Композиция картины. Масштаб и форма

◻️ Большая часть картин в галереях и вообще в истории живописи имеют средний масштаб — примерно от 50 сантиметров до 2 метров по одной стороне. Это условно можно назвать классическим масштабом, такие работы удобно смотреть.

⬜️ Бывают работы крупного масштаба — 1,5–2 метра по одной стороне. Полотна такого формата производят совсем другое впечатление. Если художник выбрал большой масштаб, значит он хотел акцентировать на этом полотне внимание зрителя. Он потратил на эту работу больше сил и расходных материалов, значит вкладывал в него особый смысл.

▪️ Большой масштаб не прощает ошибок. В таком формате видны все недочеты, поэтому за большие работы чаще всего берутся только опытные художники, но даже они порой совершают ошибки.

🕺 Один из самых распространенных вариантов в большом масштабе — парадный портрет, модель в полный рост. Как правило, так изображали людей высокого положения, наделенных властью или очень состоятельных.

За счет масштаба возникает ощущение, что фигура возвышается над зрителем, смотрит сверху вниз, подчеркивая неравенство зрителя и героя картины.

☝️ Также большой масштаб часто выбирается для важных исторических или религиозных сюжетов, которые всегда занимали особое место и часто отличались сложными многолюдными композициями.

🤔 Иногда для крупномасштабных работ выбирают и нестандартные сюжеты. Например, гигантское полотно «Похороны в Орнане» Гюстава Курбе размером 3 на 6,5 метров, на котором, вопреки канонам, изображены простые сельские похороны (скорее всего, кого-то из членов семьи Курбе). Для современников художника такое несоответствие масштаба и сюжета было почти шокирующим и вызвало скандал.

🔎 В современном искусстве большой масштаб часто выбирают художники фото- и гиперреализма. Их работы маслом выглядят как многократно увеличенная фотография, где каждая деталь воспроизводится со всей точностью. В таких работах часто вообще нет живописного сюжета — это может быть огромное лицо или случайное изображение улицы.

◽️ Третий размер — малый масштаб. Это работы альбомного формата или еще более мелкие — миниатюры. Такие работы в галереях часто даже не вешают на стену, чтобы они не терялись среди других, а выкладывают на витринные стойки, где их было бы удобнее рассмотреть. Миниатюрная живопись часто была элементом изделий декоративно-прикладного искусства — украшения, шкатулок, книг. Портреты на медальонах использовали как нагрудные знаки в 18–19 веке.

▪️ Император дарил такие медальоны со своим портретом (часто украшенным драгоценными камнями) как знак отличия за какие-либо заслуги, аналогично орденам. Такие медальоны встречаются на груди героев парадных портретов.

Композиция картины, приемы и законы, которые помогут сделать вашу работу более интересной для зрителя. | Изостудия Снежное королевство

Композиция – это основа картины.

Слово «композиция» происходит от латинского соmpositiо, что означает сочетание частей в определенном порядке.

Композиция — строение, взаимосвязь частей, обеспечивающая целостность и структурность изображения.

1-й закон композиции — Закон целого.

Главное в законе — неделимость композиции, невозможность воспринять ее как механическую сумму самостоятельных частей, невозможность внести изменения без ущерба для самой работы. Попросту говоря, ни убавить, ни прибавить, — вот это и есть критерий целостности в композиции.

Положите лист перед собой. Он прямоугольный, вытянут по горизонтали (или вертикали, все в вашей власти) и сам по себе смотрится цельным и безупречным. При этом лист имеет размеры, рамки, определенное соотношение сторон. Таким образом, он уже этими характеристиками начинает диктовать характер будущей композиции.

С чего начать? Как мысль воплотить на холсте?

Первое, что вам необходимо сделать – выбрать формат холста.
К примеру, если вы хотите нарисовать море, то лучше изображение создавать на горизонтальном формате. Это создаст иллюзию простора на горизонте, в картине появится много воздуха.

Вытянутый вверх прямоугольный формат подчеркнет высоту гор или стройное дерево у воды.

Избегайте изображения слишком мелкого предмета, который может затеряться на большом формате холста, что отрицательно скажется на раскрытии замысла.
У зрителя не должно возникнуть желания увеличить или уменьшить края холста, изменить его масштабность.

Второе – выбор точки зрения.

Уровень линии горизонта играет очень важную роль в композиции картины. Выберите такое местоположение, с которого натура будет видна наиболее выразительно.
Для передачи широких просторов в пейзажах рисуют высокий горизонт. В зависимости от перемены точки зрения изменяется вид нашего пейзажа.
Если подчеркивать большие размеры изображаемых объектов, используйте низкую точку зрения. Тогда персонажи будут выглядеть преувеличенно мощными.

Линия горизонта подсказывает зрителю, что заинтересовало художника в пейзаже.
При выборе высоты линии горизонта играет роль и несколько психологический фактор, ведь горизонт – это, как известно, уровень глаз художника. Взгляд сверху заземляет объекты: крыши кажутся плоскими, предметы мелкими, а люди незначительными. Взгляд же снизу, наоборот, отмечает летящие в небо здания, обостряет значимость предметов, а людям придает величие. Именно поэтому в портретах и в сюжетных сценах горизонт не менее важен, чем в пейзажах.

Третье – композиционный центр

Каждая деталь должна быть подчинена основной идее. Цельность картины зависит от того, насколько второстепенные детали дополняют основной объект. Направляйте внимание зрителя. Основному объекту найдите наилучшее место в картине, изобразите его наиболее контрастно и подробно.

Четвертое -равновесие картины.

Холст должен быть равномерно заполнен объектами. Картина выглядит неуравновешенной, если вы сместили рисунок к одной части холста, образовав пустоту в другой. Такое изображение смотрится неестественным. Композиционный центр в большинстве случаев не совпадает с геометрическим центром, но и не удаляется далеко от него. Избегайте деления плоскости на две равные части как по горизонтали, так и по вертикали. Сделайте несколько набросков, чтобы определить масштаб изображения и выбрать лучшую композицию.

Пятое – контрасты в композиции.

Подчеркнуть выразительность композиции можно, противопоставив большое и малое, динамичное и неподвижное, яркое по цвету и приглушенное по тону, доброе и злое и т. д.

Шестое – свет и цвета в композиции.

Вы никогда не обращали внимание на то, что фотографии с красивым закатом нравятся людям гораздо больше других? Все дело в насыщенности цветов и красивом переходе оттенков. Этот лайфхак — не повод использовать закатное небо в каждой картинке, но отличный пример того, как цвета и освещение могут повлиять на восприятие визуализации.

Колорит композиции помогает зрителю воспринимать содержание картины. Так, яркий солнечный день,

огромное цветочное поле или лес в картине обязательно вызовут радостное настроение.

Серые тучи, закрывшие солнышко в картине, общее тоновое состояние пасмурного дня могут вызывать задумчивость или грусть.

Выделяйте композиционный центр при помощи тона и цвета. Зритель воспринимает в первую очередь те предметы, которые контрастны по отношению к фону. Чем интенсивнее и ярче цвет, тем он сильнее привлекает внимание и воспринимается в первую очередь.

Связь между объектами

Построение композиции стоит начинать с распределения ролей задействованных объектов. Если каждый из них будет притягивать внимание в равной степени, то зритель просто растеряется и не поймет, чему посвящена картинка, и, скорее всего, посчитает ее неинтересной. Именно поэтому важно подчеркнуть главный объект визуализации и, уже отталкиваясь от него, строить композицию, пользуясь приемами привлечения внимания, о которых мы поговорим ниже.

Стремясь подчеркнуть главный объект, новички часто перегружают изображение откровенно лишними деталями, которые не столько подчеркивают важность элемента, сколько создают визуальный шум. Если сомневаетесь, стоит ли добавлять что-то в визуализацию, подумайте, какой цели отвечает этот элемент: он помогает создать атмосферу, раскрывает какие-то детали вашего замысла или просто заполняет пустое место?

Золотое сечение

Про принцип построения композиции на основе золотого сечения слышали даже те, кто не имеет ничего общего с миром искусства. Интересно, что он использовался еще древними египтянами при строительстве пирамид, хотя историки и спорят о том, насколько осознанно жители Древнего Египта применяли золотое сечение.

Первое упоминание принципа связывают с именем Евклида, который применил золотое сечение для построения правильного прямоугольника. В искусстве принцип получил широкое распространение начиная с Леонардо да Винчи — наверняка вы знаете его легендарный рисунок «Витрувианский человек», наглядно демонстрирующий связь этого принципа с пропорциями человеческого тела.

Правило третей

Представляет собой упрощенный вариант золотого сечения. Если вам тяжело строить композицию и вы не всегда понимаете, насколько гармоничной она получается, — это правило поможет. Благодаря своей простоте этот принцип используется во многих сферах: его можно увидеть в кино, на снимках рекламных кампаний, на открытках, фотографиях или работах художников.

Суть правила третей заключается в том, чтобы разделить картинку на девять равных частей — самое важное должно находиться на пересечении линий.

Ритм и динамичность

Как и в музыке, в изобразительном искусстве существует понятие ритма. Присмотритесь к работам великих художников, и вы поймете, что мы имеем в виду. Не менее важна динамичность визуализации. В рекламе часто используется этот прием, показывающий нам кадр из истории, в котором вот-вот должно что-то произойти.

За создание такого эффекта часто отвечают позы людей или положение объектов: занесенная над мячом нога футболиста, застывший перед прыжком ягуар или устремленный на объект взгляд.

Рамка

Специалисты часто прибегают к этому приему, располагая на краях изображения размытые ветки деревьев, или создают эффект того, что пейзаж обрамлен какой-либо рамкой вроде ворот или окна. Такой прием позволяет сделать визуализацию более законченной и подчеркнуть ее элементы.

При решении композиционных задач необходимо учитывать целый ряд свойств, которыми обладают пространственные и плоскостные формы.

Сюда входят: вид формы, ее величина, фактура, положение в пространстве, цвет и освещенность (светотень). Соотношения форм по их свойствам представляют собой средства композиции.

Важнейшими из них являются: единство и соподчиненность, пропорции, законы линейной и воздушной перспективы. Сюда же входят такие приемы, как симметрия, асимметрия, равновесие, ритм, контраст, нюанс, масштабность и т.д.

Все эти свойства и их соотношения тесно связаны между собой, и выделить среди них главные и второстепенные, а тем более разделить их практически невозможно. Они неразрывно связаны. Значение этих свойств и их соотношений в композиции определяется в каждом конкретном случае.

Изначальная композиция картины была совершенно иной: под поверхностью «Мадонны в скалах» да Винчи обнаружены иные рисунки

Национальная галерея в Лондоне опубликовала кардинально новые изображения одного из самых популярных шедевров в своей коллекции — «Мадонны в скалах» (1491/99, 1506/08) Леонардо да Винчи. Рисунки, обнаруженные под поверхностью работы, показывают, что изначальная композиция картины была совершенно иной.

О том, что Леонардо переделал почти двухметровую картину, написанную маслом на панели, стало известно ещё в 2005 году. Тогда специалисты изучили её с помощью инфракрасной рефлектографии. Теперь же, благодаря более новым технологиям, детали удалось разглядеть намного чётче.

На самом деле под поверхностью есть два разных слоя, переработанных позже. Один из них довольно близок к финальной композиции, но младенец Иисус на нём повёрнут не в профиль, как на финальном варианте. В ещё более ранней редакции Дева Мария, находящаяся слева, смотрит на своего сына и ангела, склонившегося над ним. Две последние фигуры расположены так близко, что кажется, будто одна обнимает другую.

Леонардо да Винчи, «Мадонна в скалах» (1506/08). Национальная галерея, Лондон

Линии первоначального рисунка, полученные с помощью современного оборудования

Делая этот набросок, Леонардо использовал пигмент на основе цинка. Его и позволили обнаружить современные технические достижения.

Фрагмент одного из нижних слоёв картины «Мадонна в скалах»

На окончательном варианте Леонардо изменил причёску ангела

Панель, хранящаяся в Лондоне — это вторая версия произведения Да Винчи; первая, датированная 1483 годом, принадлежит парижскому Лувру. Между тем, в 2015 году биолог и искусствовед Энн Пиццоруссо вновь подвергла сомнению то, что «лондонский вариант» принадлежит кисти Леонардо да Винчи.

Дело в том, что на этой картине есть несуществующие и неправильные растения — и маловероятно, что художник, тщательно выписавший грот на «парижской» работе, допустил такие ошибки в «британской». Картина из Лондона и правда долгое время считалась произведением учеников мастера и была признана его творением лишь в 2010 году. Национальная галерея отказалась комментировать новое исследование.

Помимо демонстрации подробностей о научных исследованиях Леонардо, которые помогли ему понять и точно изобразить свет и тень, на выставке будут представлены и другие открытия реставраторов, сделанные во время работой над картиной. В частности, это отпечатки ладоней, оставшиеся на грунте, который наносили на панель для создания слоя более или менее однородной толщины. Конечно, скорее всего, они принадлежат подмастерью, но, не исключено, что и самому мастеру.

Фрагмент изображения первоначальной композции «Мадонны в скалах»

По материалам Аrtnet News.

Абстрактная композиция. Февраль

Эдуард Штейнберг — центральная фигура второй волны русского авангарда — изобрел свою версию абстрактной живописи. Он учился в художественной школе Тарусы и у своего отца, художника Аркадия Штейнберга, закончившего легендарный ВХУТЕМАС и передавшего сыну традиции «конструирования» в живописи. Как и многие художники его круга, Эдуард Штейнберг впервые увидел работы художников русского авангарда у Георгия Костаки, и они стали для него откровением. Именно поэтому многие полотна Штейнберга — это тихий диалог с Малевичем и супрематизмом. Сам он часто говорил: «Все мы вышли из квадрата Малевича». При этом Штейнберг уходит от резких цветовых контрастов и драматического напряжения, характерных для живописи 1910-х — 1920-х годов. Он совершает «выход в белое» и меняет характер супрематизма. Всё творчество Штейнберга — последовательный путь от копирования великих шедевров и натурных зарисовок через натюрморт и фигуративную живопись к геометрической абстракции.

Окончательный переход к нефигуративному происходит у него в начале 1970-х годов.

Работа «Абстрактная композиция. Равновесие. Февраль» 1970 года является, таким образом, одной из первых работ, написанных с помощью нового изобразительного языка художника. «Белый метагеометрический период» Штейнберга отличается характерным высветленным колоритом и простотой форм. Он избирает нежные сдержанные цвета светло-перламутровой и серебристой палитры. Штейнберг обращается к серым, голубым и бирюзовым оттенкам. Цветовые сочетания подобраны очень тонко, даже изысканно: например, сопоставление пыльно-розового и спокойного серого. Представленная работа также обращается к традиции русского абстракционизма и, кроме того, напоминает об итальянской метафизической живописи в духе белесых натюрмортов кисти Джорджо Моранди.

Основу картины составляют простейшие геометрические фигуры: призмы и круги. Минималистичную композицию можно назвать «метафизическим натюрмортом», где главными героями являются фигуры, а белая плоскость основания визуально напоминает нам угол стола. Но несмотря на это, мир форм Штейнберга полностью абстрактен, а все ассоциации с предметным миром — не более чем воспоминание и опыт предыдущего этапа творчества. В мире первоэлементов Штейнберга нет гравитации: невесомые фигуры как бы зависли, паря в безвоздушном пространстве. Не имея четких очертаний, они будто растворяются в фоне, наполненном сиянием.

Ключевая идея работы — исследование равновесия. Холст визуально разделен на две части, между которыми пролегает разрыв. Половины уравновешивают друг друга: на каждую из них приходится по одному кубу и по два круга. Парящая призма не склоняет чашу весов ни в какую сторону, мы по-прежнему наблюдаем состояние безвременья и замершего спокойствия. Штейнберг противопоставляет темное и светлое, что придает картине определенный ритм (серый и белый куб, тяжелый и легкий круг). При этом он прибегает к обману зрения: нетрудно заметить, что кубы вовсе не покоятся на плоскости основания, а зависают над ней безо всякой опоры. Но проблемы начертательной геометрии – совсем не та тема, что волнует художника.

В его мире метафизических форм возможны любые геометрические искажения, главное — передача поэтического пространства космоса, близкого и открытого человеку.

Для Штейнберга живопись сама по себе и его абстрактные композиции всегда имели глубокий мистический и религиозный смысл, были своего рода геометрической иконописью. Художник, интересовавшийся философскими идеями Владимира Соловьева, Николая Бердяева и Евгения Шифферса, пришедший во взрослом возрасте к православию, а также глубоко знавший византийское и древнерусское искусство, создал собственную символику геометрических форм. Фигуры там являлись вечными символами бытия: круг — солнце, треугольник — Троица, а равновесие — всеобщий закон существования. V

Выставка одной картины «Столбов А.И. Аллегорическая композиция»

К 110-летию Вятского художественного кружка
К 145-летию со дня рождения художника

АЛЕКСЕЙ ИВАНОВИЧ СТОЛБОВ. 1874 – 1937
 АЛЛЕГОРИЧЕСКАЯ КОМПОЗИЦИЯ. 1931
Холст, масло

Творчество вятского художника, педагога, общественного деятеля  Алексея Ивановича Столбова представляет собой особую страницу в культурной жизни Вятки начала ХХ столетия. На формирование его эстетических взглядов  повлияла не только учёба в столичных вузах: Императорском училище технического рисования барона Штиглица (1895) и Рисовальной школе Императорского общества поощрения художеств (окончил в 1903), но и сама художественная атмосфера Петербурга на рубеже веков.

Энергичный, эрудированный, хорошо образованный педагог-художник, всегда имевший свою жизненную и творческую позицию, Алексей Иванович стоял у истоков многих начинаний в области культуры и искусства местного края. Был действительным членом Вятской Ученой архивной комиссии, членом Вятского художественного кружка. Алексей Иванович внёс также свой вклад в развитие художественного образования Вятки начала ХХ века

В творчестве А.И. Столбов обращался к вечным темам любви, страдания, смерти. Его произведения это аллегорические композиции, образы-символы. На художественных выставках в Вятке картины мастера выделялись на фоне произведений других вятских художников, работавших в основном в традиционном реалистическом направлении, и  вызывали бурные обсуждения.

Период 1905–1910-х гг. можно считать временем творческого подъёма в жизни художника. В последующие годы его картины, лишённые духа идейно-революционной направленности, оказались невостребованными обществом.  

К 1931 году относится  одно из интереснейших его произведений – «Аллегорическая композиция». В ней запечатлена мифологическая модель мира периода сталинского тоталитарного режима.

Картина изображает И.В. Сталина. Он выступает как строитель новой жизни, как победитель новых препятствий и врагов – внутренних и внешних. Смысл данного произведения раскрывается иносказательно при помощи аллегории, на что указывает само название работы.

Каждый персонаж данной работы несёт в себе глубокий смысловой подтекст. Глава государства представлен в образе Георгия Победоносца. Художник изображает на коне Сталина, попирающего копьём человека в облике животного. С другой стороны – пионер, несущий на плечах козу. Вдали клубы дымящегося индустриального города. Многофигурная композиция заключается в подобие металлической рамочки, завершающейся в центре красной звездой, её обрамляют серп и молот. Слева и справа от центра – фигуры зверей с головами людей, аллегорически показывающие различные классы эксплуататоров дореволюционной России.

Образ Сталина моделируется по иконографическому канону «Чудо св. Георгия о змие». Архетип подвергается глубокому изменению. Прежде всего, наблюдается тенденция к вытеснению его христианского содержания и актуализация фольклорно-языческой стороны. Изобразительная лексика нарядного коня, как и самого костюма Сталина, излишнее внимание к деталям, декоративность цветового решения явно тяготеют к стилистике народной картинки, к росписи лаковой миниатюры. Семантика красного цвета выражает героический дух борьбы, накал революционного романтизма. Пионер воплощает образ доброго пастыря. Рама, замыкающая многофигурную сцену, напоминает по очертанию киот иконы. В верхней части картины на чёрном фоне, семантически символизирующем силы «тёмного царства», изображение римского Папы Пия XI и президента Франции Пуанкаре, также в обличии зверей.

Произведение художника рассчитано на ассоциативное мышление зрителя, знание традиций лубочного письма и иконописи. Своеобразие столь эклектического феномена, как картина Столбова «Аллегорическая композиция» состояло в невероятном «сплаве вымысла и реальности, лжи и правды».

Остро чувствовавший ритмы своего времени, Алексей Иванович Столбов смог не только запечатлеть их в своём творчестве, но и заявить о поисках нового образно-пластического языка в искусстве местных мастеров.

 

/По материалам публикаций искусствоведа Л.Б. Горюновой/

Как наблюдать за картинами – важность композиции

Как наблюдать за картинами – важность композиции

ArtWizard 29.

06.2020

 

«Композиция объединяет все… она объединяет ритм, ритм и рифму в стихотворении; тембр, мелодия, гармония, темп и динамика в симфонии, а сюжет, настроение, свет и момент в фотографии (или картине) — и каким-то образом сделать их в целом больше, чем сумма их частей.Композиция создает синергию, которая возвышает искусство над простым выражением, она может превратить даже вульгарное в возвышенное».

Ян Плант, фотограф

 

Понимание принципов композиции необходимо для понимания и наблюдения за предметами искусства. Золотое сечение — способ размещения объектов на картине, также известный как божественная пропорция. Это математическая формула, направленная на то, чтобы закрепить элементы в конкретном произведении искусства и сделать его эстетически правильным.

Визуально приятная структура может быть заполнена фигурами, пропорциями, перспективой, цветом, тоновыми диапазонами и атмосферой. Художники строят воспринимаемое нами композиционное пространство, соблюдая строгие правила перспективы и размещения различных объектов, в некоторых случаях даже в абстрактном искусстве, а некоторые кинематографисты даже основывают свои кинокомпозиции на этом художественном опыте, копируя настроение и стиль живописных композиций. Интересно знать, что, например, драматическое освещение Хичкока напоминает картины Караваджо, а последовательность снов в его фильмах была вдохновлена ​​сюрреалистическим миром Сальвадора Дали и Рене Магритта.

Термин «композиция» относится ко всем видам искусства и является существенной частью даже подсознательной его интерпретации. Художники используют надежные устройства для закрепления своих композиций, такие как, например, оконная рама, обозначающая наш взгляд на мир, или легко узнаваемые границы между передним, средним или задним планами. Однако их взгляды в большинстве случаев конструируются, а не просто копируются. Отдельные элементы часто уговаривают сблизиться, чтобы создать эстетическую композицию, которая может включать в себя более динамичные перспективы.

Узорчатые поверхности часто используются для обозначения движения, а разнообразие цветов и тонов связано с созданием атмосферы. Опытный художник может трансформировать классические приемы композиции в собственные «фирменные» композиции, однако в них не всегда могут входить те волшебные ингредиенты, которые возвысят произведение до уровня шедевра в глазах зрителя. Есть несколько интересных примеров композиции, демонстрирующих различные методы, используемые столь известным художником в своих произведениях искусства

.

 

Ян Ван Эйк, «Портрет Арнольфини», 1434, холст, масло

 

Как и его богатые итальянские клиенты, художник записывает свое отражение в зеркале, а картина изобилует подробной информацией.Женщина модно одета в тяжелые полотнища зеленой ткани, мужчина носит меха, а собака олицетворяет верность, интерьер шикарный. Все элементы сливаются в дорогом, но кажущемся небольшим пространстве. Композиция на этой картине во что бы то ни стало стремится изобразить очень богатую итальянскую семью.

В очень большом количестве классических картин мы можем видеть скрытые фигуры или подразумеваемые объекты, которые призваны улучшить восприятие картины. Интересным примером такого подхода является также картина голландского художника золотого века Эглона ван дер Неера (1634–1703) «Жена Кандавле, обнаруживающая скрывающегося Гигеса».

 

Эглон ван дер Нир, жена Кандавле, обнаружившая скрывающегося Гигеса, 1660

 

На картине изображена история об Эросе и Смерти. Лидийский царь Кандавл убеждает своего телохранителя Гигеса тайно убедить себя в красоте своей жены Ниссии, но она обнаруживает вуайериста, спрятанного за пологом кровати, и, чтобы вернуть себе честь, предлагает ему убить Кандавла и жениться на ней или умереть самому. Гигес убивает своего хозяина, который таким образом становится жертвой сильной женщины и ее красоты.Зритель картины играет роль «вуайериста» и участвует во всей сцене. Таким образом, художник привлек к участию в своей композиции и зрителя.

В более современном искусстве композиция играет не менее важную роль, донося до зрителя определенный смысл.

 

Жорж Брак, Мастерская (ваза перед окном), 1939, холст, масло с песком

 

В этой сложной картине доминирует триптих вертикальных окон с видом на облака.Все разворачивается в окружающем пространстве, но пинту отдыха дают окна. Буйство узоров, контролируемое разграниченными белыми границами, разделяет многофактурную композицию с эффектами дерева и домашним уютом.

 

 

Эдвард Мунк, «Белая ночь», 1901 г., холст, масло

 

Мунк описывает природу как «картинку на черном глазу». Эта безмолвная сцена при лунном свете напоминает именно об этом внутреннем пейзаже.Сомкнутые ряды вечнозеленых сосен разделяют квадратный холст, черный и белый цвета работают в тандеме, создавая синкопу, которая поднимает меланхолию северной тишины.

 

Рене Магритт, «Человеческое состояние», 1933, холст, масло

 

Магритт представляет обычные предметы в невозможных контекстах. Он бросает вызов зрителю подумать о своем месте на фоне мира и всего человечества, изображая предметы в их абсурдном значении.Арочное окно, изображенное зрителю в виде мольберта, показывает, как рисует мирской пейзаж снаружи, а задернутый занавес является сценическим дополнением ко всей композиции. Магритт является одним из художников, использующих композицию в качестве одного из основных инструментов выражения, и он служит с ее помощью, чтобы подчеркнуть абсурдность смысла некоторых вещей в жизни, что делает его одним из символических художников-сюрреалистов в истории искусства.

В приведенных выше терминах композиция формирует впечатление зрителя от произведения искусства, играя существенную роль в том, что делает произведение искусства привлекательным и динамичным, или спокойным и успокаивающим, или дезориентирующим и нестандартным, так же, как и стиль и техника, которые будут рассмотрены в нашей следующей статье.

правил композиции в портретной живописи.

Художники Ритм, Фокус ..

2. Распределение веса должно быть убедительным

Традиционный композиционный план портрета называется «пирамида». Можно найти буквально тысячи примеров пирамидальных портретов, в том числе самый известный из всех — Мона Лиза. Но я уже использовал Мону Лизу на другой странице, и мне нравится, чтобы вещи были интересными, поэтому вместо этого здесь Рафаэль, чтобы продемонстрировать, что я имею в виду.В композиции пирамиды голова находится в центральной вертикальной плоскости портрета или рядом с ней, а вес головы убедительно поддерживается более широким основанием плеч и тела. В этой конкретной картине Рафаэль включил детей в композицию своей пирамиды для еще большей устойчивости.
Если фигура нарисована под углом, а вес головы находится не прямо над бедрами, а на их ширине, то вам придется предоставить убедительную причину, почему это не так.Это может быть, например, подушка для головы, на которую можно опереться, или это может быть спортсмен, у которого явно есть энергия движения для поддержки своей стойки. Этот последний пример можно экстраполировать в более общем плане: фигуры и придатки, убедительно нарисованные под углом, часто изображают энергию, тогда как горизонтальные линии в портретной композиции часто обозначают спокойствие.

5. Используйте ритм и линию, чтобы зафиксировать зрителя в своем портрете

Рубенс был королем ритма, как и Ван Гог.Ренуар (который, как ни странно, доминирует на этой веб-странице!) использует его в композиции этого портрета двух девушек за фортепиано с большим эффектом. Я начинаю с того, что смотрю на голову стоящей девушки. Существует сильный контраст между ее волосами и бледно-зеленой занавеской позади, так что мой взгляд притягивается к этому фокусу. Затем я автоматически следую линии ее руки за спиной блондинки. У ее предплечья линия сливается с волосами блондинки, и мой взгляд останавливается на юбках блондинки, которые нарочно изогнуты вверх, направляя меня к ее рукам, они тоже направлены вверх.Я ловлю себя на том, что смотрю на фортепианную рукопись, затем, естественно, перехожу к другому предплечью стоящей девушки, опираясь на фортепиано, и, прежде чем я это осознаю, композиция снова возвращает меня к ее голове. Создавая эту бесконечную ритмическую петлю, Ренуар намеренно мешает мне оставить его портретную живопись.

 

Сводка

В портретной композиции гораздо больше, чем кажется глаз. Целые книги, без сомнения, были написаны на тема.

Для тех из вас, кто полностью отключается от мысли о сочиняете свой портрет и любите просто нырять прямо в него, Я рекомендую изначально подготовить очень большую поверхность, чтобы у вас достаточно места, чтобы просто увидеть, куда вас приведет картина. Хотя это довольно дорогой способ сделать что-то.

 Вам понравилась эта страница?

Композиция X Василия Кандинского

Композиция X была одной из лучших работ Василия Кандинского и завоевала мировую аудиторию на выставках.

Изначально на создание композиции х картины повлияли биоморфные формы сюрреализма.

Однако позже Василий Кандинский использовал искусство использования органических форм в своих картинах. Это стиль, который он затем использовал во всех своих картинах.

Стиль придавал его работам неповторимость.Было легко и почти невозможно не узнать картины Василия Кандинского на выставках или в других местах.

Далее композиция х картина создавалась во Франции. При внимательном рассмотрении картины видно, что художник использовал черный фон. Основная причина использования черного фона заключалась в том, чтобы цвета на переднем плане были четко видны.

Это произведение искусства, созданное Василием Кандинским в 1939 году.Это было всего через несколько лет после того, как он начал заниматься живописью. Картина «Композиция X» — великолепное произведение искусства, которое демонстрировалось на выставках по всему миру.

Как видно из большинства его картин, черный цвет использовался скупо. Это означает, что черный цвет на картине композиции Х был значительным. Он представляет космос, а также тьму, которая, как считается, наступает в конце жизни. Многочисленные плавающие цветовые плоскости на картине представляют собой изображение микроскопических организмов.

Однако оно также использовалось как указание на чувства и эмоции Василия Кандинского, которые он испытал в последние дни своей жизни.

Организация форм в картине и резкие края вместе с черным фоном являются иллюстрацией гармонии и напряжения, которые испытывают во всем мире.

Художник композиции x использовал различные навыки и приемы, чтобы работа выделялась среди остальных, а сообщение постепенно доносилось до целевой аудитории. Кроме того, эта композиция x является последней в серии его композиций. В первую очередь он представляет собой исследование Василия Кандинского чистоты форм и выражения через нерепрезентативную живопись.

Живопись Василия Кандинского включала в себя цвет и форму среди других элементов искусства. Мастерство и профессионализм Василия Кандинского сделали работу яркой и привлекательной для зрителей.

Живопись — это форма искусства, используемая для представления сокровенных мыслей художника. Существуют различные формы искусства. Музыка и живопись являются частью самых популярных видов искусства. Такие художники, как Василий Кандинский, завоевали популярность и всемирное признание благодаря своим прекрасным навыкам живописи.

В истории Василий Кандинский наиболее известен как русский живописец и теоретик искусства. Его стиль живописи включал абстрактные формы, за которые он получил большое признание. Его работы сильно отличались от работ других художников тем, что он создавал чисто абстрактные работы. Он не начал рисовать в раннем возрасте, как большинство известных художников 20-го века. Вместо этого он специализировался на своей профессии экономиста и начал рисовать, когда ему было 30 лет.

Композиция перед цветом — соображения на первых этапах пленэрной живописи

Недавно я провел демонстрацию живописи в Pacific Northwest Art School на острове Уидби, штат Вашингтон.Вместо того, чтобы делать демонстрацию от начала до конца, «Композиция и дизайн ландшафтного пространства» полностью сосредоточилась на начальном этапе процесса рисования на пленэре. Как потенциальная сцена организована с точки зрения упрощенных масс и тональной структуры? Каковы наиболее эффективные способы делать миниатюрные наброски? В спешке с цветом пленэрные художники часто упускают из виду важные первые шаги, которые позволят создать сильную композицию. Ниже приведены ключевые моменты, взятые из демонстрации.

---

Миниатюра с четырьмя значениями в маркере Патти МакНатт.

Наше влечение к предмету может быть основано на ряде факторов: цвете, свете, интересном элементе ландшафта или положительных мысленных ассоциациях с местом. Но если мы хотим создавать картины с сильными композициями, нам нужно с самого начала начать мыслить в терминах упрощенных, абстрактных форм.

Наиболее проверенный метод оттачивания восприятия формы — использование ограниченных значений.Ограничив себя только 2, 3 или 4 значениями, мы обнаружим, что упрощенные области значений будут соответствовать упрощенным формам. По этой причине я призываю своих студентов работать с ограниченными значениями во всех своих предварительных исследованиях и миниатюрах.

Четырехзначное исследование

Преимущество исследования

с 4 значениями заключается в том, что оно хорошо вписывается в то, как значения обычно выражаются в ландшафте. Джон Ф. Карлсон в своем классическом Руководстве по пейзажной живописи излагает свою Теорию углов.Теория гласит, что основные элементы ландшафта — небо, деревья, холмы, земля — находятся в разных плоскостях. Угол плоскости по отношению к солнцу определяет, сколько света она получает, что, в свою очередь, определяет ее ценность. Например, небо [ 1 ], будучи источником света, почти всегда имеет самое светлое значение. Плоская поверхность [ 2 ], находящаяся прямо под солнцем, получает немного света, но никогда не бывает такой светлой, как небо. Другие области, такие как холмы [ 3 ] и деревья [ 4 ], более вертикальные, получают меньше света и поэтому темнее, чем поверхность земли.Конечно, эти ценностные деления не являются абсолютными. Между подразделениями есть некоторое совпадение. См. также Разделы ценности в пейзажной живописи.

Двухзначное исследование (нотан)

Строгий черно-белый этюд, маркер на бумаге.

Нотан — это японское слово, которое означает «баланс света и тьмы». Он выражает самый элементарный аспект композиции через ультра-ограниченное исследование с двумя значениями. Поскольку нотан настолько ориентирован на дизайн и узор, он очень хорошо представляет композицию в ее самых основных, неизменных терминах формы.Однако, имея всего два значения, нотан не может достоверно сообщить о фактических присвоенных значениях, как это могут сделать исследования с 3 или 4 значениями. Вместо этого он раскрывает больше об основном дизайне и структуре, лежащих в основе композиции. За все годы, что я изучаю композицию, я не нашел упражнения, которое улавливало бы суть композиции лучше, чем этюд. Поначалу с нотаном может быть немного сложно работать, потому что он так не похож на то, как мы привыкли рендерить изображения, но это стоит того, чтобы поэкспериментировать с ним.Полное введение в нотан см. в разделах «Мудрость нотана — краткое введение» и «Видеоурок: изучение композиции с помощью формы и нотана».

Трехзначное исследование

Удивительно, как много можно передать с таким небольшим количеством значений. Чем меньше значений используется для описания ландшафта, тем более ориентированной на форму становится композиция.

Слева: мой карандашный набросок преобразует закат в составляющие его массы, используя только три значения — черный, белый цвет бумаги и промежуточный серый.Верно, необычное исследование акрила Джулией Кэмпбелл находит прекрасное расположение форм через узор и дизайн.

Проектирование с помощью форм

Хотя формы являются строительными блоками композиции, композиция будет эффективной только в том случае, если эти формы связаны друг с другом интересным и динамичным образом. Вариация — это ключ. Вот краткий обзор факторов, которые я учитываю при разработке своей композиции.

• Композиции, состоящие всего из нескольких основных форм, обладают большей силой, чем композиции, состоящие из бесчисленных частей и деталей. Схема с ограниченным значением будет поощрять определение формы, но также полезно думать в терминах ограниченного числа форм. Например, представьте, что ваша композиция похожа на детский пазл, состоящий всего из трех-семи частей. Каждая часть имеет разную форму, разный размер и разный цвет или стоимость. Когда я смотрю в видоискатель и делаю эскизы, я выбираю композиции, в которых не более трех-семи основных фигур. Это не жесткое правило, а рекомендация, которая поможет мне избежать неприятностей.(Конечно, в данной картине может быть гораздо больше семи форм. Но любые меньшие или второстепенные формы, такие как детали или отдельные мазки, останутся подчиненными основным формам. основная направленность композиции, если они остаются подчиненными большим массам. Иначе говоря: детали, цвета и тончайшие ценностные различия заключены в больших массах.)
• Некоторые формы доминируют; некоторые рецессивны.Несколько фигур могут быть одинакового размера, но стремитесь к максимально возможной разнице между ними. Варьирование размеров фигур добавляет динамизма и интереса к композиции.
• Обратите внимание на распределение света и тени. (Нотан особенно хорош для этой оценки.) Хорошая композиция отличается разным соотношением светлого и темного. Композиции полностью светлые, полностью темные или все средние значения не так интересны, как композиции с вариациями.
• Хорошая композиция позволяет нашему глазу воспринимать композицию сразу, без необходимости перебирать слишком много частей и кусочков.
• Хорошая композиция вызывает эмоциональный отклик, который можно ощутить на внутреннем уровне. Это то, к чему мы стремимся.

Во славу скромной миниатюры

Когда возникает вся эта мысль о расположении фигур? В самом начале, конечно. Изучение эскизов — важный первый шаг, которым слишком часто пренебрегают. Самые ранние этапы работы над картиной — это когда вы должны тратить больше всего времени на изучение композиционных соображений, а не в конце, когда исправить это будет гораздо сложнее. Справа, миниатюра с 4 значениями, сделанная маркером Патти МакНатт.

Художники на пленэре часто используют видоискатель, чтобы определить свою композицию, что является важным шагом, но ничто не сравнится с реальным рисунком или наброском. Миниатюра в 2, 3 или 4 значения заставляет вас видеть формы, которые будут составлять вашу композицию, очень прямым образом. Это также отличная разминка перед процессом рисования. Некоторые из самых красивых картин на пленэре, которые я когда-либо делал, были небольшими 3 или 4-дюймовыми эскизами.

• Смысл эскиза не в том, чтобы просто «пробно нарисовать» объект.Это предназначено для того, чтобы исследовать композиционные варианты.
• Миниатюры должны быть сделаны с помощью широкого жирного инструмента, такого как маркер с широким стержнем, кисть или мягкий (темный) карандаш с толстым грифелем, который сделает положительную отметку. Не используйте сверхтонкие маркеры или легкие тонкие карандаши — они побуждают вас мыслить линейно, а это противоположный тип мышления, который вам нужен в композиционном исследовании. Попробуйте жирный маркер или кисть; эти инструменты заставляют вас мыслить более масштабно. Миниатюрный набросок справа был сделан кистью.Он использует какой-то цвет, но по сути является 2-значным, а не исследованием.
• Старайтесь, чтобы эскизы или подготовительные исследования были очень маленькими. Большие исследования занимают слишком много времени. И размер пометок, которые вы делаете в небольшом исследовании, будет более смелым и прямым.
• Думайте о своих миниатюрах как об одноразовых. Не делайте их драгоценными. Попробуйте что-нибудь. Чем быстрее, смелее и проще они будут, тем больше вероятность, что они уловят основную энергию формы композиции.

Использование композиционного этюда в качестве основы для картины

Когда у нас есть эскиз, которым мы довольны, мы можем приступить к рисованию.Если мы сделали нашу домашнюю работу, изучение формы помогло нам найти хорошую композицию. Сейчас нет причин отказываться от этого. Поэтому я рекомендую начинать картину с такого же прямого, ориентированного на форму подхода.