%d0%ba%d0%be%d0%bc%d0%bf%d0%be%d0%b7%d0%b8%d1%86%d0%b8%d1%8f — со всех языков на все языки

Все языкиРусскийАнглийскийИспанский────────Айнский языкАканАлбанскийАлтайскийАрабскийАрагонскийАрмянскийАрумынскийАстурийскийАфрикаансБагобоБаскскийБашкирскийБелорусскийБолгарскийБурятскийВаллийскийВарайскийВенгерскийВепсскийВерхнелужицкийВьетнамскийГаитянскийГреческийГрузинскийГуараниГэльскийДатскийДолганскийДревнерусский языкИвритИдишИнгушскийИндонезийскийИнупиакИрландскийИсландскийИтальянскийЙорубаКазахскийКарачаевскийКаталанскийКвеньяКечуаКиргизскийКитайскийКлингонскийКомиКомиКорейскийКриКрымскотатарскийКумыкскийКурдскийКхмерскийЛатинскийЛатышскийЛингалаЛитовскийЛюксембургскийМайяМакедонскийМалайскийМаньчжурскийМаориМарийскийМикенскийМокшанскийМонгольскийНауатльНемецкийНидерландскийНогайскийНорвежскийОрокскийОсетинскийОсманскийПалиПапьяментоПенджабскийПерсидскийПольскийПортугальскийРумынский, МолдавскийСанскритСеверносаамскийСербскийСефардскийСилезскийСловацкийСловенскийСуахилиТагальскийТаджикскийТайскийТатарскийТвиТибетскийТофаларскийТувинскийТурецкийТуркменскийУдмуртскийУзбекскийУйгурскийУкраинскийУрдуУрумскийФарерскийФинскийФранцузскийХиндиХорватскийЦерковнославянский (Старославянский)ЧеркесскийЧерокиЧеченскийЧешскийЧувашскийШайенскогоШведскийШорскийШумерскийЭвенкийскийЭльзасскийЭрзянскийЭсперантоЭстонскийЮпийскийЯкутскийЯпонский

 

Все языкиРусскийАнглийскийИспанский────────АймараАйнский языкАлбанскийАлтайскийАрабскийАрмянскийАфрикаансБаскскийБашкирскийБелорусскийБолгарскийВенгерскийВепсскийВодскийВьетнамскийГаитянскийГалисийскийГреческийГрузинскийДатскийДревнерусский языкИвритИдишИжорскийИнгушскийИндонезийскийИрландскийИсландскийИтальянскийЙорубаКазахскийКарачаевскийКаталанскийКвеньяКечуаКитайскийКлингонскийКорейскийКрымскотатарскийКумыкскийКурдскийКхмерскийЛатинскийЛатышскийЛингалаЛитовскийЛожбанМайяМакедонскийМалайскийМальтийскийМаориМарийскийМокшанскийМонгольскийНемецкийНидерландскийНорвежскийОсетинскийПалиПапьяментоПенджабскийПерсидскийПольскийПортугальскийПуштуРумынский, МолдавскийСербскийСловацкийСловенскийСуахилиТагальскийТаджикскийТайскийТамильскийТатарскийТурецкийТуркменскийУдмуртскийУзбекскийУйгурскийУкраинскийУрдуУрумскийФарерскийФинскийФранцузскийХиндиХорватскийЦерковнославянский (Старославянский)ЧаморроЧерокиЧеченскийЧешскийЧувашскийШведскийШорскийЭвенкийскийЭльзасскийЭрзянскийЭсперантоЭстонскийЯкутскийЯпонский

Искусство: композиция, виды композиции

Плохих композиционных построений и приемов не существует. Зато бывают те, которые использованы не к месту или не по назначению. Знание, и осознанное использование композиции дает возможность выстроить развитие и целостное восприятие всего фильма и его элементов: эпизодов, монтажных фраз и кадров.

Все законы, приемы и виды композиции работают не только на уровне кадра, но и монтажной фразы, и всего сюжета: как и кадр, они могут быть симметричными, глубинными и т.д. Поэтому стоит знать их возможности, и ограничения. Формат интернет-статьи не позволяет описать все виды композиции, поэтому ограничусь только базовыми свойствами, определяющие восприятие.

Симметричная композиция: самая устойчивая, статичная и законченная (замкнутая). Симметричная композиция подчеркивает искусственность, она холодна и малоэмоциональна. Ведь в природе полной симметрии нет. Абсолютно симметричное человеческое лицо выглядело бы холодным, мертвенным. А симметрия в архитектуре всегда апеллирует к застывшей вечности, а не к изменчивой жизни. Чем больше используется симметричных элементов, тем более эти свойства выражены.

Самая симметричная композиция — это фронтально развернутая линейная плоскость, абсолютно уравновешенная по всем массам, свету и цвету (фронтон готического собора).

Симметричная композиция останавливает развитие, поэтому полностью уравновешенные симметричные кадры практически не пригодны для монтажа. Ведь в них не заложено развития и следующий кадр воспринимается не как продолжение, а как нечто совершенно «иное», не связанное с предыдущим и последующим. Помните? Абсолютно уравновешенные кадры монтируется очень плохо. Поэтому кадры, выстроенные симметрично, могут быть хороши в финале, завершать крупный эпизод или весь фильм, но совершенно не годятся для обычного монтажного ряда.

С другой стороны, если вам нужно подчеркнуть статику, холодность или незыблемость, нерушимость объекта, композицию стоит приблизить к симметричной. Не эта ли «претензия на вечность» заставляет выстраивать подобие симметрии на официальных групповых фотографиях (корпоративных, школьных и т. п.)?

В сюжете абсолютная симметрия недостижима, а попытки приблизится к ней, выдают искусственность таких построений, поэтому и описывать ее не имеет смысла.

Круговая композиция — вариация симметричной композиции, но, в отличие от линейной симметрии, круговая имеет более сложное строение, помогающее избежать явной тождественности.

В сюжете круговая композиция подчеркивает завершенность развития действия. Для этого делают похожими начальный и конечный эпизоды или их основные, акцентные элементы. Например, если начать сюжет о Дне рождении тем, как накрывают стол, а закончить его похоже снятой уборкой, сюжет «замкнется».

Круговая «замкнутость» эпизодов (или внутри эпизода) позволяет выстроить не только завершенность, но и цикличность, повторяемость действия. Допустим, вы решили показать день своей собаки. И сняли, как ее утро начинается с того, что хозяин открывает дверь и пес с лаем выскакивает на улицу. Дальше вы можете показывать что угодно, но если завершите все той же открывающейся утром дверью и выскакивающим на улицу псом, зритель поймет, что так циклично проходит день за днем собачей жизни.

В кадре круговая композиция обычно дает выраженную замкнутость пространства, это самая законченная форма.

Асимметричная композиция эмоционально чрезвычайно активна. Она динамична, но не устойчива. Ее динамичность и неустойчивость прямо пропорциональны количеству асимметричных элементов и степени их асимметрии. Причем, если абсолютная симметрия несет в себе холод смерти, то абсолютная асимметрия приводит к хаосу разрушения — крайности сходятся. Вообще же устойчивость композиции обратно пропорциональна ее эмоциональной силе.

Ассиметричная композиция эмоционально чрезвычайно активна. Она динамична, но не устойчива.

Асимметричные кадры хорошо монтируются, но при условии, что между соседними кадрами все же соблюдается некое тождество и симметричная соотнесенность отдельных элементов: встречные, уравновешивающие друг друга диагонали или ракурсы, соответствие композиционных центров, основных балансов, единство световых и цветовых «ключей» и т.

д.

Собственно, первое базовое отличие между видами композиции можно свести к степени их симметричности/асимметричности, балансу между этими двумя крайностями. Второе отличие идет по доминирующему «вектору», определяющему движение глаза по плоскости кадра.

Горизонтальная композиция выстраивается протяженными горизонтальными линиями. Например, общий план пустынного берега в степи даст выраженную горизонталь: ее выстроят линии берегов и горизонта. Такое построение подчеркивает протяженность пространства, его аналогичность или даже однородность, помогает акцентировать множественность, тождественность снимаемых объектов (например, фронтальная панорама или проезд вдоль строя солдат или какой-либо техники).

В сюжете «горизонтальности» соответствует линейное развитие, логическое чередование событий. Если вы минута за минутой опишите свое утро — встал, умылся, почистил зубы и т.д. — это и будет линейное развитие, горизонтальная конструкция рассказа.

Горизонтальное построение кадра наиболее часто используется в любительских фильмах и сам по себе совсем не плох.

Этот вид построения наиболее часто используется в любительских фильмах и сам по себе совсем не плох. В самом деле, ну что плохого в том, что на экране все события происходят в том же порядке, в котором они происходили в жизни? Вот сборы на рыбалку, вот — проезд, закинули удочки, заплескалась в ведре рыба, вернулись домой и бурча, теща принялась рыбу чистить и жарить… все просто и ясно, просто идеал для любого архивариуса.

Но ведь можно и легко отойти от горизонтальной линейности и выстроить сюжет, сделав саму рыбаку врезками-воспоминаниями в бурчание тещи: от этого все эпизоды станут ярче (сработает закон контраста), а сам сюжет — гораздо интересней. Может, посмотрев такое, и теща изменит свое отношение к вашему увлечению. Вот только как архивный материал такой фильм уже будет не идеален. Ведь сохранит он не голые факты, а ваши отношения. Что ценнее: правда фактов или правда чувств? Выбирать только вам.

Так что сами по себе ни горизонталь, ни линейность ни хороша, ни плоха, как и любая другая композиция. Любой выбор определяется только теми задачами, которые ставит перед собой автор. Другое дело, что выбор этот — как и любой выбор в жизни — хорош тогда, когда он осознан и обдуман, и лучше — еще «на берегу».

Вертикальная композиция акцентирует ритм и «работает», в противоположность горизонтальной, на сравнение, может акцентировать индивидуальность, выделенность объекта. Вертикальное движение объекта или камеры всегда воспринимается динамичней горизонтального.

В сюжете «вертикаль» выстраивается параллельным монтажом — аналогом литературного приема «а в это время…», то есть последовательным изложением одновременно происходящих событий. Такой прием все неоднократно видели в кино — и документальном, и игровом — реализация его на экране довольно проста, поэтому расписывать более подробно здесь не имеет смысла.

Внутрикадровый ритм, построенный на вертикалях (слева) и горизонталях (справа). Во 2-м кадре «сбой» горизонтального ритма вертикалью фигуры акцентирует главный объект. А присутствующие в обоих кадрах диагонали упрощает его встраивание в монтажный ряд.

Диагональная композиция самая открытая и любимая профессионалами. Она как бы требует продолжения в следующем кадре, поэтому наиболее удобна в монтаже, особенно если стыкуемые кадры сняты во встречных диагоналях. Диагональ может выстраиваться как в плоскости кадра, так и в глубину. Такая композиция всегда динамичнее чисто вертикальной и, тем более, горизонтальной, особенно если в кадре присутствует движение.

Диагональная композиция самая открытая и любимая профессионалами.

И, наконец, композиции делятся еще по признаку глубинности/плоскостности.

Плоскостная композиция подчеркивает условность, «картинность» пространства (например, для съемки в жанре лубка или художественной графики). Четкость абрисных (контурных) линий, графичность изображения подчеркивает его плоскостность.

Глубинная композиция акцентирует реалистичность пространства, дает выраженную перспективу, продолженность в глубину. Причем, чем «мягче» общий рисунок, тем перспектива более ощутима. Перспектива обладает огромной уравновешивающей силой, так как отдельный предмет 1-го плана всегда кажется относительно большим.

Ощущение глубины в кадре больше всего зависит от разницы светов (градации освещенности между 1-м, последующими планами и фоном) и оптического угла объектива.

С оптикой все просто: попробуйте снять два одинаковых кадра при полном отъезде (широкий угол) и наезде (узкий угол) трансфокатора. Вы сразу увидите, как увеличивается глубина кадра, снятого широкоугольной оптикой и сжимается, «сплющивается» пространство, снятое телеобъективом (на «длинном фокусе»).

Это свойство оптики удобно использовать для достижения многих эффектов. Например, портреты лучше снимать длиннофокусным объективом: картинка будет мягче, а лицо акцентировано. Зато для того, чтобы показать «шири и дали», лучше использовать широкоугольник.

На любительских видеокамерах устройство для смены оптики (байонет) — немыслимая роскошь. Да и будь оно там, вряд ли любители будут покупать дорогущие объективы. Поэтому все любительские камеры сегодня оснащены трансфокатором (zoom). Этого вполне достаточно, особенно если помнить, что кнопки «W-T» не просто удаляют/приближают объекты, а изменяют оптический угол объектива с широкого на узкий. А значит, трансфокатор стоит использовать не только (и не столько) для наездов/отъездов и даже установки крупности (чаше гораздо эффективней выбрать ее, подойдя к объекту или отойдя от него), но, прежде всего для того, чтобы выставить угол объектива, добиваясь нужной вам глубины пространства.

Светом же выстраивается глубинная перспектива кадра: постепенное сгущение темноты подчеркивает длину пещеры, коридора — любого протяженного пространства. Но ведь специально выстроив светом такую перспективу, мы можем увеличить глубину и небольшой комнаты. Правда, одним прибором, направленным в потолок, здесь уже не обойтись. Да и нечасто такие задачи встречаются в любительской практике. Поэтому замечу только, что не стоит удивляться, если хорошо и главное, ровно освещенная пещера в кадре вдруг станет мелкой нишей. Виновато в этом будет как раз отсутствие световой перспективы.

Ну и для наиболее «продвинутых» любителей скажу, что светом можно выстроить не только прямую, но и обратную перспективу, когда первые планы темнее фона. Этим можно достичь интересных эффектов: например, человек уйдет не только вдаль, но и в свет, «растворится» в нем. Чем не визуализация, например, идеи достижения буддисткой нирваны?

Заключение

Стоит заметить, что «чистых» видов композиций, конечно, не бывает. Названия говорят лишь о том, какое построение в ней доминирует. Ведь в любой композиции есть и симметрия/асимметрия, и своя степень глубины, а в грамотно выстроенной — и внятно видимый «вектор».

Тем, кто всерьез захочет понять принципы композиции, советую начать с просмотра и анализа хорошей живописи и фотографии. Стоит несколько месяцев посвятить вечера этому увлекательному занятию, — разглядыванию и «разгадке» принципов построения живописных и фотографических работ мастеров, — и вы сами не заметите, как кадр у вас станет более внятный, композиционно выстроенный и осмысленный.

«Композиции нельзя научиться до тех пор, — писал Н. Н. Крамской, — пока художник не научится наблюдать и сам замечать интересное и важное. С этого только момента начинается для него возможность видения подмеченного по существу и когда он поймет, где узел идеи, тогда ему остается формулировать, и композиция является сама собой».

В публикации рассмотрим понятие композиции, видов композиции, которые широко распространены в различных областях искусства, а в некоторых являются основой.

Понятие композиции

В Большом Энциклопедическом словаре дается несколько определений данного понятия. Рассмотрим основные из них, исходя из сферы применения.

Слово происходит от латинского «compositio», что значит «связывание», «составление».

В первую очередь это создание определенного художественного образа или произведения, которое обусловлено его назначением, содержанием и характером. Композиция является самым важным элементом художественных форм, который придает цельность и единство созданному произведению, взаимоподчиняет его компоненты.

Следующие два определения связаны с музыкой и искусством. Одно из них трактуется следующим образом. Композиция — это живописное, музыкальное, графическое или скульптурное произведение. А также может быть процессом сочинения музыки или учебной дисциплиной в музыкальном учебном заведении.

Помимо этого, может включать несколько различных видов искусства.

Теперь приступим к рассмотрению основных видов композиции в различных сферах искусства.

Литература

С данным понятием каждый из нас встречался в школе на уроках изобразительного искусства, литературы и музыки. Подробнее остановимся на литературе, так как в этой области понятие играет ключевую роль для писателя. Рассмотрим также виды композиции в литературе.

К относят повествование, диалог и монолог, портрет и пейзаж, фабулу, описание, авторскую характеристику и отступления, вставные рассказы и систему образов.

Важная роль принадлежит и среди которых выделяют следующие:

Экспозиция (наличие ее в произведении необязательно, она позволяет писателю заранее уведомить читателя о событиях, а также настроить его на нужную волну).

Ретроспекция, иначе называющаяся «взглядом назад». Автор погружает нас в прошлое героев для раскрытия причин ныне происходящего. Наиболее характерен этот прием для рассказа-воспоминания.

Лучшим приёмом для придания произведению интриги является разрыв. Читаемая глава заканчивается интригующим моментом, а в следующей идет речь уже совсем о другом, при этом созданная интрига остается.

Среди видов композиции в литературе выделяют два основных — внешняя и внутренняя. Первая включает разделение текста на составные части: прологи, эпилоги, главы и так далее. Вторая делает акцент на содержании: сюжете, образах, речевых ситуациях и так далее.

Также композиция бывает обратной (произведение начинается с финальных сцен), кольцевой (конец произведения — это сцена, с которой оно начиналось), тематической (основывается на взаимоотношениях главных образов) и зеркальной (строится на симметрии некоторых образов или эпизодов).

Дизайн

Определенных видов композиций в дизайне, как правило, нет. Есть средства, качества и свойства композиции, которые мы и рассмотрим.

К средствам относятся линия, штриховка, пятно, цвет, светотень, а также линейная, цветовая и воздушная перспективы. Художники часто используют в своей работе сразу несколько средств. Например, линию, пятно и штрихи.

Линия считается основным средством Светотень используется для передачи на рисунке объема предметов. Перспективы применяются для создания иллюзии пространства.

Теперь перечислим качества и свойства композиций в дизайне: композиционное равновесие, гармоничная целостность, симметрии и асимметрии, динамичность и статичность композиции, единство характера форм.

Архитектура

В архитектуре также широко используется композиция, а виды композиции многочисленны.

Она предполагает организацию элементов архитектуры для достижения гармоничности и единства. Выбор той или иной композиции осуществляется не только на основе эстетических принципов, но и определяется всеми требованиями к архитектурному строению.

Рассмотрим виды архитектурной композиции. Объемная композиция выполняется за счет построения объемных форм. Пространственная соответствует некоему определенному пространству (например, зал, комната или арена). В основе глубинно-пространственной композиции лежит объединение нескольких пространств или же разделение пространства на взаимосвязанные части. В объемно-пространственной композиции сочетаются объемные формы с элементами пространства. Примером такого построения может служить план здания с частью двора. Фронтальная композиция строится по горизонтальной и вертикальной координатам. В высотной преобладает высота над размерами формы на плане.

Фотография

Говоря о композиции и видах композиции, хочется уделить внимание популярному виду искусства — фотографии. Каждого человека, будь то профессиональный фотограф или любитель, волнует, как сделать свои фотографии интересными и выразительными. Для этого существует несколько правил построения композиции.

Правило третей гласит о том, что кадр делят на девять частей, то есть получается сетка. Таким образом, наиболее важные объекты располагают на пересечении линий или вдоль их.

Правило «золотого сечения». В композиции есть точки, которые наиболее привлекают внимание человека, они находятся на расстоянии 5/8 и 3/8 от краев кадра. Всего таких точек 4.

Также существуют правила диагоналей и диагонального золотого сечения.

Заключение

Композиция и виды композиции являются основной темой в изучении изобразительного искусства, а также архитектуры. Без знания правил построения объектов, предметов и пространств, а также умения применять те или иные приемы нельзя создать шедевр.

В каждом виде искусства существуют понятия, без знания которых тяжело двигаться вперед и развиваться. В изобразительном искусстве основное такое понятие – это композиция. Без нее никуда! Правильная композиция — это один из секретов по-настоящему удачной картины. В этой статье мы разберем основные виды композиции, познакомимся с правилами ее построения и научимся составлять правильные композиции в своих рисунках. Вперед!

Чтобы научиться рисовать, важно четко понимать, что же такое композиция в рисунке и с чем ее едят. Композиция в рисунке и живописи — это расположение предметов на вашей картине. Если говорить по-научному, то композиция — это распределение предметов и фигур в пространстве, установление соотношения их объемов, света и тени, пятен цвета. Если композиция в картине правильная, то все элементы картины будут визуально органично связаны между собой. В рисунке и живописи существуют два основных вида композиции: 1. Статичная композиция — это композиция, которая передает в рисунке ощущение равновесия, состояние умиротворения. 2. Динамичная композиция — хорошо передает движение, бурные эмоции, стихию природы. Разницу этих двух видов композиции можно отчетливо увидеть на примере рисунка ракеты ниже.

На левом рисунке ракета неподвижна. Это ощущение создается за счет статичной композиции. Статичная композиция в этом рисунке возникает за счет пересечения горизонтальной оси (линия горизонта) с вертикальной осью (ровно стоящая на земле ракета) под прямым углом. Пересечение вертикальной и горизонтальной линий под прямым углом (перпендикулярные прямые) в рисунке всегда добавляет статики и монументальности. На правом рисунке есть ощущение, что ракета летит. Это ощущение для зрителя мы создали с помощью динамичной композиции за счет смещения угла наклона. Вы можете легко проделать такой же эксперимент, нарисовав, например, чашку. Когда вы нарисуете горизонтальную линию стола и ровно перпендикулярно столу нарисуете чашку — вы увидите устойчивое состояние (статичная композиция). А теперь нарисуйте чашку под углом к столу и вы увидите, что возникло ощущение момента падения, динамики (динамичная композиция).

Мы разобрались с основными видами композиции в рисунке и живописи и теперь переходим к следующему важному элементу — композиционному центру. Композиционный центр — это объект, к которому, по задумке художника, должен стремиться глаз зрителя — центральный элемент рисунка. Художнику очень важно уметь определить композиционный центр и сделать на нем акцент в своей работе. Есть и исключения. Например, паттерны (простые повторяющиеся формы, цвета или объекты), специфические иллюстрации, поддержанные определенной концепцией, могут не содержать композиционного центра.

Как художнику научиться выделять композиционный центр в своих работах? Об этом мы как раз поговорим далее!

Есть несколько приемов, которые помогут вам быстрее научиться рисовать и грамотно строить композицию. Эти «секреты» привлекут внимание зрителя к задуманному композиционному центру. Вот они:

✔ КОНТРАСТНЫЙ КОМПОЗИЦИОННЫЙ ЦЕНТР Контраст — это яркая разница между светлым и темным. Уловка заключается в том, что необходимо противопоставить композиционный центр тональности остальной композиции. То есть сделать так, чтобы задуманный вами композиционный центр был явно темнее, или явно светлее остальных элементов на картине. Если сравнить два рисунка ниже, то вне зависимости от расположения ракеты, композиционный центр явно считывается — это, как раз, достигается за счет контраста с основным фоном. При использовании этого приема, надо учитывать некоторые моменты: темные заливки, визуально уменьшают предмет, а светлые, наоборот — увеличивают.

✔ НАПРАВЛЯЮЩИЕ ОСИ Для привлечения внимания к композиционному центру своей картины, используйте направляющие линии. Направляющие линии можно использовать как леску, на которую нанизывают бусины, только вместо бусин будут предметы, задуманные в композиции. Важно построить движение, как систему коридоров, ведущих к одной цели — композиционному центру. На левом рисунке к композиционному центру (космонавту) ведут направляющие линии с разных углов. А в правом, несмотря на насыщенность деталями композиции, за счет направляющих линий и направления движения всех элементов, композиционный центр (космонавт) также остается выделенным.

✔ РАЗМЕРНОСТЬ И МНОГОПЛАНОВОСТЬ Чем больше объект, тем больше на него внимания. Поэтому, чтобы сделать какой-то объект главным на свое картине — сделайте его большим. Но здесь есть важные исключения: если все объекты на картине крупные и лишь один маленький — он интуитивно будет играть роль «крючка», и зритель будет, неоднократно, визуально возвращаться к нему. Многоплановость — позволяет создать пространство и глубину в изображении. Чтобы выделить композиционный центр в своей работе, выдвиньте его на передний план, а все остальные элементы — на задний. Или сделайте наоборот: обозначьте композиционный центр на заднем плане, а неважные элементы — на переднем. Самое главное — чтобы композиционный центр был единственным элементом, стоящим на заднем или переднем плане. Здесь верные помощники — это размывки (blur), помогающие усилить разность планов, как на рисунке справа.

Мы уже знаем, как создать ощущение покоя или движения в рисунке за счет статичной и динамичной композиции, а также как привлечь внимание зрителя к главному объекту композиции — «композиционному центру» за счет особых приемов и «уловок». Теперь нам пора узнать, по каким правилам необходимо выстраивать гармоничную и правильную композицию в рисунке. В изобразительном искусстве существует несколько правил, по которым строится композиция. Для того чтобы научиться рисовать, вам нужно иметь представление об этих самых правилах. Поэтому ниже я постараюсь максимально понятно и кратко рассказать о них.

«Золотое сечение» или «золотая пропорция» — это универсальное проявление структурной гармонии. В процентном округлённом значении золотое сечение — это деление какой-либо величины в отношении 62 % к 38 %.

“Золотое сечение” бывает двух видов: 1. Спиралевидное золотое сечение или логарифмическая спираль (левый рисунок). Свое название эта спираль получила из-за связи с последовательностью вложенных друг в друга прямоугольников с отношением сторон, равным φ (это фиксированная величина, равная 1,62), которое принято называть золотыми. Достаточно визуально представить спираль на листе и уже на ней расположить предметы. Или ориентируясь на данный рисунок, тонкой еле заметной, карандашной линией, нарисовать ее на листе. Спиралевидное золотое сечение очень распространено в природе – например, раковина улитки. 2. Диагональное золотое сечение (правый рисунок). Диагональное золотое сечение широко используется в композиции для распределения объектов разных по смыслу. В прямоугольнике проводим диагональ. Далее из вершины необходимо провести перпендикуляр к уже проведенной диагонали. В итоге получаются три треугольника разных размеров. Значимые объекты располагаются в них. Это правило означает, что для гармоничной композиции нужно масштабы предметов соотносить с пропорциями nhteujkmybrjd (как на правом рисунке). Большой объект — в большом треугольнике «а», средний — в среднем треугольнике «b», маленький — в маленьком треугольнике «с».

Понимание композиции — это вещь, на которую каждый фотограф должен потратить время. Без необходимости инвестирования в дорогое оборудование, понимание элементов хорошей композиции, несомненно, улучшит вашу фотографическую работу. Развитие фотографического видения к кому-то приходит само собой, но другим необходимо потратить время и приложить усилия для оттачивания своих визуальных навыков и способностей. Здесь представлена выборка подсказок и советов, которые помогут вам в оценке и построении композиции ваших работ.

Если у вас есть время, найдите повод сконцентрироваться и попрактиковаться в этих навыках, и, безусловно, постарайтесь помнить о них в следующий раз, когда вы делаете кадр, это может помочь вам почувствовать разницу между съемкой хорошего кадра и великолепного кадра.

Шаг 1 — Не пытайтесь быть совершенным

Важно понимать, что не существует такой вещи как «совершенная» композиция. Так как это субъективная форма искусства, вы никогда не достигнете точки, в которой вы получите идеальный кадр, но вполне возможно иметь кадры с плохой и хорошей композицией. Существует множество элементов композиции фотографии, которые я детально рассмотрю в этой статье. Каждый из разделов является лишь простой рекомендацией, которая поможет вам получить более сильные и привлекательные изображения.

Шаг 2 — Простота

Одна из основных вещей, на которую стоит обратить внимание, это расположение элементов в кадре относительно друг друга. Исходя из этого, вам нужно будет решить, что вы включите в кадр, а что уберете из него. Часто возникает искушение заполнить кадр как можно большим количеством интересных объектов, но когда речь идет о композиции, лучше быть избирательным относительно того, что вы включаете в кадр и подходить к выбору осознанно. Некоторые из наиболее ярких фотографий имеют очень простую, но эффективную композицию, взгляд без помех следует по изображению, и зритель оказывается вовлеченным в ясный и эффектный кадр.

Шаг 3 — Правило третей

Одно из простейших правил композиции — это правило третей, которое стало очень распространенным инструментом для любителей и профессиональных фотографов. Метод состоит в разделении кадра на трети, вертикально и горизонтально (так что фактически это девятые части), и в использовании этих линий для эффективного разделения вашего изображения и отделения областей изображения. Точки, в которых линии пересекаются, рассматриваются как ключевые области для главных объектов в кадре.

Это правило, хоть и очень простое, работает действительно хорошо при правильном применении. Например, в пейзажных фотографиях, горизонт может проходить через кадр по нижней горизонтальной линии, а вершина горного хребта пересекать верхнюю горизонтальную линию. Аналогично, с портретными кадрами, глаза могут быть размещены в точках, в которых верхняя горизонтальная линия пересекает две вертикальные линии.

Шаг 4 — Композиция в пейзаже

Чрезвычайно важно эффективно использовать композицию при работе с пейзажами. Драматическая составляющая великолепного пейзажного кадра базируется на композиции и структуре. Спросите себя, о чем будет ваш кадр. О воде, о горах в отдалении, о горизонте, закате или камнях на переднем плане? Какие элементы вы хотите выделить в кадре? Используя правило третей, постарайтесь убедиться, что в кадре есть разные уровни, убедитесь, что у вас есть интересный объект на переднем плане, чтобы добавить ощущение глубины и масштаба в изображение, и что главная точка фокуса в кадре четко расставляет приоритеты.

Шаг 5 — Линии

Линии в изображении — один из наиболее эффективных способов сделать ваш кадр более ярким. Горизонтальные и вертикальные линии делают изображение четко структурированным, в то время как изогнутые линии воспринимаются более спокойно. Рассмотрите, где каждая линия в кадре начинается и куда ведет. Это очень эффективно — иметь в кадре линию, ведущую взгляд, например, от нижнего угла через изображение к противоположному углу. Тропинки, реки, железнодорожные пути и дороги могут послужить этой цели при правильном использовании.

Когда вы работаете с горизонтальными и вертикальными линиями в кадре, убедитесь, что снимок выглядит четко, что линии прямые. Вы не поверите, как много фотографий, из тех, что я видел, были испорчены немного наклоненной линией, например, горизонта. Конечно, возможно впоследствии обработать кадр, чтобы исправить эти ошибки, но гораздо лучше хорошенько попрактиковаться и корректно выравнивать его уже во время съемки.

Шаг 6 — Формы

Когда вы поймете роль, которую играют линии в композиции изображения, вы сможете оценить влияние форм. Попробуйте дистанцироваться от того, что вы смотрите через видоискатель на конкретный предмет и обратитесь к форме каждого элемента в кадре. Важно понимать, как формы взаимодействуют друг с другом. Сильные формы, такие как треугольники и квадраты, гораздо проще разместить в кадре, чем более мягкие округлые формы, но при помощи оценки того, как каждый элемент сформирован, вы сможете оказывать очень сильное воздействие через представление форм и их взаимодействия как основной темы снимка.

Шаг 7 — Контраст

Когда речь идет о вашем основном объекте съемки, рассмотрите его в контексте и отношении к его окружению. Как цвета, формы, текстуры и оттенки основной точки фокуса соответствуют окружающему пространству? Если между ними существует сильная связь, вы сможете обыграть это и выделить в изображении при помощи композиции, объединив объект с окружением. Если объект и окружение сильно отличаются, постарайтесь использовать техники композиции для усиления этих различий.

Шаг 8 — Формирование кадра

Эффективное формирование кадра — основа сильной композиции. Естественное желание — поместить главную точку фокуса точно по центру, но это чаще всего выглядит странно и оторвано от окружения. Попробуйте расположить ее ближе к одной из сторон или к углу, чтобы посмотреть, сможете ли вы создать контекст и взаимосвязи. Стоит заметить, правда, что часто портреты выглядят наиболее ярко, когда объект расположен по центру. Так что вам стоит поэкспериментировать, не принимайте одно единственное решение о компоновке кадра и не останавливайтесь на нем, исследуйте все ваши возможности.

Шаг 9 — Негативное пространство

Важно принимать во внимание негативное пространство в изображении. Когда вы работаете с небольшими объектами, тенденция состоит в том, чтобы попытаться поместить всю точку фокуса в кадр. На самом деле, композиция при съемке макро объекта становится гораздо более яркой, если вы либо заполните кадр объектом, разместив его вплотную, либо используете негативное пространство вокруг, чтобы позволить объекту «дышать» и гармонично разместиться в окружении.

Попробуйте поэкспериментировать с чем-нибудь простым, как, например, морская ракушка, или посмотрите, как вы можете изменить композицию, если вы не просто сделаете кадр обычным способом, а попробуете приблизиться, или, напротив, отдалиться.

Шаг 10 — Угол

Когда вы работаете с вашим объектом, рассмотрите угол, с которого вы снимаете. Чаще всего самый простой способ — снять объект под углом, под которым вы его видите, но пока вы работаете над кадром, исследуйте различные углы и подходы. Вы можете найти более интересный способ для выражения главной темы снимка.

Шаг 11 — Слои

Так же, как в случае работы со слоями в пейзажных кадрах, не забудьте включить некоторые элементы глубины в ваши изображения. Помещение интересного объекта на передний план — самый простой способ это сделать, но даже использование зигзагообразно расположенного объекта добавит ощущение глубины и поведет взгляд вглубь изображения.

Шаг 12 — Симметрия и узоры

Эффективная эксплуатация симметрии и узоров может способствовать созданию действительно мощного кадра, особенно когда вы работаете с такими объектами как архитектура. Потратьте время на исследование объекта и распознавание узоров и закономерностей (обращая внимание на формы и линии). Найдите среднюю точку и расположите камеру точно перпендикулярно к объекту. Избегайте отвлекающих внимание деталей, которые нарушат симметрию или узор, постарайтесь максимизировать желаемый эффект.

Шаг 13 — Кадрирование

В наш век пост-обработки, если вы вдруг придете домой и обнаружите, что скомпоновали кадр не так, как вам того хочется, еще ничего не потеряно. Почти все утилиты для обработки изображений сейчас имеют инструмент кадрирования, при помощи которого вы можете обрезать лишние части фотографии. Вы можете сделать это с закрепленным соотношением сторон (большинство фотографий сегодня имеют соотношение 3:2), или же свободно обрезать кадр до формы, которую вы хотите получить, например, до квадрата, или создать панорамный пейзажный кадр, отсекая нижний и верхний уровни.

Шаг 14 — Практика, практика и еще раз практика

Итак, мы изучили ряд композиционных принципов, которые могут действительно помочь вам на вашем пути создания более сильных и увлекательных изображений. Как только у вас появится возможность, попрактикуйтесь в использовании этих предложений. Что бы вы ни снимали: пейзажи, портреты, макро, — всегда есть пространство для экспериментов по совершенствованию вашей композиции, шанс сделать ваш кадр хоть немного, но более ярким.

Только, пожалуйста, запомните, что не бывает простых и быстрых решений для создания великолепных кадров. Вышеперечисленные техники могут помочь вам, но переступать через них также не воспрещается. Когда вы решите, что поняли, как эффективно применять эти принципы на практике, не стесняйтесь начинать нарушать правила и снимать ваши объекты тем творческим способом, который вы считаете для себя оптимальным.

10 простых правил построения композиции в кадре.

1. Контраст

Как привлечь внимание зрителя к вашей фотографии? В кадре должен быть контраст:

• Более светлый предмет снимают на тёмном фоне, а тёмный на светлом.
• Не фотографировать людей на жёлтом или коричневом фоне, цвет фото будет неестественным.
• Не снимайте людей на пёстром фоне, такой фон отвлекает внимание зрителя от модели.

2. Размещение

Важные элементы сюжета не должны быть хаотично размещены. Лучше, чтобы они образовывали простые геометрические фигуры.

3. Равновесие

Объекты, расположенные в разных частях кадра, должны соответствовать друг другу по объему, размеру и тону.

4. Золотое сечение

Золотое сечение было известно ещё в древнем Египте, его свойства изучали Евклид и Леонардо да Винчи. Самое простое описание золотого сечения: лучшая точка для расположения объекта съемки — примерно 1/3 от горизонтальной или вертикальной границы кадра. Расположение важных объектов в этих зрительных точках выглядит естественно и притягивает внимание зрителя.

5. Диагонали

Один из самых эффективных композиционных премов — это диагональная композиция.

Суть её очень проста: основные объекты кадра мы располагаем по диагонали кадра. Например, от верхнего левого угла кадра к правому нижнему.

Этот приём хорош тем, что такая композиция непрерывно ведет взгляд зрителя через всю фотографию.

6. Формат

Если в кадре преобладают вертикальные объекты — снимайте вертикальные кадры. Если фотографируете пейзаж — снимайте горизонтальные кадры.

7. Точка съемки

Выбор точки съемки прямым образом влияет на эмоциональное восприятие снимка. Запомним несколько простых правил:

• Для портрета лучшая точка на уровне глаз.
• Для портрета в полный рост — на уровне пояса.
• Старайтесь кадрировать кадр так, чтобы линия горизонта не разделяла фотографию пополам. Иначе зрителю будет сложно сфокусировать внимание на объектах в кадре.
• Держите камеру на уровне объекта съемки, иначе вы рискуете получить искажённые пропорции. Объект, снятый сверху, кажется меньше, чем есть на самом деле. Так, снимая человека с верхней точки, на фотографии вы получите человка маленького роста. Фотографируя детей или животных, опуститесь до уровня их глаз.

8. Направление

При построении композиции всегда учитывайте этот момент.

9. Цветовое пятно

Если в одной части кадра присутствует пятно цвета, то в другой должно быть что-то, что привлечет внимание зрителя. Это может быть другим цветовым пятном или, например, действием в кадре.

10. Движение в кадре

Снимая движущийся объект (автомобиль, велосипедиста), всегда оставляйте свободное пространство впереди объекта. Проще говоря, располагайте объект так, как будто он только «вошёл» в кадр, а не «выходит» из него.

К 65-летнему юбилею: дарования Виктора Власова: художник, скульптор, поэт, дизайнер

И только немногие знают, что автор этих скульптур – Виктор Николаевич Власов, которому дарованы яркие таланты и неуёмный характер истинного творца.
Родился он в Новомосковске 3 сентября 1954 года в семье фронтовика – в мирное время кочегара паровозного депо и простой русской крестьянки и нянечки в детском саду. В этом городе несколько лет назад открыт памятник чернобыльцам, автором которого стал ныне знаменитый балаковец.
Уже детсадовцем Виктор обнаружил в себе способность к рисованию. Родители всячески поддерживали его увлечение. Ранняя потеря отца наложила свой отпечаток на творчество сына, который уже в своих первых живописных работах достигал больших философских глубин и обобщений. В школьные годы он занимался в кружке рисования, а затем в Городском дворце пионеров посещал изостудию. Свои творческие замыслы Виктор воплощал в пластилине, в гипсовых отливках, дереве и металле. Его интересовала русская старина, такие личности, как Сусанин, Евпатий Коловрат, Тарас Бульба, Степан Разин, Кутузов, Пушкин.
Творческий путь Виктора Власова начался с выставки его картин в Новомосковском краеведческом музее в 1980 году.
На службе в пограничных войсках он сочетал армейское дело с искусством. Им было оформлено место, где находилось знамя части, выполнен барельеф, посвящённый пограничникам, портрет Ф. Э. Дзержинского, интерьер клуба.
По возвращении в Новомосковск Виктор Власов устроился на завод бытовой химии художником в бюро эстетики, влился в творческий коллектив, а затем возглавил его. Тогда же вступил в областную профсоюзную творческую организацию «Левша», где повышал свою квалификацию на практических занятиях, участвуя в региональных и областных выставках. Были представлены работы «Внуки» из дерева и объёмно-круговая композиция «Сеча», посвящённая Куликовской битве. Некоторое время увлёкался гончарным делом.
Путешествуя по золотому кольцу России, был увлечён историческим холодным оружием, что впоследствии привело к созданию своей композиции.
Затем Виктор перешёл работать на завод органического синтеза. Совмещая работу с творческими занятиями, пробовал поступать в художественные вузы. После трагичной кончины брата Николая уезжает с семьёй на Волгу в г. Балаково, где по приглашению главного архитектора города работает в местной администрации в качестве художника-декоратора. Создаёт ряд монументальных работ, в которых давно хотел выразить себя. Такие, как композиция на фасаде гостиницы «Салют» (нержавеющая сталь). Им оформлен центральный фасад уже упомянутого Дома быта на улице Ленина, создана композиция на фасаде кинотеатра «Мир», также был создан ряд различных малых архитектурных форм. Разработаны и реализованы многие интерьеры кафе, ресторанов, магазинов. В 1984 году в филиале Радищевского музея г. Балаково состоялась его персональная выставка графики, живописи и декоративной скульптуры.
Виктор Власов выиграл конкурсный проект на создание образа железнодорожного вокзала в г. Балаково.
Им разработан и одобрен депутатами герб г. Балаково.
В Москве участвовал в проекте на создание памятника жертвам ГУЛАГа.
В 1999 Виктор Власов получает заказ на декоративное оформление памятника Вавилову в Саратове.
Активно принимает участие в праздничном оформлении города.
В 1999 году выполняет заказ на мраморный портрет дочери мэра города Саурина А. И.
В 2000 году вступает в Творческий Союз художников России. В том же году встречается с главным архитектором г. Саратова Синим А.Т. и получает заказ на изготовление и оформление памятника в г. Ершов, посвящённого павшим воинам в Великой Отечественной войне 1941-1945 гг. Одновременно получает заказ от администрации на разработку и изготовление Вечного огня в г. Балаково.
В Саратове на Набережной космонавтов в 2001 году устанавливается тематическая скульптурная композиция Виктора Власова «Любовь», а также скульптурная композиция флюгера «Кот» на одном из высотных зданий.
Активное участие в работах принимает жена, друг и соратник Катерина и сын Пётр, которые неустанно помогают ему во всех его начинаниях, являясь также членами Союза художников России.
Виктор Власов неоднократно разрабатывал дизайнерские эскизы ювелирных украшений и сувенирной продукции, создавал штучную скульптуру для номинаций, выполнял литьё из бронзы.
За участие в реставрации усадьбы Мальцева в 2004 году губернатором Саратовской области Виктор Власов награждён орденом Почёта за благотворительность.
В это же время он занимается разработкой эскизов фасадов нового здания ТЮЗа и цирка для города Саратова, участвует в конкурсном проекте по созданию памятника на Поклонной горе (после событий в г. Кутаиси) под девизом «Когда мы были вместе», за что получил поощрительный диплом от мэра Москвы Лужкова.
В 2006 году Виктор Власов получает заказ в г. Новомосковск на разработку эскизного проекта по оформлению фасада центральной городской библиотеки – композиции с портретом А.С. Пушкина и каскадным фонтаном перед ней.

В последующие годы Виктор Власов представляет персональные выставки как в Балакове и Саратове, так и в Москве.
Многие работы Виктора Власова находятся в частных коллекциях, а также за границей.
3 октября 2015 года в Городском выставочном зале Балакова была открыта его персональная юбилейная выставка живописи, графики и скульптуры.
Месяц назад вышла книга «Новое утро», где представлены произведения членов Балаковского литературного объединения «Утро». В этой книге мы увидим не только прекрасные и глубокие стихи Виктора Власова, но и 23 репродукции его картин. В настоящее время Виктор Власов работает над созданием своего поэтического сборника.
Многогранное дарование Виктора Власова ещё реализовано не в полной мере. Балаковский художник и поэт полон больших замыслов и жаждой воплотить их в жизнь. Пожелаем же нашему земляку творческих удач и новых ярких работ!

Живопись Франции. Музей Прадо

Живопись Франции

Мишель-Анж Уасс. Портрет Людовика I, принца Астурийского. 1717

Никола Пуссен (1594-1 665) Парнас 1630–1631. Холст масло. 145×197

На полотне в облике увенчанного лаврами античного поэта Гомера изображен Джамбаттиста Марино, покровитель Пуссена. Герой с книгой в руке стоит на коленях перед Аполлоном, представляя ему свои сочинения и благодарно принимая предложенную чашу. По кругу их обступают нимфы и поэты, ведь гора Парнас в греческой мифологии — место, где живут вдохновение и искусство. Многие персонажи держат в руках различные музыкальные инструменты и театральные маски. В центре картины возлежит обнаженная нимфа Касталия, которая, по легенде, превратилась в ручей, чтобы избежать преследований Аполлона. У источника сидят два амура и протягивают присутствующим чаши с касталийской водой, дарующей талантливым людям вдохновение. Интонацию веселья вносят в работу изображения порхающих ангелочков, держащих в руках лавровые венки.

Композиция этого многофигурного полотна позаимствована художником из фрески Рафаэля «Парнас», которую прославленный итальянец создал для Сикстинской капеллы. Пуссен почти точно скопировал и расстановку фигур, и строгие вертикали деревьев, и даже цветовые соотношения. Круговая композиция и идеально проработанные складки на тогах поэтов свидетельствуют о присутствии в живописи мастера традиций итальянского Возрождения. Красочная насыщенность произведения говорит о влиянии на Пуссена творчества Тициана.

Клод Лоррен (1600–1682) Пейзаж с кающейся Марией Магдалиной 1636–1638. Холст масло. 162×241

Клод Лоррен — прославленный французский живописец-пейзажист, рисовальщик и гравер XVII века, один из родоначальников европейского классицизма. Настоящее имя художника — Клод Желе.

«Пейзаж с кающейся Марией Магдалиной» является прекрасным примером творческих поисков мастера. В полотнах Лоррена традиционные пейзажные мотивы приобретают неповторимую красоту и своеобразие.

В этой работе, как и в большинстве других, композиционное построение строится на типичных для классицизма приемах. Художник использует кулисы — деревья, расположенные в правой и левой частях композиции, что сообщает ей симметричность; в центральной части открывается вид на бескрайние равнины, которые у самого горизонта замыкаются тающим в дымке силуэтом гор. На первом плане изображена Мария. Опустившись на колени перед распятием, она обращается к Богу со своим покаянием. Ее фигура, несколько смещенная от центра, озарена неярким светом, что привносит в полотно некоторые интонации театральности.

Художник идеализирует пейзаж, показывая природу совершенной, использует натуралистическую точность и поэтическую одухотворенность, что позволяет ему добиться максимальной гармоничности и выразительности.

Гиацинт (Иасинт) Риго (1659–1743) Портрет Людовика XIV 1701. Холст масло. 238×149

Гиацинт Риго — прославленный французский живописец конца XVII — начала XVIII века, один из ведущих портретистов в период царствования Людовика XIV и Людовика XV. За годы творческой деятельности Риго создал множество портретов своих современников. В ранних работах мастера заметно влияние Тициана и Ван Дейка.

«Портрет Людовика XIV» был написан в 1701. Король-солнце представлен стоящим в полном вооружении на фоне долины, где разворачиваются боевые действия. Белая развевающаяся ткань, охватывающая талию модели, своими очертаниями напоминает цветок лилии — геральдический символ Бурбонов. Портрет показывает монарха на вершине его могущества.

В течение последующих семи лет в мастерской художника с этой работы было сделано 34 копии. Популярность художника была столь велика, что среди европейских монархов считалось престижным иметь портрет кисти Риго.

Луи Мишель ван Лоо (1707–1771) Портрет Филиппа, короля Испании. Около 1 739. Холст, масло. 154х113,5

Луи Мишель ван Лоо — представитель прославленной династии французских художников нидерландского происхождения. Будущий мастер учился у своего отца и дяди. Несколько лет он прожил в Италии, затем переехал в Париж, где поступил в Королевскую Академию живописи и скульптуры. В период с 1737 по 1752 был придворным живописцем испанского короля Филиппа V. В 1752 назначен на должность директора Мадридской Академии Сан-Фернандо.

На портрете король Испании изображен облаченным в доспехи и стоящим на фоне пейзажа. Он открыто смотрит на зрителя, эффектно поставив руку в кожаной перчатке на талию, повязанную ярко-алой развевающейся тканью. Мастер прекрасно передал фактуру металла, шелка и кожи. Колорит полотна построен на сочетании приглушенных серых, голубых, зеленых и коричневых оттенков. Виртуозно выписанные яркие акценты не только дополняют и оживляют живописный строй картины, но и привносят в нее интонацию торжественности.

Следующий том

Лувр — один из самых известных и наиболее посещаемых художественных музеев мира, занимающий третье место по площади — 160106 м² На протяжении веков каждый новый правитель Франции по-своему перестраивал, обновлял и расширял его. Здание музея — старинный королевский дворец — расположен в центре Парижа, на правом берегу Сены. Сегодня Лувр ежегодно посещает более пяти миллионов человек.

Неврев Николай Васильевич — ИСКУССТВО и ВРЕМЯ — ЖЖ

Всегда интересно, каким художник видит себя самого. Ведь автопортрет никогда не является зеркальным отображением внешности художника. Себя Николай Неврев изобразил с неким налетом романтизма.

Грустное, красивое лицо с бородкой и усами. Небрежно надвинутая на лоб широкополая шляпа, резкий поворот головы. Контраст света и тени. Во всем этакая загадочность.

Самое удивительное, что все остальные работы художника, и до и после автопортрета, по характеру письма являются почти полной противоположностью этому полотну.

Николай Неврев. Автопортрет. 1858. Государственная Третьяковская галерея.

Николай Неврев родился и вырос в Москве. Рано потерял отца, и долгие годы ему приходилось выбираться из нужды.

Даже Московское училище живописи и ваяния пришлось оставить, не завершив учебы. Но в первые же годы самостоятельного творчества Неврев становится одним из популярных портретистов. Все его работы подкупают глубиной проникновения во внутренний мир человека.

Достижения Николая Неврева в области портрета были несомненны. Но еще больших высот он достиг в жанровой живописи.

За пятьдесят с лишним лет творческой деятельности Николай Неврев создаст огромное количество картин с изображением жанровых сцен и эпизодов. Он оставит нам в наследство живопись о судьбах людей своего времени.

В большинстве жанровых полотен Николай Неврев знакомит нас со своими героями в минуты их эмоционального подъема. И в этой атмосфере необычности происходящего можно, кроме точности бытовых подробностей, почувствовать особый аромат истории нашего общества, нашей страны.

Николай Неврев. Бытовая сцена XVII века (Купец и товар?). Начало 1890-х. Нижнетагильский художественный музей изобразительных искусств, Нижний Тагил.

Очень интересная круговая композиция. Если идти по часовой стрелке от девушки, то получится три возраста женщины и… мужчина — вероятно, как то, что называется четвертой стадией жизни?

Его лицо в тени, как обычно и изображают смерть — в образе ужасного ли скелета или светлого, но грозного Ангела.

Весна -> лето -> осень -> зима.

Две дихотомии: «юное — зрелое» и «мужское — женское»

Сразу вспоминается другая «бытовая сцена 17 века» — «Завтрак» испанца Веласкеса, где основной вопрос, сколько человек изображено на картине — трое или четверо? Там четвертая стадия символизируется пустым (пустым ли?) плащом и шляпой, висящей на гвозде.

Диего Веласкес, Завтрак. Около 1618 года. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург.

Но вернемся к нашему купцу с его товаром.

Кафтан купца заметно европеизирован — не только притален, но и укорочен. В ухе «пиратская» серьга, которую, впрочем, в 17 в. носили все мужчины, как в России, так и в Европе.

Русский 17 век — последнее столетие традиционной православной культуры, порог петровских реформ. Вестником нарождающейся буржуазной цивилизации, уже сокрушившей традиционные идеологии в некоторых странах, например, в Англии и Голландии, выступает мужчина-«купец», представитель нарождающейся буржуазии — смерть уютному, замкнутому «женскому» («бабьему-рабьему» по словам некоторых наших доморощенных «фрейдистов» и «юнгианцев») мирку феодализма. Станет ли это начало, этот конец — началом чего-то нового? Этот вопрос, пусть пока еще не осознанный, читается в глазах девушки, которая со вниманием прилежной ученицы следит за актом купли-продажи, и в то же время с боязливостью всякой теремной девицы, редко видящей посторонних мужчин, прижалась к матери, ловкими, привычными движениями осматривающей отрез богатой ткани.

Этот вопрос был актуален в России петровского времени. Актуален он и сейчас.

Николай Неврев. Василиса Мелентьева и Иван Грозный. 1880-е. Музей-заповедник «Абрамцево

«

Василиса Мелентьева шестая жена или, по выражению современников, «женище» царя Ивана IV Васильевича Грозного. Названа она так потому, что царь не венчался в церкви с Василисой Мелентьевой, она взята им была для соития по одной молитве. Поговаривали, что он венчался с Василисой тайно, но доподлинно это неизвестно. Впервые увидев Василису, Иван IV был так поражен ее красотой, что тут же приказал заколоть ее мужа, стремянного Никиту Мелентьева. Уже через несколько дней «прекрасная вдова» появилась в царском дворце и заняла в нем главенствующее положение. Иван IV очень изменился, почти прекратились казни. но продолжалось это недолго. Заподозрив (по другим сведениям, уличив) ее в измене, царь насильно постриг ее в монахини в 1577 году. По другой версии она была похоронена заживо в общей могиле вместе с убитым любовником.

Николай Неврев. Возвращение солдата на родину. 1869. Днепропетровский художественный музей

Николай Неврев. Воспитанница. 1867 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Картина «Воспитанница» выполнена в минорном ключе. Да и как иначе изобразить, сложившуюся ситуацию. Бедную родственницу воспитали из милости в богатой семье, где соблазнил сын-офицер. Она беременна. Ее срочно пристраивают замуж: подобрали подходящего человечка, возможно, посулили какое-то приданое. Это смотрины, на них раньше всегда присутствовал священник.

Ситуация противоположного свойства изображена на картине «Увещевание». Священник уговаривает супругов примириться и сохранить брак.

Николай Неврев. Увещевание. 1893. Государственный музей искусств им. А.Кастеева, Республики Казахстан, Алматы

В1870-е гг. Н. В. Неврев обратился к темам русской истории, и историческая живопись впоследствии стала преобладающей в его творчестве. Для конкурса, объявленного А.В. Праховым в связи с основанием в Москве Исторического музея, Неврев исполнил три произведения: «Присяга Лжедмитрия I польскому королю Сигизмунду III на введение в России католицизма».

Николай Неврев. Присяга Лжедмитрия I польскому королю Сигизмунду III на введение в России католицизма. 1874. Саратовский государственный художественный музей им. А.Н. Радищева

«Роман Галицкий принимает послов папы Иннокентия III».

Николай Неврев. Роман Галицкий принимает послов папы Иннокентия III. 1875. Национальный художественный музей Республики Беларусь

«Дмитрий Самозванец у Вишневецкого» (1876, местонахождение этого исторического полотна до 2001 г. было неизвестно).

Николай Неврев. Дмитрий Самозванец у Вишневецкого. 1876. Из коллекции фонда поколений

Все три вышеназванные картины экспонировались на IX выставке {ТПХВ} в Петербурге и Москве (1881), представленные Невревым в связи с решением стать членом товарищества. В 1877 г. тема Смутного времени была продолжена картиной {«Присяга Лжедмитрия I Сигизмунду III на введение в России католицизма»}.

История иллюстрируемого художником события из Смутного времени России «Дмитрий Самозванец у Вишневецкого» полна интриг и загадок. В 1604 г. в имении польского магната Адама Вишневецкого под городом Самбором (Западная Украина) появляется человек, называющий себя царевичем Димитрием, сыном Иоанна Грозного. В Москве считали, что этот самозванец в действительности монах-расстрига Григорий Отрепьев. Вишневецкий, воспользовавшись таким «удачным» обстоятельством и военной поддержкой короля Польши Сигизмунда III, готовит поход на Москву. Изображенное художником боевое оружие, висящее на стене, — символ готовности к походу, а бумага, зачитываемая Вишневецким Лжедмитрию, — письмо от короля, в котором говорится, что он готов предоставить войско. Поход начался осенью 1604 г., и уже в июне 1605 г. Лжедмитрий вошел в Москву. Перед тем как направиться в Речь Посполитую, Григорий Отрепьев побывал в монастыре у Марфы Нагой, матери царевича Димитрия, которая якобы отдала ему единственную сохранившуюся у нее реликвию погибшего сына — наперсный крест. Его и показывает Лжедмитрий Вишневецкому как доказательство того, что он настоящий царевич. Стоящий за спиной Вишневецкого польский ксендз — представитель католической церкви, которая была заинтересована в походе на Москву для установления на Руси католичества.

Николай Неврев. Дмитрий-самозванец. Дальневосточный художественный музей

Николай Неврев. Княжна Прасковья Григорьевна Юсупова перед пострижением. 1886 г. Государственная Третьяковская галерея.

«Прасковья Юсупова оставила после себя легенды и очень мало документов. Не сохранилось даже портрета ее. Только в Третьяковской галерее висит картина Неврева «Княжна Прасковья Юсупова перед пострижением». Люди проходят мимо картины, не зная, что на ней очень точно изображен грозный Ушаков, не зная, какая трагедия разыгрывается здесь. Во мраке пытошного застенка чистым белым пятном светится фигура княжны. Ей жаль своей загубленной юности, но она не покорилась. Это не трава, которая гнется под ветром, — это ногайка, которую как ни сгибай, все равно выпрямится… Через восемь лет «несчастную измученную женщину по соображениям высшей политики нашли необходимым вновь подвергнуть истязаниям и тяжко избили шелепами. Никому не приходило в голову спросить себя, для чего нужно это бездонное море крови и слез, да и некогда было: много танцевали, пили, ели и мелькали в вихре флирта…», — пишет В.Пикуль.

Николай Неврев. Кончина митрополита Филиппа. 1898. Государственный музей изобразительных искусств Республики Татарстан.

«В Твери, в уединенной тесной келии Отроча монастыря еще дышал святой старец Филипп, молясь… Господу о смягчении Иоаннова сердца: тиран не забыл сего сверженного им митрополита и послал к нему своего любимца Малюту Скуратова, будто бы для того, чтобы взять у него благословение. Старец ответствовал, что благословляют только добрых и на доброе. Угадывая вину посольства, он с кротостию промолвил: „Я давно ожидаю смерти; да исполнится воля государева!“ Она исполнилась: гнусный Скуратов задушил святого мужа, но, желая скрыть убийство, объявил игумену и братии, что Филипп умер от несносного жара в его келии» — так писал Карамзин о смерти митрополита Филиппа.

Житие святителя можно найти здесь: Святитель Филипп, митрополит Московский.

Николай Неврев. Опричники. (ранее 1904). Государственный музей изобразительных искусств Кыргызстана, Бишкек

На картине запечатлены события, предшествующие убийству конюшего боярина Ивана Петровича Федорова-Челяднина, которого Грозный заставил одеться в царские одежды и сесть на трон, поклонился ему, а затем ударил ножом со словами: «Ты хотел занять мое место, и вот ныне ты, великий князь, наслаждайся владычеством, которого жаждал!».

Николай Неврев. Шут (Опальный боярин). 1891. Кировский областной художественный музей имени В.М. и А.М.Васнецовых.

Следующие картины считаются утраченными. Составить представление о них мы можем только по гравюрам.

Николай Неврев. Ксения Борисовна Годунова, приведённая к самозванцу (ранее 1883)

. ..наступил самый злосчастный день в жизни Ксении Годуновой. По приказанию Лжедмитрия I князь В. Мосальский привел к нему во дворец бедную царевну. Прекрасная царевна рыдает, закрыв лицо рукою. В самом деле, трудно себе вообразить что-либо ужаснее положения женщины, отдаваемой на поругание похотливому самозванцу, которого она считала убийцей своих дорогих родных. И какой женщины? Той, которая три года назад могла стать женой благородного Иоанна Датского! Теперь перед Ксенией был человек, внушавший ей омерзение и своими деяниями, и своей внешностью.

Николай Неврев. Захар Ляпунов во главе бояр предлагает Василию Шуйскому оставить престол. Начало 1900-х гг.

Николай Неврев. Патриарх Никон перед Собором 1 декабря 1666 года (1885)

Николай Неврев. Борис Годунов выслушивает предсказание астролога. 1890-е гг.

Изображен описанный в летописях эпизод из жизни Бориса Годунова до его восшествия на трон. Согласно летописцу, Борис Годунов(1552—1605,фактический правитель государства с 1587 г., русский царь с 1598 г.) вопрошал у чародеев сможет ли он стать царем. Волхвы предсказали Борису Годунову 7 лет царства. Предсказание исполнилось — в феврале 1598 г. Борис Федорович стал московским царем.

Николай Неврев. Мочалов среди почитателей. 1888.

Картиной «П.С. Мочалов среди почитателей» художник подарил нам, сегодняшним, возможность прикоснуться к театральной культуре прошлого. Наверняка великий актер произносит один из своих знаменитых монологов: Гамлета из трагедии В. Шекспира или Карла Моора из «Разбойников» Ф. Шиллера.

Николай Неврев. Боярыня. 1901. Воронежский областной художественный музей им. И.Н.Крамского.

Последние годы своей жизни Неврев прожил уединившись в своем имении Лысковщина в Витебской губернии, страдая от нервного расстройства. Неврев покончил с собой в своем имении 3 (16) мая 1904.

Art

Идеология модернизма и её воплощение в живописи

В 1954 фотограф Филипп Халсман, снимавший Дали на протяжении десятилетий, выпустил в свет книгу, которая называлась «Усы Дали». Художник относил себя к знаменитым усачам, сделав свои усы абсолютным предметом культа. Фотограф, прекрасно понимавший, что без согласия и активного участия самого Дали с книгой ничего не получится, сыграл сразу на двух слабостях: на безмерной любви к усам и на мании величия, которая всегда была свойственна художнику.

«Мои усы радостны и полны оптимизма. Они сродни усам Веласкеса, и являют собой полную противоположность усам Ницше», — утверждал Сальвадор Дали.

В ходе занятия вы узнаете о течениях модернизма и самых ярких представителях этого стиля.

В начале XX века мир стремительно менялся. Развитие средств сообщения, скорость распространения информации, дипломатические скандалы – всё это нагнетало ощущение каких-то глобальных потрясений.

Пессимистические настроения и стремление к индивидуализму обусловили отказ художников от социальной проблематики. Реальность казалась им лишённой эстетики, поэтому художники старались не передавать традиционное правдоподобие.

Искусство начала XX века имело два полюса. Первый – это осознание глубинной общности человечества, а второй – субъективное начало в изображении действительности.

Поиск нового художественного языка требовал нового истолкования жизненных реалий. Это нашло отражение в агрессии цвета в фовизме; вибрации живописной поверхности в экспрессионизме; деформации форм в кубизме; отказе от изобразительности в абстракционизме; иррационализме в сюрреализме. Сплав этих разнородных течений получил название модернизм или авангард. Это стиль, в котором единство формы, пространства и цвета оказалось разрушенным.

Разберём течения более подробно.

Одним из первых художественных течений начала XX века стал фовизм. Это была живопись без правил. Она исключала светотеневую моделировку, перспективу и передачу световоздушной среды. Фовисты стремились к декоративному эффекту, усиливая яркость цветового пятна. Это упрощало форму, но придавало полотну красочность.

Наиболее известный фовист – Анри Матисс.  В картине «Танец» Матисс отразил свои представления о месте и назначении человека в системе мироздания. Круговая композиция, заданная расположением тел создаёт динамичный орнамент. Пять фигур, взявшись за руки, легко движутся по поверхности холма. Земля прогибается под ними словно пружина. Для передачи ритма картины Матисс использовал всего три цвета – небесную лазурь, розовую свежесть и зелень холма.

Стихию таких чувств, как отчаяние, страх, бессилие перед жестокой действительностью выражал экспрессионизм.  Своеобразной эмблемой этого стиля стала картина Арнольда Шёнберга «Красный взгляд». Поверхность картины словно наполнена вибрациями, передающими состояние человека на грани срыва.

На светлом фоне выделяется искажённое ужасом лицо человека с красными кругами вокруг глаз. Этот безумный взгляд – свидетельство беспредельного страха одинокого человека. Шёнберг использовал достаточно грубые живописные средства: кричащие краски, резкие светотени, ломаные линии. Однако с помощью них художник смог передать переживания человека, терзаемого предчувствием надвигающейся катастрофы.

Продолжением экспериментальных поисков формы стал кубизм. Он прошёл несколько этапов своего развития. Первым из них стал аналитический кубизм, представленный сложными геометрическими композициями. Изображения накладывались одно на другое и у зрителя появлялась возможность увидеть один предмет сквозь другой. Крупные объекты обычно помещались в центр композиции, а мелкие «подтягивались» к ним. Цвет и сюжет в кубизме выполняли второстепенную роль. На первый план вышли рисунок, статичная конструкция и композиция.

Понимание и расшифровка замысла художника-кубиста представляли большую трудность. Чаще всего авторы картин и сами не могли объяснить значение некоторых элементов.

Начало истории кубизма положила картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы». В этой картине всё необычно: переплетение новаторского и традиционного, аллегоричность образов, представление пространства как равноправного элемента конструкции. Отсутствие центра композиции открывает возможность её рассмотрения с разных сторон.

Сходство «Авиньонских девиц» с африканской скульптурой напоминает приём обезличивания, характерный для первобытного мышления. В первобытном обществе изображение человека не передавало индивидуальных черт.

Различные предметы реальной жизни использовали художники, которые писали в стиле синтетического кубизма. Это могли быть гриф гитары, ножка бокала, кайма скатерти и многое другое. Часто на картинах появлялись буквы и цифры, фрагменты слов, обрывки газет. Художники часто использовали материалы, инородные для живописи, например, железо, стекло, доски, обои.

Однажды Пикассо взял клеёнку с изображением сетки плетёного стула. Художник вырезал кусок необходимой формы и приклеил к холсту. Так появился «Натюрморт с соломенным стулом». Это небольшая овальная картина, наполненная множеством деталей.

Кубисты часто обращались к жанру портрета. Фигуры людей они изображали с помощью геометрических форм. Важную роль в появлении таких портретов сыграли африканские маски. Их простые и достаточно примитивные формы дали импульс новым творческим поискам Пикассо. Рассмотрим написанный им «Портрет Амбруаза Воллара». Портрет создан на фоне замысловатых кристаллов. Высокий и прямой лоб известного коллекционера выделяется из общей серой гаммы цветов. А едва различимые черты лица поглощаются кубическими формами.

Широко известны женские портреты, написанные Пикассо. Например, «Марии Терезы Уолтер».  По слова художника, Мария Тереза со своим идеальным овалом лица и «простым носом» олицетворяла классическую красоту. При написании портрета Пикассо использовал цветовую гамму, в которой преобладают нежные, спокойные оттенки, светлая голубизна и изумрудная зелень. Совмещение разных точек зрения (глаза анфас, губы и нос в профиль) подчёркивает правильность черт лица Марии Терезы, представленного в универсальном для всех ракурсов мимическом движении (в одном этом портрете мы можем увидеть сразу три выражения).

В русле нового видения красоты развивался абстракционизм. Его основоположником стал Василий Кандинский. Художник создавал композиции из геометрических фигур, линий и цветовых пятен. Кандинский разработал собственную концепцию цветов, способных вызывать у людей определённые эмоции. Он считал, что цвета обладают собственным звучанием. Например, от лимонно-жёлтого уху больно, как от высокого звука флейты.

Синий цвет звучит как орган, зелёный – как скрипка, красный – как громкий барабанный бой.

Кандинский делил свои картины на три группы: импрессии, импровизации и композиции. Импрессии возникали в результате фиксации впечатлений от внешнего мира. Зритель видел в них очертания реальных предметов.

Импровизации, наоборот, были оторваны от конкретных впечатлений. При их создании художник подключал фантазию и интуицию. Ассоциации были сложны для зрителя и не поддавались расшифровке.

Высшим творческим созданием Кандинский называл композиции. Это синтез фантастического и реального.  

Его «Композиция № 8» ассоциируется с сонатным аллегро. Это обусловлено тем, что сочетание геометрических фигур и линий группируется в три части, что соответствует трёхчастному делению сонатного аллегро.

«Композиция № 6» вызывает впечатление открывшейся перед зрителем бесконечности пространства. Изящные тонкие линии, широкие полосы мягко перетекают друг в друга. Внимание привлекают разнообразные цветовые сочетания. Внутреннее движение цвета и линии выражает напряжённую человеческую жизнь.

Ещё одним течением модернизма стал сюрреализм, который провозглашал источником искусства инстинкты и сновидения. Культовой фигурой сюрреализма был испанец Сальвадор Дали. Он использовал «автоматическое письмо», то есть произвольное соединение образов, оторванных от реальности и лишённых логической взаимосвязи. Предметы реального мира художник превращал в сверхреальность, которая не поддаётся расшифровке.

Картина Дали «Тристан и Изольда» — это причудливое сочетание образов из средневекового романа и «фирменных» знаков Дали.

Одна из первых сюрреалистических картин Дали – это «Озарённые наслаждения». Основу композиции составляют три экрана. Они расположены в разных плоскостях на фоне пустынного пейзажа и голубого неба. Эти экраны увлекают зрителя в мир причудливых сновидений. На них изображены кадры, содержание которых вызывает множество вопросов.

На экране слева представлены элементы архитектурного сооружения, на фоне которого изображён булыжник в форме яйца. К нему протягивает руку мужчина в шляпе.

На центральном экране мы видим бесформенные микроорганизмы, которые пытается разглядеть человек.

Третий экран демонстрирует нам велосипедистов с яйцеобразными булыжниками на головах. Они устремляются в разных направлениях.

Не менее странно выглядят изображения вне экранов. В центральной нижней части картины женщина с окровавленными руками. Её утешает и поддерживает мужчина. Чуть левее поднимается рука с ножом, тень от которой напоминает очертания хищной птицы.

Над центральным экраном возвышаются женские головы, к которым приближается морда льва.

Все изображения кажутся эфемерными, они словно лишены веса. Абсурдность содержания всей композиции усиливается элементами фарса и гротеска.

Одна из самых известных картин Дали – «Постоянство памяти». На пустынном, словно вымершем фоне изображено странное существо, напоминающее останки морского животного. Некоторые искусствоведы считают, что в центре картины Дали изобразил своё спящее лицо.

Мы видим мягкие циферблаты часов, они словно расплавлены. Вокруг часов вечный покой неба, гор и моря – символов вечности бытия. Они наводят на мысль о бренности человеческой жизни, текучести времени. Человек изобрёл механические приборы для измерения времени, но его сущности так и не постиг. Примечательно, что все часы на полотне показывают разное время. Возможно, это обозначение каких-либо важных событий, навсегда запечатлённых в памяти.

Муравьи, ползающие по крышке часов, – напоминание о бесконечной суете, о ничтожности сиюминутных устремлений на фоне вечного бытия.

Сама природа времени ставится художником под сомнение: его линейность кажется автору неочевидной, а сложный характер этого явления подчёркивается разнообразием образов на полотне.

Символ жизни, яйцо, Дали разместил на берегу моря. Согласно мистическим древнегреческим учениям, из двух половинок яйца образовались небо и земля, поэтому расположение объекта на картине выбрано неслучайно. Море же символизирует вечную жизнь, бессмертие.

Несмотря на неприятие линейного времени, Дали не отвергает его полностью. Символом, уравновешивающим понятия объективного и субъективного, реального мира и вымышленного, навеянного сновидениями, является зеркало. На картине оно изображено в виде твёрдой осязаемой поверхности, лежащей горизонтально.

Давайте подведём итоги.

В начале XX века появился модернизм – стиль, в котором единство формы, пространства и цвета оказалось разрушенным.

Ярким представителем фовизма был Анри Матисс.

Стихию таких чувств, как отчаяние, страх, бессилие перед жестокой действительностью выражал экспрессионизм.

Начало истории кубизма положила картина Пабло Пикассо «Авиньонские девицы».

Основоположником абстракционизма стал Василий Кандинский.

Культовой фигурой сюрреализма был испанец Сальвадор Дали.

Круговая композиция | искусство с маркой

25 декабря 2015 г.

С РОЖДЕСТВОМ!!!

Эта книга «Живописная композиция и критическое суждение о картинках» Генри Рэнкина Пура, написанная в 1903 году, является одной из самых блестяще написанных книг, которые мне попадались. Это предмет, о котором многим художникам не хватает знаний, и поэтому они борются со своей работой просто потому, что это была информация, которую им никогда не преподавали. Первоначально написанный, как и многие книги того времени, с более красноречивой и декоративной речью, с чем многим людям может быть трудно справиться.Я попытаюсь перевести диалоги в книге так, чтобы вам было легче их читать — надеюсь, не потеряв слишком много в переводе. Это книга, которую вы можете найти в Интернете или в виде электронной книги. Некоторые из изображений, на которые он ссылается в книге, я постараюсь найти заново, поскольку сканы оригинала могут быть неоптимальными для наблюдения за тем, о чем он говорит.

РЕКОНСТРУКЦИЯ ДЛЯ КРУГОВОГО НАБЛЮДЕНИЯ.

Несмотря на то, что первоначальная идея дизайна могла иметь форму пирамиды или прямоугольника, конечный эффект может быть совершенно другим.Круглая композиция может быть вертикальной, или, будучи плоской в ​​перспективе, становится эллипсом. Часто композиция делается круглой не из-за какого-либо расположения частей, а за счет принесения в жертву и устранения краев и углов. Значение круга как объединяющего и упрощающего агента невозможно переоценить. Круговой путь взгляда особенно хорошо работает при решении проблем, возникающих в композиции, даже если исходная идея не была круговой. В применении идея круга, кажется, приносит облегчение путанице и беспорядку.Во многих случаях, когда все основные элементы удачно расположены, но в целом отказываются составлять композицию, добавление какого-либо элемента или перенастройка части, обеспечивающая круговое наблюдение, часто дает решение проблемы.

Точно так же, как движение и направление прямой линии быстро уводит нас за пределы картины, движение по кругу удерживает нас в границах. Если мы признаем, что круговое наблюдение дает наилучшие средства оценки, то из этого следует, что круговое сочинение является наиболее мощной и влиятельной формой представления.

указан как Gerard Dow, правильно будет Gerard Dou

Есть много предметов, которые, естественно, не попадают в эти строки, но которые часто могут быть перередактированы в этот класс. Это перередактирование означает композицию, и здесь приведены два примера из огромного числа, чтобы показать решение проблемы. В «Отшельнике» Доу фигура, книга и песочные часы составляют простой левый угол, но голова становится центром круглой композиции благодаря наличию арки наверху и огибающей тени позади и под рукой.Углы жертвуют своим пространством, чтобы усилить центр, и, таким образом, взгляд полностью направляется на голову.

Картина Жерара Доу в цвете

 

Прямоугольная композиция

Круглая композиция внутри прямоугольной композиции

Внутри коры есть линии, помогающие укрепить и продолжить дугу круговой идеи

Также есть вихрь, образованный отступающими линиями арок, помогающий усилить и сформировать безмятежное движение от заднего плана к центру композиции, к голове.

Ярким контрастом этому является композиция Буше. Вот элементы
для двух-трёх картинок брошены в одну, а в некоторых отношениях хорошо управляемы как единая композиция.

«Буше Вулкан, представляющий Венеру с оружием для Энея» Франсуа Буше — Неизвестно. Под лицензией Public Domain через Wikimedia Commons.

Представьте себе этот объект без затемненных углов и градаций, создающих фокус. Фигуры лежали бы на холсте в форме буквы Z, лишенные существенной связности, с деталями на переднем плане, безнадежно выставленными напоказ как набивка.

Другим средством для закрепления вихря или центра, ограниченного кругом, является окружение головы или фигуры развевающейся драпировкой, формами ветвей, ореолом или любым линейным элементом, который может служить как для вырезания, так и для подшивания. Он выполняет нечто вроде того, что делает рука, когда ее держат в виде туннеля перед глазами. Такой прием предлагает готовую помощь декоратору, фигуры которого часто должны иметь тесную оболочку, вписанную в ограниченное пространство, когда многие неизящные линии в предмете исчезают из-за гибкой драпировки или различных форм дерева.

Круговые композиции | Круг — самый первозданный из…

Круг — самая изначальная из геометрических фигур. Среди большого разнообразия органических узоров в природе мы редко видим треугольники или прямоугольники. Они являются отличительной чертой созданных человеком вещей. Однако круги доминировали в нашем восприятии природы на протяжении тысячелетий. Мы видим его форму в солнце, дающем свет и тепло, в таинственно-мирном сиянии луны и в путешествии всех небесных тел по небу.Круг дал нам колесо, которое дало нам возможность путешествовать все дальше и дальше, что в конечном итоге привело к осознанию того, что весь мир и, возможно, сама Вселенная круглые. Даже наше визуальное восприятие окружающей среды имеет родственную форму эллипса, определяемую контурами поля зрения нашего глаза. Мы бы вообще не увидели мир и не имели бы пресловутой возможности заглянуть в человеческую душу, если бы не идеально круглая радужная оболочка и зрачок человеческого глаза.

 

По всем этим причинам круги запечатлены в нашем сознании как фундаментальный опыт и архетипический символ. Он представляет собой единство, целостность, завершенность, полноту, связанность и совершенство, поэтому мы часто связываем его с космосом, духовной энергией и Богом без начала и конца. Это бесконечность и вечность, а также знак движения, подвижности, повторения, циклов и революций. Поскольку круг заключает в себе то, что находится внутри, он передает ощущение границы, фокуса, центрирования, воплощения и сдерживания.В различных религиях на протяжении всей истории круг символизировал питающую матку, священное пространство и человеческую психику, как видно из круглых мандал буддизма и индуизма.

 

Как видите, круг легко приукрасить. Так что давайте не будем забывать о некоторых его возможных негативных коннотациях. Несмотря на то, что он предполагает единство, круг может создавать инклюзивность, а не исключительность. Некоторые вещи принадлежат внутри; некоторые опущены. Особенно с маленькими кругами ограждение может казаться изолированным, клаустрофобным, даже как ловушка.Бесконечное повторение его формы может также указывать на отсутствие направления и бесцельность. Никто не хочет, чтобы его обвиняли в круговых рассуждениях или хождении по кругу. Наконец, круг — это ноль, пустота, вообще ничего.

 

Учитывая разнообразие значений, которые мы связываем с кругом, он становится мощным инструментом в фотографической композиции. На самом деле круговые композиции были популярны на протяжении всей истории искусства и фотографии. Они принимают по крайней мере четыре различных формы: (1) круглый объект служит основным объектом изображения, (2) объекты или люди появляются в виде круга, (3) размещение элементов на фотографии побуждает взгляд двигаться. по кругу вокруг изображения, и (4) углы рамки смягчаются или закругляются, чтобы создать ощущение круга на фотографии.Сложные изображения могут сочетать два или более из этих композиционных подходов. Эллиптические формы могут служить тем же целям, что и круглые, потому что глаз часто воспринимает их как круги, если смотреть под углом.

 

Круглый объект в качестве основного объекта

 

Окружающая среда щедро предлагает нам широкий выбор круглых объектов для съемки. Помимо глаз, колес и уже упомянутых небесных тел, есть еще шары, часы, фрукты, глобусы, тарелки, чашки, шестерни, диски, датчики, столешницы и знаки, и это лишь некоторые из них. Их округлость имеет внутреннюю привлекательность как символически, так и на чисто визуальном уровне. Круглые вещи — это микрокосмы, миры сами по себе. Если на фотографии их несколько, они могут указывать на объединение, разделение, сотрудничество, конкуренцию или столкновение миров. Если они встроены друг в друга, они раскрывают мистическую загадку миров внутри миров.

 

Округлость предметов можно приятно подчеркнуть их сопоставлением с прямоугольной рамкой фотографии.Резкость прямых углов кадра контрастирует с плавностью изгибов. Круглые объекты в квадратных рамках могут быть особенно привлекательными, так как обе формы совершенно симметричны, но очень разные.

 

Благодаря тому, что они обладают чувством объемлющего движения, круглые объекты также легко поддаются гештальт-закону восприятия, известному как «замыкание». Округлость настолько убедительна, что глаз будет завершать форму круглого объекта, даже если на фотографии появляется только его часть, даже треть. Нам нужно только увидеть небольшой сегмент колеса, чтобы представить, что остальная его часть выгибается из рамы, а затем изгибается обратно в нее. В своей объединяющей способности частично видимая округлость соединяет воедино пространство внутри и снаружи рамы.

 

Круговые формы

 

Объекты, расположенные на фотографии по кругу, обычно создают ощущение организованности и единства. Даже в тех случаях, когда изображение могло бы выглядеть запутанным, круглая форма может помочь упростить его, создавая впечатление порядка.Фактически, художники, пытающиеся справиться с работой, которая начинает становиться хаотичной, иногда решают проблему, переставляя элемент, чтобы создать впечатление кругового узора. Такой контроль над изображением не всегда возможен в фотографии при съемке сцены, хотя программы для редактирования фотографий дают нам возможность переставлять элементы изображения, подобно рисованию.

 

Круглая форма притягивает взгляд внутрь изображения, тем самым предотвращая его блуждание за пределами кадра. Внимание зрителя поглощается контуром, перемещаясь по окружности кругового узора от одного элемента к другому, начиная с наиболее выступающей точки и возвращаясь к ней. Обычно эффект наиболее привлекателен, когда круглое образование тонкое, возможно, едва сознательно замечаемое зрителем. Явно круглый дизайн может показаться надуманным. Как и при использовании круглых объектов, круглые композиции могут быть привлекательными благодаря контрасту с прямоугольной формой кадра.

 

Эффект сосредоточения внимания на круглом образовании и внутри него может быть настолько сильным, что элементы вне его могут быть не замечены. По этой причине сторонники традиционной композиции говорят, что основной предмет должен лежать либо вдоль, либо внутри контура. Если он появится снаружи, глаз будет сброшен с круговой дорожки. Конечно, в нетрадиционной композиции это может быть именно тот эффект, который вы хотите. Если вы хотите создать представление о чем-то другом, нетрадиционном, не принадлежащем, исключенном или нарушающем порядок и непрерывность, поместите это за пределы круглой формы. Выход для глаз, например дверь или окно на заднем плане, — еще один пример того, как размещение чего-либо за пределами кругового узора может улучшить качество изображения. Как только глаз почувствует себя удовлетворенным, он может покинуть схему, а также изображение через зрительный выход. Интересные элементы за пределами круглой формации также могут обеспечить интригующий баланс внимания, который чередуется между сосредоточением и раскрытием.

 

Радиальные узоры часто работают так же, как круговые.Они могут указывать на движение, вырывающееся наружу или сходящееся внутрь, но они манят взгляд к центральной точке, а также создают приятные глазу ритмы.

 

Круговые наблюдения

 

В композиции, которая поощряет круговые наблюдения, глаз сначала фокусируется на доминирующем элементе композиции, затем перемещается наружу, огибая изображение, чтобы заметить другие элементы, и, наконец, возвращается к доминирующий элемент. Цикл может повторяться, каждый раз выбирая несколько иной путь, но в целом эффект представляет собой движение по кругу.

 

Хотя этот тип композиции имеет сходство с круговыми образованиями, он отличается тем, что элементы, образующие цепь, не обязательно являются отдельными объектами, расположенными по кругу. Вместо этого интересные особенности всего одного или двух объектов побуждают взгляд к круговому движению. Ощущение круга больше зависит от того, как движется глаз, а не от осязаемого визуального расположения различных объектов. Представьте, например, человека, пристально смотрящего в камеру, одной рукой нежно касающегося плеча, а другой держащегося за талию.Глаз испытывает искушение переместиться с лица на одну руку, затем на другую руку, а затем вернуться к лицу.

 

Особенно интересные изображения, стимулирующие круговые наблюдения, ведут нас к постепенному процессу открытий. Мы начинаем с рассмотрения доминирующего компонента, но узнаем все больше о его значении по мере того, как расширяем свое внимание, чтобы рассмотреть другие элементы схемы. Когда мы, наконец, возвращаемся к доминирующему компоненту, мы видим его с более глубоким пониманием, чем в начале.

 

Круглое внутреннее обрамление

 

В традиционных теориях композиции художники стараются приглушить внимание зрителя к краям и прямым углам кадра. Они не хотят, чтобы чьи-либо глаза застревали в углах или блуждали за пределами изображения. Они хотят побудить внимание зрителя оставаться внутри картины. Некоторые художники считают, что на самом деле намного проще создавать хорошие композиции в круглой, а не в прямоугольной рамке, но, возможно, из-за большей сложности создания овальных и круглых форматов они так и не прижились в живописи и фотографии.Можно также утверждать, как я уже говорил ранее, что контраст круглой композиции в прямоугольной рамке может быть эстетически приятным.

 

Тем не менее, можно сгладить прямоугольность, смягчив углы внутренним обрамлением. Например, используйте листья или облака, чтобы скруглить углы, затемнить или осветлить их с помощью виньетирования. Некоторые люди считают такую ​​тактику неуклюжей заменой действительно хорошей круговой композиции, которая заставляет взгляд двигаться в пределах изображения. Но если использовать тонко, так, чтобы уловить значимое ощущение или эмоцию (например, попасть в ловушку), или в сочетании с другими методами круговой композиции, внутреннее обрамление может работать довольно хорошо.

 

** Это изображение и эссе являются частью книги по психологии фотографии, которую я создаю на Flickr. Если у кого-то есть фотографии, иллюстрирующие идеи, изложенные в этом эссе, пожалуйста, не стесняйтесь публиковать и обсуждать их.

 

Вот более простая для чтения и навигации версия

Фотопсихология

 

Сделанный

Тондо — Круговое искусство

28 июня 2015 г. | Рубрика: ТРАДИЦИОННОЕ ИСКУССТВО И ЖИВОПИСЬ |

Тондо — это уникальная форма «кругового искусства» и живописи. Узнайте больше об истории тондо и о том, как он до сих пор используется в художественном дизайне.

Что такое тондо?

«Мадонна делла Седжиола» Рафаэля, в настоящее время находится в коллекции Палаццо Питти во Флоренции, Италия. Источник: Викисклад

.

«Тондо» — это термин, используемый в искусстве для описания картин, скульптур и рельефов круглой или круглой формы. Круглые полотна, панно и скульптуры довольно необычны и стали особенно популярны в Италии эпохи Возрождения 15 века.

Довольно много известных, заслуживающих внимания произведений искусства представляют собой тондо (или тонди, используется любой термин), и это формат, который даже сегодня ставит перед художником уникальные задачи. Вы можете читать дальше, чтобы увидеть примеры известных произведений искусства в формате тондо, а также историю тондо от Древней Греции до наших дней.

История тондо

Тонди можно встретить в искусстве, восходящем к древнегреческим временам. Вазы часто украшали круглыми рисунками, а широкая чаша для питья, известная как киликс, также обычно украшалась круглым изображением на внутренней стороне чаши.

Килик (широкая чаша для питья) с белым основанием, найденный в гробнице в Дельфах. Источник: Деннис Джарвис на Flickr, лицензия Creative Commons Attribution-ShareAlike 2.0 Generic

Круглая живопись – или рельеф – возродилась как популярный формат в Италии эпохи Возрождения. Андреа делла Роббиа и его семья создали множество круглых работ из глазурованной и расписной терракоты, часто используемых для украшения стен фресками (многие из них можно увидеть сегодня во Флоренции, в «Госпитале невинных»).Сандро Боттичелли создал множество картин в формате тонди, а Микеланджело создал как круглые скульптурные рельефы, так и одну известную картину, Тондо Дони — единственное законченное панно художника, которое, как известно, сохранилось до наших дней.

Микеланджело Буонарроти, Тондо Дони. На выставке в галерее Уффици во Флоренции, Италия. Источник: Викисклад

.

Микеланджело прежде всего известен своими скульптурными работами, такими как его статуя Давида и его фрески в Сикстинской капелле.Поэтому это расписное панно, висящее сейчас в музее Уффици во Флоренции, действительно является редкостью – и не только потому, что оно нарисовано на круглом панно!

Тондо Дони, вероятно, было написано в ознаменование свадьбы Аньоло Дони и Маддалены Строцци, и тондо часто ассоциировалось с домашними идеями в Италии эпохи Возрождения. Хотя фигуры Святого Семейства на переднем плане этой работы знакомы, ученые веками размышляли над значением обнаженных мужских фигур на заднем плане.

Как и в большинстве произведений искусства эпохи Возрождения, в этой картине происходит гораздо больше, чем поверхностное изображение, даже в цветах и ​​растениях, выбранных для включения в работу.

---

Как правило, чтобы считаться настоящим тондо, произведение должно быть довольно большим – по крайней мере два фута в диаметре для раскрашенных работ – чтобы отличить его от круглых миниатюрных картин, которые были популярны в Англии и других странах. Одним из аспектов тондо, который отличается от более стандартных прямоугольных произведений, является отсутствие или сжатие фоновых элементов: основное внимание обычно уделяется фигурам в центре круглой композиции.

Современные и современные художники также продолжают создавать работы в формате тондо, используя круговой формат в качестве динамического формата для геометрических и минималистичных работ, увлекательно реагируя на форму и вызовы круглого холста или панели. Выставка 2012 года была отмечена 18 современными художниками, которые приняли формат тондо и сохранили его живым и захватывающим в современном мире искусства.

Ссылки и узнать больше:

* Тондо (искусство) — Википедия

* Тондо (искусство) — Британская энциклопедия

---

Делла Роббиа Терракотовый Тондо

Декоративное искусство в Италии эпохи Возрождения

Богородица и ангелы, поклоняющиеся младенцу Христу, Лука Делла Роббиа.На выставке в Художественном музее Филадельфии. Источник: jcapaldi на Flickr, лицензия Creative Commons Attribution 2.0 Generic

По всей Италии можно найти множество образцов красивой глазурованной терракоты семьи Делла Роббиа. Многие из этих предметов имеют круглую форму: тондо, на которых изображена Мадонна с младенцем, фамильный герб и знаки отличия гильдии, а также декоративные работы для гробниц, церквей и потолочные медальоны.

Часто синего и белого цвета с зелеными и/или желтыми бликами, сегодня они являются уникальными и невероятно ценными.

Вы найдете много туристических магазинов, продающих также небольшие современные терракотовые копии, так что вы можете взять эти дизайны с собой домой.

---

«Мадонна, поклоняющаяся младенцу с пятью ангелами» Сандро Боттичелли, выставленная в Балтиморском художественном музее. Источник: Викисклад

.

Сандро Боттичелли — один из самых известных художников раннего итальянского Возрождения, автор таких известных работ, как «Рождение Венеры». Боттичелли написал множество произведений тондо. Он был учеником Фра Филиппо Липпи, с которым он разработал и усовершенствовал свой стиль очень подробных, интимных картин.

После его смерти в 1510 году его работы были «забыты» на века, пока в начале 20-го века его картины вновь не стали ценить.

 «Мадонна Альба» и «Мадонна делла Седжола» Рафаэля

Рафаэль, «Мадонна Альба». Экспонируется в Национальной галерее искусств. Источник: Викисклад

.

Рафаэлло Санцио да Урбино, которого часто называют просто Рафаэлем или Рафаэлем, был одним из истинных мастеров живописи Высокого Возрождения в Италии и считался наряду с Да Винчи и Микеланджело одним из троицы истинных идеалов Возрождения.

Хотя он умер молодым, всего в 37 лет, у него была очень большая мастерская, и он оставил после себя огромное количество работ. Тем не менее, поскольку он часто покидал свою мастерскую, чтобы закончить картины по своим эскизам и эскизам, их качество не всегда было таким же, как в его первые годы в Риме. Показанная здесь «Мадонна Альба» относится к римскому периоду и демонстрирует его мастерство дизайна, баланса и прекрасного живописного исполнения. К сожалению, картина пострадала за эти годы; когда на исходной панели появились признаки сильного расщепления, ее перенесли на холст, и часть пейзажного фона была повреждена.

«Мадонна делла Седжола», показанная в начале этой страницы, также относится к римским годам Рафаэля. Эта знаменитая работа, которая в настоящее время выставлена ​​во дворце Питти во Флоренции, отличается мягкостью цвета и композиции, более похожей на работу венецианского мастера Тициана, чем жестким геометрическим стилем предыдущих работ флорентийского Возрождения.

 

Связанные посты в Пространственной аномалии

носок

sockii — типичная мастерица на все руки, у которой никогда не бывает достаточно времени в течение дня для всех своих проектов. Она написала для многих веб-сайтов в Интернете, включая Squidoo, Zujava, Yahoo! Сеть участников, HubPages и Wizzley. Она более 15 лет посещала и продавала съезды научной фантастики и средств массовой информации, а в течение нескольких лет владела художественной галереей и ювелирным магазином в Филадельфии. Сегодня она счастлива жить в Южном Джерси со своим партнером Дэвидом и их 6 кошками. Sockii является участником нескольких программ партнерских продаж, включая Amazon Associates и Viglink. Продукты этих сервисов могут рекламироваться в ее сообщениях и на страницах для получения комиссионных с продаж.

Вы можете использовать следующие теги и атрибуты HTML :

Помимо архитектурной иллюстрации: композиция, часть 7

Меня никогда не интересовали картины с цветами, но это один, висящий в доме моей свекрови, вырос на мне за эти годы (нет каламбур). Он составлен в знаковый круговой узор, который уместен, поскольку круг означает единство, целостность и семья. есть разнообразие и асимметрия, но круг — безошибочная тема.

Хотя кажется, что круг ничем не отличается от света или мотив темного пятна, реальность такова, что круг может быть предложен в любом количестве способов. И круг не нужен не имеют ничего общего с образцом светлых и темных значений.

Портреты, на которых изображена только голова, представляют собой естественный круг. композиции; лица все-таки примерно овальной формы.Рубенс А Голова ребенка ведет взгляд по сторонам и внутрь лица. Это знакомое, почти врожденное поведение; к порхать от глаз, носа и рта к щекам, подбородку и линии роста волос. Рубенс дает нам волосы и одежду как дразнить, но возвращаемся к области глаз, носа и рта.

Портрет Кранаха Лютера Отец менее привлекателен, но имеет тот же соблазн. Голубые глаза особенно живы, когда лицо появляется из суматохи фона.

Утреннее солнце Ловис Коринт не увеличивает лицо, а вместо этого создает вращающееся изображение. композиции с использованием руки и головы субъекта, а также формы постельные принадлежности.На самом деле, если вы щурите глаза фигуры описывают круг внутри круга. Конечно не помешает, чтобы испытуемый был дружелюбным, улыбчивым человеком, и «история» приятно расплывчата.

Джозеф Мэллорд Уильям Тернер склонялся к динамичному и абстракционизм в последние годы его жизни.  Музыкальная вечеринка, Петворт следует этой линии, но круг пойман в смеси наводящих на размышления фигур.

Эта иллюстрация из детской книги «Рождественское чудо Джонатана Туми ». П.Дж. Линч, гораздо конкретнее и реалистичнее Тернера, но все же производит тот же закрученный круг.

Конечно, вы можете открыто говорить об этом и просто подставлять сцена с изогнутыми деревьями, как на этом изображении Ватто. По сути, он создал плавающий пончик. форма, с фигурами и действиями, происходящими в основании круга.

Рембрандт был почти так же очевиден в своей картине «Притча о богаче ». реальность он описывает спиралью.То Символика бухгалтерских книг, поглощающих скрягу, драматична и может быть основа для фэнтезийной компьютерной игры.

А.И. Картина Келлера Кальвин Cooledge Inaguration (приведение к присяге было проведено в доме его отца) ферме в Вермонте после неожиданной смерти президента Хардинга), использует такое же освещение, как у Рембрандта. В Однако в этом случае круговой рисунок предполагает стабильность и управляемость. драма. Размещение лампы в мертвом центр напоминает Уинслоу Гомера, другого жителя Новой Англии.

Некоторые композиции могут показаться надуманными, например, это масло эскиз под названием Небо на закате, Ямайка, Вест-Индия, 90 242, Черч. Однако в В данном случае нет сомнений, что это именно то, что видел Черч.

Другой пример случайных кругов — «Этюд оливковых деревьев » Клода Моне.

Явно надуманный проект Густава Климта Schloss Kammer am Attersee, , где он изо всех сил старается изолировать белизну стены здания.Получившийся круг больше похож на пару скобки, или два бледнокожих пришельца разговаривают друг с другом.

С помощью виньетки можно создать простую круговую композицию. Выше приведен эскиз идеи для Кливленда. Рождественская открытка клиники из далекого прошлого. Это Это был небольшой набросок тушью с тонким мазком пастели, изображающий зимний вечер.

Выше еще один древний рисунок; на этот раз вход в жилую башню с помощью воскового карандаша на борту. Внутреннее освещение и формы стеклянный тент и пол создают приятное круговое движение.

Эта низкая антенна Колледжа Родса работы Уэсли Пейджа показывает, как внутренний двор или монастырь естественным образом образуют круг.

Итак, давайте все выйдем и обведем вагоны возле Полярный круг. Мы в конце концов придем полный круг, но обязательно избегайте порочного круга. Время заканчиваться, так как я выхожу из контроль.

Предупреждение для всех сообщений о композиции.

Вы не хотят создать полный хаос.

Вы не хотят навести банальный порядок.

ты хочешь соблазнять, намекать и подсказывать.

Вы хотите создать тайну, даже если предмет кажется очевидным.

- Композиция Часть 17 - Изучение стоимости

Василий Кандинский Картины, Биография, Идеи

Краткое изложение Василия Кандинского

Один из пионеров абстрактного современного искусства Василий Кандинский использовал вызывающую воспоминания взаимосвязь между цветом и формой для создания эстетического опыта, включающего вид, звук и эмоции человека. публика.Он считал, что полная абстракция дает возможность для глубокого трансцендентного выражения и что копирование с натуры только мешает этому процессу. Вдохновленный созданием искусства, передающего универсальное чувство духовности, он изобрел изобразительный язык, который лишь в общих чертах имел отношение к внешнему миру, но много рассказывал о внутреннем опыте художника. Его визуальный словарь развивался в три фазы, переходя от его ранних репрезентативных полотен и их божественной символики к его восторженным и оперным композициям, к его поздним, геометрическим и биоморфным плоским планам цвета.Искусство и идеи Кандинского вдохновляли многие поколения художников, от его учеников в Баухаузе до абстрактных экспрессионистов после Второй мировой войны.

Достижения

• Живопись была для Кандинского прежде всего глубоко духовной. Он стремился передать глубокую духовность и глубину человеческих эмоций с помощью универсального визуального языка абстрактных форм и цветов, выходящих за культурные и физические границы.
• Кандинский рассматривал беспредметное абстрактное искусство как идеальный визуальный способ для выражения «внутренней необходимости» художника и для передачи общечеловеческих эмоций и идей.Он считал себя пророком, чья миссия заключалась в том, чтобы поделиться этим идеалом с миром для улучшения общества.
• Кандинский рассматривал музыку как наиболее трансцендентную форму беспредметного искусства — музыканты могли вызывать образы в сознании слушателей просто звуками. Он стремился создавать такие же беспредметные, духовно богатые картины, которые намекали на звуки и эмоции через единство ощущений.

Биография Василия Кандинского

Модернистская абстракция не могла бы и мечтать о более харизматичном и дальновидном теоретике, чем Кандинский - высочайшие идеалы, к которым он стремился в своих многочисленных путешествиях и дружбе.

Идеал круга в искусстве эпохи Возрождения — видео и стенограмма урока

Круг в архитектуре

Круг был очень важен в архитектуре эпохи Возрождения, особенно в церковной архитектуре, то есть связанной с церковью. Эпоха Возрождения была временем интенсивного религиозного рвения, поэтому было построено много новых церквей, и чтобы создать ощущение гармонии, равновесия и логики, архитекторы обращались к кругу. Мало того, что круг идеально сбалансирован и симметричен в любом положении, он также рассматривается как воплощение совершенства.Подумай об этом. Без углов, без слабых мест и с полной симметрией круг является идеальной формой. Совершенство равно святости, поэтому круг был почти божественным для архитекторов эпохи Возрождения.

Планы капеллы Пацци базилики Санта-Кроче во Флоренции

Прекрасным примером этого является часовня Пацци базилики Санта-Кроче во Флоренции. Эта часовня, спроектированная архитектором Филиппо Брунеллески в середине 15 века, почти во всех отношениях отражает идеальную геометрическую симметрию.Посмотрите планы этой часовни выше. На вас бросаются какие-нибудь фигуры? Часовня Пацци спроектирована вокруг квадрата и круга, создавая уравновешенное, логичное и спокойно рациональное пространство. Центр часовни представляет собой круг, и все остальные части спроектированы по отношению к нему.

Круг в искусстве

Круг как идеальная форма применялся и в искусстве. Как и в архитектуре, считалось, что человеческие фигуры имеют идеальные пропорции, и эти пропорции были представлены через геометрические соотношения. Круг снова появился как способ создать идеальный баланс и симметрию как в фигурах, так и в общей композиции.

Существует множество произведений искусства эпохи Возрождения, в которых круг использовался в качестве основы для композиции. Однако мы сосредоточимся на одном наброске, который является одновременно и наиболее очевидным примером круга, и, возможно, одним из самых известных. «Витрувианский человек» — исследование Леонардо да Винчи идеальных соотношений человеческого тела. Обратите внимание, ниже, что высота туловища точно такая же, как и длина рук, отсюда и квадрат.Круг используется, чтобы перевести фигуру из положения стоя в более активное положение, сохраняя при этом идеальную симметрию и пропорции.

Витрувианский рост человека

Подобное использование круга как в искусстве, так и в архитектуре не случайно. Художники эпохи Возрождения и классицизма считали, что здания и люди должны быть смоделированы в одних и тех же пропорциях. Фактически, название «Витрувианский человек» является производным от имени Витрувия, древнеримского архитектора, написавшего одну из самых важных книг по архитектуре в древнем мире.

Краткий обзор урока

В эпоху Ренессанса , периода огромного художественного творчества с 14 по 16 века, художник начал переосмысливать Классические стили или художественные традиции Древней Греции и Рима. Для художников-классиков совершенство заключалось в геометрических соотношениях и пропорциях, и не было формы более совершенной, чем круг.

Художники эпохи Возрождения с энтузиазмом восприняли этот менталитет, используя такие формы, как круг, для создания композиций порядка, логики, симметрии и идеальной красоты.На этом основывались многие архитектурные достижения эпохи Возрождения, но наиболее заметным он был в церковной архитектуре , или архитектуре, связанной с церковью. Это произошло прежде всего потому, что круг считался совершенной формой, полностью симметричной со всех сторон, а совершенство исходит только от Бога. Таким образом, круг был почти божественным, и большая часть церковной архитектуры была спроектирована вокруг этой формы, как мы видели в капелле Пацци Филиппо Брунеллески.

Тем не менее, круг был также известен в живописи как способ создания идеальной фигуры человека, а также в целом сбалансированной и рациональной композиции.Витрувианский человек Леонардо да Винчи демонстрирует, как основные геометрические формы определяют идеалы красоты, симметрии и движения.

Круг может иметь 360 градусов, но для художников эпохи Возрождения он всегда был номером один.

Результат обучения

После просмотра этого урока вы сможете описать важность круга в искусстве эпохи Возрождения и то, как он идеально подходил для искусства и архитектуры, особенно связанных с церковью.

Рафаэль: итальянский художник Высокого Возрождения

Мадонна на стуле и Сикстинская Мадонна безусловно самые интересные не фресковые работы этого периода стилистического развития Рафаэля. Первый повторяет старая флорентийская головоломка, круглая картина или tondo (головоломка явно классической по происхождению), и решает ее с впечатляющим мастерством и простота; пространство вокруг фигур почти отсутствует, а фигуры сами связаны друг с другом в идеальном круговом движении. Как отражение в выпуклом зеркале сфера как бы выдается к зрителю. Умное решение головоломки подкреплено чудесной живописью, здесь и в Сикстинская Мадонна .Последний - один из великих произведения христианского искусства - была написана на холсте для главного алтаря в церкви монахов Сан-Систо в Пьяченца, и предназначался для изображения Девы Марии в виде видения. Видение должно было стать фокусом всех частей нефа; расположение драпировки повторяли узоры архитектуры вокруг нее, так что казалось, что крыша открылась, чтобы пропустить божественное видение. Фигура построен в соответствии с золотым сечением, но в нем есть тонкая энергия и безотлагательность, воздушное величие и полная абстракция яйцевидного видения. Этот последняя большая картина, полностью принадлежащая Рафаэлю. Дама с вуалью и Видение Иезекииля в Питти и Портрет Льва X между двумя Кардиналы 90 242 в Уффици — последние великие произведения, в которых Рафаэль часть, хотя и небольшую, можно выделить. Большое количество работ написанные в те немногие годы, что остались до его смерти, были полностью, или почти полностью выполнен его учениками.Даже в Stanza dell'Incendio, написан между 1514 и 1517 годами, кроме плана составных частей и некоторые красивые фрагменты фрески, которая дала название комнате, рука Рафаэля едва заметна. Пожар в Борго тем не менее шедевр Школы Рафаэля и основополагающая работа в истории живописи XVI в. Обычный план Рафаэля разработана композиция: идеально правильный центральный план все еще там, разрез, который мы можем видеть, зависит от системы перспективы в центре окна-розетки тимпана церкви на заднем плане. Но в этом рационализированном пространстве история разворачивается вокруг архитектурных выступы, некоторые из которых находятся в движении, как высокая стена слева (почти скрытый великолепной фигурой молодого человека, спускающегося с его), некоторые крепко держатся, как колоннада справа, между которой колонны проходит пышная колонна женщин. Здания играют беспрецедентно важная роль в повествовательном действии; это новый отъезд и был быть очень влиятельным. Это также был первый случай использования массивной «монументальной» обстановки, привезенной Рафаэлем по строгому совет папского двора, который под руководством Льва X пытался трудно латинизировать современное классическое обучение; до сих пор неоплатоники полагались на греческий классический мир для своего вдохновения. Греческий идеальные пропорции, заново открытые и возрожденные флорентийцами в пятнадцатом столетии, и которым Рафаэль особенно часто пользовался в его картинах уступили теперь пропорции древнего Рима; эти ввели более величественное и драматичное использование пространства и, по сути, по случаю краха пропорциональных схем, которые были используется до этого времени. Естественно, это фундаментальное изменение состава более заметен в этих более поздних работах школы Рафаэля, потому что отсутствия в исполнении направляющей руки мастера, который был способен превратить абстрактное интеллектуальное суждение в чистое поэзия. Очень часто поспешность, с которой его идеи переведены в живопись (плохая сохранность отчасти вина за это) затрудняет их идентификацию, и это тот случай на трех других фресках Станцы дель Инсендио.тем не менее его интерпретация воображаемых археологических сцен на фресках, написанных сразу после них чудесно. К ним относятся украшения в Фарнезина и Лоджия в Ватикане (1515-17). А вот тут совсем если не считать разделов, которые, несомненно, были выполнены группой художников. включая Джулио Романо, Пенни и Джованни да Удине, даже состав и предварительные карикатуры не могут быть отнесены к Рафаэлю. Еще одна важная серия, несмотря на определяющее наличие в их составе творчества Джулио, Пенни и Джованни да Удине — карикатуры для гобеленов, предназначенных для висеть на стене под фресками пятнадцатого века в Сикстинской Часовня. Конечно, весь цикл не достигает такого же высокого уровня. выражения. Наказание Елимая , например, вопреки великолепия его плана и ритмического расположения пространства вокруг фигуры сидящего императора, просто один из самых типичных примеры монументального подхода к композиции, характерного из последних произведений Рафаэля. Исцеление калеки , с внушительным отношения между колоннадой и фигурами (сопоставление, которое было быть фаворитом художников до времен Рубенса и позже), устроен так же, как в Пожар в Борго , вводит сильная изобразительная техника.Состав Смерть Анания еще более впечатляет своими иконографическими отголосками Афинская школа и Изгнание Гелиодора ; путь две группы вращаются блестяще оригинально, как и контраст между статичной иератической фигурой в центре и искривленным движением двух фигур на переднем плане. Два шедевра этой серии являются Улов рыбы и Завещание Христа Петру . Улов рыбы установлен в сцена полного спокойствия у озера; издалека приходит полет птиц, некоторые из них приземляются на берег справа, давая определение перспективы пейзажа. Нить изгибается по кругу две круглые группы фигур, которые разделены стоящей фигурой святого. Правая группа фигур полна драматического напряжения, но это рассеивается в продолговатых формах двух апостолов, вытянутых в мольбе ко Христу.Сам Христос жестом останавливает турбулентность драмы и уводит взгляд в мирный пейзаж над которым летают цапли. Состав набора Christ's Charge to Петр во всяком случае более лиричен и возвышенен; это явно производное из Дань Деньги работы мастера начала 15 века Мазаччо, и как дань уважения предыдущему мастеру показывает сильное чувство истории. Он несет безошибочный отпечаток воображения Рафаэля.Заграницей пейзаж, такой же чистый и прозрачный, как пейзаж в споре , фигуры расположены по плану, который сам по себе является совершенством. Был ли Рафаэль полностью ответственен за это, не имеет значения. Чудесно простой, монументальный дизайн течет так плавно и так гармонично от фигуры Христа, что это, несомненно, один из величайших человеческие достижения, веха в человеческом опыте. В одном из своих последних Работы Рафаэля действительно достигли своего идеала: идеально симметричного рисунка реализовано с предельной поэтичностью.Самые интересные образцы Рафаэля растущее участие в архитектуре действительно можно найти в его картинах. Даже прозрачный план часовни, например, капелла Киджи в Санта-Мария-дель-Пополо, придающая такую ​​динамику выражение идей Браманте, не достигает тех же высот как воображаемые настройки Спор или Обязанность Христа Питер . Рафаэль уже воскрес, хотя и был еще молодым человеком, на жизненно важное положение в мире искусства.Воплощение живописи эпохи Возрождения, он также создал прекрасные рисунки, шаржи для гобеленов и витражей, а также - по его назначению как Capomaestro для St. Базилика Святого Петра в Риме - многочисленные архитектурные решения. В его следующей картине Преображение - его последний и самый инновационный вклад в итальянскую Ренессанс — он вводит еще более сложную схему повествования: Триумф Христа организован по плану, очень похожему на тот, использовался в начале Брак Богородицы в Брера.Важность этой картины значительно увеличивается, если вспомнить, что Рафаэль в чтобы сбить с толку критиков при папском дворе, которые обвиняли его использования работ своих учеников, решил нарисовать Преображение полностью сам. Композиция чрезвычайно смелая: центральная плоскость, открытая расщелиной в скале, на которой лежат апостолы, открывается большой спиралью, завершающейся символической сферой, содержащей Видение; это связано с группой переднего плана треугольником конвергентные перспективы. Символическая и структурная сложность картина затемнена драматической интенсивностью фигуры Христа, эхо темы «видения», впервые представленной в Сикстинской Мадонне . Картина была прервана смертью Рафаэля, и в результате это в основном работа учеников, работающих без руководством своего хозяина. Во время царственных похорон по Рафаэлю при папском дворе эта картина, наполовину законченная, но ослепительная, была выставлена на одном конце катафалка. Рафаэль и критики Критическое отношение к Рафаэлю, его произведениям и его теории составляют одну из самых сложных глав в истории искусства. При жизни его деятельность получила признание во всем мире. искусства и литературы, возможно, даже в большей степени, чем деятельность Микеланджело. Однако после его смерти эта ситуация заметно изменилась. Его самый большой соперник, Микеланджело, прожил много лет, и « жизнеописание» Вазари Художники , получивший широкое признание в качестве официального текста, поместили Микеланджело на вершине художественного дерева, так что запас Рафаэля пошел вниз. Он получил эффективную поддержку от Dolce's Dialogo della. Питтура , изданного в Венеции в 1557 г., и из благоприятных суждений Аретино и Кастильоне. Его статус не повысился благодаря работе его ученики, в частности Джулио Романо, который очень быстро стал буйно манерный. Наконец, они переняли методы рисования, которые были непосредственно происходит от Микеланджело, а не от пуризма, как предсказывал Дольче. и классицизм Рафаэля.Сильный стимул к восстановлению Рафаэля на Парнасе художников предоставила Болонская Академия. в семнадцатом веке, а затем Римской Академией. Эти академии смотрели на Рафаэля как на один из своих самых безопасных оплотов против вторжения барокко; и именно они породили «классический идеал» типичный для XVII века. Этот «классический идеал» должен был стать отправной точкой для таких теоретиков, как Беллори, а также для художников, включая Пуссена (хотя у него были оговорки о Рафаэле) и Клод Лоррен. Такое отношение к Рафаэлю осталось постоянен в живописи, особенно как в римской, так и в болонской школе, на протяжении семнадцатого века и в восемнадцатом века они стали одним из основных компонентов так называемого неоклассицизма. Обращения к примеру Рафаэля можно найти в произведениях писателей. и такие художники, как Винкельманн, Альбаротти, Менгс и Рейнольдс, кульминацией которых стали похвалы Гёте. Приход романтизма естественно принес о внезапном изменении мнения со стороны художников и критиков. Тщательное обдумывание и измерение, которые являются неотъемлемой частью творчества Рафаэля. работа противоречила романтическим поискам спонтанности, которые привели к новое открытие итальянских художников-примитивистов. молодой Рафаэль работы, в которых преднамеренность наименее очевидна, остались в фаворе. Работы Рафаэля можно увидеть в лучшем виде художественных музеев мира. Post Categories:   Разное By alexxlab 11.09.1984 Leave A Reply Отменить ответ Comment Name Email Website Рубрики Акварель Графика Дерево Зарисовки Карандашом Наброски Основы Разное Рисование Советы Урок You Might Also Like Как правильно одевать новорожденного дома в разное время года Разное23.11.2024 Позы для кормления новорожденного грудью: как правильно кормить ребенка грудным молоком Разное18.11.2024 Черно-белые узоры и фоны для распечатки: 100+ вариантов для творчества Разное18.11.2024   Главная Карта Сайта