Художники картины пишут или рисуют: этимология — Картины пишут или рисуют? И почему — живопись?
- Что и зачем рисуют современные художники — Look At Me
- казанский художник пишет картины обнаженными девушками
- Как рисуют панды и шимпанзе. Рассматриваем картины из Московского зоопарка
- Эпатаж и натура: чем художники пишут картины
- ТОП-8 художников, работающих в технике гиперреализм
- Чем рисуют художники | fotoloid.ru
- Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать
- 1. Действительно ли живопись так дорого стоит?
- Искусством правят бренды
- Успешная продажа одной картины — залог успеха других
- Редкость, малочисленность, уникальность
- Новаторство стоит дорого
- Живопись берет на себя функцию достопримечательности
- Когда есть все, начинает тянуть на искусство
- 2. Всем ли картинам нужны рамы?
- 3. Почему на картинах так много голых людей?
- 4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?
- 5. Художники XIX–XX веков не умели «нормально» рисовать? Или они это нарочно?
- 6. Должны ли картины непременно быть красивыми?
- Хотите начать рисовать или рисовать? Пять художников о том, как начать
- 6 мифов о живописи и искусстве
- Миф № 1 об искусстве: чтобы стать художником, нужен талант
- Но они сказали, что у меня «есть талант»
- Талант не имеет значения, если у тебя есть желание
- Миф № 2: рисовать должно быть легко
- Не ждите, что живопись будет легкой
- Миф № 3: Каждая картина должна быть идеальной
- Что самое худшее, что может случиться?
- Миф № 4: если не умеешь рисовать, то и рисовать нельзя
- Чертеж не требуется
- Миф № 5: Маленькие холсты рисовать легче, чем большие
- Размер субъективен
- Миф № 6: чем больше цветов вы используете, тем лучше
- Начните с простой теории цвета
- 7 основных техник рисования для художников
- 60+ интересных идей для рисования, чтобы уберечь вас от творческих блоков
- Что происходит в вашем мозгу, когда вы занимаетесь искусством: кадры
- картина | История, художники, элементы, методы, типы и факты
- 5 различных видов художественной краски
Что и зачем рисуют современные художники — Look At Me
Что и зачем рисуют современные художники — загадка для большинства. Но самое удивительное — при нашествии «цифры», радикальности перформанса и тотальных инсталляций их интерес к традиционной живописи никуда не делся. Сотни молодых художников новой волны экспериментируют с красками и поверхностями, не боятся писать картины после Малевича, Бэкона и Ротко и дают другое прочтение привычным подходам и жанрам.
За двадцать лет ренессанса живописи музеи и галереи снова наполнились холстами, предметы которых стали все более зыбкими и неузнаваемыми. Живопись становится похожа на кино: жанры и техники смешиваются между собой, а границы китча и искусства размыты как никогда раньше. В первой части гида по современной живописи Алиса Таёжная объяснила, что случилось с картинами во второй половине XX века, а теперь на примере самых известных современных живописцев показывает, что писать картины — совсем не старомодно.
Текст: Алиса Таёжная
Предмет
Предмет в современной живописи совершенно не обязательно должен начинаться и заканчиваться на холсте, может существовать без тени и четкого очертания и вообще не ставит целью напомнить какой-то предмет или опровергнуть канон того, как рисовались предметы. Временами он настолько неуловим, что догадаться о нем можно только по надписи. Предмет без функции, но в контексте — наверное, таким было бы общее описание вещей в живописи здесь и сейчас.
Criss Canning, Arthur Merric Boyd Coffee Set, 2003Michael Craig-Martin, Knowing, 1996Susan Rothenberg, With Martini, 2002 Wayne Thiebaud, Cakes, 1963 Cindy Wright, Eat, eat, eat, 2007Luc Tuymans, Plates, 2012William Scott, Bottle and bowl, blues on green,1970
Человек
Портретное сходство остается уделом фотографии (и уже даже не как искусства, а как молчаливого регистра в фейсбуке или айфоне). Эмоция человека совсем не обязательно должна быть изображена в пределах лиц и тел — как смотрят на нас мускулистые мужички с полотен Машкова или Фрида со сросшимися бровями. Что же теперь рисует художник, когда рисует человека? В первую очередь — его человечность, нечто живое и неуловимое, что присуще только существам, которые умеют дышать. Направления жестов, полуповороты тела, акценты поз, тона теплокровной кожи, штрихи одежды — и незавершенность портрета почти всегда становится не только высказыванием, но и знаком качества.
Richard Phillips, Spectrum, 1998Martin Kippenberger, Untitled from the series Jacqueline: The Paintings Pablo Couldn’t Paint Anymore, 1996Marlene Dumas, Emily, 1984-1985Gary Hume, Young Woman,1998 Ellen Gallagher, Mr. Terrific, 2004-2005Elizabeth Peyton, Jarvis, 1995Francis Bacon, Head III, 1961Kehinde Wiley, Rubin Singleton, 2008Lucian Freud, Girl in a Dark Jacket, 1947
Ситуация
Жанровая сцена как раскадровка и застывшая картинка из театра исчезли из современной живописи чуть ли не раньше всего. Даже на мансардах Ренуара девушки в шляпках смотрят не на кавалеров, а куда-то между их трубками, сиренью и небом, и взгляд этот ловить не надо. Ситуация в живописи сейчас — это условно, минимум — живое в мертвом: от собаки на кресле до человека в аэропорту. И те, и другие одинаково плоские — перспектива убивает все: рука начинается или заканчивается в перилах, ноги уходят в лестницу, а волосы сливаются с фоном. Границы иллюзорны, и слияние с поглощением занимают сейчас художников больше всего, ведь аморфность и прозрачность — наша чуть ли не самая новая и интересная черта.
Neo Rauch, Die Fuge, 2007Wilhelm Sasnal, Untitled, 2004Mickalene Thomas, Just a Whisper Away, 2008Karin Mamma Andersson, Scener ur ett äktenskap, 2009Kara Walker, Gone, 1994Eric Fischl, Bad Boy, 1981Daniel Richter, The Entertainus, 2009 Enzo Cucchi, Ondeggiavano, 2007
Линия и форма
Кошмар обывателя — абстракция — продолжается, потому что рисовать нечеткое нечто, которое обретает новую суть через цвет, форму и размах линии — это бестелесная живопись с нуля, без впечатления, живопись из головы, идущая от импульсов. И хотя большинство абстрактных полотен — предмет инвестиций для бесхребетных коллекционеров и унылых банков, лучшие из современных абстракционистов продолжают вычленять из белого шума вещи, которых не существует в осязаемой природе.
Cy Twombly, Leda and the Swan, 1962Roger Hilton, September 1961, 1960 David Malangi, Water Hole, 1994Jasper Johns, The Dutch Wives, 1975Barnett Newman, Vir Heroicus Sumblimis, 1950-1951Brice Marden, The Muses, 1993Raoul de Keyser, Krijtlijnen HV, 1976Olle Baertling, Deni, 1961Lee Ufan From Line, 1979 Ellsworth Kelly, Blue, Green, Red II, 1965Christopher Wool, Untitled, 2007Charline von Heyl, Yellow Rose, 2007Tim Bavington, Voodoo Child (Slight Return), 2001Arturo Herrera, Say Seven, 2000Albert Oehlen, FM 16, 2008
Пейзаж
Природа у современных живописцев — не Божий храм и не мастерская, не декорации и не пастораль, из которой выкурили всех людей. На планете, где живет почти семь миллиардов человек, природа и среда — универсальная утопия, нарисованная пунктиром, в которой бывали или попадают все. Она без конца и без края, проявляется то в виде полей, то в мелочах — из плоской детской раскраски, где фон и герои не существуют друг без друга. Природа — это огромный человек без глаз и носа, утонувший в обыденности и безвременье.
Edward Hopper, Gas, 1940Hans VANDEKERCKHOVE, The road never ends, 2004Fred Williams, Waterpond in a Landscape, 1966Raqib Shaw, The Garden of Earthly Delights III, 2003Peter Doig, 100 Years Ago, 200David Hockney, A Bigger Splash, 1967John Baeder, Airline Diner, 1987Arthur Boyd, Australian scapegoat, 1987Anselm Kiefer, Paths: March Sand, 1980Milton Avery, Spring Orchard, 1959
казанский художник пишет картины обнаженными девушками
К девушкам, которыми рисует Альберт, он не предъявляет особых требований
Фото: Из личного архива героя публикации
Альберт Закиров – скромный художник из Казани, который очень редко подписывает свои работы. Однако его проекты и картины часто заслуживают особого внимания.
Альберт Закиров — казанский художник
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
Так, недавно 51-летний художник начал разрисовывать стену высотой 6 метров в одном из городских отелей. Интересно то, что картину он писал вовсе не кисточками, а телами обнаженных девушек! Сейчас эта работа почти закончена — осталось вклеить в панно фотографии процесса ее создания.
Корреспондент «Комсомолки» встретилась с Альбертом Закировым и узнала, как он выбирает моделей и зачем рисует на стволах деревьев в парке «Эрмитаж».
«Я ХУДОЖЕСТВЕННУЮ ШКОЛУ НЕ ЗАКАНЧИВАЛ»
— Как и многие я рисовал в детстве. Правда, художественной школы не оканчивал, — признается Альберт Закиров – В десятом классе пару месяцев ходил к прекрасному педагогу Рашиту Тухватуллину, и он подготовил меня к поступлению в художественное училище.
Там Альберт, несмотря на желание фантазировать и удивлять, смирно учился азам, постигал различные техники и слушал педагогов.
Уже после он начал творить то, к чему лежит душа. Сначала писал пальцами, а в 2000-м году решил попробовать наносить краски девушками. Методом проб и ошибок. Так и узнал, какой частью тела лучше делать тот или иной элемент картины.
Художник берет девушку на руки, а после рисует ею на стенах или хостах
Фото: Из личного архива героя публикации
— Тут происходит как бы слияние женского и мужского начал. Эта энергетика, которая между нами вырабатывается, может выброситься на холст. Не всегда, конечно, получается, потому что люди разные. Но иногда получается интересно. И хотя бы ради этого стоит подобным заниматься, — признается художник.
Все зрители творческого процесса, по словам художника, остается довольны
Фото: Из личного архива героя публикации
Первые работы Закиров делал у себя в мастерской. После украсил стену в одном из кафе Казани. Дальше – больше: забегаловки, бары, отели.
Создание работ происходит в форме перформанса. За происходящим наблюдают десятки посетителей заведения. Художник уверяет, «всем им нравится».
«ВСЕ МОДЕЛИ НАДЕВАЮТ МАСКИ»
Как оказалось, никакой «базы» девушек-«кисточек» у Альберта нет. Также у него нет к ним никаких требований.
— Принципа никакого нет, было бы желание. Единственное что, я им в последнее время стал предлагать надевать маски во время процесса создания картины. Все потому что бывают недопонимания. Допустим, у какой-то девушки парень есть или, может быть, будет, но ей интересно. А парень он ведь сегодня есть, завтра нет. Поэтому решили всем маски надевать и все – никаких последующих проблем, — объясняет Закиров.
Все девушки, которыми рисует Альберт Закиров, как правило, надевают маски
Фото: Из личного архива героя публикации
«ДЕРЕВЬЯ СПАСАЮ, ЗАЛЕЧИВАЮ»
К слову, творит Альберт не только девушками на стенах заведений, но и в тихих парках города, где его редко кто-то видит.
Корреспондента «Комсомолки» художник пригласил в парк Эрмитаж. Именно там последний год он работает: рисует на деревьях, пеньках и кусочках асфальта.
Найти работы Альберта Закирова в «Эрмитаже» не так-то просто
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
«Циклоп»
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
«Инфузория-туфелька» создана в 2016 году в парке «Эрмитаж»
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
— Мне здесь нравится, я здесь все детство кручусь, — рассказывает Альберт — Я не порчу деревья. Я творю именно на их «больных» местах. Сначала готовлю их, потом обрабатываю жидкостью, которая убивает бактерии, а после уже рисую. Те места, где течет сок, заливаю глиной или краской. Тут двойной эффект получается: и самому хорошо, и дерево залечивается.
Работы художника в парке найти не так-то просто. Но можно постараться и устроить себе своеобразный квест по их поиску. В Эрмитаже на данный момент несколько десятков (точное число не знает даже сам художник) работ Закирова. Все они сделаны акриловой краской и не боятся непогоды.
Почти все работы Альберта Закирова сделаны акриловой краской и не бояться непогоды
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
Бывает, конечно, что горожане портят работы художника намеренно. Но он не обижается.
— Если пропадет, то ничего страшного. Я делаю их фотографии, а они ведь остаются, — говорит он.
Бывает горожане намеренно портят работы художника, но он не обижается
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
А вот, например, дерево, которое в ближайшее время планирует «спасти» Закиров.
— Надо дыру залить цементом, обработать антибактериальной жидкостью, и нарисовать что-нибудь. Жалко его, хорошее дерево, оно еще может жить и жить, — считает художник.
Вот это дерево художник собирается «спасти» в ближайшее время
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
Создает рисунки Альберт не только в Эрмитаже. Если хорошо приглядеться, небольшие работы художника может увидеть и в других местах Казани.
— Прогуливаюсь просто с красками. Если какое-нибудь подходящее место найду, то нарисую. У меня, например, есть рисунки на берегу Казанки. Место должно быть само по себе интересное, спокойное и красивое. Или бывает в заброшенном совсем месте тоже можно что-то нарисовать, но там ощущения другие, — объясняет он.
Альберт Закиров за работой
Фото: Из личного архива героя публикации
«ХУДОЖНИК ДОЛЖЕН БЫТЬ СВОБОДНЫМ»
Художник, по мнению Альберта Закирова, должен быть свободным и никак иначе. Именно поэтому мужчина не состоит в Союзе художников.
— Я не состою ни в Союзе художников, ни в каких-то других организациях. Я всегда был противником таких сборищ. Художник должен быть свободным. Несвободные художники часто друг друга ненавидят, спорят, зачем мне это нужно? – считает Закиров.
Контакт с «Союзом» у него, правда, все-таки был. Воспоминания, по словам Альберта, не из приятных. Однажды он решил принести им «на суд» картину, на которой был изображен Шурале. Работа вызвала у комиссии «озадаченную паузу». Персонаж татарской сказки был голым и…слишком реалистичным.
— Работа старая, до конца не доделанная, хулиганская. Да, Шурале обнаженный. Не в трусах же его рисовать. Вроде живем в 21 веке, везде музеи, Давид обнаженный стоит, а в Союзе художников работу не приняли. Они потом, конечно, подходили, говорили: «Хороший Шурале». Просто они испугались реакции посетителей и шума вокруг картины. Никому этого не нужно, рисковать никто не хочет, — вспоминает Альберт.
«Шурале» — картина Альбера Закирова
Фото: Из личного архива героя публикации
«ВООБЩЕ Я ФОТОГРАФ, СВАДЬБЫ СНИМАЮ»
Рисует Альберт скорее для души, чем для денег. Большинство своих работ он даже не подписывает. Считает известность приятным бонусом, но относится к ней равнодушно.
В свободное от написания картин, росписи деревьев и асфальта время он снимает торжества за деньги. Так и зарабатывает.
— Я профессионально фотографию, могу свадьбы снять, детские утренники и все такое. Ничего офисного. Один раз я месяц работал в Союзе художников. Меня тогда пригласили быть директором выставки к столетию ТАССР. Насмотрелся тогда на работу в офисе и все, хватило, — признается Закиров.
Творит Альберт и в тихих парках города, где его редко кто-то видит
Фото: Из личного архива героя публикации
— Я еще картины делаю огнем. Они у меня сгорают не совсем, а только те места, которые должны сгореть, — рассказывал «Комсомолке» Закиров.
Таким образом, на будущей неделе в своей мастерской он сотворит Икара. Зрелище обещает быть очень эффектным.
В «Эрмитаже» Закиров создает свои работы уже несколько лет, но последний год был самым продуктивным
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
В парке несколько десятков работ художника
Фото: Алина ГАБДУЛИНА
Как рисуют панды и шимпанзе. Рассматриваем картины из Московского зоопарка
Люди смогли научить рисовать представителей разных видов животных: лошадей, дельфинов, жирафов и многих других. Конечно, за этими рисунками стоит не осознанное желание творить, а дрессировка. Учат животных рисовать не для развлечения посетителей зоопарков, а чтобы помочь им самим. Доказано, что занятия «живописью» улучшают психологическое состояние животных, содержащихся в неволе.
Окунаемся в недавнюю историю Московского зоопарка, читаем дневники ученых, занимавшихся исследованием рисунков приматов, и узнаем, кто из сегодняшних питомцев проявляет наибольшие способности с кистью в лапе.
Чиркание или творческий порыв?
Охотнее всего в зоопарках за кисти берутся обезьяны. Самец шимпанзе по кличке Конго, который жил в Лондонском зоопарке в середине прошлого века, создал более 400 картин — одна из них даже хранилась в коллекции художника Пабло Пикассо.
Обезьяньи рисунки не раз становились объектами исследований ученых. В картинах человекоподобных приматов стремились найти предпосылки к возникновению эстетического чувства. В 1894 году в своей работе «Место человека в природе» английский ученый Томас Гексли утверждал, что исключительные индивиды среди высших обезьян имеют зачатки артистического импульса к искусству.
В СССР огромный вклад в изучение творческих способностей приматов внесла зоопсихолог Надежда Ладыгина-Котс. К рисованию она приучила своего домашнего шимпанзе Иони — и ему так понравилось, что он начинал плакать, если у него забирали карандаш. Кроме этого, в течение многих лет Надежда Николаевна исследовала поведение одного из питомцев Московского зоопарка — шимпанзе Париса.
Чаще всего художниками становятся молодые орангутаны и шимпанзе, не достигшие половой зрелости. При этом охотнее творят особи, содержащиеся в одиночных клетках. Во время рисования карандашом обезьяны внимательно следят за его грифелем, и как только он ломается или стачивается, перестают рисовать и просят другой. Карандаш они держат не так, как люди: одни — между первой и второй фалангами пальца, другие зажимают ладонью. У ученых есть специальный термин, обозначающий процесс рисования у обезьян, — чиркание.
Изучение приматов и их работ показало, что между чирканием обезьян и рисованием людей есть фундаментальное различие: у человека даже в самом раннем возрасте за каждым штрихом и мазком стоит образ, а у животных такого нет — их занимает и обогащает сам процесс нанесения узоров на бумагу. Кроме того, известно, что обезьяны получают удовольствие, разглядывая разные краски. Ученые отмечали, что у каждой особи есть индивидуальные цветовые предпочтения.
В наши дни рисунки, созданные обезьянами, не представляют научного интереса — все исследования на эту тему были проведены в XX веке. Сегодня работники зоопарков по всему миру приучают животных к рисованию по другой причине. Этот процесс помогает поддерживать благоприятное психологическое и физическое состояние животных, содержащихся в неволе.
У каждого зоопарка есть свой способ обучения. Например, в Московском зоопарке разработан уникальный метод рисования с орангутанами как когнитивный способ их обогащения.
Шимпанзе Сатурн и его рисунки
В середине 1960-х годов одним из объектов исследований обезьян в Московском зоопарке был самец шимпанзе Сатурн. Примата привезли в зоосад в 1964 году, когда ему было семь лет. Несколько картин Сатурна, похожих на работы художников-абстракционистов, сохранились в архивах и сегодня представлены в экспозиции Музея истории зоопарка.
В 1967 году за Сатурном и его сородичами Романом и Вегой, а также самцом орангутана Кризи наблюдали научные сотрудники просветительского отдела Московского зоопарка Ирина Ивлева и Людмила Егорова под руководством Светланы Новоселовой. Ученые проводили с приматами опыты по использованию орудий и решению задач для получения приманки из специальных устройств. Помимо этого, обезьянам давали бумагу, карандаши и акварельные краски.
В рисовании Сатурн проявил себя ярче всех. За его работой внимательно следила Людмила Егорова, которая подробно описывала свои наблюдения в специальном дневнике. Вот, например, запись от 2 июня 1967 года:
«Сатурн рисовал на двух бумагах. На чистой с одной стороны, а с печатным текстом зачеркнул середину. Очень довольное лицо — временами улыбается и издает звуки удовольствия».
Кроме этого, Егорова отмечала прогресс Сатурна в обращении с карандашом. 22 июня она пишет: «Рисует. Квадрат мой. Карандаш нормальной длины — очень ему неудобно. Держит его за конец, несколько раз меняет позу. Карандаш твердый, остро отточен. Ломает». Через два дня шимпанзе нашел выход из положения, и Людмила Егорова записала в дневнике: «Сатурн рисовал длинным твердым карандашом, как и в прошлый раз, но держал не за конец, а за середину — более удобно».
Новое поколение художников
Сегодня в Московском зоопарке тоже живут животные-художники — это большие панды Жуи и Диндин, которые появились здесь в 2019 году. Для новых питомцев зоосада рисование стало одним из элементов обогащения среды обитания. Эту практику сотрудники Московского зоопарка переняли у коллег из Шенбруннского зоопарка (Вена), где живет панда Янг Янг, которая создает черно-белые картины.
Приучать панд к рисованию начали в декабре 2019 года, постепенно включая в их ежедневный тренинг элементы этой творческой деятельности. Специалисты начали с самого простого: научили своих подопечных держать «кисть» — ее заменяет бамбуковая палочка, так что пандам поначалу было сложно противостоять желанию съесть инструмент. Затем им стали показывать, что этим предметом нужно водить по бумаге. Сначала Жуи и Диндин рисовали детскими пальчиковыми красками, а сейчас пользуются быстросохнущими акриловыми без запаха.
Специалисты зоопарка отмечают, что за год практики изменился характер рисунков, которые получаются у панд.
Рисунки животных различаются и соответствуют их характерам: если у резкого и быстрого Жуи получаются экспрессивные картины, то у более старательной Диндин — спокойные. Рисование не просто развлекает панд, но и развивает когнитивные способности животных — улучшается их память, становится увереннее хват «кисти».
Держать палочку и водить ею по листу бумаги Жуи и Диндин учатся каждый день, а красками рисуют дважды в неделю. По словам специалистов Московского зоопарка, животные отличают занятия с красками от простого упражнения с «кистью». Рисунки, созданные Жуи и Диндин, хранятся в отделе фауны Китая Московского зоопарка.
Эпатаж и натура: чем художники пишут картины
ОбществоПолучить короткую ссылку
494 0 0
Их картины называют «шокирующим» и «омерзительным» искусством, при этом популярность художников растет год от года
АСТАНА, 22 янв — Sputnik. Искусство должно вызывать эмоции. Произведения следующих художников будоражат не столько содержанием, а скорее тем, как были выполнены картины.
Покоривший российское шоу художник из Казахстана «разучился» рисовать
Sputnik Казахстан предлагает подборку современных авторов, креативность которых не оставит равнодушным.
Женская сила художницы из Астаны
Тренер по интимному мастерству Ксения Невмержицкая пишет свои картины при помощи кисти, которую держит с помощью вагины. Получаются вот такие произведения.
«Вот оно, мое творчество. Вполне себе сублимация сексуальной энергии. У меня не много картин, где-то 13. Я их не продаю пока, но дарю. Совсем скоро проведу выставку», — рассказала Невмержицкая.
Пишущая грудью: подарок «плохишам»
Российская художница Ирина Романовская в творчестве использует различные приемы.
Дымящие трубы вместо деревьев: новая работа «казахстанского Бэнкси» в Алматы
Одной из последних громких работ Романовский стал портрет скандально известных футболистов Кокорина и Мамаева, осужденных после драки в публичном месте.
Мамаев и Кокорин готовятся провести уникальный матч в Бутырке
«Совсем недостойное поведение для спортсменов, они должны быть примером, а в итоге сами нуждаются в воспитании, и если так пить и бушевать, а откуда силы найдутся на профессиональный спорт. Поэтому я Кокорина и Мамаева нарисовала грязью отпечатками тела. Грязь я использовала, чтобы показать, как отвратительным поступком талантливые футболисты запачкали свою репутацию и упали из князи в грязи. Картина называется «Хулиганы», — написала художница, пояснив, что для работы применяла «только область декольте».
Тошнит молочной радугой
Весьма опасный для здоровья и болезненный способ самовыражения выбрала экстравагантная Милли Браун. Художница устраивает шестичасовые перфомансы, извергая на холст молоко, смешанное с краской. Кстати, стоимость картин мисс Браун доходит до 2,5 тысячи долларов.
Через одно место
Кейт Боадви — художник-провокатор и хулиган от искусства. Позирует обнаженным, предлагает пошловатые сюжеты. Но более всего он известен своими картинами, которые выполнены с помощью клизмы с краской и собственного тела.
Ұят vs искусство: скандальные статуи мира
Кроме прочего, Боадви преподает в Калифорнийском колледже искусств.
ТОП-8 художников, работающих в технике гиперреализм
Вы смотрите на фотографии, но, прочитав описание, понимаете, что на самом деле это – картины. Художники-гиперреалисты создают волшебство на бумаге. Рисуют и красками, и карандашами… Их картины не отличить от фото. Это искусство, которое умеет удивлять.Что такое гиперреализм?
Реализм – это стиль живописи, цель которого – передать на картине мир таким, какой он есть.
Картины в стиле гиперреализм удивляют своей правдоподобностью. Каждая картина – результат детальной работы над каждым штрихом. Во многих полотнах скрыта некая загадка.
1. Лучано Вентроне
Лучано Вентроне – итальянский художник, который получил мировое признание, как реалист. А потом решил поэкспериментировать в стиле гиперреализм – и ему это удалось. Секрет его живописи – в правильном выборе цветов. Художник говорит:«Картина – это не просто предмет, который нарисован на ней. Настоящая картина – это цвет и свет предмета».
На этой картине мы видим тысячи оттенков синего. Кажется, что вода освещена, вода сверкает на солнце. Солнце – сзади нас, светит в спину, а перед нами – темное небо в тучах. Все это ощущается очень реалистично.
Еще во время обучения в школе искусств у художника проявлялся будущий талант гиперреалиста. Учителя замечали любовь Вентроне к деталям, а некоторые его рисунки даже вошли в учебники анатомии.
Художник проработал каждую деталь граната. На каждом зерне фрукта – блик от света, именно такой, какой он и есть в жизни.
В последнее время художник работает с натюрмортом. Он кладет фрукты под яркие лампы, так, чтобы свет и тени красиво ложились на предметы, а еще – фотографирует их и, рисуя, всегда сравнивает рисунок с фото.
Обратите внимание на вазу: на первый взгляд она сливается с фоном. Но если присмотреться, то заметно, как тщательно Лучано работал над ней.
Вентроне рисует масляными ядовитыми красками. Ядовитая краска – это древняя художественная традиция. Если такая краска попадает на кожу – может оставить ожог. Но зато такие краски – самые яркие и качественные.
Черный фон служит контрастом для красного цвета – и краски играют особенно ярко.
2. Сергей Гета
Сергей – современный график и живописец. Учился в Киевском художественном институте, живет и работает в Москве.
Картина называется «Солнечный день». Все гиперреалисты говорят про важность освещения в своих картинах. Здесь «персонажем» картины оказывается не зелень, а солнце, свет.
Сначала срисовывал фотографии карандашами – свинцовый карандаш создавал эффект фото на бумаге. А потом начал экспериментировать с разными техниками.
Сейчас Сергей – известный во всем мире художник, его картины выставляются в Третьяковской Галерее, музеях Вроцлава в Польше, Нюрнберга в Германии, художественных галереях Японии и США.
Направление, в котором работает Гета, называется «Экологический реализм». Художник любит рисовать пейзажи – природу, зелень, воду.
Листья падают. И каждая прожилка играет на солнце.
3. Патрик Крамер
Художник родился в Америке, штате Юта. Картины рисует с фотографий. Сначала он придумывает, что хочет нарисовать, фотографирует это, из нескольких фото выбирает лучшее, немного обрабатывает в фотошопе – и приступает к рисованию.
У многих возникает вопрос – зачем рисовать точно так же, как выглядит фото. Патрик поясняет это так: если зритель в галерее видит фотографию, пускай даже очень красивую, он смотрит несколько секунд и идет дальше. Но когда вместо фотографии – картина, и зритель понимает это – он восхищен, он подходит ближе, пытается рассмотреть картину внимательнее, увидеть, где краска на полотне…
Картина называется «Три бокала». Нарисована маслом. Обратите внимание на фон – он размытый точно так, как получается фон на фото при съемке предметов крупным планом. Благодаря таким деталям и получается гиперреалистическая картина.
4. Гарриет Уайт
Гарриет Уайт – британская художница. Рисует в основном портреты. Ее стиль называется макро-гиперреализм. То есть лица, нарисованные на картине, как будто «сфотографированы» с очень близкого расстояния.Здесь, как и на любой фотографии, есть «фокус». Четкими мы видим ресницы, а все, что за ними – размытое.
Картины Гарриет популярны среди частных коллекционеров.
Художница с мастерством подходит к цветовой гамме картин – работает на контрасте. Бежевый, цвет кожи – выступает фоном. А дальше добавляется черный и яркие цвета макияжа.
Благодаря «смазанности» красок возникает эффект движения. Кажется, что на картине пойман случайный момент, модели не позировали, а чувствовали себя непринужденно.
5. Сюзанна Стоянович
Сюзанна Стоянович – сербская художница, которая увлекалась живописью с самого детства. В 11 лет начала рисовать маслом. Позже овладела всеми возможными техниками, пробовала себя в акварели, мозаике, пастели, графике, иконописи, гравюре и даже скульптуре.На этой картине особенно заметно, что художница увлекалась скульптурой. Фигуры лошадей – «скульптурные». Здесь мы видим застывший момент.
Кроме того, художница занималась литературным творчеством и музыкой – участвовала во многих музыкальных конкурсах. Первую музыкальную композицию написала, когда ей было 15 лет. Но, несмотря на такую широту интересов, призванием Сюзанны остается живопись. Многие из ее картин находятся в частных и государственных коллекциях в США, Швейцарии, Италии, Дании, Сербии, Хорватии, Черногории, Словении и Македонии.
Размытый фон дает почувствовать скорость, с которой несется лошадь:
Художница рисует лошадей, тщательно изучает их анатомию. Самая популярная серия картин художницы называется «Волшебный мир лошадей». Интересное решение – стилизация картины под старинное фото:
Сейчас художница работает над новой живописной серией и пишет короткие рассказы. Мечта художницы – попробовать себя в съемках анимационных фильмов.
6. Эндрю Тэлбот
Эндрю Тэлбот – современный художник родом из Англии. Рисует натюрморты.Благодаря ярким краскам создается эффект присутствия – кажется, что предметы лежат прямо перед нами. Обратите внимание, насколько правдоподобно художник передал отражение на столе от каждой конфетки. Из подобных мелочей и складывается гиперреалистическая картина. Здесь важна каждая деталь.
В этом году Эндрю вошел в список 15-ти лучших гиперреалистов мира.
7. Рафаэлла Спенс
Рафаэлла Спенс – итальянская художница. Ее хобби – путешествия, и поэтому художница с удовольствием работает над пейзажами, перенося впечатления от поездок на бумагу.Подобные работы вызывают искреннее восхищение. Художница обратила внимание на каждую высотку, каждое окно и даже оконную раму. Над такими картинами приходится очень долго работать, но результат того стоит.
А это небо над городом никого не оставит равнодушным:
8. Янни Флорос
Янни Флорос – художник из Австралии. Его работы выставлялись в галереях Берлина, Сиднея, Мельбурна и Брисбена, завоевывали много почетных премий. Его рисунки – стилизация под черно-белые фотографии.Здесь эффект фото возникает благодаря складкам на одежде. Художник тщательно вырисовывал каждую складку.
Также Янни занимается живописью, скульптурой и графикой. В своих гиперреалистических работах художник изображает людей за разными занятиями и хочет показать, как они влияют на нашу жизнь и ощущения мира.
Гиперреализм становится все более популярным. Поэтому, когда в следующий раз вы придете в галерею и увидите фотографию – не проходите мимо ее описания. Вполне возможно, что «фото» окажется картиной – и вы познакомитесь с гиперреализмом в реальной жизни.
Ищите искусство в повседневности! Если вас интересует жизнь известных художников, то рекомендуем посмотреть фильмы, в сюжет которых положена их биография.
Чем рисуют художники | fotoloid.ru
Чем рисовать начинающему художнику. Материалы, используемые художниками.Основным материалом, конечно же, являются краски. Все художники люди и предпочтения у них индивидуальные. Один вообще кистью не пользуется, работает палочками для удаления лишней краски, между прочем, очень даже красиво получается.
Кто-то рисует яркие картины с насыщенными цветами, кто-то мягкие и не контрастные, а кому-то нравится фактурный рисунок с визуализацией каждого штриха.
Гуашь растворяется в воде, после высыхания имеет некоторую бледность, но одновременно обладает бархатистостью. При работе ошибки легко исправляются, нанесением дополнительного слоя, но слишком толстый слой не желателен, потому что потом это место может растрескаться и некоторые фрагменты просто отпадут от основания.
Акварель растворяется в воде, может быть по тону бледноватой или сочной. Акварель в отличие от гуаши прозрачная, то есть сквозь слой просматривается основание. Акварелью обычно пишут воду и то, что в небе. При работе с акварелью ошибки не прощаются, и их уже не исправишь, но многообразие техник делает процесс творения приятным.
Пастель наносят не кистью, этот краситель выпускают в форме мелков. Для получения требуемых оттенков пастель смешивают специальной растушевкой или пальцами. Легко исправляются ошибки, перекрывая дополнительными слоями.
Темпера – это раритет, теперь ее почти не используют, но она самая долговечная краска. Краситель яркий и не меняет первозданный тон со временем. Темпера, растворимая в воде, но после высыхания не смывается водой. При обладании соответствующего опыта темперой можно получить свойства, присущие акварели или гуаши. То есть она может и прозрачной и не прозрачной. При этом сохранится индивидуальность этого красителя, своя изюминка.
Акрил растворяется в воде, относительно молодая краска, ей всего 60 лет. Образует стойкое покрытие к воде, не выгорает при солнечном свете и не теряет первозданный вид. При жидкой консистенции получается акварельная техника, но можно работать и с густой краской, что дает возможность получить интересную фактуру. Краска легко наносится на любые поверхности – стекло, дерево, керамика, ткань и другие.
Карандаш не растворяется в воде — шутка. Художники обязательно используют его, хотя бы для набросков. А некоторые заканчивают им всю работу. Карандаш дает возможность исправить ошибки, стерев его ластиком. Можно получить тонкие, толстые, серые, черные линии, можно растушевать их. Карандаш различается по твердости, обычно мягкие используют, когда рисунок остается, а твердые — позволяют легко удалить его.
Уголь похож на карандаш, но изображение получается мягче и расплывчатее, что придает свою оригинальность рисунку. Уголь дает глубокий черный цвет, который не получишь карандашом, легче растушевывается. Недостатком угля является его хрупкость, он легко крошится и пачкается, и его уже не сотрешь ластиком.
Сангина и сепия – это натуральные красители. Сангина минерал, им рисовали еще древние люди. Сепию получают из морского моллюска — сепия, отсюда и название красителя. Современные технологии позволяют сформировать из этих веществ мелки разных оттенков коричневого цвета. Художники сангиной обычно пишут обнаженную натуру, а сепией – пейзажи. Техника работы схожа с углем, интересно смотрятся комбинация сангины и сепии.
Тушь – это разбавленная сажа. Особенность туши в ее контрастной выразительности, но при ошибке се приходится начинать сначала – она не стирается.
Масляные краски и живопись неразделимые. С 6-го века художники используют масляные краски. Особенность этого красителя в реалистичности изображения, рисунок получается живой. Основой могут быть бумага, картон, дерево, холст и другие материалы. Но требуется предварительная грунтовка поверхности.
Кистей для начинающего художника на первое время достаточно трех: №8 для покрытия больших участков с круглым концом, № 6 с прямоугольным концом и №4 мягкая нейлоновая круглая для прорисовки.
Шпатели предназначены для смешивания красок на палитре, некоторые художники ими же накладывают краску на полотно. Имеет длинное лезвие с круглым периметром.
Мастихин — это нож в форме кельмы, которые используется совместно с кистями для смешивания красок на палитре.
Палитра нужна для смешивания красок, подойдет обычная неглубокая тарелка. Деревянную палитру, предлагаемую магазинами лучше не использовать, ибо она впитывает краску, если предварительно не промаслить ее, зато у нее есть отверстие для большого пальца. К палитре крепятся специальные чашечки, в которых содержатся специальные жидкости, например, скипидар.
Банка с плотной крышкой нужна для хранения уайт-спирита, который используется для промывки инструментов и кистей. Вовсе не обязательно выливать грязный уайт-спирит, через некоторое время краска оседает на дно, достаточно перелить чистую жидкость в другую посуду, а осадка избавиться.
Хлопчатобумажные тряпки нужны для быстрого удаления краски с кисти, когда нужно взять другой цвет.
Специальные жидкости. Кроме уайт-спирита художники используют скипидар для разжижения красителя. Существует разбавитель «Сонет», который не имеет специфического запаха.
Холст бывает уже с грунтовкой, его основа льняная ткань, остается только натянуть холст на раму. В задней части рамы должны быть специальные клинья для подтягивания холста, ибо он провисает из-за пропитывания красками или влажным воздухом мастерской. Бывает, что холст наклеивают на картон, чтобы избавиться от провисания.
Мольберт. Оказывается при работе с масляными красками, поверхность должна быть вертикальной, это обеспечивает мольберт. Можно, конечно, просто прислонить картину к стене, но это как-то не профессионально и похоже на фотографирование без штатива в студии.
Лак применяется на заключительном этапе, когда картина полностью высохнет, порой ждать приходится несколько месяцев. Лак наносится в два слоя – первый состоит из скипидара и живописного лака в равных пропорциях, второй слой – неразбавленный лак. Лак наносят мягкой широкой кистью в горизонтальном положении картины. Второй слой наносят после полного высыхания первого слоя, примерно через час. Лак защищает картину от разрушения и изменения оттенка под влиянием окружающей среды, хотя этого не достаточно. Даже обработанные лаком картины требуется хранить при определенной влажности, температуре и освещенности.
Почему художники ХХ века так «плохо» рисовали и еще 5 вопросов о живописи, ответы на которые вы хотели знать
Высокое искусство — вещь сложная и для многих непонятная. Живопись эпохи Возрождения с ее идеальным изображением привлекает множество почитателей, а вот поверить в то, что работы Пикассо и Кандинского действительно могут стоить баснословных денег, легко далеко не всем. Обилие обнаженных людей на картине — еще одна загадка, как, впрочем, и парадокс того, что хорошие картины необязательно должны быть красивыми.
AdMe.ru узнал ответы на несколько любопытных вопросов о живописи, заглянув в работы искусствоведов и культурологов.
1. Действительно ли живопись так дорого стоит?
То и дело мы слышим о бешеных суммах, выложенных за ту или иную картину. Но на самом деле такие деньги — удел очень немногих работ. Большинство художников огромных сумм и вовсе никогда в глаза не видели. Искусствовед Джонатан Бинсток считает, что в мире всего около 40 авторов, чьи картины оцениваются суммой с многими нулями.
Искусством правят бренды
Приведем, пожалуй, самый яркий пример. Наверняка вы слышали о художнике-граффитисте Бэнкси. Остросоциальная направленность работ и биография, покрытая ореолом тайны, сделали свое дело. Сегодня Бэнкси — художник, работы которого оцениваются многозначными суммами. Его картина «Девочка с воздушным шаром» была продана за £ 1,042 млн. А о перформансе по ее уничтожению сразу после продажи заговорил весь мир.
Бэнкси — это бренд, а бренды отлично продаются. Таким образом, стоимость картины во многом определяется известностью ее автора.
Успешная продажа одной картины — залог успеха других
Художнику может долго не везти, он будет прозябать в бедности и неизвестности, не имея возможности выгодно продавать свои работы. Но как только он сумеет продать одну из своих картин за немалые деньги, будьте уверены, цена на другие его работы резко взлетит.
Редкость, малочисленность, уникальность
Голландского художника Яна Вермеера сегодня называют бесценным. Его кисти принадлежит не так уж много картин — всего 36. Художник писал довольно медленно. Пропавшая в 1990 году картина голландца «Концерт» сейчас оценивается примерно в $ 200 млн. Редкость и малочисленность полотен влияет на то, что цены на них просто заоблачные.
Легендарный Ван Гог — это супербренд. Картин художника насчитывается немного, и очевидно, что больше он уже ничего не создаст. Его работы уникальны.
10 лет назад «Супрематическая композиция» Малевича была продана за $ 60 млн. Возможно, если бы не кризис, она бы ушла и вовсе за $ 100 млн. Картины Малевича в частных коллекциях наперечет, и когда в следующий раз на рынке появится вещь подобного класса — неизвестно. Может, через 10 лет, а может, через 100.
В общем, очевидно: покупатели готовы платить баснословные деньги за предметы исключительно редкие.
Новаторство стоит дорого
Одна из работ Ричарда Принса в направлении «художественное заимствование».
Фотохудожник Ричард Принс придумал переснять из журнала чужое фото ковбоя в рекламе, убрав все надписи. Такая несусветная наглость получила широкий резонанс и… признание. Принс стал считаться создателем нового направления в искусстве — Appropriation Art (художественное заимствование). Смелый жест фотографа превратился в $ 3 млн — именно за столько был продан снимок «Ковбой».
Если бы «Черный квадрат» Малевича вдруг оказался на рынке, за него бы развернулась нешуточная борьба кошельков. И бились бы покупатели не за схематичную геометрическую фигуру на холсте. Они сражались бы за революционную идею, свежую и ранее неизвестную вещь, икону авангарда, которая определила дальнейшее развитие живописи ХХ века. В 1915 году, когда была создана картина, дамы еще носили шляпки, бюстгальтер считался эпатажной новинкой, а на престолах Европы сидели короли. И тут — вы только представьте! — появляется Малевич со своим шокирующим квадратом.
Живопись берет на себя функцию достопримечательности
Сегодня растет уровень культурного туризма, и живопись выполняет функцию достопримечательности. В известные музеи выстраиваются многочасовые очереди из туристов. И чтобы заявить о себе и претендовать на славу мирового уровня, галерее нужно непременно владеть подлинниками знаменитых и популярных живописцев.
Растут и искусственно создаваемые центры культурного туризма, например на Ближнем Востоке и в Китае. Недавно королевская семья Катара заключила частную сделку на сумму $ 250 млн — все ради того, чтобы страна обладала картиной Сезанна «Игроки в карты».
Когда есть все, начинает тянуть на искусство
В 2017 году миллиардер Дмитрий Рыболовлев продал эту картину Леонардо да Винчи за $ 450 млн. Теперь это самая дорогая сделка в мире живописи.
Когда у тебя есть 4 дома и самолет G5, то что еще остается делать? Остается только вкладывать деньги в живопись, ведь это одна из самых прочных «валют».
Согласно данным за 2015 год, в мире насчитывается 34 млн долларовых миллионеров. И даже если представить, что только 1 % из них интересуется искусством, то получится, что на свете живут 340 тыс. человек, готовых выкладывать круглые суммы за картины. А самих картин известных авторов, как мы писали выше, совсем немного, особенно по сравнению с количеством миллионеров. Кроме того, даже те, кто не интересуется живописью, готовы вкладываться в нее ради престижа или стабильности такого вложения.
Вот и выходит, что дороговизна живописи во многом обусловлена тем, что слишком большое количество денег охотится за малым количеством товара.
2. Всем ли картинам нужны рамы?
Картина Жоржа Сёра «Канал в Гравлине, Большой Форт-Филипп».
В книге Сьюзи Ходж «Почему в искусстве так много голых людей» говорится о назначении рам. Так, они защищают края картины и привлекают к ней внимание. Некоторые рамы вычурные, другие совсем простые, они не отвлекают от созерцания. Предназначение рамы — дополнять картину и показывать ее наилучшим образом.
А вот художник-абстракционист Пит Мондриан сравнивал рамы со стеной, которая стоит между зрителем и картиной. Ему хотелось убрать это чувство дистанции. И художник писал на самых краях полотен и даже на боковине.
Жоржу Сёра не нравилась тень, которую отбрасывают рамы на картину. И он часто сам изображал рамы из крохотных точек разных цветов. Кстати, по похожему принципу картин Сёра через полвека станет работать цветной телевизор.
3. Почему на картинах так много голых людей?
Фрагмент фрески Микеланджело «Сотворение Адама».
Еще древние греки считали, что обнаженное тело — это невероятно красиво.
В искусстве чаще всего нагота — это символ. Символ новой жизни, искренности, беспомощности живого существа, а также жизни и смерти.
Кроме того, ничто не вызывает такие сильные эмоции у зрителя, как нагота. Это может быть интерес, неловкость, стыд или восхищение.
4. Почему все такое плоское и вообще нереалистичное?
Картина чешского художника Богумила Кубишты «Гипнотизер».
Пожалуй, одно из самых частых обвинений в адрес современных мастеров звучит так: художники разучились похоже передавать действительность. Отсюда и заблуждение, будто предметы выглядят плоскими.
Но посмотрим, например, на полотна кубистов. Они ломают перспективу, но изображают предметы одновременно под разными углами и даже в разный момент времени. Поэтому нельзя сказать, что изображение на полотне двухмерное.
Рисовать «похоже» уже не надо — это может сделать фотография. Поэтому искать ответ на вопрос, почему художник на той или иной картине изобразил реальность плоской, нужно в самой задумке автора. Убирая одни детали изображения, художник акцентирует внимание на других. Упрощая изображение, он делает его более выразительным.
5. Художники XIX–XX веков не умели «нормально» рисовать? Или они это нарочно?
В XIX веке зародился стиль живописи под названием примитивизм, или наивное искусство. Его представители упрощали картину и делали формы примитивными, будто детские рисунки или первобытное искусство. Картины некоторых примитивистов вошли в сокровищницу мирового искусства и произвели сильное впечатление на своих современников. И это несмотря на то, что у художников наивной живописи не было академического образования. Пиросмани и Руссо были всего лишь самоучками, но их картины привлекли тех, кто повидал уже все и кому наскучила традиционная живопись. Такие картины были как глоток живительной простоты.
А вот профессиональные художники-авангардисты XIX–XX веков имели за плечами художественное образование и сильную базу. Они умели писать как угодно, но в какой-то момент решили это делать вот так, подражая примитивистам. Как говорится, так было задумано, ведь это совершенно новый (а значит, интересный для тех, кто устал от старого) способ воздействия на зрителя.
Художники прекрасно справились бы с картиной в духе академического классицизма, и именно поэтому для них это было скучно. Юный Пикассо писал трогательные и довольно реалистические портреты. А вот зрелый художник выбрал для себя путь, который шокирует, бодрит глаз, который помогает продемонстрировать крутое колористическое чутье и ощущение формы.
6. Должны ли картины непременно быть красивыми?
Красиво не значит искусство, и само искусство не всегда изображает красоту. Представление о прекрасном у каждого разное, и мнение отдельно взятого человека не может считаться эталоном.
Отвлечемся от живописи и проведем параллель с кино. Среди искусствоведов встречаем такое мнение: утверждать, что картины непременно должны быть красивыми, — то же самое, что говорить, будто настоящее кино — это только романтическая комедия или мелодрама с хеппи-эндом. А психологические драмы, боевики, триллеры — это и вовсе не кино. Согласитесь, логика в этом есть.
Искусство (и живопись в том числе) должно говорить на языке своего времени. И чтобы насладиться любой картиной, даже реалистичной, нужно знать, что на ней изображено. На выставках мы обычно читаем подписи к полотнам и даже пользуемся аудиогидом.
А какая живопись близка вам?
Хотите начать рисовать или рисовать? Пять художников о том, как начать
Он может доставлять часы удовольствия с возможностью создать шедевр: так что же не нравится в рисовании и живописи? В детстве мы рисовали и раскрашивали безумными размашистыми жестами, которые могли заставить современного критика дотянуться до клавиатуры. В то время как критик может искать слова, живопись и рисунок обходят язык и подключаются к различным областям мозга.Окунитесь в поток, и это может принести уровень расслабления, граничащий с терапевтическим, состояние души, совершенно не похожее на клише измученного художника. Звучит хорошо? Что вас сдерживает? Пять художников помогут вам начать.
Мэри Келли, он встретил Ирму на вечеринке, холст, маслоЖивопись
«Чем больше смотришь, тем больше видишь»: Мэри А. Келли
Найдите любой тип бумаги или картона, карандаши, мелки, биро, ручки, наберитесь на детских красках … Помните: это вы делаете свой отметины на поверхности.Совершенно верно — не цель. Машина может это сделать. Не бойтесь играть с ним. Будьте похожи на ребенка.
Выберите то, что вы хотите нарисовать / раскрасить. Осмотрите дом и сад. Посмотрите в зеркало на машины, инструменты, кухонные принадлежности, одежду, цветы, мебель, животных, детей, свой автопортрет. Расставьте все, что захотите, или оставьте их там, где они есть. Используйте свой телефон, чтобы смотреть под разными углами: сверху, снизу, крупным планом, очень крупным планом, вдалеке.Это поможет вам исследовать и сочинять. Ключевой отправной точкой в любом художественном выражении является «наблюдение». Чем больше смотришь, тем больше видишь. Всегда доверяйте своим глазам. marykelly.website
Уна Сили, Автопортрет, новый студийный чайник, холст, масло.
«Сначала нужно сломать лед»: Una Sealy
Самая большая проблема при запуске работы — это именно это. Начиная. Есть так много причин не делать этого. Поразительно, насколько это может быть болезненно, унизительно и трагично.Но если вы сядете и просто сделаете это, послушайте музыку, чтобы отвлечься. Происходит что-то чудесное, активизируется другая часть вашего мозга, приходят идеи. Иногда картина начинает говорить вам, что делать. Пикассо сказал: «Вдохновение существует, но оно должно найти вас в работе».
У меня есть альбом для рисования, в котором я рисую все и вся. Он формирует своего рода визуальный дневник и никогда не публикуется, поэтому я не чувствую никакого давления по поводу того, хороши ли рисунки.Это прекрасная привычка, и любой может ею заниматься. unasealy.com
Ребенок-актер III — Колин Мартин Краска из реальности: Мартин Гейл
Рисуйте в присутствии объекта, будь то объект в вашем доме или пейзаж, возможно, вид из окна. Лучше не начинать с фотографий; вы теряете ощущение трехмерности, поскольку объект уже уплощен до двухмерной плоскости.
Постарайтесь не быть слишком драгоценным. Имейте под рукой несколько оснований (холст, доску, подушечку или что-нибудь еще) на случай, если что-то пойдет не так. Не бойтесь отбросить это и начать заново. Маловероятно, что вы получите готовое изделие с первого раза. Начните с представления о том, как вы хотите, чтобы ваша картина выглядела. Небольшие эскизы помогут определиться с базовой композицией: что включить, а что опустить.
Затем, если по мере продвижения что-то начинает выглядеть по-другому, оцените изменения и посмотрите, сможете ли вы пойти по тому пути, по которому они развиваются, или, может быть, откатитесь назад и начните заново. martingale.ie
Мартин Гейл, Баллок (этюд для «В гостях»), бумага, карандаш 29 x 41 см, 2007 г.
Изучение правил: Колин Мартин
Сделайте хороший рисунок, чтобы подкрепить картину. Если у меня есть интересный исходный материал, который меня волнует, и я потратил время на подробный рисунок, тогда я чувствую себя подготовленным, и рисунок всегда получается более гладким.
Внимательное чтение работ художников в книгах, галереях и музеях действительно познавательно.Некоторые руководящие принципы и правила рисования, такие как правило «жирность вместо постного» при нанесении краски и дополнительный цветовой круг, действительно являются основанием. (Это: при рисовании маслом начинайте с тонкого слоя и постепенно наращивайте; см., Например, canva.com/colors/color-wheel). Практика и процесс — ключ к решению проблем. @ colinmartin81
Советы экспертов
- Основные правила рисования нужно нарушать, но некоторые из них действительно полезны для начала, например: маслом вы работаете от темноты к свету.
Если вы рисуете, например, обувь или какой-либо блестящий объект, вы не рисуете сначала светлые участки, а потом добавляете темные участки! С акварелью все наоборот: сначала светлые тона, а затем темные. МГ
- Самый простой способ подойти к композиции — вырезать видоискатель из куска картона в том же масштабе, что и пропорции вашего холста. Посмотрите сквозь него на объект, перемещайте его, как если бы вы использовали объектив камеры, пока не остановитесь на интересном расположении, а затем обращайтесь к нему, когда набрасываете свою картину. США
- Не будьте склонны быстро разрушать то, что, по вашему мнению, не сработало. Подождите, и вы удивитесь. Иногда это ваша лучшая работа! МК
- Часто проблемы технические: как нарисовать руки, волосы, мех, стекло, воду? Или все складывается не так, как вы ожидали — часто это самая захватывающая часть рисования — не совсем понимаете, как она будет выглядеть, когда она будет закончена, или даже когда оставить это и не переутомляться.
Иногда живопись может быть упражнением в решении проблем или даже в кризисном управлении! Как бы тщательно вы ни планировали картину, все равно получится чудесный сюрприз. МГ
Материалы
- Мне нравится Burnt Sienna от Winsor & Newton, у нее красивое прозрачное свечение, но я предпочитаю краски Майкла Хардинга за чистую пигментную нагрузку таких цветов, как Ультрамарин и Желтая охра. Другие невероятные бренды — Old Holland и Williamsburg. Все марки можно смешивать вместе. Для начала, масла собственной марки Evans действительно доступны по цене и высокого качества, как и масла Winsor и Newton ‘Winton’. США
- Я использую масляные краски Old Holland и в основном использую урезанную палитру теплых и холодных основных цветов и белого. Они дорогие, но обладают действительно сильным хроматическим качеством. Купить базовый стартовый комплект для покраски несложно. Evans предлагает скидку для членов Virtual Artists Ireland.
Базовый стартовый набор включает желтый кадмий, желтый лимон, красный кадмий, малиновый ализарин, французский ультрамарин, церулеан синий, титановый белый. Калиброванная бумага / гипсовая бумага или масляная подушечка формата A4 или больше.Линейка, мастихин, скипидар дистиллированный, мастихин, баночки, тряпки, набор кистей. СМ
- Для акварели: Winsor & Newton или Daler-Rowney. Что касается кистей: покупайте лучшее, что вы можете себе позволить; они прослужат дольше. МГ
Не сдавайся
- В творчестве есть дисциплина. Лучшее время для меня — с утра до полудня, у меня сформировалась привычка делать это каждый день. Иногда для начала надо играть с блокнотами или грунтовать холст.Моя концентрация нарастает с течением времени. Время, проведенное вне работы, помогает лучше увидеть ее, когда вы вернетесь. МК
- Если возможно, запланируйте несколько часов в день, когда вы можете выделить время для рисования.
Организуйте рабочее место, пусть даже маленькое, где у вас есть все необходимое. Рисовать достаточно сложно, даже если вам не придется сражаться с вашими материалами. США
Подробнее
- Kimon Nicolaides, The Natural Way to Draw (Souvenir Press: KBB)
- Сара Симблет, Книга для рисования (Дорлинг Киндерсли: MG, США)
- Майкл Уилкокс, «Синий и желтый не делают зеленого» (издательство School of Color Publishing: США)
- Серия школьных лекций RHA: онлайн-беседы художников, включая сезоны рисования и дыхания Мика О’Ди, Марка О’Келли, Дайаны Коппруайт, Ниам О’Мэлли, Стивена Брандеса и других ( rhagallery.т.е. / школа ) CM
- Bodies in Motion: онлайн-ресурс с видео и изображениями человеческого тела Скотта Итона ( Bodyinmotion.photo ) US
- И, наконец, вы найдете онлайн-руководства, которые помогут решить (почти) все ваши технические проблемы, но, как говорит Мэри Келли, «ничто не заменит ваших собственных проб и ошибок.
Таким образом вы развиваете свой личный стиль, который принадлежит вам и только вам. Это ваш голос и ваш знак ».
Рисование
Не всякая живопись начинается с рисования, но с помощью простых недорогих материалов, которые у вас уже есть дома, рисование — очень хорошее место для начала.
Кэтрин Буше Буг порекомендовала дешевое и расходное оборудование: простой биро и тетрадь в линию. «Бирос скользит и поощряет беглость речи, и вы не можете их стереть», — говорит она. Также подойдут маркеры на старых газетах или коричневых бумажных пакетах.Все дело в том, чтобы начать работу и избавиться от страха.
Советы Кэтрин Буше Буг по рисованию
- Посмотрите рисунки других, отметьте, что вам нравится, и нарисуйте то, что они нарисовали.
Найдите своего «главного» учителя рисования, посмотрите его рисунки и почерпните от них идеи. Если вы действительно застряли, копируйте, но копируйте работы великих людей, которые рисовали всю свою жизнь: Дюрера, Рембрандта, Леонардо и т. Д.
- Зачем это нужно? Радость. Вы получаете радость, занимаясь этим каждый день. Это должно стать привычкой. Подобно обучению игре на гитаре, рисуйте по 10 минут в день, пока вы не сможете прожить целый день без этого. Делайте это короткими движениями, закройте копию, уберите ее, повторите завтра.
- Понизьте свои ожидания. Никто не делает компакт-диски из самих гамм. Вы делаете это только потому, что знаете, что это хорошо для вас. Никто никогда не учился играть на гитаре, играя раз в неделю.
- Рисуйте, глядя на объект, а не на страницу, на свой рисунок.Это называется слепым рисованием. Для этого вы должны признать, что ваш рисунок не будет «хорошо выглядеть». Это о том, чтобы научиться хорошим привычкам, а не думать, что вы создаете шедевр.
6 мифов о живописи и искусстве
Миф № 1 об искусстве: чтобы стать художником, нужен талант
Не беспокойтесь, есть ли у вас талант быть художником! Один только талант не сделает из вас великого художника.Мэрион Бодди-Эванс
Факт: У некоторых людей врожденный талант или склонность к искусству больше, чем у других.Но беспокоиться о том, сколько талантов у вас есть или нет — пустая трата энергии.
Каждый может научиться овладевать методами, лежащими в основе хорошей живописи, и у каждого есть возможность улучшить свои творческие способности. Полное ведро «таланта» не гарантирует, что вы станете хорошим художником, потому что для творчества требуется нечто большее, чем просто умение.
Но они сказали, что у меня «есть талант»
Преимущество веры (или того, чтобы другие поверили), что у вас есть талант, когда вы начинаете, заключается в том, что искусство изначально дается вам легко.Возможно, вам не придется так стараться, чтобы добиться «хорошей» картины, и вы можете получить много положительных отзывов. Но полагаться на талант можно только до определенного момента. Рано или поздно вы попадете в точку, где вашего таланта недостаточно. Что тогда?
Если вы работали над развитием художественных навыков — от того, как работают разные кисти до того, как взаимодействуют цвета — и привыкли активно преследовать идеи, а не ожидать, что творческие мысли придут к вам, то вы не зависите от своей так называемой прихоти. талант.’
У вас уже есть привычка исследовать возможности, исследовать новые идеи, продвигать вещи еще на один шаг вперед. Вы настроены на долгий срок.
Талант не имеет значения, если у тебя есть желание
А если вы считаете, что у вас вообще нет художественного таланта? Давайте откажемся от банальностей о том, что у каждого есть творческий аспект и что у каждого есть особый талант.
Если бы вы действительно считали, что у вас нет никаких художественных способностей, у вас не было бы желания рисовать.Именно это желание в сочетании с настойчивостью и систематическим изучением техники рисования — не только талант — делают художника успешным.
Цитируется высказывание Дега: «У каждого есть талант в 25 лет. Трудность состоит в том, чтобы иметь его в 50».
«Великого художника от слабого отличает, прежде всего, его чуткость и нежность; во-вторых, их воображение и, в-третьих, их трудолюбие ». — Джон Раскин
Миф № 2: рисовать должно быть легко
Откуда взялась вера в то, что великое искусство должно быть легким?Мэрион Бодди-Эванс
Факт: Кто говорит? Почему все, чем стоит заниматься, должно быть легко?
Существует ряд техник, которым может научиться каждый (например, штриховка, правила перспективы, теория цвета и т. Д.) Для создания картины за относительно короткое время. Но чтобы выйти за рамки посредственности, нужны реальные усилия.
Великие художники могут сделать его легко, но это простота «имеет, как и любой большой навык, приезжайте в течение многих лет напряженной работы и практики.
Не ждите, что живопись будет легкой
Если вы отправляетесь с убеждением, что рисовать должно быть легко, вы настраиваете себя на разочарование и разочарование. С опытом некоторые аспекты действительно становятся проще — например, вы знаете, какой будет результат, если вы нанесете один цвет поверх другого, — но это не значит, что на самом деле отделка покраска проста.
Сомнительный? Что ж, вот что Роберт Бейтман сказал об этом: «Одно определение шедевра, который я слышал … когда вы его видите, вы должны чувствовать, что видите впервые, и это должно выглядеть так, как будто это сделано без усилие. Это очень и очень жесткий критерий.Я бы не сказал, что когда-либо делал шедевр, но когда я борюсь с каждой картиной — а все они — это борьба — я часто чувствую, что я далек от этих двух целей ».
Бейтман говорит о «легких вещах»: «Если я оглядываюсь на основную часть работы предыдущего года и вижу много легких вещей, я чувствую, что подвел себя».
«Легче нарисовать ноги ангела к чужому шедевру, чем обнаружить, где ангелы живут внутри вас». — Дэвид Бейлс и Тед Орланд в « Искусство и страх». »
Миф № 3: Каждая картина должна быть идеальной
Совершенство — это нереалистичная цель, и стремление к ней не позволит вам пробовать предметы, которые «слишком сложны» для ваших нынешних навыков рисования.
Мэрион Бодди-Эванс
Факт: Требовать, чтобы каждая ваша картина была абсолютно идеальной — нереальная цель. У вас никогда не получится этого добиться, поэтому вы слишком боитесь даже пытаться. Разве вы не слышали о том, чтобы «учиться на своих ошибках»?
Вместо того, чтобы стремиться к совершенству, стремитесь к тому, чтобы каждая картина вас чему-то научила, и рискуйте испортить вещи, пробуя что-то новое, просто чтобы посмотреть, что происходит.Испытайте себя, взявшись за новые темы, подходы или вещи, которые «слишком сложны».
Что самое худшее, что может случиться?
Вы тратите немного краски и время. Конечно, это может расстраивать, когда вы не добиваетесь чего-то, что вам нравится, но, как гласит клише, «если сначала у вас не получится, попробуйте и попробуйте еще раз».
Если вы напортачили с картиной, постарайтесь закрасить «неприятную деталь». Оставьте ее на ночь, а утром атакуйте снова. Бывают случаи, когда лучше просто признать поражение на данный момент и отложить его на гораздо более долгий срок. Но никогда не навсегда; большинство художников слишком упрямы для этого!
В конце концов, если вы станете достаточно знаменитыми, музеи будут так рады получить от вас любую работу, что будут развешивать картины, которые были незаконченными или просто черновыми, а не только теми, которые вы считали законченными и хорошими. Вы их видели — те картины, на которых часть холста еще не покрыта, за исключением, возможно, рисунка линии, показывающего, что художник собирался туда поместить.
«Не бойтесь совершенства, вы никогда не достигнете его.»- Сальвадор Дали, художник-сюрреалист.
Миф № 4: если не умеешь рисовать, то и рисовать нельзя
Картина — это не просто раскрашенный рисунок.Мэрион Бодди-Эванс
Факт: Картина — это не раскрашенный рисунок, а рисунок — это не картина, которую еще не раскрашивали.
Живопись предполагает набор навыков. Даже если бы вы были экспертом в рисовании, вам нужно было бы научиться рисовать.
- Некоторым художникам нравится делать подробные рисунки для справки перед рисованием, но многие этого не делают.
- Некоторые художники рисуют прямо на холсте перед тем, как начать рисовать, но многие этого не делают.
Чертеж не требуется
Нет правила, согласно которому вы должны рисовать, прежде чем рисовать, если не хотите.
Рисование — это не только начальный этап создания картины. Рисование — это другой способ создания искусства. Навыки рисования определенно помогут в рисовании, но если вы ненавидите карандаши и уголь, это не значит, что вы не можете научиться рисовать.
Никогда не позволяйте вере в то, что вы «не можете даже провести прямую линию», мешает вам открыть для себя удовольствие, которое может принести живопись.
«Живопись включает в себя все 10 функций глаза; то есть темноту, свет, тело и цвет, форму и местоположение, расстояние и близость, движение и покой». — Леонардо да Винчи.
Миф № 5: Маленькие холсты рисовать легче, чем большие
Маленькие холсты не всегда легче рисовать, чем большие.
Мэрион Бодди-Эванс
Факт: У разных размеров холста есть свои проблемы. Может даже не быть разницы во времени, необходимом для завершения рисования маленького или большого холста.
Миниатюры крошечные, но на их создание уйдет не всего несколько минут! (И вы никогда не получите миниатюру, если у вас нет твердой руки и острого глаза.)
Размер субъективен
Рисуете ли вы крупно или мелко, это зависит не только от объекта (некоторые объекты просто требуют определенного масштаба), но и от эффекта, который вы хотите создать.Например, огромный пейзаж будет доминировать в комнате, чего никогда не могло быть у серии небольших холстов.
Если ваш бюджет на художественные материалы ограничен, у вас может возникнуть соблазн использовать небольшие холсты, потому что вы думаете, что они требуют меньше краски. Должно ли это быть вашей единственной заботой или вы должны рисовать любой размер, который хотите? Вы обнаружите, что холст среднего размера научит вас рисовать как детали, так и большие области, используя гораздо меньше краски, чем вы боитесь.
Если вас беспокоит стоимость художественных материалов и вы обнаруживаете, что этот стресс мешает вам рисовать, подумайте о том, чтобы использовать краски студенческого качества для учебы и использовать исходные цвета.Сохраните качество хорошего художника для последующих слоев.
Джеймс Уистлер произвел множество мелких масел, некоторые размером всего три на пять дюймов. Один коллекционер описал их как «внешне размером с вашу руку, а художественно — как большой, как континент».
«Можете ли вы поверить, что нарисовать фигуру примерно в фут высотой совсем не легче, чем нарисовать маленькую? Напротив, это намного труднее». — Ван Гог
По-настоящему важный вопрос, который задает большинство художников, — какие картины лучше продаются — большие или маленькие.
Миф № 6: чем больше цветов вы используете, тем лучше
Арт-миф №6: чем больше цветов вы используете, тем лучше.Мэрион Бодди-Эванс
Факт: Контраст и тон важнее количества используемых цветов. Смешивание большого количества цветов в картине — это рецепт создания грязи, а художники ненавидят мутные цвета.
Заполнить ящик с красками большим количеством цветов легко, и это, безусловно, заманчиво, учитывая доступный диапазон. Но каждый цвет имеет свою индивидуальность или характеристики, и вам нужно точно знать, на что он похож, прежде чем переходить к другому или смешивать его с другим.Знание того, как ведет себя цвет, дает вам свободу сосредоточиться на других вещах.
Начните с простой теории цвета
Начните с двух дополнительных цветов, таких как синий и оранжевый. Используйте их, чтобы создать картину и увидеть, что вы думаете. Разве это не более динамично, чем картина, охватывающая весь спектр?
Не убежден? Проведите время, глядя на картины Рембрандта, полные землистых коричневых и желтых цветов. Трудно найти кого-нибудь, кто будет утверждать, что ему следовало «оживить» свои картины большим количеством красок.Вместо этого его ограниченная палитра добавляет капризности.
«Цвет напрямую влияет на душу. Цвет — это клавиатура, глаза — молотки, душа — это пианино с множеством струн. Художник — это рука, которая играет, целенаправленно касаясь того или другого, чтобы вызвать колебания в душе». — Кандинский
«Природа содержит элементы всех изображений по цвету и форме, так же как клавиатура содержит ноты всей музыки. Но художник рожден, чтобы выбирать, выбирать и группировать …эти элементы, чтобы результат был красивым », — Уистлер
«Колорист показывает свое присутствие даже в простом рисунке углем». — Матисс.
7 основных техник рисования для художников
Знание некоторых основных техник и стилей рисования очень поможет вам, когда вы начнете свое творческое путешествие с использованием краски. Это означает, что вы должны знать тон, цвет, текстуру, манеру письма и композицию, поскольку все это поможет вам с уверенностью создавать свои собственные шедевры.
В этой статье изложены семь основных техник рисования, которые позволят вам рисовать как профессионал в кратчайшие сроки. Также стоит ознакомиться с лучшими уроками по рисованию, чтобы убедиться, что вы освоили там основы. А если вы хотите узнать больше об художественной терминологии, посмотрите нашу статью об общих художественных терминах.
01. Подмалевок
Наносите краску от тонкой до толстой, особенно при использовании медленно сохнущих красок.Я никогда не работаю с белой краской при использовании масел или акрила.Создайте подмалевок из жженой умбры или смеси жженой сиены и фтало-синего, чтобы создать тени и оттенки. Акрил, вероятно, является лучшим средством для использования на этом этапе, так как он быстро сохнет и устойчив.
Обработайте краску от тонкой до толстой, особенно при использовании медленно сохнущих красок. Поверх тяжелой влажной краски работать нельзя. Таким же образом обработайте блики, добавив в конце самую яркую (и обычно более тяжелую) краску. Возьмите рулон кухонного полотенца, чтобы очистить кисти и удалить излишки краски.
02. Блокирование в
Кисти бывают разных форм и типов волокон.
Кисти бывают разных форм и с разными типами волокон, все из которых дают очень разные результаты. Главное — попробовать их все во время рисования. Наиболее универсальными являются смесь синтетики и соболя — эти кисти можно использовать с большинством различных типов красок. Кисти бывают плоскими и круглыми, и стоит иметь выбор обоих. Ознакомьтесь с нашим руководством по выбору правильной кисти, чтобы узнать больше.
Я работаю разными кистями. В большинстве ранних работ я использую более крупные, плоские и широкие кисти. Фундук — хорошая обычная кисть для блокировки формы и рисования. Он имеет двойную природу, сочетая в себе элементы плоской и круглой кистей, поэтому он может покрывать как детали, так и большие области. Я обычно использую кисти меньшего размера только в конце процесса рисования.
03. Создание текстуры
Имейте сухую плоскую кисть, которую вы можете использовать для смешивания и создания плавных переходов. Имейте сухую плоскую кисть, которую вы можете использовать для растушевки краски и создания плавных переходов. Мне нравится много текстуры, и я люблю видеть следы кисти в своих собственных работах. Для придания текстуры краске можно использовать практически все. Доступны уже готовые текстурные материалы, но я видел такие предметы, как яичная скорлупа и песок, которые добавляли интерес к картине.
Один совет — использовать старую зубную щетку, чтобы забрызгать изображение краской. Это может быть очень эффективно для выявления шума и зернистости.
04. Сухая обработка кистью
Это метод нанесения краски, который только частично покрывает ранее высохший слой краски.Добавьте совсем немного краски на кисть и нанесите ее очень быстрыми направленными мазками.
Этот метод лучше всего работает при нанесении светлой краски на темные участки / засохшую краску и полезен для изображения текстуры камня и травы.
05. Sgraffito
Удаление краски может быть столь же важным, как и ее нанесение Удаление краски может быть таким же важным, как и ее нанесение. Сграффито — это термин, используемый, когда вы соскребаете краску, пока она влажная, чтобы обнажить подмалевок. Это особенно полезно при изображении царапин, волос, травы и т.п.
Для этого можно использовать практически любой заостренный предмет — попробуйте резиновые инструменты для придания формы или конец кисти.
06. Остекление
Остекление — это процесс нанесения слоя прозрачной краски на сухую часть картины, который используется для усиления теней и изменения цвета. Светло-прозрачный синий поверх сухого желтого, конечно же, даст зеленый цвет.
07. Окрашивание с помощью сред
В краску можно добавлять среды, чтобы изменить ее консистенцию, время высыхания и текстуру. Средства — это жидкости, которые можно добавлять в краску для изменения ее консистенции, времени высыхания и текстуры.В случае с акриловыми красками вы получаете различные материалы, которые делают краску матовой или глянцевой. Тем не менее, я обычно использую матовый материал в основном для герметизации бумаги или картона, чтобы краска не впитывалась в него.
Эта статья изначально появилась в специальном журнале ImagineFX How to Paint and Draw .
Статьи по теме:
5 отличных инструментов для художников
60+ интересных идей для рисования, чтобы уберечь вас от творческих блоков
Фотографии от RossHelen / Shutterstock
Когда дело доходит до рисования, все начинают с равных условий — те, кто хорошо рисует, со временем развили свои навыки.Однако это требует терпения, а также от вас, чтобы приложить кисть к холсту (или бумаге) и увеличивать свои способности штрих за штрихом. Мы видели это на рисунке; Всего несколько лет практики рисования могут означать разницу между наброском, в котором всего лишь , хорошо, , и эскизом, демонстрирующим необычайный талант.
Получив акварельную, акриловую или даже масляную краску, вы можете сразу же приступить к оттачиванию своего ремесла. Но даже наличие всех необходимых материалов не спасет вас от ужасного творческого затора; иногда просто не знаешь, что нарисовать! К счастью, мы составили список из более чем 60 подсказок, которые являются отправной точкой для вашей работы.Простые идеи для рисования разделены на два списка: один вдохновлен жизнью, а другой заставляет вас использовать свое воображение.
Просматривая список, обратите внимание на следующее: что интересно рисовать? Что заставит вас поправиться? Есть ли какие-то техники, которые вы хотели бы попробовать? Например, лиственное дерево дает вам возможность экспериментировать с текстурой, а представление этих объектов в монохромном режиме — отличное упражнение для понимания тональности, света и тени.
Когда вы начнете разбираться в этом списке, убедитесь, что у вас есть все необходимое для краски. У нас есть рекомендации по трем наиболее популярным типам красок. Ознакомьтесь с нашими руководствами, где вы найдете лучшие наборы акварельных красок, лучшие акриловые краски и лучшие масляные краски, которые понравятся новичкам и профессионалам.
Фотографии из Kuznetcov_Konstantin / Shutterstock
Идеи рисования, которые может попробовать каждый
Простые идеи рисования, вдохновленные реальной жизнью:
- Ваша любимая кофейная кружка
- Кактус опунция
- Ваш пушистый друг
- Спокойный пейзаж на озере
- Ваш глаз и бровь (попробуйте понаблюдать из реальной жизни)
- Лиственное дерево
- Дом вашего детства
- Кусок ткани, накинутый на стул
- Пушистые облака
- Букет цветов в вазе
- Кардинал на ветке…
- … или мудрая сова
- Вьющаяся океанская волна (для вдохновения посмотрите фотографии с волнами Рэя Коллинза!)
- Копия шедевра художника, которым вы восхищаетесь
- Ваза с фруктами
- Подводная рыба
- Портрет самого себя в детстве
- Ваша рука или стопа
- Любимая коллекция вещей
- Фасад здания, которым всегда восхищались
- Кто-то стоит под зонтом во время дождя
- Фонарь, освещающий темную улицу
- Разноцветное оперение павлина
- Эйфелева башня, или любой другой памятный знак
- Декоративная плитка, которой вы восхищались
- Ваш способ передвижения (автомобиль, байк, самокат, скейтборд…)
- Отражающий объект, например шар
- Ваше любимое насекомое
- Коллекция ракушек
- Старая пара обуви
- Возьмите свои художественные принадлежности на улицу и раскрасьте парк на пленэре
- Твоя спальня
- Раскрась ночное небо
Стоковые фотографии с Photographee. eu / Shutterstock
Хорошие идеи для рисования, вдохновленные воображением:
- Человек с цветами, растущими из головы
- Создайте образ на основе вашей любимой песни
- Величественный единорог с радужной гривой
- Создать автопортрет в стиле кубизм
- Переосмыслите сцену из любимого фильма Диснея
- Представьте себе, что собака может ходить и говорить как человек. Что бы они сказали и сделали?
- Создайте свой собственный шаблон повторения…
- … или дизайн в стиле мандалы
- Кот в модной шляпе
- Дом вашей мечты
- Попробуй рисовать пальцами
- Небо в разноцветных завитках, как в картине Ван Гога Звездная ночь
- Аквалангист плывет в открытом космосе, а не в океане
- Человек из воздушных шаров
- Крошечные люди, перемещающиеся по миру обычных размеров
- Создайте повторяющийся узор любимого кухонного прибора
- Жуткая сцена в лесу
- Животные вместо человека
- Интерьер в стиле Сальвадора Дали
- Жизнь под водой
- Нарисуйте фантастический сад из необычных растений
- Объедините двух своих любимых животных в одно
- Попробуйте нарисовать в стиле ар-деко, например, Тамара де Лемпицка
- Представьте, что вы умеете летать…
- … или что вы гигант
- Человек, кожа которого трескается, как фарфор
- Создайте свою сказку
- Объединить день и ночь в одну сцену
Статьи по теме:
Текстурированные картины мастихином, запечатлевшие величественную красоту китов
15+ необычных подарков, идеально подходящих для людей, которые любят рисовать
Научитесь рисовать с 403 бесплатными сериями «Радость рисования» Боба Росса на YouTube
Более 10 известных художников-акварелистов, которые продолжают влиять на живопись сегодня
25+ потрясающих гиперреалистичных картин
Что происходит в вашем мозгу, когда вы занимаетесь искусством: кадры
Много свободного времени я провожу за рисованием. Я работаю журналистом в научном бюро NPR днем. Но все время между ними я художник, в частности, карикатурист.
Рисую между задачами. Я делаю наброски в кафе перед работой. И мне нравится бросать вызов самому себе, чтобы заполнить небольшой журнал — за 20 минут на автобусе.
Я делаю это отчасти потому, что это весело и интересно. Но я подозреваю, что происходит нечто более глубокое. Потому что, когда я создаю, мне кажется, что это проясняет мою голову. Это помогает мне разобраться в своих эмоциях.И это почему-то заставляет меня чувствовать себя спокойнее и расслабленнее.
Это заставило меня задуматься: что происходит в моем мозгу, когда я рисую? Почему так приятно? И как я могу привлечь других людей — даже , если они не считают себя художниками — на поезд творчества?
Оказывается, когда мы занимаемся искусством, в нашем сознании и теле много всего происходит.
«Творчество само по себе важно для того, чтобы оставаться здоровым, оставаться связанным с собой и связанным с миром», — говорит Кристиан Стрэнг, профессор нейробиологии Университета Алабамы в Бирмингеме и бывший президент Американской ассоциации арт-терапии.
Эта идея распространяется на любой тип визуального творческого выражения: рисование, раскрашивание, коллажирование, лепка из глины, написание стихов, украшение тортов, вязание, скрапбукинг — безграничных возможностей.
«Все, что затрагивает ваш творческий ум — способность устанавливать связи между несвязанными вещами и придумывать новые способы общения — полезно для вас», — говорит Гирия Каймал. Она является профессором Университета Дрекселя и исследователем в области арт-терапии, ведет занятия с военными, страдающими черепно-мозговой травмой, и лицами, ухаживающими за больными раком.
Но она твердо убеждена, что искусство для всех — и независимо от уровня ваших навыков, вы должны стараться этим заниматься на регулярной основе. Вот почему:
Это помогает вам представить более обнадеживающее будущее
Способность искусства расширять наше воображение может быть одной из причин, почему мы занимаемся искусством с тех пор, как были обитателями пещер, — говорит Каймал. Это могло служить эволюционной цели.У нее есть теория, согласно которой искусство помогает нам справляться с проблемами, которые могут возникнуть в будущем. Об этом она написала в октябре в журнале Американской ассоциации арт-терапии .
Ее теория основана на идее , разработанной в последние несколько лет, о том, что наш мозг является предсказательной машиной. Мозг использует «информацию, чтобы делать прогнозы о том, что мы можем делать дальше, и, что более важно, что нам нужно делать дальше, чтобы выжить и процветать», — говорит Каймал.
Когда вы занимаетесь искусством, вы принимаете ряд решений — какой инструмент для рисования использовать, какой цвет, как перенести увиденное на бумагу. И, наконец, интерпретация изображений — выяснение того, что это значит.
Make This: «Как начать художественную привычку» Zine
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
- Скрыть подпись
Как начать заниматься искусством
Предыдущий Следующий
Малака Гариб / NPR
«Итак, то, что наш мозг делает каждый день, каждое мгновение, сознательно и бессознательно, — это пытается представить себе, что должно произойти, и готовится к встрече с этим», — говорит она.
Каймал видела эту игру в своей клинической практике в качестве арт-терапевта со студентом, который находился в тяжелой депрессии. «Она была в отчаянии. Ее оценки были действительно плохими, и у нее было чувство безнадежности», — вспоминает она.
Студент достал лист бумаги и раскрасил весь лист толстым черным маркером. Каймал ничего не сказал.
«Она смотрела на этот черный лист бумаги и некоторое время смотрела на него», — говорит Каймал. «А потом она сказала:« Вау. Это выглядит очень мрачно и мрачно.«
А потом произошло нечто удивительное, — говорит Каймал. Студентка огляделась и взяла розовую глину для лепки. И она начала лепить … цветы:« Она сказала, знаете что? Думаю, это напоминает мне весну ».
Благодаря этой сессии и творчеству, говорит Каймал, ученица смогла вообразить возможности и увидеть будущее за пределами настоящего момента, в котором она была в отчаянии и депрессии.
«Этот акт воображения на самом деле является актом выживания», — говорит она. «Это готовит нас представить возможности и, надеюсь, пережить эти возможности».
Это активирует центр вознаграждения в нашем мозгу.
Для многих людей создание искусства может быть нервным. Что ты собираешься делать? Какие материалы использовать? Что делать, если вы не можете его выполнить? Что, если это … отстой?
Исследования показывают, что, несмотря на эти опасения, «участие в любом виде визуального выражения приводит к активации пути вознаграждения в мозгу», — говорит Каймал.«Это означает, что вы чувствуете себя хорошо, и это воспринимается как приятное занятие».
Она и группа исследователей обнаружили это в статье 2017 года, опубликованной в журнале The Arts in Psychotherapy . Они измерили приток крови к центру вознаграждения мозга, медиальной префронтальной коре, у 26 участников, выполнив три художественных задания: раскрашивая мандалу, рисуя и свободно рисуя на чистом листе бумаги. И действительно — исследователи обнаружили увеличение притока крови к этой части мозга, когда участники занимались искусством.
Это исследование предполагает, что искусство может принести пользу людям, имеющим проблемы со здоровьем, которые активируют в мозгу механизмы вознаграждения, такие как аддиктивное поведение, расстройства пищевого поведения или расстройства настроения, пишут исследователи.
Это снижает стресс
Хотя исследования в области арт-терапии только начинаются, есть доказательства того, что искусство может снизить стресс и беспокойство. В статье, опубликованной в 2016 году в журнале Американской ассоциации арт-терапии , Каймал и группа исследователей измерили уровень кортизола у 39 здоровых взрослых людей.Кортизол — это гормон, который помогает организму реагировать на стресс.
Они обнаружили, что 45 минут творчества в студии с арт-терапевтом значительно снизили уровень кортизола.
В документе также показано, что нет различий в результатах для здоровья между людьми, которые считают себя опытными художниками, и людьми, которые этого не делают. Это означает, что независимо от уровня вашего мастерства вы сможете почувствовать все хорошее, что связано с созданием искусства.
Это позволяет вам глубоко сосредоточиться
В конечном счете, говорит Каймал, создание искусства должно вызывать то, что научное сообщество называет «потоком» — чудесная вещь, которая происходит, когда вы находитесь в зоне. «Это чувство потери себя, потери осознания. Вы настолько присутствуете в данный момент и полностью присутствуете, что забываете все чувство времени и пространства», — говорит она.
А что происходит в вашем мозгу, когда вы находитесь в состоянии потока? «Это активирует несколько сетей, включая расслабленное рефлексивное состояние, сосредоточенное внимание на задаче и чувство удовольствия», — говорит она.Каймал указывает на исследование 2018 года, опубликованное в журнале Frontiers in Psychology , в котором было обнаружено, что поток характеризовался повышенной активностью тета-волн в лобных областях мозга и умеренной активностью альфа-волн во фронтальных и центральных областях.
Итак, какое искусство вам стоит попробовать?
Некоторые виды искусства приносят больше пользы для здоровья, чем другие.
Каймал говорит, что, например, можно поиграть с глиной для лепки.«Он задействует ваши руки и многие части вашего мозга в сенсорном опыте», — говорит она. «Ваше осязание, ваше ощущение трехмерного пространства, зрение, может быть, немного звука — все это задействовано в использовании некоторых частей вас самих для самовыражения и, вероятно, будет более полезным».
Ряд исследований показал, что раскраска внутри фигуры — в частности, предварительно нарисованный геометрический рисунок мандалы — более эффективна для повышения настроения, чем раскраска на чистом листе бумаги или даже раскраска внутри квадратной формы.И одно исследование 2012 года, опубликованное в журнале Американской ассоциации арт-терапии , показало, что раскрашивание внутри мандалы снижает беспокойство в большей степени по сравнению с раскрашиванием в клетку или на простой лист бумаги.
Стрэнг говорит, что нет ни одного средства или искусства, которое «лучше» другого. «В некоторые дни вы можете пойти домой и рисовать. В другие дни вы можете захотеть сделать набросок», — говорит она. «В любой момент делайте то, что для вас наиболее выгодно».
Обработайте свои эмоции
Важно отметить: если вы переживаете серьезное психическое расстройство, вам следует обратиться за советом к профессиональному арт-терапевту, — говорит Стрэнг.
Однако, если вы занимаетесь искусством, чтобы соединиться со своим собственным творчеством, уменьшить беспокойство и отточить свои навыки преодоления трудностей, «во что бы то ни стало, придумайте, как позволить себе это сделать», — говорит она.
Просто позвольте этим «линиям, формам и цветам превратить ваши эмоциональные переживания в нечто визуальное», — говорит она. «Используйте чувства, которые вы чувствуете в своем теле, в своих воспоминаниях. Потому что слова нечасто передают это».
Ее слова заставили меня задуматься обо всех тех моментах, когда я полез в сумочку за ручкой и альбомом. Большую часть времени я использовал свои рисунки и небольшие размышления, чтобы передать свои чувства. Я помогал себе разобраться. Это было катарсисом. И этот катарсис принес мне облегчение.
Несколько месяцев назад я с кем-то поссорился. На следующий день, когда я ехал на автобусе на работу, я все еще мучился. В отчаянии я вытащил свой блокнот и записал старую пословицу: «Не позволяй миру усложнять тебя».
Я аккуратно сорвал сообщение со страницы и прикрепил его к сиденью в автобусе передо мной.Я подумал, пусть это будет напоминанием всем, кто это читает!
Я сфотографировал записку и разместил ее в своем Instagram. Позднее той ночью, посмотрев на изображение, я понял, для кого на самом деле было послание. Себя.
Малака Гариб — писатель и редактор научного отдела NPR и автор книги «Я был их американской мечтой: графические мемуары».
картина | История, художники, элементы, методы, типы и факты
Живопись , выражение идей и эмоций с созданием определенных эстетических качеств на двухмерном визуальном языке. Элементы этого языка — его формы, линии, цвета, тона и текстуры — используются по-разному для создания ощущений объема, пространства, движения и света на плоской поверхности. Эти элементы объединены в выразительные паттерны, чтобы представить реальные или сверхъестественные явления, интерпретировать тему повествования или создать полностью абстрактные визуальные отношения. Решение художника использовать конкретный материал, такой как темпера, фреска, масло, акрил, акварель или другие краски на водной основе, чернила, гуашь, энкаустика или казеин, а также выбор определенной формы, такой как фреска, мольберт, панно, миниатюра, иллюминация рукописи, свиток, экран или веер, панорама или любая из множества современных форм основаны на чувственных качествах и выразительных возможностях и ограничениях этих опций.Выбор средства и формы, а также собственная техника художника объединяются для создания уникального визуального образа.
Более ранние культурные традиции — племен, религий, гильдий, королевских дворов и государств — в значительной степени контролировали ремесло, формы, образы и предметы живописи и определяли ее функции, будь то ритуальные, религиозные, декоративные, развлекательные или образовательные. Художники работали скорее как искусные ремесленники, чем как творческие художники. Позже понятие «прекрасный художник» развилось в Азии и Европе эпохи Возрождения.Выдающимся художникам был предоставлен социальный статус ученых и придворных; они подписали свои работы, определились с их дизайном, а часто и с предметом и изображениями, и установили более личные — если не всегда дружеские — отношения со своими покровителями.
В 19 веке художники в западных обществах начали терять свое социальное положение и получать покровительство. Некоторые художники противодействовали снижению поддержки патронажем, проводя собственные выставки и взимая плату за вход. Другие получали доход от передвижных выставок своих работ.Необходимость обращения к рынку заменила аналогичные (хотя и менее безличные) требования покровительства, и ее влияние на само искусство, вероятно, также было аналогичным. Как правило, художники 20 века могли достучаться до аудитории только через коммерческие галереи и государственные музеи, хотя их работы, возможно, время от времени воспроизводились в периодических изданиях по искусству. Им также могли помочь финансовые награды или комиссионные от промышленности и государства. Однако они получили свободу изобретать собственный визуальный язык и экспериментировать с новыми формами, нетрадиционными материалами и методами.Например, некоторые художники объединили другие медиа, такие как скульптура, с живописью, чтобы создать трехмерный абстрактный дизайн. Другие художники прикрепляли к холсту реальные объекты в виде коллажей или использовали электричество для работы с цветными кинетическими панелями и коробками. Художники-концептуалисты часто выражали свои идеи в форме предложения о несбыточном проекте, а исполнители перформанса были неотъемлемой частью их собственных композиций. Неугомонное стремление расширить границы выражения в искусстве привело к постоянным международным стилистическим изменениям.Часто ошеломляющая последовательность новых движений в живописи была дополнительно стимулирована быстрым обменом идеями посредством международных журналов по искусству, передвижных выставок и художественных центров. Такие обмены ускорились в 21 веке с появлением международных ярмарок искусства и социальных сетей, последние из которых предлагали не только новые средства выражения, но и прямое общение между художниками и их последователями. Хотя стилистические движения было трудно идентифицировать, некоторые художники обращались к общим социальным проблемам, включая широкие темы расизма, прав ЛГБТК и изменения климата.
Эта статья посвящена элементам и принципам дизайна в живописи, а также различным средствам, формам, изображениям, предметам и символам, используемым, принятым или созданным художником. По истории живописи в Древнем Египте, см. Египетское искусство и архитектура. Развитие живописи в разных регионах освещается в ряде статей: западная живопись; Африканское искусство; Искусство Центральной Азии; Китайская живопись; Исламское искусство; Японское искусство; Корейское искусство; Искусство коренных американцев; Океаническое искусство и архитектура; Искусство Южной Азии; Искусство Юго-Восточной Азии.По вопросам консервации и реставрации картин, см. консервация и реставрация произведений искусства. Для обсуждения подделки произведений искусства, см. подделка. Для обсуждения роли живописи и других искусств в религии, а также использования религиозных символов в искусстве, см. религиозный символизм и иконография. Для получения информации о других искусствах, связанных с живописью, см. статьи, такие как рисунок; народное искусство; эстамп.
Оформите подписку Britannica Premium и получите доступ к эксклюзивному контенту.Подпишитесь сейчас5 различных видов художественной краски
Выбор краски для использования временами может быть затруднительным из-за различных типов краски. Получите желаемую отделку, используя подходящую краску для вашего следующего проекта. Некоторые краски более стойкие, чем другие, или полностью меняют внешний вид изделия. В зависимости от того, что вы создаете, правильный выбор краски может иметь огромное значение для окончательного успеха вашего шедевра. Эти 5 типов красок отличаются по стилю и свойствам, но могут оказать большое влияние на ваш следующий арт-проект.
Акрил —
Акриловые краски чрезвычайно универсальны и идеально подходят для тонкой работы кистью, глазуровки, окрашивания, использования водных средств и многого другого. Эта гладкая и светлая краска имеет отличное качество пигмента, стойкость цвета и стойкость. Акриловую краску можно наносить практически на любую устойчивую поверхность, например, на акварельную бумагу или холст. Он быстро сохнет и может быть приобретен в различных формах, например в тюбике или маленькой бутылке с чернилами различной вязкости.
Нефть —
Краска на масляной основе очень прочная и имеет глянцевый вид.Мазки превращаются в гладкий насыщенный лак. Краска на масляной основе имеет стойкое покрытие и хорошо сочетается с другими. Эта краска сохнет медленно, что работает на пользу художнику, поскольку художник может постепенно развивать картину, по ходу внося изменения в работу. Не забывайте о водно-масляных красках. Водно-масляная краска — это масляная краска с добавлением эмульгатора. Краска этого типа смешивается с водой, а не на водной основе. Эта краска обладает эластичностью и при добавлении воды тонко разбавляется.
Акварель —
Акварель — это полупрозрачная краска, содержащая пигмент и связующее, обычно гуммиарабик. Гуммиарабик скрепляет краску и предотвращает отслаивание краски. Краска содержит цветной пигмент, взвешенный в воде, пока вода не высохнет и не пачкает поверхность. Кисти обладают текучестью и прозрачностью и довольно быстро сохнут.
Гуашь —
Гуашь — это водорастворимая непрозрачная краска, поэтому белая поверхность бумаги не просвечивается.Он немного меловее, чем традиционная акварель, и скорее поглощает свет, чем отражает его. Краска разбавлена водой, но имеет сильный цветной пигмент. Эта уникальная краска высыхает темнее, и ее небольшое количество проходит долгий путь и требует времени для высыхания, что означает, что с ней можно работать в течение нескольких часов или даже дней после нанесения.
Энкаустика —
Encaustic — краска на восковой основе с сильным цветным пигментом. Универсальная краска, энкаустик не содержит растворителей и не пропускает влагу.Он очень прочный, и его лучше всего использовать на твердой впитывающей поверхности. Художники могут использовать источник тепла и металлические инструменты, чтобы начать работу с этим горячим жидким воском, известным как энкаустик.
Когда дело доходит до выбора краски, выбирайте краску в зависимости от стиля и отделки. Существует множество уникальных типов красок на выбор с различными методами нанесения и вязкостью. Эти типы красок гарантированно станут лучшим выбором для вашего художественного проекта. Каждая краска придает вам неповторимый вид, возможности безграничны.Попробуйте один из этих 5 разных типов красок в своем следующем проекте.
Краски, предлагаемые в Trekell:
Акрил —Golden Heavy Body Acrylic — 2 унции
Golden Fluid Acrylic — 1 унция
Наборы акриловых красок Golden
Liquitex Professional Heavy Body Acrylic — 2 унции
Наборы акриловых красок Liquitex
Sennelier Abstract Acrylic — 120 мл
Абстрактные акриловые чернила Sennelier — 30 мл бутылки
Наборы акриловых красок Sennelier
Масло —
Масло для художников Gamblin
Масло для художников Gamblin 1980
Масляные краски для художников ручной работы Michael Harding
Наборы масляных красок Michael Harding
Акварель —
Экстра тонкие акварели Даниэля Смита — 15 мл
Наборы акварелей Даниэля Смита
Акварель французских художников Sennelier — пробирки 10 мл
Половинки акварели Sennelier French Artists
Наборы акварелей Sennelier
М.