Интересные натюрморты живопись. Самые необычные натюрморты

Даже люди неискушенные в живописи имеют представление о том, как выглядят натюрморты. Это картины, на которых изображены композиции из каких-либо предметов быта или цветов. Однако далеко не все знают, как переводится это слово — натюрморт. Сейчас мы поведаем вам об этом и о многом другом, что связано с данным жанром.

Происхождение слова «натюрморт»

Так вот, выражение nature morte пришло в русский язык, конечно же, из французского. Как вы сами видите, оно разделено на две части — «nature» и «morte», которые переводятся соответственно как «природа, натура, жизнь» и «мертвый, тихий, неподвижный». Теперь складываем две части воедино и получаем всем знакомое слово «натюрморт».

Опираясь на все вышесказанное, можно сделать заключение, что натюрморты — это жанр станковой живописи, изображение художником на холсте застывшей, неподвижной натуры. Правда, иногда мастера натюрморта дополняют свои вполне живых существ — бабочек, гусениц, паучков и жучков и даже птиц. Но исключение только подтверждает основное правило.

Формирование жанра

История натюрморта насчитывает вот уже почти 600 лет. До XVI в. никому и в голову не могло прийти, что можно рисовать красками какие-то неодушевленные предметы, пусть даже очень красивые. Натюрморты-картины просто не существовали в те времена. В средние века живопись была всецело посвящена Богу, церкви и человеку. Художники писали картины на религиозные сюжеты, также были в почете портреты. Даже пейзаж выступал лишь в качестве дополнения.

Но все-таки некоторые элементы натюрморта встречались уже в 15 веке у голландских живописцев. На их картинах с традиционным религиозным или мифологическим содержанием, а также на портретах встречаются изображения тщательно выписанных цветочных гирлянд, книг, посуды и даже человеческих черепов. Пройдет пара веков, и весь мир будет восторгаться творениями так называемых Малых голландцев — мастеров натюрмортной живописи.

Однако своему выделению в самостоятельный жанр изобразительного искусства натюрморт обязан отнюдь не голландцам, а французам. Такие как Франсуа Депорт, Моннуайе и Жан-Батист Удри сформулировали основные принципы «предметной» живописи, сформировали ее основную концепцию и явили широкой публике всю красоту и очарование натюрморта.

Эпоха Малых голландцев — расцвет натюрмортной живописи

Итак, попробуем отмотать несколько веков назад для того, чтобы понять кто такие Малые голландцы и почему, когда речь заходит о классическом натюрморте, вспоминают всегда именно их. Первые голландские натюрморты — это творения живописцев, живших в Нидерландах в 17 веке. Малые голландцы — так принято называть школу живописи и сообщество художников, создававших картины бытовой направленности небольших размеров. Конечно, они писали не только натюрморты.

Среди них было много пейзажистов и мастеров жанровой живописи. Их полотна были предназначены вовсе не для дворцов и церквей, а для украшения жилища самых обычных горожан. В то время в маленькой Голландии жило около 3-х тысяч художников, и все они отличались огромной работоспособностью и умением хорошо переносить на холст красоту обыденного мира. Впоследстии искусствоведы назовут это время Голландским Ренесансом. Именно тогда жанр натюрморта получил широкое распространение.

Лучшие голландские натюрморты

На прекрасных как на витрине, разложены перед зрителями различная кухонная утварь, фрукты, роскошные цветы, предметы быта. Очень были популярны цветочные натюрморты. Это отчасти было вызвано тем, что в Нидерландах испокон веков существовал культ цветов и садоводства. Одними из самых ярких представителей голландской натюрмортной живописи 17 в. являлись художники Ян Давидс де Хем, а также его сын Корнелис де Хем.

Их живописные творения получили популярность и известность во многом благодаря тому, что они мастерски умели изображать цветы и фрукты. Тщательная проработка деталей вкупе с утонченной цветовой гаммой и идеально построенной композицией делали их картины бесподобными. Эти художники рисовали роскошные цветочные букеты, стоящие в прекрасных вазах, рядом с которыми порхают бабочки; гирлянды фруктов; прозрачные бокалы, наполненные вином; блюда с виноградом и другими фруктами; музыкальные инструменты и т. д. Известные натюрморты отца и сына поражают своей реалистичностью, тонкой передачей игры света и изысканным колоритом.

Натюрморт в живописи импрессионистов

Большое внимание уделяли жанру натюрморта и французские импрессионисты, а также постримпрессионисты. Естественно, их манера письма резко отличалась от реалистической изысканности Малых голландцев, ведь классическая живопись импрессионистов не привлекала. Клод Моне, Эдуард Мане, Эдгар Дега, Ван Гог — все эти художники любили писать цветы и растения, ведь и те и другие являются частью природы, красоту которой они воспевали всю свою жизнь.

Огюст Ренуар написал за свою жизнь целую галерею прекрасных воздушных натюрмортов. Иногда изображение «застывшей натуры» требуется импрессионистам лишь в качестве дополнения. Например, в картине «Завтрак на траве» Эдуарда Мане на первом плане можно увидеть великолепный натюрморт из разбросанной одежды, рассыпанных по траве фруктов и снеди. Ван Гог писал много необычных натюрмортов. Многие знают его картины «Подсолнухи» или «Ирисы», но у него еще есть такие полотна, как или «Стул Ван Гога» — все это также образцы натюрмортной живописи.

Русский натюрморт

Удивительно, что в России натюрморт в виде отдельного жанра не был востребован долгое время, так как считался чуть ли не низшим из всех видов изобразительного искусства, который не требует ни фундаментальных знаний, ни специальных навыков в живописи. Только во второй половине XIX в. русские передвижники смогли вызвать у российской публики интерес к этому жанру искусства.

Впоследствии натюрмортной живописью увлекались многие русские живописцы. Натюрморты известных художников, таких как Игорь Грабарь, Кузьма Петров-Водкин, Иван Хруцкой, можно увидеть в залах Третьяковской галереи, Русского музея, Музея изобразительных искусств им. Пушкина в Москве, а также в Эрмитаже. Но настоящий расцвет натюрмортной живописи произошел в нашей стране в эпоху социализма.

Фото натюрморт

С приходом фотографии в мире искусства появился еще такой жанр, как фото натюрморты. Сегодня очень многие люди увлекаются созданием фотографических шедевров. Некоторые снимки просто поражают своим совершенством и мастерством фотографа. Иногда при помощи фотокамеры талантливым фотохудожникам удается заснять натюрморты, которые ничем не уступают самым знаменитым творениям Малых голландцев.

Для того чтобы начать рисовать натюрморт, нужно сначала его составить из каких-нибудь предметов. Для первых опытов в натюрмортной живописи лучше не делать сложных композиций, пары-тройки предметов будет вполне достаточно.

Далее рисуем натюрморт поэтапно. Сначала нужно сделать рисунок карандашом или углем. Потом следует легкий подмалевок, раскрывающий основные цвета и тени композиции, а уж затем можно приступать непосредственно к прорисовке деталей.

Большинство считает натюрморты картинами красивыми, но скучными. Даже само название жанра — от французского nature morte — «мертвая природа», словно доказывает: интересного здесь мало. Однако и среди натюрмортов есть картины необычные и захватывающие. Правда, далеко не всегда их необычность видна с первого взгляда: иногда нужно присмотреться, а порой узнать и историю создания картины . О самых интересных натюрмортах с едой — в нашей статье.

Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна», 1590 год

Несмотря на название картины, историки искусства определяют ее жанр не иначе как «портретный натюрморт». И тут сложно с ними не согласиться: все-таки обычным портретом назвать это никак не получится. Картина принадлежит кисти итальянского художника XVI века Джузеппе Арчимбольдо, который в ХХ веке был провозглашен предтечей сюрреализма. На своих картинах Арчимбольдо изображал человеческие лица в виде композиций из овощей и фруктов, ракообразных и рыб, нередко даже с портретным сходством.

Известно, что император Рудольф II был восхищен своим «съедобным» портретом и очень щедро наградил художника. Среди портретных натюрмортов у Арчимбольдо есть и совсем необыкновенные — «перевертыши»: достаточно повернуть картину на 180 градусов, чтобы увидеть совершенно новое изображение. Так, портрет «Садовник» при повороте становится натюрмортом «Овощи в миске», а портрет «Повар» превращается в натюрморт с поросятами на блюде.

Именно в творчестве голландских и фламандских художников XVII века натюрморт окончательно утвердился в качестве самостоятельного жанра живописи. Натюрморты Франса Снейдерса выполнены в стиле барокко — они динамичны, изобильны, красочны. Свешивающийся со стола иссиня-черный павлин , роскошный красный омар на голубом блюде, пестрая мелкая дичь на столе, желтые и зеленые и дыни… Несмотря на «мертвую природу», картина полна жизни и словно пронизана движением. А ссорящиеся под столом собака и кошка лишь гармонично довершают и без того живую кухонную сцену.

Французский художник Поль Серюзье высказывался о фруктах Сезанна так: «О яблоке обыкновенного художника скажут: «Его хочется съесть». О яблоке Сезанна: «Как это прекрасно». Его яблоко не решишься очистить, его захочешь скопировать». И действительно у Сезанна были с яблоками «особые отношения»: он считал их совершенными творениями как по форме, так и по цвету. Известно, что Сезанн даже говорил: «Я покорю Париж своими яблоками». На простейших примерах он стремился показать истинную красоту природы. Один из молодых художников посетил Сезанна, когда тот работал над одним из натюрмортов, и был поражен: «Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за появлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 год

С первого взгляда картина «Утренний натюрморт» проста и незамысловата, однако если присмотреться, можно заметить интересные детали, например, отражающегося в чайнике рыжего кота — возможно, он лежит на коленях хозяина.

Кроме кота человека на картине «выдает» и собака — она в терпеливом ожидании смотрит прямо на него. Так в натюрморте зримо ощущается присутствие человека, хотя художник и не рисовал его. Предметов на картине изображено немного, но большая часть из них наделена блеском: до блеска начищен никелированный чайник, блестит на солнце стеклянная банка с букетом полевых цветов, блестит и скорлупа яиц. Световые блики есть на столешнице, блюдце, стакане с чаем, преломившейся серебряной ложечке. Картина «Утренний натюрморт» полна яркого света, она передает ощущение утренней свежести и покоя.

Среди натюрмортов испанского художника-сюрреалиста есть немало вполне «обычных» — «Натюрморт» 1918 года, натюрморты «Рыба» 1922 года и «Корзинка с хлебом» 1925 года, «Натюрморт с двумя » 1926 года и др. Однако самым известным из натюрмортов Дали является «Живой натюрморт» («Движущийся натюрморт»), написанный в период его увлечения физикой (преимущественно ядерной и квантовой). Сам Дали называл этот период — с 1949-го по 1962 годы — «ядерным мистицизмом».

В это время Дали покончил со «статичностью» на картинах и стал представлять материю в виде частиц. Даже в натюрморте предметы потеряли свою абсолютную неподвижность и обрели безумное движение, не соответствующее нашим представлениям о реальности.

Давид Штеренберг «Селедки», 1917 год

Давида Штеренберга часто называют «художником натюрморта». Его картинам присуща экспрессивность образов, плоскостное построение пространства, четкость и обобщенность рисунка. Чаще всего внимание художника привлекают простые вещи, например, скудные продукты пайкового времени — черный хлеб и селедки. Внимание художник уделяет деталям и фактуре — в «Селедках» четко прописаны деревянная столешница, кусок хлеба, блестящая чешуя рыб. Картина символична и выразительна, она лучше всяких слов рассказывает о драматичных послереволюционных годах. Не менее интересны и другие минималистичные натюрморты Штеренберга-– «Натюрморт с конфетами», «Простокваша », «Пирожное» (см. ниже в галерее).

Большинство считает натюрморты картинами красивыми, но скучными. Даже само название жанра — от французского nature morte — «мертвая природа», словно доказывает: интересного здесь мало. Однако и среди натюрмортов есть картины необычные и захватывающие. Правда, далеко не всегда их необычность видна с первого взгляда: иногда нужно присмотреться, а порой узнать и историю создания картины . О самых интересных натюрмортах с едой — в нашей статье.

Джузеппе Арчимбольдо «Портрет императора Рудольфа II в образе Вертумна», 1590 год

Несмотря на название картины, историки искусства определяют ее жанр не иначе как «портретный натюрморт». И тут сложно с ними не согласиться: все-таки обычным портретом назвать это никак не получится. Картина принадлежит кисти итальянского художника XVI века Джузеппе Арчимбольдо, который в ХХ веке был провозглашен предтечей сюрреализма. На своих картинах Арчимбольдо изображал человеческие лица в виде композиций из овощей и фруктов, ракообразных и рыб, нередко даже с портретным сходством. Известно, что император Рудольф II был восхищен своим «съедобным» портретом и очень щедро наградил художника.

Среди портретных натюрмортов у Арчимбольдо есть и совсем необыкновенные — «перевертыши»: достаточно повернуть картину на 180 градусов, чтобы увидеть совершенно новое изображение. Так, портрет «Садовник» при повороте становится натюрмортом «Овощи в миске», а портрет «Повар» превращается в натюрморт с поросятами на блюде.

Франс Снейдерс «Натюрморт с битой дичью и омаром», первая половина XVII века

Именно в творчестве голландских и фламандских художников XVII века натюрморт окончательно утвердился в качестве самостоятельного жанра живописи. Натюрморты Франса Снейдерса выполнены в стиле барокко — они динамичны, изобильны, красочны. Свешивающийся со стола иссиня-черный павлин , роскошный красный омар на голубом блюде, пестрая мелкая дичь на столе, желтые и зеленые артишоки и дыни… Несмотря на «мертвую природу», картина полна жизни и словно пронизана движением. А ссорящиеся под столом собака и кошка лишь гармонично довершают и без того живую кухонную сцену.

Поль Сезанн «Натюрморт с яблоками и апельсинами», около 1900 года

Французский художник Поль Серюзье высказывался о фруктах Сезанна так: «О яблоке обыкновенного художника скажут: «Его хочется съесть». О яблоке Сезанна: «Как это прекрасно». Его яблоко не решишься очистить, его захочешь скопировать». И действительно у Сезанна были с яблоками «особые отношения»: он считал их совершенными творениями как по форме, так и по цвету. Известно, что Сезанн даже говорил: «Я покорю Париж своими яблоками». На простейших примерах он стремился показать истинную красоту природы. Один из молодых художников посетил Сезанна, когда тот работал над одним из натюрмортов, и был поражен: «Сезанн начал раскладывать фрукты, подбирая их так, чтобы они контрастировали друг с другом, и следя за появлением дополнительных цветов: зеленого на красном и желтого на синем. Он до бесконечности передвигал и поворачивал фрукты, подкладывая под них монетки в один и два су. Все это Сезанн проделывал неторопливо и аккуратно, и было видно, что это занятие доставляет ему истинное наслаждение».

Кузьма Петров-Водкин «Утренний натюрморт», 1918 год

С первого взгляда картина «Утренний натюрморт» проста и незамысловата, однако если присмотреться, можно заметить интересные детали, например, отражающегося в чайнике рыжего кота — возможно, он лежит на коленях хозяина. Кроме кота человека на картине «выдает» и собака — она в терпеливом ожидании смотрит прямо на него. Так в натюрморте зримо ощущается присутствие человека, хотя художник и не рисовал его. Предметов на картине изображено немного, но большая часть из них наделена блеском: до блеска начищен никелированный чайник, блестит на солнце стеклянная банка с букетом полевых цветов, блестит и скорлупа яиц. Световые блики есть на столешнице, блюдце, стакане с чаем, преломившейся серебряной ложечке. Картина «Утренний натюрморт» полна яркого света, она передает ощущение утренней свежести и покоя.

Сальвадор Дали «Живой натюрморт», 1956 год

Среди натюрмортов испанского художника-сюрреалиста есть немало вполне «обычных» — «Натюрморт» 1918 года, натюрморты «Рыба» 1922 года и «Корзинка с хлебом» 1925 года, «Натюрморт с двумя лимонами» 1926 года и др. Однако самым известным из натюрмортов Дали является «Живой натюрморт» («Движущийся натюрморт»), написанный в период его увлечения физикой (преимущественно ядерной и квантовой). Сам Дали называл этот период — с 1949-го по 1962 годы — «ядерным мистицизмом». В это время Дали покончил со «статичностью» на картинах и стал представлять материю в виде частиц. Даже в натюрморте предметы потеряли свою абсолютную неподвижность и обрели безумное движение, не соответствующее нашим представлениям о реальности.

Слово «натюрморт» происходит от французского словосочетания «nature morte» и означает умерщвленная или мертвая природа. Но мне кажется, что суть этого вида искусства лучше передает английское выражение «still life» — «неподвижная, застывшая жизнь». Ведь по своей сути натюрморт — ни что иное, как запечатленный кусочек жизни.

Собирая материал для этой статьи, я столкнулась с определенными трудностями. На первый взгляд снять натюрморт проще простого. Поставил на стол чашку, добавил к ней каких-нибудь деталей, установил свет и щелкай себе затвором. Фотомодели всегда под рукой, неограниченное время для съемки. Удобно и затраты минимальные. Потому так и любят этот жанр начинающие фотографы. И некоторые добиваются очень даже интересных результатов. Зайдите на любой фотографический сайт, выберите соответствующий раздел и любуйтесь действительно шикарными картинками. Но проходит время, и у многих возникают вопросы: «А зачем это снимать? Кому это нужно? Что я с этого буду иметь?» Не найдя ответов на эти вопросы, многие переключаются на свадебную, детскую или анималистическую фотографии, которые дают определенный доход. Натюрморт не пользуется особым уважением и у мастеров фотографии. Не доходное это дело. Если что-то и может принести, так это только эстетическое удовлетворение. И снимают натюрморты время от времени, так сказать, для оттачивания своего мастерства.

Но остаются единицы, которые видят в натюрморте, нечто большее, чем просто красивую картинку. Вот этим мастерам натюрморта я и посвящаю свою статью.

Признаюсь, вначале я хотела сделать подборку работ фотографов, которые мне нравятся, и которые по праву занимают первые места в рейтингах на различных фотосайтах. А потом возник вопрос: «зачем?» Все умеют пользоваться интернетом, большинство ни один раз проштудировали фотосайты, с лучшими работами знакомы, а информацию про заинтересовавшего их фотографа всегда можно найти при помощи поисковика. Я решила рассказать об Особых фотографах, — тех, чье творчество переворачивает признанные каноны с ног на голову, кто действительно внес в фотографирование натюрморта нечто новое, кто сумел увидеть в обыденных вещах что-то необыкновенное. По-разному можно относиться к их творчеству: восхищаться или, наоборот, не принимать. Но, однозначно, их работы не могут оставить равнодушным никого.

1. Кара Барер (Cara Barer)

Кара Барер (1956), фотограф из США, выбрала для съемок один предмет — книгу. Преобразовывая ее, она создает удивительные книжные скульптуры, которые и фотографирует. Рассматривать ее фотографии можно бесконечно. Ведь каждая такая книжная скульптура несет определенный смысл, причем неоднозначный.

2. Гвидо Мокафико (Guido Mocafico)

Швейцарский фотограф Гвидо Мокафико (1962) в своем творчестве не ограничивается одним предметом. Ему интересны разные объекты.

Но даже взяв какой-то единичный предмет, он получает удивительные работы. Знаменита его серия «Movement» («Движение»). Вроде бы просто взяты механизмы часов, а ведь у каждого, если вглядеться, свой характер.

В натюрмортах, как известно, снимается «неживая природа». В своей серии «Змеи» Гвидо Мокафико нарушил это правило и за объект натюрморта взял живое существо. Змеи, свернутые калачиком, создают удивительную, яркую и неповторимую картинку.

Но фотограф создает и традиционные натюрморты, снимая их в голландском стиле, и используя в качестве реквизита по-настоящему «неживые предметы».

3. Карл Клейнер (Carl Kleiner)

Шведский фотограф Карл Клейнер (1983) для своих натюрмортов использует самые обычные предметы, составляя их в причудливые картинки. Фотографии Карла Клейнера красочны, графичны и экспериментальны. Фантазия его безгранична, он использует совершенно разные материалы, от бумаги до яиц. Все, как говорится, идет в дело.

4. Чарльз Грогг (Charles Grogg)

Натюрморты американца Чарльза Грогга выполнены в черно-белом варианте. Фотограф для съемок тоже использует обычные бытовые предметы, имеющиеся в каждом доме. Но экспериментируя с их расположением и сочетая в необычных комбинациях, фотограф создает поистине фантастические картины.

5. Чема Мадоз (Chema Madoz)

Уверена, что работы Чема Мадоза (1958), фотографа из Испании знакомы многим. Его черно-белые натюрморты, выполненные в сюрреалистическом стиле, никого не оставляют равнодушными. Уникальный взгляд фотографа на обычные вещи восхищает. Работы Мадозы полны не только юмора, но и глубокого философского смысла.
Сам фотограф говорит, что его фотографии выполнены без всякой цифровой обработки.

6. Мартин Климас (Martin Klimas)

В работах Мартина Климаса (1971), фотографа из Германии, тоже никакого фотошопа. Только короткая, вернее, суперкороткая, выдержка. Его специально разработанная методика позволяет запечатлеть уникальный момент, который человеческий взгляд даже не может увидеть. Снимает Мартин Климас свои натюрморты в полной темноте. При помощи специального приспособления в момент разбивания предмета на доли секунды включается вспышка. И камера фиксирует Чудо. Вот вам и просто вазы с цветочками!

7. Джон Червински (John Chervinsky)

Американец Джон Червински (1961) — ученый, работающий в области прикладной физики. И его натюрморты представляют собой некую смесь науки и искусства. Тут и не поймешь: то ли натюрморт, то ли учебное пособие по физике. При создании своих натюрмортов Джон Червински использует законы физики, получая невероятно интересный результат.

8. Даниэль Гордон (Daniel Gordon)

Даниэль Гордон (1980), фотограф из Америки, научными проблемами не обеспокоен. При фотографировании натюрмортов он выбрал другой путь. Распечатывает на принтере цветные картинки, скачанные из интернета, мнет эти бумажки, а потом заворачивает в них разные предметы. Получается что-то наподобие бумажных скульптур. Ярко, красиво, оригинально.

9. Эндрю Майерс (Andrew B. Myers)

Натюрморты Эндрю Майерса (1987), фотографа из Канады, не спутаешь ни с какими другими — они всегда узнаваемы. Простой нежный, спокойный фон, много пустого пространства, что создает ощущение наполненности изображения светом и воздухом. Чаще всего для создания натюрмортов использует предметы 70-80-х годов. Его работы графичны, стильны и вызывают определенную ностальгию.

10. Регина ДеЛуис (Regina DeLuise)

Для создания своих работ Регина ДеЛуис (1959), фотограф из США, не использует зеркальную фототехнику. Она выбрала другой способ — отпечатывает негативы с фотопленки на специальной тряпичной бумаге. Ее поэтические образы содержат большой диапазон тонов и множество текстур. Натюрморты очень нежны и поэтичны. Изумительная игра света и теней.

11. Бохчанг Ку (Bohnchang Koo)

Бохчанг Ку (1953), фотограф из Южной Кореи, предпочитает белый цвет. Созданные им натюрморты — белое на белом — просто поразительны. Они не только красивы, но и несут определенный смысл — сохранение древней корейской культуры. Ведь фотограф специально путешествует по миру, выискивая в музеях предметы культурного наследия своей страны.

12. Чен Вей (Chen Wei)

Чен Вей (1980), фотограф из Китая, наоборот, находит вдохновение для своих работ вблизи от дома. Показывая странные пространства, сцены и объекты, он использует реквизит, выброшенный другими на свалки.

13. Алехандра Лавиада (Alejandra Laviada)

Алехандра Лавиада , фотограф из Мексики, для своих съемок использует разрушенные и заброшенные здания, создавая натюрморты из найденных там предметов. Ее натюрморты рассказывают настоящие истории о людях, что жили в этих зданиях и пользовались оставленными за ненадобностью вещами.

Арт — выставка «Осенний натюрморт»

Я соберу букет осенних листьев,

В хрустальной вазе выставлю на стол,

Достану акварель, бумагу, кисти

И напишу осенний натюрморт.

Прозрачными мазками нежно глажу

Веселый листик – солнышка привет,

Рябиновую веточку раскрашу

В оранжевый, заката яркий цвет.

На вазе блики весело играют,

В окно стучится розовый рассвет,

А мне об осени напоминает

Красивый, нежный, солнечный букет!

Осенью листья приобретают необыкновенные красивые цветовые оттенки. Они полны ярких красок. Именно в это время года, столько интересных цветов и полутонов! Поэтому совсем не удивительно, что осень во все времена служила источником вдохновением для многих художников.

Друзья! Сегодня мы приглашаем вас на Арт — выставку «Осенний натюрморт», подготовленную воспитанниками Народного самодеятельного коллектива художественной студии «Сюжет», руководитель Светлана Тимофеева, Центр культуры и досуга «Дружба». Натюрморт (от фр. nature morte — «мёртвая природа») — изображение неодушевлённых предметов в изобразительном искусстве. Предлагаем пройтись по нашей виртуальной выставке и познакомиться с ее участниками и их работами.

Чтобы нарисовать цветочный осенний букет с его удивительным цветовым разнообразием, можно использовать осенние цветы: астры, георгины, хризантемы, циннии, герберы и флоксы, как это сделали в своих картинах Екатерина Ванюхина, Дарья Володина, Ирина Леликова, Вера Чебан, она использовала в своей работе восковые мелки. А чтобы ваш осенний натюрморт получился более интересным, можно добавить в него веточки рябины или калины, как сделали Ульяна Мошненко и Богдан Удовиченко, использовавшие в своих работах акварель. Как правило, осенний натюрморт показывает нам дары этого сезона, его особенности, которые заключаются не только в красках. Это могут быть картины урожая — яблоки, тыквы, виноград, в сочетании с предметами быта — вазами, горшками, сундуками.  Дары осени стали объектами рисунка для Виктории Синельниковой, Яны Плаксиной и Полины  Мамаевой, работы которых выполнены гуашью. Андрей Тульский, Варя Воропаева, Сабина Нихаева,  Валерия Краснова выбрали для своих работ осенние листья в сочетании с ягодами, и выполнили картины в смешанной технике. Необычный натюрморт с огненной лисой изобразила Валерия Махова.

Осень –  замечательная пора, самое богатое на яркие краски природы время года. Если вы хотите полюбоваться её красотами, то посетите нашу Арт — выставку. Желаем вам приятного просмотра! https://youtu.be/BWMnEHJbaTA

Топ-10 необычных натюрмортов. | Искусство и Крым

Этот жанр, мне кажется, одинаково любим как художниками, так и заказчиками/зрителями. Именно в силу того, что он менее всего вызывает споров и прений. Редко кто посмеет сказать художнику: «Перепишите, а то цветок у вас не слишком убедительно получился!» Не соглашусь и с теми, кто считает натюрморт скучным и неинтересным. Вы просто его не видели!

Рейтинг условен, критерии размыты и основаны сугубо на пристрастиях автора. Поехали!

10 место.

Питер Артсен «Натюрморт со сценой посещения Христа Марии и Марфы». (1552 г.)

Что в нем необычного? Сюжет! Религиозные и библейские темы долгое время господствовали и превалировали (особенно во времена автора картины). Они были главным действующим лицом. А тут акцент не на духовном, а на мирском, можно даже сказать, на греховном (чревоугодие никто не вычеркивал из списка!). Как вкусно и материально написана снедь! Кстати, похожий прием впоследствии стали использовать и другие художники, среди которых можно упомянуть Диего Веласкеса «Христос в доме Марфы и Марии» и Поля Гогена «Натюрморт из устриц с голубями и интерьер в комнате в Копенгагене».

9 место.

Кто автор этого натюрморта вы вряд ли догадались. Может за редкое обращение художника к этому жанру он и попал сюда. Это Франсиско Гойя «Три куска лосося» (или «Натюрморт с тремя стейками лосося», 1808-1812 гг.)

Посвящается всем зожникам! Настолько материально и в тоже время трепетно-волнительно трактуется еда. В духе того романтизма, представителем которого мы Гойю считаем.

8 место.

Куда без Пабло Пикассо? Работа называется «Натюрморт с черепом и тремя морскими ежами» (1947 г.)

Из всего обилия натюрмортов с черепами этот самый не однозначный. Хочется сказать, что тема смерти или философского рассуждения о бренности бытия не раскрыта вовсе! Ничего устрашающего или поучающего. И вообще, удивленный череп и куда-то бегущие ежи очень даже не плохо образуют собой туловище какого-то ммм (барана, собаки?) существа, укрытого очень себе мексиканской попоной. Или это чья-то перуанская бабушка? Вопросов много.

7 место.

Жан Батист Симеон Шарден «Медный бак» (1734 г.)

Очень люблю этот натюрморт по многим причинам. Во-первых, поэзия простых вещей. Собрал художник натюрморт из того, что было под рукой и — шедевр! Это я сейчас без сарказма. Современники автора из благополучных слоев общества оценили работу не смотря на неблагородство предметов (что большая редкость в истории искусств). Во-вторых (и это главное) — как написано! Обратите внимание на дату. Это не 20 век и даже не вторая половина 19! А насколько современным он смотрится, как живописен! Нюансировка, филигранное владение цветом и линией! Восторг, одним словом!

6 место.

Наталья Гончарова (правнучка жены А.С.Пушкина) «Натюрморт с барабулькой и магнолиями» (1928 г.) Посвящается всем, кто собрался на курорт.

Включен в топ из-за странного набора продуктов. Ладно цветы и фрукты — это довольно каноническое сочетание. Но рыба в обнимку с виноградом? Причем, довольно-таки грустная. Печальная рыба-солнце… Вообще, сегодня творчество Гончаровой очень любят разные коллекционеры. Ее работы на аукционах стоят много миллионов денег. И это не удивительно, женщина в живописи заткнула за пояс многих мужчин!

5 место.

Юрий Пименов «Ожидание» (1957 г.). Очень атмосферная работа.

Великолепный художник, создававший очень теплые и импрессионистичные работы в тот непростой период (только «Новая Москва» чего стоит!). Эта работа относится к циклу «Вещи людей». Как повествователен сюжет при, казалось бы, скупом решении! Серость озаряется вспышкой. Так же, как и ожиданию придет конец. Каждый здесь будет не только видеть, но и чувствовать что-то свое.

4 место.

Владимир Татлин «Контр-рельеф» (1916 г.). Не могу не включить этот натюрморт в топ. Техника, которой художник увлекся в 1913 году стала визитной карточкой русского авангарда.

Живопись всегда стремилась к объемности, к трехмерности. И, вот- свершилось! Используя различные материалы — кожу, дерево, металл художник умело моделирует объем и живописность этой картины. Да-да, все отблески и шероховатости очень хорошо участвуют в свето-теневой моделировке. И не случаен выбор предметов — очень уж гармоничны по цвету, уравновешены по композиции. И самое важное — для каждого зрителя, заложенный в картине смысл, будет своим, отличным от другого, даже авторского.

3 место.

Кузьма Петров-Водкин «Селедка» (1918 г.)

Меня всегда восхищал этот натюрморт. В нем — все! Суровое время через живописную поэзию! 1918 год — страшный, революционный… Как можно было так просто и убедительно передать это? Именно через трактовку цветом — как драгоценность, как реликвию пишет Петров-Водкин селедку. Иконописные тона в розовой скатерти и синей подложке еще больше подчеркивают материальность картофелин, хлеба и рыбы. Что может быть страшнее голода? Кстати, в 2019 году работа художника под названием «Натюрморт с сиренью» (1928 г.) установила на торгах Christie’s «русский» рекорд, работа ушла за £9,3 млн.

2 место.

Борис Кустодиев «Яблоко и сторублевка» (1916 г.) Не ожидали? Да, для мастера жанр натюрморта не является ведущим. Но написан также ярко и сочно, как и лучшие работы художника.

Это не просто яблоко и заначка. Зная подход и отношение Кустодиева к купечеству — это, своего рода, эксперимент. И очень удачный. Некоторые искусствоведы считают это портретом волжского купца. Почему? Яблоко — символ урожая и достатка, яркое напоминание о волжских городах, известных своими садами и яблочным торгом на всю Россию. А сторублевка, которую банкиры и купцы ласково называли «катенька» — символ зажиточности и удачной сделки, финансового успеха. Гимн сытой и полнокровной жизни, которой скоро не станет.

1 место.

Джузеппе Арчимбольдо — «Ортолано» (Садовник) (ок. 1590 г.).

Картина-перевертыш из 16 века. Да, да! Все новомодные картинки есть ни что иное, как плагиат! Что подкупает — повышенный натурализм в передаче овощей и теплый колорит. Вот за что любим мастеров прошлого, так это за то, что сразу понятно, что перед тобой — лук, редис, репа, грибы и орехи. Да так, что с удовольствием себе салатик порежешь! Молва гласит, что первоначально картина висела как натюрморт и лишь позже была перевернута ради смеха. «И вот, легким движение руки, натюрморт превращается в толстощекую физиономию». Вот такая философско-каламбурная метаморфоза!

Ну, и как бонус. Художник, который не вошел в топ, но обязан там быть!

Мой самый любимый натюрморт Одилона Редона «Букет хрюшек и жужелицы» (1906 г.).

Кому хоть как-то знакомо творчество художника, тот знает, что большей частью оно довольно мрачное и тяжелое для восприятия. Главными персонажами там чаще выступают циклопы, пауки, глаза и прочая мистика. А здесь — свет и цвет, очень милый образ поросят, который напоминает Хрюшу из «Спокойной ночи, малыши!» По-детски радостная и яркая!

А какой ваш любимый натюрморт?

Если вам понравилось, читайте еще: Как стать мастером косплея и Шабаш ведьм

Криптограмма натюрморта

15.10.2020 — 15.11.2020 Особняк Румянцева, выставочные залы (вход с ул. Галерной, 45)

«Вещи сами по себе кротки. Они никогда не причиняют нам боли. Они сродни духам. Они принимают нас, мы останавливаем на них наши мысли,  которые нуждаются в них, подобно тому, как ароматы, чтобы разлиться, нуждаются в цветах…»

(Ф. Жамм. Сказочка о вещах)   

                                                  

Выставка объединила работы ведущих петербургских художников, выполненные в жанре натюрморта. Среди авторов Юлия Вальцефер, Елена Базанова, Дмитрий Дергунов, Сергей Елисеев, Александр Зимин, Дмитрий Иванов, Нина Рыжикова и др. Куратор выставки – Ольга Прожерова.

Жанр натюрморта является одним из самых свободных для художника. Автор сам решает, как и какие предметы разместить в пространстве, сам определяет, в какие взаимоотношения они вступят или на контрасте с чем ярче проявятся. Художник имеет возможность соединить разные эпохи, поместить вещи в необычный для них контекст, смешать стили, обыденный предмет сделать доминантой композиции и тем самым перевести его совсем в другую плоскость существования. В жанре натюрморта у творца меньше сковывающих рамок, чем в любом другом жанре. Именно натюрморт и является живописью в чистом её проявлении, именно в натюрморте художник может ярко выразить свою индивидуальность, выстроить свой собственный уникальный мир. Художник оставляет нам свой «автограф», свое тайное послание.

И. Е. Данилова в статье «Натюрморт — жанр среди жанров» даёт очень интересное определение: «В натюрморте предметы вырваны из естественных природных или функциональных связей и предстают в соотношениях, являющихся результатом человеческой активности, поэтому всякий натюрморт содержит в себе некоторое сообщение: сознательно составленную криптограмму или неосознанно оставленный след».

Тайные послания петербургских художников и фотохудожников можно будет  увидеть, «прочитать» на выставке «Криптограмма натюрморта». От классики до модерна,  от пастели до живописи. Разные стили, техники, а самое главное, —  разные художники с их неповторимым видением мира. 

| Место проведения:  Особняк Румянцева

Неожиданные натюрморты — История красоты — LiveJournal

Ну, что, еще картиночки посмотрим?
Неожиданные натюрморты — это потому, что мы ожидаем обычно совсем других сюжетов от их авторов. Традиционно эти художники работали в совершенно иных жанрах, предпочитая пейзаж, портрет или жанровую живопись. Лишь изредка им что-то взбредало в голову и они восклицали: «А рисану-ка я эту вазочку с туберозой!».  Правда, случалось это крайне редко. Так редко, что мне пришлось полдня рыться в источниках, чтобы разыскать их натюрморты.

НАЧНЕМ С НАШИХ:

Марк Шагал «Белые цветы на красном фоне». 1970. У Марка всего пара-тройка натюрмортов, написанных в уже зрелом возрасте, и то он, привыкший к изображению человечески-животных фантасмагорий, ни в одном из них не удержался — хоть кусочек людской физиономии, хоть где-то с краюшку, да вставит.

Я вот, например, очень люблю натюрморты, а большинство художников — нет. Как-то не солидно это маститому творцу, все студенты изучают азы рисования с постановочных натюрмортов.

Особенно непопулярным был натюрморт во второй половине 19 века,  в наибольшей степени — у импрессионистов, еще его недолюбливали наши передвижники. У некоторых из них я не нашла ни одного натюрморта. Нет таких работ и, например, у Нестерова, Куинджи, Айвазовского, Перова, Григория Мясоедова (кто найдет, подскажите, добавлю).

Виктор Васнецов «Букет». Сказочный или былинный сюжет — пожалуйста, Киевский Владимирский собор расписать легко, а вот с натюрмортами у художника не густо. Однако они есть!

Конечно, и среди импрессионистов есть исключения — очень любил натюрморты Сезанн, хоть он и не считал себя импрессионистом. «Оторвались» на натюрмортах постимпрессионисты — Ван-Гог и Матисс (перечисленных я не буду здесь освещать — мы охотимся за редкими работами «нелюбителей» натюрморта). Но, в основном, представители этих направлений это цветочно-фруктовое дело недолюбливали — буржуазно и патриархально, без любимого пленэра — скукота! Даже Берта Моризо — единственная девчонка среди импрессионистов, и та не любила этот немного «девчоночий» жанр.

Илья Репин «Яблоки и листья», 1879. Натюрморт  — не типично для Репина. Даже здесь композиция не похожа на классическую постановку — все это может валяться где-то на земле под деревом, никаких бокалов и драпировок.

Не всегда натюрморт переживал плохие времена. Он начал появляться в 16 веке, пока как часть жанровых живописных полотен, а в 17 веке, благодаря голландцам, перерос в самостоятельный жанр живописи. Очень популярен был в 18 и в первой половине 19 века, а потом, благодаря новаторским движениям в искусстве, популярность стала падать. Возрождение моды на натюрморт началось примерно в 20-х годах 20 века. Многие художники-представители современного искусства опять взялись за вазы и персики, но это уже были новые формы. Конечно, полностью жанр никогда не умирал, и сществовала (и сейчас существует) целая плеяда художников-натюрмортистов. Мы будем болтать об этом потом, а пока я умолкаю, только кое-что буду комментировать, а вы просто посмотрите редкие натюрморты авторов, которые писали их лишь изредка:

Валентин Серов «Сирень в вазе», 1887.
На его известных работах можно видеть только кусочек натюрморта — персики перед девочкой. Проникновеннейшему портретисту, видно, скучно было писать цветы и трупики птичек.

Исаак Левитан. «Лесные фиалки и незабудки», 1889. Гений русского пейзажа иногда писал и чудесные натюрморты. Но очень редко! Есть еще кувшин с одуванчиками — прелестный!

Василий Суриков «Букет».
Автор «Утра стрелецкой казни» любил размах и драматизм. Но сохранилось и это — немного наивные и очаровательные розочки.

Борис Кустодиев. «Натюрморт с фазанами«, 1915. Нередко в его работах присутствуют огромные натюрморты — он рисовал купчих и румяных мужичков за столами, буквально ломящимися от яств.  Да и вообще его жизнерадостные яркие полотна похожи на натюрморт, даже если это портрет, но вот отдельных изображений не купчихи, а ее завтрака, встречается немного.

Виктор Борисов-Мусатов «Сирень», 1902.
Мне очень нравятся его самобытные плотна, ни на чьи больше не похожие. Его всегда можно узнать, и в этом натюрморте — тоже.

Михаил Врубель «Цветы в синей вазе», 1886
Какой талант! Как до обидного мало успел! Цветы тоже шикарны, как и демоны.

Василий Тропинин «Дупель и снегирь», 1820-е.
Крепостной художник, похоже, относился к жанру натюрморта без особого почтения, и поэтому почти никогда его не рисовал. То, что вы видите — даже не полноценное полотно, а этюд.

Казимир Малевич. «Натюрморт». А вы думали, и яблоки у него квадратные?

Иван Крамской «Букет цветов. Флоксы», 1884
Прямо на дачу захотелось — у меня там тоже летом были флоксы.

Василий Кандинский «Рыба на голубой тарелке». Еще не полностью все в закорючках, на картине прослеживаются глаза и даже рот, и они даже рядом!

Натан Альтман «Мимоза», 1927
Мне нравится. Что-то в этом есть.

Иван Шишкин, 1855.
А где же мишки и лес?!

Еще хотела Петрова-Водкина вставить, но у него довольно много натюрмортов, как казалось. И у Машкова, Лентулова, Кончаловского, так что они для этого поста не подходят.

ЗАГРАНИЧНЫЕ:

Эгон Шиле «Натюрморт», 1918
А вы думали, он только голых несовершеннолетних рисовать умел?

Альфред Сислей. «Натюрморт с цаплей». Мертвые птички — драма в быту.

Еще Сислей. Ну, люблю я его!

Гюстав Курбе. Яблоки и гранаты на блюде. 1871

Эдгар Дега «Женщина, сидящая у вазы с цветами», 1865
Не смотря на название, женщина занимает процентов 30 площади полотна, поэтому сочла это за натюрморт. А вообще, Дега намного больше цветов любил рисовать людей. Особенно балерин.

Эжен Делакруа. «Букет».
Ну, слава тебе Господи, никто никого не ест и ни в кого не стреляет!

Теодор Жерико «Натюрморт с тремя черепами»
Вообще, Жерико как-то подозрительно любил синие трупы и всяческую «расчлененку». И натюрморт у него соответствующий.

Камиль Писсарро «Натюрморт с яблоками и кувшином», 1872

Клод Моне «Натюрморт с грушами и виноградом», 1867.
Были у него натюрморты, были, но относительно немного.

Огюст Ренуар «Натюрморт с большой цветочной вазой», 1866
У него, по сравнением с остальными, здесь представленными, довольно много натюрмортов. И каких! Кто-то из его современников сказал, что у него отсутствуют грустные работы, и я его обожаю, поэтому сюда впихнула. А еще потому, что его натюрморты все-таки мало известны, намного меньше, чем все эти купальщицы и т.п.

А это знаете кто?! Пабло Пикассо! 1919 год.

Пабло был удивительно продуктивен! Огромное число картин! И среди них натюрморты занимают намного меньший процент, чем все остальное, да и то они были в основном «кубистические». Именно поэтому он попал в подборку. Чтобы вы поняли, насколько это был чокнутый (но, безусловно, талантливый!) и непостоянный человек, посмотрите на картину ниже. Это тоже он, и в тот же год!

Пабло Пикассо «Натюрморт на комоде», 1919

Поль Гоген «Окорок», 1889.
Таитянки позже пошли, он уехал на Таити через 2 года (сейчас допишу и пойду пороюсь в холодильнике).

Эдуард Мане «Гвоздики и клематис в хрустальной вазе», 1882
Есть еще чудесные работы, например «Розы в бокале шампанского», но натюрморты Мане в его наследии всегда на заднем плане. А зря, правда?

Франсуа Милле, 1860-е.
Просто обед всех его крестьян и жнецов.

Берта Моризо «Голубая ваза», 1888
Все-таки не удержалась!

Фредерик Базиль. «Натюрморт с рыбой», 1866
Просто и даже грубовато, но я, кажется, даже запах рыбы чувствую! Пойти, что ли, выбросить мусор?…

Анри «Таможенник» Руссо, «Букет цветов», 1910

Неожиданно по жанру, но неизменно по стилю. Простодушный таможенник всегда был верен себе.

Все, спасибо за внимание!
Как вам?

ПС. И все-таки Кузьма Петров-Водкин, ибо он прекрасен!:

Кузьма Петров-Водкин «Скрипка в футляре», 1916, Одесский музей Искусств
У него довольно много натюрмортов. Прекрасных, просто замечательных! Таких светлых, летних — обязательно посмотрите в Сети, отодвинте в сторону красного коня и прочую революционную атрибутику! Но, раз уж у нас пост про необычные натюрморты, я выбрала самый нетипичный для этого автора.

Еще раз спасибо за внимание!

Искусство сейчас и тогда: странные натюрморты

Мятное мороженое с шоколадной крошкой, ветчина, яйца и лезвие бритвы; Au jus, Бен Трипп

Авторское право, Джим Лейн Отец Хаббард (Ты то, что ты ешь), 1998, Джим Лейн

Если есть один тип живописи, который сегодня пользуется даже меньшим уважением, чем покойный великий комик Родни Дэнджерфилд, то это, несомненно, натюрморт. Мне всегда нравилось их рисовать; Мне никогда не нравилось пытаться продать их. На самом деле кроме картин с машинами (которые в классе все свои) я даже не могу вспомнить когда последний раз продавал натюрморт. Я помню, как однажды клиент предоставил мне объекты для рисования, что составило заказанный натюрморт (расположение старинного огнестрельного оружия, выстроенного на очаге перед ревущим огнем). Почему сегодня покупатели искусства склонны игнорировать натюрморты? Французы называют их «nature morte».», что, по-видимому, оксюморонически переводится как «мертвая жизнь». Я ругал это раньше. Я сделал свою часть работы. Я искал повсюду предметы для рисования, которые могли бы вдохнуть новую жизнь в жанр. Недавний (три или четыре года назад) был крупный план очень вкусного салата, который мне подали однажды вечером во время круиза. Я назвал его Салат для новобрачных (только салат). Думаю, мой самый странный до сих пор -life (конечно, мой самый большой) был частью инсталляции, которую я нарисовал в натуральную величину нашей кухонной кладовой (вверху, справа), заставленной едой от пола до потолка. Затем я установила вырезанные из мазонита портреты себя и нашей собаки в натуральную величину перед ним, пытаясь решить, что есть на ужин. Я назвал его , Отец Хаббард (Ты то, что ты ешь).

0

, 1810-1812, Francisco Goya

9006

Убоянный OX , 1655, Rembrandt Ван Рейн

В течение столетий истории искусства я ни в коем случае не , а только художник, пытающийся вдохнуть новую жизнь в жанр натюрмортов, выбирая странные сюжеты.Испанский художник начала 19 века Франсиско Гойя отправился в свою местную мясную лавку, чтобы нарисовать большое количество свежей говядины, как видно из его «Натюрморта : прилавок мясников » (вверху) примерно 1810 года. свежая говядина была, когда Гойя закончил рисовать, это вопрос под вопросом. Обратите внимание, голова со снятой кожей слева с открытым глазом. Также спорно, знал ли Гойя, что не кто иной, как голландский мастер Рембрандт ван Рейн, также пытался встряхнуть истеблишмент натюрморта своим «Зарезанный бык» (слева) еще в 1655 г., примерно за 150 лет до этого.Если кто-то из них преуспел в своей благородной миссии, результаты были лишь временными. По большому счету, натюрморты по-прежнему остаются самым скучным видом живописи, который может создать художник.

Пикник , 2006, Вероник Ле Мерр,

Может быть, если мы перестанем забивать скот, чтобы удовлетворить потребности McDonald’s и им подобных, эти дружелюбные коровы могли бы высказать свое мнение о том, почему натюрморт, который они созерцают в «Пикнике » Вероник Ле Мерр (выше), такой тусклый.Рог и ботинок дают подсказку? Художники-натюрморты, казалось бы, старались изо всех сил, чтобы их заметили, начиная от рисования крайне обыденного, как в News, и Views (ниже). от Паримал Вагела — восхитительно выглядящему, но смертельно опасному мороженому Бена Триппа « Мятное шоколадное мороженое, ветчина, яйца и лезвие бритвы»; Au jus (вверху). Предназначено ли лезвие бритвы просто как украшение или как средство для резки ветчины?

Новости и мнения , Паримал Вагела

Один художник, которого я встретил, Юнкён Ким из Южной Кореи, даже зашел так далеко, что назвал картину «Мой странный натюрморт » (ниже).Это лишь первая из серии подобных работ. Жуткий? Возможно, все же странно элегантно, даже красиво. Казалось бы, художник демонстрирует «жемчужно-белые», а также жемчужно-розовые и голубые оттенки. Хорошо, жемчужно-белым не помешало бы немного полировки.

Мой странный натюрморт , Yoonkyung Kim, Южная Корея

Иногда художникам-натюрмортам приходится напрягать определение натюрморта, даже напрягать границы хорошего вкуса. Джастин «Коро» Кауфман со своим многокилометровым натюрмортом, Jackson (ниже), безусловно, расширяет определение, почти до такой степени, что он растворяется в царстве городского пейзажа. Действительно ли это все еще натюрморт или он стал чем-то другим? И если да, то что? Кажется, что в поле зрения нет ни одной живой души, как будто автомобили поглотили своих хозяев-людей только для того, чтобы обнаружить, что огромное количество людей оставляет их такими же недееспособными, до такой степени, что они становятся, по сути, «неподвижной смертью».Следуя другой тактике, Кауфман представляет нам поразительное изображение: презерватив , большой (внизу). Хуже того, похоже, что это может быть использованный презерватив . Большинство скажет, что он вышел далеко за пределы хорошего вкуса. Но с другой стороны, само определение «странного» предполагает, что хороший вкус не может быть значимым критерием в любой попытке заставить тех, кто не покупает натюрморты, сесть и обратить внимание. Возможно, нет, но если повесить его над унитазом в ванной, это может стать юмористическим предметом для разговора.Или, возможно, место на стене рядом с кроватью в вашем будуаре, как частое напоминание о преимуществах безопасного секса, могло бы сделать это не таким уж странным.

Kaufman

презерватива, большой, Джастин «Coro» Kaufman

Это современное еще Life Painter достигает стильных глубин

Janet Rickus

привносит современный внешний вид в почтенный жанр.

Джон А. Паркс

Дар (панель, масло, 14×18) Джанет Рикус

---

В руках Джанет Рикус натюрморты становятся стильными, современными и яркими. Многие предметы и реквизит, с которыми она работает, — фрукты, овощи и глиняная посуда — веками были основными элементами жанра. Но Рикус находит новые и удивительные способы позировать и располагать традиционные элементы. Она также добавляет диковинки, современный принт на ткани или необычный кусок керамики, который отчетливо сигнализирует о чем-то современном.Это чувство усиливается общим видом картин; есть четкая ясность, в которой каждый объект полностью реализуется в кристально прохладном дневном свете.

Объекты как метафоры

Помимо элегантности своих композиций, картины Рикуса несут в себе несколько слоев значения; они часто имеют для художника глубоко прочувствованное значение. «В натюрмортах есть жизнь, — говорит она, — связь с людьми и природой, которые я люблю. Для меня это не просто рисование объектов.Фрукты и овощи, красивые сами по себе и часто с вызывающими воспоминания формами, позволяют мне привнести в картины жизненные наблюдения. Керамика, новая или старая, с ее декоративными или утилитарными функциями, несет свою собственную историю и связь с жизнями, стоящими за ней».

Рикус выражает уважение к объектам, которые она рисует необычным способом: она рисует все в натуральную величину. Тыквы, яблоки, кувшины, миски и ткани тщательно измеряются и рисуются один к одному.«Я не совсем понимаю, как это произошло, — говорит художник. «Но я чувствую, что для того, чтобы представить объекты, я должен показать их такими, какие они есть на самом деле. Если бы они были меньше, это были бы не они». Идентификация художницы со своими предметами также означает, что она никогда их никоим образом не калечит. «Я никогда не отрежу фрукт или что-нибудь нарежу», — говорит она. «Я просто не могу этого сделать».

Почти (холст, масло, 14×18) Джанет Рикус

Реляционные композиции

Это ощущение предметов в натюрморте, играющих почти человеческие роли, влияет на то, как Рикус организует свои композиции. Например, в Почти (вверху) две дыни не совсем касаются друг друга, сигнализируя о чем-то вроде межличностного напряжения. Еще одна очень человеческая драма разыгрывается в «Быть ​​зеленым » (ниже). Зеленая керамическая птица помещена среди группы естественно зеленых фруктов. «Я думаю, что эта картина о попытке вписаться», — говорит художник. «Это смешно, но также и о том, что делают люди».

На самом деле, Рикус говорит, что часто черпает идеи от своих собратьев-людей.«То, как вещи соприкасаются, перекрываются и наклоняются в моих картинах, — это то, что я получаю от того, как люди относятся друг к другу», — говорит она. «Я не знаю, что бы я еще сделал, и я думаю, что именно так зрители относятся к картинам. Даже когда я намеренно не создаю человеческую ситуацию, люди, смотрящие на картину, склонны привносить в нее свои собственные драмы». Рикус не рассматривает натюрморт как стерильную, формальную игру, она понимает этот жанр как нечто, глубоко отражающее ее жизнь и жизнь окружающих ее людей.

Быть зеленым (холст, масло, 14×18) Джанет Рикус

Измеряемый процесс

Генезис картины Рикуса сочетает в себе пространство для изобретательности с строгой методологией. Ее студия находится на верхнем этаже дома и выходит окнами на север. Это пятно дает ей стабильный прохладный свет большую часть дня. Она никогда не использует фотографию.

Выбрав предметы для новой картины, она приступает к их расстановке и перестановке в сочетании со скатертями или тканями.По мере продвижения она взвешивает различные соображения абстрактного дизайна, цветового сочетания и иконографии. Удовлетворившись аранжировкой, она натягивает холст соответствующего размера. Поскольку она пишет в натуральную величину, объекты в постановке и пропорции композиции во многом определяют размеры холста. «Я измеряю реальную композицию на столе, учитывая равные поля с каждой стороны и припуск сверху и снизу», — говорит художник.

Peepers (холст, масло, 15×30) Джанет Рикус

Слои за слоями

Рикус продолжает подготовку, нанося на холст восемь тонких слоев акрилового левкаса. Она шлифует между большинством слоев, чтобы получить гладкую поверхность. Затем она наносит тонкий слой акриловой краски, чтобы тонировать весь холст. «Я использую смывку из необработанной умбры, но легко могу представить себя в любом нейтральном цвете — черном, серо-голубом или других коричневых», — говорит она.

Затем Рикус использует Т-образный квадрат, чтобы нарисовать карандашом линию на своем холсте, обозначающую столешницу ее установки. Она добавляет маленькие карандашные отметки, чтобы показать, где композиция будет начинаться и заканчиваться слева и справа от ее поверхности. «Поскольку я работаю в натуральную величину, я часто измеряю, насколько это возможно, объекты, которые буду рисовать, чтобы получить хорошее представление о соотношении размеров», — говорит художник.

«И на них я тоже делаю пометки карандашом. Затем я выдавливаю на свою палитру краски любых цветов, которые, по моему мнению, мне понадобятся для объектов передо мной. Я начинаю с левой стороны, набрасывая первый объект кистью и подходящим цветом. Я надеюсь, что когда я доберусь до другой стороны изображения, я не буду слишком далеко от карандашной пометки на правом поле». Здесь стоит отметить, что Рикус не строит монохромную подмалевку; она начинает с прямого утверждения цвета перед ней.

Натюрморт с ложками (холст, масло, 16×20) Джанет Рикус

Исправления и цвета

Сделав набросок всей картины, Рикус вносит необходимые коррективы, чтобы стабилизировать композицию и исправить рисунок. Затем она начинает процесс наслоения, медленно доводя всю картину до завершения.

Рикус работает синтетическими кистями скромного размера, нанося краску маленькими мазками, исследуя тонкие вариации цвета на разных поверхностях.Она не использует веерную кисть или какой-либо другой инструмент для смешивания. Позже в процессе она добавляет в краску Winsor & Newton Liquin. Это создает большую прозрачность и глубину, поскольку она наносит цвет на более твердые слои под ним.

«Каждый объект работает за счет другого, — говорит она, — и по мере того, как один объект приближается к завершению, следующий объект должен соответствовать развитию предыдущего». Одна из проблем, которую Рикус должна решить на этом этапе, — это выбор цвета фона. «Это одна из самых сложных частей картины, — говорит она.«Фон обычно имеет оттенок серого — теплый, холодный, коричневатый или голубоватый. Но всегда трудно получить правильный цвет или тон, который дополнял бы каждый объект на картине. Часто это вопрос проб и ошибок».

Borrowed Series VIII (холст, масло, 16×20) Джанет Рикус

Отражения

Во время рисования Рикус время от времени смотрит на свою работу в зеркало. Эта стратегия позволяет ей взглянуть на произведение свежим взглядом. Часто это выявляет какие-либо ошибки в чертеже или слабые места в рендеринге.По вечерам она уносит картину в другую комнату, чтобы посмотреть на нее в другом свете. Этот шаг не только освежает ее взгляд, но и помогает понять, как картина могла бы выглядеть в другом контексте.

В конце концов Рикус должен решить, когда остановиться. «Я не могу сказать, как я узнаю, когда картина закончена, — говорит она, — за исключением того, что она равномерно завершена, и меня это ничего не беспокоит».

После того, как картина готова, на что уходит от двух до четырех недель, Rickus дает ей высохнуть еще несколько недель, прежде чем нанести смесь матового и глянцевого лака, чтобы выровнять поверхность картины и добавить некоторую степень защиты.

Заимствованная серия IX (холст, масло, 17×28) Джанет Рикус

Сцена для творческой игры

Картины Рикус имеют последовательный вид, что является результатом видения художницы, а также ее приверженности единообразному подходу. Все картины написаны при одном освещении с мольберта на одинаковом расстоянии от предметов. Угол обзора, уровень чуть выше столешницы, никогда не меняется, а выбор достаточно нейтрального цвета фона происходит во всех картинах.

Преимущество строгого ограничения этих переменных состоит в том, что художник сам определяет сцену, на которой он будет творить. Эти ограничения не ограничивают ее творческий потенциал, а позволяют ей сосредоточиться, исследуя широкий и увлекательный спектр идей.

Картина с птицей (холст, масло, 18×18) Джанет Рикус

Игры, в которые она играет

Например, в A Bird Painting (вверху) Рикус включает несколько изображений птиц, устанавливая игривое соответствие между трехмерными и плоскими изображениями.Зеленая керамическая птица закрепляет композицию. Но птицы также присутствуют в каждом из предметов: напечатаны на ткани, нарисованы на банке, вылеплены на ручке горшка и вырезаны на рельефе на стене. «Чтобы собрать все объекты для картины, потребовалось довольно много времени, — говорит Рикус. «Я обыскал антикварные магазины и дома друзей в поисках вещей с изображениями птиц». Она посетила магазины тканей, но не смогла найти подходящий принт птицы. «Наконец-то я нашла принт на самодельном фартуке в местном магазине товаров для рукоделия», — вспоминает она.«Я разобрала фартук и сделала из него скатерть для картины». Горшок она нашла в том же магазине товаров для рукоделия, а зеленого керамического голубя купила на eBay.

Выше и ниже (холст, масло, 20×30) Джанет Рикус

Она играет в игру другого типа в «Вверху и внизу» , где большая группа предметов, включая кувшин с красочно нарисованным цветочным узором, находится на ткани, цвета которой отражают цвета предметов.Как будто нижняя часть картины является своего рода абстракцией объектов наверху.

Более буквальная игривость присутствует в At Rest (ниже), где большая тыква несколько нелепо лежит на полноразмерной подушке, как спящий ребенок. «Каждый год осенью я прихожу к фермерскому прилавку и всегда нахожу что-то красивое и замечательное», — говорит Рикус.

«В этом году я видел эту огромную тыкву — и она действительно была огромной. Он был длинным, но и очень толстым.В этом было что-то, что привлекало меня, как толстый ребенок: вы просто хотите обнять его, но вам также немного нехорошо, потому что он такой толстый. Но это так трогательно выглядит! Мое сердце было готово к этому. Я принес его домой. А потом я подумал: «Это так необычно, я должен положить его на подушку». Законченная картина имеет тихое причудливое ощущение, слегка юмористический сюрреализм.

В покое (холст, масло, 23×34) Джанет Рикус

Скрытые значения

В Дар (вверху страницы) идет почти приватная игра, где группа объектов слегка обведена лентой с бантиком.«У меня есть группа людей, которые были моими лучшими друзьями с подросткового возраста, — говорит Рикус. «И я решил, что хочу написать картину о нас, но мне нужно работать в рамках своих ограничений. Я сказал им всем выбрать овощ или фрукт».

Рикус говорит, что сначала она не могла найти подходящий объект для своего собственного представления, что-то, что было бы значимым, но при этом закрепило бы композицию. «Наконец-то я придумала этот кувшин, который моя бабушка подарила моей маме, — говорит она.«Это все очень личное. Я обвязываю все вокруг лентой, чтобы связать все вместе, как в дружбе. Я предполагаю, что зритель никогда не узнает эту интерпретацию, но, надеюсь, энергия и чувство все же что-то делают».

Рикус планирует продолжать работать таким же образом в обозримом будущем. «Я просто продолжаю придумывать идеи», — говорит она, отмечая, что счастлива работать в своих рамках. Она отмечает, что с годами ее работа стала острее и искуснее, чем она явно гордится.Без сомнения, с усилением контроля придут еще более тонкие игры и стратегии, а также новые глубины чувств. Художник с нетерпением ждет этого.

Материалы

• Поверхность: Средний текстурированные невидимые хлопчатобумажные утки на тяжелые носилки и загрунтованные с Utrecht Профессиональный акриловый GESSO
• Масла: Старая Голбанд , Holbein и Winsor & Newton
• Среда: Уинсер & Newton Liquin, растворитель для краски без запаха
• ЛАК: Liquitex Soluvar Лак, матовый и глянцевый, в смеси 1:1
• КИСТИ: Loew-Cornell No. 1 белая нейлоновая плоская морилка; Utrecht № 8 белый нейлон круглый; Принстон Нейлоновые фундуки № 2, 4, 6 и 8
• ДРУГОЕ: Фарфоровый эмалированный поднос 11×15 для палитры, кривошипного мольберта, палочки маля, Т-образного квадрата

О художнике

В течение последних двух лет, проведенных Джанет Рикус в Университете штата Центральный Коннектикут (Новая Британия), где она должна была получить степень бакалавра наук в области бизнес-образования, она прошла несколько курсов по искусству, не намереваясь делать карьеру в этой области.После колледжа она продолжала время от времени брать уроки рисования и начала широко выставляться и получать награды. Ее работы представляют галереи Henoch (Нью-Йорк), Clark Gallery (Линкольн, Массачусетс) и Quidley & Company (Бостон и Нантакет, Массачусетс). Посмотреть больше ее картин можно на сайте artsy.net/artist/janet-rickus. Фото Дороти Рикус.

---

Джон А. Паркс не только писатель, но и художник. Его последняя книга — « Универсальные принципы искусства: 100 ключевых концепций для понимания, анализа и практики искусства ».Посетите его веб-сайт по адресу johnaparks.com.

Вам также может понравиться:

Необычный натюрморт – городское искусство и антиквариат

Натюрморт Бенджамина Чампни продан за 1000 долларов на аукционе Brunks

«Декан американской коллекции натюрмортов» Уильям Гердтс любит рассказывать свою историю о натюрмортах Дэвида Джонсона. Сто долларов у него не было еще в 50-е, поэтому купил один из пары натюрмортов Джонсона. Он остается одним из его любимых, а также указывает одно направление для его обширной коллекции: натюрморты художников, которые обычно их не писали.

Вчера на аукционе Brunks мое внимание привлек натюрморт Бенджамина Чампни. Широко известный как художник школы Белой горы, Чампни очень любил натюрморт, особенно в последние годы своей жизни. Он написал в своей автобиографии:

Миссис Чэмпни очень любит цветы, и ее любовь дает ей умение заставить их цвести, так что у нас есть масса золотых, пурпурных и белых цветов, качающихся на ветру. ..

Наличие этих цветов передо мной в более поздние годы было для меня большим очарованием и побудило меня посвятить много времени изучению цветочной живописи, и с некоторым небольшим успехом, как любой, кто способен рисовать и аранжировать картина с контрастами света, тени и цвета могла бы, если бы она была подкреплена энтузиазмом и рвением, чтобы выполнить то, для чего природа дала тон.трудно решить те уроки, которые дает нам природа в цветах с их огромным разнообразием плавных оттенков и тонких форм. Я не хотел бы видеть формы, очерченные с точностью голландских художников-цветочников, где холодные детали перевешивают общий эффект яркого цвета и мягкости и портят широту композиции, и где умение имитировать каплю росы является одним из из главных вещей, которыми можно восхищаться.

Не стал бы я впадать и в другую крайность и, стремясь придать широту, теряю сильные индивидуальные характеристики каждого цветка или размываю формы, чтобы сделать работу более декоративной.Беда в том, чтобы найти золотую середину между неряшливостью и чрезмерной точностью формы, чтобы получилась скорее наводящая на размышления картина, чем положительно реалистическая.

Лот, предлагаемый в Брунксе, представляет собой не цветочную картину, а группу яблок, виноград и чашку с водой. Он имеет лафаржскую многозначительность и цветовой тон. Что меня поразило, так это примечание на оборотной стороне: «Родился в Нью-Ипсвиче, штат Нью-Хэмпшир. Эта картина была написана в доме, в котором родился художник, в усадьбе Джона Престона, Нью-Ипсвич, доме детства художника».Судя по фото, это была старая записка. Хотя мне было любопытно, верна ли эта запись, Чэмпни на самом деле родился в Нью-Ипсвиче.

По оценкам, от 400 до 600 долларов, он был продан за 1000 долларов плюс надбавка, несмотря на его относительно небольшой размер (6 на 10 дюймов).

Необычный натюрморт — Фотоконкурс натюрмортов

Открытые конкурсы

• Юмористические номерные знаки транспортных средств

  Созданный Кэрол Гилберт

• Мягко-желтый

  Выиграйте штатив Joby GorillaPod 3K

• Черно-белый (без цвета)

  осужден от FotoPhantasia

• Растения, растущие на зданиях

  Созданный от НоэльМак

• Раскрашенные произведения искусства на открытом воздухе

  Созданный Райнер Бритц

• Пейзажи в черно-белом цвете

  Созданный от Sebastian_B35

• Дизельные поезда

  Созданный Сэм Билнер

• Абстрактный и креативный

  Выиграйте лицензии Affinity Photo

• Дикая природа

  Ваучер WhiteWall на 100 фунтов стерлингов для выигрыша

• Words in Art (в цвете)

  Созданный Кэрол Гилберт

• рейтинговый конкурс (251-1000)

  Старая техника

Посмотреть больше конкурсов

Готовы присоединиться к сообществу Photocrowd?

Подпишитесь на мир замечательных фотоконкурсов и наград в одном месте

Мы уважаем права фотографов и вашу конфиденциальность

Что Photocrowd дает вам

Участвуйте в конкурсах, чтобы выиграть призы и получить мировую известность

Получите отзывы от ведущих фотографов мира

Натюрморт (1942) Фриды Кало

В этой картине Фрида создала бренд сюрреализма, используя стиль наивного искусства (примитивизма). В произведении присутствуют как культурные мотивы, так и местная еда. Как и многие ее картины, эта работа была вдохновлена ​​артефактами и природой Мексики. Вдохновленная популярной культурой страны, Фрида использовала народное искусство для изучения вопросов гендерной идентичности в мексиканском обществе.

Натюрморт (1942) представляет собой реалистическое изображение ее мечты. Он содержит сексуальные предпочтения как способ выражения значительного вклада в феминизм и воплощения ее внутреннего беспорядка.Натюрморт предназначался для столовой Лос Пинос в президентском дворце, но позже был возвращен; возможно, графика была слишком сладострастной.

Натюрморт Фриды содержит сцены сексуального характера. На самом деле плоды представляют собой сексуальные символы. Корни, листья, цветы и плоды представляют собой части женского тела, некоторые из которых очевидны, а другие могут быть очень тонкими и часто упускаются из виду.

В центре этой необычной картины лежит открытая папайя, которая выглядит как матка, наполненная плавающими сперматозоидами.Рядом с ним находится коралловый гриб, напоминающий яичники. Под бананами лежит открытая черимойя, напоминающая женские гениталии. Яркие цвета прекрасно представляют мексиканский традиционный стиль искусства.

Для создания этой картины Фрида использовала разные краски и тяжелые кисти одинакового размера. Яркие цвета выглядят современно, но они черпают свое влияние из характеристик мексиканского искусства и доминируют во всем произведении искусства.Хотя эта картина характерна для мексиканского искусства в целом, она могла черпать вдохновение из картин и фресок своего мужа Диего Риверы.

Фрида, волевая мексиканка, входит в число известных художниц и, возможно, была вдохновлена ​​Тамарой де Лемпицкой, модернисткой и художницей в стиле ар-деко Джорджией О’Кифф и импрессионисткой Мэри Кассат. Эти художники были в авангарде поощрения женщин войти в мир искусства, где доминируют мужчины.Картина сейчас выставлена ​​в музее Фриды Кало в Мексике. Вы также можете узнать больше о ее жизни и работе в музее Фриды Кало.

Рэйчел Рюйш, Цветочный натюрморт – Smarthistory

Что бы вы назвали сегодня самыми желанными символами статуса? Мерседес или Феррари, бриллиантовый Ролекс или дизайнерская сумочка? Европейская вилла? Во времена Рейчел Рюйш это был простой тюльпан. Глядя на ее цветочные натюрморты, можно открыть целый скрытый мир — богатство, статус и даже экономику первых мировых финансовых кризисов.

Взросление: искусство и наука

Годфрид Шалкен, Портрет художницы Рэйчел Рюйш, ок. 1643–1706, холст, масло, 71,8 x 62,2 см (Художественная галерея и музей Челтнема)

Рэйчел Рюйш выросла в Амстердаме в богатой и известной семье голландских художников, архитекторов и ученых. Ее отец, Фредерик Рюйш, был выдающимся ученым и профессором анатомии и ботаники. У него была известная коллекция редких образцов естественной истории, которую Рэйчел помогла каталогизировать и записать.Он поощрял ее художественные таланты, внимательное наблюдение за миром природы и научно точные изображения растений и цветов. В возрасте пятнадцати лет Рюйш начал обучение у известного художника-натюрморта Виллема ван Алста. К восемнадцати годам она уже создавала свои первые натюрморты и начинала свою долгую и успешную карьеру.

Работающая мать

В двадцать девять лет Раш вышла замуж за художника-портретиста Джуриана Пула, от которого у нее было десять детей.Несмотря на огромные домашние обязанности, она была удивительно плодовитой, создав более 250 картин за семь десятилетий. Ее работы пользовались большим спросом, и она добилась широкой известности и международного признания. Считавшаяся одной из самых успешных художниц своего времени, современные голландские писатели называли ее «вундеркиндом искусства Голландии» и «нашей утонченной художественной героиней».

Потребительское общество

В 1648 году Нидерланды стали независимыми от Испании, что положило начало периоду большого экономического процветания.Процветающая международная торговля и процветающая капиталистическая экономика привели к появлению нового богатого среднего класса. Состоятельные купцы создали новый вид меценатства и рынка искусства. Без могущественной монархии или католической церкви, которые могли бы заказывать произведения искусства (голландцы были протестантами), художники производили продукцию непосредственно для покупателей. Как и сегодня, покупатели приобретали искусство либо у профессиональных дилеров, либо у художника в его мастерской. Такие сюжеты, как большие исторические, мифологические или религиозные картины, больше не были желательны; покупатели хотели портреты, натюрморты, пейзажи и жанровые картины (сцены из повседневной жизни) для украшения своего дома.Гордясь своей новой независимой страной и торговым богатством, они хотели, чтобы произведения искусства отражали их успех. На конкурентном открытом рынке художники начали специализироваться. Рэйчел Рюйш стала известна как одна из величайших художников-флористов своего времени.

Цветы: национальная страсть

Большая книга тюльпанов: Semper Augustus, 1600-1699, бумага, гуашь, 12-1/8 x 7-7/8″ / 30,8 x 20,0 см (Музей Нортона Саймона)

Карьера Рюйша шла параллельно с ростом голландской садоводческой промышленности и ботаники.Нидерланды стали крупнейшими импортерами новых и экзотических растений и цветов со всего мира. Когда-то ценившиеся в первую очередь за их использование в качестве трав или лекарств, цветы стали цениться просто за их красоту и аромат. Они стали ценной роскошью и желанными символами статуса для богатых. Ботаники и садоводы искали редчайшие экземпляры, привезенные из-за границы. Тюльпан, подобный тому, что изображен на картине Рюйша ниже, был самым экзотическим.

«Тюльпаномания»

Желанные за их интенсивные и необычайно разнообразные цвета, тюльпаны были завезены в Нидерланды из Турции в конце шестнадцатого века. Голландцы безумно полюбили их. Поскольку на выращивание тюльпана из семян уходит так много времени, спрос намного превышает предложение. Самыми редкими и ценными тюльпанами были пестролистные или «пламенные» тюльпаны с перьями контрастного цвета на лепестках. Эта экзотическая окраска на самом деле была вызвана вирусом, который заразил тюльпан, сократив продолжительность его жизни и сделав его еще более востребованным и ценным. Все было готово для повального увлечения покупками.

Покупатель, будьте осторожны: поучительная история?

Брейгель предполагает экономическую глупость тюльпаномании, изображая спекулянтов в виде безмозглых обезьян в современной одежде высшего класса (фрагмент), Брейгель Младший, Сатира на тюльпаноманию , c.1640 (Музей Франса Хальса, Харлем)

Слово «тюльпаномания» сегодня часто используется для обозначения определенных видов экономических кризисов. Он описывает финансовый пузырь, вызванный большим количеством людей, спекулирующих на недоказанных товарах или компаниях. Луковицы тюльпанов были так востребованы в Нидерландах семнадцатого века, что родился «рынок фьючерсов». Покупатели покупали луковицы еще в земле, полагая, что в будущем они будут стоить дороже и их можно будет продать с большой прибылью. Цены росли неуклонно и иррационально.На пике спекуляции тюльпанами в 1636 году некоторые луковицы продавались по цене, превышающей заработок квалифицированного мастера за десять лет. В каталоге питомника того времени отмечается, что в разгар безумия редкий тюльпан «Semper Augustus» был продан за 5 200 гидов, что больше, чем цена прекрасного дома, корабля или двенадцати акров земли.

В феврале 1637 года инвесторы вдруг решили, что луковицы тюльпанов сильно завышены, и начали их продавать. Через несколько дней началась паника. Поскольку продавцов было больше, чем покупателей, спрос на тюльпаны испарился.Цены резко упали, луковицы тюльпанов потеряли 90% своей прежней стоимости, и рынок рухнул. Мир только что пережил свой первый финансовый пузырь.

Присмотритесь: микроскопическая деталь

Рэйчел Рюйш, Цветочный натюрморт, ок. 1726 г., холст, масло, 75,6 x 60,6 см (Художественный музей Толедо, Толедо, Огайо)

Успешный голландский натюрморт высоко ценился за степень искусного реализма. Натюрморт с цветами изображает множество научно точных цветочных деталей.Каждый лепесток, стебель и листик тщательно и точно прорисованы. Текстуры удивительно реалистичны, от нежных, как бумага, тонких лепестков мака до морщинистых, ломких листьев. Приглядевшись еще ближе, мы видим, что Рюйш скрупулезно изобразил и крошечных насекомых: гусеница ползет по стеблю, пчела собирает пыльцу с сердцевины мака, белая бабочка садится на ноготки.

Смешанный букет

Поникшие календулы и другие цветы, выливающиеся из вазы (фрагмент), Рэйчел Рюйш, Цветочный натюрморт , c.1726 г., холст, масло, 75,6 х 60,6 см (Художественный музей Толедо)

Цветочный натюрморт изображает пышное разнообразие различных цветов, от популярных европейских цветов до редких зарубежных видов. Рюйш сочетает в себе сложную и замысловатую композицию из маков, львиных зевов, роз, гвоздик, мальв, бархатцев, ипомеи и одного красного и белого тюльпана с пламенем. Цветы щедро высыпаются из вазы, заполняя все пространство картины. Некоторые из них в полном цвету, другие поникают и увядают, поскольку листья и изогнутые стебли переплетаются повсюду.В то время как многие из ее современных художников-цветочников использовали более симметричные и формальные композиции, Рюйш была известна своими живыми и неформальными аранжировками. Цветки расположены асимметрично, ведя взгляд по диагонали от нижнего левого поникающего ноготка к верхнему правому красному маку. Наш взгляд сначала привлекают самые светлые цветы в центре, затем яркие окружающие цветы и, наконец, маленькие более темные цветы по краям букета. Дополнительные цвета создают гармонию, так как теплый желтый и розовый уравновешивают холодный синий и зеленый.Свет чередуется с тенью, оживляя цветы, поскольку они резко выделяются на более темном фоне.

«Ванитас»: Скрытый смысл?

Некоторые ученые считают, что есть другой способ рассматривать цветочные картины Рюйша. Одна из распространенных интерпретаций — понимать их в свете vanitas , морального послания, распространенного в то время. Взятый из отрывка из христианской Библии, он был напоминанием о том, что красота увядает и все живые существа должны умереть. В то время как натюрморты прославляли красоту и роскошь изысканной еды или пышных цветов, vanitas был предупреждением о мимолетности этих материальных вещей и скоротечности жизни.В Цветочный натюрморт некоторые цветы увядают и умирают, когда насекомые прогрызли дырки в листьях. Состоятельным голландским потребителям напоминали, чтобы они не слишком привязывались к своим материальным ценностям и мирским удовольствиям; вечное спасение пришло только через преданность Богу.

 

---

Дополнительные ресурсы:

Цветочный натюрморт в Художественном музее Толедо

Натюрморт в Северной Европе 1600-1800 гг. на временной шкале истории искусства в Хайльбрунне Музея искусств Метрополитен

Дэвид Хокни: 82 портрета и 1 натюрморт — Анонсы

Дэвид Хокни
82 портрета и 1 натюрморт
10 ноября 2017 г. – 25 февраля 2018 г.

Гуггенхайм Бильбао
Абандойбарра и др.2
48001 Бильбао
Испания www.guggenheim-bilbao.eu

Куратор: Эдит Девани

Выставка, организованная Королевской академией художеств в Лондоне в сотрудничестве с Музеем Гуггенхайма в Бильбао

Музей Гуггенхайма в Бильбао представляет выставку Дэвида Хокни: 82 портрета и 1 натюрморт , на которой представлены новые замечательные работы, в которых британский художник возвращается к портретной живописи с новой творческой энергией, предлагая интимный снимок мир искусства Лос-Анджелеса и люди, которые пересекли его путь в последние годы.

После монументальной и очень успешной пейзажной выставки Дэвид Хокни: картина в большом размере в Музее Гуггенхайма в Бильбао в 2012 году художник отвернулся от живописи и своего йоркширского дома и вернулся в Лос-Анджелес. Он восстанавливался после очень тяжелой череды событий, в том числе легкого инсульта, и какое-то время не рисовал, что было для него необычно. Постепенно он вновь приобщился к спокойному созерцанию портретной живописи и летом 2013 года написал первый из того, что должно было стать коллекцией из более чем 90 портретов, 82 из которых можно увидеть на этой выставке.

Хокни рассматривает эти портреты как единое целое. Инсталляция в почти хронологическом порядке позволяет провести еще одно психологическое исследование: самого художника. Его собственное эмоциональное состояние, кажется, улучшается на протяжении всего сериала, как и его убежденность в формате и среде. Его объекты — все выбранные из числа его друзей, семьи и знакомых — включают сотрудников студии, коллег-художников, таких как Джон Балдессари, а также кураторов и галеристов, таких как Ларри Гагосян.

«Знаменитости созданы для фотографии, — говорит Хокни.«Я не снимаю знаменитостей, фотография делает знаменитостей. Мои друзья — мои знаменитости». Каждое изображение — результат тщательного изучения — становится своего рода психологическим исследованием.

Каждая работа имеет одинаковый размер и изображает натурщика в одном и том же кресле, освещенного ярким светом южной Калифорнии на одном и том же ярко-синем фоне. Все они были написаны в одно и то же время в течение трех дней.

Благодаря виртуозному обращению с красками Хокни единообразие ключевых элементов каждой картины подчеркивает различия между натурщиками, позволяя их личностям сойти с холста с теплотой и непосредственностью.На этой выставке Хокни создал интенсивную, захватывающую инсталляцию, которая пересматривает роль нарисованного портрета в эпоху, когда селфи и фотопортреты получили широкое распространение в социальных сетях. Единственный не-портрет на выставке, натюрморт, был создан, когда один из натурщиков не смог записаться на прием, и художник, загрунтованный и готовый к рисованию, решил изобразить то, что было в его мастерской, набор фруктов и овощи.