слова наших девочек, сказанные при отъезде: «Здесь так хорошо, мы как будто в детство окунулись, побывали в пионерском лагере — ни о чем в кои-то веки думать не нужно, за тебя уже обо всем подумали и позаботились, а ты только отдыхай, наслаждайся красотой и рисуй!»

Это действительно так, за что спасибо Международному фонду «Культурное достояние» и работникам виллы в Столиве. Здесь мы всегда себя чувствуем «как дома». А может даже лучше. ..

Хочу, чтобы вы хоть немного прикоснулись к атмосфере пленэра в Черногории. Посмотрите это коротенькое видео о нашей поездке:

Хорошо, когда воспоминания  о поездке остаются не только на видео. Для того, чтобы надежно сохранить свои эмоции, нет ничего лучше дневника. Особенно, если он рисованный.

Я с большой благодарностью к автору хочу показать вам странички скетчбука Елены Пушиной,  который она вела во время пленэра.

ПЛЕНЭР В ЧЕРНОГОРИИ 2019. СКЕТЧБУК ЕЛЕНЫ ПУШИНОЙ

Картинки увеличиваются нажатием

Как видите, Елена в своем дневнике сохраняла не только впечатления от Черногории, но и конспектировала основные моменты уроков…

Это очень полезное занятие, поэтому рабочий скетчбук для теории и практики был у каждого участника.

Конечно же, помимо занятий у нас было много времени для отдыха, купания в море и экскурсий. 

Мы обошли на кораблике весь Боко-Которский залив, побывали в Будве и старом Баре, забрались на гору в старый Горный Столив и не раз гуляли по улочкам Котора, в который каждый день приходят круизные лайнеры — туристы видят эту красоту набегом, а мы здесь жили 2 недели!

Что и говорить, Черногория — это рай для художника!

В завершении пленэра мы всегда устраиваем выставку, отбирая для экспозиции по 5-7 лучших работ каждого автора. На торжественное открытие приглашается пресса, местные жители и туристы. 

Я приглашаю вас стать виртуальными посетителями этой выставки.

Посмотрите, как увидели и отразили в своих акварелях Черногорию участники пленэра. И не судите строго, ведь многие из этих женщин впервые были на пленэре и только начали рисовать акварелью. Смотрите сердцем.

Все фото увеличиваются нажатием на картинку.

Группа начинающих

Светлана Герасимова

Елена Долгополова

Ирина Васильченко

Марина Лопатина

Любовь Мартынова

Наталья Фефилова

Вера Чепурная

Наталья Малахова

Татьяна Честкова

Елена Шпакова

Лариса Бадде

Наталья Василевич

группа продолжающих

Елена Пушина

Рута Двилявичене

Нина Иванова

Радиана Георгиева

Светлана Иванова

Елена Ким

Раиса Оселедец

Елена Смирнова

Наталья Субхангулова

Евгения Сычева

Ирина Терещенко

Алиса Чернобай

Галина Дмитриевская

И немного моих акварелей, в основном те, что я давала в виде демонстрации на занятии.

МАРИНА ТРУШНИКОВА

Если вам понравилась наша виртуальная выставка, не скупитесь на слова — поддержите девочек добрым словом. Ведь всем, кто только начинает рисовать акварелью, это особенно важно.

Спасибо, что проявили интерес. Буду рада вашим комментариям!

Больше вдохновляющих отчетов из арт-путешествий: 

Рисование для дизайнера: собираемся на летний пленэр

Что взять с собой на пленэр: рассказываем, какие вещи пригодятся для рисования на улице.

Пленэр – рисование с натуры под открытым небом. Такие занятия полезны не только художникам, но и дизайнерам, поскольку пленэры помогают развить чувство цвета и гармонии. В отличие от рисования дома, на пленэр можно взять только ограниченное количество материалов. Рассказываем, какие художественные принадлежности вам понадобятся, и какие вещи нужно взять с собой, чтобы рисование прошло с комфортом.

1. Материалы для рисования

В обычный набор художественных принадлежностей для акварельного пленэра входят:

• скетчбук для быстрых набросков;
• 5-10 листов акварельной бумаги формата A4 и плотностью более 200 гм2 (указывается на упаковке). Если плотность меньше, листы будут плохо держать воду и быстро испортятся ;
• набор профессиональных красок не менее чем на 16 цветов («Белые ночи», «Невская палитра», «Van Gogh»). Можно брать как акварель в кюветах, так и в тубах;
• планшет для крепления листов;
• лёгкая палитра;
• простой карандаш мягкостью 2B или 6B;
• ластик;
• ёмкость для воды;
• набор кистей из белки, колонка или синтетики. Также можно взять водяную кисть.

Не берите материалы, с которыми не работали ранее, поскольку в условиях пленэра сложно изучать новые техники. Удобнее всего сложить бумагу в рюкзак, имеющий отделение для ноутбука – в нём рисунки будут защищены от повреждений.

2. Вещи для вашего комфорта

Возьмите как можно меньше вещей, иначе тяжёлая сумка будет мешать при ходьбе. Вам понадобятся:

• средства от насекомых;
• солнцезащитный крем;
• бутылка со льдом. Обычная вода быстро нагревается, а благодаря льду бутылка будет оставаться холодной на протяжении всего дня;
• фотоаппарат или телефон с хорошей камерой. Фотографии помогут вам закончить рисунок дома, если погода испортится или вы не успеете дорисовать скетч до темноты;
• небольшой складной стул, который помещается в рюкзак (можно приобрести в рыболовных или магазинах). Вместо стула можно взять хобу – туристический коврик, позволяющий сидеть на любой поверхности. 

Ещё одна вещь, которая может понадобиться – зонт. Прямые солнечные лучи искажают цвета, поэтому рисовать лучше всего под укрытием. С помощью зонта вы сможете создать защиту от солнца даже на открытом пространстве.

3. Практичная одежда

Одежда для пленэра должна быть нейтральных цветов – бежевая, кремовая, серая. Белая одежда будет отражать слишком много света, а цветная внесёт в рисунок нежелательные рефлексы.

Пока вы рисуете, вы будете сидеть неподвижно и можете замёрзнуть. Возьмите с собой ветровку – она защитит как от холода, так и от ветра. В солнечную погоду необходим головной убор, а прохладным вечером пригодятся перчатки без пальцев. Выбирайте ту одежду, которую сможете быстро надеть и снять, чтобы процесс переодевания не отвлекал от рисования.

Где научиться рисовать: курсы для начинающих

Для первых пленэров не требуются художественные навыки, но если вы хотите соблюдать законы перспективы, передавать объём и правильно подбирать цвета, обратите внимание на наши курсы:

• «Академический рисунок». На занятиях вы узнаете, как рисовать с натуры, какие графические приёмы используются в работе и как реалистично изображать объекты. Вы пройдёте путь от рисования геометрических фигур до построения фигуры человека. 

• «Акварель. Основы живописи». Ускоренный курс для Слушателей, которые хотят научиться работать с акварелью. Во время обучения вы выполните этюды в тёплых и светлых тонах, научитесь работать с цветом и освоите основные приёмы живописи.

Наши курсы рассчитаны как на дизайнеров, так и на начинающих художников. Вы получите базу, необходимую для реалистичного рисования. Все курсы включают практические задания, поэтому уже во время обучения вы сможете создавать реалистичные рисунки и использовать полученные знания на летних пленэрах. 

ХУДОЖЕСТВЕННАЯ ШКОЛА Комсомольск-на-Амуре | Пленэр

Учебная практика (пленэр) является частью процесса обучения в детских художественных школах. На пленэре дети учатся изображать окружающую действительность, передавая при этом световоздушную перспективу и естественную освещенность. Выполнение этих сложных даже для профессионального творчества задач связано с глубоким изучением натуры в естественной природной среде. Здесь необходимы навыки по всем творческим дисциплинам (рисунку, живописи, композиции). Пленэр является хорошей школой для дальнейшего развития этих навыков. Во время пленэра учащиеся также собирают материал для работы над композицией, изучают объекты живой природы, особенности работы над пейзажем; познают способы передачи большого пространства, движущейся и постоянно меняющейся натуры, законы линейной перспективы, равновесия, плановости. Тематика данной программы основана на изучении природы родного города, архитектурных памятников и стиля. На пленэре учащиеся изображают архитектурные мотивы, городские и сельские пейзажи и т.п. При этом, длительные задания чередуются с краткосрочными, живописные работы с работами по рисунку.

Содержание заданий пленэра направлено на развитие у учащихся самостоятельного творческого решения поставленных задач.

Во время прохождения практики учащиеся закрепляют и развивают навыки живописной и графической техник, композиционного решения задания, полученные на аудиторных занятиях, выполняя на пленэре этюды и зарисовки с натуры. Преподаватель практики оказывает организационную помощь и проводит консультации при выполнении программы практики.

Задания, предлагаемые каждой возрастной группе, в зависимости от ситуации можно варьировать, меняя местами. Преподаватель может предлагать другие, аналогичные, темы, органично входящие в русло программы. Программа должна не только не ограничивать преподавателя, а в его творческих поисках и находках, но и являться определенным стимулом к собственному творчеству.

Актуальность курса определяется тем, чтобы показать учащимся, что пленэры являются неотъемлемой частью создания работ, с их помощью учащиеся лучше воспринимают и в дальнейшем распознают цветовые гаммы красок. Делая работы по архитектуре, природе и стилю родного города, положительно сказывается на формировании любви к городу, культурного и эстетического развития учащихся.

Предлагаемый курс должен:

• вызвать у учащихся интерес к самостоятельной работе на пленэрах;
• вызывать интерес к стилю и природе города;
• дать толчок для развития творческого потенциала учащихся;
• помочь развитию пространственного мышления.

По завершению курса учащиеся должны знать:

• общие понятия о перспективе;
• роль законов композиции в пейзаже.

По завершению курса учащиеся должны уметь:

• правильно работать в изученных техниках;
• пользоваться основными инструментами и материалами художника;
• выполнять рисунки в соответствии с требованиями живописи и графики;
• выбирать оптимальную точку положения, для выполнения рисунка;

 

Место и время проведения учебно-творческой практики (пленэр)

Местом проведения учебно-творческой практики «Пленэр» являются окрестности г. Комсомольска-на-Амуре. Учащиеся изучают и изображают историко-культурную и природную среду. Во время прохождения практики учащиеся выполняют рисунки, живописные работы, эскизы, этюды и наброски. Знакомятся с местными памятниками архитектуры, ансамблями, характерными пейзажами.

Изучение творческого, культурного наследия, расширяет художественный кругозор, культурный уровень, воспитывает вкус.

 

Виды деятельности учащихся в период учебно-творческой практики «Пленэр»

• согласование организационных моментов по проведению пленэрных мероприятий: ознакомление с перечнем заданий пленэрной практики, требованиями к оформлению просмотра;
• выполнение заданий практики.

В программе соблюдается последовательность заданий от простых (зарисовки и этюды растений, отдельно стоящих деревьев, не сложных построек, краткосрочных этюдов на состояние и т.д.) к сложным (изображения общих тонально-цветовых состояний пейзажа в течение дня и в разную погоду, этюдам фигуры человека в природной среде, композиционно-тематическим заданиям по мотивам окружающей действительности).

Все работы выполняются, как правило, простым карандашом и акварельными красками на качественной бумаге. В зависимости от уровня развития способностей, профессионального опыта и индивидуальных наклонностей учащимся в дальнейшем возможно выполнение заданий и другими графическими материалами.

Срок реализации учебного предмета

Пленэрная практика проводится в летнее время (одна неделя в июне) с 2-4 классы и рассредоточено в различные периоды учебного года (выпускной-5 класс) Продолжительность практики по 1 недели в каждом классе (28 часов), всего –112 часов. С дополнительным годом обучения – 140 часов.

Объем учебного времени, предусмотренный учебным планом образовательного учреждения на реализацию учебного предмета

Объем времени на внеаудиторную (самостоятельную) работу обучающихся составляет 0 часов. И аудиторную (пленэрную) — 28 часов.

ПРОГРАММА УЧЕБНОГО ПРЕДМЕТА

Техника рисунка городской архитектуры на пленэре Текст научной статьи по специальности «Науки об образовании»

ИСКУССТВОВЕДЕНИЕ

ТЕХНИКА РИСУНКА ГОРОДСКОЙ АРХИТЕКТУРЫ

НА ПЛЕНЭРЕ Ивлева С. Н.

Ивлева Светлана Николаевна — доцент, кафедра академического рисунка, факультет живописи, Российская академия живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова, г. Москва

Аннотация: в данной статье анализируется техника рисунка городской архитектуры на пленэре. Автор статьи делится своим творческим и педагогическим опытом в период преподавания академического рисунка и пленэра в Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова, в 2002 — 2019 г. Статья может лечь в основу учебно-методического пособия, принести практическую пользу преподавателям и учащимся художественных школ и вузов. Ключевые слова: рисунок, техника, пленэр, архитектура, мотив, образ, педагогический опыт.

Рисунок на пленэре является одним из важнейших составляющих художественного образования. Его роль невозможно переоценить. «Рисунок лежит в основе всех видов изобразительного искусства» [1]. Традиции рисования с натуры можно встретить уже в период Возрождения. «Голландские художники XVII века были первыми среди европейских живописцев, которые стали интересоваться пейзажем как самостоятельным жанром» [2, с. 9].

В XIX веке рисунок с натуры в городской среде, как и пленэрная живопись, стал неотъемлемой частью европейской культуры, в творческом наследии многих живописцев того времени можно встретить архитектурные рисунки и зарисовки.

В Санкт-Петербургской Академии Художеств, в Училище живописи, ваяния и зодчества пленэру уделялось особое внимание, были созданы пейзажные классы под руководством известных живописцев. «В истории развития пленэрной живописи во

БО1: 10.24411/2412-8236-2019-10502

Рис. 1. Саврасов А.К. Пейзаж с церковью и руинами. 1861. ГТГ

второй половине XIX века заслуживает особого внимания художественно -педагогическая деятельность преподавателей Московского училища, живописи, ваяния и зодчества и Академии художеств. Среди них — В.Г. Перов, А.К. Саврасов, И.М. Прянишников, В.Е. Маковский, В.Д. Поленов» [2, с. 20].

В настоящее время возрождение академических традиций становится новым витком развития русской художественной культуры. Внимание преподавателей ведущих российских вузов обращено к обогащению внутреннего мира студентов наследием «старых мастеров», передаче им опыта техники и технологии рисунка, сложившихся в классической системе образования XX века.

Изучение и копирование рисунка мастеров XVIII — XIX веков стало частью учебных программ Санкт-Петербургского государственного академического института живописи, скульптуры и архитектуры имени И. Е. Репина при Российской академии художеств и Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова. «К середине XIX века русская школа академического рисунка достигает небывалой высоты» [3]. Копирование с музейных образцов из собраний данных вузов является важным этапом образования. Именно копирование становится мощным подспорьем, неотъемлемой частью подготовки студентов к пленэру.

На пленэрной практике студенты используют полученные знания и умения, приобретенные ими во время копирования в музее и работы с натуры в классе. Ченнино Ченнини писал: «Ты должен следовать образцам, чтобы идти дальше по пути к познанию. Заметь, что самый совершенный руководитель, ведущий через триумфальные врата к искусству, — это рисование с натуры. Оно важнее всех образцов; доверяйся ему всегда с горячим сердцем, особенно когда приобретешь некоторое чувство в рисунке. Постоянно, не пропуская ни одного дня, рисуй что-нибудь, так как нет ничего, что было бы слишком ничтожно для этой цели; это принесет тебе огромную пользу» [4].

Академическая направленность в рисунке в учебном процессе ведущих художественных вузов является определяющей на протяжении почти трех столетий в России, вытесняя модернистские тенденции рисования последнего времени, характерные для современной культуры Европы.

Проблемы, связанные с преподаванием пленэра, дали отклик в публикациях художников — педагогов. «Роль пленэра в системе художественного образования» Зубрилин К.М., Руднев И.Ю., «Пленэрная практика в системе художественного образования» Головачева Н.П., Рабилова З.Ж. «Архитектурный рисунок на пленэре в учебной практике студента — архитектора» Портнова И.В., «Особенности учебной работы по рисунку в пленэрных условиях» Пазников О.И., «Роль пленэра в процессе обучения студентов» Амелина И.В., «Специальная подготовка обучающихся к пленэрной практике (пленэру) в системе дополнительного образования» Филиппова Л.С.

Данные работы в целом достаточно полно освещают различные аспекты пленэрной практики, однако не полностью раскрывают некоторые технические проблемы. Задача автора данной статьи показать собственный педагогический и творческий опыт рисунка на пленэре.

Рис. 2. Ивлева С.Н. Старый домик. 2015. Собственность автора

104

Основной подготовкой к пленэру для студентов являются короткие зарисовки и наброски городской архитектуры период всего учебного года. Задача педагога скоординировать студента, обратить внимание на направленность работы, показать параллель с высоким искусством прошлого, рассказать технологические особенности, раскрыть технические возможности работы на пленэре, научить видеть мотив, находить и передавать художественный образ увиденного, исправлять ошибки.

Важной составляющей успеха графической работы на пленэре является поиск мотива. Городская архитектура столицы и многих городов центральной части России в большей мере представляет собой историческую застройку или отдельные памятники XVII — XIX веков. Каждая эпоха характеризуется определенным стилистическим направлением в архитектуре, создает неповторимый, уникальный образ. Выражение графическими средствами мотива дает возможность творческого развития в исполнении рисунка, является основополагающим требованием на пленэре для студентов художественных вузов.

Нахождение мотива для будущей графической работы, поиск объекта изображения, подбор художественных материалов рисунка становятся первым, значимым этапом. Развитие педагогом творческого потенциала студентов особо важная часть рисунка на пленэре. Видение студентом не только мотива, но и одновременно создание художественного образа становится задачей в первую очередь педагога. Это умение «разбудить» в ученике композиционное начало, совмещающееся с внутренним смыслом, понимание поэтичности и цельности восприятия виденного. «Художник, — писал С.А.Чуйков, — это прежде всего тот, кому есть что сказать — сказать что-то свое, новое, самим увиденное в жизни, самим выношенное и осмысленное, может быть, выстраданное, непохожее на то, что уже было сказано до него другими художниками, никем до него не замеченное, не понятное так, как увидел и понял он» [5].

Художественный образ рисунка, внутренний смысловой подтекст, нередко выражающийся в отсылке к литературным и музыкальным произведениям, историческим реалиям прошлого, бесспорно, становится главным стержнем будущей работы. Образ рисунка можно выразить в таких эмоциональных состояниях, как «легкость», «свежий ветер», «туман», «сумерки», «величие старины», «солнечный денек». Можно найти и такие образные решения, как «Пушкинское облако», «улица из романов Достоевского», «Москва-река Мусоргского», «Замоскворечье Островского». О музыкальности пейзажей И.Н. Шишкина писал В.В. Нарциссов: «Его пейзажи всегда налиты богатырской силой, исполнены эпического звучания. Они незамысловаты, всегда открыты пониманию зрителя. Но есть у шишкинских пейзажей и еще одна отличительная черта: они удивительно музыкальны» [6].

В зависимости от образного начала, кроющегося в состоянии природы, времени года, архитектурной особенности изображаемого, происходит выбор техники и самих художественных материалов. Задача рисовальщика состоит в нахождении именно той единственной техники, которая подходит для создания художественного образа.

Каждая техника несет в себе определенные возможности и особенности. В зависимости от выражения внутренней идеи происходит выбор графических средств. Автор сам находит тон и фактуру бумаги, при необходимости цвет имприматуры. Уголь прессованный или рисовальный, графитный карандаш, черная акварель и сепия, добавление белил и мела дают разные эффекты в работе. Задача опытного педагога направить ученика к прочувствованию мотива, созданию художественного образа самого объекта, литературных и музыкальных параллелей, настроения в работе.

Сочетание разных по фактуре основы и графических средств помогают достигнуть раскрытию художественного образа, внутренней задумки. Кроме того, перед студентом стоит задача найти композиционный образ, допустим, белое на белом с темной деталью, светлый акцент среди большой темной массы, контрастное решение в чередовании светлых и темных участков.

105

Шероховатая бумага, монохромная черная или сепийная акварель больше подходит для выражения легкости, как и угольный карандаш, в то время как гладкая бумага и простой карандаш создают детальность, подчас сухость, возможность мелкой деталировки. Многообразие и вариативность материалов, часто используемые в смешанной технике, позволяют добиться достоверности и убедительности сложного образа в графической работе.

Рис. 3. Юркявичюте Инга. Троице-Сергиева лавра. 2017. II курс РАЖВиЗ. Пленэрная практика

Выбор мотива и средств изображения должны быть выражены в композиционном решении. Исследование живописного и графического наследия прошлого, рисунки «старых мастеров» показывают законы композиции классического искусства прошлого. «Решая композиционную идею рисунка пейзажа, ученик должен отметить самое характерное, наиболее типичное» [7].

Структура композиции развивается в зависимости от образного начала. Основные принципы компоновки — ромб, чечевица, спираль, овал, треугольник, круг, фриз. Чередование света и тени, движение и ритм архитектурных форм в пространстве, «кулисы» деревьев по краям рисунка, направление света, в сочетании с художественным образом подсказывают единственно верное композиционное решение.

На этом этапе педагог обязан продемонстрировать аналоги из графического наследия известных художников. Наработка автора статьи показывает, что подобное сравнение дает сильный творческий импульс, расширяет творческие горизонты в работе, заставляет студентов находить различные композиционные варианты, проявляется интерес к работе, внимание учеников всецело приковывается к заданию, они чувствуют преемство поколений художников, ощущают себя продолжателями традиций.

Технической особенностью рисования на пленэре, в сравнении с работой в классе, является скорость изображения, обусловленная изменчивостью погоды, движением солнца, облаков, неизбежными подвижками света и тени. От выбора точки зрения во многом зависит успешность работы, рисовальщик должен выбирать точку, с которой границы света и тени объекта будут более стабильны. Поэтому желательно, чтобы солнце было справа за спиной (освещение по солнцу) или слева перед лицом (если изображаем в контражуре). Педагог обязан подсказать студенту эти тонкости выбора места.

Технология рисунка на пленэре повторяет все основные стадии рисунка: поиск мотива, образное решение сюжета, композиционное решение, построение, воплощение в тоне, проработка деталей, обобщение. Единственно, все стадии решаются и проходят почти молниеносно, благодаря погодным условиям. Не стоит надеяться, что завтра или послезавтра будет похожий денек, и мы возвратимся доделать начатую работу. Как подсказывает 25-летний творческий опыт автора статьи, чаще всего, в точности такого же состояния природы и внутреннего настроя рисовальщика может и не быть, в силу ряда обстоятельств, в первую очередь, изменения погоды. Повторное вмешивание в работу заканчивается зачастую

большими переделками начатого рисунка, что не всегда благополучно заканчивается. Поэтому важно предельно сконцентрироваться и за 2-3 часа завершить рисунок.

Работа над эскизом предваряет построение рисунка. В фор-эскизе студентами решаются основные тональные отношения, движение в пространстве, смысловые акценты. «В рисунке самым непосредственным образом запечатлен «перевод» живого зрительного впечатления или внутреннего переживания в художественное изображение» [8].

Рис. 4. Юркявичюте Инга. Спасский собор. 2017. II курс РАЖВиЗ. Пленэрная практика

Обычно размер эскиза небольшой, не более 10-15 сантиметров, достаточно 5 минут, чтобы найти общую композицию рисунка. Внимание студентов стоит обратить на различные решения, разнообразные форматы для подачи работы: от прямоугольника до квадрата, круга и овала. Здесь важно для студента не «оригинальничать», а выразить художественный замысел в наиболее подходящем для него формате. Например, панорама лучше впишется в вытянутый прямоугольник, статичная композиция может состояться в круге или квадрате, овал подойдет для романтического пейзажа. «В выборе формата сказывается первичная связь рисунка с композицией. Вне связи с содержанием формат не имеет самостоятельного значения. Следует отвергнуть заблуждение, в которое иногда попадают учащиеся, предпочитая один формат другому в надежде, что это само по себе скажется на остроте и выразительности композиционного решения» [9].

Перенос эскизного решения в размер листа происходит быстро, не теряя уже готовые наметки будущей работы. Задача преподавателя проверить точность перенесения с эскиза на лист, не потерять композиционную структуру работы. Одной из ошибок студентов на данном этапе является поиск совсем иной, менее удачной композиции в большом листе. Этому способствуют рассеянность в работе и недостаток опыта учащихся.

Детальное построение предваряет поиск «облака пятна», то есть композиционное решение всех архитектурных и природных элементов вместе как общий силуэт в листе. На данном этапе закладывается весь строй будущего рисунка. Общая композиция в листе играет доминирующую роль в успехе работы. При неудачном начальном решении рисунок останется слабым, не скрасят его ни красивая штриховка, ни богатое оформление.

В процессе нанесения основных черт уточняются пропорции архитектуры по вертикали и горизонтали, идет разработка через выбранный модуль. Такой единицей измерения может стать любой архитектурный элемент, преимущественно выбираемый из вертикальных участков. Горизонтальные участки менее подойдут для

107

модуля, так как зачастую сокращаются в перспективе, однако и они могут стать удобным модулем, если расположены параллельно линии горизонта.

Правильное построение является фундаментом будущей работы, важно проверить перспективные сокращения, найти точку схода, изучить детали световоздушной перспективы. «Для лучшей передачи художественного облика всякого сооружения следует составить правильное представление о его плане по наружным объемам. В классических памятниках интересный силуэт, архитектурные формы отличаются художественной простотой. Их внешние объемы соответствуют внутренней планировке, у них выразительный, запоминающийся силуэт» [10].

Процесс рисования городской среды включает всестороннее изучение выбранного объекта, исторические сведения о постройке, архитектурном стиле, особенностях творческого подчерка зодчего. Конечно, получить историческую справку о памятнике нужно заранее, на пленэре рисовальщиком только акцентируются значимые элементы. «Рисуя с натуры понравившееся место, нужно обозначить именно те черты, без которых нельзя будет потом написать вещь» [11].

Рис. 5.Ошкин Максим. Суздаль. 2008. II курс РАЖВиЗ. Пленэрная практика

Работа в тоне занимает большую часть времени рисунка на пленэре. За мелкими деталями важно не потерять пятно, основные тональные соотношения. Чаще всего на данном этапе студенты увлекаются мелочёвкой и начинают путаться в тоне, в работе возникают многочисленные тональные «попадания» одних предметов в другие. Преподавателям важно не пропустить этот момент, привести ученика к первоначальному эскизу, обратить внимание на цельность образа и верность тональных отношений. Хуже всего, когда полутона «попадают» в рефлексы, необходимо убедить студента пригасить рефлексы, они ведь являются всего лишь частью тени. Другой похожей распространенной ошибкой становится излишне светлое небо в промежутках деревьев. Важно показать цельность рисунка даже на средней стадии работы.

Одна из творческих задач — найти для каждого предмета свой стиль штриховки. Педагог должен показать удачные примеры классических рисунков с разнообразным штрихом, подчеркивающим фактуру предметов. Гладкие частые штрихи передают стекло и воду, мелкая перекрещивающаяся сетка — дорожки, кругловатая штриховка -листву, тонкая мелкозернистая поверхность — небо, легкая воздушная структура -облака, шероховатым штрихом обозначаем кирпичную кладку каменных построек.

Финальная разработка и деталировка отдельных частей рисунка идет вслед за общим тональным, образным решением. Так, некоторые детали могут быть опущены в пользу целостного решения, обобщены. Напротив, на других элементах делается акцент для подчеркивания яркости художественного образа. В подобном избирательном поиске выявляется творческое начало студента. Задача преподавателя на данном этапе обратить внимание студентов на общее решение,

не потерять видение целостного образа. Известный принцип последовательности «от общего к частному, от частного к общему» характерен в целом для академической школы рисунка.

Сложности работы на пленэре заключаются в процессе завершения рисунка, в умении во время остановиться, не потерять свежесть восприятия, не затушевать работу. Творческий поиск на последнем этапе состоит в мастерстве сделать акценты. Однако, можно «пережать» в тоне, как в тенях, так в свету. Неумело поставленные штрихи белилами или мелом могут загубить весь рисунок, здесь важен опыт рисовальщика, или совет опытного педагога.

Профессионализм студентов в целом и успех рисунка архитектуры на пленэре в частности в большей степени зависит от таланта наставника, чем от мастерства учеников. Правильно данные педагогом установки в работе, контроль на всех этапах работы, выявление ошибок, творческое вдохновение студентов, направленность на художественный поиск, обучение всем стадиям рисунка делают даже начинающего рисовальщика успешным.

Пройденная апробация на пленэрной практике студентов архитектурного отделения Российской академии живописи, ваяния и зодчества Ильи Глазунова в 2006-2018 гг. подтверждает данный тезис. Отдельная часть студентов (20-30%) в каждом потоке не имеет систематического начального художественного образования, однако благодаря педагогическому опыту преподавателя, все студенты по окончании пленэрной практики имеют положительную аттестацию, в большинстве своем получают высокие оценки на экзаменационном просмотре.

Одна из успешных наработок автора заключается в систематической подготовке студентов к летней практике в период учебного года.

Копирование в музее академии со старых образцов дает студентам академическое направление в рисунке, уверенность в работе, преемственность художественного опыта.

Постоянные зарисовки с натуры, короткие рисунки на пленэре в осенний и весенний периоды дают хорошую подготовку к пленэру.

Рис. 6. Ошкин Максим. Первый снег в Москве. 2011. РАЖВиЗ

Обучение студентов правильному видению натуры, поиску смысловых акцентов, созданию художественного образа рисунка, умению отличать главное и второстепенное в изображении деталей дало в период апробации положительные результаты не только в период летней практики, но и в текущих заданиях по рисунку в течение всего учебного года.

Роль преподавателя в процессе обучения академическому рисунку является основополагающей. Выбор педагога очень важен для учащегося. Еще в период

Возрождения талантливая молодежь старалась попасть в ученики к прославленному мастеру.

Сегодня педагогами становятся выпускники различных вузов и училищ, среди которых нередко можно встретить представителей постмодернистских художественных тенденций, не всегда в полной мере обладающих академической грамотностью. Уровень подготовки преподавателя всецело влияет и на его работу с учениками, бывает так, что педагог может дать отрицательный опыт, привить неверные художественные привычки.

Недостаток образования педагога не преминет сказаться на учениках. Так часто ученики провинциальных художественных школ попадают в столичную академию с недостатком базового образования, иногда с неправильно привитыми знаниями и умениями. Таких учащихся приходится переучивать уже в академии более опытными педагогами, вырывать с корнем неверно устоявшиеся технические привычки, из-за чего несколько тормозится процесс обучения, но в итоге такая работа со студентами приводит к положительным результатам.

Рисование с натуры, как и копирование, и опыт педагога — это три кита, на которых лежит вся система классического художественного образования. Наша задача, как педагогов, поддержать начинающих рисовальщиков, помочь им работать на пленэре, чтобы к ним пришло осознание, что рисунок с натуры — одна из главных движущих сил в творческом развитии.

Список литературы

1. Авсиян О.А. Натура и рисование по представлению. М: Изобраз. Искусство, 1985. С. 11.

2. Маслов.Н.Я. Пленэр: М.: Просвещение, 1984. С. 9.

3. Ростовцев. Н.Н. История методов обучения рисованию. М: Просвещение, 1982. С. 93.

4. Ченнино Ченнини. Книга об искусстве или трактат о живописи. СПб.: Библиополис, 2008. С. 50.

5. Чуйков С.А. Заметки художника. М., Молодая гвардия, 1962. С. 5.

6. НарциссовВ.В.. Этюды по русскому искусству. М., 2016. С. 63.

7. Ростовцев Н.Н. Академический рисунок. М.: Просвещение, 1984. С. 119.

8. Гращенков В.Н. Об искусстве рисования и искусстве собирания рисунков // Пять веков европейского искусства. Рисунки старых мастеров из собрания Франца Кенигса. Каталог выставки. Издательство Леонардо Арте, Милан, 1995. С. 12.

9. Авсиян О.А. Натура и рисование по представлению. М: Изобраз. Искусство, 1985. С. 18.

10. Учебный рисунок. Под ред. В.А.Королева. М: Изобразительное искусство, 1981. С. 90.

11. Андрияка Сергей. Рисунок: Альбом. М.: Типография «Новости», 2011. Издание второе. С. 6.

Пленэр | Рыбинская детская художественная школа

РАБОТЫ ОБУЧАЮЩИХСЯ

Учебные занятия на открытом воздухе (пленэр) — неотъемлемая часть учебного процесса, в котором применяются навыки, формируемые в рамках различных учебных предметов: рисунка, живописи, композиции. Пленер является школой для дальнейшего развития данных навыков. Во время занятий на природе учащиеся собирают материал для работы над композицией, изучают особенности работы над пейзажем: законы линейной перспективы и воздушной перспективы, плановости, совершенствуют технические приёмы работы с различными художественными материалами, продолжают знакомство с лучшими работами художников пейзажистов.

Программа по учебному предмету ПО.03.УП.01 «Пленэр»

2 класс

Тема 1. Знакомство с предметом «Пленэр».

Тема 2. Кратковременные этюды пейзажа на большие отношения.

Тема 3. Наброски, зарисовки птиц, этюды животных, фигуры человека.

Тема 4. Архитектурные мотивы (малые архитектурные формы).

Тема 5.

Натюрморт на пленере.

Тема 6. Линейная перспектива ограниченного пространства.

Тема 7. Световоздушная перспектива.

3 класс

Тема 1. Зарисовки первоплановых элементов пейзажа. Этюды деревьев

Тема 2. Кратковременные этюды пейзажа на большие отношения неба и земли

Тема 3. Архитектурные мотивы

Тема 5. Наброски, зарисовки и этюды птиц, животных человека

Тема 6.

Линейная перспектива глубокого пространства

Тема 7. Световоздушная перспектива

Тема 4. Натюрморт на пленэре

4 класс

Тема 1. Зарисовки и этюды первоплановых элементов пейзажа.

Тема 2. Кратковременные этюды и зарисовки пейзажа на большие отношения.

Тема 3. Архитектурные мотивы.

Тема 4. Натюрморт на пленэре.

Тема 5. Зарисовки и этюды птиц, животных и фигуры человека.

Тема 6. Линейная перспектива глубокого пространства.

Тема 7. Световоздушная перспектива.

5 класс

Тема 1. Зарисовки и этюды первоплановых элементов пейзажа.

Тема 2. Кратковременные этюды и зарисовки пейзажа на большие отношения.

Тема 3. Архитектурные мотивы.

Тема 4. Натюрморт на пленэре.

Тема 5. Зарисовки и этюды птиц, животных и фигуры человека.

Тема 6. Линейная перспектива глубокого пространства.

Тема 7. Световоздушная перспектива.

ПЛЕНЭР В ГРАФИКЕ В РУССКОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ШКОЛЕ | Опубликовать статью ВАК, elibrary (НЭБ)

Тютюнова Ю.М.

Кандидат педагогических наук, доцент, заведующая кафедрой рисунка ФГБОУ ВПО «Орловского государственного университета имени И. С. Тургенева», член Международной ассоциации деятелей художественного образования

 ПЛЕНЭР В ГРАФИКЕ В РУССКОЙ ХУДОЖЕСТВЕННОЙ ШКОЛЕ

                            Аннотация

В данной статье представлен исторический экскурс развития искусства графики в условиях пленэра в традициях  русской художественной школы. Данная тема представляет интерес, поскольку чаще всего понятие «пленэр», в широком смысле, подразумевает работу на открытом воздухе живописными материалами. Тем не менее, отечественная история искусств изобилуют выдающимися примерами пленэрных графических изображений. Достаточно назвать такие имена как: Иван Шишкин, Алексей Саврасов, Василий Суриков, Валентин Серов. Более подробно рассмотрены графические произведения величайшего русского художника Александра Андреевича Иванова. 

Ключевые слова: исторический обзор, традиции русской художественной школы, пленэр, рисунок, графика, современные графические материалы, композиция, глубокое и ограниченное пространство, линейная и воздушная перспективы.

TyutyunovaYu.M.

 PhD in Pedagogy, associate professor, drawing chairholder of Federal State Budgetary Educational Institution of Higher Professional Education “Oryol State University n.a. I. S. Turgenev”, member of International Association of Art Education

PLEIN AIR IN THE SCHEDULE THE RUSSIAN ART SCHOOL

Annotation

This article presents a historical review of development of graphic art in an open-air conditions in the traditions of Russian art school. This topic is of interest, since most of the concept of “plein air” in the broadest sense, involves working outdoors scenic materials. Nevertheless, the domestic art history abound with outstanding examples of open-air graphics. Suffice it to mention such names as Ivan Shishkin, Alexei Savrasov, Vasily Surikov, Valentin Serov. More detail the graphic works of the greatest Russian artist Alexander A. Ivanov.

Keywords: historical review, the traditions of Russian art school, open-air, drawing, graphics, modern graphics, composition, depth and limited space, linear and aerial perspective.

Под понятием «пленэр» общепринято подразумевать работу на открытом воздухе живописными материалами. Приоритет, как правило, отдаётся масляной технике исполнения этюдов. Считается, что именно цветовые возможности живописи в полной мере способны передать особенности колористического строя натурного мотива и специфику состояний световоздущной среды. При этом, графическим изображениям в пленэре отводится второстепенная, вспомогательная роль. Наброски и зарисовки чаще понимаются двояко: либо как тренинговые упражнения, либо – сбор материала для итоговой композиции. И, тем не менее, в настоящее время искусство графики в условиях пленэра приобретает все большую значимость. И дело тут не только в том, что возможности графики при создании выразительного художественного образа в пленэрных условиях ничуть не уступают живописным: величайшие произведения мастеров изобразительного искусства являются весомым подтверждением этому факту. Сама система образования на художественно-графических факультетах и факультетах искусств требует более «мобильных» – графических материалов – карандашей, акварели, гелевых ручек и т. п. Объясняется  это тем, что программы обучения для большинства направлений подготовки совсем не предполагают изучение масляной живописи, а количество часов, отводимых на практику «Пленэр» сокращается.

В сложившейся ситуации все настоятельнее возникает необходимость углубленного изучения методов работы мастеров изобразительного искусства. Обратимся к истории развития искусства графики в традициях русской художественной школы. По существу, за полвека до импрессионистов, уже в первой половине XIX в. русскими художниками решались пленэрные задачи, как в живописи, так и в графике. Несмотря на то, что многие графические наброски, зарисовки и этюды выполнялись художниками в качестве подготовительного материала к последующим холстам и самими авторами воспринимались как штудийные упражнения, подавляющее их большинство являются безусловными шедеврами графического искусства, занимающими достойное место художественно-творческого наследия страны.

В данной статье, к сожалению, нет возможности представить всех замечательных художников, сказавших веское слово в графике пейзажа. Остановимся подробнее на творчествелишь  некоторых из них.

Иван Иванович Шишкин (1832-1898гг.), художник-пейзажист, живописец, рисовальщик и гравёр. При упоминании этого имени представляются детально проработанные изображения деревьев и растительности средней полосы России. В своих рисунках И.И.Шишкин безукоризненно точен. Безупречно владея академическим рисунком, он оставил уникальное наследие будущим поколениям рисовальщиков. Его рисунки пером являются совершенным наглядным пособием при работе на пленэре. Корни, стволы, ветви, камни, мох, разнообразный рельеф – одним словом – каждая деталь рисунка носит характерные, портретные черты конкретного мотива или объекта. При этом, тщательное, аналитически-кропотливое изучение и досконально проработанное изображение, выявление форм и заострение деталей, не мешает созданию цельного художественного образа. Шишкин – мастер тонового рисунка, глубокой проработки плановости пространства графическими средствами.

Также графическое творчество Шишкина представлено множеством офортов, литографий и гравюр, рисунков углём. Листы, выполненные на высочайшем профессиональном уровне, наглядно свидетельствуют о разнообразии творческих и технических интересов художника. Его эстампы являются выразительной демонстрацией мастерского владение рисунком в сочетании с уникальным владением же графическими технологиями.

Алексей Кондратьевич Саврасов (1830-1897гг.) занимает в русском искусстве особое место неповторимой интонацией своего творчества. Множество карандашных зарисовок пейзажей принадлежащих этому мастеру, помимо выразительного академически крепкого рисунка, покоряет зрителя передачей состояния мотива. И если Шишкин считается создателем монументального, эпического направления в пейзажном искусстве, то Саврасова по праву можно назвать родоначальником лирического пейзажа.

Василий Иванович Суриков (1848-1916гг.). Прекрасными по выразительности и великолепными по мастерскому исполнению являются суриковские акварели. Действительно, «упоение сильным цветом» [2, С.9] наглядно демонстрируется в большинстве листов. Необходимо отметить, что живописная красота природы была открыта юному Сурикову его  первым учителем, Николаем Васильевичем Гребневым. Наряду с объяснением основ изобразительной грамоты, он «…заставлял Сурикова рисовать город, наглядно разъясняя ученику законы воздушной перспективы и особенности живописи на открытом воздухе. Вот когда Суриков уже узнал о пленэре. Благодаря Гребневу Суриков овладел техникой акварельной живописи, в которой впоследствии достиг высокого совершенства» [2, С.7]

Тогда же выработался суриковский метод работы над композиционными эскизами: «… на улицах всегда группировку людей наблюдал. Приду домой и сейчас зарисую, как они комбинируются в натуре. Ведь этого никогда не выдумаешь. Случайность приучился ценить. Страшно я ракурсы любил. Всегда старался дать всё в ракурсах. Они очень большую красоту композиции придают» [2, С.10]

Акварели Сурикова восхищают колоритом. Состояния световоздушной среды при разном освещении великолепно переданы в изображениях: «Суриков увидел Веронезе в период своих страстных поисков органических основ колорита. Колорит Веронезе поразил его ещё в Дрезденской галерее, но разгадку его Суриков нашёл только в Венеции. Он мог быть понят так, как понял его Суриков, только художником, на практике испытавшим законы пленэра и инстинктивно ощущавшим своеобразие цвета, присущего отечественное, национальной природе. Это новое и притом решающее качество колорита было отчётливо осознанно художниками – Александром Ивановым и Суриковым» [2, С.23]

Безусловным достижением русской школы в области пленэра являются творческие искания великого русского художника Александра Андреевича Иванова (1806-1858гг.). Материалы, вывезенные им на Родину после почти тридцатилетнего пенсионерства в Италии, являются поистине уникальным учебником, системой работы над изображением, будь то большая историческая картина, набросок или этюд.

Считая себя историческим живописцем, Иванов сделал очень много для развития жанра пейзажа. Советский искусствовед М.В.Алпатов, глубоко и обстоятельно занимавшийся изучением жизни и творчества Иванова, пишет:  «Если к портрету и жанру Иванов питал неприязнь, то пейзаж, хотя и стоял в глазах художника ниже исторической живописи, пользовался его неизменным расположением. Объясняется это не только тем, что в пейзаже Иванов видел вспомогательное средство к работе над картиной. Увлечение пейзажем нередко уводило его в сторону от той задачи, которую он решал в своем большом холсте. Но, выполняя свои пейзажные этюды, Иванов часто забывал обо всем на свете <…> в общении с природой находил высокую и чистую отраду. Особенно увлекала его работа вне мастерской, в окрестностях Рима и Неаполя. <…> Он вместе с Лебедевым, Солнцевым и Штернбергом отправлялся на этюды и не без задора вызывал на соревнование одного из своих друзей, с которым изъяснялся по-итальянски: «хочу посмотреть, как вы обнимете природу» [1, С.49]  И дальше: «Помимо исторических композиций Ивановым было создано больше всего произведений в области пейзажа. Если бы из всех работ Иванова сохранились только его пейзажи, это одно могло бы завоевать ему почетное место в истории русской и мировой живописи». [1, С.50]

Суть классического пейзажа распространённого во времена Иванова заключалась в «пересоздании» природы по воле художника-творца. Иванов в данном контексте выступает безусловным новатором, отказываясь от этой традиции. Его увлекает почти аналитическое изучение реального мира природы. В рисунках и этюдах нет ничего от классического приукрашивания пейзажа или другой крайности – протокольного фиксирования местности и растительности – также распространенной в то время и выполняемых путешествующими художниками-видописцами, фиксирующими свои наблюдения ради науки. Все сделанное Ивановым имеет совершенно другой характер. По существу, он закладывал в своих одиноких странствованиях те основы, которые с успехом использовались в пленэрной практике его последователей и следует использовать в настоящее время. Для Иванова не существовало в искусстве общих мест, не требующих углубленного внимательного изучения. Растения, земля, камни, вода – ни один натурный объект не ускользнул от художника. Алпатов пишет: «Со своей обычной страстью и самозабвением он принялся за изучение растительного мира, о котором до сих пор имел лишь смутное представление. Он подошел к этой задаче с теми же требованиями, с какими привык подходить к изображению человека. Так же, как в основе его рисунков обнаженного тела лежало совершенное знание анатомии человека, так для овладения пейзажем необходимо было вникнуть в понимание строения различных лесных пород». [1, С.62]

До Иванова, пожалуй, ни один художник так досконально не интересовался «портретными» характеристиками каждого объекта пейзажа. В этом смысле, Иванова можно назвать ученым-практиком, художником-экспериментатором, до сих пор дающим специалистам почву для теоретического осмысления его работ. «Предшественники Иванова – Сильвестр Щедрин и Лебедев – несколько пренебрегали почвой, землёй. Главное внимание они уделяли скалам, деревьям, воздуху, то есть всему тому, что занимает место в центре холста. Почва писалась ими обычно по памяти, и потому во многих пейзажах она выглядит плоской, условной, как пол на театральных подмостках. Портретистам известно, как трудно написать в портрете фон, чтобы он не выпирал вперед и вместе с тем не оставлял впечатление пустоты. Что касается пейзажа, то такую же роль, как фон в портрете, играет в нем почва. В отличие от своих предшественников, Иванов стал придавать почве и первому плану большое значение. Недаром он признавался, что по характеру их выполнения можно узнать в пейзажах руку того или иного художника. Иванов знал, что от выполнения первого плана зависит, чтобы каждая часть пейзажа встала на свое место» [1, С.67]

Совершив массу открытий в процессе работы над пейзажем, Иванов убедился, что «портретным образом работать ландшафты гораздо легче, чем идеальным» [1, С.69]. При этом, реалистически решая задачи построения пространства, выполняя каждый раз «портрет» того или иного мотива, он ставил себе главной целью выразить изобразительными средствами обобщённый художественный образ природы: «Для Иванова как пейзажиста характерно, что он не любил фрагментарных образов природы, случайных впечатлений – его привлекало ощущение ее целостности, он искал в ней спокойной величавой красоты и развивал в себе понимание того, что красота разлита в ней, начиная с могучих гор и огромных деревьев и кончая малейшей былинкой или потрескавшимся камнем, – все входит составной частью в ее величественное целое» [1, С.71].

Наряду с маслом, акварель и простой карандаш были излюбленными материалами мастера в процессе изучения природы. В его акварельных этюдах великолепно передаются образы-состояния того или иного освещения. При этом за частным всегда видно общее:  «Природа Италии поразила его с первого взгляда, хотя первоначально он чувствовал себя несколько потерянным среди шумной итальянской толпы. <…> Впрочем, природа эта долгое время не поддавалась воспроизведению. Художник объяснял это тем, что в Академии исторических живописцев не учили писать пейзажи. Вот почему он сначала ограничивался скромными карандашными зарисовками преимущественно видов городов, даже и не думая о красках. <…> Эти карандашные рисунки выполнены тонким контуром, но в них дается намек на воздух и свет, на широкие морские просторы» [1, С.57]

Пейзажное наследие Иванова разнообразно по тематике. Это и тщательные штудии растительного мира, деталей пейзажа, и панорамные виды, открывающие глубокое пространство. И, безусловно, взаимосвязь человека и природы также является одним из объектов размышлений художника: «Иванов не чуждается в природе следов деятельности человека. В его панорамах часто вьется дорога, видны квадратики виноградников или светятся белые кубики далеких домов. Подобно тому как живую природу можно разглядывать и невооруженным глазом и в бинокль и каждый раз замечаешь в ней нечто новое, так же и панорамы Иванова можно рассматривать вблизи в лупу, и тогда обнаруживаешь в них множество безупречно точно переданных мелочей, вроде деревьев, кустарников, цветов и тому подобного, но по мере удаления от картины замечаешь, как это происходит и в природе, что частности сливаются воедино, погружаются в голубую воздушную дымку, растворяются в ней, и вместе с тем яснее выступают композиционные доминанты: зелено-коричневые массы растительности заполняют первый план, за ним клубится седой туман, совсем вдали, словно волны, набегают друг на друга очертания голубых гор». [1, С.67]

Иванов великий мастер композиции. Неслучайно, даже в самых скоростных, казалось бы подготовительных рисунках и акварелях присутствует сюжет: «…в последних его акварелях пейзажные мотивы нередко сливаются с жанром. В одном листе рыбачьи лодки заполняют весь первый план: среди них суетятся рыбаки в холщовых рубахах с красными платками на головах. Лодки почти закрывают вид на море и далекие горы, и тем не менее гряда этих гор превосходно обрисована. Старые, порыжевшие лодки переданы художником с исключительной точностью. Сизо-голубые оттенки волны за ними придают звучность глухой красочной гамме. В своих акварелях Иванов нередко обнаруживает стремление передать быстроту движения фигур, и потому мазок его становится беглым и легким» [1, С.216]

Величие таланта и вклад Александра Иванова в мировую художественную культуру становятся все более очевидными спустя столетия. Изучение рисунков и этюдов, оставленных мастером будущим поколениям окажет неоценимую услугу не только для профессионального развития, но также для формирования философских и этических представлений: «Ему была в высокой степени знакома способность искусства в малом выражать великое, в частном – общее, в одном человеке – человеческое, в скромном уголке – представление обо всем мире» [1, С.238]

Говоря о пленэре в графике, также нельзя не назвать имя Валентина Александровича Серова (1865-1911гг.). Графические изображения составляют значительную часть его творческого наследия и, безусловно, являются признанными произведениями искусства. Множество карандашных натурных изображений животных, людей, разнообразных уголков средней полосы России, по существу, являются энциклопедией грамотного и виртуозного использования изобразительных средств. Линии «в тоне», штриховые и тоновые пятна передают пространство, перспективные изменения ландшафтов. Серовские пейзажи зачастую включают изображения животных и людей. Надо заметить, что наброски и зарисовки животных и птиц являются особой темой этого замечательного художника. Лошади, собаки, коровы, львы, волки – все они имеют уникальные портретные характеристики. Каждый набросок, будь-то натурный или изображение, выполненное по воображению, имеет собственную, можно сказать, «человеческую» интонацию, раскрывает психологическое состояние того или иного персонажа.

В завершении следует отметить, что разнообразие стилевых особенностей, творческих задач и технических приёмов великих русских художников представляет богатейший материал для изучения и осмысления. Студентам младших курсов, особенно тех направлений подготовки, учебными планами которых предусмотрены сжатые сроки прохождения практики «Пленэр», на наш взгляд, целесообразно усердно копировать этюды, наброски и зарисовки мастеров. Тщательное изучение их методов выполнения краткосрочных изображений, окажет неоценимую помощь в развитии творческого и профессионального кругозора.

Литература

1. Алпатов М. В. Александр Иванов. Жизнь и творчество: В 2 т. – М.: Искусство,
2. Машковцев Н. Г., В. И. Суриков. – М.: Искусство, 1994. – 192с.

 References

1. Alpatov MV Alexander Ivanov. Life and Works: In 2 t. – M .: Art, 1956.
2. Mashkovtsev NG, VI Surikov. – M .: Art, 1994. – 192s.

«Московский пленэр». Рисуем город будущего вместе с культурными центрами. — — Мероприятия — Культурный центр «Москвич»

Участники пленэра под руководством профессионального художника выполнят зарисовки любимого города, с добавлением воображаемых деталей, которые сделают его ещё более безопасным, красивым и удобным. Москвичи смогут окунуться в урбанистику и нарисовать Москву будущего.
В этот день каждый желающий — любого возраста и любой степени подготовки — сможет попробовать себя в роли художника – фантаста, показав на рисунке, каким он видит Культурный центр «Москвич» в 2020 году.

Справка: 

Пленэр в этом году проведет преподаватель студии изобразительного искусства «Детский рисунок» — Гудкова Анна Михайловна.
Студия изобразительного искусства «Детский рисунок» основана в 1980 году художником-педагогом, живописцем, иллюстратором, членом Московского Союза художников Вячеславом Назаруком. 

В программе обучения: академический рисунок, живопись, композиция, знакомство с пластической анатомией, историей и декоративно-прикладным искусством. Регулярно на территории Культурного центра «Москвич» проводится выставка лучших работ. Многие выпускники поступили в художественные ВУЗы, колледжи и стали профессиональными художниками.
С 1990 года руководителем студии стала Анна Михайловна Гудкова. Художник-педагог с более чем 25-летним стажем. Окончила художественно-графический факультет Московского государственного педагогического института.
С 1997 года является членом Союза художников.
В 2015 году Анна Михайловна организовала в ГБУК г. Москвы «КЦ «Москвич» студию изобразительного искусства для взрослых «Колорит».  В программе обучения: живопись маслом, гуашью, акварелью, акрилом, рисунок с натуры, композиция, пленэр, участие в выставках, развитие творческих способностей, самореализация и релаксация. Индивидуальный подход с учетом способностей и навыков. Программа рассчитана на детей от 15 лет и взрослых.

Все участники пленэра будут обеспечены всем необходимым для рисования: мольбертами, красками, карандашами, бумагой. 

Урок пройдет на площади перед входом в Культурный центр «Москвич».

Продолжительность: 2 часа

Что такое пленэрная живопись?

Что такое пленэрная живопись?

Художники, зарисовывающие в Белых горах Уинслоу Гомер, 1868, картина маслом.

Пленэрная живопись — это оставить позади четыре стены вашей студии и погрузиться в живопись и рисование в пейзаже. Эта практика восходит к столетиям, но французские импрессионисты действительно превратили ее в форму искусства. Их желание рисовать свет и его изменчивые, эфемерные качества в сочетании с созданием переносных тюбиков с краской и мольберта — предшественника современных мольбертов для пленэров — предоставили художникам свободу рисовать «на пленэре», что и есть Французское выражение «на открытом воздухе».”

Получите бесплатную электронную книгу по технике пленэрной живописи! БЕСПЛАТНО и доступно только подписчикам электронного бюллетеня Artist Daily. Введите свой адрес электронной почты в поле ниже, чтобы получать бесплатную электронную книгу, а также электронные бюллетени с советами по рисованию на пленэре и многим другим!

[fw-capture-inline campaign = »RCLP-confirm-plein-air» thanks = «Спасибо за загрузку!» интерес = «Искусство» предложение = «/ wp-content / uploads / pdfs / Plein-Air-Freemium.pdf»]

Sketches позволяют художникам улучшить общий дизайн картины и быстро запечатлеть цветовые заметки в пейзаже.Художник-пленэр также может использовать фотографии, чтобы помочь создать картину, хотя обычно они вступают в игру после того, как художник покинул место рисования под открытым небом для удобства студии. Художник часто использует фотографии, чтобы запечатлеть детали — например, конкретную текстуру травы или форму излучины реки — но большинство художников избегают использования фотографий в качестве индикаторов цвета и ценности.

Сегодня пленэрная живопись — это процветающее направление в нашем мире искусства. Художники собираются вместе для «раскрашенных» экскурсий, семинары, посвященные этой практике, проходят круглый год и от побережья до побережья, а художники-пейзажисты находят, что пленэрная живопись является таким же полезным и мощным опытом, как и для первых пленэров. все те годы назад.

Техники рисования на пленэре: рисование светом

Анахайм Свечение Джеймса Герни, 2006, картина маслом.

Когда вы рисуете на основании наблюдения, на месте или в помещении, вы столкнетесь с несколькими различными источниками света, включая прямой солнечный свет, пасмурное небо, оконный свет, свет свечи и электрический свет. Эти типы света, а также другие, обладают отличительными качествами, которые вы должны понимать, чтобы рисовать их убедительно.

Прямой солнечный свет
В ясный солнечный день работают три разные системы освещения: солнце, голубое небо и отраженный свет от освещенных объектов.Из этих трех источников света два последних полностью исходят от Солнца и, следовательно, должны ему подчиняться.

Пасмурный свет
Слой облаков рассеивает солнечный свет, устраняя резкие контрасты света и тени. Одно из достоинств облачного света заключается в том, что он позволяет рисовать формы в их истинных цветах без резких контрастов света и тени.

Уличные фонари и ночные условия
Современный ночной пейзаж включает лампы накаливания, флуоресцентные, неоновые, ртутные, натриевые, дуговые, металлогалогенные и светодиодные фонари и, конечно же, лунный свет.У каждого есть отличительное спектральное распределение мощности. Вот несколько советов, если вы хотите узнать больше о ночном освещении:

— Разнообразие цветов наружного освещения лучше всего видно при ночном полете над городом.

-Фотографируйте цифровой камерой, установленной в ночное время. Новые камеры отлично подходят для съемки низкоуровневых световых эффектов.

-Попробуйте нарисовать городскую ночную живопись, используя переносной светодиодный светильник, чтобы осветить вашу палитру.

— Джеймс Герни, из Plein Air Painting , Spring 2011 и адаптировано из книги Джеймса Герни, Color & Light: A Guide for the Realist Painter

Основы пленэра: живопись водой

Спокойствие II Джона Халси, акварель.

Вода, пожалуй, одна из самых сложных тем для создания убедительных пейзажей. Независимо от того, вдохновлен ли он океаном, рекой, прудом или озером, каждый предмет требует изученного знакомства и часто совершенно разных способов обращения с краской. Вот лишь несколько советов, которые мы считаем полезными при рисовании водой:

1: Небо и вода обычно имеют одинаковые цвета, хотя вода будет более темной по цвету. Нарисуйте сплошной горизонт или береговую линию и одновременно заблокируйте их, чтобы убедиться, что у них одинаковые цвета.

2: Океанские волны в постоянном движении представляют собой проблему для художника-пленэра, потому что вы хотите запечатлеть движение и световые эффекты, возникающие в прибойных волнах. Волна меняет цвет и значение по мере того, как набирает высоту, и становится более тонкой непосредственно перед тем, как сломаться. Пока волна не начнет разбиваться, она будет иметь цвет неба. Когда он поднимается, он становится прозрачным окном в саму волну, становясь зеленоватым, и может даже на мгновение принять цвет песка, как только он разбивается.Отличный способ быстро научиться рисовать волны — рисовать только мастихином.

Получите бесплатную электронную книгу по технике пленэрной живописи! БЕСПЛАТНО и доступно только подписчикам электронного бюллетеня Artist Daily. Введите свой адрес электронной почты в поле ниже, чтобы получать бесплатную электронную книгу, а также электронные бюллетени с советами по рисованию на пленэре и многим другим!

[fw-capture-inline campaign = »RCLP-confirm-plein-air» thanks = «Спасибо за загрузку!» интерес = «Искусство» предложение = »/ wp-content / uploads / pdfs / Plein-Air-Freemium.pdf »]

3. Стоячая вода в озерах, прудах и даже спокойных реках представляет собой сложную задачу создания отражений, часто наполненных цветами восхода или заката. Максфилд Пэрриш использовал для создания модельного пейзажа на зеркале, чтобы получить правильные отражения в своих реалистичных студийных картинах. Однако на пленэре мы должны анализировать на месте и передавать эти отражения в более свободной и жесткой манере. Если только отражение не соответствует вашему объекту, попробуйте визуализировать его как большую тональную массу цвета, а не как множество отдельных штрихов.Имейте в виду, что отражения всегда темнее самого объекта.

— Джон Халси и Энн Трасти

Живопись на открытом воздухе быстро и осознанно

Classical Reference I Маддин Инсалако, 2008, холст, масло.

Окраска снаружи затруднена из-за непостоянного света и постоянно меняющихся атмосферных условий окружающей среды.Хотя пленэрные картины ценятся за их непосредственность и свежесть, один из лучших способов научиться искусству пленэра — быть организованным и осознанным.

Чтобы максимально использовать свое время, рисуя на открытом воздухе, начните с плана и подходите к рисованию методично с самого начала. В предвкушении рисования многие художники прыгают прямо и начинают покрывать поверхность цветом до того, как композиция будет четко прорисована и до того, как они действительно проанализируют предмет, пространство, которое нужно изобразить, и его цвет в абстрактных живописных терминах.

Ваша палитра: Упорядоченная палитра помогает вам более внимательно рассматривать то, что вы рисуете. Совместите саму палитру с поверхностью рисунка. Когда мы смешиваем краску на палитре, которая тесно связана с поверхностью, мы делаем небольшой шаг к точности цветопередачи.

Предварительное смешивание красок: Используя мастихин, смешайте лужи краски, которые отражают все важные области композиции, спроецированные на палитру. Смеси должны быть сопоставлены на палитре во взаимосвязях, так как они будут появляться на поверхности.Мастихин позволяет получать самые чистые смеси, а также является лучшим инструментом для проверки точности цвета. Смешайте однородный цвет, возьмите заряженный нож и поместите его вытянутой рукой рядом с элементом реального ландшафта, который вы пытаетесь смешать.

Укладка в композиции: Начиная с дистанции пространства (вверху холста) и постепенно продвигаясь вперед (к низу), я раскладываю цвета по мере их смешивания. Мое общее правило — работать задом наперед, изнутри наружу (например, сначала закрашивая более темные внутренние части деревьев, а затем свет на листьях) и снизу вверх (например, закрашивая землю перед тем, как рисовать траву, растущую на наверху).Таким образом, слои краски отражают фактические пространственные отношения в ландшафте.

— Маддин Инсалако, с Пленэр Живопись , осень 2011

Методы рисования пленэром: как рисовать облака

Чистая вода, квартиры Багамы Джозефа МакГерла, картина маслом.

Небо — это буквальная и образная вершина любой пейзажной живописи, и в небесных просторах есть возможности для любого количества форм и стилей облаков, от остроконечных и вихревых до массивных и массивных.Вот наиболее часто встречающиеся в природе облачные образования и советы, как их изобразить, когда вы рисуете на улице.

Кучевые облака: это, вероятно, наиболее часто встречающиеся облака, обычно присутствующие в ясные, ясные и солнечные дни. Они напоминают огромные кучи пухлой шерсти и плавают по небу на разной высоте, при этом сторона облака, обращенная к солнцу, обычно очень яркая, а сторона, более удаленная от солнца, обычно кажется темной с яркими краями.

Перистые облака: тонкие и высоко в небе, эти облака на самом деле состоят из кристаллов льда, образовавшихся в результате замерзания капель переохлажденной воды, и обычно присутствуют в ясный день. Перистые облака иногда называют «перьевыми» облаками или «кобыльими хвостами» и указывают направление движения воздуха на высоте, которая обычно составляет около пяти-шести миль.

Stratus: Эти облака почти можно описать как слой слоистого тумана, который низко спускается к горизонту в серые дни, обычно зимой.Они часто слоистые и иногда имеют горизонтальные полосы формы, указывающие на возможность дождя. Художники часто считают, что эти облака легче всего рисовать из-за их простой формы и рисунка.

Нимб: Нимбусные облака — это атмосферные облака, толстые по текстуре и темные по цвету, но по форме напоминающие зонтик. Их темнота отражает количество воды, которую они несут, и то, что осадки могут достигать земли в виде дождя, снега или града. Маленькие рваные части этих облаков, плавающие на нижнем уровне, часто называют «скадом».”

Рисование и живопись на пленэре

* 3-5 классы, * 6-8 классы, * 9-12 классы, * K-2, Рисование, Живопись, Лето, Летний лагерь

Вы ищете что-нибудь творческое, чем можно заняться в ясный день? Почему бы не отправиться на прогулку, чтобы позволить природе вдохновить вас?

Андреа Малдер-Слейтер

Что вам понадобится:

• несколько бумажек
• карандаши (или краски)
• карандаши цветные
• кусок плотного картона

Что вы делаете:

1. Найдите хорошее место, чтобы присесть, откуда открывается прекрасный вид на деревья, кусты или цветы.
2. Создайте рабочее место на открытом воздухе, присядьте, положите картон на колени и положите на него бумагу.
3. Посмотрите, что вы собираетесь нарисовать.
4. Внимательно присмотритесь, чтобы увидеть все детали, из которых состоит дерево, куст или цветок.
5. Начать рисование.
6. Не беспокойтесь о том, как выглядит ваш рисунок — это ваше впечатление от увиденного.
7. Вы можете сделать небольшой набросок ствола и веток дерева карандашом, а затем закрасить листья цветными карандашами (или краской).
8. Небо действительно предел, и единственное правило — получать удовольствие!
9. Как только вы закончите одну картинку, нарисуйте другую, и еще одну, и еще одну!
10. Не забудьте поставить подпись, дату и ярлык на своей работе.

Знаете ли вы:

Рисунок снаружи известен как рисунок «пленэр». В буквальном переводе этот французский термин означает «на открытом воздухе». Рисование и рисование на открытом воздухе — обычное дело для художников сегодня, но, как объясняет писательница Мэрион Бодди Эванс, «… в конце 1800-х годов, когда импрессионисты рискнули выйти из своих студий на природу, чтобы исследовать и запечатлеть влияние солнечного света и разных времен дней на предмет, это было довольно революционным.”

Рисование деревьев в перспективе положительных / отрицательных ошибок

Присоединяйтесь к нашему клубу

В настоящее время вы находитесь на сайте KinderArt.com, который предлагает множество бесплатных идей для творчества для детей (я надеюсь, они вам нравятся!) ОДНАКО, если вы ищете более подробные планы уроков рисования, уроки рисования, печатные издания, книги для начинающих (и подробнее), предоставляемый ежемесячно, вы ПОЛЮБИТЕ The KinderArt Club — членский портал, предназначенный для родителей, учеников на дому, классных учителей рисования и инструкторов студий .

Внутри клуба вы найдете сотни распечатываемых уроков рисования в формате PDF, предназначенных для работы в небольших или больших группах людей разного возраста (от 5 до 12 лет).

Создавайте творческие занятия с детьми дома, инструктируя студентов в классе, проводя семинары в студии или делитесь информацией в Интернете, исследуя художников, периоды искусства, науку, природу, историю, культуры и темы, с учетом творчества и гибкости.

Присоединяйтесь к нам сегодня по адресу: TheKinderArtClub.com

3 способа рисования на пленэре (и задача рисования на пленэре!)

Кэрри Льюис в Уроки рисования> Советы по рисованию

Я никогда не был художником на пленэре, вероятно, потому, что тот вид искусства, которым я занимаюсь, чаще всего требует времени в студии. Кроме того, в течение многих лет мое искусство было подработкой. Из-за семейных обязанностей и других требований, казалось, никогда не было достаточно времени, чтобы заниматься тем, что нужно было рисовать, а также заниматься забавным или необычным искусством.

Даже став постоянным художником, я мало рисовал на улице, потому что мне просто не хватало интереса. В свою защиту, я был мог брать карандаши и рисунки в различные места, например, на репетиции музыкальных групп, конные шоу, художественные выставки и поездки.

Быстрое объявление — EmptyEasel создал более быстрый и простой способ для художников иметь свой собственный сайт об искусстве. Щелкните здесь, чтобы узнать больше и получить собственный простой художественный сайт!

Но если не считать рисования на конных выставках, ничто не было пленэром.:)

Итак, я дал себе задание по рисованию на пленэре

Этой осенью я решил выйти из дома (и студии!) И рисовать на улице, даже если я не пошел дальше своего крыльца или заднего двора. Я поставил перед собой задачу делать только один пленэрный рисунок в неделю.

Вскоре я понял, что сильно переоценил свою способность рисовать быстро и точно!

Моя первая попытка показала, что мне нужно либо выделить больше времени для рисования, либо выбрать предметы меньшего размера, если я хочу делать подробные рисунки (что я и сделал.Я также начал рисовать около 16:30 в первый день, а это означало, что к тому времени, когда прошло полчаса, мой объект был полностью отброшен в тень.

Когда я пишу это, я нахожусь в середине третьей недели и считаю, что рисование на улице сложнее, чем ожидалось. Но также веселее — и определенно более поучительно.

Итак, я подумал, что поделюсь несколькими разными методами, которые я пробовал до сих пор для получения гладких, мгновенно выглядящих пленэров:

1.Полировка

Ниже вы найдете мой второй рисунок с пленэра. Облака двигались так быстро, что я нарисовал эти облака как композицию (что я часто и делаю).

Я пытался быстро нанести цвет, используя тупые карандаши и / или края карандашей. Это было лишь незначительным успехом, потому что я рисовал на простом блокноте для рисования. Бумага плотная, но текстурированная, поэтому такое широкое применение цвета оставляло много дырок в бумаге. Это, конечно, был не тот вид, который мне хотелось.

Обработка этих слоев острыми карандашами и использование подсказок помогли заполнить некоторые дыры в бумаге, но мне не очень понравилось то, что я увидел, пока я не начал полировать.

Сначала я полировал небо бесцветным блендером. Я выбрал бесцветный блендер Prismacolor, потому что не хотел менять цвет.

Затем я полировал облака белым цветом, чтобы смягчить и смешать цвета. Мне это так понравилось, я тоже полировал небо белым.

Чистый результат был лучше, чем до полировки, но все же не полностью удовлетворительный.

2. Смешивание с растворителями

Поскольку полирование не помогло, после того, как рисунок был закончен, я использовал медицинский спирт, чтобы смешать цвета и создать более гладкий цвет.

В небе, я использую ватный тампон и поглаживаю медицинским спиртом по синему по горизонтали в более светлой области. В тени я использовал направленные мазки, отслеживающие движение света, начиная с края облаков и удаляясь от них. Чтобы тень оставалась туманной, я провел по ее краю один или два раза.

В облаках я просто прикоснулся влажным ватным тампоном к месту, чтобы медицинский спирт скапливался в том месте, которое я хотел растушевать, затем позволил пигменту раствориться и смешаться, пока медицинский спирт высыхает. Этот метод был не особенно эффективным и был несколько рискованным, учитывая характер моей статьи. Это может работать лучше на бумаге более высокого качества.

3. Использование водорастворимых карандашей

Решив получить приличный рисунок неба и облаков на пленэре, я попробовал еще раз.

На этот раз я использовала карандаши Faber-Castell Aquarelle Art Grip. Я нанесла пару синих цветов, нарисовав их на бумаге, затем окунула маленькую соболью круглую кружку в чистую воду и увлажнила цвет.

В результате получилось гораздо более красивое синее поле — намного ближе к тому, что я представлял, когда рисовал предыдущий рисунок. Но я также обнаружил, что мой блокнот для рисования не работает с водой, переключился на более тяжелый Бристоль и начал все сначала. Вот результат:

Пару раз я работал над небом и облаками, рисовал традиционным способом, а затем активировал цвет водой.Таким образом, цвет покрыл бумагу быстрее, но мне все же хотелось чего-то большего.

Итак, я немного поработал в студии. Для этого я перешла на карандаши Progresso Woodless от Koh-I-Nor. Я наложил цвет на небо и облака, затем растушевал кончиком пальца (голубое небо) или полировал белым (облака).

Я думаю, что любой из этих методов может быть успешно использован для рисования на пленэре. Насколько я понял, ключ к успеху заключается в том, чтобы приспособить метод к предмету и выбрать инструменты, позволяющие быстро рисовать.

Моя задача по рисованию на пленэре все еще продолжается

Я решил, что моя задача по рисованию завершится 31 октября. Моя личная цель — делать один рисунок цветным карандашом на пленэре каждую неделю.

Это десять недель; десять рисунков. Звучит весело? А выполнимо?

Чтобы идти в ногу с моими успехами — или, если вы хотите присоединиться ко мне! — посетите мою страницу «Осенний пленэр». Я надеюсь увидеть вас там!

ПОЛУЧИТЬ ЛИСТНИК В СВОЕМ ЯЩИКЕ

Мы будем отправлять вам статьи и учебные пособия сразу после их публикации, чтобы вы не пропустили ни одной публикации! Отпишитесь здесь в любое время.

ПРИМЕЧАНИЕ. Вас также может заинтересовать пошаговое руководство по рисованию от EE для художников. Нажмите ниже, чтобы узнать больше!

Этот пост может содержать партнерские ссылки.

Устройство для пленэра для черчения | Просто добавь воды, глупо

Я ОБОЖАЮ смотреть на работы других художников. Это как искусство снабжения порно не так ли ?? А кто не любит, чтобы быть в состоянии использовать слово «порно» в сытного образом. Хорошо, да, это может привести к тому, что вы сожжете свою кредитную карту в пепел, когда будете заполнять корзину новыми художественными принадлежностями.Но это же всего лишь терапия, верно? Присоединяйтесь ко мне в прочтении моего личного запаса путешествий на пленэре. О все блестящие предметы!

Моя сумка:

Хорошо, поэтому я подумал, что покажу вам свою установку для создания зарисовок на пленэре. Обожаю эту сумку! Это от Lihit Labs, и узор в виде гусиных лапок на нем делает его классным для меня. Но есть еще 5 цветов, так что выбирайте себе удовольствие. Какого цвета варенье у вас? Остальные пять цветов (трех размеров!) Доступны на Amazon, так что ура, вероятно, бесплатная доставка в США.Размер прибл. 11,5 ″ x 7,5 ″ и вмещает много вещей, эта сумка похожа на машину клоуна!

Вы должны покупать плечевой ремень отдельно, но менее чем за 30 долларов, я думаю, это отличная сделка. Сумка устойчива к разрывам и воде, а также имеет набивку для защиты ваших вещей. В основной сумке поместится мой альбом акварельных пейзажей Hahnemühle A5 (примерно 8 ″ x5,5 ″), а также два складных стакана для воды.

Этот шаблон действительно имеет уменьшенную версию, если вы заботитесь только о самом необходимом.Вот ссылка. Это примерно 7 ″ на 5,5 ″.

ПОЛНАЯ сумка. В нем ВСЕ!

Палитра красок:

Мне очень нравятся акварели Да Винчи, но я хотел собрать целую лодку в небольшом пакете. Кто-то в Instagram каким-то образом запихнул лишние половинки сковороды в центральный желоб металлической палитры из 12 половинок, поэтому я подумал, что было бы неплохо попробовать это. Я купил палитру от Whisky Painters, но ее больше нет в наличии. Я думаю, что то же самое будет работать и с металлической палитрой Medeen (розовый, синий).Эта палитра Meeden составляет всего прибл. 3 ″ х 4,5 ″.

Я кладу магниты (1 лист, 3 листа) на дно средней половинки желоба. Вероятно, вы также сможете получить еще половину кастрюли в каждом ряду, чтобы в общей сложности было 21 цвет. УРА! Это много цветов в одной маленькой упаковке. (если у вас узкий желоб, возможно, придется использовать пустые половинки кастрюль Winsor & Newton Cotman или Ван Гога. Они меньше обычных половинных кастрюль.)

цветов, которые я бы выбрал:

Верхний ряд

1. Hansa Желтый средний (PY74)
2. Ганза желтый темный (PY65)
3. Бензимида Апельсин (PO62)
4. Rose Dóre (PV19 + PR188)
5. Красная роза темная (PV19)
6. Opus (PR122)
7. Квин Фиолетовый (PV19)

Средний ряд (желоб)

1. Зеленый лист (PG7 + PY65)
2. Сок зеленый (PG7 + PY42)
3. Фтало-зеленый (PG7)
4. Ультрамарин сине-зеленый оттенок (PB29)
5. Фтало-синий (PB15)
6. Индантреновый синий (PB60)
7. Серый Пэйна (PBk6 + PB27)

Нижний ряд

1. Фиолетовый Да Винчи (PV23)
2. Бирюзовый кобальт (PB36)
3. Прусский сине-зеленый оттенок (PB27 + PG7)
4. Quin Gold (PY150 + PR206)
5. Ализариновое золото (PR177 + PY42)
6. Сепия (PBk6 + PBr7)
7. Умбра жженая (PBr7)

Что внутри Дженн ??

Ручки, карандаши и другие предметы:

У меня много вещей в этой сумке! Я беспокоился о поломке грифелей, поэтому купил пачку заглушек для карандашей.Они идеально подходят для моих акварельных карандашей Faber Castell, а также карандаша Blackwing, который у меня есть. Вот список других вещей, которые у меня есть. Я счастливчик. Я храню все свои дорожные кисти в старой пустой банке, в которой раньше хранились мелки Neocolor II, набор из 10 штук. Я просто покрасил их распылением и обнаружил, что они подходят для моих пяти наиболее часто используемых дорожных кистей Da Vinci Maestro 1503. Вы можете приобрести эти дорожные кисти Kolinsky по отдельности в Blick. Я чаще всего использую 1, 2, 3, 4, 5 и 6.

Материал:

• Ластик для щелчков. Его треугольная форма делает возможным сложное стирание, я уже прошел через три!
• Технические ручки Zebra (01, 03, 05), моя любимая черная подводка.
• Waterbrush от Kuretake — Я пробовала несколько других брендов, мне нравится равномерное течение этой кисти. Также из него я сделал свою ручку с белой тушью. Это тоже в сумке.
• Контейнер для воды — ЭТА находка была потрясающей. Это позволяет легко наполнять кисти для воды. Я также использую его вместо флакона с туманом, чтобы не повсюду разбрызгивать акварель. Мои акварели Да Винчи так легко оживляют! Это также отличный источник воды, если вы не в кафе, где можно просто набрать свежую воду.
• Механический карандаш (или зеленый) — это автоматический щелчок, просто встряхните его, чтобы получить больше грифеля. И вы можете заменить ластик на удлиненный и выдвижной.
• Uniball Signo White Gel Pen — Белый хайлайтер My goto.
• Uniball Angelic White Gel Pen — Более тонкая линия, чем указанная выше, но не такая непрозрачная. Я держу оба в сумке.
• Точилка для карандашей — Заточка с длинным грифом и портативность!
• Зажимы для папок — для удержания страниц. Эй, в кофейне может быть ветрено!
• 6-дюймовая мини-линейка — прозрачность делает ее еще проще в использовании.
• Ткань. Мне нравится использовать салфетки вместо бумажных полотенец, чтобы вытереть лишнюю воду или нарисовать кисть, но я также видел повязки на запястье, которые использовались для впитывания лишней воды. Отличная идея.
• Отрезки акварельной бумаги — мне всегда нужны обрезки для проверки цветовых сочетаний перед их использованием.

Итак, теперь вы знаете, что я беру в кафе! Идите и общайтесь, рисуйте и продолжайте свое искусство. Создайте свой собственный набор для пленэра — приятно хранить все в одном компактном дорожном чемодане.Если вы хотите увидеть всю мою студийную палитру, перейдите сюда, чтобы прочитать о ней все.

Помните:

У меня РАЗДАЧА, обязательно войди!

О карандашных набросках на пленэре

О карандашных набросках на пленэре.

Рассмотрим особенности рисования карандашных этюдов на пленэре. Карандашный рисунок, сделанный на пленэре, может оказаться полезным и эффективным по нескольким причинам.

Прежде всего, это упражнение не требует большого количества оборудования.Вам понадобится только буфер обмена, офисная бумага и мягкий (5B-9B) карандаш. Однако, если вы целенаправленно собираетесь рисовать на открытом воздухе, мы бы порекомендовали вам взять с собой небольшой стул (не кресло!).

Иногда художник не решается пойти за эскизом из-за необходимости принести мольберт «Французская шкатулка» с маслом. В этом случае выходом из положения может стать рисование карандашом на пленэре.

После завершения ряда масляных этюдов вы можете перейти к карандашным наброскам, чтобы разнообразить свою художественную практику.В такой ситуации можно раскрыть актуальные художественные возможности карандаша. В рутинных учебных рисунках мы иногда забываем об эмоциональности карандашных линий.

Старинная архитектура — хороший объект для зарисовки благодаря выразительной фактуре и живописности. В то же время мы не должны оставаться равнодушными с самого начала. Варьируя давление на карандаш, вы можете сделать линии более выразительными.

Дальнейший линейный рисунок может перейти в тональный.В этом случае принципы работы закрыты для тех, кто занимается исследованиями нефти. Тональный набросок можно рекомендовать как частую практику всем, кто начинает рисовать.

Также карандашный набросок может остаться более линейным. В этой ситуации мы можем позаботиться о живости и эмоциональности линий. Выразительные, а не формальные штрихи могут помочь передать текстуру изображаемых объектов (например, фактуру кладки).

Следует отметить, что метод нанесения штрихов при рисовании отличается от того, который мы используем при длительном изучении рисунка.Зарисовки, как правило, не требуют аккуратных штрихов и равнодушия, характерных для учебного рисунка начинающих. Напротив, каждая линия должна быть «яркой» и «живописной», то есть использовать мазки разной толщины. То же самое и с тоном, который нужно добавить с помощью техники растушевки. Лучше провести краем детали вдоль стороны оголенного «грифеля» карандаша, чем пытаться провести линию кончиком по тонкому краю. Однако вы можете исправить мелкие детали, используя тонкую кромку.Это поможет вам ощутить разнообразные возможности карандаша как инструмента для рисования.

Обращая внимание на такие вещи, вы можете развить свою графическую технику, получить новые навыки и умения. Обретая способность делать более интересные картины с первых же строк, художник, помимо внезапного всплеска радости, приобретает еще и ряд возможностей для использования новых навыков.

Во-первых, более положительное отношение к скетчингу в целом (пока черновики выглядят интереснее, эмоциональнее и т. Д.)) предлагает инсенс для рисования чаще.

Также понимание принципов создания «живописной» линии приводит художника к желанию использовать ее при изображении всех объектов, в том числе и воображаемых. В результате делать графические работы из воображения становится проще.

Наконец, признание того, что линии и штриховки могут быть более яркими, влияет на технику длинных рисунков, которые становятся более богатыми и выразительными. Линии и штриховки становятся более эмоциональными и не равнодушными.

Большинство начинающих начинают с набросков, которые выглядят как маленькие длинные рисунки. Это происходит потому, что длинные рисунки практикуются много, а эскизы — нет. Более поздние эскизы обретают его специфические характерные черты. Наконец, наброски влияют на длинный рисунок.

Рисование объектов с явной пластичностью хорошо не только для улучшения гибкости линий, но и для развития способности обнаруживать пластичность каждой модели, которую мы рисуем, включая человеческую фигуру.

Вы можете сконцентрироваться на линиях (чтобы показать текстуру объекта), а также на тоне.

Олег Торопыгин

Пленэрная живопись сегодня | Вазари21

Тринадцать, которые выходят на открытый воздух… несмотря на вызовы

Значительное количество художников впервые вышло на природу, чтобы работать в естественном окружении и более точно расшифровывать эффекты света почти 200 лет назад, следуя примеру пейзажиста Джона Констебля, который никогда не вдохновлял движение в своей родной Англии, но руководил способ для группы французских художников бродить по лесу и полям с портативными мольбертами и ящиками для красок.Известная как Барбизонская школа, после того, как они часто бывали в лесу, многие относились к своим предметам — крестьянам, каменистым полям и залитым солнцем деревьям — новой рыхлостью, которая позже вдохновила импрессионистов, когда они обратили свое внимание на развлечения на природе, как городские, так и сельский, позже в 19 ^-м в.

Покинуть студию (или работать только частично в помещении) вскоре закрепилось в Соединенных Штатах среди художников с реки Гудзон и тех, кто рискнул запечатлеть недавно открытые чудеса природы за пределами Миссисипи.(Отчасти пленэрная живопись во многом обязана появлению краски в тюбиках примерно в 1840 году; до этого художники смешивали измельченные пигменты со связующим, которые были грязными и трудными для транспортировки.)

Перенесемся в настоящее время и, несмотря на все развитие модернистской абстракции, работа на открытом воздухе, прямо с натуры, по-прежнему пользуется большой популярностью среди многих художников и рисовальщиков. Это способ лучше понять эффекты атмосферы и света, которые даже самая продвинутая фотография не может передать во всех его нюансах.И это отличная возможность подышать свежим воздухом и заняться спортом.

Как выразился Дживан Ли, пленэрная живопись также может быть способом понять ваше место во вселенной: «это унизительное усилие, которое, как я считаю, в некоторой степени оставляет желать лучшего и помогает опровергнуть чрезмерно грандиозные представления о своем месте в бесконечном времени. и космос ».

13 художников, представленных здесь, различаются по своим средствам и подходам: некоторые делают наброски на месте, чтобы использовать их в качестве трамплина для больших усилий; другие работают исключительно под открытым небом.Но практически во всех по-прежнему используются традиционные методы: уголь, карандаш, пастель, масло и акварель. Единственные сравнительно новомодные инструменты — это акрил и фломастеры. Тем не менее, удивительное разнообразие, создаваемое на основе основ, будет очевидно ниже.

Джейн Шенфельд : Когда я рисую на пленэре, я предпочитаю пастель. Я чувствую напряжение и волнение по поводу сути того, что вижу и переживаю. Энергия под поверхностью для меня важнее, чем то, что я воспринимаю глазами.Интерпретация этой энергии — вот что меня мотивирует. Я избегаю соблазнения красивыми деталями. Живопись на улице увлекательна и требует абсолютного внимания, потому что визуальные элементы постоянно меняются. Яркая и прощающая непосредственность пастели идеально подходит для пленэрной живописи.

Scape (2018), пастель на тонированной бумаге, 9 на 12 дюймов

Remembrance (2018), пастель на тонированной бумаге, 9 на 12 дюймов

Мартин Вайнштейн : Мне всегда нравилось рисовать на открытом воздухе.Прилив адреналина при рисовании быстро меняющейся погоды вызывает привыкание. Стремление уловить этот аспект реальности настолько велико, что заглушает все голоса сомнения или лени, которые в противном случае могли бы помешать моей работе.

Эти картины выполнены на слоях прозрачного оргстекла, на которых запечатлены фрагменты ландшафта, нарисованные за периоды дней, месяцев или лет. Эти два разных процесса; Быстрый пленэрный отклик на непосредственное настоящее и медленное нарастание этих откликов с течением времени — это суть моей работы.Никогда еще хрупкость нашей природной среды не казалась такой душераздирающе красивой.

Меня воспитывали абстрактным художником, поэтому я упустил многие методы, которым традиционные художники-пленэры научились справляться с проблемами природы. Всего пару лет назад меня научили подвешивать ведро с водой на мольберте, чтобы ветер не опрокинул его. Тем не менее, я часто нахожу, что все летает вокруг, а я весь в краске.

Облака и река, октябрь, 2 года (2017-18), акрил на нескольких акриловых листах, 20,75 на 27 на 3 дюйма

июнь Йокель : Хотя в прошлом я работал на пленэре, большинство моих картин были студийными работами, сделанными по фотографиям, которые я сделал во время пеших прогулок, прогулок или просто прогулок. Я не знаю, почему я перестал работать прямо с натуры на месте, возможно, из-за небольших неприятностей, например, из-за ветра и опрокидывания вещей, или из-за того, что мне пришлось собрать свои материалы, а затем их куда-то тащить, начать живопись, а затем ветер снова все это стукнет.

Картина One Fine Day была сделана, глядя прямо из окна моей студии, так что у меня была роскошь моей студии без хлопот, хотя меня все еще сдерживали изменения света. Рисунок тушью был сделан на месте, в полевых условиях, но поскольку материалы были очень простыми, я мог больше контролировать результат. Я люблю природу, и я люблю рисовать на открытом воздухе, и одна из причин в том, что я знаю, что свет изменится, и что у меня ограниченное время, я вынужден полностью сосредоточиться на текущем моменте.”

Greenbrae Marsh (2017), бумага, тушь, 5,5 на 8,5 дюйма

One Fine Day (2015), холст, масло, 14 на 11 дюймов

Грета Янг : Я работаю на пленэре, чтобы получить истинное удовольствие от пребывания на улице и игры в великолепной атмосфере Новой Мексики. Обычно я хожу с другом и рисую картины, болтая и ем шоколад. Что может быть лучше? Болтать, рисовать и есть шоколад!

Sena (2018), акварель, 7 на 9 дюймов

Брайан Шилдс : Я был художником на пленэре почти три десятилетия, и хотя я все еще делаю наброски и иногда рисую на натуре, теперь я склонен собирать Образы — окрашенные энергией и эмоциями — во время долгих прогулок, а затем рендеринг того, что получилось в моей студии.Живопись на месте — это исследование способов представления природных элементов; Для меня задача пленэрной живописи — это всегда соединение визуальной, чувственной и эмоциональной среды — и все это происходит на относительно небольшой поверхности. Однако, когда я делаю снимок в помещении, я могу сжать память и работы в масштабе — и у меня есть достаточно времени, чтобы заняться более интеллектуальным исследованием.

Первая картина ниже — это набросок на бумаге, который я нарисовал в июне этого года недалеко от слияния рек Рио-Пуэбло-де-Таос и Рио-Гранде, недалеко от Таоса, штат Нью-Мексико.Второй я сделал в своей студии после долгой прогулки по тому же самому месту в декабре прошлого года (сейчас он выставлен в галерее Encore Центра искусств Таос).

Исследование без названия (2018), бумага, смешанная техника, 24 на 18 дюймов

Hondo (2017), холст, смешанная техника, 96 на 90 дюймов

Фрэнсис Б. Эшфорт : Во время резидентуры в Укросс в Вайоминге я каждое утро с несколькими друзьями поднимался пешком до этих чудесных линий хребта, откуда мы могли видеть на много миль.Вид на горы Биг-Хорн был захватывающим. Однажды утром мы наткнулись на поле, полное валунов, которое действительно выглядело так, как будто они только что там упали. Хребет наверху был скалистым из базальта, и это были огромные единичные известняковые валуны, не имевшие очевидного отношения к геологии хребта. Когда режиссер посетил мою студию, она сказала: «О, я вижу, вы нашли Хобгоблинов». Я возвращался в гости и несколько раз рисовал этих валунов / хобгоблинов. Я закончил пять больших рисунков в своей студии, используя свои полевые рисунки, а также ссылаясь на фотографии, которые я сделал для освещения и детализации.

В основном меня интересует рисование на улице ранним утром или в конце дня, когда меня больше всего интересуют световой контраст и тени. Поскольку мои рисунки черно-белые, мне очень нравится рисовать в суровых условиях, а зима — мое любимое время для рисования камня. Для меня камень действительно сияет в те месяцы, когда листва больше не отвлекает, а черный, серый и белый цвета зимы позволяют мне сосредоточиться более четко.

Я ношу свои принадлежности для рисования в рюкзаке, поэтому обычно я работаю с блокнотом размером 11 на 14 дюймов.Иногда я хожу на снегоступах туда, где есть хороший гранитный выход. Да, я потерял карандаши из-за порыва ветра и однажды взял все свое снаряжение в речную прогулку, но всю неделю шел дождь. У меня много журналов и альбомов с исправленными ошибками на страницах, но для меня это того стоит.

Исследование хобгоблина, резидентура UCross (2018), бумага, черный карандаш кохинор, 11 на 14 дюймов,

Hills Beyond Clear Creek (2018), бумага, черный карандаш, коинор, 11 на 14 дюймов

Дэвид Гроссманн : Мои картины мира вокруг меня отражают мое стремление обрести чувство покоя и убежища.Лес, смена цветов в небе, тихая бдительность оленей и птиц, течение времени и времен года… вот где я часто ищу убежище. Я надеюсь, что эти картины передадут ощущение убежища и будут напоминать о мире и красоте, которые всегда окружают нас, когда мы останавливаемся, чтобы смотреть и слушать.

Осенний лес свечение (2018), лён, масло, 12 на 7 дюймов

Phillip Garrett : Иногда я делаю небольшие этюды на пленэре, а затем использую эти этюды и фотографии для масштабирования и завершения более крупных работ.Два ниже изображают исток ручья в районе откоса Голубого хребта в Южной Каролине, место под названием Джонс-Гэп. На протяжении многих лет я путешествовал по местности, ловил форель нахлыстом и наслаждался красотой и спокойствием, которые я нашел там.

Исследование Jones Gap Study (2016), акрил на льняной ткани, нанесение на панель, 12 на 16 дюймов

Исследование вариации зазора Джонса (2015), масло и воск на панели, 20 на 20 дюймов [

Lily Prince : Я подхожу к месту, представляющему особый интерес, с рисованием на пленэре, начиная с черно-белой масляной пастелью, переходя к цвету, а затем к рисованию.Это основа для моих более крупных студийных работ. Неоднократно возвращаясь к определенному взгляду, я комбинирую иллюзионистское пространство с интерпретирующими метками, присущими абстрактному упорядочиванию хаоса природы. В эти времена экологического и социального опустошения я считаю политическим актом погрузиться в пейзаж, чтобы запечатлеть скрывающуюся там природную красоту — возможно, чтобы вызвать возбуждение чувств, пробуждение единства.

Считаю себя исследователем, изучающим атмосферу разнообразных пространств.Мои первоначально наблюдательные работы изображают пульсирующие ритмы и плодородие долины реки Гудзон в Нью-Йорке, Крита Сенези в Тоскане и района озера Комо на севере Италии. Рисунок на пленэре представляет мою внутреннюю связь с природой, с энергией, исходящей из определенной вызывающей воспоминания местностью, и мое постоянное желание вернуться к ней заново, как повторяющиеся волны прибытия.

Lago di Como 12 (2017), масляная пастель, 11 на 12,5 дюймов

Lago di Como 2 (2017-18), акварель и гуашь, 55 на 64 дюйма

Дживан Ли : Непосредственное восприятие цвета и света — большая причина для работы на пленэре, даже когда есть элементы, которые принципиально неконтролируемые и часто неожиданные.

И все же, хотя работа на открытом воздухе — это красиво, волнующе, интимно и в отличие от любого другого творческого процесса, который я испытал, иногда кажется, что это не стоит затраченных усилий. Этим летом, когда я был на съемочной площадке в Таосе, Нью-Мексико, порыв ветра от ближайшей грозы подхватил мой восьмифутовый тентовый навес — даже несмотря на то, что он был отягощен 40 фунтами камня — и обрушил им на мой грузовик. В мгновение ока навес снял мою картину размером 40 на 60 дюймов, согнув мой алюминиевый мольберт по дороге к земле.Картина и вся ее импасто упали лицом в грязь.

Казалось, что через пять секунд дневная работа была потеряна вместе с оборудованием и расходными материалами на 1000 долларов. Прежде чем я смог даже попытаться восстановить растопыренную картину, мне пришлось распутать беспорядок из утяжеленных сумок, изогнутых шестов и сломанных частей купола. Удивительно, но холст не был проколот, но на нем появилось несколько вмятин, а также слой земли, гальки и случайных кусочков веток и листьев.

Вскоре после этого разразился шторм.Сначала дождь, потом сильный град и еще более невероятный ветер, из тех, что опрокидывают грузовики. Я превратился в неистовое пятно, швыряя все в заднюю часть грузовика, когда грянул гром и крошечные глыбы льда падали с неба. Вернувшись в студию, я убрал беспорядок и в конце концов смог закончить произведение. И это одна из моих любимых картин о штормах — потому что это хорошая картина в той же мере, что и благодаря опыту, но трудно разделить их, потому что они, кажется, поддерживают друг друга.

Homeward 5 – Reprieve (2018), лён, масло, 40 на 60 дюймов

Окна на Cottonwood (2018), масло на панели, габаритные размеры, 100 на 90 дюймов

D udley Zopp : У меня все еще есть традиционное представление о художнике на пленэре, и я чувствую, что мне не подходит форма, так как я предпочитаю рисовать в студии, имея в виду наброски и заметки, сделанные снаружи. Однако мне нравится снимать как можно больше живого дышащего природного мира, так что, возможно, конечный результат будет таким же.Эти две акварели были написаны на виду у тропического сада за дверью моей студии, но в другое время года и с использованием фотографий с iPhone в качестве ссылок. Структура камней неизменна. Может быть, на днях я посвящу хотя бы сезон рисованию на улице. Прямо сейчас мне нравятся просторные столы для рисования, небольшая комната в моей студии и практика работы сразу над несколькими картинами.

Сад дождя (2017), бумага, акварель, 10,5 на 12 дюймов

Раши (2017), бумага, акварель, 10.5 на 12 дюймов

Валерий Ларко : Все мои пейзажи написаны на натуре. Я часами блуждаю по местности, пока не найду что-то, что мне нравится. Как только я это сделаю, я установлю свой мольберт и много раз возвращаюсь на сайт. На создание большой картины может уйти до трех месяцев. Я работаю над одной картиной утром, а другой днем ​​из-за меняющегося света. Процесс рисования на месте в течение длительного периода времени имеет решающее значение для моего метода работы, потому что он позволяет мне сформировать более глубокую связь с конкретным местом посредством внимательного наблюдения и личного взаимодействия с людьми, которых я там встречаю.

Хотя мои картины очень детализированы, я меньше озабочен воспроизведением точной документации сцены и больше заинтересован в том, чтобы передать дух места.

Последние 14 лет я рисовал во внешних районах Нью-Йорка, в первую очередь в Бронксе, но также в Бруклине и Квинсе. На протяжении всей моей карьеры меня интересовали промышленные объекты, городские набережные, а в последнее время — здания с граффити, которые быстро исчезают на окраинах города.

Batting Cage Nets , Bronx Golf Center (2017), льняное масло, 26 на 50 дюймов [

Позднее лето, Гольф-центр Бронкса (2016), лен, масло, 22 на 34 дюйма

Вверху: картина Валери Ларко в гольф-центре Бронкса, штат Нью-Йорк, 2017 г. (фото Эми Регалия)

Мощный пленэр начинается с навыков рисования | Роберт Льюис

Используйте «плотницкий» карандаш, чтобы не зацикливаться на деталях.Используйте плоский альбом в спиральном переплете. Быстро рисуйте, запечатлевая абстрактные формы, и не оглядывайтесь назад.

Пейзаж имеет смысл для нас, случайных зрителей. Мозг знает, что делать с информацией, и все в порядке. Мы видим пейзаж перед собой, видим красоту и счастливы, даже вдохновлены. Но попробуйте записать это на холсте, и вскоре вы обнаружите, что все не так просто. То, что мгновение назад было чудесным и простым, превратилось в беспорядок света, текстуры и линий.

Это тревожный опыт. Есть простое решение. Начните свою карьеру на пленэре с занесения в альбом. Научитесь рисовать. Начни практиковаться, практиковаться, практиковаться. Что ты тренируешь? Какая цель? Чтобы научиться рисовать, нужно , а не . Мы не говорим здесь о рисовании. Речь идет о зарисовке. Цель наброска — как можно быстрее схватить суть того, что перед нами.

Это первый шаг к пониманию того, на что вы смотрите.Наброски пейзажа тренируют ваш разум и глаз, чтобы понять структуру сцены перед вами. Практикуйте этот простой навык, чтобы понимать пейзаж, а не только ценить его. Возможность «схватить» то, что было раньше, позволяет «уловить» ту красоту, которую вы видите.

Практикуйтесь в осмыслении ландшафта, делая зарисовки каждый день хотя бы в течение нескольких минут. Самый простой способ — всегда носить с собой альбом для рисования. Например, храните альбом для рисования в машине, готовый к использованию в любое время.Используйте недорогой альбом для рисования в спиральном переплете, чтобы не слишком привязываться к его ценности. Используйте столярный карандаш, чтобы не зацикливаться на деталях пейзажа. Когда вы закончите набрасывать сцену, закройте альбом для рисования и больше не смотрите на набросок.

Это набросок, а не рисование.