Фонд «Милосердие» помогает увековечить память героя войны в Липецке

На одном из зданий по улице Толстого скоро появится барельеф Героя Советского Союза, участника Великой Отечественной Войны Бориса Голубовского. 

Над барельефом работает скульптор Геннадий Кривопусков, а идея создания и установки барельефа принадлежит внучатой племяннице Бориса Голубовского, Марине Пустоваловой.  

Марина стала лауреатом программы «Стальное дерево», которую уже несколько лет проводит социальный партнер НЛМК — благотворительный фонд «Милосердие». Фонд помогает и в создании барельефа, и в его последующей установке на месте того дома, в котором жила семья Бориса Голубовского. По сути, участие в программе «Стальное дерево» помогло выполнить Марине цель, которую она считает одной из самых важных в своей жизни. Путь от идеи увековечивания память героического предка до ее реализации занял три года.

— В 2017 году с моей семьей связались представители посольства России в Латвии. Нам сообщили, что совет ветеранов Украины обратился к мэру Риги, где похоронен Борис Голубовский.

Совет ветеранов просил власти Риги разрешения на перезахоронение останков Бориса Голубовского на территории Украины, где родился дедушка. Сотрудники посольства обратились к нам за согласием на перезахоронение. Мы, понимая отношение, которое сложилось в тот момент у некоторых политических деятелей Украины к Великой Отечественной войне, ответили отказом. С огромным трудом мы собрали документы и отстояли могилу героя. Посольство России направило в Латвию ноту с поддержкой нашего требования, — рассказывает об истоках своего проекта Марина Голубовская.

Марина решила, что имя Бориса Голубовского должно быть увековечено в Липецке. Его семья переехала в Липецк в 1930-е годы. Именно из нашего города летом 1941 года отправились на фронт и Борис Голубовский и его брат. Семья жила на улице Толстовской (сейчас Толстого), в доме №23. Сейчас на его месте стоит здание ЛГЭК. Марина Пустовалова поставила перед собой цель — разместить на здании памятную доску. К реализации проекта она шла долго, так как не могла найти поддержку у властей.

Затем Марина решила реализовать идею с помощью программы «Стальное дерево», которую курирует фонд «Милосердие».

— Свой проект я написала за одну ночь. Я вложила в него всю свою душу, всю гордость за подвиг предков. Мне было одновременно тяжело и отрадно писать о Борисе Голубовском, о человеке, который отдал жизнь за мирное небо над нашей головой. Мой проект рассмотрели в «Милосердии», его поддержали. Работа сразу же закипела. Фонд обратился в мэрию Липецка с предложением финансировать работы, и глава города дала разрешение на установку памятного знака, — говорит Марина Пустовалова. — Я сразу же стала искать автора, связалась с известным липецким скульптором Геннадием Кривопусковым. Мы моментально поняли друг друга, оба были вдохновлены идеей, и работа пошла легко и быстро. Уже в первой половине сентября мы планируем открыть памятную доску.

Геннадий Кривопусков уже выполнил эскиз барельефа из глины, осталось внести пару последних штрихов. В ближайшие дни памятный знак изготовят из антивандальных полимерных смол и оформят его под бронзу.  

— Я благодарен, что мне доверили работу над этим барельефом в год 75-летия Великой Победы. Для меня, как для сына фронтовика, это большой экзамен, моя лепта в память о Победе, — признается член Союза художников России, скульптор Геннадий Кривопусков. — Борис Голубовский был как мой отец — тоже воевал, тоже был танкистом. Участие в проекте — честь для меня. 

Борис Эдуардович Голубовский родился 25 апреля 1922 года в Киевской области. Ребенком переехал вместе с семьей в Липецк. В августе 1941 года он призван на службу в РККА. В феврале 1942 года Борис Голубовский окончил Орловское бронетанковое училище. Воевал в Воронежском, Юго-Западном и 1-м Прибалтийском фронтах. К августу 1944 года старший лейтенант Борис Голубовский командовал ротой 79-й танковой бригады 19-го танкового корпуса 43-й армии 1-го Прибалтийского фронта. 

Отличился во время освобождения Литовской ССР. 5-10 августа 1944 года Борис Голубовский во главе передового отряда, состоящего из четырёх танков Т-34, выбил немецкие войска с их позиций и ворвался в местечко Нямунелё-Радвилишкис, где уничтожил танк «Тигр» и самоходку «Фердинанд». В бою был ранен, но поля боя не покинул. Когда танк Голубовского загорелся, он выбрался из него и автоматным огнём уничтожил около 30-ти солдат и офицеров противника. 

Указом Президиума Верховного Совета СССР от 24 марта 1945 года старший лейтенант Борис Голубовский удостоен высокого звания Героя Советского Союза с вручением ордена Ленина и медали «Золотая Звезда». Был также награждён орденом Отечественной войны 2-й степени и медалью.

В конце войны Борис Голубовский получил тяжёлое ранение, от которого скончался в госпитале на территории Литовской ССР  в июне 1945 года. Похоронен в Риге на кладбище Райниса.

Скульптор Владимир Суровцев получил звание академика // Смотрим

Работы скульптора Владимира Суровцева высоко оценены на родине и за рубежом, французские арт-критики внесли его в список 50 самых известных художников Европы. Сегодня мастер получил почётное звание академика.

Церемония посвящения в академики — процесс скрытый от посторонних глаз. Зураб Константинович Церетели лично вручает атрибуты Владимиру Суровцеву. Он вспоминает, как в художественной школе с мальчишками шутили, что когда-нибудь станут академиками.

Владимир Суровцев, скульптор, народный художник России: «Из нашей команды у меня эта тема сбылась. Конечно, это почетно».

Скульптуры Владимира Суровцева установлены в 19 странах. Только во Франции их четыре. В Москве — 19. Один из них — памятник Твардовскому на Страстном бульваре. В двух шагах от редакции «Нового мира» — писатель многие годы был главным редактором журнала.

«Обратите внимание, у него с левой стороны, как две складки, дважды его отлучали от «Нового Мира» и два инфаркта. То есть в этой работе я попробовал ощущение, с одной стороны, оттепели, а с другой стороны, именно драматизма той эпохи», — рассказывает скульптор.

Владимир Суровцев сейчас работает над бюстом Барклая-де-Толли. Это уже вторая скульптура военачальника. Первый памятник установлен в центре города Черняховска.

Владимир Суровцев: «Следующий год, как мы знаем 210 лет с начала войны России и Франции. По сути, об этом и историки говорили, это война была со всей Европой, как писали в то время, война с двумя десятью языками. А Барклай был, фактически один из спасителей России».

Суровцев родом из хопёрских казаков. Его дед воевал у генерала Брусилова, отец прошёл Великую Отечественную. Сам он ребенок послевоенного поколения. Говорит, что тему войны ощущает на кончиках пальцев.

«Этот горельеф также посвящен Параду Победы. И мы надеемся установить его на Красной площади. Ведь по значимости Парад Победы был как бы квинтэссенцией победы всего народа в Великой Отечественной Войне», — считает скульптор.

Работы Владимира Суровцева находятся в крупных галереях, музеях и частных собраниях по всему миру. Так, композиция «Водопой» подарена королеве Нидерландов Беатрикс. Эту скульптуру мастер считает работой всей жизни. Делает все новые варианты. Говорит, что всегда находится в развитии, а работа, которую уже сделал, остановилась. Скульптор перерастает свое произведение, и делает новое, более совершенное.

«Мне кажется, что я ее еще не до конца додумал, я делаю разные варианты. В Третьяковской Галерее два варианта — 30 сантиметров и 2 метра. Большие работы трехметровые. Одна стоит в Муроме, другая в Нидерландах, мне все время хочется продолжать эту тему. Тема всадник и отражение, а в общем-то тема гармонии».

Владимир Суровцев, говорит, что самые радостные моменты не когда идет официальная церемония открытия, а когда ночью монтируешь свою работу и видишь, что все, что было в эскизах и проекте, удалось реализовать. И это и есть высший момент творчества.

Почему скульптор Даши Намдаков решил вернуться в село под Читой

Год назад один из самых известных российских скульпторов Даши Намдаков удивил культурное сообщество страны и мира. Мастер, чьи работы можно найти во многих крупных музеях и частных коллекциях планеты, решил оставить свои дела в Англии, Италии и Москве, чтобы приехать в глухую глубинку под Читой и реализовать там дорогостоящий проект.

Всё ради одного — спасти родную деревню от забвения, которое поглощает одно село за другим по всей стране.

Главный редактор NGS24.RU Андрей Затирко доехал до маленького бурятского села Укурик в приграничном Забайкалье, где провел несколько дней рядом с Даши и его семьей, пообщался с местными жителями и участниками масштабной стройки. Есть ли в проекте скульптора корысть и политика, нужно ли это захолустье кому-то еще и реально ли с помощью искусства остановить суровую российскую действительность — в материале красноярского издания.

Даши Намдаков — российский скульптор, график, ювелир. Академик Российской академии художеств, Заслуженный художник РФ, почетный член Академии искусств Флоренции. Искусствоведы нередко называют его «бурятским Пикассо» и «азиатским Дали» наших дней.

Его выставки проходили на главных художественных площадках мира — от Токио и Пекина до Нью-Йорка и Лос-Анджелеса. Работы хранятся в фондах Эрмитажа, Московского музея современного искусства, в музее Востока, а также в музеях многих стран мира. Скульптуры имеются в частных коллекциях Владимира Путина, Романа Абрамовича, Герхарда Шрёдера и Умы Турман. Также Даши был награжден премиями «Ника» и «Золотой орёл» за работу художника-постановщика в фильме «Монгол» Сергея Бодрова-старшего.

Укурик. Влюбиться за вечер

До малой родины Даши Намдакова из Читы на авто можно добраться за пару часов — примерно 150 километров по трассе, частично гравийной. До соседнего поселка Могзон ходит общественный транспорт — автобус и электричка, дорога на них займет около трёх часов, еще 20 километров до Укурика можно проехать на такси. Цены на дорогу для горожан просто смешные.

Нам особенно повезло — электричка задержалась почти на час, и мы по дороге до деревни попали на закат.

Привыкшему к городским пейзажам глазу было не за что зацепиться, и я просто утонул в этой красоте — бескрайней зелени и небесном просторе, залитом всем спектром цветов от белого до красного. А эти запахи и звуки — даже не буду пытаться их передать словами. Внутреннему мне на этой цветущей лужайке хотелось провести оставшуюся часть жизни.

Здешняя природа не жалела для нас козырей в этот вечер — буквально перед приездом в окрестностях Укурика прошел дождь, который тут же выпарило яркое вечернее солнце. И сразу после заката деревню прямо у нас на глазах окутал туман. Кажется, его можно было резать ножом и раскладывать по тарелкам вместо десерта — так густо стелился он по долине реки.

Москва — Лондон — Москва

Даши сегодня — человек мира во всех смыслах слова. Его работы представлены во многих музеях и частных коллекциях планеты, его скульптуры украшают города, какое-то время — даже центр Лондона. При этом сам он живет сразу на три страны.

— В Италии мы живем в маленьком городке Пьетросанте. Там нашли лучшую литейную мастерскую в мире, чтобы лить бронзу. Когда мои произведения начали покупать коллекционеры из разных стран, возникли претензии к качеству материала. Качество литья бронзы в России не ахти. У меня был выбор: или это делать в Нью-Йорке, или в Италии. Я выбрал Италию, потому что это близко к нам.

Потом в его жизни появилась столица Англии, где он достиг пика карьеры, получив мировое признание.

— Мне подарили визу «Исключительный талант», которая позволяет перевезти семью — в Англии так переманивают талантливых людей к себе. У них есть еще инвесторская виза, которую покупают состоятельные люди за гигантские деньги. При этом моя виза по многим пунктам лучше инвесторской.

— Мы приехали в Англию, там сразу встретили, познакомили с королевской семьей — я был представлен королеве, герцогу Эдинбургскому, обоим принцам. Там проходили мои выставки, установили мой монумент в центре Лондона. Построились, обосновались всей семьей — дети, внуки. Было всё хорошо, пока я не представил себе такую картину: пройдёт еще лет 20, и я буду один-единственный пожилой бурят на всю Англию. Дети вырастут, внуки вырастут, их оттуда уже не выдернешь. Я понял, что мне надо очень быстро принимать решение и делать задний ход.

Англия мне очень много дала, она сделала мне мировое имя. Я понял, что взял из Англии всё, что нужно мне, и мы все выехали в Россию, — признаётся мастер.

Время забвения

Норбо-Самбо Галданов — уроженец села и самый близкий друг Даши. Вот уже пять лет он глава поселения Укурикское. До этого много лет занимался крестьянско-фермерским хозяйством. Он отлично знаком с основными бедами забайкальского (российского) села.

— Сколько езжу здесь, где бывал, видел и знаю, какие села были, каких уже нет. У нас пример рядом, 3 километра, Улётка. Такое село было. Там и школа-восьмилетка была, и почта, и клуб, хорошая привокзальная станция — всё-всё было. Это я помню, наш возраст ещё помнит. Сейчас вообще ничего нет, ни одного домика. Мимо проезжаешь, даже не скажешь, что там был целый поселок.

Всё идет на сокращение, всё исчезает. Видно же, как было при Советском Союзе, когда мы еще учились в школе-интернате в Могзоне. Кстати, вот Могзон — хороший, цветущий поселок был, а сейчас в плохом состоянии. Нет организаций, всё посократили, больницу закрыли. Как так? Это же не к лучшему идёт, идёт к упадку. Конечно, Даши, глядя на всё это, переживает за свою деревню, за своё село. Ведь здесь наши корни, наши деды и прадеды здесь жили, — искренне восклицает Норбо-Самбо.

Конечно, в Укурике сейчас не такая критичная ситуация, как в уже погибшей Улётке. Летом деревня на 60 дворов совершенно не выглядит брошенной. У ограды каждого четвёртого двора машина или детский велик. Покосившихся заборов и брошенных домов почти нет, а те, что, кажется, пустуют, даже без заборов стоят с целыми окнами, прикрытыми занавесками.

На одной улице кирпичный дацан (буддийский храм — Прим. ред.), на другой — новый Дом культуры, обшитый сайдингом. Причем оба объекта жители строили своими силами.

Другая картина здесь зимой. Молодёжь и средний возраст давно уехали в ближайшие города — Читу и Улан-Удэ, остались в основном старики. И тех на зиму дети стараются забрать в город — в морозы страшно оставлять одних в деревне. А дома в Укурике превратились, скорее, в дачи, куда старики с внуками приезжают на лето, работающие — в отпуска и на выходные.

— Ровно год назад я приехал в деревню и не узнал её — все разъехались после праздников. До этого было как-то всё нормально, детвора всё лето здесь копошилась. А сейчас дети без интернета жить не могут, а в деревне интернета нет. И всё, разъехались. Мы так призадумались: надо принимать срочное решение, что с этим делать. Надо возвращать людей домой обратно. А для того чтобы их вернуть, у меня есть только искусство, только так я могу повлиять, — вспоминает Даши события годичной давности.

Скульптор при этом осознает всю сложность задачи.

— Вы же понимаете, что это проблема не только нашей деревни, а деревни вообще. И даже не в Забайкалье, а во всей России. Представляете, сколько людей переезжает в большие города, особенно в Москву. Скоро вообще будет как в Монголии, где полстраны живёт в Улан-Баторе. Кочевая страна, где люди испокон веков занимались скотоводством, теперь живёт в городе. Что будет с нашей страной, когда все переедут в Москву, в крупные города? — недоумевает мастер.

Очень серьёзно помогает Даши в этом проекте — ментальная особенность бурятов. Хоть они изначально и кочевой народ, но очень тепло относятся к малой родине, к дому родителей. И в межнациональном Забайкальском крае это видно особенно хорошо — русские деревни умирают чаще и быстрее бурятских.

— Самое важное в бурятской ментальности — это корни. Если мы их не спасём, то у нас будут сложности. А корни ослабевают, потому что они здесь, а народ живет в городах. И эта культура теряется. Люди не понимают, живут другими ценностями, которые не свойственны нам. И в поисках других ценностей мы можем потерять свои. Тогда будет катастрофа, собственно, так уже и происходит — потеря языка, традиций, культуры, — досадует Даши.

Спасение через искусство

Ленд-арт-парк «Тужи» возводят на берегу реки Хилок в 2 километрах от Укурика. По заверениям команды Даши, он станет современным туристическим арт-проектом, базирующимся на имени и таланте мастера.

Сейчас возводят парк скульптур. Здесь же уже возвели культурный центр, строят две мастерские, цепочку гостевых домов и юрт, ресторан и кафе, баню.

За организацию питания на территории парка отвечает опытный ресторатор, автор ряда успешных проектов в Чите Юлиан Некрасов. Он со своей командой непосредственно участвовал в проектировании кафе и ресторана, чтобы всё вышло на уровне лучших городских заведений.

— В ресторане «Тужи» будет уровень не ниже моего городского ресторана — это 100%. Кафе будет чуть более демократичное. Будет уютно, чисто, хорошая кухня. Можно будет вкусно поесть, после того как здесь погуляешь, посмотришь местные красоты.

Уже в самое ближайшее время мы сюда поставим оборудование, и кафе с локальной кухней уже начнет свою работу, мы приступим к проработке. Я думаю, что к 20-му числу (20 июля — Прим. авт.) уже многие блюда можно будет попробовать, — пообещал Юлиан.

— Мы строим здесь творческую среду, куда смогут приезжать и где смогут работать художники из ближних и дальних стран, россияне. Я хотел бы, чтобы среди них было очень много детворы, которая бы видела процесс, училась рисовать. Для этого организуем здесь летний детский лагерь. Будем преподавать бурятский язык, преподавателей уже нашли. Туристов тоже будем рады видеть — всё для комфортного отдыха здесь будет.

До этого я бывал здесь раза четыре в год, хотя здесь не было никаких условий для работы. Если же они появятся, построим мастерскую, как в Италии, я буду проводить здесь еще больше времени. Тем более здесь для меня абсолютно комфортные условия, — пообещал Даши.

Краевые власти, узнав о проекте, помогли Даши с инфраструктурой — отсыпали дорогу, провели электричество, поставили туристический центр. Но это только часть расходов, скульптор тратит на проект не меньше.

— Сейчас даже переживаю, что воспользовался помощью государства. Но, с другой стороны, разве государство не должно помогать деревне? Притащить в деревню дорогу, электричество — государство, по идее, должно заниматься этим.

Для меня этот проект никак не окупаем. Я не жду от него какого-то бизнеса. Мне важно сейчас всё построить, вложиться, а дальше — чтобы он сам жил. Чтобы мои сельчане жили, зарабатывали — чтобы деревня жила! Чтобы детям и внукам было куда приехать. Я уже в таком возрасте, когда я должен что-то отдавать, — глубокомысленно заключает скульптор.

Как у бурятов забрали традиционный уклад жизни

Буряты издревле жили в этих местах, согласно отдельным источникам — едва ли не с начала нашей эры. А в падях Яблонового хребта у реки Хилок многие рода кочевали, как и их предки, вплоть до прихода советской власти. Поэтому еще свежи в памяти стариков рассказы родителей и дедов о тогдашнем укладе жизни.

— Все пади в округе были наши — могзоно-бурятские. В то время была перекочёвка — где скоту удобно, туда и кочевали. Не ради себя жили, а ради скота. Если скот есть — голодным не будешь. Жили на стойбищах. Их было столько, сколько семей, даже по нескольку — на лето и зиму. Дети начинали помогать пасти скот, как только могли сидеть на коне — с 5–6 лет, школы-то тогда не было. Люди держали помногу скота, в основном 20–30 голов. Мой дед до раскулачивания имел 200 голов, — вспоминает Бадма Цыбиков.

Бадма родился уже после объединения бурятов в деревни, в 1938 году, но жестокость и тяготы начального советского периода застал.

— Коллективизация — ужасная история, конечно. Кучностей не было, как села, деревни. Согнали со всех стойб бурятов, по корове оставили, а весь скот объединили. Колхоз назвали «Соронзон» (с бурятского — магнит — Прим. ред.), потом, когда Кирова застрелили, колхоз Кирова был. Жили, пахали на быках. Помню, тот, который бороновал, то ли сам был богатым, то ли сын богача, — его в наказание заставляли работать круглые сутки. Он спал прямо на ходу, стоя на оглобле между быками. Потом 1 мая его арестовали и увезли — историй таких, ужас, сколько было, — тихо восклицает старик.

Сама деревня Укурик, по официальным данным, появилась в 1930-м. Но Бадма говорит, что осели здесь чуть позже, примерно в 1934-м, — сначала несколько лет кочевали всей оравой с несколькими тысячами голов скота в другую местность, неудачно пытались поселиться там — но только людей и половину скота погубили.

— В хорошем состоянии деревня никогда не была. Всё, что маленько производили, — всё забирали. Ячмень, сено — всё сдавали. Жили очень плохо, голодовали, корешками питались — в апреле начинали пахать, мы да галки сзади. Землю перевернёт, а там корешки, мы протрём и едим. А галки рядом букашек собирали, — сегодня улыбается Бадма.

Только к 1960-м жизнь начала понемногу налаживаться, из главного — бурятам дали образование.

— У меня первый парень 59-го, второй — 61-го, третий — 62-го, четвертый — 68-го, дочь 73-го — пять их было. Что было хорошо — у нас детей учили в интернате в Могзоне на полном обеспечении: с трусами, с харчами. Мы за это бесплатно работали, но не обижались. Главное — дети были бесплатно обеспечены. Вот за это Советскому Союзу спасибо, что детей вырастили. А мы получать не получали, но работали, притом работали хорошо, — признается дедушка.

— Видимо, без греха наши потомки жили, и вот нас наградил бог таким человеком, — вознес руки к небу Бадма.

«Если не я, то кто?»

Даши родился в Укурике в 1967 году. Он был шестым ребенком в семье из восьми — для того времени она была достаточно средней. Большими считались семьи с 10–11 детьми. Любовь к искусству ему, его братьям и сестрам привили родители, в первую очередь отец — настоящий народный мастер. Хотя талант у рода Даши был в крови.

— У нас дядя сохранил прописанную на старобурятском языке родословную — благодаря ей мой внук знает своих предков по мужской линии до 21-го колена, я — до 19-го. 20 колен — это половина тысячелетия. Если они могли прописать свои имена столько веков, значит были важными людьми.

Легенды ходят, что все в роду были мастерами — дедушки, прадедушки. Мой отец построил мельницу, электростанцию, на которой потом сам работал. Всё в деревне через отца прошло. Хоть у него и был один класс образования — учился в военное время, но он был очень образован, хорошо понимал в технике и развивался. Постоянно что-то изобретал. Вся деревня на нём стояла, — с теплотой вспоминает Даши.

Даши с братьями и сестрами учился, как и все деревенские дети тех лет, в школе-интернате в соседнем поселке Могзон. В рабочие дни жили в пришкольном общежитии, а на выходные приезжали домой. В таких условиях укурикская детвора сразу в нескольких поколениях очень сблизилась.

— Мы живём как одна семья. В силу замкнутости, в силу интерната, где все учились и жили в одном общежитии. Это, конечно, уникальная история. Вот ребята работают, — скульптор указал в сторону строящегося моста, — все мои интернатовские, все мои братья и сестры. Мы и по крови родственники со многими, а это и неважно — мы все интернатовские.

— Детство, конечно, у нас было волшебным. Всё благодаря этому миру, который вокруг нас обитал. Он был космическим. И этого мира мне до сих пор хватает в творчестве. Если бы я был писателем, я бы благодаря ему писал сказки, как Андерсен.

Этот мир был в этих стариках, дедушках, бабушках, которые рассказывали эти истории. И он с этими стариками ушёл. Сохранился, наверное, только через мои руки в бронзе. Скучаю по этому миру, хотелось бы, чтобы он существовал. Чтобы наши дети, приезжая сюда, жили в этом мире. Поэтому мы строим всё это здесь, возводим парк скульптур из этого мира, — поделился сокровенным Даши.

Земляки скульптора работают в основном на объектах попроще. Там, где нужны были профессионалы, пригласили их. Но двигатель проекта всё же сам Даши и его семья, которая полностью поддержала его идею и помогает ее воплощать.

— Вся семья поддержала идею Даши, а сейчас все здесь — работают над проектом. Вся семья Даши, нас 10 человек, постоянно находится в Укурике, все непосредственно участвуем в проекте. Помимо этого, у нас здесь восемь скульпторов сейчас, будет ещё усиление. Три бригады строителей. Постоянно приезжают гости на день-два, помогают тоже. Всего человек 60–70 у нас набирается в команде, которая создаёт парк. А недавно здесь ещё были дорожники, их размещали всей деревней.

К открытию парка, которое состоится 24 июля, у нас будет готово шесть скульптур, зона гостеприимства, размещения, питания. Встретим всех достойно, — заверяет администратор проекта «Тужи», невестка Даши Димит Намдакова.

***

— Я всегда думал, что должен сделать свой проект. Думал, где-то на Байкале, на Ольхоне или с бурятской стороны на берегу Байкала. Эту мысль всегда в голове нёс, но, когда в прошлом году приехал и посмотрел, что здесь происходит, понял, что его надо делать здесь. Понятно, что, как на луне, за каждым гвоздем надо ездить в Читу. Да, похоже на утопию. Но если не я, то кто? — резонно подытожил Даши.

Андрей Затирко14:18, 21 июля 2021

Женщина-абориген вместо Колумба. В Мехико перенесут памятник открывателю Америки

6 сентября 2021

Автор фото, AFP

Подпись к фото,

В ходе протестов прошлого года статуя Колумба была облита краской

Власти столицы Мексики, пятого по численности населения мирового мегаполиса, обнародовали план перенести монумент Христофора Колумба, ранее стоявший на центральном проспекте Реформа, в городской парк. Его место займет фигура безымянной женщины из аборигенной народности ольмеков.

Генуэзского мореплавателя, 12 октября 1492 года открывшего для европейцев Америку и до конца жизни ошибочно полагавшего, что он побывал в Восточной Азии, многие общественные активисты сегодня считают символом колониализма, поскольку его экспедиция положила начало покорению испанцами Латинской Америки.

Война с памятниками

Постамент пустовал с 10 октября 2020 года. Власти вывезли его, по официальной версии, на реставрацию. В социальных сетях тогда звучали призывы повалить его в день очередной годовщины открытия Америки.

Автор фото, AFP

Подпись к фото,

В прошлом году демонстранты написали «Долой Колумба!» на заборе, защищавшем памятник

Случаи осквернения памятников Колумбу ранее имели место в некоторых латиноамериканских государствах, а также в Бостоне и городе Сент-Пол, штат Миннесота, соседствующем с Миннеаполисом, где при задержании полицейскими умер афроамериканец Джордж Флойд.

В ходе развернувшейся в 2020 году кампании под лозунгом Black Lives Matter в США, Великобритании и других странах подверглись вандализму или демонтажу монументы Уинстона Черчилля, а также герцога Веллингтона, кроме победы над Наполеоном, подавлявшего восстания в Индии, английского короля Якова II, инвестора занимавшейся работорговлей Гвинейской компании , и бельгийского короля Леопольда II, проводившего жестокую колониальную политику в Конго.

Целями демонстрантов также стали памятники предпринимателю и главе британской Капской колонии в Южной Африке Сесилу Родсу, бристольскому филантропу Эдварду Колстону, получавших часть своих доходов от работорговли, создателю лондонских Вест-Индских доков Роберту Миллигану, владевшему сахарной плантацией на Ямайке, и главнокомандующему армией южан в Гражданской войне в США генералу Роберту Ли.

Автор фото, AFP

Подпись к фото,

Колумб открыл Америку в 1492 году, но до конца жизни ошибочно полагал, что побывал в Восточной Азии

Мэр Мехико Клаудия Шейнбаум сказала, что памятник Колумбу останется открытым для обозрения, и что его перемещение — не переписывание истории, а акт справедливости в отношении народов, населявших Мексику до прибытия европейцев.

О решении заменить памятник она объявила 5 сентября, в Международный день женщин аборигенных народов.

Над статуей ольмекской женщины работает скульптор Педро Рейес.

Цивилизация ольмеков на территории современной Мексики существовала примерно от 1200 года до нашей эры до 400 года нашей эры.

Об этой цивилизации известно немного. Впоследствии ее сменила Ацтекская империя, угнетавшая другие народности так, что они встретили Эрнандо Кортеса и его людей как освободителей и всячески им содействовали.

Но их ждало жестокое разочарование в конкистадорах.

О скульпторе

Биография

Афиан Нельсон, российский скульптор, архитектор, дизайнер, поэт. Выходец из семьи художников, Нельсон последовал по исторической практике своего деда — грека, Афинянина, мастера-каменотёса. в 2007 году, скульптор с отличием и золотой медалью окончил Российскую Академию художеств, а затем и аспирантуру Академического института имени И.Е.Репина. Как лучший выпускник факультета скульптуры, был удостоен стипендиальной поездки в Италию. С 2003 года работает скульптором Международного музыкального фестиваля «Дворцы Санкт-Петербурга», созданная мастером статуэтка «Муза» является премией выдающимся деятелям искусства за вклад в Мировую культуру. Скульптуры Афиана установлены в консульствах Великобритании, Испании и Кипра. Также работы мастера можно увидеть в Русском музее Санкт-Петербурга, Музее Сбербанка в Москве, а также в различных частных коллекциях: Германии, Швейцарии, Австралии, Канады, Израиля, США, Китая… С 2010-2014 год скульптор преподаёт рисунок, скульптуру, композицию в объединённом центре искусств в Сакраменто(Калифорния), является золотым членом Объединенной Международной ассоциации Художников Калифорнии. Работает над различными проектами, такими как «Геноцид», «Моисей», для Русской православной церкви США. В настоящее время скульптор Афиан работает в Санкт-Петербурге и Москве.

Достижения

•2019 г. Активно сотрудничает с советом Ветеранов ВОВ Санкт-Петербурга и области.

•2018 г. Активно сотрудничает с Олимпийским Центром по тяжёлой атлетике (Санкт-Петербург).

•2017 г. Активно сотрудничает с международной ассоциацией по гиревому спорту.

•2016 г. Активно сотрудничает с Русской Православной Церковью.

•2015 г. Активно сотрудничает с Российским Военно-историческим Обществом.

•2015 г. Основал Фонд поддержки и реализации общественных, культурных проектов «Традиции и Новаторство».

•2015 г. Одержал победу в конкурсе на создане памятника Костантину Агапароновичу Орбеляну.

•2014 г. Одержал победу в конкурсе на памятник Андрею Штакеншнейдеру.

•2014 г. Участие в конкурсе к 70 лет в ВОВ. Художественным советом города работа «Солдат и девочка» рекомендована для установки в Санкт- Петербурге.

•2012 г. Является золотым членом общества Художников Калифорнии.

•2010 г. Преподаёт рисунок , композицию, скульптуру в США и России.

•2008-2009 г. Активно занимается кинематографом, компьютерной графикой и новыми технологиями.

•2007 г. Активно сотрудничает с «Центром Национальной Славы России» (СПб)

•2006 г. Активно сотрудничает с Представительством Дома ЮНЕСКО в Санкт-Петербурге.

•2006 г. Успешно окончил творческую аспирантуру Академии Художеств под руководством А. С.Чаркина.

•2005 г. Награжден дипломом союза архитекторов России г. Москва за участие в международном конкурсе на мемориал, посвященный событиям в г. Беслане.

•2005 г. Является членом союза Художников России, Санкт Петербург.

•2004 г. С золотой медалью окончил Российскую Академию Художеств в Санкт — Петербурге. Дипломная работа «Спаситель».

•2003 г. Работает скульптором Международного Музыкального фестиваля «Дворцы Санкт-Петербурга»

•2003 г. Удостоен стипендиальной поездки в Италию.

Афиана Нельсона часто называют «современным классиком и философом в бронзе».

Участие в выставках

•2017-2020 г. Создание выставочно-музейной коллекции скульптур на тему любовь и балет

•2019 г. Создание скульптурной композиции «Мелодия Ангелов»

•2018-2019 г. Создание мемориальной доски первому заместителю министра путей сообщения, профессору, ректору Петербургского Государственного Университета Путей Сообщения, заслуженному работнику транспорта Российской Федерации Валерию Ивановичу Ковалёву.

•2017 г. Создание кубка международного первенства по гиревому спорту

•2016 г. Создание памятника народному артисту СССР Константину Орбеляну. Пантеон выдающихся деятелей культуры Армении, Ереван. Материал: бронза, гранит, позолота.

•2015 г. Создание работ на военно патриотическую тему»Сила России»,»Крик Войны»,»Победа»

•2014 г. Участие в конкурсе к 70-летию Победы в ВОВ

•2014 г. Участие в осенней выставке. Союз Художников России.

•2014 г. Участие в конкурсе на памятник 6 роте Псковской Дивизии.

•2014 г. Победа в конкурсе на памятник выдающемуся архитектору Андрею Ивановичу Штакеншнейдеру

•2013 г. Выставка в Белом Доме Сакраменто, Калифорния.

•2012 г. Выставка в Бербанке, штат Калифорния. Художественная Галерея «Исса»

•2011 г. Выставки в Лос-Анджелесе, штат Калифорния. Художественная галерея «Сильвана»

•2010 г. Выставки в городах; Aпелтон, Милуоки, Чикаго, Лос-Анджелес (США)

•2010 г. Выставка в генеральном консульстве республики Кипр. Санкт Петербург.

•2009 г. Участие в выставке «Осень 2009» Союз Художников России г.Санкт -Петербург.

•2008 г. Участие в выставке, посвящённой 75-летию Санкт-Петербургского Союза Художников.

•2007 г. Создание мемориальной доски Графу Ф.А. Головину. Омск, Царские врата. Работа создана по заказу Центра Национальной Славы России.

•2006 г. Активно сотрудничает с Представительством ДОМА ЮНЕСКО в Санкт — Петербурге. •2006 г. Скульптурой «Муза» был награждён президент сбербанка России Андрей Казьмин.(Коллекция музея сбербанка России, Москва)

•2005 г. Является членом Союза Художников России.

•2005 г. Участие в выставке в зале Союза Художников России г.Санкт -Петербург.

•2005 г. Участвовал в международном конкурсе на мемориал, посвященный событиям в Беслане.

•2004 г. Создание проекта , посвящённого событиям 11 сентября «Рука Бога»

•2004 г. Создание статуэтки , посвящённой 1000 — летию дня памяти древнеармянского поэта- евангелиста Грегора Нарекаци. — «Крестный Ход -Освящение».

•2004 г. Создание дипломной работы «Спаситель».

•2004 г. Установление декоративной скульптуры в культурном центре почётного консульства Королевства Испании

•2003 г. Создание мемориальной доски — Графу Ивану Лазареву, посвящённой 300 летию Санкт -Петербурга (Невский пр.40-фасад здания комитета по культуре СПб). Материал: мрамор, бронза, позолота.

•2002 г. Участвовал в осенней выставке выставочного центра на Охте,СПб

•2002 г. Создание малого диплома «Ахиллесова пята»

•2001-2002г. Участие в выставке в Рафаэлевском зале Академии Художеств.

•2001 г. Участвовал в весенней выставке работ мастерской под руководством С.А. Кубасова в салоне Академии Художеств.

•2000 г. Участие в международной выставке «Миллениум» Показ скульптурного проекта «Переворот Святого Апостола Петра»

•2000 г. Создание Надгробия» Возвращение»для американо-израильской гражданки Марии Бэнжис. СПб, Смоленское кладбище.

•2000 г. Создание фонтана для итальянского генерала Джанальфонсо Д’авоса (ул. Галерная 29 Санкт -Петербург)

•1999 г. Участвовал в выставке, посвященной двухсотлетию А.С.Пушкина в салоне Академии Художеств, Санкт -Петербург

Воздушное железо скульптора Маттиа Тротта

Предлагаем взглянуть на удивительные скульптуры из железных цепей и проволоки, которые создает итальянский скульптор Маттиа Тротта.

(Всего 11 фото)

1. Маттиа Тротта родился в городе Савона в 1980 году. По образованию он инженер-механик, поэтому очень хорошо знаком со всеми характеристиками металлов. Всерьез искусство захватило его в 2002 года. Чтобы передать собственное видение мира Маттиа Тротта использует весь свой технический опыт и знание свойств материалов. Помимо работы над коллективными и персональными выставочными проектами, Маттиа Тротта создает еще и театральные декорации.

2. Скульптор Маттиа Тротта работает с железом. Материал, который он выбирает для своих произведений, всеми своими специфическими особенностями активно включается в создание нового образа. Скульптор очень хорошо знает материал, с которым работает, поэтому любит называть себя хозяином своего дела, специалистом по обработке такого трудного материала, как железо. Но кроме железа для своих скульптур он использует и мрамор, особенно для выполнения основания для скульптуры.

3. Материал, с которым работает скульптор, в процессе создания скульптуры меняется и модифицируется, но мастер при этом не использует ни сварки, ни пайки, работая исключительно вручную. По этой причине скульптура создает медленно, а самой работе с металлом часто предшествует длительный процесс конструирования на бумаге, начинающийся с рисования наброска.

4. Работа со скульптурой начинается с создания стального каркаса, на который затем будет наматываться цепь. Эти железные нити, виток за витком, накладываются на каркас, постепенно заполняя пустоты и проявляя силуэт скульптуры.

5. Как опытный портной, который своей иглой создает платья, идеально сидящие на фигуре, Маттиа Тротта при помощи железных нитей создает оболочку, способную передавать чувства и эмоции. Сам он говорит: «Каждая линия имеет свое место, вся скульптура твердая, но через нее может проходить ветер, воздух заполняет часть ее объема, связывая ее с окружающей средой». Можно сказать, что эта концепция близка к работам Гонсалеса (чьи произведения так любил Пикассо) – скульптура кажется вырезанной из воздуха.

6. При работе над скульптурой железо подвергается сложной обработке с использованием растворов кислот, укоряющих естественные коррозионные процессы. Так художник добивается получения нужных ему оттенков.

7. В своих работах, особенно, когда Маттиа Тротта хочет передать движение тела, скульптор всегда добивается прочности всей конструкции.

8. Гармония, пластические законы, управляющие системой объемов, и порождающие друг друга, означают, что пустоты имеют такое же значение, как и заполненное пространство, и позволяют еще лучше почувствовать твердость и плотность.

9. Маттиа Трота утверждает, что железные нити представляют собой идеальный проводник для его творческой энергии, и они способны полностью захватить воображение.

10. Некоторые работы Маттиа Трота (например, AngeleTerra) вызывают в памяти образы античности, а другие (Мария) непосредственно связаны с настоящим моментом. Все его работы выражают чувства и эмоции, самым тесным образом связанные с окружающим миром.

11. Маттиа Трота говорит о своем творчестве: «Мысли, обмен информацией, эмоции – все это связано в одну цепь. Моя цепь задает ритм и скорость, чтобы объем, в который я хочу вписать свои работы, охватывал свет и тень, тишину и хаос, воздух и материю, небо и землю».

Личный опыт: урок скульптуры | Vogue Ukraine

«Одна женщина, в начале двадцатого века в Штатах решила открыть бордель. И, чтобы понимать специфику бизнеса изнутри, она два года работала по специальности, – говорит мне молодая художница-скульптор Кристина Захарчук. – Продавая скульптуру, тебе нужно больше специальных знаний, Света. Поэтому я приглашаю тебя на урок».

С Кристиной меня познакомил скульптор Петр Гронский. И мы подружились с первой минуты. Ей 25 лет, она родом из Коломыи, из семьи художников. Уже в Киеве окончила Академию искусств. Когда есть время, свободное от творчества, делает работы на заказ. Периодически работает декоратором для кино; дает частные уроки скульптуры. Чтобы попасть на такое занятие не требуется специальная подготовка. Можно просто написать Кристине запрос на Facebook и договориться о встрече.

Кристина Захарчук (фото — Ксения Репина)

Урок было решено начинать пораньше, когда особенный свет. Мы встретились с самого утра в мастерской на Татарке. За последние восемь лет я уже побывала во многих мастерских киевских скульпторов. При этом рабочее место скульптора женщины отличается. Здесь больше порядка при общем кажущемся хаосе. На одной стене на гвоздиках развешены инструменты, на другой – множество мелких зеркал, еще на одной –  коллекция черных фетровых шляп.

Процесс не начинается сразу с лепки. Подготовка фанерного планшета и металлического каркаса на нем, чтобы легче снять эскиз, когда подсохнет – отдельный ритуал. Возле мольберта меня поджидала свежая глина – мягкая, послушная субстанция. В отличие от масла, она легко отмывается с любой поверхности. Заданием для моего урока стало создание архитектурного элемента – розетки. Кристина давала советы с чего начать, в каком направлении двигаться, как работать с разными инструментами. Я слушала внимательно и с удивлением замечала, что технические принципы создания скульптуры работают как универсальная формула и в обычной жизни.

Отщипнув немного холодной, влажной глины, я наметила квадрат на планшете. Привыкла так во всем – начинать понемногу, чтобы избежать ошибки. Художница это сразу отметила: «Работай от целой формы и формируй важные детали в процессе. Не бойся взять слишком много глины, бойся взять мало». И действительно, в любом деле, если боишься сделать лишнее – не сделаешь и главного.

 «В работе должны быть строгие линии и четкие формы, – продолжала скульптор, – а потом можно их слегка смягчить. А если сразу их делать мягкими, то работа получится вялой». Ну нет, думаю, только не это. И добавляю резких очертаний шпателем. Кстати, у многих именно шпатель ассоциируется с работой скульптора, а на самом деле комфортнее работать с инструментом под названием «петелька» — именно с его помощью безликой массе придаются выразительные черты.

Кристина подсказывает: «отходи подальше от работы, смотри на нее со всех стороны, проверяй себя, как бы отстраняясь от процесса». Как это верно, думала я, ведь попадая в сложные ситуации нужно дать себе не только время, но и расстояние. Не принимать решение сразу, отойти в сторону. Я оставляю слепок на полдороге, и выхожу в теплое осеннее утро за очередным кофе. Вернувшись, свежим взглядом вижу свои промахи, которые незаметны, когда работаешь напряженно и безотрывно.

Через 4 часа «объект» был закончен. Не хватало несколько штрихов, чтобы сделать раму четче. Художница объяснила, что, обозначая рамки скульптурного рельефа, нужно быть резким, свободным и немного агрессивным. Иначе они смажутся. И это тоже как с личными границами. В скульптуре все как в жизни. В этом ее особенная суть.

Когда созданный мною рельеф высохнет, с него будет снят слепок с помощью гипса или силикона. Этот слепок и станет формой, в которую будет залит основной материал – снова гипс, или пластик, или бронза в жидком состоянии. Если форма была сделана из гипса, ее можно использовать только один раз. А из силиконовой формы можно сделать еще сколько угодно экземпляров. Этот процесс называется формовкой. Так произведение искусства появляется на свет. Впоследствии оно может быть доработано – покрашено, декорировано.И только из камня работа создается иначе: высекается соразмерно эскизу – это всегда в разы дольше, сложнее и, соответственно, дороже.

Я пофантазировала: что если бы я стала скульптором? Мир вокруг преобразился. Круг уютным образом вписался в квадрат. Намеченный тонкой линией треугольник превратился в виноградный листок. Геометрия перестала быть врагом, когда появилось искусство. Урок скульптуры снял мою тревогу. Я бы с удовольствием продолжила это занятие, ведь остались еще моменты, которые эта медитативная практика помогает понять.

Текст: Светлана Старостенко

Фото: Светлана Старостенко, Кристина Захарчук

Часто задаваемые вопросы

Приобретение

Каковы основные способы покупки и продажи медиапроизведений?

Есть два основных способа, которыми художники, работающие в видео, традиционно делают свои работы доступными. Первый — через дистрибьюторов, а второй — через систему художественных галерей.

В чем разница между приобретением работы у дистрибьютора, а не у галереи или дилера?

Галерея или дилер обычно продают произведение как уникальное или часть ограниченного тиража. Дистрибьютор будет иметь различные структуры оплаты в зависимости от того, как вы собираетесь использовать работу. Различные форматы могут быть куплены для определенного показа или вы можете купить медиаформат с правами на архивирование и выставку. Применяются ограничения, такие как ваша возможность одолжить работу.

Кто является одним из крупнейших распространителей видео?

EAI (Electronic Arts Intermix) в Нью-Йорке, банк видеоданных в Чикаго, Li-MA в Нидерландах и LUX в Великобритании.

Что я действительно покупаю?

Покупая произведение медиа-инсталляции, вы приобретаете набор контента, оборудования, инструкций и прав.

Что значит сказать, что произведение продается ограниченным тиражом?

Когда произведение продается ограниченным тиражом, подобно гравюрам и отлитым скульптурам, номер издания объявляется и фиксируется при первом выходе произведения на рынок. Тот, кто покупает работу, получит сертификат, в котором будет указано, какой номер в издании был куплен: например, один из трех. Издание — это способ создания редкости и контроля в мире воспроизводимых носителей.

Кому еще принадлежит издание произведения?

Галерея, представляющая художника, будет хранить данные обо всех владельцах проданных изданий.

Что идет с работой?

Обычно это определяется продавцом/галереей, но точные детали обычно обсуждаются. Приобретение может включать в себя аппаратное обеспечение, но, по крайней мере, должно включать инструкции, права, а также архивную оригинальную копию и выставочную копию.

Что мне нужно получить?

См. сводку перед приобретением. Чаще всего это будет включать документацию по установке, происхождение произведения искусства, контрольный список оборудования, включая различие между тем, что требуется, но не включено в продажу, план художника относительно намерений, особые соображения для инсталляций, архивный мастер и выставочные экземпляры работ.

Что такое специализированное/неспециализированное дисплейное оборудование?

См. сводку перед приобретением

Что такое основные документы/контракты?

См. сводку перед приобретением

Каковы мои права и обязанности как покупателя?

Ваши права и обязанности определены в Соглашении о покупке. Вы должны иметь право выставлять работу и, в большинстве случаев, давать работу взаймы. В обязанности может входить сохранение, перенос и сопровождение работы.

Получу ли я другие права, если куплю произведение как издание, а не как уникальное произведение?

Нет: ваши права на предоставление во временное пользование, демонстрацию, сохранение и продажу произведения одинаковы независимо от того, покупаете ли вы произведение как уникальное произведение или как издание. Однако, если вы покупаете произведение, например, тиражом в шесть экземпляров, еще пять человек также имеют эти права. Как правило, вы не имеете права ни в том, ни в другом случае показывать работу более чем в одном месте за раз.

На что распространяется Соглашение об авторских правах?

В соглашении об авторском праве должны быть указаны права покупателя в отношении демонстрации, сохранения, предоставления во временное пользование, рекламы и публикации.

Зачем мне лицензия на авторские права?

Несанкционированное копирование произведения, защищенного авторским правом, может нарушить права правообладателя. Лицензия на авторское право устанавливает и определяет права владельца в отношении сохранения, создания выставочных копий и подобных вопросов, связанных с тиражированием произведения.

Как узнать, кому принадлежат авторские права — владельцу или исполнителю?

Чаще всего авторские права на свою работу принадлежат художнику.Продавец, претендующий на владение авторскими правами на произведение, должен гарантировать, что он или она обладает правами и может передать их покупателю.

Что такое сертификат подлинности?

Сертификат подлинности — это документ, подписанный художником или наследниками художника, который удостоверяет (а) что произведение является произведением искусства и (б) что оно принадлежит художнику, указанному в нем.

Что такое подтверждение титула и чем оно отличается от сертификата подлинности?

Подтверждение права собственности просто подтверждает право собственности на авторские права. Он не гарантирует подлинности самого произведения искусства.

Что такое «доказательство художника»?

Вместе с изданием может быть заявлено наличие одной или нескольких художественных проб. Например, можно увидеть «Издание 6 с 2 точками доступа». Гравюры художника функционируют как издания, принадлежащие художнику. Художественные пробы также иногда продаются позже. Если художник продает все свои посвященные художнику пруфы, ему придется просить у владельца разрешения показать работу.

Кредиты

Что отправляется при предоставлении мультимедийного изображения во временное пользование?

Когда вы одалживаете медиа-произведение искусства, ваши потребности в том, что вы отправляете, зависит от характера произведения; в некоторых случаях вам может потребоваться отправить все необходимое для установки работы, в других случаях может быть достаточно спецификаций дисплея и медиафайла. Эти детали следует обсудить заблаговременно. Если оборудование не является уникальным для этой работы, рекомендуется обсудить это с заемщиком и обсудить, могут ли они предоставить подходящее оборудование.

Что такое виртуальный кредит?

Виртуальная ссуда — это ссуда, в которой кредитор указан в тексте на стене и в каталоге как сдающий работу, но физически ничто не перешло от кредитора к заемщику.

Управление хранением и коллекцией

В чем разница между пленкой и видео?

Пленка — это, по существу, прозрачный фотоноситель, через который проецируется свет для создания изображения. Обычно для этого требуется негатив, и он основан на кадре.Видео — это электронная система кодирования, при которой изображения и звук кодируются в виде электрических сигналов или импульсов. Чтобы увидеть изображения, электрические волны или импульсы энергии должны быть декодированы. Видео может быть аналоговым или цифровым. Аналоговое видео хранится в виде непрерывных сигналов, цифровое видео хранится в виде двоичной системы нулей и единиц, закодированных в виде электронных импульсов. Цифровое видео в настоящее время в основном основано на файлах и больше не хранится на видеоленте, хотя оно может храниться на ленте с данными.

Что такое мастер?

Мастер одобрен художником, является материалом самого высокого качества и обычно является источником, с которого делаются копии.

Кто держит мастера художника?

В те дни, когда мастером художника был конкретный предмет, такой как лента, вопрос о том, кто держит мастера, был более серьезным, чем сегодня. В настоящее время цифровой клон может храниться многими различными заинтересованными сторонами, включая художника, галерею, имущество художника, музеи, коллекционеров и образовательные учреждения.

Какие форматы рекомендуются для миграции?

Рекомендуемые форматы миграции со временем меняются.Решение частично зависит от материала, предоставленного художником. Когда мастер для видеообложки предоставляется в довольно стандартном формате, таком как несжатое видео в оболочке Quicktime, тогда ряд учреждений предпочитают сохранять предоставленную художником копию в качестве мастера в том формате, в котором она была предоставлена. Если предоставленный формат видео очень необычен, часто принимается решение создать новую копию в обычном формате. Некоторые учреждения решили «нормализовать» свое видео, например, сохраняя все свои материалы в виде несжатой копии в оболочке AVI.Существует некоторая дискуссия относительно использования оболочек с открытым исходным кодом по сравнению с проприетарными оболочками в системе сохранения.

Является ли скопированная лента идентичной оригиналу?

Аналоговая копия никогда не будет идентична оригиналу, и при каждом ее копировании происходит потеря поколений. В цифровом домене можно добиться идеального клонирования одного формата в идентичный формат. Однако все форматы цифровых лент различны, и если вы скопируете цифровую ленту, сделанную в одном формате, в другой формат, произойдут изменения.Это связано с различиями в частоте дискретизации, способе выборки данных и различиями в используемых алгоритмах сжатия.

Что такое выставочный экземпляр?

Выставочная копия — это копия носителя, используемого для демонстрации. Его можно использовать во время установки, и его следует рассматривать как заменяемый.

К кому обращаться за технической поддержкой?

Обратитесь к реставратору, галерее, дистрибьютору, консультанту и/или художнику/студии, которые знакомы с этими типами работ, чтобы получить рекомендацию, основанную на необходимой вам поддержке (см. сводку перед приобретением).Растет число людей с необходимым опытом, которые предлагают свои услуги в качестве фрилансера.

Как задокументировать произведение искусства?

Документация работы обычно включает в себя комбинацию фотографий, диаграмм, схем, юридической документации, спецификаций установки и устных/записанных отчетов о работе. Существует ряд инструментов, таких как «Информация о медиа», которые также могут помочь в извлечении технических метаданных. Документирование произведения искусства — это непрерывный процесс, который прослеживает жизнь произведения.

Что должно быть включено в архивные файлы?

См. сводку после приобретения. Эти файлы обычно включают в себя квитанцию ​​на произведение искусства, отчеты о состоянии, счет-фактуру, сводку о приобретении, сертификат подлинности, соглашение об авторских правах, контактную информацию художника, соглашение о вводе в эксплуатацию (если применимо), кураторское обоснование, переписку и стенограммы. интервью художника.

Что такое отчет о состоянии?

Отчет о состоянии — это запись, в которой отслеживаются физические и электронные качества всех компонентов работы.

База данных управления моими коллекциями предоставляет только ограниченное количество полей для каталогизации медиа-арта. Где я могу узнать больше о дополнительных полях?

С этим борются многие музеи, частные лица и коллекционеры. Некоторые производители баз данных музейных каталогов в будущем пересмотрят свое программное обеспечение (пожалуйста, лоббируйте их). Тем временем вам может понадобиться создать базу данных специально для вашей коллекции медиа-искусства. Полезным ресурсом может послужить «Проект по каталогизации» организации Independent Media Arts Preservation (IMAP).

Как мне подготовиться к устареванию оборудования?

Самая известная подготовка к устареванию включает в себя накопление оборудования, сбор информации и диалог с художниками/техниками/корпорациями (через планирование сохранения).

Как продлится работа со временем?

Медиа-произведения проходят через процессы активного сохранения, включающие сохранение битов и мониторинг на предмет устаревания и других рисков, документирование, развитие с течением времени понимания произведения и того, что важно для его сохранения или сохранения, оценку новых технологий замены и диалог с художником о возможностях будущих итераций.

От Уорхола до Стива МакКуина: история видеоарта в 30 работах | Видеоарт

Видеоарт возник в тандеме с экспериментальным кино в 1960-х годах как живая, открытая альтернатива вдали от центра. Практики с противоположными программами и опытом работы в разных областях — музыке, перформансе, литературе, изобразительном искусстве и движущихся изображениях — начали экспериментировать с аудиовизуальными конфигурациями. Чувствуя себя свободными, они исследовали потребительские инструменты в одиночку в своих студиях или в благоприятной среде некоммерческих пространств, управляемых художниками.

На этом раннем этапе музеи современного искусства концентрировались на конкретных, товарных формах, а именно на живописи и скульптуре. Многие считали движущееся изображение анафемой, ужасаясь тому, как звук проникает в соседние священные белые кубические пространства. Тем не менее, к концу 1990-х музеи, наконец, начали рассматривать видео и медиа как экспонируемые формы искусства.

Представленные здесь движущиеся изображения демонстрируют, как видео и кино развивались и становились современным искусством. Художники продолжают процветать, вдохновленные открытостью СМИ.Вместо того, чтобы навешивать ярлыки на ярлыки, большинство практиков предпочитает простой термин: художник. Это соответствует их подходу к созданию произведений искусства, которые могут материализоваться в виде инсталляции, перформанса, среды виртуальной реальности или загружаемого файла. Медиа-арт больше, чем когда-либо, принадлежит здесь и сейчас, поскольку он развивается вместе с технологиями, временем и его пользователями.

Будущее медиаискусства кажется ярким. После Covid-19 такие общественные места, как площадь Пикадилли, заказывают проекции для конкретных мест такими известными художниками, как Ай Вэйвэй.Такие музеи, как Тейт Модерн, снова приглашают зрителей познакомиться с новаторскими художниками, такими как грандиозный обзор Брюса Наумана, который сейчас выставлен на обозрение.

Во время карантина художники продолжали активно использовать социальные сети для распространения своих работ. Скоро будут открыты новые формы выражения. Обращать внимание! Новаторские идеи появятся совершенно неожиданно, без особой помпы. Барбара Лондон

Гений кино: 30 революционных произведений видеоарта

Работы Скай Шервин и Оливера Башиано

По уши … Брюс Науман «Шагая вверх ногами», 1969. Фото: Брюс Науман; MOMA

Энди Уорхол | Минет, 1964
Уорхол не изобретал видеоарт: различные формальные эксперименты по манипулированию фильмом и видео предшествовали его интересу. Еще в 1958 году немецкий художник Вольф Фостелл включил телевизор в одно из своих авангардных мероприятий Fluxus, а к следующему году Фостелл разработал видеоинсталляцию в том виде, в каком мы ее знаем сегодня. Однако Уорхол взял идею и сделал ее знаменитой.По крайней мере, художник был мастером определять новые моды и с его талантом к саморекламе привлекать к ним внимание масс. Здесь красивый мужчина в экстазе запрокидывает голову, но 36-минутный фильм Уорхола не похотлив, по крайней мере, не совсем так. По ходу работы камера не отрывается от лица счастливчика, пока разыгрывается гамма эмоций: от скуки до боли, грусти и обратно к удовольствию.

Брюс Науман | Pacing Upside Down, 1969
Ранние студийные видео Наумана перевернули возможности художественного творчества с ног на голову, выдвинув студию на передний план как чашку Петри для творчества, используя все, что у него было под рукой, и с камерой, обеспечивающей параметры для производительности.Здесь он ходит по кругу на длину видеокассеты; хотя с перевернутой камерой он, кажется, бросил вызов гравитации, чтобы свисать с потолка.

Наталья ЛЛ | Consumer Art, 1972-5
Феминизм в сериале польского художника, в котором женщины соблазнительно едят фаллические продукты, от бананов до сосисок, актуален как никогда. Один фильм был удален из Национального музея в Варшаве в прошлом году, шаг, который приветствовали консерваторы, но который вызвал ужас среди любителей искусства, которые вышли в социальные сети с селфи с поеданием бананов.

Джоан Джонас | Вертикальный рулон, 1972 г.
Нет, монитор галереи не сломан. Катящаяся полоса, обычная ошибка аналогового телевидения, использовалась американской художницей, чтобы представить камеру в своих экспериментальных перформансах, которые выходили за рамки простого документирования. Джонас стучит ложкой в ​​такт вертикальной стробоскопии, а движения ее тела в этом агрессивном ритме завораживают.

Нам Джун Пайк | ТВ Будда, 1974
Статуя Будды созерцает собственное изображение, транслируемое через систему видеонаблюдения на сферическом мониторе, расположенном примерно в метре от него. Это работа, которая продолжила интерес художника корейского происхождения к буддизму и технологическим изменениям, а теперь является уместным напоминанием для зрителей о том, насколько разрушительным является экран для концентрации и гармонии.

Лигия Папе | Eat Me, 1975
Поэт Освальд де Андраде придумал метафору пожирания культуры колониальных держав, пережевывания ее и выплевывания, чтобы могло быть создано новое, истинно бразильское общество. Товарищ Андраде, бразильянка Папе, создает здесь буквальное, но мощное представление этого акта, направляя свою камеру в неудобное положение на уста двух друзей-художников.

Джон Смит | Девушка, жующая резинку, 1976
Кажется, девушка с таким названием получает инструкции от закадрового режиссера, прогуливаясь мимо кинотеатра в восточном Лондоне. Тем не менее, в этом полукомическом трибьюте британскому кинематографу «Новой волны» зритель постепенно осознает, что уличная сцена реальна, а «режиссер» вымышленный, а его команды дублируются позже.

Маленькое чудо… Технология/трансформация Дары Бирнбаум: Чудо-женщина, 1978/9.Фотография: Дара Бирнбаум; Интермикс Электронного искусства; Галерея Мариан Гудман

Дара Бирнбаум | Технологии/трансформация: Чудо-женщина, 1978-79
Бум! Взрывы заполняют экран, и работающая женщина снова и снова превращается в идеальную малышку, Чудо-женщину. Чтобы создать свою культовую деконструкцию фантазий, которыми торгуют женщины, Бирнбаум отредактировала ролики из телешоу о супергероях. Это было впервые, за несколько десятилетий до появления мэшапов на YouTube, и его демонстрировали по телевизору в витрине магазина в центре Нью-Йорка.

Коллектив черных аудиофильмов | Handsworth Songs, 1986
Более важный, чем когда-либо, этот свободный документальный фильм рассказывает о последствиях расовых беспорядков 1985 года, которые в течение трех дней бушевали в титульном районе Бирмингема. Созданный по заказу Channel 4 и снятый художником Джоном Акомфрой, этот отмеченный наградами поэтический фильм представляет собой обвинение в институциональном расизме в полиции, в политике тэтчеризма и в обществе в целом.

Фишли и Вайс | The Way Things Go, 1987
Этот завораживающий 30-минутный фильм швейцарского дуэта художников Питера Фишли и Дэвида Вайса начинается с зажженного предохранителя, который выпускает шину, устанавливающую планку, качающуюся на металлическом газовом барабане. объекты, когда они стучат, катятся, горят и скользят друг в друга.Цепная реакция нелогична, но, тем не менее, поднимает философские вопросы о взаимосвязях, причинах и следствиях.

Нахальный … В поисках Лэнгстона, 1988. Фотография: Bfi/Sankofa Film/Kobal/Rex/Shutterstock

Исаак Жюльен | В поисках Лэнгстона, 1989
Фильм Жюльена — это больше, чем дань уважения американскому поэту Лэнгстону Хьюзу и Гарлемскому ренессансу. предрассудки.Действие разворачивается на фоне саундтрека, в котором смешаны джаз 1920-х и анахроничное диско 1980-х.

Дуглас Гордон | 24 Hour Psycho, 1993
Как и в случае с крупнейшими хитами британского искусства, предпосылка здесь обезоруживающе проста: «Психо» Хичкока замедлился до безмолвного 24-часового хронометража, проецируемого на монументальный экран. Длина работы мучительна, но она быстро доносит свою мысль: будь то кинематографическая манипуляция нашим ощущением времени или вопросы об авторстве и творческом контроле.

Мэтью Барни | Цикл Кремастер, 1994-2002
Цикл Кремастер, названный в честь мускула в половом члене, представляет собой девятичасовой карнавал великолепных, гротескных моментов, в которых все, от Гудини до Гэри Гилмора, от мотоциклов до фей, связано косыми, сказочными ассоциации. Его кинематографические претензии, в том числе глянцевые производственные ценности и культовый актерский состав (Норман Мейлер, Ричард Серра), выдвинули видеоарт на новую территорию.

Пол Маккарти | Painter, 1995
Маккарти — мастер выявлять копрологические подводные течения культуры.В этой ключевой работе он играет мифологизированную фигуру героического художника-мужчины в образе жестокого клоуна с фаллическим лицевым протезом. Держа огромную кисть в массивных пальцах, он размазывает краску цвета экскрементов, в то время как тревога кастрации изобилует.

Risty business … Ever Is Over All, 1997. Фото: Пипилотти Рист; Хаузер и Вирт; Люринг Августин

Пипилотти Рист | Ever Is Over All, 1997
В этом видео пышно цветочное и анархическое видение Риста попало на карту культуры.Один экран переносит нас через поле раскаленных докрасна покерных цветов. С другой, женщина радостно разбивает окна автомобилей огромным цветком, делясь улыбкой с женщиной-полицейским. Бейонсе упоминает об этом в своем клипе на песню Hold Up.

Йохан Гримонпре | Наберите H-I-S-T-O-R-Y, 1997
Террористы формируют нашу культуру больше, чем писатели? Это спорный центральный вопрос в этом взрывоопасном документальном фильме, в котором история угона самолетов прослеживается через архивные материалы, любительские кадры, научную фантастику и фильмы-катастрофы, на которые накладываются выдержки из романов Дона Делилло, посвященных теории СМИ, «Мао II» и «Белый шум».

Марк Леки | Fiorucci Made Me Hardcore, 1999
Леки создает альтернативную историю из найденных кадров британских клабберов разных десятилетий в своем основополагающем фильме. По мере того, как племя, состоящее в основном из белых детей из рабочего класса, вымирает, а временной код тикает, появляется поразительно свежий гимн краткости юности. Актуальность его подхода только росла с годами (и с YouTube).

Делая волны… Ширин Нешат, Восторг, 1999. Фото: Ширин Нешат; Galerie Jérôme de Noirmont

Ширин Нешат | Восторг, 1999
В одной из проекций десятки мужчин идут по мощеным улицам к старому форту.Через секунду толпа женщин в чадрах медленно движется через пустыню к камере. С помощью этого аллегорического сопоставления иранский художник обращается к гендерной политике: мужчины защищены обществом, женщины остаются за бортом враждебной среды.

Стив МакКуин | Caribs’ Leap/Western Deep, 2002
Шедевр МакКуина следует за африканскими горняками в самую глубокую в мире золотую жилу: самые глубокие подземные глубины, где атмосферное давление превышает норму в 920 раз, а температура может достигать 70°C.Машины оглушительны, но, отражая опыт рабочих, большая часть фильма происходит в дезориентирующей темноте.

Цао Фэй | Чья утопия, 2006 г.
Созданная под техно-саундтрек, прорывная работа звезды китайского искусства изначально документирует безжалостное производство машин и людей на фабрике по производству лампочек. Тон волшебным образом меняется во второй половине, когда рабочие бросают свои посты, чтобы танцевать балет или играть на гитаре, используя фабричные ритмы, чтобы создать сказочный мир самовыражения.

Майк Келли | Day Is Done, 2006
Вдохновленный фотографиями «внеклассных занятий» из школьного ежегодника, выдающийся опус Келли состоит из 32 видеофрагментов, которые образуют буйный двух с половиной часовой мюзикл. Виньетки OTT включают дьяволов Хэллоуина, ухмыляющихся парикмахеров, Деву Марию верхом на осле и одинокого вампира, часто в зловещих встречах, которые вызывают культурную сексуальную тревогу и клише поп-психологии.

Яэль Бартана | … И Европа будет ошеломлена, 2007-11
На пустом стадионе еврейский лидер со свежим лицом призывает 3 миллиона евреев вернуться в Польшу, центр истреблений во время Холокоста, задавая провокационный и ироничный тон для потрясающего зрелища Бартаны, состоящего из трех частей. Он исследует тошнотворную смесь националистических лихорадочных мечтаний и культурных травм с оттенками нацизма, советской эпохи и израильско-палестинского конфликта.

Круглосуточные тусовщики … Часы Кристиана Марклея, 2010. Фото: Бен Уэстоби/Кристиан Марклей

Кристиан Марклей | Часы, 2010
Тик-так через 70 лет целлулоида, Марклей соединяет воедино тысячи голливудских, артхаусных фильмов и телевизионных клипов, все с часами и часами, каждый из которых отмечает определенную минуту дня.Фильм показывают в музеях по всему миру, которые должны оставаться открытыми в течение 24 часов, чтобы работу можно было показать синхронно с реальным временем.

Тацита Дин | Фильм, 2011
Самая тотемная работа Дина — вовсе не видеоарт, а памятник собственно целлулоиду. Это было вызвано закрытием последней лаборатории по производству фильмов в Великобритании и международной кампанией, которую она тогда запустила, чтобы спасти свой носитель, 16 мм. Созданный для Турбинного зала в лондонской галерее Тейт Модерн, его движущиеся образы, проецируемые на 13-метровый вертикальный экран, искусно исследуют уникальную телесность фильма.

Омер Фаст | 5000 Feet Is the Best, 2011
Интервью с пилотом беспилотника ВВС США, который дистанционно сбрасывает бомбы с помощью того, что он видит на экране, объединяет кинематографический зеркальный зал Фаста. Этот исходный материал переосмыслен с помощью документальной драмы и рассказов о лохматых собаках в стиле Тарантино, пока факты и вымысел не смешиваются. Быстрые удары по тому, как сам фильм — от боевиков до новостных кадров — искажает наше восприятие реальности.

Эд Аткинс | Us Dead Talk Love, 2012
Два говорящих трупа в цифровом виде в сверхъестественном высоком разрешении обсуждают насилие, секс, депрессию, нарциссизм и мужскую хрупкость.Видео британского артиста — это острая сатира на отчуждающую природу нашего медийно-насыщенного века, полного грустных, мертвых людей, в которых эмоции просто исполняются для алгоритмов, управляющих нами.

Хито Штайерл | Как не быть замеченным: чертовски дидактический образовательный файл .MOV, 2013 г.
В 1950-х годах американские военные построили цели в калифорнийской пустыне для калибровки аэрофотосъемки. Так началось, — рассказывает нам рассказчик в этом псевдоинструктивном видео, — наша эпоха гиперконтроля.Сочетая оригинальные кадры, анимацию и технологию зеленого экрана, Стейерл раскрывает связи между технологиями, войной и капитализмом.

Обезьяний бизнес … Без названия (Человеческая маска) Пьера Юига, 2014. Фото: Пьер Юиг

Пьер Юиг | Untitled (Human Mask), 2014
Глубоко тревожное видео Хьюи ставит перед самым насущным вопросом нашего века: постчеловеческий мир. Частично снятый с использованием дрона в зоне ядерной катастрофы на Фукусиме, он показывает покрытого мехом и замаскированного одинокого выжившего, который медленно оказывается обезьяной, брошенной в ресторане, чтобы ориентироваться в этом новом существовании.

Уильям Кентридж | Подробнее Sweetly Play the Dance, 2015
Анимационный танец смерти, в котором жертвы африканских бедствий, как природных, так и политических, проходят мимо, звучит мрачно. Удивительно, но эта работа, проецируемая на экраны от пола до потолка, выстроенные 40-метровым полукругом, представляет собой радостное музыкальное событие, монументальную оду стойкости перед лицом ужаса.

Артур Джафа | Любовь — это послание, послание — это смерть, 2018
Яростное обвинение Джафы в адрес угнетения США дебютировало вскоре после инаугурации Трампа.Это заряженные семь минут, с кадрами черных значков, жестокостью полиции и борьбой, с которыми ежедневно сталкиваются обычные чернокожие, установленными на Ultralight Beam Канье Уэста. В этом году показ был показан одновременно 13 художественными учреждениями, поскольку движение BLM набирает обороты, его сила растет и растет.

Барбара Лондон — основатель коллекции видео в Музее современного искусства в Нью-Йорке

Видео — Рут Асава

«Искусство было на высоком уровне, и жить было очень трудно», — говорит она о колледже Блэк-Маунтин. «Мы жили в грубых постелях и были так бедны, что нам приходилось копаться в листьях и камнях. Мы были вынуждены вернуться к естественным вещам, а не к хорошей бумаге и хорошим материалам, которые мы купили, и я думаю, что это было очень хорошо для нас».

Посмотреть видео от ARTnews и Смитсоновского архива американского искусства, снятое Уэсом Миллером >

 

© 1978. Используется с разрешения Masters and Masterworks Productions Inc.

 

---

Новинка от Artbound: мастера современного дизайна: искусство японцев

---

© 2013.Используется с разрешения Christie’s.

---

---

© 2008. Используется с разрешения Лоуренса Кунео.

Асава изображает детское лицо, 1970-е. Фото Аллена Номуры

 

Асава начала рисовать лица в 1965 году после того, как научилась этой технике у учителя рисования в государственной школе. Она снимала лица сотен людей, делая это так часто, что держала 25-фунтовый мешок гипса на своей кухне, прямо рядом с мукой, чтобы быть готовой, когда представится возможность.

Во-первых, человек должен покрыть лицо и линию роста волос толстым слоем вазелина. Затем Рут вырезала картонный шаблон, чтобы он соответствовал контуру ее лица, с помощью матового ножа. Человек лежал на кухонном столе или на полу с простыней, защищающей ее одежду. Картонный шаблон будет служить основой для гипсовой формы. Рут смешала гипс, а затем велела человеку закрыть глаза. Сначала она аккуратно наложила тонкий слой гипса на все лицо, подбородок и линию роста волос.Когда гипс начал схватываться, она добавила слои, чтобы укрепить форму. Через 5-8 минут она снимала гипсовую форму и откладывала ее в сторону, чтобы она полностью затвердела. Модель должна была вычесать кусочки гипса и вазелина с бровей, ресниц и линии роста волос. Это было грязно.

На следующий день Асава прессовала глину в форму, чтобы создать положительную керамическую маску, которая сушилась, а затем обжигалась в печи, которую она держала в своем гараже. Она оставила после себя личную коллекцию из более чем 300 масок и раздала сотни за свою жизнь.На вопрос, почему ей так нравится снимать впечатления с лиц людей, она ответила:

.

«Момент, который я поймал. . . это то, что мне нравится в кастинге лиц. Я не забочусь о том, чтобы сделать это техникой. Но мне нравится идея остановить момент во времени. И он исчезнет».

---

Из Уитни , педагог Лорен Ридлофф обсуждает « Без названия» (S.270, Висячие шестилепестковые, сложная взаимосвязанная непрерывная форма в форме с двумя внутренними сферами), 1955 г., переработанная в 1957–1958 гг. Рут Асава на выставке « Познание: ремесло». в искусстве, 1950–2019, в ASL.

Исследуйте искусство Асавы >

Узнайте о ее работе в школах >

Нам Джун Пайк | Национальный фонд искусств

Стенограмма

Джон Ханхардт:  Что нужно помнить о Нам Джун Пайке, так это то, что он действительно воображал и реализовал, благодаря своему искусству и своим идеям, что это средство стало средством художника, инструментом художника. И он очень рано понял важность и силу движущегося изображения, а также потенциал телевидения и развития видео, чтобы оно стало средством искусства.

Джо Рид:  Добро пожаловать в онлайн-магазин NEA Arts, я Джозефин Рид,

.

Текущий выпуск онлайн-издания NEA Arts посвящен пересечению искусства и технологий. поэтому имеет смысл остановиться и взглянуть на человека, известного как отец видеоарта, Нам Джун Пайка. Хотя Нам Джун Пайк создал свое первое видео в 1963 году и умер в 2006 году, его глубокое влияние на визуальную культуру ощущается и сегодня.

Очень мало людей, о которых можно сказать, что они создали новый вид искусства.Но именно это и сделал Нам Джун Пайк: он был первым видеохудожником в истории. Он заставил нас по-новому взглянуть на видео, превратив его в художественное средство, разорвав связь между видео и телевидением.

В 1965 году Sony представила первую портативную видеокамеру Portapak. Нам Джун Пайк также был первым художником, который использовал это. Его искусство и идеи создали радикальное видение этой новой формы искусства.

Вы можете получить представление о масштабах его новаторских работ на текущей выставке в Смитсоновском музее американского искусства, которая метко названа «Нам Джун Пайк: глобальный визионер».

Выставка, которая продлится до 11 августа 2013 г., была организована старшим куратором Смитсоновского музея американского искусства по медиаискусству и ведущим экспертом по Нам Джун Пайку и его глобальному влиянию Джоном Ханхардтом, который присоединился ко мне, чтобы поговорить  о необычайном искусстве Нам Джун Пайка. и продолжающееся наследие.

Джон Хэнхардт:  Одна из вещей, которую следует помнить о Нам Джуне, заключалась в том, что он полностью понимал возможности этого медиума. Он переработал внешний вид телевизора; он работал внутри телевизора.Как и в случае Zen for TV, он сделал простую линию поперек экрана, электронно-лучевую трубку, а затем положил телевизор на бок, чтобы линия шла сверху вниз. Итак, вы всецело обращаетесь к телевизору — съемочной площадке — и это избавление от образа и превращение его в эту возвышенную линию перекликается как с его исследованием выразительных возможностей средства массовой информации, так и с его диалогом, который он ведет со своим собственным происхождением, и азиатская мысль и культура, поскольку он создавал эту работу в авангарде Западной Европы.

Есть такая техника, как деколлаж. Он искажал полученное транслируемое изображение, прикладывая к экрану различные материалы, типа магнитов и пр., искажал их. Но важным событием также является то, что он стал по-настоящему интерактивным. А можно было переделать, как он переделывал образ. А в 1964 году он путешествовал по США, и его Magnet TV , который является частью коллекции Музея Уитни, был создан в то время в Нью-Йорке, где он поместил большой электромагнит на верхнюю часть телевизора, создавая из электроники телевизора абстрактное движущееся изображение, не связанное с телетрансляцией, а из свойств среды. И это то, о чем мы думаем, когда художник создает новую форму искусства, что он исследует, использует, развивает, трансформирует свойства среды, точно так же, как художники и скульпторы вводят новые материалы в эти формы искусства. Итак, он здесь делал что-то, что было создано из свойств электронной среды.

Со Нам Джун просит услышать и увидеть по-новому. И я думаю, что это один из величайших даров, которые дарят нам по-настоящему выдающиеся художники, и это новые способы увидеть себя в окружающем мире.И это то, что Нам Джун делал на протяжении всей своей карьеры в такой замечательной степени. И он всегда интересовался новыми медиа, новыми технологиями, чтобы привнести их в свою художественную практику и заставить их делать что-то другое — снова бросать им вызов. И он использовал камеру для записи, но он также использовал ее в своих инсталляциях, в своих скульптурах, что мы называем свойством замкнутого цикла видео, когда вы можете видеть в реальном времени то, что записывает камера.

Телевизионный Будда  одна из тех необычных и очень важных работ середины 70-х, 1974 года, где он поместил камеру, видеокамеру с замкнутым контуром, смотрящую на Будду.И Будда видит себя на мониторе. Конечно, Будда никогда не меняется, но образ продолжается. Это отражение среды в реальном времени через среду. Так время становится этим вечным настоящим. Это очень убедительная, вызывающая воспоминания и очень глубокая работа, которая приводит эту технологию в диалог с этой великой традицией. И он сделал несколько версий этого произведения. И, опять же, это показывает тот глубокий диалог, который он устанавливал в своей работе через — его глобальное видение, о котором мы говорим — через его — от Азии до Европы, через новые технологии и новые взгляды на мир.Таким образом, видеокамера стала частью его художественной практики радикальным образом и привела к появлению большого разнообразия как инсталляций, скульптур, так и видеозаписей.

Робот K 456  — одна из тех замечательных моделей, созданных в начале 60-х годов. Это был полностью дистанционно управляемый — он очень этим гордился — полностью дистанционно управляемый пульт, который перемещался по улицам, и он обычно брал его с собой в Сохо и устраивал импровизированные представления, показывал, как робот движется вверх. тротуар и так далее.Это был не этот гладкий робот, но он был сделан из кусков металла, и у него были записи речей Джона Кеннеди, и из его задней части сыпались горохи, когда он двигался по улице. Так что это была непочтительная, игривая и фантастическая пьеса. А в 1982 году я курировал выставку, ретроспективу работ Нам Джун Пайка в Музее американского искусства Уитни. И мы привезли из… того, что было Робот K 456 , который был в коллекции в Германии — мы привезли его в музей.И Нам Джун сказал: «Знаешь, Джон, у меня есть идея. Я хотел бы вывести робота за пределы музея Уитни, заставить его пройти по тротуару вдоль Мэдисон-авеню, затем пересечь Мэдисон-авеню и заставить его быть сбитым автомобилем». И, конечно же, это стало фантастическим событием для СМИ — это освещалось по местному телевидению — но это было место, где он мог сказать, когда у него брали интервью, что мы тренируемся, как справляться с технологиями, как противостоять им. , и его способности помогать, но также и его способности причинять вред.Так что это было очень важно в этом спектакле. Потом мы, кстати, отвезли робота обратно в музей. А можно представить регистратора в музее: «О боже, что ты наделал?» И коллекционер сказал: «Не имеет значения. У работы просто будет еще одна пометка, как и хотел Нам Джун». А робот K 456 теперь выставлен в музее в Берлине.

Очень важным с точки зрения понимания работы Нам Джун как артиста был его интерес к тому, чтобы действительно раздвинуть границы самого телевидения, телепередач.И «Доброе утро, мистер Оруэлл », 1984 год, должен был стать глобальной… глобальной прямой трансляцией с участием вещателей в Европе и Азии, Соединенных Штатах, и это была прямая трансляция, в которой использовалась спутниковая трансляция живого исполнения и предварительно записанные записи. видео, выступления и истории, которые будут рассказаны в этой фантастической трансляции. Итак, здесь он снова реализовал свою идею превратить такое средство массовой информации, как телевидение, в действительно перформативную, интерактивную, глобальную среду, контролируемую и исследуемую художником.

Ну, Нам Джун работал над всеми масштабами видео, и он создавал видеостены. В 1989 году он создал Fin de Siècle , Fin de Siècle II , End of the Century II , в которых он покрыл стену — это был музей Уитни — сотнями телевизоров и Jumbotrons, и это было о создании новой поверхности, которую мы видели в Мегатрон/Матрица , действительно одной из самых передовых телевизионных установок, управляемой компьютерной системой, которая накладывает и воспроизводит движущееся изображение с удивительной сложностью, — У вас есть Мегатрон, это фантастическое многоуровневое, движущееся, управляемое компьютером, постоянно меняющееся, никогда не повторяющееся отображение изображений.Затем справа находится Матрица, меньшие мониторы, на которых вы видите Мерса Каннингема и других исполнителей, записанных и играющих, обработанных изображений и так далее. А за этим Мегатрон/Матрица скрывается глубокая технология презентации, которая запускает саму инсталляцию и представляет собой движущееся изображение, динамически трансформирующее поверхность стены. Точно так же, как мы думаем о фресках, вводящих изображения в архитектурное пространство, так и здесь он привносит движение в архитектуру и создает сложную игру времени и движущихся образов. Electronic Superhighway , еще одна работа, которая была отреставрирована и постоянно находится в экспозиции Смитсоновского музея американского искусства, мы видим его большую карту Соединенных Штатов с мониторами с видеоизображениями из телевизионных шоу, фильмов, каждый из которых запечатлел то, что он видел, как своего рода Отличительная черта разных государств. Он показывает танцующего Мерса в штате Вашингтон, где он родился. Он показывает Шарлотту Мурман в Арканзасе, где она родилась, вместе с Биллом Клинтоном. И я также хотел бы добавить, что где бы он ни был установлен — у нас он есть в Смитсоновском музее американского искусства — есть видеокамера с замкнутым контуром, смотрящая с этого места на зрителя, который затем может видеть себя на маленьком экране. отслеживать, где они находятся в Соединенных Штатах.

это художник, чья глубина трансформации, переосмысление электронного движущегося изображения, самой природы того, как искусство может общаться, как искусство может выражать и исследовать саму природу изображения, и который ввел новую форму искусства в искусство конца 20 века. И для нового поколения этот пример является источником вдохновения, потому что теперь у нас, конечно, есть все эти цифровые возможности. вы получаете различные способы создания и постобработки движущихся изображений. Но на самом деле вы, как художник, хотите не просто делать то, что делает программа, но вы хотите сделать из нее то, чего она не делает.И вы сейчас находитесь в эпицентре этой глобальной медиакультуры, и вы хотите иметь возможность прокладывать через нее новые пути, новые формы творческого самовыражения, а не просто следовать путям, которые уже существуют в индустрии развлечений. Нам Джун любил развлечения — он любил массовую культуру. Он любил музыку и все такое. Но он привнес это в свою работу и изменил ее. И именно поэтому я думаю, что для нового поколения — и я слышу это от молодых художников — тот факт, что кто-то может придумать что-то совершенно новое и переделать это, является источником вдохновения.

Джо Рид:  Это был Джон Хэнхардт, старший куратор отдела медиаискусства Смитсоновского музея американского искусства. Он организовал выставку Nam June Paik, Global Visionary, которая продлится до 11 августа 2013 г.

Вы слушали NEA Arts онлайн. Текущий номер журнала посвящен пересечению искусства и технологий. Вы можете проверить это на сайте arts.gov

.

Отрывки из «My Luck» группы Broke For Free из мини-альбома Directionless, предоставлены Creative Commons и найдены в Архиве бесплатной музыки WFMU.

Отрывок из «Foreric: фортепианный этюд» из альбома Metascapes , сочиненный и исполненный Тоддом Бартоном, предоставлен компанией Valley Productions.

 Для  NEA ARTS  онлайн, я Джозефин Рид. Спасибо за внимание.

Линн Хершман Лисон |

Предстоящие:

 

О лице, Галерея Альтмана Зигеля

Сан-Франциско, Калифорния
март – апрель 2022 г.
https://altmansiegel.ком

Предполагаемые портреты

Сан-Франциско, Калифорния
9 апреля – 5 сентября 2022 г.
https://www.sfmoma.org/press-release/springexhibitions2022/

Венецианская биеннале – Арсонале

Венеция, Италия
Апрель – ноябрь 2022 г.
Монтаж нового фильма: Логика парализует сердце

Арт Базель

Базель, Швейцария
Июнь 2022 г.
С участием женщин-водников и искривленной гравитации

Недавние проекты

Памятная табличка на тротуаре Тины Модотти: 1952 Taylor Street

Десять лет работы вместе с Б.Руби Рич и Комитет наследия Тины Модотти, Линн удалось зацементировать плиту на тротуаре, посвященную памяти фотографа изобразительного искусства и революционной активистки Тины Модотти, возле ее дома на Тейлор-стрит, 1952, в Сан-Франциско.
tinamodottihc.com

Электронные дневники

«В 1984 году, научив себя пользоваться видеокамерой, Линн Хершман-Лисон села перед ней и начала говорить, и в течение 40 лет вырабатывала для незнакомой аудитории лукавое, глубокое и грубое опосредованное исповедальное выражение, которое вело к личным эволюция и выживание.

Художественный фильм Линн Хершман Лисон « Электронные дневники Линн Хершман Лисон » (2019) в этом году был официально выбран кинофестивалем «Сандэнс» для участия в выставке «Новые рубежи». До этого он демонстрировался на выставке Manual Override в The Shed с конца 2019 по начало 2020 года.

УЗНАТЬ БОЛЬШЕ

Теневой охотник

Shadow Stalker  — это «живая» интерактивная установка, в которой используются алгоритмы, производительность и прогнозы, чтобы сделать видимыми частные интернет-системы, такие как Predictive Policing, которые все чаще используются правоохранительными органами и способствуют расовому профилированию. Затем Shadow Stalker будет выставлен в музее де Янга в Сан-Франциско в рамках выставки Uncanny Valley с 22 февраля по 25 октября 2020 года.

УЗНАТЬ БОЛЬШЕ

Функция на

Art21

Линн Хершман Лисон — одновременно острый критик и хитрый шутник, поскольку она исследует роль, которую технологии, средства массовой информации и искусство играют в обществе. В этом выпуске представлен обзор самых разнообразных работ художницы, от ее ранних выступлений в роли вымышленного персонажа Роберты Брейтмор до более позднего VertiGhost , работы, включающей видеонаблюдение и скульптуру, которая предлагает феминистский рифф на «Головокружение» Альфреда Хичкока.«Упуская из виду большую часть своей многолетней карьеры, Лисон теперь признана новаторской междисциплинарной художницей и критикует гендерные предубеждения, которые исключали ее и других женщин-художников.

ПОСМОТРЕТЬ ЭПИЗОД

Предмет под рукой | Искусство и культура

«Эта [скульптура Клеопатры] не была красивой работой, но она была очень оригинальной и очень поразительной. .. [Клеопатра] сидит в кресле; яд аспида сделал свое дело, и царица умерла. .Последствия смерти изображены с таким мастерством, что вызывают абсолютное отвращение, и вопрос в том, не выходит ли статуя с ужасными характеристиками за пределы законного искусства».

Так писал художник Уильям Дж. Кларк мл. in Great American Sculptures (1878) об одном из произведений искусства, представленных на Столетней выставке 1876 года в Филадельфии. Его создательница, Эдмония Льюис, была первым профессиональным скульптором из числа афроамериканцев и коренных американцев.Для ее трудной жизни и заброшенной карьеры симптоматично то, что ее самая важная работа, Смерть Клеопатры , которая вызвала такой ажиотаж в Филадельфии 120 лет назад, вскоре исчезла из поля зрения и не была вновь открыта до конца 1970-х годов. Чудесным образом спасенный от забвения, он был недавно законсервирован и выставлен на обозрение в Национальном музее американского искусства Смитсоновского института (NMAA). «Потерянные и найденные: Эдмония Льюис Клеопатра » представляет давно отсутствующий шедевр вместе с другими скульптурами Льюиса в коллекции NMAA до 5 января 1997 года.

История о том, как Клеопатра была воскрешена Льюисом, включает в себя повороты судьбы, близкие катастрофы и случайные открытия, смешанные с научными исследованиями и кураторской заботой. Это последняя глава в саге о талантливом, решительном художнике, чья жизнь была полна неясностей, неудач и триумфов. Женщина из меньшинства с ограниченным образованием и опытом, работающая в области, где доминируют мужчины, преодолела огромные трудности, чтобы стать опытным скульптором с богатым воображением.Даже сегодня она остается загадочной фигурой из-за отсутствия информации о ее странствующих молодости и последних годах, а также из-за нехватки сохранившихся скульптур. Большая часть тайны была создана ею самой, выросшей из ее сдержанной, неуловимой личности.

Даже место рождения Льюиса неизвестно. Это был либо Ньюарк, либо Нью-Джерси, либо Огайо, либо, скорее всего, северная часть штата Нью-Йорк. Родившаяся около 1840 года, дочь чернокожего отца и частично оджибвской матери, она осиротела в детстве и, как позже сказали, была воспитана людьми своей матери.

С помощью своего старшего брата в 1859 году Льюис поступила на подготовительное отделение для юных леди Оберлинского колледжа, первого колледжа в стране, который принимал женщин и афроамериканцев; там она научилась рисовать. Но беда пришла, когда ее обвинили в отравлении двух белых одноклассников; в ожидании предъявления обвинения она была похищена белой толпой и жестоко избита. Обвинения против Льюиса были сняты за недостаточностью доказательств; в ее защиту выступал афроамериканский адвокат Джон Мерсер Лэнгстон, позже профессор Университета Говарда, У.С. Министр на Гаити и конгрессмен.

Покинув Оберлин, Льюис переехала в Бостон, где лидер аболиционистов Уильям Ллойд Гаррисон организовал для нее обучение у скульптора Эдварда А. Брэкетта. Вскоре после этого в своей маленькой мастерской на Тремонт-стрит она создала из глины и гипса медальоны с изображением Гаррисона, Джона Брауна и других сторонников борьбы с рабством. Хотя Льюис гордится своим наследием, она сказала, что хочет, чтобы ее работа была принята сама по себе, а не «потому что я цветная девушка». Ее самой популярной работой был портретный бюст полковника 1864 года.Роберт Гулд Шоу , молодой белый бостонский брамин, погибший во время Гражданской войны, возглавляя полностью черный 54-й Массачусетский полк при штурме форта Вагнер, Южная Каролина. В следующем году, на выручку от продажи гипсовых копий бюста Шоу, Льюис отплыла в Рим, чтобы продолжить свою карьеру. Ей тогда было чуть за 20.

Рим был местом сбора американских писателей, таких как Натаниэль Хоторн, Генри Джеймс и Гарриет Бичер-Стоу. С его наследием классицизма и обильным запасом мрамора и опытными резчиками по камню, город также был Меккой для американских скульпторов-экспатриантов, особенно аристократа Уильяма Уэтмора Стори, сына У.С. Судья Верховного суда Джозеф Стори.

Был также контингент женщин-скульпторов, сгруппированных вокруг неоклассического скульптора Харриет Хосмер и актрисы Шарлотты Кушман, которые составили то, что Стори назвал «набором, который мне не нравится». Льюис приветствовали в женском кругу, который Генри Джеймс описал как «это странное сестринское братство американских« леди-скульпторов », которые когда-то поселились на семи холмах [Рима] белой мраморной стаей» ( Smithsonian , февраль 1992 г. ).

«Одной из сестер, — продолжал Джеймс в «История Уильяма Ветмора и его друзья », — была негритянка, чей цвет, живописно контрастирующий с цветом ее пластика, был залогом ее славы.. . Помимо этих комментариев, Льюис вместе с Хосмером, Маргарет Фоули, Эммой Стеббинс и Энн Уитни помогли женщинам занять место в области скульптуры. Работая в студии, которую когда-то занимал неоклассический скульптор Антонио Канова, Льюис сначала вырезал ее собственного мрамора не только для экономии денег, но и для того, чтобы избежать обвинений в адрес Хосмер и других женщин в том, что их работа на самом деле является творением туземных каменотесов.

Одна из ранних итальянских работ Льюиса, Forever Free (1867), изображает чернокожего мужчину, снявшего оковы рабства, и чернокожую женщину на коленях, молитвенно празднующую новость об освобождении.Сейчас он находится в Художественной галерее Университета Говарда в Вашингтоне, округ Колумбия. Она также выполнила несколько версий Hagar , одна из которых сейчас находится в NMAA. Библейская египетская служанка Сары, жены Авраама, Агарь была изгнана в пустыню. В глазах XIX века эта скульптура изгоя с нахмуренными бровями и сжатыми в отчаянии руками символизировала бедственное положение афроамериканцев. «Я глубоко сочувствую всем женщинам, которые боролись и страдали», — сказала Льюис.

Чтобы развить свои навыки, Льюис копировала классические скульптуры из государственных коллекций Рима.Набожная католичка, она создала ряд религиозных произведений, большинство из которых утеряно. Она также создала небольшие игривые «причудливые произведения» с такими названиями, как «Пробуждение, сон» и «Бедный Купидон» (ловушка любви) . Они были популярны среди приезжих туристов, а также в Соединенных Штатах, куда она часто возвращалась, чтобы продавать свои работы. Ее портретные бюсты варьировались от героических изображений Улисса С. Гранта, Авраама Линкольна и сенатора Чарльза Самнера до небольшого идеализированного изображения покровительницы Бостона Анны Куинси Уотерстон. Вдохновленный чрезвычайно популярной поэмой Лонгфелло «Песнь о Гайавате», Льюис создал такие произведения, как «Староиндийский стрелок и его дочь ». Эта скульптура перекликается с изображением поэтом коренных американцев как гордых, достойных людей, что резко контрастирует с широко распространенным американским стереотипом об индейцах как о неприрученных дикарях. Вполне вероятно, что Лонгфелло видел некоторые из этих работ, когда посещал студию Льюиса в Риме и позировал для портретного бюста. Это прекрасное мраморное подобие, которое полностью соответствует львиной голове и курчавой бороде поэта, сейчас находится в коллекции Художественного музея Фогга в Гарвардском университете.Он стал центральным элементом выставки, проводившейся там в прошлом году, на которой прослеживалась близость писателя и скульптора.

В разгар популярности Льюис в конце 1860-х и на протяжении 1870-х годов ее студию часто посещали посетители, заинтригованные ее мужской одеждой, лихой красной кепкой, очаровательной личностью и экзотическим прошлым. Посетив Чикаго в 1870-х годах, она позировала для серии из визитных карточек картин, позируя как в своей скульпторской кепке и жакете, так и в объемной темной шали.Ее задумчивое выражение и сильные руки сразу поражают зрителя.

Кульминацией карьеры Льюис стал 1876 год, когда она вместе с другими экспатриантами в Риме отправила работы на Выставку столетия. Льюис лепил Клеопатру, популярную в то время тему. Проницательная правительница, романтически связанная с Юлием Цезарем и Марком Антонием, Клеопатра предпочла умереть от укуса аспида, чем подчиниться своим врагам.

В то время одним из самых знаменитых изображений Клеопатры было спокойное, идеализированное, царственное подобие Стори.Увековеченный в романе Хоторна «Мраморный фавн », он был своего рода эталоном, по которому измерялись другие изображения. Льюис создал принципиально иной образ; в разрыве с неоклассическим каноном, преуменьшающим сильные эмоции, она изобразила королеву на грани смерти. Джордж Герни, куратор скульптур NMAA, говорит, что это единственная известная ему скульптура, на которой Клеопатра изображена действительно умирающей или мертвой. «Возможно, Льюис думал, что другие скульпторы исказили Клеопатру, и она почувствовала, что у нее появились новые идеи», — говорит он.Льюис изобразил Клеопатру сидящей на троне, все еще увенчанной короной, с головой и левой рукой, опущенными под тяжестью, возникающей при остановке дыхания. Тем не менее, даже в этот безрадостный момент, когда ее правая рука держит ядовитого змея, королева властна.

Среди более чем 500 скульптур, из них 152 работы американцев, на Филадельфийской выставке Клеопатра Льюиса произвела фурор. Народный адвокат , афроамериканский еженедельник из Александрии, штат Вирджиния, сообщил о реакции посетителей.За исключением скульптуры художника по имени Гуаннерио, говорится в газете, « Смерть Клеопатры вызывает больше восхищения и собирает вокруг себя большие толпы, чем любое другое произведение искусства в обширной коллекции Мемориального зала». В своей книге об экспозиции Дж. С. Ингрэм назвал работу Льюиса «самой замечательной скульптурой в американском отделе».

После Филадельфийской выставки Клеопатра была выставлена ​​в Чикаго в 1878 году, где снова стала главной достопримечательностью.После этого, по-видимому, не в силах продать свою двухтонную работу и, возможно, решив, что она слишком велика для отправки обратно в Рим, Льюис положил скульптуру на хранение. А затем что-то пошло ужасно не так: в 1892 году, как сообщается, Клеопатра была выставлена ​​в салуне на Кларк-стрит в Городе ветров.

Все стало еще страннее. Некоторое время спустя скульптуру приобрел печально известный игрок и владелец скаковой лошади «Слепой Джон» Кондон, который установил ее на могиле своей любимой лошади Клеопатры.Могила находилась перед трибуной его гоночной трассы в Гарлеме в пригороде Чикаго Форест-Парк. Перед своей смертью в 1915 году Кондон включил соглашение в документ о праве собственности, согласно которому Клеопатра оставалось в силе навечно.

Статуя осталась на месте после того, как ипподром превратился в поле для гольфа, а затем в торпедный завод времен Второй мировой войны, но когда в начале 1970-х годов на этом месте было построено здание Почтовой службы США, Клеопатра была перевезена на склад подрядчика. двор в соседнем Цицероне.Когда оно лежало там в плохом состоянии, его заметил Гарольд Адамс, местный пожарный инспектор. Что-то в этом было, сказал он позже Chicago Tribune ; «Она была похожа на большой белый призрак, лежащий между всей этой тяжелой техникой и взывающий о спасении». Адамс переместил скульптуру на возвышенность во дворе, а отряд бойскаутов его сына очистил ее и покрасил, «чтобы она выглядела прилично, пока не появится кто-нибудь, кто лучше знает, что для нее сделать».

Войдите в Историческое общество Лесопарка, которое приобрело Клеопатру в 1985 году, прочитав о скульптуре в местных газетах.Фрэнк Дж. Орланд, дантист, который тогда возглавлял общество, опознал Льюиса как скульптора и навел справки о ней в Метрополитен-музее и других местах. Тем временем была нанесена дополнительная краска, и резчик памятника начал восстанавливать сломанные детали.

Вскоре после этого в New York Times Book Review был опубликован запрос автора . Его разместила Мэрилин Ричардсон, независимый куратор и исследователь афроамериканской интеллектуальной истории, которая работала над биографией Льюиса.Есть ли у кого-нибудь информация о работах или трудах Эдмонии Льюис? — спросил он. Уведомление привлекло внимание куратора митрополита; вспоминая предыдущее расследование Орланда, она предположила Ричардсону, что пропавшая скульптура может находиться в Иллинойсе.

Возлагая большие надежды, Ричардсон отправилась в Форест-Парк, где ее привели в кладовую в местном торговом центре. Там была скульптура, покоящаяся среди банок с краской и выброшенных рождественских украшений, покрытая краской и поцарапанная погодой и вандализмом.

Ричардсон связался с афроамериканским библиографом Дороти Портер Уэсли, и они вместе работали над тем, чтобы довести открытие до сведения ученых и общественности. Узнав о скульптуре, Джордж Герни из NMAA связался с Орландом. Как только люди в историческом обществе поняли, что у них есть, и что у них нет средств для надлежащего сохранения или демонстрации скульптуры, они передали ее NMAA. В прошлом году реставратор из Чикаго Анджей Дайновски вместе с Герни восстановил скульптуру.

Задача стоимостью 30 000 долларов была, по словам Гурни, «настоящим кошмаром по охране природы». Удалось найти только одну старую фотографию скульптуры, которая помогла восстановить нос, подбородок, головной убор, грудь и левую руку Клеопатры. Заменили жезл и отсутствующие пальцы правой руки, а на ноги восстановили сандалии.

«Мы сделали все возможное, чтобы вернуть ему его первоначальное величие, насколько мы смогли сделать вывод по старой фотографии», — говорит Гурни, известный своим скрупулезным подходом к таким вопросам.«Ничто из того, что мы сделали, не является постоянным», — добавляет он. Если появится больше свидетельств первоначального появления работы, «все может быть полностью изменено».

И это вполне возможно. Кто знает, какая дополнительная информация может всплыть не только о Клеопатре , но и о самой Эдмонии Льюис? Известно, что она жила в Риме по крайней мере до 1909 года. Среди посетителей ее студии в 1880-х годах были Фредерик Дуглас и его жена Хелен. Но ее более поздние годы окутаны тайной, в том числе, где и когда она умерла.«Мы просто не знаем, что с ней случилось», — говорит Ричардсон, который провел расследование в Италии и Англии, а также в этой стране. К счастью, этого нельзя сказать о ее самой важной скульптуре.

Художники Скульптура

Рекомендуемые видео

Смотрите кадры работы покойного испанского скульптора Эдуардо Чильиды в новом видео от Hauser & Wirth

Эдуардо Чильида наиболее известен своими монументальными скульптурами из металла и камня, но испанский скульптор также работал со многими другими средствами, включая коллаж, рисунок, книги художников ручной работы.

Новая выставка работ Чиллиды в Hauser & Wirth — первая выставка галереи после объявления о всемирном представительстве наследия покойного художника — освещает другие грани его многогранной практики.

На выставке, которая продлится до 27 июля в галерее на 69-й улице, выставка включает ряд работ на протяжении всей карьеры Чильиды: от угловатых скульптур из железа и стали, которые он сделал в 1950-х годах после обучения у кузнеца, до гравюр и коллажей, которые он начал. в конце 1980-х, к его многочисленным экспериментам с алебастром, гравюрой на дереве и трафаретной печатью.Выставка также раскрывает интересы и темы, лежащие в основе всего творчества художника, наиболее заметное из которых — исследование того, как скульптура создает и изменяет пространство.

«Несмотря на то, что его работа происходит из очень личного места, она предназначалась для мировой аудитории», — говорит Джед Морс, главный куратор Центра скульптуры Нашера, в видео, снятом Hauser & Wirth для выставки. «Это должно было быть понятно любому, кто сталкивался с этим, потому что это было связано как с физическим восприятием объекта в этом пространстве, так и с чем-либо еще.

Масштабные скульптуры Чильиды диктуют восприятие пространства вокруг себя, как и другие его работы, пусть и небольшие.

«Скульптура Чиллиды — это всегда физический опыт, и масштаб на самом деле не имеет значения», — говорит Морс. «Он так сильно меняется, когда вы перемещаетесь вокруг него. Он представляет разные лица. Такая переменчивая природа… становится неожиданностью. Я думаю, что люди в конечном итоге имеют личную связь с произведением искусства через свой опыт работы с ним.

«Эдуардо Чильида» можно увидеть в галерее Hauser & Wirth на 69-й улице до 27 июля.

Следите за новостями Artnet на Facebook:

Хотите быть впереди мира искусства? Подпишитесь на нашу рассылку, чтобы получать последние новости, поучительные интервью и острые критические выводы, которые способствуют развитию беседы.